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Impresiones del 3×09 de ‘El Ministerio del Tiempo’

A partir de ahora pueden cambiar muchas cosas.

‘El cisma del tiempo’. Ese es el capítulo que ha servido para que llegue la primera misión oficial de Lola Mendieta (Macarena García) con la patrulla del Ministerio. Y esta ha empezado a hacer uso de sus conocimientos en arte para sacar de más de un apuro a sus compañeros, algo muy coherente ya que cuando veíamos a la Lola interpretada por Natalia Millán siempre estaba relacionada con tráfico de piezas artísticas.

Un capítulo muy valorable, transcurrido casi todo en Peñíscola, pues cumple la función que muchas veces ha realizado la serie, la de enseñar historia. Y es que esta no es del todo tan conocida para muchos como cabría esperar y algunos espectadores han descubierto la historia del Papa Luna, Benedicto XIII, aquel cuya insistencia dio origen a la expresión de «mantenerse en sus trece». Un personaje histórico, y ahora televisivo, que ha sido interpretado muy entrañablemente por Gerardo Malla (‘Doctor Mateo’).

Según nos aproximamos al final de la temporada las misiones se van volviendo más críticas y delicadas para el Ministerio. En esta ocasión El Ángel Exterminador ha atacado a la raíz de El Ministerio del Tiempo secuestrando a Abraham Levi, el rabino que creó el Libro de las Puertas. Esta es muestra de la subida gradual de intensidad que se está realizando en la temporada. Además de que en este episodio hemos tenido menos gags.

Por otro lado ha habido una historia paralela, como suele ser habitual, en la que hemos vuelto a ver a Adolfo Suárez, en una escena que ya vimos recreada en el cómic, que por cierto hemos estado sorteando estas semanas. En dicha aventura ha aparecido también Enrique Villén haciendo un guiño a una serie española tan conocida como lo fue ‘Cámera Café’.

Pero quizá lo más importante de todo el capítulo es la conclusión de que si se puede viajar al futuro, aparte del viaje de regreso al tiempo del que se provenía como muchos decíamos que ya se estaba haciendo. Esto ha estado hilado con otro tema comiquero, con los tebeos y el serial ‘Diego Valor’, por lo que más tarea divulgativa para este estupendo episodio. Quién sabe, quizá en próximas entregas los guionistas de El Ministerio del Tiempo y los artistas de User T38 nos regalen algunas imágenes de una España en el 2025. De momento lo único que ya sabemos del futuro de la serie es que en el capítulo 10 regresa Velázquez, que no es poco.

Crítica: ‘Blade Runner 2049’

 Sinopsis

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Escrita por Hampton Fancher y Michael Green, la película se sitúa varias décadas después de la original de 1982, continuando la historia inicial escrita por Fancher y David Peoples, basada en la novela de Philip K. Dick ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’

Crítica

Visualmente es una maravilla, ‘Blade Runner 2049’ nos regala preciosas imágenes.

Siempre es complicado asimilar las segundas partes y más si es la segunda parte de ‘Blade Runner’ una de las grandes cintas de la historia del cine.

Realmente no puedo contar nada de la trama, porque cualquier cosa que cuente es spoiler, solo decir que han pasado 30 años desde que Deckard escapara. Nos volvemos a adentrar de nuevo en el futuro donde han ocurrido muchas cosas, entre ellas, que se han vuelto a permitir a los replicantes.

No voy a decir nada más, a partir de aquí hablaros de mis sensaciones. ‘Blade Runner 2049′ es una buena película, pero no la gran película que me esperaba. La trama la cuentan demasiado rápido para la duración de la cinta. Esto hace que la historia, que es muy buena, quede desaprovechada y deje insatisfecho al público sobre todo al dejarla tan abierta para una segunda parte.

La primera parte de la película es espectacular, llena de la esencia de la ‘Blade Runner’ de Ridley Scott, llena de cine negro, de ese ambiente noir, futurista y a la vez tan cargado de melancolía. Pero esto se pierde y ‘Blade Runner 2049′ se convierte en una película de ciencia ficción más. Para mí esto es un gran fallo pues lo bueno de la primera cinta es que no era una película más de ciencia ficción, sino que era una gran cinta de cine negro, futurista, si, pero era un gran homenaje al cine de detectives.

Supongo que esto se debe a que quieren atraer a un público más joven y hacer que disfruten de esta historia.

Pero bueno, no todos son pegas, el diseño de producción es buenísimo, los escenarios, vestuarios, están cuidadísimos al mínimo detalle. Se nota el cariño arrojado hacia todo.

Mencionar a Roger Deakins, encargado de la fotografía de la película, que sin duda en los próximos premios Oscar  tendría que ser recompensado. De lo mejor de la cinta.

La banda sonora deja mucho que desear, es verdad que lo tenían muy difícil, pero es muy inferior a la original. Eso sí el diseño de sonido está genial.

En cuanto al reparto está muy bien escogido. Nombrar a Harrison Ford el primero, que aunque salga poco nos trae algún momento divertido de viejo cascarrabias.

Para mí la gran sorpresa ha sido Ana de Armas, admito que me dio mucho pánico que la metieran dentro del elenco de la película, después de ver su papel en ‘Toc, toc’ no podía imaginar que iba a hacer aquí, pero estaba totalmente equivocada. Villeneuve le ha reglado un papel que ha aprovechado hasta el final. Joy, su personaje, es dulce, necesario, pues da un poco de relax para tanta tensión entre el resto de personajes. Sin duda Ana de Armas lo borda.

Jared Leto también aparece poco, pero lo mismo, lo poco que aparece es genial, nos muestra un personaje frío y sin sentimientos que lo único que quiere es seguir evolucionando.

El resto del elenco están en su salsa, el personaje de Ryan Gosling está hecho a su medida, soso y sin alma, pero ciertamente en esta cinta es necesario. Mencionar el corto cameo de Edward James Olmos y a Dave Bautista, esa fuerza bruta que nos regala una gran pelea nada más comenzar la película. Y para terminar con los actores una mención a Sylvia Hoeks, simplemente me ha encantado.

Denis Villeneuve sin duda va a dar que hablar. Quién sabe si no ocurre como ‘Blade Runner’ y con el tiempo se convierte en una película de culto. El tiempo lo dirá.

 Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre 2017. Título original: ‘Blade Runner 2049’ Duración: 152 min. País: Estados Unidos. Dirección: Denis Villeneuve. Guión: Hampton Fancher, Michael Green. Música: Jóhann Jóhannsson, Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch. Fotografía: Roger Deakins. Reparto principal: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos. Producción: Warner Bros. Pictures, Scott Free Productions, Alcon Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: Ciencia ficción. Web oficial: http://bladerunnermovie.com/

Crítica: ‘Operación Concha’

 Sinopsis

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Marcos Ruiz de Aldazábal, un empresario sin escrúpulos, lidera una productora de cine que ha caído en bancarrota. Desesperado y sin dinero, Marcos y su equipo trazan un plan para engañaar a una inversora millonaria con un doble del prestigioso actor Ray Silvela, quien ha rechazado trabajar en su película. Aprovechando el contexto del Festival de Cine de San Sebastián, empieza la gran estafa donde nada es lo que parece.

 

Crítica

Un guión fallido para una película sencilla.

El viernes 29 se estrena ‘Operación Concha’ de Antonio Cuadri. Una película sencilla y sin más pretensiones que hacérnoslo pasar bien contándonos una historia sobre los bajos fondos del cine, donde todo parece bonito, pero no lo es. Donde se nos muestra lo complicado de sacar una película.

Realmente no iba con demasiadas expectativas para esta película y tampoco he salido encantada de ella. La cinta se ve realizada con mucho cariño hacia el cine de estafas que tanto se hacía antiguamente. Me falla el guión, le sobran demasiadas gracias sin sentido intentando dar más hincapié a la comedia, cuando realmente no le hace falta. Esto hace que muchas veces te saquen de las conversaciones de los personajes y al final te pierdes parte de la acción. Además de que ya te ves venir a mitad de la película todo el desarrollo siguiente e incluso el final.

Pero por supuesto no todo es malo, la cinta está rodada en San Sebastián y la trama nos lleva al famosos festival de la ciudad, donde un productor, un director de poca monta y un contable con ganas de venganza deciden montar una estafa y lograr conseguir el dinero de una viuda rica y borracha.

Sí, aquí es donde entra Jordi Mollà pues sin él no puede llevarse a cabo la estafa, aquí el actor lo da todo con dos papeles estupendos y que sin duda borda. Creo recordar, corregidme si me equivoco, que desde ‘Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí’ el actor no había vuelto a animarse con la comedia y pienso que es un gran error, pues aquí vuelve a demostrar una vez más lo bien que se le da.

El resto de actores están estupendos, pero por supuesto tengo que mencionar al gran Karra Elejalde, que está fabuloso en sus momentos exagerados y sus momentos dramáticos. Y mencionar también a Mara Escalante, la actriz mexicana que está estupenda regalándonos el papel de viuda rica y sobre todo borracha.

Eso sí, lo que he echado de menos es haber visto mas cameos en la película, me ha encantado ver a Fernando Colomo nada mas comenzar, pero me esperaba mucho más actor o actriz por la cinta.

Además añado que la película está muy bien rodada, tenemos escenas de fugas, persecuciones, vemos también escenas donde los trapicheos y las estafas comienzan a darse forma. La fotografía y la música también son dignas de nombrar, dando mucha fuerza a toda la historia.

‘Operación Concha’ no es de lo mejor del año, pero tampoco creo que pretendiera serlo, es sencilla, tiene una buena historia de estafas y un gran reparto, entretenida sin más, sí, pero muchas veces esto es suficiente. 

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre 2017. Título original: Operación Concha. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Antonio Cuadri. Guión: Antonio Cuadri y Patxo Tellería. Música: Dario González Valderrama. Fotografía: Josu Incháustegui. Reparto principal: Jordi Mollà, Karra Elejalde, Unax Ugalde, Bárbara Goenaga, Ramón Aguirre, Alosian Vivancos, Mara Escante, Bárbara Mori, Eneko Arcas, Fernando Colomo. Producción: ETB, Abra Producciones, Miramar Media Entertainment. Distribución: Filmax. Género: Acción, comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/operacion-concha.75

Crítica: ‘La llamada’

Sinopsis

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Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.

Crítica

Un elenco que lo borda con una destacada Belén Cuesta y una música que cataliza a sus personajes.

Monjas, adolescentes, campamento de verano… Sin saber nada de la película y sin haber visto previamente el musical uno pensaría que iba a ver una película mojigata de Disney. Y es que ‘La llamada’ tiene los ingredientes para ello. Luego una vez que empiezas la película vas olvidando de forma gradual esos «prejuicios» que tenías en un principio en pos de una entretenida película donde se mezclan temas como la religión, las drogas, la sexualidad y el amor, la búsqueda de una identidad propia y con la música como vía expresiva de todo ello, como elemento catalizador en cada personaje.

Así que me voy encontrando con una historia que gira alrededor de cuatro protagonistas, un par de monjas y un par de adolescentes en edad difícil, amantes del electro latino o como se quiera llamar a ese tipo de música, y además con aspiraciones musicales, o más bien sueños, de triunfar con su propio grupo.

Pero pronto veo que la vida de María se ve alterada a través de canciones de la gran Whitney Houston. Digámoslo de alguna manera que son esa “llamada” a la que alude el título de la película. Y aquí empieza el lío.

No me gusta destripar las películas, y aquí no va a ser una excepción. Me gusta hablar de sensaciones y ‘La llamada’ me las ha dado en su mayor parte positivas. El elenco principal lo borda en sus papeles. Quizá los que la vayáis a ver os quedéis con dos de las actrices:

Belén Cuesta: que destaca por la candidez, bondad y lo entrañable de su personaje, además de una vis cómica genial, interpretando a la hermana Milagros.

Anna Castillo: pone personalidad y fuerza a su personaje de Susana, y brilla con luz propia en el filme.

Yo personalmente me quedo con Belén, que queréis que os diga, me encanta esta chica. Diciendo esto no quiero desmerecer para nada el trabajo de Macarena García como María (quien le quiera ver la conexión a través del nombre del personaje es libre de interpretarlo) y Gracia Olaya (Sor Bernarda) la monja en teoría «mala» que viene a ser un sargento tipo ‘Oficial y caballero’ o de la guardia civil pero que pronto se nos descubre su verdadera personalidad intentando buscar la unión espiritual a través de unos métodos musicales un poco pasados de moda.

Y es que ‘La llamada’ va de una búsqueda interior para las cuatro, una búsqueda que tiene como objetivo dar un nuevo sentido a sus vidas viéndose arrastradas en cierta manera por el devenir de los acontecimientos, unos hechos que van a despertar en ellas cosas que desconocían y que van a requerirles un acto de fe y valentía para poder alcanzarlas.

A mí como espectador me ha dado momentos de risas sobre todo en esos diálogos entre las protagonistas, aunque debo reconocer que me hubiera gustado un poco más de desarrollo para Sor Bernarda, para mí el personaje más flojo del guión. Tampoco aconsejo buscarle sentido al reggaeton mezclado con monjas, algo de drogas, un poco de amor, pasando por Whitney Houston y terminando en Dios. De hecho, es mejor abrazarlo todo y dejarte llevar por una comedia fresca que no se queda solo en eso, con un final que no dejará satisfecho a todo el mundo aunque para semejante batido, seguro que no es el menos adecuado ni mucho menos.

Al final no sé si el mojigato soy yo, o la película, pero siempre que te preguntas cosas cuando sales del cine no es mala señal. Yo he pasado un rato muy agradable y me pregunté por qué no conocía a Belén Cuesta y le doy las gracias a ‘Sister act’, ‘El guardaespaldas’ y al equipo de esta película por ello, que gracias a sus actrices hace que cualquier cosa cobre sentido.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La llamada. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Guión: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Música: Leiva. Fotografía: Migue Amoedo. Reparto principal: Anna Castillo, Belén Cuesta, Esti Quesada, Gracia Olayo, Macarena García, María Isabel Díaz, Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Producción: Apache Films, Sábado Películas, Tve. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, musical, adaptación. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/la-llamada

Impresiones del 3×08 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Tiempo de cuestionarse aquello por lo que luchar.

Octava entrega, ‘Tiempo de conquista’. Así se ha llamado el episodio dirigido por el director vasco Koldo Serra (‘Gernika’), quien ya se encargó de ‘Tiempo de hechizos’, la tercera parte de esta temporada. El resultado ha sido más satisfactorio pues los personajes han estado mejor explorados y explotados, aunque en esta ocasión también nos hemos encontrado con algún que otro pero.

La historia se ha centrado en el rescate de Jerónimo de Aguilar, el cual fue apresado por los mayas y compartió aventuras con el converso Gonzalo Guerrero, magníficamente interpretado por Miguel Ángel Muñoz. El episodio ha tenido un impresionante arranque, no ha perdido intensidad en casi ningún momento y como siempre ha estado acompañado del humor característico de la serie. Las únicas pegas a las que me refería antes se deben a detalles como que llegan a la aldea usando el GPS en el siglo XVI cuando no había satélites y que hablan de que allí está presente el abuelo de Alonso o de pedir refuerzos estando delante Jerónimo.

Por otro lado hemos tenido una trama paralela en la que los enemigos, ya casi clásicos de esta temporada, Los hijos de Padilla, han intentado liberar a Pere Folch. El Ministerio se ha encontrado en un atolladero pues este está muerto y debido a ello no tenía moneda de cambio. Es Lola Mendieta quien les saca de él. Aunque aún no alcanzo a entender cómo llega ella a dilucidar que el quid de la cuestión está en acudir al Salvador de niño, me parece un momento de brillantez extrema. Tampoco nos han aclarado si Salvador se acuerda de todo lo sucedido de niño cuando es mayor, pues eso podría cambiar su futuro. Pese a detalles como estos se agradecen episodios en los que lo que esté en juego sea la integridad de algún miembro del Ministerio y no de toda la historia de España o el mundo entero.

Este capítulo que ha acabado con un combate singular, con juicio por combate, como decimos más los fans de ‘Juego de Tronos’, tiene momentos valientes, como alguna conversación que ha rememorado a la época en la que vivíamos la lucha antiterrorista.  ‘Tiempo de conquista’, cuyo rodaje en su mayoría transcurrió en el Jardín Botánico de la Concepción (Málaga) ha visto también como Hugo Silva homenajeaba a su manera a Johnny Depp en ‘Piratas del Caribe’. Quizá lo más importante, argumentalmente hablando, es lo tocado que se queda Alonso con su pasado, con lo dubitativo que se queda con las razones por las que se hizo soldado.

Crítica: ‘La Cordillera’

Sinopsis

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La Cordillera se desarrolla durante una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región. Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios, y deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija; por otro, la decisión política más importante de su carrera.

Crítica

Para subir a esta cordillera no hay atajos, solo rodeos llenos de confusas señales.

Desconociendo las anteriores películas del director argentino Santiago Mitre he de decir que me ha parecido que, por lo menos en ‘La cordillera’, es un artista que se recrea mucho en conseguir reproducir los ornamentos del tipo de cine que rueda. No obstante si es capaz de captar el interés del espectador. En esta ocasión emplea dos armas: la trama política y la íntima.

Y es que ‘La cordillera’ es un thriller político en el que se va más allá de la charlatanería de presidentes petulantes y de los tejemanejes diplomáticos. Se busca ahondar en el aspecto personal de un presidente de toda una república pero se hace de manera errática, confusa, tanto para él personaje principal como para el espectador. Las intenciones de Mitre y su coguionista Mariano Llinás no son para nada translúcidas, al igual que en la política las pretensiones están como tapadas con una cortina de humo.

Mitre ha querido dar mucho peso a muchos pesos iberoamericanos y todos ellos mientras han estado girando en torno a Darín. A saber: Dolores Fonzi, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Erica Rivas, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco… Incluso se permite el fichaje de un Christian Slater que cuando hace acto de presencia parece que va a desatascar la cinta, pero no… Esa intención ha hecho que su guión abra varios frentes y posteriormente no los cierre con claridad o satisfactoriamente, o dicho de otro modo, sin conectarlos debidamente. Incorpora multitud de factores y piezas que al final de la cinta no terminan de saberse si son mero atrezo o esconden algún profundo enigma.

Ricardo Darín y Dolores Fonzi coinciden de nuevo tras haber trabajado juntos en ‘Truman’ y aunque aquí su interacción es diferente, si que se nota cierta complicidad entre ambos. Las escenas que protagonizan juntos generan cierta intriga, son de lo más salvable del filme, pero a su vez también son las más desconcertantes. Introducen aún más suspense, incluso llegando a rozar lo surrealista sacándonos totalmente de lo que venía siendo la película. La cuestión es que algo de lo que sucede entre ellos se deja en parte pendiente y por eso no le encuentro motivos para dedicarle tanto tiempo de metraje.

En lo técnico, en el plano fotográfico, musical y del sonido, ‘La cordillera’ es mucho mejor. Pero esto son solo distracciones baladís, no vienen al caso, sirven de interludio, no de soporte argumental e incluso en ocasiones de relleno.

Lo que en principio parecía que iba a ser una narración perfectamente comprensible se convierte en un galimatías de intenciones. Tanto talento no logra suplir una película que acto a acto se va enrareciendo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La cordillera. Duración: 114 min. País: Argentina. Dirección: Santiago Mitre. Guión: Santiago Mitre, Mariano Llinás. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Javier Juliá. Reparto principal: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Paulina García, Alfredo Castro, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya, Leonardo Franco, Christian Slater. Producción: Kramer, Sigman Films, La Unión de los Ríos, Telefé, Telefonica Studios, Maneki Films, Mod Producciones. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: intriga, drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/la-cordillera

Crítica: ‘Nosotros en la noche’

 Sinopsis

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Basada en la novela de Kent Haruf y adaptada por Scott Neustadter y Michael H. Weber (Bajo la misma estrella), Nosotros en la noche se desarrolla en Colorado y comienza cuando Addie Moore (Jane Fonda) le hace una visita sorpresa a su vecino Louis Waters (Robert Redford). Su esposo falleció hace años al igual que su mujer y, a pesar de vivir en un pequeño pueblo y ser vecinos desde hace décadas, mantenían poco contacto. Sus hijos viven lejos y se ven obligados a vivir solos, pero ella quiere entablar una relación y aprovechar al máximo el tiempo que les queda.

Crítica

Película sencilla que nos muestra la soledad desde el punto de vista de nuestros mayores.

De los guionistas de los éxitos ‘Bajo la misma estrella’,  ‘Ciudades de Papel’ o de la esperada ‘The Disaster Artist’, Scott Neustadter y Michael H. Weber nos cuentan una historia de amor, basada en la novela de Ken Haruf, pero más que de amor, de la necesidad de compañía y cariño, para sobrellevar la soledad de nuestras vidas.

Ritesh Batra, el director de la cinta, reune de nuevo a Robert Redford y Jane Fonda dos ancianos viudos que viven solos, sus familias están lejos y no tienen nada de compañía.

Addie (Jane Fonda) decide pasar a hablar con su vecino Louis  (Robert Reford) y comentarle lo bien que les vendría el dormir juntos, él tiene problemas de insomnio y ella echa en falta las conversaciones de cama típicas de cuando  su marido estaba en casa.

A partir de aquí, la historia como he dicho es muy sencilla, no tiene complicaciones, nos muestra la vida tal como es y como dos personas, con el único gesto de dormir en la misma cama, rehacen sus vidas poco a poco.

La película es bastante austera, sin grandes actuaciones, supongo que la historia tampoco lo pide, pero no sé, quizá algo de emoción no le hubiera venido mal. La nota sobresaliente la pone un joven Iain Armitage, el cual hace honor al personaje que le han asignado, Sheldon Cooper, hay una escena con trenes que sin duda recuerda a este último personaje.

La película me ha parecido bastante larga para lo que cuenta, sí que es cierto que también nos comentan los problemas familiares de ambos y de cómo muchas veces los hijos no ven bien que sus padres rehagan su vida con otra persona, ese papel lo representa perfectamente Matthias Schoenaerts.

Una de las cosas que menos me ha gustado, ha sido el tema de lo maquillada que aparecía Jane Fonda y de las pelucas tan sumamente repeinadas. Es solo una opinión personal, pero realmente me quitaba credibilidad a la historia de una anciana deprimida y sola.

En el trabajo técnico lo único que destacar la fotografía, sencilla, sí, pero te muestra los detalles de la vida en Estados Unidos, las casas y las carreteras interminables.

‘Nosotros en la noche’ se estrena el 29 de septiembre en Netflix, una película para la sobremesa.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de septiembre. Título original: Our Souls at Night. Duración: 101 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Ritesh Batra. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber. Música: Elliot Goldenthal. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jane Fonda, Robert Redford, Bruce Dern, Matthias Schoenaerts, Judy Greer, Iain Armitage. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80104068

Vuelve la Fiesta del Cine en octubre

Durante 3 días se podrá acceder a las salas adheridas a la promoción por 2.90 € cada entrada.

El lunes 16, martes 17 y miércoles 18 de octubre vuelve La Fiesta del Cine, la cual se celebrará en toda España. Este evento, está organizado por la Confederación de productores audiovisuales españoles (FAPAE), la Federación de Distribuidores Cinematográficos (FEDICINE), la Federación de Cines de España (FECE) y el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA).

La mecánica de esta nueva edición se mantiene, los espectadores se tendrán que acreditar en la página web www.fiestadelcine.com para conseguir la acreditación para los tres días. Los menores de 14 y mayores de 60 años no hace falta que se registren.

Las entradas para la Fiesta del Cine podrán ser adquiridas por 3 canales de venta: taquilla, cajeros de venta de entradas situados en los halls de los cines y plataformas habituales de venta por Internet.

Entre las películas que podréis ver en las salas de cine durante esos días serán ‘Abracadabra’, ‘Annabelle: Creation’, ‘Blade Runner 2049’, ‘Detroit’, ‘Emoji: La película‘, ‘It‘, ‘Kingsman: el círculo de oro‘, ‘La llamada’. ‘Madre!’, ‘Operación Cacahuete 2. Misión: salvar el parque‘, ‘Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas‘, ‘Verónica’ y muchas más.

Impresiones del 3×07 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Un regreso de cine.

Hemos estado echando de menos a varios personajes pero el regreso ha sido muy de cine. En cuanto a referencias y en cuanto a su calidad la vuelta de El Ministerio del Tiempo ha mantenido un nivel muy alto, sin llegar a necesitar momentos excesivamente dramáticos o heroicos se nos ha pasado volando. Nos han regalado un arranque con Irene volviendo literalmente a su pasado. Hemos descubierto y profundizado en su vida privada. Eso casi la condena pero también ha sido lo que la ha salvado.

Esta trama en parte nos llega ya que hay que comenzar a rellenar huecos dejados por el personaje de Amelia que nos dejó en el anterior episodio. De la patrulla original ya solo queda Alonso, que vuelve a toparse en este capítulo con Buñuel, con el que precisamente no tuvo palabras la última vez que se cruzaron. Vemos pues en este capítulo varias soluciones que ampliarán nuestros conocimientos sobre los personajes del ministerio.

Por supuesto era obvio que iba a recibir más protagonismo Lola Mendieta (Macarena García). Poco a poco asumirá el peso femenino de la serie que antes recaía casi en su totalidad en Aura Garrido. Parecía que hoy solo íbamos a verla en una trama insustancial cargada de fases facilonas pero se han revelado cosas muy importantes. Además en las redes sociales se ha abierto un intenso debate de nuevo con el tema de los tiempos paralelos, las paradojas… No quiero entrar en detalle sobre cuál es por si vais a ver el episodio en diferido pero tiene que ver sobre la vida que llevó la antigua Lola y la que comienza a llevar la nueva.

Por lo demás y sin que se pueda considerar spoiler podemos decir que esta entrega número siete de la tercera temporada, este retorno, nos deja detalles tan entrañables como un Miguel Bosé correteando de pequeño, un Buñuel (muy naturalmente interpretado por Pep Tosar) eligiendo a Pepe Isbert como maestro Yoda, a Pacino haciendo la jugada del almanaque, a un Carlos Areces como creíble un censor chupatintas…

Esta segunda mitad de la serie nos reserva siete episodios más, seis si contamos con que ya hemos visto este, en los que el Ministerio del Tiempo tendrá que librarse de un modo u otro de su nuevo enemigo, El Ángel Exterminador. El tiempo dirá como se las apaña la nueva patrulla.

Crítica: ‘Jacques’

Sinopsis

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1948. Jacques Cousteau (Lambert Wilson) y su esposa (Audrey Tautou) deciden lanzarse a la aventura y cumplir el sueño de Jacques de recorrer los océanos e investigar lo inexplorado, el mundo submarino.

Este trayecto, a bordo del Calypso, se convertirá en la odisea de toda una vida dedicada a la ciencia, la fama y la televisión, que convertirá a Cousteau en todo un mito y lo llevará a auténticos paraísos remotos. Pero la de Cousteau es una historia de luces y sombras, también marcada con los conflictos de Jacques con su pareja y sus hijos Philippe (Pierre Niney) y Jean-Michel y por la terrible tragedia que los golpearía unos años después.

Cousteau descubrió un nuevo mundo, llega el momento de descubrirlo a él.

Crítica

Un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.

Todos aquellos que crecieron fantaseando con los portentos, las ocurrencias y los descubrimientos que Cousteau fue trayendo al mundo, o simplemente aquellos que fuimos viendo, como yo, sus documentales en La2 ahora podremos descubrir una nueva cara del investigador francés. Pero esta fachada es diferente a la que podíamos imaginar, al menos así ha procurado que sea el director Jérôme Salle.

Ya en los inicios del filme vemos asombrosas y bellísimas imágenes. ‘Jacques’ es capaz de deleitarnos desde el mismo momento en que arranca con estampas familiares en las cuales enseña a sus hijos a manejarse bajo el agua y así continúa hasta que llega en sus compases finales a tomar conciencia en la Antártida de que hay que proteger el planeta. Pero para llegar a esto hay todo un viaje en el que pasamos por todo un sin fin de localizaciones por las que se han movido Jérôme Salle y su equipo y en ese periplo nos deleitan la vista casi de igual modo que Cousteau deleito a la gente en su época. Incluso el barco en el que navegaba, el Calipso, el que fue el hogar de su esposa Simmone Cousteau (interpretada por Audrey Tautou) nos ofrece bucólicos momentos. Este goce visual es uno de los mayores recreos de la película, pero no su única función.

La película se basa mucho más en escarbar en los conflictos familiares, centrándose sobre todo en la disputa continua entre padre e hijo, en la que existía entre Philippe (interpretado por Pierre Niney en su etapa más adulta) y Jacques (muy bien encarnado por Lambert Wilson). Antepone esto a su consabida fama como explorador y documentalista. El acierto es que no se cae en el sensacionalismo, haciendo uso de la famosa delicadeza francesa o pecando de ser excesivamente prudente ya que tal vez se ha pasado de comedido.  Por lo menos no se pierde de vista la perspectiva histórica y la progresión de los descubrimientos y la carrera del famoso cinematógrafo.  Este hombre que en su día podía ser considerado tanto visionario como extravagante al ser inventor pero a su vez concebir ideas como la colonización de los mares fue un personaje muy popular, incluso una estrella, con todo lo que ello rodea: rumores, verdades, secretos… Jérôme Salle ha investigado lo suyo y nos lo expone de manera  prudente, pidiendo ayuda a buenos actores como Lambert Wilson, Audrey Tautou o Pierre Niney que también han sabido interpretar el enfoque del director.

Obviamente y leyendo la frase que acompaña el cartel de la película («Quería conquistar los océanos… cuando sólo tenía que protegerlos.») nos habla del cuidado del medio ambiente. No es el principal foco de la película pero era algo inevitable tratándose de Jacques Cousteau. Sus imágenes hablan por sí solas. Si lo que ves en pantalla no te impulsa a proteger tu entorno es que no aprecias tu hogar. Lo deja caer y habría estado bien haber explorado más la idea, por hurgar en la ironía, pero si se menciona que por entonces nadie compraba cine que hablase de ecología, y ahora que hemos visto las orejas al lobo sí, ‘Jacques’ podría ser un claro ejemplo.

El trabajo de maquillaje también es digno de mención. En el caso de Lambert Wilson es obvio que se han centrado más siendo el protagonista. Le han envejecido bastante eficazmente, habiendo adelgazado este bastante para aproximarse a la languidez del marinero. Pero con Audrey Tautou también se han aplicado a fondo, haciendo que ella vaya decayendo, procurando que su rostro se vaya descascarillando de igual manera que lo iba haciendo su amado Calipso.

El ritmo del filme nos hace navegar de un modo bastante ágil. Parece que pasa excesivamente rápido por la juventud de Cousteau, que la película vaya a dejarse cosas. Pero el tramo en el que presta más atención es el que tiene más sustancia. Aunque como he dicho antes da la sensación de que se pasa a propósito ciertas partes en las que no profundiza adrede o no quiere entrar al trapo, olvida ciertos aspectos escabrosos. Al fin y al cabo esto no es prensa amarilla.

La obra de Cousteau para con el planeta igualmente permanecerá inamovible, sus palabras y sus actos siguen teniendo validez. Esta película no debería cambiar un ápice de eso, viene a demostrar que fue una persona con luces y sombras, como otra cualquiera. Por lo tanto se puede tomar este trabajo como un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: L’Odyssée. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jérôme Salle. Guión: Jérôme Salle,  Laurent Turner. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Matias Boucard. Reparto principal: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras. Producción: Fidélité Films, Pan Européenne, TF1 Films Production. Distribución: VerCine Distribución. Género: drama, biopic. Web oficial: http://www.lodyssee-lefilm.com/

Crítica: ‘IT’

Sinopsis

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La película narra la historia de siete  jóvenes marginados pasando su infancia en el pueblo de Derry, Maine, quienes se autodenominan el Club de los perdedores. Cada uno de ellos ha sido marginado por un motivo u otro; cada uno está considerado un blanco por la pandilla local de matones…y todos han visto sus peores miedos hechos realidad en la forma de un antiguo depredador que cambia de apariencia, a quien solo pueden llamar ‘It’ (eso).

Desde sus inicios, el pueblo de Derry ha sido el coto de caza para la entidad que emerge desde las alcantarillas cada 27 años para alimentarse de los terrores de sus presas preferidas: los niños de Derry. Uniendo sus esfuerzos durante un verano a la vez horroroso y animado, los Perdedores se unen para superar sus propios miedos y detener el ciclo de matanzas que comenzó un día lluvioso, mientras un niño pequeño perseguía un barquito de papel que se arrastraba por un desagüe de lluvia…y acabó en las manos de Pennywise el Payaso.

Crítica

Bajo las mismas pautas y con nuevos códigos, sigue siendo Eso.

Treinta y un años después de la salida de la novela y veintisiete de la mini serie de televisión regresa ‘IT’. En esta ocasión lo hace a lo grande con una película cinematográfica (próximamente tendrá continuación) que nos trae Warner Bros. Pictures y que ha dirigido Andrés «Andy» Muschietti. En su versión, el director argentino ha querido ser más duro, más violento, al igual que lo era la obra escrita. Pero no con ello ha logrado un resultado aterrador.

El también director de ‘Mamá’ es hijo de su época y a aplicado los códigos del género de terror actual a ‘IT’. Con ellos han logrado una ambientación y unas escenas realmente poderosas pero le han restado tensión y nos han alejado del género y del misterio que tan famosa hicieron tanto a la novela como a la película de Tommy Lee Wallace que contó con el famoso Pennywise de Tim Curry. Si, el filme tiene ese sólido drama familiar y esas impactantes secuencias a las que siempre da pie Stephen King pero está más cargada de predecibles sustos, de efectos especiales y de sonido a todo trapo, factores comunes en el cine contemporáneo. En ese sentido Muschietti estuvo mucho más contenido en ‘Mamá’, aunque en ambas películas haya incluido sus propios miedos, reflejados en el cuadro que infunde tanto temor al personaje de Wyatt Oleff.

El equipo de la película parece más centrado en rescatar el espíritu aventurero y nostálgico de los ochenta. Todos sabemos que el cine vive ciclos y modas, sobre todo el terror y la ciencia ficción. Vivimos en su día la de los vampiros, hace poco pasamos la de los zombis y ahora estamos sumergidos en la de la nostalgia. ‘IT’ no pasa inmune a ese fenómeno. Por lo tanto el tono es diferente. Tiende más a ser una aventura infantil con tintes de terror. Os va a recordar a ‘Los Goonies’ o a ‘Cuenta conmigo’, también salida de una obra Stephen King. Aunque si posee la brutalidad y la violencia de la novela, la cual se elimino de la mini serie. También, para los más acérrimos de King puedo adelantar que aparecen guiños e iconos como la tortuga, aunque sería mucho aventurar que en la segunda parte se acaben adentrando más allá de las luces mortíferas explicando los orígenes del payaso. Si sois lectores de la obra escrita os toparéis con más de un desatino, ya sabemos lo que sucede cuando se abusa del término remake o adaptación, pero también descubriréis con agrado que se han molestado en incorporar algunas cosas que no se atrevieron a introducir en los noventa. Por cierto que una de esas incorporaciones tiene que ver con la «aparición» del español Javier Botet. Aquellos que hayan leído el libro entenderán por qué digo que se ha desaprovechado bastante esa escena.

Muschietti no da descanso ni respiro al espectador en casi ningún momento. En prácticamente cada escena tenemos un nuevo momento espeluznante o con sobresalto, parece que a cada esquina nos aguarda un susto. Quizá no he tenido miedo por haber visto infinidad de veces la película clásica, tal vez alguien que descubra a Pennywise por primera vez salga aterrado de la sala, es muy probable. Miento, si he tenido un temor. Durante toda la película he pensado «tengo miedo de que se carguen la película que tanto he amado y el clásico de terror que me he leído para prepararme esta nueva adaptación». Y no ha sido así. He disfrutado esta nueva versión como una interpretación de lo que se entiende ahora como terror. Lo dicho, los nuevos espectadores seguramente salgan deslumbrados y estremecidos por partes iguales.

La calidad del nuevo Pennywise está garantizada. El trabajo de Skarsgård es demencial. Los gestos de su cara son espeluznantes, su abanico de tonalidades vocales da grima (en el buen sentido)… Ha estado a la altura, aunque como decía antes sobre los efectos especiales, gran parte de su potencial depende de eso, no como en el caso de Tim Curry. También podemos alardear de buen grupo de «perdedores», como se llama el grupo de niños protagonistas. Alguno de ellos no alcanza el nivel de sus predecesores pero en conjunto mantienen las expectativas que muchos esperábamos.

Al contrario que la mini serie o el libro esta es una narración totalmente lineal, no está compuesta de flashbacks. A su final ya nos aseguran que es una primera parte de dos. La siguiente continuará con la parte adulta que no nos han contado de la novela, ese pedazo de texto que nos aprieta la agenda a aquellos que nos gusta documentarnos bien antes de ver una película. Porque IT es un ejemplar de los gordos, de los que automáticamente vuelven a nosotros leyendo nuestras mentes y avocando a nuestros miedos cada X años, como Pennywise.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2017. Título original: IT. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Andrés Muschietti. Guión: Chase Palmer, Gary Dauberman. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Chung-hoon Chung. Reparto principal: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard,Jack Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Javier Botet. Producción: New Line Cinema, KatzSmith Productions, Lin Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, adaptación, remake. Web oficial: http://itthemovie.com/

Crítica: ‘The Limehouse Golem’

Sinopsis

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Situado en las implacables y miserables calles del Londres victoriano en 1880, ‘The Limehouse Golem’ comienza en la barroca sala de música donde sube al escenario el intérprete más famoso de la capital, Dan Leno (Douglas Booth).

En su monólogo cuenta el horrible destino de una joven que actuaba en ese escenario, su querida amiga Elizabeth Cree (Olivia Cooke), quien se enfrenta a ser ejecutada en la horca acusada de asesinar a su esposo, John Cree (Sam Reid).

La muerte de Lizzie parece inevitable, hasta que el inspector John Kildare (Bill Nighy) se hace cargo del caso de The Limehouse Golem, un asesino en serie nefasto y calculador, que mata inocentes sin ninguna conexión, dejando tras de sí cadáveres apenas identificables y una marca: «M». Nada es lo que parece, todo el mundo es sospechoso y tiene un secreto.

Crítica

Correcta historia de pesquisas y recelos.

Juan Carlos Medina ha sacado a la palestra una de las novelas del escritor y biógrafo Peter Ackroyd y nos ha brindado una historia en la que se mezcla crimen y folclore de un modo bastante correcto. Una narración en la que se gesta una combinación de nuevo Jack el Destripador con la tradición judía y el cine más clásico, con algún tinte de Se7en, si se me permite.

El largometraje está excelentemente bien ambientado. Se ubica en una época que los ingleses (es una producción de Number 9 Films) controlan y tienen de sobra explotada. Todo transcurre en un Londres que exhuma ese aroma seductor que desprende el peligro y puede recordar a series recientes como ‘Penny Dreadful’. Al igual que esa exitosa serie también se apoya en poderosos personajes femeninos (entre ellos el de María Valverde) y curtidos actores masculinos. Pero cuenta con jóvenes actores como Douglas Booth, el cual me cuesta creer que nadie haya pensado para un papel como Freddie Mercury, y mucho menos después de verle aquí como rey del escenario.

De similar modo que en la película de Carl Boese el Golem servía de pretexto o escudo para proteger a su creador en esta película se juega a la ocultación y se hace uso de las pantomimas y las mascaradas. Todos pueden ocultar algo aunque no necesariamente eso quiera decir que tengan un móvil para cometer un crimen. Por lo tanto entramos en un laberinto, en ocasiones excesivamente caótico y no por eso eficaz en el cual buscamos al autor de los asesinatos de Limehouse. Durante esa búsqueda Carlos Medina se pierde demasiado con romances y teatrillos, haciendo que nos tropecemos con tramos algo pesados o carentes de interés y con elipsis a priori insustanciales.

Cuando el guión de Jane Goldman (‘La mujer de negro’) se centra en la criminalística y lo detectivesco si es mucho más eficiente, aunque poco a poco nos va aventurando un final imaginable. También resulta más cautivadora cuando mezcla lo victoriano con las técnicas de imagen más modernas. El equipo de la película es claro conocedor de las nuevas tendencias y ha sabido centrarse en la fuerza de las imágenes. ‘The Limehouse Golem’ muestra su mayor potencial en su puesta en escena y en sus tramos más perversos.

La cinta sirve para que Bill Nighy de una nueva lección de cómo se actúa a modo de típico caballero inglés, mientras que el resto del reparto se compenetre muy bien y se pueda recuperar el espíritu de las series de misterio, crimen y época.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2017. Título original: The Limehouse Golem. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Juan Carlos Medina. Guión: Jane Goldman. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Simon Dennis. Reparto principal: Bill Nighy, Maria Valverde, Douglas Booth, Olivia Cooke, Sam Reid. Producción: Number 9 Films. Distribución: Alfa Pictures. Género: adaptación, terror, thriller. Web oficial: http://alfapictures.com/Alfa/thelimehousegolem.html

Crítica: ‘Verónica’

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Madrid, años 90. Tras hacer una Ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por peligrosas presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. Inspirado en aterradores archivos policiales nunca resueltos.

Crítica

‘Verónica’ es lo que muchos plantean pero de un modo centelleantemente mejor ejecutado.

Si tan emocionada está la audiencia española y tan atraída se siente por lo retro y lo nostálgico ‘Verónica’ le tiene preparada una buena dosis al estar basada en historias transcurridas hace ya más de veinte años y al tener lugar en territorio español. Además tiene el aliciente de estar basada en dos hechos reales que están avalados por informes policiales y por reportajes periodísticos que han sido verificados por policías en programas como Cuarto Milenio (véase el Expediente Vallecas), que si bien os pueden sonar a cuentos de fanáticos del más allá os dejarán bien claro que son hechos constatados y que se definieron como claramente inexplicables.

Es pues una película bien documentada y con un diseño de producción muy cuidado. ‘Verónica’ os atrapará visualmente pues no deja un detalle ni un rincón al azar. Su ambientación os sumergirá en una historia de puro terror con sustos, criaturas, juegos macabros y temores. Pero también posee, como suele ser costumbre, su trasfondo y mensaje. Sucede todo en ese momento en el que la niña pierde su niñez. Momento en el que la mujer sirve, espiritualmente hablando, de umbral al más allá o cuando muchos dicen se encuentra en un momento más perceptivo para toparse con seres de otros planos. Se podría interpretar como un intento de mostrar el temor al cambio, al paso de una etapa a otra de la vida, sobre todo a raíz de la falta que sufre la protagonista de una figura adulta o de un guía.

Sé que Héroes del Silencio pegaba fuerte en aquella época y que ‘Hechizo’ describe bien el estado de Verónca, incluso hace las veces de mantra con todas las veces que se repite. Pero no me parece acorde al tono que lleva el largometraje y tampoco hace buenas migas con el resto de temas de sintetizador que suenan en el filme. Esto y que el CGI (de muy alta calidad) a veces delata los sustos que están por venir, son las dos únicas pegas que le puedo encontrar a una película mucho más que recomendable para refugiaros en una noche de este caluroso verano.

Pero si algo me ha sorprendido de ‘Verónica’ y por eso lo he dejado para el final, como quien reserva su parte preferida de un plato combinado es, la protagonista, Sandra Escacena. En este su primer trabajo representa su papel de un modo muy natural, controlando correctamente los momentos más intensos. Pero ampliando mi asombro he de decir que los tres niños que la acompañan están excelentes. Ellos son muy responsables de que sintamos escalofríos y miedo, sin que sean directamente artífices del terror que realmente se gesta en la casa. Se nota que no son muchachos norteamericanos adoctrinados desde su nacimiento para actuar cual miliciano africano secuestrado desde bebé para las guerrillas. Los cuatro calcan el modo de comportarse de los hermanos de esa época.

Sin duda es una película que parte de una base real, aunque luego se la haya maquillado con la espectacularidad del cine. Una vez más Paco Plaza demuestra ser tan hábil incorporando giros de cámara y secuencias hipnóticas como añadiendo comedia a un género que parece no admitirla. Tampoco se resiste a sumar algún que otro momento sangriento. Queda constancia de que es alguien que vive el género y ama una determinada época o estilo.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2017. Título original: Verónica. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guión: Fernando Navarro. Música: Chucky Namanera. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Sandra Escacena, Bruna González, Claudia Placer, Iván Chavero, Ana Torrent, Sonia Almarcha, Maru Valdivielso, Leticia Dolera. Producción: Apaches Entertainment, Televisión Española (TVE). Distribución: Sony Pictures. Género: terror, basado en hechos reales.

Crítica: ‘Death Note’

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un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.

Crítica

Cuando una historia buenísima termina siendo mala. 

Hemos podido ver la versión estadounidense de ‘Death Note’ para Netflix que ha realizado el director de la fallida ‘Blair Wich’ Adam Wingard y aquí os dejo mi opinión.

Ante todo decir que soy una gran fan de la obra original, en primer lugar lectora del manga y después seguidora del anime, pero vi la película de Netflix con la mente abierta, sin pensar para nada en la original y dando una oportunidad a una adaptación que podría haber sido tremenda. Sí, digo podría, porque por desgracia lo que tenemos ante nosotros es un gran despropósito, me da una rabia enorme, porque la historia original es tremenda.

La base de la historia nos cuenta como Light Turner, un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.

No quiero andar comparando con la obra original porque no acabaría, como película ‘Death Note’ deja mucho que desear. Me ha recordado mucho a lo que sucedió con ‘Dragon Ball: Evolution’, algo que es fácil de hacer lo han convertido en complicado y malo.

Han intentado crear una historia para un público más adolescente, al que las muertes al estilo ‘Destino Final’ seguro le vuelve loco, pero por buscar ese tipo de público han olvidado que esta historia era muy adulta y no han sabido sacarle partido para nada.

El reparto en general es bastante malo, las actuaciones dejan mucho que desear, sobre todo me ha decepcionado Nat Wolff, en realidad no me he visto ninguna película suya, pero mucha gente me había hablado genial de él por sus papeles en ‘Ciudades de papel’ o ‘Bajo la misma estrella‘, pero aquí realmente está fatal. No queda nada de ese Light atractivo, inteligente y malévolo que nos muestran en el anime, absolutamente nada.

Y ya no digo del personaje de L, totalmente desperdiciado.

Sí que es cierto que podemos salvar al gran William Dafoe, en su papel como shinigami, el cual llega a crear cierta simpatía por este dios de la muerte y a la vez cierto miedo. Creado en CGI, decir que está bastante bien.

Si sois fans de la historia original avisados quedáis que si vais en busca de esa lucha de mentes, de esa lucha entre el bien y el mal, el uso de la inteligencia y engaños para ganar, aquí no vais a encontrar nada de eso. La historia de Death Note tenía muchas cosas buenas, que aquí se han perdido para pasar a ser simplemente una persecución que no lleva a ningún sitio.

Después de la grata sorpresa que nos llevamos con la adaptación de ‘Gosth in the shell’, que lo sé, tampoco es perfecta, pero tiene muchas virtudes, me esperaba mucho de esta película pues tenía un material muy bueno para aprovechar y lo podrían haber hecho mucho mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto 2017. Título original: Death Note. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Director: Adam Wingard. Guión: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides, Jeremy Slater. Música: Atticus Ross, Leopold Ross. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Natt Wolff, Williem Dafoe, Margaret Qualley, Shea Whigham, Keith Stanfield, Michael Shamus Wiles, Matthew Kevin Anderson, Tony Ali, Ash Lee. Producción: Netflix, Vertigo Enterntainment. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80122759

Crítica: ‘La Torre Oscura’

 

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Existen otros mundos además de este. La Torre Oscura de Stephen King, la extensa y ambiciosa historia de uno de los autores más célebres del mundo, prepara su lanzamiento a la gran pantalla. El último Caballero Guerrero, Roland Deschain (Idris Elba), ha estado enfrascado en una batalla eterna con Walter O’Dim, también conocido como El Hombre de Negro (Matthew McConaughey), decidido a impedir que éste derribe la Torre Oscura, que mantiene unido al universo. Con el destino de los mundos en juego, el bien y el mal colisionarán en la batalla final en la que sólo Roland podrá defender la Torre de El Hombre de Negro.

Crítica

Simplona en unos sentidos y satisfactoria en otros.

No es difícil encontrar a lo largo de la historia obras de Stephen King adaptadas para la gran y pequeña pantalla. Incluso entre los estrenos de este año existen diversos títulos como ‘La niebla’ o ‘IT’. Nos topados con grandes batacazos como la serie de ‘La cúpula’ o la inadvertida ‘Cell’ y con conocidísimos éxitos como fueron ‘Carrie’ o ‘El resplandor’ (la cual tiene mucho que ver con esta película que nos ocupa hoy). Y ahora en 2017 le ha llegado el turno a la obra más amplia y compleja del autor, la más arriesgada de adaptar si se trata de satisfacer a los lectores y si miramos la cantidad de volúmenes y páginas, ‘La Torre Oscura’. Quizá sea por toda esta dimensión que se ha optado escribir una historia novedosa, no salida exactamente de un libro de la serie. No es una adaptación como tal, sino más bien una continuación inspirada en ese multiverso creado por el autor. Como ya se dijo, esta película es una secuela de los libros, en concreto del séptimo, pero no paréis de leer aquí si no sois coleccionistas de estos.

No es de extrañar que para hacer esta película hagan falta varios  guionistas. Intentar resumir, sintetizar y expresar lo enrevesado y complejo que es este universo de Stephen King en una sola película es muy difícil para una sola persona.  La saga de ‘La Torre Oscura’ (la cual os hemos ido reseñando aquí) posee una complejidad que daría para una saga de películas de dimensiones descomunales y es por eso que se agradece que se haya tomado la decisión de crear algo nuevo. Pero no se ha logrado algo tan rompedor como la novela. Decepcionará a aquellos que se maravillaron con los argumentos y giros cada vez más desconcertantes de las sucesivas entregas. En ese proceso de simplificación se han eliminado conceptos, elementos e infinidad de personajes que enriquecen mucho las obras escritas y que se explican mejor con palabras. Pero aún así ‘La Torre Oscura’ de Nikolaj Arcel satisfará a muchos lectores que encontrarán algunas respuestas pendientes.

Se ha cuidado mucho de no perder de vista al lector. Se respeta todo el pasado de los personajes y hay coherencia en la historia. Todo cuadra y hay quien tomará la cinta como un broche. Es por eso también que hay muchos guiños a ingredientes de los relatos de Stephen King, pero no solo de los que componen la saga de ‘La Torre Oscura’, si no de los que forman parte de otros muchos. De ese modo se consigue aumentar ese sabor a multiverso, esta película, al igual que la saga de novelas, es en sus detalles una gran confluencia. Así pues aquellos que hayan leído o visto el trabajo de Stephen King subirán más niveles de esta Torre Oscura.

Pero esta película se puede ver como una película de ciencia ficción o de fantasía como otra cualquiera, sin ser experto en el escritor de Portland. Por que como cinta de género con su funcionamiento particular está bien explicada, no hay que haberse leído las 8 obras publicadas. Eso sí, en ese trabajo de reducción de síntesis han caído en el error de cumplir con patrones bastante repetidos en el cine: protagonista que descubre habilidades, se abre a un nuevo mundo, le asaltan nuevos peligros/enemigos, conoce a un mentor, se enfrenta a sus peores temores… Se convierte pues en una película muy convencional, con un trasfondo muy potente, que probablemente hará que corráis a leer las novelas como locos para comprender muchos de los guiños que posee.

Por supuesto otro de sus aciertos es su reparto. Mucha fuerza tienen en pantalla y se compenetran muy bien Idris Elba y Matthew McConaughey. Ambos han tenido mejores interpretaciones pero comprenden y representan bien sus papeles. No obstante el peso de la película no recae en ellos. El principal protagonista, Jake, está interpretado por un emergente Tom Taylor, y ya apunta maneras. Pongo la mano en el fuego por este chico que en un futuro podría darnos grandes sorpresas y que muchos de vosotros seguro que ya le habéis visto en series como ‘Taboo’. En ‘La Torre Oscura’ tiene sus pequeños momentos para mostrar algún que otro destello, pocos pero no hace falta ser un lince para verlos.

Como lector de parte de la saga por supuesto que os recomiendo ver la película, sobre todo si ya habéis leído el séptimo libro. Y como seguidor de películas de ciencia ficción también. Consiste en una narración rápida, con mucho espectáculo, un buen acabado y algunos enigmas que solo entenderán los lectores, pero sin complicaciones. Es la clásica historia de la lucha entre el bien y el mal pero bajo la enrevesada mirada de Stephen King.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: The Dark Tower. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Nikolaj Arcel. Guión: Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen. Música: Junkie XL. Fotografía: Rasmus Videbæk. Reparto principal: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor,Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri,José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert. Producción: Columbia Pictures, MRC, Imagine Entertainment, Weed Road. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, fantástico, adaptación. Web oficial: http://www.thedarktower-movie.com/site/

Crítica: ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’

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Valerian (Dane DeHaan) y Laureline (Cara Delevingne) son agentes especiales del gobierno de los territorios humanos, encargados de mantener el orden en todo el universo. Valerian busca algo más que una relación profesional con su compañera, por lo que la persigue abiertamente con constantes proposiciones románticas. Sin embargo, el amplio historial de Valerian con las mujeres, junto con los valores tradicionales de Laureline, la llevan a rechazar todos sus intentos.

Bajo las órdenes de su comandante (Clive Owen), Valerian y Laureline emprenden una misión en la impresionante ciudad intergaláctica de Alpha, una metrópolis en constante crecimiento compuesta por miles de especies distintas, procedentes de todos los rincones del universo. Los diecisiete millones de habitantes de Alpha han convergido con el tiempo, uniendo sus talentos, tecnología y recursos por el bien común. Por desgracia, no todo el mundo comparte esos mismos objetivos en Alpha; de hecho, hay en marcha unas fuerzas ocultas que ponen en grave peligro a nuestra raza.

Crítica

Una aventura de LucBesson al que se le van las tramas de las manos

Lejos de lo que había leído antes de ir a ver la película, Valerian ha resultado ser una película de aventuras bastante divertida y con unos puntos realmente interesantes, pese a que nos han intentado meter el romance con calzador y poca química.

El planteamiento de la película resulta interesante desde su inicio, en el que veremos la fundación de Alpha, la nave ciudad de los mil planetas que da título a la cinta y en la que nos presentan de una forma muy visual bastantes de las razas que viven y comparten espacio en esa nave, y cómo va evolucionando la propia ciudad, para después pasar a un mundo idílico en el que se nos presentará el problema que amenaza la ciudad y que dará el pistoletazo de salida a la aventura.

El aspecto visual es simplemente espectacular. No soy un gran fan de ‘El Quinto Elemento’, y me parece una película demasiado recargada, pero por suerte en ésta ocasión se nota que los años han pasado y han servido para pulir esas cosas que en aquella película resultaban excesivas, y que aquí funcionan muchísimo mejor.

Respecto del guion, baste decir que es bastante simple, pero es lo que se espera de una buena película de aventuras espaciales. No olvidemos que los personajes están basados en una serie de álbumes de cómic francés de los años 60, de los cuales ha bebido la ciencia ficción desde entonces. Desde ‘Star Wars’ (pese a que George Lucas lo ha negado siempre) hasta ‘El Quinto Elemento’, donde el dibujante de la serie, Jean Claude Mézières, trabajó con Besson, la influencia de Valerian se deja ver por toda la ci-fi moderna.

Desgraciadamente, como decía, en el guion está uno de los puntos débiles de la película. Pese a ser divertida, hay varios momentos en los que parece que los guionistas querían meter varias historias y no sabían cómo. De repente en dos ocasiones la trama principal desaparece, y lo que es peor, parece que los personajes se olvidan por completo de ella, para empezar y terminar una subtrama que, desgraciadamente, no aporta nada, y lo que es peor, resulta repetitiva en las dos ocasiones en las que ocurre.

Hablando de las fallas de la película, el otro problema reside en el cásting. Pese a que muchos critican las capacidades actorales de Cara Delevigne, me ha parecido que en ésta ocasión está más que correcta, presentándonos un personaje duro y tierno a la vez, Laureline, a la que cogemos cariño rápidamente.

Respecto a Valerian, DaneDeHaan no está tan bien como cabría esperar. En teoría Valerian es un personaje canalla y aventurero, pero no llega al nivel. En ningún momento te crees que tenga una agenda de amantes esperando por él, y tampoco parece un gran héroe.

Mención aparte merece Rihanna. También se anunció su presencia como clave para la película, y la realidad es que su aparición es un cameo sobrecafeinado, con una trama propia que no aporta absolutamente nada a la trama principal, y que parece hecho a medida para lucimiento personal de ella.

Con todo, Valerian es un film entretenido, que el público fan de las películas de aventuras sabrá disfrutar, y al cual le sobra un buen rato de metraje. Además, cualquier espectador  será capaz de decir exactamente dónde se hubiera podido cortar para hacer una película mucho más redonda.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: Valerian and the City of Thousand Planets. Duración: 137 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guión: Luc Bisson. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya. Producción: EuropaCorp, Fundamental Films, Grive Productions. Distribución: eOne Films. Género: adaptación, comic, ciencia ficción, fantasía. Web oficial: http://valerianmovie.com/

Crítica: ‘Sharknado 5: Aletamiento global’

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En ‘Sharknado 5’, Fin Shephard (Ian Ziering)  y su mujer biónica April (Tara Reid) se toman esta nueva misión como algo personal cuando el más joven de sus hijos queda atrapado en un “viajenado” y transportado por todo el mundo. De Londres a Rio de Janeiro, Tokio, Roma, Amsterdam y más allá, nuestros héroes trotamundos necesitarán la ayuda de un grupo altamente cualificado: gente de la realeza, estudiosos y deportistas olímpicos; junto con caras conocidas del mundo de la comunicación, el entretenimiento y los deportes en su batalla más épica hasta la fecha.

Crítica

Que no pare el ciclón de sinsentidos.

Poneos a cubierto, ya está aquí el ataque anual del tornado escualo. Como cada año desde 2013 sufrimos una oleada de sharknados y este 2017 no iba a ser menos. De nuevo de la mano de Syfy y del director Anthony C. Ferrante contemplamos como un huracán compuesto de enfurecidos tiburones arrasa nuestro planeta. Y en esta ocasión lo hace a niveles globales pues los protagonistas se desplazan por todo el mundo para intentar salvarnos. Durante la película viajaréis por varias naciones y está estará presente en más de 100 países en su estreno, un síntoma de que realmente asistimos a un «aletamiento global», a una fiebre mundial por Sharknado.

Como he dicho mismo director pero cambiamos de guionista. Si las cuatro anteriores entregas estuvieron gestadas y escritas por Thunder Levin (‘Mutant Vampire Zombies from the hood!’) ahora el responsable del guión ha sido Scotty Mullen. Este escritor especializado en comedias de acción ya despuntó dentro del género con ‘Zoombies’ y se enfrentaba al reto de superar una cuarta entrega que nos transportó al espacio. Pero con esta quinta producción de ‘Sharknado’ ha hecho bajar algo el nivel de la saga. Si, vemos las mismas locuras y los mismos disparates, pero no vivimos momentazos del mismo calibre o chispa que los que se rodaron en las anteriores películas. Los largometrajes del tipo ‘Sharknado’ no son para tomárselos en serio, por eso donde radica su gracia es en sus instantes de demencia y desvarío, algo exentos esta ocasión. Al menos sí que tiene la ocurrencia de mezclar cosas como el steampunk, las hermandades, las estaciones de combate, los tornados nucleares, un Sharkzilla, los mundos postapocalípticos, el snowboard al son de Offspring… y por supuesto las parodias de películas clásicas. Pero yo me quedo con el momento que une Los Diez Mandamientos con Dragon Ball y una Tara Reid ataviada como una cyborg Monster High.

Lo que atrae a mucha gente a ver las películas de ‘Sharknado’ son las celebrities. Los famosos son los que le dieron vidilla a este fenómeno al principio en Twitter y ellos son los que con sus apariciones llaman a los espectadores. La mayoría es masacrada por tiburones pero alguno logra salvarse, como Al Roker que ya ha salido en varias películas. En esta entrega podréis ver a Chris Kattan (‘Movida en el Roxbury’), Tony Hawk, Dan Fogler (‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’) u Olivia Newton-John (‘Grease’), pero quien se lleva la palma es Dolph Lundgren, no os diré por qué. Podéis consultar algunos más aquí. Lo cierto es que con o sin famosos este ‘Sharknado’ número cinco es el más plástico, y no lo digo por el carácter cambiante de sus tornados, si no por el desfile de silicona y botox que vais a ver.

Esta saga también va de sagas familiares, la de los Shepard en concreto. La familia de Fin está más separada y en peligro que nunca y sobre todo en su final es cuando esta adquiere más importancia. Es su hijo menor el hilo conductor de toda la película y el que dará pie a la sexta entrega de la saga, ¡por supuesto que habrá más! Esperemos que en esa próxima película se profundice en el origen de los sharknados, del cual ya se comienza a hablar aquí.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: Sharknado 5: Global Swarming. Duración: 90 min, País: EE.UU. Dirección: Anthony C. Ferrante. Guión: Scotty Mullen. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Ryan Broomberg. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Cassandra Scerbo, Cody Linley,David Naughton, Russell Hodgkinson, Jena Sims, Daniel Eghan, Benny Bereal,Jag Patel, Kate Garraway, Kishore Bhatt, Charlotte Hawkins, Paul O’Kelly. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: Syfy. Género: ciencia ficción, serie B, comedia. Web oficial: http://www.syfy.es/videos/sharknado-5

Crítica: ‘Emoji la película’

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Emoji la película descubre los secretos nunca antes vistos del mundo interior de tu smartphone. Oculta tras la aplicación de mensajes de texto, Textópolis, es una ciudad bulliciosa en la que conviven todos tus emoticonos preferidos, a la espera de ser seleccionados por el usuario del teléfono. Se trata de un mundo en el que cada emoji tiene una única expresión facial, salvo en el caso de Gene, un entusiasta emoji que nació sin filtro alguno y tiene distintas expresiones. Dispuesto a ser “normal” como todos los demás, Gene pide ayuda a su mejor amigo “Choca esos 5” y el descifrador de códigos de mala fama, “Rebelde”. Juntos, se embarcarán en una épica “app-ventura” paseándose por todas las apps del teléfono, cada una en su contexto alocado y divertido, para dar con el código que reparará a Gene. Pero cuando surge una amenaza inesperada que pondrá en peligro al teléfono, el destino de todos los emojis dependerá de estos tres amigos que harán todo lo posible por salvar el mundo antes de que sea eliminado para siempre.

Crítica

Mejor de lo esperado, pero aún así poco eficiente.

No hay duda de que los emoticonos forman parte de nuestra vida. Difícil es que podamos decir que hemos pasado un día sin encontrarnos alguno en nuestras conversaciones telefónicas. Estos jeroglíficos modernos expresan en el mundo digital nuestro estado de ánimo, reacciones, ideas… Ahora, a través de una aventura animada, podemos obtener otra visión de ellos, mucho más fantasiosa e infantil de la que puede tener un programador informático, por supuesto. Pasando de este modo a formar parte del imaginario cinematográfico, superando en algunos sentidos mis bajas expectativas pero quedándose muy corta en sus pretensiones.

La selección de los personajes debió de ser como entrar en un buffet libre. El menú de nuestro teclado ofrece multitud de posibilidades y la elección de los guionistas (Eric Siegel, Anthony Leondis) está acertada. Han creado un protagonista con el que sentirse identificado y le han rodeado de carismáticos amigos de diversa índole. Pero no son sus criaturas, si no sus palabras, donde reside el desatino de ‘Emoji la película’.

El rango de edades al cual está dirigido la película no está bien definido. Los que fuimos a la E.G.B., las generaciones criadas en el siglo pasado, entenderemos mejor el mensaje de la película, pero somos ya demasiado adultos para el tipo de humor empleado. Sin embargo los más jóvenes se reirán de la gran cantidad de chistes fáciles y simplones que tiene la película, pero se perderán con el sentido de algunas frases y con muchas de las decisiones de los protagonistas.

Los únicos chascarrillos y recados que nos deja casi sin querer ‘Emoji la película’ para un público adulto tienen que ver con el uso prematuro de las tecnologías y lo absorbidos que estamos por el mundo digital, reduciendo nuestras relaciones humanas al mínimo incluso cuando el receptor de nuestro mensaje está en la misma sala. Podría servir para que un adulto haga autocrítica y reflexión, pero nuestros bisoños no se percatarán de esto por el modo en que está presentado, si acaso correrán a redactar mensajes con emoticonos. Si que es cierto, y se agradece, que en determinada escena y en su climax intente mandar el mensaje, nunca mejor dicho, de que es mejor un amigo real que muchos seguidores en las redes sociales. Pero eso no parece que impacte en nuestro protagonista humano.

Las voces tras las bambalinas de estos seres que cobran vida tras las bambalinas de nuestro teléfono llegan realizadas por estrellas muy conocidas. En su versión original figuran en el reparto T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Cristina Aguilera… Pero yo la he visto doblada y he de decir que las personas elegidas para las voces en castellano han realizado un trabajo muy bueno. A parte de que el casting de doblaje me parece bien configurado, los actores que han estado involucrados en la película han hecho un buen uso de sus voces. En especial destaca la labor de Macarena Gómez como Rebelde y de Quim Gutiérrez como Gene, el protagonista, aunque él está más reconocible. No creo que haga falta decir que Carlos Latre está muy atinado con sus cuerdas vocales.

Gráficamente está lograda, incluso podría decirse que sirve de ejemplo visual del mundo digital para los más pequeños. Es una manera original de dar vida a algo tan estático como son los emojis de nuestros smartphones. Desde que tenemos constancia de un emoticono gráfico (en 1881) hasta la fecha mucho han cambiado estos caracteres ilustrados. Ahora tenemos una nueva concepción de ellos, menos aguda y cómica de lo que cabría esperar, pero con alguna que otra virtud.

‘Emoji la película’ no está mal concebida, por mucho que oigamos eso de «ya no saben de qué hacer películas». El problema del filme es que no tiene un público objetivo claro en cuanto a su humor o le falta más chispa. La idea y la historia esta sorprendentemente bien desarrollada, aunque no suficientemente bien explotada. Tal vez dentro de varias décadas miremos esta película y con nostalgia recordemos las aplicaciones que aparecen en ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: The Emoji Movie. Duración: País: EE.UU. Dirección: Anthony Leondis. Guión: Eric Siegel, Anthony Leondis. Música: Patrick Doyle. Reparto principal (doblaje original): T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Maya Rudolph, Cristina Aguilera. Reparto principal (doblaje español): Quim Gutiérrez, Macarena Gómez, Úrsula Corberó, Carlos Latre, Mario Vaquerizo. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: http://www.theemoji-movie.com/

Crítica: ‘Inside’

Sinopsis

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Una mujer en su tercer trimestre de embarazo es acosada por una extraña que está obsesionada con su hijo nonato.

Crítica

Un gran acierto esta adaptación, Miguel Ángel Vivas nos trae una versión más tensa y dinámica.

Del director de ‘Extinction‘, llega ‘Inside‘ adaptación de la cinta de terror francesa ‘Al Interior’ con guión del gran Jaume Balagueró (‘REC‘, ‘Musa’) y Manu Díez (guionista de ‘REC 4‘). Miguel Ángel Vivas hace de ‘Inside’ un verdadero thriller, donde la situación es tan real que verdaderamente lo pasas mal.

Una madre es acosada por una mujer que lo único que busca es conseguir el bebé que la primera lleva en su vientre. La historia podría pasar en cualquier casa, por eso es tan terrorífica, no es una película de grandes sustos, sino la tensión es la que juega con el espectador en esta cinta.

Esto ha sido gracias en parte a la dirección técnica, los planos, la música, la casa en general se puede convertir perfectamente en una gran tumba para nuestra protagonista.

Como en sus anteriores películas el tema de la familia vuelve a salir a flote, el proteger a los seres que más quieres ya sea de personas o de seres monstruosos como en el caso de ‘Extinction’.

Y por supuesto, esta gran atmósfera y tensión ha sido gracias a las dos actrices, ambas están estupendas. Rachel Nichols (‘Star Trek’) con su imagen frágil, sola en una gran casa, con un estado de ánimo terrible por culpa de lo ocurrido durante el viaje, hace que estés todo el rato preocupado por ella y por su bebé. Mientras que Laura Harring (‘Mulholland Drive‘) está estupenda, su frialdad, su mirada, sus gestos, toda su actuación es impresionante y logra meternos el miedo en el cuerpo.

No me gustan las comparaciones, pero sí que es cierto que al ser una adaptación es imposible no hacerlo. Miguel Ángel logra una cosa que no se logró ver en la cinta francesa y es que a ambas protagonistas les da un lado humano y otro deshumanizado. Se ve como en esa noche el personaje de ambas evolucionan, una de ellas para poder sobrevivir y quedarse con su bebé, la otra por lograr su cometido y robar a la criatura.

Quizá lo único que le puede sobrar a la cinta es que se introducen varios giros de guión que quizá no eran necesarios, llega un momento que se puede perder un poco el interés de lo que va a ocurrir a continuación.

La sangre desaparece, su predecesora es mucho más visceral, esta se centra mucho en el suspense, cosa que en mi opinión es una verdadera mejora. Es una película muy disfrutable, para ir al cine dejar de pensar y simplemente pasarlo mal.

Eso sí, ‘Inside‘ logra ser totalmente distinta a ‘Al interior‘ y eso es algo bueno, pues tenemos dos películas que disfrutar, con la misma historia pero totalmente diferentes la una a la otra.

No os la podéis perder.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Inside. Duración: 91 min. País: España. Director: Miguel Ángel Vivas. Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Rachel Nichols, Laura Harring, Andrea Tivadar, Stany Coppet, BenTemple, Craig Stevenson, Richard Felix, Maarten Swan, David Chevers, Steve Howard.  Producción: Nostromo Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Terror, thriller.

Crítica: ‘Spider-Man: Homecoming’

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Un joven Peter Parker/Spider-Man (Tom Holland), quien hizo su sensacional debut en ‘Capitán América Civil War’, comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su supervisor Tony Stark (Robert Downey Jr.) Peter intenta mantener una vida normal pero irrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y con él, lo más importante de la vida de Peter se verá amenazado.

Crítica

El Spider-Man que muchos estaban esperando.

Ciertamente me supo a poco lo que vi del Spider-Man de Tom Holland en ‘Capitán América: Civil War’, por cantidad de minutos más que por calidad. Desde ese mismo punto arranca la película de Jon Watts que supone la consagración del matrimonio entre Sony y Marvel/Disney, que ha dado a luz esta película, la cual, entra en la onda y el estilo de todo el universo Avengers. Pero lo hace aportándole nuevas formas. No supone un cambio tan eficiente ni rompedor como el que Fox consiguió con ‘Deadpool’ pero está ahí ahí.

Malo sería que no atinasen a conseguir algo satisfactorio y a elaborar bien la historia o conseguir dar forma a un Spider-Man adecuado con seis guionistas que tiene el filme, entre ellos el director. También era de esperar que tomasen nota de los fallos anteriores, tanto de la saga de Raimi como de la del cercano reinicio de Marc Webb. He de decir que además del cómic me gustaba mucho la serie de animación de los noventa y este Spider-Man recuerda mucho más al de los dibujos que al de Tobey Maguire o Andrew Garfield. Tiene esa personalidad adolescente, pilla, burlona y parlanchina que muchos lectores demandan. Ahora solo falta que la franquicia adquiera ese carácter tan coral que han tenido siempre con respecto a los villanos, tanto en cómics como ‘Los enemigos letales de Spider-Man’, como en la serie televisiva. Poco a poco se irá construyendo.

Como he mencionado ‘Spider-Man: Homecoming’ está muy integrada en el universo de Marvel Studios. Cada dos por tres vemos elementos, se citan acontecimientos o aparecen personajes de la saga de superhéroes, en su mayoría de veces quien aparece es Robert Downey Jr. / Iron Man. Pero lo hace a título de tutor del mundo de las mallas y no está tan presente como temía, queriendo que esta fuese de verdad una película en solitario de Spider-Man. Pero, aunque me ha parecido muy buena película, peca de estar obsesionada con la integración del personaje en la ya mencionada franquicia. Si analizamos y le quitamos todo el trasfondo de Los Vengadores se convierte en episódica.

Consecuencia de ello es la adaptación del personaje de El Buitre que ha interpretado correctamente Michael Keaton. Se le ha cambiado ligeramente para darle coherencia con el universo cinematográfico al que entra a formar parte. Keaton ejerce de malvado con motivaciones realistas, nada megalómanas. La lástima es que al final se juega a lo mismo que a lo que se jugaba con el Duende, esto lo entenderéis mejor viendo el filme. Pero las maneras del actor están acorde al personaje y de acumular más películas podría convertirse en un clásico.

Que por cierto, que hablando de actores del filme, Laura Harrier, la supuestamente elegida para arrebatar el corazón a Peter Parker, parece poseer menos calidad actoral que la «MJ» de Zendaya, que se mantiene en segundo plano y seguro que en posteriores películas adquirirá peso.

Haciendo un popurrí de otros detalles del filme. La tonalidad de la película también es un acierto: ágil, ajetreada, colorista, amena…  Junto a ella va la música de Giacchino, que sin lograr construir un leitmotiv pegadizo nos transporta a un mundo heroico. Desconocedora de ese tinglado es la nueva tía May. Todo el mundo cuestiona su edad pero recordemos que Marisa Tomei tiene ya más de cincuenta años. Otra cosa es que como a mí, no convenza su calidad y candor. Mejor actor me parece Logan Marshall-Green, al que prácticamente le pasa casi como a James Franco en ‘Alien: Covenant’.

Por supuesto hay huevos de pascua y curiosidades. El filme tiene varios guiños a las anteriores entregas de Spider-Man y de manera casi obligada a los cómics. La nueva miscelánea de Marvel Studios se presenta con la clásica sintonía de 1967 (podéis oírla aquí con la orquesta de Giacchino). Se han montado dos escenas post-créditos, una a mitad y otra al final de estos. Ambas relacionadas con el futuro de esta franquicia salida de la mente de Stan Lee. Como no, el artista tiene su tradicional cameo. Como parece ser tradición también que la voz de las IA’s estén relacionadas con Paul Bettany, que ponía voz a Jarvis antes de encarnar a Visión. No porque aparezca él si no porque hay otra llamada Karen a la cual dobla Jennifer Connelly, esposa de Bettany.

Le ha venido bien a Spider-Man esta vuelta a casa, esta graduación. No reincide en los consabidos inicios del héroe ni el drama del tío Ben. Me ha quedado la tesitura de si es la que más me ha gustado hasta la fecha. Solo sé que si a la segunda de Sam Raimi le hubiesen incluido este Spider-Man habríamos tenido un coctel explosivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio de 2017. Título original: Spider-Man: Homecoming. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guión: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Tom Holland, Michael Keaton, Zendaya, Marisa Tomei, Robert Downey Jr. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: cómic, adaptación, ciencia ficción. Web oficial: http://www.spidermanhomecoming.com/

Crítica: ‘Diario de Greg. Carretera y manta’

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En “Diario de Greg: Carretera y manta”, el viaje de la familia para asistir a la fiesta del 90 cumpleaños de la abuela, se sale jocosamente de lo previsto gracias al último plan de Greg de acudir a una convención de videojuegos. Basada en una de las series de libros más vendidas de todos los tiempos, esta aventura familiar a través del país se convierte en una experiencia que sus protagonistas no olvidarán jamás.

Crítica

Fresca y divertida para este verano tan caluroso

La familia Heffley hace el viaje de sus vidas, lo que no saben es que absolutamente todo va a ir en su contra.

Basada en los libros de Jeff Kinney, es la cuarta película que se hace sobre este personaje y la primera que veo. Tampoco soy lectora, pero sí que admito que sí los libros son como la película de la que aquí hablamos, entiendo perfectamente el éxito que han tenido hasta ahora.

La película es divertida, sencilla y a la vez llena de situaciones surrealistas que hacen que el viaje de nuestros protagonistas sea un auténtico desastre.

La cinta trata un tema actual, la entrada de la tecnología en la vida de las familias con niños. Una madre que quiere un viaje normal sin que los móviles, ordenadores o consolas interrumpan la vista de la naturaleza. Una misión bastante complicada en un mundo lleno de redes sociales y donde no subir una foto diaria a Instagram significa que algo malo ha ocurrido.

Además de otro tema que tiene que ver también con las redes sociales que son los memes, el convertirse en un meme en internet y como sobrevivir a ello.

Me ha llegado a recordar a la serie de ‘Malcom in the middle’, eso sí, más edulcorada, pero con situaciones absurdas que tienen que solucionar en familia.

David Bowers, realizador ya de tres de las películas sobre este personaje, incluyendo esta, se mueve como pez en el agua y sin duda hace el deleite de los fans y no fans de esta saga.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido la manera de meter imágenes animadas con la realidad.

En cuanto a los actores el encargado de dar vida a Greg, Jason Drucker está estupendo, pero sin duda el que más me ha encandilado ha sido el que ha hecho de su hermano, Charlie Wright, con un papel estúpido y exagerado, pero necesario en la trama y que me ha hecho reír un montón.

Mencionar también a la actriz Alicia Silverstone en el papel de la madre que solo queire disfrutar de su familia.

Sin duda, ‘El diario de Greg’ es una gran película para toda la familia y muy recomendable para estos días de tanto calor. Os divertiréis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Diary of a Wimpy Kid: The long haul. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Director: David Bowers. Guión: Adam Sztykiel , basado en el libro de Jeff Kinney. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Anthony B. Richmond, Tony Richmond. Reparto principal: Alicia Silverstone, Tom Everett Scott, Juan Gaspard, Charlie Wright, Jason Drucker, Joshua Hoover, Ryan Newton. Producción: Color Force, Dune Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: Comedia. Web oficial: http://www.diariodegregcarreteraymanta.es/

Crítica: ‘El invierno’

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El viejo capataz de una estancia patagónica es despedido de su trabajo. Un peón más joven toma su lugar. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. El paisaje se cubre de blanco, la nieve y el viento aíslan por completo el lugar y ya no se trata de trabajar o de vivir, sino de resistir. Cada uno a su manera deberá resistir al siguiente invierno.

 

Crítica

Cuando la soledad invade al ser humano y la locura toma el control de nuestra mente.

Un antiguo capataz es relegado por su edad por un nuevo peón más joven y sin familia. Una manera de mostrarnos lo que la soledad nos puede llegar a pesar, lo que el clima puede lograr hacer en nuestros pensamientos, como puede hacernos delirar si no logramos centrarnos en algo.

‘El Invierno’ me ha decepcionado bastante, no me ha contado nada, sí, la manera de trabajar de un capataz y que se trabaja muy parecido a como se trabaja en España en la zona de campo. Me ha parecido más un documental que una película, pues no me ha contado nada.

Pero en general la historia no es nada, simplemente el día a día de un capataz y de su locura en una soledad infinita y de cómo las vidas de dos personas que no se conocen de nada, al final terminan con un clímax inesperado.

En lo que sí puedo laurear la película es en su trabajo técnico, el director Emiliano Torres, cuida con mimo cada mínimo detalle y para ello utiliza a su director de fotografía Ramiro Civita, el cual nos desvela las miradas de los protagonistas, esas miradas que nos dicen mucho de lo que va a ocurrir al final de la cinta. Además de mostrarnos lo dura que puede ser la naturaleza.

Todo esto le hizo merecedora del premio a Mejor Fotografía en el Festival de San Sebastián, aparte del Premio Especial del Jurado.

También los actores, sobre todo mencionar a Alejandro Sieveking, que sin apenas palabras, sus gestos, su actuación completa hace que la parte de la película en la que él aparece se haga menos tediosa. Gracias a esta actuación ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Biarritz.

‘El Invierno’ es complicada, demasiado poco dialogo para una cinta tan larga y que cuenta una historia  muy simple, opino que los dos protagonistas deberían haber interactuado más entre ellos y quizá otro gallo cantaría.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: El Invierno. Duración: 96 min. País: Argentina. Director: Emiliano Torre. Guión: Emiliano Torres y Marcelo Chaparro. Música: Cyril Morin. Fotografía: Ramiro Civita. Reparto principal: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrán Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal. Producción: Ajimolido Films, Cité Films. Distribución: Film Buró Producciones Internacionales. Género: Drama. Web oficial: http://film-buro.com/el-invierno/

Crítica: ‘El último virrey de la India’

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Lord Mountbatten, bisnieto de la reina Victoria, asumió el puesto de último Virrey de la India, con el encargo de devolver la antigua colonia a su pueblo. Viceroy’s House en Delhi era la sede del gobierno británico. En 1947, después de 300 años, el Imperio llegó a su fin. Mountbatten vivía en la planta superior del palacio, con su esposa y su hija. En la planta baja vivían sus 500 criados hindúes, musulmanes y sij.

La película relata estos acontecimientos a través de un matrimonio -el de Louis y Edwina Mountbatten- y de una historia de amor entre Jeet, un joven criado hindú y Aalia, su novia musulmana. Los jóvenes enamorados se ven atrapados en el cataclismo final del Imperio, en conflicto con los Mountbatten y con sus propias comunidades, pero no renuncian nunca a la esperanza…

Crítica

Una visión nueva y más cierta de la separación de la India.

Dirigida por Gurinder Chadha, directora de la exitosa ‘Quiero ser como Beckham’, se estrena una interesante película en especial desde un punto de vista histórico en ‘El último virrey de la India’. Aunque pareciera que la trama pudiese girar en torno a la relación amorosa entre el joven hindú Jeet y Aalia la joven musulmana, lo cierto es que el trasfondo histórico devora esta pequeña trama y ofrece una visión muy amplia de todo el proceso de independencia de la India y su consecuente división.

No sólo se muestran todos los líderes históricos con un casting asombrosamente parecido a las personas que estuvieron en la India en aquel instante, como mención especial el líder musulmán Jannah y Gandhi . La historia se centra en el último virrey, bisnieto de la reina Victoria, Lord Mountbatten, un hombre sincero y preocupado por el futuro de la India que se verá en un problema diplomático difícil de igualar, en un país que sólo sabe destruirse a sí mismo desde dentro, tratará de evitar la segregación y la guerra civil dentro de un contexto de odio entre religiones y desorden total.

Las interpretaciones y el casting son realmente apropiados y aunque pareciera al principio que se da una visión favorecedora hacia un bando, lo cierto es que la película nos muestra un punto de vista totalmente neutral. Podemos comprobar los intereses de todos los bandos y los puntos de vista del pueblo indio al completo y su fase de separación de Reino Unido.

Es una película recomendable, se hace entretenida y en ningún momento se hace larga o pesada.  Lo mejor de todo es el contexto histórico y cómo se entremezcla la película con imágenes reales de la época, dando una visión completa de lo que sucedió en la India en aquel histórico instante y sobre todo, por qué sucedió.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Viceroy’s House. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Gurinder Chadha. Guión: Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha, Moira Buffini. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Bonneville, Gillian Anderson, Manish Dayal, Huma Qureshi, Michael Gambon, Lily Travers, Jaz Deol, Om Puri, Neeraj Kabi, Denzil Smith, Simon Callow, David Hayman. Producción: BBC Films, Bend It Films, Pathé. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/el_ultimo_virrey_de_la_india

Crítica: ‘Siete deseos’

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Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es  el instituto junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no  tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, para su sorpresa, se hace realidad.

En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida. Ahora, con sangre en sus manos, Clare se tiene que deshacer de la caja, antes de que le cueste su vida y la de sus seres más queridos.

Crítica

De desear no haber deseado.

Una clarísima versión de ‘La zarpa del mono’, el célebre cuento de W. W. Jacobs que seguro recordaréis de la parodia de ‘Los Simpsons’. Tanto en esa caricatura como en el texto original se nos ofrecen ingeniosos «castigos» para aquel que pide egoístamente sus deseos. En este caso el ingenio da paso al morbo ya que lo único que se le ocurre al guionista del filme (Barbara Marshall) es que la caja asesine. Con morbo me refiero al interés que suscita ver como alguien va a perder la vida en la gran pantalla de la manera más enrevesada.

‘Siete deseos’ es cine de muertes con adolescentes cien por cien made in USA. De hecho uno de los actores que hace de «adulto» es Ryan Phillippe, el cual participó en películas de corte similar como ‘Sé lo que hicisteis el último verano’. Como leeréis por todas partes recuerda a otras películas como ‘Destino final’, es decir, un ente, llámese muerte, karma o demonio, va eliminando a gente relacionada con la protagonista enmascarando esas muertes como accidentes, de tal modo que nadie, salvo la protagonista, sabe que está su mano detrás.

No es de extrañar este resultado pues el director, John R. Leonetti,  cuenta en su haber con películas como ‘Annabelle’, ‘El efecto mariposa 2’ o ‘Mortal Kombat: Aniquilación’. Es decir si cogemos cosas de las tres películas podemos construir esta: objeto inanimado con poder paranormal, peligro con las consecuencias de nuestros actos y muertes a cholón. Director que además se nota que ejerce de en otros trabajos como director de fotografía pues se preocupa de darle mucho peso a la imagen. Por ejemplo cuida que las luces y los colores sean diferentes según cómo le estén yendo las cosas al personaje de Joey King.

No lo había dicho pero la chica que se topa con el objeto que concede deseos es Joey King, a la cual la recordaréis de películas como ‘Expediente Warren: The Conjuring’, ‘Independence Day: Contraataque’ o las más recientes ‘Fargo’ o ‘Un golpe con estilo’. En todas ella tiene mucho menos peso que ahora, pues es la única protagonista principal. Es posible que no sea falso afirmar que se encuentra cómoda en el terror ya que también se encuentra inmersa en la filmación de ‘Slender Man’. Al menos en ‘Siete deseos’ parece haberlo dado todo.

Algunas escenas o muertes consiguen hacernos reír más que asustar, no por malas si no porque parece que ese es efectivamente su cometido. Como película fantástica cumple, pero no más. Está cargada de casualidades y clichés, como el clásico bullying de instituto norteamericano. Posee un predecible desenlace, prometiendo más con un ridículo cliffhanger.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Wish Upon. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: John R. Leonetti. Guión: Barbara Marshall. Música: Toby Chu. Fotografía: Michael Galbraith. Reparto principal: Sherilyn Fenn, Joey King, Ryan Phillippe, Elisabeth Röhm, Shannon Purser,Ki Hong Lee, Sydney Park, Alice Lee, Daniela Barbosa, Michelle Alexander,Raegan Revord, Sean Jones, Natalie Prinzen-Klages, Josephine Langford,Mitchell Slaggert, Alexander Nunez. Producción: Broad Green Pictures, Busted Shark Productions. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: http://www.wishuponmovie.com/

Crítica: ‘A 47 metros’

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Kate y Lisa son dos hermanas veinteañeras amantes de la diversión que viajan a México para disfrutar de las mejores vacaciones de sus vidas. Cuando surge la oportunidad de sumergirse en una jaula para ver tiburones blancos, la aventurera Kate se apunta al instante para desesperación de Lisa. Finalmente, ambas se sumergen a dos horas de la costa de Huatulco para encontrarse cara a cara con el depredador más feroz de la naturaleza. Pero lo que debería haber sido la experiencia definitiva se acaba convirtiendo en una pesadilla cuando la jaula se suelta del barco y quedan atrapadas en el fondo del océano. Con menos de una hora de oxígeno en sus tanques, deben encontrar la manera de regresar a la embarcación a través de 47 metros infestados de tiburones.

Crítica

Mucha previsibilidad pero buena factura.

El «sharkexplotation» parece no tener fin. Puede que el título más sonado sea ‘Sharknado’, pero tanto antes como después de esa saga, hay una oleada de películas que utilizan a los escualos como elemento para crear tensión. Más o menos dentro de la serie B o más o menos enmarcadas en un proyecto «serio» se han lanzado películas como ‘Sharkenstein’, ‘Dinoshark’, ‘Megashark Vs Crocosaurus’, ‘Sharktopus Vs Ptracuda’… la lista es larguísima. Pero ha habido otros largometrajes mucho mejor planteados que han sido capaces de llegar al gran público e incluso de obtener muy buenas críticas, como la estrenada el año pasado ‘Infierno azul’. ‘A 47 metros’ no se la puede incluir en el saco de las películas estrafalarias que son capaces de levantar carcajadas. Se encuentra más cerca de películas que intentan seguir la estela del clásico ‘Tiburón’, intentando ser un thriller que roce el terror.

Por lo menos en el caso de ‘A 47 metros’ se nos ofrece una trama que procura ser innovadora con su planteamiento y eso se agradece. Intenta mantenerse dentro de lo plausiblemente real y eso hace que el espectador se la tome más en serio. El problema llega cando vemos que aparecen muchos tópicos del «cine adolescente» y que fácilmente podemos ir averiguando lo que va sucediendo. Por supuesto que en todo momento se masca la tragedia pero al menos al final los guionistas Ernest Riera y Johannes Roberts intentan dar un giro sorprendente.

En algunas escenas es efectiva a la hora de causar tensión. Consigue captar nuestra atención para tatar de darnos algún que otro susto. Esto se debe a que está bastante bien rodada, se lucen con algunos planos bastante buenos. Al ubicar a las protagonistas a 47 metros bajo el agua se obtiene un ambiente y unas tomas claustrofóbicas, algunas de ellas difíciles de conseguir. Johannes Roberts casi logra algo potente al saber congeniar lo argumental con lo visual, sobre todo juega bien con las herramientas que pone sobre la mesa.

No está de más mencionar la banda sonora del film. Aunque no la salgas tarareando del cine tampoco es insignificante, está algo por encima de lo corriente o por lo menos contribuye a causar las sensaciones que busca el director. El autor es de Tomandandy compositor en otros thrillers o slashers como ‘Mothman’, ‘Los extraños’ o el remake de Alexandre Aja de ‘Las colinas tienen ojos’.

En el reparto no figuran famosos pero si algunas caras conocidas de otras películas menores, de papeles secundarios o de series. Actúan Mandy Moore (‘Un paseo para recordar’), Claire Holt (‘Crónicas Vampíricas’), Chris Johnson (‘Crónicas Vampíricas’), Yani Gellman (‘Jason X’) y Matthew Modine (‘La chaqueta metálica’). Ojo, si miráis la ficha de la película veréis a un Santiago Segura pero no es el famoso actor y director de nuestro país, es uno de los jóvenes actores de ‘Scream’, la serie.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: 47 meters down. Duración: 87 min. País: Reino Unido. Dirección: Johannes Roberts. Guión: Ernest Riera, Johannes Roberts. Música: Tomandandy. Fotografía: Mark Silk. Reparto principal: Mandy Moore, Claire Holt, Matthew Modine, Santiago Segura, Yani Gellman, Chris J. Johnson, Axel Mansilla. Producción: Dimension Films, Flexibon Films, Fyzz Facility, The Tea Shop & Film Company. Distribución: Selecta Visión. Género: thriller. Web oficial: https://47metersdownmovie.com/

Crítica: ‘Cars 3’

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Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen (voz de Owen Wilson) queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar; además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Piston!

Crítica

Rayo McQueen va a darse cuenta que envejecer es bastante difícil.

Tenemos con nosotros uno de los estrenos para el público infantil del verano. ‘Cars 3′ llega con fuerza y sobre todo con una animación muy trabajada.

Rayo McQueen entra en depresión después de que su modelo esté quedando obsoleto en el mercado de carreras, ya no está para trotes y decide entrenar de una manera totalmente novedosa. Allí conoce a la que será su entrenadora, Cruz Ramírez.

No soy muy fan de esta saga, pero he de admitir que esta nueva entrega me ha entretenido mucho y he disfrutado con ella. Es ley de vida que lo antiguo tiene que dar paso a lo nuevo, pero no significa que eso sea sencillo. La crisis de «edad» de McQueen, nos trae una realidad bastante humana a la pantalla, pero que no significa que no haya más salidas para seguir adelante.

La cinta esta totalmente dedicada al público infantil, con esto no me refiero que no vaya a gustar a los papas y mamas, pero sí que es cierto que cada vez las películas infantiles son un poco más adultas para que no sea tedioso poder acompañar a sus hijos a ver las películas, pero ‘Cars 3′, es bastante infantil.

Además una novedad, como en todas las películas de estos últimos años, en ‘Cars 3′ nos meten a un nuevo personaje femenino, fuerte y directo, dispuesto a robar sitio y venta de merchandising a los coches masculinos. Como todo el cine últimamente, el tema de la igualdad está muy presente en la cinta y además lo introducen para que al público infantil le vaya sonando la copla.

‘Cars 3’ es una película para entretener, enseñar y para que sea disfrutada. Una película que hará el verano más ameno a los pequeños de la casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio 2017. Título original: Cars 3. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Director: Brian Fee. Guión: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich. Música: Randy Newman. Fotografía: Jeremy Lasky. Reparto principal: Owen Wilson, Cristela Alonzo, Chris Cooper, Nathan Fillion, Larry the Cable Guy, Bonnie Hunt, Armie Hammer. Producción: Pixar Animation Studios. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Animación. Web oficial: http://peliculas.disney.es/cars-3

Crítica: ‘Su mejor historia’

Sinopsis

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Durante la II Guerra Mundial, una compañía de cine de Londres recibe el encargo de hacer una película optimista para levantar la moral de la población.  Necesitan que la historia tenga un “toque femenino” y deciden incorporar a una mujer al extravagante grupo de guionistas. Así llega la gran oportunidad para Catrin Cole, una joven secretaria que se convierte en una pieza esencial para crear una gran película e inspirar a toda una nación.

Crítica

Para aquellos que buscan varios géneros igualmente explotados.

Basándose en una novela de Lissa Evans, Lone Scherfig y Gaby Chiappe han orquestado una comedia muy contenida y discreta. Si en algo se particulariza el humor británico es en su capacidad para sacarnos del temperamento frío y sosegado de los ingleses con situaciones imprevistas. En este caso, sin seguir una vía surrealista o alocada, se consigue romper la rigurosidad de los ingleses y hacernos reír en unas cuantas ocasiones. Y es tan solo en unas cuantas no por la falta de efectividad de sus gags si no por su número. Pues además de buscar la risa también se roza la lágrima y se ronda el intenso romance.

Este filme narra cómo un grupo de artistas dedicados al cine intentan rodar la película de lo sucedido en Dunkerque (la gran evacuación sucedida en 1940). No, este filme no tiene nada que ver con la próxima película de Nolan, en ningún aspecto. El objetivo de rodar esa película es el de motivar a la población británica muy desmoralizada por el devenir de la Segunda Guerra Mundial, sobre todo por el Blitz. Muchos aspectos influyen en el rodaje: la opinión del ministerio, el gusto del público norteamericano al que se busca conmover para lograr la ayuda de Estados Unidos en la guerra, el papel femenino… Y es debido a este último aspecto que tenemos como principal protagonista a Gemma Arterton.

Su personaje, amén de alguno más, encarna algo muy en boga en estos días: el papel de la mujer. La lucha de sexos es patente pues se la enmarca en una época, sociedad y ambiente muy masculino, y casi por extensión machista. Scherfig ha sabido manejar muy bien esa situación dotándola casi 100 años después de una gran actualidad. Destaca lo importante que es para las mujeres demostrarse a sí mismas que lo primero es tener amor propio. Es muy triste una de las cosas que hace patente el personaje de Bill Nighy cuando puntualiza que en época de guerra los ancianos y las mujeres tienen una oportunidad de oro para despuntar pues los hombres jóvenes están casi todos combatiendo.

Puede que Sam Clafin (‘Antes de ti’) y Gemma Arterton (‘Melanie: the girl with all the gifts’) sean dos actores jóvenes solventes, que aunque no sean los que más de moda están siempre dejan buen sabor de boca. Pero irónicamente esta no es ‘Su mejor historia’. No porque hayan realizado una mala interpretación, si no porque su protagonismo se ve eclipsado por un actor que aquí hace de actor y carga con todo el peso cómico. No me extrañaría que la personalidad de Bill Nighy fuese como la de su personaje porque parece que hace de sí mismo, como si no actuase. Le ha ejecutado con la naturalidad de un intérprete con más de un centenar de películas a su espalda. Con un carácter caprichoso, aunque encantador y entrañable, consigue encandilar al público.

He tenido que esperar a los créditos a ver quién había sido el responsable de la fotografía pues me ha gustado más de lo que esperaba encontrarme. Sebastian Blenkov (‘El Caso Sloane’) es quien ha obrado momentos de llamativa belleza visual. Sin ser una maravilla logra exprimir al máximo sus escenarios.

Con algunos paralelismos entre la película real y la que se rueda ficticiamente Scherfig y Chiappe han conseguido un comedia dramático-romántica bastante equilibrada. Pone a nuestra disposición varias frases que pueden quedarse grabadas, lo cual es mérito poco común. Pongo como ejemplo y cierre la siguiente: «Cuando la vida es tan precaria es una vergüenza desperdiciarla».

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2017. Título original: Their Finest. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Dirección: Lone Scherfig. Guión: Gaby Chiappe. Música: Rachel Portman. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto principal: Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston, Bill Nighy, Jake Lacy, Paul Ritter, Rachael Stirling, Richard E. Grant, Henry Goodman, Jake Lacy, Jeremy Irons, Eddie Marsan, Helen McCrory, Hubert Burton, Claudia Jessie, Stephanie Hyam. Producción: BBC Films, Number 9 Films, Wildgaze Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, romance, adaptación. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/713/su-mejor-historia/

Crítica: ‘Okja’

Sinopsis

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Un gigante dócil y la niña que lo ha criado son el objetivo de la lucha entre el activismo animal, la codicia de una corporación y la ética científica.

Crítica

‘Okja’ es necesaria, es una cinta animalista, sí, pero también muy humana, no os la podéis perder.

 Bong Joon-ho ha logrado hacer una cinta que llega al alma, una película que dentro de sus fallos, tiene una trama tan grande que hace que ni te importen. Con mucho mensaje animalista, ‘Okja‘ nos mete de fondo temas como los transgénicos, el maltrato animal y los mataderos.

Okja es un supercerdo creado por la empresa Mirando, el cual es criado por Mija y su abuelo en plena naturaleza. Lo que Mija no sabe es que su mascota y amiga va a ser convertida en salchichas.

Es una película dura, al menos a mí me lo ha parecido, dentro de la aventura de rescatar a su mascota de los malos, la cinta te muestra mucho más, el sufrimiento y estrés que sufren los animales al ser separados de la gente que les quiere, el que en el fondo saben que algo va mal, o el momento en el que se les mete en los mataderos.

En cuanto a los elementos técnicos, la cinta está bien rodada, con ritmo y no cansa. El CGI quizá no sea el mejor de todos los tiempos, ‘Okja’, ese animal que es como un manatí con cuerpo de hipopótamo, no está mal hecho, pero sí podría estar mejor.

En el tema de los personajes Bong Joon-ho nos trae personajes caricaturizados, Tilda Wilson está estupenda con su doble papel y Jake Gillenhaal me ha sorprendido gratamente, se que es un gran actor, pero con este papel me ha demostrado que se le da bien hacer de todo. En este lado también vemos a Giancarlo Esposito, en un papel muy secundario pero muy importante en el final de la trama.

Estos dos actores son los que representan a las cárnicas pero ‘Okja‘ no solo les critica a ellos, sino que también a los defensores de animales, en esta cinta un grupo de estos «heroes» intenta ayudar a Mija a recuperar a su supercerdo, pero claro, antes tienen que demostrar y enseñar lo que se hace con ellos.

En este grupo podemos ver a una selección de jóvenes actores en pleno auge, como puede ser Paul Dano, que parece que le encanta hacer papeles extraños, Lily Collins, quizá el personaje más normal de toda la cinta, o Steve Yeun, al que coges bastante tirria por algo que hace durante el desarrollo de la historia.

Pero ‘Okja‘ no solo tiene drama, sino también aventuras y amistad. No os la perdáis en Netflix.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio. Título original: Okja. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Director: Bong Joon-ho. Guión: Boon Joon-ho. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Dariuf Khondji. Reparto principal: Ahn Seo Hyun, Tilda Wilson, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henders, Daniel Henshall, Je Moon, Choi Woo-sik. Producción: Lewis Pictures, Plan B Entertainment, Netflix, Kate Street Pictures Company. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80091936

Impresiones del 3×06 de ‘El Ministerio del Tiempo’

En varios sentidos se pone un punto y aparte.

A comienzos de ‘El Ministerio del Tiempo’ se rodó en el barrio de este servidor que os escribe, Comillas, en Carabanchel. Literalmente junto a mi casa transcurrieron algunas escenas en las que Julián (Rodolfo Sancho) visitaba su antiguo barrio, veía a su gran amor cuando era una niña… Pues bien, en este episodio volvemos a hablar de Comillas, pero del Marqués, que si bien comparte nombre con este barrio de Madrid su título rinde pleitesía a la localidad cántabra. En esa población ha transcurrido casi todo el episodio. Una entrega con varias sorpresas, en aumento de intensidad he de decir.

En ‘Tiempo de esclavos’ Alfonso XII y el Marqués de Comillas han sido interpretados por Guillermo Barrientos y Chete Lera respectivamente. Ellos han estado presentes en el conflicto que ha debido resolver la patrulla. Alguien muy importante ha resultado herido mortalmente. Esto ha dado lugar a operaciones a través de videollamada… Esto con Julián no pasaba. No lo digo solo porque él era médico si no porque en algún episodio en el que aún figuraba se llegó a trasladar todo un equipo de quirófano en tiempo exprés.

Sea como fuere, la patrulla ha tenido que romper las reglas de nuevo para salir airosa. Una vez más se cambian o se saltan los principios de El Ministerio. Al menos en esta ocasión ha habido algunos personajes preocupados por ello. Con razón lo hacían pues el efecto mariposa ha tenido lugar y en el capítulo ha sucedido algo muy dramático para uno de sus personajes y en consecuencia para toda la patrulla. Los ministéricos vamos a notar mucho las consecuencias de esta misión. Con eso nos dejan hasta después el parón, que será hasta septiembre. A partir de ese mes veremos los otros siete episodios de esta temporada.

Estaba pendiente saber que había tras la fuga de Lola Mendieta. Podíamos imaginar cómo iba a volver, lo que no sabíamos eran los motivos o lo que había detrás. Tras lo sucedido en el episodio de hoy no cabe duda de que va a tener mucho más protagonismo. Igual podría suceder con el tío de Amelia y el nuevo grupo surgido, seguro que sabremos más de ellos en los capítulos inmediatos.

Para lo que hemos visto hoy se contó con Llorenç González como Eusebi Güell, Lluis Soler como Pere Folch, Gal Soler como el expresidente Sagasta y César Vea como un capataz. Todos ellos aparecen en la época de Amelia, época en la que como hemos dicho ha transcurrido casi todo el capítulo.

Aprovechamos estas líneas para dar nuestro más sentido pésame a los familiares, amigos y familia ministérica de Santiago Meléndez, el actor que interpretó al Padre de Pacino. D.E.P.

Crítica: ‘El hombre del corazón de hierro’

 Sinopsis

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1942. El tercer Reich está en su máximo apogeo. La resistencia checa en Londres decide planear la operación militar más ambiciosa de la Segunda Guerra Mundial: Antropoide. Dos jóvenes reclutas, Jozef Gabcik (Jack Reynor) y Jan Kubis (Jack O’Connell), son enviados a Praga para asesinar al líder nazi más cruel de todos, Reinhard Heydrych (Jason Clarke), jefe de las SS, la Gestapo y arquitecto de la «Solución Final».

Crítica

Un corazón de hierro para intentar ablandar el nuestro.

Ligera decepción me he llevado con el filme de Cédric Jimenez. Una película que pese a estar muy bien rodada y contar con un elenco de actores muy provechosos está sobrada de duración y de información. El título nos anuncia una película protagonizada por un hombre de férreas entrañas y efectivamente cumple eso durante una hora. El problema es que el resto está protagonizado también por aquellos que le rondaban, sobre todo por los que atentaron contra él. Profundiza tanto en la misión y vidas de estos que perdemos de vista al auténtico protagonista, se pierde la interesante perspectiva con la que empieza y que parecía que nos iba a permitir «congeniar» con el protagonista. Es por todo esto que creo que ni su título español, ‘El hombre del corazón de hierro’, ni tu título original, ‘HHhH’, son acertados. El segundo significa «Himmlers Hirn heißt Heydrich», que quiere decir en alemán «el cerebro de Himmler se llama Heydrich». También hace clara referencia a un único personaje y como he dicho, la mitad del filme se centra en otras personas.

Lejos de tener un motivación morbosa me habría gustado que se indagase en la elaboración de la «Solución final», ya que él fue uno de los artífices. En vez de eso durante la primera hora se nos pone en contexto, se nos presentan los motivos de su afiliación al partido nazi, así como la crueldad que fue capaz de emplear in crescendo y sin escrúpulo alguno. Se llega hasta el punto de toparse con la histórica decisión de exterminar a los judíos pero no se nos indica cómo se forjó la idea o cómo se desarrolló, simplemente que fue él quien la redactó. Esos detalles habrían dotado a esta historia de un carácter y una magnitud diferentes. Al menos se le puede otorgar el atrevimiento a Jimenez y los guionistas que le han acompañado de saber mostrar la otra cara de un miembro importante del régimen del Tercer Reich, sin caer en temas peliagudos, algo que hemos visto en pocas películas.

Como he dicho, buena ambientación, buenos planos y buenos actores. Jason Clarke no es quizá el actor más parecido en la actualidad a Heydrich pero su rostro parece sacado de los mismísimos carteles propagandísticos. Un riguroso semblante que parece evocar el horror de por entonces. No exenta tampoco de veracidad su interpretación podría haber sido más intensa. Jimenez ha contado también con buenos intérpretes como Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell o Jack Reynor. Pero les desperdicia dejándoles papeles que parece tendrán más importancia y sin embargo están repletos de inservible profundidad.

Normalmente cuando hablamos de nazis se nos vienen a la cabeza nombres como Hitler, Himmler o Mengele. Esta película podría servir para sumar a la memoria colectiva el nombre de Reinhard Heydrich. Para que todos le tengamos en la lista de lunáticos que marcaron el pasado de Alemania y del mundo. En vez de eso resulta más útil para narrar una historia trágica y para reconocer la labor de agentes como Jan Kubiš y Jozef Gabčík, los cuales llevaron a cabo operaciones tan heroicas y suicidas como la Antropoide.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: HHhH. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Cédric Jimenez. Guión: Audrey Diwan, David Farr, Cédric Jimenez. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Jason Clarke, Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell, Jack Reynor, Stephen Graham. Producción: Adama Pictures, Légende Films, The Weinstein Company. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, histórico, drama. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/el_hombre_del_corazon-_de_hierro

Crítica: ‘Estados Unidos del amor’

Sinopsis

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Año 1990. Polonia acaba de abrirse al capitalismo. Entre la novedad de las cintas VHS, las clases de aerobic y los discos de Whitney Houston, cuatro mujeres intentan lidiar con la represión sexual y con sus amores insatisfechos. Agata, una joven madre atrapada en un matrimonio infeliz, se siente atraída por un sacerdote. Renata, una solitaria profesora de ruso ya en su madurez, se obsesiona con su vecina Marzena, una ex miss que sueña con ser modelo. La hermana de esta, Iza, la estricta directora de la escuela donde trabaja Renata, tiene una aventura con el padre de una alumna. Cuatro mujeres, aparentemente felices, deciden que ha llegado el momento de intentar cambiar de vida.

Crítica

Muy explícita pero con muchas cosas implícitas a la vez.

Escenas muy explícitas con conclusiones muy implícitas es lo que veréis en ‘Estados Unidos del amor’. Igualmente implícita es la presencia de los hombres en una película protagonizada y fundamentada en el rol de las mujeres. Una obra cuyo título no se refiere a Estados Unidos el país, si no a diferentes disposiciones o condiciones del amor que tienen el mismo lugar o personas de manera entrelazada. Una búsqueda o una apetencia de querer transmitida desde el retrato de los sentimientos. Y no por todo esto ofrece una visión tierna, más bien al contrario. Está construida a base de momentos muy sexualmente violentos, tensos o afectivamente agresivos.

Esta no es una película comercial ni palomitera. Es de esas en las que lo que más importa es el a veces inteligible mensaje y la autenticidad inconfundible de las interpretaciones. La forma de contarlo obedece a los códigos más exhaustivos. Se centra básicamente en las emociones dejando en segundo plano a las diversas acciones que ineficazmente llevan a cabo las protagonistas. Todas ellas examinadas de un modo muy pausado, quizá demasiado desarrollado o extenso.

Estas son las reflexiones de un director, Tomasz Wasilewski, que se preocupa por las mujeres que vivieron el cambio del sistema polaco. De igual modo que ha hecho durante su carrera Pedro Almodóvar, Wasilewski comienza a coleccionar descubrimientos femeninos muy importantes, como ya hizo en ‘W sypialni’ y en ‘Plynacewiezowce’. Reúne aquí a un reparto muy generacional en el que ha volcado muchas de sus vivencias personales de su juventud e infancia.

Gracias al talentoso Oleg Mutu visionamos algunas escenas casi desaturadas, planos muy cerrados y una atmosfera supresora que nos traslada a una ciudad fría. Así es el lugar que soportaban estas mujeres de los años noventa. Personajes que aman igual que se puede amar ahora, que tienen anhelos como los de la actualidad, pero que manejan de distinto modo debido a la situación social, política o económica. Cuatro historias diferentes que tienen en común algo más que el sobrio lugar en el que habitan.

El guión que Tomasz Wasilewski ha redactado para dar a luz a estos ‘Estados Unidos del amor’ tiene muchos alicientes. Pero cuida más a unos personajes que a otros aparte de tener una cadencia muy flemática.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: Duración: 106 min. País: Polonia, Suecia. Dirección: Tomasz Wasilewski. Guión: Tomasz Wasilewski. Fotografía: Oleg Mutu. Reparto principal: Julia Kijowska, Magdalnea Cielecka, Dorota Kolak, Marta Nieradkiewicz. Producción: Common Ground Pictures, Manana, Film i Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://commongroundpictures.com/main/

Crítica: ‘El Pastor’

Sinopsis

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Anselmo, un hombre de mediana edad vive modesta, pero apaciblemente en una casa de un pueblo del interior de España. Su perro Pillo y las ovejas que pastorea son su más preciada compañía.  Un ambiente lo suficientemente bucólico para él cómo para ignorar las ofertas que le llegan desde una constructora que pretende comprarle su terreno para edificar una urbanización y un centro comercial.

Frente al no querer vender de Anselmo se encuentran las ansias de dinero de Julián y Paco, los dueños de los terrenos colindantes, que sólo responden a la lógica de sus propios intereses. La eterna lucha de conflictos que se desarrolla en un mundo rural y claustrofóbico con un trasfondo de esqueléticas mesetas y ciudades dormitorio dónde, como un western moderno,  todo se va deshilachando hasta hacer que lo que a primera vista es un simple desacuerdo por una venta de terrenos converja en un inevitable y violento final.

Una metáfora sangrienta de la codicia de aquellos que, por llevar a cabo sus planes, no dudan en utilizar cualquier método que se les ponga a tiro.

Crítica

‘El Pastor’ se desmarca por estar fuera del sistema y de lo convencional.

¿Recordáis aquella película de 1986 de Antonio Giménez-Rico con Francisco Rabal como protagonista? ‘El disputado voto del Sr. Cayo’ era una cinta en la que varios personajes pretendían convencer a un hombre de campo. En el caso de ‘El pastor’ también hay varias personas que le hostigan a tomar una decisión que no quiere tomar y aunque no es política si es económica e igualmente indiferente para nuestro protagonista. Ambas, además, tratan lo insólito de encontrarse aún a gente alejada del panorama y comodidades actuales. Incluso su marco es sumamente parecido pues las dos transcurren entre pastos y veredas castellanas, burgalesas para el Sr. Cayo y salmantinas para el pastor. Por lo tanto de entrada me ha parecido una buena propuesta en tanto la he considerado como una actualización del título del que os he hablado.

Pero esta no es una filmación centrada en el paisaje de la zona. En ella se manejan elementos como la cabezonería, la avaricia, la fidelidad, la sencillez… todo esto nos lleva a un retrato de la cerrazón más arraigada en la vieja Castilla. En esta su tercera película Jonathan Cenzual Burley ha vuelto al lugar donde nació para rodar cine. Como decía el poema de Manolo Chinato «volverás de vez en cuando a estas tierras agrietadas». Esta obra no podía ser más personal y se ha involucrado al máximo. Se ha encargado de la fotografía (muy bucólica), guión, producción y dirección. Se respira el aire charro y se ha calcado el lenguaje de las gentes de Salamanca, todo es superlativamente veraz.

Por cierto que su reparto es también muy castellano. Manifiestan todos ellos quizá unas aptitudes más teatrales que cinematográficas. Salvo en el caso de Alfonso Mendiguchía o en ocasiones de Miguel Martín, se suele notar la interrupción de los cortes y los cambios de plano o secuencia.

Más que enmarcarla dentro del género «western moderno», como se dice en su sinopsis oficial, la incluiría en la corriente de cine neo-noir a la que nos acercan películas de semejante índole y capacidad, como ‘Garantía Personal’, de la cual os hablamos hace poco aquí y se rodó a poca distancia de ‘El Pastor’. Lejos de convertirse en una película imprescindible o en una obra maestra reconozco que si me ha encandilado por lo fiel que es a ese pedazo de España, a esa especie de extinción que esboza. Aunque tal vez se explaye demasiado en la cotidianidad es capaz de alcanzar un clímax guiándonos por el camino correcto. Pese a ello, hay algunos detalles técnicos mal pulidos, provenientes seguramente del presupuesto y los medios a disposición del director.

¿Tenéis también en vuestra memoria o conocéis a José Pinto? Es un ilustrado concursante de casi 100 programas de Saber y Ganar que es ganadero en la provincia de Salamanca. No es que sugiera que la película esté inspirada en él pero tener la oportunidad de citarle debido a las semejanzas con el modo de vida y orígenes del protagonista me era irresistible. No solo eso, si no que es una muestra real de que alguien como el pastor de Miguel Martín puede existir.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: El Pastor. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Jonathan Cenzual Burley. Guión: Jonathan Cenzual Burley. Música: Tim Walters. Fotografía: Jonathan Cenzual Burley. Reparto principal: Miguel Martin, Alfonso Mendiguchia, Juan Luis Sara, Maribel Iglesias. Producción: Matchbox Films. Distribución: Jonathan Cenzual Burley Films. Género: drama. Web oficial: https://www.facebook.com/elpastorfilm

Crítica: ‘Llega de noche’

Sinopsis

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Protegido en un hogar seguro ante un peligro sobrenatural que aterroriza al mundo, un hombre ha establecido un frágil orden doméstico con su mujer y su hijo. Pero todo se tambalea ante la llegada de una joven familia desesperada en busca de refugio.

Crítica

Las apariencias engañan y eso pasa con ‘Llega de noche’

Antes de comenzar, decir que me ha decepcionado, pero no porque sea una mala película, sino que por el título , los tráiler y todo me parecía más bien una cinta de terror. No sé si ha sido mi percepción, o no, pero no es una película de terror, es un thriller en toda regla.

La cinta nos lleva a un mundo en el que una virus está a la orden del día, no se ve nada del mundo en sí, sino que por lo que nos cuentan, fuera en las ciudades está muriendo gente. La historia se centra en una familia compuesta por un matrimonio, su hijo y su perro, hasta que conocen a otra familia y los acogen en su casa.

El filme me ha parecido interesante, he tenido que sopesar antes de escribir todo esto, realmente salí decepcionada y creo que  no me dejó ver bien todo lo bueno que tenía.

Está muy bien rodada. El director, Trey Edward Shults,  hace un gran trabajo con la cámara, haciendo de la casa una de las grandes protagonistas y creando una atmósfera de claustrofobia. El cómo nos muestra los miedos  de los inquilinos hace que te adentres en sus sentimientos y llegues a pensar y sentir lo que ellos.

Eso sí, las pesadillas del más joven te sacan muchas veces de la película, parece que tienen mucho que ver, pero o no he visto bien las metáforas o realmente no pintan mucho.

‘Llega de noche’ nos cuenta una vez más que hay un virus en la tierra y para mí ha sido como un capítulo largo de ‘Walking Dead’, sin zombies, eso sí. Hasta el final no llega el clímax de la cinta, durante la película conoces bien a todos pero ya está.

Al igual que en ‘John Wick’, vemos que todo el culpa del perro. Que quizá por esta sea la razón del título de la película, porque sino, no le veo razón ninguna.

En cuanto al reparto están estupendo, no tengo nada malo que decir, todo lo contrario, la película avanza estupendamente con ellos y sobre todo con Joel Edgerton que está increíble, su papel de padre protector de su familia es verosímil y creo que es lo mejor de todo la película.

Si no buscáis una película de terror, esta es la vuestra, es un thriller muy bien resuelto, pero es eso, un thriller.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio. Título original: It Comes a Night. Duración: 97 min. País: Estados Unidos. Director: Trey Edward Shults.  Guión: Trey Edward Shults. Música: Brian McOmber. Fotografía: Drew Daniels. Reparto principal: Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo, Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner. Producción: Animal Kingdom, A24. Distribución: Diamond Films. Género: Thriller. Web oficial: http://diamondfilms.es/llega-de-noche/

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