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Crítica: ‘Death Note’

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un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.

Crítica

Cuando una historia buenísima termina siendo mala. 

Hemos podido ver la versión estadounidense de ‘Death Note’ para Netflix que ha realizado el director de la fallida ‘Blair Wich’ Adam Wingard y aquí os dejo mi opinión.

Ante todo decir que soy una gran fan de la obra original, en primer lugar lectora del manga y después seguidora del anime, pero vi la película de Netflix con la mente abierta, sin pensar para nada en la original y dando una oportunidad a una adaptación que podría haber sido tremenda. Sí, digo podría, porque por desgracia lo que tenemos ante nosotros es un gran despropósito, me da una rabia enorme, porque la historia original es tremenda.

La base de la historia nos cuenta como Light Turner, un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.

No quiero andar comparando con la obra original porque no acabaría, como película ‘Death Note’ deja mucho que desear. Me ha recordado mucho a lo que sucedió con ‘Dragon Ball: Evolution’, algo que es fácil de hacer lo han convertido en complicado y malo.

Han intentado crear una historia para un público más adolescente, al que las muertes al estilo ‘Destino Final’ seguro le vuelve loco, pero por buscar ese tipo de público han olvidado que esta historia era muy adulta y no han sabido sacarle partido para nada.

El reparto en general es bastante malo, las actuaciones dejan mucho que desear, sobre todo me ha decepcionado Nat Wolff, en realidad no me he visto ninguna película suya, pero mucha gente me había hablado genial de él por sus papeles en ‘Ciudades de papel’ o ‘Bajo la misma estrella‘, pero aquí realmente está fatal. No queda nada de ese Light atractivo, inteligente y malévolo que nos muestran en el anime, absolutamente nada.

Y ya no digo del personaje de L, totalmente desperdiciado.

Sí que es cierto que podemos salvar al gran William Dafoe, en su papel como shinigami, el cual llega a crear cierta simpatía por este dios de la muerte y a la vez cierto miedo. Creado en CGI, decir que está bastante bien.

Si sois fans de la historia original avisados quedáis que si vais en busca de esa lucha de mentes, de esa lucha entre el bien y el mal, el uso de la inteligencia y engaños para ganar, aquí no vais a encontrar nada de eso. La historia de Death Note tenía muchas cosas buenas, que aquí se han perdido para pasar a ser simplemente una persecución que no lleva a ningún sitio.

Después de la grata sorpresa que nos llevamos con la adaptación de ‘Gosth in the shell’, que lo sé, tampoco es perfecta, pero tiene muchas virtudes, me esperaba mucho de esta película pues tenía un material muy bueno para aprovechar y lo podrían haber hecho mucho mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto 2017. Título original: Death Note. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Director: Adam Wingard. Guión: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides, Jeremy Slater. Música: Atticus Ross, Leopold Ross. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Natt Wolff, Williem Dafoe, Margaret Qualley, Shea Whigham, Keith Stanfield, Michael Shamus Wiles, Matthew Kevin Anderson, Tony Ali, Ash Lee. Producción: Netflix, Vertigo Enterntainment. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80122759

Crítica: ‘La Torre Oscura’

 

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Existen otros mundos además de este. La Torre Oscura de Stephen King, la extensa y ambiciosa historia de uno de los autores más célebres del mundo, prepara su lanzamiento a la gran pantalla. El último Caballero Guerrero, Roland Deschain (Idris Elba), ha estado enfrascado en una batalla eterna con Walter O’Dim, también conocido como El Hombre de Negro (Matthew McConaughey), decidido a impedir que éste derribe la Torre Oscura, que mantiene unido al universo. Con el destino de los mundos en juego, el bien y el mal colisionarán en la batalla final en la que sólo Roland podrá defender la Torre de El Hombre de Negro.

Crítica

Simplona en unos sentidos y satisfactoria en otros.

No es difícil encontrar a lo largo de la historia obras de Stephen King adaptadas para la gran y pequeña pantalla. Incluso entre los estrenos de este año existen diversos títulos como ‘La niebla’ o ‘IT’. Nos topados con grandes batacazos como la serie de ‘La cúpula’ o la inadvertida ‘Cell’ y con conocidísimos éxitos como fueron ‘Carrie’ o ‘El resplandor’ (la cual tiene mucho que ver con esta película que nos ocupa hoy). Y ahora en 2017 le ha llegado el turno a la obra más amplia y compleja del autor, la más arriesgada de adaptar si se trata de satisfacer a los lectores y si miramos la cantidad de volúmenes y páginas, ‘La Torre Oscura’. Quizá sea por toda esta dimensión que se ha optado escribir una historia novedosa, no salida exactamente de un libro de la serie. No es una adaptación como tal, sino más bien una continuación inspirada en ese multiverso creado por el autor. Como ya se dijo, esta película es una secuela de los libros, en concreto del séptimo, pero no paréis de leer aquí si no sois coleccionistas de estos.

No es de extrañar que para hacer esta película hagan falta varios  guionistas. Intentar resumir, sintetizar y expresar lo enrevesado y complejo que es este universo de Stephen King en una sola película es muy difícil para una sola persona.  La saga de ‘La Torre Oscura’ (la cual os hemos ido reseñando aquí) posee una complejidad que daría para una saga de películas de dimensiones descomunales y es por eso que se agradece que se haya tomado la decisión de crear algo nuevo. Pero no se ha logrado algo tan rompedor como la novela. Decepcionará a aquellos que se maravillaron con los argumentos y giros cada vez más desconcertantes de las sucesivas entregas. En ese proceso de simplificación se han eliminado conceptos, elementos e infinidad de personajes que enriquecen mucho las obras escritas y que se explican mejor con palabras. Pero aún así ‘La Torre Oscura’ de Nikolaj Arcel satisfará a muchos lectores que encontrarán algunas respuestas pendientes.

Se ha cuidado mucho de no perder de vista al lector. Se respeta todo el pasado de los personajes y hay coherencia en la historia. Todo cuadra y hay quien tomará la cinta como un broche. Es por eso también que hay muchos guiños a ingredientes de los relatos de Stephen King, pero no solo de los que componen la saga de ‘La Torre Oscura’, si no de los que forman parte de otros muchos. De ese modo se consigue aumentar ese sabor a multiverso, esta película, al igual que la saga de novelas, es en sus detalles una gran confluencia. Así pues aquellos que hayan leído o visto el trabajo de Stephen King subirán más niveles de esta Torre Oscura.

Pero esta película se puede ver como una película de ciencia ficción o de fantasía como otra cualquiera, sin ser experto en el escritor de Portland. Por que como cinta de género con su funcionamiento particular está bien explicada, no hay que haberse leído las 8 obras publicadas. Eso sí, en ese trabajo de reducción de síntesis han caído en el error de cumplir con patrones bastante repetidos en el cine: protagonista que descubre habilidades, se abre a un nuevo mundo, le asaltan nuevos peligros/enemigos, conoce a un mentor, se enfrenta a sus peores temores… Se convierte pues en una película muy convencional, con un trasfondo muy potente, que probablemente hará que corráis a leer las novelas como locos para comprender muchos de los guiños que posee.

Por supuesto otro de sus aciertos es su reparto. Mucha fuerza tienen en pantalla y se compenetran muy bien Idris Elba y Matthew McConaughey. Ambos han tenido mejores interpretaciones pero comprenden y representan bien sus papeles. No obstante el peso de la película no recae en ellos. El principal protagonista, Jake, está interpretado por un emergente Tom Taylor, y ya apunta maneras. Pongo la mano en el fuego por este chico que en un futuro podría darnos grandes sorpresas y que muchos de vosotros seguro que ya le habéis visto en series como ‘Taboo’. En ‘La Torre Oscura’ tiene sus pequeños momentos para mostrar algún que otro destello, pocos pero no hace falta ser un lince para verlos.

Como lector de parte de la saga por supuesto que os recomiendo ver la película, sobre todo si ya habéis leído el séptimo libro. Y como seguidor de películas de ciencia ficción también. Consiste en una narración rápida, con mucho espectáculo, un buen acabado y algunos enigmas que solo entenderán los lectores, pero sin complicaciones. Es la clásica historia de la lucha entre el bien y el mal pero bajo la enrevesada mirada de Stephen King.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: The Dark Tower. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Nikolaj Arcel. Guión: Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen. Música: Junkie XL. Fotografía: Rasmus Videbæk. Reparto principal: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor,Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri,José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert. Producción: Columbia Pictures, MRC, Imagine Entertainment, Weed Road. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, fantástico, adaptación. Web oficial: http://www.thedarktower-movie.com/site/

Crítica: ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’

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Valerian (Dane DeHaan) y Laureline (Cara Delevingne) son agentes especiales del gobierno de los territorios humanos, encargados de mantener el orden en todo el universo. Valerian busca algo más que una relación profesional con su compañera, por lo que la persigue abiertamente con constantes proposiciones románticas. Sin embargo, el amplio historial de Valerian con las mujeres, junto con los valores tradicionales de Laureline, la llevan a rechazar todos sus intentos.

Bajo las órdenes de su comandante (Clive Owen), Valerian y Laureline emprenden una misión en la impresionante ciudad intergaláctica de Alpha, una metrópolis en constante crecimiento compuesta por miles de especies distintas, procedentes de todos los rincones del universo. Los diecisiete millones de habitantes de Alpha han convergido con el tiempo, uniendo sus talentos, tecnología y recursos por el bien común. Por desgracia, no todo el mundo comparte esos mismos objetivos en Alpha; de hecho, hay en marcha unas fuerzas ocultas que ponen en grave peligro a nuestra raza.

Crítica

Una aventura de LucBesson al que se le van las tramas de las manos

Lejos de lo que había leído antes de ir a ver la película, Valerian ha resultado ser una película de aventuras bastante divertida y con unos puntos realmente interesantes, pese a que nos han intentado meter el romance con calzador y poca química.

El planteamiento de la película resulta interesante desde su inicio, en el que veremos la fundación de Alpha, la nave ciudad de los mil planetas que da título a la cinta y en la que nos presentan de una forma muy visual bastantes de las razas que viven y comparten espacio en esa nave, y cómo va evolucionando la propia ciudad, para después pasar a un mundo idílico en el que se nos presentará el problema que amenaza la ciudad y que dará el pistoletazo de salida a la aventura.

El aspecto visual es simplemente espectacular. No soy un gran fan de ‘El Quinto Elemento’, y me parece una película demasiado recargada, pero por suerte en ésta ocasión se nota que los años han pasado y han servido para pulir esas cosas que en aquella película resultaban excesivas, y que aquí funcionan muchísimo mejor.

Respecto del guion, baste decir que es bastante simple, pero es lo que se espera de una buena película de aventuras espaciales. No olvidemos que los personajes están basados en una serie de álbumes de cómic francés de los años 60, de los cuales ha bebido la ciencia ficción desde entonces. Desde ‘Star Wars’ (pese a que George Lucas lo ha negado siempre) hasta ‘El Quinto Elemento’, donde el dibujante de la serie, Jean Claude Mézières, trabajó con Besson, la influencia de Valerian se deja ver por toda la ci-fi moderna.

Desgraciadamente, como decía, en el guion está uno de los puntos débiles de la película. Pese a ser divertida, hay varios momentos en los que parece que los guionistas querían meter varias historias y no sabían cómo. De repente en dos ocasiones la trama principal desaparece, y lo que es peor, parece que los personajes se olvidan por completo de ella, para empezar y terminar una subtrama que, desgraciadamente, no aporta nada, y lo que es peor, resulta repetitiva en las dos ocasiones en las que ocurre.

Hablando de las fallas de la película, el otro problema reside en el cásting. Pese a que muchos critican las capacidades actorales de Cara Delevigne, me ha parecido que en ésta ocasión está más que correcta, presentándonos un personaje duro y tierno a la vez, Laureline, a la que cogemos cariño rápidamente.

Respecto a Valerian, DaneDeHaan no está tan bien como cabría esperar. En teoría Valerian es un personaje canalla y aventurero, pero no llega al nivel. En ningún momento te crees que tenga una agenda de amantes esperando por él, y tampoco parece un gran héroe.

Mención aparte merece Rihanna. También se anunció su presencia como clave para la película, y la realidad es que su aparición es un cameo sobrecafeinado, con una trama propia que no aporta absolutamente nada a la trama principal, y que parece hecho a medida para lucimiento personal de ella.

Con todo, Valerian es un film entretenido, que el público fan de las películas de aventuras sabrá disfrutar, y al cual le sobra un buen rato de metraje. Además, cualquier espectador  será capaz de decir exactamente dónde se hubiera podido cortar para hacer una película mucho más redonda.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: Valerian and the City of Thousand Planets. Duración: 137 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guión: Luc Bisson. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya. Producción: EuropaCorp, Fundamental Films, Grive Productions. Distribución: eOne Films. Género: adaptación, comic, ciencia ficción, fantasía. Web oficial: http://valerianmovie.com/

Crítica: ‘Sharknado 5: Aletamiento global’

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En ‘Sharknado 5’, Fin Shephard (Ian Ziering)  y su mujer biónica April (Tara Reid) se toman esta nueva misión como algo personal cuando el más joven de sus hijos queda atrapado en un “viajenado” y transportado por todo el mundo. De Londres a Rio de Janeiro, Tokio, Roma, Amsterdam y más allá, nuestros héroes trotamundos necesitarán la ayuda de un grupo altamente cualificado: gente de la realeza, estudiosos y deportistas olímpicos; junto con caras conocidas del mundo de la comunicación, el entretenimiento y los deportes en su batalla más épica hasta la fecha.

Crítica

Que no pare el ciclón de sinsentidos.

Poneos a cubierto, ya está aquí el ataque anual del tornado escualo. Como cada año desde 2013 sufrimos una oleada de sharknados y este 2017 no iba a ser menos. De nuevo de la mano de Syfy y del director Anthony C. Ferrante contemplamos como un huracán compuesto de enfurecidos tiburones arrasa nuestro planeta. Y en esta ocasión lo hace a niveles globales pues los protagonistas se desplazan por todo el mundo para intentar salvarnos. Durante la película viajaréis por varias naciones y está estará presente en más de 100 países en su estreno, un síntoma de que realmente asistimos a un «aletamiento global», a una fiebre mundial por Sharknado.

Como he dicho mismo director pero cambiamos de guionista. Si las cuatro anteriores entregas estuvieron gestadas y escritas por Thunder Levin (‘Mutant Vampire Zombies from the hood!’) ahora el responsable del guión ha sido Scotty Mullen. Este escritor especializado en comedias de acción ya despuntó dentro del género con ‘Zoombies’ y se enfrentaba al reto de superar una cuarta entrega que nos transportó al espacio. Pero con esta quinta producción de ‘Sharknado’ ha hecho bajar algo el nivel de la saga. Si, vemos las mismas locuras y los mismos disparates, pero no vivimos momentazos del mismo calibre o chispa que los que se rodaron en las anteriores películas. Los largometrajes del tipo ‘Sharknado’ no son para tomárselos en serio, por eso donde radica su gracia es en sus instantes de demencia y desvarío, algo exentos esta ocasión. Al menos sí que tiene la ocurrencia de mezclar cosas como el steampunk, las hermandades, las estaciones de combate, los tornados nucleares, un Sharkzilla, los mundos postapocalípticos, el snowboard al son de Offspring… y por supuesto las parodias de películas clásicas. Pero yo me quedo con el momento que une Los Diez Mandamientos con Dragon Ball y una Tara Reid ataviada como una cyborg Monster High.

Lo que atrae a mucha gente a ver las películas de ‘Sharknado’ son las celebrities. Los famosos son los que le dieron vidilla a este fenómeno al principio en Twitter y ellos son los que con sus apariciones llaman a los espectadores. La mayoría es masacrada por tiburones pero alguno logra salvarse, como Al Roker que ya ha salido en varias películas. En esta entrega podréis ver a Chris Kattan (‘Movida en el Roxbury’), Tony Hawk, Dan Fogler (‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’) u Olivia Newton-John (‘Grease’), pero quien se lleva la palma es Dolph Lundgren, no os diré por qué. Podéis consultar algunos más aquí. Lo cierto es que con o sin famosos este ‘Sharknado’ número cinco es el más plástico, y no lo digo por el carácter cambiante de sus tornados, si no por el desfile de silicona y botox que vais a ver.

Esta saga también va de sagas familiares, la de los Shepard en concreto. La familia de Fin está más separada y en peligro que nunca y sobre todo en su final es cuando esta adquiere más importancia. Es su hijo menor el hilo conductor de toda la película y el que dará pie a la sexta entrega de la saga, ¡por supuesto que habrá más! Esperemos que en esa próxima película se profundice en el origen de los sharknados, del cual ya se comienza a hablar aquí.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: Sharknado 5: Global Swarming. Duración: 90 min, País: EE.UU. Dirección: Anthony C. Ferrante. Guión: Scotty Mullen. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Ryan Broomberg. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Cassandra Scerbo, Cody Linley,David Naughton, Russell Hodgkinson, Jena Sims, Daniel Eghan, Benny Bereal,Jag Patel, Kate Garraway, Kishore Bhatt, Charlotte Hawkins, Paul O’Kelly. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: Syfy. Género: ciencia ficción, serie B, comedia. Web oficial: http://www.syfy.es/videos/sharknado-5

Crítica: ‘Emoji la película’

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Emoji la película descubre los secretos nunca antes vistos del mundo interior de tu smartphone. Oculta tras la aplicación de mensajes de texto, Textópolis, es una ciudad bulliciosa en la que conviven todos tus emoticonos preferidos, a la espera de ser seleccionados por el usuario del teléfono. Se trata de un mundo en el que cada emoji tiene una única expresión facial, salvo en el caso de Gene, un entusiasta emoji que nació sin filtro alguno y tiene distintas expresiones. Dispuesto a ser “normal” como todos los demás, Gene pide ayuda a su mejor amigo “Choca esos 5” y el descifrador de códigos de mala fama, “Rebelde”. Juntos, se embarcarán en una épica “app-ventura” paseándose por todas las apps del teléfono, cada una en su contexto alocado y divertido, para dar con el código que reparará a Gene. Pero cuando surge una amenaza inesperada que pondrá en peligro al teléfono, el destino de todos los emojis dependerá de estos tres amigos que harán todo lo posible por salvar el mundo antes de que sea eliminado para siempre.

Crítica

Mejor de lo esperado, pero aún así poco eficiente.

No hay duda de que los emoticonos forman parte de nuestra vida. Difícil es que podamos decir que hemos pasado un día sin encontrarnos alguno en nuestras conversaciones telefónicas. Estos jeroglíficos modernos expresan en el mundo digital nuestro estado de ánimo, reacciones, ideas… Ahora, a través de una aventura animada, podemos obtener otra visión de ellos, mucho más fantasiosa e infantil de la que puede tener un programador informático, por supuesto. Pasando de este modo a formar parte del imaginario cinematográfico, superando en algunos sentidos mis bajas expectativas pero quedándose muy corta en sus pretensiones.

La selección de los personajes debió de ser como entrar en un buffet libre. El menú de nuestro teclado ofrece multitud de posibilidades y la elección de los guionistas (Eric Siegel, Anthony Leondis) está acertada. Han creado un protagonista con el que sentirse identificado y le han rodeado de carismáticos amigos de diversa índole. Pero no son sus criaturas, si no sus palabras, donde reside el desatino de ‘Emoji la película’.

El rango de edades al cual está dirigido la película no está bien definido. Los que fuimos a la E.G.B., las generaciones criadas en el siglo pasado, entenderemos mejor el mensaje de la película, pero somos ya demasiado adultos para el tipo de humor empleado. Sin embargo los más jóvenes se reirán de la gran cantidad de chistes fáciles y simplones que tiene la película, pero se perderán con el sentido de algunas frases y con muchas de las decisiones de los protagonistas.

Los únicos chascarrillos y recados que nos deja casi sin querer ‘Emoji la película’ para un público adulto tienen que ver con el uso prematuro de las tecnologías y lo absorbidos que estamos por el mundo digital, reduciendo nuestras relaciones humanas al mínimo incluso cuando el receptor de nuestro mensaje está en la misma sala. Podría servir para que un adulto haga autocrítica y reflexión, pero nuestros bisoños no se percatarán de esto por el modo en que está presentado, si acaso correrán a redactar mensajes con emoticonos. Si que es cierto, y se agradece, que en determinada escena y en su climax intente mandar el mensaje, nunca mejor dicho, de que es mejor un amigo real que muchos seguidores en las redes sociales. Pero eso no parece que impacte en nuestro protagonista humano.

Las voces tras las bambalinas de estos seres que cobran vida tras las bambalinas de nuestro teléfono llegan realizadas por estrellas muy conocidas. En su versión original figuran en el reparto T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Cristina Aguilera… Pero yo la he visto doblada y he de decir que las personas elegidas para las voces en castellano han realizado un trabajo muy bueno. A parte de que el casting de doblaje me parece bien configurado, los actores que han estado involucrados en la película han hecho un buen uso de sus voces. En especial destaca la labor de Macarena Gómez como Rebelde y de Quim Gutiérrez como Gene, el protagonista, aunque él está más reconocible. No creo que haga falta decir que Carlos Latre está muy atinado con sus cuerdas vocales.

Gráficamente está lograda, incluso podría decirse que sirve de ejemplo visual del mundo digital para los más pequeños. Es una manera original de dar vida a algo tan estático como son los emojis de nuestros smartphones. Desde que tenemos constancia de un emoticono gráfico (en 1881) hasta la fecha mucho han cambiado estos caracteres ilustrados. Ahora tenemos una nueva concepción de ellos, menos aguda y cómica de lo que cabría esperar, pero con alguna que otra virtud.

‘Emoji la película’ no está mal concebida, por mucho que oigamos eso de «ya no saben de qué hacer películas». El problema del filme es que no tiene un público objetivo claro en cuanto a su humor o le falta más chispa. La idea y la historia esta sorprendentemente bien desarrollada, aunque no suficientemente bien explotada. Tal vez dentro de varias décadas miremos esta película y con nostalgia recordemos las aplicaciones que aparecen en ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: The Emoji Movie. Duración: País: EE.UU. Dirección: Anthony Leondis. Guión: Eric Siegel, Anthony Leondis. Música: Patrick Doyle. Reparto principal (doblaje original): T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Maya Rudolph, Cristina Aguilera. Reparto principal (doblaje español): Quim Gutiérrez, Macarena Gómez, Úrsula Corberó, Carlos Latre, Mario Vaquerizo. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: http://www.theemoji-movie.com/

Crítica: ‘Inside’

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Una mujer en su tercer trimestre de embarazo es acosada por una extraña que está obsesionada con su hijo nonato.

Crítica

Un gran acierto esta adaptación, Miguel Ángel Vivas nos trae una versión más tensa y dinámica.

Del director de ‘Extinction‘, llega ‘Inside‘ adaptación de la cinta de terror francesa ‘Al Interior’ con guión del gran Jaume Balagueró (‘REC‘, ‘Musa’) y Manu Díez (guionista de ‘REC 4‘). Miguel Ángel Vivas hace de ‘Inside’ un verdadero thriller, donde la situación es tan real que verdaderamente lo pasas mal.

Una madre es acosada por una mujer que lo único que busca es conseguir el bebé que la primera lleva en su vientre. La historia podría pasar en cualquier casa, por eso es tan terrorífica, no es una película de grandes sustos, sino la tensión es la que juega con el espectador en esta cinta.

Esto ha sido gracias en parte a la dirección técnica, los planos, la música, la casa en general se puede convertir perfectamente en una gran tumba para nuestra protagonista.

Como en sus anteriores películas el tema de la familia vuelve a salir a flote, el proteger a los seres que más quieres ya sea de personas o de seres monstruosos como en el caso de ‘Extinction’.

Y por supuesto, esta gran atmósfera y tensión ha sido gracias a las dos actrices, ambas están estupendas. Rachel Nichols (‘Star Trek’) con su imagen frágil, sola en una gran casa, con un estado de ánimo terrible por culpa de lo ocurrido durante el viaje, hace que estés todo el rato preocupado por ella y por su bebé. Mientras que Laura Harring (‘Mulholland Drive‘) está estupenda, su frialdad, su mirada, sus gestos, toda su actuación es impresionante y logra meternos el miedo en el cuerpo.

No me gustan las comparaciones, pero sí que es cierto que al ser una adaptación es imposible no hacerlo. Miguel Ángel logra una cosa que no se logró ver en la cinta francesa y es que a ambas protagonistas les da un lado humano y otro deshumanizado. Se ve como en esa noche el personaje de ambas evolucionan, una de ellas para poder sobrevivir y quedarse con su bebé, la otra por lograr su cometido y robar a la criatura.

Quizá lo único que le puede sobrar a la cinta es que se introducen varios giros de guión que quizá no eran necesarios, llega un momento que se puede perder un poco el interés de lo que va a ocurrir a continuación.

La sangre desaparece, su predecesora es mucho más visceral, esta se centra mucho en el suspense, cosa que en mi opinión es una verdadera mejora. Es una película muy disfrutable, para ir al cine dejar de pensar y simplemente pasarlo mal.

Eso sí, ‘Inside‘ logra ser totalmente distinta a ‘Al interior‘ y eso es algo bueno, pues tenemos dos películas que disfrutar, con la misma historia pero totalmente diferentes la una a la otra.

No os la podéis perder.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Inside. Duración: 91 min. País: España. Director: Miguel Ángel Vivas. Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Rachel Nichols, Laura Harring, Andrea Tivadar, Stany Coppet, BenTemple, Craig Stevenson, Richard Felix, Maarten Swan, David Chevers, Steve Howard.  Producción: Nostromo Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Terror, thriller.

Crítica: ‘Spider-Man: Homecoming’

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Un joven Peter Parker/Spider-Man (Tom Holland), quien hizo su sensacional debut en ‘Capitán América Civil War’, comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su supervisor Tony Stark (Robert Downey Jr.) Peter intenta mantener una vida normal pero irrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y con él, lo más importante de la vida de Peter se verá amenazado.

Crítica

El Spider-Man que muchos estaban esperando.

Ciertamente me supo a poco lo que vi del Spider-Man de Tom Holland en ‘Capitán América: Civil War’, por cantidad de minutos más que por calidad. Desde ese mismo punto arranca la película de Jon Watts que supone la consagración del matrimonio entre Sony y Marvel/Disney, que ha dado a luz esta película, la cual, entra en la onda y el estilo de todo el universo Avengers. Pero lo hace aportándole nuevas formas. No supone un cambio tan eficiente ni rompedor como el que Fox consiguió con ‘Deadpool’ pero está ahí ahí.

Malo sería que no atinasen a conseguir algo satisfactorio y a elaborar bien la historia o conseguir dar forma a un Spider-Man adecuado con seis guionistas que tiene el filme, entre ellos el director. También era de esperar que tomasen nota de los fallos anteriores, tanto de la saga de Raimi como de la del cercano reinicio de Marc Webb. He de decir que además del cómic me gustaba mucho la serie de animación de los noventa y este Spider-Man recuerda mucho más al de los dibujos que al de Tobey Maguire o Andrew Garfield. Tiene esa personalidad adolescente, pilla, burlona y parlanchina que muchos lectores demandan. Ahora solo falta que la franquicia adquiera ese carácter tan coral que han tenido siempre con respecto a los villanos, tanto en cómics como ‘Los enemigos letales de Spider-Man’, como en la serie televisiva. Poco a poco se irá construyendo.

Como he mencionado ‘Spider-Man: Homecoming’ está muy integrada en el universo de Marvel Studios. Cada dos por tres vemos elementos, se citan acontecimientos o aparecen personajes de la saga de superhéroes, en su mayoría de veces quien aparece es Robert Downey Jr. / Iron Man. Pero lo hace a título de tutor del mundo de las mallas y no está tan presente como temía, queriendo que esta fuese de verdad una película en solitario de Spider-Man. Pero, aunque me ha parecido muy buena película, peca de estar obsesionada con la integración del personaje en la ya mencionada franquicia. Si analizamos y le quitamos todo el trasfondo de Los Vengadores se convierte en episódica.

Consecuencia de ello es la adaptación del personaje de El Buitre que ha interpretado correctamente Michael Keaton. Se le ha cambiado ligeramente para darle coherencia con el universo cinematográfico al que entra a formar parte. Keaton ejerce de malvado con motivaciones realistas, nada megalómanas. La lástima es que al final se juega a lo mismo que a lo que se jugaba con el Duende, esto lo entenderéis mejor viendo el filme. Pero las maneras del actor están acorde al personaje y de acumular más películas podría convertirse en un clásico.

Que por cierto, que hablando de actores del filme, Laura Harrier, la supuestamente elegida para arrebatar el corazón a Peter Parker, parece poseer menos calidad actoral que la «MJ» de Zendaya, que se mantiene en segundo plano y seguro que en posteriores películas adquirirá peso.

Haciendo un popurrí de otros detalles del filme. La tonalidad de la película también es un acierto: ágil, ajetreada, colorista, amena…  Junto a ella va la música de Giacchino, que sin lograr construir un leitmotiv pegadizo nos transporta a un mundo heroico. Desconocedora de ese tinglado es la nueva tía May. Todo el mundo cuestiona su edad pero recordemos que Marisa Tomei tiene ya más de cincuenta años. Otra cosa es que como a mí, no convenza su calidad y candor. Mejor actor me parece Logan Marshall-Green, al que prácticamente le pasa casi como a James Franco en ‘Alien: Covenant’.

Por supuesto hay huevos de pascua y curiosidades. El filme tiene varios guiños a las anteriores entregas de Spider-Man y de manera casi obligada a los cómics. La nueva miscelánea de Marvel Studios se presenta con la clásica sintonía de 1967 (podéis oírla aquí con la orquesta de Giacchino). Se han montado dos escenas post-créditos, una a mitad y otra al final de estos. Ambas relacionadas con el futuro de esta franquicia salida de la mente de Stan Lee. Como no, el artista tiene su tradicional cameo. Como parece ser tradición también que la voz de las IA’s estén relacionadas con Paul Bettany, que ponía voz a Jarvis antes de encarnar a Visión. No porque aparezca él si no porque hay otra llamada Karen a la cual dobla Jennifer Connelly, esposa de Bettany.

Le ha venido bien a Spider-Man esta vuelta a casa, esta graduación. No reincide en los consabidos inicios del héroe ni el drama del tío Ben. Me ha quedado la tesitura de si es la que más me ha gustado hasta la fecha. Solo sé que si a la segunda de Sam Raimi le hubiesen incluido este Spider-Man habríamos tenido un coctel explosivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio de 2017. Título original: Spider-Man: Homecoming. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guión: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Tom Holland, Michael Keaton, Zendaya, Marisa Tomei, Robert Downey Jr. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: cómic, adaptación, ciencia ficción. Web oficial: http://www.spidermanhomecoming.com/

Crítica: ‘Diario de Greg. Carretera y manta’

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En “Diario de Greg: Carretera y manta”, el viaje de la familia para asistir a la fiesta del 90 cumpleaños de la abuela, se sale jocosamente de lo previsto gracias al último plan de Greg de acudir a una convención de videojuegos. Basada en una de las series de libros más vendidas de todos los tiempos, esta aventura familiar a través del país se convierte en una experiencia que sus protagonistas no olvidarán jamás.

Crítica

Fresca y divertida para este verano tan caluroso

La familia Heffley hace el viaje de sus vidas, lo que no saben es que absolutamente todo va a ir en su contra.

Basada en los libros de Jeff Kinney, es la cuarta película que se hace sobre este personaje y la primera que veo. Tampoco soy lectora, pero sí que admito que sí los libros son como la película de la que aquí hablamos, entiendo perfectamente el éxito que han tenido hasta ahora.

La película es divertida, sencilla y a la vez llena de situaciones surrealistas que hacen que el viaje de nuestros protagonistas sea un auténtico desastre.

La cinta trata un tema actual, la entrada de la tecnología en la vida de las familias con niños. Una madre que quiere un viaje normal sin que los móviles, ordenadores o consolas interrumpan la vista de la naturaleza. Una misión bastante complicada en un mundo lleno de redes sociales y donde no subir una foto diaria a Instagram significa que algo malo ha ocurrido.

Además de otro tema que tiene que ver también con las redes sociales que son los memes, el convertirse en un meme en internet y como sobrevivir a ello.

Me ha llegado a recordar a la serie de ‘Malcom in the middle’, eso sí, más edulcorada, pero con situaciones absurdas que tienen que solucionar en familia.

David Bowers, realizador ya de tres de las películas sobre este personaje, incluyendo esta, se mueve como pez en el agua y sin duda hace el deleite de los fans y no fans de esta saga.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido la manera de meter imágenes animadas con la realidad.

En cuanto a los actores el encargado de dar vida a Greg, Jason Drucker está estupendo, pero sin duda el que más me ha encandilado ha sido el que ha hecho de su hermano, Charlie Wright, con un papel estúpido y exagerado, pero necesario en la trama y que me ha hecho reír un montón.

Mencionar también a la actriz Alicia Silverstone en el papel de la madre que solo queire disfrutar de su familia.

Sin duda, ‘El diario de Greg’ es una gran película para toda la familia y muy recomendable para estos días de tanto calor. Os divertiréis. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Diary of a Wimpy Kid: The long haul. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Director: David Bowers. Guión: Adam Sztykiel , basado en el libro de Jeff Kinney. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Anthony B. Richmond, Tony Richmond. Reparto principal: Alicia Silverstone, Tom Everett Scott, Juan Gaspard, Charlie Wright, Jason Drucker, Joshua Hoover, Ryan Newton. Producción: Color Force, Dune Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: Comedia. Web oficial: http://www.diariodegregcarreteraymanta.es/

Crítica: ‘El invierno’

Sinopsis

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El viejo capataz de una estancia patagónica es despedido de su trabajo. Un peón más joven toma su lugar. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. El paisaje se cubre de blanco, la nieve y el viento aíslan por completo el lugar y ya no se trata de trabajar o de vivir, sino de resistir. Cada uno a su manera deberá resistir al siguiente invierno.

 

Crítica

Cuando la soledad invade al ser humano y la locura toma el control de nuestra mente.

Un antiguo capataz es relegado por su edad por un nuevo peón más joven y sin familia. Una manera de mostrarnos lo que la soledad nos puede llegar a pesar, lo que el clima puede lograr hacer en nuestros pensamientos, como puede hacernos delirar si no logramos centrarnos en algo.

‘El Invierno’ me ha decepcionado bastante, no me ha contado nada, sí, la manera de trabajar de un capataz y que se trabaja muy parecido a como se trabaja en España en la zona de campo. Me ha parecido más un documental que una película, pues no me ha contado nada.

Pero en general la historia no es nada, simplemente el día a día de un capataz y de su locura en una soledad infinita y de cómo las vidas de dos personas que no se conocen de nada, al final terminan con un clímax inesperado.

En lo que sí puedo laurear la película es en su trabajo técnico, el director Emiliano Torres, cuida con mimo cada mínimo detalle y para ello utiliza a su director de fotografía Ramiro Civita, el cual nos desvela las miradas de los protagonistas, esas miradas que nos dicen mucho de lo que va a ocurrir al final de la cinta. Además de mostrarnos lo dura que puede ser la naturaleza.

Todo esto le hizo merecedora del premio a Mejor Fotografía en el Festival de San Sebastián, aparte del Premio Especial del Jurado.

También los actores, sobre todo mencionar a Alejandro Sieveking, que sin apenas palabras, sus gestos, su actuación completa hace que la parte de la película en la que él aparece se haga menos tediosa. Gracias a esta actuación ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Biarritz.

‘El Invierno’ es complicada, demasiado poco dialogo para una cinta tan larga y que cuenta una historia  muy simple, opino que los dos protagonistas deberían haber interactuado más entre ellos y quizá otro gallo cantaría.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: El Invierno. Duración: 96 min. País: Argentina. Director: Emiliano Torre. Guión: Emiliano Torres y Marcelo Chaparro. Música: Cyril Morin. Fotografía: Ramiro Civita. Reparto principal: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrán Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal. Producción: Ajimolido Films, Cité Films. Distribución: Film Buró Producciones Internacionales. Género: Drama. Web oficial: http://film-buro.com/el-invierno/

Crítica: ‘El último virrey de la India’

Sinopsis

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Lord Mountbatten, bisnieto de la reina Victoria, asumió el puesto de último Virrey de la India, con el encargo de devolver la antigua colonia a su pueblo. Viceroy’s House en Delhi era la sede del gobierno británico. En 1947, después de 300 años, el Imperio llegó a su fin. Mountbatten vivía en la planta superior del palacio, con su esposa y su hija. En la planta baja vivían sus 500 criados hindúes, musulmanes y sij.

La película relata estos acontecimientos a través de un matrimonio -el de Louis y Edwina Mountbatten- y de una historia de amor entre Jeet, un joven criado hindú y Aalia, su novia musulmana. Los jóvenes enamorados se ven atrapados en el cataclismo final del Imperio, en conflicto con los Mountbatten y con sus propias comunidades, pero no renuncian nunca a la esperanza…

Crítica

Una visión nueva y más cierta de la separación de la India.

Dirigida por Gurinder Chadha, directora de la exitosa ‘Quiero ser como Beckham’, se estrena una interesante película en especial desde un punto de vista histórico en ‘El último virrey de la India’. Aunque pareciera que la trama pudiese girar en torno a la relación amorosa entre el joven hindú Jeet y Aalia la joven musulmana, lo cierto es que el trasfondo histórico devora esta pequeña trama y ofrece una visión muy amplia de todo el proceso de independencia de la India y su consecuente división.

No sólo se muestran todos los líderes históricos con un casting asombrosamente parecido a las personas que estuvieron en la India en aquel instante, como mención especial el líder musulmán Jannah y Gandhi . La historia se centra en el último virrey, bisnieto de la reina Victoria, Lord Mountbatten, un hombre sincero y preocupado por el futuro de la India que se verá en un problema diplomático difícil de igualar, en un país que sólo sabe destruirse a sí mismo desde dentro, tratará de evitar la segregación y la guerra civil dentro de un contexto de odio entre religiones y desorden total.

Las interpretaciones y el casting son realmente apropiados y aunque pareciera al principio que se da una visión favorecedora hacia un bando, lo cierto es que la película nos muestra un punto de vista totalmente neutral. Podemos comprobar los intereses de todos los bandos y los puntos de vista del pueblo indio al completo y su fase de separación de Reino Unido.

Es una película recomendable, se hace entretenida y en ningún momento se hace larga o pesada.  Lo mejor de todo es el contexto histórico y cómo se entremezcla la película con imágenes reales de la época, dando una visión completa de lo que sucedió en la India en aquel histórico instante y sobre todo, por qué sucedió.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Viceroy’s House. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Gurinder Chadha. Guión: Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha, Moira Buffini. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Bonneville, Gillian Anderson, Manish Dayal, Huma Qureshi, Michael Gambon, Lily Travers, Jaz Deol, Om Puri, Neeraj Kabi, Denzil Smith, Simon Callow, David Hayman. Producción: BBC Films, Bend It Films, Pathé. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/el_ultimo_virrey_de_la_india

Crítica: ‘Siete deseos’

Sinopsis

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Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es  el instituto junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no  tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, para su sorpresa, se hace realidad.

En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida. Ahora, con sangre en sus manos, Clare se tiene que deshacer de la caja, antes de que le cueste su vida y la de sus seres más queridos.

Crítica

De desear no haber deseado.

Una clarísima versión de ‘La zarpa del mono’, el célebre cuento de W. W. Jacobs que seguro recordaréis de la parodia de ‘Los Simpsons’. Tanto en esa caricatura como en el texto original se nos ofrecen ingeniosos «castigos» para aquel que pide egoístamente sus deseos. En este caso el ingenio da paso al morbo ya que lo único que se le ocurre al guionista del filme (Barbara Marshall) es que la caja asesine. Con morbo me refiero al interés que suscita ver como alguien va a perder la vida en la gran pantalla de la manera más enrevesada.

‘Siete deseos’ es cine de muertes con adolescentes cien por cien made in USA. De hecho uno de los actores que hace de «adulto» es Ryan Phillippe, el cual participó en películas de corte similar como ‘Sé lo que hicisteis el último verano’. Como leeréis por todas partes recuerda a otras películas como ‘Destino final’, es decir, un ente, llámese muerte, karma o demonio, va eliminando a gente relacionada con la protagonista enmascarando esas muertes como accidentes, de tal modo que nadie, salvo la protagonista, sabe que está su mano detrás.

No es de extrañar este resultado pues el director, John R. Leonetti,  cuenta en su haber con películas como ‘Annabelle’, ‘El efecto mariposa 2’ o ‘Mortal Kombat: Aniquilación’. Es decir si cogemos cosas de las tres películas podemos construir esta: objeto inanimado con poder paranormal, peligro con las consecuencias de nuestros actos y muertes a cholón. Director que además se nota que ejerce de en otros trabajos como director de fotografía pues se preocupa de darle mucho peso a la imagen. Por ejemplo cuida que las luces y los colores sean diferentes según cómo le estén yendo las cosas al personaje de Joey King.

No lo había dicho pero la chica que se topa con el objeto que concede deseos es Joey King, a la cual la recordaréis de películas como ‘Expediente Warren: The Conjuring’, ‘Independence Day: Contraataque’ o las más recientes ‘Fargo’ o ‘Un golpe con estilo’. En todas ella tiene mucho menos peso que ahora, pues es la única protagonista principal. Es posible que no sea falso afirmar que se encuentra cómoda en el terror ya que también se encuentra inmersa en la filmación de ‘Slender Man’. Al menos en ‘Siete deseos’ parece haberlo dado todo.

Algunas escenas o muertes consiguen hacernos reír más que asustar, no por malas si no porque parece que ese es efectivamente su cometido. Como película fantástica cumple, pero no más. Está cargada de casualidades y clichés, como el clásico bullying de instituto norteamericano. Posee un predecible desenlace, prometiendo más con un ridículo cliffhanger.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Wish Upon. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: John R. Leonetti. Guión: Barbara Marshall. Música: Toby Chu. Fotografía: Michael Galbraith. Reparto principal: Sherilyn Fenn, Joey King, Ryan Phillippe, Elisabeth Röhm, Shannon Purser,Ki Hong Lee, Sydney Park, Alice Lee, Daniela Barbosa, Michelle Alexander,Raegan Revord, Sean Jones, Natalie Prinzen-Klages, Josephine Langford,Mitchell Slaggert, Alexander Nunez. Producción: Broad Green Pictures, Busted Shark Productions. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: http://www.wishuponmovie.com/

Crítica: ‘A 47 metros’

Sinopsis

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Kate y Lisa son dos hermanas veinteañeras amantes de la diversión que viajan a México para disfrutar de las mejores vacaciones de sus vidas. Cuando surge la oportunidad de sumergirse en una jaula para ver tiburones blancos, la aventurera Kate se apunta al instante para desesperación de Lisa. Finalmente, ambas se sumergen a dos horas de la costa de Huatulco para encontrarse cara a cara con el depredador más feroz de la naturaleza. Pero lo que debería haber sido la experiencia definitiva se acaba convirtiendo en una pesadilla cuando la jaula se suelta del barco y quedan atrapadas en el fondo del océano. Con menos de una hora de oxígeno en sus tanques, deben encontrar la manera de regresar a la embarcación a través de 47 metros infestados de tiburones.

Crítica

Mucha previsibilidad pero buena factura.

El «sharkexplotation» parece no tener fin. Puede que el título más sonado sea ‘Sharknado’, pero tanto antes como después de esa saga, hay una oleada de películas que utilizan a los escualos como elemento para crear tensión. Más o menos dentro de la serie B o más o menos enmarcadas en un proyecto «serio» se han lanzado películas como ‘Sharkenstein’, ‘Dinoshark’, ‘Megashark Vs Crocosaurus’, ‘Sharktopus Vs Ptracuda’… la lista es larguísima. Pero ha habido otros largometrajes mucho mejor planteados que han sido capaces de llegar al gran público e incluso de obtener muy buenas críticas, como la estrenada el año pasado ‘Infierno azul’. ‘A 47 metros’ no se la puede incluir en el saco de las películas estrafalarias que son capaces de levantar carcajadas. Se encuentra más cerca de películas que intentan seguir la estela del clásico ‘Tiburón’, intentando ser un thriller que roce el terror.

Por lo menos en el caso de ‘A 47 metros’ se nos ofrece una trama que procura ser innovadora con su planteamiento y eso se agradece. Intenta mantenerse dentro de lo plausiblemente real y eso hace que el espectador se la tome más en serio. El problema llega cando vemos que aparecen muchos tópicos del «cine adolescente» y que fácilmente podemos ir averiguando lo que va sucediendo. Por supuesto que en todo momento se masca la tragedia pero al menos al final los guionistas Ernest Riera y Johannes Roberts intentan dar un giro sorprendente.

En algunas escenas es efectiva a la hora de causar tensión. Consigue captar nuestra atención para tatar de darnos algún que otro susto. Esto se debe a que está bastante bien rodada, se lucen con algunos planos bastante buenos. Al ubicar a las protagonistas a 47 metros bajo el agua se obtiene un ambiente y unas tomas claustrofóbicas, algunas de ellas difíciles de conseguir. Johannes Roberts casi logra algo potente al saber congeniar lo argumental con lo visual, sobre todo juega bien con las herramientas que pone sobre la mesa.

No está de más mencionar la banda sonora del film. Aunque no la salgas tarareando del cine tampoco es insignificante, está algo por encima de lo corriente o por lo menos contribuye a causar las sensaciones que busca el director. El autor es de Tomandandy compositor en otros thrillers o slashers como ‘Mothman’, ‘Los extraños’ o el remake de Alexandre Aja de ‘Las colinas tienen ojos’.

En el reparto no figuran famosos pero si algunas caras conocidas de otras películas menores, de papeles secundarios o de series. Actúan Mandy Moore (‘Un paseo para recordar’), Claire Holt (‘Crónicas Vampíricas’), Chris Johnson (‘Crónicas Vampíricas’), Yani Gellman (‘Jason X’) y Matthew Modine (‘La chaqueta metálica’). Ojo, si miráis la ficha de la película veréis a un Santiago Segura pero no es el famoso actor y director de nuestro país, es uno de los jóvenes actores de ‘Scream’, la serie.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: 47 meters down. Duración: 87 min. País: Reino Unido. Dirección: Johannes Roberts. Guión: Ernest Riera, Johannes Roberts. Música: Tomandandy. Fotografía: Mark Silk. Reparto principal: Mandy Moore, Claire Holt, Matthew Modine, Santiago Segura, Yani Gellman, Chris J. Johnson, Axel Mansilla. Producción: Dimension Films, Flexibon Films, Fyzz Facility, The Tea Shop & Film Company. Distribución: Selecta Visión. Género: thriller. Web oficial: https://47metersdownmovie.com/

Crítica: ‘Cars 3’

Sinopsis

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Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen (voz de Owen Wilson) queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar; además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Piston!

Crítica

Rayo McQueen va a darse cuenta que envejecer es bastante difícil.

Tenemos con nosotros uno de los estrenos para el público infantil del verano. ‘Cars 3′ llega con fuerza y sobre todo con una animación muy trabajada.

Rayo McQueen entra en depresión después de que su modelo esté quedando obsoleto en el mercado de carreras, ya no está para trotes y decide entrenar de una manera totalmente novedosa. Allí conoce a la que será su entrenadora, Cruz Ramírez.

No soy muy fan de esta saga, pero he de admitir que esta nueva entrega me ha entretenido mucho y he disfrutado con ella. Es ley de vida que lo antiguo tiene que dar paso a lo nuevo, pero no significa que eso sea sencillo. La crisis de «edad» de McQueen, nos trae una realidad bastante humana a la pantalla, pero que no significa que no haya más salidas para seguir adelante.

La cinta esta totalmente dedicada al público infantil, con esto no me refiero que no vaya a gustar a los papas y mamas, pero sí que es cierto que cada vez las películas infantiles son un poco más adultas para que no sea tedioso poder acompañar a sus hijos a ver las películas, pero ‘Cars 3′, es bastante infantil.

Además una novedad, como en todas las películas de estos últimos años, en ‘Cars 3′ nos meten a un nuevo personaje femenino, fuerte y directo, dispuesto a robar sitio y venta de merchandising a los coches masculinos. Como todo el cine últimamente, el tema de la igualdad está muy presente en la cinta y además lo introducen para que al público infantil le vaya sonando la copla.

‘Cars 3’ es una película para entretener, enseñar y para que sea disfrutada. Una película que hará el verano más ameno a los pequeños de la casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio 2017. Título original: Cars 3. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Director: Brian Fee. Guión: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich. Música: Randy Newman. Fotografía: Jeremy Lasky. Reparto principal: Owen Wilson, Cristela Alonzo, Chris Cooper, Nathan Fillion, Larry the Cable Guy, Bonnie Hunt, Armie Hammer. Producción: Pixar Animation Studios. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Animación. Web oficial: http://peliculas.disney.es/cars-3

Crítica: ‘Su mejor historia’

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Durante la II Guerra Mundial, una compañía de cine de Londres recibe el encargo de hacer una película optimista para levantar la moral de la población.  Necesitan que la historia tenga un “toque femenino” y deciden incorporar a una mujer al extravagante grupo de guionistas. Así llega la gran oportunidad para Catrin Cole, una joven secretaria que se convierte en una pieza esencial para crear una gran película e inspirar a toda una nación.

Crítica

Para aquellos que buscan varios géneros igualmente explotados.

Basándose en una novela de Lissa Evans, Lone Scherfig y Gaby Chiappe han orquestado una comedia muy contenida y discreta. Si en algo se particulariza el humor británico es en su capacidad para sacarnos del temperamento frío y sosegado de los ingleses con situaciones imprevistas. En este caso, sin seguir una vía surrealista o alocada, se consigue romper la rigurosidad de los ingleses y hacernos reír en unas cuantas ocasiones. Y es tan solo en unas cuantas no por la falta de efectividad de sus gags si no por su número. Pues además de buscar la risa también se roza la lágrima y se ronda el intenso romance.

Este filme narra cómo un grupo de artistas dedicados al cine intentan rodar la película de lo sucedido en Dunkerque (la gran evacuación sucedida en 1940). No, este filme no tiene nada que ver con la próxima película de Nolan, en ningún aspecto. El objetivo de rodar esa película es el de motivar a la población británica muy desmoralizada por el devenir de la Segunda Guerra Mundial, sobre todo por el Blitz. Muchos aspectos influyen en el rodaje: la opinión del ministerio, el gusto del público norteamericano al que se busca conmover para lograr la ayuda de Estados Unidos en la guerra, el papel femenino… Y es debido a este último aspecto que tenemos como principal protagonista a Gemma Arterton.

Su personaje, amén de alguno más, encarna algo muy en boga en estos días: el papel de la mujer. La lucha de sexos es patente pues se la enmarca en una época, sociedad y ambiente muy masculino, y casi por extensión machista. Scherfig ha sabido manejar muy bien esa situación dotándola casi 100 años después de una gran actualidad. Destaca lo importante que es para las mujeres demostrarse a sí mismas que lo primero es tener amor propio. Es muy triste una de las cosas que hace patente el personaje de Bill Nighy cuando puntualiza que en época de guerra los ancianos y las mujeres tienen una oportunidad de oro para despuntar pues los hombres jóvenes están casi todos combatiendo.

Puede que Sam Clafin (‘Antes de ti’) y Gemma Arterton (‘Melanie: the girl with all the gifts’) sean dos actores jóvenes solventes, que aunque no sean los que más de moda están siempre dejan buen sabor de boca. Pero irónicamente esta no es ‘Su mejor historia’. No porque hayan realizado una mala interpretación, si no porque su protagonismo se ve eclipsado por un actor que aquí hace de actor y carga con todo el peso cómico. No me extrañaría que la personalidad de Bill Nighy fuese como la de su personaje porque parece que hace de sí mismo, como si no actuase. Le ha ejecutado con la naturalidad de un intérprete con más de un centenar de películas a su espalda. Con un carácter caprichoso, aunque encantador y entrañable, consigue encandilar al público.

He tenido que esperar a los créditos a ver quién había sido el responsable de la fotografía pues me ha gustado más de lo que esperaba encontrarme. Sebastian Blenkov (‘El Caso Sloane’) es quien ha obrado momentos de llamativa belleza visual. Sin ser una maravilla logra exprimir al máximo sus escenarios.

Con algunos paralelismos entre la película real y la que se rueda ficticiamente Scherfig y Chiappe han conseguido un comedia dramático-romántica bastante equilibrada. Pone a nuestra disposición varias frases que pueden quedarse grabadas, lo cual es mérito poco común. Pongo como ejemplo y cierre la siguiente: «Cuando la vida es tan precaria es una vergüenza desperdiciarla».

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2017. Título original: Their Finest. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Dirección: Lone Scherfig. Guión: Gaby Chiappe. Música: Rachel Portman. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto principal: Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston, Bill Nighy, Jake Lacy, Paul Ritter, Rachael Stirling, Richard E. Grant, Henry Goodman, Jake Lacy, Jeremy Irons, Eddie Marsan, Helen McCrory, Hubert Burton, Claudia Jessie, Stephanie Hyam. Producción: BBC Films, Number 9 Films, Wildgaze Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, romance, adaptación. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/713/su-mejor-historia/

Crítica: ‘Okja’

Sinopsis

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Un gigante dócil y la niña que lo ha criado son el objetivo de la lucha entre el activismo animal, la codicia de una corporación y la ética científica.

Crítica

‘Okja’ es necesaria, es una cinta animalista, sí, pero también muy humana, no os la podéis perder.

 Bong Joon-ho ha logrado hacer una cinta que llega al alma, una película que dentro de sus fallos, tiene una trama tan grande que hace que ni te importen. Con mucho mensaje animalista, ‘Okja‘ nos mete de fondo temas como los transgénicos, el maltrato animal y los mataderos.

Okja es un supercerdo creado por la empresa Mirando, el cual es criado por Mija y su abuelo en plena naturaleza. Lo que Mija no sabe es que su mascota y amiga va a ser convertida en salchichas.

Es una película dura, al menos a mí me lo ha parecido, dentro de la aventura de rescatar a su mascota de los malos, la cinta te muestra mucho más, el sufrimiento y estrés que sufren los animales al ser separados de la gente que les quiere, el que en el fondo saben que algo va mal, o el momento en el que se les mete en los mataderos.

En cuanto a los elementos técnicos, la cinta está bien rodada, con ritmo y no cansa. El CGI quizá no sea el mejor de todos los tiempos, ‘Okja’, ese animal que es como un manatí con cuerpo de hipopótamo, no está mal hecho, pero sí podría estar mejor.

En el tema de los personajes Bong Joon-ho nos trae personajes caricaturizados, Tilda Wilson está estupenda con su doble papel y Jake Gillenhaal me ha sorprendido gratamente, se que es un gran actor, pero con este papel me ha demostrado que se le da bien hacer de todo. En este lado también vemos a Giancarlo Esposito, en un papel muy secundario pero muy importante en el final de la trama.

Estos dos actores son los que representan a las cárnicas pero ‘Okja‘ no solo les critica a ellos, sino que también a los defensores de animales, en esta cinta un grupo de estos «heroes» intenta ayudar a Mija a recuperar a su supercerdo, pero claro, antes tienen que demostrar y enseñar lo que se hace con ellos.

En este grupo podemos ver a una selección de jóvenes actores en pleno auge, como puede ser Paul Dano, que parece que le encanta hacer papeles extraños, Lily Collins, quizá el personaje más normal de toda la cinta, o Steve Yeun, al que coges bastante tirria por algo que hace durante el desarrollo de la historia.

Pero ‘Okja‘ no solo tiene drama, sino también aventuras y amistad. No os la perdáis en Netflix.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio. Título original: Okja. Duración: 118 min. País: Corea del Sur. Director: Bong Joon-ho. Guión: Boon Joon-ho. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Dariuf Khondji. Reparto principal: Ahn Seo Hyun, Tilda Wilson, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henders, Daniel Henshall, Je Moon, Choi Woo-sik. Producción: Lewis Pictures, Plan B Entertainment, Netflix, Kate Street Pictures Company. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80091936

Impresiones del 3×06 de ‘El Ministerio del Tiempo’

En varios sentidos se pone un punto y aparte.

A comienzos de ‘El Ministerio del Tiempo’ se rodó en el barrio de este servidor que os escribe, Comillas, en Carabanchel. Literalmente junto a mi casa transcurrieron algunas escenas en las que Julián (Rodolfo Sancho) visitaba su antiguo barrio, veía a su gran amor cuando era una niña… Pues bien, en este episodio volvemos a hablar de Comillas, pero del Marqués, que si bien comparte nombre con este barrio de Madrid su título rinde pleitesía a la localidad cántabra. En esa población ha transcurrido casi todo el episodio. Una entrega con varias sorpresas, en aumento de intensidad he de decir.

En ‘Tiempo de esclavos’ Alfonso XII y el Marqués de Comillas han sido interpretados por Guillermo Barrientos y Chete Lera respectivamente. Ellos han estado presentes en el conflicto que ha debido resolver la patrulla. Alguien muy importante ha resultado herido mortalmente. Esto ha dado lugar a operaciones a través de videollamada… Esto con Julián no pasaba. No lo digo solo porque él era médico si no porque en algún episodio en el que aún figuraba se llegó a trasladar todo un equipo de quirófano en tiempo exprés.

Sea como fuere, la patrulla ha tenido que romper las reglas de nuevo para salir airosa. Una vez más se cambian o se saltan los principios de El Ministerio. Al menos en esta ocasión ha habido algunos personajes preocupados por ello. Con razón lo hacían pues el efecto mariposa ha tenido lugar y en el capítulo ha sucedido algo muy dramático para uno de sus personajes y en consecuencia para toda la patrulla. Los ministéricos vamos a notar mucho las consecuencias de esta misión. Con eso nos dejan hasta después el parón, que será hasta septiembre. A partir de ese mes veremos los otros siete episodios de esta temporada.

Estaba pendiente saber que había tras la fuga de Lola Mendieta. Podíamos imaginar cómo iba a volver, lo que no sabíamos eran los motivos o lo que había detrás. Tras lo sucedido en el episodio de hoy no cabe duda de que va a tener mucho más protagonismo. Igual podría suceder con el tío de Amelia y el nuevo grupo surgido, seguro que sabremos más de ellos en los capítulos inmediatos.

Para lo que hemos visto hoy se contó con Llorenç González como Eusebi Güell, Lluis Soler como Pere Folch, Gal Soler como el expresidente Sagasta y César Vea como un capataz. Todos ellos aparecen en la época de Amelia, época en la que como hemos dicho ha transcurrido casi todo el capítulo.

Aprovechamos estas líneas para dar nuestro más sentido pésame a los familiares, amigos y familia ministérica de Santiago Meléndez, el actor que interpretó al Padre de Pacino. D.E.P.

Crítica: ‘El hombre del corazón de hierro’

 Sinopsis

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1942. El tercer Reich está en su máximo apogeo. La resistencia checa en Londres decide planear la operación militar más ambiciosa de la Segunda Guerra Mundial: Antropoide. Dos jóvenes reclutas, Jozef Gabcik (Jack Reynor) y Jan Kubis (Jack O’Connell), son enviados a Praga para asesinar al líder nazi más cruel de todos, Reinhard Heydrych (Jason Clarke), jefe de las SS, la Gestapo y arquitecto de la «Solución Final».

Crítica

Un corazón de hierro para intentar ablandar el nuestro.

Ligera decepción me he llevado con el filme de Cédric Jimenez. Una película que pese a estar muy bien rodada y contar con un elenco de actores muy provechosos está sobrada de duración y de información. El título nos anuncia una película protagonizada por un hombre de férreas entrañas y efectivamente cumple eso durante una hora. El problema es que el resto está protagonizado también por aquellos que le rondaban, sobre todo por los que atentaron contra él. Profundiza tanto en la misión y vidas de estos que perdemos de vista al auténtico protagonista, se pierde la interesante perspectiva con la que empieza y que parecía que nos iba a permitir «congeniar» con el protagonista. Es por todo esto que creo que ni su título español, ‘El hombre del corazón de hierro’, ni tu título original, ‘HHhH’, son acertados. El segundo significa «Himmlers Hirn heißt Heydrich», que quiere decir en alemán «el cerebro de Himmler se llama Heydrich». También hace clara referencia a un único personaje y como he dicho, la mitad del filme se centra en otras personas.

Lejos de tener un motivación morbosa me habría gustado que se indagase en la elaboración de la «Solución final», ya que él fue uno de los artífices. En vez de eso durante la primera hora se nos pone en contexto, se nos presentan los motivos de su afiliación al partido nazi, así como la crueldad que fue capaz de emplear in crescendo y sin escrúpulo alguno. Se llega hasta el punto de toparse con la histórica decisión de exterminar a los judíos pero no se nos indica cómo se forjó la idea o cómo se desarrolló, simplemente que fue él quien la redactó. Esos detalles habrían dotado a esta historia de un carácter y una magnitud diferentes. Al menos se le puede otorgar el atrevimiento a Jimenez y los guionistas que le han acompañado de saber mostrar la otra cara de un miembro importante del régimen del Tercer Reich, sin caer en temas peliagudos, algo que hemos visto en pocas películas.

Como he dicho, buena ambientación, buenos planos y buenos actores. Jason Clarke no es quizá el actor más parecido en la actualidad a Heydrich pero su rostro parece sacado de los mismísimos carteles propagandísticos. Un riguroso semblante que parece evocar el horror de por entonces. No exenta tampoco de veracidad su interpretación podría haber sido más intensa. Jimenez ha contado también con buenos intérpretes como Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell o Jack Reynor. Pero les desperdicia dejándoles papeles que parece tendrán más importancia y sin embargo están repletos de inservible profundidad.

Normalmente cuando hablamos de nazis se nos vienen a la cabeza nombres como Hitler, Himmler o Mengele. Esta película podría servir para sumar a la memoria colectiva el nombre de Reinhard Heydrich. Para que todos le tengamos en la lista de lunáticos que marcaron el pasado de Alemania y del mundo. En vez de eso resulta más útil para narrar una historia trágica y para reconocer la labor de agentes como Jan Kubiš y Jozef Gabčík, los cuales llevaron a cabo operaciones tan heroicas y suicidas como la Antropoide.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: HHhH. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Cédric Jimenez. Guión: Audrey Diwan, David Farr, Cédric Jimenez. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Jason Clarke, Rosamund Pike, Mia Wasikowska, Jack O’Connell, Jack Reynor, Stephen Graham. Producción: Adama Pictures, Légende Films, The Weinstein Company. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, histórico, drama. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/el_hombre_del_corazon-_de_hierro

Crítica: ‘Estados Unidos del amor’

Sinopsis

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Año 1990. Polonia acaba de abrirse al capitalismo. Entre la novedad de las cintas VHS, las clases de aerobic y los discos de Whitney Houston, cuatro mujeres intentan lidiar con la represión sexual y con sus amores insatisfechos. Agata, una joven madre atrapada en un matrimonio infeliz, se siente atraída por un sacerdote. Renata, una solitaria profesora de ruso ya en su madurez, se obsesiona con su vecina Marzena, una ex miss que sueña con ser modelo. La hermana de esta, Iza, la estricta directora de la escuela donde trabaja Renata, tiene una aventura con el padre de una alumna. Cuatro mujeres, aparentemente felices, deciden que ha llegado el momento de intentar cambiar de vida.

Crítica

Muy explícita pero con muchas cosas implícitas a la vez.

Escenas muy explícitas con conclusiones muy implícitas es lo que veréis en ‘Estados Unidos del amor’. Igualmente implícita es la presencia de los hombres en una película protagonizada y fundamentada en el rol de las mujeres. Una obra cuyo título no se refiere a Estados Unidos el país, si no a diferentes disposiciones o condiciones del amor que tienen el mismo lugar o personas de manera entrelazada. Una búsqueda o una apetencia de querer transmitida desde el retrato de los sentimientos. Y no por todo esto ofrece una visión tierna, más bien al contrario. Está construida a base de momentos muy sexualmente violentos, tensos o afectivamente agresivos.

Esta no es una película comercial ni palomitera. Es de esas en las que lo que más importa es el a veces inteligible mensaje y la autenticidad inconfundible de las interpretaciones. La forma de contarlo obedece a los códigos más exhaustivos. Se centra básicamente en las emociones dejando en segundo plano a las diversas acciones que ineficazmente llevan a cabo las protagonistas. Todas ellas examinadas de un modo muy pausado, quizá demasiado desarrollado o extenso.

Estas son las reflexiones de un director, Tomasz Wasilewski, que se preocupa por las mujeres que vivieron el cambio del sistema polaco. De igual modo que ha hecho durante su carrera Pedro Almodóvar, Wasilewski comienza a coleccionar descubrimientos femeninos muy importantes, como ya hizo en ‘W sypialni’ y en ‘Plynacewiezowce’. Reúne aquí a un reparto muy generacional en el que ha volcado muchas de sus vivencias personales de su juventud e infancia.

Gracias al talentoso Oleg Mutu visionamos algunas escenas casi desaturadas, planos muy cerrados y una atmosfera supresora que nos traslada a una ciudad fría. Así es el lugar que soportaban estas mujeres de los años noventa. Personajes que aman igual que se puede amar ahora, que tienen anhelos como los de la actualidad, pero que manejan de distinto modo debido a la situación social, política o económica. Cuatro historias diferentes que tienen en común algo más que el sobrio lugar en el que habitan.

El guión que Tomasz Wasilewski ha redactado para dar a luz a estos ‘Estados Unidos del amor’ tiene muchos alicientes. Pero cuida más a unos personajes que a otros aparte de tener una cadencia muy flemática.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: Duración: 106 min. País: Polonia, Suecia. Dirección: Tomasz Wasilewski. Guión: Tomasz Wasilewski. Fotografía: Oleg Mutu. Reparto principal: Julia Kijowska, Magdalnea Cielecka, Dorota Kolak, Marta Nieradkiewicz. Producción: Common Ground Pictures, Manana, Film i Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://commongroundpictures.com/main/

Crítica: ‘El Pastor’

Sinopsis

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Anselmo, un hombre de mediana edad vive modesta, pero apaciblemente en una casa de un pueblo del interior de España. Su perro Pillo y las ovejas que pastorea son su más preciada compañía.  Un ambiente lo suficientemente bucólico para él cómo para ignorar las ofertas que le llegan desde una constructora que pretende comprarle su terreno para edificar una urbanización y un centro comercial.

Frente al no querer vender de Anselmo se encuentran las ansias de dinero de Julián y Paco, los dueños de los terrenos colindantes, que sólo responden a la lógica de sus propios intereses. La eterna lucha de conflictos que se desarrolla en un mundo rural y claustrofóbico con un trasfondo de esqueléticas mesetas y ciudades dormitorio dónde, como un western moderno,  todo se va deshilachando hasta hacer que lo que a primera vista es un simple desacuerdo por una venta de terrenos converja en un inevitable y violento final.

Una metáfora sangrienta de la codicia de aquellos que, por llevar a cabo sus planes, no dudan en utilizar cualquier método que se les ponga a tiro.

Crítica

‘El Pastor’ se desmarca por estar fuera del sistema y de lo convencional.

¿Recordáis aquella película de 1986 de Antonio Giménez-Rico con Francisco Rabal como protagonista? ‘El disputado voto del Sr. Cayo’ era una cinta en la que varios personajes pretendían convencer a un hombre de campo. En el caso de ‘El pastor’ también hay varias personas que le hostigan a tomar una decisión que no quiere tomar y aunque no es política si es económica e igualmente indiferente para nuestro protagonista. Ambas, además, tratan lo insólito de encontrarse aún a gente alejada del panorama y comodidades actuales. Incluso su marco es sumamente parecido pues las dos transcurren entre pastos y veredas castellanas, burgalesas para el Sr. Cayo y salmantinas para el pastor. Por lo tanto de entrada me ha parecido una buena propuesta en tanto la he considerado como una actualización del título del que os he hablado.

Pero esta no es una filmación centrada en el paisaje de la zona. En ella se manejan elementos como la cabezonería, la avaricia, la fidelidad, la sencillez… todo esto nos lleva a un retrato de la cerrazón más arraigada en la vieja Castilla. En esta su tercera película Jonathan Cenzual Burley ha vuelto al lugar donde nació para rodar cine. Como decía el poema de Manolo Chinato «volverás de vez en cuando a estas tierras agrietadas». Esta obra no podía ser más personal y se ha involucrado al máximo. Se ha encargado de la fotografía (muy bucólica), guión, producción y dirección. Se respira el aire charro y se ha calcado el lenguaje de las gentes de Salamanca, todo es superlativamente veraz.

Por cierto que su reparto es también muy castellano. Manifiestan todos ellos quizá unas aptitudes más teatrales que cinematográficas. Salvo en el caso de Alfonso Mendiguchía o en ocasiones de Miguel Martín, se suele notar la interrupción de los cortes y los cambios de plano o secuencia.

Más que enmarcarla dentro del género «western moderno», como se dice en su sinopsis oficial, la incluiría en la corriente de cine neo-noir a la que nos acercan películas de semejante índole y capacidad, como ‘Garantía Personal’, de la cual os hablamos hace poco aquí y se rodó a poca distancia de ‘El Pastor’. Lejos de convertirse en una película imprescindible o en una obra maestra reconozco que si me ha encandilado por lo fiel que es a ese pedazo de España, a esa especie de extinción que esboza. Aunque tal vez se explaye demasiado en la cotidianidad es capaz de alcanzar un clímax guiándonos por el camino correcto. Pese a ello, hay algunos detalles técnicos mal pulidos, provenientes seguramente del presupuesto y los medios a disposición del director.

¿Tenéis también en vuestra memoria o conocéis a José Pinto? Es un ilustrado concursante de casi 100 programas de Saber y Ganar que es ganadero en la provincia de Salamanca. No es que sugiera que la película esté inspirada en él pero tener la oportunidad de citarle debido a las semejanzas con el modo de vida y orígenes del protagonista me era irresistible. No solo eso, si no que es una muestra real de que alguien como el pastor de Miguel Martín puede existir.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: El Pastor. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Jonathan Cenzual Burley. Guión: Jonathan Cenzual Burley. Música: Tim Walters. Fotografía: Jonathan Cenzual Burley. Reparto principal: Miguel Martin, Alfonso Mendiguchia, Juan Luis Sara, Maribel Iglesias. Producción: Matchbox Films. Distribución: Jonathan Cenzual Burley Films. Género: drama. Web oficial: https://www.facebook.com/elpastorfilm

Crítica: ‘Llega de noche’

Sinopsis

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Protegido en un hogar seguro ante un peligro sobrenatural que aterroriza al mundo, un hombre ha establecido un frágil orden doméstico con su mujer y su hijo. Pero todo se tambalea ante la llegada de una joven familia desesperada en busca de refugio.

Crítica

Las apariencias engañan y eso pasa con ‘Llega de noche’

Antes de comenzar, decir que me ha decepcionado, pero no porque sea una mala película, sino que por el título , los tráiler y todo me parecía más bien una cinta de terror. No sé si ha sido mi percepción, o no, pero no es una película de terror, es un thriller en toda regla.

La cinta nos lleva a un mundo en el que una virus está a la orden del día, no se ve nada del mundo en sí, sino que por lo que nos cuentan, fuera en las ciudades está muriendo gente. La historia se centra en una familia compuesta por un matrimonio, su hijo y su perro, hasta que conocen a otra familia y los acogen en su casa.

El filme me ha parecido interesante, he tenido que sopesar antes de escribir todo esto, realmente salí decepcionada y creo que  no me dejó ver bien todo lo bueno que tenía.

Está muy bien rodada. El director, Trey Edward Shults,  hace un gran trabajo con la cámara, haciendo de la casa una de las grandes protagonistas y creando una atmósfera de claustrofobia. El cómo nos muestra los miedos  de los inquilinos hace que te adentres en sus sentimientos y llegues a pensar y sentir lo que ellos.

Eso sí, las pesadillas del más joven te sacan muchas veces de la película, parece que tienen mucho que ver, pero o no he visto bien las metáforas o realmente no pintan mucho.

‘Llega de noche’ nos cuenta una vez más que hay un virus en la tierra y para mí ha sido como un capítulo largo de ‘Walking Dead’, sin zombies, eso sí. Hasta el final no llega el clímax de la cinta, durante la película conoces bien a todos pero ya está.

Al igual que en ‘John Wick’, vemos que todo el culpa del perro. Que quizá por esta sea la razón del título de la película, porque sino, no le veo razón ninguna.

En cuanto al reparto están estupendo, no tengo nada malo que decir, todo lo contrario, la película avanza estupendamente con ellos y sobre todo con Joel Edgerton que está increíble, su papel de padre protector de su familia es verosímil y creo que es lo mejor de todo la película.

Si no buscáis una película de terror, esta es la vuestra, es un thriller muy bien resuelto, pero es eso, un thriller.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio. Título original: It Comes a Night. Duración: 97 min. País: Estados Unidos. Director: Trey Edward Shults.  Guión: Trey Edward Shults. Música: Brian McOmber. Fotografía: Drew Daniels. Reparto principal: Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo, Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner. Producción: Animal Kingdom, A24. Distribución: Diamond Films. Género: Thriller. Web oficial: http://diamondfilms.es/llega-de-noche/

Crítica: ‘Baby Driver’

Sinopsis

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Baby, un joven y talentoso conductor especializado en fugas (Ansel Elgort), depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de haber sido forzado a trabajar para un jefe del crimen (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un malogrado golpe amenaza su vida, su amor y su libertad.

Crítica

Plagada de momentos explosivos y mucho ritmo.

No sé si llamarla musical o largo videoclip. Ahí entra quizá el criterio que cada uno emplee para catalogar una película. Lo que es innegable es que ‘Baby Driver’ tiene música de cabo a rabo. Arranca de un modo espectacular y tiene una primera parte que parece ha sido estudiada al milímetro. Pero su segunda mitad no resulta tan grandiosa y se pierde un poco la sensación lograda. Parece que va a ser todo el filme musical, casi sin diálogo, al protagonista le han diseñado para ello, pero no, se pierde esa continuidad musical en determinado momento, después tenemos ráfagas y acaba, por supuesto, con mucho ritmo. Desde luego tiene el gran mérito de ser una película de acción y persecuciones que en ocasiones parece completamente coreografiada. Consigue por supuesto, superar a otros títulos atiborrados de temas como ‘Escuadrón Suicida’.

Edgar Wright se adentra en un género algo distinto al de sus películas clásicas y menos bizarro que el de ‘Scott Pilgrim contra el mundo’. El ritmo siempre ha sido una de sus marcas personales, nunca perdona una escena con música o bailoteo. En esta película eso se ha convertido en una máxima. Tanto es así que la música está muy acoplada a los sonidos de ambiente que se producen en el filme. Si hubiese explotado más esa idea estaríamos ante una complicadísima y monumental obra de arte. También se ha echado en falta un gran hit que acompañe a sus escenas más desenfrenadas, que tiene varias.

Por supuesto hay que dedicarle un apartado a parte a las escenas de persecución. Baby (Ansel Elgort) se encarga de sacar a los villanos de las escenas del crimen. Esto se debe a su maestría al volante y a la relación que tiene con el personaje de Kevin Spacey (cada día más parecido a Florentino Pérez). Como he dicho la música acompaña siempre a nuestro protagonista, tanto es así que posee una gran colección de iPods. Ya dejaré que descubráis por vosotros mismos el motivo de todo esto, pero a lo que voy es a la razón por la que siempre oye canciones. ¿Habéis pensado como sería vuestra vida si le pusieseis vuestra propia banda sonora? Eso es lo que hace para motivarse nuestro protagonista y se consigue de ese modo una conexión espectador-personaje muy peculiar. Si unimos esto a los brillantes planos rodados (algunos rememoran a Tarantino) tenemos unas persecuciones de lo más vibrantes.

También hay que decir que la empatía con el protagonista está bien pensada. Esta es una película que sobre todo encandilará al público adolescente. No por que vaya a reconocer las canciones que suenan en ella, porque muchas son clásicos norteamericanos, si no porque la personalidad vacilona o rebelde y a la vez encantadora de Baby está muy acorde con los personajes de moda. Elgort ejecuta al personaje con mucha fluidez.

El elenco de macarras y maleantes que rodean a Baby está completado por una elección de casting muy acertada. Al ser la primera vez que el director rueda en Estados Unidos está plagada de actores residentes en Norteamérica: Kevin Spacey, Lily James, Jon Bernthal, Eiza González, Jon Hamm, Jamie Foxx. Todos ellos en sus versiones más malotas y caricaturescas.

Como siempre Wright ha conseguido rodar varias escenas que nos han hecho llorar de risa. Pero la estructura del filme está manida, ese es otro de sus puntos flacos. Vivimos la clásica historia del perro que muerde la mano que le da de comer. Vemos la vida del clásico personaje de buen corazón que se ve atrapado en negocios sucios. Y los personajes femeninos están totalmente a merced de sus parejas masculinas. Pero ir descubriendo las referencias musicales, las influencias de filmes como ‘Granujas a todo ritmo’ o ‘Driver’, e incluso los guiños a su propia obra, hace de este largometraje un entretenimiento por encima de la media.

Como curiosidad. Lily James (‘Cenicienta’) interpreta a la chica en apuros, la media naranja del protagonista. ¿Qué pensaríamos de Emma Stone si hubiese hecho finalmente este papel? Porque estuvo cerca y lo dejó por ‘La La Land’.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: Baby Driver. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Edgar Wright. Guión: Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Jon Bernthal, Eiza González, Jon Hamm, Jamie Foxx. Producción: TriStar Pictures, Working Title Films, MRC. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, musical, comedia. Web oficial: http://www.babydriver-movie.com/

Impresiones del 3×05 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La letra no necesariamente con sangre entra.

Tiempo de esplendor. Así se ha llamado este episodio en el que la guerra mermaba los ánimos del pueblo y la capital era trasladada a Valladolid por influencia e intereses de un duque. En ese contexto veía España como crecían sus mejores escritores. Dos de los máximos exponentes de nuestra literatura han encabezado el episodio como personajes históricos «invitados’. Víctor Clavijo y Pere Ponce han repetido en sus papeles de Lope de Vega y Cervantes respectivamente. Las riñas y el pique entre ellos han resultado de lo más atractivo de un capítulo con no mucho interés histórico pero si argumental, pues algo se ha adelantado de la trama principal.

Esto es debido al individuo con el que se ha topado Pacino y a los progresos realizados por Ernesto (Juan Gea) e Irene (Cayetana Guillén Cuervo) en su viaje a los ochenta. El hermano de esta última, Fernando Guillén Cuervo ha tenido un papel bastante relevante al interpretar al Duque de Lerma en la otra historia paralela protagonizada por la patrulla. También hemos podido ver en ella a Elena Rivera (como la reina Margarita de Austria), a Federico Aguado (como el rey Felipe III) o al salmantino Mariano Venancio (haciendo de jefe como en ‘Mortadelo y Filemón’).

El director de este quinto capítulo (el número 26 de los que van emitidos), Oskar Santos (‘Hispania. La leyenda’, ‘Zipi y Zape’) ha tenido la oportunidad de dejarnos con un cliffhanger que tiene que ver con el personaje de Lola Mendieta. Veremos por dónde continúa la incierta historia de este personaje que contra toda regla de El Ministerio se está rescribiendo.

Entrevista a Nacho Vigalondo por ‘Colossal’

 «Hay una idea para una secuela».

Volvemos a entrevistar a Nacho Vigalondo tras haber coincidido con él en el pasado Nocturna. El director de Cabezón de la Sal (Cantabria) ha creado una historia llamada ‘Colossal’ con mucho sabor del clásico género japonés kaiju. Una narración que originalmente estaba escrita para que transcurriese entre su pueblo natal y Madrid. Pero avatares del destino quisieron que se rodase entre Atlanta y Seúl.

Debido a la internacionalidad que adquirió el proyecto ha contado con actores como Anne Hathaway (‘Interstellar’) , Jason Sudeikis (‘Somos los Miller’), Dan Stevens (‘Downton Abbey’), Austin Stowell (‘Whiplash’) y Tim Blake Nelson (‘Lincoln’).

Si queréis nuestra opinión de ‘Colossal’ tenéis nuestra crítica aquí. Pero podéis tener la visión del propio director en la siguiente entrevista. Os aseguramos que os vais a reír, tanto con sus palabras como con la película.

Recordad que el filme se estrena primero en Movistar+ el jueves 29 a las 22:30h. Posteriormente, el día siguiente, el 30 de junio, se estrena en salas de todo el país.

Sinopsis oficial:

Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y volver a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, se da cuenta de que está relacionada con esos extraños sucesos.

Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.

Crítica: ‘Un don excepcional’

Sinopsis

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 Frank Adler (Chris Evans) es un hombre soltero que tiene que criar a una niña prodigio, su enérgica sobrina Mary (Mckenna Grace), en un pueblo costero de Florida.  Los planes de Frank para que Mary tenga una vida escolar normal se ven arruinados cuando las habilidades matemáticas de la pequeña de siete años empiezan a llamar la atención de la formidable madre de Frank, Evelyn (Lindsay Duncan), cuyos planes para su nieta amenazan con separar a Frank y Mary.  Octavia Spencer interpreta a Roberta, la casera y mejor amiga de Frank y Mary.  Jenny Slate interpreta a la profesora de Mary, Bonnie, una joven mujer, cuya preocupación por su alumna hace que conecte con el tío de la pequeña.

Crítica

Una película tan sencilla como perfecta, un soplo de aire fresco.

¿Hasta qué punto podemos decidir la vida de una niña? ¿Darle una infancia o explotar su gran cerebro para que logre conseguir grandes metas? Marc Webb nos trae una historia conmovedora y que os dará mucho que pensar.

Mary es una niña superdotada que vive con su tío, el cual solo quiere lo mejor para ella, de cualquier manera, no quiere que termine como su madre, la cual murió suicidándose y siempre obsesionada con su trabajo como investigadora de matemáticas. Todo se complica cuando la abuela de la niña aparece en pantalla.

Qué decir, la película es sencilla, pero funciona, tiene un buen ritmo que hace que no te aburras y no pierdas ni un solo detalle de todo lo que ocurre.

La cinta, como he dicho antes, nos trae un tema bastante difícil y es como muchas veces, como adultos no nos damos cuenta de lo que puede ser mejor para los niños, pensamos por ellos y tomamos decisiones por ellos, siempre pensando en lo mejor, pero muchas veces nos equivocamos.

Sin lugar a dudas, lo mejor de la cinta es la pequeña Mary y su gato Fred. McKenna Grace hace un papel estupendo, demostrando lo canalla que puede ser, pero que por muy madura que parezca por su inteligencia, vemos como realmente sigue siendo una niña pequeña con ganas de jugar, de aprender nuevas cosas y disfrutar de todo.

Acompañándola como su inseparable tío y mentor está Chris Evans, está muy bien en su papel, tierno y sincero. La pareja que hace con la niña es genial, los dos nos dan a la cámara risas y llantos a la vez.

En el reparto también encontramos a Lindsay Duncan y a Octavia Spencer, las cuales también están estupendas.

‘Un don excepcional’  es una película clara y sin complicaciones, que nos cuenta una bonita historia que sin duda hará que salgáis del cine con una gran sonrisa.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de junio. Título original: Gifted. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Director: Marc Webb. Guión: Tom Flynn. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Stuart Dryburgh. Reparto principal: Chris Evans, Jenny Slate, Octavia Spencer, Lindsay Duncan, McKenna Grace, Keir O’Donnell, John Finn, Kelly Collins Lintz, Joe Chrest, Scott Christopher Kelly, Cameron Mills, Jeremy Ambler, Candace B. Harris. Producción: Film Nation Entertainment, Fox Searchlight Pictures, Grade A Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: Drama. Web oficial: http://www.undonexcepcionalpelicula.es/

Crítica: ‘Los últimos años del artista: Afterimage’

Sinopsis

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En 1948, cuando Stalin pone sus manos sobre Polonia, el famoso pintor Wladyslaw Strzeminski se niega a comprometer su arte con las doctrinas del realismo social. Perseguido, expulsado de su puesto en la universidad, es de repente borrado de los muros de los museos. Con la ayuda de algunos de sus estudiantes, comienza a luchar contra el Partido y se convierte en el símbolo de una resistencia artística contra la tiranía intelectual.

Crítica

El crepúsculo de un artista exento de afán.

Sabéis de estas películas que se dice tienen sabor académico o que están realizadas con un estilo a la antigua, pues en esos grupos podemos incluir a ‘Los últimos años del artista: Afterimage’. Y no lo digo porque la elaborase un director a sus noventa años de edad, poco antes de morir. La película del director polaco Andrzej Wajda está narrada con el estilo de una vieja escuela que ha de renovarse. Me parece bien que un polaco quisiese homenajear a otro polaco, pero hay maneras y maneras. Rodar los últimos días de un artista de un modo tan poco apasionado y monótono me parece un vago o flojo honor. Como mínimo cuando se pretende alabar la obra de un creador se tiene que intentar transgredir. Con ese verbo me refiero a traspasar ciertas barreras que hagan que el espectador se sorprenda, que establezca un vínculo con el protagonista e incluso se innove . Sobre todo si es el caso de Wladyslaw Strzeminski, el cual he sabido gracias al filme que suscitó una corriente que iba en contra de todo lo que le imponían. La película informa pero no va más allá.

Como imagen posterior a su muerte queda más plasmada la influencia que ejerció en sus alumnos o las fundaciones que creó, más que su propia obra artística. Su visión vanguardista chocaba con la que quería el régimen comunista. Es por ello que sistemáticamente le impidieron hacer su arte y por consiguiente le quitaron el trabajo que le daba de comer. También estaba en contra de obligar a los artistas a ejercer un estilo predefinido evitando que estos experimentasen y creasen nuevas corrientes. Esto se plasma tal cual en la película, pero de un modo tan invariable que se hace casi soporífero. Hasta que no llegamos a los títulos de crédito no se juega con su arte, pese a que si tenemos algunos retazos de sus teorías.

A Strzeminski  le faltaban la pierna derecha y el brazo izquierdo. Uno de los méritos ha sido conseguir con esas técnicas de antaño recrear dichas carencias de miembros. La elección de planos, el juego con la escenografía, el vestuario… todo ello se ha empleado para imitar la invalidez del pintor. Si en su época hubiesen existido las redes sociales seguramente habría podido salir victorioso de su pulso contra la autoridad. Pero no era así y su popularidad no fue suficiente como para ganar más incondicionales. Esto también es mérito de Wajda, reflejar otra etapa de la historia polaca y otra de las caras del régimen de Stalin.

Me parece que la obra del ya difunto Andrzej Wajda tendrá buena acogida entre los círculos más experimentados en las bellas artes o en su propio país. Aparecen obras del autor como los collages sobre los judíos o la Sala neoplástica, la cual hace poco se recreó en el Museo Reína Sofía. Si estáis leyendo esta crítica por vuestra afición a las artes plásticas o al propio Strzeminski quizá deberíais saber que la exposición aún está abierta. Tal vez si me sumerjo un poco en ella aprecie más la película, pero mis pegas están más relacionadas con la narración cinematográfica, no con lo que he aprendido del artista.

Tristemente la ficción se ha ligado a la realidad y el título de ‘Los últimos años del artista’ puede hacer referencia tanto al director como al personaje retratado. Lo que queda claro tras visionar el filme es que ambos representaban mucho para Polonia y para ciertos sectores del mundo artístico.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de junio de 2017. Título original: Powidoki (Afterimage). Duración: 98 min. País: Polonia. Dirección: Andrzej Wajda. Guión: Andrzej Wajda. Música: Andrzej Panufnik. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Boguslaw Linda, Aleksandra Justa, Bronislawa Zamachowska, Szymon Bobrowski, Mariusz Bonaszewski, Tomasz Chodorowski, Izabela Dabrowska, Aleksander Fabisiak, Paulina Galazka, Filip Gurlacz. Producción: Akson Studio, TVP – Telewizja Polska, Instituto Audiovisual Nacional (NINA), PISF, Tumult Foundation. Distribución: Sherlock Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/530/los-ultimos-anos-del-artista-afterimage/

Crítica: ‘Colossal’

Sinopsis

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Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y volver a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, se da cuenta de que está relacionada con esos extraños sucesos.

Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.

Crítica

Chupaos esta superproducciones.

Otra película más en la que con poco se consigue mucho. Otra película más de un director español que debería estar mejor considerado, por instituciones, empresas y público. El ‘Colossal’ de Nacho Vigalondo tiene un acabado magnífico, que unido a la singularidad de sus argumentos hace que esta nueva propuesta se desmarque ante tanta uniformidad y monotonía de las carteleras.

Si raspamos su superficie encontramos una historia sobre la crisis: la económica, la personal y la de las parejas de este siglo. Pero podemos seguir quitando capas y capas del filme porque trata muchos temas y llega a cotas muy profundas. Vigalondo mezcla géneros como pocos directores saben hacer. Puede gustar a los locos de los kaijus, los mechas  o la ciencia ficción. Puede atraer a los amantes de las comedias románticas. Puede conquistar a quien busca un cine adolescente gamberro. Puede satisfacer a aquellos que quieren que se traten problemas reales en el cine, como la violencia machista. Como veis toca muchos palos y hacer eso sin desviarse de la trama troncal resulta un logro colosal. A si es que «Achievement unlocked».

Este es un filme que además no tiene complejos a la hora de emplear localizaciones (transcurre entre Vancouver y Seúl) ni a la de mostrar a su colosal protagonista. En cuestión de CGI está sobradísima. El kaiju sale con todo lujo de detalles y durante mucho más tiempo del que yo había imaginado que aparecería. Vamos, que podréis verle mucho mejor que al titán de ‘Cloverfield (Monstruoso)’. Además es una criatura a la que se le coge cariño, pues tiene expresiones faciales, camina, pelea, destroza y… ¡baila!

Y aunque trate de una criatura de desmesurado tamaño se nos demuestra que hasta el más mínimo movimiento puede propiciar la más descomunal de las consecuencias. Solo por la manera en cómo se ha recreado eso he de decir que es la ocasión en la que más he disfrutado con Hathaway. Ojo, que digo disfrutado, que puede que me gustase más en ‘Los Miserables’, pero ahí sufríamos con ella. La actriz neoyorkina vuelve a estar muy resuelta en una película de índole extravagante. Se nota además que disfruta con la comedia. Pero en mi opinión es Sudekis (‘Cómo acabar con tu jefe’) el que lleva mejor la evolución de su personaje. Seguramente porque está muy acostumbrado a este tipo de comedias desvergonzadas, pero además emigra de ese género con el punto al que llega aquí.

‘Colossal’ posee momentos que desbordan epicidad a raudales. Incluso la música de Bear McCreary (que casualmente es el compositor de lo que oímos en ‘Calle Cloverfield 10’) nos sumerge en escenas que podrían haber salido de producciones tan grandes como ‘Pacific Rim’ o del ‘Godzilla’ de 2014. Acompaña a una heroína de las que se demandan hoy en día, una mujer compleja, con carisma, con poder de decisión y de acción.

Por ser caprichoso y pedir cual jubilado en una excursión del Imserso me habría gustado saber más sobre el final del trayecto del vuelo de algunos personajes. También, me hubiese fascinado tener algún que otro gag extra, pero reconozco que está bien equilibrada, que no hay mucho espacio para ello.

He de confesarme seguidor de las películas de Vigalondo, por lo menos soy de los que empuja a la gente a ver sus originales narraciones. Y si tengo que ubicar este nuevo filme en un ranking de su filmografía se hace doloroso decir que se hace con la primera posición. Y lo digo con aflicción porque desbanca a una película como ‘Los cronocrimenes’. Me encantaría que esta fuese su primera película con secuela, no se, al estilo del videojuego ‘King of the monsters’ o realizando un crossover con la Tōhō. Es una película casi redonda, muy bien estructurada, se merece todo el abanico de halagos que se le ocurra al público.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de junio de 2017. Título original: Colossal. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Nacho Vigalondo. Guión: Nacho Vigalondo. Música: Bear McCreary. Fotografía: Eric Kress. Reparto principal: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Hannah Cheramy. Producción: Voltage Pictures, Sayaka Producciones, Brightlight Pictures. Distribución: Versus Entertainment. Género: ciencia ficción, comedia, romance. Web oficial: http://ellaescolossal.es/

Impresiones del 3×04 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La cosa ha pintado bien.

Por fin, ya echábamos de menos al personaje de Velázquez (y a Julián Villagrán). En un episodio como este que incluía a un pintor como Goya ya era imperdonable que no apareciese. No ha sido un capítulo protagonizado solo por él pero ha tenido una presencia de lo más entrañable.

‘Tiempo de ilustrado’ ha transcurrido, lógicamente, en la época ilustrada de España. Allá por el siglo XVIII Francisco de Goya obraba su arte y para recordárnoslo le ha encarnado Pedro Casablanc. Pero no ha sido el único que ha interpretado a un personaje conocido pues Luis Callejo se ha metido en la piel de Godoy, Noemí Ruíz en la de la Duquesa de Alba y María Adánez en la de Osuna. Todo un reparto que ha elevado el nivel interpretativo de la serie.

El director de esta ocasión, Jorge Dorado (‘Anna’), nos ha brindado unos minutos con mucho ritmo y un logrado equilibrio entre los personajes. Sobre todo ha sabido aprovechar el Parque de El Capricho y la obra de Goya para introducirnos en la época.

La pena es que con lo bueno que estaba siendo el episodio hemos vivido una solución tremendamente predecible. Al menos este ha sido un episodio con el gancho de los que empezaron a crear afición. Muchas referencias modernas, humor, nuevas intrigas, lecciones de historia… De momento, el menos épico, pero aún así, el mejor de la temporada.

Nos vemos en el quino capitulo (‘Tiempo de esplendor’), en el cual nos volveremos a encontrar con el Cervantes de Pere Ponce y el Lope de Vega de Víctor Clavijo.

Crítica: ‘Selfie’

Sinopsis

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A un ministro del gobierno le acaba de detener la policía, imputado por corrupción, malversación de fondos públicos, blanqueo de capitales y otros dieciocho delitos económicos. Esta es la historia de su hijo Bosco.

Sus andanzas desde que es expulsado de su lujoso chalet en la Moraleja hasta que entra a “okupar” una casa en Lavapiés; sus angustias sentimentales desde que le deja su novia de dentadura perfecta y labio indolente hasta que le acepta una trabajadora social ciega, educadora en un colegio de discapacitados; sus miserias desde que le expulsan de su exclusivo máster de dirección de empresas hasta que pasea asustado por las calles de su nuevo barrio.

Si esta fuera una comedia romántica Bosco aprendería una lección, la vida le enseñaría algo… y al final, vería un rayo de luz y una esperanza de cambio. Encontraría a la mujer de su vida, mostraría empatía con los más desfavorecidos o estimularía su amor por los animales.

Lamentablemente, ésta no es una comedia romántica.

Crítica

Un selfie a España desde la mirada de un pijo.

Víctor García León hace un ‘Selfie’ de una España dividida, de una España indecisa y para ello utiliza a Bosco, un niño rico, hijo de un ministro del PP que en una comida con sus amigos y su novia ve como toda su vida se desmorona cuando su padre aparece en televisión mientras es detenido por corrupción. Su familia se desentiende de él, sus amigos le dan la espalda porque no quieren que se les meta en el mismo saco, le echan de la universidad, es desahuciado…

Así que sin más, decide buscarse la vida y marcharse a Lavapiés, donde todo el mundo se ayuda.

El personaje de Santiago Alverú es un caradura, Bosco es un Borat conociendo las dos Españas. Cree que el mundo es como él, que lo sabe todo y lo peor de todo es que cae en simpatía y consigue hasta trabajo

Toda la película está grabada como si fuera un falso documental sobre Bosco, vamos viendo como poco a poco cae en desgracia, pero aun así él no para hasta conseguir al menos subsistir. Bosco en sus peripecias llega a Lavapiés donde simpatiza con gente de Podemos, como una chica invidente llamada Macarena y Ramón, el que le acoge en su casa.

Entre los lugares que visita Bosco, vemos distintos mítines, tanto del PP como de Podemos, y en ellos vemos a los líderes de Podemos o a Esperanza Aguirre.

Santiago Alverú está estupendo, para ser su primer papel da en el clavo y nos muestra a un niño pijo al que en el fondo se le coge hasta un poco de aprecio.

Es una cinta muy amena, nos muestra que no todo es blanco o negro, nos muestra la decadencia de nuestro país. Ni la izquierda es tan buena, ni la derecha tan mala, nos muestra una España ciega, que no sabe elegir. Pero también nos muestra que siempre terminamos saliendo adelante, ya sea con ayuda de otros o con nuestras propia maña.

Víctor García León, hace un gran trabajo pese al poco presupuesto que tenía. Ha sido una de las grandes sorpresas de Málaga.

Una película necesaria y que va a dar a debate después de su visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de junio. Título original: Selfie. Duración: 85 min. País: España. Director: Víctor García León. Guión: Víctor García León. Música:  Christian Tosat. Fotografía: Eva Díaz. Reparto  principal: Santiago Alverú, Macarena Sanz, Javier Caramiñana, Alicia Rubio, Pepe Ocio. Producción: Gonita, II Acto y Apache Films. Distribución: Vertigo Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/selfie/

Crítica: ‘La casa de la esperanza’

Sinopsis

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La brutal invasión de Polonia por parte de la Alemania nazi causa estragos en Varsovia. Y el horror se multiplica cuando empiezan a deportar a los judíos hacia lo que es una aniquilación segura. Lejos de permanecer impasibles, el guardián del zoo de la ciudad, Jan Zabinski (Johan Heldenberg) y su esposa Antonina (Jessica Chastain) arriesgan sus vidas utilizando el zoo como tapadera para ayudar a escapar a tantos judíos como pueden. En tiempos terribles, Antonina y los judíos a los que ayuda logran mantener viva la llama de la esperanza y la confianza en el ser humano.

Basada en la aclamada novela ‘La casa de la buena estrella’, ‘LA CASA DE LA ESPERANZA’ es la conmovedora historia real del valor de una mujer y su familia para salvar a numerosos judíos durante la Segunda Guerra Mundial.

Crítica

Una escenario original para una historia real pero con poca novedad.

Esta es la historia de Jan Zabinski y su mujer Antonina, aunque dado que el título original de la película es ‘The Zookeeper’s wife’, la película nos remite más protagonismo a la esposa del dueño del zoo. Considero más apropiada la adaptación del título en España como ‘La Casa de la Esperanza’ a pesar de que por supuesto el personaje de Jessica Chastain posee una gran importancia.

La historia nos sitúa en Varsovia, en el zoo de la ciudad. Se nos presenta a los Zabinski como  una familia feliz junto a su hijo Rys, donde el amor por los animales está en todos. Antonina es un personaje dulce que cuida a los animales como si fueran sus propios hijos, lamentablemente como siempre ha ocurrido, la llegada de los nazis a Polonia trunca todo el funcionamiento del zoo y la estabilidad de la familia, que comienza una peligrosa misión de rescatar judíos arriesgándose mientras mantienen a raya a su aliado nazi el señor Heck, que dará más de una sorpresa al final.

Sin contar demasiado de la historia, aunque la película es satisfactoria pues el final no te deja con mal sabor de boca, uno pensaría al principio que el tema de los animales y el zoo cobraría más importancia en especial para salvarlos también a ellos. Llega un momento que la película se convierte en la que uno siempre ha visionado, donde los protagonistas ocultan judíos y existe un gran peligro de ser cazado. Por lo tanto, no aporta novedad en el sentido de historia sobre la época nazi, es una historia que ya hemos visto otras veces, pero dado que está basada en hechos reales tampoco se le pueden pedir peras al olmo.

Sólo hay una pequeña parte inesperada al final sobre cierto personaje, que aporta algo distinto sobre los nazis, demostrando que de vez en cuando había alguno que no era tan despiadado. Por lo demás, las actuaciones son satisfactorias, a pesar de que se publicita mucho a Jessica Chastain, el resto del reparto es el doble de convincente, en especial la muchacha judía Úrsula (Shira Haas) que sufre un gran trauma.

La película es recomendable pues aparte de entretenida es una historia real y como tal es interesante ver una representación de algo que ocurrió de verdad en Varsovia. El escenario, siendo un zoo, además es curioso de ver y sobre todo el cómo se apañaron para salvar a tantos judíos, siendo Jan Zabinski y su esposa dos almas tan caritativas y tan necesarias en aquella horrible época.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de junio de 2017. Título original: The zookeeper’s wife. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Niki Caro. Guión: Angela Workman. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Andrij Parekh. Reparto principal: Jessica Chastain, Daniel Brühl, Johan Heldenberg, Michael McElhatton. Producción: Scion Films, LD Entertainment, Rowe, Miller Productions. Distribución: eOne Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/la-casa-de-la-esperanza

Impresiones del 3×03 de ‘El Ministerio del Tiempo’

La magia ha llegado del director, no de la mano de Bécquer.

Este tercer episodio se ha nombrado como ‘Tiempo de hechizos’, no confundir con ‘Tiempo de magia’, que ese fue otro episodio de la temporada pasada. En esta ocasión la superstición y lo brujeril han constituido el eje del argumento de un episodio dirigido por Koldo Serra (‘Gernika’). El director bilbaino ha incorporado a la serie su sello, su manera de ver la escena, dotándola de brillantes planos y de un vibrante ritmo. La calidad visual ha sido el mejor aspecto de esta tercera entrega.

Tras arrancar el capítulo con un guiño a ‘El Señor de los Anillos’, a esa famosa escena del Nazgûl persiguiendo a los hobbits, se ha iniciado una trama que de nuevo ha estado relacionada con alguien que viaja destrangis por el tiempo, aunque en esta ocasión fuese una viajera involuntaria. El monasterio de Veruela ha acogido el capítulo y Hugo Silva ha vuelto a enfrentarse a la brujería, como ya hiciese en Zugarramurdi. Pacino ha seguido haciendo de las suyas contando, literalmente, películas. Por supuesto, haciendo lo que mejor se le da hacer investigar. Mientras tanto Amelia y Alonso se han pasado el episodio como drogados y cambiados, por un motivo bastante previsible.

El «personaje invitado» en esta ocasión era Gustavo Adolfo Bécquer, interpretado por Tamar Novas. Quizá el personaje histórico más desaprovechado y menos carismático de los que han aparecido. Culpa de ello quizá sea lo poco que ha estado en pantalla o lo poco que ha influido. Ha estado mucho más presente y ha sido más determinante Miryam Gallego como la supuesta hechicera y viajera del tiempo. También han aparecido Jon Arias (hijo de Imanol Arias), Marta Guerras, José Luis Ferrer, Marta Guerras, Adelfa Calvo y Juan Viadas.

Además hemos seguido con una intriga paralela protagonizada por Cayetana Guillén Cuervo y Macarena García, Irene Larra y Lola Mendieta respectivamente. No sabemos si la joven Mendieta seguirá los pasos de su otro yo ya fallecido, aquí al menos comienza a dar pasos en dirección contraria. Y hablando de cambios en las líneas temporales, Amelia ha dado señales de seguir preocupada por la niña que aparecía en las fotos que recibió.

Aunque cada vez que aprecian por el bosque nos saturaban de graznidos, algunos excesivamente artificiales, en general ha sido un atrayente capítulo, aunque algo por debajo de la media de la serie.

Crítica: ‘Cartas de guerra’

Sinopsis

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1971. La vida de António Lobo Antunes se ve brutalmente interrumpida cuando el ejército portugués le recluta para ejercer como médico en una de las peores zonas de la guerra colonial, el Este de Angola. Alejado de todo lo que ama, escribe numerosas cartas a su joven esposa envuelto en un ambiente cada vez más violento.

A medida que le cambian de destino, se enamora de África y madura políticamente. A su lado, toda una generación lucha contra la desesperación y se pregunta si regresará a casa algún día. En un decorado bélico tan incierto, las cartas se convierten en su único vínculo con la supervivencia.

Crítica

Una maravilla visual.

Dirigida por Ivo. Ferreira y basada en el libro del mismo nombre de António Lobo Antunes. ‘Cartas de guerra’ nos trae el día a día de unos soldados portugueses en la guerra de Ángola, todo contado por las cartas que António manda a su amada.

Joao Riberio hace un trabajo espectacular con la fotografía, la película visualmente es preciosa.  Rodada en blanco y negro vemos los desastres de la guerra, no solo los heridos o muertos, sino el desgaste físico y mental de los soldados, de como el estar alejados de sus familiares y amigos les hace más mella que cualquier herida de bala.

La película es interesante, pero bastante lenta. La manera de contar la historia, a través de las palabras de Antonio ya se hizo en ‘Cartas desde Iwo Jima’ y es una de las causas por las que la película es tan monotona. En mi opinión, que la que lea las cartas sea la mujer del protagonista le quita emoción a sus palabras, personalidad y pierdes un poco el ritmo de la guerra. Realmente tiene su lógica, pues ella es quien las recibe, pero lo dicho las cartas quedan sin alma, sin el sufrimiento, sin el dolor o amor que realmente desprende la historia.

Estupendamente ambientada, la cinta nos hace adentrarnos en aquella época, la música, las ropas, todo escogido al más mínimo detalle, para que vivamos lo mismo que ellos.

Miguel Nunes está estupendo en su papel como el doctor atormentado por no poder ver a su mujer e hija recién nacida. Vas viendo su declive físico y mental a lo largo de toda la cinta.

‘Cartas de guerra’ es una historia conmovedora con unas imágenes increíbles que se os quedarán grabadas en la retina. 

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio. Título original: Cartas da guerra. Duración: 105 min País: Portugal. Director: Ivo M. Ferreira. Guión: Ivo M. Ferreira, Edgar Medina. Música: Ricardo Leal. Fotografía: Joao Ribeiro. Reparto principal: Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, Ricardo Pereira, Joao Pedro Vaz, Simao Cayatte. Producción: Shortcuts International. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=400

Impresiones del 3×02 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Una interesante historia para rescatar a un personaje.

Tiempo de espías ha arrancado con una escena muy a lo ‘Malditos Bastardos’. Ha dado paso a una trama con nazis y luchadores por la libertad transcurrida entre Huelva y Francia. Esta mezcla es posible, está justificada y más si uno indaga en las historias reales en las que se ha basado el episodio, como la operación Mincemeat. Las crónicas de nuestro pasado han vuelto a servir a los guionistas para que descubramos una de tantas peripecias transcurridas en España.

No solo los nazis se han incorporado de nuevo a la serie. También volvemos a contar con actores de primera categoría en nuestro país. Macarena García, Luisa Gavasa, Cuca Escribano, José Manuel Poga y Antonio Dechent. Algunos aparecen brevemente pero sin duda Macarena García es la que ha tenido más protagonismo pues ha interpretado Lola Mendieta de joven, un personaje muy conocido por los ministéricos. Le han aportado más trasfondo y vida a su pasado basándola en Marina Vega, la espía  que perseguía nazis y fue la única mujer miembro de la Resistencia Francesa. Aunque la futura Lola esté perjudicada por viajar con Darrow los guionistas se las han apañado para rescatar a su personaje. El problema es que se ha cambiado la historia una vez más y eso no solo va contra las reglas del Ministerio, si no que según en qué teoría espacio temporal se crea eso cambiaría toda la línea del tiempo. Pero ya hemos comprobado en otras ocasiones que tanto el tiempo como los guionistas de la serie son igual de caprichosos.

Otra cosa real que se ha empleado, derivada de la Mincemeat, es la niña llamada Isabel, que recibe el mensaje de que a la tumba a nombre de William Martin no le falten flores. Lo que no sabemos es el por qué esa obsesión con Pacino, si no va a tener repercusiones futuras no tiene mucho sentido, habrá que esperar.

En resumen ha sido un episodio con algún que otro momento intenso y con grandes cambios para algunos miembros del Ministerio, pero de momento no para la historia central que se nos planteó en el anterior episodio.

Aún nos queda otra gran duda. ¿Qué pasa con Velázquez, dónde está Velázquez?

Opinamos sobre ‘Chance’, la nueva serie de Hugh Laurie

‘Chance’ nos da la oportunidad de disfrutar de nuevo con Laurie en nuestras televisiones.

Eldon Chance es el nombre del protagonista que interpreta Hugh Laurie en la serie que comenzará su andadura el 15 de junio en el canal Calle 13 (a las 22h con doble episodio). Al igual que en la famosa serie ‘House’ la producción lleva el apellido de su personaje, Chance. Y también igualmente Laurie interpreta a un doctor, especializado en otro campo y con una personalidad diferente, eso sí. Alguien que supone ser una oportunidad, una posibilidad de cambiar el destino o por lo menos encontrar el consuelo de ser escuchado. Pero la mente de los pacientes de Chance está tan rota que la vida del doctor se verá afectada.

He podido visionar el primer episodio de ‘Chance’ y puedo asegurar que el tono y la trama es muy de novela negra, lo cual es muy lógico pues está sacada de una obra de Kem Nunn, del que se dice que escribe libros de estilo «surf-noir» (también es surfista). Este primer episodio supone una buena presentación. No os voy a hablar de un capítulo magnífico pero si de algo que promete, que si va in crescendo nos dejará anonadados.

El tono ronda mucho el thriller psicológico, lo cual era de esperar pues la profesión de Chance es la de neuropsiquiatra. Pero también hay mucho confortamiento físico. De hecho el primer capítulo arranca con un cruento accidente de tráfico que ha desembocado en una decapitación mostrada sin escrúpulo alguno. Para poder llevar a cabo esas dos caras de la serie se cuenta por supuesto con el personaje de Chance, muy apropiado para las capacidades y el estilo de Hugh Laurie, pero también con el contrapunto de D, el personaje de Ethan Suplee. Si con Chance se os irá la imagen de Laurie como House con D os olvidaréis de quien era Randy en ‘Me llamo Earl’. Su personaje intimida realmente, no sabes por dónde te va a salir, da escalofríos. Lo veo como la confirmación de que la calidad que le vimos en ‘American History X’ o ‘El lobo de Wall Street’ no es algo inusual en él.

Viendo a estos dos actores como pareja interpretativa y obviando el claro protagonismo de Laurie, podríamos decir que se ha buscado un duo muy a lo ‘Breaking Bad’. Personas «normales» que se sumergen en los bajos fondos, de la ciudad y de la mente. El hecho de que el doctor se involucre en los asuntos de sus pacientes y se adentre en un mundo en el nunca ha estado parece que le acarreara tener turbios y peligrosos problemas. Conflictos que probablemente tendrá que resolver con su fortaleza mental y con la fuerza de su amigo.

Mucho tiene que haber convencido a los que han visto más material (en 2016 la distribuyó Hulu en EE.UU.) pues la serie ya tiene confirmada y renovada una segunda temporada. 10 episodios tendrá esta primera tanda de ‘Chance’. Estas han sido mis impresiones pero me habría gustado poder reafirmarlas viendo un segundo episodio, sin duda el primero ha picado mi curiosidad.

PD: La intro es corta y sencilla, como me gustan, salvo que la música no es pegadiza.

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