Crítica: ‘El otro lado de la esperanza’

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La película cuenta dos historias que se cruzan. La primera habla de Khaled, un joven refugiado sirio que ha perdido a toda su familia llega a Helsinki por casualidad y pide asilo. La segunda gira en torno a Wikström, un comercial que abandona su profesión, gana un poco de dinero jugando al póquer y abre un restaurante al fondo de un callejón.

Crítica

Pese a poder hacerse lenta ofrece buenos contrastes entre un humor peculiar y el drama social.

‘El otro lado de la esperanza’ despertaba en mí ciertas incógnitas sobre qué me iba a encontrar en esta historia escrita y dirigida por el finlandés Aki Kaurismäki.

Sentía cierta curiosidad porque era la primera película finesa que veía. Rodada íntegramente en ese país, nos muestra un cuadro que retrata la historia de un refugiado sirio, Khaled (Sherwan Haji) que llega a Helsinki después de un largo y duro viaje a través de Europa.

Por otro lado, tenemos a Wikström (Sakari Kuosmanen), un hombre de negocios con recursos muy variopintos que se encuentra en un punto y aparte de su vida, algo desubicado pero resolutivo, que se ve en las circunstancias de realizar un cambio personal y profesional.

Estas dos historias paralelas llegan a juntarse, como el espectador ya se imagina, aunque en mi opinión tardan demasiado en hacerlo. Creo que los dos personajes deberían haberse conocido antes y que esa extraña relación hubiera ido a más, dándonos momentos muy interesantes. Quizás no es lo que el director quería contar, pero es la sensación que me dejó a mí.

Esta curiosidad de la que hablaba antes, también venía dada por mi propia experiencia personal, que me ha dado cierto conocimiento del carácter del finlandés. Y debo decir que me parece una película (y ahora os vais a reír) muy finlandesa. Tiene elementos reconocibles de ese carácter tan diferente al del sur de Europa, si concreto más, al español. Es una película fría, de personajes fríos salvo los que son de otro lado como el sirio Khaled o su amigo iraquí (Simon Al-Bazoon). Tiene un humor curioso, casi surrealista en algunos puntos (mención especial al trío de trabajadores y todo lo relacionado con el restaurante), que contrasta con esos diálogos parcos en palabras en muchas ocasiones, donde el actor y la propia atmósfera hacen el resto.

El filme nos presenta también el choque de culturas, la indiferencia por parte de las autoridades en muchos casos ante la situación tan dramática que se vive en Siria y otros países en guerra, la indefensión que ese hecho causa en los refugiados, y se muestran situaciones tanto del racismo que provoca la inmigración en unos, como de la voluntad de ayudar en otros.

Es una historia de personas más que de personajes (que también los hay), de una realidad cotidiana que afecta a muchos países y refugiados, pero también es una historia que se simplifica en una búsqueda. La búsqueda de Khaled para encontrar a su hermana, la de Wikström en encontrar su propio camino y descubrir qué necesita en realidad. Porque esa “frialdad” de la que hablaba antes no implica que sea una película sin alma.

Interesante ver la composición de algunos planos, así como los elementos de decorado usados en la película, que le da ese aire, esa atmósfera tan especial. Sin hacer spoilers, quiero hacer mención al último plano de la película, para invitar a la reflexión con estas preguntas. ¿De dónde viene? ¿A dónde ha llegado? ¿Cómo está? Mirad bien ese plano.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Toivon tuolla puolen. Duración: 98 min. País: Finlandia. Dirección: Aki Kaurismäki. Guión: Aki Kaurismäki. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji. Producción: Sputnik. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=402

Crítica: ‘Power Rangers’

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Cinco jóvenes estudiantes van a descubrir que no sólo su pequeña ciudad, Angel Grove, sino todo el mundo está al borde de la extinción por una amenaza alienígena. Elegidos por el destino, los jóvenes pronto descubrirán que son los únicos que pueden salvar el planeta. Pero para poder lograrlo deberán superar sus diferencias y unirse como los Power Rangers antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Los rangers metamorfosean su tono a uno adolescente con un planteamiento infantil.

La Saban vuelve a la carga con su adaptación de los héroes japoneses de los setenta. En esta ocasión los Power Rangers regresan con unas pintas que mezclan la estética de Iron Man con un tarje de motero.

Pese a que de niño yo era más seguidor y defensor de los Bioman he de decir que me han entretenido más estos nuevos Power Rangers que los de la versión norteamericana de los noventa. Aunque alcance dos horas de duración la película engancha pero se acumulan muchas pegas, no basta con hacer retroceder tu mente a unos años atrás. Hay que picar y entrar en la dinámica planteada para no desbordarse con los muchos sin sentidos del filme. Desde luego el patrón a seguir está fijado por el esquema que marcaron los episodios de la serie pero aquí nos encontramos con varias cosas que o bien no tienen explicación o bien cuesta creer. Escenas con saltos no explicados, personajes que aprenden idiomas por arte de magia, cambios en la mecánica de la metamorfosis… Todo resulta demasiado casual o conveniente para poder seguir narrando la historia o introducir elementos, como sucede en muchas obras para el público infantil. Pero ojo, no me ha parecido un largometraje idóneo para los más pequeños, aunque tampoco se queda lejos de ese rango de edades.

Esta nueva adaptación llega con muchísimo más presupuesto que la que vimos en el 95. Nada más y nada menos que 100 millones de dólares, cercano al de películas como ‘Watchmen’. Seguro que Bryan Cranston o Elizabeth Banks tienen buena parte de culpa de esta cifran tan abultada por que el CGI, por ejemplo, no da muestra de grandes inversiones de dinero. ‘Power Rangers’ no tiene unas imágenes generadas por ordenador  tan malas como el del original, pero cojea en unos cuantos aspectos. No llega a tener esos efectos especiales deficientes de los que hacían alarde todas las series Tokusatsu pero si se le ve el truco en más de una ocasión. Su diseño de producción y de vestuario, mucho menos colorista y más adulto, resulta muy caótico y cuesta diferenciar detalles. Eso sí, las formas de los robots están justificadas, recordando bastante a ‘Transformers’, además el megazord aparece de un modo bastante épico.

Parece obligatorio buscar también la risa del espectador, aunque en este caso está justificado. Dean Israelite (‘Project Almanac’) ha cuidado los toques de humor para conferir a su versión un tono gamberro y despreocupado, como le gusta al público imberbe de ahora. El hecho de que se haga más énfasis en los dramas personales que en las habilidades que destacan a cada uno remarca más la intención de llegar a un público casi adulto o de entretener a los que vieron esta serie cuando eran niños. Todos los protagonistas comparten algo, que se sale de los cánones del cine infantil, como es el dramón de situación familiar que les convierte en incomprendidos o rebeldes.

Estos nuevos rangers son unos personajes  y actores con diferentes niveles de carisma que han sido vistos en series y películas de gran éxito, sobre todo entre los jóvenes. El robot Alpha 5 (doblado por Bill Hader) es el más cómico, contrastando con el dramatismo del Zordon de Bryan Cranston. ‘Power Rangers’ tiene un poco de todo, aunque predomina el carácter desenfadado de las aventuras adolescentes de hoy en día. Aquellos que vayan con una mente en modo infancia a verla podrán pasar por alto las sobreactuaciones, el guión cargado de falta de información y las inconsistencias.

Cierto es que comienza muy a lo ‘Chronicle’, tiene varios momentos sentimentaloides y los héroes no aparecen con los trajes hasta que no queda media hora de película. Pero al menos se hace amena y el último tramo tiene mucha acción. Y como ahora gusta eso de introducir referencias, ‘Power Rangers’ ha usado las suyas. Por eso los más fans reconocerán algunas, sobre todo el cameo de dos actores o una alusión a otra gran franquicia en esto de los mechas, ‘Transformers’. Si sois muy seguidores o esperáis que esta película continúe como saga no os perdáis la escena postcréditos.

                                                                           Ficha de la película                                               

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Power Rangers. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Dean Israelite. Guión: John Gatins. Música: Brian Tyler. Fotografía: Matthew J. Lloyd. Reparto principal: Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler, Ludi Lin, Becky G., Elizabeth Banks, Bryan Cranston, Bill Hader, Matt Shively, Cody Kearsley, David Denman, Robert Moloney, Anjali Jay, Sarah Grey, Morgan Taylor Campbell, Caroline Cave. Producción: Lionsgate, Saban Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.powerrangers.com/

Crítica: ‘Ghost in the Shell: El alma de la máquina’

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En un futuro próximo, la Mayor (Scarlett Johansson), considerada primera de su especie, es una humana que, tras perecer en un terrible accidente, es sometida a una ciber-evolución gracias a la cual se convierte en unacíborg (mente humana en cuerpo de máquina) consagrada a detener a los criminales más peligrosos del mundo.

El nuevo terrorismo es capaz de hackear la mente de las personas, apoderarse de su voluntad y controlarlas. La Mayor es la única cualificada para acabar con él. Mientras se prepara para enfrentarse al nuevo enemigo, descubre que lo que cree saber sobre su pasado es mentira; no le salvaron la vida, se la robaron.

Nada la detendrá para recuperar su pasado, averiguar quiénes son los responsables y detenerlos antes de que repitan la operación con otros humanos.

Crítica

Se ha captado muy bien la idea pero no tanto el concepto.

Soy un declarado admirador desde mi adolescencia de la obra de Mamoru Oshii y conste que con esto no quiero decir que sea un experto o que vaya a realizar una valoración fanática sobre la obra que Rupert Sanders nos trae a modo de adaptación. Este director no me convencía para nada pues su única película es ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’, pero todo el mundo merece una segunda oportunidad. Y tras acudir con miedo a ver la película debo reconocer ha resultado ser un producto muy disfrutable. Y empleo la palabra producto porque artística e intelectualmente está distante de la obra original. Pese a su tagline está algo exenta del alma que le imbuyeron el mangaka Shirow o el director Oshii.

Esa pérdida de la esencia está probada en primer lugar por el desarrollo del guión. En su versión dibujada ‘Ghost in the Shell’ poseía unos villanos y una trama basados en conceptos muy originales y peculiarmente relacionados con la tecnología, se salían de los cánones. En el caso de esta adaptación a imagen real se ha optado por un desarrollo en exceso convencional y muy manido. Lo segundo, que le resta fuerza y sustancia al filme y que lo convierte casi en una oportunidad perdida, es que pese a que se hable de la deshumanización a raíz de la cibernética se pierde mucho carácter filosófico cyberpunk, pues no se profundiza en demasía. Aún así roza lo que debería haber sido para ponerse a la altura del manga/anime original y puedo decir, estando casi de acuerdo con las recientes palabras de Takeshi Kitano, que por fin una producción hollywoodiense adapta medianamente bien un manga. Aunque todavía los japoneses hacen mejores adaptaciones de sus cómics, cada vez con más potencial por cierto.

El valor memorable de este ‘Ghost in the shell’ es su diseño de producción, que es apabullante, te deja con la boca abierta. La fotografía sale de la mente de Jess Hall, el único que se salvó de aquel desastre llamado ‘Trascendence’. En muchas escenas se logra calcar el anime original y en otras se mejora incluso. La película está influenciada por la ciencia ficción occidental que la precede, pero recordemos que viene inspirada por un manga y anime japoneses que a su vez dieron ideas a películas como ‘Matrix’ o a videojuegos como ‘Deus ex’ o bebían también claramente de fuentes como ‘Blade Runner’. Con esto quiero decir que se ve una clara realimentación que le da un toque referencial y placentero al gusto de los amantes de la ciencia ficción.

La música no es la empleada en la película en la que se basa, salvo en los créditos. Para componerla se ha fichado a Clint Mansell compositor de ‘Requiem por un sueño’, ‘Moon’ o ‘Cisne negro’. Pedazo de currículum que ahora se infla muy meritoriamente gracias a una banda sonora que me ha recordado mucho a la del juego ‘Mass Effect’.

Me es igual que sean actores japoneses u occidentales si su aspecto está justificado en la cinta. Además la producción es norteamericana y si han logrado adquirir los derechos pueden hacer casi lo que quieran, pensemos lo que pensemos los seguidores de la obra original. Hay sustanciosos cambios, sobre todo en la trama, pero también hay guiños y huevos de pascua. Como por ejemplo la aparición periódica de un perro de la raza basset hound homenajeando y siguiendo la costumbre de Oshii.

En cuanto a las interpretaciones también puedo decir sentirme muy complacido. Podría tratarse de uno de los mejores trabajos de Scarlett Johansson, principalmente si nos centramos en su trayectoria dentro del cine de acción. Y tenía muchas ganas de ver juntos a Takeshi Kitano y a Juliette Binoche. Aunque no compartan escenas cargan con la responsabilidad y etiqueta de actores maduros que nunca defraudan y que le viene bien a todo largometraje. Reconoceréis a Pilou Asbæk si os gusta ‘Juego de Tronos’ o si por desgracia visteis la otra película donde coincidió con Johansson, ‘Lucy’. Si no a partir de ahora seguro que le seguís ya que en ‘Ghost in the Shell’ se hace valer.

En resumen, me ha gustado como película pero defraudado en parte como seguidor. Las buenas obras de ciencia ficción suelen plantear debate. En este caso sin demasiada metafísica y existencialismos relacionados con las inteligencias artificiales o el big data no hay mucho margen para generar controversia. Se ha perdido un atractivo que además habría estado relacionado con temas muy de actualidad. De hecho parte de la comunidad científica está muy preocupara por el desarrollo de las IAs, lo cual es tema importante en el filme.

Por cierto, pude ver los primeros minutos en 3D y no tienen nada excepcional. Puede que escenas del resto de la cinta resulten más espectaculares con esa técnica porque visualmente dan para ello.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Ghost in the Shell. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Rupert Sanders. Guión: Jamie Moss, William Wheelery, Ehren Kruger. Música: Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Reparto principal: Scarlett Johansson, “Beat” Takeshi Kitano, Michael Carmen Pitt, Pilou Asbæk, Chin Han, Juliette Binoche. Producción: DreamWorks SKG, Grosvenor Park Productions, Seaside Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, cyberpunk. Web oficial: http://ghostintheshell.tumblr.com/

Crítica: ‘Los pitufos: La aldea escondida’

Sinopsis

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En esta cinta completamente animada, un misterioso mapa coloca a Pitufina y a sus mejores amigos Pitufo Filósofo, Pitufo Torpe y Pitufo Fortachón en una emocionante e intrigante carrera a través de El Bosque Prohibido, lleno de mágicas criaturas, para encontrar la misteriosa aldea escondida antes que el malvado mago Gargamel. Embarcados en un trepidante viaje lleno de acción y peligro, están a punto de descubrir uno de los mayores secretos de la historia de Los Pitufos.

Crítica

Niños y niñas, a la tercera va la vencida.

Este es el tercer largometraje sobre Los Pitufos lanzado en la segunda década de este siglo XXI. Tras ‘Los Pitufos’ y ‘Los Pitufos 2’ llega ‘Los Pitufos: La aldea escondida’. Todas ellas introducen novedades e intentan modernizar la obra que Peyo creó en el 58 pero es esta última la que considero que lo hace de un modo acertado. El tono empleado por el director Kelly Asbury es más fiel que el de Raja Gosnell. Tal vez esto tenga que ver con que la película está totalmente realizada en animación y no sea una mezcla con imagen real, pero lo cierto es me ha devuelto al niño que leía las historietas de estos azulados y alborozados personajes. Sony Pictures Animation ha reculado a este formato, habrá que tirar del refrán «rectificar es de sabios».

Pese a las novedades incluidas se ha respetado más el espíritu de los tebeos de Peyo. Vivimos una aventura en un bosque donde personajes alegres viven en una armonía amenazada por un malvado hechicero, todo ello enfocado a agradar a una mente pueril. Además se ha volcado el rol de protagonista en Pitufina, ese personaje tan enigmático cuyo origen y sentido se desvela en la película (muy fielmente al cómic). Ella siempre ha sido parte esencial de Los Pitufos pero en esta ocasión los es aún más. Acapara casi toda la atención y junto a lo que nos ofrece el guión se forma la película más feminizada hasta el momento, refiriéndome solo a las adaptaciones de estos pequeños personajes azules. También hay que decir que de ese modo se ha creado algo más moderno y políticamente correcto.

Los personajes de Gargamel y el gato Azrael son dos de los más graciosos, gruñones y patosos, otra razón más para devolvernos a los cómics originales. Vuelven a hacerse cargo de la parte más cómica y divertida sin que los Pitufos les roben esa responsabilidad. Además conservan el carisma y la singularidad que les convertía en una pareja malvada y entrañable. Causantes también de su buen resultado son sus dobladores. Extendiéndome a todo el reparto y centrándome en la versión en castellano (que es la que he visionado) cabe destacar a Luis Piedrahita como Filósofo y a Jordi Sánchez como Gargamel.

El director de la cinta es Kelly Asbury, que anteriormente ha dirigido ‘Shrek 2’ o ‘Gnomeo y Julieta’. Stacey Harman (‘Los Goldberg’) se ha encargado del guión. De ellos dos podemos destacar producciones que no son de calificación R pero que si tienen mucho contenido comprensible y pensado para adultos. Se podrían haber incluido frases o guiños para que estos no se aburran al acompañar a sus menores al cine, como es habitual últimamente, pero en esta ocasión no han ido por esa vía. Han hecho uso de gracias más tontorronas e inocentes, causando que esta cinta esté mucho más centrada en el público infantil. El de ‘Los Pitufos: La aldea escondida’ es un humor slapstick, muy físico y dinámico, con sobrecarga de coscorrones.

Otra cosa que particular y personalmente agradezco es que hay pocas canciones, que no nos pasamos un tercio de la película viendo un videoclip. Nada más empezar se hace un guiño al tema de las últimas películas, resistiéndose a renegar de ellas. Se agradece que sin haber un exceso de canciones tengamos una película muy rítmica.

Este nuevo mundo de Pitufos derrocha vistosidad y creatividad. La cinta tiene mucha aventura y no se ceba con el mensaje que transmite. No me ha parecido perfecta o una obra maestra, creo que les falta algo más gancho a los gags, pero aseguro que los niños se divertirán mucho.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Smurfs: The Lost Village. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Kelly Asbury. Guión: Stacey Harman. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: animación. Reparto principal (doblaje al castellano): Luis Piedrahita, Eva Hache, Macarena García, Pablo Ibañez, Jordi Sánchez. Reparto principal (doblaje original): Demi Lovato, Rainn Wilson, Joe Manganiello, Jack McBrayer, Danny Pudi, Mandy Patinkin, Julia Roberts, Michelle Rodríguez, Ellie Kemper, Ariel Winter, Meghan Trainor, Gordon Ramsey, Jake Johnson, Tituss Burgess, Jeff Dunham, Kelly Asbury. Producción: Columbia Pictures, Kerner Entertainment Company, Sony Pictures Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: cómic, animación, aventuras, comedia. Web oficial: http://www.smurfsmovie.com/

Crítica: ‘Últimos días en el desierto’

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Ewan McGregor interpreta a Jesucristo después de los cuarenta días de ayuno y rezo en el desierto, donde se verá acosado por la tentación del Diablo y al que deberá enfrentarse como prueba para demostrar su fe.

Crítica

Una curiosa y no homologada versión de Cristo que creará debate pero no ovaciones.

Una nueva película sobre la figura de Jesucristo llega a nuestras pantallas. En esta ocasión se nos ofrece el rodaje y la interpretación de una etapa poco o nada reflejadas en los largometrajes sobre este personaje bíblico. Según la sagrada escritura de los creyentes católicos, Jesús pasó cuarenta días en el desierto. Lugar donde fue tentado por el diablo y dónde se preparó o examinó para su posterior etapa de predicación y martirio. Lo que le pudo suceder en los últimos días de ese período está aquí narrado, no de un modo muy acertado he de adelantar.

En la película de Rodrigo García no se ha reflejado al pie de la letra la escritura sagrada. No se representan las tres tentaciones de Jesús según figuran en los evangelios. Esta es una versión algo distinta que nos deja un sabor perpetuo de parábola o fábula sin llegar a deslumbrar con milagros o fantaseos. Al contrario, aunque resulte ser muy espiritual esta es una visión muy terrenal, de las que más humaniza a Jesucristo. El Cristo de Ewan McGregor no viste una túnica blanca inmaculada, ni deslumbra seguridad en sí mismo, ni muestra un perpetuo semblante sosegado. Él es vulnerable y humano, precisamente la solución adoptada para mostrar al diablo refuerza más esos aspectos, casi hasta el punto de convertir la cinta en una intriga psicológica. Puede que esto levante la ira de muchos creyentes pero alegra ver como alguien se ha atrevido a mostrar al llamado hijo de Dios de un modo tan desvalido, mental y religiosamente.

El ver algo no rodado anteriormente y realizado además del modo en que se ha hecho resulta interesante, pero ha habido tramos en los que me he aburrido. Aunque cuentes en el equipo técnico, para hacer la fotografía del filme, con el triple ganador del Oscar Emmanuel Lubezki, no quiere decir que debas insertar tantos planos de paisajes y alargar tanto las transiciones entre unas y otras escenas. Sin ser larga ni lenta se nos transmite esa sensación, da la impresión de que podría haberse contado más rápidamente. No hay tanto contenido para asimilar como para que nos den tantos respiros.

Lo más meritorio es la interpretación de McGregor. Como he dicho antes, en la película hay un modo curioso de representar al diablo y esto le ha aportado al actor una dificultad añadida. Él ha superado bien este handicap interpretativo y gracias a eso se logra un juego muy curioso. Lástima que se perciba tanto su acento escocés en la versión original.

Occidente continúa haciendo suya la imagen de una figura que debió tener rasgos más orientales. Es más, en su afán de actualizar y acercar la figura de Jesús se nos aporta una escena final que yo he interpretado como la banalización de un lugar precioso y por el cual pudo pasar ese ser divino que tantos adoran. También tiende un puente entre pasado y presente y entre las relaciones padre e hijo.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Last days in the desert. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Rodrigo García. Guión: Rodrigo García. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Reparto principal: Ewan McGregor, Tye Sheridan, Ciarán Hinds, Ayelet Zurer. Producción: Mockingbird Pictures. Distribución: La Aventura. Género: religión, drama. Web oficial: http://www.lastdaysinthedesert.com/

Crítica: ‘Redención’

Sinopsis

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Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos.

Pero cuando su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) le abandona, Hope toca fondo y se presenta ante un inusual salvador en un decadente gimnasio local: Tick Willis (Forest Whitaker), un bombero retirado y entrenador de los boxeadores amateur más duros de la ciudad.

Con su futuro dependiendo de la dirección y la tenacidad de Tick, Billy se enfrenta a la batalla más dura de su vida, en la que luchará por su propia redención y por recuperar la confianza de los que ama.

Crítica

El protagonista de nuestra película es un gran campeón del boxeo, Billy Hope, interpretado por Jake Ghyllenhaal, que posee una vida de ensueño gracias a su exitosa carrera en el deporte y en especial a su familia, su amada esposa Maureen (Rachel McAdams) y su hija Leila (Oona Laurence).

No todo es perfecto y cuando su vida está a punto de tomar un rumbo más tranquilo incluso en el mundo del boxeo, ocurre una desgracia que pone patas arriba todo su mundo de un modo que emocionará al espectador en todos los sentidos. La interpretación de Jake Ghyllenhaal es extremadamente acertada, haciéndote olvidar al actor y creyendo de verdad que no existe y sólo es Billy Hope. Dado que es una película con una trama intensa, no puedo revelar muchos más detalles sobre ella para que se disfrute por completo, pero hay que decir que es una película bien construida en todos los sentidos, y muy realista en cuanto a las reacciones humanas.

No sólo Jake Ghyllenhaal es merecedor de halagos, y no es Forest Whitaker precisamente quien se los lleva (su papel es correcto pero sencillo, sin destacar demasiado), sino la pequeña Oona Laurence, que a su edad ya promete much, de nuevo sin decir demasiado de la trama, al interpretar el papel de Leila y todas las emociones que debe sufrir tras los cambios en su vida.

Es una peli emocional, que te hace pensar, y también aprender del mundo del boxeo, no faltan los clásicos combates. Nuestro protagonista atravesará un duro camino para recuperar lo perdido, evitar perder lo más valioso que posee, y todo quizás gracias a su vocación, causante y a la vez solución de sus problemas. Altamente recomendada si se es amante de este tipo de películas, que se hace amena por la parte deportiva. Bien estructurada, con banda sonora adecuada a la escena, disfrutaréis de la experiencia y es mucho más que una película de entretenimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: Southpaw. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Antoine Fuqua. Guión: Kurt Sutter. Música: James Horner. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Forest Whitaker, Oona Laurence, Curtis «50 Cent» Jackson, Skylan Brooks, Naomie Harris. Producción: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions. Distribución: Filmax. Género: drama, deporte. Web oficial: http://southpawfilm.com/

Crítica: ‘Ghost in the shell’ (1995)

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En el 2029 la cibernética y la informática dominan el mundo. Un hacker está asediando la gran red de información con fines desconocidos. Kusanagi es una policía cibernética que trata de detenerle junto a sus compañeros de la Sección 9.

Crítica

Indispensable y obligatorio filme para los fans de la ciencia ficción.

Surgido de la imaginación del mangaka Masamune Shirow surgió un manga que poco tardó en tener adaptación en forma de anime, tanto en formato de serie como en cinematográfico. La primera película que se lanzó sobre ‘Ghost in the shell’ es esta que nos ocupa hoy, un largometraje de 1995. Pero esta obra maestra del cyberpunk no ha parado de generar historias y hoy en día sigue teniendo novedades como la serie ‘Arise’ o la adaptación a imagen real que traerá a España la Paramount Pictures con Scarlett Johansson como protagonista. Es por esta última por lo que os hablo del filme que en el 95 dirigió Mamoru Oshii, ya que los tráilers nos muestran que muy probablemente se base en él, al menos las imágenes que hemos visto son un calco perfecto.

El éxito de ‘Ghost in the shell’ no tuvo solo que ver con la calidad bella y evocadora (casi poética) de su animación y con su gran diseño de producción. Allá por os noventa llegaba a su adolescencia la generación más ligada a las tecnologías y la informática que se había visto hasta la fecha. Cobraban fuerza fuera del mundo anglosajón movimientos como el geek, muy relacionado a la electrónica y el mundo digital en nuestro país. Es por eso que se acogió muy bien esta producción por todo el mundo. La manera en como incorpora conceptos como la cibernética, el Big Data (sin mencionarlo como tal), la robótica, el espionaje digital, la inteligencia artificial… no tenía precedentes. Además la obra abarca estas ideas no solo explotándolas para las escenas de acción que posee si no dotándolas de un carácter filosófico y existencialista. Una visión que pocos artistas pueden materializar, no al menos con el espíritu del que le dotan los japoneses. Podemos decir que este es un filme que ha envejecido muy bien a pesar de tener ya más de 20 años, su temática aún no ha pasado de ser relevante y tema de debate en la actualidad.

Otro punto a tener en cuenta es quien ejerce el papel de protagonista. Una mujer, o al menos un ser de forma femenina, resulta ser la heroína. Un rol que tanto se demanda ahora, no sin falta de argumentos, pero que sirve de prueba de que mujeres protagonistas, líderes y avezadas a la acción haberlas haylas, no están tan ausentes como muchos o muchas afirman. La chica que dio a luz Shirow posee la fuerza, el carisma y el diseño adecuados para convertirse en una de las gran recordadas, lástima que nació en un género donde solo una relativa minoría la conocíamos. Además su trasfondo está dotado del misterio y la profundidad precisos para lograr un personaje muy bien construido. Y no se quedan atrás el resto de sujetos que aparecen en la cinta. Todos ellos tienen mucho background y Oshii supo mostrarlo sin andar con rodeos y sin prolongarlo innecesariamente como hemos podido sufrir recientemente en ‘Escuadrón Suicida’. Si tengo que poner una pega sería que en este largometraje no aparecen los Tachikomas, unos robots vehículo que resultan la mar de simpáticos y que puede que no se incluyesen por que le restarían seriedad a la cinta.

Muestra de la gran relevancia de ‘Ghost in the shell’ es lo larga que es su sombra. Por supuesto está influenciada por trabajos previos pero ha podido influir en realizaciones recientes como ‘Westworld’. La lista puede ser larga pero donde se ve más claramente su huella en éxitos como ‘Matrix’ o ‘Johnny Mnemonic’, ambas con Keanu Reeves como protagonista. Casualmente en este último título aparece Takeshi Kitano, el cual encarnará al jefe Aramaki en la versión estadounidense de acción real.

Ahora que veremos su live action seguramente muchos busquen información sobre la base en la que se apoya ‘Ghost in the shell’, sobre esta película de culto entre los fans del anime y la ciencia ficción. Está bien informarse con críticas como esta pero por favor, os ruego encarecidamente que os la veáis.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2002 (DVD). Título original: Kokaku Kidotai. Duración: 85 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Oshii. Guión: Kazunori Itô. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Hisao Shirai. Reparto principal (doblaje al castellano): Concha García Valero, Juan Antonio Bernal, Salvador Vives, Juan Carlos Gustems, Manuel Lázaro, Alfonso Vallés. Producción: Bandai Visual Company, Kodansha, Manga Video, Production I.G.. Distribución: Selecta Visión. Género: ciencia ficción, animación. Web oficial: http://www.selecta-vision.com/Television/Ghost-in-the-Shell-2.0

Crítica: ‘La cura del bienestar’

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Un joven y ambicioso ejecutivo es enviado a rescatar al presidente de su compañía de un idílico pero misterioso “centro de bienestar” perdido en un lugar remoto de los Alpes Suizos.  Pronto, empieza a sospechar que los milagrosos tratamientos del spa no son lo que parecen. Cuando empieza a descifrar sus secretos más aterradores, su cordura empieza a ser cuestionada y es informado de que padece la misma enfermedad que mantiene allí a todos los pacientes en busca de una cura.

Crítica

Bien está lo que bien acaba, pero no es el caso.

Antes de ver películas está bien leer críticas para que como sucede en este caso podáis curaros de espanto. No digo que no haya gente que no disfrute este largometraje de Gore Verbinski, sé de compañeros que lo han hecho, pero en mi humilde opinión pienso que es un relato desaprovechado que se pierde con tanta repetición y con tanta previsibilidad. Su planteamiento (muy semejante al de ‘Shutter Island’ pero lejos de su nivel) es interesante y podría haber estado a la altura de relatos clásicos de intriga. Pretende ser demasiado ambiciosa, tal vez se encuentre ahí su desmesurada duración.

Recordemos que Gore Verbinski ya se encargó del no tan malogrado remake de ‘The Ring’ (película en la que también incluía un choque ciervo-coche). En ‘La cura del bienestar’ emplea igualmente imágenes inconexas y una historia remota que se desvela o modifica muy poco a poco. Con esos elementos se suele conseguir generar intriga o por lo menos interés. Esta técnica o método suele funcionar pero solo cuando el resultado final es impredecible o se muestra con un giro sorprendente. En este largometraje podemos predecir constantemente lo que va a suceder o por qué ocurren ciertas cosas. Nada más completar la introducción y conocer a los protagonistas nos hacemos una idea del desenlace, no hacía falta alargarla durante casi dos horas y media. La pena es que su final parece propio novelas clásicas del siglo XIX pero se ha gestionado de manera muy bizarra y desesperada. Lo cierto es que en la época de Boris Karloff o Vincent Price este filme se habría ejecutado y disfrutado mejor.

Para estirar la idea entorno a la que se mueve la película se introduce al protagonista y por lo tanto al espectador en un bucle harto repetitivo y monótono del que da la impresión de que nunca se va a salir. Y no me refiero a que el personaje de Dane DeHaan se vea atrapado en el sanatorio, me refiero a que el esquema del filme se repite por lo menos cuatro veces sin proporcionar avances significativos.

En los tráilers ya nos planteaban una buena fotografía, o por lo menos más de una imagen que recordar. Pero no se le saca provecho ni argumentos a dichos fotogramas. La única función que se le encuentra a su diseño de producción es la de trasladarnos a una atmósfera fuera de nuestro tiempo y fuera de nuestro mundo «civilizado».

La película tiene unos cuantos actores de calidad pero el guión desmerece su talento. En particular tenía bastante puesto el punto de mira en el personaje central  de la historia. Esto es porque le interpreta la joven estrella Dane DeHaan, el cual va a encarnar próximamente a Valerian en la adaptación del cómic. Por mi parte creo que es de lo poco salvable del filme, le veo bien para abordar personajes con peso. Aunque ya me venía encandilando desde que le vi en ‘Chronicle’ o ‘The amazing Spider-Man 2’.

Me ha parecido casual, y que esto solo sirva como curiosidad de cierre, que Jason Isaacs se vea aquí relacionado con criaturas serpenteantes a la vez que con sucesos extraños en seres humanos. Encarnó al Lucius Malfoy de Harry Potter (lo digo por las serpientes) y al científico captor de ‘The OA’. Es como si hubiese cogido dos personajes y los hubiese fusionado en uno.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: A cure for wellness. Duración: 156 min. País: EE.UU. Dirección: Gore Verbinski. Guión: Justin Haythe, Gore Verbinski. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Bojan Bazelli. Reparto principal: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes. Producción: New Regency Productions, Blind Wink Productions, Studio Babelsberg. Distribución: 20th Century Fox. Género: thriller. Web oficial: http://www.acureforwellness.com/

Crítica: ‘Una historia de locos’

Sinopsis

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París, 1981, un joven marsellés de origen armenio llamado Aram hace volar el coche del embajador de Turquía en París. Gilles Tessier, que pasaba en ese momento en bicicleta, queda gravemente herido. Aram huye y se une al Ejército de Liberación de Armenia en Beirut, hogar de la revolución armenia en esa época. Anouch, la madre de Aram, visita a Gilles en el hospital para pedirle perdón y él exige conocer a su verdugo. Una vez recuperado, va a Marsella en busca de venganza, pero la familia de Aram le da la bienvenida y acaba quedándose con ellos. Aram no está de acuerdo con sus compañeros en Beirut y decide conocer a Gilles, que acabará convirtiéndose en su portavoz.

Crítica

Multitud de exposiciones en multitud de minutos.

Antes de entrar en detalles y en especificar cosas concretas sobre el filme de Guédiguian he de decir que respira una gran universalidad. ‘Una historia de locos’ sirve de representación a escala de muchas historias vividas a lo largo del recorrido de la humanidad por la faz de la tierra. Es fiel reflejo de las miserias, dilemas y conflictos humanos vividos y por vivir. El retrato de una civilización desequilibrada que ha perdido el norte.

Con un estupendo prólogo en blanco y negro de casi media hora, Guédiguian nos pone en situación y sienta las bases de lo que nos va a plantear en las siguientes escenas. Nos enseña un juicio que los armenios tienen muy presentes y que el resto de países deberían recordar. Durante el resto del filme ese será el hilo conductor pues nos introduce en el conflicto entre armenios y turcos. La matanza silenciada y el exilio de sus tierras natales son las dos cosas que reivindican no solo los activistas armenios, sino también el director. Guédiguian tiene raíces armenias y alemanas y por lo tanto esta puede ser una película muy personal. Si con los atentados se busca no solo conseguir un propósito sino también que el mundo entero oiga estas reivindicaciones, con el filme el director puede procurar exactamente lo mismo. Con películas como esta se consigue un arma no violenta para luchar en este tipo de causas.

Pero aún hay más tras ‘Una historia de locos’ y está relacionado con España además. En esta historia de terroristas o justicieros (más adelante aclararé esto) hay inspiración real. El periodista Jose Antonio Gurriarán sufrió un atentado, indagó sobre aquellos que lo perpetraron, amén de sus causas, y ahora les apoya desde España. Esta historia resumida y que parece de locos está muy presente en la película, con nombres y nacionalidades cambiadas. Se destaca así la importancia de comprender antes de dictaminar algo. El comportamiento del periodista es de lo más civilizado y racional que podamos encontrar, sobre todo si tenemos en cuenta que está basado en una historia que sucedió de verdad. Es tan desconcertante como comprensible.

Y aún nos deparan más lecturas en esta película. En relación a la universalidad que comentaba al principio está la parte de la diferenciación entre justiciero o combatiente. Como en toda película basada en conflictos armados o violentos se busca encontrar la línea entre esos dos conceptos. También debatir sobre si el fin justifica los medios a la vez que se muestra el posible arrepentimiento producido por los daños colaterales.

La pena es que sea una película que para explicar todo esto se haya convertido en algo tan extenso. Esto es debido a que le sobran escenas que nos reinciden demasiado en lo mismo. El director de ‘Las nieves del Kilimanjaro’ o de ‘El ejército del crimen’, películas que también trataban temas políticos y violentos, a veces peca de resultar cargante y se deja llevar por el exceso. Han repetido con él Grégoire Leprince-Ringuet o Ariane Ascaride que demuestran estar muy en consonancia con las ideas de Guédiguian. Por el contrario nos decepciona Alexandre Desplat. El músico de ‘Harry Potter y las reliquas de la muerte’o ‘Argo’ nos ofrece una banda sonora un tanto plana y despreocupada. Sin duda en el último año no ha parado de trabajar, espero ver mejor resultado para la adaptación de ‘Valerian: agente espacio-temporal’.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: Une historie de fou. Duración: 134 min. País: Francia. Director: Robert Guédiguian. Guión: Robert Guédiguian, Gilles Taurand. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pierre Milon. Reparto principal: Grégoire Leprince-Ringuet, Ariane Ascaride, Simon Abkarian, Syrus Shahidi. Producción: Agat Films, Cie. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.premiere.fr/film/Une-Histoire-de-Fou

Crítica: ‘La Bella y la Bestia’

Sinopsis

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 Bella es una joven que vive con su padre, un peculiar inventor, en un pueblecito de Francia. Un día, su padre se pierde en el bosque y acaba buscando cobijo en un castillo que parece abandonado. Sin embargo, los habitantes del castillo siguen dentro, pero transformados en objetos por una maldición, su amo es ahora una temible bestia. Bella se intercambiará por su padre para que pueda escapar, y quizás pueda convertirse en la única capaz de que se rompa el maleficio.

Crítica

‘La Bella y la Bestia’ llega con mucha música y fuerza visual, pero con falta de carisma.

He de decir, antes de comenzar, que soy una gran fan de la película de dibujos animados, me encanta y la sigo disfrutando igual que cuando era pequeña, así que realmente esperaba mucho el estreno de esta versión.

Bueno, comencemos, ya no hay vuelta atrás, vista la película solo tengo que decir que me ha decepcionado un poco, no os equivoquéis, me ha gustado, pero me ha faltado fuerza y carisma a una película que lo podría haber tenido todo.

La película tiene muchísimas cosas buenas, vestuario, decorado, la música, los actores, todo, realmente todo, pero dentro de este todo hay muchos detalles que fallan. Sobre todo y lo que más me ha fallado es la falta de fuerza, muchas veces los personajes parecían muy apagados, y no solo a los personajes animados me refiero, Emma Watson, lo hace bien, canta bien, se mueve bien, pero le falta fuerza a su Bella. Bella es una persona dura y testadura, aquí muestran mucho más su lado frágil, que también lo tiene, pero creo que deberían de haber jugado más con su terquedad, más bien me ha parecido un personaje bastante soso.

En general los actores están bastante apagados, pero no todo va a ser malo, ya os he dicho que la película me ha gustado mucho, pero que sí es verdad, que hay cosas que no. En cuanto al doblaje de los personajes animados me ha encantado el doblaje de Ewan McGregor, su rudo acento escocés ha dejado paso a un acento francés bastante cuidado. Emma Thompson también está estupenda como la señora Pops. En cuanto al resto que decir, Sir Ian McKellen, Gugu Mbathan-Raw, Stanley Tucci… y por supuesto una mención especial para Dan Stevens, que escondido bajo la apariencia de la Bestia, hace una actuación más que aceptable.

En cuanto a la historia, nos muestran a la madre de Bella, un poco de la infancia de Bestia y el origen de Gastón, realmente creo que ha sido una manera de alargar la película, pero tampoco hace daño ni llega a aburrir.

Otro de los puntos a favor, son las canciones y su música, sigue siendo la misma pues es el mismo autor, Alan Menken, pero, si ya os he dicho que le he encontrado muchos peros, han añadido demasiadas canciones mal, no todas me sobran, también os digo, pero si que alguna me parece que no hacía falta.

Y hablando de los elementos técnicos, no está mal realizada, pero sí que el CGI es de peor calidad, por ejemplo, que ‘El libro de la selva’, pero no le quita espectacularidad a la cinta. Uno de las cosas que más me han gustado ha sido el vestuario, en general de todos, está muy bien escogido. Y los decorados, nos llevan a la época rococó francesa, extravagante y exagerada, lo han realizado bastante fiel a los castillos de aquella época.

Realmente merece mucho la pena el visionado de ‘La bella y la bestia’, sí, no es para nada como la de animación, pero es una cinta que tanto mayores como pequeños van  disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original: Beauty and the Beast Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bill Condon. Guión: Stephen Chbosky, Evan Spiliotopoulos. Música: Alan Menken. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Adrew Mellon. Producción: Walt Disney Pictures, Mandeville Films. Distribución: Walt Disney Género: Musical, romance

Crítica: ‘Imperium’

Sinopsis

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Nate Foster (Daniel Radcliffe) decide aceptar el encargo de su superior, la agente del FBO Angela Zamparo (Toni Collette) trabajando encubierto para encontrar y detener a un grupo de supremacistas blancos sospechoso de preparar acciones terroristas. Nate, tendrá que entrar en una banda de la ultraderecha para conocer a sus miembros y qué es lo que se proponen. Su historia está basada en la vida de Michael German, quien pasó muchos años infiltrado dentro de grupos neo-nazis estadounidenses.

 

Crítica

Una historia muy reciente e interesante. 

Daniel Ragussis nos trae la historia del Michael German, que además juntos han escrito el guión. Un agente del FBI se infiltra para poder desarticular posibles atentados de supremacistas blancos.

Lo curioso de la cinta, es que te muestran otra cara, no solo un tipo de terrorismo, sino otra parte, en la que los supremacistas blancos están al borde  de comenzar a hacer ‘eventos’, vamos ataques terroristas para demostrar que están ahí.

Daniel Radcliffe de nuevo se nos presenta innovando, con un papel diferente y como siempre bordándolo.

Realmente ‘Imperium’ la veo con una cinta sin pretensiones, que simplemente quiere contarnos una historia que está ahí, y realmente lo consigue, además de atraer en sí solo la historia, te engancha.

En mi opinión, lo que le falta es un poco de fuerza, pues ya que se infiltra en bandas de neonazis, no se mete en peleas, no recoge la fuerza o la ira que podemos ver en cintas como en ‘American History X’. Aunque también es verdad que te muestran no solo el lado violento de estas bandas sino el lado intelectual. Los que están en la cumbre y mueven hilos para el adoctrinamiento.

Como son familias de bien, profesores, ingenieros, trabajadores normales y corrientes con sus ideas claras, que les da igual lo que les tenga que pasar para hacer llegar su mensaje.

Para ser la primera cinta de Daniel Ragussis, nos ha dado una película muy interesante, con una historia muy actual, por mucho que no la veamos, sobre todo en Estados Unidos está ahora muy de auge por la entrada de Trump en la Casa Blanca.

Muy recomendable para saber un poco del tema, disfrutar de las actuaciones y la historia que cuentan.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original:  Imperium. Duración: 109 min País: Estados Unidos Dirección: Daniel Ragussis. Guión: Michael German, Daniel Ragussis. Música:  Will Bates. Fotografía: Booby Bukowski. Reparto principal: Daniel Radcliffe, Toni Collette, Burn Gorman, Nestor Carbonell, SAm Trammell, Chris Sullivan, Tracy Letts, Linc Hand, Seth Numrich, Pawel Szajda, Jasson Finney, Devin Druid, Scott Christopher Kelly, Jennifer Marshall, Michael Aaron Milligan. Producción: Atomic Features, Green-Light International, Sculptor Media. Distribución: VerCine. Género: Drama. Web oficial: http://www.vercine.org/ficha/e/256/0/283/imperium.html

Crítica: ‘Your name’

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Ha pasado un mes desde que un cometa que vista la Tierra cada mil años se avistara desde Japón. Mitsuha es una estudiante que se lamenta de su vida en el campo junto a su hermana pequeña, su abuela y su padre, un político al que nunca ve. Detesta las pintorescas costumbres de su familia y sueña con el maravilloso estilo de vida de los habitantes de Tokyo. Por su parte, Taki es un estudiante que vive en Tokyo, tiene un trabajo a tiempo parcial en un restaurante italiano y necesita alejarse de su familia. Una noche, Mitsuha sueña que es un chico de Tokyo y Taki sueña que es una chica que vive en el campo ¿Cuál es el secreto que se oculta tras los sueños de dos personas que a pesar de que no se conocen de nada parecen buscarse desesperadamente?

 

Crítica

‘Your name’ es divertida, mágica y visualmente impresionante.

Os hablamos de la ganadora de Sitges a la mejor película de animación, que se estrena el 7 de abril en España.

Sin duda alguna una de las mejores cintas de animación del 2016, como todo, no es perfecta, pero sí que sus pocas pegas son tan mínimas que casi se podría decir que si que llega a la perfección.

Dos estudiantes descubren de un día a otro que se intercambian los cuerpos, ambos se ayudan mediante notas y mensajes que se van dejando tanto en papel como en el móvil. Poco más puedo contar, pues os estropearía la trama y os quitaría todo el misterio de la película.

Lo más impactante de esta película es sin duda la animación, increíble, el uso de la luz en las imágenes es impresionante y hace que todos los paisajes que aparecen en la película se conviertan en un protagonista más, que al fin y al cabo, es así, pues una de las cosas en las que más se incide es en las diferencias que tienen ambos personajes al vivir en distintos ambientes.

Otro de los puntos a su favor, es el tema musical, la banda sonora es muy buena, pop japonés, pero tampoco es histriónico como puede pasar en muchos animes, te adentra en la historia y no te la recarga. La música viene de la mano del grupo japonés Radwimps.

He de reconocer que iba predispuesta a ver una cinta un tanto ñoña, pero para nada me ha resultado así. Si, tiene un poco de romanticismo, pero no es exacerbado, sino que va poco a poco.

De lo que sí peca, como pasa en la mayoría de series o películas japonesas es de alargar el final de una manera innecesaria. Pues se podría haber cerrado de una manera más rápida y sin tantos giros.

Pero bueno, para mí es solo ese el fallo de la cinta, el resto me parece impecable, es más, me ha encantado el tono de humor que tiene cuando ambos personajes se adentran en el cuerpo de otro, un humor un tanto infantil según quien lo mire, pero sin duda para mí muy divertido.

Makoto Shinkai, nos deja una cinta llena de magia, diversión y un poquito de historia de la cultura japonesa. No dudéis en ir a verla. Aunque es una gran pena que no se estrene en muchas salas de cine, pero intentad aprovechar y verla en una sala de cine, merece muchísimo la pena.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril. Título original: Kimi no na wa. Duración: 106 min. País: Japón. Director: Makoto Shinkai. Guión: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Masashi Ando. Reparto principal: Animación (Doblaje internacional) Ryûnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Ryô Narita, Aoi Yuki, Nobunaga Shimazaki, Kaito Shikawa. Producción: CoMix Wave Films.  Distribución: Selecta Visión. Género: Animación. Web oficial: http://yournamethemovie.co.uk/

Crítica: ‘El Bar’

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Nueve de la mañana: un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un café en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa: al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados.

 

Crítica

Un bar para hacer feligreses de De la Iglesia.

Ya podemos irnos de bares al cine porque Álex de la Iglesia nos ha puesto uno en las carteleras. Aunque el hecho de que se titule o transcurra en un bar no tiene nada que ver con el desarrollo de los acontecimientos. Ese tipo de establecimiento solo sirve como punto de reunión para un reparto coral muy potente formado por nombres tan conocidos como Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent y Alejandro Awada.

Estamos ante el que puede ser el papel más introvertido de Casas, nada que ver con lo que le hemos visto últimamente en ‘Toro’ o ‘Contratiempo’. Blanca Suárez ha elegido trabajar de nuevo con De la Iglesia entre serie y serie para realizar un papel que la destaca como una de las principales protagonistas. Carmen Machi está como siempre magnífica mezclando drama y comedia, como ya pudimos ver en ‘La puerta abierta’, pero con un rol muy distinto. Terele Pávez y Secun de la Rosa ya saben lo que es trabajar con este director y demuestran su sintonía con él actuando muy compenetrados. Sin duda las interpretaciones de Joaquín Climent y Alejandro Awada son dignas de mención pero de toda la película quien más me ha parecido que despunta es Jaime Ordóñez. Su trabajo como mendigo se come al del resto y va a dejar pasmado a más de uno. Tanto por su toque demente como por su agresividad. Ni le vais a reconocer ni querríais conocer a su lunático personaje.

Los clientes del bar El Amparo irónicamente se quedan desamparados ante una situación desconcertante y ahí comienza el misterio y el peligro, que no ha de venir precisamente del exterior. Y aunque a mí personalmente las imágenes de los créditos ya me habían dado una pista demasiado grande de lo que estaba por venir, su historia me ha generado interés hasta cierto punto. Álex de la Iglesia ha sabido hacer de casi todos los personajes un sospechoso diferente en cada momento, generando así distintos tipos de coyunturas. Como en otros thrillers famosos juega a conveniencia con el desconocimiento, los prejuicios, la desconfianza y el miedo. Irremediablemente también hace uso de la comedia y la sátira. Todo para sacar a relucir los peores instintos y reacciones del ser humano. Con el director bilbaíno tenemos asegurada una visión del esperpento que pasa ante nuestros ojos cada día y que casi nadie quiere vislumbrar, aunque en esta ocasión lo haga más contenidamente.

Lo cierto es que esta sería una película muy fácil de trasladar al teatro. Posee solo tres localizaciones y además nos dividen la película en tres etapas muy reconocibles. Digamos que el filme comienza con suspense y pasa a través de una parte claustrofóbica para acabar como un survival horror. Todo ello aderezado con un humor que se va diluyendo.

Si soy sincero he de reconocer que últimamente no me convencía la manera de Álex de la Iglesia para cerrar sus películas. En esta ocasión, sin realizar un final memorable, me ha dejado satisfecho. Aunque su último tramo esté quizá algo estirado y resulte tópico nos puede valer. No esperéis un final esclarecedor ni directo. La conclusión se puede formar con el conjunto de cosas que se dicen y pasan durante la película. Lo más reconocible del director en ‘El bar’ es que conforme nos acercamos a la finalización del filme el relato se va transformando en un descenso a la locura. Acaba rozando el frenesí pero se queda algo desfogado.

Si tengo deciros rasgos por los que deberíais ver la película en el cine os destacaría la interpretación ya mencionada de Ordóñez y el juego de desconfianzas del guión de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: El bar. Duración: 102 min. País: España. Director: Álex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Música: Carlos Riera, Joan Valent. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García. Producción: Pokeepsie Films, Nadie es perfecto PC. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, comedia. Web oficial: http://elbarlapelicula.com/

Crítica: ‘Los Hollar’

Sinopsis

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En este reconfortante drama con toques de comedia, John Hollar se ve obligado a dejar un trabajo sin futuro en Nueva York para volver a su ciudad natal del centro de los Estados Unidos cuando a su madre se le diagnostica una enfermedad. Sin su novia a punto de dar a luz, a la que no le está permitido viajar, John se ve obligado a navegar a solas en la loca vida que dejó atrás, cuando su familia disfuncional, su rival del instituto y su ex novia vuelven a entrar en su vida.

Crítica

Sencilla y sentimental.

Krasinski es bien popular por sus papeles como actor, como el que hizo en ‘The Office’ o en ‘Tierra prometida’. Pero como director también había formado parte de algún proyecto ya que dirigió algún episodio de mi amada ‘The Office’ y también la comedia ‘Brief Interviews with Hideous Men’. Ahora utiliza su habitual pillería para engatusarnos. Nos ha brindado una comedia dramática en la cual sabe cuando aplicar humor y cuando drama, de ese modo procura hacernos reír o intentar robarnos una lagrimilla.

La historia de basa en mostrarnos a una familia disfuncional, que suena a tópico, pero la película funciona. Esa disfuncionalidad de este grupo de personas es lo que nos hace reír. El problema que camuflan bajo capas de amor y risas es lo que nos trae a la tragedia. Tanto en los momentos de humor como en los de desgracia predomina el tono sensiblero. Esto se debe a que los principales temas que se tratan son la reconciliación y la necesidad de abrirse a los demás.

‘Los Hollar’ es una película muy candorosa. La música resulta muy sensible y abraza al espectador haciéndole sentir parte de la familia Hollar. Pero quizá la pega para esta película sin grandes pretensiones sea que tenga un fragmento en su parte central que resulta monótono. Durante esos minutos no percibimos progresos en la historia y parece algo estancada.

Por suerte dispone de un reparto rentable y bien elegido. Pese a no disponer de grandes estrellas hay un elenco del que podemos decir que son de esos actores a los que todos le tenemos cariño. El propio Krasinski la protagoniza acompañado de Shartlo Copley, Anna Kendrick, Richard Jenkins, Margo Martindale… El mejor en lo que se refiere a la parte humorística de este filme es Shartlo Copley. Ya ha demostrado que se le dan bien los papeles absurdos pero aquí nos da un plus interpretando a un hombre trágico o incluso patético. Quien más nos une al drama es Richard Jenkins, que ejerce de marido y padre de esta familia con claros problemas de comunicación.

En este segundo filme de Krasinski como director nos encontramos con escenas predecibles pero también con momentos inesperables. Demuestra el estadounidense saber dirigir y también conocer cuales son las cotas de ambición que puede alcanzar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo de 2017. Título original: The Hollars. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: John Krasinski. Guión: James C. Strouse. Música: Josh Ritter. Fotografía: Eric Alan Edwards. Reparto principal: Shartlo Copley, Charlie Day, Josh Groban, Richard Jenkins, Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Randall Park, Mary Elizabeth Winstead. Producción: Groundswell Productions, Sunday Night, Sycamore Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sonyclassics.com/thehollars/

Crítica: ‘El fundador’

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El Fundador cuenta la verdadera historia de cómo Ray Kroc (Michael Keaton), conoció en 1950 a los hermanos Mac y Dick McDonald, quienes llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad de su sistema de cocina, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para crear el que es, a día de hoy, el conocido y multimillonario imperio de comida rápida.

Crítica

Un american way of life demasiado light.

Ray Kroc es el protagonista de la nueva película protagonizada por Michael Keaton. La persona que fundó el imperio McDonald’s puede ser ahora más conocida gracias a este largometraje que nos trae Diamond Films a España. John Lee Hancock nos dibuja a un fundador de McDonald’s avaro, oportunista y crápula. Un hombre sin ideas originales, con mucho empeño eso si, pero que coge de aquí y de allí para construir su sueño. El nombre de El Fundador está bien elegido ya que si bien él no creo ni el restaurante ni su funcionamiento, fundó la cadena de franquicias. Su relato, el que nos transmite Hancock, está cargado de suertes y casualidades.

Pero para ser una película sobre el mayor representante del fast food se cocina muy a fuego lento. No me explico cómo hemos llegado al punto de necesitar siempre en torno a dos horas para contar una historia. Esto pasa por desgracia con la mayoría de películas que se estrenan y ‘El Fundador’ no es una excepción. Es muy interesante descubrir (al menos en mi caso por que no conocía la historia al completo) cómo se hizo con aquello que Dick y Mac McDonald crearon. Cómo poco a poco pasa por encima de los artífices de la idea original para hacer crecer no solo su negocio si no también su nombre. Su apellido se escribe casi como cocodrilo en inglés (Croc) y como si se tratase de ese depredador devoró los sueños, principios y aspiraciones de los McDonald. El largometraje centra buena parte de su duración en mostrar las inquietudes, miedos e intrigas personales del señor Kroc, lo cual no se que base o fundamento puede tener. El valor de este film, su mayor atractivo, reside en conocer la historia de la franquicia , sus tesituras personales están un poco de más.

Los fans de Michael Keaton se encontrarán aquí a su versión más contenida y menos arrolladora o alocada. El actor está plenamente reconocible, no hace su típico personaje histriónico pero es él, sin maquillaje ni cambios en su físico. Mérito suyo y del guionista Robert D. Siegel es que iniciemos el filme deseándole lo mejor y lo terminemos despreciándole. Al menos comprobamos al final del filme que su interpretación es cercana a como era realmente Ray Kroc. Porque para aquellos que no conozcan la figura del difunto dueño de los restaurantes se muestran imágenes reales, en formato de foto y vídeo.

Se salvan las interpretaciones de Nick Offerman y John Carroll como los sufridos hermanos McDonald. Sin conocer su vida personal en detalle, solo su relación con el mundo de la hostelería, nos aportan el contrapunto a la cadena de restaurantes. La lucha del hombre de a pie contra el progreso y la civilización consumista que aplasta al pequeño empresario. Para colmo acaban siendo víctimas de una gran injusticia fruto de su ingenuidad  y estos dos actores la transmiten muy bien.

Aunque las localizaciones y los escenarios recrean fielmente a la realidad transcurrida en los cincuenta nos topamos con que el montaje y el rodaje de la película no tienen nada del otro mundo. Este es un relato basado en una historia real y sobre una de las compañías más famosas del mundo. De ahí que podemos decir que los hechos son curiosos e incluso interesantes, pero la película, como obra de arte, no lo es tanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: The Founder. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: John Lee Hancock. Guión: Robert D. Siegel. Música: Carter Burwell. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan. Producción: FilmNation Entertainment, The Combine. Distribución: Diamond Films. Género: biográfica, drama. Web oficial: http://thefounderfilm.com/

Crítica: ‘Seoul Station’

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Precuela animada de la película ‘Train to Busan’. Durante la noche en Seúl los mendigos se refugian en la estación central. Algunos presentan síntomas extraños. Rápidamente aparecen zombies y una joven que ha roto con su novio se encuentra con ellos. Su padre y su ex-novio intentarán rescatarla.

Crítica

Un anime de los que te animan a ver animación.

Al igual que con otras películas sobre zombies (o infectados) que no transcurren en los Estados Unidos, como ‘[Rec]’ o ’28 días después’ el cambio de localización trae consigo también un cambio de concepto o tratamiento. Esta película, considerada precuela de la fantástica ‘Train to Busan’, nos aporta una nueva visión sobre un conflicto con personas zombificadas. Ambas funcionan como películas independientes pero ver los dos largometrajes nos aporta una visión más completa de esta especie de universo que ha iniciado Yeon Sang-ho.

La zombificación de la mente humana es un hecho real para el director coreano que nos arroja no solo ante muertos vivientes devoradores de personas si no ante humanos vivos aletargados y anestesiados por la civilización actual. Se retrata a un ser humano egoísta, ciego ante las desgracias de sus semejantes e incluso clasista. Al igual que en ‘Train to Busan’ Sang-ho plasmó el carácter o su opinión de la sociedad de Corea del Sur. No nos infunde mucha confianza o esperanzas hacia su gente pero es algo que ya hemos podido observar en otros cineastas del género.

Quizá el hecho de que sea animada le reste terror o la posibilidad de que nos metamos más en la historia. Pero si consigue trasladar sensación de agobio y desesperación. Los momentos de tensión son fácilmente reconocibles y en ocasiones se logra bastante espectacularidad. Innovar actualmente con la animación es muy relativo, pues se acaba por entender como innovación al despliegue de medios o la aproximación de esta a la imagen real. ‘Seoul Station’ está más cerca de los animes tradicionales pero con lo que sorprende es con sus movimientos de cámara, su fluidez y su bien escogida estética.

Pese a todo lo explicado lo que da lástima es que se queda en una historia demasiado aislada, en algo meramente episódico. Quizá por no querer ampliar sus fronteras más allá de Seúl carece de magnitud y grandiosidad. Pero si como he dicho antes nos la tomamos como apertura para ‘Train to Busan’ nos puede satisfacer.

En resumen, con lo que me quedo es con su giro final y con que resulta diferente al ofrecernos animación y zombies en Corea del Sur uniendo talento y originalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: Seoul Station. Duración: 92 min. País: Corea del Sur. Director: Yeon Sang-ho. Guión: Yeon Sang-ho. Música: Young-gyu Jang. Producción: Finecut, Studio Dadashow. Género: animación, fantasía, terror.

Crítica: ‘La vida de Calabacín’

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Calabacín es un nombre extraño para un niño de 9 años, aunque su historia es sorprendentemente universal. Tras la repentina muerte de su madre, Calabacín se hace amigo de un simpático policía, Raymond, que lo acompaña a su nuevo hogar de acogida con otros huérfanos de su edad. Calabacín lucha al principio por adaptarse al extraño y hostil ambiente. Con la ayuda de Raymond y de sus nuevos amigos, Calabacín aprenderá a amar y a confiar en los otros.

Crítica

Un cuento para nada pueril.

Salida de una novela de Gilles Paris nos llega esta obra que ha sido adaptada por Céline Sciamma. Esta guionista puede que os suene pues recientemente os hemos hablado de otro trabajo suyo, bastante menos exitoso, con el título ‘Cuando tienes 17 años’. De nuevo se ha sumergido en una obra que habla de los miedos e inquietudes de personajes jóvenes, del auto descubrimiento y los cambios de la vida, la novela le viene como anillo al dedo. Con el mensaje que transmite y la temática que trata no es de extrañar que haya estado nominada al Oscar y que incluso muchos la tuviesen en sus quinielas como ganadora, pero ya sabemos lo que ocurre siempre con las películas de animación en la Academia. Tras ver esta y apostar por ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ sigo sin explicarme cómo se siguen eligiendo ganadoras como ‘Zootrópolis’.

‘La vida de Calabacín’ es una historia con más trasfondo del que parece. A priori podría parecer un episodio de una serie infantil emitida en cualquier canal digital. Pero la narración rápidamente nos descubre una historia bastante dura, que por mucho que se endulce está lejos de estar preparada para mentes jóvenes. Nuestros protagonistas son personajes de nueve años, por lo tanto dicen y hacen cosas iguales que unos niños reales de nueve años. Ese realismo es el que puede herir la sensibilidad de un niño real. Las conversaciones casi adultas y las historias de cada niño son las que me hacen advertiros de que este pequeño filme no me parece apropiado para vuestros hijos e hijas que ronden los diez años. El mérito de Paris, y por extensión del director Claude Barras, es el de conseguir meter de tapadillo un drama potente en una película tan aparentemente inocente.

Este es un largometraje realizado en stop motion, con sus luces y sombras. El diseño de los personajes apoya el argumento que empleaba sobre el drama oculto. Su aspecto claramente simpático, ingenuo y colorido esconde expresiones lúgubres y tristes. Muy bien planteado el aspecto del filme, pero en ocasiones choca su peculiar toque con el realismo de algunos objetos.

Pese a ser un dramón mezclado con momentos cómicos que hacen que salga más a flote nuestra sensibilidad considero que en el fondo y a fin de cuentas la historia es muy simplona y sencilla. Y por eso yo personalmente le resto valor a la obra.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Ma vie de Courgette. Duración: 66 min. País: Suiza. Director: Claude Barras. Guión: Celine Sciamma. Música: Sophie Hunger. Reparto principal: Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud. Producción: Rita Productions, Blue Spirit Animation, Gébéka Films. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: animación, drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/la-vida-de-calabacin/

Crítica: ’31’

Sinopsis

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De la mente visionaria del hombre que nos trajo ‘La Casa de los 1000 cadáveres’, ‘The Devil’s Rejects’ y ‘Halloween’ viene la horrible historia de cinco trabajadores de carnaval que son secuestrados la noche anterior a Halloween y hechos rehenes en un gran recinto.

A merced de sus captores, se ven obligados a jugar a un retorcido juego de vida o muerte llamado 31. Por las próximas 12 horas deben luchar por sus vidas contra un desfile sin fin de maníacos homicidas.

Crítica

Una simple historia de supervivencia y sangre.

Me parece muy bien que Rob Zombie siga haciendo películas, aunque sea como afición o como complemento a su principal ocupación musical. Sin duda él sí que sabe regalarnos slashers con el sabor de los mejores largometrajes sangrientos y de terror. ’31’ no es una obra excesivamente memorable pero su disfrute es más que evidente, si sabes a lo que vas cuando compras una entrada para verla. Nos regala muertes por doquier y sangre a borbotones, todo lo que aman muchos seguidores del director y del género.

Además, como muchos directores hacen, tiene la costumbre de rodearse de actores que controlan el género y dominan el tono que ha de emplearse en sus interpretaciones, no se ha complicado en contar con alguien que necesite iniciarse en esta materia. Nos acompañan en esta matanza nombres tan míticos como Malcolm McDowell (‘La naranja mecánica’, ‘Halloween, el origen’), Meg Foster (‘Masters del Universo’, ‘Están vivos’), Jeff Daniel Phillips (‘Westworld’, ‘The lords of Salem’) o la esposa del director Sheri Moon Zombie (‘The lords of Salem’, ‘Los renegados del diablo’). Y si siguiese nombrando miembros del reparto seguiríamos encontrando amigos suyos. Es por eso que este es un filme que me recuerda en algunos sentidos a ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia. Muchos actores cercanos al director protagonizando una historia deforme y alocada, con algún que otro payaso de por medio.

Pero la historia de Rob Zombie es menos compleja que la del director español. Aquí no hay un trasfondo dramático. Lo que se pretende es mostrar una competición, un juego macabro, que si el director y guionista quisiese podría explotar en más entregas. De igual modo que se ha hecho con ‘Saw’ o ‘Battle Royale’.

Si nos ponemos cinematográficamente estrictos hay dos puntos fuertes y a destacar del filme. Uno de ellos la fotografía, con estampas muy siniestras y sanguinarias nos transporta a un mundo perturbado y corrupto. Y el otro la actuación de Richard Brake, con su desequilibrado personaje que en ocasiones nos puede parecer un Joker sanguinario. Curiosamente es el Joe Chill de ‘Batman Begins’, el asesino de los padres de Batman. Os diría que hay que seguir su carrera pero llevamos años haciéndolo casi sin darnos cuenta pues aparece en películas como ‘Kingsman’, ‘Thor: el mundo oscuro’ o incluso es el Rey de la Noche en ‘Juego de Tronos’. Habrá que prestarle más atención.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2017. Título original: 31. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: Rob Zombie. Guión: Rob Zombie. Música: John 5. Fotografía: David Daniel. Reparto principal: Elizabeth Daily, Malcolm McDowell, Torsten Voges, Daniel Roebuck, Sheri Moon Zombie, Meg Foster, Lawrence Hilton-Jacobs, Devin Sidell, Judy Geeson, Ginger Lynn, David Ury, Esperanza America. Producción: Bow and Arrow Entertainment / Protagonist Pictures / Spectacle Entertainment. Género: terror, slasher. Web oficial: http://robzombie.com/movies/31-movie/

Crítica: ‘Gold’

Sinopsis

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El ganador del Oscar Matthew McConaughey es Kenny Wells, un fracasado hombre de negocios reconvertido en un moderno explorador desesperado por tener un golpe de suerte. En un último esfuerzo, Wells se asocia con un geólogo con la misma poca fortuna, interpretado por Edgar Ramírez, para ejecutar un plan grandioso: encontrar oro en la inexplorada selva de Indonesia.

Crítica

A veces las buenas herramientas no aseguran una exitosa prospección.

Stephen Gaghan con sus guiones nos suele dejar con la cabeza revuelta. Esta es una película menos potente que ‘Syriana’ o que ‘Traffic’, las cuales escribió. En este caso no dirige su propio libreto pero la película sigue claramente sus esquemas, aunque se ha dejado llevar más de lo habitual por cánones más comerciales. Tal vez sea por ello que, aunque admitamos que está basada en hechos reales pertenezca a este tipo de relatos en los que cuesta creer o en los que es difícil diferenciar dónde está la realidad y dónde el relleno para conseguir enganchar más al espectador.

McConaughey de vez en cuando rueda películas con pretensiones menores a las que nos tiene acostumbrados últimamente, como es el caso de ‘Los hombres libres de Jones’. Pero son trabajos que engrosan su carrera sin deslucir el brillo de su estrella. La película que nos presenta ahora, ‘Gold’, es una de estas. Suma en ella un par de escenas brillantes que dejan patente el buen actor que es. Pero parece que comienza a encasillarse en un tipo de rol concreto. Eventualmente oímos música de Iggy Pop (muy a lo Leonard Cohen) en la banda sonora reforzando este argumento. Desde luego sigue repitiendo en el papel de protagonista que rema a contracorriente, parece que se siente cómodo en ese tipo de historias. Le pega muy bien la degradación, tanto a él como al director junto al que ha trabajado en esta ocasión. Es por ello que dudo si la película estaba escrita para el director o para el actor, suele ser lo segundo.

El actor ganador de un Oscar también suele destacar por sus cambios de aspecto. Para ‘Gold’ ha adquirido una estética y físico muy desmejorados. Recuerda incluso al Tom Cruise de ‘Tropic thunder’, película en la que también sale él curiosamente.

Acompañan a la estrella hollywoodiense Edgar Ramirez (‘La chica del tren’) y Bryce Dallas Howard (‘Jurassic World’). Podríamos pensar que estos dos actores de reparto no son capaces de seguirle el ritmo y así es. Corey Stoll, Toby Kebbel o Stacy Keack completan el reparto de caras conocidas con incluso mejores momentos que los secundarios que he mencionado antes.

La historia que nos trae Tripictures a España es de soñadores y de luchadores. Por sacarle un mensaje podemos decir que nos transmite que el oro es tan brillante como pesado. Su brillo puede atraerte al río pero su peso tiende a arrastrarte hasta su fondo. Pero el oro puede cambiarse por otros muchos ideales que persiguen aquellos incomprendidos que buscan la consecución de sus cuasi imposibles metas.

Gaghan incluye unos cuantos giros argumentales, la mayoría al final, pero lo hace algo tarde. Estos suceden tras muchos minutos de una historia que tal vez habría que haber manejado de un modo algo más ágil. Personalmente nunca entenderé la fascinación por este elemento de la tabla periódica, su valor me puede ser tan confuso como las sensaciones que produce esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Gold. Duración: 121 min. País: EE.UU. Director: Stephen Gaghan. Guión: Patrick Massett, John Zinman. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Matthew McConaughey, Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebbell, Rachael Taylor, Bruce Greenwood, Stacy Keach, Bill Camp, Joshua Harto,Steve Larese, Catherine Haun, John Pirkis, Shad Adair, Jamie H. Jung. Producción: Black Bear Pictures, Hwy61, Living Films. Distribución: Tripictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: http://gold-film.com/

Crítica: ‘Yo no soy Madame Bovary’

Sinopsis

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Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

Crítica

Una visión de china a través de una mirilla.

Xiaogang Feng me ha sorprendido con un experimento, principalmente en dos planteamientos que se distinguen muy claramente. Uno de ellos es la fotografía. El director chino nos presenta una película vista como a través de la mirilla de una puerta, de un catalejo o un de ojo de buey. La inmensa mayoría del filme transcurre dentro de un círculo y esto hace que centremos más nuestra atención en los detalles. La sensación es la de ver un posavasos en movimiento, pero de esos que están adornados con bellas estampas del país asiático. El formato cambia a uno cuadrado cuando la historia transcurre en Pekín, cuando entramos en los entramados burocráticos chinos. La composición de las escenas tiene un cuidado extremo y existen multitud de fotogramas que se quedan grabados en la retina. Aquellos que tienen verdadera manía por la simetría, como pudo tenerla Kubrick, encontrarán aquí muchas imágenes en las que deleitarse.

El otro aspecto que me ha impactado y que me extraña es el tono del filme. Sorprende que siendo una película china sea tremendamente irónica, crítica y sarcástica con el gobierno chino o al menos con el comportamiento de sus funcionarios. En este largometraje se muestra como una campesina le pone un ojo a la virulé a un sistema chino que la ignora e incluso castiga injustamente. Aunque también puede haber sido utilizada como intento de mostrar la capacidad de autocrítica, corrección y mejora de los chinos.

‘Yo no soy Madame Bovary’ es sinceramente larga y de lento progreso. El hecho de que la imagen esté constantemente estática y que haya muy pocos y sutiles movimientos de cámara hace acrecentar la sensación de estanqueamiento. El director y el guionista (Liu Zhenyun, el propio autor de la novela en la que se basa la película y que lleva como nombre ‘I did not kill my husband’) se ceban con algunas escenas a las que le sobran planos y palabras.

Fan Bingbing se llevó la concha en San Sebastián, al igual que esta película. No realiza un mal trabajo en este filme, pero para ser una actriz tan remunerada como ella tal vez cabía esperar un poco más de implicación. La desesperación de su personaje por desmarcarse de una etiqueta digna de la dama creada por Gustave Flaubert quizá habría necesitado un grado mayor de entusiasmo.

Como experimento cinematográfico y apuesta atrevida esta película es digna de admiración. Pero como narración de una historia necesitaría algunos arreglos.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: I am not Madame Bovary. Duración: 128 min. País: China. Director: Xiaogang Feng. Guión: Liu Zhenyun. Música: Wei Du. Fotografía: Lou Pan. Reparto principal: Chengpeng Dong, Bingbing Fan, Wei Fan. Producción: Sparkle Media, Huayi Brothers. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/yo-no-soy-madame-bovary/

Crítica: ‘Zona Hostil’

Sinopsis

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A un convoy americano escoltado por la Legión española le estalla una mina al norte de Afganistán y el inexperto Teniente Conte (Raúl Mérida) queda al mando de una dotación para proteger a los heridos hasta que los evacuen. La Capitán médico Varela (Ariadna Gil) acude al rescate en un helicóptero medicalizado del Ejército Español, pero el terreno cede durante el aterrizaje y el helicóptero vuelca, dejando a los rescatadores atrapados junto a los legionarios en medio de la nada. El impulsivo Comandante Ledesma (Antonio Garrido) propone un arriesgado plan para rescatarlos a todos y, además, llevarse el aparato siniestrado. Pero con la noche llega el enemigo y el plan sólo será posible si el Teniente y la Capitán logran sobrevivir hasta el amanecer.

Crítica

Honorable intento de narrar una historia venerable.

Del mismo modo que llevamos toda nuestra vida tragándonos películas que enaltecen al ejército norteamericano (en guerras tanto ganadas como perdidas) nos llega ahora un filme que resalta la historia de héroes militares españoles. Que no os lleve a equívoco, no lo digo a modo de queja, uno está a favor de la inconmensurable labor humanitaria de muchas de nuestras unidades destinadas en el extranjero pero creo que había mejores maneras para contarla.

Esta ni es, ni esperaba que lo fuese, una película excepcionalmente de tiros y explosiones. Está dentro del cine bélico por su puesto pero durante casi una hora nos vamos olvidando del ejército pues se centra demasiado en establecer y adentrarnos en los lazos humanos y el trasfondo de los personajes. Cuando llega la acción ya estamos algo adormecidos y esta no llega con mucha fuerza. Los actores, no se si no muy habituados a la acción, no le ponen excesiva pasión al combate.

Por si fuese poco la música de la película no acompaña. De hecho me ha devuelto a los temas de algunas películas de la Cannon, por lo que a mí personalmente me ha costado quitarme de la cabeza títulos como ‘The Delta Force’. Me ha sorprendido que Roque Baños, el compositor de bandas sonoras de películas como ‘No respires’ u ‘Oldboy’ (2013) haya elaborado un conjunto musical tan desganado y poco acorde a lo que vemos en pantalla.

Adolfo Martínez ha tenido en sus manos un despliegue de medios de lujo. Vestuario, armamento, vehículos… todo ello totalmente realista. Ha volcado el peso de la cinta en Ariadna Gil muy apoyada por Roberto Álamo, Raúl Mérida y Antonio Garrido. Pero esta potente combinación no ha bastado para crear una narración más emocionante. Al igual que el ‘Black hawk derribado’ de Ridley Scott está basada en hechos reales, pero Martínez no ha sabido adornarla de un modo tan efectivo. No ayudan nada los norteamericanos casi paródicos, los extras que no saben morirse, ni la poca naturalidad de algunos actores al hablar de temas técnicos.

Me da rabia también que se haya incluido a Ingrid García Jonsson en el reparto. No quiero induciros a pensar que tengo algo en contra de esta actriz, más bien lo contrario. Me parece una estrella en potencia que lleva demostrando unas cuantas películas seguidas que merece mayor reconocimiento. En ‘Zona hostil’ está entre los secundarios, goza solo de unos escasos minutos que no nos permiten disfrutar de ella.

Ojalá se celebrasen más triunfos militares en pro de la paz y la salud de las personas como este. Lástima que no pase de ser una largometraje meramente entretenido.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Zona Hostil. Duración: 120 min. País: España. Director: Adolfo Martínez. Guión: Luis Arranz, Andrés M. Koppel. Música: Roque Baños. Fotografía: Alfredo Mayo. Reparto principal: Ariadna Gil, Roberto Álamo, Raúl Mérida, Antonio Garrido, Ingrid García Jonsson, Jacobo Dicenta, Ismael Martínez, David de la Torre, Nasser Saleh, Mariam Hernández, Berta Hernández, Ruth Gabriel. Producción: Tornasol Films, Castafiore Films, Hernández y Fernández PC, RTVE, Movistar+. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, bélico. Web oficial: http://www.zonahostil.com/

Crítica: ‘Kong: la Isla Calavera’

Sinopsis

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De la mano del director Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer), esta emocionante y original aventura cuenta la historia de un variopinto equipo de científicos, soldados y aventureros que se unen para explorar una mítica y desconocida isla del Pacífico, peligrosa a la par que hermosa. Apartados de todo lo que conocen, el equipo se adentra en los dominios del poderoso Kong, desencadenando la batalla definitiva entre el hombre y la naturaleza. Cuando su cometido pasa del descubrimiento a una misión de supervivencia, deben luchar para escapar de un edén primigenio donde la humanidad no tiene cabida.

Crítica

Menos romanticismo y más salvajismo.

Vuelve el gorila más grande del cine y lo hace con toda la fiereza, como si del Kakaroto de ‘Dragon Ball’ se tratase. Desde luego el Kong de Jordan Vogt-Roberts está mejor planteado que el que realizó Peter Jackson pero sigue distando mucho del clásico. Esta nueva visión no tiene ese toque romántico de la película original, está más pensada para las nuevas generaciones que buscan emociones fuertes y espectacularidad. Vogt-Roberts, un director cuya obra nada tiene que ver con este tipo de cine, ofrece una visión de King Kong más parecida a la que se ofrecía de Godzilla en la versión de 2014 de Gareth Edwards. Es difícil explicar por qué sin desvelar nada de la película a si es que es una de las cosas que dejaré que descubráis por vosotros mismos.

Pero algo muy a tener en cuenta es que más que Kong la protagonista es su isla. Si, el simio está omnipresente pero el trozo de tierra rodeado de agua se presenta como el mayor atractivo de la cinta. Al islote se le rodea de misticismo, se le recrea de un modo fastuoso y se le llena de todo un abanico de nuevas criaturas. Y esos bichos colosales y variopintos son la gran diferencia con respecto a la última versión de Kong que vivimos. Su diseño es más creíble y por momentos le roban el protagonismo a Kong.

También percibimos un gran sabor a películas de los 70 o ambientadas en esa época. Con la guerra de Vietnam y la Guerra fría de fondo los protagonistas se sumergen en esta aventura. Es un planteamiento interesante pero ya cansa que siempre que se ruede algo transcurrido en este periodo utilicen a mis admirados Creedence Clearwater Revival.

Quizá los personajes más trabajados sean los de Samuel L. Jackson y John C. Reilly. El de Jackson se sale de los parámetros que suele interpretar el actor y nos brinda la cara más vengativa, violenta e irracional del ser humano. En el caso de Reilly la elaboración de su papel tiene mérito por el grado de humor que aporta. Figura también entre los protagonistas John Goodman y aunque su personaje es el que represente la introducción de una visión de futuro a la película está casi de pasada. Y ni que decir tiene el de Toby Kebbell que hace también de Kong. Brie Larson parecía que iba a interpretar a la chica en apuros que enamora a Kong, pero no. Su rol está más enfocado al de una mujer valiente y que no establece esa relación casi poética. Hiddleston por el contario parece ser solo el guaperas que está para lucirse en un par de escenas. Ambos acaban formando una pareja interpretativa no predecible y efectiva.

Entre tanta criatura por supuesto hay muertes. Algunas soluciones, planos e ideas parecen sacadas de la más marginal serie B. También hay momentos en el que la escala de las criaturas y objetos se va de madre. Con estas cosas con las que se nos saca un poco de la película pero algunas de ellas pueden resultar divertidas, sobre todo si se ve en grupo. Incluso hay una escena que puede recordar a ‘Holocausto Caníbal’.

En ‘Kong: la Isla Calavera’ se sientan las bases para futuras películas, es decir, queda claro que esto ya es una franquicia. Si antes he mencionado la película de Gareth Edwards no es por casualidad. Aquellos que estén bien atentos y recuerden bien la película de hace tres años encontrarán conexiones. Warner Bros. abre otra vía para expandir y enlazar franquicias que están bajo su control. Casualmente aquí nos encontramos con dos actores con personajes en películas de Marvel Comics y a pesar de que ese sello no les pertenece si nos encontramos con una de sus ya tradiciones, la escena post-creditos. Es muy jugosa para los fans del cine de kaijus a si es que quedaos hasta después de los créditos que tiene mucho que ver con la Tōhō.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Kong: Skull Island. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Jordan Vogt-Roberts. Guión: Dan Gilroy, Max Borenstein. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero. Producción: Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: http://kongskullislandmovie.com/

Crítica: ‘El guardián invisible’

Sinopsis

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En los márgenes del río Baztán, en el valle de Navarra, aparece el cuerpo desnudo de una adolescente en una circunstancia que lo relaciona con un asesinato ocurrido un mes atrás… La inspectora Amaia Salazar (Marta Etura) dirige la investigación que la llevará de vuelta al pueblo de Elizondo, donde ella creció y del que ha tratado de huir toda su vida. Enfrentada con las complicadas derivaciones del caso y sus propios fantasmas, la investigación de Amaia es una carrera contrarreloj para dar con un implacable asesino, en una tierra fértil en supersticiones y brujería…

 Crítica

Cuando molestan al bosque, los guardianes aparecen. 

Basada en la novela de Dolores Redondo ‘El guardian invisible’ nos lleva al norte de España, donde la magia y la realidad se juntan para darnos un thriller intenso.

Fernando González Molina (‘Palmeras en la nieve’) nos trae esta historia en la que la inspectora Amaia Salazar es obligada a volver a su pueblo de origen Elizondo, donde tendrá que investigar el asesinato de unas niñas. Pero no solo tendrá que preocuparse por su trabajo, sino también por su pasado y esas pesadillas que tanto la están atormentando.

La historia se centra en Navarra, con una atmósfera muy bien creada, la lluvia, la niebla y los bosques, hacen que parezca que nos metemos de verdad en los bosques del norte. Aquí, gracias a la dirección de Fernando González Molina y a la fotografía de Flavio Martínez Libano, que ya hizo un estupendo trabajo en los ‘Cronocrimenes‘, vemos todos los detalles necesarios para que la película sea una maravilla visual.

Luis Berdejo, ha realizado un gran trabajo con el guión. Adaptar un libro que tiene miles de seguidores, debe ser bastante estresante, pero lo ha hecho muy bien, dándonos una historia clara y sencilla, pero sin que pierda el halo de misterio que necesita.

‘El guardián invisible’ es una película donde la magia está muy presente, las criaturas mágicas, el poder del bosque y las protectores del bosque como el Basajaun, son una parte muy importante para la cinta.

Otra de las figuras centrales de la cinta es la mujer, no solo por el peso protagonista, sino por sus personajes secundarios y en general por la trama, no quiero contar mucho mas, pues sería desvelar parte de la historia.

En cuanto a los actores, Marta Etura, está estupenda, como inspectora de policía, es fuerte y no deja que nadie la pise, mientras que como mujer, como Amaia Salazar, es más bien todo lo contrario, una mujer llena de miedos y que al volver a su lugar de origen comienza a sufrir de nuevo.

En cuanto a este papel hago un inciso, porque creo que en la película se han pasado bastante contándonos el pasado de esta mujer, se recrean demasiado y sí tiene parte importante en la trama, pero sí que había veces que te sacaba de la historia.

Y qué decir, está no es una cinta solo para la protagonista, sino que realmente está llena de grandes secundarios, como Pedro Casablanc, Elvira Mínguez con un personaje frío que hará que la odiemos desde el primer minuto que sale en pantalla, Paco Tous, Manolo Solo, Nene (Juan Carlos Librado) que nos muestra su lado serio en esta actuación. Y por supuesto, nombrar a Javier Botet, el cual como acostumbra, no nos mostrará su rostro.

Decir antes de terminar que ‘El guardián invisible’ es un thriller lleno de misterio y que sin duda os mantendrá en tensión hasta el final, no dudéis en ir a verla.

Ficha técnica

Estreno en España: 3 de marzo. Título original: El guardián invisible. Duración: 129 min. País: España. Director: Fernando González Molina. Guión: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Flavio Martínez Labiano. Reparto principal: Marta Etura, Javier Botet, Colin McFarlane, Elvira Mínguez, Miquel Fernández, Susi Sánchez, Arlette Torres, Pedro Casablanc, Manolo Solo, Paco Tous, Ramón Barea, Richad Sahagún, Mikel Losada, Juan Carlos Librado. Producción: Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, ZDF. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/elguardianinvisible/

 

Crítica: ‘Un hombre llamado Ove’

Sinopsis

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Ove es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando Parvaneh y su familia se convierten en sus nuevos vecinos. Lejos de hacer caso de sus continuas quejas, Parvaneh le responde siempre con su amplia sonrisa, dando pie a una amistad inesperada, devolviéndole la ilusión por disfrutar de la vida.

Crítica

Consigue que te encariñes de alguien aguafiestas e irascible.

Desconozco si la novela en la que está basada, una obra de Fredrik Backman, da la misma impresión que la película que ha escrito y dirigido Hannes Holm. Solo con leer sus sinopsis ya tenemos la sensación de que lo que tenemos delante es una especie de mezcla entre ‘Gran Torino’ y ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’, dos excelentes películas. Por el carácter y trayectoria del protagonista en lo que se refiera a la primera y por el tono y espíritu de la segunda. Lo peculiar del cine sueco unido a rasgos característicos de una película hollywoodiense.

Pero la aleación continúa cuando evaluamos los géneros del filme. Domina el sarcasmo y la ironía que ha hecho famosos a cómicos como Les Luthiers. Nos transmite un modo muy singular, aunque no innovador, de ver la vida. Como en otras muchas películas a través de la tragedia y la amargura se nos sorprende con una narración humorística. El drama que vive este hombre llamado Ove está edulcorado, a decir verdad bastante dulcificado por la comedia que involuntariamente protagoniza al ser como es. Aunque finalmente esta acabe siendo una de esas películas en las que todo acaba forzosamente conectado nos engatusa con su principal actor y personaje.

El Ove que encarna Rolf Lassgård es un personaje extremadamente quisquilloso y gruñón. Su única ocupación es tener su entorno en regla, hacer que se respeten las normas y los valores que le han inculcado, sobre todo desde que le han arrebatado su trabajo. Es una de esas personas que necesitan un nuevo motivo para vivir y como en la película de Eastwood unos nuevos vecinos se lo facilitan. Ove no es un cascarrabias así porque si, durante el largometraje se fundamentan las razones de su malhumorado carácter. Como si de una versión larga del principio de ‘UP’ se tratase. Pero hasta el más inmóvil de los conservadores puede progresar y cambiar, eso es algo que descubriréis viéndola.

Directores como Hannes Holm hacen que más que aversión el publico sienta curiosidad y aceptación por el cine sueco. Su narrativa, no muy alejada del cine del sur de Europa, resulta fresca y ágil. ¿Mensajes o lecturas que nos transmite? Puede tener varias. Seguramente lo más ontológico del filme sea su empeño en mostrarnos que las casualidades pueden llevarnos a un destino diferente al que buscábamos o esperábamos. También que al final se puede pagar el hecho de tener un corazón grande.

Ya que publicamos esta crítica al filo de la celebración de los Oscars me aventuro a decir que en mi opinión la academia, en lo que se refiere a la Mejor Película de Lengua Extranjera, puede que se decante por un drama más contundente como ‘Land of mine’. Si de mi dependiese el resultado ganaría un trabajo como este, pero en mi corazón ‘Tony Erdmann’ declina la balanza.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: En man som heter Ove. Duración: 116 min. País: Suecia. Director: Hannes Holm. Guión: Hannes Holm. Fotografía: Göran Hallberg. Reparto principal: Rolf Lassgård, Zozan Akgün, Tobias Almborg. Producción: Film i Väst, Nordisk Film, Nordsvensk Filmunderhallning, Sveriges Television (SVT), Tre Vänner Produktion AB. Distribución: Emon Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.savor.es/es/cine/proximamente-en-cines/un-hombre-llamado-ove/c20r7984/

Crítica: ‘Swiss Army Man’

Sinopsis

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Hank (Paul Dano) está perdido en una isla desierta y no tiene ninguna esperanza de volver a casa. Pero todo cambia un día cuando un cadáver llamado Manny (Daniel Radcliffe) llega a la orilla; los dos se hacen enseguida amigos y acaban embarcándose en una aventura épica que devolverá a Hank la mujer de sus sueños.

Crítica

Cuando lo absurdo esconde algo más trascendental.

Llega a las carteleras ‘Swiss Army Man’, pero esta ganadora de Sitges y azote de los críticos de Sundance se estrena de un modo poco merecido pues va a estar muy poco presente. Y si, esta es una crítica y mi anterior argumento no pertenece a un artículo de noticias. Escribo y opino que va a poder ser vista por demasiada poca gente pues pertenece a un cine gamberro que no solo le gusta a mi perturbada mente, sino a toda una generación de personas que disfruta en el cine viendo algo sinvergüenza y distendido.

El público que ha crecido y madurado con el Harry Potter de Daniel Radcliffe puede comprobar cómo este actor ha dejado atrás a ese personaje (aunque ya lo viene haciendo con películas como ‘Horns’ o ‘Victor Frankenstein’ y lo hará con ‘Imperium’). Lo curioso es que tenga que recurrir a producciones a priori inmaduras como esta para conseguir sacar a delante una carrera más firme. Films que en principio pueden parecer que solo buscan provocar. Así lo sugiere el zombie que se tira pedos, tiene erecciones que se usan como brújula, emana agua por la boca…¡Y mucho más! Como el título indica, es una auténtica navaja suiza humana. Desde luego no estoy de acuerdo con la clasificación para mayores de 12 años que se le ha otorgado, ni se os ocurra llevar a mentes tan jóvenes a trastornarse con este largometraje. Las sucesivas ocurrencias de Kwan y Scheinert (los Daniels) mantienen expectantes al espectador. Es tremendo descubrir la serie de disparates que se pueden rodar con un naufrago y un muerto. Aunque el ritmo traza una onda casi sinusoidal por lo general se conserva muy por encima del de producciones mucho más destacadas y políticamente correctas.

Pero a pesar de lo hilarante que puede parecer todo ‘Swiss Army Man’ tiene un final sorprendente y con un giro de lo más serio y emocional. A medida que la película avanza se desenmascara un mensaje casi filosófico y existencialista. Y es que a veces hay que descender a la locura para hacer aflorar los dilemas que los humanos tienen y los animales no. «Pozos profundos deben ser cavados si quieres agua clara» que decía una canción de Rammstein.

El casi inmóvil trabajo de Radcliffe viene respaldado por la perpleja interpretación de Paul Dano, un actor que viene demostrando desde bastante antes su madurez artística. Y por si fuese poco otro talento joven da la puntilla, Mary Elizabeth Winstead.

Por desgracia hay quien se empeña en que este tipo de películas siga siendo motivo de culto y poco más. Parece que no se tiene en cuenta que haya ganado premios en festivales como Sitges o Sundance, del cual salieron nombres como Tarantino, James Wan o Kevin Smith). Lo cierto es que me ha costado y esto es lo más serio que me sale a la hora de escribir sobre esta locura de película, pero os la recomiendo si tenéis un sentido del humor abierto y buscáis algo radicalmente diferente. Ya me diréis si habéis conseguido evitar salir tarareando su pegadiza banda sonora.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Swiss Army Man. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Guión: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Música: Andy Hull, Robert McDowell. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead, Timothy Eulich, Richard Gross, Marika Casteel, Aaron Marshall, Antonia Ribero, Shane Carruth. Producción: Cold Iron Pictures, Tadmor, Astrakhan Film SB, Blackbird Films. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: http://swissarmyman.com/

Crítica: ‘El viajante’

Sinopsis

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Ante el peligro de derrumbe del edificio en el que viven de alquiler, Emad y Rana se ven obligados a mudarse a otro lugar. Un incidente relacionado con la inquilina anterior cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja.

Crítica

Humanismo coherente y buen cine.

Cuando una pareja se ve obligada a dejar su vivienda y cree tener la suerte de encontrar rápidamente otra casa les sucede algo traumático. Esa situación es el detonante de la verdadera razón de ser y de las pretensiones de ‘El viajante’. Se produce sin necesidad de mostrar, si no de sugerir y de poco a poco ir desgranando de un modo delicado todo lo sucedido. Lo que comienza como un duro suceso se torna en una obsesión y una búsqueda para uno de los dos protagonistas pero irónicamente para el otro supone una pugna por olvidar. Se logra así una dicotomía muy enriquecedora.

El guión también está firmado por el director y también en él se nota su sello. El ganador del Oscar Asghar Farhadi ha sabido comprender y casi por inercia también reflejar como alguien puede comenzar a comportarse de un modo lógicamente irracional. Una tarea muy difícil que ha conseguido gracias a la sutileza y profundidad. El hacer de Sahab Hosseini un esmerado, inquieto y preocupado marido y de Taraneh Alidoosti una traumatizada y atemorizada mujer solo puede ser fruto de la meticulosa observación de las contradicciones humanas. Todo está narrado a través del naturalismo y de varias metáforas o paralelismos. Bravo en ese sentido para Farhadi.

Este relato casi detectivesco nos plasma como se puede perder a quien se ama a través de lo que parecen buenos actos y decisiones. Si nos quedamos con lo superficial tendremos el desarrollo de una crisis de pareja. Pero si empezamos a quitar capas nos encontramos otras lecturas. Dilemas morales, apreciaciones sociopolíticas y la capacidad de perdonar parecen ser los principales pilares en los que se sostiene ‘El viajante’. Ante tales materias de tanto interés y peso puede parecer que la fotografía y la música sean muy simples, pero en mi opinión es algo intencionado que solo busca alejarse del espectáculo meramente entretenido.

Una de las pegas más destacables de la película es su final. No es que pueda parecer insuficiente o que esté mal narrado. Se prolonga innecesaria y agónicamente, en varios sentidos. Sin duda es resultado del esfuerzo de Farhadi por crear una cinta sumamente creíble.

Desde luego es de las que produce coloquios a la salida del cine. Se intenta desbancar de la cultura o idea retrógrada que se puede tener de la sociedad iraní. Farhadi sin duda hace escuela y no solo entre sus compatriotas.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Forushande (The Salesman). Duración: 125 min. País: Irán. Director: Asghar Farhadi. Guión: Asghar Farhadi. Música: Sattar Oraki. Fotografía: Hossein Jafarian. Reparto principal: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Producción: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=399

Crítica: ‘T2: Trainspotting’

Sinopsis

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Han pasado 20 años. Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.

Crítica

Un nuevo chute de buen cine que nos regala Danny Boyle.  

Para comenzar decir que ‘Trainspotting‘ es una de mis películas favoritas, me impactó, ya no solo la historia, sino su manera de ser rodada, sus actores, su música, todo en general. He ido a ver ‘T2: Trainspotting’ con la cabeza vacía, sin pensar que iba a ver la secuela de una de mis películas favoritas, sino una cinta nueva y ya está, sin pretensiones y he salido encantada.

Basada en la obra de Irvine WelshPorno‘ , ‘T2: Trainspotting’  regresa con el hijo pródigo, Renton regresa a Edimburgo, a reencontrarse con sus antiguos amigos, aquellos a los que traicionó. Unos acabaron en la cárcel, otros con negocios sucios y todos siguen metidos en el terrible círculo vicioso de la droga.

El director nos muestra un rodaje no tan frenético como en la primera parte, pues nos deja claro el paso de los años, el envejecimiento de los protagonistas es mostrado con los movimientos de cámara más lentos, sin dejar los primeros planos de los protagonistas que tanto le gustan a Boyle.

Realmente ‘T2: Trainspotting’ es una película muy nostálgica y ya no nostálgica hacia su primera parte, que también, sino más bien es una cinta en la que cualquiera nos podemos sentir identificados, pues es la nostalgia hacia un tiempo mejor, un tiempo sin preocupaciones, sin responsabilidades, donde quedar con los amigos es mejor que un trabajo, donde elegir la vida era una opción.

Danny Boyle ha logrado recuperar al antiguo elenco y como anteriormente he dicho, al igual que en la cinta, el hijo pródigo ha vuelto, y Ewan McGregor decidió volver a trabajar con Danny Boyle después de su enfado por no contar con él para ‘La Playa’, en las entrevistas que han dado han dicho ambos que estaban muy arrepentidos.

Todos están estupendos, hacer una mención especial para Ewen Bremner, que aunque después de la primera cinta, sabemos que es uno de los grandes secundarios del cine, en esta secuela tiene un papel muy importante y su actuación es impecable.

Una curiosidad acerca de las actuaciones y es que Irvine Welsh, el escritor de la saga, vuelve a aparecer en la cinta, así que curiosear y buscarle.

Otra de las cosas a nombrar su banda sonora, muy al estilo que la de la anterior cinta, con los temas principales como Lust for life de Iggy Pop o Born Slippy de Underworld y con temas nuevos como Radio Ga Ga de Queen.

Puede ser que ‘T2: Trainspotting’  no sea necesaria, pues después del final de su predecesora nos podíamos conformar, pero realmente me alegro que Danny Boyle haya ido a por todas para realizarla y conseguir hacer que nos reencontremos con los antiguos personajes y volver a disfrutar de ellos.

‘Si eres un adicto, eres un adicto. Pero engánchate a otra cosa. Elige a quien te quiere. Elige tu futuro. Elige la vida.’

 Ficha técnica

Estreno en España: 24 de febrero. Título original: T2: Trainspotting. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Director: Danny Boyle. Guión: John Hodge (Novela: Irvine Welsh). Música: Rick Smith. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Mcdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh. Producción: Tristar Pictures, Sony Pictures Entertainment, Film4. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/t2trainspotting/

 

Crítica: ‘Animales Nocturnos’

Sinopsis

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Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida privilegiada, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un fin de semana en el que su marido está en uno de sus demasiado frecuentes viajes de negocios, Susan encuentra un paquete en el buzón. Se trata de una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhall), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer. Su ex le ha dedicado el libro…

…Pero el contenido es violento, demoledor incluso. A medida que lee, Susan se siente profundamente conmovida por las palabras escritas y empieza a recordar momentos íntimos de su historia de amor con el autor. Intenta profundizar dentro de sí misma e ir más allá de la apariencia de una brillante carrera y una vida perfecta. Se da cuenta de que la novela es una venganza, una historia que le obliga a volver a evaluar sus decisiones pasadas y que despierta un amor que creía haber perdido a medida que la historia se acerca a un desenlace que definirá tanto al protagonista de la novela como a ella misma.

Crítica

Firme historia llevada a cabo por bestias de la interpretación.

Segundo trabajo de Tom Ford como director de cine tras haberse estrenado en 2009 con ‘Un hombre soltero’. En ‘Animales Nocturnos’, como diseñador de moda que es, cuida mucho la estética ofreciéndonos dos diseños de producción muy diferentes. Para la parte de Amy Adams ha empleado escenarios e imágenes contemporáneas y simbolistas. Sin embargo para lo que protagoniza Jake Gyllenhaal ha dispuesto un ambiente más realista, sucio y polvoriento. Este contraste es curioso ya que en las secuencias en las que vivimos la historia que en teoría es ficción parece un filme más realista o humano, sin embargo durante la narración que se nos presenta como real se nos adentra en una atmósfera más digna de ser vista en ARCO. Podría ser que la intención de Ford sea la de transmitirnos que en ocasiones lo ficticio es más verdadero que el mundo frívolo que nos rodea.

Pero no solo la ambientación refuerza mi teoría anterior. En ‘Animales Nocturnos’ Ford hace uso de una genialidad. Como si se tratase de una versión para adultos de ‘La historia interminable’ la mujer interpretada por Adams lee el libro que le ha enviado su ex-marido. Así pues vamos alternando entre lectura-reacción-lectura-reacción para poco a poco desgranar la historia. Vivimos una narración en presente y otra salida de la novela que se van  entremezclando cada vez más íntimamente. El nivel de cohesión llega a tal punto que Ford consigue mostrar cómo una persona puede vengarse de otra escribiéndole una novela. Esto lo hace obligándola no solo a empatizar si no también a hacer examen de conciencia y plantearse todas las decisiones de su vida.

El personaje de Gyllenhaal busca dar su merecido aquellos que se han cruzado en su vida y que como fieras nocturnas y salvajes le han despedazado el alma. Tenemos sendos relatos con mucha fuerza salidos de una novela de Austin Wright. El filme arranca con una burla al mundo consumista y superficial para terminar en lo más profundo de la psique humana. El amor, la crueldad, la venganza y la redención son las temáticas más buscadas en este tenso thriller. El conductor de ‘Animales Nocturnos’ es la vendetta y el descubrimiento de la verdad. Pero permanecemos con una constante dualidad ya que nos encontramos con dos represalias diferentes y dos revelaciones distintas.

Por si lo planteado no os parece suficiente os puedo asegurar que el reparto es de lujo. Entre ‘La llegada’ y este filme Amy Adams ha acabado 2016 por todo lo alto, sin despreciar su papel como Lois Lane, y sigue demostrando ser una de las mujeres que mejor se está fraguando su carrera en Hollywood, no defrauda. Por su parte, el otro protagonista, Jake Gyllenhaal se acerca a las mejores actuaciones de su carrera, otro que siempre deja el listón bien alto. Quizá el más flojo del equipo de actores sea Armie Hammer con su breve aparición como marido. Pero sobran buenos actores en ‘Animales Nocturnos’. No podemos perder ojo ni a secundarios ni a protagonistas. El villano de la obra ficticia encarnado por Aaron Taylor-Johnson deja patente por qué hay que confiar en este chico para papeles más allá de lo superheróico (ha sido Kick Ass y Quicksilver). Pero el que más brilla y despunta es Michael Shannon. Se merece por méritos propios su nominación al Oscar. Es una pena que no haya más hueco para este filme entre la lista de candidatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2017. Título original: Nocturnal Animals. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Tom Ford. Guión: Tom Ford. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Armie Hammer, Isla Fisher, Michael Sheen, Laura Linney, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Jena Malone. Producción: Focus Features, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, thriller. Web oficial: http://www.animalesnocturnos-lapelicula.es/

Crítica: ‘Hedi – Un viento de libertad’

Sinopsis

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Hedi es un chico sencillo: no habla mucho, no tiene mucho carácter y no espera demasiado de una vida que ya tiene trazada. Indiferente ante todo lo que le rodea, acepta las cosas como se presentan: deja que su madre, autoritaria y avasalladora, organice su casamiento con Khedija;  que su jefe le mande a Mahdia la semana de su boda; y que su hermano mayor Ahmed, que ha venido de Francia para el enlace, le diga cómo debe comportarse.
En Mahdia conoce a Rym, una animadora de un hotel de playa en el que cada vez hay menos turistas. Hedi se sentirá atraído por su despreocupación y libertad, y acabarán teniendo una apasionada aventura. Pero los preparativos para la boda siguen su curso, y Hedi deberá elegir.

Crítica

Poca sustancia para una ópera prima.

Desde el Túnez más moderno nos llega la primera obra del tunecino Mohamed Ben Attia. ‘Hedi – Un viento de libertad’ viene de participar en diversos festivales en los que su temática encaja muy bien y ha suscitado todo tipo de opiniones. Nos revela una historia que precisamente trata de eso, de revelarse. A través de una persona sumisa se consigue una especie de catarsis familiar y cultural, toda una emancipación.

Hedi es el nombre del personaje protagonista, el único protagonista de la cinta. Es una persona anodina, insípida y sin sangre. Va apagado y sumiso por la vida. Nadie atiende o se preocupa de lo que quiere, está atrapado en la vida que le viene o le planifican. Su jefe, su madre, su hermano… todos le controlan. Si pensabais que la totalidad de los hombres gobernaban la vida de las mujeres en las sociedades tradicionalmente islámicas, por suerte esta película os cambiará esa mentalidad. Hedi tiene sus aspiraciones y sus ideas de futuro pero no le dejan hacer. Ben Attia ha hecho que con cada comentario y acto que hace Majd Mastoura (Hedi), cuando le dejan decir o hacer algo, sea un clamor por un cambio en su vida, por ser libre.

Entonces surge algo que lentamente nuestro protagonista comienza a emplear como una vía de escape, como un desahogo e incluso como una venganza. Pero aunque Ben Attia plasma bien la dificultad del paso que Hedi quiere dar no nos sorprende ni nos lleva a puntos que no se puedan prever tras los primeros compases. Este primer y bien dirigido discurso del director Mohamed Ben Attia es curioso por lo que he comentado antes, pero no es enormemente interesante. Me resulta carente de fuerza, está demasiado acotado en su protagonista, no tiene suficiente visión universal. Es en la narrativa, en la manera de contarlo todo, dónde está el problema. Aunque nos ha dispuesto un final idóneo para el debate y la libre interpretación nos deja al margen y lejos de empatizar con un personaje que tiene una historia demasiado delimitada.

También se liga a nuestro protagonista a la Revolución de los Jazmines, si no me ha parecido entender mal. Podemos intentar comprender la película como una metáfora del cambio sufrido en el país tras la Primavera Árabe. Por lo tanto puede tener más interés para aquellos que estudien la historia contemporánea, la cultura árabe o en concreto la sociedad tunecina.

Ganó dos premios en el festival de Berlín y ha pisado la Seminci, festivales en los que entusiasma este tipo de cine. Yo personalmente demando algo más de atractivo para salir satisfecho de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Hedi. Duración: 93 min. País: Túnez, Bélgica, Francia. Director: Mohamed Ben Attia. Guión: Mohamed Ben Attia. Música: Omar Aloulou. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Reparto principal: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita, Hakim Boumessoudi, Omnia Ben Ghali. Producción: Dora Bouchoucha. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=398

Crítica: ‘Jackie’

Sinopsis

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Drama centrado en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU. En él se mostrará el impacto que causó el trágico suceso en su mujer, Jaqueline Kennedy, así como las repercusiones públicas y privadas que ésta tuvo en su vida. El resultado será un retrato de la que fuera Primera Dama, sin dejar de lado ninguna de sus facetas, haciendo especial hincapié en su faceta más humana.

Crítica

Da gusto ver películas con enfoques tan diferentes como esta.

Me consta que hay quien  puede considerar ‘Jackie’ aburrida pero si nos estamos fijando constantemente en los detalles y las referencias históricas es de lo más entretenida. Además ver como Portman cambia su interpretación tan radicalmente en función de los días que se han filmado es algo totalmente provechoso. Larraín consigue recrearnos el cerebro y la vista sin entrar en polémicas, chismorreos y teorías de la conspiración, que suele ser lo más recurrente a la hora de hablar de los Kennedy.

El director chileno nos relata la historia de una primera dama que tuvo que cambiar su rol de manera radical. Que buscó modelos pasados en los que apoyarse para tratar de reinventarse y de ese modo desarrolló una conducta ejemplar para sus sucesoras. Además lo ha hecho desde un punto de vista diferente al habitual, conste que digo diferente, no novedoso. A decir más no peca de reflejar a una heroína, pero tampoco a una persona mundana. Nos presenta a una mujer vulnerable pero también soberbia, dependiente pero valiente, soñadora pero realista.

Se encauza la cinta gracias a dos maneras diferentes de narrarla. Una es la entrevista que mantuvo con un periodista y la otra una charla con un párroco. A este segundo le interpreta el tristemente desaparecido John Hurt, en la que fue una de sus últimas películas. Ambas maneras de guiar la historia están acompañadas de flashbacks e imágenes de archivo. La una cede el paso a la otra conforme va acercándose el final del filme pero es la entrevista la que domina toda la narración. En relación a esto decir que el diseño de producción está muy acertado pues colores, luces, dinamismo… cambian en función de la época y situación vivida. Siendo más alegre y colorista en los días más felices de los Kennedy y más apagada y sosegada en las horas y días posteriores al magnicidio.

No estamos ante una obra maestra pero desde luego es inmensamente mejor que otros largometrajes centrados en desvelar entresijos de la Casa Blanca como ‘El mayordomo’. En una cinta tan carente de acción, aunque puede llegar a ser tremendamente explícita, necesitamos un apoyo rítmico que nos la haga llevadera. La música es esa herramienta a la que ha recurrido Larraín. Refleja a la perfección la desorientación, la consternación, el dolor y la ira que sufrió en esos días Jackie Kennedy. Su autora ha sido Mica Levi, compositora a la que ya habíamos escuchado en otras películas como ‘Under the skin’. No es de extrañar la nominación al Oscar que ha logrado.

Es casi obligatorio hablar también de otra de las nominaciones conseguidas. En este caso la de Mejor Vestuario. La pugna entre este filme y otros candidatos como ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’, ‘La La Land’ o ‘Aliados’ va a ser discutidísima. También cabe señalar que transcurre en los sesenta y trata sobre una figura más que fotografiada y grabada. El material documentado es grande y no habrá sido difícil discernir en cómo vestir a los protagonistas. Además Natalie Portman tiene la percha necesaria para lucir los modelos que han puesto a su alcance.

Pero no solo la ropa estaba a merced de Portman, toda la película gira en torno a ella, como era de esperar. Se ha ganado a pulso estar en la lucha por la estatuilla, sumando así tres nominaciones para el filme de Larraín. Como mencioné antes ha llevado muy bien el cambio del estado de ánimo de su personaje. Aunque no sea precisamente la actriz que más semejanza facial presente con la ex-primera dama nos hace ver a esa mujer que habitó durante varios años la Casa Blanca.

Resulta confuso averiguar la intención del director. Nos desvela las entretelas de aquellos que sufrieron más la muerte de Kennedy, nos acerca a la primera dama que marcó un punto de inflexión entre aquellas que han ostentado ese cargo, nos remarca la paranoia de todo un país, diferencia entre el orgullo de una mujer que se queda sola y el homenaje hacia el hombre que la mantenía ensombrecida… Tal vez todos estos matices se encontrasen en el checklist de Larraín, lo cierto es que componen un conjunto muy rico.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Jackie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Pablo Larraín. Guión: Noah Oppenheim. Música: Mica Levi. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson. Producción: Coproducción USA-Chile; LD Entertainment, Fabula, Protozoa Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/jackie.html

Crítica: ‘Rings’

Sinopsis

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Llega un nuevo capítulo de la terrorífica saga Ring. Una chica joven, preocupada por su novio, se adentra en un oscuro mundo que gira alrededor de una misteriosa cinta de video que asesina a las personas tan solo 7 días después de verla. Ella se sacrificará asímisma para salvar a su novio y realizará un terrorífico descubrimiento: hay una película dentro de la película que nadie ha visto jamás…

Crítica

Vuelve Samara, mas rencorosa que nunca.

Como bien han dicho, ‘Rings‘ no es una precuela, sino una secuela de ‘The Ring’, no es que te lo digan, no lo necesitan, el video ya anda circulando por internet.

F. Javier Gutiérrez nos vuelve a traer a Samara y a intentar explicar porque esta niña sigue tan enfadada con todo el mundo y que lo único que quiera es matar. Si, es un poco más de lo mismo, pero para nada significa que eso sea algo malo, todo lo contrario, F. Javier Gutiérrez nos muestra la historia de otra manera.

La verdad que no voy a contar nada de la sinopsis, pues os desvelaría la trama y la manera con la que el director español nos sorprende. Solo decir que todo, aunque os parezca una locura, una tontería, algo demasiado rebuscado, todo tiene su porqué y está muy bien hilado.

La atmósfera de la cinta está bien, típica película de género, en tonos oscuros y sonidos estridentes para asustar, que como es de suponer logran su cometido. Aunque más que de terror se pude decir que es un película de misterio.

Los dos jóvenes protagonistas no están nada mal, Matilda Lutz y Alex Roe hacen buena pareja cinematográfica. Johnny Galecki vuelve a hacer de empollón, pero esta vez un poco perturbado.  Mientras que la sorpresa la ofrece un gran Vincent D’Onofrio, como siempre estupendo.

Y qué decir del director, F. Javier Gutiérrez en su segunda película como director ya ha dado el salto a Hollywood y encargándose de la tercera entrega de una saga que es muy querida en todos lados. Está claro que le queda mucho por ofrecer y en esta película lo ha hecho muy bien.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención ha sido la fotografía. Del encargado de la fotografía de ‘Whiplash‘. Sharone Meir, nos ofrece encuadres muy interesantes en el filme. Creo que ha sido un acierto contar con él para una cinta con la necesidad de esos detalles.

En general una película muy entretenida y si eres fan de la saga, muy disfrutable. Sin duda alguna recomiendo su visionado.

Ficha técnica

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Rings. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: F. Javier Gutiérrez. Guión: Jacob Aaron Estes, Akiva Goldsman, David Loucka (Novela: Kôji Suzuki) . Música: Matthew Margeson. Fotografía: Matthew MargesonReparto principal: Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Vincent D’Onofrio, Aimee Teegarden, Laura Wiggins, Bonnie Morgan, Zach Roerig, Brandon Larracuente, Surely Alvelo, Andrea Powell, Chris Greene, Adam Fristoe, Jill Jane Clements, Ricky Muse, Wing Liu. Producción: Macari, Edelstein, Parkes+Macdonald Imagenation. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: http://ringsmovie.tumblr.com/

Crítica: ‘Batman la LEGO película’

 Sinopsis

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Con el espíritu irreverente lleno de diversión que convirtió a ‘La LEGO película’ en un fenómeno mundial, llega esta nueva aventura protagonizada por el mismo personaje que se consideraba el líder del grupo, LEGO Batman. Pero se están produciendo cambios en Gotham, y si quiere salvar a la ciudad de la conquista de El Joker, puede que tenga que dejar de actuar en solitario, intentar trabajar con otros y, tal vez, aprender a relajarse.

Crítica

Un batjuego de lo más gracioso.

Tras el éxito de ‘La LEGO película’ se comenzaron a proyectar diferentes largometrajes como una secuela que está en marcha o este filme que nos ocupa hoy. No esperéis una comparativa con la cinta de 2014 pues ni la he visto, ni está realizada por el mismo equipo. Tras salir del pase y preguntar a compañeros me consta que no hay referencias al mismo pero que si se mantiene la idea y el espíritu.

¿Tiene sentido hacer tanto producto audiovisual al estilo LEGO? ¿Da juego o se juega con el hecho de que sean muñecos? ¿O tan solo es un modo diferente de hacer animación con el fin de potenciar las ventas? Si, es claramente una manera de vender juguetes. Pero también se aprovechan las posibilidades de la «Construcción Maestra» como se viene haciendo desde hace tiempo en los videojuegos. Es decir, se aprovechan las posibilidades de construcción de este producto y  se hace en servicio de la historia. Se ha creado un argumento que desfigura la trama de muchos personajes de la saga de Batman en favor de crear un crossover divertido y apto los pequeños, demasiado macedonia, pero es divertido. Se nota que el responsable es el director de ‘Robot Chicken’ y que sus hasta cinco guionistas proceden de ‘Sombras tenebrosas’, ‘Padre made in USA’ o ‘¡Rompe Ralph!’.

Warner Bros. junto a la empresa danesa de juguetes ha creado una visión, no la primera, edulcorada de Batman. Aunque sepamos que nos aguarda un trabajo con un tono humorístico, satírico e infantil choca ver a un Batman tan parlanchín y chistoso. Por supuesto hay acción a raudales y no es la única cosa que se nos brinda en abundancia.

Hay una lluvia de huevos de pascua. Referencias al Batman de los 60, al de Tim Burton, al de Schumacher, al de Nolan, al de Snyder… Sacar a todos los enemigos de Batman sería imposible pero aparece una inmensa cantidad. ¡Hasta el Cabeza de Huevo de Vincent Price! También se ha incorporado a multitud de villanos que ahora se encuentran bajo el sello de Warner Bros. y pertenecen a los icónicos del cine. Dejaré que descubráis los que son porque su aparición es un subidón. Con todo esto se logra un impresionante catálogo de juguetes que muestra la variedad de muñecos que existen bajo el sello LEGO. También hay que admitir que se han dedicado a jugar y todos de pequeños hemos hecho crossovers mezclando los muñecos que teníamos en nuestra habitación, perteneciesen o no a la misma franquicia.

‘Batman la Lego película’ comienza por todo lo alto. Arranca de un modo muy gracioso, rompiendo la cuarta pared, continúa con un carácter muy épico, con muchos gags y un ritmo bastante movidito. Pero la cosa va decayendo poco a poco. No llega a hacerse aburrida pero el nivel no se mantiene igual hasta el final. La mojigatería y el mensaje sensiblero se apodera demasiado de la película. Tampoco ayuda su traducción al castellano. Algunas canciones resultan forzadas y el doblaje no me parece acertado en muchos personajes.

La animación no puede ser más moderna y provechosa en lo que se refiere a jugar con el mundo LEGO. Es muy dinámica, detallista y deslumbrante. También es verdad que a veces está algo recargada o puede aturullar. En ocasiones dan ganas de pausar la película para poder observar con detalle lo que pasa ante nuestros ojos porque no da tiempo a captarlo todo.

Pese a la peculiar visión de Batman, las fallas en el casting de doblaje y su continua bajada de resulta ser una película de lo más ocurrente y amena.

PD: la cinta tiene tanto humor que incluso se han atrevido a hacer una gracia con la archienemiga de DC Comics, Marvel Comics.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: The LEGO Batman movie. Duración: 104 min. País: EE.UU. Director: Chris McKay. Guión: Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittingon. Música: Lorne Balfe. Reparto principal (doblaje original): Jenny Slate, Will Arnet, Ralph, Zoë Kravitz, Channing Tatum, Rosario Dawson, Jonah Hill, Jemaine Clement, Zach Galifianakis, Michael Cera, Seth Green, Kate Micucci, Adam Devine. Reparto principal (doblaje al castellano): Claudio Serrano, José Coronado, J.A. Bayona, Berta Vázquez, Carlos Santos. Producción: Vertigo Entertainment, Warner Animation Group, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, cómics, aventuras, comedia. Web oficial: http://www.batmanlalegopelicula.com/

Crítica: ‘Remake, Remix, Rip-off’

Sinopsis

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Cem Kaya creció con las películas Yeşilçam (industria cinematográfica turca) de los videoclubs turcos en Alemania. Su documental ilustra el origen de la cultura de la copia llevada a cabo por cineastas turcos, comenzando con Yeşilçam hasta las series de televisión de hoy. Porque el mercado turco de la serie de televisión es uno de los más grandes del mundo.

 

Crítica

Del cine cochambroso también se puede aprender.

No siempre resulta fácil realizar un documental. Encontrar una temática realmente interesante y con utilidad puede ser una tarea muy difícil. ‘Remake, Remix, Rip-off’ si tiene ese atractivo que hace que un documental sea provechoso. Este es un largometraje con gran encanto para todos aquellos estudiosos del cine e incluso para aquellos que puedan estar interesados en la cultura turca.

Nos habla del cine que se hacía durante el siglo pasado en Turquía. La intención de esta cinta es la de acercarnos a una práctica, no, mejor dicho, a toda una cultura de copias, plagios y reproducciones que se hacían en el país transcontinental. Y es que durante décadas se utilizaba el trabajo de la industria de Hollywood para completar las películas de allí. Así Cem Kaya, su director, nos puede mostrar ejemplos como el famoso ‘Star Wars’ turco, ‘Homoti’ la versión gay y pacifista de E.T. o mezcolanzas de todo tipo. Pero se queda algo corto y tal vez cabía esperar una enumeración mayor de las copias realizadas.

Y es que el documento va más allá, dedicando tal vez casi todo su espacio en esto, y nos da una clase muy divertida sobre la historia del cine de Turquía. Nos habla por ejemplo de cómo se las tenían que apañar con técnicas muy caseras de rodaje, hasta para improvisar un travelling. Si por lo general en las películas del mencionado país vemos cosas que nos sacan una sonrisa, este documental puede darnos carcajadas al ver la desvergüenza con que hablan sus responsables.

El documento se construye a base de testimonios de actores, productores y directores de la época. Gente que hizo centenares de películas y que sin ningún pelo en la lengua admite haber copiado, incluso haber usado escenas o bandas sonoras enteras de otras películas para incluirlas en las suyas. En su defensa alegan que en su país por aquel entonces, y hasta hace bien poco, no había leyes que protegiesen las obras de otros, es decir, todo el material audiovisual que entraba en Turquía era de dominio público.

El director y montador Cem Kaya se mueve con solvencia dentro del documental. Se nota que es alguien que ha mamado el cine desde pequeño, que se dedica a ello y que además ha estado siempre rodeado del género del que trata su obra. A demás de eso nos consta que ha estado en torno a siete años visualizando películas con factura turca y eso tiene mucho mérito.

Ficha de la película

Estreno en España: visualizada en festivales. Título original: Remake, Remix, Rip-off. Duración: 96min. País: Turquía. Director: Cem Kaya. Guión: Cem Kaya. Música: ANADOL, «Gurbet Bekçisi». Fotografía: Meryem Yavuz, Tan Kurttekin. Reparto principal: Cüneyt Arkin, Yilmaz Atadeniz, Çetin Inanç, Canan Perver, Giovanni Scognamillo, Kunt Tulgar, Memduh Ün. Producción: Cine Plus, Das Kleine Fernsehspiel (ZDF), Filmförderung Baden-Württemberg (MFG), Otomat, Sommerhaus Filmproduktionen, UFA Fiction. Género: documental. Web oficial: http://www.remakeremixripoff.com/

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