Etiqueta: Crítica

Crítica: ‘Moonlight’

Sinopsis

Clic para mostrar

El 10 de febrero llega a nuestros cines esta personal y poética reflexión de Barry Jenkins sobre la identidad, la familia, la amistad y el amor, recientemente premiada con el Globo de Oro a Mejor Película (drama).  ‘Moonlight’ es una historia atemporal de relaciones humanas y autodescubrimiento, que narra la vida de un joven que crece en los suburbios de Miami, desde su infancia, hasta la edad adulta. Un retrato vital de la vida afroamericana contemporánea que resuena por su profundidad y sus verdades universales.

Crítica

Ruptura de estereotipos y retrato social.

Enfilamos la recta final hacia los Oscar y nos llegan los últimos estrenos que cuentan con nominaciones. ‘Moonlight’ figura como candidata a ganadora a la estatuilla a Mejor Película, a Mejor Director, a Mejor Actor de Reparto, a Mejor Actriz de Reparto, a Mejor Guión adaptado, a Mejor Fotografía, a Mejor Montaje y a Mejor Banda Sonora. 8 nominaciones que la han convertido en la gran adversaria ante ‘La La Land’ junto a ‘La llegada’. No estoy de acuerdo con todas sus nominaciones pero si con la mayoría.

Por ejemplo, esta es una película basada en el texto de una obra de teatro de Tarell McCraney. No he visto esa representación teatral pero si podemos decir que al contario de ‘Fences’ resulta una buena adaptación. Se nota que hay una correcta traslación del lenguaje y no percibimos el sabor de los escenarios. Salvo tal vez en el planteamiento temporal del filme ya que está dividido en tres actos, lineales y sin flashbacks, muy teatralmente.

El cartel no podría estar más acertado. ‘Moonlight’ está dividida en tres épocas, tres fases de la vida de una persona. Para ese personaje se emplean tres actores (Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes). Aunque los tres merecen muchísimos elogios por su contención y su manera de reflejar el dolor, yo destacaría a Ashton Sanders (quien refleja la etapa central, la de la adolescencia), no a Mahershala Ali, amigo del protagonista, como se ha hecho en las nominaciones de la Academia.

Con Mahershala Ali entroncamos con otra película candidata a los Oscar ya que apareció (junto también a Janelle Monáe) en ‘Figuras Ocultas’. Pero de poner en titulares a un secundario habría que seguir, ahora sí, la recomendación de los nominados. La madre de nuestro protagonista, en todas las fases del filme, está interpretada por Naomie Harris (’28 días después’) que por fin ha encontrado el papel que le otorgue el reconocimiento que merece su talento. Con una interpretación muy cruda nos aporta la parte más irracional y autodestructiva de la cinta. Eso lo hace en primera instancia, después nos aproxima a otras facciones de los pesares humanos que preferiría no desvelar.

Y es que ‘Moonlight’ es una película intimista, que indaga sin caer en tópicos en los misterios del autodescubrimiento y el aprendizaje emocional. La obra de Jenkins está exenta de sutilezas pero si está cargada de delicadeza sentimental. Ilustra de una manera fresca y novedosa un tema que ya se ha tratado este año en filmes como ‘Cuando tienes 17 años’.

También es verdad que Barry Jenkins ha ido a lo seguro tratando varios temas muy actuales. Me refiero a la marginación o el maltrato que sufren en EE.UU. diferentes grupos sociales como los homosexuales, los afroamericanos o todos aquellos relacionados con las drogas. Unido esto a la polémica que hubo el año anterior con la gran ausencia de afroamericanos en los Oscar la convierten en un filme bastante propenso a llevarse estatuillas. Sin olvidarnos del talento demostrado y al que he hecho referencia en los párrafos anteriores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Moonligth. Duración: 111 min. País: EE.UU. Director: Barry Jenkins. Guión: Barry Jenkins. Música: Nicholas Britell. Fotografía: James Laxton. Reparto principal: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean. Producción: A24, Plan B Entertainment, Upload Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama. Web oficial: http://www.moonlightpelicula.es/

Crítica: ‘Action Jackson’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un rufián con una sorprendente habilidad para meterse en líos verá como su vida se complica aún más por culpa de su parecido imposible con un despiadado mercenario.

 

Crítica

Ha conseguido que me deje llevar por Bollywood más fantasioso.

Conste que no soy un fanático del cine Indio, lo miro desde la distancia e incluso me suele producir rechazo por su gran cantidad y repetición de bailoteo, colorido y musicalidad. Os prevengo de esta manera porque creo que me voy a dejar llevar por la euforia vivida en la pasada CutreCon durante el pase de esta película.

‘Action Jackson’ es una mezcla de géneros. En contra de lo que he dicho antes sobre el cine hindú he de admitir que tiene muchas canciones y es colorista. Además se flipa con la acción, si, flipa, no encuentro otra palabra más acorde. Pero posee un gran equilibrio entre acción, comedia, musical, drama y romance, se puede decir el tópico ese de «lo tiene todo». Se nota que el director y guionista, Prabhudheva, es consciente de que la película que ha hecho es casi paródica y por eso no resulta ser un producto cochambroso y si pasmoso.

Las canciones. Los temas musicales del cine bollywoodiense suelen ser las causantes de su poco éxito en Europa. Hay que decir que el filme está plagado de ellas pero mezcla géneros y más de una es endiabladamente pegadiza. Todos los temas inducen al buen rollo y al positivismo. En contraste tenemos las escenas de peligro. Acción fantasiosa y villanos al más puro estilo James Bond es lo que nos ofrece el lado más palomitero de ‘Action Jackson’.  Han creado para esta película movimientos imposibles, estampas videoclipistas, peleas asombrosas, personajes perversos o un matón que parece la versión india de The Rock.

El romance y el drama aquí van casi de la mano. Gracias a ellos experimentamos varios giros de guión bastante pasmosos. Lástima que se incluya un flashback que dura más que los discursos del difunto Fidel Castro. Y ahí llega la mayor pega de este sorprendente largometraje, y no es moco de pavo. Tras el apoteosis con el que empieza, que se va manteniendo durante más de la mitad del filme, pega un bajón de ritmo muy notable. Tras llevar un buen rato de película, es bastante larga, llega una vuelta de tuerca que nos cambia casi todo, nos induce a sentir pesadez y ganas de que concluya el filme.

Es ineludible hablar del protagonista, del trabajo realizado por Ajay Devgn, un actor con muchos seguidores en India. Interpreta a un tipo duro, con clase y con más de una cara que mostrar. Sale mucho más que airoso en una película en la que tiene que demostrar saber hacer gracia, saber pelear y saber bailar.

‘Action Jackson’ es una demostración de que una película de Bollywood puede gustar y estar acorde a los gustos occidentales. La prueba de que en la India cada día se acortan más las distancias con respecto al cine de Estados Unidos, tanto en presupuesto como en calidad. Está fuera de muchos de los estándares del cine Indio. Pertenece a ese cine que hay que ver de otro modo, de manera divertida y saltando de la butaca. Como he dicho pudimos verla en el festival CutreCon VI. Allí la gente le siguió el juego al filme, se puso en pie y coreó el nombre del protagonista. ¡A.J.! Ojalá se estrene en cines españoles para que viváis los mismos aplausos y jolgorio que viví yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2017 (CutreCon). Título original: Action Jackson. Duración: 144 min. País: India. Director: Prabhudheva. Guión: A.C. Mughil, Prabhudheva, Shiraz Ahmed. Música: Sandeep Chowta, Himesh Reshammiya.Fotografía: Vijay Kumar Arora, R.D. Rajasekhar. Reparto principal: Ajay Devgn, Sonakshi Sinha, Aaron Brumfield, Yami Gautam, Prabhudheva,Manasvi Mamgai, Byron Gibson, Prabhas, Kunaal Roy Kapur. Producción: Eros International. Distribución: sin distribución en España. Género: acción, musical, romance, comedia. Web oficial: http://erosplc.com/?page_id=657

Crítica: ‘Doomed!’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un documental que cuenta la historia de la versión malograda de la película de los Cuatro Fantásticos que fue producida por Roger Corman.

 

Crítica

Superheróica ironía.

Para ilustrar mejor a nuestros lectores sobre la razón de ser del documental ‘Doomed!’ tal vez habría que remontarse a unos años atrás. Hemos de situarnos antes de las conocidas películas marvelitas (salidas de Marvel Studios) pertenecientes a la primera y segunda fase, que comenzaron con el ‘Iron Man’ de 2008. Allá por los ochenta y noventa Marvel Comics cruzaba una mala racha económica. Para mayor inri las producciones de largometrajes, muchos de ellos para televisión, no fueron del gusto ni de los lectores ni de los espectadores en general. Como ejemplo podemos poner desastres como ‘Howard El Pato’ o ‘The Punisher’. Hemos de recordar en esta ocasión que los derechos de esas películas no pertenecían exclusivamente a la Marvel pues tuvieron que ser vendidos a diferentes distribuidoras.

Ahora entramos en materia. Una de esas licencias se refería a las aventuras de los Cuatro Fantásticos. La distribuidora Constantin Flim Produktion tenía por entonces esos derechos alquilados y si no hacía película alguna los perdería. Para evitar eso llevo a cabo una película que data de 1994 y tiene el título ‘The Fantastic Four’. Pero su único fin y objetivo era el de renovar dichos derechos y por lo tanto no había intención de estrenarla. Es por ello que se le dedicó un bajo presupuesto y la mínima esperanza.

Esta es la historia que nos revela ‘Doomed!’. En dicho cacao andaba metido el famoso productor Roger Corman. Y él mismo aparece contando la historia acompañado de todo el reparto y del personal técnico que llevo a cabo este desafortunado proyecto. Incluso habla el periodista (y fan) que presenció el rodaje. Por supuesto se aportan fotografías y partes del largometraje. Tal vez me esperaba descubrir una historia más interesante, quizá más conspiranoica. Aunque ya de por si es bastante curiosa y está llena de canalladas. De hecho es la única producción de Corman que jamás se ha estrenado.

En ‘Doomed!’ oímos como el reparto no supo en ningún momento que no se estrenaría la película, de hecho, lo que más les dolió era que tenían la esperanza de que sirviese como herramienta para dar el gran salto. Incluso fueron hasta eventos a promocionar el filme. Se desvelan detalles del rodaje relacionados con el casting, Mark Ruffalo o Titus Welliver quisieron estar en ella, por ejemplo. También la razón por la que los decorados eran tan malos: rodaron en una nave industrial habitada por ratas y la gata de uno de los actores los cazaba.

Pero quizá lo más sorprendente que descubre ‘Doomed!’ es que el propio Stan Lee pasó por allí interesándose, «nos trajo Donuts» comenta uno de los actores. Pero poco después en la Comic-Con de San Diego renegó de ella. Se muestran imágenes en las que el creador de superhéroes dijo que no esperaba gran cosa y que jamás volvería a haber una película de Marvel sin que esta misma tuviese el control absoluto. Poco después la FOX adquirió los derechos de X-MEN y Marvel comenzó a remontar el vuelo.

Se pone de manifiesto en el largometraje que esta puede ser una de las pocas películas beneficiadas por la piratería. Alguien la robó y la publicó en VHS hasta el punto de que ahora está en la red y se comercializa de manera ilegal por todo el mundo. Así se la encontraron los propios actores quien sin haberla visto pudieron oír la opinión de los fans. No recuerdo la frase exacta pero en el documental llegan a decir algo así como «que Dios bendiga al que la robó por que ahora se ha visto más de lo que se habría visto en caso de haberse estrenado».

Gran parte de los que la han visionado aseguran que es mejor que la versión de Tim Story y por supuesto mejor que la de Josh Trank. Yo la he visto, está en Youtube, y no es una película cutre, es una película de muy bajo presupuesto en una época en la que se podría haber hecho mucho más. Deja el sabor a episodio de ‘The Twilight Zone’. No tiene brillantes interpretaciones, ni un guión de Oscar, pero después de ver el documental queda claro que tampoco merecía pasar a la historia como una especie de nonata. Tanto la película como el documental merecen ser vistos.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de enero de 2017 (CutreCon VI). Título original: Doomed: The untold story of Roger’s Corman the Fantastic Four. Duración: 85 min. País: EE.UU. Director: Marty Langford. Guión: Marty Langford. Fotografía: Oktay Ortabasi. Reparto principal: Carl Ciarfalio, Roger Corman, Joseph Culp, Jonathan Fernandez, Glenn Garland, Chris Gore, Kat Green, Alex Hyde-White, Oley Sassone, Mark Sikes, Michael Bailey Smith, Rebecca Staab, Jay Underwood, John Vulich, Lloyd Kaufman. Producción: Mark Skies. Distribución: Online (http://doomedthemovie.com/store/) Género: documental. Web oficial: http://doomedthemovie.com/

Crítica: ‘El rey tuerto’

Sinopsis

Clic para mostrar

David es un policía antidisturbios que ha reventado el ojo a un manifestante con una pelota de goma. La casualidad provoca que este manifestante, Ignasi, aparezca en su casa una noche. Así empieza una comedia ácida sobre la fragilidad de las convicciones, la naturaleza de los roles sociales y la búsqueda de la verdad.

 

Crítica

Cenas incómodas para dos polos opuestos

Dos antiguas amigas, una cena de reencuentro. Todo parece bonito, hasta que hablando se enteran de que el novio de una de ellas le ha reventado el ojo al de la otro, sí, así comienza ‘El rey tuerto’.

Un antisistema como diría David (Alain Hernandez) tiembla de terror al ver a su agresor cenando junto a él. Temas demasiado cercanos para olvidarlos. Manifestaciones y la crudeza de estas, pero no solo eso sino que va mas allá, la crisis, el mal gobierno, todo mostrado desde la vista de dos personas completamente opuestas.

La película de ‘El rey tuerto’, nace de una obra teatral del mismo nombre y compuesta por el mismo director y reparto.

Marc Crehuet nos lleva a un espacio con cuatro paredes, bastante claustrofóbico, sobre todo con la situación tan embarazosa que se les presenta a estas dos parejas.

El espacio está ordenado y colocado, pues es la casa del policía antidisturbios, en esa casa no hay desorden, según va evolucionando el personaje a lo largo de la cinta, ves que todo eso va cambiando y se va viendo el caos en el que se ha metido por culpa de las ideas que Ignasi (Miki Esparbé) le está introduciendo.

La parte esencial de la película sin duda son los actores, decir que Miki Esparbé me encanta, le he visto en varias películas y sé que me va a dar siempre una gran actuación, y efectivamente aquí lo da todo. Pero para mi sorpresa, quedé encantada con la actuación de Alain Hernández, es soberbia, su convicción de que todo lo que hace está bien, que todo lo que le cuentan está bien, su lavado de cerebro es brutal, pero no solo eso, te das cuenta de que es un hombre al que se le convence con poco. En serio, solo por ver su actuación merece la pena el visionado de la cinta. Vas viendo su evolución y su confusión según avanza la trama.

Por la parte femenina, me parecieron muy buenas actrices, pero se nota mucho que vienen del teatro, no es algo malo, pues lo dicho, son buenas actuaciones, pero muchas veces se veían sobreactuadas.

Marc Crehuet nos deja una película que te hace reflexionar y que da para una charla después de su visionado. Una pena que no tuviera el éxito que se merece en las salas, porque realmente me parece estupenda.

Ficha técnica

  Estreno en España: 24 de abril  2016. Título original: El rey tuerto (El rei borni). Duración:  87 min. País: España. Director: Marc Crehuet. Guión: Marc Crehuet (Obra: Marc Crehuet). Música: Albert Manera. Fotografía: Xavi Giménez. Reparto principal: Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llopis, Xesc Cabot. Producción: Moiré Films, Lastor Media, El Terrat, TElevisió de Catalunya, ICEC. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama. Web: http://www.elreytuerto.com/

Crítica: ‘Un monstruo viene a verme’

Sinopsis

Clic para mostrar

Conor O´Malley (Lewis MacDougall) es un chico de 13 años que, debido al acoso escolar que sufre en el colegio, además de la grave enfermedad que padece su madre, ha desarrollado un mundo de fantasía en torno a hadas, duendes y demás criaturas maravillosas, que le permite escapar de su rutina y superar sus miedos.

A través de la ventana de su habitación, el protagonista puede divisar un árbol que se ha mantenido de pie desde hace miles de años. Unos minutos después de la medianoche, Conor despierta y se encuentra un monstruo en la ventana. Pero no es el monstruo que él esperaba, el de la pesadilla que tiene casi todas las noches desde que su madre empezó el duro e inacabable tratamiento. ¿Prodrá este increíble árbol que ha cobrado vida en su imaginación ayudarle a superar sus problemas?

 

Crítica

 Impecable cuento llevado al cine de manera magistral. 

Basada en el libro del mismo nombre, Juan Antonio Bayona nos trae una cinta lacrimógena en la que el miedo es el verdadero protagonista.

Pero no, por mucho que el título, ‘Un monstruo viene a verme’ , haga parecer que estamos ante una historia de terror, no es una película de terror. El miedo protagonista de la cinta, es el miedo a la pérdida, el miedo a conocer la verdad.

Un gran acierto por parte del director es haber contado con el escritor de la obra como guionista, Patrick Ness, pues hace que la esencia de la historia no se pierda y si has leído el libro, se disfruta el doble.

En la película tenemos dos claros protagonistas Connor (Lewis MacDougall) y el Tejo (Liam Neeson). Siempre, eso sí, acompañados por dos secundarias de lujo, la abuela del niño (Sigourney Weaver) y la madre (Felicity Jones).

Conor debe enfrentarse a todos sus miedos, un niño que pierde su infancia por culpa de la enfermedad de su madre un niño pequeño que debe crecer y madurar. Todas las noches a la misma hora un viejo Tejo viene a su casa para contarle extrañas historias que no logra comprender y que hace que todo le sea más confuso.

Bayona logra sacarnos del drama con estas historia, una bocanada de aire fresco con unas animaciones muy dignas del cine de Guillermo del Toro.

Toda la historia gira en torno a los problemas del chico, el bulling en el colegio, el drama familiar, el director español nos vuelve a deleitar con un drama maternal, eso sí, de una manera peculiar.

En el tema técnico, decir que se nota el trabajo impecable y realizado con mucho cariño, el monstruo es impresionante y los efectos especiales son dignos de mención.

La música, otro gran punto a favor, pues Fernando Velázquez logra arrancarnos la lagrima gracias a su banda sonora. El dolor y sufrimiento se padece gracias a este gran compositor y por supuesto a los actores.

Decir que Lewis MacDougall está espectacular, este crío apunta maneras. La ira, el miedo, el sufrimiento, todo nos lo demuestra con una mirada, sus lágrimas se hacen nuestras al representar tan bien su papel.

En general ‘Un monstruo viene a verme’ es una experiencia única, aunque admito que no es para todos los públicos, pues si has pasado o alguien cercano a ti, ha pasado por una enfermedad así, puede resultar una película muy dura.

Un gran trabajo de Juan Antonio Bayona, sin duda una de las mejores cintas que 2016 nos dejó en las salas de cine.

Ficha técnica

  Estreno en España: 7 de octubre 2016. Título original: Un monstruo viene a verme. Duración: 108 min. País: España. Director: J. A. Bayona. Guión: Patrick Ness (Novela Patrick Ness). Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Óscar Faura. Reparto principal: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriot, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay. Producción: Apache Entertainment / Telecinco Cinema / Participant Media / RiverRoad Entertainment / Películas la Trini. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

 

 Crítica: ‘Melanie. The girl with all the gifts’

Sinopsis

Clic para mostrar

El futuro cercano. La humanidad ha sido destruida por una enfermedad contagiosa que convierte a sus víctimas en carnívoros implacables. Solo un pequeño grupo de niños parece inmune a sus efectos. En una base militaren la Inglaterra rural, se estudia a estos niños, que   de pensar y sentir aún estar infectados, en la búsqueda de una cura. Melanie es una niña muy especial, que destaca del resto. Pronto decidirá su propio futuro y el de la raza humana.

Crítica

Una película bastante suculenta.

No dudéis en incluir esta película en vuestro menú cinematográfico. Carta, pero de humanos es lo que se ofrece en ‘Melanie. The girl with all the gifts’. La raza humana trata de no ser devorada por los “hambrientos”, un nuevo tipo de zombies. Pero tranquilos, esta no es una película que se centre en darnos casquería, pese a que tiene cierto sabor a ’28 días después’. De hecho, estas criaturas devoradoras de carne más que sangre presentan una especie de moho en sus cuerpos. En lo que se centra la película es en el debate moral y sentimental o en la condenación de la raza humana debido al surgimiento de una raza ¿superior?.

El filme está dirigido por Colm McCarthy, responsable de comandar el proyecto ‘Krypton’. Esta es una película que trata sobre el abuelo de Superman, está dirigida al mercado televisivo y producida por DC Entertainment y Warner Horizon Televisión. Pero no me voy a ir por las ramas. La base de este trabajo reside en la novela de M.R. Carey (guionista también de la película) que no he tenido el placer de leer pero que tiene su mismo argumento y me consta, que su mismo final. Si todo transcurre del mismo modo tanto en las páginas como en el largometraje podemos decir que ambos tienen más de una parte absurda. De hecho la escena final es inconsistente, pese a resultar ser chocante. No obstante la historia de deja ver y se pasa con agrado.

La peculiaridad a la que me refería cuando mencionaba que tenemos un nuevo tipo de zombies se debe al origen de la infección. En esta cinta se ha recurrido a los hongos, a un tipo de organismo que se adhiere a nuestro cerebro causando una reacción rabiosa en los seres humanos. Reacción que da lugar a guiños. Por ejemplo, a Melanie (Sennia Nanua) la llaman “Cujo” en un momento del filme, clara referencia al perro rabioso de la novela de Stephen King.

Merece la pena ver esta película por el planteamiento y el enfoque que se le da al tema zombie. Pero también por el reparto. Si, están nombres conocidos como Gemma Arterton (‘Hansel y Grete: Cazadores de brujas’), Paddy Considine (‘Macbeth’) o la gran Glenn Close (‘Guardianes de la Galaxia’). Pero el gran valor de este filme es una estrella en ciernes. Sennia Nanua recibió el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en la pasada edición del Festival de Sitges y no es de extrañar. Realiza una interpretación cambiante e intensa. Su parte de mérito tendrá Colm McCarthy que trabaja aquí con un buen grupo de niños sacando de ellos una feroz actuación.

Aunque suene a tópico hay que decir que la película tiene buena factura. Es una película de género que cuenta con un presupuesto de 4 millones de libras (frente a los 190 de ‘Guerra Mundial Z’ o los 8 de ’28 días después’, todo esto en dólares) y ofrece un acabado más que potable a nivel de diseño de producción, como de efectos especiales o de maquillaje.

Melanie nos ofrece zombies y algo de ciencia ficción. Al igual que en ‘Train to Busan’ se intenta aportar algún matiz diferente a los clásicos no muertos. Novedad es por ejemplo la existencia de nuestra protagonista y los niños con los que «convive». Ellos tienen la suerte o desgracia de no ser ni zombies ni humanos, ese es su gift (don) y no pienso decir más. Tenemos cine de género con mejor calidad que la de muchas superproducciones, y recientemente he podido decir esto en varias críticas, con gran satisfacción, dicho sea de paso.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2017. Título original: Melanie. The girl with all the gifts. Duración: 105 min. País: Reino Unido, EE.UU. Director: Colm McCarthy. Guión: Mike Carey. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Simon Dennis. Reparto principal: Sennia Nanua, Gemma Arterton, Paddy Considine, Glenn Close. Producción: Altitude Film Sales, BFI Film Fund, Poison Chef. Distribución: A Contracorriente Films. Género: ciencia ficción, terror, thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/647/melanie-the-girl-with-all-the-gifts/

Crítica: ‘Resident Evil: El capítulo final’

Sinopsis

Clic para mostrar

Nos encontramos inmediatamente después de los acontecimientos ocurridos en ‘Resident Evil: Venganza’. Alice (Milla Jovovich) es la única superviviente que puede salvar lo poco que queda de la raza humana en su lucha contra los muertos vivientes.

Ahora tendrá que regresar justo donde la pesadilla comenzó, a The Hive en Raccoon City, donde la Corporación Umbrella está reuniendo fuerzas antes del ataque final contra los últimos supervivientes del apocalipsis.

Crítica

Batiburrillo de zombies, clones y otros engendros.

Paul W.S. Anderson vuelve al frente de la saga ‘Resident Evil’. Él mismo dirigió la primera, cuarta y quinta entrega. Volvemos a ver una película suya después de la malograda ‘Pompeya’ de hace más de dos años. Es la sexta basada en el videojuego de la Capcom, la quinta se estrenó en 2012. Precisamente esa última nos llegó con el tagline de ‘Venganza’ y eso es lo que nos ofrecen de nuevo, aunque prácticamente desde el segundo filme la venganza es el hilo conductor. Seis películas, ya se ha estirado tanto el tema que al igual que el juego se ha convertido en un producto solo para verdaderos seguidores de esta franquicia. Y puedo adelantar que también es una obra mejor que más de una de sus predecesoras, tanto para propios como para ajenos.

La primera, e incluso me atrevo a decir que la segunda parte, tenían un ligero factor de terror. Pero cuando el escenario de las películas pasó a ser el mundo entero dejó claro paso a la acción. Como he dicho antes, aunque argumentalmente y en cuestión de personajes no sea así, la mecánica de película sigue los pasos del videojuego. El terror quedó de lado para dejar paso a un shooter en toda regla. La acción es la protagonista junto al personaje indiscutible de Milla Jovovich.

Como han pasado muchos años y no es una saga con la que todo el mundo esté al día tiene un preludio que repasa lo sucedido hasta ahora, de ese modo puede funcionar como película independiente. Continúa en Washington, justo donde terminó la anterior. Comienza bastante apocalíptica y acaba en el mismo marco que la primera entrega, pretendiendo así cerrar el círculo. Empieza trepidante, con criaturas apabullantes como los Kipepeos que vemos al final del quinto largometraje. Vuelve a los zombies y parece que poco a poco va a ir aumentando el nivel de las criaturas para finalmente terminar con dos bosses finales, como se dice en el mundo de los videojuegos. Por supuesto hay algún bichejo nuevo para el universo cinematográfico (cuenta con lo que parece un Iron Maiden), zombies, perros zombie, empleados de Umbrella… los enemigos de siempre.

En esta ocasión la historia nos da menos respiros. La han convertido en una carrera contrarreloj postapocalíptica. Se nota que cada vez cuesta más alargar esta saga y las ideas originales brillan por su ausencia, salvo tal vez un detalle revelado al final. Al fin y al cabo esto es cine palomitero y repite incluso esquemas manoseados tanto en el cine como en las videoconsolas.

Admito que me da algo de bajón al ver ‘Resident Evil’ y ver como cuarentonas como Jovovich y Larter están igual de jóvenes. La pena es que sigan igual de bisoñas al interpretar. Y hablando de juventud, tenemos a Ruby Rose hasta en la sopa. Desde ‘Orange is the new black’ está muy cotizada y la veremos en ‘xXx: Reactivated’, en ‘John Wick. Pacto de sangre’ y en ‘Meg’, películas de corte muy similar.

Parecía que se iba a cerrar la saga, de un modo bastante satisfactorio además, pero no. Y no es precisamente por que finalice con un momento cliffhanger. Podríamos aceptar pulpo como animal de compañía, pero esto no es lo que nos habían prometido. Aun así, si se materializa el cruce con ‘Underworld’ se me ocurren ideas para llevarlo a cabo, pero voy a dejar que sean los guionistas de esa disparatada ocurrencia los que nos sorprendan.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2017. Título original: Resident Evil: The final chapter. Duración: 106 min. País: EE.UU. Director: Paul W.S. Anderson. Guión: Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Li Bingbing, Ali Larter, Ian Glen, Shawn Roberts, Ruby Rose, Eoin Macken, Willian Levy, Fraser James, Rola. Producción: Screen Gems, Capcom Company, Capcom Entertainment, Constantin Film International. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, terror, ciencia ficción, videojuegos. Web oficial: http://www.evilcomeshome.com/

Crítica: ‘Billy Lynn’

Sinopsis

Clic para mostrar

‘Billy Lynn’, basada en la alabada novela superventas de Ben Fountain, está narrada desde el punto de vista del soldado de 19 años Billy Lynn (el debutante Joe Alwyn) quien, junto al resto de los soldados del pelotón Bravo, se convierte en un héroe tras una angustiosa batalla en Irak y lo llevan temporalmente de vuelta a casa para que realice una gira de la victoria. Por medio de flashbacks, que culminan en el grandioso espectáculo del descanso de mitad del partido de fútbol americano del día de Acción de Gracias, la película va desvelando lo que realmente le sucedió al pelotón y muestra el claro contraste entre la realidad de la guerra y las percepciones de los americanos.

Crítica

Cala hondo sin llegar a conmover.

El lenguaje visual de Ang Lee siempre ha sido gozosamente reconocible. La última vez que nos maravilló fue con ‘La vida de Pi’ pero antes ya nos dejó con la boca abierta gracias a películas como ‘Tigre y Dragón’. En esta ocasión emplea de nuevo los mejores avances (4K, 3D y HDR a 120 fotogramas por segundo) para ofrecernos un espectáculo en toda regla. A si es que buscad un cine que esté a la última para disfrutarla al máximo.

Pero ojo que ‘Billy Lynn’ no es solo calidad técnica. Está basada en un best seller que ha adaptado un guionista habitual de Ang Lee, Jean-Christophe Castelli. Expone como se frivoliza y se hace un circo mediático en torno a cualquier persona que pueda enfervorizar a las masas. Pero lo que la gente, el gran público, no suele tener en cuenta es que la historia que se cuenta y la que hay realmente detrás suelen tener muchas diferencias. Además se considera el trauma que pueden tener unos soldados que recientemente han estrenado su mayoría de edad. Y aunque no existiesen estos factores también profundiza en el hecho de que hay quien no desea convertirse en objeto de lo viral o en héroe a partir de una situación que no le desearía a nadie. Son muchos puntos a tener en cuenta pero el director taiwanés trata con solvencia todo este conjunto de cuestiones.

La calidad de la dirección de Lee es indiscutible. No obstante rechinan algunos planos escogidos, sobre todo en su inicio, resultan atópicos y como salidos de un neófito. La técnica para narrar la historia está bastante bien, aunque si hubiese mantenido algún tipo de misterio habría sido más impactante. Nos muestra la pantomima que tienen que soportar los militares mientras poco a poco avanza en su historia pasada a través de reminiscencias que le vienen al protagonista a la cabeza. Un protagonista encarnado por el debutante Joe Alwyn, un actor que apunta maneras.

Como peculiaridad une a rostros que no estamos acostumbrados a ver últimamente como Steve Martin o Chris Tucker en un género que tampoco es con el que han triunfado precisamente. Si que están otros nombres como Vin Diesel o Kristen Stewart de los que si nos llegan muchos trabajos en la actualidad. Ninguno de ellos realiza una actuación memorable, ya sea por su talento o porque el que realmente soporta el peso de la película es Alwyn.

Más que una sátira, parece pretender ser una denuncia social con todas las de la ley. La línea entre oportunistas y patriotas o entre amigos y hostiles se torna difusa gracias a esta película. Además la tecnología empleada la muestra marcadamente realista. Ang Lee mantiene su sentido y sensibilidad, sigue en su línea uniendo tragedia con comedia, una comedia casi imperceptible. Su película es afectiva y profunda hasta el punto de tener a Vin Diesel diciendo “te quiero” a unos soldados norteamericanos y no quedar mal. Emite su mensaje usando como recaderos a unos niños a los cuales se les pide que den su vida para defender un estilo de vida que no han tenido tiempo de disfrutar y menos de comprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de enero de 2017. Título original: Billy Lynn’s Long Halftime Walk. Duración: 110 min. País: EE.UU. Director: Ang Lee. Guión: Simon Beaufoy, Jean-Christophe Castelli. Música: Jeff Danna, Mychael Danna. Fotografía: John Toll. Reparto principal: Joe Alwyn, Steve Martin, Kristen Stewart, Garrett Hedlund, Vin Diesel, Chris Tucker, Beau Knapp, Ben Platt, Deirdre Lovejoy, Bo Mitchell, Bruce McKinnon, Randy Gonzalez, Christopher Matthew Cook, Ricky Muse, Ric Reitz. Producción: Sony Pictures, TriStar Pictures, Bona Film Group, Dune Films, Film4 / Ink Factory, The Marc Platt Productions, Studio 8. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, bélico. Web oficial: http://www.billylynn-movie.com/

Crítica: ‘Lion’

Sinopsis

Clic para mostrar

El pequeño Saroo, de cinco años, se pierde en un tren en el que recorrerá miles de kilómetros por la India, lejos de su casa y de su familia. Saroo tendrá que aprender a vivir solo en Calcuta, antes de que una pareja australiana lo adopte. Veinticinco años después, y contando tan sólo con sus recuerdos, una determinación inquebrantable y las posibilidades que le proporciona la herramienta de búsqueda Google Earth, comenzará a buscar a su familia perdida, para reencontrarse con ellos.

Crítica

Una crónica enternecedora e intensa.

Quién mejor que el protagonista de esta historia para contarnos lo que le sucedió. ‘Lion’ es una historia real, tremendamente actual y basada en la novela que escribió el propio Saroo Brierley. ‘A long way home’ es el título que él empleo para contar cómo tardó mucho tiempo en regresar a su hogar. Ante la actualidad de este potente relato no podemos cerrar ni nuestros ojos ni nuestro corazón.

Comienza con la infancia del protagonista que ha decidido abordar el director Garth Davis. Durante ella se explica el origen de este conmovedor suceso. Pero sobre todo se extiende en la demostración de que esta criatura las pasó realmente canutas. Vivió una aventura que puede consternar al corazón más fuerte. Deja claro que lo que aquí es una cosa de niños, algo que puede ser meramente anecdótico, en la India tiene todas las probabilidades de convertirse en desastroso y trágico. También remarca que la historia de Saroo es la historia de alguien que puede sentirse afortunado entre los infortunados. Tras una hora muy bien protagonizada por el debutante Sunny Pawar (que interpreta a Saroo de niño) llegamos por fin a la aparición de los nombres famosos del reparto.

Por supuesto durante toda esa mitad del filme he esperado el momento de ver a Dev Patel. Y no me ha defraudado, al contrario, ha superado mis expectativas con una soberbia interpretación. Su rol es el de alguien descorazonado y desesperado. A Patel le basta con una hora para emocionarnos. Aunque para ser justos hay que decir que Pawar y Davis le allanan mucho el camino. Pero suya es la puntilla, el toque que nos emborrona la vista con lágrimas.

Cuando veáis a Nicole Kidman con su pelucón dadla una oportunidad, que actúa muy bien y ya veréis al final por qué lo lleva. Antes de los créditos podemos ver emotivas imágenes reales, por supuesto con el auténtico Saroo, en las que vemos que esto se debe al look que lucía su personaje. En cuanto a su interpretación, refleja los diferentes buenos matices que puede poseer una madrastra y encarna bien a alguien luchador y de buen corazón. El envejecido David Wenham podría decir más de lo mismo, aunque el foco se centre menos en él. Roney Mara está casi de paso pero sigue demostrando ser mucho mejor que su hermana.

Por suerte las tecnologías han hecho que el mundo esté más conectado y accesible, en ocasiones como esta solucionan vidas enteras. Ojalá sirva para que páginas como la propia web del filme (http://lionmovie.com/) respondan ante la llamada de auxilio de muchas personas.

Por cierto, no os comáis la cabeza con el título, al final todo llega.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de enero de 2016. Título original: Lion. Duración: 120 min. País: Australia. Director: Garth Davis. Guión: Luke Davies. Música: Volker Bertelmann, Dustin O’Halloran. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Dev Patel, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui,Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka, Divian Ladwa. Producción: See-Saw Films, Screen Australia, Sunstar Entertainment, Weinstein Company. Distribución: Diamond Films. Género: drama. Web oficial: http://lionmovie.com/

Crítica: ‘Vivir de noche’

Sinopsis

Clic para mostrar

Lo que siembras, recoges. Pero nunca recoges lo que imaginas. Aceptar consejos paternales no va con Joe Coughlin. De hecho, este veterano de la Primera Guerra Mundial es un autoproclamado delincuente antisistema, a pesar de ser hijo del superintendente adjunto de la policía de Boston. No obstante, Joe no es completamente malo; ni siquiera es lo suficientemente malo para la vida que ha elegido. A diferencia de los mafiosos con los que se niega a trabajar, él tiene cierto sentido de la justicia y un corazón amable, y ambas cosas le juegan malas pasadas que le hacen vulnerable una y otra vez, tanto en los negocios como en el amor.

Joe, decidido a enmendar los errores cometidos contra sí mismo y contra los suyos, se adentra en un peligroso camino que va contra su educación y su propio código ético. Él y su osado equipo dejan atrás el frío invierno de Boston para acudir a la calurosa ciudad de Tampa. Allí Joe aprenderá que la venganza, aunque pueda resultar más dulce que la melaza con la que se produce el ron ilegal que vende, siempre tiene un precio.

Crítica

Fresca historia de mafiosos que no acaba de explotar.

Es difícilmente rebatible el hecho de que Ben Affleck tiene talento para escribir y dirigir películas. En esta segunda década del siglo XXI, tras más de 35 años interpretando, parece haber encontrado su camino. No es que quiera hacer de esta crítica algo monotemático sobre Ben Affleck, pero es que la dirige, produce, guioniza y protagoniza, ya lo ha hecho él. Está aprovechando la popularidad recuperada con ‘Batman v Superman’ y ahora están todas las miradas puestas en su ‘The Batman’. Se rumoreaba que ha dejado el guión de esta última y sería una lástima ya que a veces tiene no destellos, si no fogonazos que nos agradan como en esta ocasión.

Si habéis seguido sus películas habréis visto que cuando crea un personaje se preocupa por darle un trasfondo, en mayor medida si lo interpreta él. Es más, en ‘Vivir de noche’ se ha esmerado por construir una historia consistente y extensa, tanto que en algún momento se despista. Su protagonista tiene unas fuertes convicciones y una potente motivación. A lo largo de la cinta esos componentes que nos ha aportado se van diluyendo cediendo paso a una historia que va por otros derroteros. Es en los compases finales cuando la retoma, tal vez algo tarde como para que el espectador regrese a las sensaciones del principio.

Lealtad, principios, secretos, contrabando, peligro… Aún así nos ofrece una historia de mafiosos bastante potente. Ubica a sus personajes en un marco familiar para este género y poco después los traslada apropiadamente a un escenario más atípico. Seguramente lo que buscaba era salir de la atmósfera clásica del cine de gánsteres para así no caer en tópicos. No todo es mérito suyo pues el libreto está basado en una novela de Dennis Lehane. ¿¡No se le acaban los Best Sellers a Hollywood!? El epílogo es algo extenso y se acaba rizando demasiado. Desconozco si es a causa de ser fiel a la novela, pero en las obras escritas te encariñas más con los personajes y si suele apetecer algo más de material, aquí sobra.

No todo es Affleck. Elle Fanning, Brendan Gleeson, Chris Messina, Sienna Miller, Zoe Saldana o Chris Cooper entre otros cierran el reparto. Mujer fatal, hombre incorruptible, matones, capos, amantes… Un elenco más que competente para esos roles pero que queda a la sombra de su director por causas del guión.

Tengo entendido que en principio Warner habló con DiCaprio para actuar en ‘Vivir de noche’. El filme no posee ese giro de guión ni esas frases que hacen a las películas inolvidables, tal vez por eso la rechazó, a pesar de que si que ha permanecido como productor. A favor del largometraje hay que decir que se nota que es el trabajo de alguien que de verdad quiere contar una historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de enero de 2017. Título original: Live by night. Duración: 129 min. País: EE.UU. Director: Ben Affleck. Guión: Ben Affleck. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Ben Affleck, Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Anthony Michael Hall, Chris Messina, Titus Welliver, Chris Sullivan, Robert Glenister, Derek Mears. Producción: Warner Bros., Appian Way, Pearl Street Films. Distribución: Warner Bros. Género: drama. Web oficial: http://www.vivirdenoche.com/

Crítica: ‘Colonia’

Sinopsis

Clic para mostrar

Durante los años ´70 en Chile, una joven desesperada por encontrar a su novio secuestrado, se mete en la abominable Colonia Dignidad, una secta de la que nunca nadie ha logrado escapar.

 

  Crítica

Una historia que merece ser conocida.

Florian Gallenberger nos trae una historia bastante desconocida, al menos para mí y por lo que he comentado, bastante más gente.

El Golpe de Estado de Pinochet es la escusa para mostrarnos ‘Colonia’, un lugar donde los presos eran llevados para sacarles información y hacerles trabajar. dirigido por un alemán pederasta, perseguido en su país, nos enseñan como allí no solo se trabajaba, sino que a base de drogas y psicología hacían de Colonia Dignidad, un lugar donde la gente estaba encerrada en modo de secta.

El personaje de Daniel Brühl, es encerrado como preso político allí, y su pareja decide entrar para poder salvarle. En toda esta parte de la historia nos mostrarán lo complicado de la vida allí. Hombres, mujeres y niños separados totalmente sin poder verse. Diferentes castigos si el líder veía que se portaban mal, drogas para dormir, trabajos forzados…

Sin duda lo que más me ha gustado de esta cinta ha sido descubrir esta parte de la historia, sí, se sabe que muchos alemanes se marcharon a Sudamérica, pero no que siguieran haciendo atrocidades allí y esta es una de ellas. Lo que te muestra también la película, ya no es que hubiera un alemán al mando, sino que quizá ambos países, Chile y Alemania, estuvieran compinchados para que todo esto se llevara a cabo.

Las actuaciones son sencillas pero en ningún momento pierden la tensión que se vive dentro de los muros de la colonia. Además el tramo final de la película nos muestra un thriller, que sin duda, podrían haber llevado mejor, pero tampoco hace que la película pierda interés.

No os perdáis el final de la cinta, pues muestran imágenes reales y bastante información acerca de este lugar.

‘Colonia dignidad’ merece su visionado, un thriller sencillo, sin más pretensiones que mostrarnos una historia bastante desconocida. Disfrutadla.

Ficha técnica

Estreno en España: 20 de enero 2017. Título original: Colonia. Duración: 110 min. País: España. Director: Frorian Gallenberger. Guión: Florian Galleberger, Torsten Wenzel. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Kolja Brandt. Reparto principal: Emma Watson, Daniel Brühl, Michel Nyqvist, Julian Ovenden, Martin Wuttke, Vicky Krieps, Richenda Carey, August Zirner, Jeanne Werner Producción: Iris Productions/ Majestic Filproduktion / Rat Pack Filmproduktion. Distribución: Flins & Piniculas. Género: Thriller . Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=209

Crítica: ‘Beware the Slenderman’

 Sinopsis

Clic para mostrar

Es una historia centrada en un terrible crimen ocurrido en Wisconsin en 2014. Dos niñas de 12 años engañaron a una compañera para que las acompañara a un bosque, donde la apuñalaron hasta en 19 ocasiones, dejándola al borde de la muerte, y argumentando más tarde que lo hacían para rendir homenaje a Slenderman, un personaje nacido en Internet y convertido en una leyenda terrorífica en la Red. El documental explora el crimen y los motivos que subyacen, en especial los rincones más oscuros de la Red y su posible influencia en las mentes infantiles.

Crítica

Un hombre del saco del siglo XXI nacido en las redes.

HBO lanza con fuerza un documental sobre algo que preocupa en Estados Unidos y en otros países debido a su viralidad y difusión a través de las redes. Tal es la magnitud del fenómeno de Slenderman (hombre delgado) que surgió hace menos de 10 años y ya tiene videojuegos, documentales, multitud de obras audiovisuales realizadas por fans y por desgracia, crímenes asociados. Es uno de los Creepypasta (historias de terror compartidas en Internet) más famosos de hoy en día. En su momento fue tan famoso como otras historias surgidas desde la red de redes, algunas de ellas mostradas aquí también, como el Ice Bucket Challenge.

Lástima que no ahonde en demasía en el origen y efectos globales de este mito, se centra en exceso en el caso de Morgan y Anissa. Aunque gracias a este documento muchos aprenderán que todo se inició en el foro Something Awful. Un usuario que se hacía llamar Victor Surge publicó el primer montaje fotográfico con la figura espectral de Slenderman con la siguiente anotación: “No queríamos ir, no queríamos matarlos, pero su persistente silencio y sus extendidos brazos nos horrorizaban y nos confortaban al mismo tiempo… 1983, fotógrafo desconocido, dado por muerto”. A partir de entonces aparecieron simpatizantes y artistas que le siguieron el juego extendiendo como la pólvora esta leyenda urbana.

El rodaje de esta película es un tanto irregular. ‘Beware the Slenderman’ nos ofrece muchas ilustraciones, fotografías y vídeos generados para las redes. Pero principalmente nos ofrece la historia de los apuñalamientos perpetrados por Morgan Geyser y Anissa Weier, las cuales he citado antes. La directora Irene Taylor Brodsky (nominada al Oscar por ‘The final inch’) profundiza y hace ahínco en este caso con imágenes de los interrogatorios, juicios y testimonios de los familiares de estas niñas. Es mejor que veáis el largometraje si queréis ver cuán perturbadas estaban las mentes de estas criaturas, como ha afectado esto a sus familiares y como se ha desarrollado su caso. Lo terrorífico no está en la historia de Slenderman, sino en cómo dejamos que accedan los menores a ciertos contenidos de la red.

Beware the Slenderman, cuidado con el Slenderman, nos dice el título, y no precisamente con ese personaje en concreto, si no con el peligro que puede producir un mito como este. El documental es un consejo en sí para aquellos padres que permiten el uso de dispositivos con acceso a Internet a personas de escasa edad. Un aviso del peligro del mundo digital y una advertencia para que aquellos que tengan menores a su cargo velen por lo que hacen y dicen él.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de enero de 2017. Título original: Beware the Slenderman. Duración: 117 min. País: EE.UU. Director: Irene Taylor Brodsky. Fotografía: Nick Midwig. Reparto principal: documental. Producción: Vermilion Films. Distribución: HBO España. Género: documental, terror. Web oficial: http://www.hbo.com/documentaries/beware-the-slenderman

Crítica: ‘Loving’

Sinopsis

Clic para mostrar

La historia real de Mildred y Richard Loving, una pareja que se casó en Virginia en 1958. Debido a la naturaleza interracial de su matrimonio, fueron arrestados, encarcelados y exiliados. Durante una década la pareja luchó por su derecho a regresar a casa. Inspirado en el documental de la HBO ‘The Loving Story’, la historia está basada en los hechos reales.

Crítica

Mucho mensaje y sutileza.

‘Loving’ relata la vida del matrimonio interracial entre Richard y Mildred Loving, que se casaron en 1958 cuando en el estado de Virginia no se permitían las uniones entre blancos y negros. Para evitar ir a la prisión, se ven obligados a marcharse del estado durante la friolera de veinticinco años. Durante al menos una década, el matrimonio luchará por sus derechos civiles y conseguirán finalmente ser la parte esencial en la abolición de la prohibición de matrimonio interracial.

La película tiene un mensaje y un contexto histórico muy interesante, pero el desarrollo quizá es demasiado lento ya desde un principio. El estilo es muy visual, mostrando los detalles cotidianos, los paisajes, las expresiones de los personajes, etc, con una narrativa sutil. A veces quizá demasiado sutil, ya que apenas se presentan explicaciones del contexto histórico hasta que no llega cierto momento de la película, donde el ritmo acelera un poco por fin.

En cuanto a las interpretaciones de los protagonistas Joel Edgerton y Ruth Negga, ambos representan muy bien la personalidad de la gente de campo, sencilla, de pocas palabras, con amor por la libertad y la crianza al aire libre. Sin embargo, el hecho de decir pocas palabras afecta tanto a los protagonistas como al resto del reparto, en general la película trata de expresarse de modo tan visual que la mayoría de los diálogos consisten en un intercambio de escasas palabras y cambio de escenas rápido y constante.

Podríamos decir que la mejor parte es el último tercio, donde el asunto principal se acelera y el ritmo parece ser un poco más ameno, incluso con cierto toque de humor. La longitud de la película quizá es un poco excesiva para lo que necesitaba contar, pero finalmente Loving cumple su papel de dar a conocer a esta pareja que históricamente tiene tanta importancia para futuras parejas interraciales y nos da un punto de vista sutil de lo que sucedía en los años 60 y lo injusto de su situación. Cabe destacar, como último punto off topic, lo increíblemente curioso del hecho que la pareja se apellidase Loving, que en inglés significa «amando», siendo la pareja que defendió el derecho a su amor contra la injusticia ante el Tribunal Supremo de los Estados Unidos.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2016. Título original: Loving. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Jeff Nichols. Guión: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass, Bill Camp, David Jensen, Alano Miller, Sharon Blackwood, Chris Greene. Producción: Big Beach Films, Raindog Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, romance, hechos reales. Web oficial: http://www.focusfeatures.com/loving

Crítica: ‘Shin Godzilla’

Sinopsis

Clic para mostrar

Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Desafiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar la fuerza para superar estos desafíos.

Crítica

Una nueva visión y versión de Godzilla.

La productora Toho presenta su película número 31 de Godzilla creada como un nuevo reinicio de su saga.

Las últimas veces que vimos a nuestro monstruo mutante en pantalla grande fue en la versión norteamericana de 2014 en colaboración con la Warner Bros. y allá por 2004 fue cuando vimos la última hecha solamente por la Toho.

Mucho ha llovido en estos doce años y han pretendido darle un giro de tuerca rotundo. Nos esperábamos la típica película de Godzilla luchando contra otro kaiju o destrozando cualquier ciudad hasta no dejar ni un ladrillo compatible con piezas Lego. Y nos hemos sorprendido porque lo que nos encontramos es a un Godzilla de lo más científico posible y con el argumento centrado precisamente en el tratamiento del monstruo como una catástrofe a la que buscar solución.

Los artífices de la cinta están posiblemente influenciados por los desastres ocurridos en Japón en los últimos años, relacionados precisamente con energía nuclear. La película presenta una lucha titánica entre la burocracia japonesa actual a la hora de enfrentarse a un desastre y por supuesto a ese mismo desastre en movimiento. Este enfoque moderno era también de esperar pues los directores de ‘Shin Godzilla’ son los responsables de obras tan rompedoras como ‘Evangelion’ o ‘Ataque a los titanes’.

En la mitad de la película es bastante probable que uno se pierda entre el batallón de ministros, asesores, legisladores, normas y movimientos políticos sucedidos entre partidos, pero según se acerca a su final se vuelve más fluida.

Denota también una gran crítica a la intervención norteamericana en la política japonesa, recordándonos lo ocurrido al final de la Segunda Guerra Mundial.

Puede parecer lenta y algo tediosa en varios momentos pero simplemente porque supone el capítulo de presentación de una nueva era para uno de los monstruos gigantes más longevos del cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2017. Título original: Shin Godzilla. Duración: 120 min. País: Japón. Director: Hideaki Anno, Shinji Higuchi. Guión: Hideaki Anno. Música: Shirô Sagisu. Fotografía: Kosuke Yamada. Reparto principal: Satomi Ishihara, Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Akira Emoto, Kengo Kôra,Jun Kunimura, Ren Ohsugi, Mikako Ichikawa, Pierre Taki, Mark Chinnery. Producción: Toho Company, TFC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: fantástico, ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.shin-godzilla.jp/

Critica: ‘Underworld: Guerras de sangre’

Sinopsis

Clic para mostrar

Continua con la Vampire death dealer, Selene (Kate Beckinsale) tras eludir los brutales ataques que recibió de los licántropos y de los vampiros que la traicionaron.  Junto a su único aliado, David (Theo James) y su padre Thomas (Charles Dance), debe poner fin a la eterna guerra entre los hombres lobo y los vampiros, aunque eso signifique un último sacrificio.

Crítica

Del mismo corte que sus predecesoras.

Nueva entrega de ‘Underworld’, la quinta desde que arrancó la saga en 2003. En principio esta iba a ser la última pero ya adelanto sin entrar en detalles que puede que no, que haya más. Desconozco los compromisos de Kate Beckinsale pero la franquicia podría seguir viva, con o sin ella, o terminar con crossovers que ya se rumorean.

Sigue la guerra entre licántropos y vampiros. En esta ocasión también hay enfrentamientos entre vampiros, con facciones y regiones detalladas, puede que de ahí venga el título ‘Guerras de Sangre’. Por lo demás hay menos guerra que en ‘La rebelión de los licántropos’, aunque tenemos varias batallas a escala reducida y en interiores, son más bien escaramuzas. La trama sigue los esquemas y las pautas de las anteriores películas, en ese sentido no hay novedades.

Como siempre tenemos a una protagonista (Selene, Beckinsale) rodeada de enemigos que la introducen en una guerra de la que no desea formar parte. Por si no os había quedado claro que la saga Underworld lleva varias entregas atascada aquí tenemos otra muestra. Se nos ofrece lo de siempre: sangre, colmillos, balas y cuchillas. Por supuesto tenemos el fatality final al más puro estilo `Mortal Kombat’.

Se ha incorporado algún elemento nuevo, ¡faltaba más! pero con muy mal resultado. Siempre se ha procurado introducir nuevos ingredientes para esta receta sangrienta pero ya han entrado en el campo de lo estrambótico y lo rebuscado. Vampiros albinos místicos, un licántropo con complejo de Mr. Hyde… incluso Kate Beckinsale luce mechas californianas (no me culpéis a mí de dar esta información que aparece así en el cartel).

Anna Foerster se ha incorporado a la saga que en sus orígenes resultó ser una ligera imitación del juego de rol ‘Vampiro: La mascarada’. Ha sabido absorber tan bien el material ya publicado que ha realizado algo excesivamente semejante. Su trabajo en ‘Outlander’ está muy por encima de este. Nos ha brindado una película más para el montón de las que mezclan fantasía y acción, porque el terror brilla por su ausencia.

Sabemos que Kate Beckinsale puede hacer mejores interpretaciones, lo ha demostrado recientemente en ‘Amoy y Amistad’ o en ‘Absolutamente todo’. Si es esto lo que la gusta hacer hay que respetarlo, tiene su público, pero no debería perder de vista la calidad total de las películas en las que participa. Incluso Charles Dance, compañero suyo de reparto en otras películas, debería cuidar esto.

El filme en sí no nos aporta novedades que merezcan la pena comentar. Los interrogantes que serán más interesantes de resolver ahora son los que ya teníamos: ¿Será el final de la saga al igual que está anunciando con la franquicia ‘Resident Evil’? ¿Veremos finalmente un crossover con Beckinsale y Jovovich?

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2016. Título original: Underworld: Blood Wars. Duración: 91 min. País: EE.UU. Director: Anna Foerster. Guión: Cory Goodman. Música: Michael Wandmacher. Fotografía: Karl Walter Lindenlaub. Reparto principal: Kate Beckinsale, Theo James, Charles Dance, Bradley James, Lara Pulver, Tobias Menzies, Alicia Vela-Bailey, James Faulkner, Oliver Stark, Peter Andersson, Daisy Head, Brian Caspe, Dan Bradford, David Bowles, Clementine Nicholson. Producción: Lakeshore Entertainment, Screen Gems, Sketch Films. Distribución: Sony Pictures. Género: fantasía, terror, acción. Web oficial: http://www.underworldbloodwars-movie.com/

Crítica: ‘Spectral’

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando una fuerza de otro mundo siembra el caos en una ciudad europea devastada por la guerra, un ingeniero ayuda a los operativos especiales a intentar detenerla.

Crítica

Acción fantasiosa.

Propuestas como ‘Spectral’ hacen que merezca la pena el mercado de vídeo bajo demanda. Películas que a poco precio pueden ser disfrutadas en casa, aunque no por eso signifique que hablemos de obras maestras. Sabéis que la sinopsis que os compartimos aquí siempre es la oficial y publicada por la distribuidora de la película. En esta ocasión es un claro reflejo del resultado de la cinta. Parece que va a ofrecernos algo curioso pero finalmente resulta ser engañosa.

‘Spectral’ posee un transcurso, e incluso estética, que puede recordar al estilo de muchos títulos de la saga ‘Final Fantasy’. Es una historia de género fantástico, pero sobre todo de ciencia ficción. Procura intrigarnos y su comienzo es prometedor, pero a medida que avanza se desinfla e incluso cae en multitud de incoherencias. El guión es pobre y está plagado de redundancias o fases típicas.

Principalmente pierde puntos en sus dos “momentos Equipo A”. Cae en los tópicos de muchas películas de este tipo. Busca soluciones favorables a su protagonista causando un efecto de rechazo para aquel que pudiera estar satisfecho con la congruencia del inicio. Por ejemplo, queda patente que se adentra en campos de la física que ni los guionistas entienden ni han sabido emplear debido a la mezcolanza realizada, dando como resultado una verborrea de términos.

Si, nos aporta trajes, armas y escenas espectaculares. El CGI y la fotografía (obra de Bojan Bazelli, ‘El llanero solitario’, ‘The Ring’) están muy logrados. Incluso tiene toques originales que la diferencian de otras películas semejantes. Pero a causa del descuidado texto nos queda la impresión de que hemos visto un sencillo videojuego, y en ese caso habría sido mucho más satisfactorio jugarlo que verlo. La acción se come a las ideas. Su concepto resulta más interesante si se explica que si se ve.

Incluso la banda sonora alcanza simplemente a lo pasable y eso que es obra de Junkie XL autor de temas en títulos tan conocidos como ‘Animatrix’ o la más reciente ‘Batman v. Superman: El amanecer de la justicia’.

Esta no es una producción de poca monta ni tiene actores de capa caída. El presupuesto sobrepasa lo modesto y los actores más de lo mismo. Cuenta con James Badge Dale (‘Guerra Mundial Z’), Emily Mortimer (‘Shutter Island’), Bruce Greenwood (‘Star Trek’), Max Martini (‘Pacific Rim’), Clayne Crawford (serie ‘Arma Letal’) o Cory Hardrict (‘El francotirador’). Los guionistas han escrito libretos de películas como ‘Destino oculto’, ‘El ultimátum de Bourne’ o ‘Singularity’ por lo tanto cabría esperar algo más de calidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2016. Título original: Spectral. Duración: 108 min. País: EE.UU. Director: Nic Mathieu. Guión: Ian Fried, George Nolfi. Música: Junkie XL. Fotografía: Bojan Bazelli. Reparto principal: James Badge Dale, Emily Mortimer, Bruce Greenwood, Max Martini, Clayne Crawford, Cory Hardrict, Louis Ozawa Changchien, Jimmy Akingbola, Dylan Smith, Philip Bulcock. Producción: Legendary Pictures, Mid Atlantic Films, Netflix. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, acción, fantástica. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80098200

Crítica: ‘Silencio’

Sinopsis

Clic para mostrar

Segunda mitad del siglo XVII. Dos jóvenes jesuitas viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha renunciado a su fe. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia con que los japoneses reciben a los cristianos.

Crítica

Maravilla visual y espiritual. ‘ Silencio’ hace que salgas del cine totalmente eclipsado.

Martín Scorsese nos trae una historia desgarradora, una historia sobre la religión, no una guerra entre religiones, que es lo que puede parecer a simple vista, sino más bien una defensa de la fe, de las personas que realmente creen y procesan esa fe, hasta ser capaces de morir por ella.

Silencio, es una película dura, la manera de tratar la soledad es impresionante, la fe siempre está ahí, pero no se escucha nada, solo silencio, Scorsese te adentra tanto en ese sentimiento que hace que realmente lo pases mal, junto a los protagonistas de la película.

Cuando dos sacerdotes van en busca de su maestro a Japón, se encontrarán que no todo es tan bonito ni fácil como ellos creen, una cultura totalmente distinta a ellos, hace que pongan en duda hasta su fe.

El silencio de Dios, pues nuestros protagonistas andan perdidos y asustados y nunca les habla, el silencio de no poder mostrar su fe por miedo a la muerte, el silencio de una barca entre la niebla, el silencio de una celda o el silencio de las olas del mar. Todo esto es ‘Silencio‘, un gran reto, decidir rendirse o seguir adelante con las creencias.

La película nos muestra una verdadera maravilla cinematográfica, el uso de la fotografía, mostrándonos los paisajes extraño a los que se enfrentan nuestros dos protagonistas, los detalles más pequeños para que entendamos que no están en su mundo. Aparte de la música, muy tenue, apenas la escuchas, porque tampoco la necesitas. Lo realmente importante en esta cinta es el sonido de la naturaleza, para demostrarnos lo solos que están los dos sacerdotes.

Andrew Garfield está perfecto, con una actuación contenida y desgarradora, la escena del mar en la que vemos todo su dolor reflejado en sus ojos, me parece impresionante. Adam Driver está estupendo, su papel es pequeño, pero importantísimo en la historia y lo resuelve de una manera brillante.

A la mitad de la cinta, se puede decir que la película pierde un poco el ritmo, se estanca demasiado en las dudas y en los pensamientos del padre Rodrigues (Andrew Garldfield), pero de nuevo recupera todo al entrar en acción el Inquisidor japonés, Issei Ogata, sus conversaciones son un aire fresco a todo el sufrimiento que vamos viendo durante toda la película. Su punto álgido llega de la mano de Liam Neeson, que hace que la trama se precipite hasta el desenlace.

‘Silencio‘ es una oda a estos religiosos que sufrieron las prohibiciones de poder procesar su fe, pero no solo eso, es un tema bastante actual, donde las religiones se cruzan y nadie da el brazo a torcer. Scorsese nos enseña los mártires que viven y han vivido en silencio, escondidos y procesando su fe fuera de los ojos del opresor.

Lo que realmente me ha sorprendido que no haya ninguna nominación en los Globos de Oro para esta película, pues realmente merece bastantes menciones, esperemos que en los Oscar no se olviden de ella.

Ficha técnica

  Estreno en España: 6 de enero 2017. Título original: Silence. Duración: 159 min. País: EE.UU. Director: Martin Scorsese. Guión: Jay Cocks, Martin Scorsese (Novela: Shusaku Endo). Música: Kim Allen Kluge, Kathryn Kluge. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Tadanobu Asano, Shin’ya Tsukamoto, Ryô Kase, Sabu, Nana Komatsu, Wôsube Kubozuka, Yoshi Oida, Issei Ogata, Ten Miyazawa. Producción: Cappa Defina Productions/ Cecchi Gori Pictures/ Fábrica de Cine/ SharpSword Films/ Sikelia Productions/ Verdi Productions/ Waypoint Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: Drama, religión . Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/silencio

Crítica: ‘De-Mentes criminales’

Sinopsis

Clic para mostrar

En esta comedia de acción basada en hechos reales, David Ghantt (Zack Galifianakis) descubre el verdadero sentido de la aventura mucho más allá de sus sueños más salvajes. Él es un hombre sin complicaciones, atrapado en una vida monótona. Cada día conduce un vehículo blindado, transportando millones de dólares de otras personas, sin perspectivas de mejora a la vista. El único atisbo de emoción es su amor platónico, Kelly Campbell (Kristen Wiig), su compañera de trabajo, quien pronto le cambiará los esquemas de su vida.

Junto a un grupo de delincuentes con «pocas luces», liderado por Steve Chambers (Owen Wilson) y con un plan absurdo, David logra lo imposible y se hace con 17 millones de dólares en efectivo…

Crítica

Cuando la monotonía te hace perpetrar el robo más grande de Estados Unidos.

Basada en hechos reales, donde un hombre que trabaja para una empresa de furgones blindados, decide robar uno, al compincharse con una banda de malhechores y la chica de la que está enamorado.

Teniendo en cuenta que el tipo de humor de comedia americana no es muy de mi agrado, admito que me he reído en más de una ocasión y la historia me ha tenido enganchada.

La película nos presenta a David Ghantt, el cual lleva una vida mediocre. David nos cuenta que en realidad se metió a trabajar como conductor de furgones para vivir aventuras, una de sus mayores ilusiones era que alguna vez le amenazaran, le robaran y poder reaccionar, vivir.

Sí, puede ser un poco descabellado, no lo niego, pero es algo que puede ser muy real, la monotonía puede suponer vivir como un muerto viviente y David se conformaba absolutamente con todo lo que le trae la vida, incluida su futura esposa. El personaje de Kate Mckinnon es, como decirlo, muy especial, una mujer rara, pero rara de verdad, aparece poco en la cinta, pero el momento en el que te la presentan es muy bueno.

Los verdaderos liantes y cabezas pensantes de este atraco son Kristen Wiig, que es la chica explosiva de la que se enamora David y Owen Wilson, el que quiere la pasta. No sobresalen en la actuación, hacen sus papeles sin complicaciones y con sus gracias de siempre.

Otra mención especial es para Jason Sudeikis, que hace de un sicario un tanto extraño y que al final cae simpático y todo.

De-mentes criminales no es una gran película, no es una cinta donde vayas a salir con una gran moraleja o te vaya a repercutir en la vida, pero sí que te va a hacer reír. Muchas veces es lo más importante.

Una cinta donde no hay que ir a pensar, simplemente sentarse y reír. Disfrutar de 94 minutos de la típica comedia de cine americano.

Ficha técnica

Estreno en España: 4 de enero 2017. Título original: Masterminds. Duración: 94 min. País: EE.UU. Director: Jared Hess. Guión: Chris Bowman, Hubbel Palmer y Emily Spivey. Música: Geoff Zanelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Zach Galifianakis, Kristen Wiig, Owen Wilson, Jason Sudeikis, Devin Ratray, Ken Marino, Mary Elizabeth Ellis, Jon Daly, Kate McKinnon, Rhoda Griffis, Kevin J. O´Connor, Leslie Jones, Damiel Zacapa. Producción: Relativity Media/ Broadway Video/ Michaels-Goldwyn. Distribución: Tripctures. Género: Comedia. Web oficial: http://mastermindsmovie.tumblr.com/

 

Crítica: ‘Monster trucks’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tratando de evadirse de la vida y el pueblo en los que se encuentra atrapado desde que nació, Tripp (Lucas Till), un estudiante de último curso de instituto, construye un Monster Truck a partir de piezas y restos de coches de desguace. Después de un accidente en un yacimiento cercano en el que se estaban realizando perforaciones en busca de petróleo, aparece una extraña criatura subterránea con pasión y habilidad para la velocidad. Así, Tripp descubre que puede haber encontrado la clave para escapar del pueblo… y al más inesperado de los amigos.

Crítica

Destinada a ser un entretenimiento meramente infantil.

‘Monster Trucks’ es una de esas películas ideales para ver disfrutando a los más pequeños de la casa. Nickelodeon y Paramount Pictures se vuelven a unir para esta segunda aventura de animación mezclada con acción real realizada por los estudios de animación de la Paramount. Esta es una cinta que está claramente dedicada a un público infantil por diversos motivos.

Posee constantes inconsistencias y un guión de lo más pueril. Según progresa la historia y parece que el argumento va a madurar nos llevamos un chasco. Hay que recordarse constantemente que es para niños, que no va a haber ni una sola reflexión profunda. La relación humano monstruo nos puede recordar a ficciones como ‘Transformers’ o ‘Mi amigo Mac’. Un joven, por supuesto inadaptado y con complejo de Luke Skywalker, conoce a una criatura extraordinaria que le cambia la vida, algo de lo más manido. Por supuesto están los típicos aguafiestas y la chica con la que se intuye como va a acabar todo.

Por lo demás tenemos una gran dosis de coches norteamericanos, de personajes estereotipados y de frases a destiempo. Mucha aventura y muchas persecuciones, dicho sea de paso. También he de decir que más expresión machista. El CGI es bueno. Las criaturas tentaculares de las profundidades que se nos presentan parecen una especie de hijos de Cthulhu, pero de buen royo.

No cabe esperar encontrar grandes interpretaciones. Lucas Till, el Havok de las nuevas entregas de X-Men, posee poco carisma y lleva de un modo bastante débil el protagonismo de la cinta. No comprendo la incorporación de Danny Glover para un personaje tan irrelevante ni las sobreactuaciones de Barry Pepper y Jane Levy.

Una película que solo puede considerarse como un entretenimiento insustancial e ingenuo. Chris Wedge estuvo más acertado con trabajos animados como ‘Ice Age: La edad de hielo’ o ‘Robots’. Los niños y niñas que quieran ver bichos simpáticos y coches a toda mecha destrozando todo a su paso la disfrutarán. Probablemente tenga mejor acogida en la televisión que en los cines.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2017. Título original: Monster Trucks. Duración: 104 min. País: EE.UU. Director: Chris Wedge. Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Derek Connolly, Matthew Robinson. Música: David Sardy. Reparto principal: Lucas Till, Jane Levy, Amy Ryan, Rob Lowe, Thomas Lennon, Barry Pepper, Danny Glover, Frank Whaley. Producción: Disruption Entertainment, Paramount Animation, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: http://www.monstertrucksmovie.com/

Crítica: ‘Comanchería’

 Sinopsis

Clic para mostrar

Tras la muerte de su madre, dos hermanos organizan una serie de atracos, eligiendo solo distintas sucursales del mismo banco. Solo les quedan algunos dí­as para evitar el desahucio de su propiedad familiar y pagar al banco con su propio dinero. Tras ellos, un Ranger cerca de retirarse y su segundo, están decididos a atrapar a los ladrones.

Crítica

El western sigue vivo.

‘Comanchería’ nos llega bajo ese título sustituyendo al original, ‘Hell or High Water’. ‘Contra viento y marea’ habría sido más literal y fiel pero ‘Comanchería’ también nos aproxima al género al que pertenece esta película. Además en este título va implícita la razón del devenir del filme. La película de David Mackenzie (‘Convicto’) resulta aceptable como thriller, fuerte como drama y potente como western moderno y fronterizo.

El lejano oeste es el marco de esta historia de bancos, atracadores y rangers. Mackenzie se ha unido a Taylor Sheridan (‘Sicario’) para ofrecernos una película que si bien no ofrece grandes dosis de intriga está acompañada de un ambiente peligroso y turbio. Está cargada de la idiosincrasia y de la más arraigada de las tradiciones texanas. Si no fuese por elementos modernos como los coches, el asfalto, las armas de repetición, los teléfonos móviles… pensaríamos que estamos ante un clásico del far west.

Junto a un guión plagado de chistes vejatorios y conversaciones dignas de enmarcar tenemos una suerte de buddy movie. Experimentamos el destino de dos parejas de personajes, radicalmente diferentes los unos de los otros y que conservan estrechos lazos. La situación de los dos hermanos y el panorama que se muestra en su recorrido de banco a banco le sirve a ‘Comanchería’ para hacer una dura crítica a la situación económica del país. De hecho es como si dos cowboys viniesen a resolver el problema de las preferentes en España.

Chris Pine está de moda y aquí podemos ver una facción distinta de las que generalmente muestra. Pero Ben Foster ha realizado una interpretación mucho más constructiva desde el temperamento destructivo de su personaje. Y por supuesto Jeff Bridges destaca por hacer uso de unos matices que tiene controladísimos, los de bromista cargante que está de vuelta de todo y al cual no hay quien le sople. Ellos tres son grandes actores que anteriormente ya nos han dado mayúsculas actuaciones, pero se nota que la mano de Mackenzie está presente para llevarles a un confín diferente.

Renovar géneros es uno de los grandes retos del cine actual, Mackenzie y Sheridan lo logran con solvencia y soltura.

Por cierto, algunos aficionados al western reconocerán a un actor que aparece en la primera escena. Buck Taylor un experto en figurar en películas o series de semejante género, como ‘Bonanza’, ‘Los Monroe’, ‘La ley del revólver’, ‘Wild wild west’ o ‘Cowboys y aliens’.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Hell or High Water. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: David Mackenzie. Guión: Taylor Sheridan. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Giles Nuttgens. Reparto principal: Ben Foster, Chris Pine, Jeff Bridges, Gil Birmingham, Dale Dickey, Joe Berryman, Taylor Sheridan, Buck Taylor, Kristin Berg, William Sterchi, Debrianna Mansini, Alma Sisneros. Producción: CBS Films, Sidney Kimmel Entertainment, Oddlot Entertainment, Film 44, LBI Entertainment, Oddlot Entertainment production. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, western, thriller. Web oficial: http://www.hellorhighwater.movie/

Crítica: ‘Vuelta a casa de mi madre’

 Sinopsis

Clic para mostrar

A sus 40 años, Stephanie se ve obligada a regresar a casa de su madre. Ella la recibe encantada pero lleva una vida independiente y tener a su hija en casa es una complicación. Las dos tendrán que armarse de paciencia en esta nueva etapa juntas. Bienvenido a un mundo de alto riesgo: la familia…

Crítica

El infortunio siempre puede verse de otra manera.

Para todos debe ser un palo tener una vida planeada o en marcha y que por circunstancias de la vida hubiese que volver al hogar materno, que recular en nuestras expectativas y empezar de cero. Pero si esto sucede a los cuarenta años y en el marco de la crisis laboral europea puede ser aún más demoledor.

A pesar de tan aciago planteamiento el director Eric Lavaine (serie ‘H’) junto con el también guionista Héctor Cabello (‘El concierto’) han elaborado una película graciosa con muchísimas conversaciones, más que situaciones, cómicas. El marco de la Europa plagada de desempleados no es tan funesto después de ver una película como esta. Es un empujón, un bálsamo para aquellos que se puedan encontrar en una situación semejante. El director demuestra por qué venden tanto sus guiones en Francia y ha ido a lo seguro contando con actrices talentosas como Alexandra Lamy (‘Con todas nuestras fuerzas’) y Jasiane Balasko (‘Los bronceados’). Y para ir aún más con pies de plomo, emplea el mismo método de los monólogos televisivos, plasmar situaciones reales y cotidianas que pueden resultar chistosas. Principalmente abundan los malentendidos relacionados con la edad y con estar actualizado.

En ‘Vuelta a casa de mi madre’ tenemos a una madre sofocante que rehace su vida sin que sus hijos se enteren, una parada de las que se hartan de oír eso de «estas sobrecualificada» y unos hermanos que parece que se ocupan a distancia de su familia. Al principio parece que la única protagonista importante que vamos a tener es la hija (Lamy) pero poco a poco la madre (Balasko) le roba presencia e importancia. Ambas actúan casi inmejorablemente bien pero el carácter del personaje maternal se lleva casi todas las carcajadas, sin ella no habría película obviamente. Existe un tercer protagonista en discordia, la casa. Casi toda la película transcurre en esa localización y da juego para más de un diálogo.

Podemos quedarnos con que esta es una crítica en clave de comedia a la situación laboral de muchas personas con título universitario pero también es una petición para que todos nos entendamos con nuestros más allegados, sobre todo ahora que se acercan fechas plagadas de reuniones y cenas familiares.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre 2016. Título original: Retour chez ma mère. Duración: 97 min. País: Francia. Director: Eric Lavaine. Guión: Eric Lavaine, Héctor Cabello Reyes. Fotografía: François Hernandez. Reparto principal: Josiane Balasko, Alexandra Lamy, Mathilde Seigner, Alexandra Campanacci, Jérôme Commandeur, Nathan Dellemme, Pascal Demolon, Philippe Lefebvre, Cécile Rebboah. Producción: Pathé, Same Player, Scope Pictures, TF1 Films Production. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/631/vuelta-a-casa-de-mi-madre/

Crítica: ‘Passengers’

 Sinopsis

Clic para mostrar

Jennifer Lawrence y Chris Pratt son dos pasajeros a bordo de una nave espacial camino de una nueva vida en otro planeta. El viaje cobra un giro letal cuando sus cápsulas de hibernación misteriosamente los hacen despertar 90 años antes de alcanzar su destino. Al tiempo que Jim y Aurora intentan averiguar el misterioso motivo que se esconde tras el fallo ocurrido, incapaces de negar su intensa atracción, empiezan a sentir algo el uno por el otro… aunque bajo la amenaza del inminente colapso de la nave y el descubrimiento de la verdad que se esconde tras su súbito despertar de la hibernación.

Crítica

Un par de galácticos se enfrenta con solvencia al vacío del espacio.

‘Passengers’ nos sumerge en una aventura espacial que no resulta sorprendente pero que si nos cautiva, interesa y sobrepasa lo meramente entretenido. Comienza como una buena pieza de ciencia ficción que a priori podría recordar a ‘El jardín de Rama’ (incluso la nave se llama como una ciudad de esa novela). Pero no, es una epopeya espacial diferente que en su segundo tramo se convierte en un romance. Esa historia de amor no deja de tener de fondo el componente futurista con tintes de thriller. Finalmente, para su tercera parte, introduce un componente que desluce la cinta y que nos devuelve a la ciencia ficción, dejándonos al menos algo de aventura.

Existe algún punto de la película que quizá habría que haberlo resuelto de un modo diferente. Pero como norma general Morten Tyldum (‘The imitation game’) se mueve con solvencia dentro de este género y sabe jugar con las herramientas que junto a Jon Spaihts (‘Prometheus’) ha dispuesto. A parte del escenario fantástico nos ofrecen una situación desesperada acompañada de un dilema moral. Pese a que no se explota hasta el extremo esa disyuntiva consiguen que el espectador tenga un debate interno y no sepa con quien simpatizar.

Resulta que Lawrence y Pratt hacen buena pareja en pantalla. Son dos talentos jóvenes muy de moda que me gustaría ver en un ambiente diferente y que, aunque aquí no tengan su mejor interpretación, realizan un trabajo correcto. No llegan a tener la química que describirnos hace poco entre Pitt y Cotillard en ‘Aliados’ pero forman un buen dueto. Tanto Pratt como Lawrence demuestran ser más que unos iniciados en el mundo de la acción y la aventura.

Lo que puede llamar más la atención de ‘Passengers’ es la acertada escenografía y su diseño de producción. La ambientación nos transporta a una nave que en unas ocasiones rememora al videojuego ‘Mass Effect’ y en otras lo hace claramente a ‘2001 una odisea en el espacio’. Precisamente el argumento puede transportarnos también a ese clásico filme ya que los humanos tienen que enfrentarse a los problemas que les ocasiona la tecnología de la nave.

Sin querer equiparar ambas películas vuelvo a referenciar a ‘Aliados’ ya que ambas juntan a dos grandes estrellas como prácticamente únicos protagonistas. El filme de Zemeckis tenía un final muy valiente para una película comercial, ‘Passengers’ no tiene esa virtud.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Passengers. Duración: 106 min. País: EE.UU. Director: Morten Tyldum. Guión: Jon Spaihts. Música: Thomas Newman. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Inder Kumar,Jamie Soricelli, Vince Foster, Julee Cerda, Robert Larriviere, Barbara Jones. Producción: Columbia Pictures, Lstar Capital, Village Roadshow Pictures, Original Film, Company Films, Start Motion Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: http://www.passengersmovie.com/

Crítica: ‘Assassin’s Creed’

Sinopsis

Clic para mostrar

Gracias a una revolucionaria tecnología que desbloquea los recuerdos genéticos, Callum Lynch (Michael Fassbender) vive las aventuras de su ancestro, Aguilar de Nerja, en la España del siglo XV. Callum descubre que es el descendiente de una misteriosa sociedad secreta, los Assassins, y que posee increíbles conocimientos y habilidades que le permitirán enfrentarse a la poderosa y opresora organización de los Templarios en el presente.

Crítica

Una apropiada historia alternativa.

Como amante de los videojuegos, pero no como jugador de esta saga, puedo decir que ‘Assassin’s Creed’ no es tan mala como ‘Doom’ ni tan evocadora como ‘Silent Hill’, por ejemplo. Si hay que darle un nivel de satisfacción podría arriesgarme a decir que será algo superior al de ‘Tomb Raider’. La historia rememora a los juegos y tiene elementos de ellos. Nos introduce correctamente en una trama con ciencia ficción y fantasía, igual que el juego. Pero se pierde a causa de estar centrada en marcar un punto de partida para una saga cinematográfica en vez de subirnos a un tren puesto ya en marcha por el mundo de los videojuegos.

Principalmente nos queda la sensación de que grandes figuras de la interpretación como Michael Fassbender, Marion Cotillard o Javier Gutiérrez están aquí desaprovechados. Si se hubiese confiado más o dado mayor presencia al reparto que aporta España la película habría cambiado para mejor. También cuenta con Carlos Bardem, Jeremy Irons o Denis Ménochet al cual recordaréis seguro de la primera escena de ‘Malditos Bastardos.

El guión de esta película producida por el propio Fassbender está bien documentado, tanto en el sentido de la obra de Ubisoft como en el del pasado español. Se muestra por ejemplo una obra que representa las hogueras que se llevaban a cabo en Madrid, se amolda bien a la época de la reconquista, nos ofrece lugares reconocibles del Madrid actual como el Estadio Vicente Calderón… Pero comete errores como dotar de un vestuario excéntrico a muchos extras e incluso de maquillar estrafalariamente a Isabel la Católica. También falla en detalles como la bandera que lucía España por entonces.

Y es que el diseño de producción resulta atractivo, pero algo inexplicable. No tenemos exactamente una recreación exacta de alguna de las entregas de la saga de videojuegos, pero si una estética llamativa. La cuestión que le resta notoriedad es que todas las ciudades presentan un exceso de polvo y humo. Esto desluce el resultado de la obra visual, como si se hubiesen querido ahorrar tiempo y dinero al recrear las localizaciones.

Arte visual al margen. ‘Assassin’s Creed’ nos ofrece un digno entretenimiento cuyo ritmo se dispara cada vez que llega una regresión. La película se encamina hacia una búsqueda de un artefacto pero se despista con la espectacularidad y la acción. No son tan vistosas como deberían las coreografías de los combates aunque algo si las de las persecuciones, con ese parkour medieval que hizo famoso al juego. No es una carrera por encontrar un artefacto al estilo de ‘La búsqueda’ o el ‘Código Da Vinci’ precisamente. La manzana, o cómo podríamos decir mejor, la bola de petanca, es un elemento secundario que se encuentra en el camino del personaje de Fassbender.

El director Justin Kurzel se trajo a su equipo de ‘Macbeth’ para una película de códigos muy diferentes. Esta vez apunta a saga, por lo menos a trilogía. Tanto su resultado final como el tirón en taquilla que tendrá gracias a sus actores y a los seguidores del videojuego seguro que nos garantizará una segunda entrega, por lo menos. De momento hay talento desaprovechado en una adaptación bastante potable que tendrá detractores y admiradores por igual.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de diciembre de 2016. Título original: Assassin’s Creed. Duración: 108 min. País: EE.UU. Director: Justin Kurzel. Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Adam Arkapaw. Reparto principal: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Ariane Labed, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Charlotte Rampling, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Matias Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali,Javier Gutiérrez, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso. Producción: 20th Century Fox, Regency Enterprises, DMC Film, Ubisoft. Distribución: 20th Century Fox. Género: videojuegos, aventura, ciencia ficción. Web oficial: http://www.fox.es/assassins-creed

Crítica: ‘Las inocentes’

 Sinopsis

Clic para mostrar

Un monasterio cerca de Varsovia (Polonia) alberga un oscuro secreto.

Mathilde Beaulieu es una joven médico enviada por la Cruz Roja con el fin de garantizar la repatriación de los prisioneros franceses heridos en la frontera entre Alemania y Polonia. Pero la sorpresa llega cuando descubre que una gran parte de las hermanas del convento están embarazadas por soldados del Ejército Rojo.

Aunque Mathilde es inexperta, deberá aprender a sacar adelante esta inusual situación y ayudar a las hermanas.

Crítica

Inocencia perdida involuntariamente.

Tenemos ante nosotros una película femenina pero no necesariamente feminista. ‘Las inocentes’ no va de ese palo. Hay que ser más amplios de entendederas para no caer en presuponer que una película con un equipo tan repleto de mujeres no busca revindicar nada por esas vías. Título, directora y protagonistas pertenecen al género femenino. Un equipo artístico casi sin hombres en el que Anne Fontaine (Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’) reúne a actrices como: Lou de Laâge (‘La espera’), Agata Buzek (‘Redención’), Agata Kulesza (‘Ida’) o Joanna Kulig (‘Hansel y Gretel: Cazadores de brujas’). Un reparto que si bien no es muy conocido en España, os las he tenido que ubicar con alguna de sus películas, resuelve satisfactoriamente la papeleta que les ha tocado. Aunque también habría que puntualizar que la mayoría de las interpretaciones están muy contenidas, en exceso. Las monjas de ‘Las inocentes’ son estrictas con sus votos y temperamento, pero el resto de personajes no debería presentar si misma apatía. Aun así Fontaine logra mostrarnos que cada una se encuentra en una tesitura resuelta de diferentes maneras, pero en ningún caso del modo visceral que requería el filme.

Como he dicho antes esta película no reivindica, si no que nos instruye sobre algo sucedido y nos plantea un dilema ético/religioso. Se pone sobre la mesa un enfrentamiento entre fe y naturaleza humana. ¿Qué debe primar, el deber religioso contraído al vestir el hábito o el biológico de toda mujer que va a ser madre? Es una historia de tantas que nos han contado y de tantas que quedaran por conocerse sobre las consecuencias de las guerras acaecidas en el siglo XX, pero presenta ese matiz controvertido. Un relato que sorprende por el simple hecho de estar basado en hechos reales. Su mensaje es cautivadoramente emocionante.

La historia se narra y se puede resumir en mucho menos de lo que dura la cinta. Posiblemente lo más apreciable de ‘Las inocentes’ sea el dilema que se le presenta a las religiosas y el cómo se enfrentaron a él tanto ellas como la doctora que las ayudó. Es por lo tanto un enfrentamiento entre ideas, un duro contraste. Choca el frío y estéril ambiente del convento que tenemos durante toda la película contra la cálida y viva imagen del final. De este modo, y pese a irse alguna vez por las ramas, la directora nos ofrece su opinión y su punto de vista respecto a este suceso histórico que hemos de considerar más dramático que anecdótico.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de diciembre de 2017. Título original: Les inocentes (Agnus Dei). Duración: 115 min. País: Francia, Polonia. Director: Anne Fontaine. Guión: Sabrina B. Karine, Pascal Bonitzer, Anne Fontaine, Alice Vial. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Joanna Kulig, Lou de Laâge, Agata Buzek, Agata Kulesza, Anna Próchniak, Vincent Macaigne, Katarzyna Dabrowska. Producción: Mandarin Films, Aeroplan Films, Mars Films, France 2 Cinéma, Scope Pictures. Distribución: Caramel Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/las_inocentes

Crítica: ‘La comuna’

Sinopsis

Clic para mostrar

Erik, un profesor de arquitectura, hereda el viejo caserón de su padre al norte de Copenhague. Su esposa Anna, una conocida presentadora de televisión, le sugiere que inviten a sus amigos a vivir con ellos. Con esto espera alejar el aburrimiento que ha empezado a infiltrarse en su matrimonio. Muy pronto, unos cuantos de ellos se instalan en la casa. Se toman decisiones en común, se habla de todo y se discrepa en mayor o menor grado debido a sus idiosincrasias. Pero el frágil equilibrio amenaza con romperse cuando Erik se enamora de Emma, una alumna suya, que se muda a la casa.

Crítica

Esta nueva película de Thomas Vinterberg sigue los pasos de ‘Celebración’ y ‘La caza’ pese a que formen parte de dos etapas distintas en la trayectoria del director. Se acerca más a ‘Celebración’ pues empiezan con una buena noticia que acaba derivando en una catarsis final llena de tristeza que se convierte en ceniza en la boca, como diría Tyrion Lannister.

Trata de cómo un matrimonio, más menos acomodado pero ya entrado en rutina, hereda la casa familiar paterna y en vez de venderla o usarla deciden montar un conglomerado de amigos en plan comuna. Deciden hacerlo para darle un nuevo aire a su vida pero la convergencia de las personalidades de cada uno, la escasa capacidad monetaria de los compañeros y el distanciamiento del matrimonio original, hacen que acabe haciendo aguas.

La historia de la ruptura del matrimonio y como deben de aprender a vivir el futuro cada uno está bastante acertada. Capta genialmente el grado de locura o el camino al autoengaño en el inicio del filme. Y como puede todo llevar a las personas a enfrentarse a su propia locura o apagarse en esa lucha en el tramo final de ‘La comuna’.

El mayor peso de la película lo lleva el dúo que forman los menores de la comuna, Freja y Vidja, y sobre todo la mujer, Anna, una Trine Dyrholm sin la que la mitad del largometraje se volvería algo gris. También vemos como miembro de la comuna a Fares Fares, conocido por las películas del Departamento Q, pero en esta ocasión está relegado a un papel mucho más secundario.

No es una película con un gran guión ni grandes medios pero si llena de los sentimientos que el director desea retratar.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2016. Título original: Kollektivet. Duración: 107 min. País: Dinamarca. Director: Thomas Vinterberg. Guión: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg. Música: Fons Merkies. Fotografía: Jesper Tøffner. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm, Martha Sofie Wallstrøm Hansen, Helene Reingaard Neumann, Lars Ranthe, Fares Fares, Julie Agnete Vang, Lise Koefoed,Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Rasmus Lind Rubin,Sebastian Grønnegaard Milbrat. Producción: Zentropa Entertainments. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.kino.dk/film/k/ko/kollektivet

Crítica: ‘Fiesta de empresa’

Sinopsis

Clic para mostrar

Con el fin de conseguir un gran cliente para la empresa, un grupo de ejecutivos organiza lo que tendría que ser una épica fiesta de empresa, pero se les acabará yendo de las manos, convirtiéndose en un desmadre fuera de control.

Crítica

Si queréis hacer una no dejéis que vuestros jefes vean esto.

Cuando hablamos de imagen real y no de animación Dreamworks cuenta en su haber con un buen número de películas disparatadas como ‘Ahora los padres son ellos’ o ‘Tropic Thunder’. ‘Fiesta de empresa’ no es menos disparatada, de hecho, merece un calificativo más alocado como incontrolada o desbocada. El humor norteamericano está otra vez de moda, principalmente desde que muchos intentan seguir los pasos de ‘Resacón en Las Vegas’. Últimamente hemos visto películas de desfase como ‘Malas madres’, ‘Un espía y medio’, ‘Malditos vecinos 2’ o ‘Mike y Dave buscan rollo serio’.

Para que te sientas cómodo en esta ‘Fiesta de empresa’ te tiene que gustar ese tipo de comedia cargada de sexo, drogas, groserías y música discotequera. Es como si estuviese sacada de la imaginación de Charlie Sheen. Todo se sale de madre y cada empleado saca sus demonios expresando o haciendo todo aquello que se tenía callado. Personalmente este tipo de películas no me aporta nada más allá que alguna que otra carcajada. Al menos puedo decir que hacía mucho que no veía que los norteamericanos acertasen a la hora de insertar una flatulencia.

Para que estas cintas resulten chocantes y chistosas hay que crear escenas disparatadas en un escenario real. En gran parte de la película esto se consigue pero existen muchas situaciones, como la de las escenas finales, que ya resultan poco convincentes. Toman derroteros demasiado surrealistas.

Aunque sea una película de guasa los actores se han tomado muy en serio sus roles. Especialmente T.J. Miller (‘Deadpool’), Kate McKinnon (‘Cazafantasmas’) y Jennifer Aniston (‘Cómo acabar sin tu jefe 2’). Aniston hace de algo así como el Grinch o el personaje dickensiano de Ebenezer Scrooge transportado al mundo actual. McKinnon está irreconocible en su papel de recatada extravagante. Por su parte T.J. Miller interpreta a un jefe bastante incompetente e insensato que en muchos aspectos me ha recordado a Matt Berry cuando hizo de presidente en ‘The IT Crowd’.

A parte de la curiosidad de la aparición del jugador de los Bulls Jimmy Butler, no resulta un filme interesante, simplemente otra comedia más que no alcanza el calificativo de descacharrante, pero si de divertida. No sé si desearle a alguien una fiesta de empresa como esta, totalmente impredecible, que para bien o para mal sería memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Office Christmas Party. Duración: 105 min. País: EE.UU. Director: Josh Gordon, Will Speck. Guión: Guymon Casady, Timothy Dowling, Lee Eisenberg, Gene Stupnitsky. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jeff Cutter. Reparto principal: Jennifer Aniston, Jason Bateman, Olivia Munn, T.J. Miller, Jamie Chung, Kate McKinnon, Abbey Lee, Jillian Bell, Karan Soni, Randall Park, Matt Walsh, Vanessa Bayer, Rob Corddry, Courtney B. Vance, Adrian Martinez. Producción: DreamWorks Pictures. Distribución: eOne Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.officechristmasparty.com/

Crítica: ‘El editor de libros’

Sinopsis

Clic para mostrar

Thomas Wolfe es un diamante en bruto, un escritor de gran talento, pero incapaz de gestionar su creatividad. Su éxito y reconocimiento llegarán gracias a su editor, el gran Max Perkins, descubridor también de Hemingway, Steinbeck y Fitzgerald. Perkins dedicó miles de horas a pulir los defectos de la literatura del genial Wolfe. Pero sobre todo, con él y su esposa compartieron una extraordinaria historia de amistad.

Crítica

Inspiradora y fotogénica.

Los protagonistas de las películas literarias en ocasiones son los autores, en ocasiones los propios personajes de las obras, en otras la fuente de inspiración… Pero en ‘El editor de libros’ es el editor el que recibe homenaje. Una persona que suele permanecer en la sombra o que no suele ser conocida entre el público general y que gracias a filmes como este puede verse más recompensada. «Los editores deberían ser anónimos» dice el personaje de Colin Firth, tal vez algunos así lo deseen.

Firth se mete en la piel de alguien que existió realmente (el filme se basa en hechos reales y en una novela de A. Scott Berg). Nos muestra la auténtica labor del editor, al menos en la época de escritores como Hemingway o Wolfe. A parte de su parecido físico (no es el único logrado en el filme) con este trabajador del mundo editorial, Firth nos muestra a un hombre parco en palabras, a pesar de vivir rodeado de libros. Es alguien que se rodea y trabaja con autoridades de la palabra escrita como Scott Fitzgerald o Ernest Hemingway y que mantiene siempre el sombrero sobre su cabeza. Cuando conoce a alguien tan estrafalario y vertiginoso como Thomas Wolfe, interpretado aquí por Jude Law, su firme e ilustre monotonía se rompe.

Casi más que centrarse solo en el editor se habla de la gestación de la obra de Wolfe. Se emplea esta relación comercial y artística para narrarnos una historia veraz sobre la amistad. Los títulos originales de la película y de la novela en la que se basa son ‘Genius’ y ‘Max Perkins: Editor of Genius’ respectivamente. Y es que se quiere plasmar a este editor como un genio descubre genios pero principalmente se le ha retratado como el preocupado y entregado amigo de sus autores.

John Logan ha escrito esta historia íntimamente relacionada con la literatura norteamericana haciendo uso de un humor afable. Inspira o alienta a escritores y editores a enfrentarse a la ardua tarea de dar a luz a un libro. Además la película nos viene acompañada de una fotografía icónica, obra de Ben Davis, responsable de trabajos como ‘Kick Ass’, ‘Guardianes de la galaxia’ o ‘Stardust’ entre muchas otras.

A nivel interpretativo nos encontramos con un Jude Law soberbio. Está extravagante, impetuoso, vivo. El suyo es un Wolfe encabezonado en plasmar su país en sus obras a través de su extensa prosa descriptiva. Como he dicho, Colin Firth actúa como hombre sobrio e inquebrantable, pero también como preocupado padre absorbido por su trabajo. Como mayor apoyo está Nicole Kidman, en un papel casi de persona desequilibrada por los delirios del amor. Laura Linney es una madre entregada y una esposa regañona que vela por la unidad de su familia. Guy Pierce parece poco y está muy comedido.

Por medio de la relación que guarda con sus escritores Perkins descubre los distintos matices de la vida y no lo hace siempre leyendo sus escritos. Esta es la afinidad que puede sentir el espectador que acuda al cine a hacer lo mismo a través de las películas proyectadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Genius. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Director: Michael Grandage. Guión: John Logan. Música: Adam Cork. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Laura Linney, Guy Pearce, Dominic West, Vanessa Kirby. Producción: Riverstone Pictures, Michael Grandage Company, Desert Wolf Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfica. Web oficial: http://www.genius-thefilm.com/

Crítica: ‘Paterson’

Sinopsis

Clic para mostrar

Paterson es un conductor de autobús en la ciudad de Paterson, Nueva Jersey -ambos comparten nombre.

Cada día, Paterson sigue una simple rutina: Hace su ruta diaria, observando la ciudad a través de su parabrisas y oyendo fragmentos de conversaciones fugaces a su alrededor; escribe poemas en un cuaderno; saca a pasear al perro; va al mismo bar a tomarse siempre esa misma cerveza; y se va a casa con su esposa, Laura.

Por el contrario, el mundo de Laura es siempre cambiante. Cada día le surge un nuevo sueño, un proyecto diferente e inspirador. Paterson ama a Laura y ella le ama a él. Él apoya sus nuevas ambiciones; ella ensalza su don para la poesía.

Crítica

La poesía que nos enseña a vivir.

¿Qué o quién es Paterson? A parte de ser una localidad de New Jersey, cuna de celebridades como Lou Costello, Rubin (Huracán) Carter, Frederick Reines, John Pizzarelli o Mindy Sterling; es el personaje de la nueva película de Jim Jarmusch (‘Dead man’). Quien le da rostro, cuerpo y alma es Adam Driver. Su trabajo ha consistido en interpretar a un exmilitar y conductor de autobús que lleva dentro a un talentoso poeta. Un artista que deja pasar el mundo delante de él sin intervenir de manera significativa, pasando casi inadvertido para los que le rodean, como si fuese una pieza más de su viejo autobús. De este modo observa su realidad y la plasma en los versos que escribe en su libreta. Versos que nos lee como una voz en off que sin llegar a ser Pablo Neruda nos deleita los oídos.

Al igual que la poesía ‘Paterson’ puede sentirse de diferentes modos y pude tener varias lecturas. Esto es debido a que pese a parecer que se narra de un modo manido, como es el mostrar un día a día, Jarmusch nos desvela una nueva manera de contar historias. En cada secuencia diaria descubrimos junto con el protagonista nuevos aspectos y detalles de la vida. Es decir, con la monotonía y la rutina descubrimos a Paterson. La poesía puede tener esquemas fijos, como los hábitos de Paterson, pero si todo se sale de lo establecido se pueden tener pequeñas revelaciones sobre uno mismo.

De nuevo Jim Jarmusch se recrea con el interior de sus personajes pero sin exponerlo abiertamente. Cada individuo tiene algo a lo que agarrarse para soportar el peso del mundo real. Paterson la poesía, el camarero de su garito habitual el ajedrez y las curiosidades locales, su mujer los cupcakes, su supervisor del trabajo se desahoga quejándose de banalidades… incluso su perro tiene sus manías. En algunos casos nos demuestran que cualquiera, sin ser ningún genio, puede hacer arte de un tipo o del otro.

A parte de la sucesión rigurosa de los días de la semana encontramos pautas que ponen de manifiesto un ritmo metódico y estudiado. Paterson siempre empieza el día con el poema del día anterior y luego escribe otro nuevo, siempre escucha alguna conversación de sus pasajeros, siempre ve algunos gemelos… La cadencia y la métrica están cuidadas como en los mejores poemas de la historia universal, para que nos sintamos dentro de una pieza literaria.

Con este largometraje tenemos reflexión e inspiración envueltos en un lenguaje coloquial. Tal vez haría falta más pausa y tiempo para analizar cada una de las composiciones del poeta. ‘Paterson’ nos ofrece una realidad sin asonancia ni consonancia, al fin y al cabo, el mundo no rima.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2016. Título original: Paterson. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Jim Jarmusch. Guión: Jim Jarmusch. Música: Sqürl. Fotografía: Frederick Elmes. Reparto principal: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr.,Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy. Producción: Amazon Studios, Animal Kingdom, K5 Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/paterson.html

Crítica: ‘Aloys’

Sinopsis

Clic para mostrar

Aloys Adorn es un detective privado taciturno, un lobo solitario cuyo trabajo consiste en filmar a otras personas, observándolas en secreto y permaneciendo invisible. Un día se emborracha y se duerme en un autobús, y al despertarse descubre que su cámara y sus cintas han sido robadas. La misteriosa mujer que le llama poco después parece tener algo que ver con ello.

Crítica

Un detective privado sin vida privada.

Si la sinopsis ya resultaba atractiva o enigmática, la película consigue potenciar aún más esos dos calificativos. El director y guionista Tobias Nölle nos presenta a Aloys, un personaje raro, introvertido. Su vida privada se ve consumida por su trabajo, hasta el punto de ser casi nula. Posee un empleo que le obliga a mantener las distancias con el mundo que le rodea, impidiéndole tener una existencia normal. Además acaba de sufrir una tragedia que fortifica su problema social. El protagonista, un detective privado, trabaja explotando los mayores e inconfesables secretos de la gente y le ha llegado el momento a él de salir de su aislamiento y no solo de crearse una privacidad si no de sacarla a relucir.

El aislamiento es uno de los sentimientos o acciones que Nölle ha querido tratar. Los planos de interiores son los que dominan la película. Planos que nos retratan el interior de una persona y que podrían formar parte de catálogos. Nos transmiten una sensación de soledad, encierro y casi misantropía. Unidos al orden y rigor de las rutinas de nuestro detective, el director consigue enfrascarnos en un personaje difícil de asediar. El voyerismo, el existencialismo o la liberación del verdadero yo son los otros grandes temas del filme.

El gato se convierte en ratón en determinado momento de la película y es entonces cuando vislumbramos una suerte de revelación. Sin llegar a sufrir una catarsis Aloys, interpretado por Georg Friederich, vive una reinvención y una fragmentación de su personalidad. Lo que experimenta realmente es una reconquista de su humanidad a partir de la evasión al mundo de la fantasía y la imaginación. Su mente se va despejando de igual modo que apartamos el vaho de un cristal empañado.

La influencia de David Lynch y su ‘Cabeza borradora’ es más que evidente. Desde luego esta película lleva dos sellos muy claros que también tenía Lynch en los setenta: el de ser una ópera prima y el de pertenecer al más genuino cine independiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: Aloys. Duración: 91 min. País: Suiza. Director: Tobias Nölle. Guión: Tobias Nölle. Fotografía: Simon Guy Fässler. Reparto principal: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck. Producción: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck, Kamil Krejcí, Yufei Li, Koi Lee, Sebastian Krähenbühl, Karl Friedrich, Peter Zumstein, Agnes Lampkin, Rahel Hubacher. Distribución: Atera Films. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.aterafilms.com/es/aloys

Crítica: ‘La madriguera’

Sinopsis

Clic para mostrar

Carlos es un escritor de éxito que está encerrado en su casa, no puede acabar su siguiente novela, está bloqueado. Debido a un trágico suceso ha perdido toda la inspiración. La editorial le insiste para que cumpla con su contrato. Carlos es incapaz de salir de esta situación por sí solo, y su editor decide enviarle a Caterina, una joven ayudante que conoce y admira todo su trabajo. La presencia de Caterina hace que Carlos recupere algo de orden en su vida, realizando verdaderos esfuerzos para superar los miedos que lo paralizan, llevando a cabo rutinas que lo ayuden a concentrarse. Pese a ello, Carlos sigue siendo incapaz de salir de su casa, ve en Caterina la única oportunidad de acabar la novela y no está dispuesto a perderla. Carlos empieza a construir la madriguera, de la que Caterina intentará escapar a toda costa.

Crítica

La tensión está escrita.

‘La madriguera’ es una película que podríamos decir que entra dentro de “pequeñas películas” españolas recién estrenadas como ‘El destierro’ o ‘Anomalous’. Filmes que pese a su falta de presencia publicitaria y de su notablemente reducido presupuesto pueden sorprender a más de uno.

Kurro González se estrena con una pequeña pero calculada propuesta. Se nos presenta una historia de tensión y emociones contenidas. Únicamente tenemos dos protagonistas (Francisco Conde y Adriana Torrebejano), una localización (la casa) y una motivación (escribir un libro). Una editorial envía a una ayudante para que su preciado escritor consiga terminar su próxima obra, pero este está traumatizado y bloqueado. Este es el punto de partida para una historia que poco a poco se vuelve más tirante e inquieta. El personaje de Conde sufre agorafobia debido a un trauma que está bien justificado y bien hilado. El espectador es consciente en todo momento de cuál es el problema que sufre pero el personaje de Torrebejano no, y es por eso que aquellos que sean más empáticos podrán sufrir con ella.

La interpretación de la actriz, nueva en esto de los largometrajes, es superior a la de Conde, que a su vez ejerce de guionista y de productor. Pero es Carlos Santos quien nos brinda la mejor escena. Sin duda el interrogatorio de Carlos Santos y Javier Mora al personaje de Francisco Conde nos ofrece la mejor cara de esta película. Es ahí donde vivimos la situación más tensa e ingeniosa del filme y donde el talento de Santos hace salir al mejor Conde que en muchas ocasiones resulta poco espontáneo o natural.

En una película como esta es difícil controlar el raccord emocional, sería más sencillo si estuviésemos hablando de una obra de teatro en la que los actores se van cargando o viven al momento lo que le ocurre a su personaje. Pero en ningún momento notamos que decaiga el ritmo y la progresión de los individuos. Además la “madriguera” ayuda a mantener encerrada esa tensión, como si ese propio sentimiento tuviese miedo a salir fuera. Este emplazamiento ha obligado a González a realizar muchos juegos con los ángulos, los marcos y los espejos.

No tenemos grandes giros de guión, solo una atmósfera y unos personajes que poco a poco van subiendo su nivel de crispación e incluso de desesperación. Uno de los fallos, que rompe este ambiente, es la desacertada música. En ocasiones las melodías que acompañan a las escenas pueden inquietar por lo extraño de su elección, pero por lo general nos sacan de la película. Por mucho que los títulos de las sinfonías tengan que ver con la escena que vivimos no resulta convincente su uso.

Kurro González ha demostrado ser capaz de ser director (a parte de montador) en un proyecto muy personal. Esta especie de ‘Misery’ a la inversa es una buena manera de redirigir una carrera que podría ser larga en este nuevo rol.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: La madriguera. Duración: 102 min. País: España. Director: Kurro González. Guión: Curro González, Francisco Conde. Música: Luis Herrero ‘The youth’. Fotografía: Alberto Muñoz. Reparto principal: Francisco Conde, Adriana Torrebejano, Cristina Castaño, Carlos Santos, Javier Mora. Producción: Francisco Conde, 32historias Producciones. Distribución: Syldavia Cinema. Género: thriller. Web oficial: http://32historias.com/lamadriguera/

Crítica: ‘1898. Los últimos de Filipinas’

Sinopsis

Clic para mostrar

A finales del siglo XIX España entró en guerra con Estados Unidos y sufrió la derrota que supuso la pérdida de las últimas colonias. Ya no podría volver a repetirse la frase de que “en España nunca se pone el sol”.

Crítica

Salvador Calvo ha capitaneado a un ejército de talento.

Estamos viviendo una oleada de filmaciones basadas en personajes y episodios de nuestras crónicas. Tenemos buenos ejemplos rodados en el pasado pero podemos decir que por fin estamos sintiéndonos orgullosos de nuestra historia o que al menos ya estamos sacándole partido y enseñando al mundo cosas que seguramente desconocían. De igual modo que los norteamericanos han exportado producciones hasta aburrirnos sobre capítulos como la Guerra de Vietnam o la batalla de El Álamo hoy podemos hablar de ‘Los últimos de Filipinas’, como ya hicimos con ‘El Ministerio del Tiempo’. No debería ser spoiler narrar el destino de este ejército, pero por si acaso no lo mencionaré, que todavía puede haber algún ignorante que lo desconozca.

Para el talento del gran reparto de la película daría para un capítulo a parte. Figuran nombres de intachable capacidad y talento como Karra Elejalde, Eduard Fernández o Carlos Hipólito, todos ellos apoteósicos. Pero es Luis Tosar, Javier Gutiérrez y el reparto joven conformado por Álvaro Cervantes, Patrick Criado, Ricardo Gómez, Miguel Herrán y Emilio Palacios el que se lleva la palma. Especialmente Cervantes, acapara protagonismo y lo hace sobradamente bien. Una serie de nombres que quita el hipo y tras ver la película y dejarnos sin respiración aún más. Por otro lado me sobra la mayoría de las escenas de la triunfito Alexandra Masangkay. También me habría gustado ver más a Pedro Casablanc.

‘1898. Los últimos de Filipinas’ es una grandiosa opera prima la de Salvador Calvo. Ha transformado lugares de Guinea Ecuatorial, Tenerife y Gran Canaria en uno de nuestros más humillantes escenarios de guerra. Conste que estoy históricamente hablando por que cinematográficamente se ha realizado un trabajo formidable. Localizaciones, vestuario y decorados son magníficos. No es de extrañar que Alejandro Catalán haya podido lucirse con la fotografía. Calvo se postula para una nominación a Goya a Mejor Director Novel. Pronostico que el ganador estará entre él y Raúl Arévalo, Marina Seresesky, Jordi Frades o Marc Crehuet, en mi modesta opinión, a día de hoy no conocemos los nominados. También puedo afirmar que más de una frase escrita por Alejandro Hernández os calarán muy hondo.

En determinados momentos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’ también vemos paralelismos entre la España de antes y la de ahora. Se insinúa que gobiernan incompetentes, que lo que manda es el dinero y que quien paga siempre es el pueblo. Seguimos siendo ese país que pese a fracasar vuelve cantando. No quiero politizar la cinta y ni de lejos será la intención de sus autores, solo es una lectura que he sacado.

‘1898 los últimos de Filipinas’ realiza una tarea divulgativa, aunque hay que tener en cuenta que algunos hechos y personajes son ficticios. Sí que parece más próximo a la realidad la tozudez española y la negación a aceptar nuestro destino, las enfermedades, las dudas, la desesperación, incluso la estupidez cometida y que llevó a estos soldados a pasar por un infierno. Personalmente considero este episodio como una hazaña bélica, no heroica y aquí queda reflejado como tal. Lo que está clarísimo es que esto con un smartphone no habría pasado.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: 1898, los últimos de Filipinas. Duración: 100 min. País: España. Director: Salvador Calvo. Guión: Alejandro Hernández. Música: Roque Baños. Fotografía: Alejandro Catalán. Reparto principal: Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Álvaro Cervantes, Karra Elejalde, Carlos Hipólito, Ricardo Gomez, Patrick Criado, Miguel Herrán, Emilio Palacios, Eduard Fernández, Alexandra Masangkay. Producción: Manila Producciones A.I.E., ECPC y C.I.P.I Cinematográfica S.L., cuenta con la colaboración de TVE, 13 TV, Gobierno de Canarias, ICAA. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, bélico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Aliados’

Sinopsis

Clic para mostrar

“ALIADOS” es la historia del oficial de inteligencia Max Vatan (Brad Pitt) quien en 1942, en el norte de África, conoce a Marianne Beausejour (Cotillard), miembro de la resistencia francesa, en una misión mortal tras las líneas enemigas. Reunidos en Londres, su relación se ve amenazada por las presiones extremas de la guerra.

Crítica

Tan creíble que podría haber sido real.

Decir que un guión o una historia son redondos puede ser aventurado y sin duda podría ser una opinión muy subjetiva, hay que aplicar diferentes criterios y estos variarán según a quien escojamos preguntar. Pero no me arriesgo a quemarme si digo que la coherencia con la que se ha escrito ‘Aliados’ es un gigantesco acierto. La película despierta interés sin aplicar sustanciales giros de guión y su realismo es tal que podríamos estar viendo la adaptación de alguna curiosidad histórica perdida en los libros.

La película arranca de tal modo que podría tratarse de una modernización de ‘Casablanca’ con guiños a otras películas de agentes secretos. De hecho el largometraje arranca como si Brad Pitt hubiese saltado del mismísimo avión de la obra de Michael Curtiz. Poco a poco las tramas de espionaje y guerra van dejando paso a un romance que estalla como una tormenta de arena, escena ilustrando esto incluida. Posteriormente y tras el idílico amorío volvemos a la trama enmarcada en el conflicto de la II Guerra Mundial. En la primera mitad del filme Zemeckis nos mantiene enganchados con una mascarada y en la segunda con un juego de paranoia y sentimientos enfrentados. Casi volvemos a recuperar al Zemeckis de ‘Forest Gump’ o ‘Regreso al Futuro’. Steven Knight (‘El caso Fischer’, ‘Promesas del este’), el guionista de este romance en tiempos de guerra, demuestra de nuevo porqué es bueno escribiendo thrillers. La creación de estos dos rentables cineastas resulta ser inteligente, todo lo que les permite el cine comercial, factible y deslumbrante. Su obra es un romance expuesto y gestado por los elementos de un thriller inmerso en una trama bélica.

La grandiosa ambientación hace compañía a los actores haciéndoles partícipes de los cambios de localización. Tanto Brad Pitt como Marion Cotillard saltan de un idioma a otro con soltura e incluso juegan con ello, vedla en versión original para apreciar esto. Ellos forman una pareja que, cotilleos de marujas a parte, funciona en pantalla. Este no es un ‘Sr. y Sra. Smith’, es una película bien diferente. No tenemos tanta acción ni existe un jugueteo descarado entre los protagonistas. Este es un filme en el que no sabemos si los dos personajes tienen las cartas al descubierto o no, la gracia y diferencia reside en esperar a que se desvele esto.

He de decir que me he enamorado de más de una toma. ‘Aliados’ nos deja varias estampas para enmarcar emulando el gran trabajo que antaño hizo ya Arthur Edeson con ‘Casablanca’. Don Burgess se merece un aplauso aparte.

Buena fotografía, un guión que se sostiene y dos grandes interpretaciones son las mayores bazas de ‘Aliados’. Hay quien se emocionará, hay quien vibre con algunas escenas de acción y hay quien llorará emocionado, hay lugar para todos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Allied. Duración: 124 min. País: EE.UU. Director: Robert Zemeckis. Guión: Steven Knight. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Brad Pitt, Marion Cotillard, Lizzy Caplan, Matthew Goode, Jared Harris, Jason Matthewson, Angelique Joan, Sally Messham, Iain Batchelor, Miroslav Zaruba, Raphael Acloque, Angus Kennedy, David Bonneville, Tiar Lounis. Producción: GK Films, New Regency Pictures, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: thriller, drama, romance. Web oficial: http://www.alliedmovie.com/

Crítica: ‘Los exámenes’

Sinopsis

Clic para mostrar

Romeo Aldea (49), un médico que vive en un pequeño pueblo de montaña en Transilvania, ha educado a su hija Eliza con la idea de que, cuando cumpla 18 años, se vaya a estudiar al extranjero.

Su plan está cerca de tener éxito: Eliza ha conseguido una beca para estudiar Psicología en Reino Unido. Solo tiene que pasar sus exámenes finales, un trámite para una buena estudiante como ella. El día previo a su primer examen escrito, un incidente pone en peligro los resultados de Eliza.

Ahora Romeo tiene que tomar una decisión. Hay varias maneras de resolver el problema, pero ninguna de ellas respetando los principios que él, como padre, ha intentado trasmitir a su hija.

Crítica

Una larga cotidianidad desesperada y corrupta.

El director rumano Cristian Mungiu nos trae una historia cotidiana y acusatoria. El modo de proceder de las gentes de Rumanía no debe ser del agrado de Mungiu. Ha filmado una película que bien podría ser un episodio largo de ‘Los Soprano’, hasta se oye eso de “estar en deuda con alguien” más de una vez. Lo que nos viene a decir es que a base de favores y protecciones se puede conseguir casi cualquier objetivo. Incluso el ritmo de la película puede evocar a tan afamada serie. Creo recordar que el personaje protagonista, el padre en esta cinta que está interpretado por Adrian Titieni, dice en algún momento “aún queda esperanza” refiriéndose a la honradez y dedicación de dos agentes de la ley. Esa es una de las mayores señales de que esta cinta pretende lanzar una crítica contra las malas costumbres de Rumanía.

Tenemos la historia de un padre que quiere hacer lo que sea para sacar a su hija de la localidad en la que viven. Este personaje lleva con tanta contención el contratiempo que sufre su hija que se hace imposible empatizar con ninguno de ellos dos. Se le presenta la oportunidad de una beca de estudios en el extranjero, pero para ello debe obtener una alta nota en un examen. Por desgracia antes de examinarse le sucede algo a la muchacha que impide que vaya en plenas condiciones a realizar la prueba. Es ahí cuando se presentan los temas que dominan la cinta.

Las preocupaciones y los favores, la honradez y las decisiones de la vida, el respeto por los principios y por transmitir valores correctos a los hijos. Con todo esto se nos plantea que la vida es un continuo examen en el que algunos deciden hacer trampas para pagar al sistema con su propia moneda y otros directamente deciden hacer lo correcto sean cuales sean las consecuencias. Las metáforas están muy presentes en el largometraje y no es que precisamente se emplee un lenguaje de sutilezas pero si se mantiene un tono muy conservador.

Con todo esto la película resulta ser muy extensa. Pese a ello está bien dirigida, de hecho, se ha llevado premio en ese aspecto en el Festival de Cannes. Personalmente Mungiu me ha descubierto al talentoso (u acertado en ‘Los exámenes’) Adrian Titieni. Sonoramente también ha conseguido que resulte realista pues curiosamente ‘Los exámenes’ carece de banda sonora, tal como ocurre con nuestra vida diaria. Las únicas canciones que se escuchan salen de la radio o de los móviles.

Lo que los norteamericanos habrían solucionado con Liam Neeson a base de mamporros y tiros, los rumanos lo han desarrollado con el ajetreo y el parlamento de un preocupado padre. Pese a ello nos deja varias cuestiones en el aire o a leer entre líneas. Quizá por querer reflejar con tanto ahínco las incógnitas de la vida resulte en muchos aspectos inconclusa, interminable, eterna.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Bacalaureat. Duración: 128 min. País: Rumanía. Director: Cristian Mungiu. Guión: Cristian Mungiu. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel. Producción: Les Films du Fleuve, Mobra Films, Romanian Film Board (C.N.C.), Why Not Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.losexamenes-lapelicula.es/

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil