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Crítica: ‘Marea negra’

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En abril de 2010, la plataforma petrolífera Deepwater Horizon, situada en el Golfo de Méjico, sufrió un terrible accidente que desencadenó una de las peores catástrofes medioambientales de la historia, y que costó la vida a 11 de sus trabajadores. ‘Marea Negra’ cuenta la historia de los hombres y mujeres que con su valor lograron salvar a muchos otros, cambiando sus vidas para siempre.

Crítica

Catástrofe flagrante, película trepidante.

‘Marea negra’ nos llega desde Estados Unidos dirigida por Peter Berg, un director capaz de pasmarnos con películas como ‘Hancock’ pero también de horrorizarnos con otras como ‘Battleship’. Ha dejado patente que es un patriota hasta la médula y ahora nos trae una historia real que supuso uno de los mayores vertidos de petróleo de la historia. Pero aquí no se plantea como esa calamidad de desastre natural, si no que Berg prácticamente esconde esto y nos ofrece una película de lucha y supervivencia. Tal vez no quiera herir en demasía a EE.UU. Si os parece que veis demasiadas banderas estadounidenses preparaos para su siguiente filme, ‘Día de patriotas’.

Berg se lo ha tomado con calma para después llevarnos por un fulminante desenlace. Tras más o menos una hora de presentación de personajes y de clase de perforación petrolífera para tontos vivimos una explosión colosal. Se nos pinta un panorama sentimental pero también se nos explica casi al dedillo como funciona una torre petrolífera en el mar y cuáles fueron las causas del desastre. Por lo demás, el tercio final de la película es todo fuego y prisas.

A pesar de haber podido tirar por las ramas de la heroicidad, esta es una película en la que siempre tenemos trabajadores del sector petrolífero, no héroes de acción y es por eso que en cierto sentido marca la diferencia. Malkovich no hace de loco si no de crudo empresario. Kurt Russell interpreta a un tipo trabajador, recio y responsable, tampoco está en la línea de lo que le vemos habitualmente. Lo que sí vemos es a Wahlberg haciendo de tipo duro y buen esposo. Kate Hudson mantiene los pies en la tierra y se conforma con un papel de esposa preocupada.

Se podría decir que ‘Marea negra’ tiene un corte similar a otras películas de desastres como el ‘Coloso en llamas’ o ‘Pánico en el túnel’. Tal vez presente menos laberintos y obstáculos a favor de que los temas técnicos sean los protagonistas. Resulta claustrofóbica, desesperada, como un náufrago en una isla en llamas. Berg muestra la plataforma para que momentos después contemplemos un escenario completamente desfigurado.

Jablonsky completa el equipo profesional junto a los ya conocidos Berg y Wahlberg, solo faltaría que se uniese Michael Bay para cerrar el círculo de amigos. Su banda sonora no nos ofrece grandes temas pero está a la altura de una película de estas características, cumple.

Al margen de ser tan superficial hasta llegar al punto de olvidarse del verdadero drama ecológico, a parte de las muertes humanas (al final se hace homenaje a los fallecidos y se ofrecen algunas imágenes de los testimonios de los supervivientes) es un largometraje emocionante. Seguramente no consiga concienciar a todo el mundo del daño del petróleo ni de comenzar usar vehículos eléctricos, no está enfocada así. Pero al menos dará a conocer el funcionamiento y peligro de las plataformas petrolíferas acompañándolo de buenas dosis de acción. ¿Es para verla en Imax? Tal vez no pero su espectacularidad se disfruta mejor a pantalla grande.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Deepwater Horizon. Duración: 107 min. País: EE.UU. Director: Peter Berg. Guión: Matthew Sand, Matthew Carnahan. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Enrique Chediak. Reparto principal: Mark Wahlberg, Kurt Russell, Gina Rodríguez, John Malkovich, Kate Hudson, Dylan O’Brien, Ethan Suplee. Producción: Summit Entertainment, Participant Media, di Bonaventura Pictures. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama, acción. Web oficial: http://www.deepwaterhorizon.movie/

Rueda de prensa y photocall de ‘La madriguera’

Kurro González: “El cine de bajo presupuesto no existe”.

En la mañana de ayer, 16 de noviembre de 2016, nos acogieron en ‘La madriguera’ un filme del que publicaremos crítica próximamente y que se estrena el 2 de diciembre. El equipo de la cinta estuvo presentando su largometraje en Madrid después de haber sido recientemente la película de inauguración del festival Terrormolins. También ha pasado por festivales como el de Austin, el de Almería o el de India.

Así pues, estuvimos acompañados de su director Kurro González y de los actores Adriana Torrebejano, Cristina Castaño y Francisco Conde. Este último además de protagonizar el filme lo ha producido y escrito junto al director. También aparecen en la película Carlos Santos o Javier Mora pero no tuvimos la suerte de contar con su presencia.

‘La madriguera’ es un thriller que nos lleva a una sola estancia donde se desarrolla un encuentro que marca la vida de los dos personajes protagonistas. Un escritor en crisis y una escritora en ciernes encarnados por Francisco Conde y Adriana Torrebejano respectivamente se enfrentan en una peculiar contienda. Nos puede recordar en algunos aspectos a ‘Misery’ pero según su director bebe de otras fuentes y no pretende recrear otros filmes. “En un momento del desarrollo intenté huir de ‘Misery’, porque es una referencia fundamental y me encanta esa película. Pero nos dimos cuenta de que al huir lo que hacía era deshinchar la película, ¿Por qué tenemos que ocultar eso?” declaró Kurro González. “Pero no solo está ‘Misery’, está también ‘El coleccionista’ u otras películas con ese juego de atrapados. También ‘Repulsión’ de Polansky’ está muy presente” concluyó.

El pasado del protagonista, que es agorafóbico, está basado en un hecho real, en una calamidad, que por desgracia tuvo poca repercusión en los medios. Como nos dijo González “cuando estaba estudiando en Madrid, montaje en la ECAM, vi una noticia en el telediario que me sobrecogió. Una pareja que estaba echando un casquete en la Casa de Campo fue atacada. A él le pegaron una paliza y le metieron en el maletero del coche. A ella la estuvieron violando mientras daban vueltas por la M-30”. Posteriormente González se mostró profundamente herido por el hecho de que haya violaciones.

El rodaje y la financiación proceden de Almería. “32 Historia Producciones está en Almería para hacer cine desde allí […] Sentimos que con esta labor las administraciones almerienses y de Andalucía nos pueden empezar a apoyar para seguir haciendo cine desde allí. Es verdad que Almería ha sido siempre tierra de cine, sobre todo en los 60 y los 70, ahora hay otro boom a raíz de ‘Exodus’. Pero si no me equivoco nunca se había rodado una película íntegramente en Almería, con una productora almeriense y la mayor parte del equipo de Almería” dijo Francisco Conde. “Yo no soy de Almería pero he aprendido a hablar en almeriense” bromeó Cristina castaño.

Para Kurro González “el cine de bajo presupuesto no existe. Esto es un mito. Lo que hay es colaboración por parte de la gente. Te presta su trabajo y su tiempo […] Esto de que se puede hacer cine sin dinero, eso no es real. Mi gran temor era que el equipo no estuviese satisfecho con el resultado”.

La casa es un elemento importante en este filme. Está recreada en un plató, no es un inmueble real. Fernando Contreras diseñó la “madriguera”, un fuera de serie que como nos contó Conde está inmerso en proyectos como “Juego de Tronos” o “Exodus: Dioses y Reyes”. “A mí la casa me encanta para vivir” dijo.

El casting para el personaje femenino fue muy duro, Kurro González nos lo contó así: “Francisco me pasó una lista de unas cincuenta actrices y las convocamos. Les hicimos un casting con mil perrerías. Normalmente en los castings les ponen pruebas de 10 o 15 minutos, me parece eso una salvajada. […] En lugar de una separata les dimos seis, cubriendo todo el arco dramático de la película. Lo que me pasó con Adriana es que nos falló el cámara y me tocó a mí llevar la cámara, estaba tan embobado con lo que estaba haciendo que cuando se salió de cuadro no me di cuenta, me olvidé de si estaba grabando. Cuando revisé las grabaciones no tenía lo de Adriana. Pero tenía muy claro por qué no la había mirado”. Por otro lado Conde manifestó su deseo y alegría por contar con Cristina Castaño en su opera prima pues siempre había querido trabajar con ella.

Carlos Santos improvisó mucho en su principal escena “llegó Carlos al plató y me dijo que se le habían ocurrido un montón de putadas para Francisco. Le dije que se las gastasen todas. Ellos juegan” nos comentó el director. Castaño dijo algo que puntualizaba este aspecto “en el rodaje no había algo cerrado. Era una cosa más de disfrute, sabiendo cuál era tu lugar en la película. Para mí una de las escenas que más me han gustado es la del interrogatorio. Javi y Carlos están maravillosos con esa intervención pequeña que tienen”.

En una película como esta en la que solo se emplea una única localización principal y que tiene personajes con momentos muy diferentes es difícil llevar bien el raccord emocional, acerca de ello Conde nos dijo “para mí fue fácil porque me apliqué el cuento de trabajármelo mucho y estudiármelo mucho. Tenía también la responsabilidad del productor y tenía que dar el callo”. Sin embargo Kurro González bromeó acerca del asunto: “suelo decir que el raccord me la pela, porque soy montador. No el raccord emocional, evidentemente”. También Torrebejano quiso aportar su experiencia: “era más difícil trabajar la última escena que mantener el raccord emocional. Ponerte en situación era fácil porque estuve allí 23 días y estaba superconectada”.

Recordad que ‘La madriguera’ se estrena el 2 de diciembre en más o menos una docena de salas de toda España, buscadla en vuestra ciudad.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’

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Animales fantásticos y dónde encontrarlos comienza en 1926 cuando Newt Scamander acaba de completar un viaje por todo el mundo para encontrar y documentar una extraordinaria selección de criaturas mágicas. Llegando a Nueva York para hacer una breve parada en su camino, donde podría haber llegado y salido sin incidente… pero no para un Muggle llamado Jacob, un caso perdido de magia, y la fuga de algunas criaturas fantásticas de Newt, que podrían causar problemas en el mundo mágico y en el mundo muggle.

Crítica

Newt Scamander nos devuelve la magia a las salas y nos trae un montón de criaturas para entretenernos.

Cuando me enteré de que iban a realizar una película sobre el libro ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos‘, pensé que iba a tratar sobre las aventuras del famoso magizoólogo Newt Scamander. A ver si, la película trata sobre este curioso personaje, pero para nada era lo que yo me imaginaba. Yo me imaginaba a un Indiana Jones pero buscando y capturando criaturas en las selvas, pero no, nos lo encontramos en plena ciudad y remendando sus errores.

K. Rowling, nos presenta a este peculiar escritor en su llegada a Nueva York, donde por un descuido deja que unas cuantas criaturas que lleva escondidas en su maleta se escapen por la ciudad causando el caos de los pobres muggles, o nomaj.

Los actores están perfectos, todos ellos, me ha gustado en particular el papel de Ezra Miller, poco puedo decir de su papel, solo que está impecable. Y Colin Farrel como auror, sin palabras, duro, sin escrúpulos y sin miramientos a los que infringen la ley.

‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’ trae muchas sorpresas, no es solo mostrarnos a un sin fin de criaturas mágicas, sino que es mucho más, Scamander es un pretexto para presentarnos mucha más historia del mundo mágico.

Si que es cierto que el comienzo de la película es un bastante lento, la presentación es bastante larga, al menos para mi gusto, pero en cuanto la película coge rodaje, funciona estupendamente.

Debo de admitir que como fan de Harry Potter, no solo de los libros, sino de las películas, me daba bastante miedo lo que pudieran hacer en esta película, al fin y al cabo, del libro del que se sacó, es simplemente un compendio de animales y ya está. Pero J.K. Rowling ha sabido hacer mucho mas.

No quiero contar mucho más, solo decir que os encontrareis bastantes sorpresas en la película, yo las he disfrutado mucho y sobre todo vamos a ver a personajes ya conocidos, y sin duda eso es lo que más he disfrutado.

En el ámbito técnico, las criaturas están muy logradas, no la he visto en 3D, pero hay muchas escenas que están totalmente preparadas para ello. El nuevo mundo mágico es bastante diferente al londinense, más luminoso, más ostentoso y sobre todo mucho más moderno.

La música sigue la línea de Harry Potter, el tema central es el de siempre y eso hace que sepamos que seguimos en el mundo mágico, en el mismo mundo, no en la misma época, pero si son las mismas historias.

Realmente es una película para los fans de este mundo, para los que hemos disfrutado sobre todo de los libros. Tanto David Yates como J. K. Rowling han logrado devolver la magia, no es una película tan oscura como últimas de la saga, pero sí que nos comienza a mostrar cómo puede ser el futuro para los magos.

Puedo decir definitivamente que merece la pena su visionado, que se disfruta desde el principio hasta el final y que os quedaréis con ganas de más aventuras. La magia ha vuelto al cine.

Ficha Técnica

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Fantastic Beasts and Where to Find Them Duración: 140 min. País: Reino Unido. Director: David Yates. Guión: J.K.Rowling.  Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Colin Farrel, Carmen Ejogo, Samantha Morton, Ezra Miller, Ron Perlman, Zoë Kravitz, Gemma Chan, Jon Voight, Christine Marzano, Lucie Pohl, Johnny Depp. Producción: Coproducción Reino Unido-EEUU; Heyday Films/ Warner Bros Distribución:  Warner Bros Pictures. Género: Fantástico, aventuras. Web oficial: http://www.animalesfantasticos.es/

Crítica: ‘La doctora de Brest’

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LA DOCTORA DE BREST cuenta la historia real de la doctora Irène Frachon, la mujer que se atrevíó a plantarle cara a la industria sanitaria y farmaceútica francesa, cuando en 2010 se destapó el escándalo mediático en torno a la comercialización de un controvertido medicamento cuyos efectos secundarios provocaron la muerte de más de 500 personas.

Crítica

Una dosis desmesurada.

Basada en el libro autobiográfico ‘Mediator 150mg: Combien de morts?’ nos llega ‘La doctora de Brest’. El libro al que he hecho referencia nace durante las más de dos horas de película pues está escrito por la doctora Irène Frachon. Esta profesional de la medicina afincada en Brest se percató de la toxicidad de un medicamento recetado para los diabéticos que muchos empleaban para adelgazar. El Mediator (Modulator como se llamaba en España hasta que fue retirado en 2003) estuvo algo más de 30 años recetado en Francia, hasta que en 2009 fue anulada su comercialización. ¿Muy reciente y te sorprende no conocer el caso? No te preocupes, el director Emmanuelle Bercot y los guionistas Séverine Bosschem y Romain Compingt te lo explican largo y tendido con la película.

Una obra basada en un hecho muy cercano que se alarga más de lo necesario. 120 minutos son excesivos para narrar el proceso, o mejor dicho el vía crucis, que vivió Frachon desde que sospechó del medicamento hasta que consigue que lo prohíban, pasando por la laboriosa publicación de su libro. La propia distribuidora nos la referencia como si fuese la “Erin Brockovich francesa” y lo cierto es que eso no ayuda pues hace que se afiance la sensación de que esto ya nos lo han contado, que es algo que ya hemos visto.

Al menos se aprovecha para hacer una crítica en contra de los gobiernos y las farmacéuticas. ¿Os habéis preguntado quién y cómo se controla la salud de los ciudadanos? Para que todo esto resulte más realista Bercot nos ofrece imágenes reales de escáneres o recreaciones crudas de autopsias y operaciones. Aun así todo está expuesto bajo el microscopio de la sensibilidad francesa. La cantidad de terminología médica y farmacológica en conversaciones ágiles puede hacer que el espectador se pierda o incluso aburra.

Para interpretar a esta tozuda, cabezota y perseverante doctora se ha fichado a la danesa (recordad esto cuando oigáis su excelente acento francés) Sidse Babett Knudsen. Quizá muchos la conozcáis de trabajos recientes como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Esperando al rey’. Bercot la ha plantado frente a un titán empresarial y la hace nadar en un mar contra corriente para mostrar el esfuerzo y la dificultad de la hazaña que pretende reverenciar. Benoît Magimel también aparece en el filme y nos deja más de una escena brillante. Ellos dos son los que hacen que merezca la pena ver esta película.

Si, este es un escándalo médico semejante a otros que hemos vivido en España relacionado con la salud pública. Ya ocurrió recientemente que murió gente por la negativa del gobierno a administrar el Sovaldi, por ejemplo. Desde luego son historias que merecen ser contadas pero en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: La fille de Brest. Duración: 128 min. País: Francia. Director: Emmanuelle Bercot. Guión: Emmanuelle Bercot, Séverine Bosschem, Romain Compingt, Irène Frachon. Música: Martin Wheeler, Bloum. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: Sidse Babett Knudsen, Benoît Magimel, Charlotte Laemmel, Isabelle De Hertogh,Lara Neumann, Philippe Uchan, Patrick Ligardes, Olivier Pasquier, Gustave Kervern, Myriam Azencot, Pablo Pauly, Eddie Chignara, Raphael Ferret, Christophe Meynet, Gilles Treton, Garance Mazureck. Producción: Haut et Court, France 2 Cinéma, Cofinova 12, Soficinema 12, SofiTVCine 3, Palatine Etoile 13, Cinemage 10, Canal +, Cine +, France Televisions, Région Bretagne. Distribución: Caramel Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/la_doctora_de_brest

Crítica: ‘La llegada’

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Cuando una misteriosa nave toca tierra a lo largo de la Tierra, un equipo de élite, liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams), es reclutado para investigar. Mientras la especie humana está al borde de una guerra mundial, Banks y su equipo buscan a contrarreloj respuestas, y de encontrarlas correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente la de la humanidad.

Crítica

Un planteamiento conocido explorado de diferente manera.

Amy Adams se topa de nuevo con algo alienígena (‘El hombre de acero’), pero no es la única que repite encuentro pues Forest Whitaker también se relaciona de nuevo con una historia de otra galaxia ya que también le veremos en ‘Rogue one: A Star Wars Story’. Al margen de anécdotas, ambos se embarcan, junto a Jeremy Renner, en una historia de ciencia ficción, misterio y eventos extraños. Un trabajo dirigido por Denis Villeneuve que personalmente me da un rayo de esperanza para la futura ‘Blade Runner 2049’.

Si habéis visto el tráiler puede llevaros a engaño ya que puede inducir a pensar es que vais a ver mucha espectacularidad. El CGI no es el mayor punto de esta película, tampoco se adentra en el campo de la acción o del cine bélico. Sí, hay un trabajo de fotografía que en ocasiones puede rememorarnos a ‘2001 una odisea en el espacio’, pero no olvidemos que el director de la cinta es Villeneuve y a él le gusta jugar más con nuestra mente que con nuestros ojos, aunque no se le dé mal ni lo uno ni lo otro. Al igual que la cinta de Kubrick, ‘La llegada’ alcanza un clímax inesperado, pero en este caso estaréis más preparados pues el guión nos mantiene constantemente atentos a la evolución de este peculiar primer contacto. También su banda sonora os sumergirá en un ambiente extraño e incógnito.

Nos podemos comer el coco durante buen rato de la película y encontraremos explicación a todas las cuestiones planteadas, no queda nada en el aire, algo que se agradece. El concepto de esta película de alienígenas es diferente al del cine comercial, no es totalmente nuevo ya que encontramos ejemplos similares, pero si está explorado de diferente modo.

Desde luego el protagonismo y el peso dramático de la película recae en la heterogénea interpretación de Adams. Ella sirve de contrapeso, de baza emocional frente a las referencias científicas. Pero he de admitir la aportación de Renner con el enfoque que va dando a su carrera, que si bien me parecía plagada de actuaciones insulsas va dotándola de mejores actuaciones. En este caso su papel es mucho menos dependiente de la acción física, e irónicamente la física es la especialidad de su personaje.

Esta es una propuesta que se sale de lo convencional siendo modesta, hollywoodiensemente hablando, me ha fascinado y satisfecho. Aunque repite el manido discurso que nos dice que siempre son los yankis los que tiran del carro o se cargan el destino del mundo a sus espaldas. Pese a esto último, ¿tendrán que ver las diferencias del filme con que el director sea canadiense y no estadounidense? Os encontraréis con peculiares naves como hechas de piedra de pizarra, con la forma de un elipsoide de revolución. Tropezareis con un modo de proceder alejado del mundo precipitadamente bélico en el que vivimos. Y os toparéis también con un nuevo orden mundial, pero no me atrevo a decir más pues la película tiene varias cosas que exponeros y desvelaros. La mejor manera de descubrir a qué me estoy refiriendo es aceptar la llamada de ‘La llegada’ e ir al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Arrival. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Denis Villeneuve. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang). Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma. Producción: Paramount, FilmNation, Lava Bear Films, 21 Laps Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, thriller. Web oficial: http://www.arrivalmovie.com/

Crítica: ‘Un traidor como los nuestros’

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Gail (Naomie Harris) y Perry (Ewan McGregor) son una joven pareja inglesa que durante sus vacaciones en Marrakech entablan amistad con Dima (Stellan Skarsgård), un millonario que resulta ser miembro de la mafia rusa. A cambio de conseguir asilo político en Inglaterra, Dima está dispuesto desvelar todos los secretos de la organización criminal. Perry y Gail pronto se verán atrapados entre la mafia rusa y el Servicio Secreto Británico, envueltos en un juego mortal del que no hay salida.

Crítica

Un moderado thriller de presiones y traiciones.

John le Carré puede decir que otra de sus obras ha sido llevada a la gran pantalla. Seguro que alguna habréis visto ya que son grandes conocidas: ‘El topo’, ‘El sastre de Panamá’ o ‘El jardinero fiel’. Al igual que en muchas de sus obras, en ‘Un traidor como los nuestros’ nos encontramos un juego de espías, pero en esta ocasión tenemos a unos espías involuntarios sumergidos en una trama de traiciones.

Los personajes de Ewan McGregor y de Naomie Harris son dos civiles normales y corrientes, con sus problemas personales (aquí reflejados sin gran relevancia) y sus aspiraciones en la vida. Tienen la suerte o desgracia de cruzarse con un mafioso ruso (Stellan Skarsgård) que les engancha para cambiar por completo sus vidas.

Ya hemos visto películas semejantes, en las que personas normales y corrientes tienen que trabajar al servicio de su gobierno, sirva de ejemplo ‘9 días’ con Chris Rock y Anthony Hopkins. Aunque con un tono distinto el filme de Susanna White refleja las tensiones que podrían vivir este tipo de personas al adentrarse en un mundo tan radicalmente diferente al suyo.

Este es un thriller con todas las de la ley. Pero no es una película de suspense, en todo momento White y su guionista (Hossein Amini) ponen las cartas sobre la mesa. Tampoco podemos decir que sea una película muy tensa. Con lo que nos distrae es con el desasosiego que sufren sus personajes, con la posibilidad de que todo se trunque a la primera de cambio. Con esto y con la interpretación de Skarsgård, muchísimo más apreciable en versión original gracias al acento ruso que emplea, recordemos que él es sueco. Tanto ese actor como Damien Lewis deberían ser la cabeza de cartel de este filme.

‘Un traidor como los nuestros’ peca de caer en más de un tópico del género pero también nos congratula con una historia ligeramente diferente a las habituales. Realmente la acción es escasa. No se basa en persecuciones o en tiroteos. Se basa en falsedades, tejemanejes y negociaciones. Se centra en exponer como una pareja de civiles es usada como una marioneta manejada por dos titiriteros. Desarrollando aún más esa idea se evidencia como una persona en esa situación puede sufrir tal tensión que los hilos se romperían y surgiría el riesgo de que actuase libremente.

¿Aporta algo nuevo? Es una aleación más del cine de espías y de mafiosos ubicada en un marco actual. Actualidad que está comandada por los bancos y el dinero y que tiene aquí una ligera crítica haciendo casi más hincapié en la corrupción sistémica que sufrimos.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Our kind of traitor. Duración: 107 min. País: Reino Unido. Director: Susanna White. Guión: Hossein Amini (Novela: John le Carré). Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Damian Lewis, Naomie Harris. Producción: The Ink Factory, Potboiler Productions. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial: http://www.ourkindoftraitor-movie.com.au/showtimes

Coloquio con Whit Stillman (‘Amor y amistad’)

«El humor de Jane Austen es como el de Oscar Wilde pero 80 años antes»

Acudimos en el día de ayer, jueves 10 de noviembre de 2016, a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas para encontrarnos con el director Whit Stillman (‘Metropolitan’). Antes de eso pudimos ver su última película y motivo de su visita, ‘Amor y amistad’, tenemos su crítica aquí.

El filme cuenta con nombres conocidos como Kate Beckinsale, Chloë Sevigny o Stephen Fry. Adapta un relato de Jane Austen, ‘Lady Susan’, y nos narra la historia de Lady Susan Vernon, una bella viuda que visita la casa de campo de su familia política con el fin de buscar marido para su hija.

Han sido diez años para gestar el guión de esta obra. Según Stillman a la única actriz que tenía en mente para la filmación era Beckinsale pero le parecía demasiado joven. Tras pasar diez años la actriz alcanzó la edad necesaria para interpretar el papel. Durante el devenir de esta película el director ha encontrado problemas y puertas cerradas pues según él le amonestaban diciéndole que “no podía hacer una película con dos mujeres tan malas”.

El director estadounidense hizo gala en todo el acto de un buen humor inglés, estuvo cómicamente crítico y sarcástico consigo mismo. Precisamente el humor es una parte indispensable de su película: “el humor de Jane Austen, en cuya obra se basa la película, es mordaz y divertido. Como Oscar Wilde, pero 80 años antes”.

Como hemos mencionado, el guión ha tardado mucho en nacer. Esto ha sido debido a que Stillman lo ha escrito a ratos. Lo curioso de todo es que en el tramo final del proyecto, gracias a la improvisación de sus actores, se ha cambiado mucho de lo fijado como definitivo. «He trabajado durante diez años en el guión de la película, y en seis semanas de rodaje escribimos un tercio de la película» declaró Stillman. Ha sido tan cambiante el trazado de esta película que, de hecho, según él «al principio pretendí hacer una obra de teatro con ‘Amor y amistad’, pero me di cuenta al escribir de que estaba haciendo montaje».

En el evento contamos con la presencia de miembros de la Jane Austen Society. A este grupo estaba muy agradecido el director pues según él les han ayudado mucho. Pero también advirtió que los más fervientes seguidores de la escritora encontrarán sus discrepancias al ver la película.

Crítica: ‘Amor y amistad’

 Sinopsis

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Ambientada en 1790, Amor y amistad (Love & Friendship) cuenta la historia de Lady Susan Vernon. Una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un marido para su hija.

Adaptación del relato corto de Jane Austen, ‘Lady Susan’.

Crítica

Un enfoque insólito para una obra de Jane Austen.

Muchos años de trabajo intermitente han llevado al director Whit Stillman a escribir y dirigir su primer guión adaptado. ‘Amor y amistad’ es la filmación que se basa en una novela que Austen escribió pero no llegó a titular, lo haría posteriormente su sobrino bajo el título de ‘Lady Susan’.

Como es de imaginar, Lady Susan (Kate Beckinsale) es la protagonista de esa obra. En el trabajo de Stillman nos encontramos con que no todo se basa necesariamente en ese personaje pero su intervención es constante y a veces secreta. Beckinsale encarna a una dama capaz de manipular desde la discreción, la sutileza, el coqueteo y la circunspección. Ella es una cautivadora y persuasiva mujer que juega a un complejo ajedrez con sus familiares y conocidos.

La obra conserva una gran comicidad, en muchas ocasiones sello de Jane Austen. Al ser una novela inacabada Stillman ha tenido margen para improvisar o modificar a placer. Nos ofrece así una obra personalizada en la que la naturalidad interpretativa de sus actores eleva la calificación del filme. El más gracioso de todos, sin lugar a dudas, es Tom Bennett en el papel de Sir James. Su vis cómica, cercana a la del comediante Ricky Gervais, aporta un tono inusual para una obra surgida a partir de las palabras de Austen. Muy apropiados y acertados todos los matices cómicos de la cinta. Por supuesto el amor y el orgullo son el eje central de la obra, como no podría ser de otra manera.

Tal vez en algunos compases del largometraje suframos una serie de múltiples escenas, fruto de la materialización de las epístolas, que nos resulten excesivamente breves o rápidas. Pero el guión de ‘Amor y amistad’ tiene mucho que admirar ya que parte de un conglomerado de cartas y su construcción no debe de haber resultado sencilla.

El equipo de la película nos traslada a otra época gracias al diseño de producción y la puesta en escena. Tanto las luces empleadas, como el vestuario femenino, como la música barroca (anterior a los años en los que está ambientado el filme) nos hablan de cuál es la atmósfera y los sentimientos que reinan en cada momento.

Esta es una comedia de situación, pero de situaciones de otra época. Posee muchas argucias y sutilezas aderezadas de un humor refinado. No hay que ser muy seguidor de Austen para degustarla pero si ser partidario de este tipo de comedias románticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Love and friendship. Duración: 94 min. País: Irlanda. Director: Whit Stillman. Guión: Whit Stillman (Jane Austen, adaptación de «Lady Susan»). Música: Mark Suozzo. Fotografía: Richard Van Oosterhout. Reparto principal: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, Emma Greenwell, James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark, Lochlann O’Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill, Ross Mac Mahon. Producción: Blinder Films, Chic Films, Revolver Amsterdam. Distribución: Avalon Distribución Audiovisual. Género: comedia, romance. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/amor-y-amistad-love-and-friendship

Crítica: ‘El ciudadano ilustre’

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Daniel Mantovani es un Premio Nobel de Literatura argentino que vive en Barcelona desde hace décadas. Sus novelas se caracterizan por retratar con crudeza la vida de su pequeño pueblo, al que no ha regresado en 40 años. Un día llega una carta invitándole a recibir la distinción de Ciudadano Ilustre y sorprendentemente decide volver. En el pueblo, a su llegada, no lo reciben con el entusiasmo y cariño que se esperaba.

Crítica

La gracia de ver a un gran ego en un pequeño pueblo.

Justo ahora que ha surgido el debate por el nombramiento del Nobel de Literatura (Bob Dylan) y el de La Paz (Juan Manuel Santos) vengo a hablaros de un filme que habla sobre un ficticio y también polémico ganador de tan excelso reconocimiento. Daniel Mantovani (Óscar Martínez) es un escritor de renombre que recibe el Nobel de Literatura y da un discurso contestatario en la ceremonia de entrega, haciendo alarde de su fuerte personalidad controvertida. ‘El ciudadano ilustre’ plantea la situación agridulce de alguien que ha tocado techo en su carrera pero que no se siente dichoso ni recibe un reconocimiento unánime. De este modo los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, pareja ha dado luz a títulos como ‘El hombre de al lado’ o ‘El artista’, plantean una situación agridulce y hacen uso de una ironía y un sarcasmo que están presentes durante toda la cinta.

Casi siempre se da por hecho que cuando un autor basa su arte en su ciudad natal, ambos están congratulados, que se sienten orgullosos de ese vínculo al cien por cien, pero ¿y si no es así? El escritor en cuestión vuelve a su tierra natal picado por la curiosidad, se adentra en la senda del reencuentro con su pasado y de la inspiración literaria que le falta, pero no le llega todo del modo que espera. Se nos muestra un pedazo de la Argentina humilde, y campechana. Esta sátira de la cúspide cultural sirve también como un retrato naturalista de esa sociedad latina. Están presentes elementos como el orgullo del hombre rural, el mate, el fútbol, la religión, la incultura… Todo esto choca como un vendaval que se va embraveciendo poco a poco en el sentido contrario al que lleva nuestro escritor, un aburguesado en Europa.

Óscar Martínez, protagonista no solo por su guión sino también por su interpretación, deja patente que está en su elemento. Maneja este tipo de comedia perfectamente. Puede ser capaz de encarnar las tragedias más humanas, como vimos ‘El espejo de los otros’, pero a la vez de hacer uso de un humor reflexivo y mordiente. El otro gran nombre de la película es la española Nora Navas, pero su papel dista de tener mucho peso, es casi anecdótico.

En ‘El ciudadano ilustre’ encontramos una comedia casi negra donde se mezcla la mordacidad con la tragedia. Según nos aproximamos al final de la cinta el drama vence a la comedia, pero género que me viene a la mente tras finalizarla es el de “drama burlesco”.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: El ciudadano ilustre. Duración: 118 min. País: Argentina. Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Fotografía: Mariano Cohn. Reparto principal: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D’Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera. Producción: Aleph Media, Televisión Abierta, A Contracorriente Films, Magma Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/629/el-ciudadano-ilustre/

Crítica: ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’

 Sinopsis

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A Sara le gusta planificar y quiere todo salga perfecto para la visita de su novio que lleva un año fuera.  Pero una semana antes de su llegada, la vida de Sara, y su piso, se convierten en un caos. Sus padres al borde del divorcio y una hermana menor a punto de casarse con Aarón, un famoso cantante que resulta ser el amor de instituto de Sara. ¿Qué ha hecho mal para que el karma le devuelva todo esto?

Crítica

Colores pastel para un pastelazo moderno.

Verónica Echegui ya nos ha demostrado ser una actriz cualificada para despuntar en diferentes registros (‘Yo soy la juani’, ‘Verbo’, ‘Kamikaze’). Aquí hace honor a ese concepto que tenemos de ella incorporando a su currículo el haber interpretado a un bicho raro o peculiar. Lástima que la película de María Ripoll no esté a la altura.

Este es un filme de situaciones surrealistas, en ocasiones llevadas al extremo. La mayor de ellas, la que parece más difícil de creer y esta forzada al límite es la que sucede en la escena final. Reina el humor verde, disparatado y tontorrón. He de reconocer que las pocas veces que se sale de estos calificativos me he reído, pero el resto de gags acaban siendo cargantes. Como mayor representante de este tipo de humor está Alba Galocha que es la que tiene más chistes picantes e incluso ordinarios.

‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’ está basada en una novela éxito de ventas salida de la mente de Laura Norton. Está hilada con la voz en off de la protagonista y posee un diseño de producción muy cuidado y astutamente estudiado. Es moderna y vintage al mismo tiempo, es decir está a la moda y además tiene moda. ¿Qué nos sugiere todo esto? Pues que se ha hecho para simpatizar con una corriente, llámese moderna, cool o hípster que tiene como centro epicentro el madrileño barrio de Malasaña. La película fluye por sus calles y está en boga, pero solo con ambientación no se logra todo.

Cuesta identificarse o empatizar con los protagonistas, salvando a los de Echegui y Jordi Sánchez. El ritmo no está descuidado, aunque no me refiero precisamente al musical ya que está repleta de canciones de rima fácil. Las incoherencias en el guión tampoco están ausentes al igual que algunos fallos de raccord, tanto visual como emocional.

El título está más que justificado. La protagonista sufre las consecuencias de lo que hace o más bien de lo que se deja hacer. Durante todo el largometraje se nos transmite el mensaje de que hay que lanzarse y vivir la vida sin preocuparnos de porque nos pasan las cosas o de a dónde nos llevarán nuestros actos. Es decir, que no seamos gilipollas y no tengamos miedo del karma. Por lo demás yo no sé si no soy moderno o no tengo sentido del humor que ahora es popular, no me parece en exceso graciosa. Al margen de mi gusto personal no me ha parecido tampoco un buen producto cinematográfico.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre. Título original: No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Duración: 94 min. País: España. Director: María Ripoll. Guión: Carlos Montero, Breixo Corral. Música: Simon Smith. Fotografía: Pau Castejón. Reparto principal: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Alba Galocha, Jordi Sánchez, Cecilia Freire, Elvira Mínguez. Producción: Zeta Cinema. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, romance.

Crítica: ‘Anomalous’

 Sinopsis

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David, un joven que padecía una extraña variante de esquizofrenia, ha aparecido muerto en su bañera de forma terrible. Se sentía perseguido y amenazado por una presencia que era incapaz de definir. Todo coherente con su enfermedad. Su psiquiatra, el doctor Friedhoff, consciente de sus escasos progresos, decidió someterle a una novedosa e inusual terapia: que se grabase en vídeo, él mismo, durante una semana. Siete días de su vida normal, cotidiana, tratando de captar esa presencia a través del ojo frío y objetivo de la cámara. El médico pretendía así demostrarle que todo lo que le sucedía no era más que fruto de su imaginación, de su mente alterada y enferma.

Crítica

Intrigando y sorprendiendo, realmente es anómala.

No son pocas las veces en las que nos encontramos que un producto de menor presupuesto resulta mucho más satisfactorio que las grandes superproducciones. ‘Anomalous’ es uno de esos casos en los que gratamente vemos que no se abusa de los efectos generados por ordenador ni se busca el susto fácil para conseguir mantener atento al espectador.

No es una película de terror, y menos es de esas que se basan solo en los sobresaltos, que algunos tiene. Tampoco penséis que es del estilo ‘Paranormal Activity’ o ‘El proyecto de la bruja de Blair’ por eso de que emplea, solo en parte, el metraje encontrado. Este largometraje es un thriller psicológico a medio camino entre ‘Los límites de la realidad’ y ‘Fringe’. Se une el tema parnormal con un asunto psicológico y policial. Podría ser un relato moderno de Allan Poe por el uso que hace de las triquiñuelas de la mente humana y de lo paranormal.

Tanto el director Hugo Stuven, como los actores Christy Escobar (‘Bindspot’) y Edgar Fox (‘The american west’) están ante su opera prima, en lo que a largometrajes se refiere. Presentan algunas de las pifias de los primerizos, pero pasan bastante desapercibidas ante el buen hacer demostrado tanto en el set de rodaje como en la postproducción. La cinta posee un buen equilibrio entre el rodaje tradicional y el metraje encontrado, del cual no abusa. El diseño de producción tiene muy buena hechura y el ritmo aplicado resulta extraño, opresivo, de manera que consigue incomodar al espectador tanto o más de lo que están alguno de los personajes. Ofrece constantemente vistas contrapuestas, va cerrando los planos y juega con los sonidos para poco a poco crear un ambiente cada vez más pesado e incómodo. Con estas técnicas y con todas las intrigas que va generando el guión, consigue que la duda del culpable sea también la duda del espectador.

Antes de cerrar esta crítica no puedo evitar señalar el cuidado trabajo de Lluis Homar haciéndonos viajar por la evolución de un personaje elaborado y que tiene que mostrar varias caras. Muy bien en eso de mantener el tipo, muy fría Christy Escobar, con un carácter bastante similar al que originalmente tenía Olivia Dunham en Fringe, la serie de J.J. Abrams. Y dicho sea de paso muy teatral el papel de Edgar Fox haciendo de esquizofrénico, teniendo que realizar la difícil tarea de actuar prácticamente siempre solo fingiendo estar con alguien.

Si tuviese que definirla con una sola frase, excluyendo el titular empleado, sería: óptima para los fans del misterio y de lo oculto.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre 2016. Título original: Anomalous. Duración: 96 min. País: España. Director: Hugo Stuven. Guión: Hugo Stuven, David Zurdo, Fernando Acevedo. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Lluis Homar, Christy Escobar, Edgar Fox, Adria Arjona, Ben Temple. Producción: Numérica Films, Visiona Tv. Distribución: World Line Cinema. Género: thriller psicológico, fantástico. Web oficial: www.facebook.com/AnomalousTheMovie/

Crítica: ‘Jack Reacher: nunca vuelvas atrás’

Sinopsis

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Jack Reacher, ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados. Basada en la obra de Lee Child, «Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás» que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre Jack Reacher y que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo.

Crítica

Compro al Smulders el resto te lo quedas.

‘Jack Reacher’ surgió hace cuatro años para devolvernos al Tom Cruise más luchador y fuera de la ciencia ficción de los últimos años, al margen de su Ethan Hunt de ‘Misión Imposible’. Edward Zwick (‘El caso Fisher’) ha cogido el relevo de Christopher McQuarrie (‘Misión Imposible: nación secreta’) y lo cierto es que me cuesta decidir quién ha hecho mejor o peor trabajo. Lo que sí que es seguro y obvio es que al libreto se ha mantenido al mismo responsable, Lee Child, que intenta crear saga cinematográfica con este segundo trabajo basado en sus novelas. Si tengo claro que en conjunto la primera parte fue mejor y que consiguió intrigarme más desde el comienzo con la escena del francotirador. Dentro de lo que hoy clasificamos como “cine palomitero” están tanto la película del 2012 como la que se estrena este año. Peleas, disparos, persecuciones, explosiones… lo clásico en una película de acción.

En esta ocasión el personaje de Cruise tiene un cariz más humano, menos impasible y calculador. Este trotamundos que parece pertenecer al Equipo A sigue haciendo justicia a mamporro limpio y procurando no dejar huellas. Usa menos el arte marcial del Keysi y ese es otro atractivo perdido, aunque las coreografías de las peleas siguen siendo buenas y los tiroteos bastante convulsos.

Probablemente para aportar una variable más impredecible en la vida de este cuidadoso exmilitar se incluye al personaje de Danika Yarosh, que tiene un registro muy diferente al que le vi en ‘Heroes Reborn’ o al de ‘Shamless’. Su inclusión me parece bastante poco meditada y su relevancia es rebatible. El otro rol femenino importante de la película si está planteado de un modo bastante más consistente. Cobie Smulders se postula como una de las nuevas heroínas del cine de acción tras este trabajo y lo que la hemos visto anteriormente como agente de S.H.I.E.L.D. Tiene todas las características para poder protagonizar una cinta como protagonista y ofrecernos algo disfrutable, revindicando así el papel de la mujer dentro de este género. Esta película podría haber llevado también el nombre de su personaje, algo así como ‘Reacher y Turner’. Aldish Hodge, Patrick Heusinger y Robert Knepper completan un reparto bastante consistente para el menester de este filme.

Habrá discusión sobre si esta entrega es más o menos inconexa que la anterior, pero me parece indiscutible que ambas se hacen muy pesadas de seguir con su duración que ronda las dos horas. Tiene las incongruencias de las películas de este género que a mí personalmente me suelen parecer descuidos que demuestran una carencia total de afecto e interés por el producto final.

Pese a carecer de declaración de intenciones funciona bien como película de acción y sirve como película independiente de la otra. Este filme, que digamos que sigue la estela de otras sagas como el Borune de Matt Damon, podría tener sus continuaciones, sobre todo si se la sigue produciendo el propio Cruise.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: Jack Reacher 2: Never go back. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael Papajohn, Patrick Heusinger. Producción: Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jackreacher.es/

Crítica: ‘Sully’

Sinopsis

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El 15 de enero de 2009, el mundo fue testigo de “El milagro del Hudson” cuando el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión averiado sobre las gélidas aguas del río Hudson, salvando la vida de las 155 personas a bordo. Sin embargo, mientras Sully era aclamado por el público y por los medios por su hazaña nunca vista en habilidades de aviación, se desarrolló una investigación que amenazaba con destruir su reputación y su carrera.

Crítica

Héroe hasta que se demuestre lo contrario.

Clint Eastwood vuelve a la dirección tras coleccionar éxitos como ‘Million Dollar Baby’ o ‘Gran Torino’, por citar sólo un par, su trayectoria como director nos tiene tan enamorados que podríamos continuar la lista párrafos y párrafos. En esta ocasión se ha enfrentado a la difícil tarea de crear un largometraje a partir de una hazaña de la aviación como fue la del amerizaje en el río Hudson. Las películas sobre aviones son una constante en la historia del cine, pero pocas tienen tanta base real como esta. La cercanía temporal con el acontecimiento denota la falta de originalidad en el cine de Hollywood. Basarse en hechos reales cuando han ocurrido hace realmente poco es tan arriesgado como sencillo. En el caso de ‘Sully’ se cuenta con la novela escrita por el propio Chesley Burnett «Sully» Sullenberger III y el columnista Jeffrey Zaslow, y esto puede ser sinónimo de veracidad. Por otro lado es un acontecimiento que podría no dar para meter mucha paja, algo que temíamos todos y que más adelante rebatiré. Puede que por todo esto estemos ante una película más corta de lo que nos tiene acostumbrados Eastwood, que casi siempre pasa de las dos horas.

Para esta ocasión ha contado con otro incontestable de Hollywood como es Tom Hanks. Aquí no vemos al típico personaje de Hanks con mente ágil y carisma envolvente, esa es una de las razones por las que podemos seguir considerándole un gran actor. Los grandes y pequeños personajes de ‘Sully’ están interpretados por actores harto conocidos como Aaron Eckhart, Anna Gunn, Lura Linney, Mike O’Malley, Chris Bauer o Michael Rapaport. Pero el protagonista indiscutible, como reza el título, es Hanks. Realiza una interpretación dramática, pero desde la contención, sin caer en lloreras o en escenas apasionadas. El suyo es personaje angustiado y atosigado por cumplir su deber y soportar la presión, se sale de lo que le hemos visto en los últimos años (excluyendo ‘Capitán Phillips’).

La cinta pone en cuestión la labor del piloto como ocurrió en los días sucesivos al incidente. Nos induce a dudar si este tenía o no otras opciones viables. Para ello en vez de emplear un montaje lineal, Eastwood ha optado por un método más aturullado. Pesadillas, recuerdos, charlas e investigaciones se mezclan para mostrarnos todas las caras de una proeza como esta. Desde luego una buena parte de la película se va en mostrar el amerizaje y rescate en las aguas del Hudson. Esta es señal de que tampoco podía haber mucho donde rascar. Todo lo narrado al margen de la proeza sirve para acercárnosla a aquellos que no nos enteramos de las causas y repercusiones de este amerizaje. Narra la hazaña sí, pero también narra todas las sensaciones e investigaciones posteriores. Esto le da otra dimensión al suceso, le aporta un sentido más especializado y realista de lo que muchos teníamos en la cabeza. Con todo lo que he mencionado creo que he demostrado que es un filme justificado.
Cuando ocurrió esto a muchos se le pasaría por la cabeza el 11-S y las imágenes que ha rodado Eastwood así lo reflejan, en ese sentido no se ha andado con contemplaciones, no sería propio de él. Y algo que sí es típico en sus películas es el patriotismo, muestra a los norteamericanos como una sola entidad que se ayuda a sí misma y que para más inri lo hace en tiempo récord.

No quiero decir que las películas de superhéroes hayan inventado los easter egg ni la escena postcréditos, ni mucho menos, pero son las que más uso hacen de estos recursos en la actualidad. Sí que puedo decir que ‘Sully’, al tratarse de un filme sobre un héroe, tiene algún huevo de pascua e incluye en sus títulos finales a los protagonistas reales de esta historia.

Podría usar la ya famosa frase del piloto, “prepárense para el impacto”, como herramienta para indicar que esta es una película que puede conmocionar, pero no es para tanto. Esta es una demostración de que no hay ni aeroplanos ni filmes pequeños. La veteranía es un factor muy importante, no sólo a la hora de pilotar correctamente un avión sino también a la de conseguir dirigir una película que sea irrefutable.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: Sully. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Clint Eastwood. Guión: Todd Komarnicki. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington, Chris Bauer, Holt McCallany, Mike O’Malley, Chris Bauer, Michael Rapaport. Producción: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow, Malpaso Flashlight Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.sully-movie.com/

Crítica: ‘La bailarina’

Sinopsis

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«La bailarina» centra su historia en torno al éxito y posterior declive de Loïe Fulle. La joven que llegó a convertirse en un icono de la Belle Époque y en bailarina del teatro de la Ópera de París no dejó nunca de perfeccionar su danza, a pesar de sufrir dolores de espalda y de tener los ojos dañados por las luces del teatro. Sin embargo, todo su esfuerzo se verá amenazado con la llegada de Isadora Duncan, una joven prodigiosa sedienta de éxito que se convertirá en su mayor rival.

Crítica

Más informativa que artística.

Stéphanie Di Giusto se estrena dirigiendo y escribiendo ‘La bailarina’, un filme muy poco ambicioso que viene sacar a la palestra otra figura femenina caída en el olvido. Loie Fuller fue una bailarina y actriz estadounidense que despuntó en Europa por su nuevo concepto de baile, principalmente por el movimiento que realizaba con sus telas y por como jugaba con luces eléctricas de colores. Fue alguien que inventó muchos bailes y que exprimió su imaginación para sacar partido a las nuevas tecnologías (por entonces se comenzaban a instalar redes eléctricas en ciudades y locales).

Con este currículo se podría haber logrado un filme con un mensaje mucho más potente o por lo menos con una moralina más definido. Sin embargo Di Giusto se conforma con hacer más de lo mismo. Mujer que se abre paso en un mundo falocéntrico, persona que quiere hacer algo nuevo y choca contra un muro de conservadurismo… Para tratarse de una película sobre una bailarina rompedora, no rompe los moldes. Este es el relato de una auténtica hacedora de danzas y la película se centra principalmente en la competencia y los achaques físicos que sufrió, además de incluir una historia de amor que no viene al caso.

La actriz que interpreta a Loie Fulle, Soko (‘Her’), guarda cierto parecido con la artista. Si ella fue una gran y exitosa líder, capaz de hacer que muchas la siguiesen la corriente, Soko no ha sabido transmitirlo, no le ha impreso al personaje ni el carisma ni el sentimiento adecuado.

Cuando ella baila la película se transforma en un espectáculo visual de máxima belleza artística. Tenemos imágenes experimentales, estampas bucólicas, bailes desenfrenados… Ahí radica la escasa gracia del largometraje que también tiene una exquisita ambientación con esplendidos decorados y detallado vestuario.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: La danseuse. Duración: 108 min. País: Francia. Director: Stéphanie Di Giusto. Guión: Stéphanie Di Giusto, Sarah Thibau. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: Soko, Lily-Rose Melody Depp, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel, François Damiens, William Houston, David Bowles, Louis-Do de Lencquesaing, James Flynn, Petra Buckova, Frans Boyer, Charlie Morgan. Producción: Les Films du Fleuve, Les Productions du Trésor, Sirena Film, Wild Bunch. Distribución: Vértigo Films. Género: musical, drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/la-bailarina.html

Crítica: ‘Maggie’s plan’

 Sinopsis

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En la ingeniosa comedia romántica moderna de Rebecca Miller MAGGIE’S PLAN, Greta Gerwig interpreta a Maggie Hardin, una neoyorquina de treinta y tantos años, dinámica y práctica, que trabaja en la New School y que, en vista de que no consigue encontrar el amor, decide que ha llegado el momento de tener un hijo por su cuenta. Pero, cuando conoce a John Harding (Ethan Hawke), un “antropólogo fictocrítico” que lucha por triunfar como novelista, Maggie se enamora por primera vez y se ve obligada a modificar sus planes de maternidad. Para complicar aún más la situación, John está casado, aunque no felizmente, con Georgette Nørgaard (Julianne Moore), una brillante académica danesa. Con un coro griego compuesto por los excéntricos y desternillantes amigos de Maggie, Tony y Felicia (interpretados por Bill Hader y Maya Rudolph), observando irónicamente desde el margen, Maggie pone en marcha un nuevo plan que la sume en un tenso triángulo amoroso con John y Georgette, entrecruzando sus vidas y conectándolos de formas sorprendentes y divertidas. Maggie descubre que a veces convendría dejar en paz al destino. MAGGIE’S PLAN es una exploración dulce, sofisticada y divertida de las inesperadas complejidades del romance moderno, que mezcla corazón y humor en una historia sobre la encantadora variabilidad de las relaciones a lo largo del tiempo.

Crítica

Imprevisiblemente graciosa.

La directora Rebecca Miller firma también el guión de esta cinta que tanto en libreto como en dirección es muy recomendable. No se recrea en modas ni en corrientes actuales de cine, si no que se regocija en su propio universo y deja fluir a unos actores que se muestran con total naturalidad. Esta es una sencilla pero ingeniosa historia de personajes urbanitas que nos puede llegar a deleitar con un sentido del humor cuidado y perspicaz.

Como decía los actores que trabajan en ‘Maggie’s Plan’ lo hacen de un modo muy natural y abierto. Greta Gerwig y Julianne Moore representan dos ejemplos claros, realistas y creíbles de lo que es una personalidad femenina fuerte.  Aunque en sus personajes se denota un carácter manipulador, ambas demuestran ser maternales, luchadoras y comprensivas, pero cada una de un modo diferente. Ethan Hawke huye en este filme de los personajes peculiares para adentrarse de nuevo en los complejos. La vis cómica más descarada la aportan los comediantes Maya Rudolph y Bill Hader. Destaca, claro está por su protagonismo, el trabajo de Gerwig ante el del resto de sus compañeros. Con mucha sencillez todos logran agradar.

El ritmo de la película es constante, en ningún momento se dispara ni cae en los códigos de la sitcom. El esperado plan de Maggie tarda como una hora en llegar y eso podría haber hecho que la espera sea aburrida pero se emplean buenas dosis de humor cuya frecuencia decae conforme nos acercamos al final. Miller se toma su tiempo para ponernos en situación y fraguar su película.

Finalmente, lo que tenemos son muchas idas y venidas amorosas. En ese sentido sí que parece una comedia de situación o de enredos. Podríamos decir incluso que, aunque con menos cachondeo, es como una serie que recientemente finalizó y cuya conclusión ni agradó, ni quiero ni nombrar, ni recordar cómo conocí… Este es un filme que trata sobre las casualidades e imprevisibilidades de la vida, tanto las que provocamos como las que llegan por sí solas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: Maggie’s plan. Duración: 92 min. País: EE.UU. Director: Rebeca Miller. Guión: Rebeca Miller. Música: Michael Rohatyn. Fotografía: Sam Levy. Reparto principal: Greta Gerwig, Julianne Moore, Ethan Hawke, Travis Fimmel, Bill Hader, Maya Rudolph, Alex Morf, Jackson Frazer, Mina Sundwall, Leetopher Scott, Tommy Buck, Monte Greene. Producción: Round Film, Specialty Films. Distribución: Sony Pictures. Género: romance, comedia, drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/maggiesplan/

Crítica: ‘Yo, Daniel Blake’

Sinopsis

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Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardiacos, DANIEL BLAKE, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción.

En el transcurso de sus citas al «JOB CENTER», Daniel se cruza con KATIE, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida.

Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

Crítica

Tan insultante y monótona como nuestro sistema actual.

‘Yo, Daniel Blake’ llega para recordarnos, no para mostrarnos, algo que ya sabíamos. Es ofensivo el modo en cómo nos trata nuestro sistema, convirtiendo a las personas en simples nudos de una red que las envuelve y aturulla con trámites cíclicos. Esta película protesta, insulta, a los responsables de esta situación, clamando por funcionarios más humanos y menos sistemáticos. Pero a la hora de plantear este asunto peca de ser excesivamente fiel a la realidad, causando una verdadera sensación de pesadez y rutina.

El filme tiene la virtud de hacérnoslo pasar mal, de reflejar que hay gente buena pasándolas canutas y que, además casi siempre, los buenos son los que lo pasan peor. Aquellos que conocemos la situación que plantea, que tenemos a alguien cercano que la sufre o que simplemente nos molestamos en informarnos en cómo está realmente la sociedad; podemos sentirnos identificados con los protagonistas. Empatizamos con el modo en el que crece poco a poco su desprotección, crispación y desesperación.

Que Ken Loach y Paul Laverty trabajen juntos no es ninguna novedad, son una pareja casi inseparable. Nos narran otro drama actual, un drama que es necesario denunciar, que ocurre también en nuestro país, pero que quizá hubiese necesitado otra técnica para ser contado. Loach ha optado por ir directamente a la raíz del problema, sin andarse con metáforas o excesivas pinceladas de humor. Casi cada escena es un acto de disconformidad en el que no hay opción al debate. Con este guión Laverty nos encandila menos que con trabajos recientes como ‘El olivo’. A ‘Yo, Daniel Blake’ le falta fuerza e intensidad.

El reparto contribuye con su modesto trabajo a retratar a la comunidad del Reino Unido. Los que mejor han entendido estas intenciones son principalmente Dave Johns, que encarna al protagonista, u otros actores como Hayley Squires o Sharon Percy que representan otros eslabones de esa cadena oxidada que lucha por amarrar los disputados benefits.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: I, Daniel Blake. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Director: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Música: George Fenton. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Hayley Squires, Dave Johns, Dylan McKiernan, Briana Shann, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe. Producción: BBC, BFI, Sixteen Films. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://www.facebook.com/IDanielBlake/

Crítica: ‘La Madre’

Sinopsis

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Miguel es un crío de 14 años perseguido por los Servicios Sociales. Su madre, sin trabajo y con una vida personal inestable, es incapaz de ocuparse de él. Por eso le obliga a buscar refugio en casa de Bogdan, un rumano ex amante de ella que vive en una localidad cercana. Todo se precipita cuando la madre desaparece súbitamente.

Critica

Una historia muy real, que muchos chavales sufren.

Un chaval, un menor se tiene que ganar la vida para que no le aparten del lado de su madre.

Esta es la premisa, sencilla, si, pero muy dura, cuando ves que Miguel, hace todo lo posible para no pasar hambre, para tapar que su madre no le trae de comer y no se preocupa del bienestar del chaval, da mucha pena.

Realmente salí de esta película pensando eso, que era una historia muy triste y lo peor de todo que son muchos los casos, que como Miguel, están desatendidos y ellos mismos se llegan a plantear si es mejor una vida así o acabar en un centro para menores, porque realmente la película trata de esto.  Miguel tiene que llegar a sopesar realmente si le conviene seguir viviendo como hasta ahora o abandonar la vida con su madre e intentar tener una suya propia.

Técnicamente la película no es una gran maravilla, es sencilla, sin grandes planos, con una trama demasiado lenta, si, te cuenta todo lo que quiere contarte, pero es demasiado lenta. El papel de Nieve de Medina me ha gustado bastante, un personaje con mucha alegría, que le intenta dar una oportunidad al chaval, pero durante el poco tiempo que le conoce, se da cuenta de que el chaval tiene demasiados problemas como para poder cambiar.

Miguel en sus andanzas huyendo de los servicios sociales, se encuentra de bruces con la realidad, trabajar duro para sacar dinero y de cómo viejos conocidos le cuentan como es su madre y como él va a terminar igual si no decide cambiar su futuro.

Una historia social donde el abandono está muy presente, pero ya no es que la madre abandone a su hijo, o deje de preocuparse si va a comer o no, la película también habla del abandono de ella misma, pues el personaje de Laia Marull se abandona totalmente, llega a su casa a la mañana, se tumba en la cama y se olvida totalmente de todo. Quizá también la película lleve ese ritmo tan pausado, para darnos una visión de las pocas ganas de vivir de esa mujer, de como ha decidido abandonarse a ella y todo lo que hay a su alrededor.

Ficha técnica

Estreno en España: 28 de noviembre de 2016 Título original: La Madre. Duración: 89 min. País: España. Director: Alberto Morais. Guión:  Alberto Morais, Verónica García, Ignacio Gutiérrez-Solana. Música: Xema Fuertes. Fotografía: Diego Dussuel. Reparto principal: Laia Marull, Nieve de Medina, María Abiñana, Sergio Caballero, Javier Mendo. Producción: Coproducción España-Rumanía; Olivo Films / Fundatia Teatru Contemporan / Alfama Films / IVAC / ICAA. Distribución: Syldavia Cinema Género: drama. Web oficial:  http://www.lamadrepelicula.com/

 

Crítica: ‘Hardcore Henry’

Sinopsis

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Minuto 1. No recuerdas nada. Tu esposa (Haley Bennett) te acaba de resucitar. Te dice que te llamas Henry. Cinco minutos más tarde, te han disparado, la han secuestrado y debes rescatarla. ¿Quién la tiene? Su nombre es Akan (Danila Kozlovsky), un poderoso señor de la guerra que cuenta con un ejército de mercenarios y un plan para dominar el mundo. Estás en la, para ti, desconocida Moscú y todos te quieren muerto. Todos, menos un misterioso británico llamado Jimmy (Sharlto Copley). Parece que está de tu lado, pero no estás seguro. Si puedes sobrevivir a la locura y desvelar el misterio, tal vez puedas descubrir la verdad acerca de tu identidad.

Crítica

Especial FPS (Filme en Plano Subjetivo).

De la mano de un desconocido y primerizo en esto de los largometrajes, Ilya Naishuller, nos llega un filme que tiene todos los visos de pasar a engrosar las filas de ese cine que se llama “de culto”, sobre todo para aquellos que son considerados gamers. Partiendo de un planteamiento muy de videojuego, un protagonista en un lugar desconocido y con un pasado desconocido, se nos plantea una historia poco profunda pero muy trepidante.

La cinta está rodada al completo con cámara subjetiva, como si de un juego de tiros en primera persona se tratase, FPS (First Person Shooter) como se conoce en el mundo de los videojuegos. El protagonista de la cinta ha sido reconstruido con partes robóticas y esto nos puede referenciar, cinematográficamente hablando, al ‘RoboCop’ de Verhoeven. Pero si recurrimos al mundo de las consolas tenemos ejemplos más recientes como el ‘Deus ex: human revolution’, al menos en lo que se refiere al cuerpo de Henry. Pero el filme, como es obvio, nos hace retroceder en nuestra memoria de jugones hasta títulos como ‘Half-life’, ‘Counter Strike’, ‘Call of Duty’… pero con el que sin duda tiene más semejanzas es con ‘Mirror’s Edge’, por eso de que hace un uso continuo del Parkour.

Sin embargo, se aleja mucho del tono del último videojuego que he nombrado en el anterior párrafo pues es tremendamente agresiva. En ese sentido está más cerca de producciones como ‘Blood’, ‘Duke Nukem’ o ‘Postal’, sin ofrecer claras referencias a ninguno de estos juegos en concreto. ‘Hardcore Henry’ arranca con unos títulos de crédito que podrían ser obra del propio Tarantino y hace gala durante su más de hora y media de una violencia extrema y explícita. Este aspecto es otra razón más para pensar que los videojugadores serán los que más disfruten el largometraje. Pero también hay hueco para otros elementos famosos en la cultura popular como el Joker, Darth Vader o el tema de ‘Los 7 magníficos’.

Si nos centramos en el funcionamiento de la película nos encontramos con una trama cyberpunk basada en la acción pura y dura. Si tenemos este tipo de historias en un videojuego las disfrutamos pues tenemos el control del protagonista, pero esta fórmula llevada a las claves del cine se puede hacer monótona. Aunque también hay que indicar que están bien contemporizadas las escenas de acción con las “tranquilas”, lo que serían las cinemáticas de los juegos de hoy en día.

En Estados Unidos ha conseguido una recaudación considerable, propiciada sin duda por la originalidad de su planteamiento, aunque ya existían películas como ‘FPS’ realizada en 2014. Sin duda el buen arranque y la buena acogida de este filme también se debe a la presencia de Tim Roth y Sharlto Copley. Aunque es el segundo el que lleva el peso de la cinta y no solo por su talento sino también por la cantidad de papeles que realiza, al más puro estilo del Cylo de los cómics de ‘Darth Vader’. Tienen también algo más de relevancia en la trama la chica del filme, Haley Bennett (‘Los 7 magníficos’, ‘La chica del tren’) y al gran villano o jefe final, Danila Kozlovsky (‘Vampire Academy’), pero no realizan grandes interpretaciones.

A pesar de no tener el presupuesto de una gran superproducción ‘Hardcore Henry’ saca pecho y presenta buena factura, sobre todo buen CGI. Y no debo adular solo a los efectos generados por ordenador, también a los FX tradicionales pues tiene unos cuantos bien realizados.

Pero no todo son laureles, esta película tiene todas las virtudes de un juego en primera persona pero todos sus defectos. A muchas personas les marea ese tipo de juegos y con este largometraje no va a pasar algo diferente. Puede a aturdir tanto movimiento de cámara e incluso molestar con la aberración de distorsión que presenta, como ocurre con muchas filmaciones realizadas con action cameras. Además si nos fijamos bien la altura del protagonista varía en algunas escenas. Hay que mencionar también el montaje pues se notan algunos cortes en los que se delatan bruscos cambios de localización para recrear un mismo espacio.

Es curioso que por lo general (salvo excepciones como ‘Silent Hill’ o ‘Tomb Raider’) el cine que adapta videojuegos suela ser un fracaso y la formula de un buen largometraje haya radicado solo en copiar el estilo, no la historia ni la estética. Así deberían haber sido películas como ‘Doom’. Dicho sea de paso este filme ya ha influido en el mundo de los videojuegos pues hay un DLC surgido a partir de él para PayDay 2. No es de extrañar pues el director de esta cinta fue escritor de ese juego.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: Hardcore Henry. Duración: 96 min. País: Rusia, EE.UU. Director: Ilya Naishuller. Guión: Ilya Naishuller, Will Stewart. Música: Darya Charusha. Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur, Fedor Lyass. Reparto principal: Sharlto Copley, Haley Bennett, Danila Kozlovsky, Tim Roth. Producción: Versus Pictures, Huayi Brothers, Bazelevs Production. Distribución: Diamond Films. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: http://stxmovies.com/hardcorehenry/

Crítica: ‘El contable’

Sinopsis

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Christian Wolff (Affleck) es un erudito de las matemáticas que siente mayor afinidad por los números que por las personas. Bajo la tapadera de una gestoría de un pequeño pueblo trabaja como contable autónomo para varias de las organizaciones delictivas más peligrosas del mundo. Con el Departamento Jurídico del Ministerio de Hacienda dirigido por Ray King (J.K. Simmons) pisándole los talones, se hace cargo de un cliente legal: una vanguardista sociedad de robótica en la que una secretaria de contabilidad (Anna Kendrick) ha descubierto una discrepancia por importe de millones de dólares. A medida que Christian va examinando los libros de contabilidad y aproximándose a la verdad, el número de muertos empieza a aumentar.

Crítica

Prometedora propuesta con perezoso final.

Ben Affleck es alguien capaz de tenerme siempre en un limbo y de mantener una relación de amor odio con los espectadores. Ha convencido tras trabajos interpretativos como el realizado en ‘Batman v Superman’, ‘Argo’ o incluso ‘Dogma’ pero también ha horrorizado con actuaciones como la de ‘Runner, runner’ o ‘Daredevil’. En este caso, su protagonismo en ‘El contable’ pertenece al primer grupo de películas puestas como ejemplo.

Este actor de irregular carrera se enfunda el papel de asesino en la sombra. Nos ofrece un protagonista, escrito por Bill Dubuque (‘El juez’), que resulta ser diferente e incluso tiene carisma, pese a pecar de Robin Hood. Sentimentalmente no habrá tenido dificultades a la hora de interpretarlo pues es alguien taimado, introvertido y casi frío. Tiene el síndrome de Asperger, es autista y posee multitud de manías, rarezas y trucos para mantener su concentración, además de un gran trastorno obsesivo-compulsivo, es decir, un TOC. Esto último permite lucirse algo a Seamus McGarvey (‘Los Vengadores’) con la fotografía incidiendo aún más en la personalidad del personaje de Affleck. Existe a parte algún fotograma notable y muy estudiado, pero por lo general se pierde una oportunidad muy buena de crear un filme más rico, visualmente hablando.

La historia que vive este peculiar contable se desarrolla a la par que se nos van ofreciendo fragmentos de su pasado. Y también paralelamente va sucediendo la trama de otro asesino y de otros personajes que siguen su pista. La película juega mucho con el concepto de rompecabezas y todos ellos son parte de uno que no se resuelve hasta el mismo final. El problema es que esa resolución es demasiado casual. En un esmero de ligar a todos los personajes y de cerrar un círculo han forzado el desenlace de un modo que desafía cualquier tipo de probabilidad.

Como curiosidad, Affleck deja su impronta friki. En un mismo espacio aparecen grapas de Action Comics o un sable laser de Star Wars firmado. Incluso su personaje repite desde pequeño una canción infantil sobre Solomon Grundy, nombre que los lectores de cómics conocerán por ser también un villano de Batman, Green Lantern… del universo DC Comics en general. “Aquí está todo lo que quiero en la vida” dice en una ocasión el contable. Incluso podemos decir que J.K. Simmons ejerce en esta cinta de Comisario Gordon antes de lo previsto y tal vez, para que no resulte ser tan obvio, aparece sin bigote.

En resumen ‘El contable’ sugiere ofrecer una película diferente a las clásicas de asesinos y acción, pero acaba brindando lo mismo. Finalmente queda casi a la misma altura o categoría de películas como ‘Mechanic: Resurection’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: The Accountant. Duración: 128 min. País: EE.UU. Director: Gavin O’Connor. Guión: Bill Dubuque. Música: Mark Isham. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, John Lithgow, Jeffrey Tambor, Cynthia Addai-Robinson, Fernando Chien, Seth Lee, Michael Beasley,David Anthony Buglione, Jason MacDonald, Ron Prather, Alex Collins, Johnny Giacalone, Nick Arapoglou. Producción: WB, Electric City Entertainment, Zero Gravity Management. Distribución: Warner Bros. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.accountantmovie.com/

Crítica: ‘El destierro’

 Sinopsis

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Durante la Guerra Civil Española, Teo está destinado a un fuerte pequeño de vigilancia, que se encuentra en un frío e inhóspito lugar en las montañas. Allí conoce a Silverio, su nuevo compañero, con el que tendrá que convivir durante seis largos meses. Las diferentes personalidades de estos dos hombres, provocarán muchas tensiones, también acentuadas por el espacio limitado. La coexistencia frágil se rompe con la llegada de Zoska, un joven militante que encuentran herida en los alrededores.

Crítica

Conflicto íntimo de intereses, personales y sociales.

Dentro de la Guerra Civil, dentro de cualquier guerra, al margen del drama de las muertes y las rencillas entre hermanos, se vivieron multitud de historias, se produjeron muchos dramas. La historia de Arturo Ruiz Serrano podría haber sido perfectamente uno de ellos pues resulta verosímil y está creada de un modo muy juicioso. Tal y como nos contó en una entrevista durante el pasado Nocturna su productor, Marcos Cabotá, ciertamente la película no trata sobre la Guerra Civil Española, sino que únicamente transcurre durante esa contienda. Se habla de ella obviamente, es un factor a tener en cuenta, pero no es una película bélica.

Transcurre en un pequeño refugio, un minúsculo puesto de guardia rodeado tan solo de ventisqueros y la posibilidad de una muerte indeseable. Un lugar en el que el miedo, el frío y el aburrimiento pueden ser los peores enemigos para un hombre. El guión está cimentado en el enfrentamiento entre aspectos como la lealtad, las creencias, las necesidades humanas o la supervivencia. Su texto, temática y localización convierten a ‘El destierro’ en una película idiosincrásica y en ocasiones muy teatral.

Cuenta para todo esto con un pequeño reparto sobradamente capacitado. Joan Carles Suau ha retratado muy bien a los jóvenes soldados chapados a la antigua del bando nacional. Como contrapunto, aunque perteneciendo a la misma facción, el personaje de Eric Francés representa a aquellos campesinos obligados a enrolarse. La tercera en discordia es Monika Kowalska que tiene más relevancia aquí que en otros trabajos donde la hemos visto, como ‘La puerta abierta’, y lleva perfectamente esa responsabilidad. Todos estos personajes están bien fundamentados e interpretados.

A parte de los actores y actriz que conforman el reparto y de la elaborada dirección, la película tiene muy buen acabado y parte de este resultado proviene de la buena fotografía de Nicolás Pinzón. El mismo director de fotografía de ‘I am your father’ ha aprovechado tanto los inmensos exteriores de la montaña como el claustrofóbico interior del minúsculo fortín.

‘El destierro’ ha sido nominada en festivales e incluso ha ganado algún galardón como el destinado a Nuevo Director en Toulouse y el de Mejor Película de Ficción en Austin. No es de extrañar pues su director, aunque se encuentra ante su primer largometraje, tiene ya un gran bagaje y colección de premios en festivales logrados gracias a sus cortos y a su halagüeño talento.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: El Destierro. Duración: 87 min. País: España. Director: Arturo Ruiz Serrano. Guión:  Arturo Ruiz Serrano. Música: Iván Ruiz. Fotografía: Nicolás Pinzón. Reparto principal: Joan Carles Suau,  Eric Francés, Monika Kowalska. Producción: Arturo Ruiz, Javier Martín, Esteban Crespo, Toni Bestard, Marcos Cabotá. Distribución: Márgenes. Género: drama. Web oficial: http://www.eldestierro.com/

 Crítica: ‘Cuando tienes 17 años’

Sinopsis

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Damien, un joven de 17 años, hijo de un militar y de una médico, vive con su madre mientras su padre está de misión en el extranjero. Él es acosado por Tom, un conflictivo niño que tiene a su madre adoptiva enferma. Esta relación se pondrá a prueba cuando la madre de Damien decide invitar a Tom a vivir con ellos…

Crítica

Contando mucho sin revelar nada.

Solo con bucear en la filmografía de Téchiné, o con ver el cartel de la película, nos encontramos con dos títulos como ‘Los ladrones’ y ‘Los juncos salvajes’. Ya sea por casualidades del destino o por coincidencias literarias lo que podemos ver en ‘Cuando tienes 17 años’ es una mezcla de esto, dos juncos salvajes ejerciendo de ladrones, robándose el corazón. De hecho, este último trabajo tiene más de una confluencia con ‘Los juncos salvajes’ y así ya comenzamos con poca originalidad.

La historia posee dos personajes principales. Lo que ha intentado el cineasta es mostrarnos una búsqueda del yo interior, de la comprensión de los sentimientos propios y ajenos. Dos jóvenes se encuentran comenzando el crepúsculo de su adolescencia y tal y como le ocurre a muchos en la realidad se dedican a pelearse como dos venados que chocan su cornamenta. Están pasando una etapa en la que se sienten violentos con sus sentimientos y lo exteriorizan con violencia. Este es un buen punto por parte de Sciamara y Téchiné. Además ambos están bien interpretados por el suizo Kacey Mottet Klein y el francés Corentin Fila, pero poco más se puede extraer de la cinta.

Se nos presenta más de un aspecto y subtramas verdaderamente irrelevantes para el mensaje y la historia central que nos plantea el filme. Se supone que dichos eventos supondrían un soporte para el desarrollo de la historia pero los personajes se mueven de igual forma fuera de ellos. Son suplementos que lo único que hacen es alargar la película. Igualmente se muestra una confrontación entre los dos protagonistas debido a su estatus social y a su posición familiar. Estas dos condiciones tampoco parecen influir en el resultado de la relación entre ambos pues no se ofrece una razón clara para salvar esta barrera. A pesar de todo el pasteleo, las idas y venidas, las desavenencias de la juventud y al casi costumbrismo mostrado, la historia resulta ser insípida.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: Quand on a 17 ans. Duración: 116 min. País: Francia. Director: André Téchiné. Guión: Céline Sciamara., André Techiné. Música: Alexis Rault. Reparto principal: Kacey Mottet Klein, Corentin Fila, Sandrine Kiberlain, Alexis Loret, Jean Fornerod,Mama Prassinos, Jean Corso. Producción: Fidélité Films, Wild Bunch, France 2 Cinéma. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/cuando-tienes-17-anos.html

Crítica: ‘Snowden’

Sinopsis

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Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro – renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida, y a su patria.

Crítica

Tan escabrosa como necesaria.

Oliver Stone vuelve a poner dedo en la llaga y no se anda ni con rodeos ni con tabúes. Vivimos en una época en la que la gente publica constantemente sus vidas en las redes sociales, en la que estamos rodeados de cámaras, en la que nuestros perfiles de nuestras videoconsolas son hackeados o las personas son suplantadas en Internet, por poner algunos ejemplos. La película del director de ‘Platoon’, ‘JFK’ o ‘World Trace Center’ pone de manifiesto la necesidad de gente como Snowden, como los integrantes de WikiLeaks o Anonymous que velan, no por nuestra seguridad, si no por nuestra privacidad y derecho a conocer la verdad.

Podemos pensar que la línea entre ficción y realidad esté poco definida al tratarse de una película tan larga como esta, pero debemos considerar que es un tema extremadamente contemporáneo como para jugársela con eso. Por otro lado está basada en varios trabajos escritos como la novela del abogado de Snowden, Anatoly Kucherna, titulada ‘The time of the octopus’ o el reportaje ‘The Snowden Files’ de Luke Harding, reportero de The Guardian. Quizá por eso sea también demasiado aventurada, es muy actual y el caso de Snowden está por resolverse. Puede que también esto ayude mejorar el desenlace de los acontecimientos y tal vez por ello el propio Snowden se ha prestado a aparecer en los compases finales de la cinta.

Existe una película documental muy premiada y reciente, ‘Citizenfour’, que muestra la entrevista realizada a Snowden en China por la documentalista Laura Poitras junto al columnista Glenn Greenwald y el periodista Ewen MacAskill. Esta entrevista sirve de flashforward y de hilo conductor para este nuevo filme que culmina con la publicación de los documentos que han convertido a Edward Snowden en un refugiado en Rusia.

Joseph Gordon-Levitt interpreta a un joven conservador que quiere servir a su país. No es alguien que quiera perjudicar a Estados Unidos o que sea un antisistema, una idea que seguro que muchos tienen preconcebida en su cabeza y que resulta otro atractivo de esta película. Además, el actor de Los Ángeles ha empleado una modificación de su voz bastante fiel a la del exanalista de la CIA. Su interpretación es el centro del filme, pero viene acompañado de buenos nombres como Melissa Leo, Zachary Quinto, Shailene Woodley, Rhys Ifans, Tom Wilkinson, Timothy Olyphant o Nicolas Cage, este último con un papel muy limitado, tranquilos.

Como muchas veces sucede, los rostros famosos y la puesta en escena de una película puede restar importancia al guión, al mensaje que se lanza. No olvidemos que este es un hecho real, que podemos buscar miles de titulares relacionados y publicados por todo el mundo. No salgáis con miedo de la sala de cine ni corráis a tapar la webcam de vuestro portátil. Observad la denuncia de esta película, informaos y reflexionad, pues hay gente que está haciendo temblar a aquellos que pensamos que velan por nuestra seguridad cuando lo que buscan es tener constantemente el control.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Snowden. Duración: 134 min. País: EE.UU., Alemania, Francia. Director: Oliver Stone. Guión: Oliver Stone, Kieran Fitzgerald. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olyphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymes Butler, Ben Schnetzer. Producción: Open Road Films, Onda Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: basada en hechos reales, thriller. Web oficial: https://snowdenfilm.com/

Crítica: ‘Inferno’

Sinopsis

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El ganador del Oscar® Ron Howard vuelve para dirigir la última entrega de la multimillonaria serie de bestsellers de Dan Brown (El Código Da Vinci) protagonizada por Robert Langdon, Inferno, en la cual el famoso profesor de simbología (nuevamente interpretado por Tom Hanks) se encuentra tras el rastro de una serie de pistas conectadas con el mismísimo Dante. Cuando Langdon despierta con amnesia en un hospital italiano, hará equipo con Sienna Brooks (Felicity Jones), una doctora de la que él espera le ayude a recuperar sus recuerdos. Juntos recorrerán Europa en una carrera a contrarreloj para desbaratar una letal conspiración global.

Crítica

Manteniendo el tipo con un carismático pero desgastado protagonista.

Dante ya lo dijo en ‘La divina comedia’, “a quien mucho se le da, mucho se espera de él”. Tanto a Dan Brown como a Ron Howard se les ha dado mucho bombo y reconocimiento por las dos obras que han llevado juntos al cine y por eso son grandes las expectativas depositadas en un filme como ‘Inferno’. Al igual que en ‘Ángeles y Demonios’ serán muchos los que rechacen la nueva adaptación, pero también surgirán espectadores que disfrutarán de ella pues como película independiente es una buena producción. Sin embargo en esta ocasión estamos ante una película menos elaborada y reveladora que ‘El código Da Vinci’ pero más seductora e interesante que ‘Ángeles y demonios’. Por lo tanto, podemos ir adelantando que es peor que la primera entrega y ligeramente mejor que la segunda, aunque no presente grandes interpretaciones.

Robert Langdon sigue con sus gymkanas y en esta ocasión el asunto se torna más personal, algo que a resumidas cuentas resulta ser una virtud del filme. Si en el primer capítulo de sus aventuras cinematográficas trataba de descubrir un secreto ancestral y en el segundo corría para salvar al Vaticano, en esta entrega hemos ido a más y lo que intenta es librar a millones de personas de la muerte. Ya se ha perdido el encanto que tenía este profesor pues la gracia residía en que se empleaban elementos reales e históricos para generar una búsqueda, y dicho sea de paso, se tenía más respeto por el arte. ‘Inferno’ no es una carrera por resolver un misterio, no es la busca y captura de unos villanos conspiradores, es la huida del protagonista mientras intenta salvar a la humanidad y descifra por el camino algún que otro acertijo.

Otro valor añadido es que la historia comienza de un modo muy diferente al de las otras dos películas, introduciendo a nuestro protagonista en un entramado en el que no quiere ni recuerda entrar. Gracias a este cambio en la mecánica de las aventuras de Robert Langdon tenemos una visión de un personaje más madurada y en cuya vida personal se indaga algo más. Pero en su desarrollo, ‘Inferno’ presenta conversaciones forzadas o con incoherencias, aunque por supuesto no tiene despropósitos como el pretender encerrar una partícula de antimateria en un minúsculo contenedor portátil.

David Koepp ha escrito este filme en solitario tras colaborar con Akiva Goldsman (‘El código Da Vinci’) en ‘Ángeles y demonios’. En esta nueva adaptación de una obra Dan Brown Ron Howard ha sabido sacar más partido a las novelas con su espectáculo visual (fotografía, puesta en escena, localizaciones…) que Koepp con su guión. Las visiones de Langdon recreando en la actualidad el infierno de Dante pintado por Botticelli son chocantes. Hans Zimmer también recicla sus fuentes empleando el famoso tema ‘Chevaliers de Sangreal’ y por desgracia lo transfigura. Ha denigrado el gran trabajo que hizo en ‘El código Da Vinci’ creando a partir de él una banda sonora notablemente peor.

No he leído la novela homónima, pero me he molestado en conocer el final de ella. El filme no se moja con la conclusión del libro, no se atreve, cayendo así en uno de tantos tópicos que arrastra esta ‘saga’, literalmente inmolando la originalidad de la obra escrita. Puede ser por eso de pretender resultar más familiar, aunque tiene imágenes más cruentas que sus predecesoras, no entiendo el ratio de edad al que se le ha asignado (PG-13).

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Inferno. Duración: 122 min. País: EE.UU. Director: Ron Howard. Guión: David Koepp. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Tom Hanks, Felicity Jones, Ben Foster, Sidse Babet Knudsen, Omar Sy, Irrfan Khan, Ana Ularu. Producción: Imagine Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller. Web oficial: http://www.infernomovie.net/

Crítica: ‘Fuego en el mar’

Sinopsis

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La isla de Lampedusa es el punto más meridional de Italia, que desde 1990 se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas.

En poco más de 20 años, más de 20.000 personas se han ahogado durante la travesía para alcanzar lo que para muchos supone una vía de entrada a Europa, y que les debería permitir escapar de la guerra y del hambre.

Samuele vive en la isla, tiene 12 años, va a la escuela y le gusta tirar con la honda e ir de caza. Le gustan los juegos de tierra, pese a que todo a su alrededor habla del mar y de los hombres, mujeres y niños que intentan cruzarlo para llegar hasta allí.

Crítica

Huyen de la miseria, buscan misericordia.

Llega a nuestras salas la película italiana seleccionada para la 89 edición de los Oscar, al menos a día de hoy (11 de octubre de 2016) ‘Fuego en el mar’ está en condición de preseleccionada, no es aún una de las candidatas finales. He de indicar de antemano que, aunque este es un filme estremecedor, humano y profundo no me parece tan rompedor como para alcanzar el Oscar a Mejor Película en Habla no Inglesa, pero el tiempo dirá y ojalá que me equivoque pues el tema se merece la mayor difusión.

Viendo ‘Fuego en el mar’ podemos llegar a sentir vergüenza al ver como aquellos que son nuestros semejantes alcanzan la costa de nuestro continente y son olvidados por la opinión pública tras los noticieros que nos lo hacen saber. Gracias a este documental somos testigos directos de cómo se les rescata, se les registra y atiende. Sin duda Gianfranco Rosi se ha colocado en una posición difícil pero necesaria para filmar la película. Algunas imágenes rodadas son desgarradoras. El que no salga conmocionado con este documento puede decir que no tiene corazón.

La isla vive una dicotomía horrenda y eso es lo que nos muestra Rosi. Aunque parezca que todo gira en torno al mar y a los inmigrantes que llegan a través de él se nos ofrece la visión de un niño lampedusano que está más apegado a la tierra, estando rodeado de habitantes y tradiciones marineras. Una visión cándida e ingenua que contrasta con un gran drama. Durante sus pillerías con el tirachinas o sus escapadas para jugar con pájaros, decenas de personas cruzan desesperadamente el mar, gran parte muere. Un locutor de radio local, un ama de casa, un pescador… todos ellos siguen con sus quehaceres en una isla asaltada por la tragedia de los que huyen por pura necesidad. Es penoso el sincero testimonio del doctor, Pietro Bartolo, que se encuentra en el lugar y que atiende a los ciudadanos de la isla a la vez que a los recién llegados, estos últimos siempre en pésimas condiciones.

Esto de los refugiados no es un problema nuevo para los humanos del siglo XXI, por mucho que algunos países del norte acaben de descubrirlo en sus propias carnes. Naciones como España e Italia llevan décadas lidiando con esta cuestión. Junto a otros largometrajes recientes como ‘Las lágrimas de África’, ‘Fuego en el mar’ ayudará a denunciar esta situación de un modo masivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de octubre de 2016. Título original: Fuocoammare. Duración: 108 min. País: Italia, Francia. Director: Gianfranco Rosi. Guión: Gianfranco Rosi, Carla Cattani. Fotografía: Gianfranco Rosi. Reparto principal: Samuele Caruana, Pietro Bartolo, Giuseppe Fragapane, Samuele Pucillo, Francesco Paterna. Producción: Stemal Entertainment, 21 Unofilm, Cinecittà Luce, Rai Cinema, Les Films d’Ici, Arte France Cinéma. Distribución: Caramel Films. Género: documental, drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/fuego_en_el_mar

Crítica: ‘Mechanic: Resurection’

 Sinopsis

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Arthur Bishop (Jason Statham) pensaba que había dejado atrás su pasado como asesino hasta que su más temible enemigo secuestra al amor de su vida. Ahora se ve forzado a viajar por todo el mundo para hacer lo que mejor sabe: asesinatos imposibles que parezcan accidentes.

Crítica

La mecánica de hacer churros.

Con menos lógica y sin la gracia de la anterior entrega. Si ‘The Mechanic’ supuso el remake y la buena modernización de la versión protagonizada por Charles Bronson en el 72, esta constituye una continuación que venera mucho menos al filme original. Es un churro más de los que está acostumbrado a hacer en serie Jason Statham. La gracia de su personaje residía en que no era un asesino cualquiera, sino que hacía que todo pareciese un accidente, en esta ocasión hasta pierde ese toque a favor de la espectacularidad.

En realidad ‘Mechanic: Resurection’ posee el mismo patrón de alguna de las películas de la saga Borurne. Un asesino que se retira, posteriormente conoce a chica y surgen motivos para volver a matar, volver al mundillo del que huía. La diferencia es que la ejecución y las ejecuciones son muy diferentes. Aquí nos encontramos con casi todos los tópicos del cine de acción: explosiones, tiroteos, persecuciones, buenas peleas, traiciones… Y croma, mucho croma. Para recrear el fondo de muchas escenas se ha recurrido a lo digital y no hace falta ser un experto para diferenciar lo que es real y lo que está colocado con efectos.

Sin Simon West (‘Los mercenarios 2’) a la cabeza de la película, Denis Gansel (‘Somos la noche’) se ha encargado de afrontar esta secuela. Él es un director más acostumbrado a hacer dramas o thrillers y por eso puede que haya tirado a lo seguro haciendo una cinta muy genérica. Una especie de James Bond a sueldo con muy poca alma y muy poca razón de ser.

Pese a aprovechar el talante de tipo duro y el buen hacer de Statham en las coreografías desaprovecha a dos grandes nombres que figuran en el reparto. Jessica Alba en cuyo personaje se ha hecho un fracasado intento de disimular que es meramente una mujer objeto y Tommy Lee Jones, interpretando a un pintoresco y casi insustancial villano.

Statham debería plantearse protagonizar otro tipo de proyectos porque, aunque este género tiene su público se va a acabar quemando. No obstante el filme cumple lo que promete, una película de acción, sin más.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Mechanic: Resurection. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Denis Gansel. Guión: Philip Shelby, Tony Mosher. Música: Mark Isham. Fotografía: Daniel Gottschalk. Reparto principal: Jason Statham, Jessica Alba, Michelle Yeoh, Tommy Lee Jones. Producción: Chartoff-Winkler Productions, Davis-Films, Millennium Films. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: http://www.mechanic.movie/

Crítica: ‘Jota de Saura’

 Sinopsis

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Siempre he querido hacer un musical sobre el cante, el baile y la música de la Jota; el ritmo de mi tierra. Y ahora se ha dado por fin la posibilidad de encarar este tema con los medios y el equipo técnico y artístico, que yo deseaba.

La Jota es una música vigorosa y potente, que ha sido capaz de atraer a compositores de tanto prestigio como: Listz, Saen Saens, Massenet, Falla, Granados, Albéniz, Tárrega o Bretón, y su influencia está presente en la mayor parte de la geografía española, hay jotas en Castilla, Navarra, Valencia, Murcia, Extremadura y Andalucía e incluso permanece viva en Filipinas y América Latina, especialmente en Méjico.

Se dice, y me parece muy gráfico, que “Jota” viene del árabe “Chotar” que significa saltar, aunque evidentemente, la Jota es algo más que saltar; es un ritmo único, alegre y contagioso que con los años se ha ido perfeccionando y que hoy se enseña en academias y escuelas. ¿Pero…? ¿Hacia dónde va la Jota?

Ese es para nosotros el mayor desafío: abrir nuevas posibilidades rítmicas, bucear en la recuperación de ritmos afines, en el pasado y en el presente, y proponer con la ayuda del talento de los artistas, un espectro de posibilidades que, tal vez, indiquen el futuro de este ritmo a las generaciones futuras.

Por eso, mi intención es hacer una película musical en la que se reúna lo mejor que hay hoy día sobre el tema y crear un documento en el que se entremezclen los artistas de ahora con los artistas ya desaparecidos; la ortodoxia y la heterodoxia; las canciones y ritmos ya clásicos y otros que están por venir, para que el espectador pueda disfrutar de la variadísima paleta de interpretaciones que este ritmo nos propone. Una variedad y riqueza que, desde mi modesta opinión, es muy desconocida en nuestro país, y no hace justicia al poderío de este ritmo.

Carlos Saura, abril de 2015.

Crítica

Un concierto de calidad cinco jotas.

‘Jota de Saura’ es una película dirigida y escrita por el aragonés Carlos Saura. Esta no es una película documental al uso donde un narrador nos arroja información acerca de lo que vemos. Se nos ofrece todo un concierto cinematográfico que va hablando por sí mismo. Cada canción expuesta nos habla de una interpretación, versión o región a la que están ligadas las jotas. No cuenta una historia sino más bien algo que forma parte de nuestro folclore y que ha dejado huella influenciando y dejándose influenciar por otros estilos como la música celta, el jazz o el flamenco. Es por ello que están presentes tacones, castañuelas, pianos, guitarras y hasta gaitas. El cineasta ha realizado una oda a la música de su tierra.

Para ello ha contado con bandas y bailarines de toda clase y edad. Podremos encontrar a artistas tan famosos como Ara Malikian, Sara Baras o mi admirado Carlos Núñez. Juntos ponen música, baile y voz a una serie de clips que puede resultar algo extensa. Estos «videoclips» poseen una puesta de escena digna de ser mostrada en museos de arte contemporáneo. La fotografía es muy minimalista, en ningún momento hay pudor por mostrar que estamos en un escenario y eso nos hace pensar que estamos en un concierto folk retransmitido en directo a pantalla grande. A este recorrido por las diferentes jotas de nuestro país se le suman movimientos de cámara y un diseño de producción que pretenden modernizar este arte musical y demostrar que tiene cabida en la cultura popular del siglo XXI.

También hay hueco para sentidos homenajes con voces e imágenes de archivo. Están presentes Labordeta, Imperio Argentina, Paco Rabal… Relacionándoles por supuesto con la danza y las costumbres aragonesas.

La película tiene incluso proyección internacional pues ha sido proyectada en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Pero en España nuestro folclore se encuentra en declive y muy probablemente le cueste encontrar público joven.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre. Título original: Jota. Duración: 92 min. País: España. Director: Carlos Saura. Guión: Carlos Saura. Música (diversos artistas): Miguel Ángel Berna (bailarín y coreógrafo de la película), Manuela Adamo (coreógrafa), Alberto Artigas (director musical), Sara Baras, Carlos Núñez, Cañizares, Valeriano Paños, Giovanni Sollima, Enrike Solinis, Francesco Loccisano, Carmen Paris, Miguel Ángel Remiro, Amador Castilla, Carlota García Fernández-Urrutia, María José Hernández, María Mazzotta, Vincenzo Gagliani, Nacho del Río, Beatriz Bernad, Ara Malikian. Reparto principal: artistas musicales. Producción: Telefónica Studios S.L., Movistar+, Tresmonstruos MEDIA, Tresmonstruos PC. Distribución: Sherlock Films. Género: musical. Web oficial: http://lajotafilm.com/

Crítica: ‘Sing Street’

 Sinopsis

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ING STREET nos traslada al Dublín de 1980, donde la recesión económica hace que Conor abandone la comodidad de la escuela privada en la que estudiaba y tenga que sobrevivir en la escuela pública del centro de la ciudad, donde el clima es mucho más tenso.

Encontrará un rayo de esperanza en la misteriosa y cool Raphina, y con el objetivo de conquistarla, le invita a ser la estrella en los videoclips de la banda que quiere formar. Ella accede, y ahora Conor debe cumplir su palabra. Se cambia el nombre a «Cosmo» y se sumerge en las vibrantes tendencias de la música rock de los años 80, forma su banda y se entrega a componer canciones y a grabar videoclips.

Crítica

Rememorando con ritmo los ideales ochenteros.

No he visto otros éxitos súper recomendados de John Carney como ‘Once’ o ‘Begin again’ pero muy buenas películas tienen que ser si son superiores a ‘Sing Street’. Este director que tiene la costumbre de escribir sus propios largometrajes nos ha brindado una emotiva y rítmica historia. Pero no es un musical en su más estricta definición. La música está más que presente pero los protagonistas no van cantando por la calle ni crean flashmobs “improvisados”. La música nos llega en forma de videoclip, de ensayo, de concierto o incluso de ensoñación.

Los personajes principales son unos jóvenes nada populares que se conocen a través de un anuncio publicado en el tablón de su colegio y que quieren dedicarse a la música, por unos u otros motivos. Al principio nos puede parecer la típica película de inadaptados que sufren bullying pero para nada. Hay que tener en cuenta que esta es una narración basada en un hecho real, inspirada por la historia de la creación del archiconocido grupo irlandés U2. Uno de los muchos paralelismos de este verídico relato es el cambio de nombre del cantante por “Cosmo”, que tiene rima asonante con Bono.

El sabor a los ochenta está siempre presente mientras degustamos ‘Sing Street’. Desde el diseño de producción, pasando por el vestuario de los personajes hasta la banda sonora. Aparecen canciones de grupos populares en esos años como The Police, The Cure o Génesis. Pero también los valores, preocupaciones y aspiraciones de los protagonistas nos remontan a lo vivido hace más de treinta años. Dan ganas de revivir una época más sencilla como los ochenta y de desempolvar las ilusiones de nuestra juventud. Es una gran película que nos habla de la camaradería y la hermandad. También del valor para afrontar nuestros propios sueños por encima de nuestras limitaciones y de las que nos impone nuestro entorno.

El elenco de jóvenes actores se ha tenido que meter en la piel de unos protagonistas que se enfrentan a corrientes irlandesas que por entonces impedían expresarse a los artistas. Además tanto Ferdia Walsh-Peelo como Jack Reynor han tenido que lidiar con otro aspecto más de la narración, la historia de separación de los padres de sus personajes. He de decir que todos ellos están sumamente bien en sus interpretaciones. Precisamente Reynor es el que resulta todo un genuino de los ochenta.

Esta es una película que carga contra el catolicismo de esa época y contra todos aquellos que se oponían a las nuevas vertientes del arte. ‘Sing Street’ retrata una parte pasada de Irlanda a la vez que nos regala muchas dosis de cultura musical.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de septiembre de 2016. Título original: Sing Street. Duración: 106 min. País: Irlanda. Director: John Carney. Guión: John Carney. Música: Varios. Fotografía: Yaron Orbach. Reparto principal: Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Aidan Gillen, Maria Doyle Kennedy, Don Wycherley, Kelly Thornton, Kyle Bradley, Lydia McGuinness, Mark McKenna, Pádraig J. Dunne, Ian Kenny. Producción: The Weinstein Company, Cosmo Films, Distressed Films, FilmWave. Distribución: Vértigo Films. Género: musical, comedia, drama. Web oficial: http://singstreetmovie.com/

Crítica: ‘El hombre de las mil caras’

Sinopsis

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‘El Hombre de las Mil Caras’ es una historia de traidores y tramposos inspirada en hechos reales. Francisco Paesa (Eduard Fernández) es uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas. En 1995 fue contratado por el ex director general de la Guardia Civil Luis Roldán (Carlos Santos) y su mujer (Marta Etura), para ocultar 1.500 millones de pesetas que había desviado de los fondos reservados del Estado. Con la ayuda de su inseparable socio (Jose Coronado) organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos. Una farsa digna de los mejores espías y reflejo del ocaso de una época.

Crítica

Un thriller de altas esferas.

‘El hombre de las mil caras’ es un thriller que no entiende de ideologías, donde lo importante es el enredo que se vivió, un relato protagonizado por personajes muy humanos. Está centrada en una parte de nuestra historia que pocas veces ha sido tratada así. Una vibrante narración de espionaje, corrupción, intrigas, robos… elementos que parecen formar parte de una película con aroma norteamericano, pero que está realizada e inspirada en nuestro país, y digo esto con gran regocijo gracias al nivel que presenta.

Esta no es la biografía de uno de los agentes españoles que más ha estado en boca de todos, es su retrato, su encarnación durante el también sonado caso de Luis Roldán. Para ello Alberto Rodríguez y Rafael Cobos han elaborado un texto revelador, muy difícil de armar y de montar, aunque hayan contado con la base del libro ‘Paesa, el espía de las mil caras’ de Manuel Cerdán. Se nota que Rodríguez trabaja como una máquina bien engrasada con su equipo habitual.

En ocasiones ‘El hombre de las mil caras’ genera intriga, en ocasiones tensión, pero en ocasiones nos deja algo desorientados. Esto es debido a que no habría estado de más reincidir en algunos puntos o dar un respiro para asimilar todo el entramado de esta crónica. Se ha descuidado este aspecto a pesar de haber creado una narración muy plausible.

El protagonista es sin duda el personaje de Eduard Fernández, que se ha metido de lleno en la piel de un individuo reflejado como un calculador y eficiente canalla. Pero cede en muchas escenas el estrellato a Carlos Santos, el cual, está caracterizado muy fielmente como Luis Roldán, muy parecido, tanto física como temperamentalmente.

La historia nos la narra José Coronado a través de su personaje de Jesús Camoes. Lo hace no solo mostrando su intervención en cada fase de esta tropelía sino también como exquisita voz en off. Los papeles femeninos están un poco relegados al segundo plano en esta historia. Entiendo que el correcto debut de la bloguera y modelo Alba Galocha sea un buen golpe de efecto para la difusión de esta película en redes sociales, pero me parece mucho más importante tanto la actuación como la importancia del personaje de Marta Etura como esposa de Roldán.

A resumidas cuentas el filme es el reflejo de un país que ahora mismo parece que continúa agujereado por ladrones y tramposos. Para los que vivieron toda esta situación puede resultar un rayo de luz, para los que no, una invitación a descubrir una de las semillas de los problemas actuales. Señalar también que el hecho de que un banco como el Triodos (conocido por velar por una banca ética y sostenible) haya participado en el filme es una muestra más del carácter crítico hacia este tipo de personajes poco éticos y corruptos que juega con nuestro dinero. Por desgracia para los de ahora está habiendo vías de escape, no es el caso de Roldán que llegó a decir “tengo dos alternativas: o pegarme un tiro o tirar de la manta”.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: El hombre de las mil caras. Duración: 123 min. País: España. Director: Alberto Rodríguez. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Alex Catalán. Reparto principal: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura. Producción: Zeta Cinema, Atresmedia Cine, Atípica Films, Sacromonte. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.warnerbros.es/cine/el-hombre-de-las-mil-caras

Crítica: ‘La fiesta de las salchichas’

 Sinopsis

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‘LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS’ trata sobre una salchicha que lidera a un grupo de productos del supermercado en su búsqueda por encontrar la verdad sobre su existencia, y lo que ocurre tras ser elegidos para abandonar la tienda de alimentos.

Crítica

Una orgía culinaria de chistes verdes y humor negro.

Vaya macedonia singular de nombres para esta película culinaria. Greg Tiernan (‘Thomas & friends’’) y Conrad Vernon (‘Monstruos contra alienígenas’) dirigen una película salida de las mentes torcidas de Seth Rogen (‘Malditos vecinos 2’), Evan Goldberg (‘Predicador’) y Jonah Hill (‘War dogs’). Lo que han conseguido es una película irrespetuosa, obscena, políticamente incorrecta, crítica… esta película es el mal y me he desternillado con ella. Tan destructiva o más que producciones como South Park. Desde luego solo es apta para un público adulto y aún así puede herir sensibilidades. Tal y como digo en el titular, ‘La fiesta de las salchichas’ es un festín de chistes verdes y de humor negro. Lo más desviado y depravado que os podáis imaginar con los productos del supermercado está en esta película. Por eso hay que acudir de un modo distendido y con una mente abierta al cine. Eso sí, aunque te guste este tipo de humor, el filme puede llegar a saturar de tantas burlas y groserías que tiene, en su mayoría de carácter sexual.

Pero además de soltar un gag tras otro la cinta realiza una dura crítica contra nuestra civilización, razas, religiones e incluso ciencia (pobre Stephen Hawing). Con ‘La fiesta de las salchichas’ se ponen en tela de juicio… no, en ridículo todas nuestras rencillas y creencias.

La historia que narra es de lo más disparatada e incluso incoherente, pero esta es de esas películas en las que no importan esos detalles. En casos como estos la narrativa queda en un segundo e incluso tercer plano para dar rienda suelta a la hilaridad. Por qué otra cosa no, pero no cabe duda de que Rogen, Goldberg y Hill se han soltado del todo en esta película, sin tapujos ni tabúes.

La animación es una recreación 3D sin ningún tipo de prodigio en su realización. Se han creado unos personajes muy amigables, simpaticones, como si fuesen todos mascotas de la marca que les fabricó. Ese punto de inocencia que tienen sus diseños contrasta con lo que sucede y dicen los protagonistas, aumentando más la mofa.

‘La fiesta de las salchichas’ es una película de animación de las que la Academia no se atreve a tener en cuenta a pesar de que, sin duda, estará mucho tiempo en cartel, o si no el tiempo dirá.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de octubre de 2016. Título original: Sausage Party. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Conrad Vernon, Greg Tiernan. Guión: Evan Goldberg, Kyle Hunter, Seth Rogen, Ariel Shaffir. Música: Christopher Lennertz, Alan Menken. Reparto principal (doblaje original): Jonah Hill, Ander Holm, Kirsten Wiig, Nick Kroll, Eduard Norton, Seth Rogen, Paul Rudd, Michael Cera, Alistair Abell, Bill Hader, Salma Hayek, Ian Hanlin, Danny McBride, Craig Robinson. Producción: Annapurna Pictures, Nitrogen Studios Canada, Point Grey Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: http://www.sausagepartymovie.com/

Crítica: ‘Captain Fantastic’

Sinopsis

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Ben Cash (Viggo Mortensen) y su mujer, Leslie (Trin Miller), han creado un paraíso apartado de la civilización para su familia. En un campamento autosuficiente hecho a mano por ellos, Ben enseña a sus hijos las habilidades que necesitan para sobrevivir en pleno bosque, además de proporcionarles una rigurosa educación física e intelectual. Pero, cuando una tragedia familiar obliga a los Cash a regresar al mundo exterior, las ideas de Ben sobre lo que supone ser padre se ven puestas en entredicho y deberá afrontar el precio que están pagando sus hijos por su sueño.

Crítica

La lógica de la autarquía y la importancia de la interacción social.

Captain Fantastic es una persona versada en multitud de materias, con unos valores muy fuertes y unas ideas rompedoras. A este practicante moderno de la paideia le encarna Viggo Mortensen. Él cría en plena naturaleza a jóvenes cultural, moral y físicamente impecables, pero socialmente inútiles. Su intención es aislar a sus hijos de todas las lacras de nuestro mundo actual inculcándoles las que cree que son las mejores doctrinas. Realiza una prueba que a todos nos gustaría que fuese realizable en el mundo real, pero hoy por hoy no deja de ser una quimera, verdad ante la cual se topa el personaje de Viggo Mortensen. Esta situación utópica que viven los protagonistas sirve como critica al capitalismo, al modo de vida de muchos países y a nuestra sociedad.

En parte es un trabajo anticapitalista o antisistema, pero también es una muestra emotiva que reivindica a gritos que hay que intentar vivir con lo necesario y procurar valorar lo que de verdad importa. Para ello crea a unos personajes estrambóticos y únicos en el mundo. Estos seres tienen una emotividad especial, en gran parte más humana que la que podemos tener los seres “civilizados”. En algún momento el filme puede conmover, pero en la mayoría de los casos la emotividad se ve rota por la extravagancia.

El papel de Mortensen consiste en ser protector, instructor y cálido pero a su vez ha de parecer intransigente, fantaseador y petulante. Es la persona perfecta para encarnar a un personaje digno del Renacimiento, está magnífico. Encontramos otros rostros conocidos como Kathryn Hahn, Steve Zahn o Frank Langella pero quien realmente capitanea el film es Viggo Mortensen junto a George MacKay y todos aquellos que hacen de hijos/as en este film. No hay ni uno que actúe mal.

Matt Ross nos ha brindado una historia de supervivencia, pero no de supervivencia física en la naturaleza como pudimos ver en ‘El renacido’ o ‘El naufrago’, si no ante el avance impasible e imparable de nuestra civilización.  Aunque sobran algunas escenas finales la película este resulta un film educativo tanto para educadores de nuestro sistema de enseñanza como para cualquier estudiante de cine.

‘Captain Fantastic’ se pasa volando gracias a su frescura y su jovialidad. Lástima que esta sea una película de producción independiente, esa condición le restará impulso en una carrera hacía premios, pero no cabe duda de que pasará a ser una cinta de culto, algo que para muchos es un reconocimiento más anhelado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Captain Fantastic. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Matt Ross. Guión: Matt Ross. Música: Alex Somers. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Viggo Mortensen, Missi Pyle, Kathryn Hahn, George MacKay, Steve Zahn, Hannah Horton, Trin Miller, Samantha Isler, Annalise Basso, Nicholas Hamilton, Ann Dowd,Shree Crooks, Erin Moriarty, Charlie Shotwell, Frank Langella. Producción: Electric City Entertainment, ShivHans Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/captain-fantastic

 Crítica: ‘Florence Foster Jenkins’

Sinopsis

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Ambientada en Nueva York en 1940, Florence Foster Jenkins cuenta la verdadera historia de la legendaria heredera neoyorquina de la alta sociedad, que obsesivamente persiguió su sueño de convertirse en una gran cantante de ópera. Ella pensaba que su voz era hermosa, pero para todos los demás era hilarantemente horrible. Su «marido» y manager, St. Clair Bayfield, un aristocrático actor inglés, estaba decidido a proteger a su amada Florence de la verdad. Cuando Florence decide dar un concierto público en el Carnegie Hall, St. Clair tiene que enfrentarse a su mayor desafío.

Crítica

Una comedia refinada.

Ya son cinco las películas biográficas que suma Stephen Frears, la última la vimos hace poco, ‘The program (El ídolo)’, escrita por él. ‘Florence Foster Jenkins’ es quizá la más amable de todas las que nos ha brindado y puede que esto le ocasione que sea la que menos llegue a calar. El director nos trae una cinta menos graciosa que otros trabajos suyos como ‘Héroe por accidente’ pero sin llegar a cotas tan dramáticas como en otras biografías firmadas por él como ‘La reina’ o ‘Philomena’. Sin duda la balanza se decanta más por el lado del humor, siempre desde el respeto. En este caso la comicidad está tan acotada que calificarla solo de comedia quizá resulte excluyente y excesivo.

De entrada el argumento de esta historia basada en hechos reales suena muy gracioso, ya induce a la comedia. Uno de los problemas de este filme es no haber explotado aún más esa beta, a pesar de excavarla durante demasiados minutos. Lo mejor sin duda son las distintas reacciones producidas por la “soprano” al cantar. A parte de eso hay alguna que otra situación cómica, pocas, por eso se queda en una comedia comedida y escueta.

Meryl Streep interpreta a una anciana acaudalada, excéntrica, melómana y caprichosa. Ha representado todas y cada una de esas facetas con el talento que la caracteriza, aunque no con el que le ha valido tres Oscar. Ella es el punto fuerte, el centro de atención y seguro que con ello la actriz ha estado encantada. Su personaje es de los que necesitan los halagos de la muchedumbre y tiene un sueño que puede propiciar precisamente todo lo contrario. Es por ello que necesita un entregado esposo. Ese papel lo ha asumido Hugh Grant y forma una buena pareja con ella. Pero cansa que como siempre esté encorsetado en su rol de chico inglés, aunque en este caso tenga un plus de caballerosidad. Simon Helberg por el contrario, aunque también interpreta a un tipo algo raro (no tanto como en ‘Big Bang Theory’) está realmente convincente en su rol de pianista tímido, nos hace olvidar su famoso papel como Howard Wolowitz.

No he tenido el placer de ver ‘Marguerite’ (2015), la versión francesa de esta historia, pero la que nos atañe nos habla del respeto, el amor y la protección o la aceptación de la verdad. Sin duda la Foster Jenkins de Streep puede enseñar a más de uno a lanzarse a por sus sueños o por lo menos a perder la vergüenza.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Florence Foster Jenkins. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Director: Stephen Frears. Guión: Nicholas Martin. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dany Cohen. Reparto principal: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix. Producción: Qwerty Films, Pathé, BBC Films. Distribución: Tripictures. Género: comedia, drama, biográfica. Web oficial: http://www.florencefosterjenkinsfilm.com/showtimes

Crítica: ‘Los hombres libres de Jones’

Sinopsis

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‘Los hombres libres de Jones’ cuenta la historia del rebelde granjero sureño Newt Knight (Matthew McConaughey) y su extraordinaria revuelta armada contra el Ejército Confederado durante la Guerra de Secesión americana.”

Harto de luchar por los intereses de los más ricos, Knight desertó, se alió con otros pequeños granjeros y con la ayuda de los esclavos locales, lideró un levantamiento que llevó al Condado de Jones en Mississippi a independizarse creando el Estado Libre de Jones. Su matrimonio con una antigua esclava, Rachel (Gugu Mbatha-Raw), y su posterior construcción de una comunidad interracial, distinguieron a Newt Knight como una luchadora y controvertida figura en el contexto de la Guerra Civil americana.

Crítica

Un interesante pedacito de historia norteamericana.

Vivimos una época en la que tanto las biografías como las historias sobre el racismo o las guerras norteamericanas son frecuentes en las películas o series que se proyectan en nuestras pantallas. Tanto es así que en nuestro país habrá gente que conozca más la creación de Estados Unidos que la de España. Al margen de achacar esto a una falta alfabetización en nuestro país y de originalidad por parte de las productoras, lo que podemos exigir es por lo menos un mínimo de innovación, que se nos ofrezca una historia diferente a las hasta ahora rodadas. Pienso que esto es lo que podemos decir de ‘Los hombres libres de Jones’.

Gary Ross no nos muestra una historia familiar dentro de la guerra, ni la de un soldado que sobrevive entre las trincheras. Esta es una historia no muy diferente a la de los maquis de España, entre los cuales también había muchos desertores. Cambiamos montes españoles por pantanos de Mississippi y añadimos el componente del segregacionismo y voilà. Matthew McConaughey interpreta al hombre que lideró a todo un grupo de personas para no solo acabar con las cicatrices e injusticias de la guerra sino también para crear todo un condado interracial. Sin duda podemos decir que forma parte de la historia de los primeros pasos para evitar el racismo y la esclavitud en Norteamérica.

Puede que no se le dé importancia a este punto por ser un personaje muy desconocido, pero McConaughey se parece mucho a quien interpreta, a Newton Knight. Hay fotografías en Internet pero de todos modos se ofrece una imagen al final del filme. Su interpretación es magnífica. Él es original del estado de Texas y demuestra haberse convertido en un experto en interpretar a personas del sur de Estados Unidos (‘Dallas Buyers Club’, ‘True Detective’) aportando cada vez un matiz diferente, otra muestra más del gran actor que es.

Aunque maneje argumentos semejantes, la calidad del trabajo que ha realizado Gary Ross en ‘Los hombres libres de Jones’ es superior a la que vimos en ‘Los juegos del hambre’. Desde luego la imagen de Newton Knight se ve glorificada en exceso, pero con una realidad más cruda se ha recreado a esta suerte de Robin Hood y además se nos ha mostrado las consecuencias de su legado. Hay un goteo de información sobre un personaje en el futuro que también representa un punto importante, algo que demandar, en la lucha racial. El modo de introducir esas escenas de la posteridad se podría haber mejorado en el montaje.

¿La moraleja o lección que aprender de este filme? Parece mentira que esto ocurriese hace unos 150 años pues seguimos viendo racismo en EE.UU., y lo que no vemos de otros países más olvidados.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre de 2016. Título original: Free State of Jones. Duración: 139 min. País: Estados Unidos. Director: Gary Ross. Guión: Gary Ross. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Benoît Delhomme. Reparto principal: Matthew McConaughey, Gugu Mbatha-Raw, Keri Russell, Mahersala Ali. Producción: Distribución: DeAPlaneta. Género: drama épico. Web oficial: http://www.loshombreslibresdejones.com/

Crítica: ‘El futuro ya no es lo que era’

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EL FUTURO YA NO ES LO QUE ERA arranca en una encrucijada, Carlos ha recibido la oferta de una televisión nacional para ser Kar-El, el adivino estrella de un exitoso programa. El dilema es seguir con su impostura, aceptar la oferta y seguramente hacerse rico y famoso… O tirar todo por la borda y luchar por el sueño de su vida…. Cuando está a punto de tomar una decisión, un giro inesperado precipitará los acontecimientos. Algo que cambiará para siempre el futuro de Carlos, el de Kar-el y el de todos los suyos.

Crítica

Desacierto cargado de sentimentalismo y filosofeo.

Con todo el respeto del mundo he de manifestar que calificar de comedia a ‘El futuro ya no es lo que era’ es realmente la gracia de todo este asunto. Con el nuevo filme de Pedro L. Barbero (‘Tuno negro’) me he reído en un par de ocasiones, nada más. La película tiene sus puntos más fuertes en el drama, principalmente en lo que se refiere a la participación de Carmen Maura, la cual acapara las mejores frases. Ni siquiera la veraz actuación de la actriz de Madrid puede salvar una cinta desacertada.

El largometraje arranca con un Dani Rovira volviendo sus orígenes de monologuista rompiendo la cuarta pared, cosa que no entiendo porque se olvidan de ello en toda la película. El caso es que es algo que me entusiasmó pero que instantáneamente me decepcionó. Y es que efectivamente este parece casi un soliloquio de Rovira, pero de un Rovira demasiado cargante pues está presente interpretando a dos personajes (bastante infames) y haciéndose cargo de una incesante voz en off. El primer chiste contado (en el monólogo) es una muestra de lo pueril, trivial y poco trabajado que está el guión de esta película. Se intenta buscar constantemente la moralina cayendo en lo sensiblero y en la psicología barata. No obstante, a pesar de que se nos suelta una retahíla de tópicos encontramos algún aporte original.

Tampoco es que Dani Rovira actúe mal, ni de lejos quiero parecer uno de sus haters pues su trabajo me gusta. Es el guión que le ha hecho soltar frases cursis y metafísicas el que ha sacado de él una de sus peores apariciones. Realizan una peor interpretación José Corbacho o Saúl Barceló por ejemplo.

El diseño de producción resulta desequilibrado, la película es muy desordenada, los paralelismos con la historia de Superman están muy poco logrados y el humor prometido no acaba de llegar. Hasta se emula una escena de ‘El Gran Lebowski’, una osadía imperdonable. Confío en que este solo es un bajón en la carrera de Rovira y que su ‘Superlópez’ sea algo más divertido. Al fin y al cabo lo está preparando con un equipo diferente y soy de los que creen que vale para ese papel.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre de 2016. Título original: ‘El futuro ya no es lo que era’. Duración: 115 min. País: España. Director: Pedro Barbero. Guión: Pedro Barbero. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Dani Rovira, Carolina Bang, Carmen Maura, José Corbacho, Lucía de la Fuente, Saúl Barceló, Yolanda Ramos, Eduardo Velasco, Andrea Rosillo. Producción: TVE, Zebra Producciones. Distribución: Tripictures. Género: comedia. Web oficial: www.tripictures.com/web/el-futuro-ya-no-es-lo-que-era/

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