Etiqueta: Crítica

Crítica: «Los Visitantes la lían (en la Revolución Francesa)»

Sinopsis

Clic para mostrar

Atascados en los corredores del tiempo, el conde Godofredo “el Audaz” y su cafre escudero Delcojón “el Bribón” llegan a la Revolución Francesa. A un momento en el que los descendientes de Delcojón (ahora apellidados ”DelCojoné”), confiscan el castillo y todos los bienes de los descendientes del conde, aristócratas que huyen de “Madame La Guillotine”.

 

Crítica

Los viajes en el tiempo y las risas vuelven gracias a Delcojón y Godofredo de Miramonte.

Quien no haya visto las anteriores películas, creo que se pierden dos buenas comedias francesas. Esta última sigue el mismo patrón que las anteriores, en la que el pobre Godofredo con su «leal» lacayo, intentan volver a su época para poder casarse de una vez con su amada.

La Revolución francesa tiene atrapado a nuestros curiosos protagonistas, una época en la que todo es demasiado remilgado, pues ellos dos venidos de la gran Edad Media, no ven con buenos ojos que los caballeros de «ahora» lleven medias y pelucas , bueno y qué decir del perfume, todo demasiado extraño para dos hombres que van oliendo a pocilga.

Los Visitantes vuelven con fuerza, las risas están aseguradas con la tercera parte de esta comedia francesa. Si que es cierto que no vais a encontrar nada nuevo, la trama de la película como he dicho se repite con las anteriores, pero lo importante de esta película no es realmente lo que vaya o no a ocurrir, sino más bien sus gags y todas las risas que os vais a echar.

Jean Reno y Christian Clavier, están en su salsa, ya es la tercera vez que repiten personajes y está claro que los iban a clavar. Las puyas que se lanzan el uno contra el otro siguen siendo buenísimas y realmente te hace pensar muchas veces quien es el lacayo de quien. La picaresca Delcojón hace que el resto de personajes enloquezcan. Su mal humor, el ser tan burro y sobre todo su mal olor, dará más de un dolor de cabeza a los nuevos personajes de la historia.

La manera de reírse de ellos mismo es espectacular, y las escenas en las que aparece Marat son graciosísimas, sí que es cierto que llega un punto que la película pierde. Quizá sea porque son casi dos horas de metraje, para mí ese ha sido el punto negativo de la cinta. Pero quitando ese detalle decir que no os vais a arrepentir de ir a verla, os vais a reír y disfrutar y si sois fans de las anteriores no os va a defraudar, repiten actores, director y guionistas, no se puede pedir más.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre. Título original: Les Visiteurs: La Révolution. Duración: 110 min. País: Francia. Director: Jean-Marie Poiré. Guión: Jean-Marie Poiré, Christian Clavier. Música: Eric Levi. Fotografía: Stéphane Le Parc. Reparto principal: Jean Reno, Christian Clavier, Franck Dubosc, Karin Viard, Sylvie Testud, Merie-Anne Chazel, Ary Abittan, Alex Lutz, Fréderique Bel, Lorànt Deutsch, Stéphanie Crayencour, PAscal N’Zonzi. Producción: Gaumont  / Nexus Factory / Oko Productions / Ouille Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género:Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/580/los-visitantes-la-lian-en-la-revolucion-francesa/

 

Crítica: “Sharknado: que la 4ª te acompañe”

 Sinopsis

Clic para mostrar

Sharknado: Que la 4ª te acompañe tendrá lugar cinco años después de que la Costa Este de Estados Unidos fuera devastada en Sharknado 3. Fin, su familia y el universo han estado felizmente libres de sharnados en los años intermedios, pero ahora los tiburones (¡y tornados!) se están multiplicando en los lugares (y formas) más insospechados. Como los sharknados vuelven con más fuerza que nunca, Fin Shepard (Ian Ziering) necesitará la ayuda de algunos nuevos amigos en su incansable lucha para proteger el mundo de la amenaza sharknádica.

Crítica

Macedonia de tornados para todos.

Bajo la batuta del mismo director de las tres anteriores, Anthony C. Ferrante, y el libreto del mismo guionista, Thunder Levin, vuelve Sharknado. Regresa Fin Shepard, el único hombre capaz de surfear un tornado de tiburones con un coche. Esta vez lo ha hecho acompañado de toda su familia. Vuelve además con su esposa, Tara Reid, tras las votaciones positivas de los fans de la saga. Pero no es el único que tiene esposa, su hijo, interpretado por Cody Linley se ha casado y su pareja lleva un peinado que recuerda a la nueva Tormenta de los X-Men, muy apropiado.

Tras sus títulos de crédito comiqueros he disfrutado, aunque en menor medida que con las anteriores entregas, con los guiños a “Star Wars”, obligatorios ya que se aprovecha el juego de palabras para el título, los tiburones holográficos como el de “Regreso al futuro”, las referencias a “El Mago de Oz” o a “Los vigilantes de la playa”, incluso a “Iron Man”. Como en anteriores ocasiones tenemos gran variedad de cameos, algunos muy difíciles para los no expertos en cultura norteamericana. Aparecen por ejemplo David Faustino (“Atomic Shark”, “Matrimonio con hijos”), Gary Busey (“Arma Letal”), Gilbert Gottfried (“Este chico es un demonio”, Steve Gutenberg (“Lavalantula”, “Loca academia de policía”) o Christine el coche de Stephen King.

Mucha casquería, efectos especiales de poca monta, escenas incoherentes, pésimas interpretaciones… vamos, lo normal en Sharknado. Se mantiene el reparto, se mantienen los chistes recurrentes y se mantiene el esquema. Esta cuarta entrega, pese a ser más floja, contribuirá a perpetuar la huella que está dejando esta saga en la serie B moderna.

Marca la diferencia con el resto de películas le hecho de que la humanidad parece haber encontrado la manera de combatir los Sharknados. Pero en esta ocasión Ferrante nos brinda un despliegue totalmente disparatado de tornados: petronado, tiburoarenanado, fuegonado, electronado, lavando… hasta un vacanado y nuclearnado. Si es que, pese a que podamos progresar tenemos que estar semper paratus.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Sharknado: The 4th Awakens. Duración: 80 min. País: EE.UU. Director: Anthony C. Ferrante. Guión: Thunder Levin. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Laura Beth Love. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Ryan Newman, Cody Linley, David Hasselhoff, Gary Busey, Mindy Robinson, Carrie Keagan, Imani Hakim, Caroline Williams, Tommy Davidson, Cheryl Tiegs, Nicole Chauvet, Duane ‘Dog’ Chapman,T’Keyah Crystal Keymáh, David Faustino, Duane Chapman, Corey Taylor, Stacey Dash, Drew Pinsky, Gena Lee Nolin, Alexandra Paul, Cynthia Bailey, Robert Herjavec, Jay DeMarcus, Lori Greiner, Frank Mir, Vince Neil, Wayne Newton, Todd,Savannah, Grayson Chrisley, Patti Stanger, Kym Johnson. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: SyFy (televisión). Género: serie B, ciencia ficción. Web oficial: http://www.syfy.com/sharknado4

Crítica: “Star Trek: Más allá”

 Sinopsis

Clic para mostrar

«Star Trek: Más Allá», la esperadísima nueva entrega de la franquicia Star Trek –que ha gozado de enorme popularidad en todo el mundo– creada por Gene Roddenberry y lanzada nuevamente por J.J. Abrams en 2009, vuelve de la mano del director Justin Lin (“Fast and Furious”) contando el épico periplo de la nave U.S.S. Enterprise y su intrépida tripulación. En «Star Trek: Más Allá» la tripulación del Enterprise se dispondrá a explorar los últimos confines del espacio, donde nadie más ha llegado. Una vez allí se enfrentarán a un nuevo y misterioso enemigo que los pondrá a prueba, tanto a ellos como a la Federación y lo que ella representa.

Crítica

El sabor de la serie en un largo con mucha dedicación y dedicatoria.

Una historia simple, quizá demasiado larga, clásica y con tintes modernos es una descripción que seguramente encaje muy bien con “Star Trek: Más allá”. Volvemos a sentir que este es un relato de exploración espacial, abraza el estilo tradicional de la franquicia. “Más allá” es un Star Trek de libro. Tiene esas soluciones con elementos fútiles que antaño funcionaban. No hay otra manera de describir la presencia de temas de “música clásica” como el Fight The Power de Public Enemy  o el Sabotage de los Beastie Boys.

Y no solo me atrevo a decir esto por los muchos guiños (a películas, a la serie e incluso a algún cómic) que como seguidores de la serie agradeceréis y que no os detallaré para no chafaros la sorpresa. Entre ellos, estaba claro que estaría, el homenaje a Leonard Nimoy que llega incluso a formar parte importante de la historia personal y de la relación entre Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine). Star Trek sigue centrándose en estos dos personajes y resulta interesante la manera en como muestran que Kirk está hastiado y que Spock está más decidido que nunca a comprometerse con su raza.

Star Trek es experta en perpetuarse, sabemos ahora sí, que hay vida después de Abrams. Justin Lin director insignia de “Fast & Furious 6” ha tenido la oportunidad de manejar un vehículo más rápido que los de su saga de coches. Ha dirigido bien la cinta aunque en algunos momentos se olvida de que tiene tripulación, que Star Trek no es solo un grupo de protagonistas. Para estos últimos ha reservado más minutos, exigencia también del guión. Sobre todo ganan minutos Uhura (Zoe Saldana) y Scotty (Simon Pegg). El personaje de Karl Urban, Bones, ha cedido totalmente al tono cómico de la cinta. Y el de Sulu (John Cho) destaca por la polémica de su homosexualidad, para disgusto de George Takei, actor homosexual que le dio vida en la versión original y que no está muy de acuerdo con esto.

Por supuesto hay mucha acción. Pero Star Trek siempre ha tenido humor y en esta ocasión lo hay a raudales. Es mucho más divertida que sus predecesoras y habrá quien la tache de excesivamente cómica. Simon Pegg, que también ha ejercido como guionista junto a Doug Jung (“Dark blue”), ha sabido entender cómo debe comportarse cada personaje y cuáles debían ser las relaciones entre unos y otros.

Decepción también hay. Porque, ya no que sean los enemigos principales, sino porque apenas se mencione a los klingon tras sacarlos en su anterior película. ¿Consideramos entonces que quieren incluirlos en este universo pero da miedo tocarlos por las comparaciones o por no manchar un clásico? Desde luego el villano de Idris Elba, esto me pesa decirlo por lo que me gusta este actor, está por debajo del de Cumberbatch. Su historia se sostiene a duras penas, está poco trabajada. Pero también hemos de entender que no vamos a estar siempre en compañía de un malo absoluto. Sin embargo el otro personaje nuevo, Jaylah, el de Sofía Boutella (“Kingsman: servicio secreto”) tiene más futuro en la saga. Su personaje es consistente, carismático y útil para futuras entregas en las que seguro se ahondará sobre sus orígenes y raza.

Pese a que la película tiene ese sabor sesentero que puede recordar al modus operandi de la serie, los efectos digitales la dejan por los suelos. En “Star Trek: Más allá” disponemos de multitud de escenas que suponen un espectáculo visual que contribuye a la acción. Por poner unos ejemplos no relevantes: podemos ver enjambres como los que vimos en “El juego de Ender, trajes semejantes a los del videojuego “Dead Space” o una base que recuerda a la Ciudadela del “Mass Effect”. A toda esta grandeza se suma la banda sonora de Michael Giacchino (“Zootrópolis”, “Jurassic World”). Cuando indagué sobre el equipo técnico del film me pareció una elección más que correcta y no creo que haya mucha gente que pueda decir que ha defraudado, pese a que abusa un poco del tema central.

La película tiene algunos fallos que os he descrito, además de algún retoque que haría falta en el guión y que patina con el ritmo, pero “Star Trek: Más allá” es disfrutable y no hace falta ser un trekkie para hacerlo. Una buena película para dedicar a los fans pero sobre todo a Nimoy y a Yelchin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Star Trek Beyond. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Justin Lin. Guión: Simon Pegg, Doug Jung. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin,John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes. Producción: Paramount Pictures, Bad Robot, Skydance Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia Ficción, aventuras, humor. Web oficial: http://www.startrekmovie.com/

 Crítica: “El profesor de violín”

Sinopsis

Clic para mostrar

Sâo Paulo , años 90:

Laertes, un violinista de gran talento, da clases de música a adolescentes de una escuela pública en Heliópolis, un barrio de una zona deprimida de São Paulo, tras ser rechazado en la prestigiosa Orquesta Sinfónica del Estado.

A pesar de las dificultades, el poder transformador de la música y la amistad que surge entre el profesor y sus alumnos les abre las puertas a un nuevo mundo.

Inspirada en la verdadera historia de la orquesta creada por el maestro brasileño Silvio Bacarelli en los años 90, que consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes en la favela más grande de São Paulo, más conocida como HELIÓPOLIS.

Crítica

Seguro que la copla te suena, pero la historia no la conocías.

En “El profesor de violín” vemos como un violinista con grandes aspiraciones acaba dando clases, resignado, a un grupo de jóvenes conflictivos en una zona humilde de São Paulo. Allí aprenderá de sus alumnos a la vez les ayudará a sobrellevar su infortunada vida. Esta sinopsis personalizada por un servidor podría recordarnos otros títulos de temática educativa como “Mentes Peligrosas” o a fenómenos musicales como “Sister Act”. Y además no solo rememora, si no que tiene muchos paralelismos con esas películas, pero hay que hacer notar dos puntos muy importantes: algo así pasó de verdad, está basada en la historia real de Silvio Bacarelli, y esto ocurre en un país y ambiente muy diferente al de las películas de Hollywood. La historia nos recuerda mucho a la de “El milagro de Candeal” de Carlinhos Brown, que Fernando Trueba nos mostró de un modo diferente. Hay que reconocer que no resulta una narración novedosa, pero no por ello es innecesaria pues nos acerca a algo verídico y nos expone de nuevo una realidad que está por encima de la ficción.

Además de la historia del profesor, el director y guionista de la cinta, Sérgio Machado, nos introduce la de un joven, interpretado por Kaike Jesus Santos, que tiene un duro conflicto con su padre. En un país futbolero y con un claro problema socioeconómico, el padre de dicho chico no quiere dejarle tocar el violín. Esta es otra historia que nos puede recordar a algún éxito de taquilla como “Billy Elliot” pero que va por otros derroteros, que es necesaria para la culminación de este relato y para la que Machado no ha empleado un tiempo excesivo.

Ahora que tanto se habla de Brasil por las olimpiadas y que seguro veremos una imagen de esta república muy distante de la auténtica realidad, no viene mal comprobar que las cosas siguen igual por allí. Y es que, aunque esta película está ambientada en los noventa, tristemente puede servir como toque de atención para un país que aún tiene mucho por hacer para alcanzar el orden y el progreso, y como un grito de amparo dirigido hacia la comunidad internacional. Ya de paso también podemos encontrar otra lectura, la necesidad de profesores no solo cualificados, si no también motivados.

Técnicamente la película es muy correcta. Buenos planos, agudo montaje, buena selección de temas musicales y diálogos bien ideados para lograr conseguir unos protagonistas realistas. Pero esencialmente lo que nos cuenta Machado es una historia sencilla, muy melódica, que acaba por manifestar que el talento se puede encontrar en cualquier parte o persona. La sutileza del violín y la emotividad de la música clásica pueden llegar a tocar la fibra del espectador. Esta es una película con un potente drama y unas escasas notas de humor piadoso.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Tudo Que Aprendemos Juntos. Duración: 100 min. País: Brasil. Director: Sérgio Machado. Guión: Maria Adelaide Amaral, Marcelo Gomes, Sérgio Machado y Marta Nehring. Inspirado en la obra “Acorda Brasil”, de Antonio Ermírio de Moraes. Música: Alexandre Guerra y Felipe de Souza. Fotografía: Marcelo Durst, ABC. Reparto principal: Lázaro Ramos, Fernanda de Freitas, Sandra Corveloni, Elzio Vieira, Kaique de Jesus. Producción: Gullane Filmes. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/el_profesor_de_violin

Crítica: «Cazafantasmas»

Sinopsis

Clic para mostrar

Treinta años después de que la película original arrasara en todo el mundo, vuelve CAZAFANTASMAS, totalmente renovada para las nuevas generaciones. El director Paul Feig combina todos los elementos de la lucha paranormal que tanto gustaron en la franquicia con un reparto de nuevos personajes interpretados por las actrices más divertidas del momento. ¡Prepárate para verlas salvar el mundo este verano!

 

Crítica

Gran reinicio de la saga. Cazafantasmas nos da risas y entretenimiento desde el principio.

He de admitir que era una de esas personas a las que no les gustó nada la idea de un reboot de Cazafantasmas, y no porque fueran mujeres ni nada por estilo, simplemente porque no veía necesario rehacer algo que ya era bueno. Pero también es cierto que hay que pensar en esas nuevas generaciones, que sí, seguro que ven las antiguas películas y les van a gustar, pero quizá para ellos los efectos especiales les tiren para atrás o simplemente el humor ya no les haga tanta gracia, y todo hay que decirlo, después de ver Cazafantasmas puedo decir que es un buen reinicio y os aseguro que os lo vais a pasar bien.

La película comienza como las dos antiguas, mostrándonos una primera escena con un fantasma. Creo que a todos nos ha pasado que después de ver al ente atacar al guía del museo y escuchar la canción original de la película, hemos dicho, esto empieza bien. Y efectivamente, ha seguido con muy buen ritmo, quizá lo pierda un poco a la mitad, pero enseguida se recupera y no paras de disfrutar la historia.

Melissa McCarthy y Kristen Wiig son las dos principales científicas que siempre han intentado contactar con el mas allá, junto a ellas está una ingeniera interpretada por Kate McKinnon y una empleada del metro que se conoce absolutamente toda la historia de Nueva York, Leslie Jones, las cuales han debutado en su primera película pues están sacadas del programa Saturday Night Live. Pero sí que es cierto que el más me ha sorprendido a sido Chris Hemsworth, no parareis de reír con él, su personaje es un auténtico payaso a la par de encantador.

Si sois de los que visteis la serie de dibujos animados, hay varias escenas y detalles que me han recordado mucho a ella, entre ellas son que no solo utilizan los cañones de protones de sus mochilas como armas, sino que también tienen pistolas y distintas artimañas para atrapar y acabar con los fantasmas. Todas ellas creadas por Jilian Holtzmann (Kate McKinnon) que también me recuerda un poco su peinado y estética al Egon Spengler de aquella serie.

Eso sí, los fantasmas esta vez no aparecen porque sí, no son almas atraídas por un moco rosa o por un espíritu mayor, no, esta vez el factor humano entra en acción y un hombre pisoteado por la sociedad, amargado y totalmente recluido decide vengarse de la humanidad sumergiéndola en un mundo lleno de fantasmas.

Los efectos especiales están bastante bien cuidados, los guiños a las películas viejas aparecen, pero de manera que tampoco aturulla y como he dicho el humor es muy bueno y no hace que te aburras ni un momento.

Eso sí, cuando acabe la película no os marchéis corriendo, aparte de ver una coreografía montada por Chris Hemsworth y la policía de Nueva York, después podréis ver una escena que nos prepara para la segunda parte.

Así que ya sabéis, ¿A quién vais a llamar? Cazafantasmas una de las películas del verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto. Título original: Ghostbusters. Duración: 117 min. País: Estados Unidos. Director: Paul Feig. Guión: Katie Dippold, Paul Feig (Personajes de Harold Ramis y Dan Aykroyd). Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Robert D. Yeoman. Reparto principal: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy García, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver. Producción: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures . Género: Fantástico. Web oficial: www.sonypicturesreleasing.es/watch/cazafantasmas

Crítica: “El caso Fischer”

Sinopsis

Clic para mostrar

En 1972, en plena Guerra Fría, el campeonato mundial de ajedrez cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes. El enfrentamiento en Reikiavik entre el mítico jugador norteamericano Bobby Fischer y el campeón soviético Boris Spassky fue más allá de la pura competición, calificándose como la “Partida del Siglo”.

Crítica

La película de un figura que sirvió de peón.

“El caso Fischer” nos habla de la magnitud y relevancia que de repente cobró el ajedrez para un país como Estados Unidos que lo tenía menospreciado. Esto surge al mostrarse la posibilidad de poder utilizarlo como una herramienta desmoralizadora contra los soviéticos. El artífice destinado a tal proeza era Bobby Fischer (Tobey Maguire), un portento en ese juego, pero todo un caso de persona (puede que de ahí el cambio del título original).

Moralmente hablando, la película coloca a Fischer como uno de los mejores peones de la historia de la guerra fría. Es una ironía que manejasen al mejor jugador norteamericano de ajedrez de la época como a un peón. Teniendo en cuenta que fue una guerra muy semejante a una partida de ajedrez, con mucha estrategia, faroles, tensión y resolución; podríamos decir que Edward Zwick nos quiere mostrar a Fischer como uno de los peones decisivos. Está claro que nos presenta un doble sentido, unas similitudes entre el enfrentamiento político y el juego de piezas. Para ello nos entremezcla tramas políticas, alucinaciones y matchs, creando así una ambientación más que conveniente. Aunque hay que decir que el film no está al nivel de otras filmaciones suyas tales como “El último samurái” o “Diamante de sangre”.

Si solo se tratase de una película de partidas de ajedrez el aburrimiento habría sido máximo. Está claro que ya sea por moda o por obsolescencia, este juego de tablero no es nada popular hoy en día. Pero la película cuenta con el componente de la guerra fría y los problemas mentales del personaje de Maguire. Si hablamos de espionaje, cerebros prodigiosos, paranoia… se nos puede venir a la cabeza “Una mente maravillosa”, pero para nada. O incluso si describimos también las peculiaridades, exigencias o extravagancias de Robert James Fischer podemos pensar en un Sheldon Cooper a la antigua, y también debemos quitarnos de la cabeza esa idea. El trabajo de Tobey Maguire tiene elementos comunes con lo citado, pero se ha salido de los estereotipos o de lo prefijado para hacer suyo este personaje basado en hechos reales y realizar una actuación ejemplar. Eso sí, su peculiar manera de andar no hay dios que se la quite.

Le acompañan en el reparto diversos actores dignos de admiración, pero sobretodo merece la pena mencionar a Liev Schreiber (“Spotlight”) y a Peter Sarsgaard (“Black Mass: estrictamente criminal”). El primero interpreta a un Spassky con un parecido físico más logrado, tremendamente soviético, con un carácter frío y calculador, desbordado por la soberbia y por la presión de ser utilizado también como un peón. El segundo a un sacerdote (Bill Lombardy) que sirve de pilar de carga tanto para Maguire como para su personaje.

Tal vez la ya mencionada poca popularidad del ajedrez entre la juventud actual y el hartazgo del público por ver películas en las que se enfrentan EE.UU. contra la Unión Soviética pueda jugar en contra de sus resultados en taquilla. Pero sin duda esta película ya forma parte de las buenas biografías de personajes ilustres norteamericanos.

La elite del ajedrez está destinada a los estrategas, inteligentes y calmados. Estas no son condiciones indispensables para ver “El caso Fischer”, pero si hay que armarse de un poco de paciencia y fortaleza mental para poder apreciar todas las jugadas que nos ofrece.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Pawn Sacrifice. Duración: 114 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Steven Knight. Música: James Newton Howard. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Tobey Maguire, Michael Stuhlbarg, Peter Sarsgaard, Liev Schreiber, Lily Rabe,Conrad Pla, Seamus Davey-Fitzpatrick, Sophie Nélisse, Robin Weigert, Evelyne Brochu, John Maclaren, Andreas Apergis, Ilia Volok, Alexandre Gorchkov, Aiden Lovekamp. Producción: Gail Katz Productions, Material Pictures, MICA Entertainment, PalmStar Entertainment, Saga Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/579/el-caso-fischer/

Crítica: “Jason Bourne”

Sinopsis

Clic para mostrar

Matt Damon regresa a su papel más icónico en JASON BOURNE. Paul Greengrass, el director de El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne, vuelve a colaborar con Matt Damon en este nuevo capítulo de la franquicia Bourne, de Universal Pictures, en la que el agente más letal de la CIA se ve obligado a salir de entre las sombras.

Crítica

Un intento por rescatar la memoria de Bourne.

Catorce años después de “El caso Bourne” vuelve la franquicia del espía que supo salirse de los cánones establecidos. Pero desafortunadamente parece que es ahora la saga Borne la que se encuentra estancada. No nos confundamos, “Jason Bourne” es una buena película, pero como episodio de una franquicia no satisface.

Tiene el mismo actor y mismo director de su segunda y tercera parte, es decir Paul Greengrass y Matt Damon, y sigue también el mismo patrón. Jason Bourne está desaparecido y se presenta un detonante que le hace volver dispuesto a arrasar con todo. De nuevo volvemos a oír eso de “¡es Jason Bourne!”. Se han sacado de la chistera una historia sobre el pasado de Bourne que, por supuesto no recuerda para variar, y un nuevo villano interpretado por Tommy Lee Jones. Ya no cuela que haya tanto gerifalte de la CIA que haya mangoneado la vida de Jason Bourne. Además, sucede también lo del personaje de Vincen Cassel que guarda una demasiado casual relación con Bourne y su pasado. Podemos decir, eso sí, que estos dos actores están bien en su papel y que es la película que más intenta abordar el pasado personal del personaje de Matt Damon. Sí que es cierto que la gran revelación que descubre el personaje puede suponer un cambio en su modo de vida, pero esto podremos verlo desarrollado en una posible próxima entrega, ya que no se ha explotado en esta.

Tras el inmutable rostro de Jeremy Renner, Matt Damon retoma a uno de sus personajes más icónicos. En esta ocasión un personaje más dubitativo y desgastado que parece que nos va a dar una sorpresa final, pero se queda con lo de siempre. Matt Damon maneja bien este registro, pero el libreto no le permite llevarlo más allá. También vemos a una Alicia Vikander más fría de lo habitual, si tenemos que elegir un papel próximo al que realiza aquí deberíamos elegir el de Ava en “Ex machina” ya que su personaje es casi igual de flemático y tecnócrata.

En esta ocasión se citan más casos reales (como el de Snowden) y la cinta parece casi saltarse “El legado de Bourne”, salvo vagas referencias. La ambientación, al igual que en las otras películas de Greengrass, está lograda. El director, también guionista en esta ocasión, nos introduce en un mundo de espionaje y control de la información muy bien recreado. Incluso la revuelta Grecia, rodada en Tenerife, resulta convincente. Se nos ofrece una persecución de coches tan espectacular como excesiva. Lo mismo se puede decir del poder que tiene la CIA, mucho más que antes, la peor pesadilla para George Orwell. Es decir, muchos fuegos de artificio para tapar un guión menos sesudo que el de la trilogía original. Se hace patente la ausencia de Tony Gilroy (“Pactar con el diablo”).

Pese a todo lo anterior se ha introducido una historia derivada, un dolor más de muelas para la Agencia, cuyo peso recae sobre los hombros de Riz Ahmed (“Nightcrawler”). Esta historia puede servir como complemento o como distracción de la trama central, como os la queráis tomar, pero resulta bastante más interesante y supone una de las pocas novedades de la franquicia.

Una película no apta para conspiranoicos. Es buena como película, pero floja como entrega de una saga que pide a gritos evolucionar y sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Jason Bourne. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Paul Greengrass. Guión: Paul Greengrass, Christopher Rouse. Música: David Buckley, John Powell. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Matt Damon, Alicia Vikander, Julia Stiles, Tommy Lee Jones, Vincent Cassel, Ato Essandoh, Riz Ahmed, Scott Shepherd, Bill Camp, Vinzenz Kiefer, Stephen Kunken, Ben Stylianou, Kaya Yuzuki, Matthew O’Neill, Lizzie Phillips, Paris Stangl. Producción: Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Captivate Entertainment. Distribución: Univsersal Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jasonbourne.es/

Crítica: «Malas Madres»

Clic para mostrar

Como la mayoría de las madres modernas, Amy cuida de todos menos de sí misma. Su vida es perfecta: un matrimonio feliz, hijos de sobresaliente, una casa preciosa y un pelo perfecto los 365 días del año. Colabora en todas las actividades de la escuela y asiste a cada reunión de padres y madres de alumnos, todo mientras mantiene su carrera profesional. Y además hace que todo parezca fácil.

Pero todo esto es solo apariencia y Amy está a punto de estallar: sobrecargada de trabajo y de compromisos y demasiado cansada para aguantar una sola petición más, arrastra a otras dos madres superadas a un atracón de locura, libertad, diversión y comprensión.

Pero accidentalmente se cruzan con la líder de la asociación de padres y madres, una devota del ideal de “madre perfecta”.

Un desmadre en toda regla.

Esa sensación de tener que ser perfectos, de que nuestros hijos sean perfectos, de que nuestras vidas tengan que ser los mejores por miedo  las críticas, estas sensaciones son las que terminan por hacer que Amy, la protagonista de la película termine de los nervios.

Marido «perfecto», vida «perfecta», hijos «perfectos», en su trabajo es la mejor y sobre todo nunca se despeina, todo para estar perfecta las 24 horas del día, pero un mal día hace que todo cambie, Amy explota y decide tomarse la vida de otra manera.

Supongo que esto es lo que muchas madres al ver la película se darán cuenta, de que también hay tiempo de relajarse y vivir. «Malas Madres» es la vida de cualquier persona con hijos, lleva a los niños de aquí para allá, ve a las reuniones de padres, haz las cosas de casa, hasta que no tienes vida y tampoco dejas tenerla.

Además de dejarnos un pequeño mensaje, la película es divertida. Esa guerra de madres perfectas contra las malas madres, las triquiñuelas que usan para pisarse las unas a las otras, nos darán varias escenas muy graciosas. El papel de Mila Kunis como madre desesperada y de Christina Applegate como madre perfecta, chocan todo el rato para mostrarnos que luego en el fondo ambas tienen demasiado en común.

Los secundarios también están estupendo, nombrando especialmente a Kathryn Hahn, con un papel muy excesivo, pero que hará que nuestra protagonista Amy abra los ojos y aprenda a vivir y bueno, también a desmadrarse demasiado.

Después del final de la película no os perdáis las escenas que nos han preparado con las actrices y sus madres, las curiosidades que cuentan y las pequeñas anécdotas son divertidísimas.

Malas Madres es una película para entrar en el cine y divertirte, aprender que no todo es ser perfecto y disfrutar de una comedia dedicada a esas madres desesperadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Bad Moms. Duración: 91 min. País: EE.UU. Director: Jon Lucas, Scott Moore. Guión:  Jon Lucas, Scott Moore. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Christina Applegate, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski,Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran. Producción: Block Entertainment, Merced Media Partners, PalmStar Media, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial: http://diamondfilms.es/project/malas-madres/

Crítica: “El verano de May”

 Sinopsis

Clic para mostrar

EL VERANO DE MAY sigue a May Brennan, una sofisticada neoyorquina que vuelve al hogar de su infancia en Amman, Jordania, con motivo de su boda. Poco después de reunirse con sus hermanas y sus padres divorciados, los innumerables conflictos familiares y culturales llevan a May a cuestionarse el gran paso que está a punto de dar.

Crítica

Según empieza el verano de May y se inicia la primera parte de la película, uno piensa que trata sobre el conflicto entre musulmanes y cristianos y por la zona donde se desarrolla, también con el pueblo palestino, pero vamos descubriendo poco a poco su verdadero leit motiv, una oda a las difíciles a veces, relaciones entre padres, hijos y hermanos.

Es una especie de Mujercitas al estilo oriente medio mezclando un poco de Kramer contra Kramer.

Todo en la película es conflicto para May… entre sus padres, con sus hermanas laboralmente hablando, entre sus creencias y las de su madre… y vamos viendo una evolución de ese conflicto a una búsqueda de la paz. Como ya he dicho, los tópicos de religión y regionales van surgiendo en la película, pero más como un relleno o una obligatoriedad de aparición que por darle algún sentido a la película.

Es una película dedicada a los sentimientos de de todo tipo, y solo a ellos se debe.

Está dividida en fragmentos, tipo película de Tarantino, cada uno correspondiente a un refrán árabe jugando con la profesión de la protagonista, y todo lleva a un final muy lógico, sin escenas sobrantes o aturulladas como suele suceder a veces.

Es una sorpresa encontrarse a Bill Pullman como padre diplomático de May después de verle hace poco enfrentándose de nuevo a alienígenas y los más seriófilos también disfrutaran reconociendo la identidad del prometido de May.

En definitiva es una película muy placentera de ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: May in the summer. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Cherien Dabis. Guión: Cherien Dabis. Música: Fred Avril. Fotografía: Brian Rigney Hubbard. Reparto principal: Cherien Dabis, Hiam Abbass, Bill Pullman, Alia Shawkat, Nadine Malouf, Alexander Siddig, James Garson Chick, Alaadin Khasawneh, Elie Mitri, Ritu Singh Pande,Nasri Sayegh, Laith Soudani. Producción: Displaced Pictures, Durga Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.elveranodemay.es/

Crítica: «Mascotas»

 Sinopsis

Clic para mostrar

En su quinta colaboración para una película de animación, Illumination Entertainment y Universal Pictures presentan MASCOTAS, una comedia acerca de lo que hacen nuestras mascotas cuando cerramos la puerta de casa para afrontar nuestra rutina diaria.

Crítica

Una locura a medias.

Aquellos que convivimos con perros, gatos, conejos, cobayas… nos podemos sentir identificados, o cuanto menos compartiremos más de una anécdota con los protagonistas de “Mascotas”. Esta es una película que medio explota la idea de mostrar un supuesto comportamiento peculiar en los animales de compañía cuando se encuentran solos en nuestros domicilios. Y digo medio explota porque gran parte de la película acaba siendo convertida en una aventura urbana y no hogareña como podría parecer o como nos la venden. La película pierde el hilo su premisa para aventurarse a narrar una hazaña por la ciudad que nunca duerme, de hecho, la primera secuencia nos muestra un Nueva York muy entregada a los animales. Me habría resultado mucho más atractivo y original (salvando el paralelismo con “Toy Story”) si el film hubiese estado más enfocado a aprovechar o desarrollar más ideas entorno a la morada donde viven los protagonistas. Con todo esto quiero decir que, “Mascotas” explora una propuesta pero a mitad de la expedición pierde su rumbo.

No obstante, el film puede resultar divertido por lo disparatado e hilarante que puede llegar a ser. Muestra de ello es la escena al son de “We go together” (de “Grease”) en una fábrica de salchichas, una pérdida de cordura total, en el buen sentido. Posee un protagonista carismático, simpaticón, con muchos amigos y cuya atención está puesta siempre en él, muy estándar. El que destaca más es Snowball (Pompón) un singular conejo trastornado e impulsivo que bien podría hacerle frente al homicida Conejo de Caerbannog, que tantos problemas les dio a los Caballeros de la Mesa Cuadrada. Le dobla Kevin Hart en su versión original, muy adecuado para el estilo del personaje.

Los directores, Yarrow Cheney y Chris Renaud han sido inteligentes al ser conscientes de la corriente que guía en los últimos años al cine de animación introduciendo algo de humor para adultos, en algunas ocasiones rozando un tono casi negro. Pero que no se preocupen los padres que lean esto, que no tiene nada que ver con ficciones como “Happy Tree Friends”.

La animación no humaniza físicamente a los animales, pero si se les dota de un comportamiento digno de sus dueños, con sus sentimientos, problemas e inquietudes. Esto no es nuevo, al igual que la animación empleada, pero si es necesario para poder contar la historia. Además, se introducen las moralejas y mensajes que a todos nos gusta que lleguen a nuestros pequeños, como que es indiferente como sean las personas para tener un tipo u otro de mascotas o que estos animales no son nuestra posesión sino más bien un compañero más con el que convivimos.

Se aprecian guiños que tienen que ver con películas como “Jurassic Park”, “Los pájaros” o, en gran medida, con “Minions” e incluso con el simpático corto de los Minions, que se titula “Mowe Minions” y que nos proyectaron antes de “Mascotas”. Se puede hasta ver el cartel de “¡Canta!” película que aún no ha estrenado Universal (tiene prevista su llegada el 23 de diciembre). Desde luego se ha puesto mucho esmero en esta película por conservar el universo que gira entorno a las películas del estudio.

En conclusión. “Mascotas” no es una película desternillante ni sobresaliente, pero si lo suficientemente disparatada y sentimental como para deleitar a buena parte de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: The secret life of pets. Duración: 90 min. País: EE.UU. Director: Chris Renaud, Yarrow Cheney. Guión: Cinco Paul, Ken Daurio, Brian Lynch. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Animación. Reparto principal (doblaje): Louis C.K., Eric Stonestreet, Kevin Hart, Jenny Slate, Ellie Kemper, Lake Bell, Dana Carvey, Hannibal Buress, Bobby Moynihan, Steve Coogan, Albert Brooks. Producción: Universal Pictures, Illumination Studios, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: thesecretlifeofpets.com

Crítica: “Miles Ahead”

Sinopsis

Clic para mostrar

En la cima de una brillante y prolífica carrera a la cabeza de la vanguardia y modernidad de la innovación del jazz más actual, Miles Davis (Cheadle) desaparece repentinamente del ojo público durante cinco años a finales de la década de los 70. Solo, atrincherado en su casa, plagado por el dolor crónico producido por el deterioro de su cadera, con la voz mermada y entumecida por las drogas y los analgésicos, vive atormentado por los fantasmas de su pasado.

Es entonces cuando un avispado reportero musical, Dave Braden (Ewan McGregor) allana la morada de Davis, y en el transcurso de un par de días, los dos hombres emprenden involuntariamente una aventura intensa, y en ocasiones angustiosa, para intentar recuperar una cinta sustraída que contenía la grabación de las últimas composiciones musicales del artista. Los recuerdos de su matrimonio fallido con la talentosa y hermosa bailarina Frances Taylor (Emayatzy Corinealdi) alimentan el cambiante comportamiento de Davis. Durante su romance y posterior matrimonio, Frances fue su musa. Fue durante este periodo que el artista lanzó algunas de sus grabaciones más insignes tales como las innovadoras “Sketches of Spain” y “Someday My Prince Will Come”.

Pero el idilio no duró. El matrimonio de ocho años estuvo marcado por infidelidades y abusos, y Frances se vio obligada a huir para salvaguardar su integridad, dado el deterioro de la salud mental y física de Miles.

A finales de los 70, plagado por años de remordimientos y pérdidas, Davis flirtea con la autodestrucción hasta que una vez más halla su salvación en su arte.

Crítica

Cheadle conoce bien el jazz que emanaba de los pulmones de Miles Davis.

Está muy claro que Don Cheadle nos tiene a todos ganados con sus divertidos papeles como Máquina de Guerra o Capitán Planeta. Pero sin duda su faceta dramática (“Crash”, “Hotel Rwanda”) es la que le hace ganar más seguidores. “Miles Ahead” se une a este segundo grupo de películas que además sorprende por el excelente trabajo de dirección y guión que ha realizado el actor de Kansas, sobre todo teniendo en cuenta que es la primera vez que dirige y escribe un largo. ¡¿Por qué no has hecho esto antes Don?!

La película está rodada manifestando audacia, salvajismo, maestría e incluso elegancia. Como reza el mismo Miles Davis (Don Cheadle) en la película “si quieres contar una historia, hazlo con la actitud correcta”. Y así lo hace Cheadle apoyándose en este aspecto en Steven Baigelman (“I Feel Good: La historia de James Brown”) para escribir el guión y en el acertado montaje de John Axelrad (“Krampus”) y Kayla M. Emter (“Una madre imperfecta”).

El jazz fue tabla de salvación en la improvisada musical y sentimental vida de Miles Davis. Cheadle le considera tanto a él como a su obra inmortal como pone de manifiesto al negarse a mostrar la fecha de su muerte. Por lo tanto, este es el trabajo de un admirador que capta la espontaneidad, la inspiración, las carencias del músico… rodeándole del humo del tabaco, las drogas, los moscones de la industria discográfica, el amor maltratado… El parecido y la caracterización son lo de menos. Lo que nos trae de vuelta a Davis es la interpretación y la voz que nos brinda Don Cheadle. No solo se ha trabajado el degradado sonido de las cuerdas vocales del artista, sino que también sus gestos y, sobre todo, su manera de tocar la trompeta.

Observamos como el genio de Illinois encuentra la inspiración en distintos momentos de su vida. Probablemente sea por eso que no se ha concebido esta película como un biopic al uso, más bien como una evidencia de la transgresión y transformación constante de la música de Davis. Como no podría ser de otra manera “Miles Ahead” brinda una larga lista de temas como “So What”, “Duran”, “Teo” o “Solea”. Era imprescindible que la discografía del trompetista estuviese omnipresente. Es por eso que engancha hasta los mismos créditos donde nos despiden con un “meta concierto” con músicos de la talla de Wayne Shorter o Herbie Hancock.

El metraje nos lleva adelante y atrás en el tiempo. Al pasado y presente (años setenta) del artista. En esta etapa de Davis sirven de hilo conductor su relación con la bailarina Frances Taylor (Emayaty Corinealdi), la entrevista con David Braden (Ewan McGregor), el día que se conocieron y el robo de su última grabación. Se hace casi cómico ver a McGregor y Cheadle convertidos en compañeros de correrías y resulta penetrante la relación de pareja que nos muestra con Corinealdi. Aunque aquí salga en contadas escenas, no puedo dejar pasar la ocasión para poner de manifiesto mi creciente admiración por Michael Stuhlbarg (“Trumbo”, “Steve Jobs”, “El caso Fisher”, “Men in Black 3”).

En lo que va de año no he podido decir que haya visto películas dignas de estar en los Oscar. Por fin puedo decir con rotundidad que hay una, “Miles Ahead” podría recibir varias nominaciones. Puede que no fuese una clara candidata a ganarlos pero desde luego yo la metería en mis quinielas para que se uniese a la nominación que ya tuvo Cheadle por “Hotel Rwanda”. Sería curioso que se llevase el Oscar que una vez perdió contra un actor que también hacía de músico, Jaime Foxx por “Ray”.

El film maneja los contrastes que ofrece el jazz entre las melodías suaves y los tonos salvajes transportándonos a la gran pantalla. No recurre un gran número de actores ni a monumentales localizaciones, es una cinta muy bebop. Uno de los mejores músicos de la historia del jazz se merece una película como esta realizada con alma y con pasión.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Miles Ahead. Duración: 100 min. País: Director: Don Cheadle. Guión: Steven Baigelman, Don Cheadle. Música: Herbie Hancock. Fotografía: Roberto Schaefer. Reparto principal: Don Cheadle, Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael Stuhlbarg. Producción: Bifrost Pictures, Crescendo Productions, Naked City Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.milesdavis.com/miles-ahead/

Crítica: “Election: La noche de las bestias”

Sinopsis

Clic para mostrar

Hace dos años que Leo Barnes (Frank Grillo) decidió no cometer un lamentable acto de venganza en “La Noche de las Bestias”. Ahora es el jefe de seguridad de la senadora Charlie Roan (Elizabeth Mitchell) y debe protegerla durante la campaña presidencial, además de sobrevivir el ritual anual en el que pobres e inocentes se convierten en blancos. Pero una traición inesperada les deja en las calles de Washington D.C. durante la única noche en la que nadie puede ayudarlos. Deben sobrevivir hasta el amanecer… o ser sacrificados por el bien del Estado.

Crítica

Adiós al dilema moral, hola a la distopía política.

La saga de la Purga surgió con una idea muy original que tras dos películas es muy difícil de seguir explotando. En “Election: La noche de las bestias” se exploran nuevas vías y se profundiza más en la situación política que viviría el desfigurado Estados Unidos que nos muestra DeMonaco. Esta tercera parte puede estar justificada ya que ahonda más en el tema de los Padres Fundadores y plantea otros problemas que pueden encontrarse ciudadanos de a pie. Si en las otras entregas predominaban los perfiles de los personajes purgadores o los que intentaban sobrevivir a esa noche, en esta ocasión encontramos otras facciones y otro punto de vista ante esta macabra tradición.

La saga ha progresado de un modo coherente dentro de la locura que plantea. Aparecen ideas originales (afectando a las altas esferas políticas o al turismo) y la historia evoluciona en algo que le habría encantado a Charlton Heston y su Asociación Nacional del Rifle. El problema es que las anteriores entregas, con sus situaciones y personajes, podían hasta plantear un reto ético para el espectador, además de suponer un novedoso thriller. Pero en este caso ya tenemos muy claro quiénes son buenos y malos, no hay margen para las dudas. Se pierde ese toque que despierta el dilema moral, el morbo y la curiosidad de las personas por ver la maldad y la rabia que puede haber encerrada en los seres humanos. Es menos detallista, definitivamente se pierden pinceladas como el “Safe Night” que se decían unos a otros en la primera.

Esa evolución lógica se ve reflejada en el personaje de Edwin Hodge, el único presente en las tres películas, que comenzó como un vagabundo en “La Purga: La noche de las bestias” y ha pasado a personificar la razón de ser de “Election: La noche de las bestias”. Ese estandarte también se ve materializado con la imagen de Elizabeth Mitchell, que si bien parece más preocupada por colocarse las gafas (he perdido la cuenta por seis), realiza una buena pareja con Grillo, pero no convence como senadora. Frank Grillo repite también tras su trabajo en la segunda parte y deja más que claro que sirve como protagonista y duro del cine. Existen otros personajes secundarios muy correctos que mejoran el casting de la segunda entrega, no de la primera, pero actores como Brittany Mirabile o Kyle Secor rozan lo ridículo.

En líneas generales la nueva película de Universal ofrece lo mismo que las anteriores: muertes, humor negro, lucha de clases, mucho postureo con las máscaras, ciudadanos con complejo de psicokillers jugando con sus víctimas en vez de matarlas yendo al grano… y acción, una pizca más de acción.

James DeMonaco ya se desligó en la segunda parte de Ethan Hawke con quien ha trabajado en varias películas (“La purga: La noche de las bestias”, “Asalto al distrito 13”, “Staten Island”) y tras ello ha logrado lo que muchos directores querrían, dirigir y escribir su propia trilogía. Si, he dicho bien, trilogía. Porque pese a que esta película juega con un efecto cliffhanger en su último compás, podríamos decir que no da para más de sí en el caso de plantearse futuras entregas. Aunque en la producción está Michael Bay y con él nunca se sabe. Eso sí, de materializarse una cuarta, puedo pronosticar que no habrá segundas elecciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2016. Título original: The purge: Election year. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: James DeMonaco. Guión:  James DeMonaco. Música: Nathan Whitehead. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Elizabeth Mitchell, Frank Grillo, Mykelti Williamson, Edwin Hodge, Joseph Julian Soria, Kyle Secor, Betty Gabriel. Producción: Blumhouse Productions, Platinum Dunes, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.election-lanochedelasbestias.es/

Crítica: ‘Mi amigo el gigante’

Sinopsis

Clic para mostrar

 

Los talentos de dos de los mejores narradores del mundo – Roald Dahl y Steven Spielberg – finalmente se unen para dar vida al amado clásico de Dahl.

Mi amigo el gigante, dirigida por Spielberg, cuenta con la emocionante historia de una pequeña niña londinense (Ruby Barnhill) y un misterioso gigante (Mark Rylance), que le enseñará las maravillas y peligros del País de los Gigantes.

Crítica

Spielberg nos devuelve la magia de los cuentos gracias a esta historia de Roalh Dahl.

Mi amigo el gigante, nos adentra en el mundo de los gigantes gracias a la magia del CGI. Tenemos al gran gigante bonachón, que un día en sus quehaceres nocturnos por la ciudad de Londres es descubierto por Sofía, una niña solitaria y sabelotodo, y decide secuestrarla. En un largo viaje para Sofía pero un pequeño paseo para el gigante, llegan al País de los Gigantes, donde este grandullón sufre bulling por parte del resto de los gigantes.

Spielberg ha sabido llevar a las salas un cuento sin perder nada de la esencia de lo que escribió Roald Dahl. Fieles a las ilustraciones de éste, los diseñadores han logrado crear al gigante bonachón a partir de la base de Mark Rylance, que da sus gestos y su voz a nuestro protagonista. Un gran trabajo de interpretación, pues gracias a su manera de hablar, hace a nuestro gigante entrañable y a la par gruñón, cosa que los niños adorarán y disfrutarán.

El personaje de Sofía, interpretado por Ruby Barnhill, nos trae a una niña sabelotodo, curiosa y ante todo muy valiente, que hará lo que haga falta para que su amigo no sufra más abusos por parte de los otros gigantes. Al fin y al cabo esta historia es una historia donde la amistad prevalece por encima de todo, incluso de la soledad que tenían que aguantar nuestros dos protagonistas.

Los colores de la película son vivos y llenos de esperanza, incluso en el mundo de los sueños, todo parece perfecto, aunque la oscuridad esté cerca.

Divertida y sin complicaciones Steven Spielberg nos trae un cuento muy bonito y a la vez muy gracioso, la escena del Palacio Real es auténticamente absurda, pero va a ser una delicia para los niños que no van a parar de reír. Está claro que la película va dirigida a los más pequeños de la casa, a que vuelvan a recuperar esa inocencia que los cuentos nos dan, a que se metan de lleno en historias de gigantes y caza sueños, que tengan ganas de conocer más aventuras y personajes nuevos. Spielberg se ha propuesto a que los niños vayan al cine y se queden con ganas de más.

Así que no dudéis en acercaros a ver Mi amigo el gigante y por supuesto llevar a los peques con vosotros y a disfrutar de la magia de los cuentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio 2016. Título original: The BFG. Duración: 117 min. País: EE.UU. Director: Steven Spielberg. Guión: Melissa Mathison (Cuento: Roald Dahl). Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Mark Rylance, Ruby Barnhill, Penelope Wilton, Jemaine Clemnt, Rebecca Hall, Bill HAder, Rafe Spall, Adam Godley, Matt Frewer, Ólafur Darri Ólafsson, Haig Sugherland, Michael Adamthwaite. Producción: Amblin Enternainment, DreamWorks SKG. Distribución: Tripictures. Género: Acción, Fantasía, Aventuras. Web oficial: http://www.tripictures.com/web/?p=7600

Crítica: “Un espía y medio”

Sinopsis

Clic para mostrar

UN ESPÍA Y MEDIO cuenta la historia de un letal agente de la CIA (Johnson) con un pasado friki y víctima del acoso escolar, que vuelve a casa para asistir a una reunión de compañeros de instituto. Con la excusa de estar trabajando en un caso secreto, consigue la ayuda del chico popular del campus por aquel entonces (Hart), que ahora es un aburrido contable y vive añorando sus años de gloria. Para cuando el pobre oficinista se da cuenta del embrollo en el que se está metiendo, es demasiado tarde para desentenderse y su nuevo amigo, con maniobras cada vez más impredecibles, le arrastra a un mundo de tiroteos, traiciones y espionaje que les obligará a jugarse el tipo en incontables ocasiones.

Crítica

Un par de actores más chistosos y carismáticos de lo que promete su film.

 

El mismo director de “Somos los Miller” o “Cuestión de pelotas” vuelve a traernos una comedia disparatada, surrealista y con un argumento de lo más bobalicón. “Un espía y medio” es de esas películas que tiene alguna escena digna de recordar pero que en su conjunto podría haber sido más. Comienza con un tono muy gracioso y poco a poco se va desinflando, hasta que casi al final pierde su cadencia cómica.

Aún así ya sabemos algo, el experimento de juntar a Dwayne Johnson y a Kevin Hart no es tan peligroso como parecía. Su unión no rechina y trabajan bien juntos. No estamos ante el nacimiento de una nueva pareja cinematográfica, como sucedió con Gibson y Glover o con Stiller y Wilson, pero no me quejaría si los viese de nuevo juntos en futuros proyectos. Ambos tienen sus gags y sus momentos de gloria para sacar al mejor comediante que hay en ellos, con mejor o peor resultado.

No sé si Kevin Hart intenta seguir los pasos de Martin Lawrence pero desde luego su estilo lo clava. Humor sobre su color de piel, situaciones descontroladas, personajes cómicamente desbordados, mucha gesticulación… De hecho, también tiene una trayectoria semejante como comediante. Todo esto está en “Un espía y medio” y no quiero decir con ello que me parezca mal, al contrario, lo utiliza para representar el contrapunto, me atrevo a decir cabal, frente a la locura del personaje de Dwayne Johnson.

Porque en el caso de Johnson sucede algo semejante. Parece que se intenta tome el relevo de Schwarzenegger como el cachas más famoso de Hollywood. No para de aparecer en películas de toda índole y ya tiene aún más anunciadas. El problema es que su potencial interpretativo no crece y ya nos empieza a parecer que vemos al mismo personaje en una y otra película. No obstante, en “Un espía y medio” posee un tono “rarito” que le permite salirse algo más de sus clichés y conectar de ese modo con el público.

Uno de los errores de esta película es escoger a Aaron Paul (“Breaking Bad”) para el papel que le han escogido. No por su calidad como actor si no porque tras su primera aparición nos queda muy claro cual va a ser el final. La cinta cuenta con otros nombres como Amy Ryan (“Adiós pequeña, adiós”) o Danielle Nicolet (serie “The game”) pero su papel se basa en aportar el lado femenino de la vida de los protagonistas, no se ha escrito para ellas un momento realmente cómico.

Si Marshall Thurber se hubiese lanzado de cabeza a lo absurdo e hilarante seguramente estaríamos hablando de una película desternillante, pero su intento de mezclar comedia y acción la ha dejado en chistosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2016. Título original: Central Intelligence. Duración: 108 min. País: EE.UU. Director: Rawson Marshall Thurber. Guión: Ike Barinholtz, Dave Stassen, Rawson Marshall Thurber. Música: Ludwig Göransson, Theodore Shapiro. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Dwayne Johnson, Kevin Hart, Amy Ryan, Aaron Paul, Danielle Nicolet. Producción: New Line, Bluegrass Films, Principato-Young Entertainment, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, acción. Web oficial: www.unespiaymedio.es

Critica: “Premonición”

Sinopsis

Clic para mostrar

“PREMONICIÓN” cuenta la historia de un veterano detective del FBI (Jeffrey Dean Morgan) y su joven y ambiciosa compañera (Abbie Cornish), quienes contactarán con un solitario analista civil, el doctor John Clancy (Anthony Hopkins) para que les ayude a resolver una serie de extraños asesinatos. Clancy tiene un extraordinario poder intuitivo, en forma de vívidas y perturbadoras visiones, que le pondrá en el rastro del asesino (Colin Farrell), pero pronto se dará cuenta de que su don no es rival contra los insólitos poderes de este escurridizo asesino.

Crítica

Pura psicología entre psíquicos.

Durante la historia del cine hemos visto muchos ejemplos de personajes con poderes psíquicos, en concreto con la habilidad de ver lo que ha ocurrido o estar por venir. En el caso de “Premonición” observamos a dos actores interpretando ese tipo de rol, pero uno de ellos posee un matiz diferente, aunque no del todo novedoso. Colin Farrell, aunque aparece poco y en la mayoría de sus planos está medio oculto, representa a un tipo de asesino en serie que utiliza a su favor esos poderes o dones, pero con fines poco sospechados y bastante controvertidos, que no viene a cuento desvelar pues forma parte del final de la trama.

“Premonición” juega con la moral y los principios de sus personajes llegando a tal punto que el espectador puede plantearse cuál es el bando correcto. Cae a partes iguales en giros obvios y desconcertantes consiguiendo una película equilibrada. Genera intriga, pero no la alimenta de un modo convincente. Desgraciadamente, en su escena final nos desvela una gran verdad, que de haberse insinuado antes podría haber aportado un trasfondo más interesante para uno de sus personajes.

Tanto Anthony Hopkins como Jeffrey Dean Morgan como Abbie Cornish realizan personajes muy estereotipados. Aunque todos ellos tienen su momento lacrimógeno para sacar su lado más intenso y lucirse, podemos prever a la perfección cuál será su reacción en cada escena. Si acaso, y creo que esto es raro leerlo, el único que se sale un poco de lo establecido es Colin Farrell. Como curiosidad podemos decir que Matt Gerald hace de tipo duro, pero con matices diferentes a los que le hemos visto en “Daredevil” pues aquí es un agente del FBI.

Poyart salta de una manera muy correcta al cine de grandes masas con este thriller sobrenatural. “Premonición” es una película con algunos pesos pesados y que sin tener grandes pretensiones llega a funcionar, gracias también a que su duración no es excesiva.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2016. Título original: Solace. Duración: 101 min. País: EE.UU. Director: Afonso Poyart. Guión: Sean Bailey, Ted Griffin. Música: BT. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Anthony Hopkins, Colin Farrell, Jeffrey Dean Morgan, Abbie Cornish, Xander Bekerley. Producción: Eden Rock Media, FilmNation Entertainment, Flynn Picture Company. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/premonicion

Crítica: “Viva”

Sinopsis

Clic para mostrar

Jesús es un chico cubano de 18 años que está intentando encontrar su verdadera identidad. Sobrevive peinando a señoras del barrio y arreglando pelucas en un cabaret de La Habana. Su vida cambia por completo cuando su desaparecido padre, un exitoso boxeador, al que daban por muerto regresa de la cárcel para compartir casa y vida con él. Juntos, emprenderán un nuevo camino: convertirse en padre e hijo.

 

Crítica

Vivir sin ser uno mismo no es vivir.

Tras ver el tráiler de “Viva” pensaba que iba a ver una película que estaría repleta de la ordinariez y de la grosería que en otras ocasiones ha hecho tan flaco favor al colectivo LGBT. Pero tras finalizar el film he comprobado que presenta una complejidad y una emotividad que vive aplastada en la actual Cuba, que es una Cuba no tan libre como este movimiento necesitaría.

Se presentan dos arcos argumentales muy entrelazados. Por un lado, está la historia que nos muestra la pasión de un joven por travestirse para cantar en playback en un cabaret y por otro la que nos narra el regreso de un violento padre a casa de un hijo que apenas sabe de él. Esas dos historias chocan como las olas contra el malecón habanero. Aunque vayan de la mano, ya sea por relevancia o por minutos, la trama del padre se come a la del travestismo. El título de la película y el apodo del protagonista llegan por casualidad, pero “Viva” se acaba convirtiendo en una expresión, en un grito, en un bramido de cólera contenida. Representa a muchas personas cuya personalidad se ve cohibida por los tabúes familiares o sociales. Es por eso que es una película que trata sobre la ruptura de barreras, sobre la aceptación de uno mismo y sobre la comprensión de nuestros allegados.

En esta película gran parte del guión se exterioriza con el cuerpo, no con el sonido o las palabras: los gestos al imitar el canto, el dolor del hijo, el padre boxeando… En esos momentos reside la fuerza de la película. El resto es ambientación y localización para reflejar una sociedad latina de la que no se nos muestra nada nuevo. Por ejemplo, los personajes visten día tras día la misma ropa lo cual da constancia de su pobreza.

Con “Viva” vamos de isla en isla, de equipo irlandés a ubicación cubana. El guionista es Mark O’Halloran, autor de la alabada “Calvary”, que nos muestra su lado más sensible. Por otro lado su director es Paddy Breathach (“Cabeza de muerte”), nos ha brindado esta película que, aunque sea poco sorprendente y muy pronosticable, podría ser su película más profunda y emocional.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2016. Título original: Viva. Duración: 100 min. País: Irlanda. Director: Paddy Breathnach. Guión: Mark O’Halloran. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: Cathal Watters. Reparto principal: Jorge Perugorría, Luis Alberto García, Héctor Medina, Renata Maikel Machín Blanco, Luis Manuel Álvarez. Producción: Treasure Entertainment, Benicio del Toro. Distribución: Betta Pictures. Género: Drama. Web oficial: http://www.bettapictures.com/cine/viva.html

Crítica: “Infierno azul”

Sinopsis

Clic para mostrar

En el tenso thriller INFIERNO AZUL, Nancy Adams (Blake Lively) está haciendo surf en una playa aislada cuando sufre el ataque de un gran tiburón blanco. Aunque se encuentra atrapada apenas a 200 metros de la costa, para sobrevivir deberá poner a prueba su voluntad y hacer acopio de todo su ingenio, sus recursos y su fortaleza.

Crítica

El tiburón blanco recupera su gloria gracias a Collet-Serra.

Este sí que es un auténtico regreso para el Tiburón Blanco. Devuelve la gloria a este escualo tras “Sharknado”, “El ataque del tiburón de tres cabezas”, “El tiburón del pantano”, “Tiburón fantasma” y todo este tipo de despropósitos que no han favorecido nada al mito cinematográfico que es esta criatura. De nuevo sentimos la grandeza de este animal marino como lo hicimos con el “Tiburón” de Spielberg, aunque sin pretender decir que esta película llegue a alcanzar esas cotas de éxito.

Collet-Serra confirma la progresión en la calidad de sus películas. Con “Infierno azul” ha logrado crear un thriller tenso y cautivador, lejos de la vacuidad de trabajos semejantes que surgen en la última década. Para el guión ha contado con Jaswinski, del que debo reconocer que no he visto nada, el cual ha logrado un libreto con el que no debe haber sido fácil trabajar. Juntos emplean algunos elementos con uso pronosticable, pero consiguen moverse bien dentro del género empleando más de una solución ingeniosa para el atolladero del personaje de Blake Lively. Pese a que es una película con tintes de serie B simpatizamos con la protagonista y mordemos el anzuelo. Esto se debe a algunos momentos rodados, bien montados, para profundizar algo en la vida del personaje y darle trasfondo. Incluso se llega a utilizar una gaviota como medio para exteriorizar los pensamientos de la protagonista.

El reparto es realmente muy corto. Tan solo posee dos protagonistas, Blake Lively y el tiburón realizado por ordenador. De la actriz californiana podemos decir que la venía al dedo el papel de surfista. Con “Infierno azul” se le ha presentado la oportunidad de llevar el peso de la película, de realizar un papel más físico e incluso de cubrir algún registro que no la habíamos visto hasta ahora. En todos esos aspectos sale triunfante. El tiburón no tiene defectos. No se han dado un baño de efectos especiales. Se juega con el visto y no visto pero a la vez también se muestra la majestuosidad de este animal que no olvidemos que se encuentra en estado “amenazado”.

Oscar Jaenada realiza un papel pequeño apareciendo al son de Albert Pla. Interpreta a un personaje latino que si bien puede incrementar el estereotipo erróneo que se tiene en Estados Unidos sobre los Españoles, está bien caracterizado. Más pequeña aún es la intervención de otra cara conocida como Brett Cullen que tiene una o dos escenas que aportan el componente sentimental de la cinta, como ya he mencionado antes.

La película es tensa, tiene buen ritmo, nos la van vendiendo con momentos videoclipistas, buena fotografía, efectos modernos… además se incluyen más dificultades a parte del escualo que nos dejan el sabor de haber visto un entretenimiento fresco y con sentido.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio. Título original: The Shallows. Duración: 87 min. País: EE.UU. Director: Jaume Collet-Serra. Guión: Anthony Jaswinski. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Flavio Martínez Labiano. Reparto principal: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen, Sedona Legge. Producción: Columbia Pictures, Ombra Films, Weimaraner Republic Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Thriller.

Crítica: «Dioses de Egipto»

Sinopsis

Clic para mostrar

En el antiguo Egipto, la supervivencia de la humanidad pende de un hilo al tiempo que un inesperado héroe mortal llamado Bek (Brenton Thwaites) emprende un emocionante viaje para salvar el mundo y rescatar a su verdadero amor. Para tener éxito, deberá contar con la ayuda del poderoso dios Horus (Nikolaj Coster-Waldau), formando una improbable alianza contra Set (Gerard Butler), el despiadado dios de la oscuridad que ha usurpado el trono de Egipto, sumiendo al en su día próspero y pacífico imperio en el caos y el conflicto. Mientras su asombrosa batalla contra Set y sus secuaces les lleva al Más Allá a través de los cielos, el dios y el mortal deberán pasar pruebas de valentía y sacrificio si quieren tener esperanzas de prevalecer cuando llegue la épica confrontación final.

Crítica

Los dioses egipcios y sus problemas familiares.

Me gustaría decir que me ha gustado, pero no es así, tampoco voy a intentar que no le deis una oportunidad, para gustos los colores y yo ya iba con pocas expectativas para esta película, pues desde el principio su estética no me llamaba demasiado.

Comenzamos con la coronación de Horus como nuevo Dios supremo, su padre Osiris (Brian Brown) le deja el mando para que siga con la labor de llevar por un buen cauce a Egipto. Pero como en toda historia de dioses la cosa no iba a ser sencilla y es que las redencillas familiares van a salir a flote y en plena coronación aparece el tío de Horus (Nikolaj Coster-Waldau) y hermano de Osiris, el dios Set (Gerard Butler), con bastantes ganas de guerra y dispuesto a arrebatarle el trono a su sobrino.

La película no es fiel con la mitología, no creo que eso realmente importe, pero en este caso sí que creo que podría haberle dado un toque más de aventura a la cinta, pues esta se hace un poco aburrida al meter al humano Bek (Brenton Thwaites) y su historia de amor con la desdichada Zaya (Courtney Eaton).

Huidas, rescates y batallas es lo que nos vamos a encontrar en esta cinta, pero todo muy mal dirigido, no llegas tampoco a aburrirte, pero podrían haber aprovechado mucho más todo lo que tenían en sus manos. Los actores teatralizan demasiado los diálogos, parece como muy sobreactuado todo, no creo que sea culpa de ellos, sino más bien de la dirección.

En cuanto al CGI, no suelo meterme para nada en el tema de los efectos especiales, no suele importarme demasiado si están mal realizados, pero he de admitir que en este caso me ha saltado demasiado de ojo ver como unos dioses, siempre más grandes que los humanos, estaban más bien estirados… hay algún momento en la cinta que parece que hayan adelgazado. Otro fallo con este tema, al ser los dioses mucho más alto que los humanos a la hora de la actuación encontramos una falta de continuidad en el espacio, y es que la correspondencia de las miradas de los actores muchas veces falla. Hay escenas en las que Hathor (Elodie Yung) mira hacia el frente, mientras que Beck está bastante más abajo de su línea visual.

Como he dicho, la estética de la película es lo que menos me atraía, pero sí que es cierto que el diseño de personajes como Anubis, o las grandes serpientes a las que se enfrentan los protagonistas están bastante curiosos, aparte que aunque no me hayan entusiasmado, las armaduras le dan un toque un tanto espectacular a la película, viendo como aumenta su poder con ellas en la batalla.

Poco más que añadir, como he dicho, no quiero que no la veáis, todo lo contrario, opiniones varias, esta es la mía y siempre es bueno conocer las opiniones de los demás, para esto se hacen películas, para disfrutarlas, para verlas y para que todo el mundo pueda opinar sobre ellas, así que espero pronto vuestras distintas opiniones.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2016. Título original: Gods of Egypt. Duración: 127 min. País: EE.UU. Director: Alex Proyax. Guión: Alex Proyas, Matt Sazama, Burk Sharpless. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Peter Menzies Jr. Reparto principal: Gerard Butler, Nikolaj Coster-Waldau, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites, Courtney Eaton, Chadwick Boseman, Elodie Yung, Bruce Spence, Bryan Brown, Emma Booth, Rachael Blake, Robyn Nevin, Goran D. Kleut, Abbey Lee, Paula Arundell. Producción: Summit Entertainment, Mystery Clock Cinema. Distribución: eOne Films. Género: Acción, Fantasía, Aventuras. Web oficial: http://www.godsofegypt.movie/home

Crítica: «Independence Day: contraataque»

Sinopsis

Clic para mostrar

Siempre supimos que volverían. Después de que INDEPENDENCE DAY redefiniera el género, el siguiente capítulo épico asiste a una catástrofe global de unas dimensiones inimaginables. Usando tecnología alienígena recuperada, las naciones de la Tierra han colaborado en un programa de defensa colosal para la protección del planeta. Pero nada puede prepararles para la fuerza avanzada y sin precedentes de los alienígenas. Únicamente la ingenuidad y valentía de unos pocos hombres y mujeres podrá salvar a la humanidad de la extinción.

Crítica

No hacemos uso del humo de la victoria.

Pues no, no utilizamos el humo de la victoria porque ni aparece en el film, ni se termina la tormenta, ni hemos salido victoriosos de la sala. “Independence Day: contraataque” no es un desastre de película, pero no llega al nivel de su predecesora. Entretiene, pero con lo mismo que la otra vez, casi punto por punto. De entrada, el contraataque ya si eso lo han dejado para otra, total, ya está anunciada la tercera parte. Han perdido la oportunidad de darle la vuelta a las películas de invasiones volviendo a usar la Tierra como campo de batalla. De nuevo nos defendemos, no contraatacamos, respondiendo al ataque de los alienígenas con tecnología desarrollada con retro-ingeniería extraterrestre. Habría sido más correcta una traducción literal como “resurgimiento”.

La película tenía el listón muy alto pues su primera parte, estrenada en 1996, supuso un cambio en el cine de ciencia ficción. Desgraciadamente está plagada de incoherencias, atropellos, tópicos y escenas innecesarias. Si nos quedásemos con las líneas generales, el argumento total incluido su final, podría resultarnos suficiente, pero la manera de llevar todo a cabo, de encadenar los acontecimientos, carece de sentido. Parece mentira que haya sido escrita por hasta cinco guionistas. Por poner un ejemplo superficial y que no destripe nada: los sistemas de comunicaciones de las naves alien funcionan de manera compatible con los nuestros. Digamos que repite errores del pasado, como cuando en la primera parte el personaje de Jeff Goldblum conectaba su portátil a la nave alienígena así como así. “Independence Day: contraataque” es una película en la que la aventura y la vistosidad está por encima de la coherencia.

Porque en eso sí, en magnitud y en espectacularidad ha alcanzado un nivel superior. Las imágenes generadas por ordenador, las batallas, los extraterrestres, las naves… todo está muy cuidado. Hay fotogramas de gran impacto visual. Roland Emmerich vuelve a demostrar que se le da bien destrozar el planeta. Ya lo pudimos ver tras el “Independence Day” de 1996, “El día mañana”, “Godzilla” o “2012”.

Es un acierto también la inclusión de personajes del reparto original combinados con nuevas incorporaciones. No se contempla un relevo sino que se entremezclan para conseguir más ligazón con la primera. Pero es un error garrafal imitar escenas originales en demasía: discursos, persecuciones espaciales, patrones de conducta, “posesiones alienígenas”… Eso sí, es menos patriótica, menos americanada. El personaje de Brent Spiner se les ha ido de las manos y el de Bill Pullman está tan metido con calzador que hasta su presencia está injustificada. Para los nuevos protagonistas, los personajes de Hemsworth, Usher y Monroe se ha establecido un vínculo tremendamente casual, pero funciona.

En resumen, predomina la acción, la aventura y la ciencia ficción. El colofón es la escena que supone un momento “King Kong” más “Jurassic Park” más “Alien: el regreso”, que me ha parecido de lo mejor de la película. Incluso incluye alguna corrección física respecto a las dimensiones de la nave nodriza como los lugares que abarca y el hecho de tener su propio campo gravitacional. Eso sí, tiene menos comedia y probablemente se deba a que los actores aparecidos, exceptuando a Goldblum, tienen menos carisma que Will Smith. Por cierto que no he mencionado que hay varias referencias hacia su personaje.

Como extra podemos decir que podemos ver una de las últimas apariciones de Robert Loggia en el cine. En los créditos se hace una mención especial hacia él.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de julio de 2016. Título original: Independence Day: Resurgence. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Roland Emmerich. Guión: Nicolas Wright, James A. Woods, Dean Devlin, Roland Emmerich, James Vanderbilt. Música: Harald Kloser, Thomas Wanker. Fotografía: Markus Förderer. Reparto principal: Liam Hemsworth, Jeff Goldblum, Bill Pullman, Maika Monroe, Jessie T. Usher,Travis Tope, Judd Hirsch, Charlotte Gainsbourg, William Fichtner, Angelababy,Nicolas Wright, Deobia Oparei, Joey King, John Storey, Brent Spiner, Sela Ward,Vivica A. Fox, Chin Han, Robert Loggia. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: http://www.independencedaycontraataque.es/

Crítica: «Un hombre de altura»

Sinopsis

Clic para mostrar

Diane, abogada brillante, pierde su móvil y recibe una llamada de un hombre que lo ha encontrado y lo quiere devolver. Él resulta ser un arquitecto de éxito, simpático, divertido y con una personalidad encantadora: el hombre perfecto. El problema es que solamente mide 1,36 metros.

Crítica

Esta película de Laurent Tirard es una adaptación francesa de la película de Marcos Carnevale, “Corazón de León” de gran acogida en Argentina.

Es de genero romántica con dosis de comedia bastante bien hilada y sin caer en los tópicos como suele hacer el cine americano, pero con una parte importante de drama que hace recapacitar y pensar al espectador sobre las debilidades de los humanos como en otras películas francesas más o menos recientes (“Intocable”, “Samba”, “Monsieur Chocolat”) lo que la dota de una inmensidad muy celebrada.

No llega a ser una copia exacta del original, lo que se hace de agradecer, incluyendo bastantes escenas diferentes y gags de corte muy distinto, pero guardando fidelidad respecto de la esencia de la anterior, que no deja de ser la pugna entre la felicidad de uno mismo y la aceptación de los demás al mismo tiempo.

Hay alguna escena que sobra como la del baile en la fiesta y en otras la personificación de Jean Dujardin como un hombre de 1’36 chirría bastante a los ojos pareciendo muy muy falsa, siendo la original superior en ese aspecto de caracterización.

La banda sonora también está muy bien incluida y seleccionada siendo la mayoría de las canciones versionadas por autores franceses.

Aun con ese pequeño detalle la película es muy agradable de ver, completamente fluida y una magnifica opción para este verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2016. Título original: Un homme à la hauteur (Up for Love). Duración: 98 min. País: Francia. Director: Laurent Tirard. Guión: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron. Música: Éric Neveux. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Jean Dujardin, Virginie Efira, Cédric Kahn, César Domboy, Myriam Tekaïa, Eléa Clair, Jean-Michel Lahmi, François-Dominique Blin, Adonis Danieletto, Lionel Mur. Producción: VVZ Productions, Gaumont, Creative Andina. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Romance. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/581/un-hombre-de-altura/

Crítica: “Demolición”

Sinopsis

Clic para mostrar

Demolición cuenta la historia de Davis Mitchell (Jake Gyllenhaal), un exitoso ejecutivo que lucha por entender su desconexión emocional tras la repentina y trágica muerte de su mujer Julia (Heather Lind) en accidente de coche. A pesar de la presión de su suegro (Chris Cooper) para recuperarse, Davis continuará desconcertado y lo refleja desmontando compulsivamente objetos de su alrededor hasta que conoce a Karen (Naomi Watts). Con la ayuda de ésta y su hijo Chris, comenzará un proceso de reconstrucción de la vida que alguna vez conoció.

Crítica

Una cura de esnobismo

Un título más apropiado para esta película podría ser “Catarsis”. Al personaje protagonista interpretado por Gyllenhaal le sucede algo que es totalmente demoledor para una persona normal. Pero pronto descubrimos que no es una persona normal, o al menos que hasta ese momento clave de su vida no ha sido consciente de cómo ha transcurrido esta. Es entonces cuando este personaje, bastante esnob, se da cuenta de lo que tiene, de lo que quería tener e incluso de que no ha atendido ni a sus propios sentimientos.

“Demolición” es una película muy poco habitual en nuestras carteleras. Posee algún toque de humor sarcástico o canalla, pero es esencialmente un drama existencial compartido entre personajes mundanos y personajes extraños con sentimientos complejos. Gyllenhaal monopoliza casi toda la duración del film. El actor de “Donnie Darko” vuelve a demostrar que lo suyo, donde mejor se desenvuelve, son los personajes introvertidos.

Todos los personajes de «Demolición» giran en torno a su persona, tanto los que deja atrás como los que se incorporan a su vida contribuyendo a su reconstrucción. El de Naomi Watts resultaría bastante irrelevante salvo por que marca el comienzo de la nueva etapa de la vida del protagonista, su inclusión parece un poco forzada. Chris Cooper encarna ese tipo de vida a la que muchos aspiran, como lo hacía nuestro protagonista, y Judah Lewis, por el contrario, representa la libertad, la represión a la que muchos se someten por voluntad propia. Entre todos contribuyen a llevarle por una senda de renacimiento interior, expresado de diferentes maneras a lo largo de la película hasta que llega un punto que el personaje explota y resurge.

Jean-Marc Vallée vuelve a demostrar que maneja bien la sensibilidad del espectador y los sentimientos de sus personajes. Es una película llena de metáforas y alegorías.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de julio de 2016. Título original: Demolition. Duración: 100 min. País: EE.UU. Director: Jean-Marc Vallée. Guión: Bryan Sipe. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Jake Gyllenhall, Naomi Watts, Chris Cooper, Polly Draper, Wass Steves. Producción: Fox Searchlight, Black Label Media, Mr. Mudd, Right of Way Films. Distribución: F&P Media. Género: Drama. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=198

Crítica: «Pozoamargo»

Sinopsis

Clic para mostrar

A punto de tener un hijo, Jesús se entera de que sufre una enfermedad venérea que le ha transmitido a su mujer embarazada. Incapaz de afrontar ese trago, huye al mentado pueblo en el que vive de incógnito como un campesino más, y donde conoce a Gloria, una explosiva joven con la que entabla una candente relación, preámbulo del final de su descenso al infierno.

Crítica

Una soberbia actuación y un increíble trabajo de fotografía, hacen de Pozoamargo un film con visionado obligatorio.

Pozoamargo, parece que el título sea a propósito, pero no, realmente existe el pueblo de Pozoamargo, y realmente la película salió de ese pueblo. De cómo Jesús, el protagonista de la cinta, cae amargado en un pozo profundo por el arrepentimiento y la culpa que lleva sobre la espalda.

La cinta es dolorosa, tanto por las duras imágenes que se ven como por la increíble interpretación de Jesús Gallego. Un hombre atormentado por la culpa, por los recuerdos, por él mal hecho a su familia, un hombre que ha decidido desaparecer y esconderse en Pozoamargo, intentar comenzar una nueva vida, pero que hasta que no expíe toda su culpa no podrá vivir tranquilo. Pozoamargo, también nos habla de las tentaciones, de que por mucho que huyas para curar tus heridas, la tentación siempre está allí, esperándote, en este caso, la tentación viene dada por Natalia de Molina, en un pequeño papel, pero que no pasa desapercibido.

Enrique Rivero hace un gran trabajo de dirección, todo totalmente medido, donde el protagonista es el dolor, la miseria del ser humano. Las imágenes, a veces muy duras, con escenas demasiado explícitas para mi gusto, hacen que sientas ese dolor, que ese desgarre del alma que siente Jesús, tú lo notes, lo sientas y desesperes con él, llores con él.

Todo este sentimiento, ese dolor que el espectador comparte con el protagonista, se logra, ya aparte de la actuación, con el gran trabajo de Gris Jordana, impresionante el gran trabajo de fotografía, los primeros planos de Jesús, las luces, los colores. El poco maquillaje para mostrarnos a una persona demacrada. Sin duda alguna, esta película es visualmente una maravilla.

Otra de las cosas que más ha llamado mi atención es el color de la película, el amarillo, el director no sabe muy bien el por qué, pero el amarillo está en cada fotograma de la película, incluso en la última parte, que es en blanco y negro, se atisba un filtro de este color.

Pozoamargo se puede hacer un poco densa, pero es una verdadera obra de arte visualmente, además su historia profunda como un pozo te adentra en las desdichas de un hombre que solo quiere perdonarse a sí mismo y poder seguir viviendo su vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2016. Título original: Pozoamargo. Duración: 99 min. País: México, España. Director: Enrique Rivero. Guión: Enrique Rivero. Música: Alejandro de Icaza. Fotografía: Gris Jordana. Reparto principal: Jesús Gallego, Natalia de Molina, Xuaco Carballido, Elsa Ruiz, Sophie Gómez. Producción: Una Comunión, Zeitun Films, Zamora Films. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Drama Web oficial: http://margenes.org/margenes-distribucion/item/2596-pozoamargo.html

Crítica: «Desde allá»

Sinopsis

Clic para mostrar

En medio de la convulsionada Caracas, Armando (50), dueño de un laboratorio de prótesis dentales, busca a hombres jóvenes en paradas de autobús y les ofrece dinero para que lo acompañen a su casa y poder observarles.  Al mismo tiempo, Armando tiene la costumbre de espiar a un hombre de edad avanzada: sabe dónde vive y qué lugares frecuenta.  Algo en el pasado de ambos los une.

Un día Armando se lleva a casa a Elder (18), líder de una pequeña banda de delincuentes juveniles. De este encuentro nacerá una relación que los cambiará para el resto de sus vidas.

Crítica

Un discurso manido con algún elemento disuasorio.

El venezolano Lorenzo Vigas se estrena con una película osada en cuanto al discurso que propone, pero muy machacada en cuanto a originalidad. Con “Desde allá” nos plantea de un modo pausado una mezcla de dos personajes con una patente diferencia generacional o social. Los protagonistas se cruzan e influyen el uno en el otro de manera tanto positiva como negativa. Visto así podemos pensar que es lo mismo de siempre. El personaje adulto suele ejercer de figura paternal en estos casos, pero Alfredo Castro interpreta a un pervertido que poco tiene de tutor, ahí está la nota discordante. La premisa del film puede parecer poco veraz, pero está bien planteada, aunque sus desenlaces se hacen pronosticables.

Al personaje del chileno no le habría venido mal algo más de expresividad. Castro interpreta a alguien con un claro problema social y familiar, tiene una personalidad reprimida. En contrapunto aparece el personaje de Luis Silva que ha sufrido carencias de afecto pero que parece tenerlo claro en la vida y por eso va a por todas. El joven debutante arranca con un papel nada sencillo, que sin duda ha sabido solventar gracias a sus conocimientos y vivencias personales.

Sí, esta película viene laureada y alabada tras pasar por Venecia o San Sebastián, sus virtudes tiene. Es tensa, enigmática y retratista. Nos habla de las necesidades humanas y de los humanos necesitados. De las relaciones paterno filiales y del miedo a superar tabúes sociales, sin cebarse con el sensacionalismo, desde luego. Pero hay varias secuencias del film en las que los giros o las motivaciones de los personajes no están bien definidas. Es de esas películas en las que hay que ahondar profundo, mucho más allá de lo mostrado, para descubrir a los personajes. Hay que tener en cuenta que presenta una propuesta algo trillada, con un público objetivo muy concreto y acostumbrado a unos compases especiales.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2016. Título original: Desde allá. Duración: 93 min. País: Venezuela/México. Director: Lorenzo Vigas. Guión: Lorenzo Vigas, Guillermo Arriaga. Fotografía: Sergio Armstrong. Reparto principal: Alfredo Castro, Luis Silva, Jericó Montilla, Catherina Cardozo, Marcos Moreno, Jorge Luis Bosque, Greymer Acosta, Auffer Camacho, Ivan Peña, Joretsis Ibarra, Yeimar Peralta, Scarlett Jaimes, Ernesto Campos. Producción: Factor RH Producciones, Lucia Films, Malandro Films. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/desde_alla

Crítica: Ninja Turtles: Fuera de las sombras

Sinopsis

Clic para mostrar

Michelangelo, Donatello, Leonardo y Raphael regresan este verano a los cines junto con April O’Neil (Megan Fox), Vern Fenwick (Will Arnett) y un nuevo vigilante enmascarado, Casey Jones (Stephen Amell), para combatir a unos villanos aún más malignos y poderosos. El súper villano Shredder escapa de prisión y une sus fuerzas con el científico loco Baxter Stockman (Tyler Perry) y sus dos secuaces, Bebob (Gary Anthony Williams) y Rocksteady (la súper estrella de la WWE Stephen “Sheamus” Farrelly), para llevar a cabo un diabólico plan para conquistar el mundo. Mientras las Tortugas se preparan para enfrentarse a Shredder y su banda, tendrán que luchar también con un nuevo enemigo, incluso más poderoso, y también con intenciones malignas: El General Krang.

Crítica

Correcta modernización de un éxito ochentero.

Las Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes siguen vivas gracias a Nickelodeon y el éxito que están teniendo entre el público infantil. Recomiendo ir a ver esta película con el espíritu de un niño, de aquel niño que veía la serie animada, pero no tanto de aquel que disfrutó con las tortugas de los noventa o de los cómics que las vieron nacer. Zanjada ya la polémica que ha enfrentado a unos y a otros por la apariencia de las tortugas realizadas por ordenador, podemos afirmar que la fidelidad de esta película con el material original es mayor que el de la anterior entrega. Mantienen ese espíritu bobalicón que parodiaba a Daredevil pero la parafernalia que las rodea en estas nuevas adaptaciones las aleja de las viñetas. Peleas callejeras, travesuras, alcantarillas, mutantes, seres de otras dimensiones… Esos son elementos indispensables en “Tortugas Ninja” y se utilizan adecuadamente en “Fuera de las sombras”.

Bebop y Rocksteady son los que le dan más vidilla a la película. Aportan ese toque de la serie animada que estábamos echando de menos. Los dos matones burros y tontorrones no podían faltar. Por cierto que su apariencia recreada por CGI está muy acertada. Y hablando de este aspecto hay que añadir que a Leonardo, Michelangelo, Donatello y Raphael les viene bien la luz del sol. Los responsables de efectos dan una lección a otras superproducciones de estreno reciente. Han mezclado bien a las tortugas con el entorno. En “Ninja Turtles: Fuera de las Sombras” vemos detalles conseguidos y pulidos que nos ayudan a entender mejor a nuestros personajes y a tener un espectáculo visual de gran magnitud.

Otra de las nuevas incorporaciones, Krang, está estupendamente realizado y modernizado. Aunque tiene poca presencia impone y su inclusión da otra dimensión a las nuevas Tortugas Ninja, literalmente. Le dobla Brad Garrett que ha compartido reparto en alguna película de animación con Will Arnett (Vernon). Tanto este último, como Stephen Amell (Casey Jones) comparten otro vínculo con los cómics además de este trabajo, sus papeles en adaptaciones de DC comics. Los tres realizan una labor aprobable pese a que deberían haber tenido personajes más consistentes. Pero quien si mejora su trabajo y además merecía más minutos es Brian Tee con su Shredder. En detraimiento suyo se ha dado más peso a los nuevos personajes. Por el contrario, sigue la obsesión de darle más protagonismo y escenas a Megan Fox. Podríamos decir que tanto ella como sus planos sugestivos son prescindibles, pero su personaje no lo es tanto. El personaje de la talentosa Laura Linney no aparece en demasía, lo necesario, y sin embargo logra convencer más.

 

Michael Bay parece que no solo ha producido la película, sino que también la ha dirigido. El ritmo de sus películas está presente. Los planos, la estética, el lenguaje… hasta ha vuelto a fichar a Jablonsky para la banda sonora. De todo esto me alegro, es una fórmula que me convence. Dave Green se ha rendido a su estilo e incluso ha introducido un guiño a “Transformers”.

Esta película es un claro ejemplo de que algunas veces se confunde un guión ágil con uno atropellado, tanto que deja algunos flecos sueltos en la trama. El tono del film es bastante pueril y aleccionador, en el buen sentido. He disfrutado como cuando veía de pequeño los dibujos animados, no han sido pocos los guiños a esa serie. Lo dicho, es para disfrutarla con la mentalidad del niño que llevamos dentro y el espíritu de un adolescente.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2016. Título original: Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows. Duración: 112 min. País: EE.UU. Director: Dave Green. Guión: Josh Applebaum, Andre Nemec. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Lula Carvalho. Reparto principal: Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Alan Ritchson, Megan Fox, Stephen Amell, Will Arnett, Laura Linney, Tyler Perry, Brian Tee, Tony Shalhoub, Brittany Ishibashi, Stephen Farrelly, Gary Anthony Williams. Producción: Paramount Pictures, Nickelodeon Movies. Distribución: Paramount Pictures. Género: Acción, Ciencia Ficción. Web oficial: http://www.ninjaturtles-lapelicula.es/

Crítica: “Expediente Warren: El caso de Enfield”

Sinopsis

Clic para mostrar

La nominada al Óscar Vera Farmiga (“Up In the Air”, la serie de televisión “Bates Motel”) y Patrick Wilson (las películas de “Insidious”) interpretan una vez más el papel de Lorraine y Ed Warren, quienes, en una de sus investigaciones paranormales más aterradoras, viajan al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que vive sola con sus cuatro hijos en una casa plagada de espíritus malignos.

Crítica

El terror se instala en Londres.

Pude ver esta película en su pre-estreno en el marco del festival Nocturna. En una sala casi repleta puedo decir que no fueron pocos los gritos y el nerviosismo que vivimos. James Wan nos ha traído lo mismo de siempre sí, lo mismo que en “The conjuring” y en “Insidious”, pero gusta y de momento no cansa. ¿Qué es lo mismo de siempre? Buena ambientación, buenos sustos, buena historia. Si normalmente tenemos que decir que el cine de terror se basa principalmente en darnos sustos o en ensordecernos con ruidos repentinos, en el caso de las películas de “Expediente Warren” si se está logrando infundir algo de miedo en el espectador incorporando elementos del cine setentero del género.

Cuando digo que Wan nos trae lo mismo quiero decir también que incluso tras las cámaras se repite. Mismo equipo técnico y protagonistas, salvo en el caso de la fotografía que ha incorporado el buen ojo de Don Burgess (“Código fuente”, “El sicario de dios”) en lugar del magnífico John R. Leonetti (“Insidious”, “Mortal Kombat”). La historia escrita por los hermanos Hayes tiene menos gancho que la de la anterior entrega, pero posee dos tramas fantasmales paralelas con bastante fuerza. Su mayor atractivo es el giro que toman los acontecimientos en cuanto se descubre la verdad sobre la causa del poltergeist, haciendo converger de ese modo ambas tramas y dándole sentido a la película.

Patrick Wilson y Vera Farmiga dan un paso más en la historia de los Warren. Muestran la evolución de estos personajes sin estancarse en lo establecido en la primera parte. Normalmente este tipo de “cazafantasmas” aparece sin más en las películas sobrenaturales pero con la saga Warren nos están mostrando un aspecto diferente.

Para “Expediente Warren: El caso de Enfield” se han devanado los sesos para buscar nuevos sustos y pillarnos desprevenidos. El sonido es otro punto fuerte que consigue encauzarnos por los caminos de lo tenso y trepidante. Por supuesto otro atractivo para los espectadores de nuestro país es ver de nuevo a Javier Botet enfundado en el papel de fantasma. Está bien contemporizada, adaptada a lo que el espectador pide o espera de este tipo de películas.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2016. Título original: The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist. Duración: 133min. País: EE.UU. Director: James Wan. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Lauren Esposito,Patrick McAuley, Benjamin Haigh, Maria Doyle Kennedy, Simon Delaney, Franka Potente, Simon McBurney, Javier Botet. Producción: Evergreen Media Group, New Line Cinema, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial: http://www.theconjuring2.com/

Crítica: «Summer Camp»

Sinopsis

Clic para mostrar

En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes se apuntan como monitores de un campamento. La noche anterior a la llegada de los niños y sin motivo aparente, comienzan a atacarse furiosamente entre ellos. Algo les convierte temporalmente en seres enloquecidos y muy salvajes. Empieza entonces un juego del gato y el ratón sin tregua, en el que tan pronto son cazadores como intercambian sus roles para ser cazados. Para sobrevivir sólo tendrán una opción: encontrar el origen de la infección que les permita acabar con la terrible pesadilla.

Crítica

Una novedosa y engañosa historia de terror.

Normalmente, las películas que calan en nuestra memoria o en la historia de nuestro cine son aquellas que pese a tener pretensiones medias consiguen sorprendernos. “Summer Camp” tiene virtudes y proyección para convertirse en una de ellas o por lo menos en un título de culto. Triunfó en el pasado Nocturna y probablemente lo haga en nuestras taquillas. No es una película de terror basada karma, donde a todos los buenos les pasan cosas buenas y a los malos cosas malas, va por otros derroteros y ahí está uno de sus puntos fuertes.

Marini (“Mientras duermes”, “El desconocido”) ha dirigido y escrito una película que arranca como si tal cosa y rápidamente se vuelve frenética, sin dejarnos recuperar aliento. “Summer Camp” es un toma y daca, un juego del gato y el ratón, pero no solo entre los protagonistas, sino también entre el film y el espectador. Se podría decir que en este sentido Marini hace las veces de trilero.

Es de estas experiencias que merece la pena ser vistas pues nos sorprende en varias ocasiones. No tiene moraleja ni mensaje profundo, es una historia de terror, un survival horror, sin más, pero despunta por su originalidad entre todo lo surgido en los últimos años. Con cambiar un simple elemento, en algo que es un cliché del cine de infectados, se crea toda una nueva dinámica. No tiene la mejor fotografía del mundo ni el maquillaje de una superproducción, pero posee un montaje trepidante.

Posee un reparto muy internacional. Desde el talentoso mexicano Diego Boneta (“Rock of Ages”) hasta las prometedoras estadounidenses Donahue (“Insidious: capítulo 2”) y Walsh (serie de “Zombieland”). También está presente Andrés Velencoso que realiza su papel de un modo bastante correcto. Todos ellos se desenvuelven bien en los apenas dos o tres escenarios que tiene la película: Un caserón (que hace las veces de campamento de verano), una caravana y un bosque.

Podría tener saga, da para ello, aún así la película es concluyente. Incluso podría dar lugar a un videojuego. A mí me ha dejado el buen sabor de boca que me dejaron hace años “Rec”, “The Ring”, “La cabaña en el bosque”, “28 días después” u otros éxitos de este siglo.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de junio de 2016. Título original: Summer Camp. Duración: 85 min. País: España. Director: Alberto Marini. Guión: Alberto Marini, Danielle Schleif. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Diego Boneta, Maiara Walsh, Jocelin Donahue, Andrés Velencoso, Mark Schardan,Rick Zingale, Xavier Capdet. Producción: Filmax, Safran Company, Rebelión Terrestre. Distribución: Filmax. Género: Comedia, Terror. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/summer-camp.32

Crítica: «Si Dios quiere»

Sinopsis

Clic para mostrar

Tommaso es un cardiólogo respetado, algo déspota, ateo convencido y liberal. Como buen italiano, su familia es muy importante para él y está especialmente orgulloso de su hijo menor, un brillante estudiante de medicina dispuesto a seguir sus pasos. Sin embargo, el joven tiene nuevos planes y revoluciona a la familia con una inesperada noticia: quiere hacerse cura.

Crítica

Risas aseguradas con esta comedia perfecta. 

 

Hace mucho hablaba con un compañero de que el cine italiano no era el cine que más me atraía pero gracias a Si Dios quiere, me tengo que callar y decir que hacía mucho que no me reía tanto.

La película nos muestra a una familia de bien, acomodada, en la que él que manda es Tommaso, el padre de familia, cirujano y bastante liberal, hasta que su hijo, el niño de sus ojos, reúne a toda la familia y les da una noticia que les cambiará la vida y la forma de ver todo lo que tenía hasta ahora.

Una manera de ver como se puede tener fe, sin ser religioso. Una de las cosas que enseña la película es a mirar de forma diferente a la gente de fe, a los curas. Al fin y al cabo son personas, con errores pasados, personas que quieren el bien para los demás y que están dispuestos a mucho por lograrlo.

Los actores principales Marco Giallini, Alessandro Gassman hacen un gran trabajo haciéndonos reír en infinidad de ocasiones. Marco Giallini hace de un ser perfecto y sin escrúpulos, que quiere el control de todo y que no cree en nada más que en él mismo y en su certeza de que alguien le ha lavado el cerebro a su hijo. Mientras que Alessandro Gassman, nos encandila con su interpretación de un cura algo caradura quien se empeñara en hacer ver a Tommaso que la vida no es sólo dinero y trabajo, hay mucho más fuera.

Si que he de decir, que el final es algo agridulce, pero da para pensar bastante, pues es un final muy abierto a las distintas interpretaciones. Ya me contaréis como creéis que realmente termina.

Así sin más os recomiendo muchísimo el visionado de esta cinta, las salas de cine os esperan y ahora más que ya llegó el calor, risas y más risas con esta cinta de el joven novel Edoardo Falcone.

Ficha técnica

Estreno en España: 10 de junio  Título original: Se Dio vuole.  Duración:87 min. País: Italia. Director: Edoardo Maria Falcone. Guión: Edoardo Maria, Marco Martani. Música: Carlo Virzi. Fotografía: Tommaso Borgstrom. Reparto: Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, Edoardo Pesce, Enrico Oetiker, Carlo De Ruggeri, Giuseppina Cervizzi, Alex Cendron, Fabrizio Giannini, Silvia Munguia. Producción: Wildside/ Rai Cinema. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: www.acontracorrientefilms.com/pelicula/551/si-dios-quiere/

Crítica: “Una madre imperfecta”

Sinopsis

Clic para mostrar

Con un nuevo iPhone, un apartamento cerca del Grove y una cuenta corriente desahogada (que le ha dejado su querido y difunto marido), Marnie Minervini (Susan Sarandon) se traslada encantada de Nueva Jersey a Los Ángeles para estar cerca de su hija, Lori (Rose Byrne), una guionista de éxito (aunque aún soltera), y asfixiarla con su amor materno. Pero, cuando las docenas de mensajes de texto, visitas inesperadas y conversaciones dominadas por consejos no solicitados obligan a Lori a fijar unos estrictos límites personales, Marnie encuentra maneras de encauzar su eterno optimismo y su vehemente generosidad para cambiar las vidas de los demás (así como la suya propia) y encontrar una nueva meta en la vida.

Crítica

Desde la imperfección y el cariño.

Podemos tomarnos “Una madre imperfecta” como un homenaje a todas esas madres que están encima de sus hijos hasta un límite invasivo. Es decir, sin pretender protestar por esos cariños maternales, Scafaria (directora y escritora de la cinta) nos muestra cuan fisgonas, desactualizadas o supervisoras pueden llegar a ser. Todo esto procura hacerlo con un humor excesivamente amable y una visión subjetiva. Tan personal es esta obra que llega a reflejarse a sí misma en la afligida guionista que interpreta Rose Byrne, pues esta hace lo mismo que ella con sus guiones.

Cumplir cumple. Promete una madre imperfecta y eso es efectivamente lo que encarna a la perfección Susan Sarandon. Una persona controladora, agobiante, estresante… entrometida como reza el título en su versión original. Entorno a ella surgen historias emotivas y conmovedoras que hacen que todo dependa y gire en torno a su persona. Llega a parecer que más que una madre es una ONG. Todas las acciones altruistas que realiza son fiel reflejo de su problema para pasar página, además de la cobra que le hace a cada pretendiente que la surge. Y ahí es donde entra el personaje de J.K. Simmons. El oscarizado actor de Detroit no pasa desapercibido, pero tampoco tiene tanto peso en la película como para ser cabeza de cartel. Aun así, es capaz de conseguir que se le coja cariño.

Dicho esto, podemos afirmar que “Una madre imperfecta” podría consistir en una película para exhibir a Sarandon, pero todos sabemos que esta actriz está perfectamente consagrada y tampoco la han faltado trabajos en los últimos años. Entonces suponemos que lo que se ha pretendido hacer es una sencilla comedia, pero tan solo vemos unas leves ráfagas de humor afable y sin peculiaridad alguna. Unido esto a que no estará dirigida a un público excesivamente grande, las perspectivas de esta película en España no son muy halagüeñas. Eso sí, verla con nuestras madres puede abrir heridas y debates desde un punto de vista sano y cómico.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de junio de 2016. Título original: The Meddler. Duración: 100 min. País: EE.UU. Director: Lorene Scafaria. Guión: Lorene Scafaria. Música: Jonathan Sadoff. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Susan Sarandon, Rose Byrne, J.K. Simmons, Lucy Punch, Jason Ritter, Michael McKean, Casey Wilson, Sarah Baker, Cecily Strong, Erica Lynne Marszalek, Lou Volpe, Frankie Sims, Dominic Flores, Richard Markman. Producción: Anonymous Content, Stage 6 Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia, Drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/themeddler/

 Crítica: “Dos buenos tipos”

Sinopsis

Clic para mostrar

El malogrado detective privado Holland March (Ryan Gosling) y el matón a sueldo Jackson Healy (Russell Crowe) no tienen nada en común, hasta que se ven inmersos en la misteriosa desaparición de la persona a la que ambos están siguiendo y se convierten en el blanco de unos entrenados asesinos. Su investigación además les lleva a una multimillonaria conspiración. Healy y March tendrán que utilizar todos sus recursos (legales o no) para salvarse y asegurarse de que la verdad salga a la luz.

Crítica

Como si Bukowski hiciese cine de los 70.

Visualizando “Dos buenos tipos” me ha venido a la cabeza la excelente novela de Charles Bukowski titulada “Pulp”. Una historia que iba de un detective fracasado, de mujeres despampanantes, de casos que son más grandes de lo que parecen… todo ello con un tono muy disparatado, burlesco incluso, poblado de personajes rocambolescos. Así es “Dos buenos tipos”. Humor, sátira, acción, situaciones absurdas… Una trama de investigaciones entrelazadas, de personajes que van y vienen mezclándose en las desventuras del detective y el matón.

Shane Black ha vuelto a sacar lo mejor de sí mismo, creando a una estupenda pareja de protagonistas y dirigiendo brillantemente la película para sacar lo mejor de los actores que los interpretan. De igual modo que en “Arma letal” creaba un equilibrio entre Mel Gibson y Danny Glover, o incluso en “El último gran héroe” hacía lo propio entre Arnold Schwarzenegger y Austin O’Brian, para “Dos buenos tipos” crea otra dupla llamada a dejar huella. Es decir, nos devuelve a las sensaciones del cine de blockbuster pero con un código del siglo XXI.

Jamás pensé que podría reírme tanto con Russell Crowe ni con Ryan Gosling pero he de admitir que en «Dos buenos tipos» de muestran que como cómicos tienen más talento de lo imaginado. Y eso que el humor que se maneja en esta película no es nada amable. Es lógico que esté calificada como de tipo R pues constantemente vemos humor verde, grotesco e incluso negro, pero llevado con muy buen gusto, guiando la película a lo disparatado.

El resto del reparto no es nada fuera de lo común. Una nada pueril Angourie Rice, una insípida Kim Basinger, un apto Matt Bomer, una comprometida Margaret Qualley…

La película respira años 70 y eso contribuye mucho a crear este espíritu de Starsky y Hutch versión canalla. Desde el “September” de los Earth, Wind & Fire (muy bien por David Buckel y John Ottman con la banda sonora) hasta los decorados y vestuarios, todo ello nos devuelve a la época post Richard Nixon. “Dos buenos tipos” es una película melancólica, hilarante y paródica.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de junio. Título original: The nice guys. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Shane Black. Guión: Shane Black, Anthony Bagarozzi. Música: David Buckely, John Ottman. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Keith David, Margaret Qualley, Beau Knapp, Angourie Rice, Daisy Tahan, Abbie Dunn,Michael Beasley, Joanne Spracklen, Dale Ritchey, Terence Rosemore, Chace Beck, Kahallyn Summer Cain, Cayla Brady, Murielle Telio, Lexi Johnson, Gary Wolf,Maddie Compton, Michelle Rivera, Joshua Hoover, Charles Green, Scott Ledbetter,Amy Goddard, Brian Gonzalez, Ty Simpkins. Producción: WB, Silver Pictures, Waypoint Entertainment, Misty Mountains. Distribución: Tripictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.theniceguysmovie.com/

Crítica: “Special Correspondents”

 Sinopsis

Clic para mostrar

Forman un equipo de corresponsales de guerra… sin pasaportes. Deciden radiar noticias falsas fingiendo que están en la zona de combate, pero la cosa se complica.

Crítica

Reporteros con muchos peros.

He de decir que si Ricky Gervais me tiene encandilado desde hace tiempo con sus guiones y algunas de sus actuaciones (“The Office”, “Life’s too short”, “Extras”), en esta ocasión me ha decepcionado, y eso que dirige su propio producto. Normalmente hace alarde de un humor particular, negro, ácido, satírico. Él siempre lo ha manejado de manera que haga gracia, aunque lo que nos muestre sea un verdadero drama. Pero en “Special Correspondents” ha procurado salirse un poco de ese tipo de humor, adaptando un producto francés, entrando en el género de lo absurdo y los enredos, aunque algún gag de los suyos sí que introduce. Pero no consigue dar un golpe de efecto que arranque carcajadas ni decantarse por un estilo definido.

Los personajes están bien construidos, no obstante el de Vera Farmiga cueste mucho creérselo. Pero cae en estereotipos y en sucesos predecibles. Tanto Gervais como Bana mantienen a sus personajes dentro su línea hasta el final. Uno en la piel de un fracasado y el otro en la de un embaucador y falso triunfador. Cansa que Gervais sigua con su empeño por crearse personajes así, se auto encasilla. Hasta en el en “Los Simpsons” se hizo esto cuando escribió el capítulo 17×15. Solo en algunas películas como “Stardust” le hemos visto salirse algo de este patrón.

Hablando de estereotipos. El mundo latino está muy presente en esta historia y por enésima vez se vuelve a confundir España y sus gentes con América Latina. Exaspera el desinterés por documentarse de muchos cineastas. Si ellos no se cansan en cometer estas incoherencias y faltas de interés por nuestra cultura, servidor no se cansará de gruñir al respecto.

“Special Correspondents” es una comedia sosegada, que clama por un texto más descabellado para salirse de la historia verosímil que no es. Aunque carece de un ritmo adecuado puede entretener a los seguidores de las comedias de enredos.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Special Correspondents. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Director: Ricky Gervais. Guión: Ricky Gervais. Música: Tindersticks. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Eric Bana, Ricky Gervais, Vera Farmiga, Kelly Macdonald, Kevin Pollak, America Ferrera, Raúl Castillo, Benjamin Bratt. Producción: Netflix, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance, Unanimous Entertainment. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80048940

Crítica: «Un doctor en la campiña»

Sinopsis

Clic para mostrar

Toda la gente de esta pequeña zona rural puede contar con Jean-Pierre (François Cluzet),  el médico que les ausculta, les cura y les tranquiliza a cualquier hora del día, durante los siete días de la semana.

Enfermo también a su vez, acepta la llegada de la doctora Nathalie (Marianne Denicourt) recién llegada de su trabajo de hospital para que le ayude. Pero, ¿se las arreglará para adaptarse a esta nueva vida y, sobre todo, a conseguir el reto de sustituir a aquel que se creía irremplazable?

Crítica

Vacuo intento de complacer con una historia campestre

Vale que el director Thomas Liti tenga formación en medicina y ejerza como médico generalista, ya hizo su homenaje a esta ciencia con su segundo largometraje “Hipócrates”. Pero en esta ocasión nos suministra una sobredosis de médico de familia. Una cantidad de casos clínicos que surgen a borbotones por toda la campiña francesa y nos aturullan.

Existen diversas razones por las que podemos pensar que se nos introducen tantos personajes secundarios o extras ejerciendo de pacientes. Es obvio que, por cuestiones narrativas, ya que hay que justificar la presencia del personaje de Marianne Denicourt y por eso se nos muestra a un hiper-ocupado médico, que además no pasa por su mejor momento de salud. Esto sirve también para hacer un esbozo de la personalidad y vida que tiene el protagonista. Pero se podría haber hecho de manera más breve o fugaz pues sus casos no tienen relevancia importante en la historia que nos narra Liti y en consecuencia nos alarga el film.

“Un doctor en la campiña” es una película que parece pretender ser costumbrista, mostrando las virtudes de la vida sencilla en el campo y así de paso reflexionar sobre la fragilidad y la brevedad de la vida. No obstante, lo único que consigue es tocar nuestra fibra sensible con alguno de los enfermos y decepcionarnos con una fútil trama central.

François Cluzet vuelve a apelar a nuestro corazón jugando la misma baza que en “Intocable”. La de la persona obstinada cuyo mundo se ve zarandeado por un problema de salud. Interpreta muy bien un médico anclado en las viejas costumbres aportándole un aire cercano y campechano. Por su parte Denicourt coprotagoniza la cinta con menos carácter y representando la corriente opuesta a la de Cluzet, la de una doctora que quiere cambiar y modernizar los métodos. Dos vertientes diferentes que cumplen el previsible desenlace de acabar por entenderse.

Una historia dramática y rural con algún atisbo de comedia. Así es esta anodina película que podría haber sido más grata si se hubiese decantado de una manera más clara por el drama o por el humor.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de mayo de 2016. Título original: Médecin de champagne. Duración: 105 min. País: Francia. Director: Thomas Liti. Guión: Thomas Lilti, Baya Kasmi. Fotografía: Nicolas Gaurin. Reparto principal: François Cluzet, Marianne Denicourt, Patrick Descamps, Christophe Odent. Producción: 31 Juin Films, Les Films du Parc. Distribución: Caramel Films. Género: Drama, comedia. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/un_doctor_en_la_campina

Crítica: Las estaciones

Sinopsis

Clic para mostrar

Después de recorrer el mundo siguiendo a las aves migratorias, y surcar los mares con las ballenas y las mantarrayas, Jacques Perrin y Jacques Cluzaud regresan con esta nueva película regresan con una película para toda la familia. Nos llevan a un viaje a través del tiempo para redescubrir esos paisajes europeos que hemos compartido con animales salvajes desde la última Edad de Hielo. El invierno llevaba durando 80.000 años cuando, en un plazo de tiempo muy corto, surgió un bosque inmenso que cubrió todo el continente. La nueva configuración planetaria trajo una transformación; se estableció el ciclo de las estaciones, el paisaje sufrió una metamorfosis, y la flora y la fauna evolucionaron a medida que la historia empezaba… Esta aparentemente interminable Edad de Hielo dio paso a exuberantes bosques verdes y el Homo Sapiens, que acababa de surgir, le dio la forma del campo que conocemos ahora. LAS ESTACIONES es un cuento excepcional que invita a la reflexión y que relata la larga y tumultuosa historia que une de forma indisoluble a la humanidad con el reino animal.

Crítica

Aún estamos a tiempo de salvar a las estaciones.  

Las estaciones, leyendo el título y sabiendo que vamos a ver un documental cualquiera pensaría que éste trataría sobre eso mismo, las estaciones, tal cual, el cómo van pasando, los animales que podemos ver en cada una de ellas y disfrutar de bonitas imágenes de toda la naturaleza de la que poco nos preocupamos.Sí, hay animales, sí, vemos las distintas estaciones, está claro que vemos los preciosos paisajes que este planeta tiene y como acabo de decir, del que poco nos preocupamos e incido en estas palabras porque de esto mismo trata Las estaciones, de como éstas  están desapareciendo, de cómo estos bosques y los animales que en ellos habitan están muriendo.

Los directores Jacques Perrin y Jacques Cluzuad nos traen la vida en los bosques desde la última  glaciación y la aparición del hombre en la naturaleza que no ha hecho más que cambiarla a su gusto, utilizarla, quemarla y destruirla a su paso. De cómo poco a poco estos cambios han llevado al cambio climático, de como se ha asesinado a la primavera. Si os dais cuenta poco a poco vamos pasando directamente del invierno al verano sin apenas disfrutar como antes de las flores y del tiempo primaveral que tanto gusta.

De esto va este documental, en la versión doblada al castellano tenemos a Elena Anaya, que esta perfecta narrando esta especia de cuento, pero que apenas tiene protagonismo, pues la protagonista es la naturaleza en estado puro. Las imágenes son impresionantes, vemos como afectan las distintas estaciones a los habitantes del bosque y como se las ingenian para adaptarse a las circunstancias. Es triste ver como cuando un animal nos molesta simplemente acabamos con él y ya está.

Definitivamente os animo a verlo, a concienciaros un poco de que todavía estamos a tiempo para parar la situación y salvar los bosques y a los habitantes que hay en ellas.

La película se estrena con el motivo del Día Europeo de la Red Natura 2000, que es la red de espacios protegidos más importante del mundo y principal instrumento para la conservación de la naturaleza en la Unión Europea, además esta Red Natura ha servido de escenario para la grabación de esta película.

Así que el día 20
de mayo tenéis cita con la naturaleza, no os la perdáis y disfrutad de el viaje, de verdad no os vais a arrepentir, muchas veces nos quedamos con las cosas bonitas, nos cegamos los ojos y ya está, Las estaciones, aparte de mostrarnos algo tan bonito como la naturaleza, nos anima a que tenemos que luchar y volver a ser parte de ella, a conservarla y a convivir con ella, no ha vivir de ella.

Ficha técnica

Estreno en España: 20 de mayo de 2016. Título original: Les saisons Duración: 97 min. País: Francia.Director: Jacques Perrin y Jacques Cluzaud. Guión: Jacques Perrin, Jacques Cluzaud y Stéphane Durand. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Stéphane Aupetit Michel Benjamin, Jérôme Bouvier Laurent Charbonnier, Philippe Garguil, eric Guichard – AFC, Laurent Fleutot, Sylvain Maillard, Christopeh Pottier y Jan Walencik. Narrada: por Elena Anaya. Producción: France 2 Cinéma, Galatée Film, Pandora Filmproduktion, Pathé. Distribución: Wanda Vision. Género: Documental. Web oficial: www.wandavision.com/site/fotografias/las_estaciones

Crítica: «Noche Real»

Sinopsis

Clic para mostrar

Mayo de 1945. La ciudad de Londres celebra el final de la guerra, y en el Palacio de Buckingham hay dos princesas con ganas de unirse a la celebración de la calle. Mientras el rey Jorge prepara su discurso, a la joven Isabel, futura Reina de Inglaterra, y a su hermana se les permite salir de incógnito y vivir una noche inolvidable.

Crítica

Una comedia británica muy real.

Noche Real promete ser una de las grandes comedias británicas del año. Este largometraje muestra la cara más amable e incluso graciosa de la monarquía británica. Ambientada en el 8 de mayo de 1945, en el Día de la Victoria (o más bien durante la noche de la celebración), esta comedia nos acoge en el Palacio de Buckingham para sentirnos parte de la realeza durante la hora y media de duración del metraje.

Basado en hechos reales históricos, la película narra los acontecimientos de esta fecha señalada para los europeos donde la princesa Isabel (actualmente Isabel II) y su hermana Margarita, salieron de incógnito a celebrar con el resto de ciudadanos ingleses la victoria sobre los nazis alemanes.

El director Julian Jarrold (“La joven Jane Austen” y “Retorno a Brideshead”) reconstruye esta historia con un añadido de humor y amor a partes iguales.

Humor británico, por supuesto, como no podría ser de otro modo. Jarrold hace uso de los clichés más posh y clásicos referidos a la monarquía británica, pero que funcionan y encajan perfectamente con el ritmo de la película.

Y amor, mucho amor, por otro lado. Amor a la patria en primer lugar (ya sabemos el mítico God Save The Queen) donde habrá lugar a alguna crítica a las guerras y quienes las dirigen, pero que se entrelaza con el romance y las desventuras de una noche movida por el alcohol, el júbilo y las ansias de libertad que reinaba en las calles londinenses.

Acompañados por una banda sonora a ritmo de charleston y foxtrot y una gran fotografía, con una marcada estética visual de época y pomposa, la película entretiene sin apenas altibajos durante los 90 minutos. Caben destacar las interpretaciones de Sarah Gadon como la princesa Isabel, quien asume el rol de princesa responsable y sensata, y de Bel Powley como su hermana Margarita, quien será la más alocada y precoz de las dos hermanas. También merece la pena ver de nuevo en la gran pantalla a la gran Emily Watson a pesar de su papel testimonial como Reina de Inglaterra.

Esta comedia entretendrá a grandes y pequeños, pero especialmente a aquellos amantes de la isla británica por sus planos sobre la ciudad de Londres y sus paisajes típicos de la campiña inglesa, sin olvidarnos de todo tipo de chistes sobre sí mismos que hacen los ingleses. Película recomendable para ir en familia o pasar un buen rato de entretenimiento, sobre todo para los fans de lo british.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2016. Título original: A Roya Night Out. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Director: Julian Jarrold. Guión: Trevor De Silva, Kevin Hood. Música: Paul Englishby. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Sarah Gadon, Emily Watson, Jack Reynor, Rupert Everett, Bel Powley, Roger Allam, Jack Laskey, Ruth Sheen, Anastasia Harrold, Jack Gordon, Geoffrey Streatfeild, Sophia Di Martino. Producción: Ecosse Films, Scope Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Drama, Romance, Comedia. Web oficial: https://www.aroyalnightout.com/

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil