El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.
Crítica
Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar
‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.
Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.
Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.
Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado
Una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.
Crítica
La comunión inevitable de dos genios del surrealismo
Hace dos años tuve la inmensa suerte de conocer a Quentin Dupieux en el marco del festival de Sitges. Allí vivimos una de las ruedas de prensa más divertidas de todas las celebradas en la localidad catalana. Entre muchas sugerentes e interesantes preguntas pude lanzar un par. Una de esas cuestiones era más una sugerencia pues planteaba al director usar su característico estilo y aplicárselo a algún suceso real. Me respondió rotundamente que no. Ahora se estrena ‘Daaaaaali!’ y lejos de señalar que se ha contradicho, hay que reconocer que tanto en la realidad y la ficción, con el genio surrealista era difícil distinguir lo que eran ensoñaciones y lo que eran hechos reales. Por eso era inevitable la comunión entre el director francés y el mítico artista español, porque ambos tienen pocas ligaduras con la realidad.
‘Daaaaaali!’ no es una película únicamente para los muy cafeteros de Dupieux pero tampoco la más accesible. Aún así es una muestra del absurdo estilo distintivo de Quentin Dupieux, un cineasta conocido por su enfoque disparatado y su capacidad para desdibujar las líneas entre lo posible y la ficción más lunática. El guion de ‘Daaaaaali!’ mezcla elementos excéntricos, cómicos y oníricos, reflejando las ocurrencias de dos genios capaces de crear de manera libre. Es una obra audaz y creativa que captura la esencia del surrealismo y rinde homenaje a uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Dupieux demuestra su afinidad con el surrealismo y dadaismo de Dalí, sugiriendo que ambos habrían hecho buenas migas, estoy seguro de que se habrían adulado mutuamente. Al igual que Dalí podía soltar algo incomprensible que dejaba al oyente con el gesto torcido, Dupieux nos asalta siempre con escenas tan ocurrentes como sorprendentes e insondables. La película llega hasta el punto de ser capaz de deshacerse a sí misma e introducirnos en un bucle. Estoy seguro de que también le gustará a Christopher Nolan, de igual modo que los que amamos ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ o ‘Top Secret!’ hemos encontrado gags conocidos.
Pero, ¿de qué tarta Dalí? Con todo lo que he dicho hasta aquí podrás imaginar que no es un biopic. La narrativa no sigue una estructura lineal tradicional, sino que se despliega como una serie de viñetas que exploran diferentes aspectos de la vida y la mente de Dalí, sobre todo acerca de su personalidad. Entre estos episodios se incluyen personajes como Gala, su musa y esposa, y su fiel chófer. El hilo conductor es una entrevista que no acaba de cuajar, subrayando así la naturaleza indómita y caprichosa del artista. Dupieux no tiene miedo de desafiar las expectativas del público, una valentía que es una de las fortalezas de su obra, de nuevo alineándose con otra característica de Dalí, su arrojo propiciado por su confianza ciega en su arte. A través de este enfoque, Dupieux logra retratar desde la imaginación a este maestro inigualable, llegando incluso a criticarse a sí mismo por intentar acercarse al arte del genio.
Una de las características más destacadas de la película es la interpretación de Dalí por múltiples actores. Las seis aes del título hacen referencia a los seis actores que llegan a lucir el bigote característico de Dalí. El de Figueres era inigualable pero hasta cierto punto no era inimitable, como demuestran casi todos los intérpretes del filme que clavan sus gestos y su hablar sin citar ni un solo detalle real. Este enfoque refleja la percepción pública de Dalí como una figura cambiante y multifacética. Dupieux utiliza este recurso para crear una sensación de desorientación y fascinación que mantiene al espectador cautivado.
A favor del filme está le haber rodado en la tierra de Salvador Dalí. Visualmente, la película es un festín para los ojos. Dupieux, quien también es conocido por su trabajo como director de fotografía, emplea una paleta de colores veraniegos y una composición visual meticulosa que captura la esencia del arte de Dalí, de hecho recrea por lo menos tres cuadros auténticos. Las escenas están llenas de imágenes surrealistas sumergiendo al espectador en un mundo casi sin sentido. Y por si queréis algo más de disparate. Dupieux es conocido por su faceta de Dj y su campaña con Flat Eric. Curiosamente la banda sonora de ‘Daaaaaalí!’ no está compuesta por él, sino por alguien con quien ya trabajó en ‘Reality’, Thomas Bangalter, uno de los miembros de Daft Punk.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Daaaaaalí! Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Música: Thomas Bangalter. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Edouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmaï, Didier Flamand, Romain Duris. Producción: Atelier de Production, Associates M Productions, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:https://es.unifrance.org/pelicula/55586/daaaaaali
La artista Dezzy Donahue atraviesa una crisis creativa interminable. Incapaz de detener su mala racha, Dezzy está estancada profesionalmente. En un esfuerzo por combatir su suerte, se entrega a las drogas pesadas. Su especie de novio, Clive, está preocupado, mientras que su amiga Courtney y su enigmático esposo Ronnie siguen alimentando los impulsos más oscuros de Dezzy.
Sin embargo, poco a poco la fiesta parece que termina, y ahora Dezzy se encuentra sedienta de sangre y sufriendo visiones terroríficas. Al no haber sido nunca una persona con autocontrol, es incapaz de resistir sus nuevos impulsos peligrosos. Malas noticias para todos los que están en su vida, quienes están llenos del líquido rojo que Dezzy ansía desesperadamente.
Crítica
Es una orgía de ácido y creatividad rockanrolera que no aporta nada nuevo
Joe Begos es un artista que se está perfilando como un prometedor cineasta de género fantástico, por sus interesantes propuestas y por sus personales argumentos, sus desinteresados films enlazados con los temas más clásicos. En el caso de ‘Bliss’ seguimos los pasos de una joven artista acosada por sus deudas y los plazos. Agobiada por el tener que finalizar una pintura y por la falta de inspiración. En una crisis artística recurre a las medidas más desesperadas y eso le lleva a buscar el éxtasis creativo, que es lo que literalmente significa bliss.
A la protagonista de la cinta no le basta la música, el alcohol o las drogas para encontrar su musa. La desesperada vía a la que acude casi como una yonki para alcanzar el éxtasis es la sangre. Necesita constantemente un cuelgue creativo. Es por eso que ‘Bliss’ tiene momentos violentos incluso caníbales o vampíricos. A Joe Begos le gusta regodearse en el sadismo y eso está bien, pero está justificado por los pelos. Es de esas películas que a veces solo se entienden a sí mismas, que se pueden interpretar como arte posmoderno.
Son ochenta minutos que formaron parte de las maratones Midnight X-Treme de Sitges, para hacerse eternos. Justo el año anterior sufrí una película de similares características visuales que fue ‘Mandy’. Muy ochentera, muy colorida, muy fluorescente. Se acerca a la locura que consigue Cosmatos. Igual de desfasada, más sexual, desbocada y explicita. Es una orgía de ácido y creatividad rockanrolera que va también sin rumbo alguno. Si te saltas escenas la puedes seguir igualmente porque está constantemente en el mismo punto.
Para referirnos a ella podemos hablar de ataque de frenesí cocainómano y antropófago. Suena bien, por parecer bastante loco pero es una película bastante injustificada y gratuita no está realmente reforzada por un discurso argumentado. Mientras la protagonista pinta un castell no nos ofrecen realmente un buen alegato sobre el arte y la inspiración más allá de la que nos podría dar un hippie salido de woodstock.
No estamos hablando de una película excesivamente amateur. La protagonista DoraMadison ha trabajado en series para Hulu, Universal, CBS, NBC, Showtime… del corte de ‘Dexter’. Y su nivel deja bastante que desear. Su interpretación es muy exagerada, a veces muy teatral, muy de escuela. Y el elenco que la rodea parece sacado de una escuela de interpretación de barrio.
Está bien saber aplicar las influencias de directores que te gustan o que les rindas homenaje. Pero también hay que contar una historia o transgredir de alguna manera. Creo que en este caso Begos no lo hace, aunque si es bueno con la cámara o el maquillaje no lo es con la escritura ni con sus actores.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2020. Título original: Bliss. Duración: 80 min. País: EE.UU. Dirección: Joe Begos. Guion: Joe Begos. Música: Steve Moore. Fotografía: Mike Testin. Reparto principal: Dora Madison, Jeremy Gardner, Tru Collins, Rhys Wakefield, Graham Skipp. Producción: Channel 83 Films. Distribución: Begin Again Films. Género: fantástico. Web oficial:http://beginagainfilms.es/bliss/
Estados Unidos, años setenta. Seguimos al inteligentísimo Jack durante cinco incidentes y descubrimos los crímenes que le definen como un asesino en serie. Vivimos la historia desde la perspectiva de Jack. Considera cada asesinato como una obra de arte, pero su profunda inadaptación le plantea problemas con el mundo exterior. A pesar de la intervención de la policía, que se acerca inevitablemente, Jack se empeña en arriesgarse cada vez más contra toda lógica. A medida que la historia avanza, compartimos las descripciones que hace de su condición, sus problemas y pensamientos mediante conversaciones con el desconocido Verge: una mezcla grotesca de sofisticación, de una casi infantil autocompasión y de explicaciones detalladas de maniobras tan peligrosas como difíciles para Jack.
Crítica
La casa de Jack tiene cimientos macabros, desviadas vigas y desafiantes habitaciones
Escribo esta crítica unos meses después de haber visto ‘La casa de Jack’ en el pasado Festival de Sitges. Esto no es pompa festivalera que me doy, lo digo por remarcar que redacto mis opiniones tras un tiempo y en frío, al margen del subidón y fascinación que sentí al salir del cine, sentimientos que iban acompañados de turbación, ahora explicaré porqué.
Que Lars von Trier es un provocador nato no lo discute nadie. Pero que encima aún sea capaz de dejarte con dudas sobre ti mismo, poniendo además a prueba tu integridad, ya es llevar el desafío a unas cotas más altas. ‘La casa de Jack’ es una película sugerente pero a la vez trastornada, extremadamente retorcida. Me encantan este tipo de propuestas, no solo por la burla y el reto que representan, sino porque es todo un planteamiento casi nuevo tanto para versados como para inexpertos del cine nórdico.
‘La casa de Jack’ se construye a base de varios capítulos. Y es que originalmente este proyecto iba a ser una serie construida a base de episodios, o incluso una representación teatral. Ese aspecto se ha conservado en la película que se divide en 5 partes o incidentes y un epílogo que conversan con el espectador muy de cerca. Cada sección describe varios asesinatos en un lapso de doce años. Es el mismo protagonista quien a través de sus elucubraciones y conversaciones con Verge (cuyo nombre, «borde» en danés, tiene su doble sentido) nos va relatando sus obras artísticas con forma de crimen. Así hasta que se edifica, literalmente, una biografía de asesinatos y desafíos a las autoridades o cánones establecidos.
Jack es un asesino de costumbres arraigadas, de una falta de vida social manifiesta y de muchos TOCs, entre ellos el de ser impecáblemente limpio. El saber lo que pasa por la cabeza del protagonista y su condición particular de chapuzas y suertudo genera situaciones que son siniestramente hilarantes. El psicópata de Trier interpretado por Dillon es un actor social, alguien que abiertamente interpreta sus interacciones con el resto de la gente. Ese y otros detalles nos lanzan una invitación a la autocrítica y nos obligan además a hacer un gran acopio de gusto por el humor negro. Es una oscura y burlesca divina comedia.
Algunas escenas son realmente enfermizas. Soy consciente de que mucha gente considerará eso como algo malo y lo respeto, pero para mí no ser capaz de verlas solo demuestra no saber distinguir bien una ficción y no saber ver que hay mucho que aprender de secuencias así. Muchos aspectos deleznables de la mente humana se ponen en tela de juicio mostrándolos en su máximo exponente. Si se viesen por separado las imágenes de esta película, sacadas de contexto, entendería que se armase un escándalo, pero ‘La casa de Jack’ está lo suficientemente bien montada como para que se vea una verdadera maldad en ellas.
No he visto ni la mitad de la filmografía de Matt Dillon, pero creo que muchos coincidirán conmigo en que este es su mejor papel. Su Sr. Sofisticación está muy enlazado con la literatura y pintura clásica, nada que ver con su farsante de ‘Algo pasa con Mary’. Blake, Goethe, Virgilio, Dante, Delacroix… son referentes tanto psíquicos como ópticos. Visualmente es muy explícita, muy bien trabajada en todos sus encuadres y puestas en escena. Y Dillon aguanta el tipo, sostiene su personaje en cada momento manteniéndose a la altura de la calidad técnica de la cinta.
La película, aunque es larga me ha entretenido tanto que ni me he dado cuenta de que no tiene música. La única pega que le encuentro a ‘La casa de Jack’ es su epílogo. Por un lado es una auténtica catábasis pero por otro extiende más la película transportándola a un límite quizá presuntuoso y auto-referente que no necesitaba.
Sin ser de lejos seguidor de Lars von Trier he de otorgarle el mérito de demostrar una vez más que se puede hacer algo distinto, no solo dentro de su carrera, si no en el cine en general.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The house that Jack built. Duración: 155 min. País: Dinamarca Francia, Suecia, Alemania. Dirección: Lars von Trier. Guion: Lars von Trier. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Reparto principal: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl, Ed Speleers, David Bailie. Producción: Zentropa Productions, Radio (DR), Film I Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: frantástico, thriller, comedia negra. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=428
Uso de cookies
Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies
