Una trama sobre espionaje en la guerra fría y Benedict Cumberbatch. Esa es la prometedora propuesta de ‘El espía inglés’, la segunda película de Dominic Cooke (‘En la playa de Chesil’) que estrenará en nuestros cines Diamond Films próximamente.
Rachel Brosnahan (‘La maravillosa Sra. Maisel’) respalda a Cumberbatch en los principales papeles de El espía inglés. A ellos se les suma Merab Ninidze (‘Homeland’) en el papel del coronel soviético Oleg Penkovsky.
Sinopsis oficial:
Durante la guerra fría entre Estados Unidos y Rusia, el viajante Greville Wynne (Benedict Cumberbatch) se infiltra como espía en el MI5, servicio de inteligencia británico. Cuando la crisis de los misiles cubanos promete inclinar la balanza a favor del país soviético, Wynne comenzará a trabajar con la CIA para filtrar información sobre el plan que tienen en marcha los rusos y así evitar una catástrofe.
Vuelven los patos y Emilio Estevez sigue con ellos
¡Patos, somos los patos! Seguro que habéis cantado esta canción alguna vez. Aquellos que vivimos en nuestra infancia o adolescencia el estreno de ‘Somos los mejores’ nos hicimos automáticamente fans de los Patos de Anaheim, el equipo de hockey cuyo logotipo acabaron luciendo los jóvenes protagonistas de la película de Stephen Herek.
Ahora Disney vuelve a hacer de las suyas y retoma la franquicia. Pero la ha convertido en una serie llamada ‘Somos los mejores: una nueva era’. El próximo 26 de marzo llega a Disney+.
Emilio Estevez recupera al personaje que interpretó hace casi 30 años y le acompaña Lauren Graham.
En la Minnesota actual, los Mighty Ducks han evolucionado y han pasado de ser unos perdedores a ser un equipo de hockey juvenil ultra competitivo y potente. Después de que Evan, de 12 años, fuera apartado sin muchas contemplaciones de los Ducks, él y su madre Alex se propusieron construir su propio equipo de inadaptados y hacer frente a esa cultura competitiva en la que todo vale para ganar. Con ayuda de Gordon Bombay, redescubren el placer de jugar solo por amor al deporte.
La serie cuenta con un nuevo equipo de jóvenes promesas como Brady Noon, MaxwellSimkins, Swayam Bhatia, Luke Islam, Kiefer O’Reilly, Taegen Burns, Bella Higginbotham y DJWatts.
‘Somos los mejores: una nueva era’ es una producción de ABC Signature, que forma parte de Disney Television Studios. Steve Brill, el creador original, guionista y productor ejecutivo de las tres películas, que creó una franquicia de la NHL, regresa como co-creador y productor ejecutivo de la nueva serie. Josh Goldsmith y Cathy Yuspa («El rey de Queens», «El sueño de mi vida») son los co-creadores y ejercen de productores ejecutivos y showrunners. Michael Spiller es director/productor ejecutivo de la serie, con James Griffiths como director/EP del programa piloto. Emilio Estevez es productor ejecutivo y Lauren Graham ejerce de coproductora ejecutiva. George Heller y Brad Petrigala de Brillstein Entertainment Partners y Jon Avnet y Jordan Kerner también son productores ejecutivos.
Sam Levinson trabaja con Zendaya y John David Washington en este drama profundamente romántico donde un cineasta y su novia vuelven a casa tras asistir a la fiesta de un estreno de cine que él cree que será un gran éxito de crítica y público. Pero entonces afloran ciertas revelaciones sobre su relación que ponen a prueba la solidez de su amor, y de pronto la noche cambia por completo. Junto al director de fotografía Marcell Rév, Levinson crea una película muy singular, una oda a los grandes idilios de Hollywood, así como una sincera expresión de fe en el futuro del sector.
Crítica
‘Malcolm y Marie’ una historia de un amor demasiado tóxico
El 5 de febrero de 2021, llega a Netflix, ‘Malcolm y Marie’. La nueva cinta de SamLevinson (‘Nación salvaje’). En la que unos fantásticos JohnDavidWashington y Zendaya nos muestran una historia de amor tóxico.
La película rodada en blanco y negro, es de las primeras en ser rodadas en medio de la pandemia, con todas las medidas de protección necesarias y con el beneplácito de la Academia.
El resultado es bastante teatral, nos encontramos en una misma localización, una mansión acristalada, con la que se juega mucho. Miradas a través de cristales, reflejos en los espejos. Maneras de atraer nuestra atención y a la vez experimentar los sentimientos de los protagonistas.
‘Malcolm y Marie’ es ante todo una gran discusión entre dos enamorados. Un director que acaba de presentar su película y que está pletórico. Su novia, que quiere que tenga los pies en la tierra, se lo pone muy complicado en su gran noche. Todo esto mientras esperan las primeras críticas de la película.
Los celos, el odio, rencores pasados, malas interpretaciones y palabras que nunca se deben decir, van saliendo por la boca de estos dos personajes que no sabes muy bien por qué están juntos.
Una película muy bonita visualmente, MarcellRév, nos lleva hasta el fondo de los personajes gracias a sus miradas. Como he dicho, esas miradas a través de los reflejos, esos gestos y medias sonrisas cogidos por la cámara y el buen ojo de este director de fotografía.
Y la música, tan bien utilizada en la película, canciones de perdón, con las que intentan el uno al otro mandarse mensajes en los momento más tediosos de la gran discusión.
Y como he comentado al comenzar la crítica, ellos dos. Zendaya, natural e incisiva. Se come la cámara y a su compañero. Ese odio y a la vez amor hacia su contrincante es maravilloso.
Mientras que el personaje de John David Washington, intenta salir del atolladero en el que se ha metido. Sí que es cierto que en el tema actoral, Washington, nos da una representación mucho más teatral y menos natural. Pero tampoco desentona demasiado y nos muestra un tanto esa prepotencia que el mismo tiene al ser un hombre del espectáculo.
Si que quizás la película termina siendo bastante tediosa. La confrontación entre ambos termina girando sobre el mismo tema durante los 106 minutos de duración y no avanzan demasiado.
‘Malcolmy Marie’ no es una mala película, pero al final me quedo con el ejercicio visual y sonoro que con la historia que me están contando.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de febrero 2021. Título original: Malcolm and Marie. Duración: 106 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Levinson. Guión: Sam Levinson. Música: Labrinth. Fotografía: Marcell Rév. Reparto principal: Zendaya, John David Washington. Producción: Little Lamb, The Reasonable Bunch. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81344370
En ‘Confinados’, justo cuando toman la decisión de separarse, Linda (Anne Hathaway) y Paxton (Chiwetel Ejiofor) descubren que la vida tiene otros planes dejándolos atrapados en casa en un confinamiento obligatorio. La convivencia promete ser un desafío, pero acompañada de poesía e ingentes cantidades de vino, parece acercarles de una forma sorprendente.
Crítica
Comedia romántica en confinamiento
‘Confinados’ es el título de esta “tragicomedia romántica” que se va a poder ver en HBO España desde el 5 de febrero, fecha confirmada para el estreno.
La película nos ofrece lo que su título nos indica y nos es otra cosa que la historia de una pareja con la relación prácticamente rota que además tiene que lidiar con el hecho de llevar ya unas semanas confinados en una bonita casa en un barrio londinense donde están llegando al límite.
En este primer tramo del filme empezamos a conocer sus protagonistas, Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, el día a día en casa, buscando el sentido a la vida desde el casi desequilibrio mental agudizado por la pérdida de esa chispa que un día les hizo ser una pareja perfecta. Por supuesto, estar encerrados no ayuda precisamente a que las cosas vayan a mejor.
Me parece que hay buena química entre los dos, con buenas interpretaciones y aunque haya un drama subyacente de todo lo que está ocurriendo, lo que predomina más es el tono de comedia y unos diálogos a los que les sacan todo el jugo que tienen sus protagonistas.
Así se nos van sucediendo pequeñas situaciones que a todos nos resultarán familiares, ya sea entre ellos, los vecinos o ya las míticas videoconferencias con la familia o del trabajo. Todo ello aderezado con notas de humor negro y un par de cameos graciosos de secundarios de lujo como Ben Kingsley y Ben Stiller. Del primero saco el momento (casi surrealista) en el que se nombra a Egdar Allan Poe, que a mí me hizo mucha gracia hasta el final de la cinta.
Debo decir que la película se mantiene por el buen trabajo de ambos protagonistas (aunque Anne Hathaway me tiene más enamorado) mientras que están en esas situaciones que se plantean del día a día, lidiando con la ansiedad, el desamor y el sentido de sus actos… ´Confinados´ funciona mejor cuando es fiel a su título. Una vez se plantea un robo como una salida a sus vidas, siento que lo que se había construido pierde fuerza. Queda tan poco creíble que nos distrae la atención y creo que, aunque aporta sentido a la relación y por ende a la historia, no ayuda a que el conjunto sume y apruebe con nota más alta.
Porque no nos engañemos, esta es una comedia romántica en tiempos de COVID, en momentos donde más de uno ha sufrido cierta desesperación. Es una película que pasará a ser parte del archivo de cine de la pandemia. Creo que el último tramo si llega a estar un poco mejor construido, hubiera aportado algo más. No es así y se desinfla.
Lo bueno: Esa sensación de haber vivido cosas parecidas, su humor, su elenco de actores y la química de su pareja protagonista.
Lo menos bueno: El tramo final, que en mi opinión hace que decaiga el conjunto.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Locked Down. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Doug Liman. Guion: Steven Knight. Música: John Powell. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Anne Hathaway, Chiwetel Ejiofor, Stephen Merchant, Mindy Kaling, Lucy Boynton, Dulé Hill, Jazmyn Simon, Ben Stiller, Ben Kingsley. Producción: Storyteller Productions, AGC Studios, Hypnotic, Nebulastar. Distribución: HBO España. Género: romance, comedia. Web oficial:
Famosísimos actores interpretando a personajes muy aislados
Los galardonados Morgan Freeman, Anne Hathaway, Helen Mirren, Uzo Aduba, NicoleBeharie, Anthony Mackie, Dan Stevens y Constance Wu, protagonizarán la nueva serie antológica Amazon Original, ‘Solos’, del productor ejecutivo y showrunner David Weil (‘Hunters’). ‘Solos’ se estrenará a finales de 2021 en exclusiva en Amazon Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.
«Estoy más que encantado de dar vida a ‘Solos’ junto a este grupo de artistas a los que admiro profundamente. He creado esta obra con el deseo de capturar historias sobre la conexión, la esperanza y la búsqueda de ese mantra común de la humanidad que nos une a todos. Estoy inmensamente agradecido a Jennifer Salke y a mis increíbles socios de Amazon por su inquebrantable apoyo y colaboración en este especial proyecto», dijo Weil.
‘Solos’ es una serie antológica de siete partes que invita a la reflexión al explorar el significado más profundo de la conexión humana, a través de la visión individual de sus protagonistas. ‘Solos’ contará historias de personajes únicos, cada uno desde una perspectiva y momento diferentes, que nos enseñan que incluso durante nuestros momentos aparentemente más aislados, en las circunstancias más dispares, todos estamos conectados a través de la experiencia humana. ‘Solos’ de Amazon Studios, está producida por Weil, Sam Taylor-Johnson y Laura Lancaster, con Pixie Wespiser como productora. Taylor-Johnson dirigirá dos episodios y Weil hará su debut como director. Otros directores incluyen a Zach Braff y Tiffany Johnson.
Protagonizada por Álvaro Cervantes y Susana Abaitua
Netflix nos ha enviado el tráiler de ‘Loco por ella’, la nueva comedia romántica dirigida por Dani de la Orden (‘Mamá o papá’, ‘Litus’, ‘El mejor verano de mi vida’) que llegará a la platafora el próximo 26 de febrero. Un filme protagonizado por Álvaro Cervantes y Susana Abaitua.
Además de los dos protagonistas citados ‘Loco por ella’ cuenta con Luis Zahera (‘El Reino’), Aixa Villagrán (‘Vida Perfecta’), Clara Segura (‘Mira lo que has hecho’), Txell Aixendri (‘Yucatán’), Nil Cardoner (‘Pulseras Rojas’), Eduardo Antuña (‘El Ministerio del Tiempo’), Paula Malia (‘Valeria’), Aaron Porras (‘Historias lamentables’) además de Rocío León, Kike García y Alberto San Juan.
La película narra una emocionante y divertida historia, escrita por Natalia Durán y Eric Navarro y producida por Toni Carrizosa y Alberto Aranda, que nos enseñará que la mayor locura que se puede hacer por amor es aceptar a alguien tal y como es.
La música corre a cargo de Julio de la Rosa, ganador del Goya a Mejor música original por ‘La Isla Mínima’, y producen Playtime Movies y Sábado Películas.
Sinopsis oficial:
Tras conocer a Carla (Susana Abaitua), la chica de sus sueños, y pasar juntos la mejor noche de sus vidas, Adri (Álvaro Cervantes) descubre que ella se ha escapado de la clínica de reposo Los Sauces, un hospital psiquiátrico que no admite visitas.
Locamente enamorado y dispuesto a hacer lo que sea para volver a verla, Adri planea una verdadera locura: falsificar un informe médico e internarse allí como un paciente más con el fin de conquistar a Carla y, de paso, escribir el mejor reportaje de su vida para la revista Load. Pero, una vez dentro, no solo descubre que su historia de amor no es como él esperaba, sino que no va a ser tan fácil salir de allí.
Con la ayuda de Saúl (Luis Zahera), su compañero de habitación, Adri comenzará un viaje de aprendizaje que lo acercará al resto de los pacientes (Aixa Villagrán, Nil Cardoner, Txell Aixendri y Eduardo Antuña), y a Carla, y lo obligará a replantearse no solo su objetivo inicial sino su visión del mundo.
Nada que no supiésemos, pero sí que no hayamos visto
Hace poco hicimos un programa sobre cine con dictaduras donde os hablábamos de la controversia que surgió cuando se fue a estrenar ‘The interview’, esa película en la que James Franco entrevistaría en la ficción al dictador de Corea del Norte. Incluso os contamos el intento fallido de enviar al impenetrable país copias del filme, en DVD o pendrives, atadas a globos con helio. Ahora toca hablar de una propuesta parecida pero enmarcada en un enfoque mucho más sensato y peligrosamente anclado a la realidad.
‘El infiltrado (The Mole: Undercover in North Korea)’ es una serie de dos capítulos que Filmin estrena el 5 de febrero de 2021. En ella dos hombres se infiltran en las cloacas de la República Popular de Corea del Norte asumiendo dos identidades ficticias: la de un simpatizante del país asiático y la de un millonario que quiere llevar a cabo negocios ilegales. Mads Brügger, director vetado en Corea tras ‘The red chapel’, un reportaje que puso en ridículo el hermetismo coreano, ha empleado como topo a un cocinero sin trabajo como Ulrich Larsen convirtiéndole en una figura cada vez más relevante de la Asociación de Amistad con Corea (KFA). Él y un actor llamado Jim Latrache-Qvortrup llegan a contactar con gerifaltes del régimen y ponen imágenes a muchas de las cosas que son vox populi cuando hablamos del gobierno de Kim Jong-un: tráfico de armas, lavado de cerebro, belicismo, alcoholismo…
Obviamente no llegan hasta el dictador, habría sido marcarse mate a lo Rodman. Pero si consiguen poner en marcha una trama que les lleva de Dinamarca a España a Uganda o la propia Corea del Norte. Y todo esto gracias a que consiguen engatusar al tarraconense Alejandro Cao de Benós de Les y Pérez. Las imágenes grabadas con cámara oculta junto a este español, representante oficial de Corea del Norte, y los fragmentos de él en la televisión española son los que le dan verosimilitud a ‘El infiltrado’. Porque la verdad es que pasan cosas de película y uno llega a pensar si no son ficcionadas. Incluso es lícito plantearse si Alejandro Cao de Benós de Les y Pérez ha hecho alguna vez algo tan criminal como lo que vemos pues cabe pensar que le incita a ello el propio documental invitándole a alardear de poder. Otra impresión que me da este personaje es que es alguien que busca el favor de los coreanos para recuperar el “esplendor” de su familia otrora con el dinero propio de marqueses, barones y condes.
‘El infiltrado’ es un documental a valorar por el peligro que ha supuesto hacerlo e incluso publicarlo. También por el tiempo que han dedicado a recopilar información e indagar. Es una historia que desde luego ha estado llena de sacrificio y por qué no, de la adictiva adrenalina que da sumergirse en trapos sucios y dinero. Si habéis visto ‘Juego de armas’ vais a saber a qué me refiero. Ha sido definida por el ex coordinador del Panel de Expertos de la ONU sobre Corea del Norte, Hugh Griffiths, como el mayor bochorno para el presidente Kim Jong-un que jamás hayamos visto. Y es que en más de una ocasión vais a descubrir cosas que hacen gracia por vergüenza ajena pero sobre todo vais a llevaros las manos a la cabeza.
Podríamos pensar que lo que vemos aquí está grabado con croma, como aquellas escenas de Forrest Gump en momentos clave de la historia. Pero otro aspecto que le da visos de verdad a ‘El infiltrado’ son las acusaciones que afirma haber llevado a cabo y que ha puesto en conocimiento de todos aquellos que han sido grabados. Aunque todo lo aquí expuesto no llegue a escalar hasta nuestras altas esferas me parece que va a ser los suficientemente trascendente como para llegar al Oscar. De ser así, me gustaría ver si se repite la cara de Alejandro en su último fotograma.
Por último, me gustaría avisar de que haremos copia de seguridad de esta modesta página para protegernos, por no hacer perder el tiempo a hackers coreanos. Para cerrar me gustaría poner en relevancia una dicotomía que me ha despertado ‘El infiltrado’. Al margen de que para hacer este relevante documental se ha jugado con los sentimientos de varias personas (daños colaterales entre los que no incluyo a los secuaces o contactos de Corea). Vivimos en un mundo que predica la paz, la libertad y la diversidad, que deja hacer y elegir. Quizá por eso no se ha metido la comunidad internacional en una libertadora invasión contra un país que por otro lado tiene poder nuclear. Pero irónicamente esa permisibilidad actual hace que en pleno siglo XXI haya un dictador y un país cerrado al resto del mundo, donde además se pasan por alto los derechos humanos. Quizá si todo esto llegase a ojos y oídos del pueblo norcoreano la cosa cambiase por si sola. ‘El infiltrado’ es un civilizado paso más hacia un mundo libre que me gustaría pensar que no quedará en agua de borrajas.
Han sido emitidos los primeros episodios de la temporada cuatro
SelectaVisión ha proyectado en su página, en la modalidad simulcast previo registro, la temporada 4 de ‘Ataque a los titanes’, la temporada final. Tras ver los episodios del 60 al 67 tengo que decir que nos han sorprendido nuevamente. Si pensabais que ‘Ataque a los titanes’ ya no tenía nada nuevo que mostrarnos o que ya había puesto todas las cartas sobre la mesa os equivocabais. Este nuevo arranque nos muestra la cara B de la historia. Es decir, la situación actual del enemigo que como supimos ya, viene de una zona continental. Además tenemos múltiples flashbacks contándonos sus intríngulis personales y aquello que sucedió al inicio de la serie bajo su punto de vista. Por lo tanto además de revivir la ruptura del muro María vais a poder explorar otro concepto para esta despiadada guerra.
Por si fuese poco ‘Ataque a los titanes’ T4 incorpora todo un abanico de nuevos personajes pertenecientes a la nación de Marley, esa civilización del otro lado del mar que está familiarizada con el uso armamentístico de los titanes. Con los nuevos y jóvenes personajes se huele una nueva trama y en sus trasuntos se desarrolla un discurso sobre el apartheid, el odio o el racismo, no muy alejado de los muros y el desprecio del trumpismo o los guetos nazis. Además os va a parecer muy interesante el cómo se interpreta y utiliza la existencia de los Titanes. Desde luego a parte de sus escenas de acción ‘Ataque a los titanes’ siempre ha hecho valer tanto sus tácticas como su diversidad de perspectivas.
La serie ha sabido mantenernos enganchados (creo que con diferencias con el manga pues no lo tengo leído). Sí que es verdad que perdió fuelle cuando nos abordó con multitud de episodios basados en mera política. Pero Wit Studio (que se encargaba antes de esta producción) supo reconducir la serie, además que le venía dado así en el material escrito. Bien es sabido además que tenemos fecha de finalización del manga por parte del autor Hajime Isayama a si es que había que encauzar todo.
Daba miedo que ahora que hemos llegado a ‘Ataque a los Titanes’ T4 se cambiase de estudio de animación. Pero es verdad que Mappa (‘Dorohedoro’) ha hecho un trabajo encomiable. Manteniendo el mismo estilo para los personajes ha hecho aún más dinámica la serie y ha incorporado nuevos efectos visuales que seguro que os van a encantar. A lo mejor ha bajado el nivel de gore, ya no solo por la animación, también por los eventos que se producen. Pero esta sigue siendo una buenísima serie tipo seinen.
No queda nada para que se publique el último volumen de este manga de 34 números. Con el anime pasa igual, se prevé que todos los episodios hayan sido emitidos en este 2021. Esta temporada tendrá 16 episodios, a si es que mientras escribo esta crítica estamos ya en el ecuador. ¿Cómo terminará la humanidad y los miembros del Cuerpo de Exploración? Seguro que devoráis cual gigantes enfurecidos este ‘Ataque a los Titanes’ T4.
Cinco años después del fin de la guerra de Secesión estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd (Hanks), veterano de tres contiendas bélicas, se dedica a viajar de localidad en localidad para narrar historias reales, declamando las noticias sobre presidentes y reinas, feudos gloriosos, catástrofes devastadoras y apasionantes aventuras de los rincones más recónditos del globo.
En las llanuras de Texas, Kidd conoce a Johanna (Helena Zengel, ‘System Crasher’), una niña de 10 años acogida por la tribu kiowa seis años antes y criada entre ellos. Johanna, que se muestra hostil ante un mundo que desconoce, va a ser devuelta a sus tíos biológicos en contra de su voluntad.
Kidd accede a llevar a la niña al lugar que le corresponde según la ley. Durante su azaroso viaje de cientos de kilómetros por un territorio cruel e inhóspito, los dos se enfrentan a las fuerzas de la naturaleza y a la hostilidad humana mientras buscan un destino al que alguno pueda llamar hogar.
Crítica
Paternalismo, antibelicismo, heroicidad y algo de épica
Botas tejanas, sombrero de cowboy, amigo de una niña… No, Tom Hanks no ha vuelto a doblar a Woody, el entrañable protagonista de ‘Toy Story’. Pero si ha cabalgado en una historia de vaqueros. Aunque estrictamente un vaquero o cowboy era aquel que se ocupaba reciamente del ganado ese término se ha acabado extendiendo a todo aquel que galopa por llanuras desérticas en el oeste estadounidense portando una pistola en su cintura.
El personaje de Hanks, el capitán Jefferson Kyle Kidd, no es exactamente un vaquero. Es un excombatiente de la Guerra de Secesión norteamericana que intenta ganarse la vida honradamente. Y para ello viaja de pueblo en pueblo leyendo a los sureños, presuntamente analfabetos, las noticias que publican los periódicos. En esa ocupación se topa con una niña (Helena Zengel) que se ha quedado sola y por la que se ve imbuido de cierta responsabilidad llevándola a un lugar seguro.
Paul Greengrass siempre introduce mensajes en segundo plano en sus películas y también a Tom Hanks, pues ya trabajó con él en ‘Captain Philips’, un excelente filme que cautivó a la audiencia y que también hacía que Hanks se viese en un papel sobre un personaje cargado de responsabilidad. Lo que nos cuenta entre líneas con ‘Noticias del gran mundo’ es que aún continúan las viejas trifulcas en EE.UU., que hay gente que no puede dejar pasar los conflictos y los dolores del pasado, sirva de ejemplo lo del Capitolio. Esto sucede tanto con los dos personajes protagonistas como con el panorama social de racismo y rencor que les rodea. Y lo hace además manteniendo al capitán en una postura que bien podría ser neutral, que cuesta discernir si se decanta por los confederados o por los unionistas.
El mismo Hanks ha contado siempre que puede ser descendiente de Lincoln, pese a la dudosa ascendencia del presidente que figura en el billete de cinco dólares. Y justo en el periodo de tiempo que transcurre tras la muerte del presidente dieciseis de los EE.UU. es donde se ambienta ‘Noticias del nuevo mundo’. Gracias al equipo que ha realizado los decorados y vestuarios viajamos a esa época, como bien saben hacer los norteamericanos, rueden donde rueden (en este caso en Nuevo México). Pero sobre todo es gracias a la apabullante fotografía de Dariusz Wolski (‘Marte’, ‘Raised by wolves’) que disfrutamos de los parajes del salvaje oeste. Este termina siendo un filme muy naturalista.
Aunque me centre un poco en su valor visual ‘Noticias del gran mundo’ no es de esas películas donde digas “que buena fotografía” para evitar hablar de sus carencias. Es cierto que esta película, basada en la novela de Paulette Jiles, se puede hacer larga, de hecho prolonga en exceso algunas secuencias, pero para mí todo eso responde a la elaboración de un viaje extenuante y desesperado.
Hanks tira de su fama de persona extremadamente amable en esta historia que se une a otros títulos en los que un adulto se ve en la tesitura de cuidar a un menor en un mundo peligroso, tales como ‘El profesional (León)’, ‘Valor de ley’, ‘Safe’ o hace muy poco ‘Cielo de medianoche’. En su labor de pregonero, casi juglar, hace acopio de gran pacifismo y ha trabajado su acento, dos aspectos importantes. Por su parte Zengel ha tenido que hacer casi lo mismo que Catherine Chan, Natalie Portman, Kim Darby o Hailee Steinfeld, mostrarse salvaje, obstinada o vulnerable según corresponda. Y no lo hace nada mal.
Con todo lo que he contado imaginaréis que ‘Noticias del gran mundo’ está cargada de paternalismo, antibelicismo, heroicidad y algo de épica. “En algún momento tendremos que dejar de luchar” dicen en un momento de la película. Hanks consigue suavizar al siempre áspero Greengrass en este western que merece la pena verse en pantalla grande.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de enero de 2021 (cines) 10 de febrero de 2021 (Netflix). Título original: News of the world. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Greengrass. Guion: Luke Davies, Paul Greengrass. Música: James Newton Howard. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Tom Hanks, Helena Zengel. Producción: Perfect World Pictures, Platone, Pretty Pictures, Universal Pictures. Distribución: Tripictures, Netflix. Género: western, thriller, drama. Web oficial:https://www.newsoftheworldfilm.com/
El camino del live action de la Liga de la Justicia en cines no ha sido precisamente recto ni meteórico y nos cuesta decirlo porque aquí la defendemos. Pero por fin se va viendo luz al final del túnel, aunque irónicamente nos espere una historia más oscura, aún. Como todos sabréis, difícil será que no os haya llegado eco de la campaña que se ha hecho, podremos ver la versión del director original del proyecto, Zack Snyder.
Desde Warner Bros. (y con un aluvión de reacciones en las redes sociales) nos han transmitido una fecha. Sneyder Cut (como popularmente se la conoce) tendrá su estreno en España el 18 de marzo. Será entonces cuando repitamos la experiencia, pero con una perspectiva cambiada y con aún más duración, mucha más.
Retornaremos al equipo formado por Batman (Ben Affleck), Superman (Henry Cavill), Wonder Woman (Gal Gadot), Aquaman (Jason Momoa), Cyborg (Ray Fisher) y Flash (Ezra Miller). ¿Cómo se verán bajo la idea original de Snyder? ¿Qué cambios tendrá la trama de Steppenwolf? ¿Veremos más a Darkseid?
La película se lanza en EE.UU. a través de HBO Max y en los países nórdicos, Europa Central, España y Portugal podrá verse simultáneamente en HBO, al igual que los países asiáticos con tarán con ella en HBO GO. En Latinoamérica, el título se estrenará en exclusiva en HBO Max cuando se lance el servicio este año.
El 19 31 de marzo, en poco menos de dos meses, tendremos en carteleras españolas la película ‘El horizonte (Le Milieu de l’Horizon). Una película que trae a España Elamedia Estudios que fue presentada en la sección Nuevos Directores del Festival de cine de San Sebastián y ganadora del Premio Lurra de Greenpeace.
La directora de esta cinta protagonizada por Laetitia Casta (‘Un hombre fiel’) y Clémence Poésy (‘Tenet’) es Delphine Lehericey (‘Puppylove’). El horizonte es un drama basado en la novela homónima de Roland Buti.
El resto del elenco actoral está compuesto por Patrick Descamps (‘Cambio de reinas’), ThibautEvrard (‘Transporter Legacy’), Fred Hotier (‘Bang Gang; une histoire d’amour moderne’) y el joven debutante Luc Bruchez ejerciendo de hijo de Casta.
“El verano de 1976 y su ardiente ola de calor marcan el final de la infancia de Gus. Quería convertir su historia en una película deliberadamente contemporánea que abordara los desafíos del fin de un cierto mundo rural, así como el fin de la infancia, lanzando al joven a la agonía de la condición de hombres y mujeres. [···] ‘El horizonte (Le Milieu de l’Horizon)’ es una historia fuerte y universal que, entre el naturalismo y el ensueño, toca la fibra sensible en todos nosotros» ha afirmado Delphine Lehericey.
Sinopsis oficial:
Verano de 1976. Europa está atravesando una ola de calor implacable y una de las peores sequías de su historia. En la granja de sus padres, Gus, de 13 años, pasa sus vacaciones leyendo cómics, ayudando a su padre, que ha invertido todos sus ahorros en un gallinero a batería moderno, y corriendo libre con Mado, el niño salvaje de la aldea. Pero lentamente a su alrededor, su universo familiar y tranquilizador comienza a resquebrajarse bajo el calor….
Su madre, siempre en presencia tierna y amable, comienza a alejarse, pasando cada vez más tiempo con la hipnotizante Cécile, mientras que su padre se encuentra solo para luchar contra los estragos de la sequía. Testigo de la destrucción de su familia nuclear, la agricultura tradicional y el patriarcado, Gus tiene que crecer rápido y dejar atrás la inocencia de su infancia…
La distribuidora #ConUnPack lanzará en plataformas digitales como Filmin, FlixOlé y Amazon Prime Video ‘Julia’. Esto será a partir del próximo viernes 29 de enero en en España, Estados Unidos y Reino Unido entre otros países anglosajones. ‘Julia’ es un cortometraje escrito y dirigido por el actor y director Miguel Ángel Olivares, producido por Gadol Producciones.
‘Julia’ cuenta con el protagonismo de la actriz Daniela Santiago, protagonista de la serie ‘Veneno’. Ella interpreta a Julia. La vida, a veces, se resume en imágenes, y Julia, mujer transexual, recuerda frente al espejo en ellas, el duro camino que ha sufrido hasta llegar a ser la mujer que es ahora.
Olivares, que ya cuenta con varios premios, uno de ellos el premio coraje UPTA Junta de Andalucía, dirige una historia inspirada en hechos reales y centrada en la temática trans, sobre un camino, recorrido en silencio por la protagonista, para ser quien es.
“Julia transmite básicamente la trayectoria de una persona trans, desde que de niño ya sabe que es una niña, hasta todo lo que tiene que luchar por conseguir su propia identidad, y al final lo consigue y se transforma en una hermosa mujer (…) Este proyecto es el segundo que hago dando visibilidad al colectivo trans. Un colectivo castigado y que poco se sabía de él. Gracias a estos proyectos y a directores que apuestan por ellos, la gente está más cerca de comprender lo que antes no entendían” nos cuenta Daniela.
“Hablé con Daniela por teléfono y me emocionaron mucho sus palabras, y su agradecimiento por acordarme de ellas, las mujeres trans. A partir de ahí, y aprovechando el aislamiento del confinamiento, me fui empapando de historias, libros, y personas trans que necesitaban ser escuchadas” dice Olivares.
Apoyado por el Ayuntamiento de Iznajar (Córdoba) ha contado en la producción con CarlosMasaal, en la voz y música Cristian Coto, ganador del talent show “Se llama Copla”, y cuenta con el apoyo de la ONG Apoyo Positivo para la distribución y colaboración social y educativa.
El próximo martes 2 de febrero, en exclusiva en España, Filmin estrena ‘La infamia’(‘Three Girls’ en su versión original). La serie se considera más bienminiserie pues consta solo de tres episodios que cuentan un suceso real que estremeció al Reino Unido. Esta serie británica cuestiona, al igual que todo lo acontecido en su día, a la policía británica pues se tardó mucho en desmantelar una red de abuso sexual de menores en Rochdale (Inglaterra), en 2012.
Sin duda un caso especialmente controvertido por la pasividad de los cuerpos de seguridad y la incertidumbre que hubo en torno a las autoridades, que pudieron verse frenadas por miedo a ser acusados de racistas ya que los pederastas eran de origen pakistaní.
Tres de las cuarenta y siete niñas víctimas de esta red de abusos y trata son el epicentro de ‘La infamia’. Una serie escrita por Nicole Taylor (‘El nido’) y dirigida por Philippa Lowthorpe (‘Rompiendo las normas’) que ganó el BAFTA a la Mejor Mini-Serie y a la Mejor Actriz de TV, galardón que recibió una de sus jóvenes protagonistas: Molly Windsor.
Sinopsis oficial:
Esta es la historia de tres chicas jóvenes que fueron abusadas sexualmente y traficadas por hombres pakistaníes británicos en Rochdale, y del posterior fracaso de las autoridades para hacer algo al respecto.
Diez intérpretes que nos harán volver al norte más violento
Netflix ha anunciado el elenco que formará parte de la nueva serie ‘Vikings: Valhalla’, surgida de la mítica ‘Vikingos’. Esta nueva serie contará con Sam Corlett (‘Las escalofriantes aventuras de Sabrina’), Frida Gustavsson (‘Swoon’), Leo Suter (‘Maléfica’), BradleyFreegard (‘Mantener la fe’), Jóhannes Jóhannesson (‘Bloodshot’), Laura Berlin (‘Un verano inolvidable’), David Oakes (‘Los Borgia’) y la cantante Caroline Henderson. Además, Pollyanna McIntosh (‘Darlin’) y Asbjørn Krogh Nissen (‘Copenhague’), entre otros, serán personajes recurrentes en los nuevos capítulos. Todavía quedan más confirmaciones que se harán próximamente.
‘Vikings: Valhalla’ se sitúa a principios del siglo XI y cuenta las legendarias aventuras de los vikingos más famosos de todos los tiempos: Leif Eriksson, Freydis Eriksdotter, Harald Hardrada y el primer rey de Inglaterra de origen normando: Guillermo el Conquistador. Estos hombres y mujeres se abrirán camino en la historia mientras luchan por la supervivencia en un mundo en constante cambio.
Detalles de los personajes de ‘Vikings: Valhalla’
SAM CORLETT como LEIF ERIKSSON
Un groenlandés, criado en los límites del mundo, Leif proviene de una familia muy unida, fiel a las antiguas creencias paganas. Un marinero intrépido y físicamente fuerte, él será nuestra entrada en un mundo vikingo inmerso en violentos cambios.
FRIDA GUSTAVSSON como FREYDIS ERIKSDOTTER
Una pagana feroz, apasionada y testaruda, Freydis es una firme creyente de los «viejos dioses». Como su hermano Leif, llega a Kattegat como una forastera pero se convierte en una inspiración para los habitantes que aman las viejas costumbres.
LEO SUTER como HARALD SIGURDSSON
Nacido en la nobleza vikinga, Harald es uno de los últimos berserkers vikingos (guerreros de los pueblos nórdicos caracterizados por su agresividad y fuerza). Carismático, ambicioso y hermoso; Harald es capaz de unir tanto a los seguidores de Odín como a los cristianos.
BRADLEY FREEGARD como KING CANUTE
El Rey de Dinamarca. Un sabio, astuto y despiadado líder vikingo. Le gusta mantener a sus amigos cerca, pero a sus enemigos aún más cerca. Sus ambiciones forjarán el curso de la historia en el siglo XI y lo convertirán en una figura determinante de la era vikinga.
JÓHANNES JÓHANNESSON como OLAF HARALDSON
El medio hermano mayor de Harald. Un vikingo físicamente enorme y ambicioso, Olaf es un violento cristiano del «Viejo Testamento», severo e implacable.
LAURA BERLIN como EMMA OF NORMANDY
La joven y ambiciosa Emma de Normandía procede de la corte normanda y tiene sangre vikinga. Políticamente astuta y una de las mujeres más ricas de Europa.
DAVID OAKES como EARL GODWIN
El último superviviente. Consejero principal del Rey de Inglaterra. Nacido en los márgenes de la política, sus astutas maneras lo llevan muy lejos.
CAROLINE HENDERSON como JARL HAAKON
Una gran guerrera y una líder tolerante, Haakon gobierna Kattegat con mano firme. Aunque es pagana, ha logrado mantener Kattegat como una ciudad abierta a todos los credos en un tiempo en el que esto no es fácil de hacer. Se convertirá en una poderosa mentora para Freydis, que admira su sabiduría.
Otros personajes recurrentes
POLLYANNA McINTOSH como REINA ÆLFGIFU
Calculadora y ambiciosa, la Reina Ælfgifu de Dinamarca tiene un gran poder en las luchas políticas que se desarrollan en el norte de Europa. Consigue siempre lo que quiere a través de su encanto y astucia para promover los intereses de su patria Merciana e intenta reafirmarse en la creciente estructura de poder de Canute.
ASBJØRN KROGH NISSEN como JARL KÅRE
Un cristiano fanático, Jarl Kåre es una amenaza brutal para las clásicas costumbres paganas.
Héloïse es una madre de tres hijos que tiene una pequeña crisis cuando la más pequeña de ellos, Jade decide que, al cumplir los dieciocho años, abandonará su vida en Francia para seguir con sus estudios en Canadá. A medida que se acerca el momento de que Jade continúe su vida lejos de casa, Héloïse verá aumentar su estrés y no podrá parar de pensar en todos los momentos vividos con su pequeña.
Crítica
Mucha ternura pero poca introspección
Lisa Azuelos pone en nuestra cartelera una nueva comedia francesa. ‘Mi niña’ es un filme que nos llega bajo la categoría de comedia, pero también de drama. Y por desgracia el filme no es todo lo cómico que cabría esperar, sobre todo por el bien que hace el humor en estos tiempos. Y aunque no es un dramón termina orientándose hacia un tono melancólico y tremendamente sentimentaloide.
La película se basa en experiencias personales de Azuelos, quien influenciada por ‘Boyhood’ quiso llevar a la gran pantalla su vivencia al tener que afrontar cómo su hija abandonaba el nido. De ahí le ha venido la parte más sentida a ‘Mi niña’. Se observa que la película trata de reflejar algunos puntos importantes en una relación madre/hija. Una relación con sentimientos encontrados pues tienen mucha complicidad el ayudar a que Jade (así se llama la joven que planea partir hacia Canada) consiga su sueño juega en contra de sus ganas de compartir tiempo juntas.
La película se distrae muchísimo, tanto a la hora de buscar hacer reír al espectador como perdiendo su rumbo. Más que abracar los pormenores de una despedida anunciada, ‘Mi niña’ se pierde en escarceos e inquietudes del personaje de la madre que por otro lado está interpretada con cierta gracia por Sandrine Kiberlain. Pero son unos derroteros que por lo general no aportan nada, si acaso construyen una historia que trata más sobre una crisis de edad que por tener que soltar la mano de una hija. De hecho Kiberlain ha explicado que justo cuando leía el guión por primera vez tenía a su hija a punto de marchar pues acababa sus estudios en el instituto. Quizá el tener a una actriz tan reconocida en Francia ha hecho que se le aporten demasiadas escenas individuales y se desvíen del objetivo inicial.
La directora grabó en su vida cotidiana a su hija Thaïs Alessandrin y la ha usado como coprotagonista de este filme. Cabría pensar que teniendo ese material de primera mano lo incluiría en el filme para darle más veracidad. Pero no es así e irónicamente los momentos de desvarío adolescente en los que ella se supone que no ha estado presente se antojan como los más creíbles de la película.
Aunque se incorporen numerosos flashbacks lo único que se consigue es que sintamos que esta es una película mayormente dedicada a re-grabar unos recuerdos personales que si bien son muy sentidos o intimistas no desarrollan en profundidad lo drástico que supone querer a alguien y a la vez tener que dejarle marchar. Mucha ternura pero poca introspección.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de enero de 2021. Título original: Mon bébé. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Lisa Azuelos. Guion: Lisa Azuelos, Thaïs Alessandrin, Thierry Teston. Música: Yael Naim. Fotografía: Antoine Sanier. Reparto principal: Sandrine Kiberlain, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Kyan Khojandi, Camile Claris, Mickael Lumière. Producción: Love is in the air, Pathé, France 2 Cinema, C8 Films, Les Production Chaocorp, CN8 Productions. Distribución: Vercine Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.france2cinema.fr/production/mon-bebe
Un documental biográfico que explora, como si de un río se tratase, todas las dimensiones y vertientes de de una de las figuras más importantes de la historia del Rock & Roll en castellano: Enrique Villarreal El Drogas.
Crítica
Dando voz y campo de batalla a una voz quebrada y combativa
Recuerdo cuando mis primos me cantaron aquello de “Veo todo… en blanco y negro…” en el que fue uno de mis primeros pasos hacia una gran afición por el rock. Que mi opinión como fan ante este documental va a estar sesgada, no lo voy a negar, tengo mucho que agradecer tanto a Barricada como a mis primos mayores por todo lo que me han descubierto. Precisamente, a partir de fotografías e imágenes en blanco y negro empieza ‘El Drogas’. El documental hace un repaso por la vida del rockero, pasando por el significado de su apodo, recordando sus primeros pasos como compositor hasta llegar a la triste expulsión y posterior reencuentro.
“Deja que esto no acabe nunca después del frío beso” decía otra de las canciones del ‘Por instinto’ que Barricada lanzó en 91. En ese tema Enrique Villarreal y su grupo pedían una prorroga a un amor que bien podría haber sido el propio Rock & roll. Movida por pasiones e instintos ha estado siempre la carrera de un cantante llamado a remover mentes y a agitar corazones. Un hombre que ha ido con paso “torcido” como dice él nada más arrancar el documental de Natxo Lezua, teniendo una visión diferente de la realidad.
Carne de barrio, amante del glam rock. Influenciado por amigos y estrellas como Rosendo. ¿Queréis verle jugar a fútbol sala? ¿Ver a qué grupos ha inspirado? ‘El Drogas’ da reconocimiento a un hombre y a un grupo en varios sentidos anticipado a su época. Como pega este documental que nos hace volver a míticos temas, tiene que no ahonda en exceso en algunos puntos clave de su carrera, quizá ya olvidados y quizá más demandados por los fans.
“El Rock & roll si no conecta con la gente es un poco inútil” dice Fito a mitad del largometraje. Soy de esa opinión y soy también de los que paulatinamente ha ido dejando de escuchar al vecino de Gernika-Lumo y a sus Fitipaldis al ver que perdían autenticidad. Algo que no ha pasado nunca con Barricada y así se ve en ‘El Drogas’. Tanto Enrique Villarreal como sus grupos han tenido siempre un espíritu constante de combate y una manera de llegar como pocos grupos de rock han tenido en España. Una autenticidad que ha venido marcada por diferentes factores que se relatan a través de aportaciones como las de Kutxi Romero o Marino Goñi.
Quizá esta entrevista, que hace recapitulación de toda una vida, os parezca solo destacable para un fan de “los barri”, pero tiene muchas apreciaciones interesantes y saca a la luz influencias, no solo dentro de su barrio pamplonica de la Txantrea, también para el panorama e historia musical de España.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2020 (cines). 29 de enero de 2021 (plataformas). Título original: El Dogas. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Natxo Lezua. Guion: Natxo Lezua, Álex García de Bikuña. Música: Mikel Salas. Fotografía: Iñaki Alforja. Reparto principal: Enrique Villarreal, Rosendo Mercado, Fito Cabrales, Christina Rosenvinge, Carlos Tarque, Kutxi Romero, Gorka Urbizu, Javier Gallego, Mamen Irujo, Marino Goñi, José Landa. Producción: NARM Films, Marmoka Films. Distribución: Golem distribución (Movistar+). Género: documental. Web oficial:https://www.eldrogaseldocumental.com/
Ya podemos ver el clímax de un universo gigantesco que ha unido a distintas franquicias y monstruos. ‘Godzilla Vs Kong’ estará en cines en marzo de 2021 y podemos ver ya un épico tráiler que viene a anunciar la continuación de películas como ‘Kong: la Isla Calavera’ o ‘Godzilla: Rey de los Monstruos’.
En 1963 ya tuvo lugar este crossover y al final del filme ganaba Godzilla… o Kong, depende de si ves la copia japonesa o la estadounidense, como os contamos en la tertulia sobre películas de ciencia ficción que estaba previsto que se tendrían que haber estrenado en 2020.
‘Godzilla Vs Kong’ está protagonizada por Alexander Skarsgård (‘Big Little Lies’, ‘La chica del tambor’), Millie Bobby Brown (‘Stranger Things’), Rebecca Hall (‘Christine’, ‘El profesor Marstony Wonder Woman’), Brian Tyree Henry (‘Joker’, ‘Spider-Man: Un nuevo universo’), Eiza González (‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’), Julian Dennison (‘Deadpool 2’), Kyle Chandler (‘Godzilla: Rey de los monstruos’) y Demián Bichir (‘La monja’, ‘Los odiosos ocho’).
Adam Wingard (‘Death Note’) es el director de este filme en el que vamos a ver a ambos titanes luchando entre ellos. La humanidad busca un hogar para Kong y Godzilla ayudó a los humanos en su anterior película. ¿Por qué y por quién lucharán ambos ahora?
‘Hierro’ T2 estrena su tráiler oficial y confirma su estreno, en exclusiva en Movistar+,elviernes 19 de febrero. El thriller de investigación protagonizado por Candela Peña presentará un nuevo caso de la jueza Candela Montes (Peña) en la isla de El Hierro, donde se ha rodado la casi totalidad de la serie.
La serie original Movistar+ ‘Hierro’ supuso un gran éxito de audiencia y crítica en el estreno de su primera temporada por la que ha sido reconocida con los Premios Ondas (serie y actriz protagonista), Premios Iris (guion), Premios Feroz (drama y actriz protagonista), Premios Unión de Actores y Actrices (actriz protagonista), Premios MiM Series (actriz de drama) y Premios Mestre Mateo (serie de TV, dirección de producción, guion y música original). Creada por Pepe Coira y dirigida por Jorge Coira, la serie cuenta con un amplio reparto encabezado por Candela Peña a la que acompañan el actor argentino Darío Grandinetti, el hispano sueco Matias Varela (‘Narcos’), Aina Clotet, Iris Díaz, Aroha Hafez, Ciro Miró, Naira Lleó, Helena Sempere, Luifer Rodríguez, Enrique Alcides, Kimberley Tell, Norberto Trujillo, Tania Santana, Maykol Hernández, Celia Castro y Marga Arnau, entre otros. Esta segunda temporada cuenta también con el actor gallego Antonio Durán ‘Morris’ (‘Fariña’).
Para celebrar la llegada de ‘Hierro’ T2 Movistar+ ofrecerá, desde el 1 de febrero y hasta el 15 de marzo, el canal exclusivo pop upMovistar Crimen (dial 23) que incluirá las dos temporadas de la serie. Además, estrenará un programa especial de producción propia titulado ‘Aislados en busca de la verdad’ que incluye entrevistas con Candela Peña, el maestro jubilado Don Carmelo, que ha enseñado a generaciones de herreños, o con el guardia civil que asesoró a los hermanos Pepe y Jorge Coira, entre otros.
Sinopsis oficial de la temporada 2:
Han pasado unos meses desde que El Hierro se viese agitada por una serie de asesinatos. Candela Montes, una jueza incómoda que empieza a acostumbrarse a un destino tan particular, sigue empeñada en resolver el caso de narcotráfico que involucra al empresario Díaz. Temiendo represalias de sus antiguos socios, Díaz se niega a colaborar con la jueza, pero a pesar de ello alguien envía un sicario para terminar con él. ¿Quién quiere matarlo? ¿Y por qué? Candela ha de ocuparse de este nuevo problema al tiempo que atiende el trabajo diario del juzgado. Entre otros asuntos, un desagradable conflicto familiar que va a afectar a Candela más que ninguno en su carrera: Gaspar y Lucía son un matrimonio roto, un padre y una madre que luchan por la custodia de Ágata y Dácil, sus dos hijas, sin detenerse a pensar en lo mejor para ellas ni en el daño que les puede causar su enfrentamiento. El conflicto dividirá la isla en dos, posicionando a todos a un lado u otro y desembocará inesperadamente en un asesinato con muchos posibles sospechosos.
El próximo 15 de febrero SYFY estrena la serie ‘Resident Alien’ con la emisión de sus dos primeros capítulos. Una serie cómica protagonizada por Alan Tudyk que tras otros trabajos como ‘Firefly’, ‘Final Space’ o ‘Roge One’ vuelve a mezclarse con temas espaciales, en concreto se convierte en un alien que tras estrellarse en la Tierra ha de suplantar a un médico de una pequeña villa. Mientras descubre lo que significa ser humano, comenzará a cuestionarse si merece la pena salvar a la humanidad mientras lidia con la moralidad de su misión secreta en la Tierra.
‘Resident Alien’ adapta un cómic homónimo publicado en 2012, creado por Peter Hogan y Steve Parkhouse.
Harry Vanderspeigle es como se llama. Este peculiar protagonista empieza con una existencia sencilla… pero las cosas se tuercen cuando tiene que resolver un asesinato y tiene que asumir cómo es su nuevo entorno.
De UCP, en asociación con Amblin TV y Dark Horse Entertainment, ‘Resident Alien’ ha sido adaptado a televisión por el productor ejecutivo Chris Sheridan (‘Padre de familia’). Miguel Richardson (‘Hellboy’) y Keith Goldberg (‘La leyenda de Tarzán’) de Dark Horse Entertainment (‘The Umbrella Academy’), Justin Falvey (‘The Americans’) y Darryl Frank (‘The Americans’) de Amblin TV. David Dobkin (‘Boda Crashers ‘) fue el productor ejecutivo y director del piloto. ‘Resident Alien’ también está protagonizada por Sara Tomko, Corey Reynolds, Alice Wetterlund y Levi Fiehler.
¿Qué sucede con el amor cuando a una mujer de mediana edad le pronostican tres meses de vida? Anja (43) y Tomas (59) viven en familia junto a sus hijos biológicos e hijastros, pero durante años, la pareja se ha distanciado. Cuando Anja recibe el diagnóstico de cáncer cerebral terminal el día antes de Navidad, su vida se rompe y pone a prueba el amor desatendido.
Crítica
Ambos protagonistas manejan con maestría los estallidos y contenciones de sus personajes
¿Os ha fastidiado que durante estas Navidades 2020/21 nos hayan puesto restricciones y muchos hayamos tenido que hacer sacrificios? Pues imaginad si te dicen en plenas navidades que tienes cáncer por segunda vez y además te quedan meses de vida. Así de rotundo hay que ser con esta crisis que vivimos y así de pasmosa es la situación que se le plantea a la pareja protagonista.
Andrea Bræin Hovig y Stellan Skarsgård protagonizan ‘Hope’, la elección de los noruegos para representarles en los Oscar. Hace poco os hablaba de ‘La decisión’, otra película que mira a la muerte directamente a la cara. En el caso de este filme escrito y dirigido por Maria Sødahl el enfoque es diferente, pero igualmente se da una visión muy madura sobre cómo enfrentar una enfermedad terminal.
El libreto de Sødahl está bien documentado y muy orientado también hacia los sentimientos. Muchas veces se habla del carácter frío y calculador de los nórdicos y aunque eso se percibe en la firmeza de muchos personajes, ‘Hope’ nos sorprende con una gran sensibilidad. Juega en contra de su apuesta dramática el seguir el caso de la protagonista enferma en todos y cada uno de los estadios por los que pasa. Llega a parecer casi una guía o documental a cerca de afrontar un segundo diagnóstico de cáncer. Pero la balanza siempre acaba inclinándose hacia lo conmovedor.
Los protagonistas han de quitarse de encima toda una melé, tanto literal como figuradamente. Tienen sobre ellos una montaña de sentimientos y situaciones que nos lleva a las dos temáticas del filme. Una de ellas es el amor en tiempos de crisis. Andrea Bræin Hovig y Stellan Skarsgård hacen toda una reconstrucción de una pareja distanciada que se ve forzada a sincerarse y a iniciar un sprint amoroso. No desaparecen los reproches y los silencios hablan por sí solos ante la cámara del fotógrafo chileno Manuel Alberto Claro. Frente a esa lente ambos intérpretes manejan con maestría los estallidos y contenciones de sus personajes.
Esta última frase me lleva a la que considero la segunda temática de ‘Hope’. Personalmente me ha hecho recapacitar o intentar identificar todas aquellas cosas que mis padres pueden haber hecho para garantizar mi bienestar. “Hope” en castellano es “esperanza” y quiero entender que ese título se refiere a la funesta fecha marcada en el calendario para el personaje de Bræin Hovig pero también en el sentido de que es un pulso por mantener a la familia esperanzada a toda costa.
Esta es una historia creada a partir de la experiencia personal de la directora, de hecho, arranca con un letrero que reza “esta es mi historia tal y como la he vivido”. Quizá por eso tiene tantas escenas de cotidianidad y navidades rotas, pero también de momentos felices, algunos forzados, otros surgidos de manera natural. Te marcan algunas escenas, como esa en la que la pareja sale de la consulta tras oír la fatídica noticia y están tan perdidos o aturdidos que no atinan a recordar dónde aparcaron. Sødahl emplea en un momento el ‘Back to Black’ de Amy Winehouse y aunque el sentido de la canción está más orientado a la adicción, ese tema define bien la película, pues usa frases como “Y yo piso un camino de problemas, llevo las de perder”. Tiene un gran sentido de la ilusión mezclada con la fatalidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de enero de 2021. Título original: Håp. Duración: 126 min. País: Noruega, Suecia. Dirección: Maria Sødahl. Guion: Maria Sødahl. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Reparto principal: Andrea Bræin Hovig, Stellan Skarsgård, Elli Müller Osborne, Alfred Vatne Brean, Daniel Storm Forthun Sanbye, Erik Hallert, Steinar Klouman Hallert, Dina Enoksen Elvehaug, Einar økland, Gjertrud Jynge. Producción: Motlys, Film i Väst, Oslo Pictures, Zentropa Entertainment. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial:https://adso.tv/ficha/28
Samuel es un niño paralítico que vive con su madre en Lake Manor, una mansión aislada en el bosque, la cual tiene prohibido abandonar. La llegada de la joven criada Denise aportará algo de luz en la estricta rutina del muchacho, pero la madre seguirá vigilando de cerca todos sus movimientos.
Crítica
Su final está cultivado y guardado con recelo, eso me ha conquistado
‘La maldición de Lake Manor’ arranca con un accidente que deja a un niño anclado a una silla de ruedas y a una casa. Una autoritaria casa de la que no le dejan salir y en la que es educado bajo un estricto programa.
Durante buena parte de ‘La maldición de Lake Manor’ vais a preguntaros por qué esta película está dentro del género de terror o simplemente por qué a esta finca la llaman maldita. El filme de Roberto de Feo tiene más carácter de drama pero sí que es cierto que el miedo llega cuando ves que el niño teme a sus adultos y que algunos de los propios empleados de la casa viven amedrentados.
‘La maldición de Lake Manor’ también se titula más acertadamente ‘Il nido (The nest)’ ya que por diversas razones el joven no puede abandonar su hogar. Al igual que tardaréis en percataros de la razón del terror de esta cinta, el sentido título también se hace de rogar, pero no tanto. La película de Roberto de Feo tiene muchos puntos misteriosos y durante el tercer acto va arrojando más luz a todos los detalles que nos ha ido mostrando.
Aunque se os puede hacer un poco extraña la narración e incluso en ocasiones aburrida o repleta de relleno, esa sensación desaparece con el final. Un cierre con giro de guión que si bien no es novedoso te coge desprevenido. El mérito de esta película es trabajar con todas sus escenas para ir orientándonos hacia el desenlace y a su vez conseguir despistarnos hacia diversas temáticas. ¿Qué significaba ese sueño? ¿Qué pasó con este personaje? ¿Por qué está ahí la chica? ¿Por qué aguantan al temible doctor? No os preocupéis, echadle paciencia que es de esos filmes que nos hace atar cabos al final, sin dejar ninguno suelto por lo que uno queda mucho más satisfecho con su conclusión de lo que esperaba. Su final está cultivado y guardado con recelo, eso me ha conquistado.
La interpretación que más llama la atención es la del debutante Justin Korovkin como el joven paralítico. Poco a poco nos va convenciendo con su personaje. Y el resto del reparto participa para elaborar con solvencia el ambiente de una extraña casa en la que es obvio que se guarda con temor un secreto. También para hablarnos acerca de los pasos hacia la madurez y de la sobreprotección patriarcal. Ambientación muy bien respaldada con una cuidada fotografía obra de Emmanuele Pasquet, el cual ha empleado tonos muy lúgubres, a veces anaranjados y verdosos que nos transmiten sensaciones de decadencia, rigurosidad y maneras anticuadas. Se torna además en una película triste y melancólica con la estupenda versión a piano del ‘Where is my mind’ de Pixies que habréis escuchado en ‘El club de la lucha’ o en su versión más tecnológica y actual, ‘Mr. Robot’.
Esta cinta que nos llega desde Italia me ha sorprendido gratamente. No me extrañaría tener opiniones en contra, sobre todo a raíz de la narrativa que lleva a cabo, que juega un poco la despiste. Pero precisamente por eso la he disfrutado.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de enero de 2021. Título original: Il Nido (The nest). Duración: 103 min. País: Italia. Dirección: Roberto de Feo. Guion: Roberto de Feo, Lucio Besana, Margherita Ferri. Música: Teho Teardo. Fotografía: Emmanuele Pasquet. Reparto principal: Francesca Cavallin, Ginevra Francesconi, Justin Alexander Korovkin, Maurizio Lombardi, Elisabetta de Vito, Fabrizio Odetto, Troy James. Producción: Colorado Film Production, Vision Distribution, Film Commision Torino-Piemonte, Regione Piemonte. Distribución: Alfa Pictures. Género: terror. Web oficial:http://www.coloradofilm.it/document/it/the_nest/cinema
Una serie animada que nos invita a tomarnos aún menos en serio el universo Trekkie
El universo de ‘Star Trek’ no para de expandirse. La propia franquicia (o saga según si hablamos de producto o arte) trata acerca de eso, de buscar nuevos horizontes e incorporar nuevas generaciones, como rezan varios de sus títulos. Actualmente esta ciencia ficción creada por Gene Roddenberry vive una segunda o tercera juventud gracias a las nuevas películas impulsadas por J.J. Abrams y a la serie ‘Discovery’. En este caso hay que dar las gracias al creador MikeMcMahan y al productor omnipresente en estos proyectos, Alex Kurtzman, por sacar un nuevo producto que explora otras caras de la misma moneda, ‘Star Trek: Lower Decks’.
Podría parecer que es algo totalmente nuevo y fresco pero ‘Star Trek: Lower Decks’ desarrolla en cantidad y en hilaridad algo que ya se hizo en un episodio de la serie ochentera ‘Star Trek: la nueva generación’. En concreto lo que nos propone esta serie animada es acompañar a aquellos que siempre aparecen como figurantes en segundo plano en las películas. A los tripulantes de más bajo rango de una nave de la Federación a la que pertenece la Enterprise. Pero el vehículo en el que nos embarcamos no es el de Picard, Spock y compañía (aunque se les mencione), es la USS Cerritos.
Esta nave con nombre de cereales está capitaneada por primera vez y de manera continua por una mujer de raza negra. Y a sus órdenes están los protagonistas que intentan cómicamente con un fracaso tras otro alcanzar un mejor estatus. Personajes doblados en su versión original por Tawny Newsome, Jack Quaid, Dawnn Lewis, Jerry O’Connell, Noël Wells o Eugene Cordero.
El nivel de la franquicia no decae con ‘Star Trek: Lower Decks’. Durante la historia de la saga se ha demostrado que es ciencia ficción casi sin límites, sorprendiendo con multitud de argumentos, desde los más tecnológicamente premonitorios a los más imaginativos. En este caso dado el carácter cómico y animado de la serie se sobrepasan ciertos límites, haciéndose más sangrienta y absurda que nunca.
Era de esperar este tono pues McMahan ha sido guionista de ‘Rick y Morty’. La serie no llega ni al ritmo frenético de la serie de Adult Swim ni a su originalidad. Parece que a veces lo intenta pues se desboca de vez en cuando pero también da la impresión de cohibirse para no aproximarse a ese tipo de guiones en exceso. No faltan los momentos violentos o absurdos en los que, por ejemplo, un villano obsesionado por los juegos de mesa irrumpe en la Cerritos. Pero esta es una serie ligeramente más calmada.
Esta serie de CBS que estrena en España Amazon Prime Video el 22 de enero se tuvo que realizar durante el confinamiento a través de videollamadas y tiene además guiones preparados ya para una segunda temporada también de 10 episodios con la misma duración, 25 minutos. Una manera de crear que en 2019 habríamos firmado que sería impensable, casi de ciencia ficción. Y precisamente a otras obras de ciencia ficción rinde culto en algunas escenas. Veréis guiños a ‘La cosa’, ‘Alien’, ‘El juego de Ender’, ‘La mosca’, ‘Independence Day’, ‘Horizonte final’… e incluso a aquel capítulo de ‘Me llamo Earl’ en el que Hombre Cangrejo y su padre dejaban inconsciente constantemente a Earl.
Por supuesto hay muchas citas que nos hablan del universo Trekkie y multitud de guiños visuales, como la estatuilla del reptiliano que tiene la Capitana Freeman en su despacho y que nos recuerda la mítica y bochornosa pelea entre Kirk y Gorn. ‘Star Trek: Lower Decks’ no pierde de vista ni esos momentos tan lejanos ya en el tiempo ni a los recientes destellos de luz de Abrams.
El dibujo y a veces el tipo de humor recuerda a ‘Final Space’, solo que aquí se consiguen gags más eficientes. Sí que es cierto que se habría agradecido que hubiese una trama central a seguir, pero por lo menos hay un leitmotiv, que es el de la pugna por ascender. En resumen, esta es una serie muy apta para los que buscan echarse algunas risas y tener detalles de ‘Star Trek’ por todas partes. Si uno es un Trekkie escrupuloso y cerrado en cuanto al canon de la franquicia es mejor abstenerse porque difiere bastante en tono de todo lo visto hasta ahora.
Vanessa Redgrave y Timothy Spall nos presentan a un prolífico pintor
El próximo 12 de febrero, la distribuidora Vercine estrenará ‘La Sra. Lowry e hijo’, una película que narra la difícil relación que el pintor inglés L.S. Lowry mantuvo con su madre. Dirige AdrianNoble, reputado director de teatro en Londres sobre un texto de Martyn Hesford (‘Kenneth Williams: Fantabulosa!’).
Presentada en el Festival de cine de Edimburgo, está protagonizada por dos de los mejores actores británicos de su generación: Vanessa Redgrave y Timothy Spall (recientemente visto en ‘Nieva en Benidorm’ de Isabel Coixet).
Laurence Stephen Lowry, nacido en 1887, fue un reputado artista británico. Muchos de sus dibujos y pinturas representan Pendlebury, una pequeña ciudad al norte de Manchester, donde vivió y trabajó durante más de 40 años.
L.S Lowry es conocido por pintar escenas de la vida en los distritos industriales del Noroeste de Inglaterra a mediados del siglo XX. El artista pintó paisajes misteriosos despoblados, retratos melancólicos, y paisajes urbanos poblados por figuras humanas a las que él se refería como Matchstick Men.
Actualmente, una gran colección de su obra está expuesta en The Lowry, una galería de arte especialmente diseñada para albergar sus pinturas en el Puerto de Salford, en Inglaterra.
Durante su vida, Lowry realizó cerca de 1.000 pinturas y más de 8.000 dibujos. Algunos de ellos se encuentran en la Tate Gallery de Londres y en el MOMA de Nueva York.
Sinopsis oficial:
L.S. Lowry fue una de las figuras artísticas más importantes del Reino Unido de mediados del siglo XX y sus obras triunfaron por su visión única del noroeste industrial de Inglaterra.
SRA. LOWRY E HIJO nos muestra la complicada relación que mantiene con su madre, una mujer que trató activamente de disuadir a su hijo soltero de perseguir sus ambiciones artísticas y criticó cualquiera de sus gustos.
Este poderoso, pero humorístico drama ambientado en los años 30 en Inglaterra, imagina el impacto que esta obsesiva relación entre madre e hijo tuvo en el gran artista.
Estreno exclusivo del emotivo documental que relata los últimos días de la vida de Robin Williams y su legado como actor. A través de diversos testimonios entre los que destaca los de su esposa, Susan Schneider, descubrimos los efectos del trastorno neurodegenerativo que padecía, conocido como demencia con cuerpos de Lewy (DCL).
Crítica
Un ensayo sobre la identidad que me parece tan tierno como el recuerdo de Robin Williams
Robin Williams, aquel que nos hizo sentir la poesía, reír en la enfermedad o sentirnos niños mayores se nos fue en verano de 2014. Quedan pocos titanes como él tan buenos en la comedia y en la improvisación hasta el punto de haber marcado a un buen abanico de edades a lo largo de todo el mundo. ¿Alguien le odia o no le gusta mínimamente? Desde luego fue una pérdida para todos.
‘El deseo de Robin’ empieza con Williams divagando sobre el efecto de la risa u otros conceptos de la vida en algunas entrevistas concedidas a televisión. Además dedica un instante a mostrar el colorido túnel dedicado a su persona. El director y fotógrafo Tylor Norwood ha querido refrescar el recuerdo del comediante para arrojar algo de luz y ya de paso extenderse en alguna faceta más.
Años después de la muerte del actor algunos se atreven o sacan fuerzas de flaqueza para hablar sobre su pérdida. Quienes más destacan y quienes tienen más cosas que decir son su viuda, uno de sus vecinos y Shawn Levy, director de ‘Noche en el museo: el secreto del faraón’, la última película en la que le vimos. Me ha encantado ver que con sus testimonios se pone de manifiesto lo cercano que era, viviendo en una ciudad y barrio “ordinarios” siendo un vecino más que a veces paseaba en bici (“soy bi(ci)sexual”, decía) o acudiendo pequeños shows de improvisación.
Para romper habladurías y lo que dicen los entrevistados que son falsas conclusiones, ‘El deseo de Robin’ ocupa la mayor parte de su metraje en hablar sobre su enfermedad no diagnosticada, que ni conocía ni controlaba. Un tipo de demencia rápida y progresiva, que deprime, afecta al sistema motriz e incluso que llega a matar. Y para llegar a ello por supuesto pasa por la despiadada prensa sensacionalista y la huella que deja muchas veces con sus especulaciones disfrazadas de noticias.
Se puede aprender con este documental pues es doloroso ver como las personas más cercanas a él descubrieron lo que tenía demasiado tarde y empezaron a atar cabos cuando el resultado ya había sido fatal. Se produjo una despedida prolongada hasta hoy en día de la que muchos se culpan, sobre la que la mayoría se pregunta si pudo haber hecho más. Y esto reconociendo en su mayoría que no había mucho que hacer a pesar de que veían con estupefacción como se iba degradando, siendo el propio Williams consciente de ello. Todos anhelan haber podido saber lo que padecía para paliarlo y si vosotros como espectadores no lo sentís también, el documental se encarga de transmitíroslo.
En resumidas cuentas ‘El deseo de Robin’ no es solo un reportaje que quiere hacer algo de justicia sobre la auténtica causa de su muerte, es un ensayo sobre la identidad que me parece tan tierno como el recuerdo de Robin Williams. También sobre aquello que anhelamos conseguir o dejar para los demás. Y es duro retroceder a todos los momentos que nos dio y descubrir las cosas que había detrás, pero el documental está enfocado de tal manera que nos abraza con añoranza.
No hubo un Patch Adams para él pero su legado servirá como medicina para generaciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de enero de 2021. Título original: Robin’s Wish. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Tylor Norwood. Guion: Tylor Norwood y Scott Fitzloff. Música: Aaron Drake. Fotografía: Tylor Norwood. Reparto principal: Robin Williams, Susan Schneider Williams, Shawn Levy, David E. Kelley, Mort Sahl, John R. Montgomery. Producción: Quotable Pictures. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.filmin.es/pelicula/el-deseo-de-robin
El próximo 19 de febrero, Adso Films estrena ‘14 días, 12 noches’. Un drama dirigido por el cineasta canadiense Jean-Philippe Duval (‘Unité 9’, ‘Matroni et moi’) y escrito por Marie Vien (‘La pasión de Augustine’). Protagoniza la película la musa de Xavier Dolan, Anne Dorval (Mommy, Yo maté a mi madre).
Completan el reparto François Papineau (‘Une vie qui commence’) y Leanna Chea, nominada a los Canadian Screen Awards y a los premios Iris del cine de Quebec por su papel.
‘14 días, 12 noches’ es un viaje increíblemente hermoso que examina la influencia de la cultura, la identidad, el perdón y la extraordinaria amistad entre dos mujeres, consolidada por el amor mutuo que comparten por la misma hija.
‘14 días, 12 noches’ se presentó en el Abitibi-Témiscamingue Film Festival y tuvo su premiere internacional en el Palm Springs Film Festival. La película ganó el premio a la mejor fotografía para Yves Bélanger (‘Laurence Anyways’, ‘Dallas Buyers Club’) en los premios Iris del cine de Quebec. En el mismo certamen, Anne Dorval y Leanna Chea obtuvieron nominaciones a la mejor actriz protagonista y mejor actriz secundaria, respectivamente.
Actualmente, la película es candidata al Oscar a la mejor película extranjera por Canadá.
Sinopsis oficial:
La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.
Immersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija, y juntas encuentran el cierre para seguir adelante.
Bobby Soto (Narcos: México) y Shia LaBeouf interpretan a David y Creeper, que trabajan como «recaudadores de impuestos» para un señor del crimen llamado Wizard, y cobran su parte de las ganancias de las pandillas locales. Pero cuando el viejo rival de Wizard regresa a Los Ángeles desde México, todo su negocio da un vuelco y David se desespera por proteger lo que más le importa: su familia.
Crítica
El cobrador frac-asado
La supuesta inestabilidad mental de Shia LaBeouf podría ser equiparable a las oscilaciones de calidad de las películas de David Ayer. Ambos ya habían coincidido en ‘Corazones de acero’, una estupenda película bélica. En el caso de ‘Cuenta pendiente (The tax collector)’ estamos ante una especie de ‘Training day’ que cuenta también con mucha conducción y gangsters pero que se queda lejos de conseguir la intensidad que transmitieron Denzel Washington y Ethan Hawke. Es otro tropezón en la carrera de ambos.
Bien es cierto que suelo decir que me encanta LaBeouf, de hecho recomiendo muy fuertemente ‘La familia que tu eliges’, que es un título estrenado el pasado verano y que ya se encuentra en tiendas. Precisamente en formato físico es como se ha lanzado directamente ‘Cuenta pendiente’ en nuestro país. Impulsado por mi aprecio por Shia LaBeouf me hice con este título y de ahí surge esta crítica con la que os quiero transmitir mi decepción.
Ya de entrada los títulos de crédito tienen una pinta bastante amateur y sorprende cuando hablamos de una producción en la que dirige un cineasta acostumbrado a trabajar con Warner Bros., Netflix… El resto del elenco hace honor al opening y la película está cargada de sobreactuaciones y tópicos manidos. Quizá la estática interpretación de LaBeouf sea lo mejor. No ha tenido difícil interpretar a su matón cobrador de impuestos pues su actuación consiste básicamente en quedarse quieto, con gafas de sol y unas orejas maquilladas para darle un aspecto más grotesco. Desde luego no merecía la pena tatuarse el pecho para que se le vea tan solo durante unos segundos. Como también me parece un desperdicio contar con DavidCastañeda (‘The Umbrella Academy’) para una corta escena.
No he hablado del otro protagonista de ‘Cuenta pendiente’, el principal de hecho. Bobby Soto es para mí un desconocido que no ha suscitado ninguna expectativa futura. Pero hay que reconocerle que tiene más oportunidades para construir su personaje y aprovecha algunas pocas. Lastra el estar en una película llena de frases ridículas del tipo “el yoga es satánico”.
Salen a la luz errores parecidos a los de ‘Escuadrón Suicida’. La única secuencia que merece la pena es un tiroteo a cámara lenta estando cerca del final del filme. Porque salir exitoso durante el clímax es tan fácil para el protagonista como colarse en el Capitolio de EE.UU. Desde luego es un filme que al igual que su año de estreno me habría gustado pasar por alto. Solo me queda decir una cosa, se vende DVD…
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: The tax collector. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: David Ayer. Guion: David Ayer. Música: Michael Yezerski. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Bobby Soto, Shia LaBeouf, Chelsea Rendon, Lana Parrilla, Elpidia Carrillo, George Lopez, Jay Reeves, Cinthya Carmona, Brendan Schaub, Michelle Jubilee Gonzalez, Cle Sloan, Noemi Gonzalez, Rene Moran, Lee Coc. Producción: Ceder Park Entertainment, Cross Creek Pictures, Faster Horse Pictures, Kodiak Pictures. Distribución: Universal (Sony Pictures Home Entertainment formato físico). Género: thriller, drama. Web oficial:http://www.cedarparkent.com/tax_collector.html
Filmin estrena el próximo martes 12 de enero, por primera vez en España, ‘Nobel’,que según nos dice la plataforma es una de las mejores series europeas de los últimos años, ganadora del Prix Europa a la Mejor Miniserie de TV en 2016. Se trata de una producción de NRK, la televisión pública noruega, que narra la historia de un soldado que, tras regresar de la Guerra de Afganistán, ve como su vida y la de su familia corre serio peligro al convertirse sin querer en la pieza decisiva de una espeluznante conspiración política internacional.
‘Nobel’ está protagonizada por Aksel Hennie (‘Marte’) y dirigida por Per-Olav Sørensen, responsable de otras series nórdicas de gran éxito como ‘Operación Telemark’ o ‘Arenas movedizas’.
Sinopsis oficial:
Un veterano de la guerra de Afganistán se convierte en el peón de una conspiración internacional que pondrá a prueba su devoción por su familia. Su papel le lleva a cuestionar seriamente hasta dónde está dispuesto a llegar para mantener la paz.
La distribuidora A Contracorriente Films repondrá en cines ‘Crash’, la película de culto dirigida por David Cronenberg (‘La mosca’, ‘Inseparables’) estrenada en 1996, en su versión restaurada en 4K. El film, adaptación de la novela homónima escrita por J.G.Ballard y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a los cines el próximo 29 de enero, 25 años después de su estreno en salas.
‘Crash’ presentada en su versión restaurada en la 76 edición de la Mostra de Venecia, está protagonizada por James Spader (‘Stargate, serie de TV ‘The Blacklist’), Holly Hunter (‘El piano’, ‘Al filo de la noticia’), Elias Koteas (‘La delgada línea roja’), Deborah Kara Unger (‘The Game’) y Rosanna Arquette (‘Pulp Fiction’).
Sinopsis oficial:
James Ballard, prestigioso científico en crisis personal y profesional, sufre un accidente de coche en el que también se ve afectada Helen, la conductora de otro vehículo. Ambos deben pasar un tiempo en el hospital y comienzan a sentir una extraña y poderosa atracción mutua. James se precipita a un mundo oscuro y perverso dominado por el peligro, el sexo y la muerte.
Tras sus últimos fracasos cinematográficos, el productor hollywoodiense Max Barber (Robert De Niro) está en deuda con Reggie Fontain (Morgan Freeman), el jefe de la mafia.
Desesperado y con su vida en juego, Max decide producir una nueva película con escenas de acción de alto riesgo con el fin de provocar la muerte del protagonista y cobrar así el seguro. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max.
Los días pasan y, a pesar de todos sus intentos para acabar con Duke, Max no logra su propósito. Escena tras escena éste sobrevive y, sin quererlo, está rodando la mejor película de toda su carrera.
Crítica
De Niro convertido en un Coyote a la caza de un Correcaminos trasnochado
De la mano de George Gallo llega a nuestras llanuras cinematográficas un nuevo remake con mucho sabor a western y a comedia. Gallo es un cineasta que puede que no os suene pero que está tras los guiones de películas como ‘Dos policías rebeldes’, ‘Menudo bocazas’ o ‘Huida a media noche’. Películas que combinan acción y comedia.
‘La última gran estafa (The comeback trial)’ surge de un estreno homónimo que Harry Hurwitz firmó en 1982. Esta nueva versión conserva el mismo argumento. Dos productores deben dinero a los mafiosos que les han prestado la financiación de sus películas. Para poder salir del atolladero se les ocurre una estafa que les puede hacer millonarios, pero es una treta con un carácter bastante funesto.
La comedia en este caso surge de la picardía de un productor desesperado (Robert De Niro) y de lo crédulo que es su socio y sobrino (Zach Braff). De cómo se juega a las mentiras pero sobre todo de cuán fatídicas o retorcidas son las intenciones del protagonista. Nada más y nada menos que rescatar a una vieja gloria del cine western para meterle en escenas de riesgo con la esperanza de que este caiga en una de ellas y puedan cobrar un cuantioso seguro que le permitirá pagar a los gangsters (Morgan Freeman). Pero esa estrella en pleno ocaso (Tommy Lee Jones) encuentra en este resurgir razones para vivir y se convierte en alguien más difícil de matar que Bruce Willis en ‘El protegido’.
El reparto que ya he enumerado ha hecho antes comedias. Y junto a ellos también están Emile Hirsch o Eddie Griffin como soporte secundario. El filme sigue un poco la tónica de otros trabajos cómicos que han realizado y aunque busque la muerte no tiene un carácter excesivamente adulto, está dotada más bien de toques simpaticones, algo ladinos y con bastante humor físico.
Las películas que estrenan estos dos desdichados cineastas de ‘La última gran estafa’ podrían ser casi parte del catálogo de la Troma. Y aunque no tienen muy buen ojo para sus proyectos sí que rescatan buenas alusiones de su mente. No son pocos los títulos que se citan durante el filme, hasta el matón de Freeman tiene películas que referenciar. Esta versión de George Gallo roza el homenaje a todos aquellos que aman hacer cine o el género de vaqueros e indios en concreto.
‘La última gran estafa’ es un poco como el juego del Coyote y el Correcaminos, donde se malogran constantemente unos planes destinados a matar. La película ha quedado resultona pero se nota que pierde gas en las escenas de acción. La misma productora de ‘Guns Akimbo’, ‘Borat’ o ‘Selma’ saca su lado más “suavizado” y nos brinda una comedia de glorias consagradas o en su ocaso que en resumidas cuentas se inclina más hacia lo ñoño que a lo gamberro.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de diciembre de 2020. Título original: The comeback trial. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: George Gallo. Guion: George Gallo, Josh Posner. Música: Aldo Shllaku. Fotografía: Lucas Bielan. Reparto principal: Robert De Niro, Tommy Lee Jones, Morgan Freeman, Zach Braff, Emile Hirsch. Producción: StoryBoard Media, Alla Prima Productions, Don Kee Productions, Ingenious Media, Living the Dream Films, Lucky 13 Productions, March On Productions, Rapid Farms Productions, Scoring Berlin, Sprockefeller Pictures. Distribución: Vértice Distribución. Género: comedia. Web oficial:https://www.donkeeproduction.com/the-comeback-trail-2/
Warner Bros. estrenará en cines ‘Pequeños detalles’. Desde hace unos días ha publicado el tráiler de este thriller policíaco que nos desvelará la trama que hay tras el asesino en serie que tiene aterrorizada a toda una ciudad.
Los ganadores del Oscar Denzel Washington (‘Training Day’, ‘Tiempos de gloria’), Rami Malek (‘Bohemian Rhapsody’) y Jared Leto (‘Dallas Buyers Club’) protagonizan la película que John Lee Hancock (‘The Blind Side (Un sueño imposible)’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’, ‘El fundador’) dirige a partir de su propio guion original.
El reparto principal de ‘Pequeños detalles’ también incluye a Natalie Morales (‘La batalla de los sexos’), Terry Kinney (‘Milla 22’, serie de TV ‘Billions’), Chris Bauer (‘Sully’, serie de TV ‘The Deuce’), Joris Jarsky (serie de TV ‘Bad Blood’), Isabel Arraiza (serie de TV ‘Pearson’) y Michael Hyatt (‘Crazy Ex-Girlfriend’).
Envían a Joe «Deke» Deacon (Washington), el sheriff adjunto del condado de Kern, a Los Ángeles para lo que debería haber sido una tarea rápida de recopilación de pruebas. Pero Deke se ve envuelto en la búsqueda de un asesino en serie que aterroriza a la ciudad. El sargento del Departamento del Sheriff de Los Ángeles Jim Baxter (Malek) se encarga de dirigir la búsqueda del asesino. Impresionado con el instinto policial de Deke, consigue que colabore con él aunque no por el canal oficial. Mientras persiguen al asesino, Baxter no es consciente de que la investigación está sacando a la luz ecos del pasado de Deke, descubriendo secretos inquietantes que podrían poner en peligro algo más que su caso.
El ganador del Oscar Russel Crowe protagoniza SALVAJE, un thriller psicológico en el que un inocente percance del día a día se convertirá rápidamente en pesadilla cuando una mujer toca el claxon en el momento equivocado… al tipo equivocado. “Ira al volante” es una expresión que se queda corta para describir lo que el desconocido va a hacerle a ella y a todo el mundo que conoce.
Crítica
Una película que sabe subir su presión desde su cotidiano arranque
Con ‘Salvaje’ he estado pensando que estaba viendo un remake. Y es que hace poco en el marco del Festival de Sitges se ha proyectado (o puesto a disposición de los que hemos asistido online) una película muy parecida que se llama ‘Tailgate (Bumplerkleef)’. Desde que vi el tráiler de este nuevo título protagonizado por Russell Crowe establecí similitudes con esa película de Países Bajos. Y así ha sido.
‘Salvaje’ cuenta como un conductor provoca a otros con un comportamiento extremadamente correcto al volante. Eso no es nada ilegal salvo por el hecho de que lo hace con el objetivo de proponer duras lecciones. Es como aquel que en balonmano o en baloncesto provoca una falta en ataque, hace uso de una incómoda pasividad para posteriormente proporcionar un castigo.
Por desgracia tenemos que decir que ‘Salvaje’ parte de algo cotidiano como es el estrés, los atascos y los conductores enfadados y deslenguados. Algo muy conocido por los conductores de la M-30. Y por desgracia para los protagonistas continúa de un modo aún más violento que esas situaciones que se viven a veces al volante.
Al margen de la casualidad de argumento con la película que os mencionaba no he podido evitar establecer una comparativa en cuanto a ritmo y tensión generada. En este caso me parece mejor esta película que ha dirigido Derrick Borte. Es capaz de transmitir algo de nerviosismo en el espectador y se pasa rápido. Además no es una producción que se ande con pelos en la lengua y no duda en tener violencia explícita y destrucción por doquier, teniendo en cuenta que arranca con una secuencia que parecía que iba a ser más comedida en cuanto a la vistosidad de su acción.
Si hecho la vista atrás puedo decir que es de las mejores películas con Russell Crowe que he visto últimamente, por detrás por supuesto de la estupenda ‘Dos buenos tipos’. El actor está imponente, tanto con su inmenso aspecto como con su intimidatorio semblante. Hace de un tipo desequilibrado y lo demuestra no solo con su comportamiento irascible, también mostrando unas facciones que nunca le había visto.
También hace falta que las víctimas de este conductor colérico actúen bien para que podamos decir que ‘Salvaje’ es un buen entretenimiento. En este caso Caren Pistorius es la réplica y asume por primera vez (que yo haya visto) un papel que acapare tanto el protagonismo. La actriz sudafricana es básicamente la responsable de que la presión de la película vaya in crescendo con los errores y preocupaciones que va acumulando.
‘Salvaje’ es una película de esas donde las víctimas cometen las clásicas pifias o se comportan de un modo que a nosotros no nos parece lógico. Pero también es de esas historias en las que hay que plantearse qué haríamos si nos tocase a nosotros. Está llena de cólera y casualidades y sigue una ruta que la hace disfrutable.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de enero de 2021. Título original: Unhinged. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Derrick Borte. Guion: Carl Ellsworth. Música: David Buckley. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Russell Crowe, Caren Pistorius. Producción: Burek Films, Ingenious, Solstice Studios. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller. Web oficial:https://www.instagram.com/unhingedmovie/
El próximo 15 de enero podremos ver en cines ‘Los Elfkins’ traída a España de mano de la distribuidora Vercine. Este largometraje supone una nueva película familiar que ha sido dirigida por la cineasta alemana Ute von Münchow-Pohl (‘Cuervito Calcetín. La gran carrera’, ‘Rabitt School’). El guión corre a cargo de Jan Strathmann, destacado guionista de animación de temática navideña.
‘Los Elfkins’ tuvo su premiere en el Schlingel International Film Festival, dirigido al público infantil. Prestan sus voces los actores Jella Haase (‘¡Que te den, profe!’), Louis Hofman (‘Dark’) y Leon Seidel (‘Land of Mine. Bajo la arena’).
Sinopsis oficial:
Durante más de 200 años, los Elfkins han estado viviendo bajo tierra, escondiéndose del mundo superior y evitando cualquier interacción con los seres humanos. Un día, Helvi, Kipp y Butz deciden subir a la superficie de la tierra.
Después de muchas aventuras, Helvi se hace amiga de Teo, un chef pastelero un poco gruñón que le recordará a ella y a todos los Elfkins su verdadero propósito en la vida: ¡ayudar a los demás!
Este relato postapocalíptico narra la carrera contrarreloj de Augustine (George Clooney), un solitario científico instalado en el Ártico. Su objetivo es impedir que Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas regresen a una Tierra amenazada por una misteriosa catástrofe mundial. Clooney dirige esta adaptación de Good Morning, Midnight, la aclamada novela de Lily Brooks-Dalton, que también protagonizan David Oyelowo, Kyle Chandler, Demián Bichir y Tiffany Boone.
Crítica
Desesperanzado pero amable postapocalipsis
George Clooney vuelve al espacio con ‘Cielo de medianoche’. En esta ocasión lo hace en los roles de actor y director y se pone en la posición contraria a la que estaba en ‘Gravity’. Si en la película de Alfonso Cuarón interpretaba a un accidentado astronauta cuya compañera acababa conversando con un esquimal, en esta adaptación es él quien vaga por el polo e intenta conversar con los miembros de una nave espacial.
‘Cielo de medianoche’ adapta con un guión de Mark L. Smith (que se repite un poco pues es el autor de ‘El renacido’) la obra homónima escrita por Lily Brooks-Dalton y narra como un científico intenta desesperadamente contactar con algún otro ser humano en la soledad de su centro de investigación en el ártico. Mientras, diversas misiones regresan a la Tierra tras buscar nuevos planetas que habitar. Es la historia de un hombre marchito y consagrado a una última tarea que de sentido a toda una vida dedicada a la perpetuación de la raza humana.
‘Cielo de medianoche’ consiste en dos tránsitos por lugares desiertos y fríos (con un pequeño paso en flashback por el IACTEC en Canarias). Tránsitos que conllevan una dura y solitaria aventura además de un viaje personal y relevante para toda la humanidad. Es por eso que la carga reflexiva de película debería haber sido mayor. La novela consistía en un relato bastante afable, que dentro de lo catastrófico era capaz de mostrar algunos puntos meditabundos interesantes. El filme pone sobre la mesa las mismas cuestiones, pero no consigue desarrollarlas de un modo eficiente. Por el contrario, sí que logra ser un relato mucho más entretenido.
El libro de Brooks-Dalton se me antojó aburrido, más todavía para el final tan convencional y poco atrevido que ofrece. En este caso, aunque transcurre también de manera alterna, cobra más peso la trama que nos sitúa en el espacio, ya sea porque tiene una acción más vistosa o porque es la que hace que el espectador tenga más cuestiones de las que hablar en el corrillo postpelícula. Cuando estamos con la tripulación, compuesta por: Felicity Jones, David Oyelowo, Kyle Chandler, Dmián Bichir y Tiffany Boone, es cuando tenemos los mejores ingredientes. Debate, peligro, melancolía…
Con la película nos perdemos bastante las divagaciones de los protagonistas. Clooney consigue mantener en secreto los giros de la película que si bien son algo manidos y apurados pueden suponer un pequeño broche para el climax. Su mayor fallo es que este relato catastrófico que ha sido tratado de un modo bastante suave y sesudo, no sea capaz de transmitir mejor las cavilaciones de los protagonistas.
Los cambios con respecto a la novela se notan desde el principio pero al final ambas versiones acaban contando lo mismo. Se percibe un guión orientado al gusto de la Academia de cine pero por mucho que sea capaz de mostrar otra cara para el fin de la humanidad no he sentido que esta sea una película premiable, ni por sus interpretaciones ni por su escaso o nada punzante mensaje.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020 (cines), 23 de diciembre de 2020 (Netflix). Título original: The midnight sky. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: George Clooney. Guion: Mark L. Smith. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Martin Ruhe. Reparto principal: George Clooney, Felicity Jones, David Oyelowo, Tiffany Boone con Demián Bichir y Kyle Chandler, Caoilinn Springall. Producción: Anonymous content, Netflix, Smokehouse Pictures, Syndicate Entertainment, Truenorth Productions. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80244645
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