El próximo 19 de febrero, Adso Films estrena ‘14 días, 12 noches’. Un drama dirigido por el cineasta canadiense Jean-Philippe Duval (‘Unité 9’, ‘Matroni et moi’) y escrito por Marie Vien (‘La pasión de Augustine’). Protagoniza la película la musa de Xavier Dolan, Anne Dorval (Mommy, Yo maté a mi madre).
Completan el reparto François Papineau (‘Une vie qui commence’) y Leanna Chea, nominada a los Canadian Screen Awards y a los premios Iris del cine de Quebec por su papel.
‘14 días, 12 noches’ es un viaje increíblemente hermoso que examina la influencia de la cultura, la identidad, el perdón y la extraordinaria amistad entre dos mujeres, consolidada por el amor mutuo que comparten por la misma hija.
‘14 días, 12 noches’ se presentó en el Abitibi-Témiscamingue Film Festival y tuvo su premiere internacional en el Palm Springs Film Festival. La película ganó el premio a la mejor fotografía para Yves Bélanger (‘Laurence Anyways’, ‘Dallas Buyers Club’) en los premios Iris del cine de Quebec. En el mismo certamen, Anne Dorval y Leanna Chea obtuvieron nominaciones a la mejor actriz protagonista y mejor actriz secundaria, respectivamente.
Actualmente, la película es candidata al Oscar a la mejor película extranjera por Canadá.
Sinopsis oficial:
La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.
Immersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija, y juntas encuentran el cierre para seguir adelante.
Bobby Soto (Narcos: México) y Shia LaBeouf interpretan a David y Creeper, que trabajan como «recaudadores de impuestos» para un señor del crimen llamado Wizard, y cobran su parte de las ganancias de las pandillas locales. Pero cuando el viejo rival de Wizard regresa a Los Ángeles desde México, todo su negocio da un vuelco y David se desespera por proteger lo que más le importa: su familia.
Crítica
El cobrador frac-asado
La supuesta inestabilidad mental de Shia LaBeouf podría ser equiparable a las oscilaciones de calidad de las películas de David Ayer. Ambos ya habían coincidido en ‘Corazones de acero’, una estupenda película bélica. En el caso de ‘Cuenta pendiente (The tax collector)’ estamos ante una especie de ‘Training day’ que cuenta también con mucha conducción y gangsters pero que se queda lejos de conseguir la intensidad que transmitieron Denzel Washington y Ethan Hawke. Es otro tropezón en la carrera de ambos.
Bien es cierto que suelo decir que me encanta LaBeouf, de hecho recomiendo muy fuertemente ‘La familia que tu eliges’, que es un título estrenado el pasado verano y que ya se encuentra en tiendas. Precisamente en formato físico es como se ha lanzado directamente ‘Cuenta pendiente’ en nuestro país. Impulsado por mi aprecio por Shia LaBeouf me hice con este título y de ahí surge esta crítica con la que os quiero transmitir mi decepción.
Ya de entrada los títulos de crédito tienen una pinta bastante amateur y sorprende cuando hablamos de una producción en la que dirige un cineasta acostumbrado a trabajar con Warner Bros., Netflix… El resto del elenco hace honor al opening y la película está cargada de sobreactuaciones y tópicos manidos. Quizá la estática interpretación de LaBeouf sea lo mejor. No ha tenido difícil interpretar a su matón cobrador de impuestos pues su actuación consiste básicamente en quedarse quieto, con gafas de sol y unas orejas maquilladas para darle un aspecto más grotesco. Desde luego no merecía la pena tatuarse el pecho para que se le vea tan solo durante unos segundos. Como también me parece un desperdicio contar con DavidCastañeda (‘The Umbrella Academy’) para una corta escena.
No he hablado del otro protagonista de ‘Cuenta pendiente’, el principal de hecho. Bobby Soto es para mí un desconocido que no ha suscitado ninguna expectativa futura. Pero hay que reconocerle que tiene más oportunidades para construir su personaje y aprovecha algunas pocas. Lastra el estar en una película llena de frases ridículas del tipo “el yoga es satánico”.
Salen a la luz errores parecidos a los de ‘Escuadrón Suicida’. La única secuencia que merece la pena es un tiroteo a cámara lenta estando cerca del final del filme. Porque salir exitoso durante el clímax es tan fácil para el protagonista como colarse en el Capitolio de EE.UU. Desde luego es un filme que al igual que su año de estreno me habría gustado pasar por alto. Solo me queda decir una cosa, se vende DVD…
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: The tax collector. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: David Ayer. Guion: David Ayer. Música: Michael Yezerski. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Bobby Soto, Shia LaBeouf, Chelsea Rendon, Lana Parrilla, Elpidia Carrillo, George Lopez, Jay Reeves, Cinthya Carmona, Brendan Schaub, Michelle Jubilee Gonzalez, Cle Sloan, Noemi Gonzalez, Rene Moran, Lee Coc. Producción: Ceder Park Entertainment, Cross Creek Pictures, Faster Horse Pictures, Kodiak Pictures. Distribución: Universal (Sony Pictures Home Entertainment formato físico). Género: thriller, drama. Web oficial:http://www.cedarparkent.com/tax_collector.html
Filmin estrena el próximo martes 12 de enero, por primera vez en España, ‘Nobel’,que según nos dice la plataforma es una de las mejores series europeas de los últimos años, ganadora del Prix Europa a la Mejor Miniserie de TV en 2016. Se trata de una producción de NRK, la televisión pública noruega, que narra la historia de un soldado que, tras regresar de la Guerra de Afganistán, ve como su vida y la de su familia corre serio peligro al convertirse sin querer en la pieza decisiva de una espeluznante conspiración política internacional.
‘Nobel’ está protagonizada por Aksel Hennie (‘Marte’) y dirigida por Per-Olav Sørensen, responsable de otras series nórdicas de gran éxito como ‘Operación Telemark’ o ‘Arenas movedizas’.
Sinopsis oficial:
Un veterano de la guerra de Afganistán se convierte en el peón de una conspiración internacional que pondrá a prueba su devoción por su familia. Su papel le lleva a cuestionar seriamente hasta dónde está dispuesto a llegar para mantener la paz.
La distribuidora A Contracorriente Films repondrá en cines ‘Crash’, la película de culto dirigida por David Cronenberg (‘La mosca’, ‘Inseparables’) estrenada en 1996, en su versión restaurada en 4K. El film, adaptación de la novela homónima escrita por J.G.Ballard y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a los cines el próximo 29 de enero, 25 años después de su estreno en salas.
‘Crash’ presentada en su versión restaurada en la 76 edición de la Mostra de Venecia, está protagonizada por James Spader (‘Stargate, serie de TV ‘The Blacklist’), Holly Hunter (‘El piano’, ‘Al filo de la noticia’), Elias Koteas (‘La delgada línea roja’), Deborah Kara Unger (‘The Game’) y Rosanna Arquette (‘Pulp Fiction’).
Sinopsis oficial:
James Ballard, prestigioso científico en crisis personal y profesional, sufre un accidente de coche en el que también se ve afectada Helen, la conductora de otro vehículo. Ambos deben pasar un tiempo en el hospital y comienzan a sentir una extraña y poderosa atracción mutua. James se precipita a un mundo oscuro y perverso dominado por el peligro, el sexo y la muerte.
Tras sus últimos fracasos cinematográficos, el productor hollywoodiense Max Barber (Robert De Niro) está en deuda con Reggie Fontain (Morgan Freeman), el jefe de la mafia.
Desesperado y con su vida en juego, Max decide producir una nueva película con escenas de acción de alto riesgo con el fin de provocar la muerte del protagonista y cobrar así el seguro. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max.
Los días pasan y, a pesar de todos sus intentos para acabar con Duke, Max no logra su propósito. Escena tras escena éste sobrevive y, sin quererlo, está rodando la mejor película de toda su carrera.
Crítica
De Niro convertido en un Coyote a la caza de un Correcaminos trasnochado
De la mano de George Gallo llega a nuestras llanuras cinematográficas un nuevo remake con mucho sabor a western y a comedia. Gallo es un cineasta que puede que no os suene pero que está tras los guiones de películas como ‘Dos policías rebeldes’, ‘Menudo bocazas’ o ‘Huida a media noche’. Películas que combinan acción y comedia.
‘La última gran estafa (The comeback trial)’ surge de un estreno homónimo que Harry Hurwitz firmó en 1982. Esta nueva versión conserva el mismo argumento. Dos productores deben dinero a los mafiosos que les han prestado la financiación de sus películas. Para poder salir del atolladero se les ocurre una estafa que les puede hacer millonarios, pero es una treta con un carácter bastante funesto.
La comedia en este caso surge de la picardía de un productor desesperado (Robert De Niro) y de lo crédulo que es su socio y sobrino (Zach Braff). De cómo se juega a las mentiras pero sobre todo de cuán fatídicas o retorcidas son las intenciones del protagonista. Nada más y nada menos que rescatar a una vieja gloria del cine western para meterle en escenas de riesgo con la esperanza de que este caiga en una de ellas y puedan cobrar un cuantioso seguro que le permitirá pagar a los gangsters (Morgan Freeman). Pero esa estrella en pleno ocaso (Tommy Lee Jones) encuentra en este resurgir razones para vivir y se convierte en alguien más difícil de matar que Bruce Willis en ‘El protegido’.
El reparto que ya he enumerado ha hecho antes comedias. Y junto a ellos también están Emile Hirsch o Eddie Griffin como soporte secundario. El filme sigue un poco la tónica de otros trabajos cómicos que han realizado y aunque busque la muerte no tiene un carácter excesivamente adulto, está dotada más bien de toques simpaticones, algo ladinos y con bastante humor físico.
Las películas que estrenan estos dos desdichados cineastas de ‘La última gran estafa’ podrían ser casi parte del catálogo de la Troma. Y aunque no tienen muy buen ojo para sus proyectos sí que rescatan buenas alusiones de su mente. No son pocos los títulos que se citan durante el filme, hasta el matón de Freeman tiene películas que referenciar. Esta versión de George Gallo roza el homenaje a todos aquellos que aman hacer cine o el género de vaqueros e indios en concreto.
‘La última gran estafa’ es un poco como el juego del Coyote y el Correcaminos, donde se malogran constantemente unos planes destinados a matar. La película ha quedado resultona pero se nota que pierde gas en las escenas de acción. La misma productora de ‘Guns Akimbo’, ‘Borat’ o ‘Selma’ saca su lado más “suavizado” y nos brinda una comedia de glorias consagradas o en su ocaso que en resumidas cuentas se inclina más hacia lo ñoño que a lo gamberro.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de diciembre de 2020. Título original: The comeback trial. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: George Gallo. Guion: George Gallo, Josh Posner. Música: Aldo Shllaku. Fotografía: Lucas Bielan. Reparto principal: Robert De Niro, Tommy Lee Jones, Morgan Freeman, Zach Braff, Emile Hirsch. Producción: StoryBoard Media, Alla Prima Productions, Don Kee Productions, Ingenious Media, Living the Dream Films, Lucky 13 Productions, March On Productions, Rapid Farms Productions, Scoring Berlin, Sprockefeller Pictures. Distribución: Vértice Distribución. Género: comedia. Web oficial:https://www.donkeeproduction.com/the-comeback-trail-2/
Warner Bros. estrenará en cines ‘Pequeños detalles’. Desde hace unos días ha publicado el tráiler de este thriller policíaco que nos desvelará la trama que hay tras el asesino en serie que tiene aterrorizada a toda una ciudad.
Los ganadores del Oscar Denzel Washington (‘Training Day’, ‘Tiempos de gloria’), Rami Malek (‘Bohemian Rhapsody’) y Jared Leto (‘Dallas Buyers Club’) protagonizan la película que John Lee Hancock (‘The Blind Side (Un sueño imposible)’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’, ‘El fundador’) dirige a partir de su propio guion original.
El reparto principal de ‘Pequeños detalles’ también incluye a Natalie Morales (‘La batalla de los sexos’), Terry Kinney (‘Milla 22’, serie de TV ‘Billions’), Chris Bauer (‘Sully’, serie de TV ‘The Deuce’), Joris Jarsky (serie de TV ‘Bad Blood’), Isabel Arraiza (serie de TV ‘Pearson’) y Michael Hyatt (‘Crazy Ex-Girlfriend’).
Envían a Joe «Deke» Deacon (Washington), el sheriff adjunto del condado de Kern, a Los Ángeles para lo que debería haber sido una tarea rápida de recopilación de pruebas. Pero Deke se ve envuelto en la búsqueda de un asesino en serie que aterroriza a la ciudad. El sargento del Departamento del Sheriff de Los Ángeles Jim Baxter (Malek) se encarga de dirigir la búsqueda del asesino. Impresionado con el instinto policial de Deke, consigue que colabore con él aunque no por el canal oficial. Mientras persiguen al asesino, Baxter no es consciente de que la investigación está sacando a la luz ecos del pasado de Deke, descubriendo secretos inquietantes que podrían poner en peligro algo más que su caso.
El ganador del Oscar Russel Crowe protagoniza SALVAJE, un thriller psicológico en el que un inocente percance del día a día se convertirá rápidamente en pesadilla cuando una mujer toca el claxon en el momento equivocado… al tipo equivocado. “Ira al volante” es una expresión que se queda corta para describir lo que el desconocido va a hacerle a ella y a todo el mundo que conoce.
Crítica
Una película que sabe subir su presión desde su cotidiano arranque
Con ‘Salvaje’ he estado pensando que estaba viendo un remake. Y es que hace poco en el marco del Festival de Sitges se ha proyectado (o puesto a disposición de los que hemos asistido online) una película muy parecida que se llama ‘Tailgate (Bumplerkleef)’. Desde que vi el tráiler de este nuevo título protagonizado por Russell Crowe establecí similitudes con esa película de Países Bajos. Y así ha sido.
‘Salvaje’ cuenta como un conductor provoca a otros con un comportamiento extremadamente correcto al volante. Eso no es nada ilegal salvo por el hecho de que lo hace con el objetivo de proponer duras lecciones. Es como aquel que en balonmano o en baloncesto provoca una falta en ataque, hace uso de una incómoda pasividad para posteriormente proporcionar un castigo.
Por desgracia tenemos que decir que ‘Salvaje’ parte de algo cotidiano como es el estrés, los atascos y los conductores enfadados y deslenguados. Algo muy conocido por los conductores de la M-30. Y por desgracia para los protagonistas continúa de un modo aún más violento que esas situaciones que se viven a veces al volante.
Al margen de la casualidad de argumento con la película que os mencionaba no he podido evitar establecer una comparativa en cuanto a ritmo y tensión generada. En este caso me parece mejor esta película que ha dirigido Derrick Borte. Es capaz de transmitir algo de nerviosismo en el espectador y se pasa rápido. Además no es una producción que se ande con pelos en la lengua y no duda en tener violencia explícita y destrucción por doquier, teniendo en cuenta que arranca con una secuencia que parecía que iba a ser más comedida en cuanto a la vistosidad de su acción.
Si hecho la vista atrás puedo decir que es de las mejores películas con Russell Crowe que he visto últimamente, por detrás por supuesto de la estupenda ‘Dos buenos tipos’. El actor está imponente, tanto con su inmenso aspecto como con su intimidatorio semblante. Hace de un tipo desequilibrado y lo demuestra no solo con su comportamiento irascible, también mostrando unas facciones que nunca le había visto.
También hace falta que las víctimas de este conductor colérico actúen bien para que podamos decir que ‘Salvaje’ es un buen entretenimiento. En este caso Caren Pistorius es la réplica y asume por primera vez (que yo haya visto) un papel que acapare tanto el protagonismo. La actriz sudafricana es básicamente la responsable de que la presión de la película vaya in crescendo con los errores y preocupaciones que va acumulando.
‘Salvaje’ es una película de esas donde las víctimas cometen las clásicas pifias o se comportan de un modo que a nosotros no nos parece lógico. Pero también es de esas historias en las que hay que plantearse qué haríamos si nos tocase a nosotros. Está llena de cólera y casualidades y sigue una ruta que la hace disfrutable.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de enero de 2021. Título original: Unhinged. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Derrick Borte. Guion: Carl Ellsworth. Música: David Buckley. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Russell Crowe, Caren Pistorius. Producción: Burek Films, Ingenious, Solstice Studios. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller. Web oficial:https://www.instagram.com/unhingedmovie/
El próximo 15 de enero podremos ver en cines ‘Los Elfkins’ traída a España de mano de la distribuidora Vercine. Este largometraje supone una nueva película familiar que ha sido dirigida por la cineasta alemana Ute von Münchow-Pohl (‘Cuervito Calcetín. La gran carrera’, ‘Rabitt School’). El guión corre a cargo de Jan Strathmann, destacado guionista de animación de temática navideña.
‘Los Elfkins’ tuvo su premiere en el Schlingel International Film Festival, dirigido al público infantil. Prestan sus voces los actores Jella Haase (‘¡Que te den, profe!’), Louis Hofman (‘Dark’) y Leon Seidel (‘Land of Mine. Bajo la arena’).
Sinopsis oficial:
Durante más de 200 años, los Elfkins han estado viviendo bajo tierra, escondiéndose del mundo superior y evitando cualquier interacción con los seres humanos. Un día, Helvi, Kipp y Butz deciden subir a la superficie de la tierra.
Después de muchas aventuras, Helvi se hace amiga de Teo, un chef pastelero un poco gruñón que le recordará a ella y a todos los Elfkins su verdadero propósito en la vida: ¡ayudar a los demás!
Este relato postapocalíptico narra la carrera contrarreloj de Augustine (George Clooney), un solitario científico instalado en el Ártico. Su objetivo es impedir que Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas regresen a una Tierra amenazada por una misteriosa catástrofe mundial. Clooney dirige esta adaptación de Good Morning, Midnight, la aclamada novela de Lily Brooks-Dalton, que también protagonizan David Oyelowo, Kyle Chandler, Demián Bichir y Tiffany Boone.
Crítica
Desesperanzado pero amable postapocalipsis
George Clooney vuelve al espacio con ‘Cielo de medianoche’. En esta ocasión lo hace en los roles de actor y director y se pone en la posición contraria a la que estaba en ‘Gravity’. Si en la película de Alfonso Cuarón interpretaba a un accidentado astronauta cuya compañera acababa conversando con un esquimal, en esta adaptación es él quien vaga por el polo e intenta conversar con los miembros de una nave espacial.
‘Cielo de medianoche’ adapta con un guión de Mark L. Smith (que se repite un poco pues es el autor de ‘El renacido’) la obra homónima escrita por Lily Brooks-Dalton y narra como un científico intenta desesperadamente contactar con algún otro ser humano en la soledad de su centro de investigación en el ártico. Mientras, diversas misiones regresan a la Tierra tras buscar nuevos planetas que habitar. Es la historia de un hombre marchito y consagrado a una última tarea que de sentido a toda una vida dedicada a la perpetuación de la raza humana.
‘Cielo de medianoche’ consiste en dos tránsitos por lugares desiertos y fríos (con un pequeño paso en flashback por el IACTEC en Canarias). Tránsitos que conllevan una dura y solitaria aventura además de un viaje personal y relevante para toda la humanidad. Es por eso que la carga reflexiva de película debería haber sido mayor. La novela consistía en un relato bastante afable, que dentro de lo catastrófico era capaz de mostrar algunos puntos meditabundos interesantes. El filme pone sobre la mesa las mismas cuestiones, pero no consigue desarrollarlas de un modo eficiente. Por el contrario, sí que logra ser un relato mucho más entretenido.
El libro de Brooks-Dalton se me antojó aburrido, más todavía para el final tan convencional y poco atrevido que ofrece. En este caso, aunque transcurre también de manera alterna, cobra más peso la trama que nos sitúa en el espacio, ya sea porque tiene una acción más vistosa o porque es la que hace que el espectador tenga más cuestiones de las que hablar en el corrillo postpelícula. Cuando estamos con la tripulación, compuesta por: Felicity Jones, David Oyelowo, Kyle Chandler, Dmián Bichir y Tiffany Boone, es cuando tenemos los mejores ingredientes. Debate, peligro, melancolía…
Con la película nos perdemos bastante las divagaciones de los protagonistas. Clooney consigue mantener en secreto los giros de la película que si bien son algo manidos y apurados pueden suponer un pequeño broche para el climax. Su mayor fallo es que este relato catastrófico que ha sido tratado de un modo bastante suave y sesudo, no sea capaz de transmitir mejor las cavilaciones de los protagonistas.
Los cambios con respecto a la novela se notan desde el principio pero al final ambas versiones acaban contando lo mismo. Se percibe un guión orientado al gusto de la Academia de cine pero por mucho que sea capaz de mostrar otra cara para el fin de la humanidad no he sentido que esta sea una película premiable, ni por sus interpretaciones ni por su escaso o nada punzante mensaje.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020 (cines), 23 de diciembre de 2020 (Netflix). Título original: The midnight sky. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: George Clooney. Guion: Mark L. Smith. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Martin Ruhe. Reparto principal: George Clooney, Felicity Jones, David Oyelowo, Tiffany Boone con Demián Bichir y Kyle Chandler, Caoilinn Springall. Producción: Anonymous content, Netflix, Smokehouse Pictures, Syndicate Entertainment, Truenorth Productions. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80244645
El próximo 23 de diciembre tenemos un reencuentro en HBO España con Maisie Williams. No, no estamos hablando de una maratón de ‘Juego de Tronos’ ni de una secuela del personaje de Arya, aunque ambas cosas serían bien recibidas. Hablamos de la nueva serie ‘Two weeks to live’ realizada por el director Al Campbell (‘Code 404’) a partir de las ideas y guiones de Gaby Hull (‘Benidorm’) con la colaboración de Phoebe Eclair-Powell (‘Hollyoaks’).
‘Two weeks to live’ es una serie corta, de seis episodios con una duración tradicional, 24 minutos. Williams interpreta a Kim Noakes una joven un tanto peculiar que va viajando descubriendo la realidad. Ha vivido toda su vida recluida, apartada del mundo y sobreprotegida por una madre que la alejó de todo tras presenciar la muerte de su padre a una tierna edad. Pero esta exploradora en pleno siglo XXI no es una mosquita muerta que esté inofensiva. Ha estado desprovista de una vida social pero no es tonta y está entrenada en técnicas de supervivencia. Suena gracioso ¿verdad? Lo es.
Cual Íñigo Montoya o Dae-su Oh la joven se embarca en una escalada de violencia para vengar la muerte de su padre. Ella es como una versión inglesa y sin mayas de Hit-girl la niña que interpretó Chloë Grace Moretz en ‘Kick-Ass’. La historia se llena de amigos, policías, delincuentes y relaciones de lo más raras.
Este es un ejercicio algo parecido al que lleva haciendo un buen tiempo Daniel Radcliffe. Una actriz encorsetada en el mismo personaje desde que era muy pequeña intenta romper esa imagen. Y en este caso resulta más fácil y difícil a la vez, pues aunque el actor de ‘Harry Potter’ tenía que desvincularse de una imagen más fantasiosa e infantil, Maisie Williams tiene que dejar de ser la niña cambiapieles que siempre fue dura de roer. Fácil porque el tono es marcadamente cómico, las armas ya no son espadas y la acción es más directa. Difícil porque en resumidas cuentas sigue estando metida en una historia de muerte y venganza donde además ella es también una chica fuera de la norma que resulta implacable. Y aún más difícil porque se incluyen algunas cosas en común con ‘Juego de Tronos’ (tiene una lista/diario, vio morir a su padre y se copia un movimiento muy famoso).
Obviamente hay que tener en cuenta que Maisie Williams ha hecho más cosas desde que ‘Juego de Tronos’ enfiló su final. Lo más destacado ha sido su trabajo en ‘Los Nuevos Mutantes’ pero dentro de poco la veréis también en ‘The Owners’, una película ya proyectada en Sitges que esperemos llegue a cines españoles. Con todo esto quiero decir que la actriz sigue encaminando su carrera por la vía de lo fantástico, terrorífico o violento. Participando además sobre todo en producciones del Reino Unido. En el caso de ‘Two Weeks to live’ se nota ese sabor británico. Por el acento, los personajes, el ambiente, los chistes y por un reparto compuesto también por Sian Clifford, Mawaan Rizwan, Sean Pertwee, Thalissa Teixeira y Jason Flemyng, entre otros.
Williams también sigue en cierto sentido los pasos de Radcliffe al hacer una comedia con bastante patetismo y sangre, como lo fue ‘Guns akimbo’. Humor con mucha acción. Y Maisie Williams lo hace muy bien. Su personaje es torpe y a la vez letal. Resulta ruda y en cierto sentido encantadora. La actriz dejó de ser una niña hace tiempo y en este papel se muestra muy diestra con las escenas de lucha y también con un tipo de comedia que sospecho que va bastante con su personalidad.
No puedo cerrar sin hablar de la que hay que considerar también protagonista de esta serie. Sian Cliffor, actriz de ‘Fleabag’, interpreta a la autoritaria y también letal madre de Kim (Williams). A cada cual más loca. Si uno va progresando en la serie es gracias a estas dos actrices y a la relación de sus personajes. Aportan un toque perturbado que aunque no es un chorro de aire fresco se agradece.
Esta edificante película biográfica cuenta la historia de Helen Reddy, la ferozmente ambiciosa cantante australiana detrás del megahit himno de 1971 que se convirtió en el grito de guerra del movimiento de liberación de la mujer.
Crítica
Realza a un personaje relevante pero no tanto como pretende
‘I am woman’ es el título de esta película cargada de feminismo del bueno y también de una canción que se convirtió en un himno a nivel mundial. Al menos así lo expone la película de Unjoo Moon y yo he de reconocer que no había oído hablar nunca sobre esta cantante ni oído sus canciones hasta conocer este proyecto y también retomar su figura tras su muerte el pasado mes de septiembre. Si que conocía a la guionista Emma Jensen, quien también se encargó en su primer trabajo de elaborar un guión que esbozase la figura de otra mujer que rompió cadenas como Mary Shelley.
Tilda Cobham-Hervey conserva cierto parecido con Reddy de joven y sobretodo es capaz de imitarla muy bien sobre el escenario. Solo hay que tirar de hemeroteca o vídeos de Youtube para comprobarlo. Muestra pasión a la hora de interpretar a su compatriota.
Tanto la cultura POP que exhibe, como el movimiento en las calles o el hecho de introducir a la cantante y comediante trans Jordan Raskopoulos como criada en la casa de Reddy denota que esta es una película que aboga por la lucha de géneros. También el hecho de que muestre machismo hasta en la cartelería de las calles. Pese a detalles inferiores ‘I am woman’ está bien documentada o ambientada y tiene como base la autobiografía de Helen Reddy publicada en 2005.
Unjoo Moon mueve bien la cámara por los escenarios y con ello demuestra buena compenetración con su esposo y director de fotografía Dion Beebe. Pero en su afán por mostrar la música de Reddy rellena mucho con escenas musicales. Se deja por ejemplo la faceta cinematográfica ya que actuó en películas como ‘Pedro y el dragón Elliot’ o ‘Aeropuerto 75’ y su hijo es hasta productor de este filme.
Esta notable cantante actuó ante una repleta zona monumental de Washington, tuvo su propio programa, hizo giras mundiales, fue la primera australiana en ganar el Grammy… ‘I am woman’ muestra todo eso y además representa a una sociedad retrógrada y a un país que aún tiene enmiendas pendientes de aprobar para dar pasos hacia la igualdad. Veréis detalles que demuestran que desde entonces hasta ahora no se ha eliminado del todo el llamado techo de cristal o que siguen existiendo sesgos que hacen que la sociedad pre-defina el curso de los gustos de una mujer.
Todas esas puntualizaciones están bien y se hacen notar. Pero la trama de ‘I am woman’ consiste más en una disputa marital que en una historia de ascenso y empoderamiento. No descuida esto último pero se centra excesivamente en las riñas entre el también manager (un cambiado Evan Peters) y la artista, desluciendo los logros de Reddy. Y eso que no habla de sus otros dos matrimonios. Además no podemos quitarnos la sensación de que siempre que se hace un biopic de un músico se introduce el tema de las drogas como elemento de conflicto y punto de inflexión. Nos damos cuenta de todo esto sobre todo cuando llegamos a los títulos de crédito y se nos muestran los clásicos letreros resumiendo el después y los méritos de los protagonistas. En esa síntesis se destaca más y mejor que en todo el filme la figura de esta activista, a si es que aguantad hasta el final que vais a conocer y saber por qué este es un personaje muy relevante.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de diciembre de 2020. Título original: I am woman. Duración:País: Australia. Dirección: Unjoo Moon. Guion: Emma Jensen. Música: Rafael May. Fotografía: Dion Beebe. Reparto principal: Tilda Cobham-Hervey, Evan Peters, Danielle Macdonald, Jordan Raskopoulos, Chris Parnell. Producción: Goalpost Pictures, Deep Blue Pacific. Distribución: Inopia Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://www.safilm.com.au/?safc_showcase=i-am-woman
Tras su paso por los festivales de Annecy, Sitges, Animastar y Deauville, llega a los cines ‘El pequeño vampiro’, una propuesta de animación para toda la familia basada en los cómics de Joann Sfar, quien también dirige la película y escribe el guion junto con Sandrina Jardel.
La intención de Tripictures es estrenar esta película francesa en cines el próximo 6 de enero. ‘El pequeño vampiro’ se postula como un plan perfecto para una actividad en reyes con la familia.
Sinopsis oficial:
Pequeño Vampir ha tenido 10 años durante los últimos 300 años. A pesar de vivir en una casa encantada con un alegre grupo de monstruos, se aburre enormemente … ¿Su sueño? Ir al colegio para conocer a otros niños. Desafortunadamente, sus padres no le dejan salir de la mansión, ya que para ellos, ¡el mundo exterior es muy peligroso! Acompañado por su fiel bulldog Fantomate, Pequeño Vampir se escabulle sin ser visto en busca de nuevos amigos. Pronto conocerá a un niño humano, Miguel, pero rápidamente su amistad llamará la atención del aterrador Giboso, un viejo enemigo que ha estado persiguiendo a Pequeño Vampir y su familia durante siglos…
En esta aventura cinematográfica, Wonder Woman da un gran salto al futuro y aterriza en los años 80 donde tendrá que enfrentarse a dos nuevos enemigos: Max Lord y Cheetah.
Crítica
Gal Gadot y Patty Jenkins consiguen volver a echarnos el lazo
Íbamos a haber visto ‘Wonder Woman 1984’ al acabar 2019 pero hemos tenido que esperar todo un año. ¡Por fin volvemos a tener a Wonder Woman entre los comunes mortales! Nos ha tocado meternos en los ochenta para retomar la versión cinematográfica de la superheroína creada en las viñetas por William Moulton Marston y H. G. Peter. Y nos la ha devuelto Patty Jenkins de nuevo en un filme que se pasa volando igual de rápido que los aeroplanos que usa la propia directora como vehículo para un homenaje a su propio padre.
‘Wonder Woman 1984’ es una película que me ha gustado mucho pero que en su conjunto me ha parecido inferior a la primera parte. No obstante podemos decir que tiene detalles que se echaban en falta en el título de 2017. Peca de que la trama va encadenando giros e incorporaciones que están muy poco justificadas. También se nota que el filme podría tener más acción e incluso severidad con sus argumentos para dar valor a una duración tan larga. Pero su apuesta final, el recado que pretende dejar es magnífico, totalmente acorde a los principios de ‘Wonder Woman’. Más adelante retomaré este punto.
Ya se habló en su día de la película con el personaje de Gal Gadot en solitario como un filme con toques feministas. Esta nueva entrega sigue con aún más ahínco esos derroteros. Está poblada de constantes momentos feos hacia la mujer y encontramos estos repartidos por todos los escenarios del filme, sobre todo en los que se mueve el personaje de Kristen Wiig. Esto es porque la actriz neoyorkina ha tenido que interpretar a un personaje cargadamente arquetípico, basado en el ostracismo y el ninguneo para acabar siendo una Cheetah empoderada y terminando por reflejar el peor CGI de la película. El peor y único malo diría porque el resto está muy por encima de la media.
Otra cosa que mejora en ‘Wonder Woman 1984’ es el tema del villano. Pedro Pascal está estupendo y solo es superado por Gal Gadot en cuanto a interpretación. Ya le hemos visto en plan malote en ‘Juego de Tronos’ o en ‘Kingsman: el círculo de oro’. Ahora es el lazo el que le atrapa a él y él quien nos atrapa con un enemigo cargado de una buena motivación y llevado de menos a más de una manera frenética, a lo Nicolas Cage pero bien. Hay que dar gracias a que le hayan fichado a pesar de haber formado parte del reparto de la fallida versión televisiva de la Mujer Maravilla.
En cuanto a la trama es intensa sobre todo cuando toca lo sentimental del personaje y avanza ágil ya que brinca entre tres historias diferentes que se van enlazando. No es capaz de retomar la fuerza de la primera secuencia pero si tiene momentos fantásticos. El esquema sí que podría decirse que es muy de cómic pero realmente en lo que más podemos decir que se ha inspirado (los mismos personajes lo dicen) es en el relato más famoso de W. W. Jacobs, llevado como siempre a límites catastrofistas mundiales, ya sabemos lo poco se ciñen a lo local en las películas de superhéroes.
Produce Zack Snyder y dirige de nuevo Patty Jenkins. Esto nos ha garantizado una continuidad que tanto demandan los fans de DC y que envidian el proyecto en fases de Marvel Studios. No hay que preocuparse que todo lo sucedido aquí cuadra con lo posteriormente visto en los crossovers ya estrenados por Warner Bros. También tenemos como productor a Geoff Johns. Él fue quien retomó en los cómics la figura de Hal Jordan como Green Lantern y a los que teníamos en la quiniela a Pine para coger ese testigo (o anillo) nos ha fallado el pronóstico.
Hablando del personaje de Chris Pine. Su aparición es de las cosas más cogidas con pinzas pero sirve para dar pie a aquello que quiere transmitir ‘Wonder Woman 1984’ y el personaje aporta la misma frescura que en la primera entrega, a si es que ni tan mal. Retomando lo que decía en el segundo párrafo, con él se completa un ciclo para Wonder Woman que nos manda un mensaje en contra de los caprichos, que aboga por replantearnos prioridades y por el mayor de los sentidos heroicos que representa Diana de Temiscira, que es el del… mejor que descubráis esto vosotros.
La banda sonora de Hans Zimmer como siempre acompaña de maravilla esta aventura que bien puede considerarse episódica pero que tiene un momento vital para el personaje de Gal Gadot. El compositor se ha permitido usar el Adagio para cuerdas y un tema de ‘Batman V Superman’ en los que considero los mejores momentos de la película. Cuando la amazona aprende a volar y en el apogeo final. Menos mal que Zimmer no se ha retirado del cine de superhéroes porque le hace mucho bien, era de lo mejor de ‘Fénix oscura’ por ejemplo.
‘Wonder Woman 1984’ tiene pegas. Por mencionar una que duele, la armadura estrenada en ‘Kingdom Come’ (para mi uno de los mejores cómics de DC) no se merecía una manera tan pobre para aparecer. Pero tiene sentido de conjunto dentro del universo deceita sin necesidad de estar bañada en huevos de pascua y eso se agradece.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de diciembre de 1984. Título original: Wonder Woman 1984. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: Patty Jenkins. Guion: Patty Jenkins, Geoff Johns, Dave Callaham. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Matthew Jensen. Reparto principal: Gal Gadot, Chris Pine, Kristen Wiig, Pedro Pascal, Robin Wright, Connie Nielsen, Lyon Beckwith. Producción: Atlas Entertainment, DC Comics, The Store Quarry, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: adaptación, ciencia ficción, aventuras. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/wonder-woman-1984
En pleno confinamiento, un grupo de amigas quedan para realizar una sesión de espiritismo a través de Zoom. El ambiente se enrarece cuando alguien (o algo) más se une a la llamada… Host es una de las sensaciones del terror de esta temporada, rabiosamente contemporánea en su lenguaje y de sabor deliciosamente clásico en la administración de sustos sin cuartel.
Crítica
Os invitamos a atravesar esta puerta al más allá con sustos multi-ventana
Vivimos una situación que hace que muchos grandes estrenos hayan reculado y retrasado su fecha, lo cual ofrece a aquellos que disfrutan de una pantalla grande de verdad un tipo de cine distinto, más valiente en muchos sentidos. Y basta que estemos animándoos a ir al cine para que tengamos que hablar de una película que surtirá más efecto si la veis en casa. ‘Host’ va a ser proyectada en cines pero también plataformas digitales. Si la veis a oscuras, con sofá y manta, estando además en videollamada con otros amigos la inmersión va a ser total.
La propuesta de ‘Host’ es muy similar a la de ‘Searching’, es decir, nada de grabaciones normales y corrientes, todo es found footage surgido de las cámaras y pantallas de ordenadores y móviles. En esa dinámica conocemos a un grupo de amigas que durante el confinamiento decide usar Zoom como vía para reunirse y llevar a cabo una sesión de espiritismo. Y todo ello guiadas de una sensitiva, en plan ‘Expediente Warren’ pero en digital.
Lo primero que vemos es que esta es una película que busca el acercamiento con lo que vivimos hoy en día. El primer zasca es para aquellos que tenían pintada o tapada la webcam de su equipo y han tenido que tirar de ella para poder comunicarse con su gente. Seguro que muchos de vosotros habéis tenido momentos como los que se ven en los primeros compases del filme, espero que no como los que van a continuación.
La idea está muy bien y la ejecución de la película engancha, por no decir que su duración que roza por poco la hora atraerá a aquellos que busquen un rato rápido de terror. Hay pocos momentos tan malos para sufrir un home invasión paranormal que el confinamiento. Imaginad la tesitura, quedarse en casa sufriendo a un huésped sobrenatural o salir corriendo exponiéndose a un virus o a las multas por saltarse el estado de alerta.
Según su director, Rob Savage, ‘Host’ ha sido rodada durante la cuarentena. En doce semanas hizo esta película en la que asegura que enseñó a sus actrices a llevar a cabo los efectos especiales y dirigió todas las escenas vía Zoom. Algún movimiento cuesta creer que se puedan aprender en tan poco tiempo y otros son fruto de que las actrices convivían con alguien más o han hecho uso de aplicaciones de Realidad Aumentada, por ejemplo. Realmente el autor desarrolló la película a partir de un vídeo en el que se burló de sus amigos y posteriormente lo convirtió en viral. Salvando lo dudoso que este pueda ser un largometraje hecho de manera individual y amateur se puede decir que la película es muy eficiente, sobre todo por su ritmo.
Por norma general son seis pantallas de las que estar pendiente, en cualquiera de ellas puede pasar algo. El fenómeno salta de una ventana a otra y no nos da apenas pausa. Entre vistas múltiples o seguimientos cámara en mano vivimos un susto tras otro con lagrimeos al más puro estilo ‘Blair Witch Project’. Y para ello la película aprovecha los clásicos trucos de luces y ruidos incorporando jugueteos con cromas y filtros.
Quizá el punto de partida no es lo más original que vais a ver en este 2020 pero la concepción del problema que se crea si puede seros interesante. Como siempre ya sabéis, partimos de una situación inocente y burlesca para ir a lo mortalmente inaudito. Es obvio que la proximidad de los confinamientos y el estilo de vida digital que nos hemos visto obligados a vivir hacen de esta película un entretenimiento de terror más efectivo de lo que lo habría sido hace años. La única pega es que no se haya buscado una resolución más conclusiva o explicativa. ¿Quizá se habría solucionado todo copiando y pegando frases para exorcismos del Ritual Romano en el chat grupal? Seguro que os deja momentos para el recuerdo, hasta sus títulos de crédito finales os van a parecer creativos.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de diciembre de 2020. Título original: Host. Duración: 57 min. País: Reino Unido. Dirección: Rob Savage. Guion: Rob Savage, Gemma Hurley, Jed Shepherd. Reparto principal: Haley Bishop. Jemma Moore, Emma Louise Webb. Producción: Shadowhouse Films. Distribución: La Aventura Audiovisual, Movistar, Rakuten, Orange, Filmin, Vodafone. Género: suspense, terror. Web oficial:https://laaventuraaudiovisual.com/host/
Una historia de culpa y afecto que se enreda peligrosamente
Un padre de muy buena reputación y carácter se ve obligado a corromper sus propios principios para garantizar el futuro y seguridad de su familia, en concreto de su hijo. Ese padre está interpretado por Bryan Cranston y no, esto no es ‘Breaking bad’, aunque lo roza.
‘Your honor’ es la historia de un juez (your honor viene a equivaler a señoría) cuyo hijo comete un terrible error que le pone en busca y captura, pero no solo de la ley, sino también de otra gente. Es una agónica lucha por ocultar lo sucedido. Son 10 capítulos donde cada vez son más mentiras las que hay que tapar y donde cada vez son más las personas implicadas. Un enredo del que es difícil de salir.
La serie creada por Peter Moffat (‘Silk’, ‘The village’) podría haber tenido otro protagonista pues es inevitable acordarse de ‘Breaking Bad’. Pero la calidad interpretativa de Cranston es difícil de rechazar y el trabajo del actor es diferente a otros anteriores. Bien es cierto que los papeles más memorables de Cranston giran en torno a padres sufridores a los que consigue que queramos por muy sinvergüenzas o estúpidos que puedan llegar a ser. Ahí está la huella que ha dejado con ‘Malcolm’ y ‘Breaking Bad’. En este caso es una eminencia empeñada en guardar las formas y salvaguardar a su hijo, metiéndose en un registro más contenido y reflejando muy bien el apuro que siente. Es la ley contra la ley.
Precisamente el hijo interpretado por Hunter Doohan, al que recordaréis de ‘Truth be told’ con Octavia Spencer y Aaron Paul, es otro talento a tener en cuenta. Está muy bien escogido pues es capaz de llevar a cabo la escenificación de un shock ante la atrocidad con la que se ha topado y después llevarla a un flirteo de lo más introspectivo. He puesto a posta la referencia de ‘Truth be told’ no por Aaron Paul si no porque la trama de este joven se centra en si ha de desenmascararse o no, de lidiar con una mentira y una culpa. Ahí es donde hayamos uno de los mayores componentes de suspense de ‘Your honor’.
No me gustaría pasar por alto la mención de Michael Stuhlbarg que también tiene importancia en esta historia y aunque su relevancia se desvela en el primer episodio no os la quiero destripar. Este actor cada día me convence más y sigo pensando que debería ser quien hiciese un biopic de Robin Williams.
La emisión de los 10 episodios comenzará el 21 de diciembre en Movistar+. La plataforma nos ha dejado ver casi la mitad de la primera temporada y debemos reconocer que engancha. Es una historia fatídica, con mucho de injusticia, pero también con una gran petición de comprensión hacia el espectador y sus protagonistas. El infortunio y la desgracia van de la mano en esta narración que se va tornando más y más angustiosa.
La serie tiene buenos giros, buen reparto secundario y buen trasfondo. No es impredecible pues hay cosas que puedes imaginar, pero hace que te importe más el cómo o el cuándo que el qué. Podríamos decir que su capacidad de generar expectación está más que probada, no solo por las impresiones que os acabo de poner si no porque supone un remake de otras dos series, una de ellas de gran éxito en su país: ‘Kvodo’ (Israel, 2017) y ‘Your honor’ (India, 2020). No hemos podido ver aún el final de esta nueva versión pero si todo transcurre como en la original la cosa irá para al menos dos temporadas.
Así ve el Hollywood de la década de 1930 el mordaz crítico social y guionista alcohólico Herman J. Mankiewicz mientras se afana en acabar el guion de ‘Ciudadano Kane’ para Orson Welles.
Crítica
Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a un filme rodado con exquisitez
Lo primero que se me viene a la cabeza a la hora de hablar de ‘Mank’ es homenaje y justicia. Ya no solo por lo que se habla y cuenta a cerca del trabajo de Herman Mankiewicz para realizar ‘Ciudadano Kane’, sino también de David Fincher hacia su padre, que escribió el guión antes de morir y no pudo verlo materializado. Y también es un acto de admiración al cine de los años 30 y 40, entre otras cosas, a través de la fotografía de Erik Messerschmidt.
‘Mank’ es una narración de admiración y odio. La historia de un deudor del cine, al que se le debe y que no podía vivir sin escribir. Es el proceso de creación e inspiración para un largometraje (con todas sus letras) que para muchos es una de las mejores obras del cine. Ante todo, por encima de las musas plasmadas en pantalla, ‘Mank’ supone el relato de un trabajoso guión y de varias conflictivas relaciones.
No hay parecido físico pero seguramente si temperamental. Gary Oldman interpreta a Mank como alguien lúcido, intelectual y de lengua viperina. Un escritor que encuentra su inspiración en ensoñaciones y momentos etílicos. Una bomba de relojería en ambientes de falsedad y maquinaciones como se ha dicho muchas veces que eran las fiestas de los magnates cinematográficos o las bambalinas de sus rodajes.
El filme se centra en una época que marca la mitad de la edad dorada del cine. Una ventana de tiempo en la que los Estados Unidos sale de una crisis social y económica como la Gran Depresión y se mete de cabeza en otra guerra contra los alemanes. Unos días de cine clásico que Fincher sabe imitar a la perfección. La película sabe a Oscar, pero no solo por la interpretación de Gary Oldman, también por el tipo de películas a las que alude, que van más allá de ‘Ciudadano Kane’. Los tiros de cámara, la composición de planos y el tipo de movimientos que vemos imitan los de películas tan clásicas como ‘Casablanca’, ‘Rebeca’ o ‘El crepúsculo de los Dioses. Obviamente la iluminación y la imagen desaturada ayudan.
Bien podríamos estar hablando de un documental por todos los tejemanejes que muestra. Mank y Orson Welles son las figuras protagonistas pero también las antiguas majors que hayan aquí un espacio para su reivindicación. Hoy la configuración de las distribuidoras es diferente y por eso conviene rescatar para el público general nombres como RKO o MGM. ‘Mank’ también hay que tomárselo como un ejercicio de justicia autoral tipo ‘Trumbo’, haciendo campaña por una autoría reconocida pero olvidada y desarrollando un discurso extrapolable a la actualidad. Caballos de batalla y batallitas que dan riqueza a este filme rodado con exquisitez.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de noviembre de 2020. Título original: Mank. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: David Fincher. Guion: Jack Fincher. Música: Trent Renzor, Atticus Ross. Fotografía: Erik Messershcmitt. Reparto principal: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Adam Shapiro. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: biográfica, drama. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81117189
Bigfoot, el padre de Adam, quiere utilizar su fama para una buena causa, y proteger una reserva natural en Alaska de los oscuros intereses de una empresa petrolífera parece la oportunidad perfecta para ello. Sin embargo, cuando Bigfoot desaparece misteriosamente en las frías tierras del norte sin dejar rastro, Adam su madre Shelly, el valiente mapache Trapper y el torpe oso Wilbur emprenderán una nueva aventura para rescatarlo y salvar así la reserva natural.
Crítica
Una película que habría dejado huella en taquilla
Una de las consecuencias de la pandemia provocada por la COVID-19 es la cancelación o aplazamiento de estrenos en los cines de todo el mundo. Este ha sido el caso de ‘La familia Bigfoot’, película de animación europea, secuela de El hijo de Bigfoot y que se podrá ver en Movistar+. Como su antecesora, ‘La Familia Bigfoot’, cumple con todos los cánones necesarios para ser un éxito de la taquilla infantil. La historia está construida de tal forma que no es necesario haber visto la precuela para seguir el argumento. De hecho, quizá sea mejor no haberla visto, porque la estructura y las motivaciones de los personajes son tan parecidas que puede resultar repetitivo. Ahora Bigfoot es una celebridad, pero no puede dejar pasar sus instintos ecologistas. Cuando una empresa petrolera comienza a extraer crudo en una reserva natural, Bigfoot regresa al bosque y emprende su propia cruzada. Pero un misterioso acontecimiento hace que el resto de la familia se tenga que implicar en el asunto.
Este sencillo argumento de búsqueda revela un trasfondo sobre la defensa del medioambiente, el amor hacia la familia y una crítica bastante directa a los medios de comunicación tradicionales. Los pone directamente al servicio del empresario que los paga y deja a las redes sociales como los únicos medios libres. Aunque se deja como evidente que para que un mensaje tenga impacto se debe disfrazar con chistes y elementos absurdos. Las críticas, nada sutiles, se mezclan con referencias a otras películas como ‘Hotel Transylvania’ o ‘Ice Age’. Incluso hay elementos sacados de Fortnite para tratar de darle un estilo más moderno a la película, pero en general, es bastante clásica y predecible. Esos sí, la historia está adornada con múltiples situaciones de humor burdo y facilón. Lamentablemente, busca parecerse a una película de Pixar, pero no termina de funcionar, salvo en momentos puntuales. Los responsables de los mejores momentos son el mapache Trapper y el oso Wilbur. Una pareja de secundarios que podrían ser el nuevo Timón y Pumba (de hecho hay un guiño al Rey León al final de la película). Son irreverentes y están desquiciados. A pesar de vivir en el mundo de los humanos mantienen sus comportamientos animales, lo que genera unas situaciones bastante cómicas. Adam, el gran protagonista, es una especie de Sonic, pero sin carisma. No obstante, cumple con su función en la trama y le da el ritmo que la película necesita para ser trepidante y entretenida.
Respecto a la parte técnica, en mi opinión, está a la altura de grandes producciones de Disney, a pesar de tener un presupuesto bastante más reducido. Al igual que la primera parte, la animación es fluida, los movimientos resultan naturales, no hay diferencias de calidad entre escenas. Toda la película tiene una estética verdaderamente bonita y agradable para ver en una gran pantalla o a gran resolución.
En definitiva, ‘La familia Bigfoot’ es una película que gustará a los más pequeños y que entretendrá a los padres. Eso sí, al terminar la película, no olviden recordar a sus hijos que los mapaches y los osos pueden parecer adorables, pero es mejor no tenerlos en casa.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de diciembre de 2020. Título original: Bigfoot Familiy. Duración: 96 min. País: Bélgica. Dirección: Jeremy Degruson, Ben Stassen. Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Música: Puggy. Reparto principal:Producción: nWave Pictures. Distribución: Movistar+. Género: animación, aventuras. Web oficial:https://www.nwave.com/films/bigfoot-family/
Amazon Prime Video publicó ayer el primer tráiler oficial y la fecha de estreno de la segunda parte de la temporada 12 de la serie Amazon Exclusive, ‘La que se avecina’. Esta nueva entrega de la aclamada serie se estrenará el próximo 8 de enero de 2021 en exclusiva en Prime Video España.
La segunda parte de la temporada 12 cuenta con 8 nuevos episodios, en los que volveremos a ver a vecinos favoritos como Fernando Tejero (Fermín Trujillo), MacarenaGómez (Dolores “Lola” Trujillo), Jordi Sánchez (Antonio Recio), Eva Isanta (Maria Teresa «Maite» Figueroa), Nathalie Seseña (Berta Escobar), Pablo Chiapella (Amador), entre otros.
‘La que se avecina’ sorprenderá a sus fans tanto o más que en temporadas anteriores. Esta vez los vecinos se enfrentarán a temas que pondrán en entredicho su moralidad, a situaciones profundas, líos sentimentales, siempre desde la ironía y dejándonos conocer a todos los personajes en profundidad. Con el sarcasmo por bandera, los personajes de la serie intentarán solucionar las catastróficas desdichas que se les vayan presentando.
‘La que se avecina’ es una producción de Mediaset España en colaboración con Contubernio Films y distribuida por Mediterráneo Mediaset España Group. Sus creadores son Alberto Caballero, Laura Caballero y Daniel Deorador y está dirigida por Laura Caballero y Miguel Albadalejo. Los guionistas son Araceli Álvarez de Sotomayor, Daniel Deorador y Alberto Caballero, quien a su vez es productor ejecutivo.
En 2015 se estrenó una trepidante película llamada ‘Hardcore Henry’ protagonizada por Shartlo Copley y que para muchos supone la mejor película con características de videojuego sin estar basada en un videojuego. Esa obra en primera persona fue realizada por IlyaNaishuller y ahora nos llega un nuevo largometraje del director que este tiempo ha estado realizando cortometrajes.
‘Nadie’ es el título de este thriller que viene protagonizado por Bob Oderkirk (‘Breaking Bad’ y ‘Better Call Saul’). La película, escrita por Derek Kolstad (creador narrativo de la franquicia ‘John Wick’), cuenta la historia de un padre de familia que, tras años sin defenderse de los golpes de la vida, decide dejar de ser un don nadie y emprender un violento camino para salvar a su familia. ‘Nadie’ se estrena cines españoles el 26 de febrero a través de Universal Pictures.
En el reparto vais a ver a Christopher Lloyd y Connie Nielsen.
Sinopsis oficial:
Una noche, cuando dos ladrones entran en su casa, Hutch decide no actuar y no trata de defenderse ni al él mismo ni a su familia, convencido de que solo así evitará una escalada de violencia. Tras el ataque, su hija adolescente Blake (Gage Munroe, ‘La cabaña’) no oculta su decepción, y su esposa Becca (Connie Nielsen, ‘Wonder Woman’) se aleja todavía más.
Pero las secuelas del incidente sirven de detonante para que Hutch estalle y libere la rabia que ha acumulado durante años, y le hará recorrer un violento camino en el que saldrán a la luz oscuros secretos y habilidades que ni él sabía que tenía. Para salvar a su familia, Hutch se enfrentará a un peligroso enemigo (al que da vida el célebre actor ruso Aleksey Serebryakov, la serie ‘McMafia’ de Amazon) y se asegurará de que en el futuro nadie vuelva a subestimarle.
“Descubrir la complejidad del ser humano a través de lo que no dice”
Ganadora del Premio Goya a la mejor actriz revelación por ‘Blancanieves’, miembro del reparto protagonista de ‘El ministerio del tiempo’ y de ‘La llamada’, pieza clave en la serie ‘Paquita Salas’… Macarena García tiene muchos puntos para convertirse en una actriz recordada por toda una generación. Ahora estrena ‘El arte de volver’ (crítica aquí) una película más sencilla que sus anteriores trabajos pero que le han devuelto a la esencia de los inicios. Además en ella ejerce el rol de protagonista total en el papel de Noemí, una actriz que regresa a Madrid para hacer un importante casting.
Macarena García nos cuenta todo en la llamada que pudimos mantener con ella en la semana del estreno de la película de Pedro Collantes distribuida por Tourmalet Films y que podéis oír en el siguiente vídeo.
Sinopsis de ‘El arte de volver’:
Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.
Ava (Jessica Chastain, ‘El caso Sloane’, ‘Interstellar’) es una eficaz asesina a sueldo con un pasado conflictivo y ciertas dudas sobre la legitimidad de algunos de sus encargos. Cuando un peligroso encargo sale mal, Ava regresa a casa en un intento por reparar su relación con su familia. Sin embargo, se verá obligada a luchar por su propia supervivencia ya que se convierte en objetivo de la organización para la que trabaja.
Su jefe está interpretado por Colin Farrell (‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’, ‘Langosta’) y su mentor, por John Malkovich (‘El juego de Ripley’, ‘En la línea de fuego’). Ava será ayudada por su madre (Geena Davis, ‘Thelma & Louise’, ‘El turista accidental’); su hermana (Jess Weixler, ‘The Good Wife’, ‘IT: Capítulo 2’) y su ex novio (Common, ‘The Informer’). Este thriller de acción también cuenta con la participación de Ioan Gruffudd (‘Forever’, ‘Liar’) y Joan Chen (‘Twin Peaks’, ‘Juez Dredd’).
Crítica
Una misión fracasada por salirse de lo común
‘Ava’ es una película que reúne a varios actores que sin ser considerados míticos en el cine de acción han hecho varias películas dentro del género. La principal de ellas es Jessica Chastain que encarna a la protagonista cuyo nombre da título a la película.
‘Ava’ supone un thriller de acción donde una asesina implacable y seductora es atacada por su propia organización. Hasta ahí todo parece dentro de los moldes de otros títulos como la saga ‘Bourne’, ‘John Wick’, ‘Nikita’ o incluso la cercanamente estrenada ‘Anna’ escrita por Besson. Pero por acotarla dentro de algo más parecido hay que decir que esta película se va más por los derroteros de ‘Jessica Jones’ pues esta mujer fatal tiene un carácter destructivo, alcohólico y traumatizado. Por no decir de la mala relación que tiene con su hermana.
Tate Taylor marca una diferencia de nuevo, como hizo con ‘El sótano de Ma’. Y esa salida de lo común reside en una crisis que hace que la protagonista se plantee la ética de lo que hace, sintiendo una peligrosa curiosidad por los objetivos (aquí llamados asuntos) que le ordenan asesinar sin saber causas o porqués. Si la película hubiese seguido esos derroteros, dando más protagonismo al trasunto que ha puesto en esta película a John Malkovish y a Colin Farrell estaríamos hablando de una película interesante.
Pero al filme le falta profundidad y complejidad. Falta ahondar más en la psique del personaje y hacer algo más enrevesada una trama que se va a lo simplón. Pero para más inri ‘Ava’ se distrae muchísimo con una historia familiar y amorosa, diluyendo todo el foco en el suspense e introduciendo algunas escenas de acción que ni nos van ni nos vienen.
Si cogemos los fagmentos de la película y los dividimos por géneros por presencia sería más apropiado incluir esta película dentro de un drama familiar. En esa parte más melodramática nos encontramos con Common, Geena Davis y Jess Weixler. Con ellos el filme se adormece y pierde todo el gancho del principio.
Jessica Chastain está bastante correcta, tanto en las escenas de acción como en las más intensas sentimentalmente hablando. Pero tampoco es que ‘Ava’ le haya exigido demasiado. Las secuencias de lucha no tienen coreografías complejas y ha hecho dramas mucho mejores, está lejos de películas recientes como ‘Molly’s game’ o ‘It: Capítulo 2’, donde ha demostrado tener mejores mimbres. En su papel de deprimida que constantemente lleva una camiseta de The Misfits también se topa con un intento de desarrollar un discurso maternalista y sobre las responsabilidades que también se queda en agua de borrajas.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Ava. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Tate Taylor. Guion: Matthew Newton. Música: Bear McCreary. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jessica Chastain, John Malkovich, Common, Geena Davis, Colin Farrell, Jess Weixler, Ioan Gruffudd, Joan Chen. Producción: Freckle Films, Voltage Pictures. Distribución: DeAPlaneta, Movistar+. Género: acción, thriller. Web oficial:http://www.voltagepictures.com/details.aspx?ProjectId=430c7de8-6736-e711-948b-0e563b5fb261
Cuenta la historia de Noemí, una joven actriz que vuelve a casa para presentarse a un casting que podría cambiar su vida. Durante esas veinticuatro horas, Noemí tendrá una serie de encuentros con extraños, familiares y amigos que la llevarán a replantearse su lugar en el mundo.
Crítica
Una grata invitación a la reflexión
Hace unos años acudía a una acción publicitaria en el Espacio Ciento y Pico, en pleno Malasaña. Era una recreación acerca de la serie ‘Altered Carbon’ esa serie en la que los personajes pueden pasar de una funda otra, cambiar de cuerpo y vivir diferentes vidas. En el arte de volver, si no me equivoco, una escena transcurre en ese espacio. Y espero no equivocarme tampoco al hilar este recuerdo y al asociar la temática indicando que en ambas historias los protagonistas piensan con más o menos profundidad acerca de las vueltas que da la vida o de las distintas elecciones que han ido tomando asumiendo diferentes roles.
También es fruto de la casualidad que justo el día antes de ver esta película un compañero me hablase de concepto del Ikigai. Una filosofía japonesa que habla de tratar de encontrar nuestro sino en la vida, esa motivación que hace que nos levantemos cada día con ganas de hacer una actividad que nos mantiene felices, nos llena y nos hace sentir útiles en la vida. La película de Pedro Collantes trata precisamente de eso, de cómo alguien hace balance y comienza a pensar en sus pasiones y posibilidades.
Una actriz regresa a Madrid, está en plena crisis laboral y tiene la oportunidad de presentarse a un casting que puede marcar un punto de inflexión en su vida. Es para una serie que se llama ‘El arte de volver’ y a lo largo de la película casualmente encuentra paralelismos entre la protagonista que puede llegar a interpretar y su propia situación sentimental y laboral. Está en un momento de ordenar prioridades. Como dice muy bien el personaje de Nacho Sánchez “un actor se dedica a buscar motivaciones” y ella anda tras las suyas propias.
En su regreso va a reencontrándose con su abuelo, su hermana, su amigo y confidente, una antigua amiga… Con ellos mantiene conversaciones más o menos triviales que le hacen replantearse su status quo o como debe realmente orientar su vida. Y es que a veces retomar de manera tan directa el contacto con aquellos que más te conocen puede ser una experiencia desintegradora o por el contrario un acto catártico.
La actriz está interpretada por Macarena García. La película aborda poco más de un día tras su llegada a Madrid y en ese periodo de tiempo el filme nos asalta con descubrimientos o sorpresas para la protagonista. Con momentos que se llenan sobre todo de abierta sinceridad.
No sé si Macarena García ha volcado en esta película inquietudes personales o vivencias pasadas, pero he de reconocer que es una de las interpretaciones que más me han gustado de todas las que he visto según me he ido topando con su carrera. Se mantiene con un tono muy natural y muy sincero durante todo el filme.
Tampoco sé si el director ha metido en ‘El arte de volver’ experiencias personales. Se agradece que la película nos invite a hacer el mismo ejercicio que hace Noemí (Macarena García) pero bien es cierto que un poco más de intromisión o una reflexión algo más profunda habría hecho de esta película una obra más completa. La última escena está mucho más encaminada en ese sentido y no es fácil de llevar a cabo. En resumidas cuentas, entre paseos de Debod a la Pradera de San Isidro ‘El arte de volver’ se queda en una película que no os dará sueño y si algo que consultar con la almohada.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: El arte de volver. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Pedro Collantes. Guion: Pedro Collantes, Daniel Remón. Música: Yuri Méndez. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García-Jonsson, Mireia Oriol, Luka Peros, Lucía Juárez, Celso Bugall. Producción: Tourmalet Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial:https://tourmaletfilms.com/EL-ARTE-DE-VOLVER
Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.
Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.
Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.
Crítica
Llena de vida, con todo lo que eso conlleva
Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.
Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de GabrielleMuccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.
Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.
‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.
Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.
La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.
Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.
¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/
El joven Peter se ve obligado a abandonar su habitación cuando su abuelo Ed (Robert De Niro) recientemente enviudado se muda a su casa. Con la ayuda de sus amigos, Peter declara la guerra a su abuelo para hacerle abandonar la habitación, pero Ed es un testarudo y no va a ponérselo nada fácil.
Crítica
De Niro no se cansa ni rodeado de hormonas
Cuando un actor considerado como leyenda cinematográfica viva pasa de hacer hitos como ‘Joker’ o ‘El irlandés’ a ‘En guerra con mi abuelo’ o ‘La última gran estafa’ solo cabe como explicación que haya problemas económicos o que el intérprete simplemente esté haciendo lo que le da la real gana. Y no creo que De Niro ande bajo de fondos.
No es la primera comedia de este corte que hace De Niro. ‘En guerra con mi abuelo’ es un título marcadamente familiar con un toque ligeramente gamberro. El filme sigue la tónica de ‘Solos en casa con nuestro tío’ o ‘Este chico es un demonio 2’. Un niño pequeño con cara de sinvergüenza tiene una pelea con su progenitor manteniendo el amor que sienten el uno por el otro pero con el fin de ver quien acaba rendido.
‘En guerra con mi abuelo’ es una sucesión de perrerías destinadas a ver quién es más maliciosamente ingenioso, si un hombre curtido por la edad o las avispadas nuevas generaciones. Es gracioso ese duelo entre lo geriátrico y lo prepúber. Y la película de Tim Hill también extrae humor de los daños colaterales que sufren los familiares en medio de esta guerra por hacerse con una habitación.
Es cierto que la película tiene su gracia, pero le falta un poco de mala baba para funcionar de un modo más chispeante. Ya se notaba eso también en otras películas del director como ‘Alvin y las ardillas’ o ‘Garfield 2’. Lo mismo pasa con los guionistas Tom J. Astle y Matt Ember, que casi siempre trabajan juntos. El filme saca sus gags de De Niro en plan melancólico y viejete que junto a su tropa de amigos de la tercera edad intentan superar esta disparatada adversidad. Por supuesto también de las costumbres de la juventud del siglo XXI. Pero aunque el ritmo no es malo se habría agradecido que se hubiese llevado todo un poco más allá en cuanto a perversidad.
Todo lo que veréis en ‘En guerra con mi abuelo’ sale de una novela de Robert Kimmel Smith, el mismo autor del cual se extrajo el dramón ‘Un hogar sin esperanza’. En este caso nos ofrece una historia mucho más simpática animada, no exenta de su momento tierno en su climax. ¿Lo que más me ha chocado de este filme? No son los gritos de Rob Riggle, ha sido ver a UmaThurman con un carácter tan amable, aunque también acabe dando lo suyo.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: The War with Grandpa. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Hill. Guion: Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember, Joe Syracuse. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Greg Gardiner. Reparto principal: Robert De Niro, Oakes Fegley, Uma Thurman, Rob Riggle, Christopher Walken, Laura Marano, Jane Seymour, Colin Ford, Cheech Marin, Isaac Kragten, T.J. McGibbon, Heather Johansen, Drew Scheid. Producción: Marro Films, Emmet/Furla/Oasis Films, TRI G, West Madison Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.warwithgrandpa.com/home/
Starzplay, el servicio internacional premium de streaming de Starz, ha anunciado la adquisición de la serie limitada de la adaptación de ‘The Stand’ de Stephen King para su distribución internacional a través de su huella global y tendrá su estreno en Austria, Bélgica, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Japón, Latinoamérica, Luxemburgo, Países Bajos, España, Suiza y Reino Unido el domingo 3 de enero de 2021.
‘The Stand’ es la visión apocalíptica de Stephen King de un mundo diezmado por una plaga y envuelto en una lucha elemental entre el bien y el mal. El destino de la humanidad recae sobre los frágiles hombros de la Madre Abagail (Whoopi Goldberg) de 108 años de edad y un puñado de supervivientes. Sus peores pesadillas se encarnan en un hombre con una sonrisa letal y poderes indescriptibles: Randall Flagg (Alexander Skarsgård), el Hombre Oscuro. ‘The Stand’ cerrará con un desenlace nuevo escrito por el famoso autor para la adaptación actual.
Además de Whoopi Goldberg y Alexander Skarsgård, la serie también presenta a James Marsden (‘Mrs. America’, ‘Dead to Me’), Odessa Young, JovanAdepo, AmberHeard (‘Aquaman’), OwenTeague, HenryZaga (‘The New Mutants’), BradWilliamHenke (‘Manhunt’, ‘Orange is the New Black’), IreneBedard, NatWolff (‘Death Note’, ‘Paper Towns’), EionBailey, HeatherGraham, KatherineMcNamara (‘Arrow’, ‘Maze Runner: The Death Cure’), FionaDourif, NatalieMartinez (‘Death Race’), HamishLinklater, DanielSunjata (‘The Dark Knight Rises’) y GregKinnear.
La serie está producida por CBS Studios y distribuida internacionalmente por ViacomCBS Global Distribution Group. Benjamin Cavell es el showrunner y productor ejecutivo junto con Taylor Elmore, Will Weiske, Jimmy Miller, Roy Lee y Richard P. Rubinstein. Josh Boone es el director y productor ejecutivo del episodio de estreno y final de la serie. Jake Braver, Jill Killington, Owen King, Knate Lee y Stephen Welke son productores.
Por fin podemos haceros ver el tráiler de ‘Lupin’, otro de los contenidos que Netflix nos desveló en su última presentación. Es una nueva serie original francesa que presenta una versión contemporánea del clásico francés Arsène Lupin. Creada por George Kay (‘Killing Eve’) y François Uzan (‘Family Business’) y dirigida por Louis Leterrier (‘Ahora me ves’), este nuevo proyecto protagonizado por Omar Sy (‘Intocable’, ‘Jurassic World 3’) se estrenará en Netflix en todo el mundo el 8 de enero de 2021.
En su adolescencia, la vida de Assane Diop dio un vuelco cuando su padre murió después de ser acusado de un crimen que no cometió. 25 años más tarde, Assane se inspira en su héroe, Arsène Lupin, para vengar a su padre. En esta primera parte, que constará de 5 episodios, Omar Sy da vida al protagonista de la serie, un ladrón de guante blanco.
En el reparto encontramos a Omar Sy, Hervé Pierre, Nicole Garcia, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Shirine Boutella y Soufiane Guerrab.
El cambio climático es el mayor reto al que se va a enfrentar la humanidad en las próximas décadas, quizá el mayor al que se ha enfrentado nunca. Lo que está en juego no es el planeta, es la supervivencia del ser humano, la vida tal y como la conocemos hoy.
En `Porvenir´ (tráiler aquí), nueva serie documental Movistar+ sobre el cambio climático, se analizan por primera vez las causas y las consecuencias del calentamiento global en España y se hace a través de sus protagonistas: nosotros.
Conducido por Iñaki Gabilondo, `Porvenir´ aborda esta problemática desde un novedoso punto de vista: el de la docuficción.
Iñaki Gabilondo nos guiará por dos mundos, el puramente documental, en el que se desplazará por diferentes lugares de España en los que el cambio climático y la mano del hombre están causando estragos tal vez irreparables (Doñana, Pirineos, Almería o Sierra de Gata) y donde conocerá y conversará con científicos, biólogos, expertos y habitantes de diversos lugares en los que veremos con claridad lo que el futuro nos puede deparar si no lo remediamos a tiempo.
Y el mundo de la ficción, con un reparto de lujo formado por Roberto Álamo, Marian Álvarez, Víctor Clavijo y Stephanie Gil. Ellos darán vida a tres hermanos y la hija de uno de ellos, que se reencuentran en la antigua casa familiar tras la muerte de su madre para ponerse de acuerdo con la herencia recibida en pleno estado de alarma, que les obligará a quedarse confinados en la misma. Una familia que realizará un viaje sentimental, geográfico y temporal y que, sin saberlo, atraviesa un momento esencial de sus vidas en el que, si no actúan de la manera adecuada, los cambios y las consecuencias pueden ser irreparables. Lo mismo que le sucede a nuestro planeta.
Iñaki Gabilondo, como prescriptor y narrador, nos guía en esta travesía para entender qué está pasando, qué puede pasar y qué podemos hacer. Necesitamos imaginar el futuro, una nueva historia que cambie la historia. Hemos de poner a la naturaleza en el centro de nuestras decisiones. La Tierra es el único hogar que tenemos y aún estamos a tiempo de actuar.
Las grabaciones de la serie se llevaron a cabo en La Manga del Mar Menor, Cartagena y Madrid. Para la parte documental del proyecto se visitaron lugares que ya están siendo afectados por esta problemática como el Parque Nacional de Doñana, los Pirineos o El Hierro, entre muchos otros, fotografiando la belleza de un país, el nuestro, que peligra.
`Porvenir´, una producción original Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers, constará de tres episodios de 70 minutos titulados `Tierra´, `Mar´ y `Aire´ que llegarán a Movistar+ el próximo domingo 6 de diciembre (estreno a las 22:00h en #0 y bajo demanda).
Los españoles son los europeos más preocupados por el cambio climático. Lógico si tenemos en cuenta que España, por su situación geográfica, es el país de la UE que más va a notar los efectos del calentamiento global en las próximas décadas. La desertificación afecta ya al 20% de nuestro territorio, y amenaza al 80%. El Pirineo será la primera cordillera europea en la que el hielo va a desaparecer. Y la subida del nivel del mar podría dejar bajo el agua las playas de San Sebastián a finales de este siglo.
Iñaki Gabilondo recorrerá nuestra geografía para descubrir los lugares, poblaciones y sectores de nuestra sociedad más vulnerables a los efectos del cambio climático. De la mano del conocimiento de los expertos y la experiencia de los lugareños, dibujará la realidad de hoy para así poder imaginar cómo debería ser el mundo del mañana.
Para este viaje ha contado con el pensamiento, la capacidad de análisis, la reflexión y el consejo de una comunidad científica creada ad hoc para `Porvenir´ y formada por Fernando Valladares, María José Sanz y Pedro Jordano. Estos tres prestigiosos científicos han participado en el proyecto no de manera puntual, sino conviviendo durante el rodaje a modo de una gran familia para tener la oportunidad de compartir sus conocimientos, preocupaciones, reflexiones y miedos sobre el futuro y para que el espectador pueda verlo y disfrutarlo.
La comunidad científica de `Porvenir´ está presente a lo largo de los tres capítulos y en cada uno de ellos sus análisis giran alrededor de una premisa distinta. En Tierra, el punto de partida es si todavía estamos a tiempo de cambiar el rumbo y evitar lo peor de un cambio climático del que comenzamos a percibir sus consecuencias. En Mar, intentan encontrar respuesta a la pregunta de cómo sobrevivir en un planeta con recursos limitados. Y, por último, en el capítulo de Aire, su presencia toma más protagonismo porque son ellos los encargados de ayudarnos a imaginar cómo debería ser el nuevo paradigma bajo el que construir un mundo sostenible.
Fernando Valladares, Doctor en Ciencias Biológicas por la Universidad Complutense de Madrid, es profesor investigador del CSIC y divulgador científico. Dirige el grupo de Ecología y Cambio Global en el Museo Nacional de Ciencias Naturales y es profesor asociado de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.
María José Sanz es Directora del Centro Vasco de Cambio Climático (BC3) y fue miembro del Panel Internacional Gubernamental de Cambio Climático IPCC desde el 2001 al 2007, fecha en la que el grupo recibió el Premio Nobel de la Paz. Colaboró también en la Convención Marco de Naciones Unidas sobre Cambio Climático (hasta 2011). Y entre 2012 y 2015 ha sido coordinadora del programa de reducción de las emisiones derivadas de la deforestación y degradación de los bosques de la FAO.
Pedro Jordano, biólogo reconocido mundialmente por su capacidad para entender la relación entre las especies, es profesor de investigación del CSIC en la Estación Biológica de Doñana y Premio Nacional de Investigación en el área de Ciencias y Tecnologías de los Recursos Naturales 2018.
Filmin estrena el próximo 4 de diciembre de 2020 ‘Beethoven’. Una película de Niki Stein (‘En el lugar del crimen’) que se incluirá en las actividades que la plataforma ha preparado en torno al Año Beethoven. 250 años han pasado desde que nació este genio musical y ahora podemos volver a él con un retrato que va desde su infancia hasta su ocaso.
Un biopic de dos horas protagonizado por tres actores para reflejar las distintas épocas del compositor. Tobias Moretti (‘Rex, un policía diferente’), Anselm Bresgott (‘Druck’) y el niño Colin Pütz dan vida a Beethoven.
Sinopsis oficial:
1779. Con 8 años, Louis van Beethoven ya es conocido como un niño prodigio musical. Aprende a seguir su propio camino, para consternación de las personas que le rodean. Años más tarde, conoce a Mozart en tiempos de agitación política. Su carácter poco convencional y la Revolución Francesa provocan un incendio en su corazón: Louis no quiere servir a un maestro, ¡solo a las artes! Haciendo frente a tiempos de tragedias familiares y amor no correspondido, casi se da por vencido. Sin embargo, en 1972 llega a Viena para estudiar con Haydn. El resto de la historia ya es Historia.
‘Madame Curie’ es un viaje a través del legado de Marie Curie, científica investigadora para muchos considerada como la mujer más inspiradora de la ciencia. Ella fue la primera mujer en ganar el premio Nobel, y diez años más tarde, la primera persona en la historia en ganar dos.
Crítica
Ni protegidos con plomo podéis evitar impregnaros de la pasión de esta película
Una película de ciencia, con pasión por el conocimiento y protagonizada por una mujer. No podía ser de otra manera tratándose de Marie Curie. Me alegra que aunque se habla mucho de la relación con Pierre Curie no se ha hecho de esta historia un romance despechado. ‘Radioactive (Madame Curie)’ pone sobre la mesa el afán descubridor y curioso de la científica dos veces ganadora del Nobel y madre de otra ganadora del máximo premio internacional al que se puede optar en la Tierra.
Los datos conocidos a cerca de Marie Curie no son escasos. No obstante, la película de Marjane Satrapi se apoya narrativamente en la novela gráfica de Lauren Redniss que también se llama ‘Radioactive’. De hecho en más de una ocasión se sale del drama histórico y permite que la radioactividad haga sus artificios visuales brindándonos momentos muy fantasiosos, aunque también sirviendo de analogía explicativa. Se nota que Sartapi disfruta del arte visual, de hecho, tiene otras dos películas surgidas de novelas gráficas: ‘Persépolis’ y ‘Pollo con ciruelas’.
Además el filme sabe destacar el mérito de descubrir nuevos elementos cuando la técnica no era tan avanzada como ahora. Había que desarrollar nuevos métodos y eso queda reflejado, incluso aparece el antecesor del microscopio de barrido actual, la cámara de ionización con el electrómetro de cuadrantes… Y donde hay radioactividad parece que siempre hay que hablar de su poder destructivo. La película tiene un defecto, se obceca demasiado en mostrar el mal uso que hemos hecho de este proceso energético. A Alfred Nobel no se le conoce solo por haber inventado la dinamita ¿verdad? Hablo claro está de las bombas o las centrales nucleares mal gestionadas. Pasa demasiado de respajilón o en última instancia por la utilidad de los rayos X, la medicina nuclear…
‘Madame Curie’ ha sido escrita por el guionista de ‘Wonder’, ‘La materia oscura’, ‘Enola Holmes’, ‘El jardín secreto’ o ‘The accident’. No son pocos los guiones que ha hecho para ser protagonizados por mujeres. Esta se dirá que es la película más feminista y empoderada que ha hecho en su carrera. Es sabido el rechazo sistemático que sufrió esta brillante investigadora y el descrédito sucedió a la muerte de su marido. El filme tiene muy bien encauzado el famoso carácter de la científico polaca, lejos de ponerla condescendientemente como una santa acierta a no dejar de lado su abrupta personalidad. Y también plasma la mentalidad de Pierre Curie, progresista para la época.
No es mala la interpretación del elenco, de hecho, cuenta con Sam Riley y Anya Taylor-Joy. Pero hay que destacar a Rosamund Pike, no por la obviedad del protagonismo de su personaje, si no por su meticulosidad. Cuida detalles como la capacidad de ensimismarse en sus propios pensamientos o simplemente con el hecho de que Curie era zurda. Su interpretación rema a favor de los méritos de la científica y hace que se aleje de tópicos perfeccionistas.
La ambientación de la película también es muy acertada. El vestuario y los decorados nos remontan al Paris de principios del siglo XX. Obviamente también se cita o muestra a personalidades de la época como la bailarina Loie Fuller, a quien interpretó Soko en una película en 2016 y que esta vez está encarnada por Drew Jacoby.
Los Curie son considerados como una pareja que en tándem cambió la historia de la física y la química. Tanto a este matrimonio como a su descendencia se les puede considerar como pioneros y mártires de la ciencia por sus descubrimientos, pero también por sus castigados cuerpos, que aprendieron sobre la marcha las consecuencias del radio. Es normal pues lo llevaban en el bolsillo como quien se guarda un amuleto. Tal es así que el material de su laboratorio, sus notas, probetas, ropas… hoy en día aún son nocivos para la salud.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Radioactive. Duración: 109 min. País: Reino Unido, Hungría, China, Francia, EE.UU. Dirección: Marjane Satrapi.Guion: Jack Thorne. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Simon Russell Beale, Drew Jacoby, Aneurin Barnard. Producción: Studio Canal, Working Title Films, Amazon Content Services, Huayi Brothers Media, Pioneer Stilking Films, Shoebox Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial:https://www.radioactivethemovie.com/
Una joven adicta, da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al comercio infantil. Arrepentida, tratará de recuperarlo descubriendo una realidad sobrecogedora.
Crítica
Un cuento mudo al que le falta ir al grano para decir más
Me encanta el reto que se ha lanzado Juanma Bajo Ulloa con ‘Baby’. Ni más ni menos que contar una historia sin articular ni una sola palabra, solo con música y onomatopeyas. Pero creo que ha fallado en su intento. Principalmente porque si consigue llevar a cabo una narración, pero no lo hace de un modo entretenido ni justifica sus imágenes.
‘Baby’ es una película muy áspera y muy sucia donde en forma de cuento adulto seguimos los pasos de una yonki que acaba de parir a una criatura. La historia puede rememorar a lo más crudo de los Hermanos Grimm y se mueve por ambientes mugrientos o dejados mientras se intercalan preciosas imágenes de animales. El contraste es obvio y siempre está presente en esos relatos infantiles que parece querer desfigurar Bajo Ulloa, pero en este caso pocas veces se ve una analogía que sirva de argumento para la trama. Está clara la presencia de las cigüeñas, siempre ligadas a los bebés, también la del corcel blanco (casi siempre símbolo de libertad o heroicidad), pero no la de otros muchos insectos y aves. Imagino que lo que vamos viendo son representaciones metafóricas de los personajes y situaciones, pero les falta más correlación.
No faltan los personajes excéntricos y las drogas, no poco presentes en la filmografía del director de ‘Aribag’. Es raro el personaje de Natalia Tena y lo es aún más el de la pequeña Mafalda Carbonell, hija de Pablo Carbonell. El personaje más normal es el de RosieDay y eso que antepone su enganche a las drogas y al alcohol al cuidado de su bebé. Todas ellas están bajo la atenta mirada de una villana un tanto sobreactuada por Harriet Sansom Harris que podría servir de madrastra malvada en cualquier clásico Disney.
‘Baby’ llega a un punto en que se estanca y llega a ser inapetentemente repetitiva. Esto sucede cuando se convierte en un home invasión en modo subterfugio. Por lo menos exhibe una buena fotografía obra de Josep María Civit, cuya obra recomiendo que disfrutéis también en ‘La vampira de Barcelona’. Y está acompañada con la música de un habitual de Bajo Ulloa como Bingen Mendizábal en colaboración con Koldo Uriarte (‘Ane’). La Vitoria natal del director sirve de escenario ofreciendo espléndidos parajes como Legutio o el parque de Garaio. Todo ello a merced de una fábula que llega a aburrir a pesar de tener algo de subtexto.
En mi opinión este tipo de apuestas valientes han de tener también valor. Para que salga bien la jugada hay que dotarla de una sustancia que vaya más allá de la mera peculiaridad. Creo haber entendido que esta es una historia sobre el instinto, la supervivencia, la confusión, las segundas oportunidades y la feminidad, de hecho, relacionado con esto último hay que señalar que todo el reparto está compuesto por mujeres. Pero falta darle algo más de profundidad y quitarle tantos rodeos.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de diciembre de 2020 (País Vasco) 18 de diciembre de 2020 resto de España. Título original: Baby. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Juanma Bajo Ulloa. Guion: Juanma Bajo Ulloa. Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Rosie Day, Harriet Sansom Harris, Natalia Tena, Mafalda Carbonell, Charo López, Natalia Ruiz, Carmen San Esteban, Susana Soleto. Producción: Frágil Zinema, La Charito Films. Distribución: Festival Films. Género: suspense, drama. Web oficial:https://festival-films.com/baby/
Tres generaciones de una misma familia se reúnen en su casa de campo para pasar un último fin de semana con su madre Lily (Susan Sarandon – ‘Pena de muerte’, ‘Thelma & Louise’) que padece esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y que ha decidido quitarse la vida con ayuda de su marido (Sam Neill – ‘Parque Jurásico’, ‘Los Tudor’).
Cuando sus hijas, Jennifer (Kate Winslet – ‘The Reader (El lector)’, ‘Titanic’) y Anna (Mia Wasikowska – ‘Alicia a través del espejo’, ‘Judy y Punch’), empiezan a discutir, salen a la luz secretos que amenazan con amargar la despedida. Completan el reparto Rainn Wilson (‘The Office’, ‘Megalodón’) y Bex Taylor-Klaus (‘Por 13 razones’), como las respectivas parejas de las hijas, y Lindsay Duncan (‘Birdman’, ‘Sherlock’), como la mejor amiga de Lily.
Crítica
Con muy poco de sutil y bastante de incómodo
Que la muerte es un tema que antes o después afrontamos es algo innegable. Pero existe una polémica cuestión que es la de aquellos que quieren decidir por sí mismos cuándo y cómo quieren dejar este mundo. En concreto hablo de los que tienen una enfermedad terminal o degenerativa, de aquellos que van a ver sus capacidades mermadas poco antes de fallecer. En España tenemos un caso archiconocido como fue el de Ramón Sampedro, teniendo su historia contada en el cine por Alejandro Amenábar.
Ahora el director de ‘Notting Hill’, Roger Michell, nos trae de nuevo esa cuestión. Lo hace con ‘La decisión (Blackbird)’ una película que ha sido escrita por el danés Christian Torpe, el mismo autor de la novela en que se basa, ‘Silent Heart’. La obra ya tuvo una adaptación homónima en 2014 producida en Dinamarca y lo que ahora se estrena es la versión norteamericana.
A veces no es fácil llevar a cabo una película acotada en un mismo espacio y en un corto intervalo de tiempo. Por lo general hay que rellenar con diálogos o transiciones. En este caso la decisión ha sido la de aportar muchas conversaciones familiares que hacen un poco tedioso el visionado y además incluir unos cuantos giros de guión que están un poco pillados por los pelos. Aunque tendría que verse uno metido en esta situación tan extrema para de verdad darse cuenta de hasta qué punto puede ser algo creíble o surrealista.
Nos presentan a tres generaciones de una familia que se unen durante un fin de semana para despedir a la matriarca. Está enferma y ha acordado con su familia que va a quitarse la vida con ayuda de su marido. Pero antes quiere reunirse una vez más y despedirse.
La temática es peliaguda y os va a chocar ver a ciertos miembros del reparto en ella. Normalmente hemos disfrutado de actores como Mia Wasikowska, Sam Neill, o Rainn Wilson en historias más amables e incluso cómicas. Pero en este caso el carácter de la historia es profundamente dramático. Susan Sarandon interpreta al personaje enfermo en un papel con similitudes al que ejecutó en ‘Quédate a mi lado’ y sobreponiéndose al resto del reparto.
‘La decisión’ pasa de la trivialidad a lo vital. De lo incómodo a lo hostil. Y trata acera de hipocresías, conflictos y valentías. Nos plantea personajes creíbles que ya se han presentado en debates reales. Están los que afrontan de cara el problema y los que lo evitan como si ni existiese. Pero lo que más domina la película es una frivolidad que acaba tornandose en sensiblería.
La idea de Torpe es plantear una situación civilizada en la que hay espacio para sincerarse y desmelenarse. No deja de lado la legalidad o necesidad de la eutanasia. En ese punto da alas a la aprobación o asimilación de los demás a cerca de la decisión que tome cada uno con su propio tiempo en la Tierra y se posiciona claramente a favor.
Lo que más intenta remarcar es la importancia de las decisiones, el respeto, el legado y los recuerdos. ‘La decisión’ supone una mezcla de sutileza y brusquedad que te deja con el corazón un tanto acongojado.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2020. Título original: Blackbird. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Michell. Guion: Christian Torpe. Música: Peter Gregson. Fotografía: Mike Eley. Reparto principal: Susan Sarandon, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus. Producción: Millennium Films, Eclectic Pictures, Busted Shark Productions, SF Studios. Distribución: Movistar+. Género: drama. Web oficial:http://millennium-media.net/mf-films/blackbird/
Esta película nos lleva a una etapa anterior a los bancos de esperma, cuando se sabía poco sobre el ADN y los rasgos genéticos heredados. Es una inverstigación profunda sobre la moralidad de un médico que opera dentro de su propio código ético y una inmersión en la esencia de la identidad personal.
Crítica
Un legado irrompible que además no para de crecer
Estamos en las décadas de los 50 y 60. Épocas en las que la clase media norteamericana vive una etapa de comodidad y felicidad incrementada por una riqueza cultural como nunca antes vivieron. Se podría recordar como un periodo feliz si no fuese por las constantes guerras en las que su nación se empeñaba en emprender. Una serie de contiendas que entre otras cosas buscaba imprimir el sello yanqui. Algo por el estilo es lo que hizo con éxito el Dr. Quincy Fortier.
Por entonces aún no existían los bancos de esperma ni se controlaba tanto del ADN. Solo 7 años antes se había descubierto la estructura molecular del ADN. Los primeros centros de donación de semen surgieron en Tokio en el 64. En España el primero fue en el 79. Era un tiempo con un notorio desconocimiento civil acerca del tema y con una falta de legislación con cuestiones relacionadas. Fue en este marco cuando un doctor experto en ginecología aprovechó sus conocimientos y posición.
Llevó a cabo una práctica de lo más narcisista. Con el único objetivo de perpetuar su material genético, sin importar consentimiento alguno, inseminó a mujeres que acudieron a él con su propio esperma. Parejas que se veían en la problemática de no conseguir un embarazo fueron ultrajadas de esa manera.
La información recabada por la ex-detective Wendi Babst delata que la cifra de personas que pueden estar genéticamente ligadas a este monstruo es de centenares y puede llegar a los millares. Hoy en día no paran de salir personas con sus genes. Vamos, que hizo lo mismo que Gengis Kan pero de un modo más sutil. Babst ha llevado a cabo esta investigación documentada que inició al descubrir su propio vínculo con este doctor. Hannah Olson es la directora que ha ordenado todo esto como buenamente ha podido en forma de largometraje.
El Doctor Quincy Fortier falleció en 2006 llevándose consigo su más que dudosa ética, por lo que para buscar explicaciones y consecuencias se ha tenido que recurrir a su descendencia, algunos de los cuales se enfrentaron a él antes de su muerte. ‘Baby god’ se centra en entrevistar a los hijos que generó sin autorización ninguna. Además cuenta con algunos de sus colegas o empleados.
Loki Films se llama la productora de la película y realmente parece una broma pesada del dios nordico. Realmente se le consideró un hacedor de milagros, obtuvo premios por su trabajo y probablemente él pensaba que estaba haciendo algo beneficioso. El documental aprovecha para poner sobre la mesa qué puede implicar estar constituido del ADN de alguien que no conoces o de alguien a quien incluso consideras una persona horrible. ¿La herencia genética te convierte en alguien como esa persona? ¿Al menos en parte? De una manera superficial se aborda el tema del color de los ojos, por ejemplo. Algunos de los entrevistados incluso se parecen a él.
Un tipo eficiente y fiable. Fiable en que conseguiría llevar a cabo una inseminación si se lo encargabas, de un modo muy eficiente. Obviamente no era nada recomendable por sus acciones poco éticas y por como jugó con los deseos de parejas o mujeres que deseaban tener hijos con su ADN, el suyo propio, no el de Fortier. Pero tampoco había ley que lo prohibiese, eso lo deja claro el documental.
‘Baby god’ está compuesto únicamente de entrevistas, presenta poca documentación. No pongo en duda su veracidad, lo que me pesa es que para acompañar se han intercalado excesivas imágenes de transición y de ambientación grabando las ciudades, casas y objetos de los entrevistados. Faltaría algo de ritmo y una estructura mejor pero logra mostrar la “obra” de Fortier y como se concibe por sus herederos.
El documental que se estrena en HBO supone una senda de búsqueda de identidad por parte de los protagonistas. Pero sobre todo es algo que impresiona, aunque hay que ubicarse en la mentalidad de aquella época de un modo más profundo de lo que hace el reportaje como para llegar a entender como pudo pasar esto.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de diciembre de 2020. Título original: Baby god. Duración: 78 min. País: EE.UU. Dirección: Hannah Olson. Música: Will Epstein. Fotografía: Justin Zweifach. Reparto principal: Quincy Fortier, Wendi Babst, Brent Leavitt, Mike Otis, Brad Gulko, Michael Cleaver, Jonathan Stensland, Nanette Fortier, Sonia Fortier, Quincy Fortier Jr., Dr. Frank Silver, Dr. Harrison Sheld, Cathy Holm, Dorothy Otis. Producción: Loki Films, GAP Tooth Films. Distribución: HBO España. Género: documental.
La tripulación de un pesquero irlandés lucha por sobrevivir cuando su barco es inmovilizado por una enorme y misteriosa criatura marina y su suministro de agua dulce queda infestado de parásitos. A contrarreloj, deberán encontrar una manera de volver a casa mientras están varados sin ayuda en aguas restringidas.
Crítica
Correcta película sobre el terror y la contención de una infección
‘Contagio en alta mar’ tiene como título original ‘Sea Fever’. Ambos títulos definen bastante la trama de la película. Un barco pesquero se encuentra alejado de la costa y sucede algo que hace que los tripulantes empiecen a tener fiebre. Entre la tripulación hay una invitada, una estudiante de biología que está allí para recabar información para su doctorado.
Hermione Corfield es esa joven que se embarca en un viaje a regañadientes. No por tener algo en contra de los pescadores sino porque es bastante asocial. Ella prefiere mantenerse al margen y estudiar patrones de comportamiento en animales marinos y ya de manera indirecta y algo condescendiente, en personas.
Esta es una película de terror bastante convencional. Los personajes pasan por todas las fases. Pitorreo, negación, miedo, histeria… Es un título no falto de tensión pero que si necesita algo más de acción, por lo menos para los que busquen emociones fuertes. Sí que sirve para retomar el contacto con actores que por lo general pasan algo desapercibidos y aquí tienen más presencia. Hablo de Connie Nielsen (‘Gladiator’), Jack Hickey (‘Penny Dreadful’), Olwen Fouéré (‘Mandy’) o Dougray Scott (‘Misión: Imposible 2’).
Además su estreno tras proyectarse en Sitges viene bastante a colación de la situación actual. Como sucedía en ‘La cosa’ de Carpenter los personajes llegan a recelar los unos de otros e incluso a diagnosticarse entre ellos. El mar sirve como espacio de aislamiento para una cuarentena obligatoria. Lo más profundo que toca ‘Contagio en alta mar’ es el afrontar una situación de responsabilidad ante una infección. Por supuesto ante esto hay diferentes tipos de comportamientos con los que veréis paralelismos y ejemplos reales.
La película de la irlandesa Neasa Hardiman (‘Jessica Jones’, ‘Inhumans’) es bastante más sosegada que sus trabajos anteriores. Convierte lo que a priori parece un cardumen en algo insólito y eso le da un toque de thriller, por supuesto también de fantástico.
Quizá debería haber explotado más los dramas de ciertos personajes para que la película tenga sustancia. O tal vez podría haber desarrollado la situación de esa protagonista tan reacia a colaborar con otras personas, teniendo en cuenta que precisamente está en una situación en la que tiene que trabajar junto a un equipo que es como una familia y además enfrentándose a una mente colectiva superior y desconocida.
Como todas aquellas películas sobre virus o criaturas extrañas, ‘Contagio en alta mar’ puede tener cierto valor para aquellos negacionistas que se oponen a creer lo que sucede y las auténticas medidas que hay que tomar. Como película de terror funciona, pero no aporta nada nuevo al género.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de noviembre de 2020. Título original: Sea Fever. Duración: 94 min. País: Irlanda. Dirección: Neasa Hardiman. Guion: Neasa Hardiman. Música: Christoffer Franzén. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg. Producción: Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Flexibon Films, Frakas Productions, Makar Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial:http://film-directory.britishcouncil.org/sea-fever
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