Crítica: ‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’

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Sinopsis

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ es un asombroso ascenso de actor desconocido a estrella de cine icónica, y su interpretación definitiva como Clark Kent/Superman sentó las bases de los universos cinematográficos de superhéroes que dominan el cine actual. Reeve encarnó al Hombre de Acero en cuatro películas de Superman e interpretó docenas de otros papeles que demostraron su talento y variedad como actor, antes de resultar herido en un accidente de equitación casi mortal en 1995 que le dejó paralizado del cuello para abajo.

Crítica

La historia del mito que se redefinió tanto a sí mismo como al concepto de héroe

Es fácil caer en halagos condescendientes hacia una persona que quedó postrada en silla de ruedas o hacia toda una familia, los Reeve, que sufrieron una serie infortunios de repercusión mundial. Es fácil que los que crecimos en los 80 y 90 adorando al primer gran actor en interpretar a Superman lloremos ante el rescate de su historia. Pero lejos del sensacionalismo o la lágrima fácil, el documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’, supone un reto duro, un trago difícil de pasar, que nos dice que tanto en su época como aún hoy en día había detrás del personaje idolatrado y todopoderoso un gran abanico de vulnerabilidad. Esta película viene a atacarnos con remembranza y muchos archivos sorprendentes con el duro recordatorio de que hay momentos muy concretos de la vida que nos hacen madurar de un modo tan cruel como bello.

‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’ destaca el impacto duradero de Christopher Reeve tanto a través de su carrera como durante su vida personal. El documental no solo examina su icónica interpretación de Superman, sino que muestra cómo, incluso antes de ponerse el traje del superhéroe, Reeve ya encarnaba muchas virtudes heroicas. Pero además, el documental de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui tiene el tino de remarcar que si analizamos cualquier figura o la vida de cualquier persona que ha sufrido este tipo de infortunios, encontramos siempre proezas y aptitudes heroicas. Reeve marcó un antes y un después no solo debida su capacidad de lucha y resiliencia, también a su posición social. Sin duda se dio el caldo perfecto para crear un punto de inflexión en todos los estratos de nuestra sociedad y cultura.

Con esta película descubriréis, si no disponíais ya de esta información, como Reeve demostró un compromiso profundo con su oficio, una ética de trabajo notable y un fuerte sentido de la justicia. Desde joven, se le percibía como alguien decidido, disciplinado y dedicado a mejorar el mundo, virtudes que más tarde resonarían en su papel como Superman. Pero como bien repite durante todo el reportaje a través de distintas entrevistas rescatadas en distintos momentos de su vida, él no era ni de lejos el Hombre de Acero, de hecho creció en un hogar al que recordaba como roto. Aunque su atractivo físico y carisma ayudaron a definir al personaje, fue su habilidad para proyectar nobleza y moralidad lo que lo hizo memorable. Y aunque gestionó con humildad su fama no se callaba ni intentaba parecer un santo, de hecho, aunque sea un detalle que aparece solo unos segundos en la película, fue de los primeros en “denunciar” que Hollywood tenía secuelitis.

Tras su accidente en 1995, el verdadero héroe emergió. Reeve se convirtió en un ejemplo de valentía, determinación y compasión, luchando por los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. En lugar de caer en la desesperación, usó su posición pública para abogar por cambios positivos y continuó inspirando a otros con su coraje. Este es uno de los focos y valores del documental. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero símbolo de esperanza y resiliencia. Pero el documental está centrado también en los testimonios de sus tres hijos y es por eso que la visión que vemos es la de un padre completamente transformado, convirtiéndose el filme en una historia sobre valores de familia e impacto humano.

Seguro que hay foros de debate tras ver ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ en los que cada uno expondrá lo que ha descubierto sobre el actor, sobre sus películas o sobre su lesión. Es lógico pues es una película emotiva y educativa llena de anécdotas, tiernas, curiosas y graciosas. En mi caso se me hizo un nudo en el estómago con todas las alusiones hacia Robin Williams, el recuerdo de David Prowse o la mítica aparición en los Oscar. Estoy seguro que Reeve volverá a estar en los Oscars gracias a este documental.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de octubre de 2024. Título original: Super/Man: The Christopher Reeve Story. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Ian Bonhôte, Peter Ettedgui. Guion: Ian Bonhôte, Peter Ettedgui, Otto Burnham. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Bryan Twz Brousseau. Reparto principal: Christopher Reeve, Will Reeve, Dana Reeve, Matthew Reeve, Alexandra Reeve, Susan Sarandon, Robin Williams, Whoopi Goldberg, Glen Close, Jeff Daniels. Producción: DC Studios, HBO Documentary Films, CNN Films, Words + Pictures, Passion Pictures, Misfits Entertainment, Jenco Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: documental. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/superman-christopher-reeve-story

Primeras fotos de ‘Dexter: Original Sin’

Así luce la familia Morgan

Será en SkyShowtime donde podremos ver el regreso de uno de los personajes más queridos por los fans de las series de crímenes. La plataforma de contenido online nos ha enviado imágenes de la nueva etapa, precuela obviamente, sobre Dexter. ‘Dexter: Original Sin’ es el título de esta nueva serie y en sus primeras fotografías podemos distinguir a la familia Morgan años atrás.

Les interpretan Christian Slater como Harry Morgan, Patrick Gibson como Dexter Morgan y Molly Brown como Debra Morgan. Podremos verles a lo largo de 2025.

Sinopsis oficial:

Ambientada en Miami en 1991, ‘Dexter: Original Sin’ sigue a Dexter mientras pasa de estudiante a vengativo asesino en serie. Cuando ya no puede ignorar sus sangrientos instintos, Dexter debe aprender a canalizar su lado oscuro. Con ayuda de su padre, adoptará un código pensado para encontrar y matar a aquellos que merecen ser eliminados de la sociedad, sin llamar la atención de la policía. Un desafío especialmente complicado cuando empieza a trabajar como becario forense en el departamento de policía metropolitana de Miami.

Crítica: ‘Descansa en paz’

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Sinopsis

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En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?

Crítica

Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo

Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.

Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.

Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.

A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.

Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.

La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/

Crítica: ‘La última sesión de Freud’

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La trama se sitúa en la víspera de la Segunda Guerra Mundial, cuando Freud, en las etapas finales de su vida, invita a Lewis a su hogar en Londres para un fascinante debate sobre la vida y la existencia de Dios. La película, que combina elementos del pasado, presente y fantasía, también examina la compleja relación de Freud con su hija Anna, interpretada por Liv Lisa Fries (Babylon Berlin), y la relación poco convencional de Lewis con la madre de su mejor amigo.

Crítica

Un guión denso pero no complejo delata una película menos relevante de lo que su título pretende

Hace unos treinta años Anthony Hopkins encarnó a C.S. Lewis en la película ‘Tierras de penumbra’. Una cinta de Richard Attenborough que estuvo nominada a dos Oscar. Una historia de amor y religión que planteaba una encrucijada para el protagonista. Ahora Matt Brown, director de ‘El hombre que conocía el infinito’, recupera la figura del escritor y también al actor pero para colocarle en la piel de otro genio que parecía poder desentrañar las infinitas cuestiones del ser humano, Sigmund Freud.

‘La última sesión de Freud’ se percibe teatral pues parte de la obra Mark St. Germain que a su vez surgió del libro ‘La cuestión de Dios’ de Armand Nicholi, con un título más acertado. Luego explicaré por qué soy de esa opinión. La acción, la poca que tiene, transcurre en el momento en el que estalla la II Guerra Mundial. En Londres se citan Freud y Lewis para tener una férrea disputa de intelectos y fe que tratará de debatir sobre la existencia de Dios.

Matthew Gode es el creador de Narnia, amigo de Tolkien y apologista cristiano C.S. Lewis.  Anthony Hopkins es el transgresor que creó todo un campo de la ciencia, Sigmund Freud. Dos actores bien escogidos en cuanto a la edad a la que coincidieron, quizá no tanto en el parecido de sus rostros. De ninguna de estas dos figuras históricas nos han llegado vídeos que nos ayuden a saber cómo hablaban o se movían. Por lo tanto la fuerza de esta película debía radicar en cómo esgrime cada uno de ellos sus argumentos y cómo los textos de los autores han transmitido su personalidad hasta nuestros días. Son dos talentazos que demuestran una vez más sus dotes interpretativas, pero les hace un flaco favor lo apelmazado que está el guión.

La película no busca materializar su aspecto como tal, más bien esgrimir dos posturas enfrentadas pero que encuentran puntos que caballerosamente ambos están dispuestos a reconocer. Son dos hombres postulando sobre la vida, las cicatrices del pasado y sobre todo, la existencia de Dios. Es por eso que el título era mucho más adecuado en el caso de la novela. Mucho ruido para lo poco relevante que es su charla. Se ponen sobre la mesa muchas teorías y argumentos que ya conocemos, pero ninguno novedoso ni magistralmente desarrollado. En realidad ‘La última sesión de Freud’ se alza mejor como una historia de historias. Es una película densa pero no compleja. Tiene un guión atiborrado de líneas de diálogo, que te asaltan sin cesar, pero ninguna de ellas plantea un reto sugerente o que suscite al espectador dudas existenciales.

Y es que además al final de ‘La última sesión de Freud’ nos cuentan que realmente no se sabe si esta fue la última charla metafísica del padre del psicoanálisis. Simplemente se sabe que Lewis se reunió con Freud y que este murió poco después de haberse reunido con alguien de Oxford. El resto es echarle imaginación. Pero venga, nos venden el filme como no ficción y hay que pasar por el aro, aunque yo lo tildaría más de hipótesis al servicio del marketing.

Para hacer Narnia C.S. Lewis se inspiró en unos niños que acogió durante los bombardeos de la II Guerra Mundial. Una de esas niñas, Jill Flewett, se casó con un nieto de Freud. Aprovechar ese dato para establecer un encuentro posterior tras este acalorado debate habría sido la guinda del pastel. Pero Matt Brown desaprovecha la oportunidad cerrando con un instante sarcástico que convierte a Freud en su propio chiste. La película evidencia su excesiva densidad cuando tiene que evadirse en exceso en la figura de Anna Freud (Liv Lisa Fries). Y es solo al final cuando entendemos todas las salidas del debate, todo el empeño en mostrar cómo su hija tenía un gran problema mental de dependencia o servidumbre para con su padre y en cómo reprimía su lesbianismo. Demasiado relleno para tan débil golpe de efecto.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Freud’s Last Session. Duración: 110 min. País: Irlanda. Dirección: Matt Brown. Guion: Mark St. Germain. Música: Coby Brown. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Anthony Hopkins, Matthew Goode, Jodi Balfour, Liv Lisa Fries, Stephen Campbell Moore. Producción: 14 Sunset, LB Entertainment, Las Session Productions, M.R.Y.A. Entertainment, Subotica, Traveling, Picture Show Company. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial: https://14sunset.com/Freud-s-Last-Session-1

Crítica: ‘Back to black’

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La extraordinaria historia del rápido ascenso a la fama de Amy Winehouse y la creación de su exitoso álbum ‘Back to Black’. Contada desde la perspectiva de Amy e inspirada en sus letras profundamente personales, la película descubre a la excepcional mujer detrás del fenómeno mediático y una tormentosa relación en el centro de uno de los discos más legendarios de todos los tiempos.

Crítica

Habría sido más justo un biopic tan disruptivo como lo fue su carrera

‘Back to black’ es la película que trata la figura de Amy Winehouse a través de la interpretación y la voz de Marisa Abela. El reto podía ser fácil pues es una historia reciente ampliamente documentada por todo tipo de prensa, la estética pin-up de la cantante era muy singular y sus canciones hablaban con marcada sinceridad sobre su vida o estado de ánimo. Lo realmente retador era el tema de la voz y hacer de esta una película necesaria.

Facialmente no se parece la actriz y su voz está lejos de ser como la de la fallecida artista. Pero hay que reconocer que Marisa Abela canta muy bien temas que requiren tonos muy complicados. Si ella fuese capaz de igualar la voz Winehouse estaría grabando discos que siguiesen su escuela y no películas. No obstante me aventuro a decir que este filme le será a la actriz como buenísima carta de presentación. Gracias a eso y a que se calcan fotografías o momentos públicos de su vida tenemos cierto sentimiento de remembranza. Pero no vale solo con calcar. Los fans buscan que se respete su estilo y espíritu. Los no seguidores querrán ser informados sobre una estrella que quizá en su día no siguieron. Y creo que no me equivoco si digo que todos esperan la historia completa sin omisiones, llegaremos a eso, no voy a cortarme como hace la película.

Amy Winehouse provenía de una familia judía londinense. Su padre era taxista, y su madre farmacéutica. Apenas hay alusiones a su hermano en el filme. Murió alcoholizada en su amado Candem Town entrando así en el club de los 27 y dejándonos dos únicos álbumes en solitario. Entre otros, frecuentaba el bar The Hawley Arms, el mismo que está relacionado con el protagonista de ‘Mi reno de peluche’. Curiosamente ella también llevo una relación tormentosa y tumultuosa con alguien a quien conoció en un bar. Una relación con idas y venidas de la cual surgió la canción que da título a esta película. Él llegó a decir que le gustaba más el crack más que la propia Amy. De nuevo una omisión pues es una cita que no aparece en el filme.

No es que a la directora Sam Taylor-Johnson (‘50 sombras de Grey’) le gusten las relaciones de pareja fuera de la norma, es que este es un aspecto fundamental para entender la vida de Amy Winehouse y las letras de algunas de sus canciones. Esa relación tóxica, el divorcio de sus padres, la muerte de su abuela, las adicciones… Todo el ello aparece en ‘Back to black’. Aunque nos cueste creerlo está plasmado de un modo suavizado. Tanto física como artísticamente la película se queda muy corta en cuanto a la degradación que sufrió. Claro que hay que considerar que el filme cuenta con el visto bueno y colaboración de Mitch Winehouse, con quien Eddie Marsan habló para preparar su papel. Vomitonas y lapsus sobre el escenario, un cuerpo demacrado, salidas de tono en público, la necesidad de llevar guardaespaldas… No todo eso está tratado en esta recreación, no en su justa medida. Solo se hace mucho inciso en su alcoholemia y en el acoso de los paparazzi, sobre los cuales se arroja mucha parte de culpa de su intoxicación etílica. Por supuesto, sería pecado capital, también se habla de cómo ella se coló en todas las listas y se bañó en premios gracias a su poderosa voz y la manera en cómo recordaba a la vieja escuela.

‘Back to black’ se proyecta sin un montaje, guión o tomas talentosas. Por suerte solo hay un par de secuencias que recuerdan a ‘50 sombras de Grey’. La película no está mal pero sin aportar información extra o un enfoque fuera de la norma se antoja poco relevante o necesaria. Ojalá este biopic hubiese sido tan disruptivo como fue su carrera. Quizá habría que haber esperado más tiempo para que este filme tenga su papel de tributo y rescate en la memoria, para que las futuras generaciones comprueben que las estrellas fugaces siguen existiendo a pie de calle.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Back to black. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Taylor-Johnson. Guion: Matt Greenhalgh. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Marisa Abela, Eddie Marsan, Jack O’Connell, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan. Producción: StudioCanal UK, Monumental Pictures, Canal+, M6, W9. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/back-to-black/

Crítica: ‘Los Detectives Muertos’

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Un encuentro suavizado y juvenil con el lado dark de DC

Aún me acuerdo de la película ‘R.I.P.D. Rest In Peace Department’. En ella dos policías de ultratumba (Ryan Reynolds y Jeff Bridges) luchaban para devolver a demonios al infierno intentando mantenerse al margen del mundo de los vivos. La dinámica del filme era claramente un copia y pega de ‘Men In Black’. Ahora tenemos a dos nuevos detectives que intentan resolver casos sobrenaturales siendo ellos mismos dos fantasmas, pero la tónica es bien distinta. ‘Los Detectives Muertos’ luce un estilo más cercano a una mezcla entre las historias de ‘Sherlock Holmes’, ‘Entre fantasmas’ y ‘Supernatural’. Precisamente con esta última es con la que más tiene relación pues el creador de esta y esa serie es Steve Yockey. Ya trabajó para Warner Bros. Television con ‘The Flight Attendant’ y ahora estrena un título que también tiene bastante comedia, solo que nos llegará a través de Netflix el 25 de abril.

La trama de ‘Los Detectives Muertos’ sigue a dos fantasmas. Dos personas muertas a muy temprana edad pero en épocas diferentes. Edwin Paine (George Rexstrew) asesinado en 1916 y Charles Rowland (Jayden Revri) que murió en 1989. Mientras resuelven sus casos se fortalece su amistad, descubren más sobre las reglas del más allá e intentan huir de Muerte, interpretada por Kirby ya que todo pertenece al universo de ‘Sandman’. Estos dos personajes junto al de Crystal aparecieron en los últimos coletazos de ‘Doom Patrol’ y ahora tienen serie propia que tiene un par de guiños a los cómics de la Patrulla Condenada, pero sobre todo a la obra de Gaiman. De una serie de HBO Max saltamos a una de Netflix. Esa es la razón por la que los actores son distintos, aunque evidentemente Warner Television sigue en el ajo.

Como es lógico hay conexiones con la serie de ‘Sandman’ pero ‘Los Detectives Muertos’ va por su cuenta e implementa un estilo mucho más juvenil. Se acerca a series como ‘Locke & Key’ o ‘Agencia Lockwood’. Estos dos chicos se mueven por un mundo adulto en el que hay criaturas a las que se ha enfrentado el mismísimo John Constantine, tales como fantasmas, demonios, objetos malditos, brujas, elementales… Aceptan encargos de otros que siguen atrapados entre el mundo de los vivos y los muertos. Unos casos que se antojan bastante evidentes para el espectador pero que tienen mucho de cautivadores por como juegan con el mundo demoníaco y fantasmal.

La serie desarrolla su propio lore y lenguaje partiendo de las pautas que les da el material original. Runas, conjuros, planos, criaturas… todo un mundo mágico particular dentro del universo dark de DC/Vértigo. Esto es el Black Label en su vertiente más tontorrona y simpaticona. La historia es arquetípica en el sentido en que tenemos al listo y al ágil, el diligente y el caótico, el deductivo y el bruto. Y estos hacen migas con una mujer negra y una oriental, cosas de Netflix, pero la trama funciona. Recuerdo cuando veía ‘Smallvile’ que me sacaba de la serie que todos los personajes acababan teniendo poderes o enfrentándose a un villano. Aquí es parecido, todos ven muertos o se ven cara a cara con demonios o asesinos. Es la única pega que le encuentro, si hay alguna que ponerle.

Crítica: ‘Ferrari’

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Verano de 1957. Detrás del espectáculo y el peligro de la Fórmula 1, el ex piloto Enzo Ferrari (Adam Driver) está en crisis. La quiebra acecha a la empresa que él y su esposa, Laura (Penélope Cruz), construyeron de la nada hace diez años. Su inestable matrimonio se ve aún más fracturado por el dolor de la muerte de su único hijo. Ferrari lucha contra el reconocimiento de su otro hijo con Lina Lardi. La pasión de sus pilotos por ganar les lleva al límite. Todos sus destinos convergen en una carrera, la que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la icónica Mille Miglia.

Crítica

Sensación tan agridulce como el vinagre de Módena

Módena es la región donde se establece la sede de Ferrari y también la zona del norte de Italia que da nombre al agridulce vinagre. No es avinagrado el sabor que nos deja la nueva película de Michael Mann pero si es agridulce pues nos brinda momentos estupendos y nos desvela facetas poco conocidas para los ajenos al mundo automovilístico, pero el guión marea la perdiz hasta tal punto que cuesta vislumbrar cuál ha sido la intención de rodar este fillme.

El principal problema que se atisba es que el foco no está nada definido o demasiado repartido. ‘Ferrari’ no es un biopic como tal. Siendo exactos habría que indicar que aunque siga constantemente a Enzo Ferrari (Adam Driver) es la narración de un momento concreto y crucial en la historia de Ferrari, con todo lo que le rodea. En esa locación el director nos plantea un escenario con un imperio empresarial, un matrimonio marcado por la tragedia y líos de faldas. El esquema es bastante reiterativo y redundante y aun así cuesta discernir el auténtico sino de la película. Quizá se comprenda mejor si se entiende como un drama palaciego. Haciendo similitudes con las grandes familias medievales descubrimos que hay un feudo comercial, dos socios reinando sobre él, batallas que ganar a base de carreras, amantes que surgen de la clase baja del reino y hasta un hijo bastardo.

Al comienzo pensaba que la película tenía un problema de enfoque, pero luego fui comprobando que se busca un realismo que nos hace cambiar de punto de vista constantemente, quizá eso está relacionado con la diversidad de focos que mencionaba. Mann nos somete a un exceso de split diopter, esa técnica óptica tan usada en el cine para lograr acercarse estrechamente al espectador pero conservando distintos puntos de foco. Cuando deja de abusar tanto de ese efecto nos mete en carreras que están muy bien rodadas. ‘Ferrari’ transmite el riesgo de manipular y conducir un coche de la época con planos cerrados, cortos y vibrantes. Está fuera de toda duda que Michael Mann sabe mover la cámara y lo que es decir más, sabe qué tipo de lente o técnica le viene bien a la historia. El problema de ’Ferrari’, como decía, no es la técnica sino el enfoque que se le da al proyecto. Es como si todo aquello de lo que adolece la película fuese una extensión de lo que le viene pasando en los últimos años al equipo de Formula 1.

Parece que el tema del parecido físico ha caído en el olvido. Recientemente hablábamos de ‘Griselda’ y lo poco que se parecía Sofía Vergara e incluso con Adam Driver estudiamos lo mismo cuando se estrenó ‘La casa Gucci’. Quizá habría sido mejor escoger al futbolista Mesut Özil para dar vida al creador de la marca de coches, quien sabe, a lo mejor habríamos descubierto un talento oculto. Pero nos habrían privado del buen hacer de Driver, quien además de parecer predestinado a hacer un papel automovilístico dado su apellido, es capaz de calcar ciertos momentos, gestos o carácter del magnate. Ni que decir tiene que Penélope Cruz y el resto del reparto de actores famosos tampoco guardan similitudes, ni siquiera lejanas, con las personas reales a las que devuelven a la vida. Al menos la actriz española puede decir que solo cuando ella le da la réplica al protagonista ‘Ferrari’ sube de nivel dramático e interpretativo.

Siendo un filme de 2021, con el que comparte protagonista y tocando un personaje clave para Italia la comparativa con ‘La casa Gucci’ va a ser inevitable. Yo me decanto más por esta película ya que al menos no da risa de comedia involuntaria ni es tan culebrón. Simplemente con el bofetón y la crudeza con la que nos sacude en una de las escenas finales ya merece más la pena.

Con lo entusiasmados que nos había dejado Mann tras su participación en la serie ‘Tokyo Vice’ hemos recibido un jarro de agua fría. Por momentos la película es aburrida y solo cuando tenemos carreras o se tocan momentos contrastables de la historia crece el interés. Intenta acercarse a ‘Le Mans ‘66’ pero está lejos de clásicos históricos como ‘Heat’, ‘El último mohicano’ o ‘Ali’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Ferrari. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Guion: Troy Kennedy-Martin, Michael Mann. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Daniel Pemberton. Reparto principal: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Patrick Dempsey, Jack O’Connell. Producción: Forward Pass, Storyteller Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.ferrari-film.com/

Crítica: ‘True detective: night country’

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Recupera su potencial diferenciándose con varios cambios relevantes

En 2014 nacía una de las miniseries policiales de más éxito de la televisión, que en España se hizo aún más popular por sus similitudes y coincidencia en el tiempo con ‘La isla mínima’. ‘True Detective’ se ganó al público por su trama, sus interpretaciones, su final e incluso por su opening. Ahora, HBO Max estrena una cuarta temporada que dará el pistoletazo de salida el 15 de enero con seis nuevos episodios de emisión semanal.

Issa López coge el testigo de la saga creada por Nic Pizzolatto, la cual había decaído algo en interés con la segunda temporada y recuperado cierta relevancia con el enfoque de la tercera. Ahora ‘True detective’ se ha vuelto aún más enigmática pues tiene un enorme flirteo con el género fantástico. Lo místico y lo fantasmal está presente en la investigación de la nueva pareja de detectives.

Estamos ante un giro importante en la serie, por varias razones. A parte de prolongar nuestras sensaciones navideñas ‘True detective: night country’ nos hace pensar si hay un trasfondo sobrenatural hasta tal punto de tener escenas de auténtico terror. Y no solo eso, la acción transcurre en una de esas localidades polares donde la noche dura muchísimo más, el escenario está completamente helado con lo que la investigación transcurre de un modo diferente y por primera vez las protagonistas son femeninas. La mítica actriz dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster y la actriz y también luchadora Kali Reis forman el curioso duo detectivesco. Curioso por la relación que mantienen ambas y por el hecho de compartir un extenso pasado, lo cual era mucho menos habitual en las anteriores temporadas. Ese punto de diferenciación se agrega a la trama como refuerzo del drama que desarrolla y además como parte de la conclusión de la serie. Ambas intérpretes manejan el carácter de sus personajes, o bien dominándolo con un fuerte acento o bien a través de la contención física. Las dos están inconmensurables.

Como decía la acción transcurre prácticamente toda de noche, usando el mismo artificio de películas como ’30 días de oscuridad’ o ‘La cosa’, es decir, generar acción y terror en un escenario helador que además podría volver loco a cualquiera. Pero aunque hay algo de terror el tono por supuesto es policíaco. Esa mezcla de detectives enfrentándose a algo insólito con posturas casi diametralmente diferentes y en un escenario hostil hace recordar en algunas ocasiones a ‘Expediente X’. No dudéis que os va a descolocar en más de una ocasión, con su crimen, con sus secretos, con sus imágenes… ‘True detective: night country’ supera a sus anteriores temporadas y nos brinda un final completamente impredecible, no solo al terminar la serie, sino tras la conclusión de cada episodio.

Crítica: ‘Ahsoka’

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La galaxia de Filoni será antigua y lejana, pero se entremezcla magníficamente

Muchos son los eventos que el universo expandido de Star Wars ha querido explotar. Pero pocos han funcionado tan bien como las historias ambientadas entorno a las Guerras Clon. Ese es el germen de Ahsoka Tano, un personaje que primero conocimos en la película que sirvió de piloto para la serie animada ‘Star Wars: The Clone Wars’ y que posteriormente ha sido parte de series de animación como ‘Star Wars Rebels’, relacionándose con los personajes de cómics como ‘Star Wars: Kanan’ (dibujados en gran parte por Pepe Larraz). Esa fue la etapa de Star Wars en la que descubrimos el pasado de personajes como Darth Vader, cuando solo era el padawan Anakin Skywalker. La serie ‘Ahsoka’, de ocho episodios, recupera el personaje favoreciendo el regreso de Hayden Christensen a la saga pues esta joven Togruta es la que fue aprendiz del que posteriormente se convertiría en el azote del Imperio Galáctico. Rosario Dawson la ha interpretado en pequeñas apariciones como la de ‘The Mandalorian’ y ahora, este 23 de agosto, se estrena su serie en solitario en Disney+.

Las series y cómics ya nos han mostrado gran parte del recorrido y maduración de este personaje. Ahora toca conocer a una Ahsoka que lucha contra la reciente amenaza que ha surgido tras la caída de Imperio Galáctico. Azul, amarillo, verde… Ahsoka ha manejado todos los colores de sable láser (salvo los morados de Windu) que la alinean con el bando de la luz. Llegó hasta el blanco que esgrime ahora en su propia serie como parte de su lucha pues son fruto de haber purificado la espada de luz roja de Sexto Hermano, un Inquisidor, uno de esos personajes que se dedicó a cazar niños jedi tras la Orden 66.

Por si no he sido claro esta serie se enmarca entre los episodios VI y VII. La amenaza es el Almirante Thrawn (Lars Mikkelsen). Mientras se intenta reducir a cenizas los últimos rescoldos del Imperio Galáctico hay una carrera a contrarreloj para impedir el resurgir de las fuerzas que fueron guiadas por los sith. Unos están escoltando a una miembro del Imperio Galáctico capturado por Ahsoka (Morgan Elsbeth, Diana Lee Inosanto). Otros están siguiendo los pasos del desaparecido Ezra Bridger (aprendiz de Kanan que interpreta Eman Esfandi), héroe rebelde que conoceréis si habéis seguido todo lo que rodea ‘Rebels’. Y no es el único nombre que aparece de ese mítico spin-off pues también nos topamos con Hera Syndulla interpretada por Mary Elizabeth Winstead o con Sabine Wren a quien encarna Natasha Liu Bordizzo. E incluso se utiliza la lanzadera Fantasma, que pertenecía a Ezra.

Por supuesto la serie empieza con unos breves párrafos surcando la galaxia y seguidos de una nave espacial navegando por el espacio rompiendo por la parte inferior de la pantalla. Ahsoka arranca recogiendo una esfera como si esto fuese la primera película de ‘Guardianes de la Galaxia’. Un lugar con puzles arqueológico-tecnológicos en el que podría haber estado Aphra, ains… cuándo veremos una serie sobre ella. Igualmente tenemos personajes con carisma, unos villanos compuestos por maestro y aprendiz oscuro que les pisan los talones, relaciones entre jedis y padawans, una búsqueda que se antoja vital y con lazos sentimentales, tiroteos y luchas con láser… Todo lo que pide una buena historiad Star Wars.

‘Ahsoka’ nos permite ver cómo fueron los momentos de la Nueva República formada por los triunfantes rebeldes antes de volver a sumirse en otra guerra, aquella que nos presentó a Kylo Ren. Como bien sabemos en España los viejos totalitarismos nunca mueren. El nivel de producción está a la altura. Ojalá aplicar los recursos de un proyecto así a Caballeros de la Antigua República, más allá de sus excelentes videojuegos. Pero como decía al principio todo está muy íntimamente relacionado con lo sucedido tres o cuatro películas atrás, cuando los rebeldes tuvieron que formar su alianza tras las Guerras Clon.

No es de extrañar que se estén respetando tanto los personajes e interrelacionando constantemente protagonista que ya conocíamos de antes. El creador de esta serie es Dave Filoni, el cerebro tras ‘The Mandalorian’, ‘La remesa mala’, ‘El libro de Boba Fett’ y lo que es más importante, ‘Star Wars Rebels’. Si la Fuerza está con vosotros seréis capaces de percibir que esto es ya un proyecto tipo “Fases Marvel”. Se huelen más crossovers más allá de los cameos o algún evento que reúna todo aquello que Filoni está creando. Otra muestra de ello es la calidad de lo que vemos, pues la producción está más lograda en cuanto a escenografía e imágenes generadas por ordenador que muchas de las películas de los marvelitas.

Por lo menos en los dos primeros episodios de ‘Ahsoka’, y con alguna que otra de sus series recientes, queda patente que Disney trabaja mejor cuando genera material nuevo de Star Wars sin tocar a los personajes míticos. Lo mejor de ‘Ahsoka’ es como conecta con ese aspecto místico tecnológico que tanta religión ha creado en torno a Star Wars. También en cómo es capaz de conectar las tres trilogías pero solo a partir de personajes fruto de los spin-off. Y a su vez y por último como sirve de homenaje al fallecido Ray Stevenson, quien interpreta aquí a Baylan Skoll. Una magnífica interpretación que queda sin extrañarnos en segundo plano ante un elenco femenino entregadísimo a sus personajes. Y antes de que los anti-woke se alcen en sus comentarios, casi todos estos personajes ya existían desde hace más de una década.

Tráiler de ‘Love & Death’

Protagonizada por Elizabeth Olsen y Jesse Plemons

HBO Max ha hecho público trailer oficial de la miniserie Max Original de siete episodios ‘Love & Death’, protagonizada por Elizabeth Olsen y Jesse Plemons, que se estrenará con tres episodios el jueves 27 de abril, al que seguirá la emisión de un episodio semanal hasta el 25 de mayo. La serie formó parte de la selección oficial del Festival SXSW de este año.

Este fascinante drama, escrito por David E. Kelley y dirigido por Lesli Linka Glatter, cuenta la verdadera historia de Candy, Pat Montgomery y Betty y Allan Gore, dos parejas que asisten a la iglesia y disfrutan de su vida en un pequeño pueblo de Texas… hasta que una aventura extramatrimonial lleva a alguien a coger un hacha.

El reparto incluye a Elizabeth Olsen, Jesse Plemons, Lily Rabe, Patrick Fugit, Krysten Ritter, Tom Pelphrey, Keir Gilchrist y Elizabeth Marvel.

Este Max Original es una coproducción de Lionsgate. Productores ejecutivos: David E. Kelley (que escribe la serie) a través de David E. Kelley Productions; Nicole Kidman y Per Saari a través de Blossom Films; Lesli Linka Glatter (que dirige los primeros cuatro y el último episodios); Scott Brown y Megan Creydt a través de Texas Monthly; Mateo Tinker; Michael Klick y Helen Verno. La miniserie está inspirada en el libro ‘Evidence of Love: A True Story of Passion and Death in the Suburbs’ y una colección de artículos de Texas Monthly (‘Love & Death in Silicon Prairie’, Part I & II)

Crítica: ‘El hijo’

En qué plataforma ver El hijo

Sinopsis

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La ajetreada vida de Peter (Hugh Jackman) con su nueva pareja Beth (Vanessa Kirby) y su bebé, se desbarata cuando su exmujer, Kate (Laura Dern), aparece con su problemático y distante hijo adolescente, Nicholas, poniendo a la familia en una situación peligrosa, cambiando el curso de sus vidas para siempre.

Crítica

Rompiendo el “de tal palo tal astilla”, no es como ‘El padre’

Basándose de nuevo en su propia obra de teatro Florian Zeller ha llevado a la gran pantalla ‘El hijo’ (no confundir con la terrorífica y fantástica película de David Yarovesky). Esta película que nos llega ahora a cines es la segunda parte espiritual de ‘El padre’ que se completará si también llevan a cines ‘La madre’, la cual está protagonizada en las tablas por Isabelle Huppert. Desconozco la recepción de esa representación en New York pero si quieren conseguir el mismo éxito en salas que ‘El padre’ van a tener que aplicarse más que con ‘El hijo’.

Esta especie de trilogía a modo de disertación sobre la familia o la paternidad gana enteros con el reparto de ‘El hijo’. Están involucrados en este largometraje Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby y Anthony Hopkins. Es un elenco capaz de eliminar cualquier óbice que nos impida ir al cine. Pero me pierde el filme cuando reposa en Zen McGrath (el hijo en la ficción de Dern y Jackman) pues no creo que esté a la altura de tan magno casting. Y para más decepción Hopkins tiene solo una escena, buena pero escueta, a modo de cameo para servir como segunda colaboración con Zeller. Eso sí, ninguna pega a las actuaciones de Jackman, Dern y Kirby.

‘El hijo’ nos habla del dolor de cabeza que da tener hijos, de recuperar el tiempo perdido, de encontrarse de golpe con un hijo adolescente e incluso de las responsabilidades que tenemos como hijos y cómo impactamos en la vida de nuestros padres. Pero sobre todo estudia a una familia dividida. Zeller desmenuza de manera dramática y dura una separación mal asimilada, en resumidas cuentas una situación depresiva. Se moja con un tema comprometido y para muchos tabú como es el suicidio o las enfermedades mentales, de ahí que esté dedicada a Gabriel, su hijo. Es por ello que la película está vista realmente desde la perspectiva de un padre que lucha contra la vergüenza y la negación a asimilar una situación. En ese sentido es un discurso útil para aproximarse a aquellos que se han topado con este tipo de complicaciones en su vida.

Sin duda ‘El hijo’ trata temas comprometidos de una manera valiosa pero no tiene la brillante narrativa de ‘El padre’. Salvo por un detalle en el tramo final el resto del metraje es un intenso drama al uso. Aporta a la congoja y el malestar la música de Hans Zimmer quien con solo nueve temas y sin repetirse consigue marcar el ritmo de toda la película. Pero no se consigue ni la tensión, ni la sorpresa, ni el asombro interpretativo de la obra debut que llevó a Zeller a ganar el Oscar por su guión adaptado y su protagonista.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: The son. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Florian Zeller. Guion: Christopher Hampton, Florian Zeller. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Jackman, Zen McGrath, Laura Dern, Vanessa Kirby, Anthony Hopkins, William Hope, Akie Kotabe, Danielle Lewis, Nancy Baldwin. Producción: Embankment Films, Film4 Productions, See-Saw Films, Ciné@, Ingenious Media, Orange Studio. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.sonyclassics.com/film/theson/

Tráiler de ‘I wanna dance with somebody’

En cines el 21 de diciembre

Podemos ver ya, a poco más de un mes de su estreno por parte de Sony Pictures, el tráiler de ‘I wanna dance with somebody’, la película basada en la vida de la legendaria voz y estrella internacional, la mítica Whitney Houston.

Del guionista de la premiada ‘Bohemian Rapsody’, Anthony McCarten, responsable también ‘La teoría del todo’, ‘El instante más oscuro’ o ‘Los dos papas’, y dirigida por Kasi Lemmons, ‘I wanna dance with somebody’ cuenta con la actriz británica Naomi Ackie (‘The End of the F***ing World’, ‘Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker’) en el papel principal de Withney Houston.

La película llegará exclusivamente a las salas de cine de toda España estas navidades, el próximo 21 de diciembre.

Sinopsis oficial:

‘I Wanna Dance with Somebody’ es una celebración poderosa y triunfal de la incomparable Whitney Houston. Dirigida por Kasi Lemmons, escrita por el cuatro veces nominado al Oscar, Anthony McCarten, producida por el legendario ejecutivo musical Clive Davis, y protagonizada por la ganadora de un premio BAFTA, Naomi Ackie, la película es un retrato sin reservas de la compleja y multifacética mujer detrás de La Voz. De niña del coro en Nueva Jersey a una de las artistas más superventas y premiadas de todos los tiempos, el público se embarcará en un viaje inspirador, conmovedor y muy emotivo, a través de la vida y la carrera de Houston, con actuaciones sorprendentes y una banda sonora con los éxitos más queridos de este icono universal como nunca antes se habían escuchado. Don’t you wanna dance?

Rihanna interpreta el tema de ‘Black Panther: Wakanda Forever’

«Lift Me Up», un homenaje a Chadwick Boseman

Rihanna vuelve este viernes con «Lift Me Up», el single principal de la próxima película de Marvel Studios: ‘Black Panther: Wakanda Forever’. «Lift Me Up» fue escrita en homenaje a la vida y el legado de Chadwick Boseman por Tems, el ganador del Oscar Ludwig Göransson, Rihanna y Ryan Coogler. La canción se ha grabado en cinco países y ha sido producida por Göransson.

El lanzamiento de «Lift Me Up» da paso a la siguiente era de la icónica carrera de Rihanna. «Lift Me Up» saldrá a la venta este viernes 28 de octubre a través del propio sello de Rihanna, Westbury Road, en colaboración con Roc Nation, Def Jam Recordings y Hollywood Records.

«Después de hablar con Ryan y escuchar sobre su dirección para la película y la canción, quería escribir algo que significara un cálido abrazo de todas las personas que he perdido en mi vida. Intenté imaginar lo que supondría poder cantarles ahora y expresar lo mucho que les echo de menos», dijo Tems. «Rihanna ha sido una inspiración para mí, así que escucharla transmitir esta canción es un gran honor».

La banda sonora, ‘Black Panther: Wakanda Forever’ – Music From and Inspired By, estará disponible el 4 de noviembre a través de Roc Nation Records/Def Jam Recordings/Hollywood Records. Los productores del álbum de la banda sonora son Ryan Coogler, Ludwig Göransson, Archie Davis y Dave Jordan. Pantera Negra: Wakanda Forever – Original Score, compuesta y producida por Ludwig Göransson, estará disponible el 11 de noviembre a través de Hollywood Records.

En ‘Black Panther: Wakanda forever’, Reina Ramonda (Angela Bassett), Shuri (Letitia Wright), M’Baku (Winston Duke), Okoye (Danai Gurira) y Las Dora Milaje (incluida Florence Kasumba) luchan para proteger a su nación de las potencias mundiales que intervienen tras la muerte del Rey T’Challa. Mientras los wakandianos se esfuerzan por afrontar su próximo capítulo, los héroes deben unirse con la ayuda del Perro de la Guerra Nakia (Lupita Nyong’o) y Everett Ross (Martin Freeman) y crear un nuevo camino para el reino de Wakanda. Presentando a Tenoch Huerta como Namor, rey de Talokan, la película también está protagonizada por Dominique Thorne, Michaela Coel, Mabel Cadena y Alex Livinalli.

‘Black Panther: Wakanda forever’, dirigida por Ryan Coogler y producida por Kevin Feige y Nate Moore, se estrena solo en cines el 11 de noviembre de 2022.

Comentamos los episodios de ‘Love, death & robots’ 3

Mejorando la segunda temporada y recuperando el nivel de la primera

La segunda temporada de ‘Love, death & robots’ seguía teniendo magníficos cortometrajes pero se percibió una ligera bajada de calidad, además de cantidad. Ahora que tenemos una nueva tanda de episodios en Netflix recuperamos las sensaciones del primer lote de cortos, esta antología es impresionante y nos queda por lo menos una temporada más.

Se ha sumado algún director de renombre al proyecto pero también se mantienen algunos anteriores en esta gran creación de Tim Miller (‘Deadpool’). El talento que reúne en esta antología es de quitarse el sombrero, sobre todo cuando consigue innovar visualmente y cuando expone argumentos la mar de imaginativos. Y también teniendo en cuenta que son todo historias originales, nada de remakes, spin-off y demás.

Volvemos a tener un trabajo de Alberto Mielgo que cierra la temporada, recordemos que estuvo presente en la primera temporada de ‘Love, death & robots’ con ‘La testigo’. El español hizo este corto antes de recibir el Oscar, claro está, pues una animación como la que han desarrollado no se hace en dos días, al contrario, el trabajo tiene que haber sido colosal.

Dado que es una antología y que este formato tuvo buena acogida con la anterior temporada procedo a comentar cada episodio por separado indicando los detalles más reseñables.

Tres robots: estrategias de escape (10 min.)

El hilo conductor de la serie. Estos robots ya han sido vistos en la primera temporada, en ‘La ventaja de Sonnie’ y vuelven para reírse del apocalipsis humano. Un apocalipsis a lo ‘Terminator’ (hay un guiño a la escena de la valla y la explosión nuclear) en la que hemos sido barridos tras una rebelión de las máquinas. Con su humor y sarcasmo lo que nos viene a decir es que nos condenamos a nosotros mismos por delegar en las máquinas y discriminar a la clase media trabajadora. En esta ocasión la desigualdad de clases es el centro de atención. Un episodio que ha sido orquestado por Patrick Osborne, animador en Big Hero 6.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia, ciencia ficción

Mal viaje (21 min)

David Fincher es un maestro del suspense y en esta, la que creo que es su primera obra animada, se yergue como un apabullante narrador de terror. En esta historia nos embarca a bordo de un buque de piratas o marineros, de esos rastreros que a la mínima te clavan un puñal por la espalda. Pero el mayor peligro no es la tripulación sino un cangrejo gigante que se sube cual polizón. Con una metodología parecida a la de los aliens de ‘Independence day’ se comunica con uno de los navegantes y se produce así una historia de traiciones o terror muy al estilo Lovecraft. Mientras consumimos los minutos la historia va, literalmente, consumiendo a sus protagonistas. Una fábula horripilante con tintes clásicos.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelebte
  • Género: terror, suspense

El propio pulso de la máquina (17 min)

Para mí este es el episodio más flojo de la temporada. Tanto por mensaje como por calidad de animación me ha transmitido poco. En el satélite Io unas exploradoras sufren un accidente y comienza así un calvario que se torna en onirismo y psicodelia. Emily Dean parece intentar transmitir una reflexión pero se queda en ese tipo de propuestas que son más cosas raras por que sí. Además, intenta ser muy científica pero luego tiene movimientos muy poco racionales.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 2D
  • Calidad de animación: Media
  • Género: ciencia ficción

La noche de los minimuertos (7 min)

Aplaudo a los directores, uno de los cuales fue animador en ‘Zombieland’. Este episodio y el de Fincher se disputan el título de mejor de la temporada. Un sacrilegio fruto de un calentón ido de madre da paso a un apocalipsis zombie. Un holocausto de no-muertos que vemos en formato stop motion, tilt-shift, con maquetas y en plano casi cenital. Simpatiquísima y frenética historia que nos habla de la USA de las armas y del cada vez más posible enfrentamiento nuclear que al resto del universo le va a traer sin cuidado. Polvo eres, en polvo te convertirás y por un polvo morirás.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: stop motion, tilt-shift
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia

Equipo mortal (13 min)

Si el oso de la Puerta del Sol se revelase y empezase a matar turistas la carnicería sería como la de este capítulo. Un episodio que bien podría estar en el mismo universo de ‘Predador’ o ‘Alien’. Unos soldados se enfrentan a un letal y apabullante asesino que ni avanzados robots a lo Boston Dynamics pueden detener. Para los amantes de la acción, las burradas y la consecución de palabrotas. Parece mentira que esté realizado por alguien que ha hecho películas infantiles (además de la serie ‘Spawn’) como Jennifer Yuh Nelson, la cual desarrollo ‘Respuesta evolutiva’ en la temporada dos. Prestan sus veces Joel McHale, Seth Green o Gabriel Luna, entre otros.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 2D
  • Calidad de animación: buena
  • Género: comedia, acción

El enjambre (17 min)

Tim Miller ha creado esta serie y en cada temporada dirige un episodio. En este caso deja la comedia y la acción a un lado para hablar de biología espacial. Una comunidad de alienígenas vive en simbiosis y unos investigadores se sumergen en su territorio, que tiene la misma estructura que una colmena o un hormiguero, con la salvedad de que está ubicada en el ingrávido espacio. Tiene las características de esas novelas clásicas de ciencia ficción que mezclaban filosofía con curiosidad científica. Nos habla de nuestra soberbia y de lo perniciosos que somos ante la armonía de la naturaleza. Si os gustan las obras de Orson Scott Card os gustará mucho.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: ciencia ficción

Las ratas de Mason (10 min)

Un granjero escocés tiene ratas en su granero. Pero no son unas ratas cualquiera pues van armadas hasta los dientes para defender el que han convertido en su territorio. Humanidad, animalismo y tecnología se mezclan en un episodio que, aunque acaba siendo muy reconciliador es bastante cruel con los animales, pero oye, esto es animación y ficción. ¿Lo mejor? Una escena que recuerda al desembarco de ‘Salvar al soldado Ryan’. Este corto de Carlos Stevens cuenta con solo dos voces, las de Dan Stevens y Craig Ferguson.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: Muy buena
  • Género: comedia, acción

Sepultados en salas abovedadas (15 min)

Joe Manganiello, Christian Serratos y Jay Courthney prestan sus voces y rostros a esta historia que está tan bien recreada que uno se pregunta por qué no la han hecho en formato real. Hasta que uno llega al final y se explica el horror cósmico que había que reproducir. Unos marines se meten en unas cuevas donde son atacados por unas criaturas que me han recordado a las Hadas de los dientes de ‘Hellboy 2’. Una aventura que también recuerda al ‘Starship Troopers’ de Verhoeven. El aspecto visual nos lo explicamos cuando vemos que el director es Jerome Chen, quien ha trabajado en ‘Godzilla’ o ‘Beowulf’.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: acción terror

Jíbaro (17 min)

Alberto Mielgo ha realizado una obra loquísima, literalmente demencial. Con frenesí y pasión nos lleva a la América de los conquistadores. Usando la sordera como metáfora, esa es mi interpretación, nos cuenta como los españoles se inmiscuyeron en el medio natural de los nativos y les contagiaron su fiebre del oro. Los cantos de sirena, las leyendas, llevan de nuevo al hombre a su perdición. La animación se confunde con la realidad en un corto rítmico, sensual e hipnótico. La primera escena es magnífica.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: fantástico

 

Crítica de la tercera temporada de ‘Doom Patrol’

Empezando con presentación de nuevos personajes

Decir que la nueva temporada, la tercera, de ‘Doom Patrol’ viene con sorpresa es decir lo mismo que hemos estado diciendo con sus dos predecesoras. Esta historia es de las que le alegran el día a uno por disparatada que es y lo mucho que nos hace reír. Lo mismo que nos pasa con otras series, véase ‘Lo que hacemos en las sombras’ o ‘Rick y Morty’, por citar dos que también sean de HBO Max.

Bien es cierto que el arranque de esta temporada, que hemos podido disfrutar con el estreno simultáneo de tres episodios, decae un poco en sus majaderías. Como es costumbre siguen pasando cosas inverosímiles pues ya han atravesado una línea de la que no pueden volver y además saben que ese es el tono que ha funcionado o diferenciado a ‘Doom Patrol’. Pero de momento no llegamos a cotas tan locas como las de antes.

Esto sucede sobre todo porque la serie dedica aún más espacio a desarrollar a sus personajes, los cuales nunca han dejado de evolucionar. Los protagonistas tienen que seguir su camino con la ausencia (o no) de El Jefe interpretado por el mítico Timothy Dalton. Por ejemplo, Dorothy (Abi Monterey) ha de asumir una función más madura y consciente de su poder, Cliff (Brendan Fraser) debe convertirse en el abuelo perfecto lidiando con sus limitaciones mecánicas o Negative Man (Matt Bomer) a vivir separado de su íntimo amigo y buscar un nuevo comienzo con mayor optimismo.

La sensación que nos da es de incertidumbre. No sabemos si ese camino que han emprendido nos encamina a una de despedida de algunos personajes o de la serie. Suele suceder que cuando los protagonistas logran salvar sus mayores dificultades personales la trama pierde su norte y termina clausurándose, pero aquellos que hemos estado siguiendo la adaptación de los cómics de Bob Haney y Arnold Drake sabemos que tampoco es que haya habido mucho norte.

Además hay nuevas incorporaciones, de ahí varias de las sorpresas en lo que va de temporada. Por parte de los villanos se incorporan Garguax (Stephen Murphy) y Samuelson interpretado por el carismático Billy Boyd, el Pipin de ‘El Señor de los Anillos’. Pero yendo más allá, para los amantes de los cómics hay una aún más disparatada incorporación. La patética Hermandad del mal, creada por Arnold Drake, enfrentada en los cómics a la Doom Patrol y a los Jóvenes Titanes.

Y la noticia continuista nos lleva a otro spin-off. Han usado la temporada 3 de ‘Doom Patrol’ a modo de presentación para la serie que nos contará la historia de Los Chicos Detectives. Unos jóvenes muertos que juegan a los investigadores y que puede que nos traigan la aparición de la Muerte de ‘Sandman’ ya que es una creación de Neil Gaiman. Ya veremos si los derechos no juegan en contra ya que como probablemente sabréis ‘Sandman’ será una serie de Netflix, no de HBO Max. En cualquier caso la jugada puede ser como la que vimos en Netflix en su día pues ‘Doom Patrol’ se presentó en ‘Titans’ y posteriormente ambas pasaron a la parrilla de HBO.

Me pregunto si el parón por el COVID-19 les ha hecho ver las orejas al lobo y ponerse más reflexivos aun con sus personajes perdiendo ese punto de hilaridad, pensando además en ir cerrando la historia. No desisto en seguir viendo la serie pues su trama siempre trae momentos de decir “¡Que cojones!” y siempre nos tiene en vilo prometiendo instantes la mar de alocados, dignos de nuestros sueños más surrealistas.

Crítica de ‘Love, death & robots vol. 2’

Nueva tanda de magníficas historias animadas

La primera temporada de ‘Love, death & robots’ supuso una serie, o un conjunto de cortos, de lo más entretenidos, en algunos casos incluso cabría decir que más que superar a la media de todo lo que nos suele llegar rozaban la excelencia, sobre todo en el apartado visual. Este 14 de mayo se estrena en Netflix una segunda tanda de cortometrajes, también con animación.

Volvemos a tener géneros variados y si en 2019 vimos 18 cortos firmados por algunos españoles o por los realizadores de ‘Spider-Man. Un nuevo universo’, por ejemplo, en este volumen dos de ‘Love, death & Robots’ hemos perdido diez entregas, solo consiste en 8 cortometrajes. Menos cantidad, pero la misma calidad. Al igual que otras antologías ‘Love, death & robots’ consigue hacer que nuestra mente y nuestra mirada viaje por distintas propuestas y en los mejores casos darnos algo en lo que pensar. Habiéndose mantenido el nivel de la anterior temporada estamos más que satisfechos, no obstante el bálsamo llegó al saber que ya está previsto estrenar otros 8 episodios en 2022 y que Tim Miller tiene historias hasta para un volumen cuatro.

‘Love, death & robots’ fue creada y producida por talentos como Tim Miller (‘Deadpool’), David Fincher (‘Seven’), Jennifer Miller (‘Jack Ryan’) y Josh Donen (‘House of Cards’). Ellos han vuelto a contar con artistas multidisciplinares para crear estos episodios. Todos con el leitmotiv de la animación, las tramas en el futuro y las narraciones extraídas de novelas. Sobre todo este año predomina la obsesión por mejorar al ser humano y principalmente por conseguir la vida eterna.

Como hicimos con el volumen uno de ‘Love, death & robots’ vamos a comentar los capítulos de manera individual, lo merecen. La duración indicada es la de cada cortometraje sin créditos.

‘Respuesta evolutiva (Pop squad)’ (15 min.)

No se pueden tener hijos no registrados en este futuro que proporciona a los humanos la vida eterna. Un precio a pagar y que un agente se preocupa por que se pague. Una restricción de descendientes que provoca un dilema moral y existencialista, fruto de la creencia de aquellos que responden a patrón procreativo de la vida en busca de experimentar nuevas sensaciones.

Un potente toque de cine negro y matices de distopía cyberpunk al más puro estilo ‘Blade Runner’ en un coto dirigido por Jennifer Yuh Nelson (‘Spawn’, Kung fu Panda’), una directora que trabajo a trabajo va ganando enteros.

La historia se inspira en la obra del ganador del Hugo y el Nebula, Paolo Bacigalupi. Los encargados de recrear este futuro de manera realista son los empleados de las oficinas de Blur Studio quienes ya han hecho muchos trabajos para videojuegos y el corto ‘Trajes’ el de los granjeros con exoesqueletos de la primera temporada.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D, realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: ciencia ficción, drama

‘Cobijo (Life hutch)’ (10 min.)

Dirigido por Alex Beaty y realizado también por Blur Studio. Este es el corto en el que interviene Michal B. Jordan (‘Creed’). La historia surge de una novela del prolífico escritor de novelas y guiones Harlan Ellison.

Bien interpretado pero cuenta poco. Un piloto queda varado en un planeta tras una batalla y tiene que cobijarse en un refugio. Allí surge algo que pone en peligro su supervivencia. Se puede resumir en esas veces en las que todos hemos jugado con un puntero láser con un gato.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: imágenes generadas por ordenador
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: ciencia ficción, terror

‘Hielo (Ice)’ (10 min.)

Una historia de otro novelista, Rich Larson, sirve para la trama de esta historia hecha por Robert Valley director de versiones animadas de ‘Tron’ o el cómic ‘Invincible’. Passion Pictures es quien ha creado estas imágenes con predominio de tonos fríos.

Una trama futura en la que aquellos que han sido modificados para tener más fuerza o resistencia tienen un privilegio sobre los demás. Le falta crítica social, tiene aventuras y predomina la calidad visual. Un corto que bien podría ser un videoclip de Gorillaz.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 2D, digital
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: ciencia ficción

‘La hierba alta (The tall grass)’ (8 min.)

Los campos de maíz de Jeepers Creepers pudieron servir de inspiración para esta obra. ‘En la hierba alta’ es también el título de una obra de Stephen King y la verdad que el corto tiene ese toque de terror desconcertante. El protagonista tiene un aire a H.P. Lovecraft y los horrores o el misterio de ese autor también está presente.

Simon Otto, animador en películas o series como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón’ o ‘El príncipe de Egipto’ se ha aliado con el estudio Axis Animation para crear esta narración donde se emplea un 3D muy peculiar. En este caso es Joe Lansdale quien escribió las líneas que narran la historia.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? no
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: buena
  • Género: terror

‘Servicio al cliente automatizado (Automated customer service)’ (10 min.)

¿Y si cuando fuésemos mayores pudiésemos retirarnos a una urbanización donde estuviese todo automatizado? Sin preocuparnos de limpiar, de colocar cosas, de hacer deporte… Una jubilación al sol sin preocupaciones. Solo una, sobrevivir a nuestros electrodomésticos. Una cruenta y divertida aventura en la que un retorcido operador robotizado y un aspirador automático mezcla Terminator mezcla Hall 9000 intenta exterminar a su propietaria.

Tres directores (Kevin Dan Ver Meiren, David Nicolas y Laurent Nicolas) del Meat Dept de París han creado esta historia junto a Atoll Studio. John Scalzi, autor de la novela ‘La vieja guardia’ (no confundir con el cómic) es quien ideó esta historia. De viejetes también va esta historia, unos ancianos bastante cabezones, aunque no tan cabezotas como sus siervos electrónicos.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: Muy buena
  • Género: comedia, acción

‘Por toda la casa (All through the house)’ (4 min.)

Esta vez tenemos cuento de Navidad. Una versión retorcida que va más allá del Grinch o los Gremlins. Un corto para que lo vean muchos niños, veréis como así sí que se portan bien.

Blink Industries, autores de mucho material infantil han recreado a esta narración. El director ha sido Elliot Dear y la historia está basada en una novela de Joachim Heijndermans.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? si
  • Tipo de animación: stop motion
  • Calidad de animación: buena
  • Género: terror

 ‘Nieve en el desierto (Snow in the desert)’ (15 min.)

Las rarezas siempre han atraído al ser humano, aunque esa rareza sea otro ser humano. Un albino con capacidades tipo Deadpool huye por el desierto de otro planeta mientras que unos cazarecompensas le persiguen. Un mundo de carroñeros intergaláctico con una escena a lo cantina de Star Wars y lances tipo ‘Firefly’ o ‘Guardianes de la galaxia’.

La animación corre a cargo de Unit Image, especializados en animación 3D realista para películas, videojuegos o publicidad. Autores de la intro y del teaser del próximo ‘Baldur’s Gate 3’. Con ese curriculum tenía puestas muy altas las expectativas en este corto. No decepciona con su calidad hiperrealista en el que humanos y alienígenas están excelentemente recreados. Visualmente el mejor de esta temporada de ‘Love, death & robots’.

Leon Berelle, Dominique Boidin, Remi Kozyra y Maxime Luere son los directores y Neal Asher el autor de la obra original.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: realista
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: ciencia ficción, drama

‘El gigante ahogado (The drowned giant)’ (10 min.)

Es como si Guiliver hubiese llegado a una de nuestras costas en pleno siglo XXI. En la playa de un pueblo pesquero inglés aparece un gigante de 60 metros, tumbado, inerte. Las reflexiones del científico local, la manera en cómo está escrito su soliloquio es lo mejor del corto. Una buena obra sobre lo despreciables e irrespetuosos que somos, sobre lo fútil que son en nuestra mente las cosas que nos encontramos en la vida, por sorprendentes que sean.

El propio Tim Miller se ha encargado de cerrar este segundo volumen con esta obra que ha extraído de una novela de J.G. Ballard autor de las novelas de ‘Crash’ y ‘El imperio del sol’. Animada de nuevo por Blur Studio.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D, realista
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: fantástico

Crítica de ‘La Guardia’

Cualquier atisbo de épica en este equipo de seres fantásticos es pura casualidad y nos encanta

Muchas son las ramificaciones o sagas ambientadas en el Mundodisco que creó Terry Pratchett. ‘La Muerte’, ‘Revolución industrial’, ‘Los Magos’, ‘Las Brujas’… Nombres de series de novelas que pueden dar para infinidad de adaptaciones. La que finalmente ha sido escogida para transformarse en una serie es la que se llama ‘La Guardia’, una de las más icónicas, y el próximo 16 de abril podréis comenzar a verla en Movistar+, en Seriesmanía.

He de reconocer que tengo una gran asignatura pendiente, una troncal. Soy lector habitual y controlo la obra de Tolkien, Paolini, Salvatore, R.R. Martin, Rothfuss, Hickman y Weis… Vamos que me gusta la fantasía. Pero también soy un gran seguidor de la ciencia ficción, por eso he de confesar que el no haberme acercado aún a la obra de Pratchett se puede considerar un pecado. El autor mezcla géneros y tiene fama de “burlarse” de ellos de tal modo que su combinación de imaginación y humor engancha al lector. Tras su muerte nos dejó una extensa obra que estoy seguro que poco a poco irá alcanzando al público general, dejando de ser solo una obra de culto y siendo objeto de adaptaciones, realizadas ya sea por verdaderos seguidores del autor o simplemente por productoras escasas de ideas.

Si nos ceñimos a lo que es solamente la serie de ‘La Guardia’ hay que enmarcarla dentro del género policial y fantástico. Está en la línea de muchas series como ‘Bones’, ‘Castle’… Pero tengamos en cuenta que la novela (publicada en el 89) ya tenía este carácter humorístico mezclado con pesquisas detectivescas. Sinvergonzonería y sátira no le pude faltar a esta serie que en buena parte tenía que hacer parodia del género y que se lo lleva todo a toques más… punk. Seguro que os gusta u os suena el estilo de la serie si habéis visto otra adaptación de una de las obras de Pratchett pues esta no es la primera. ‘Good Omens’ es una de sus creaciones, no estaba ambientada en el Mundodisco, pero si cargada de su personalidad entremezclada con el talento de Neil Gaiman.

‘La Guardia’ nos cuenta como en una peligrosa ciudad, llamada Ankh-Morpork, reina el crimen organizado y ha quedado carente de sentido el cuerpo de policía, llamado La Guardia. El capitán de ese grupo de peculiares agentes es Sam Vimes, el cual está muy bien interpretado por Richard Dormer, el carismático Beric Dondarrion de ‘Juego de Tronos’. En este mundo de enanos, goblins, dragones y alquimistas él es un humano que intenta ahogar en alcohol un pasado turbulento, que se respalda en un grupo formado por un chico criado por enanos, un troll, una mujer-lobo… Toda una camarilla digna de una partida de rol que pone en ridículo cualquier concepción de equipo épico tipo La Compañía del Anillo.

Aunque la comisaría tiene cierto parecido estructural con la de ‘Gotham’ e incluso su tono oscuro puede recordar a la serie de Bruno Heller, la dinámica de ‘La Guardia’ puede considerarse más similar a la de series como ‘Doom Patrol’. Tenemos unos personajes que no son del todo buenos, que tienen capacidades especiales que usan de manera un tanto autodestructiva o ridícula, que no son un ejemplo a seguir precisamente… Y aún así se les coge un cariño especial. Además no es raro que la serie nos deje rallados con algunas de las majaderías que se atreve a llevar a cabo.

Por lo que tengo entendido el tono y las sensaciones si son muy similares a las de las novelas, pero me consta que hay cambios con respecto al original que han levantado las suspicacias de Rhianna Pratchett y de Neil Gaiman, hija y amigo del autor. En esto de las adaptaciones ya sobra decir que hay cambios de sexo en personajes, que algunos roles se han entrecruzado o que incluso ni se parece el vestuario. No sé si esto altera en exceso el espíritu original de los libros, quizá no tanto como para perder el título de “adaptación”. Diría que le falta incrementar su complejidad, pero al margen de eso como serie ‘La Guardia’ funciona fantásticamente. Y desde mi desconocimiento de estas novelas pero si desde mi admiración a ‘The Sandman’ pregunto, ¿los góticos que aparecen en esta serie podrían ser un guiño Muerte y Sueño de Gaiman?

Aunque en esta serie desarrollada por la BBC está presente la famosa Muerte de las novelas de Mundodisco y parece que será un personaje recurrente, me da la impresión de que ‘La Guardia’ es un estupendo entretenimiento para quien busque una nueva e imaginativa serie, pero una fuente de enojos para los lectores más acérrimos. Si sigue esta línea y la audiencia la respalda seguro que vamos a disfrutar mucho tiempo de esta producción. E incluso agradeceremos que adapten otros arcos argumentales que se crucen y nos lleven por los confines del Mundodisco a lomos de la tortuga y los elefantes.

Preparado el remake japonés de ‘Cube’

Ya podemos ver su tráiler

La película canadiense ‘Cube’ es conocida por todos aquellos amantes del cine independiente y sobre todo por aquellos que aman el terror. Una cinta extremadamente sangrienta que realizó Vincenzo Natali (‘En la hierba alta’, ‘The Stand’) y que podemos enmarcar en ese tipo de survival horror ambientados en algún tipo de escape room.

Aquella película dio paso a una saga que con mayor o menor solvencia nos mantuvo enganchados, muy al estilo de ‘Saw’, es decir, con trampas ingeniosas y muertes la mar de encarnizadas.

Ahora se han cambiado las tornas. Es el cine japonés el que se hace eco de una película de culto realizada en occidente. Si estamos acostumbrados a que los norteamericanos versionen el terror japonés ahora será el país nipón quien re-interprete una de sus películas. En concreto es Yasuhiko Shimizu (‘Vise’) quien añade el toque oriental a esta historia. Pero ojo, bajo la atenta mirada de Natali que es productor de este proyecto.

Los protagonistas encerrados en el malicioso cubo están interpretados por Takumi Saitoh (‘Shin Godzilla’), Masaki Suda (‘Gintama’), Masaki Okada (‘Gintama’), Kôtarô Yoshida (‘Assassination classrom’) y Hikaru Tashiro (‘Kamen Raidâ Birudo’).

¿Preparados para los gritos, la carnicería y las matemáticas? El estreno de ‘Cube’ está previsto en Japón para el 22 de octubre de este 2021.

22 muertes rápidas del cine que nos sorprendieron

Despedidas que nos dejaron boquiabiertos

Uno de los giros que emplea el cine para sorprendernos o tocarnos la fibra son las muertes de los personajes, sobre todo si estas suceden en el primer acto. Decir adiós a alguien que creíamos que nos acompañaría toda la película o que pensábamos por lo menos que la acabaría bien muchas veces nos deja patidifusos o hace que empecemos con cascadas en los ojos. Ya sea porque tenemos fe en que determinado actor famoso va a tener muchos minutos en pantalla o porque X personaje no nos puede faltar en la historia que vamos a ver, el cine nos ha pillado desprevenidos en multitud de ocasiones, cosa que se agradece, es parte de su magia.

Todos los títulos y personajes que vamos a mencionar pertenecen a películas que llevan tiempo estrenadas, pero por si acaso, dado el carácter de esta recopilación, debéis estar abiertos a spoilers, obvio.

Drew Barrimore, ‘Scream’

Parecía que la actriz famosa desde su papel en E.T. iba a resurgir con su trabajo en el slasher adolescente ‘Scream’. Desde luego fue uno de los ganchos para atraer espectadores al cine, su cara es la que aparece en un cerradísimo plano en el cartel. Poco más de cinco minutos duró en la película convirtiéndose en la primera apuñalada de una saga con muchas muertes y quedándose literalmente colgada.

Janet Leigh, ‘Psicosis’ (y Anne Heche en el remake)

Que Hitchcock fue todo un maestro y pionero no lo puede negar nadie. Montaje, planos, guiones… un innovador y un genio sin el que el cine no es lo que era hoy en día. Aun siendo consciente de ello el público de su época fue todo un sorpresón que una actriz como Janet Leigh no llegase ni a la mitad de la película muriendo a los tres cuartos de hora. Anne Heche siguió sus pasos en el remake orquestado por Gus Van Sant.

Logan Marshall-Geen, ‘Spider-Man: Homecoming’

Este actor se ha hecho famoso por muchas razones, no solo por su parecido con Tom Hardy. Antes de hacer de Shocker en la película en solitario de Tom Holland como el trepamuros se había grajeado una fama con títulos como ‘La invitación’, ‘La trampa del mal’ o ‘Prometheus’. Era de esperar que siendo un actor conocido interpretando a un villano clásico de los cómics durase un poco más. Pero en Homecoming estaba también el Buitre de Michael Keaton que le despacha probando un nuevo arma en una discusión. Tuvo solo un par de secuencias en cuarenta minutos, para muchos fue un shock.

John Hurt, ‘Alien’

Por entonces no se había convertido en uno de los actores que más muertes ha tenido en pantalla, pero bien pudo haberlo sido. Hace poco Danny Trejo se ha hecho con ese curioso título superando a otros artistas como Lance Henriksen, Dennis Hopper, Boris Karloff, Bela Lugosi o Sean Bean. La cuestión es que cuando se estrenó ‘Alien’ Hurt ya había adquirido cierta fama y ser la primera víctima del xenomorfo dejó a muchos flipando, no solo por la brutalidad de su muerte, si no también por perder a uno de los mayores talentos del filme tan pronto. Se nos saltó el corazón del pecho a la mitad de la película, que indigestión. Te echamos de menos señor Hurt.

James Franco, ‘Alien: Covenant’

¿Cómo no vimos venir esta jugada? Se especuló incluso que James Franco podría hacer hasta del padre de Ripley pero nos hicieron la trece catorce sumándole a las muertes de la franquicia en los primeros compases de la Covenant envuelto en llamas y sin haber dicho ni mu. Posteriormente se desveló que había otros planes para este personaje, recuerdos o sueños que acentuarían esa sensación de falta de un auténtico capitán en la nave. Esa idea no llegó a buen puerto. El capitán no pudo ser el último en abandonar el barco.

Ryan Reynolds, ‘Life’

Entre una precuela de ‘Venom’ y una imitadora de ‘Alien’ estuvo ‘Life’. Cogiendo esos dos referentes la película sobrepasó el aprobado y nos brindó una buena cantidad de muertes. Ni los estrictos protocolos de seguridad libraron a Ryan Reynolds de ser el primero en morir a manos de este nuevo y travieso organismo. Palmó a los cuarenta minutos.

George Clooney, ‘Gravity’

Seguimos con el espacio. El elenco de ‘Gravity’ no era excesivamente amplio, a si es que si alguno tenía que morir era uno de los famosos del filme. Le tocó a George Clooney que dejó sola en el espacio a Sandra Bullock.

Steve Coogan, ‘Tropic Thunder’

Hasta en una comedia como esta nos cuesta elegir entre la risa y la pena cuando fulminan así a un personaje al que coges lástima y cariño desde el primer momento. Coogan es un grandísimo actor pero su fulminante muerte por sorpresa a los 25 minutos no le dejó nada de tiempo para interpretar la agonía de la muerte. Literalmente explosiva.

La madre de Bambi, ‘Bambi’

Disney nos ha castigado con más muertes de las que imaginamos. Sin la muerte de la madre de Bambi la película no habría sido lo mismo. Sin embargo sembró la semilla de un gran trauma en muchos niños que se enfrentaron a la cruda realidad con esta tierna película de animación. El momento de despedirnos tan pronto de esta cierva se regodea tanto en el drama que hasta es cruel para un niño. De alguna manera había que ir madurando. Disney nos fue dando momentos así en otras películas de animación, incluso en películas más recientes como ‘Inside out’ en la que a través de Pixar nos hacían decir adiós al elefante Bing Bong. Jamás te lo perdonaré Pete Docter (autor también de la temprana muerte de la ancianita de ‘Up’).

Bruce Willis, ‘El sexto sentido’

¿Quién dice que no es una muerte temprana? Bruce Willis se pasa muerto todo el filme, la diferencia es que la sorpresa llega en los compases finales. Uno de los maravillosos y geniales giros de Shyamalan inspirado en un capítulo de ‘El club de medianoche’. Ni con el “en ocasiones veo muertos” nos lo vimos venir.

Nicole Kidman, Alakina Mann y James Bentley, ‘Los otros’

Nos la jugaron de nuevo. Solo dos años después de ‘El sexto sentido’ volvimos a experimentar un giro parecido, aunque la película también tiene muchas similitudes a ‘Otra vuelta de tuerca’. Los protagonistas eran los muertos y no al revés, como parecía durante toda la película. Cuan importante es la perspectiva y quién te cuenta la historia.

Vin Diesel, ‘Salvar al Soldado Ryan’

Lo cierto es que ni Shakespeare habría decidido un destino más fatídico. Casi era de imaginar que en una película con un bodycount tan alto como esta muriese hasta el apuntador. Menos dos supervivientes cayeron bajo el fuego alemán todos los soldados de la compañía formada por Giovanni Ribisi, Vin Diesel, Jeremy Davies, Tom Sizesmore, Barry Pepper, Edward Burns, Adam Goldberg… Diesel sobrevivió al cruento desembarco lleno de muertes pero este héroe de acción causa baja al acabar el primer tercio de película. Así terminó en su segunda película, la primera en la que actuó y que no había dirigido él.

Michelle Joyner, ‘Máximo riesgo’

Ciertamente la joven que se precipita al vacío acompañada de los gritos surgidos de la amorfa boca de Sly no es famosa. Pero nadie podrá negar que el punto de partida de ‘Máximo riesgo’ no quitaba el hipo. Parodiado por cierto en ‘Ace Ventura: operación África’.

Andy el perro de ‘John Wick’

Siempre nos duele la muerte de un animal en una película, yo personalmente es algo que llevo cada vez peor y no entiendo tantas muertes de animales domésticos, ya se hace más que predecible, parece una tradición. A veces es meramente gratuito y otras como esta es el detonante de un peliculón de acción. Andy es el perro real de la mascota que suponía para John Wick el último recuerdo de su esposa. A él le debemos esta explosión de acción bien coreografiada, pero ¡mecachis que pena da!

Bryan Cranston, ‘Godzilla’

Sin duda el nombre más afamado de la versión de Godzilla de 2014 era Bryan Cranston. El padre más popular de los últimos años por su papel en ‘Breking Bad’ (y para muchos también por el de ‘Malcolm’) tenía que hacer las veces de progenitor de Aaron Taylor-Johnson pero la página 50 del guion no opinaba lo mismo. Uno de los MUTOs acaba con este personaje antes de causar estragos con decenas de muertes. Cranston muere en un helicóptero acompañado de su hijo, no llegó a la mitad del metraje.

Olivia Wilde y Oscar Isaac, ‘Life Itself’

Compartiendo cartel con Antonio Banderas, Olivia Cooke, Samuel L. Jackson o Sergio Peris-Mencheta, ellos eran Abby y Will en la película de Dan Fogelman. ‘Como la vida misma’ entrelaza la temprana muerte de Wilde e Isaac con la vida de muchos personajes a lo largo de todo el globo terráqueo. Que si, que hay un repartazo para acompañarnos el resto del filme, pero tener que echar de menos a Oscar Isaac y a Olivia Wilde después de que el primero se suicide por no poder sobreponerse al atropello de la segunda (la cual se había quedado sin padres) se hace difícil. Nos dejaron huérfanos como al personaje de Olivia Cooke que era su bebé, posteriormente criada por los abuelos paternos, de los cuales la abuela fallece. Un primer acto lleno de muertes. Vaya escabechina.

Peter Parker, ‘Spider-Man: un nuevo universo’

Para aquellos que no conocen las colecciones de cómics la muerte de Spider-Man les pudo pillar muy desprevenidos. Marvel ya ha acabado alguna vez con el trepamuros, en su colección Ultimate, por ejemplo. Una sorpresa edulcorada en la exitosa película de animación con los nuevos poderes de Miles Morales y con la irrupción de los hombres araña del multiverso.

Gwyneth Paltrow, ‘Contagio’

Esta película de Alfonso Cuarón gustó en su momento pero ahora se ha hecho popular de nuevo por las similitudes vividas durante la crisis del Covid-19, lo primero que oímos es un par de toses. Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Kate Winslet, Jude Law, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Bryan Cranston… sobran razones para verla. Pero cuidado, una de las principales actrices, Paltrow, sucumbe al virus a los diez minutos.

Orson Welles, ‘Ciudadano Kane’

Nada más empezar la película el magnate interpretado por el mismo director muere dejándonos con un misterio que se hizo famoso y que no se resuelve hasta el final de la película, Rosebud. En este caso vemos a Welles durante toda la película, pero sabiendo que ese personaje ya ha terminado sus días, habiendo sido solo realmente feliz durante su infancia. Una película con una apuesta interesante, exenta de ego y que permaneció bastante protegida de la prensa hasta en su estreno. Vapuleada por la crítica y ganadora del Oscar a Mejor Guión, el único de Welles exceptuando el honorífico.

Rachel McAdams, ‘Redención’

¿Qué hizo la pobre Rachel McAdams para que su personaje recibiese una bala perdida en el primer cuarto de largometraje? La que parecía que podría ser una película de amor y sudor en el ring se convirtió en un drama a raíz del asesinato de Maureen (McAdams). No le faltaron golpes a esta película de Antoine Fuqua, pero el primero y más gordo nos lo llevamos nosotros.

William Holden, ‘Sunset Boulevard’

Holden tuvo esta película como su lanzadera. Para el recuerdo quedó la temprana muerte de su personaje en ‘El crepúsculo de los dioses’ que aparecía flotando en el agua nada más empezar. Arrancamos con su asesinato y tras el largo flashback terminamos también con él. Ese tiroteo que daba con él cayendo con un planchazo en la piscina previamente acompañado de movimientos similares a los de un beodo sorprendió al incauto público de 1950. Desde luego una muerte acorde a un actor que intentó tapar durante años sus problemas con la bebida.

Ryan Gosling, ‘Cruce de caminos’

Aquellos que aman a este actor a raíz de ‘La La Land’ no podrían resistir el fatídico final de Gosling en ‘Cruce de caminos’. En esta película (no confundir con la de 1986) Gosling luce un look rubio que también se hace difícil de ver. Es un especialista de motos que se ve avocado a robar bancos. Como es de imaginar dada la finalidad de este artículo se suma al resto de muertes, para los que compraron su entrada en 2012 quizá no estaba la cosa tan clara. A la hora de película (de más de dos que dura) Bradley Cooper le ajusticia tras haber realizado una conmovedora llamada.

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