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Crítica: ‘Kepler Sexto B’

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Zaida es una niña solitaria que vive con su padrastro en un barrio humilde. En el mismo edificio vive su peculiar vecino Jonás, un viejo solitario, que pasa sus días refugiado en su mundo imaginario creyendo que su piso es una nave espacial, la Orión, en un planeta extraño y lejano, Kepler, y él un astronauta de la NASA. El casual encuentro entre ambos devendrá en una peculiar y especial relación en la que ambos se descubrirán, se ayudarán y se salvarán el uno al otro embarcándose en una surrealista y emotiva misión de rescate mutuo que les pondrá a salvo de las inclemencias de la vida.

Crítica

Un exoplaneta con una atmósfera tóxica y corrompida, seguro que os suena al poner las noticias

Alejandro Suárez Lozano aterriza en nuestras carteleras con su nave procedente de un remoto planeta, ‘Kepler Sexto B’. Un mundo que para muchos es extraño y lejano pues proviene de los barrios pobres, de las clases sociales marginadas o de grupos desfavorecidos y evitados por las prioridades de la mayoría. Las personas en riesgo de exclusión social como los mayores de edad sin ingresos, los inmigrantes o los parados de larga duración y avanzada edad protagonizan este melodrama.

‘Kepler Sexto B’ es el nombre de este filme protagonizado por Karra Elejalde y Daniela Pezzotti. Una obra que funciona de manera directa pero a la vez sutil pues enarbola su discurso a través de recursos literarios como la metáfora o la alegoría. Todo ello para contarnos la historia de un hombre que vive encerrado en su casa sumergido en una fantasía de ciencia ficción que le mantiene alejado de una triste y cruda realidad. Y a la vez nos cuentan la vida de una muchacha de origen extranjero que vive con un padrastro borracho y maltratador. Sus vidas se entrelazan al convertirse en vecinos y se convierte todo en una misión de rescate mutuo.

Funcionan muy bien los símiles que continuamente se establecen durante la película. Descrita sobre el papel tiene tintes de dramón, de cine social lacrimógeno. Pero una vez vista la sensación que nos domina es la de haber visto algo entrañable, que parece buscar concienciar, pero que desde códigos muy tiernos entretiene e incluso nos hace reír. En los textos que la distribuidora nos enviaba para promocionar la película se mencionaba que tenía el humor de los Monty Python. Yo no he visto relación con el estilo del mítico grupo británico aunque es verdad que resulta surrealista todo el humor inherente a la locura que es capaz de desarrollar.

Donde a veces si podemos identificar la huella de los Pythons es en la construcción de la casa del personaje de Elejalde. Me ha hecho recordar la nave de ‘La vida de Brian’ o a los momentos más trash de ‘Los héroes del tiempo’. Pero sobre todo es su carácter quijotesco lo que nos hace retornar a las historias más locas. La relación entre el vecino del sexto B y la joven forastera es totalmente paralela a la que establecía Cervantes en su gran libro, sirviendo uno de alimento para la imaginación y la otra como ancla a la realidad.

No me gustaría cerrar sin antes señalar la calidad visual del filme. Tiene muchas escenas con recreaciones generadas por ordenador o que aprovechan paisajes naturales. Nos transportan a un planeta hostil que representa todos los peligros de nuestro mundo, de nuestras ciudades, de aquellos que solo saben mostrar hostilidad. Este Kepler es un exoplaneta con una atmósfera tóxica y corrompida, seguro que os suena todo esto de vuestro día a día, sobre todo si ponéis las noticias.

Diógenes, desahucio, maltrato infantil, alcoholismo, bancos e inmobiliarias sin escrúpulos… Todo eso aparece. pero esta es la historia sobre dos personas deprimidas, en una situación que sería capaz de sobrepasar a cualquiera. Al fin de al cabo de eso se trata la exploración espacial, de conseguir sobrevivir más allá de donde la gente normal lo hace.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio de 2023. Título original: Kepler Sexto B. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Alejandro Suárez Lozano. Guion: Alejandro Suárez Lozano, Grete Suárez. Música: Vanesa Garde. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Karra Elejalde, Daniela Pezzotti, Jorge Bosch, Vicente Vergara, Pablo Molinero, Ramiro Blas. Producción: Crea SGR, Institut Valencià de Cinematografía, ICO, Kepler Sexto B, Noodles Production, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Quexito Films, Pincheforn Producciones, RTVE, Turanga Films, À Punt Mèdia. Distribución: Filmax. Género: drama, comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.quexito.com/portfolio-items/kepler-sexto-b/

Crítica: ‘Operación Kandahar’

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Tras sabotear un reactor nuclear iraní, el agente Tom Harris (Gerard Butler) descubre que su identidad ha sido revelada a los medios después de que un informante expusiera la implicación de la CIA en la destrucción del reactor. Harris dispone de sólo 30 horas para llegar al aeropuerto de Kandahar (Afganistán) y evitar su captura. Para conseguirlo, necesitará la ayuda de un traductor afgano llamado Mo (Navid Negahban) que desprecia la violencia y el derramamiento de sangre causado por el conflicto bélico.

Crítica

Vacua, le falta plomo y alegatos

Gerard Butler continúa engrosando su bolsa de películas de acción autoproducidas con esta propuesta que nos lleva a Kandahar, Afganistán. Al igual que en ‘La unidad’ volvemos a ese país que ha retrocedido en materia de derechos humanos y progreso pero al contrario que en la tercera temporada de la serie de Dani de la Torre y Alberto Marini el discurso del filme está mucho más diluido y pasa más desapercibido.

El problema de ‘Operación Kandahar’ no es que no desarrolle argumentos sobre las mujeres que han perdido sus posiciones en la sociedad o el régimen retrógrado que han instaurado los talibanes, es que ni siquiera tenemos la acción que esperábamos. Es una pena porque parecía que con ‘El piloto’ Butler recuperaba la buena senda del cine de acción pero al volver a asociarse con Ric Roman Waugh ha perdido fuelle. Puede que esto siga pasando pues el director con el cual hizo ‘Greenland’ y la saga “Objetivo” tiene anunciada secuela de su película apocalíptica y un remake de ‘Cliffhanger’ con Stallone. Ni siquiera con la sorpresa de ver aquí a Travis Fimmel (‘Vikingos’, ‘Raised by wolves’) se levanta la película.

Esta obra, que evidentemente ha tenido que ser rodada en países como Arabia Saudí (la segunda cinta norteamericana en grabarse completamente en ese país), es más un thriller de persecuciones que una obra cien por cien de acción. De hecho, para que veamos algo de acción pura y dura, de tiroteos, persecuciones, explosiones y demás, pasan más de cuarenta y cinco minutos. Y aún entonces la cosa se relaja de nuevo y solo tenemos algo más movidito al final del filme. Para ser un largometraje en el que predominan los diálogos o las tramas de espionaje no se genera en nosotros una sensación de suspense. Ello es debido a que realmente se intenta crear una acción trepidante a raíz de la caza que sufren los protagonistas pero no se consigue en ningún momento.

Queda vacuo el intento que se hace por dar relevancia a aquellos nativos que se han pasado al lado de occidente y se juegan la vida ejerciendo de enlaces o traductores, no se le da el peso necesario en el guión. Y queda también en agua de borrajas lo que se intenta hacer con el papel de Nina Toussaint-White como periodista pues se olvidan totalmente del personaje. Incluso quien supone la mayor amenaza para los protagonistas, quien ejerce de perro de presa, interpretado por Ali Fazal, también desaparece durante buena parte del filme. ‘Operación Kandahar’ tiene esos personajes que nos podrían haber aportado otras facetas al filme pero el protagonismo de Butler les resta minutos. No creo que sea todo un problema de base generado desde el guión, sino también un tema de montaje pues faltan transiciones o da la sensación de que se han perdido escenas. Es una pena pues en dos horas de película se podrían haber ahorrado grabaciones sobre el coche y paisajismo para añadir más plomo y alegatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio de 2023. Título original: Kandahar. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Ric Roman Waugh, Mitchell LaFortune. Música: David Buckley. Fotografía: MacGregor. Reparto principal: Gerard Butler, Navid Negahban, Travis Fimmel Ali Fazal, Bahador Foladi, Olivia-Mai Barrett, Nina Toussaint-White, Rebecca Calder, Ross Berkeley Simpson. Producción: G-Base, Thunder Road Pictures, Capstone Studios, MBC Studios. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción, suspense. Web oficial: https://www.instagram.com/thunderroadpictures/?hl=es

Crítica: ‘Flash’

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Los mundos chocan en ‘Flash’ cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado… aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?

Crítica

Una reescritura del Flashpoint, el cual, de por sí ya era una reescritura

Andy Muschietti, autor de ‘Mamá’ o el remake de ‘IT’, se pasa del terror a la ciencia ficción comiquera. Mantiene su idilio con Warner Bros. y da el salto a las franquicias de DC Comics para reescribir el Flashpoint, que un cómic que ya de por si era una reescritura. Un evento vital para el personaje de Flash que se explora por unos derroteros un tanto diferentes pero que en esencia desemboca en lo mismo.

Básicamente lo que sucedía en ese evento que tuvo lugar ya en nuestro siglo y que ha sido largamente explotado en las páginas, es que Flash viajaba en el tiempo y veía que un cambio trastocaba su realidad, lo cual le llevaba a conocer a otras versiones de los míticos personajes de DC. Aquí sucede lo mismo, pero con otro detonante y otras apariciones. Para explicarlo han tirado de la retrocausalidad y echando por los suelos las teorías sobre la linealidad del tiempo. Al menos emplean una metáfora culinaria muy válida, al fin y al cabo esto es ciencia ficción. Lo importante para que este filme tenga el “OK” de los fans y sobre todo de los lectores es que se sienta como una película del Flash de Ezra Miller y a pesar del poder nostálgico y el chorreo de cameos del final, lo consigue, porque está bien medida en ese sentido.

Soy lector más de DC que de Marvel y aun así no soy de los que demandan un plan maestro para el universo de DC en el cine. Disfruto de sus películas como si estas fuesen un one-shot. Por lo que no aguardaba que se hiciese un reinicio total con esta saga que de paso allanase el camino a James Gunn. Y esto no se produce, a no ser que nos tomemos la escena previa a los créditos como una apuesta en firme. Para mí ‘Flash’ eleva el nivel, con algún pero, de una franquicia que demanda descanso para sus personajes bandera. No se pierde de vista el mundo de Tim Burton o de Zack Snyder, pero el efecto mariposa surte efecto y nos encontramos ante una película independiente del resto.

Lo que no se percibe como algo independiente es el sello de Andy Muschietti. La presencia del director de terror solo se hace patente en algunas escenas que rozan lo grotesco y lo oscuro. Quizá es porque no hay un terrorífico villano que materializar. Si sois lectores de DC sabréis que realmente el enemigo de esta historia son los propios sentimientos y dolores de los protagonistas. Pero no os preocupéis que además de conflictos interiores hay acción a diestro y siniestro. A veces parece que estos largometrajes mainstream, cargados de efectos, se crean poniendo el piloto automático, pero hace falta un director con capacidad de planificación y visión de conjunto, sobre todo cuando jugamos con galimatías y paradojas espacio-temporales. Muschietti hace que el guión funcione, incluso con las licencias que se han tomado y con un humor que nos lleva hasta el fun fact de Eric Stoltz con ‘Regreso al futuro’. Y por si fuese poco nos devuelve a títulos anteriores copiando los zooms y movimientos de cámara de ‘El hombre de acero’ o los planos y música de las películas de Burton. Pero lo que más valoro es que se ha rodado una película en la que hay trabajo doble con Ezra Miller. Salir airoso de eso es digno de reconocimiento.

Si hacemos algo de análisis transversal hay que irse al mundo real, a las taquillas españolas. Ahí es donde ‘Flash’ encontrará su verdadero rival a batir pues compite con una obra maestra como ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’. Se antoja un combate interesante pero el hecho de que la película animada parta con las maravillosas credenciales de la primera parte y que esta venga de un proyecto que ha tropezado varias veces decantará la balanza. Aún así es un filme que cautivará pues con ‘Flash’ la gran audiencia se adentrará en el mundo de los velocistas y al concepto de la Speed Force. Pero sobre por el buceo nostálgico largo tiempo demandado. Aunque repito, Batman, Superman y compañía no le quitan el protagonismo a Flash. Desde luego lo más buscado y comentado es la presencia de los Batman de Michael Keaton y Ben Affleck en la misma película. Se las han apañado como dije antes para llevarse esto al terreno del Flashpoint. Sobre todo con Keaton la cosa se viene arriba. Pero lo más comentado a posteriori serán los múltiples cameos de las diversas versiones que hemos conocido… y una que nunca llegamos a conocer, ¡que locura! Al final tenéis apartado de spoilers si lo queréis averiguar, pero respetad la experiencia de quienes quieren descubrirlo por su cuenta. Desde luego en la recta final han conseguido que me emocione y divierta. También se ha levantado expectativa con el tema de Supergirl, sobre todo desde que Henry Cavill le diese la enhorabuena a Sasha Calle. Su papel también se amolda al gran evento de Flash pero está menos presente, quizá ella sea el mayor adelanto del DCU que prepara Gunn.

Llegan los peros. ‘Flash’ se antoja demasiado larga para no ser tan compleja como cabría esperar. Durante todo ese tiempo estamos aguardando los cameos anunciados entre líneas pero llegan solo al final y aun así ya os adelanto que no hay conexión con las series del Arrowverso. Lo que más lastra el filme es la calidad del CGI que parece demasiado de videojuego. A parte, la banda sonora está demasiado presente y solo destaca cuando recupera las sintonías clásicas.

Con todas las sorpresas que hay en el filme me ha encantado ver en una producción como esta a Maribel Verdú, que aporta experiencia y remata con canción de Rosalía incluida el toque español que ya había puesto Marta Milans con ‘¡Shazam!’. Ella es el eje en torno al cual giran las motivaciones de Barry Allen y está a la altura de la madraza que ha de interpretar, con un emotivo final.

APARTADO SPOILERS

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Era de imaginar que encontraríamos guiños a las películas de Tim Burton. Aparte de Keaton, sus trajes o su Batcueva aparecen los sacos de la risa que usaba el Joker. También se hace una emotiva alusión al Alfred interpretado por Michael Gough, el cual, por desgracia nos dejó hace más de una década.

El universo de Zack Snyder es el más presente pues es el que dio vida a este Flash. El Zod de Michael Shannon ya salía en los tráilers con sus secuaces. Pero también aparecen Gal Gadot como Wonder Woman o Jason Momoa como Aquaman en los créditos. Incluso podemos decir que sale Henry Cavill aunque esté recreado por ordenador.

El propio director hace un cameo, como ya hizo en ‘IT’, en esta ocasión comiéndose un perrito caliente. Y otro que hace un cameo y al cual Flash le roba la comida es Nikolaj Coster-Waldau, el famoso actor de ‘Juego de Tronos’ y amigo del director después de haber trabajado con él en ‘Mamá’.

¿Lo más gordo? La aparición de Christopher Reeve, Adam West, John Wesley, George Reeves, Helen Slater… recreados por ordenador junto con una versión del nunca materializado Superman de Nicolas Cage. Un apoteósico final que se culmina con una escena de cierre en la que George Clooney vuelve a ser Bruce Wayne.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio de 2023. Título original: The Flash. Duración: 144 min. País: EE.UU. Dirección: Andy Muschietti. Guion: Christina Hodson. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Ezra Miller, Sasha Calle, Michael Shannon, Ron Livingston, Maribel Verdú, Kiersey Clemons, Antje Traue, Michael Keaton, Ben Affleck. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.dc.com/theflash

Crítica: ‘Una terapia de mierda’

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En 2012, dos estudiantes de biología crearon el fecomagnetismo, una parodia de las pseudoterapias que aseguraba curar todo tipo de enfermedades mezclando caca con imanes. Solo querían hacer una crítica original y divertida pero se les fue de las manos. ¿Cuánto tiempo tardaría la gente en darse cuenta de que todo era falso?

Crítica

Una trastada casi tan loca como nuestro loco mundo

Javier Polo Gandía llega de nuevo a nuestra actualidad y lo hace con un cortometraje titulado ‘Una terapia de mierda’, el cual, narra una trastada de calibre. El autor de la disparatada ‘The Mystery of the Pink Flamingo’ nos plantea esta especie de cortometraje que bien podría ser un sketch o reportaje televisivo. Una obra que ha estado ya por festivales y certámenes. Próximamente pasará por el Festival de Huesca, Cinemajove y el Festival internacional de cortometrajes y animación de Barcelona 2023. Tras lo que os voy a contar vais a querer ir a sus siguientes citas o vais a desear que aparezca en alguna plataforma de streaming.

‘Una terapia de mierda’ nos cuenta como en 2012, dos biólogos valencianos (Mariano Collantes y Fernando Cervera) crearon el «fecomagnetismo», una terapia alternativa sin parangón que predicaba ser capaz de curar enfermedades a través del uso de imanes y heces fecales. Se le ha creado página en Wikipedia, visitadla antes de que la retiren o editen. Por supuesto no es un tratamiento probado, ni efectivo, ni siquiera real. Sin embargo este corto tiene mucho de auténtico pues los dos protagonistas del filme anunciaron en múltiples foros, plataformas y círculos que habían creado este tratamiento. Evidentemente todo lo que hicieron estos científicos lo generaron con intenciones burlescas y de denuncia. Cual infiltrados nos cuentan cómo el bulo fue creciendo hasta el punto de hacerse con la atención de los más ingénuos, quienes creen en la homeoterapia o en otro tipo de pseudoterapias. Incluso acudieron a una feria de Atocha en la que se reúnen todo este tipo de crédulos o “visionarios” que se creen más listos que toda nuestra comunidad científica. Cuando esto se revela en esta pequeña película se convierte en una gran burla hacia los negacionistas, conspiranoicos y anti-ciencia. Me ha encantado la escena con el terraplanista, el anti-vacunas y la negacionista del cambio climático. Es por lo tanto una gran y valiosa llamada de atención, con una metodología de lo más punk, pero no por ello carente de validez. Es una broma a la altura del Chikilicuatre.

‘Una terapia de mierda’ es una comedia extravagante, ridícula, escatológica… Los hermanos Polo han creado algo en la línea no solo de su anterior película que analizaba todo lo kitsch sino de los más vanguardistas cómicos contemporáneos que explotan lo absurdo, como la tropa de albaceteños de la Hora Chanante (posteriormente Muchachada Niu) o de Quentin Dupieux. Es una película que parece burlesca pero que está basada en una aventura real. Os puede parecer muy loco todo esto, pero más loco es que haya quien haya mordido el anzuelo de la fecomagnetoterapia. Desde luego es una ocurrencia atrevida y constructiva a su manera. Podéis buscar los titulares de prensa que se hicieron eco de este nuevo método alternativo de terapia o del momento en que se desveló la broma. Pero más allá de instaros a investigar por vuestra cuenta o a que veáis este corto, si se os da la oportunidad, os recomiendo lo mismo que esta obra, no sigáis terapias de mierda y ved más mierdas como esta.

Trailer – Una Terapia de Mierda from Javier Polo on Vimeo.

 

Ficha de la película

Estreno en España: en recorrido por festivales. Título original: Una terapia de mierda. Duración: 12 min. País: España. Dirección: Javier Polo. Guion: Juanjo Moscardó, Ana Ramón Rubio. Música: Dani Espinet, Kquimi Saigi, Dani Bonnin, Guillem Ibáñez. Fotografía: Celia Riera Zaragozá. Reparto principal: Mariano Collantes, Fernando Cervera. Producción: Cosabona Films, Los Hermanos Polo, Inaudita Films, Wise Blue Studios, con el apoyo de ICAA, Culturarts, ÀPunt Mèdia. Distribución: en recorrido por festivales. Género: comedia. Web oficial: https://www.cosabonafilms.com/project/una-terapia-de-mierda/

Crítica: ‘Transformers: el despertar de las bestias’

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Retomando la acción y el espectáculo que han cautivado a los cinéfilos de todo el mundo, ‘Transformers: El despertar de las Bestias’ llevará al público a una aventura alrededor del mundo de los 90 con los Autobots e introducirá una facción completamente nueva de Transformers -los Maximals- que se unirán a ellos como aliados en la actual batalla por la Tierra. Dirigida por Steven Caple Jr, la película está protagonizada por Anthony Ramos y Dominique Fishback.

Crítica

Aire fresco para una franquicia anquilosada

Si contamos a ‘Bumblebee’ (2018), esta sería la séptima entrega de la saga iniciada por el director Michael Bay en 2007 que ha dejado la dirección en esta última entrega para quedarse junto a Spielberg en la producción ejecutiva de una franquicia que ya con las últimas producciones se iba haciendo repetitiva y algo cansina sin dejar de ser películas espectaculares con grandes efectos especiales y de sonido.

Debo reconocer que voy con pocas expectativas al pase de prensa de ‘Transformers: El despertar de las bestias’. No es una mala costumbre y un buen consejo para todos aquellos que vais al cine. Id sin expectativas, es lo mejor.

Nada más empezar, en los primeros 10 minutos ya se nos plantea el argumento de la película. No os lo voy a contar que para eso también están las sinopsis escritas, pero es la fórmula de siempre, nada no contado antes. Malos nuevos, buenos también nuevos y un peligro (Unicron) que amenaza con destruir la Tierra entre otros planetas.

Luego nos trasladamos a Nueva York para conocer a los nuevos protagonistas (humanos) de la peli. Me sorprende ver a Anthony Ramos, al que vi no hace tanto en el musical ‘En un barrio de Nueva York’ (2021) del que tenéis también la crítica de un servidor aquí. La pareja de baile de Anthony es Dominique Fishback, actriz más televisiva y desconocida para mí. Ambos cumplen sin más para una producción de este tipo.

En poco tiempo los conflictos que se plantean se van desencadenando para dar lugar a diferentes batallas que en esta ocasión se centran en dos escenarios. Nueva York y Perú. Se agradece la ligereza del guión, básico pero con algunas cosas que quiero destacar.

Existe un dato interesante y es que la acción transcurre en el año 1994, con lo cual, sin haber investigado mucho al respecto, ese dato y la lógica nos dice que estamos ante una precuela de la primera cinta del 2007 y ante la secuela de ‘Bumblebee’. En ese aspecto, me choca ver un Optimus Prime que no confía del todo en los humanos y que persigue sus propios (y legítimos) intereses y al que los acontecimientos cambian conforme pasa el metraje del filme que, mención aparte, se queda “muy corto” comparado con las demás: 127 minutos. Eso hace que no nos saturen de destrucción masiva, explosiones, edificios partidos por la mitad, hierros y aceite de motor hasta el punto de cansar al espectador.

Creo que el exceso de Michael Bay detrás de la acción de las anteriores películas llegó a un punto de saturación, que se vio incrementado por la larga duración de sus películas. Cierto es que el estilo de Bay se pierde en esencia con el nuevo director Steven Caple Jr. que hace las cosas bien y además se agradece refrescar una saga que no parece que quiera irse todavía visto lo visto. Y es que estamos ante la presentación de nuevas facciones como los Maximals, sus antagonistas los Predacons como los Autobots y Decepticons que se transforman en animales, y los Terrorcons que con el nombre ya nos podemos imaginar de qué pie cojean.

Por otro lado, creo que en esta película se establece el porqué de la relación de los humanos con Optimus Prime es la que es. Dejando estos detalles a un lado, nos encontramos justo con lo que vamos a ver: una aventura de Transformers, con efectos especiales a la altura, que aporta elementos nuevos que todavía no habían aparecido en la saga de películas y que si sabes lo que vas a ver tampoco creo que decepcione a nadie. Al fin y al cabo que todo el mundo recuerde que son juguetes infantiles que han trascendido a la televisión y al cine, y que tiene un público bastante definido. Como película de acción es entretenida y nos alegramos de que el metraje sea tan… contenido.

El nuevo descubrimiento para mí sería Mirage, que es el autobot más macarra, chulo pero guay que rivaliza en carisma con Bumblebee (si tuviera unas pelis más en su haber) y que aporta ese tono fresco y de humor que también caracteriza a este tipo de pelis.

Para los más fans de Hasbro, la empresa de juguetes creadora de los Transformers, esperad a los créditos para algo que aunque no es nuevo promete y lleva años comentándose en las redes. ¿Se avecina crossover? Con el tiempo lo veremos.

A los fans incondicionales les gustará y a los seguidores más cansados tras seis películas no se les indigestará e incluso habrán pasado un buen rato. ¿Pero qué hago yo sentando expectativas cuando os he dado el consejo de no crearlas?… Supongo que a veces es inevitable 😉

¡Saludos y hasta la próxima!

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2023. Título original: Transformers: rise of the beasts. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Caple Jr. Guion: Joby Harold, Darnell Metayer, Josh Peters, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Jongnic Bontemps. Fotografía: Enrique Chediak. Reparto principal: Anthony Ramos, Dominique Fishback, Tobe Nwigwe, Peter Cullen, Ron Perlman, Peter Dinklage, Michelle Yeoh, Liza Koshy, John DiMaggio, David Sobolov, Michaela Jaé Rodriguez, Pete Davidson, Cristo Fernández. Producción: Paramount Pictures, Skydance, Hasbro, New Republic Pictures, Don Murphy/Tom DeSanto, di Bonaventura Pictures, Bay Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial: https://www.transformersmovie.com/

Crítica: ‘La desconocida’

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Carolina es una joven ingenua que conoce a Leo en un chat. Él es un hombre adulto que haciéndose pasar por un chico de 16 años ha quedado con ella en un apartado parque de la ciudad. Pero a medida que Leo conoce a Carolina, empieza a sospechar que quizá ella no es tan inocente como aparenta.

Crítica

Enfermiza, retorcida… y aun con todo ello lo suficientemente malsana como para resultar preventivamente pedagógica

Adolescente (Laia Manzanares) conoce a alguien por Internet. Ese alguien (Manolo Solo) termina no siendo quien dice, ni siquiera alguien de su misma edad. Si leéis la sinopsis o veis los primeros segundos del tráiler de ‘La desconocida’ ya sabréis que el trema del que trata es el que se conoce como stalkeo en la red u online grooming. Lo que hemos llamado ciberacoso u abuso sexual online desde que navegamos en la red, que a veces el ponerle nombres en inglés sirve solo para edulcorar un tema que no tendría que tratarse con ningún paño caliente, como pasa cuando decimos bullying en vez de acoso escolar.

Solo con eso ya os he puesto en precedentes sin reventaros nada del filme. Porque así arranca la nueva película de Pablo Maqueda, con una quedada incómoda, que se antoja peligrosa y cuyas riendas por supuesto lleva el hombre que ha engañado a la joven. Un supuesto pederasta que, como nos anticipa su escena de apertura, se mueve por terrenos infantiles, como el famoso dragón de Barrio Sésamo ubicado en La Elipa de Madrid. Con todo esto, repito, no incurro en spoilers pues la película nos reserva varios giros más y se va complicando minuto a minuto.

De hecho, siguiendo nuestra línea editorial de no desvelar secretos de la trama de la que hablamos, estoy también aceptando la petición lógica que nos hace el director al principio del filme. Lo primero que vemos tras los logotipos de las productoras es un letrero que de igual modo que hizo Alfred Hitchcock con ‘Psicosis’, nos ruega que respetemos la experiencia de los que no han visto la película aún. Y no es la única referencia cinematográfica que se reserva ‘La desconocida’. Maqueda no ha llegado al punto de comprar todas las entradas de la obra de teatro en la que se basa pues esta no se encuentra disponible (Hitchcock compró todos los ejemplares de la novela original) pero al menos al iniciar su visionado nos quiere hacer cómplices de la sorpresa que nos depara.

Pablo Maqueda no ha contado con los actores de la obra teatral (‘Grooming’, 2012), que fueron en su día Nausicaa Bonnín y Antonio de la Torre pero la calidad interpretativa está igualmente al primer nivel. Laia Manzanares y Manolo Solo llevan a cabo este duelo interpretativo que nos transporta a lo más oscuro del ser humano. Llevan tanto a sus personajes como al espectador al límite con detalles de lo más escabrosos y nauseabundos. Todo este asunto, dada la premisa que nos plantean, podría ir sobre el karma y la educación sobre el manejo y exposición del mundo digital, pero va más allá. Pasiones ocultas, vicios secretos, mentes trastornadas… ‘La desconocida’ parece que más que referirse a la protagonista alude a una parte de nuestra sociedad que nos es extraña o a la que no queremos darle visos de realidad. Al fin y al cabo sirve para retratar a una parte de la ciudadanía trastocada por las fantasías o por las necesidades antinaturales que han sido creadas por una corrupción fruto de las posibilidades que ofrece la tecnología. Es una película que se hace enfermiza y malsana pero sirve de manera pedagógica para inmortalizar lo más tortuoso de nuestra psique.

La única lástima de ‘La desconocida’ es que parece que se alarga innecesariamente. Viene a nosotros esa sensación de que podría haber funcionado mucho mejor si se hubiese contado con la duración de un corto. Y es que la narrativa está poblada de flashbacks que se intercalan con el desarrollo de esa escena inicial en el paraje natural. Se rompe la tensión casi por completo aunque bien es cierto que se obtiene algo más de información sobre los personajes. Me queda la curiosidad de si funcionaría como experimento el ver un montaje en el que únicamente se dispongan las partes en las que se enfrentan Solo y Manzanares.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2023. Título original: La desconocida. Duración: 83 min. País: España. Dirección: Pablo Maqueda. Guion: Pablo Maqueda, Haizea G. Viana, Paco Bezerra. Música: Elena Hidalgo. Fotografía: Santiago Racaj. Reparto principal: Laia Manzanares, Manolo Solo, Eva Llorach, Blanca Parés, Vega Céspedes, Inés Fernández. Producción: Fórmula Cine A.I.E., Sideral, La fragua audiovisual. Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-desconocida.240

Crítica: ‘Padre y soldado’

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1917. En la colonia francesa de Senegal, Bakary se alista en el ejército francés para quedarse con Thierno, su hijo de 17 años, reclutado contra su voluntad. Juntos, padre e hijo deben luchar en la Primera Guerra Mundial en el frente en Francia, un país que no conocen y por el que Thierno está dispuesto a dar su vida. Bakary se embarca en una carrera intensa e infernal para salvar a su hijo.

Crítica

Una historia de cambios, resiliencia, de resignación y resistencia

‘Padre y soldado’ es una película bélica ambientada en 1917. No estamos hablando de aquella maravilla de Sam Mendes sino de una producción francesa que arranca en África. Allí transcurre la apacible vida de un ganadero quien junto con su hijo y familia prosperan, pero viven preocupados. La ocupación francesa hace que la sombra del belicismo planee sobre su pequeña aldea, ajena hasta entonces a la magnitud e implicaciones de la Primera Guerra Mundial.

‘Padre y soldado’ es la historia de un ser humano y su sencilla vida frente a la complejidad de los acontecimientos que han dado forma al mapa político europeo actual. Para este personaje la historia de la humanidad es muy diferente a la que conocemos en occidente, ya que no guarda relación con la Segunda Revolución Industrial, las grandes ciudades, los imperios o las codicias políticas. Su mundo gira en torno a todo aquello destinado a alimentar las bocas de su aldea, poco más.

Los soldados en la guerra echan de menos las comodidades y ocupaciones de su vida. Estos protagonistas anhelan cual hobbits su sencilla vida pastoril. Pero la película de Mathieu Vadepied (quien ya trabajó con Omar Sy cuando hizo el arte de ‘Intocable’) no está centrada en mostrar esa gran diferencia que también ponía Tolkien en relevancia cuando nos mostraba que los más sencillos y pequeños personajes marcaban la diferencia en un escenario de guerra que les era inabarcable. El guión se recrea en la relación entre padre e hijo. Las culturas tribales suelen ser patriarcales y falocentristas. Para estos soldados la guerra altera el orden de poder, las prioridades y las vías para sobrevivir. ‘Padre y soldado’ es una historia de resiliencia, de resignación y resistencia. También, tal y como declara en sus créditos finales, es un homenaje a todos esos soldados reclutados de la nada y abandonados en el olvido.

Omar Sy se encuentra en una fase de su carrera en la que quiere cubrir el rol de padre, antes o después tenía que llegarle esta etapa pues en la vida real tiene cinco hijos. Ya le hemos visto ejercer de preocupado y desesperado padre en ‘Lupin’ y aquí hace exactamente lo mismo pero con un marco muy diferente. Nos movemos entre las trincheras del conflicto acaecido en tierras europeas acompañados de un escuadrón de soldados franceses que más que reclutas habría que llamar esclavos, pues son raptados de su tierra y reclutados a la fuerza. El dilema que se le plantea es el de seguir subyugado y amoldarse a la situación o el mantenerse en sus trece de recuperar su bucólica vida. Es otra manera de ver el conflicto armado. Los protagonistas deben librar una guerra interna, familiar, paternofilial mientras han de empuñar sus armas contra los alemanes. Puede sonar a algo emotivo, altamente reflexivo, pero pese la buena idea y su gran escenografía, al igual que la música que ha compuesto Alexandre Desplat, se queda en algo modesto.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2023. Título original: Tirailleurs (Father & Soldiers). Duración: 109 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Vadepied. Guion: Olivier Demangel, Mathieu Vadepied. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Luis Armando Arteaga. Reparto principal: Omar Sy, Alessandre Diong, Jonas Bloquet, Bamar Kane, Alessandre Sy, Aminata Wone. Producción: Unité de production, Korokoro, Gaumont Télévision, France 3 Cinéma, Mille Soleils. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, bélico. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/father-and-soldier

Crítica: ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’

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Vuelve Miles Morales para el siguiente capítulo de la oscarizada saga del Spider-Verso, Spider-Man: Cruzando el Mutiverso. Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Crítica

El chute de adrenalina más cultural y artísticamente diverso de la historia de los superhéroes en el cine

Los superhéroes siguen moviéndose por el multiverso y Miles Morales no podía quedarse atrás ya que inició directamente su andadura cinematográfica presentándonos el spider-verse con ‘Spider-Man: un nuevo universo’. De hecho, el personaje ideado para los cómics por Sara Pichelli y Brian Michael Bendis aumenta el nivel con ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’ alzándose de nuevo como una obra artística apabullante que se expande de un modo inabarcable para nuestra vista. Es una orgía adrenalítica y caótica de versiones, guiños y variedad de personajes.

Los autores del filme se han dirigido al público antes de poder ver ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’ para rogarnos que no hagamos spoilers a si es que descuidad que como siempre no habrá detalles concretos de la trama o nombres específicos de cameos. Dirigiendo o escribiendo el proyecto hay un equipo experimentado en la animación procedente de obras tanto de Sony como de Disney/Marvel/Pixar. Dirigen Joaquim Dos Santos (‘La leyenda de Vox Machina’), Kemp Powers (‘Soul’) y Justin Thompson (‘Spider-Man: un nuevo universo’). Han escrito el guión Phil Lord (‘La LEGO película’), Christopher Miller (‘Los Mitchell contra las máquinas’) y Dave Callaham (‘Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos’). Una extensa lista que nos describe a un equipo con un curriculum heterogéneo en el campo de la animación que ha desarrollado una película con gran riqueza en lo que se refiere a la diversidad. Desde luego no le faltan acentos.

Este es un multiverso que en cantidad y variedad no se anda con chiquitas. Como adelantaban los tráilers ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’ tiene un sinfín de alternativas y ello es sobre todo, además de por la tarma, por los años que tiene el personaje y en consecuencia por el abanico artístico que han tenido que desplegar. Algunos podrán achacar esto a temas woke pero solo hay que remitirles a la trayectoria histórica de la franquicia en los cómics. Esta nueva película de Sony en asociación con Marvel supone una inconmensurable mezcla de dibujos, técnicas y estilos. Recorremos los mundos de Spider-Man yendo desde las páginas originales, pasando por el stop motion hasta llegar a la animación digital de la más extenuante complejidad. Sin duda ha enriquecido la franquicia, aún más si cabe, la presencia de artistas de las películas de LEGO o más acostumbrados a la animación tradicional. Pero no todo es modernizar pues los más puristas de los cómics podrán reconocer la influencia de los trazos de Ditko, McFarlane, Saviuk, Copiel o Andru, entre muchísimos otros. Son tantos los fotogramas que nos dejan boquiabiertos que de ella sacaría cientos de wallpapers, murales, camisetas… Hay que verla en pantalla grande o te pierdes decenas de cosas.

Aunque tiene sus muchos momentos de bajona dramática la película es un chorreo de acción trepidante, hiperactiva e incluso epiléptica. Habrá que ver más de una vez ‘Spider-Man: cruzando el multiverso’ para disfrutar todos sus detalles. Y se hará gustosamente pues como siempre en las historias de Spider-Man, hay comedia y drama a partes iguales. En las dos horas y veinte minutos que dura hay tiempo para todo, no obstante esta nueva entrega se percibe mucho más dramática.

Hay que ir más allá del guiño al famoso meme de los múltiples Spider-Man que aparecía en la escena post-créditos de la primera parte (por cierto, que esta secuela no tiene ninguna escena añadida). Tener tantas versiones de un personaje tan castigado nos lleva a elevar a la enésima potencia los traumas pero también las bromas tontorronas y pueriles. La trama hace que Miles Morales tenga que viajar a través del spider-verse para salvar de nuevo la situación. Esta vez el objetivo es salvar “el canon”, es decir, evitar que la realidad de las distintas versiones existentes se vea alterada. Si os gustó ‘Fringe’ no me cabe duda de que disfrutaréis esta nueva aventura del Spider-Man puertoriqueño. Es todo un disfrute para aquellos que creen o se recrean con la teoría de cuerdas. El cómo se topa con este problema o quién lo produce es algo que deberéis descubrir en el filme. Os toparéis con nuevas alternativas como el Spider-Man 2099, el Spider Punk o el Scarlet Spider pero no olvidemos a Spider-Gwen ya que de nuevo es de vital importancia, de hecho, la película arranca con ella.

Todos esos nombres nos harán buscar listas de guiños o huevos de pascua. Saldrán en las redes y van a ser kilométricas. Os encontraréis desde detalles del juego de PS5, pasando por el famoso beso del revés, el Spider-Man con la bolsa en la cabeza, la portada de su grapa de orígenes, fotogramas de acción real, la dependienta de la licorería de Venom e incluso en múltiples ocasiones el movimiento Black Lives Matter.

La buena noticia, además de todo lo que es capaz de hacer que nos recreemos en diferentes sentidos, es que tenemos un final abierto, quizá excesivamente en suspense. Esperemos que no nos pille otra pandemia de por medio y no tengamos que aguardar otros cinco años más para ver la próxima entrega que se llamará ‘Spider-Man: más allá del multiverso’.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de junio de 2023. Título original: Spider-Man: Across the Spider-Verse. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin Thompson. Guion: Phil Lord, Christopher Miller, Dave Callaham. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Oscar Isaac, Jake Johnson, Issa Rae, Brian Tyree Henry, Luna Lauren Velez, Rachel Dratc, Andy Samberg, Shea Whigham, Jason Schwartzman, Daniel Kaluuya, Karan Soni, Jorma Taccone. Producción: Sony Pictures Animation, Marvel Entertainment, Arad Productions, Lord Miller, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.acrossthespiderverse.movie/

Crítica: ‘Los Caballeros del Zodiaco’

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Basada en el superéxito del anime, Los Caballeros del Zodiaco, lleva por primera vez a la gran pantalla la saga de Saint Seiya en acción real. Seiya (Mackenyu), un testarudo adolescente callejero, se pasa el tiempo luchando por dinero mientras busca a su hermana secuestrada. Cuando en una de sus peleas se le revelan poderes místicos que desconocía, Seiya se ve inmerso en un mundo de santos en guerra, antiguos entrenamientos mágicos y una diosa reencarnada que necesita su protección. Para sobrevivir, tendrá que aceptar su destino y sacrificarlo todo para ocupar el lugar que le corresponde entre Los Caballeros del Zodiaco.

Crítica

Un inmerecido live action para una saga mítica y mitológica

El manga escrito e ilustrado por Masami Kurumada es harto conocido en el mundo entero por su adaptación a serie anime. ‘Los Caballeros del Zodiaco’ es una de las míticas, clásicas y obligatorias historias que tienes que ver si te gusta la animación japonesa. Ahora le ha llegado el turno de tener un live action, como ha pasado, está pasando y pasará con otros títulos de nuestra infancia, nos guste o no.

Tomasz Bagiński fue fichado para esta producción por su saga de cortos ‘Legendy Polskie’ y por haber participado en las adaptaciones de ‘The Witcher’. El guión de esta historia ha corrido a cargo de Josh Campbell ‘Calle Cloverfield 10’, quien fue también montador de películas como ‘La Liga de los Hombres Extraordinarios’ o ‘Blade 2’. Junto a él como guionistas han trabajado también los productores responsables de ‘G.I. Joe’ o las terceras partes de ‘La Momia’ y ‘Cars’. Con todo ese historial os podéis imaginar cómo ha salido esta versión en acción real. A pesar de estar involucrado Toei, el estudio propietario de las adaptaciones al anime de tan mítico manga, la película está tristemente a la altura de los live action de ‘Tekken’, ‘Death Note’ y similares.

Nos cuentan la historia de los caballeros de bronce intentando proteger a la reencarnación de Atenea, la cual en otra vida se enfrentó a los Dioses con el poder de las estrellas, derrotando a los caballeros dorados. Como en el anime la idea es la creación de una nueva estirpe de caballeros que la protejan, centrándose en Seiya el Caballero de Pegaso, en sus primeros pasos como guardián y en la búsqueda de su hermana. No juega a favor de esta película que ha costado sesenta millones de dólares, que nos recreen una historia de orígenes estándar, de esas de las que ya estamos cansados. Al menos no se han dedicado a meter chistes y comedia a lo Marvel convirtiendo esto en otra bufonada más. Se pinta al protagonista como un luchador callejero y se le enfrenta a los clásicos sparrings, como ha sido siempre el personaje de Casios. Sobre todo se ha aspirado a trasladar a la actualidad la historia pero se ha hecho ineficientemente. No nos llevemos las manos a la cabeza, este no es un nuevo ‘Dragonball Evolution’, pero lo roza.

Al menos se respeta el espíritu incansable de Seiya y los caballeros no llevan las armaduras a la espalda en esas cajas que hoy en día les haría parecer empleados de una empresa de repartos a domicilio. Aparecen personajes como Marin, Sienna, Alman Kido, Guraad, Mylock, Seika… pero no el resto de caballeros protagonistas que hacían de esta una aventura que nos hacía imaginar y jugar de pequeños, aunque la presencia de uno de deja entrever. Se ha adelantado la aparición de Nero/Fénix (Diego Tinoco) que es el villano de esta primera entrega que veo difícilmente que cuaje y progrese como saga. Curiosamente el personaje que interpreta Famke Janssen (Guraad) está cambiado de sexo y además trabaja codo con codo con el Caballero de Fénix, recordemos que ella terminó siendo Fénix Oscura en ‘X-Men: la decisión final’.

Es lógico que no salga el resto de caballeros de cobre pues se supone que es una adaptación de los primeros episodios, del primer gran logo de Seiya en la Saga del Santuario. Y aún abarcando tan pocos episodios se olvida de elementos esenciales como el Patriarca y trastoca los eventos importantes, como la irrupción de Fénix en la historia. No se hereda la magia y la mitología que tenía la serie. Lo realmente interesante, lo que ha hecho famosos a ‘Los Caballeros del Zodiaco’ viene en arcos argumentales posteriores. Mucho han confiado en que este producto prospere, me da que nos quedamos sin ver el recorrido por las Doce Casas. Bien es cierto que si ves la serie de adulto esta pierde pues se hace aburrida ya que tenía un ritmo lento, excesivamente cortante con la acción. Ahora se ha intentado hacer algo más movido pero en esa intentona se ha perdido el encanto.

‘Los Caballeros del Zodiaco’ está tan torpemente adaptada y actualizada que parece hecha con cualquier borrador de guión, como si hubiese prisa por hacerla y no perder los derechos de la historia, algo como lo que sucedió con ‘Los 4 Fantásticos’ de Roger Corman. La única escena que merece la pena es la formación con Marin de Águila que es la única que además calca momentos del anime. Esta película a veces parece un trabajo hecho por fans, sobre todo por ciertos efectos digitales en los que se recrea. Pero más que por su calidad es por su concepción, colores e implementación con el entorno. No pegan las armaduras con elementos modernos como armas de fuego, coches de vanguardia, aeroplanos que parecen naves espaciales, experimentos científicos… El diseño de producción es similar al de esas películas que nos llegan desde China sobresaturadas de retoques digitales.

En el apartado de huevos de pascua tampoco hay mucho que decir. Nero luce en su oreja un pendiente que es como la terminación de las cadenas del Caballero de Andrómeda, que es su hermano Shun. Y aparece el amuleto de la armadura dorada de Sagitario, que como fan de la serie sabrás lo importante que es y lo cual demuestra unas intenciones claras de seguir con esto, aunque sus primeras cifras internacionales no avalan el proyecto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Título original: Saint Seiya: Knights of the Zodiac. Duración: 112 min. País: Japón. Dirección: Tomasz Bagiński. Guion: Josh Campbell, Matthew Stuecken, Kiel Murray. Música: Yoshihiro Ike. Fotografía: Tomasz Naumiuk. Reparto principal: Mackenyu, Famke Janssen, Madison Iseman, Diego Tinoco, Mark Dacascos, Nick Stahl, Sean Bean. Producción: Stage 6 Films, Toei Animation, Convergence Entertainment, Hero Squared, Sola Entertainment, Sony Pictures, Takz Film. Distribución: Sony Pictures. Género: aventura, fantasía, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/kotzmovie/?hl=en

Crítica: ‘FUBAR’

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Schwarzenegger en una comedia de acción de corte ligero y algo bobalicona

El próximo 7 de junio Netflix estrenará un nuevo documental sobre Arnold Schwarzenegger en formato de serie narrando su vida. Pero antes, el 25 de mayo, podremos ver al mítico héroe de acción en una serie en la misma plataforma. ‘FUBAR’ es una obra de Nick Santora (‘Prison Break’, ‘Reacher’, ‘Punisher 2’) que a lo largo de ocho episodios comprobaremos cómo el actor, otrora primera espada de los blockbusters, se adapta de nuevo a los tiempos que corren como ya hizo en su día y en múltiples ocasiones pasándose a la comedia o al cine familiar.

‘FUBAR’ nos ofrece esa imagen del “Chuache” encendiéndose un puro a lo ‘El último gran héroe’ pero deja patente que el intérprete austriaco ya no es el mozalbete cachas que empuñaba la espada de Conan o la recortada del T-800. Aunque hay que decir que muchos cogerán el guiño a la película de John McTiernan con la resolución del tiroteo final. Bajo la dirección directores como Phil Abraham (‘Hunters’, ‘Jack Ryan’, ‘Daredevil’) se introduce en el papel de un agente secreto. A sus setenta y cinco años Schwarzenegger hace de sesentón que está a punto de dejar su agencia de espías y que como tapadera regenta un negocio de venta de productos de fitness, haciendo honor a su amor por el culturismo.

Esta no es más que una comedia de acción, que tanto en sus gags como en sus tiroteos o explosiones se muestra bastante ligera. Y quizá para entender el tono de esta serie hay que indagar primero en el significado de su título. FUBAR originalmente era el acrónimo de Fucked Up Beyond Repair/Recognition. Posteriormente evolucionó a Fucked By Assholes in the Rear y se popularizó ya que el ejército lo empezó a usar y acabó apareciendo en películas como ‘Tango y Cash’ y ‘Salvar al soldado Ryan’. Básicamente nos viene a decir que los protagonistas están constantemente en situaciones peliagudas o comprometidas por culpa de ser o de perseguir a unos capullos.

Hablando de capullo. ¿Os acordáis de aquella escena de ‘Los padres de ella’ en la que Ben Stiller enseñaba sin querer a un niño ese insulto? Pues durante buena parte de esta serie el papel de Schwarzenegger es igual que el de De Niro. Es un agente mayor, gruñón, anticuado y que usa lo que está a su alcance para indagar de manera ilícita en la vida de sus familiares. En ese sentido el papel que lleva a cabo es muy entrañable. Pero si buscamos un símil para saber por donde van literalmente los tiros lo encontramos en la filmografía del propio Schwarzenegger. ‘FUBAR’ se parece a ‘Mentiras arriesgadas’. Pasan cosas con la familia, los propios compañeros de su agencia se hacen pasar por amigos para mantener su tapadera, usa lo recursos del estado para espiar a su esposa… Incluso hay un papel para Tom Arnold.

La trama va de una relación paternofilial (coprotagonizada con Monica Barbaro) y por casualidades del destino se parece a la de ‘Fast & Furious X’ pues el hijo de un antiguo objetivo (Gabriel Luna) busca venganza a toda costa contra los protagonistas. Pero no tenemos acción explosiva sino peleas soft rodeadas de un humor bastante tontorrón. ¡Ah! y dramón cancerígeno muy mal justificado en el episodio cinco. La cuestión es que ‘FUBAR’ se hace entretenida y promete más. Pero también demuestra que Arnold no está para estos trotes y con o sin recurrir a las ya clásicas cancelaciones de Netflix quizá no se estrene segunda parte.

Crítica: ‘Extraña forma de vida’

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Un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Creek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes ambos, el sheriff y Silva, el ranchero que cabalga a su encuentro, trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad…

Crítica

Un flirteo con el western que podría haber ido a mayores

Pedro Almodóvar sigue con su aventura de rodar completamente en inglés y lo hace con un western titulado ‘Extraña forma de vida’. El director manchego de momento no se lanza a una producción de más duración y se mantiene en el formato cortometraje como ya hizo con ‘La voz humana’ protagonizada por Tilda Swinton. En esta ocasión amplía el número de protagonistas y nos trae dos de excepción como son Ethan Hawke y Pedro Pascal. Actores en estado de gracia y con una manera muy diferente de interpretar. Aumenta con ello la complejidad de su rodaje, dentro de una temática que siempre ha trabajado pues siempre ha tocado temas LGTB y con una escenografía que le es completamente nueva.

Probablemente con ‘Extraña forma de vida’ Almodóvar esté quitándose una espinita, el rodar un western en un lugar tan clásico y mítico como Almería, en el tantas veces inmortalizado desierto de Tabernas. Evidentemente, nada más verse esta película ya se está comparando o equiparando a ‘Brokeback mountain’. Pero hay que señalar que ese proyecto casi lo dirigió él en su día y lo rechazó ya que la historia no llevaba la deriva que a él le habría gustado, sobre todo porque no tenía el control artístico total sobre la obra. Él ya ha dicho tras presentarla en Cannes que lo suyo son vaqueros, no pastores, como sucede en la película de Ang Lee, una manera sutil de esquivar a aquellos que establecen esas relaciones en busca de generar polémica.

‘Extraña forma de vida’ es un coitus interruptus en varios sentidos. El cine de Almodóvar nunca se ha cortado un pelo y ha sido siempre capaz de sonrojar a los más recatados e irritar a los más ultraconservadores. Parecía que íbamos a tener algo más explícito y que se sacaría partido de escenas de cama entre Hawke y Pascal pero el director ha optado más por la sutileza y las escenas suavemente interrumpidas. No obstante hay un breve regalo para quienes tengan a Pascal como su crush. Por otro lado el final también supone una invitación para que el espectador construya por si mismo el futuro de los protagonistas pues se queda con una sentencia abierta, con una reflexión sin respuesta. Parece que estamos ante algo episódico, falto de más argumentación y discurso.

Probablemente Almodóvar haya hecho este corto influenciado o animado por ‘First Cow’ de Kelly Reichardt, la cual fue para el director una de las mejores películas según su ranking de 2020. Igualmente trata sobre la relación de dos hombres que están en algún sentido fuera de su época y la narrativa no muestra ninguna prisa. Pero más allá de lo que argumentalmente nos lleva a la temática homosexual, está lo visual. La película está producida por Saint Laurent lo cual, evidentemente se nota en el diseño de vestuario. Predominan los colores vivos, las ropas nuevas en actores que parecen más modelos metrosexuales que los clásicos cowboys aguerridos y polvorientos. Con tal cromatografía e inmaculado vestuario no he podido evitar acordarme del Handsome Stranger de Arnold Schwarzenegger. Es una manera diferente de ver una época de la que no nos han llegado fotografías en color por razones evidentes. Con respecto a esto hay toda una declaración de intenciones desde el mismísimo principio con el plano a Manu Ríos interpretando la canción cantada realmente por Caetano Veloso, si no me equivoco.

La película tiene otras alusiones estéticas. En determinado momento Pascal y el actor que interpreta a su hijo emulan la famosa escena de John Wayne en ‘Centauros del desierto’. Tampoco faltan remembranzas hacia las tierras manchegas con una escena en una bodega que bien podría ser de Mexico, de Andalucía o de algún lugar transitado por Don Quijote. Y además en lo auditivo el filme cierra con un tema que Alberto Iglesias ha compuesto para que volvamos a aquellas grandes películas del Spaghetti Western. Todo esto nos habla de gustazos personales que Pedro Almodóvar se puede haber dado o que yo creo haber detectado. Pero percepciones personales a parte, creo que va a ser más unánime la sensación de que a ‘Extraña forma de vida’ le falta algo más.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2023. Título original: Extraña forma de vida. Duración: 31 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, Jose Condessa, George Steane, Manu Ríos, Pedro Casablanc, Sara Sálamo, Erenice Lohan. Producción: El Deseo, Saint Laurent. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, western. Web oficial: https://bteampictures.es/extrana-forma-de-vida/

Crítica: ‘Los osos no existen’

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Dos historias de amor paralelas en las que las parejas se ven frustradas por obstáculos ocultos e inevitables, la fuerza de la superstición y la mecánica del poder.

Crítica

Desde al metaficción Panahi se enfrenta osadamente a la realidad de su país

Se podría decir que Jafar Panahi es o bien un temerario o bien un audaz director. En semiclandestinidad ha rodado ‘Los osos no existen’ pues la actualidad en Irán no hace fácil contar su historia. No por lo menos es difícil hacerlo con total libertad y muestra de ello es que al poco de terminarla Panahi fue condenado a seis años de cárcel. No es fácil ejercer tu arte en un país que te censura, sobre todo cuando realizas cine social y protesta. El director ha sido condenado también a estar veinte años sin rodar películas, dudo mucho que dicha sentencia pueda aplacar el carácter subversivo de este artista alentado con reconocimientos como el recibido al ganar el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia 2022.

Es tremendo que en pleno siglo XXI haya personas condenadas por hacer su arte y expresar lo que piensan, tomemos nota pues esto pasa hasta en España y la gente está como si nada asumiendo la mordaza que nos pusieron en 2015. Curiosamente el mismo día que veo esta película salta la noticia: el director Mohammad Rasoulof, recientemente liberado de prisión por criticar en redes a su país, tiene prohibido salir de Irán para acudir como jurado al Festival de Cannes. Pero eso no preocupa o conmueve a el grueso de la ciudadanía de occidente. Películas como esta han de seguir viajando por el mundo para hacernos ver que el homo digitalis se está deshumanizando al dejar que las máquinas piensen por él. Se supone que con las redes somos una aldea global con la que accedemos a lo que pasa en otros países, pero los algoritmos hacen que nos pongamos una especie de anteojeras para burros y no veamos más allá de lo que cotidianamente nos interesa. ‘Los osos no existen’ nos muestra una vez más que hay historias diferentes e igual de valiosas a lo largo del globo terráqueo.

Jafar Panahi muestra con este filme las dificultades que encuentra en su país. Obstáculos para rodar, para ser artista e incluso para amar. El cineasta se interpreta a sí mismo y con ello genera una especie de metaficción en la que se enfrenta a anticuadas creencias populares y a los recelos de los poderosos. ‘Los osos no existen’ sigue de manera simultánea y paralela dos historias. Por un lado al director que se encuentra en un remoto y fronterizo pueblo intentando rodar a distancia una película pero su comportamiento, más osado y moderno que el de los lugareños, le causa enfrentamientos con los líderes regionales. Y por otro lado el romance de sus protagonistas, que redundando con la situación de Panahi, intentan huir del país. El filme se alza así como un alegato hacia todo lo que se ama y el miedo a ser atrapado por los supuestos osos que vigilan porque ni ames ni escapes.

Curioso es ver todo el folclore iraní y curioso, además de atrevido, es ver como de manera autorreferencial Panahi cuenta su historia. ‘Los osos no existen’ se postula más compleja que acuciante. Sus escenas no retratan con extrema gravedad la problemática de la república islámica pero son suficientemente mordaces como para dejar entrever un clamor por más cambio, por más actualizaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo 2 de junio de 2023. Título original: Khers Nist (No Bears). Duración: 107 min. País: Irán. Dirección: Jafar Panahi. Guion: Jafar Panahi. Fotografía: Amin Jaferi. Reparto principal: Jafar Panahi, Naser Hashemi, Vahid Mobaseri, Bakhtiar Panjei, Mina Kavani, Narjes Delaram, Reza Heydari. Producción: JP Production. Distribución: La Aventura. Género: drama. Web oficial: https://laaventuracine.com/proximamente/

Crítica: ‘Tubular Bells, 50 aniversario’

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El icónico disco “Tubular Bells” de Mike Oldfield asaltó el mundo de la música en su lanzamiento en 1973, convirtiéndose en el álbum instrumental más vendido de todos los tiempos de la historia del Rock. Era el primer álbum del músico multinstumentista grabado en estudio que compuso a los 17 años. 50 años después continúa vendiendo más de 100,000 álbumes por año, con un total de 17.5 millones de copias vendidas en todo el mundo y 18 millones de reproducciones.

Crítica

Demasiado foco en cómo se hizo el tributo circense y muy poco a la relevancia del mítico álbum

El director novel Matt Hargreaves ha querido rendir homenaje a la que se considera la obra maestra de Mike Oldfield, el álbum ‘Tubular Bells’. A través de un concierto, entrevistas y la narración de otro ilustre británico como Bill Nighy, nos devuelven a aquel onírico y rompedor sonido que hace cincuenta años causó sensación. Pero ese regreso es solo en sus primeros y últimos minutos.

Mikel Oldfield tiene hoy en día setenta años y grabó este disco a sus diecinueve, en el 73. Sin duda es la obra de un genio de la música, de un auténtico luthier u hombre orquesta. Prueba de ello es que de ‘Tubular Bells’ se han llegado a vender más de 100.000 álbumes al año, alcanzando un total de 17 millones de copias vendidas en todo el mundo y si hablamos en códigos actuales debemos decir que tiene 18 millones de streams. Su popularidad es indudable, su huella en la cultura popular indeleble, sobre todo desde que a William Friedkin introdujere uno de sus temas en ‘El exorcista’.

Ahora que se cumplen cincuenta años de la grabación de ese álbum se estrena en cines este documental. Se ha aprovechado ese aniversario para estrenar este largometraje que realmente está dedicado sobre todo al show que se celebró en 2021 con bailes, acrobacias y arreglos que supusieron una celebración apoteósica, así queda reflejado en calidad 4k. Los últimos minutos de ‘Tubular Bells, 50 aniversario’ nos muestran fragmentos de esa representación que tuvo lugar en el Royal Festival Hall de Londres. Un concierto en el que Mikel Oldfield no quiso involucrarse pero al cual dio su bendición pues la propuesta era convertir su música en una especie de Ballet, algo diferente que llamó su atención, igual que en su día llamó su atención el sonido de Luar na Lubre y se gestó el famoso O son do ar. Es decir, este fue un experimento más, no un festejo de aniversario como se pretende vender con este título.

‘Tubular Bells, 50 aniversario’ cuenta con testimonios de los productores y músicos de ese espectáculo. Por supuesto también de algunas personalidades de la música que dan fe de lo bien que ha envejecido este disco que aún hoy en día sigue sonando fresco. Ellos narran solo al comienzo cómo fue la gestación de ‘Tubular Bells’, cuál fue la acogida que recibió en la época y qué legado ha dejado. Pero nos llevamos una gran decepción ya que esta es una película mucho más centrada en la creación del espectáculo que a ‘Tubular Bells’ en sí mismo. Es una grabación en la que vemos cómo se produce un show como este, centrándose en los puntos de desacuerdo entre el director de la orquesta (Robin Smith) y el de la coreografía (Yaron Lifschitz).

Que Mike Oldfield es uno de los artistas más importantes de nuestra historia contemporánea está claro. Pero el documental es más la gestación de un show circense que el ensalzamiento que ‘Tubular Bells’ merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2023. Título original: Tubular Bells 50th Anniversary Tour. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Matt Hargreaves. Guion: Matt Hargreaves. Música: Mike Oldfield. Fotografía: Will Knights. Reparto principal: Bill Nighy, Mike Oldfield, Tom Newman, Richard Branson, Yaron Lifschitz. Producción: Ibb Media. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-tubular-bells-50th-anniversary-tour

Crítica: ‘Juan Carlos: la caída del rey’

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Refrescando y re-argumentando lo que ya era vox populi

Este lunes 22 de mayo se estrena en SkyShowtime el primer capítulo de la miniserie documental ‘Juan Carlos. La caída del rey’. Una producción gestada en Alemania de cuatro episodios que serán estrenados poco a poco cada lunes y de los cuales hemos podido ver ya los dos primeros. Esta reveladora obra está producida por Christian Beetz (autor del documental sobre el declive de la Unión Soviética, ‘Farewell Comrades!’) y dirigida por Anne Von Petersdorff (‘Wanderlust, female bodies in transit’) contando también con la autoría de Pedro Barbadillo (‘Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren’).

Lo que cuenta este documental puede levantar ampollas, no me extraña que en los títulos de crédito Sky y sus creadores se laven las manos indicando que lo que aquí se dice es la opinión de los entrevistados, no las suyas propias. Cada uno puede sacar sus conclusiones con este reportaje en forma de serie pero bien es cierto que lo que se dice encaja la mar de bien aunque no habría estado de más mostrar más pruebas, de eso os hablaré más abajo.

El pueblo español es bien conocedor de los errores de su rey emérito. En mayor o menor medida todo ha sido desvelado pero muchos o bien se niegan la verdad o necesitan más evidencias. Incluso para gran parte de los ciudadanos todo lo que está tras bambalinas de la corona le es desconocido. ‘Juan Carlos: la caída del rey’ viene a ordenar todo lo que ha pasado y a exponerlo a través de las declaraciones de aquellos que han querido participar. El documental no cuenta con los testimonios de Felipe VI ni de Juan Carlos I ya que estos han rehusado aparecer.

Se abre la serie con lo que supuso toda una vergüenza a nivel internacional, la huida del país precedida de errores, escarceos, tropezones literales… Juan Carlos I fue colocado en su puesto por Franco para recuperar la tradición medieval de la monarquía y venía a alzarse como el estandarte de la democracia. Pero ha terminado con una imagen de infiel, cazador, embaucador… Al final en vez de ser icono de la modernidad y lo correcto ha acabado representando lo viejo y rancio que en otros países se está tendiendo a dejar atrás. Política al margen, lo que más le molesta a la población es su opacidad e inviolabilidad, su hipocresía hablando de rectitud y ejemplo en tiempos en los que la población pasa hambre y paga sus impuestos religiosamente. Esta serie viene a retratar al más bribón de los Borbones a través de sus “vida en B”.

No admite debate su papel en el 23F, la transición o en muchísimas relaciones internacionales. En mi opinión la serie no ha llegado para echar por tierra el trabajo que Juan Carlos I hizo en el último cuarto del siglo XXI. Se adentra más en su vida personal pero tratando que este no sea un producto amarillo o del corazón. Y eso lo hace mostrando el impacto que ha podido tener la vida oculta que ha llevado para España y los españoles. Para ello se centra en su supuesto magnetismo con las mujeres, acaparando los focos la figura de Corinna zu Sayn-Wittgenstein que habla largo y tendido delante de las cámaras. Pero son personas como Rebeca Quintáns López, Javier Bleda o Jaime Peñafiel quienes hacen las afirmaciones más fuertes al respecto.

El montaje habla de determinados acontecimientos ordenándolos de tal manera que se inclina la balanza a favor de las teorías más conspiranoicas, poniendo los tejemanejes del Rey y sus espías a la altura de la muerte de Diana de Gales. Hay muchas insinuaciones, relacionadas con experiencias propias o acontecimientos reales, pero sin pruebas físicas, como decía, por lo menos en los dos primeros episodios. Pero nos dejan entrever que hay mucho material comprometedor, pues se muestran unas cajas negras repletas de documentos y que le sirven a Corina como seguro de vida y evidencias de la profunda relación que siempre ha afirmado tener con Juan Carlos I.

Seguro que con los años tendremos algún culebrón o adaptación para este juego de tronos. Corina afirma haber sido víctima de operaciones del CNI, el cual, siempre ha tratado supuestamente de arrebatarle toda la información sensible o incluso asesinarla. Ella admite abiertamente haber sido amenazada. Por supuesto llegados a este punto aparece la figura de Villarejo y se habla de Bárbara Rey y de Sandra Mozarowsly. No me extraña que Javier Ayuso (periodista que fue exdirector de Comunicación de la Casa del Real) se defina en esa época como bombero ya que “estaba todo el día apagando fuegos”.

Puede sonar a que ‘Juan Carlos: la caída del rey’ centra su metraje en tirar su figura por los suelos. Pero entrevista a personalidades como el expresidente Aznar, Philip Adkins (su amigo presente en la famosa cacería del elefante) o el banquero Mario Conde que le defienden a capa y espada. Pero dado lo que se pone sobre la mesa no me cabe duda de que esta serie es toda una generadora de republicanos.

Crítica: ‘Fast & Furious X’

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Durante numerosas misiones más que imposibles, Dom Toretto (‘Vin Diesel’) y su familia han sido capaces de ser más listos, de tener más valor y de ir más rápido que cualquier enemigo que se cruzara con ellos. Pero ahora tendrán que enfrentarse al oponente más letal que jamás hayan conocido: un terrible peligro que resurge del pasado, que se mueve por una sangrienta sed de venganza y que está dispuesto a destrozar a la familia y destruir para siempre todo lo que a Dom le importa.

En Fast & Furious 5, de 2011, Dom y su equipo derrotaron al notorio rey brasileño de la droga, Hernán Reyes, y acabaron con su imperio en un puente de Río de Janeiro. Pero no saben que Dante (Jason Momoa, ‘Aquaman’), el hijo de Reyes, lo vio todo y ha pasado los últimos doce años planeando cómo hacérselo pagar a Dom.

El complot de Dante desperdigará a la familia de Dom desde Los Ángeles hasta las catacumbas de Roma, de Brasil a Londres, y de Portugal a la Antártida. Aparecerán nuevos aliados y reaparecerán viejos enemigos. Pero todo cambiará cuando Dom descubra que su hijo de ocho años (Leo Abelo Perry, la serie ‘Black-ish’) es el objetivo escogido por Dante para saciar su sed de venganza.

Crítica

Se pasa volando de lo furiosamente inverosímil que es

La saga ‘Fast & Furious’ pasó de ser una serie de películas para poligoneros y fans del tunning con una trama a lo ‘Point Break’ a volverse loca en la cuarta entrega sucumbiendo a la ciencia ficción y la acción más disparatada, siendo una especie de saga Bond de pandilleros. También pasó de llamarse en España ‘A todo gas’ para recuperar el título original, pero no entraremos en eso. La pauta común es que los protagonistas son una especie de mercenarios reunidos en una suerte de banda callejera u organización que ahora resuelve misiones para salvar el mundo. La dinámica es la misma que la macarrada de ‘xXx’ que también protagonizaba Vin Diesel, es decir, usar a los malos para pillar a los malos en misiones mortíferas y disparatadas, lo cual también puede recordar a ‘El Escuadrón Suicida’.

Louis Leterrier es el director, nuevo en la franquicia y encargado de dirigir las películas que se supone que le van a dar fin a la historia de Toretto y compañía, excluyendo los spin-offs que puedan venir a posteriori pues la franquicia ha demostrado ser rentable. Mínimo está asegurada una más porque esta termina totalmente en vilo. Esperemos que no cancelen el proyecto antes de materializarse pues este director ya ha sufrido cancelaciones como la de ‘Cristal Oscuro’, ‘Furia de titanes’ o su versión de Hulk, aunque en su defensa hay que decir que fue quien arrancó con éxito la saga ‘Transporter’ y que Universal ya habrá guardado caja para producir lo que quede indistintamente de los resultados en taquilla cuyas previsiones se antojan muy buenas. Aunque viendo la escena final y la post-créditos no estoy muy seguro de cuánto dinero les ha quedado.

‘Fast & Furiois X’ retoma los acontecimientos de la quinta entrega y entra en escena Jason Momoa, quien interpreta al hijo del villano derrotado en esa película y ahora busca venganza acabando con la “familia” de Toretto. Es por eso que Momoa lleva a cabo el guiño al “this is Brasil” de Toretto, rodeado de pistolas y coches. Lo que sucede en ‘Fast & Furious 5’ es el disparador e hilo conductor de la historia de ‘Fast X’, pero por supuesto hay personajes y elementos de toda la franquicia. Con todo y con eso Momoa es el que se lleva toda la atención con un villano de lo más kitsch que parece que todos los días desayuna ración de Joker.

Teniendo en cuenta que en la novena entrega fueron al espacio (a lo ‘Sharknado’, otra producción de NBC Universal) cabía preguntarse cómo de locos se han vuelto en ‘Fast & Furious X’. Ya de por si resulta difícil decir algo sobre esta saga que no se haya dicho a día de hoy, así es que tampoco me esperaba que hiciesen algo que no se hubiese hecho ya. Volvemos a tener muchas peleas, persecuciones, vuelos, explosiones, tiroteos… todo lo que se te pueda ocurrir, pero sin llegar a superar la exosfera, parece que con eso han tocado techo.

No obstante no faltan los giros locos con regresos, traiciones, rescates en el último momento… A veces parece sacado todo del manual del buen culebrón. Las líneas de texto son planas, prefabricadas y empalagosas cuando se ponen tiernos o intensitos. Pero es más preocupante la falta de cuidado con el montaje y el racord. A veces no sabes cómo o en cuánto tiempo han llegado los personajes de la A a la B. Pero si hay algo que brilla aún más por su ausencia es el sentido de la física, pero lo dicho, nada que no se haya dicho antes. Esta saga es para aquellos a los que ver a Bruce Willis derribando un helicóptero con un coche les parece poco.

El gran problema de esta entrega, si obviamos que es una locura tras otra, es que los efectos son peores que en otras anteriores disponiendo de más de un croma casi amateur. De algún sitio había que recortar para poder pagar a todo el reparto, sorpresas incluidas. No se que es más increíble, que se pueda pagar el caché de todo el elenco o que la saga siga estrenando entregas porque hay un momento en el que se hace un repaso a toda la historia y es cuando todo el mundo debería darse cuenta de lo majadera que es. No todo vale.

Como perla final. En este aniversario de la saga han querido homenajear a Paul Walker, además de rescatando mucho de archivo, con la aparición de su hija (Meadow Walker) en una pequeñísima intervención.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2023. Título original: Fast X. Duración: 141 min. País: EE.UU. Dirección: Louis Leterrier. Guion: Justin Lin, Dan Mazeau. Música: Brian Tyler. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Vin Diesel, Jason Momoa, Michelle Rodriguez, Jason Statham, Charlize Theron, Jordana Brewster, Helen Mirren, Sung Kang, Daniela Melchior, Tyrese Gibson, Ludacris, Brie Larson, Alan Ritchson, Nathalie Emmanuel, Rita Moreno, John Cena, Michael Rooker, Cardi B, Scott Eastwood, Gal Gadot, Dwayne Johnson. Producción: Universal Pictures, One Race Films, Original Film, Perfect Storm Entertainment, Roth/Kischenbaum Films. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/thefastsaga/

Crítica: ‘La unidad Kabul’

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Una subida de nivel la mar de emocionante y emotiva

La anterior temporada de ‘La unidad’ aumentó su tensión ya que tocaba el plano personal de los protagonistas e incluía a un villano magníficamente interpretado por Kaabil Sekali. Parecía que la serie había tocado techo pero en esta nueva tanda de episodios, el guión, el nivel de producción, la emoción de sus escenas de acción y la emotividad de sus argumentos han hecho que haya sido un subidón totalmente bien recibido.

El próximo 18 de mayo Movistar Plus+ estrena la tercera temporada de ‘La unidad’. Un nuevo arco argumental que, por supuesto hereda a sus personajes anteriores, con sus virtudes y cicatrices. Pero esta vez la acción transcurre en Oriente Medio. Todo sucede días antes de la salida (o huida) de los Estados Unidos, la OTAN y las embajadas de sus instalaciones de Afganistán el 30 de agosto de 2021. Sin paños calientes hay que decir que la historia transcurre durante el abandono internacional del país. Fue hace menos de dos años cuando se produjo la reconquista talibán y concluyó la mal llamada operación libertad duradera. Habría que ver cuál es el concepto de “duradera” para los norteamericanos pues solo ha habido un periodo de “libertad” de veinte años.

La serie se enmarca en los días previos a los despegues masivos, con la sombra de los talibanes cerniéndose de nuevo sobre el suelo afgano. El equipo liderado por Miriam (Marian Álvarez) está trabajando en cortar el tráfico de armas y de células a España cuando estalla el caos. Mientras, Carla (Nathalie Poza), se ha desplazado al sector privado. Una casualidad hace que sus caminos se vuelvan a cruzar, pero ambas deberán mover cielo y tierra para volver a encontrarse.

La temporada arranca con imágenes de archivo de aquella operación de retirada, un desastre que será recordado junto a otras espantadas del bloque occidental tipo Dunkerque o La batalla del Lago Changjin. El guión de Alberto Marini hace mucho hincapié en recordarnos que esto es algo real, que sucedió hace poco. Y la serie tiene secuestros, asesinatos, separaciones… que hoy en día siguen sucediendo. Esta es la temporada más dramática y dura. Si algo nos ha demostrado ‘La unidad’ es que como en ‘Juego de Tronos’ no nos podemos encariñar con ninguno de los personajes y además le da a todas sus muertes una pátina de realidad que asusta.

Volamos a un Kabul recreado a partir de localizaciones ubicadas en Pakistán y Almería. ‘La unidad Kabul’ además de más compromiso social incrementa el número de localizaciones y la cantidad de aventura. A partir de una ilustración del terror y del autoritarismo retrógrado se desarrolla este episodio de los protagonistas. Como si la urgencia de ese problema acuciante les hubiese influido, esta tercera temporada empieza potente, con acción, directa al grano. Dani de la Torre ha aprovechado bien esta aparente mejora del nivel de producción para explotar muchos más efectos prácticos y digitales. Las escenas de tiroteos o de huidas son realmente emocionantes, bien podrían ser de un gameplay del ‘Call of duty’ o escenas de películas tipo ‘Black Hawk derribado’.

Se agradece muchísimo el formato de esta miniserie. El hecho de que sean solo seis episodios de menos de cuarenta minutos hace que se pase en un suspiro. Además las temporadas están siempre cerradas, sin final abierto, lo que garantiza que no tendremos ningún coitus interruptus si deciden cancelarlas o finalizarlas. ‘La unidad Kabul’ garantiza un entretenimiento nada esclavo y de calidad. Sobre todo lo valioso de esta obra de semificción dotada de momentos de acción es que tiene espacio para el drama, pero no el gratuito o lacrimógeno. En esta ocasión toca hablar de las mujeres desplazadas de puestos sociales relevantes o de empleos que les había costado mucho conseguir, inimaginables para ellas durante el siglo XX. La sensación que nos queda es que les hemos abandonado, porque Afganistán, al igual que sucede con otros países inmersos en injustos conflictos bélicos, no tiene ya interés para los aliados de occidente. Por lo menos yo no veo en nuestros balcones o programas televisivos banderas afganas y sí de otras naciones.

Crítica: ‘¡Tiburón a la vista!’

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La desaparición de un surfista pone en alerta máxima a la Costa Atlántica: ¡un tiburón merodea en aguas francesas! Maja, una guardacostas a punto de jubilarse anticipadamente, aprovecha la ocasión para emprender su última misión y salvar la bahía.

Crítica

Se va hundiendo según avanza la trama

Sitges siempre nos da un montón de material del que hablar durante mucho tiempo, películas que se van estrenando poco a poco a lo largo del año o incluso mucho tiempo después. ‘¡Tiburón a la vista!’ es una de ellas.

Dirigida y guionizada por Ludovic Boukherma y Zoran Boukherma nos trae una suerte de versión del ‘Tiburón’ de Spielberg a la francesa. Pero tampoco os esperéis la típica comedia francesa, que es lo que me pasó a mí, pues ‘¡Tiburón a la vista!’ hace que poco a poco pierdas el interés en ella.

Maja, una guardacostas a punto de jubilarse anticipadamente, aprovecha que aparece un tiburón en aguas francesas para emprender su última misión y salvar la bahía. Le viene como anillo al dedo pues lo último que quiere es dejar su trabajo.

La película comienza muy bien, con acción y verdaderos toques de humor. Situaciones bastante parecidas a ‘Tiburón’ convertidas en momentos cómicos. Pero luego la verdad es que va perdiendo la gracia. No es que te canses del humor, sino que de repente la película intenta ser seria. Y es cierto que hace una crítica de muchas cosas, entre ellas el tema de las redes sociales y de cómo estas pueden acabar con la carrera de una persona y hacerle daño de verdad. Pero esto hace que al final ‘¡Tiburón a la vista!’ no encuentre su tono, pues pasamos de reírnos a quedarnos hasta con mal cuerpo de como se le tuercen las cosas a nuestra protagonista de una manera bastante complicada.

La película está protagonizada por Marian Foïs a la que vimos en una maravillosa actuación en ‘As Bestas’, la actriz borda su papel y nos da una visión de lo difícil que es dejar un trabajo que adoras y el hecho de tener que afrontar la jubilación. Kad Merad (‘Bienvenidos al Norte’, ‘El triunfo’) hace del pobre marido que debe de intentar aguantar todo el chaparrón que le cae encima. Y por último otro de los protagonistas es Jean–Pascal Zadi, al que este pasado Festival de Sitges, vimos hasta en 3 películas diferentes, me refiero a ‘Fumar provoca tos’ y ‘Corten!’.

El 19 de mayo y gracias a A Contracorriente Films, llega a nuestras salas de cine esta cinta que, sin ser una maravilla, termina siendo un entretenimiento más, con un buen comienzo, pero que se va desinflando según llega su desenlace. Demasiado profunda intenta ser para lo que está contando realmente.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2023. Título original: L’année du requin. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma. Guion: Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma. Música: Amaury Chabauty. Fotografía: David Cailley. Reparto principal: Marina Föis, Kad Merad, Jean- Pascal Zadi, Christine Gautier, Ludovic Torrent, Jean Boronat. Producción: Baxter Films, Les Films Velvet, France 3 Cinema, Canal+, Ciné+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-year-of-the-shark/all

Crítica: ‘El caballero negro’

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‘Mad Max’ más ‘Snowpiercer’ más ‘In time’

Cho Ui-seok es el creador de la adaptación de ‘El caballero negro’. Este productor ha pasado de trabajar en series como ‘Doraemon’ y ‘Shin Chan’ a desarrollar un drama en un mundo distópico. La serie está basada en un webcómic del mismo nombre. Si queréis buscarlo tenéis que emplear el título original ‘Taekbaegisa’ o ‘Delivery Knight’, supongo que en España no se ha hecho una traducción literal para evitar la sorna. Sea como fuere este doce de mayo podréis ver esta serie de la que ya os damos opinión.

Esta temporada concluye con un final que permite entrever la posibilidad de segunda parte pero queda cerrada. Dispone de seis episodios inferiores a una hora en la que nos proponen un futuro en una Tierra postapocalíptica, inundada tras el choque de un cometa. Solo sobrevive el 1% de la población mundial, la cual, crea una nueva sociedad intentando prosperar entre el aire contaminado. Los niveles de polución derivados del impacto del meteorito son tales que el sol está casi oculto y la atmósfera es irrespirable. En ese peligroso escenario los gobiernos intentan proteger a la población, pero como en tantas otras ocasiones domina el corporativismo elitista que con sus políticas aumenta la brecha entre diferentes grupos de personas.

De nuevo las mentes coreanas del entretenimiento nos plantean una lucha de clases entre los restos de la humanidad en un planeta totalmente dañino para el ser humano, como en ‘Snowpiercer’. Los protagonistas son unos repartidores de oxígeno puro y limpio que van por una Corea desértica y violenta a lo ‘Mad Max’. Es imposible no acordarse de Immortan Joe pues todos van con mascarillas y hechos unos zorros. También van marcados con un código y viven en un distrito aparte, como parias de clase baja al estilo de ‘In time’. Esas referencia o influencias parecen obvias pero mucha gente buscará en este producto oriental al nuevo ‘Juego del Calamar’. No creo que ‘El caballero negro’ llegue a causar tanto furor pues ni siquiera estéticamente está tan bien trabajada. Pero bien es cierto que los episodios tres y cuatro disponen un battle royale al estilo de ‘El juego del calamar’ o ‘Los juegos del hambre’.

Por supuesto esta mezcla tan variopinta va acompañada de artes marciales. Porque estos repartidores, que son como salvadores para aquellos que pueden permitirse el pagar aire depurado y comida, son héroes de acción que reparten hostias además de botellas de oxígeno. Tal es la ensaladilla que se han montado y tan pueriles son a veces sus protagonistas que a veces cuesta tomársela en serio, salvo cuando repite el machacado discurso del apartheid y la injusta diferenciación de estratos sociales. No obstante, la serie tiene giros interesantes, dosis de acción, una relación curiosa entre los protagonistas…

Para recrear el planeta Tierra en el que transcurre ‘El caballero negro’ han tenido que emplear muchísimas imágenes generadas por ordenador. El CGI canta en las escenas en las que hay que recrear localizaciones masificadas o bastas. Su diseño de producción y su calidad técnica no es lo más destacado, pero sin embargo este delivery del futuro nos entrega de nuevo el mensaje que viene a decir que la industria coreana va a estar entre lo más destacado en los próximos años.

Crítica: ‘Jeepers Creepers: el renacer’

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Obligada a viajar con su novio, Laine, comienza a experimentar premoniciones asociadas con el mito urbano de The Creeper. Laine cree que se ha convocado algo sobrenatural, y que ella está en el centro de todo.

Crítica

Una recuela a ver si cuela, innecesaria

Cada veintitrés años, durante veintitrés días un ser despierta para alimentarse. Sale de un letargo para emprender una cacería sangrienta y despiadada que le garantiza seguir vivo. Ese es el particular patrón que sigue el Creeper, la bestia asesina de ‘Jeepers Creepers’. Su origen data de 2001 y sus secuelas aparecieron en 2003 y 2017. Ahora tenemos un regreso al comienzo. Pero Víctor Salva, autor también de ‘Powder’ y director de la trilogía original, ya había hecho una precuela y si queréis verlas en orden cronológico de la trama tenéis que seguir el orden primera, tercera y segunda.

Coge el relevo sin absolutamente ninguna aportación de Salva el director Timo Vuorensola autor del chasco de ‘Iron Sky’ que llegará dentro de poco a convertirse en trilogía. Es normal que los estudios hayan querido distanciarse del creador de esta franquicia pues, aunque sucedió incluso antes de completar la trilogía, fue condenado por abuso infantil en el caso con Nathan Forrest Winters. No es la única manera que han tenido de distanciarse de cualquier tipo de conflictos pues hasta han puesto tierra de por medio. ‘Jeepers Creepers: el renacer’ ni siquiera está rodada en USA sino que estamos en tierras británicas rodeados del acento de los yankees sureños.

Se cumplen veintidós años, se supone que el año que viene volvería el Creeper, ni en eso ha atinado esta nueva película. La cuarta parte de la franquicia sigue el patrón de ‘Halloween’ y sobre todo de ‘Scream’. La figura del Creeper forma parte de la cultura popular en esta película y se le rinde culto con un festival macabro tipo Halloween. La trilogía original de Salva se considera parte del imaginario colectivo que rodea a los nuevos protagonistas y coexisten como películas dentro de la película. Es una recuela que no hacía falta que se hubiese filmado.

Timo Vuorensola hace honor al significado de su nombre en español y esta nueva entrega resulta todo un timo, un fiasco, algo innecesario en lo que gastar el dinero. Está repleta de malas interpretaciones, de horribles cromas y de una sangre que o bien es digital o bien parece comprada en una tienda de disfraces. La calidad me ha recordado a la de las intros de Voltage Pictures o la Blumhouse. Está hecho todo como a partir de material extraído de bancos de imágenes gratuitos, como si fuese un baratucho videoclip del grupo de heavy metal de mi barrio. A estas alturas ha recaudado ya casi seis millones de dólares a nivel mundial y creo que será para ellos como darse con un canto en los dientes. Encima tiene el descaro de dejar un final abierto, que aunque resulta un cambio o aportación a la saga, no nos anima a ver otra entrega más.

Bien es cierto que como fan Vourensola recupera pautas constantes de la trilogía. Por supuesto muere alguien mientas orina, el Creeper maneja su camioneta a lo ‘El diablo sobre ruedas’, se reconstruye a partir de los cuerpos que violenta o aparecen muchos huevos de pascua. Como curiosidad podemos decir que el claxon de la camioneta no suena igual ya que fue un sonido creado para la anterior trilogía y no han conseguido los derechos. Lo que sí que hereda son las raíces extraídas del vudú africano exportado a Nueva Orleans y por lo tanto su relación con el Oggun. Eso y que la criatura está hecha con maquillaje prostético son las únicas cosas que salvaría del filme.

Claramente extrae sus estampas de los cómics de Kewber Baal. Visualmente hay muy buenas ideas pero la carencia en la producción hace que ni siquiera fotogénicamente esta sea una buena película de terror. Incluso ni los sustos ni las muertes funcionan como deberían. Una pena haber desperdiciado esta oportunidad, pero bueno, en la década en la que se están retomando todas las franquicias de terror no solo ‘Halloween’ iba a darse el batacazo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2023. Título original: Jeepers Creepers: reborn. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Timo Vuorensola. Guion: Sean-Michael Argo. Música: Ian Livingstone. Fotografía: Simon Rowling. Reparto principal: Sydney Craven, Imran Adams, Jarreau Benjamin, Matt Barkley, Peter Brooke, Ocean Navarro, Gary Graham, Gabriel Freilich, Terry Bird, Georgia Goodman, Helen Lauren, Colin Murthag, Alexander Halsa. Producción: Black Hangar Studios, Black Lab, ORWO Film Distribution, Orwo Studios. Distribución: Selecta Visión. Género: terror, remake. Web oficial: https://www.instagram.com/jeeperscreepersofficial/

Crítica: ‘La mala familia’

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La Mala Familia, un grupo de amigos que lleva un tiempo sin poder verse, aprovecha el permiso penitenciario de Andresito para reencontrarse y disfrutar de un caluroso día de verano a las afueras de Madrid. Con la caída del sol, tendrán que enfrentar un problema del pasado que amenaza con meterlos a todos en la cárcel.

Crítica

Ofrece una cara honesta y sincera de unas personas que están fichadas de serie

Colombianos, mexicanos, marroquíes… Jóvenes de alrededor de treinta años inmigrantes o descendientes de inmigrantes que viven en Madrid o cualquier otra gran urbe española. Se lo pasan bien en grupo y viven la noche al máximo haciendo sus correrías. Con esa descripción puede veniros a la cabeza el mal extendido término de “menas” y todos los prejuicios que le acompañan. Los protagonistas de esta historia no se describen a sí mismos como ángeles pero tampoco se muestran como unos delincuentes irredimibles. ‘La mala familia’ ofrece una cara honesta y sincera de unas personas que están fichadas de serie, que son señaladas o temidas simplemente por su aspecto.

Ni ellos se pintan como víctimas ni este documental busca blanquear su imagen. Los directores Nacho Villar y Luis Rojo pertenecen al Colectivo BRBR y con su actividad y con este largometraje pretenden extender su labor de salir a las calles, de viajar a las periferias y de experimentar la cruda realidad. ‘La mala familia’ se introduce de lleno en el verano de un grupo de amigos que comparte un delito, una multa y la constante sombra de justicia amenazando con encarcelarles. Uno de ellos (Andrés David “Andresito”) además está en prisión y aprovechando un permiso se reúnen para pasar el día con él en un famoso lago madrileño. Allí surgen testimonios, confesiones, vergüenzas y logros. Son frecuentes expresiones como “estoy más centrado”, “me siento despejado”, “hacer las cosas bien” o “no soy capaz”. Con este documental pasas de pensar que son perfectos para salir en el programa ‘Hermano mayor’ a entender la lógica de su realidad.

‘La mala familia’ es un trabajo de concienciación y sensibilización. Y funciona en múltiples sentidos. Sirve para que aquellos que se encuentren en ese divertido mal camino de hacer fechorías con los amigos se enderecen. Y ejerce la labor de reventar sesgos y analizar de una manera transversal la que es una problemática social muy actual. Ya dije hace poco hablando de ‘Asedio’ que el tema de la inmigración está enquistado en España. Espero que con iniciativas como esta puedan solventarse poco a poco estos problemas.

La narración trabaja la historia prácticamente en formato lineal usando grabaciones con planos cerradísimos, sin excesivos retoques de etalonaje y gran número de videomensajes. Es tan sencilla que resulta indudable su valor humano y didáctico. Cuando acudimos al cine es mucho más fácil comprar entradas para esas películas que se perfilan espectaculares en la cartelera o que lucen como si fuesen galones los nombres de sus directores y actores, rechazando casi con desprecio los posters de películas de temática social. Por lo menos las cifras de taquilla así lo demuestran. Os animo a romper cualquier recelo que tengáis a comprar tickets para este tipo de títulos al igual que os invito a hacerlo a la hora de hablar con protagonistas como los que vais a ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: La mala familia. Duración: 81 min. País: España. Dirección: Nacho Villar, Luis Rojo. Guion: Nacho A. Villar, Luis Rojo, Raúl Liarte. Música: Olivier Arson. Fotografía: Michal Babinec. Reparto principal: documental. Producción: Icónica Producciones, Birth, Blur, Tasio. Distribución: Sideral. Género: documental, drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/la-mala-familia-estreno-5-de-mayo

Crítica: ‘Fumar provoca tos’

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Tras una feroz batalla contra una tortuga gigante maligna, un equipo de cinco vigilantes, conocido como «La fuerza del tabaco», recibe la orden de retirarse para fortalecer la cohesión del grupo. Su estancia transcurre bien hasta que Lézardin, Emperador del Mal, decide aniquilar el planeta Tierra.

Crítica

Divertido homenaje al cine de superhéroes

Este pasado año fue un gran año en Sitges y es que por fin pudimos conocer al gran Quentin Dupieux. Hoy os venimos a hablar de una de las películas que presentó en el festival y que sin duda fue de las mejores que vimos.

‘Fumar provoca tos’ nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salgar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero como pasa en todos los grupos de amigos y trabajo no siempre las cosas están bien y La Patrulla Tabacalera no pasan por su mejor momento. Así que después de luchar contra una tortuga gigante, su jefe (una peculiar rata de peluche) ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos. A partir de aquí comenzaremos a ver un montón de aventuras que les han ocurrido a todos.

Un homenaje al cine sentai, tenemos kaijus, alienígenas y por supuesto a una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera, que es un claro homenaje a un personaje de ‘Meet the Feebles’, película de Peter Jackson rodada con marionetas.

Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi y Oulaya Amamra, son los encargados de dar vida a estos superhéroes tan humanos y cansados de tantas aventuras.

En el resto de reparto encontramos a Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos o Doria Tillier, entre muchos otros.

Una de las cosas que más me gusta de este director es que le encantan los efectos especiales manuales. Y si, pueden ser muy rudimentarios, pero al final lo que realmente importa de sus películas es la historia que nos está contando y por supuesto el cómo la está contando. Con su humor absurdo sus películas son un disfrute de principio a fin. Y ‘Fumar provoca tos’ es una de esas cintas que no puedes parar de reír.

En la película vemos robots, kaijus y hasta naves especiales. Y por supuesto marionetas, que tanto le gustan al director. Recordemos que es el creador de Flat Beat, aquel muñeco amarillo que llegó a ser mundialmente famosos por los anuncios de Levis.

Poco más que decir de esta cinta. Os animo a que la veáis y descubráis a este director tan original.

 Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2023. Título original: Fumer fait tousser. Duración: 80 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos. Producción: Chi-Fou- Mi Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/smoking-makes-you-cough

Crítica: ‘Asedio’

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¿Qué es ser español? Dani lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.

Crítica

La forja una “die hard”

Viendo ‘Asedio’ lo que más venía a mi cabeza era la frase: “ puede con lo que le echen”. La hemos visto en comedia, en drama, en papeles tiernos, ácidos, gamberros, desgarradores… Y ahora se atreve con la acción y puede con ella como si fuese su propio personaje, como si diese igual tener que lidiar contra cualquier dificultad que ella sale airosa. En ‘Asedio’ interpreta a una policía que se encuentra en una situación personal delicada y durante un desahucio se topa con una tremenda tentación. Ello desencadena la enemistad, no solo de aquellos que sufren la intromisión de los cuerpos del estado en su vivienda, sino también de sus propios compañeros. Si estuviésemos en los Estados Unidos de los ochenta este sería un papel para Bruce Willis o si viajásemos al de los setenta estaríamos hablando del Serpico de Pacino.

No me extrañaría que mucha gente comparase esta nueva película de Miguel Ángel Vivas con ‘Antidisturbios’, es lógico, tienen puntos de encuentro y siempre es fácil referenciarse a lo que recientemente ha sido popular. Pero a mi a lo que más me ha recordado esta película es a ‘Dredd’, a ‘Shorta. El peso de la ley’ y a ‘Los miserables’. A la película protagonizada por Karl Urban por la inmersión en un destartalado bloque de viviendas donde impera una ley propia y en la que una novata sufre todo tipo de peligros a base de tiros, peleas, mugre y bajos fondos. A las obras de Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid y de Ladj Ly por su carácter europeo, por razones evidentes de la trama, por cuál es su disparador, por las corruptelas heredadas del cine policial estadounidense y por su vertiente social.

Este nuevo largometraje arranca con una secuencia inicial que es todo un palo y está rodada en un solo plano secuencia. Con ella ya la cosa promete. Tras ese inicio llega una escena introducida, imagino, para esbozar la motivación de la protagonista. Pero casi logra desmotivarme a mí pues está excesivamente alargada al son de “Un ramito de violetas”. No es la nota predominante en ‘Asedio’ a pesar de que se detectan algunas pifias de guión y de montaje que hacen que algunos detalles no cuadren o que la película tenga ciertos momentos en los que se adormece y se pierde el ritmo tan trepidante que se había conseguido.

No cabe duda y nadie puede negar que ‘Asedio’ está rodada con muy buen criterio. En cuanto entramos en el furgón policial empieza la tensión. Cámara en mano nos metemos en el edificio donde transcurre toda la película y al poco nos perdemos. Se transmite increíblemente una sensación de desorientación y de jaleo. Es uno de esos largometrajes que ganan según lo vas recordando días después pues sus virtudes pesan mucho más que cualquier defecto que le puedas detectar. Hay momentos en los que la acción y la tensión te cortan la respiración. Yo lo he pasado mal por ejemplo con la escena de las grapas, ya veréis cuál es.

Podríamos decir que ‘Asedio’ tiene en paralelo un discurso social. Pero es tan directa como su propio título indica, no hay subtexto ni paralelismos que valgan, va a la cara. Se enmarca en la España en la que sobran casas y no obstante se moviliza a la policía para quitárselas a los más pobres. También en la que la inmigración no deja de ser un tema que está enquistado desde hace décadas. Y por si fuese poco se atreve a marcarse un Dani Mateo con una rajada y quemada que probablemente cause controversia. Merece, por lo menos, hacerse viral por esta escena.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: Asedio. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Vivas. Guion: Marta Medina, Miguel Ángel Vivas, José Rodrigo. Música: Sergio Acosta. Fotografía: Rafael Reparaz. Reparto principal: Natalia de Molina, Bella Agossou, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea, Alejandro Casaseca, Óscar Eribo. Producción: Apache Films, Sony Pictures, México City Project, RTVE, Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, suspense, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/asedio

Crítica: ‘Los fontaneros de la Casa Blanca’

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Sin quererlo se marcaron un WikiLeaks

Estoy seguro de que de un modo u otro conocéis u os suena el caso Watergate. Es uno de los mayores escándalos políticos a nivel mundial y sin duda el más flagrante de la historia estadounidense, a la espera de que se resuelva todo lo que está sucediendo con Trump, que podría superar con creces todo lo que acaeció en los últimos días del mandato de Nixon. El termino Watergate ha sido utilizado para referirse a muchas conspiraciones o casos de desacreditación política, pero sobre todo a sucesos que tenían que ver con filtraciones o espionaje.

El próximo 2 de mayo HBO Max estrena ‘Los fontaneros de la Casa Blanca’. Una serie de cinco episodios que intenta arrojar más luz a un caso del que por lo general se conoce lo superficial. Dado que transcurrió en los setenta es una de las crisis políticas más estudiadas y documentadas de la historia. Es por ello que hay mucho hilo del que tirar, mucho de la trastienda en la que rebuscar. Lo que poca gente sabe es que a la unidad que se encargó del espionaje que se llevó acabo en el complejo Watergate (sede del Partido Demócrata de los Estados Unidos) recibió el nombre de “Unidad White House Plumbers”. Curiosamente ahora en España se habla mucho de las cloacas del estado y de todos aquellos que andan sacando la mugre que atasca nuestro sistema político.

La serie es una inmersión completa en los 70. Para ello se ha empleado desde el logo que lucía en aquella época el canal HBO (Home Box Office) hasta por supuesto ambientarnos con vestuario, edificios y música de por entonces. La traslación a esos tiempos se completa con mucha imagen de archivo y mucha recreación de lo que se grabó por entonces. Lo dicho, este es un incidente ampliamente documentado y tiene en la serie muchos detalles que parecen increíbles pero que están calcados.

El tono escogidos para narrarnos la historia podría ser perfectamente una mezcla entre las comedias de los hermanos Coen con los thrillers políticos de Adam McKay. Lo que sucedió tras bambalinas es que un agente de la CIA y uno del FBI trabajaron juntos para obtener información con métodos más que cuestionables y así favorecer la re-elección de Nixon. Pero su proceder, su profesionalidad, fue tan chapucera que acabaron por hacer exactamente lo contrario. Esa gran pifia merecía un enfoque cómico pero que a la vez fuese fiel a la realidad. La serie de David Mandel consigue serlo y además de divertirnos por momentos logra tener un pellizco de suspense.

‘Los fontaneros de la Casa Blanca’ está protagonizada por E. Howard Hunt (Woody Harrelson) y G. Gordon Liddy (Justin Theroux). Ellos son conocidos por ser los saboteadores políticos de Nixon y los cerebros del Watergate, así nos lo hicieron saber y así intenta escalecer la serie. Pero estos dos agentes eran mucho más peculiares de lo que su gran error puede dejar entrever. La serie pinta bien a dos patriotas que os animo a conocer. Es más, os insto a descubrir más de estos dos inútiles corruptos pues uno de ellos pasó sus últimos años haciendo reclamaciones sobre el asesinato del Presidente John F. Kennedy y el otro llegó a ser incluso actor, tertuliano y e invitado en programas y series populares.

‘Los fontaneros de la Casa Blanca’ está basada en la novela de Bud Egil y Matthew Krogh y es pasto para los conspiranoicos o para aquellos que quieran ampliar más sus conocimientos de historia ya que el Watergate no consistió solo en colocar micrófonos. Factores que amplían todo este lance son la aparición de los cubanos (entre los que se encuentra Alexis Valdés), las esposas de cada uno de los protagonistas (interpretadas por Lena Headey y Judy Greer) o la poca relevancia que le dio a esto la prensa en sus inicios. Seguro que tras ver la serie descubrís que en la actualidad están sucediendo casos peores pero a los que se les da mucha menos relevancia. Luego nos extrañamos de que surjan organizaciones como WikiLeaks o Anonymous.

Crítica: ‘Unicorn: Warriors Eternal’

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El creador de ‘Primal’ se pasa a lo infantil

Genndy Tartakovsky, creador de otra serie de Adult Swim titulada ‘Primal’, es el artífice de esta nueva producción que hasta el momento supone el contenido más juvenil e incluso infantil que la factoría de obras como ‘Rick y Morty’, ‘Mr. Pickles’ o ‘Metalocalypse’ ha publicado en nuestro país. Aliándose con Cartoon Network Studios y HBO Max nos proponen ‘Unicorn: Warriors Eternal’, la cual, se estrenará el 5 de mayo. Una serie de diez episodios cortos de los cuales hemos visto cinco tras los que nos han dejado en vilo pues nos desvelan el origen del mal que acecha a la humanidad.

En ‘Unicorn: Warriors Eternal’ vemos las aventuras de unos héroes que vuelven para salvarnos de un mal que continuamente ataca nuestra civilización. Y regresan a través de los siglos poseyendo los cuerpos de unos huéspedes que son elegidos por su robot y compañero. Pero en esta ocasión la elección parece que ha salido mal y estos héroes supernaturales tienen más problemas de lo habitual.

La serie es una mezcolanza al más puro estilo ‘Hora de aventuras’ o ‘Super Science Friends’. Está repleta de anacronismos mezclados con magia, máquinas steampunk, motosierras, sociedades secretas, el Londres de 1890, el far west… De entrada nos gana arrancando con un universo que bien podría ser el ‘Ether’ de David Rubín. Y tras ello comienza con su macedonia de elementos que están bien entrelazados entre sí mismos sin llegar a chirriar cual araña de ‘Wild Wild West’. La única lástima hasta el momento es que se ha aplicado un trasfondo merliniano, recurso fácil que viene oliendo a quemado desde hace mucho tiempo.

El grupo de protagonistas está compuesto por un monje astral, un guerrero nórdico élfico, una bruja casi necromante y un robot transformer que parece una navaja suiza que eternamente vela por que regresen estos protectores. Su concepción y reaparición puede asimilarse a la del anime ‘Avatar’ pues heredan el poder, los recuerdos y la responsabilidad de quienes previamente salvaron el mundo. Verles en acción recuerda a aquellas máquinas arcade que disponían de cuatro mandos para que diversos jugadores jugasen en equipo aplicando las distintas habilidades de sus personajes.

En el estilo de dibujo se nota mucho cambio con respecto a la brutalidad de ‘Primal’. Al comienzo parece que los personajes van a ser también parcos en palabras pero los diálogos son cada vez más presentes mientras que vemos que la sangre está totalmente ausente. Es evidente que esta es una producción de Cartoon Network y si bien la trama es interesante y divertida el tono tanto visual como de guión se hacen algo menos adultos. No obstante para los amantes de la animación encontrarán aquí remembranzas a dibujos como los de las películas de Astérix, la mítica Betty Boop o un diseño tan diverso de personajes que podría haber salido perfectamente de ‘La casa de los dibujos’.

Bien es cierto que Tartakovsky ha trabajado en otras series juveniles de Cartoon Network como ‘Samurai Jack’ o ‘Star Wars: las Guerras Clon’. Pero siendo este un producto avalado por Adult Swim cabía esperar algo más de mala leche. No obstante resulta divertido ver como mezcla estilos y personajes cual niño jugando con juguetes de distintas franquicias o deja su sello con detalles como la animación del fuego.

Crítica: ‘Mi crimen’

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En el París de los años 30, Madeleine, una actriz guapa, joven, pobre y sin talento, es acusada de asesinar a un famoso productor. Con la ayuda de su mejor amiga Pauline, una joven abogada sin trabajo, resulta absuelta en legítima defensa. Una nueva vida de fama y éxito la espera…pero la verdad está a punto de descubrirse.

Crítica

Exquisita burla del mundo falocentrista

El director François Ozon nos tiene muy acostumbrados a las películas dramáticas o con mucha crítica social. Ahí están títulos mayúsculos como ‘En la casa’, ‘Gracias a Dios’ o ‘Verano del 85’. Por lo general, uno sale desgarrado por todo aquello que sufren sus personajes y nuestra cabeza se debate en un torbellino de pensamientos y reflexiones gracias a sus comprometidas temáticas y la prospección que hace durante el proceso de creación. Pero con ‘Mi crimen’ ha dejado de lado el trabajo previo de investigación y pacto reivindicativo para adaptar al cine una obra teatral de 1934 gestada por Georges Berr y Louis Verneuil. Sin embargo, Ozon no puede evitar ser él y pronto descubrimos que esta comedia está llevada a su terreno dejando libremente su impronta. Larga es la sombra de Weinstein y en los primeros compases del filme el director francés le deja su recado. Posteriormente y sobre todo en los créditos también hay de soslayo bofetadas para la prensa amarilla.

Ozon se sumerge en el Paris de 1935 para rendir homenaje al vodevil y los teatros de variedades. Con esta comedia, que a priori podría parecer una propuesta ligera y vacua, que podría ser una más de las que se suman a la moda del género policial y judicial, desarrolla todo un discurso contra el sistema falocentrista. Es evidente que con ‘Mi crimen’ ataca a la figura de todos aquellos que en el mundo de la interpretación abusan de su situación. Están omnipresentes asuntos como el Me Too, la igualdad de sueldos y por supuesto, la presencia de las mujeres en cualquier ámbito. Desconozco si el guion original, que tiene casi un siglo de antigüedad, tenía los mismos giros de guion o ponía el foco de una manera tan incisiva en los personajes femeninos. Recuerdo cuando Nate Parker intentó cambiar las tornas con su versión de ‘El nacimiento de una nación’ convirtiendo un título de D. W. Griffith que era sinónimo de racismo en una obra que hacía apología de los derechos de los afroamericanos. Quizá esta sea la misma jugada. Desconozco el libreto original pero si da la sensación de que se ha cogido un texto que probablemente hoy en día está obsoleto de algún u otro modo y se ha adecuado a temáticas actuales.

En ‘Mi crimen’ el tratamiento de la temática es menos agresivo de lo habitual y probablemente la película tendrá menos repercusión al tratarse de género cómico. Pero aquellos que gusten de los títulos de época gozarán de esta comedia que no termina de dejar de tener suspense y tintes clásicos. Viajamos a un precioso Paris, con un halo romántico y unos diálogos ágiles. La burla está omnipresente pero también la sensación de capricho, de estar viendo una obra que el director llevaba tiempo queriendo hacer.

Nos tiene acostumbrados a película por año. Suenan ecos de descanso para Ozon pues esta ha sido una película que desgasta, a nivel de producción, que también nos da la impresión de que el director necesitaba cambiar de tercio y airearse. Vuelve pronto François.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: Mon Crime. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Nadia Tereskiewicz, Rebecca Marder, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Danny Boon. Producción: Mandarin Cinéma, FOZ, Gaumont, France 2 Cinéma, Playtime, Scope Pictures, Canal+, Arte Cofinova 19. Distribución: Caramel Films, BTeam Pictures. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.france2cinema.fr/production/mon-crime

Crítica: ‘El cazador de recompensas’

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Texas, 1892. El soldado desertor Elijah Jones parece haber secuestrado y retenido en México a Rachel Price, una elegante mujer de buena familia. Su esposo contrata al legendario cazarrecompensas Max Borland para traerla de regreso a Texas. Al mismo tiempo, el peligroso pistolero Joe Cribbens sale de prisión buscando venganza contra quienes lo enviaron entre rejas, uno de los cuales fue Max.

Crítica

Más cerca del homenaje que del nivel del spaghetti western

Nueva película de Walter Hill, quien siempre ha apostado por el western o su vástago, el cine de acción. El autor de hitos del cine como ‘The Warriors’, ‘Límite 48 horas’, ‘El último hombre’ o ‘Alien’ en calidad de productor, crea una nueva película ambientada en el far west fronterizo y lo hace con una ligerísima pizca de actualización y mucho amor por el género.

La acción de ‘El cazador de recompensas’ arranca en 1897 en la aún pequeña ciudad de Albuquerque, donde se querían llevar a los Isótopos de ‘Los Simpson’. Toda la trama es una persecución y una búsqueda por la frontera con México y el seguir los pasos de un exconvicto. Un hombre que quiere a su joven esposa de vuelta, otro que quiere dinero a cambio de hacer de rescatador, otra busca huir de un matrimonio que no desea, otro desertar del ejército para irse a Cuba y por último está el que procura vivir su nueva vida aprovechando oportunidades. Todo es un conflicto de intereses que se centra en el personaje del cazador de recompensas y el de un delincuente puesto en libertad. Suena bastante clásico ¿verdad? Cazarrecompensas, forajidos, terratenientes, sheriffs, bandidos, partidas de cartas, cabalgadas por el desierto… Y por supuesto un tiroteo final en un pueblo desierto con duelo como guinda. Tal es el tributo que busca hacer Hill al cine clásico de vaqueros que le dedica la película a Budd Boetticher el director de ‘Gerónimo una leyenda’, ‘Forajidos de leyenda’ o ‘Wild Bill’.

El protagonista, el cazarrecompensas, está interpretado por Christoph Waltz acompañado de un ayudante afroamericano. Podría ser de nuevo su personaje de ‘Django’ pero sin ese toque culto y refinado, pero aquí también parece que le han quitado el talento pues Waltz no se emplea a fondo y su personaje carece de carisma y gancho. Es como si hubiese hecho esta película para pagar facturas. Tampoco lo ha tenido fácil pues entre el resto del elenco no hay quien le plantee un desafío interpretativo a la altura. Y eso que cuenta con Willem Dafoe pero con él comparte solo un par de escenas. Sin embargo, entre decepciones y homenajes al western clásico e incluso rancio, nos encontramos una Rachel Brosnahan que parece injertada de otra película. Con ella llegan los nuevos aires y demuestra desvergüenza y desafío.

El título original de ‘El cazador de recompensas’ es ‘Dead for a dollar’ que se traduce literalmente como ‘Muerto por un dollar’. Un nombre que alude o rememora al spaghetti western y películas como ‘Por un puñado de dólares’ o ‘Hasta que llegó su hora’. Los planos y la composición de Lloyd Ahern II no llegan a estar a la altura y la música de Xander Rodzinski no roza ni lo meramente parecido. Parece mentira que estos dos hombres hayan trabajado en ‘Jurassic Park’ o ‘Los juegos del hambre’. De ‘El cazador de recompensas’ únicamente me quedo con un duelo a latigazos que destaca como algo poco habitual y bien rodado.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2023. Título original: Dead for A Dollar. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Walter Hill. Guion: Matt Harris, Walter Hill. Música: Xander Rodzinski. Fotografía: Lloyd Ahern II. Reparto principal: Christoph Waltz, Willem Dafoe, Rachel Brosnahan, Hamish Linklater, Brandon Scott, Doug Montoya, Ivan Lee Holmes. Producción: Chaos, a Film Company, Polaris Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: western. Web oficial: https://www.quiverdistribution.com/films/upcoming/deadforadollar/

Crítica: ‘Unwelcome’

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Cuando los londinenses Maya y Jamie, una pareja que espera a su primer hijo, heredan una casa en la Irlanda rural, aprovechan la oportunidad para escapar del ajetreo y los peligros de la gran ciudad. Sin embargo, al instalarse en su nuevo hogar les advierten de una presencia maligna que convive desde hace generaciones en el bosque.

Crítica

Quiero más historias de los Capuchas Rojas

El director londinense Jon Wright, no confundir con Edgar Wright, nos hace viajar a la Irlanda rural para acompañar a una pareja que va a adentrarse en la aventura de la paternidad por primera vez en su vida. Pero inesperadamente en su nueva residencia les aguarda y acechan unos pequeños seres que no son precisamente lo que esperaban en su viaje a una vida de llantos y cambios de pañales.

‘Unwelcome’ es un home invasión en el que unos seres fantásticos y aterradores defienden su territorio y sus tradiciones. No me refiero a los humanos, obviamente, aludo a unos pequeños duendes que pueden recordar a goblins de ‘Troll 2’ o a los míticos leprechauns. Unas criaturas recreadas con actores y algo de CGI cuyo diseño es un tanto de espeluznante y simpático a la vez, como los gremlins. Los Capuchas Rojas o Gente Pequeña, como se les conoce en este filme, podrían convertirse en un nuevo monstruo de culto si de algún modo la historia continuase, pues da para ello. Y no solo porque la trama nos invite a conocer más sobre las fechorías o el trasfondo de estos monstruitos, sino porque la película bien merece una secuela o precuela que expanda su lore.

Como muchas historias de terror, sobre todo actuales, hay algo más que una trama oscura. ‘Unwelcome’ sirve como discurso sobre un enfrentamiento con las viejas costumbres y o los hábitos de los pueblos. Pero sobre todo trata a cerca de la superación de un trauma. Gana enteros cuando, superada la mitad de la película, los seres fantásticos y la violencia hacen acto de presencia. Pero al fin y al cabo es un cuento macabro que busca mostrar por medio de lo tétrico cómo es necesario pasar página y enfrentarse a los demonios.

La pareja protagonista funciona como matrimonio. Están interpretados por Hannah John-Kamen y Douglas Booth. A la primera la conoceréis de ‘Ready Player One’ o por ser la nueva Jill en los live action de ‘Resident Evil’. Del segundo os recomiendo que veáis ‘Los misteriosos asesinatos de Limehouse’.  Quizá no sean los más populares de la película pues en el reparto también figuran Kristian Nairn (el Hodor de ‘Juego de Tronos’) o actores consagrados como Colm Meaney o Niamh Cusack. Pero ellos tienen absolutamente todo el peso del filme, junto con los pequeños y muy bien recreados seres. El gran valor del filme es John-Kamen que se marca una escena final casi delirante.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Unwelcome. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Jon Wright. Guion: Mark Stay, Jon Wright. Música: Christian Henson. Fotografía: Hamish Doyne-Ditmas. Reparto principal: Hannah John-Kamen, Douglas Booth, Jamie Lee O’Donnell, Chris Walley, Kristian Nairn. Producción: Tempo Productions Limited, Ingenious Media, Rococo Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial: https://www.tempoproductions.net/film/unwelcome

Crítica: ‘Beau tiene miedo’

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Beau (Joaquin Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Crítica

Un galimatías hebreo que te desmotiva con un sinfín de enigmas

Ari Aster primero usó un culto brujeril y demoniaco con cierta base real para dejarnos pasmados con ‘Hereditary’ y luego lanzó ‘Midsommar’, una película que se cimentaba en el folklore sueco y que para mí era una propuesta más vaga. Ahora se separa un poco del folk horror para desarrollar un supuesto drama con comedia aderezado con un ligerísimo toque de terror. Suena a mezcla imposible, ¿verdad? Pues Aster lo ha hecho pero su coherencia va a estar eternamente puesta en duda.

Todo parte de un corto de 2011 llamado ‘Beau’ obra del mismo Ari Aster. La premisa era la misma pero A24 ha dado rienda suelta a este artista que se ha desinhibido en todos los sentidos con este filme que parece más una obra de arte y ensayo. Aster introduce sus habituales paneos, sus bruscos cortes, sus lentos zooms, pero en escasas ocasiones y cuesta encontrara de nuevo al genio en ciernes entre tanta extravagancia gratuita. Beau es un hombre deprimido y reprimido, pero sobre todo parece que hipocondriaco. Yo también sería así si viviese en un barrio caótico y peligroso como el que vemos en el arranque del filme. Es como si se concentrasen todos los locos que puede haber en Manhattan en una sola calle y metiésemos dentro de nuestro edificio una araña asesina. El arranque de ‘Beau tiene miedo’ nos deja como si acabásemos de salir del Bar de Mou en su etapa “postmouderna”, es decir, solo tiene cosas raras porque sí. El viaje que emprende para ver a su madre parece más propio de los universos de ‘Freaks’ o de ‘Carnivale’.

Se puede disfrutar ‘Beau tiene miedo’ a través de la inconmensurable interpretación de Joaquin Phoenix. Pero solo se puede entender si se le busca el correcto significado metafórico. Ari Aster ha formado una película inteligente, pero no por suponer un reto críptico para el espectador, sino porque es consciente de que este galimatías va a ser objeto de análisis y animadversión por igual. Pasa de ser un genio tras la cámara a esgrimir un truco de marketing arriesgado. Cuando por fin, al final, parece que te lo está explicando todo llega y pasa una cosa que dices “¡qué cojones!”, literalmente. Casi a las dos horas llegamos a la parte más artística con imágenes que parecen sacadas de un cuadro impresionista y que dan la impresión de que van arrojar luz acompañadas de una voz en off, pero no. Aunque a mí ese fragmento es el que me ha dado para una teoría. La pista ya nos la dio el propio director cuando definió el filme como “una especie de ‘El Señor de los Anillos’ judío”. Quizá hay que ser mucho más experto en el judaísmo para entender todos los subtextos del filme. A mí me faltan pistas. Lo único que me parece plausible es que esta sea una personificación de todo lo que ha vivido el pueblo judío a lo largo de su historia y del enfrentamiento de las corrientes actuales frente a las más arraigadas. El éxodo, el holocausto, la búsqueda de una tierra prometida, la persecución… Por ejemplo: a Beau le retienen, le convencen de no dejar su cautiverio, doblegan su voluntad y le ponen un pijama con su número, digo… con su nombre. Y su apellido es Wassermann como el de Jakob Wassermann, un escritor judío que escribió novelas sobre su pueblo en la Alemania nazi y la España de los serfardíes. Si estoy en lo correcto creo que me sería más fácil aprender a leer en hebreo que desencriptar todas las pistas ocultas del filme.

Si esto es así podríamos estar hablando de una estrategia tipo ‘Madre!’ de Aronofsky, solo que esa cinta estaba mucho mejor medida y explicada. Por otro lado todo podría tratar sobre una madre manipuladora y lo que vemos es el reflejo de lo que pasa por las mentes tanto del protagonista como de su madre. ‘Beau tiene miedo’ es una película que es tan excesivamente críptica y larga que llega un momento que pasas de lo sobrado que va el director y ya te es totalmente indiferente encontrarle explicación, solo quieres que acabe. Mezcla K-pop, asesinos desnudos, miembros viriles gigantes… Beau tendrá miedo, pero su director tiene una insultante indiferencia a que su película se entienda. Y me duele tener que quedarme con este chasco o estas impresiones cuando considero que ‘Hereditary’ es una de las mejores películas de género de lo que va de siglo. ‘Disappointment Blvd’ se iba a titular originalmente, para decepcionado yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Beau is Afraid. Duración: 179 min. País: Canadá. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Amy Ryan, Denis Ménochet, Parker Posey, Richard Kind, Nathan Lane. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/beau-is-afraid

Crítica: ‘Fatum’

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Sergio (Luis Tosar) tiene graves problemas con el juego. Tras jurar a su esposa que no volvería a caer, recibe un soplo sobre un supuesto amaño de un partido de futbol e, incapaz de cumplir su promesa, regresa a la casa de apuestas con la intención de recuperar todo el dinero perdido. El soplo resulta ser cierto y por fin su suerte va a cambiar… pero Alejo (Aron Piper) con un pasado salpicado también por el juego irrumpe armado en el local.

Pablo (Alex García) francotirador del GEO, es presionado por la comisaria Costa (Elena Anaya) para prestar servicio en el atraco. Pero la cabeza del GEO está en otro sitio, en el hospital, donde la vida de su hijo pende de un hilo.

El destino hace que Sergio y Pablo se vean envueltos en un atraco a una casa de apuestas, donde un disparo cambiará sus vidas para siempre.

Crítica

Gratamente engañado con la deriva del guión y el tratamiento de los personajes

Cuando busqué de qué trataba ‘Fatum’ se creó en mí la falsa idea de que esta sería una película de atracos, siguiendo la estela de otras producciones recientes como ‘La casa de papel’, ‘Way down’ o si nos vamos a tiempos prepandémicos, ‘70 binladens’. Todos esos títulos los recomiendo pues centrándose solo en una ubicación despliegan mucha acción y tensión, cada uno a su manera. Pero si estoy recomendando efusivamente ‘Fatum’ a todos mis conocidos y contertulios de cine es porque mi propia expectativa me ha engañado para bien.

La trama, el punto de partida, el detonante si es un atraco. En una casa de apuestas un hombre que promete a su familia que no volverá a jugarse su dinero tiene una recaída gracias a un soplo de amaño en un partido de fútbol. Ahí se produce el asalto cuya resolución evidentemente no voy a tocar. Lo que sí que hay que remarcar es que a los cuarenta minutos de película, aproximadamente, uno dice “bueno, vale, ¿y ahora qué? Me queda media película y se van a tener que exprimir el coco para seguir entreteniéndome”. Y lo hacen. No hay que olvidar que tras el guión está un gran experto en el suspense como Alberto Marini, cuyas historias conoceréis si habéis visto ‘El desconocido’, ‘Tu hijo’ o ‘La unidad’. Junto con el director debutante Juan Galiñanes han desarrollado esta historia que cambia de tercio a mitad de su metraje y que consigue mantener el interés y el nerviosismo en el espectador hasta el final gracias a una emocionante segunda parte a contrarreloj.

Y es que tras la primera grata sorpresa que te da ‘Fatum’ llega otra más, en cuanto a la deriva que va tomando. Llega un momento en el que parece que tendremos una especie de ‘John Q’ pero también nos vuelven a sorprender. El protagonismo (con permiso del buen hacer de Elena Anaya) recae en los personajes de Luis Tosar y Álex García y entre ellos se da un duelo interpretativo centrado en un dilema moral muy fuerte y muy bien manejado, tanto en el papel como delante de la cámara. En el caso de Tosar el cambio es el más acentuado ya que, por lo menos yo, vengo de verle interpretar a un desvivido abogado en ‘En los márgenes’ para verle convertido en una persona pusilánime y rabiosa de venganza.

La película además de tener su parte de acción y de emoción abre unos cuántos debates. El primero es más evidente y es un palo a las cada vez más presentes casas de apuestas que corrompen a aquellos propensos a vicios o desesperados por un botín fácil cuya angustia e impaciencia impiden ver que nunca es fácil. El otro es mejor que no lo comente hasta pasado su estreno por eso de no incurrir en spoilers. Pero si puedo comentar que tiene que ver sobre las prioridades de un padre de familia y las consecuencias de sus actos.

La acción del filme está muy bien rodada, sobre todo en su parte inicial que es donde pide un resultado más trepidante. Las calles de A Coruña sirven bien de escenario para una película que va a momentos extremos, a líneas que no se deben cruzar. Y si algo demuestra Galiñanes es que situaciones límite y padres desesperanzados hay en todas partes, no hay que irse a un Nueva York o un Madrid para encontrarse con historias de película.

Imagino que el título de ‘Fatum’ hace referencia a los hados del destino, dueños de la vida y la muerte de tantos protagonistas clásicos. Un destino que siempre se cruza y muchas veces resulta casualmente inverosímil, pero que termina siendo útilmente aleccionador. En este caso, con el plano final, es muy muy emotivo gracias a que hace alusión a unos héroes por siempre ausentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Fatum. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Juan Galiñanes. Guion: Juan Galiñanes, Alberto Marini. Música: Manuel Riveiro. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Luis Tosar, Álex García, Arón Piper, Elena Anaya, Luisa Mayol, Pepa García, Ethan Álvarez, Valentina Quiza, Derek León. Producción: Vaca Films, Playtime Audiovisuales, RTVE, Televisión de Galicia (TVG), Amazon Prime Video. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://www.vacafilms.com/fatum/

Crítica: ‘Harka’

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 Sinopsis

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Ali, un joven tunecino que sueña con una vida mejor, lleva una vida solitaria vendiendo gasolina de contrabando en el mercado negro. Tras la muerte repentina de su padre, se ve obligado a cuidar de sus dos hermanas pequeñas y se enfrenta a un desahucio inminente. Ali tendrá que tomar una decisión sin vuelta atrás. Lo que ocurrirá después será una lucha por la dignidad, la voz de una generación que pugna por ser escuchada.

Crítica

Harka, un golpe de realidad

Inspirada en Mohamed Bouazizi, llega ‘Harka’ a nuestras salas de cine. Una historia dura y triste que nos muestra la realidad de muchas personas. En este caso conocemos a Ali, un muchacho que vende gasolina de contrabando que a base de sobornos a la policía puede ganar algo de dinero para intentar sacar adelante su plan de marcharse de Túnez y vivir una “maravillosa” vida en Europa. Pero todo se tuerce al morir su padre y tener que quedarse a cargo de sus dos hermanas.

‘Harka’ nos cuenta el cómo de la desesperación de una persona surgió la Primavera Árabe, de como esta persona se convirtió en un símbolo que ni él mismo pretendía.

La película dirigida por Lofty Nathan, nos muestra las distintas fases que llega a pasar nuestro protagonista. La ilusión de tener una meta para poder marcharse y prosperar en su vida. La desilusión al tener que quedarse y hacerse cargo de su familia. Y a partir de este momento la desesperación al no encontrar una manera honrada de vivir.

Adam Bessa (‘Tyler Rake’) está impresionante en su papel. Un chico normal que simplemente quiere ser feliz y vivir. Le vemos con ataques de ansiedad, de ira y tristeza. Todo ello lo muestra con silencios y con el movimiento del cuerpo. La manera de tensarse y como cada vez le vemos más encogido es su manera de expresar ese dolor e indignación por no entender su situación.

La película está rodada en Túnez, en el mismo barrio en el que todo sucedió, para así adentrarnos de una manera más realista en toda esta historia. Vemos las diferentes vidas de sus ciudadanos. Pobres todos, unos adaptados a esa realidad que tienen, otros frustrados por no poder salir de esa pobreza que no comprenden. Una manera de vivir difícil que les ha tocado por el simple echo de haber nacido allí.

Una triste realidad de muchas personas, que aunque se centre en la historia de este tunezino, es algo que ocurre en mcuhos lugares del planeta, en donde la pobreza simplemente se ignora. La escena final de la cinta es tristemente cierta, no voy a contarla, por mucho que os conozcáis la historia, pero la metáfora de ver como la sociedad hace que una persona pobre se vuelva invisible es terrorífica.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Harka. Duración: 90 min. País: Francia. Dirección: Lotfy Nathan. Guion: Lotfy Nathan. Música: Eli Keszler. Fotografía: Maximilian Pittner. Reparto principal: Adam Bessa, Najib Allagui, Salima Maatoug, Ikbal Harbi, Khaled Brahem. Producción: Cinenovo, Kodiak Pictures, Beachside Films. Distribución: Festival Films. Género: drama. Web oficial: https://www.hakkadistribution.com/hakka-film/harka/

Crítica: ‘Plan 75’

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En Japón, en un futuro cercano, el envejecimiento de la población se acelera. El gobierno estima que, a partir de cierta edad, los mayores se convierten en una carga inútil para la sociedad e implementa el «Plan 75». Dicho programa propone a los ancianos un acompañamiento logístico y financiero para poner fin a su vida. Una anciana cuyos medios de subsistencia se están desvaneciendo, un pragmático vendedor del Plan 75 y un joven trabajador filipino se enfrentan a la toma de decisión entre la vida y la muerte.

Crítica

Desvela desde la distopía esperpéntica una incapacidad inhumana de encontrar soluciones y de ponerse en el lugar de otros

En la segunda temporada de ‘Historias para no dormir’ hubo una historia de Salvador Calvo bastante cyberpunk protagonizada por Petra Martínez, Javier Gutiérrez y Ramón Barea que nos hablaba de cómo la sociedad condena al ostracismo e incluso al abandono y desprecio a los mayores, pero yendo aún más allá reflexionaba sobre cómo nosotros mismos nos condenamos a esos márgenes al vernos en el espejo con arrugas. Ahora, con los ecos de las protestas en Francia por la subida de la edad de jubilación, llega a cines la película japonesa ‘Plan 75’ que nos vuelve a hacer reflexionar sobre qué decisiones tomamos hoy en día que pueden afectarnos en nuestro futuro. ¿Somos tan egoístas incluso para ver que algún día la vejez también se adueñará de nosotros?

‘Plan 75’ está dirigida y escrita por Chie Hayakawa que se estrena con su primer largo en solitario. Consiguió una nada menospreciable mención especial en Cannes y diciendo aún más, fue elegida para representar en los Oscars a Japón. Plantea una idea gubernamental aún más controvertida que la Ley Orgánica de Regulación de la Eutanasia en España o cualquier esperpéntica subida de edad de jubilación que nos podamos plantear. El cine a veces se va a extremos que son capaces de sembrar la alarma de manera más eficiente y que por desgracia en ocasiones son premonitorios. Este podría ser muy acertadamente uno de esos casos pues en esta ocasión la ocurrencia del ficticio gobierno japonés es el establecer una ley que permite la eutanasia voluntaria para así eliminar individuos que ya no son fructíferos para los intereses de la nación. Parece que aplican el dicho de Spock que rezaba que “la necesidad de la mayoría pesa más que la necesidad de unos pocos” pero se antoja excesivamente descabellado, aunque no por ello inverosímil.

‘Plan 75’ desvela desde la distopía una incapacidad inhumana de encontrar soluciones y de ponerse en el lugar de otros. Nadie es culpable de hacerse anciano. La trama sigue un patrón meditabundo y con sutiles señales va cavilando sobre esta cuestión que en España empieza a ser preocupante, la proporción de la tercera edad frente a la de población en edad de trabajar. Es por ello que es vital que este estreno haya llegado a nuestras fronteras.

La veterana Chieko Baisho es una de las protagonistas de la cinta. Quizá no os suene, pero ha aparecido en más de cien títulos y como poco la habéis oído pues ha prestado su voz a personajes de ‘El castillo ambulante’ o ‘El tiempo contigo’. De los tres personajes que hilan la historia se alza como la protagonista y hay un plano de ella que me parece muy revelador. Me refiero en el que la vemos asomada en un balcón en silencio mirando a la negrura del vacío y apoyándose con desgana en la barandilla. Una especie de metáfora sobre el escaso futuro que se nos ofrece como ancianos.

Si decidimos quitarnos, la vida se llama suicidio, si se la arrebatas a alguien es un asesinato y si dejamos que alguien nos la quite es eutanasia. Realmente de lo que habla esta película es de dejarse morir como nación o de escoger, cómo paliamos esa muerte, cómo la hacemos más rentable. Es indudable que el desprecio hacia los ancianos es solo parte de la ficción de la película, pero es inevitable acordarse de las residencias madrileñas durante 2020. Aunque ahora solo se piense en cómo ahorrarnos pensiones, ‘Plan 75’ deja un rayo de esperanza en su cierre.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Plan 75. Duración: 105 min. País: Japón. Dirección: Chie Hayakawa. Guion: Chie Hayakawa. Música: Rémi Boubal. Fotografía: Hideho Urata. Reparto principal: Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Taka Takao, Hisako Ôkata, Kazuyoshi Kushida, Yûsaku Mori, Yôko Yano, Mari Nakayama, Motomi Makiguchi, Koshirô Asami, Hiroaki Kawatsure. Producción: Dongyu Club, Fusee, Happinet Phantom Studios, Loaded Films, Urban Factory, WOWOW. Distribución: ADSO Films. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://plan75.es/

Crítica: ‘20.000 especies de abejas’

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Cocó (Sofía Otero), de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás.

Su madre Ane, (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel.

Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores. Y, sobre todo, a Ane a ser por fin honesta consigo misma.

Crítica

Llena de miedo y confusión, sin embargo, parece hecha con valor y decisión

La primera película largometraje de Estíbaliz Urresola Solaguren viene con dos banderas como divisa. La primera de ellas es el premio conseguido en la última edición del Festival de Berlín y el reconocimiento también recibido en Málaga. La segunda es un discurso sobre la identidad de género que llega en un momento convulso ahora que se acercan elecciones y una de las armas que esgrimirán los partidos es la Ley trans. La familia, la infancia o la personalidad son los temas centrales que a priori se ponen sobre la mesa o salen a la luz con más facilidad. Pero hay otros factores que se pueden leer entre líneas y que hacen de ‘20.000 especies de abejas’ una película valiosa.

La gran interpretación de Patricia López Arnaiz nos muestra como esto va de las dificultades que tiene una madre de nuestra actualidad que además de tener que lidiar con sus contrariedades profesionales y sentimentales se ha de enfrentar a la crianza de sus hijos. Y para más inri a uno de ellos parece que le ha entrado la edad del pavo antes de tiempo y no logra entender qué pasa por su cabeza. Por otro lado el papelón que asume Sofía Otero a tan tierna edad es apabullante. Lleva con absoluta naturalidad un personaje que no se reconoce a sí mismo y que se refugia en una tía que sin decírselo es la única que entiende lo que le sucede. Ambas actrices harán que muchos padres se replanteen la situación con sus hijos.

Los que están siendo ahora padres pertenecen a una quinta de la que formo parte y que por lo general o por suerte, nos ha venido casi todo hecho o por lo menos con fácil acceso a cualquier recurso. Sumidos en el consumismo o la superficialidad de las redes sociales la mayoría de miembros adultos que integran nuestra sociedad no han empleado tiempo o descubierto el valor de aprender a conocerse a sí mismos. Más allá del tema de la transexualidad la película abarca esta tara que tenemos como generación y que ha hecho que la psicología sea una profesión en boga.

Pero sobre todo para mí el principal tema de la película es la vergüenza. A través de las distintas mujeres del filme se expone el rubor a mostrar el cuerpo con el que se nace, el miedo a ser rechazado por lo que uno siente ser, el bochorno a mostrar en sociedad que tu familia está dividida o rota, la falta de pundonor al ver que en el trabajo no te va bien, sonrojo por no poder seguir los pasos de tu padre y mentor… Todo esto nos habla también de un enfrentamiento contra las tradiciones y de un concepto distinto de la fe. Inmersa en ese mundo de costumbres nos ofrece un paralelismo con la escultura a través del cual nos cuenta que nos vamos moldeando, que hoy en día podemos ser lo que queramos ser.

Lo de ‘20.000 especies de abejas’ es la historia de un verano transformador. Está llena de miedo, confusión y enfrentamiento con la realidad y sin embargo parece hecha con valor y decisión. Anima a hacer frente a los problemas que tenemos delante y a los cuales no les queremos poner nombre. Como dicen aquí y también en otra producción vasca como es ‘Irati’, “lo que no tiene nombre no existe”.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: 20.000 especies de abejas. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Estibaliz Urresola Solaguren. Guion: Estibaliz Urresola Solaguren. Música: Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Sofía Otero, Patricia López Arnaiz, Ane Gabaraín, Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, Sara Cózar, Miguel Garcés, Unax Hayden, Andere Garabieta. Producción: Gariza Films, Inicia Films, ETB, ICAA, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.iniciafilms.com/20-000-especies-de-abejas/

Crítica: ‘Posesión infernal: El despertar’

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‘Posesión infernal: El despertar’ se traslada fuera del bosque y se interna en la ciudad. Cuenta la intrincada historia de dos hermanas separadas, interpretadas por Sutherland y Sullivan, cuyo reencuentro se ve interrumpido por la aparición de demonios que poseen carne y que las empujan a librar una primitiva batalla por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más pesadillesca que podamos imaginar.

Crítica

Si esto apunta a evento final, bien, si no, una más

Sucedió en los ochenta que un cineasta llamado a Sam Raimi con un actor llamado Bruce Campbell (nombres ahora harto conocidos) hicieron una película de terror ambientada en una cabaña perdida en medio de un bosque. Sucedió que la película no funcionó y años después decidieron hacer un remake versionándose y parodiándose a sí mismos. No son los primeros ni los últimos que han hecho esto, ahí está Alfred Hitchcock con ‘El hombre que sabía demasiado’ o Haneke con sus ‘Funny Games’. Pero quizá si es la ocasión con mayor éxito y no cabe duda de que aquella idea, que en su segundo intento fue toda una sensación y se convirtió en un género de culto, llevó al éxito a las dos personas que he citado antes. Esto si es autocrítica y visión comercial, no lo de Tommy Wiseau. En 2013, Fede Álvarez, un cineasta afincado en el terror, aceptó la tarea de hacer un remake o secuela espiritual, ahora sí, con un resultado terroríficamente bueno. La película que retomó la franquicia levantó susceptibilidades, pero gracias a su calidad visual, a sus truculentas escenas y al respeto por las líneas principales del guión original se ganó aplausos y el mérito de tener esta nueva parte de la que hablamos ahora.

El autor de ‘El bosque maldito’, Lee Cronin, es el encargado de dirigir y escribir esta nueva entrega que más que precuela o secuela habría que decir está dentro del universo de los anteriores títulos. Tanto la trama como los ingredientes que tiene cuadran con lo que nos ha venido dando ‘Evil Dead’ hasta ahora. Motosierra, litros de sangre propios de un récord, endemoniados diciendo groserías y por supuesto el libro de los muertos. Como siempre también tenemos un reparto sin grandes estrellas, el nombre más conocido es el de Alyssa Sutherland, conocida por ‘Vikingos’, que es la que tiene la mejor y más complicada interpretación, con permiso de Lily Sullivan cuya escena final me ha hecho recordar a Leticia Dolera en ‘[REC] 3’.

‘Posesión infernal: el despertar’ decepciona si buscas los planos de Raimi o si buscas más expansión del mundo demoniaco o de todo lo que rodea al Necronomicón. Si no fuese porque el detonante son como siempre las palabras malditas de invocación esta película podría llamarse ‘Mamá está poseída’, ‘Edificio infernal’ o llevar cualquier otro título tópico. Ya que Raimi y Campbell figuran como productores ejecutivos cabe la posibilidad de que se haga una entrega en la que confluyan todos los libros brujeriles uniendo definitivamente todas las ‘Evil Dead’. Por lo que cuentan muy de soslayo en ‘Posesión infernal: el despertar’ podría ser. Pero hasta entonces están siendo películas de terror bastante convencionales.

Álvarez no lograba alcanzar la narrativa tan efectiva de Raimi con sus planos y sus trucos de cámara, pero establecía un lenguaje propio muy potente. En esta ocasión salimos de la película entretenidos con toda la retahíla de salvajadas sanguinolentas pero con la sensación de haber visto algo que técnicamente es inferior. Aun así, Cronin usa bien los planos tomados con gran angular y aprovecha las tecnologías actuales, como los drones para realizar el vuelo del demonio que es marca de la casa. Homenaje a Raimi es el haber usado lentes casi iguales para rodar el filme y a Kubrick el detalle del ascensor. Y como curiosidad, el guión puede aludir a otra obra de Raimi como es ‘Doctor Extraño en el multiverso de la locura’ ya que tenemos una madre pelirroja que se corrompe con un libro maldito y acaba aterrorizando y poniendo en peligro a sus hijos.

Algo que no logro a entender por qué lo están introduciendo es el hecho de que las protagonistas luchen contra demonios interiores. En la película de 2013 hablábamos de una yonqui obligada a desintoxicarse y en esta tenemos a una mujer que se debate ante una posible maternidad. Son elementos que no aportan nada ni a la trama ni a la evolución de los personajes y parece que simplemente están injertados con cierta vergüenza para que esta no parezca una película más de sangre y sustos. Lo que sí que está lograda es la manera en cómo irrumpe en la vida de esta familia el Necronomicón y el cómo se quedan aislados aun transcurriendo la acción en Los Ángeles, por primera vez en una urbe alejada de los bosques aunque sin perder esa conexión. También es reseñable que esta sea la entrega con más personajes y eso la haga un poco más vertiginosa y llena de muertes.

Hay detalles que denotan un ligerísimo esfuerzo por ser algo originales. Pero si como decía esto es simplemente rehacer una historia sin expandir el universo original y no llegamos a tener una película o evento que conecte todo con cierta coherencia (a lo ‘Glass’), en el futuro hablaremos de meros episodios que quizá habría que haber publicado en streaming como estaba originalmente planificado.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: Evil Dead Rise. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Cronin. Guion: Lee Cronin. Música: Stephen McKeon. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Alyssa Sutherland, Lily Sullivan, Morgan Davies, Nell Fisher, Gabrielle Echols, Jayden Daniels, Billy Reynolds-McCarthy, Tai Wano, Anna-Maree Thomas, Mirabai Pease, Richard Crouchley. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, Warner Bros., Wild Atlantic Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.evildeadrisemovie.net/

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