Megan, de 29 años, tiene un gran trabajo como gerente en la industria de la logística. Allí trabaja Alys, su amiga de la infancia, que está embarazada. Si quiere mantener su trabajo, Megan debe llevar a su equipo al límite de la resistencia humana, con resultados devastadores.
Crítica
Podría parecer ciencia ficción pero es una bofetada de realidad
‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que apenas dura una hora pero a la que le sobran argumentos para concienciarnos en tan breve metraje de hacia dónde vamos como la sociedad consumista que somos hoy en día, dominada por las grandes corporaciones y empresas bajo un prisma de recesión dónde la búsqueda de trabajo se hace muy complicada en según qué zonas.
Nos encontramos en este caso con cine de denuncia en forma de drama donde Aimee-Ffion Edwards encarna a Megan, una nueva supervisora que se incorpora a un gran centro logístico de distribución de compras online. Pronto descubrirá que desempeñar su trabajo no será tarea fácil y tendrá que lidiar con su nuevo equipo para subir las cifras y la forma “corporativa” que tienen sus jefes y compañeros de tratar según qué problemas.
‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que consigue crear la angustia del que ve una película de ciencia ficción sobre un futuro distópico, con ese componente de deshumanización que se ve reflejado en la empresa donde Megan intenta adaptarse y no perder su trabajo.
La necesidad de conservar el trabajo para sobrevivir más que vivir es uno de los pilares donde Helen Black y Joseph Bullman (guionistas) centran el conflicto, tanto por parte de los explotados empleados del almacén como de Megan. Por otro lado está Poppy Lee Friar que da vida a Alys, la antigua amiga de Megan que por circunstancias especiales, tiene una bajada de rendimiento que va a ser el detonante de este drama social.
Las dos actrices están fantásticas en su papel y nos sumergen aún más en el drama que se está contando, siendo secundados por el resto del elenco que está al nivel. Quiero hacer mención también a la banda sonora que acompaña perfectamente a todo lo que se está narrando.
‘Vida y muerte en un almacén’ pese a su corta duración nos ofrece muchas reflexiones:
Nos muestra la deshumanización de los supervisores y jefes en aras de cumplir los objetivos analizando y controlando hasta la exageración las estadísticas y el tiempo libre de cada empleado, llegando a causar la total y absoluta falta de empatía en los superiores, exprimiendo a los subordinados como si fueran máquinas a las que exigir mejores resultados sin tener en cuenta una enfermedad, o un estado de salud que requiera condiciones especiales.
El miedo bajo amenazas veladas a ser despedido que flota en el aire si los trabajadores no se ajustan a lo que le conviene más a la empresa. Lo vemos en el personaje de Megan, que se siente presionado a hacer ciertas cosas que no quiere hacer, a ser alguien que no quiere ser.
Una crítica hacia la falta de condiciones laborales que eviten la indefensión de los trabajadores por parte de las grandes empresas. A la falta de sentimientos hasta tal punto de que nos parecen robots, sobre todo los jefes (en pos de un rendimiento superior cada vez más esclavista). Me recordó por momentos a la novela ‘1984’ de George Orwell, que se hace presente con cámaras para cronometrar tiempos de conversación y otras actividades de los empleados. Desde luego quien vea o comente esta película va a decir mucho eso de “podría haber sido un capítulo de ‘Black Mirror’ o similares”.
Una bofetada de realidad en cuanto a las condiciones de trabajo que se pueden llegar a dar y se dan, y al consumismo de las compras por internet de la sociedad actual. Un guión que está basado en cientos de hechos reales recogidos en el Reino Unido, del que ya os hablábamos aquí. Una película necesaria, otra joyita que podemos encontrar en Filmin.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: Life and Death in the Warehouse. Duración: 59 min. País: Reino Unido. Dirección: Aysha Rafaele, Joseph Bullman. Guion: Helen Black, Joseph Bullman. Música: Roger Goula Sarda. Reparto principal: Aimee-Ffion Edwards, Poppy Lee Friar, Craig Parkinson, Aled ap Steffan, Sion Daniel Young, Alexandria Riley, Kimberley Nixon, Natalia Kostrzewa, Maja Laskowska, Elizabeth McCafferty, Jâms Thomas, Darren Evans. Producción: BBBC Drama Productions. Distribución: Filmin. Género: drama, hechos reales. Web oficial:Filmin.
D’Artagnan (François Civil) un intrépido joven, es dado por muerto tras intentar salvar a una joven de ser secuestrada. Cuando llega a París, intenta por todos los medios encontrar a sus agresores. Sin embargo, ignora que su búsqueda le llevará al corazón de una guerra en la que está en juego el futuro de Francia.
Juntamente con Athos (Vincent Cassel), Porthos (Pio Marmaï) y Aramis (Romain Duris), tres valientes mosqueteros del rey (Louis Garrel), D’Artagnan se enfrenta a las oscuras maquinaciones del cardenal Richelieu. No obstante, es cuando se enamora perdidamente de Constance Bonacieux (Lyna Khoudri), la confidente de la reina (Vicky Krieps), cuando D’Artagnan se pondrá realmente en peligro. Pues esta pasión le llevará tras la pista de quien se convertirá en su gran enemiga: Milady de Winter (Eva Green).
Crítica
Una visión tan oscura y ambiciosa como fiel de la obra de Dumas
Los cuentos de los hermanos Grimm, los textos bíblicos, las andanzas de Sherlock Holmes, las obras de Shakesperare… Son las obras escritas más adaptadas al cine y televisión. Pero no se quedan cortas las líneas de Alejandro Dumas pues son muchísimas las adaptaciones que se han hecho de los tres mosqueteros. Tenemos nueva película sobre esta compañía de espadachines, esta vez en formato doble.
Si hacemos recapitulación podemos decir que destaca como icónica la película de George Sidney (1948) y que una de las más populares es la de Randall Wallace con Leonardo DiCaprio, Jeremy Irons, John Malkovich y Gérard Depardieu, que era realmente una adaptación menos estricta pues en general estaba más centrada la tercera parte de las novelas de Dumas que es donde se toca al hombre de la máscara de hierro. Entrañable la de Stephen Herek y olvidable la de Paul W.S. Anderson, como siempre en tándem con Milla Jovovich, haciendo de Milady de Winter. No olvidemos que hay versión Disney y siempre hay que reivindicar la mítica serie de BRB y Nippon, ‘Los Mosqueperros’.
En rasgos generales podríamos decir que estamos ante una de muchas adaptaciones de la novela de Alejandro Dumas. Pero en esta ocasión se tiene como claro referente las películas modernas de aventuras y el personaje real de Charles de Batz-Castelmore. Esta es la primera producción francesa de esta mítica novela que se hace desde 1961 y ha querido centrarse en D’Artagnan más que en el trío de veteranos soldados. En él y en su relación con Constance y Milady. Decía que es película doble pues esta es la primera parte de dos, la segunda tendrá a Milady como tagline. Un proyecto ambicioso el del director Martin Bourboulon que culminará con la película que protagoniza Eva Green como Milady de Winter y que se estrena el último trimestre de este 2023 pues han sido rodadas de seguido. De este modo, como en la novela, seguiremos los pasos del honorable personaje de D’Artagnan y de la espía traicionera y maquiavélica.
Honor, duelos, romance, conspiraciones… están todos los factores que nos hacen viajar a la Francia del siglo XVII. Un país dividido en su seno, al borde de una guerra más. Martin Bourboulon director de ‘Eiffel’ y las dos entregas francesas de las comedias ‘Papá o Mamá’ deja a mínimos el humor y mantiene el romanticismo en una versión que se antoja más oscura y sucia que cualquiera de sus predecesoras. Es como si el director hubiese querido remarcar que aunque Dumas nos pinta esta época como un momento para el honor y la gloria, no deja de ser un tiempo de maquinaciones, enfermedades y muerte. Pero no por ello pierde el alma de la novela original y tanto la historia como los personajes están altamente respetados, convirtiendo este en un gran viaje a la época de Luis XIII (muy bien caracterizado con LouisGarrel). Aporta mucho al sentido de la aventura, el suspense o la épica la gran banda sonora de Guillaume Roussel. Una composición que en algunos compases recuerda al Caballero Oscuro de Hans Zimmer con sus trombones y sus tictacs a base de cuerdas, al fin y al cabo ha trabajado con él.
La mayoría de las veces, aunque sea el personaje principal, D’Artagnan es el menos carismático e incluso comparte todo el protagonismo. En esta ocasión le interpreta François Civil y sí está en el centro de todo. No obstante se ha procurado talento para interpretar a los tres mosqueteros. Son Vincent Cassel (Athos), Pio Marmaï (Porthos) y Romain Duris (Aramis). Parto con sesgo y poca objetividad pues Duris (‘Corten!’, ‘Vernon Subutex’, ‘Esperando a Mister Bojangles’) se encuentra entre mis actores preferidos dentro del panorama francés actual, junto con Denis Ménochet. Pero de todos ellos el que tiene más peso en la película es también el que tiene más caché y para el que la novela también da un poco más de espacio. Muy bien interpretado Athos por Vincent Cassel. Nos faltan a la cita esos camaradas que tienen en común el amor por su patria y por su rey y que en el fondo conservan diferencias ya que uno es más pendenciero, otro es un ligón, otro está atormentado por los fantasmas del pasado…
Dado que nos devuelve estupendamente al cine de heroísmo y esgrima aguardaré con sumo gusto a la continuación y conclusión con ‘Los Tres Mosqueteros: Milady’. Sobre todo porque sabemos que está realizada y que no terminará cancelándose cual estreno de Netflix. Además en Francia ya ha cosechado más de un millón de espectadores en una sola semana.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Les Trois Mousquetaires: D’Artagnan. Duración: 121 min. País: Francia, Alemania, España. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Bolduc. Reparto principal: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmai, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Oliver Jackson-Cohen. Producción: Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, ZDF, DeAPlaneta. Distribución: DeAPlaneta. Género: aventuras, adaptación. Web oficial:https://www.pathefilms.com/film/lestroismousquetaires-dartagnan
En este moderno y monstruoso relato sobre el fiel ayudante de Drácula, Nicholas Hoult (‘Mad Max: Furia en la carretera’, la saga ‘X-Men’) encarna a Renfield, el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia, interpretado por el ganador de un Oscar® Nicolas Cage. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.
Crítica
Festival de sangre y acción con un tremendo Nicolas Cage
Por fin llega este viernes 14 de abril la nueva cinta de NicolasCage, ‘Renfield’, con la que sin duda disfrutaréis si vais sin mayor expectativa que ver un espectáculo sangriento y divertido.
‘Renfield’ nos presenta al torturado familiar del Conde Drácula. Un joven agente inmobiliario que decide dejar todo por servir a ese ser monstruoso. Pero después de un terrible suceso que deja a su amo bastante perjudicado de salud, Renfield tiene que encargarse de demasiadas cosas y comienza a verse en una relación demasiado complicada de la que quiere salir.
ChrisMcKay, director de ‘La guerra del mañana’, nos trae una comedia muy dinámica con mucha acción y sangre. Guionizada por RyanRidley (‘Ricky Morty’, ‘Invencible’) y por RobertKirkman (‘The Walking Dead’, ‘Invencible’) podéis imaginaros por donde va a ir la historia. Eso si, dentro de todo el humor y sarcasmo que nos dan siempre hay un poco de humanidad en todas sus historias.
‘Renfield’, habla de las relaciones tóxicas, de una manera graciosa y simple. Es gracioso ver a nuestro protagonista yendo a sesiones de autoayuda intentando entender la complicada situación a la que lleva enfrentándose tantos años. Drácula le tiene absorbido totalmente y no solo en el sentido vampírico, sino que él desea ser independiente y tener una vida.
Como he comentado, el guion es muy divertido y ameno. Todo ello con unas escenas de acción muy divertidas, eso si os gusta ver como se cortan miembros y brotan inmensas cantidades de sangre por todos lados. Me ha parecido un festival para cualquier persona a la que le guste el género o la serie B actual.
En el reparto encontramos a NicholasHoult como Renfield, admito que me gusta mucho este actor y ya me demostró en la serie ‘The Great’ que tiene una vis cómica increíble. Como compañera de pantalla y plantando cara a los malos encontramos a Awkwafina, que interpreta a una policía de tráfico justiciera que no va a parar hasta detener el caos en su ciudad, como curiosidad, supongo que han querido hacer un pequeño homenaje al personaje real de la novela Quency Morris, que ayudó a terminar con la vida del Conde, pues el personaje de la actriz se llaman Rebecca Quency. Me ha encantado BenSchwartz, la voz de Sonic en el live action, con un personaje muy delirante.
Y bueno, por supuesto, NicolasCage disfrutando de su trabajo. Interpretar al Conde Drácula, era uno de sus deseos y por fin lo ha conseguido. Un Drácula que bebe directo de la película de BélaLugosi de 1931, de la que nos recrean escenas exactas y muy bien realizadas. Eso sí, supongo que en esa época no tendrían tanto dinero para darnos el festín de muerte que causa el personaje de Cage.
Técnicamente hablando de la cinta, es normalita, con mucho neón durante las escenas nocturnas y mucho color pastel durante la transformación de Renfield en una persona normal. En cuando al maquillaje me ha parecido bastante bueno, hay una escena en la que vemos a Nicolas Cage con un montón de protésicos y la verdad que están muy bien realizados, sobre todo las venas.
‘Renfield’, es una película con la única pretensión de que disfrutemos de una buena comedia de terror y que por supuesto, salgamos de nuestras relaciones tóxicas… si las tenemos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Renfield. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Chris McKay. Guion: Robert Kirkman, Ryan Ridley. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina, Ben Schwartz, Adrian Martinez, Ahmed Zakzouk, Shohreh Aghdashloo, Bess Rous, Brandon Scott Jones, Jenna Kanell, Caroline Williams, William Ragsdale, Derek Russo. Producción: Universal Pictures, Skybound Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, terror, acción. Web oficial:https://www.instagram.com/renfieldmovie/
La película retrata la vida de cuatro hombres que están en temporada baja y por razones económicas se ven obligados a vivir en un camping. La camaradería entre ellos les ayudará a superar su peculiar forma de ver la vida. Mientras sus «ex» pasan por un buen momento.
Crítica
Las comedias de David Marqués son para ponerlas en temporada alta
David Marqués continúa con su cine cómico arraigado en personajes que han tocado fondo. Escribió ‘Campeones’ junto a Fesser y convirtió a Javier Gutiérrez en un entrenador de la ACB castigado por sus negligencias y soberbias y hace poco nos invitó a ir de cañas con ‘El club del paro’. Ahora toca hablar de un grupo de cuatro hombres que por distintos motivos han dado con sus penas en un camping baratucho. Ellos llevan la cara de Edu Soto, Antonio Resines, Fele Martínez y Coque Malla. Un casting variopinto, con muchas diferencias entre sí que se antoja ideal para una especie de buddy movie a cuatro bandas.
Un representante de futbolistas un tanto capcioso venido a menos, un policía separado de una pareja (Ana Milán) que pasa página, un periodista con su carrera profesional parada por su supuesta integridad moral y un… la profesión del cuarto es un running gag que no voy a destripar. El caso es que acaban conviviendo en un camping de bungalows. La vida de camping, es vida que se desarrolla en un tipo de comunidad que muchas veces transciende a lo que sucede más allá de sus lindes. El problema de los protagonistas de ‘En temporada baja’ es que acaban allí forzosamente. El hilo conductor de la película son los personajes de Edu Soto y Antonio Resines. Seguimos a uno en sus intentos por llenar de nuevo su ego y su cartera y al otro mientas procura recuperar al amor de su vida y para ello sus nuevos amigos han de “cuidar” de sus hijos. A los protagonistas de ‘En temporada baja’ no les queda otra que entenderse, aunque no se puedan fiar los unos de los otros.
A poco que uno haya visto algo realizado por David Marqués se dará cuenta de que hay elementos recurrentes. No solo el hecho de que repitan actores como Eric Francés o Sergio Olmos o que incluso consiga que vuelva a actuar Coque Malla en un largometraje, el cual, interpretó la canción de ‘Campeones’ o de ‘El club del paro’. También está el hecho de que siempre desarrolla un cine que se siente de barrio, cercano, a pie de calle. Es como si escribiese los guiones palillo en boca y codo en barra de bar. Esa cercanía con nuestra cotidianidad transmite honestidad pero sobre todo comicidad pues cual monólogo explota el día a día, nuestras bajezas, estupideces y desgracias. Es un mérito elaborar una película de risas aun reconociendo cuan infelices somos, muy made in Spain.
En ‘En temporada baja’ vais a oír hablar de plantas carnívoras veganas o escuchar decir que la prensa deportiva es la nueva prensa del corazón. Vais a oír cantar a Coque Malla y a Edu Soto. Os encontraréis con niños visionando ‘Fist of Jesus’ pero no los escucharéis decir ni mu porque aquí los niños no tienen ni una línea de texto, hasta que aparecen en los créditos a lo ‘Juego de niños’. David Marqués cada vez va dando rienda suelta a un humor que poco a poco va ganando mala leche. Quizá para el espectador esta no sea la experiencia transformadora de mediana edad que viven los protagonistas. Pero sin duda quien pague una entrada para esta comedia va a reírse y por último a sorprenderse con el giro final del personaje de Fele Martínez, toda una lección de filosofía de vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: En temporada baja. Duración: 93 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: Javier Félix Echániz, Asier Guerricaechevarría, Jon Iriarte, David Marqués. Música: Vincent Barrière, Edu Soto. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Antonio Resines, Edu Soto, Coque Malla, Fele Martínez, Ana Milán, Rosana Pastor, Vanesa Moreno, Nacho Fresneda, Sergio Olmos, Jaime Pujol, Marta Belenguer, Eric Francés, Héctor Montoliu, Rulo Pardo, Lorena López, María Almudéver. Producción: TV ON Producciones, Admirable Films, ÀPUNT MEDIA. Distribución: Begin Again Films. Género: comedia. Web oficial:https://beginagainfilms.es/en-temporada-baja/
En el primer día de clases en Al Azhar, la facultad de teología más importante de Egipto y epicentro del islam suní, el gran imán se derrumba y muere frente a sus alumnos. Esto desata una feroz batalla para ocupar su puesto. Adam, un humilde hijo de pescador que acaba de ingresar en la universidad, se ve envuelto en una implacable lucha de poder entre las élites religiosas y políticas del país.
Crítica
Las pasiones y ambiciones humanas dejando en paños menores a las doctrinas de la fe
Tarik Saleh ha realizado con ‘Conspiración en el Cairo’ una nueva obra de suspense político inspirada, según él, en las famosas novelas de John le Carré y en la mítica y ya adaptada obra de Umberto Eco, ‘El nombre de la rosa’. Investigaciones, confabulaciones, muertes, misterio, recelos, peligro… son ingredientes de esas narraciones que el director de origen egipcio ha sabido adoptar muy bien. De la Edad Media a la actualidad, de Europa a Egipto, de un monasterio a una facultad musulmana, del cristianismo al sunismo. Es una traslación que funciona y salvo por comparaciones con Sean Connery y Jean-Jacques Annaud, sale airosa.
Estamos ante una educación patriarcal que aún cree en el castigo físico, que impone el camino preestablecido por las tradiciones y caprichos familiares. Pero sobre todo se impone lo que Dios quiere, o lo que interpreta cada uno que quiere Dios. De nuevo las pasiones y ambiciones humanas dejan en paños menores a las doctrinas de la fe. Sin embargo, ante los errores y deseos del individuo Saleh quiere sacarnos de ese error que nos hace pensar que Allahu Akhbar significa «Dios es grande», cuando realmente significa «Dios es más grande». Una de las cosas que hacía ‘El nombre de la rosa’ era romper las malas interpretaciones y plasmar un choque de corrientes de pensamiento. ‘Conspiración en el Cairo’ se alza como un clamor por mostrar que Egipto está más cerca del siglo XXI que de la Edad Media. Es una visión del islam que busca distanciarse de la más conocida en occidente, la del terrorismo y las guerras fanáticas y territoriales. Eso es lo que se lee entre líneas y de manera inevitable dada la localización en que transcurre. No obstante ‘Conspiración en el Cairo’ no busca un blanqueamiento de imagen y radiografía una cultura que como muchas otras, incluida la nuestra, se mueve a través de maquinaciones en la sombra.
Hay sabor egipcio pero la producción es sueca. De ahí que ‘Conspiración en el Cairo’ fuese a representar al país nórdico en los Oscars. El director que reside allí en calidad de inmigrante tiene vetada la entrada en el país bajo amenaza de arresto pues en 2017 ya causó incomodidad con ‘El Cairo confidencial’ y fue incluido en las listas negras. Es por ello que la película está rodada en su mayoría en Turquía. Todo este truculento conflicto con las autoridades y las susceptibilidades de los islámicos está evidentemente reflejado en el largometraje. Pero está hecho con una marcada influencia y estilo noreuropeo. En este tipo de historias, que al fin y al cabo tienen tintes policíacos (como sabe bien Fares Fares tras su paso por ‘Los casos del departamento Q’), suele ser difícil mantener el interés. La tensión, la cadencia de giros de guión y la incorporación de nuevas pistas tiene que estar cuidada para que las dos horas de película se pasen rápido y ágilmente, como si fuésemos un Tarzán que avanza enganchándose de liana en liana evitando caerse. Como en el cine sueco, la flema pesa más que el ritmo y el espectáculo y si bien hay cierto misterio lo único que le reprocho es que se explaya demasiado y la trama tarda en avanzar a costa de hacer el mencionado retrato de la actualidad del país de los antiguos faraones.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Boy from Heaven. Duración: 126 min. País: Suecia, Francia, Finlandia. Dirección: Tarik Saleh. Guion: Tarik Saleh. Música: Krister Linder. Fotografía: Pierre Aïm. Reparto principal: Tawfeek Barhom, Fares Fares, Mohammad Bakri, Makram J. Khoury, Mehdi Dehbi, Moe Ayoub, Sherwan Haji, Ahmed Laissaoui. Producción:Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: suspense, drama. Web oficial:https://www.atmo.se/films/boy-from-heaven
Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario (con voz en VO de Chris Pratt, de las sagas Jurassic World y La LEGO película) y su hermano Luigi (con voz en VO de Charlie Day, Colgados en Filadelfia), viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi.
Con la ayuda del champiñón local Toad (con voz en VO de Keegan-Michael Key, El rey león) y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach (Anya Taylor-Joy, Gambito de dama), Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.
Crítica
Un viaje a la esencia del personaje bandera de Nintendo
Antes de empezar a comentaros mis impresiones sobre la nueva película de la franquicia Super Mario Bros. quiero decir, y que vaya por delante, que nunca he sido un gran fan de la misma, aunque debo reconocer que de todos sus juegos me sedujo Mario Kart, un juego tremendamente adictivo que me dejó muchas horas de diversión.
‘Super Mario Bros. La película’, ha sido un viaje a aquellos videojuegos de Nintendo que engancharon a los ahora adultos que empezaron a jugar a ellos de niños allá por la década de los 80, y han seguido y siguen enganchando por su jugabilidad a muchos niños hoy en día. El argumento era bastante básico, y consistía en que nuestro protagonista, Mario, tenía que salvar a la princesa Peach del malvado del juego: Bowser.
La película es básicamente igual pero con algunas diferencias como comprobareis los que la vayáis a ver. Un argumento simple que da lugar a un viaje al mundo ficticio de Champiñón donde Bowser tiene unos planes para reinar que resultan de lo más divertidos. La princesa Peach, por otro lado, es de armas tomar y defenderá su reino de la amenaza que se cierne sobre él con la ayuda de un inesperado invitado que no es otro que Mario. Digamos que Bowser, es el malo porque debe de haber un malo y debe haber unos héroes también (Mario, Peach, Toad, Donkey Kong, Luigi…) pero es un malvado con vis cómica que tiene algunos momentos realmente graciosos en el filme. Como decía Helen Mirren a propósito de su papel en la segunda entrega de ‘Shazam’, no hay malo que se crea malo de por sí, sino que tiene otras motivaciones, y las de Bowser son de lo más peculiar y de alguna forma edulcoradas pero divertidas, como lo es la película en general.
Técnicamente ‘Super Mario Bros. La película’ está realizada de forma notable, es una producción de animación con calidad en sus movimientos de cámara, tan dinámicos como en los juegos de la franquicia y todos sus escenarios nos recuerdan a la misma. Ni que decir tiene, que los más aficionados a los juegos de Super Mario la disfrutarán aún más si cabe. Sobra decir pero lo digo, que si no tenéis ni idea del mundo Mario Bros, pierde enteros porque es una película llena de referencias a sus videojuegos.
Salpicada de momentos de humor constantes y mucha acción, es una película para todos los públicos, recomendada para disfrutarla con los más peques de la casa aunque los mayores encontrarán en ella 92 minutos de buen entretenimiento. Yo al menos estuve con la media sonrisa dibujada en la boca durante gran parte de la proyección.
Sin olvidar lo que vamos a ver, ‘Super Mario Bros. La película’ es una producción sin más ambiciones que darnos una aventura de lo más entretenida, con todos los elementos y referencias que han hecho a esta saga de videojuegos una de las más conocidas del mundo, humor y mucho dinamismo dentro de un marco técnico de calidad. Si la vas a ver en versión original sin duda la voz de Bowser, del actor cómico Jack Black, es de lo mejor.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Super Mario Bros. Movie. Duración: 92 min. País: Japón, EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Kōji Kondō, Brian Tyler. Reparto principal (doblaje original): Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael, Sebastian Maniscalo. Producción: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures, Nintendo of America. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, adaptación, animación. Web oficial:https://www.nintendo.co.jp/smbmovie/index.html
Inspirada en los archivos reales del Padre Gabriel Amorth, Exorcista jefe del Vaticano (interpretado por el ganador del Premio Oscar de la Academia® Russell Crowe), El Exorcista del Papa cuenta cómo Armorth investiga la terrorífica posesión de un joven niño y cómo termina descubriendo una conspiración secular que el Vaticano ha tratado de mantener oculta desesperadamente.
Crítica
Crowe consigue que esta no sea una típica película de posesiones
Dentro de no mucho tiempo podremos ver en cines ‘Hermana muerte’, la película perteneciente al universo de ‘Verónica’ de Paco Plaza. Una obra que está relacionada con el artista de cómics El Torres, el cual, nos deleitó también con ‘Roman Ritual’ hace no mucho tiempo. En ese último cómic el mal se asentaba en el seno, en lo más alto, en lo más sagrado del Vaticano llegando a poseer al mismísimo Papa. Ahora se estrena una película con una idea bastante similar a través de Sony Pictures. Con esa misma distribuidora se estrenó ‘The Forest (El bosque de los suicidios)’, película que levantó ampollas ya que se habló en términos de plagio hacia el cómic de El Torres llamado ‘El bosque de los suicidas’. Director, guionistas e incluso empresas productoras son diferentes, pero uno no puede evitar acordarse de aquel suceso cuando ve ‘El exorcista del Papa’, la nueva película protagonizada por Russell Crowe. Por suerte creo que podemos decir que todo esto es anecdótico y que solo hay ideas o argumentos similares, es una sensación parecida a la que experimentamos cuando se estrenó ‘28 días después’ (2002) y se lanzó el cómic ‘The Walking Dead’ (2003).
Aunque la trama tiene sabor español al transcurrir en Castilla y León, a priori podemos decir que la historia es distinta en tanto a que aquí no es el Papa el poseído. Pero el hilo o el foco también es un sacerdote que se mueve por los márgenes de la Iglesia, que causa controversia en la Santa Sede y cuya alma peligra. La base real de esta película es el Padre Gabriel Amorth, que falleció en 2016 (si nos ponemos con casualidades negras a lo películas malditas, es el año de la publicación de ‘Roman Ritual’ y del estreno de ‘El bosque de los suicidios’) y quien fue oficialmente el exorcista jefe del Vaticano y fundador de la Asociación Internacional de Exorcistas. Dotando a la película de algunos detalles auténticos se desarrolla una historia que pertenece a lo que es ya todo un subgénero dentro del terror, el de exorcismos.
Una abadía de Segovia, la inquisición, monjes encapuchados… Parece que el director JuliusAvery, autor de ‘Overlord’ y ‘Samaritan’, quisiese rendir homenaje a Ossorio y al Fantaterror. Desde luego de algo se puede haber empapado tras su paso por Sitges en 2018. Similitudes en cuanto a tono desenfadado e incluso irreverente hay, desde luego. Y es que si ‘El exorcista del Papa’ se libra de ser una película más de exorcismos es por la actitud del protagonista. Si te gustan las películas de posesiones tienes aquí muchas referencias que aluden a lo hecho por Friedkin, Raimi o Wan. Entre las voces guturales (por parte de un siempre imponente Ralph Ineson), las caras macabras, los cuellos retorcidos, los vómitos de sangre y los niños trepando por las paredes es inevitable no acordarse de ‘El exorcista’ o ‘Evil dead’. Pero entre la base real y el carácter pintoresco y nada comedido de este Gabriel Amorth nos hacen viajar más al universo Warren.
Un cura que viaja sobre dos ruedas a lo Padre Brown o la hermana Boniface y emplea la psicología para resolver casi todos sus casos. Crowe está entregadísimo a su personaje repleto de batallitas de perro viejo y de bromas fuera de lugar que recuerda con su tosca personalidad a Eduard Fernández en ’30 monedas’ y con su carácter analítico y su fe a los sacerdotes de ‘Los enviados’. Y con él vemos la impronta de un director al que le gusta lo gamberro y lo fantástico. Avery impregna el horror de una comedia alcohólica y sarcástica con la que al igual que en sus otros dos largometrajes parece que se contiene, como si le diese vergüenza o miedo mostrar que lo que realmente le gusta es lo macarra, desenfadado o incluso caricaturesco. No se priva de dotar de sangre a la película pero un primer acto de media hora ya nos augura que este no va a ser el desenfreno que cabría esperar. Suerte que salva el día un entusiasmado Crowe en el que ha sido su primer título puramente de terror.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Pope’s Exorcist. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Avery. Guion: Chester Hastings, R. Dean McCreary, Evan Spiliotopoulos. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Khalid Mohtaseb. Reparto principal: Russell Crowe, Alex Essoe, Franco Nero, Laurel Marsden, Daniel Zovatto, Cornell John, Bianca Bardoe. Producción: Screen Gems, 2.0 Entertainment, Loyola Productions, Jesus & Mary. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial:https://www.thepopes-exorcist.movie/
La nueva película de David Marqués (‘Campeones’, ‘El club del paro’) se llama ‘En temporada baja’ y nos lleva a conocer a un cuarteto de protagonistas en horas bajas que empieza a convivir en un camping. Encabeza el reparto Edu Soto junto a Antonio Resines a los cuales acompañan Coque Malla y Fele Martínez. A uno le ha dejado su esposa, a otro le van mal los negocios, al tercero de ellos no le dan un trabajo afín a su ética periodística y al cuarto de ellos… nadie sabe a qué se dedica el cuarto de ellos.
Esta es una comedia que se va enredando y en la que aparecen también intérpretes como AnaMilán (como ex del personaje de Edu Soto), Nacho Fresneda (un supuesto amigo de Resines), Rosana Pastor (la ex de Resines), Sergio Olmos (una promesa del fútbol)… Sobre todo el elenco o sobre los temas de ‘En temporada baja’ pudimos habar con varios de ellos. Pronto tendréis nuestra crítica aquí pero de momento podéis saber más sobre la película a través de este vídeo.
HBO Max os presentará el 3 de abril a los Hornsby, una familia caída en desgracia con la que hemos podido tener tres encuentros pues hemos recibido la invitación para ver sus tres primeros episodios. Capítulos de 20 minutos en los que unos dibujos de trazo totalmente irregular nos muestran las vicisitudes que vive este clan.
HBO incluye en su catálogo títulos de Adult Swim como ‘Rick y Morty’, ‘Metalocalipse’, ‘Mr. Pickels’ o ‘Primal’. Esta es una serie de esa factoría y por lo tanto uno debe saber que lo que le espera es un descuido intencionado en la precisión en el dibujo, argumentos diabólicos y cargados de humor negro y por supuesto mucha locura. Si además sabemos que su creador (y doblador) es Jason Ruiz (‘Murder Police’) y su productor Seth Cohen (‘Él último hombre en la Tierra’) no debería haber sorpresas al escuchar continuamente palabrotas y estar rodeados de todo tipo de violencia. Titmouse (que dentro de poco estrena la esperada ‘Agent Elvis’) es quien ha materializado ‘Royal Crackers’ para la factoría de animación para adultos
La serie trata sobre un negocio familiar que está en horas bajas. Royal Crackers es el nombre de la marca que otrora, cuando su estricto fundador la creó, llegó a lo más alto del panorama de las galletitas saladas. Ahora la familia tiene que lidiar con la adversidad, cuando además el más anciano de todos se ha quedado vegetal. El hermano menor de la familia tiene una banda de nu metal y va de guay, el matrimonio intenta encabezar el negocio con ideas desesperadas, el hijo de ambos está apocado… Desde luego con tan peculiares elementos la mansión en la que viven está condenada a arruinarse.
No cabe duda de que además de ser un entretenimiento, ‘Royal Crackers’ es una nueva herramienta para criticar la actualidad, la cultura popular contemporánea y el mundo empresarial, muestra de ello es que el estilo utilizado para la animación pues parece hecho con Paint. Son objeto de burla los memes, los influencers, los retos virales o todo aquello que nos pueda parecer políticamente correcto. Es una serie totalmente hija del humor norteamericano más nihilista y de las comedias animadas cuya tradición iniciaron ‘Los Simpson’ y por ello veréis que se mete con todo. Lástima que le falte el gancho, el carisma y la fuerza de otras producciones de Adult Swim porque no consigue más que sonsacarnos una o dos risas por capítulo. Las tramas no son originales, ni es todo lo disparatada que cabría esperar, ni sus momentos absurdos se salen de lo ya visto, ni tiene un ritmo que compense todas estas carencias.
SkyShowtime ha empezado fuerte con las producciones locales. Una vez establecidos en Europa y ahora en España, han arrancado de un modo potente con la serie sobre Miguel Bosé y seguidamente lo que nos proponen es ‘Los enviados’, protagonizada por Miguel Ángel Silvestre (‘Sense8’) y Luis Gerardo Méndez (‘Los ángeles de Charlie’), incorporándose a ellos Adriana Cortés (‘Sense8’). Una serie que realmente procede de Argentina o México pero que tiene su aportación española.
Hemos podido ver el comienzo de esta producción de 8 episodios que se estrena el día 31 de marzo. La historia arranca con un hombre que está barriendo en un manicomio y de manera súbita se encuentra solo, cuando lo normal era estar acompañado de enfermeros, religiosas y pacientes. Deambulando en busca de respuestas se topa con una muchedumbre que está rodeando lo que descubre con asombro que es su propio cadáver. Es entonces que una luz le ciega y sucede el milagro.
Silvestre y Méndez interpretan a dos funcionarios del Vaticano. Uno de ellos tiene realmente formación de abogado y el otro de perito médico. Por motivos laborales están obligados a entenderse y a ver enfrentadas sus dos versiones de la fe cristiana. Funciona la serie como una buddy movie en la que dos personalidades chocan pero a la vez encuentran puntos comunes y vitales que les impulsa a seguir adelante. Porque la tarea que les encomienda la Santa Sede no es fácil. Tienen la arriesgada, conflictiva y exhaustiva labor de verificar si se ha obrado un milagro o si estamos ante una estafa o peculiaridad de la ciencia. De hecho, al menos al comienzo, pone en relevancia algo que siempre ha sido objeto de debate: si los sacerdotes se basan en la ciencia para poder demostrar por contradicción, si algo es un milagro o no, es que realmente la Iglesia en lo que está creyendo es en la ciencia.
Por todo esto y por el dilema y ocupación de sus protagonistas a lo que más me ha recordado ‘Los enviados’ es a ‘El cuerpo’ de Antonio Banderas o a ‘El tercer milagro’. En el caso de la segunda, aquella película con Ed Harris y Anne Heche, también trataba de un sacerdote en busca de verificar la mano de Dios, en un lugar ajeno a él lleno de hostilidades, acompañado de una enorme crisis de fe y un amor incipiente. Aunque el tono dramático está mucho más rebajado, el personaje que más me ha remontado a esa película de la misma directora de ‘Charlatán’ es el de Miguel Ángel Silvestre. Si por su parte Luis Gerardo encarna el arquetipo de religioso procedente de buena cuna que se mantiene austero, conservador y sosegado, él actor español es más simpático y dicharachero de lo habitual. Resulta excesivamente pícaro y extrovertido, mucho más que Eduard Fernández en la serie que también co-protagonizó Silvestre, ‘30 monedas’. Pero hay que tener en cuenta que es un personaje que se está cuestionando mucho su lugar en la Iglesia y que además está abierto a una relación amorosa, por lo menos así lo insinúan sus miradas.
Juan José Campanella, a quien conoceréis de otras obras de corte fantástico como ‘Colony’, ‘Night sky’ o una de sus obras más afamadas, ‘El secreto de sus ojos’, es el responsable de este nuevo drama con dosis de suspense. Lo que más me ha gustado de ‘Los enviados’ es que sin necesitar un gran espectáculo, ni artificios logra tener carisma, despertar simpatía y por supuesto generar mucho misterio. Es una serie nada episódica, que sigue una única trama de manera sencilla y muy eficiente. Aguardo con ganas que la serie siga esta línea y se materialice también en España la segunda temporada que ya está por estrenarse en otros países.
Gil Boksoon, que trabaja para la agencia de homicidas MK, es una sicaria con un porcentaje de éxito del 100 % y la madre de la adolescente Jae-young. Puede que sea una asesina consumada, pero tiene muchas carencias como madre. Por eso, cuando llega el momento de renovar su contrato con la agencia, decide retirarse para volcarse en su hija. Pero, cuando se dispone a hacer su último trabajo, antes de comunicar su decisión a MK, Boksoon descubre un secreto sobre la misión e infringe la norma fundamental de la empresa: ejecutar todo encargo pase lo que pase. Entonces se convierte en el blanco de la agencia y del resto de sicarios.
Crítica
Aunque pierde su flow es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización frívola de las historias de yakuzas
Ver a un asesino o un agente secreto combinando su vida personal y hogareña con su licencia para matar. No es la primera vez que vemos una composición de guión así, ahí están ejemplos contemporáneos como ‘Sr. y Sra. Smith’, ‘Red’, ‘León’, ‘Kingsman’… Es curioso y divertido imaginar qué pueden hacer en su día a día aquellos que trabajan en la sombra, aquellos que tienen asuntos turbios o que sesgan vidas mientras estamos viendo Netflix o durmiendo plácidamente. En ‘Boksoon debe morir’ además de una coreografiada acción, de la presentación de una nueva antiheroína y del desarrollo de una original agencia secreta del hampa se dispone un drama maternofilial.
‘Boksoon debe morir’ nos sumerge dentro de una agencia que reúne “empresas” dedicadas a materializar encargos delictivos, principalmente asesinatos por contrato. Regida por una serie de reglas y por la estricta mano de un presidente, la compañía de los bajos fondos conocida como MK tiene entre sus estrellas a la agente Gil Boksoon (Jeon Do-yeon), la cual, combina su vida secreta como criminal con la crianza de una hija adolescente. La película de Byun Sung-hyun frivoliza con el negocio de la muerte viéndolo con la perspectiva de una empresa multinacional con su escalafón, jefes y obreros descontentos. Es una película totalmente insensible o indiferente ante la violencia (como gran cantidad del material que disfrutamos hoy en día) pero que busca explorar emotividad con la trama entre la madre protagonista y su hija (Si-ah Kim).
Hay que reconocer que ‘Boksoon debe morir’ lo mola con su acción y su protagonista femenina que está dividida a lo ‘Gunpowder milkshake’ o ‘Kate’. Está narrada en su arranque en retrospectiva y con una estupenda escena de lucha parece que va a romper moldes y a desarrollar un gran carisma. Además parece estar riéndose de los clisés, las tradiciones y los estereotipos del género. Dispone una trama y una manera de indagar en los personajes muy bien armada, dibujando estupendamente la psique de cada uno de ellos. Sin embargo, ese planteamiento nos mantiene durante muchas fases en stand by esperando la acción, todo ello a favor de desarrollar la relación entre madre e hija y conforme nos sumergen en un desenlace que se torna cada vez más oscuro. La gran lástima es que la película pierde su mojo, el flow que le hace marcar la diferencia y congratularse con el cine moderno mientras que conservaba elementos clásicos. Puntualmente recupera esa dinámica pero cuesta recuperarse de tanto adormecimiento dramático acumulado.
Te gustará si aprecias las coreografías de lucha modernas herederas de Jet Li y compañía o las claras referencias al cine de Miike o Kitano. Es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización de las historias de mafiosos y artes marciales. Prometía su mezcla de yakuzas, katanas, organizaciones secretas, asociaciones de padres y dramas púber. Pero intenta desarrollar demasiado su universo delictivo y emocional perdiendo aquello que le hacía especial.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Kill Bok-soon. Duración: 137 min. País: Corea del Sur. Dirección: Byun Sung-hyun. Guion: Byun Sung-hyun. Música: Kim Hong-jip, Lee Jin-hee. Fotografía: Cho Hyung-rae. Reparto principal: Jeon Do-yeon, Sol Kyung-gu, Kim Si-a, Esom, Koo Kyo-hwan, Lee Yeon, Hwang Jung-min. Producción: See At Film, Seed Films. Distribución: Netflix. Género: acción, thriller. Web oficial:ver en Netflix.
‘Oso vicioso’ está inspirada en la historia real del accidente de avión que en 1985 hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro. Este salvaje comedia reúne en un bosque de Georgia a un curioso grupo de policías, delincuentes, turistas y adolescentes que se encontrarán con un super depredador de 230 kilos que ha tragado una enorme cantidad de cocaína y que se haya en un frenesí destructivo en busca de más polvo… y mucha sangre.
Crítica
La trama es adictiva pero solo la premisa engancha más que la cocaína
Imagináis qué pasaría si el oso Yogui en vez de robar cestas a los domingueros robase fardos de farlopa. ‘Oso vicioso’ responde a esa pregunta. Es 1985 y un oso se pone hasta las trancas de cocaína por lo que empieza a liarla, a pesar de ser un oso negro, no pardo. Son estupefacientes caídos del cielo, procedentes del avión de un narcotraficante que antes era agente de narcóticos, hecho del que se hace eco la película con uno de los personajes. Eso de que la realidad supera la ficción se queda corto con ‘Cocaine bear’. Eso sí, desde el principio queda claro que los hechos reales, ya que esto pasó de verdad, se han llevado a extremos desfasados, totalmente fuera de lo políticamente correcto. ¡Ojalá hubiese sido así el ataque de ‘El renacido’!
La película de Elizabeth Banks se basa realmente en el libro ‘Bluegrass Conspiracy’ de SallyDenton, el cual ya ficciona bastante lo que pasó realmente con el oso que acabó siendo bautizado como “Pablo Eskobear”. Lo tremendamente surrealista que les sucede a los protagonistas del bosque de Georgia (recreado en tierras irlandesas), el hecho de ser de lo último de Ray Liota, la promesa de baño de sangre y humor negro, el guionista de ‘The babysitter’… todo es un atractivo morboso. La fórmula que mezcla caras conocidas con argumentos que parecen salidos de la mente de unos adolescentes adictos a algún tipo de ácido vuelve a funcionar y me encanta que el público general pase por el aro. Me ha recordado a ‘Ovejas asesinas’, a ‘Bunny the killer thing’ o a ‘Zombeavers’ pero sobre todo a un descacharrante corto belga llamado ‘L’ours noir’, de Méryl Fortunat-Rossi y Xavier Seron. Ese corto de 2015 (que podéis ver aquí) ya daba las pautas para sobrevivir a un oso negro y también para sacarle partido cómico a una situación tan truculenta y peligrosa como es encontrarse con una criatura así en el bosque.
Bien es cierto que las tecnologías actuales han echado leña al fuego de un género que está cada vez más de moda y cada vez se gana menos ese calificativo. Hablo sobre todo por el oso que está recreado por CGI para que no haya violencia con ningún animal real y para poder llevarlo al extremo más salvaje posible. Eso hace que podamos ver la película sin sentir ningún temor por un animal que de normal vive en plena naturaleza, lo cual por otro lado podría herir sensibilidades. Y si lo pensamos bien además de ser una película de género o cómica, también funciona como un survival horror en el que el asesino es un oso que realmente es una víctima de la maldad y vileza humana.
Elizabeth Banks ha encontrado la manera de reencontrarse y redimirse con los espectadores a través de las historias sangrientas y fantásticas. Tras el desastre de ‘Los Ángeles de Charlie’ y aparecer en ‘The Boys’ ha cogido este anecdótico e increíble suceso del que usa imágenes reales en su arranque. Pero por supuesto ha necesitado trastocar lo que sucedió cambiando incluso el final. Todo ello para darnos un festival tan explícito que hace daño, tan sorprendente que gritas ¡pero que! y tan desbocado que no tiene límites y que te partes de risa. Es una broma que puede hasta considerarse inapropiada o de mal gusto, pero si captas la sátira y la parodia es un placer retorcido.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Cocaine bear. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Banks. Guion: Jimmy Warden. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Brooklynn Prince, Isiah Whitlock Jr., Kristofer Hivju, Hannah Hoekstra, Aaron Holliday, Margo Martindale, Ray Liotta. Producción: Universal Pictures, Brownstone Productions, Lord Miller. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial:https://www.instagram.com/CocaineBear/
Cuando Babs, una niña de 9 años, recibe a un cerdito llamado Oink como regalo por parte de su abuelo, convence a sus padres de quedárselo con la condición de que siga un adiestramiento para cachorros. El cerdito cambiará su vida y la de todos en su familia hasta que las cosas empiezan a complicarse de manera inesperada cuando descubre que sus padres no son la mayor amenaza para Oink.
Crítica
Pintoresca historia sobre la responsabilidad y los lazos afectivos
‘Oink oink’ es una película de animación que se nos escapó en la pasada edición del Festival de Sitges y que ahora que llega a salas de cine hemos podido disfrutar. Y digo disfrutar porque es un título que a pesar de la tosquedad y ordinariez que tiene el animal al que hace alusión su onomatopeya está llena de gracia y sensibilidad. Es más, está basada en un libro de los Países Bajos (‘De wraak van Knor’) cuya autora se llama Tosca Menten, un nombre que puede sonar a tosco pero que no hace honor a dicho chiste fácil.
‘Oink oink’ nos congratula como tantas otras películas por usar la técnica del stop motion. Pero sobre todo nos encandila por la ternura que aflora en la relación entre una niña y su mascota. La holandesa Mascha Halberstad ha logrado con este filme algo que ya hizo Chris Noonan con su Babe, que veamos a un gorrino flatulento y cagón como algo adorable y noble. También desarrolla una bonita historia de descubrimiento entre una niña que es un trasto y un abuelo que hasta entonces estaba desaparecido.
Es de ese cine que consigue alcanzarnos a través de personajes pintorescos, de historias variopintas y relaciones íntimas. Aunque todo esto suene a cine intensito o cultureta ‘Oink oink’ es una película infantil con mucho que enseñar. Por supuesto todo habla de la responsabilidad que ha de tener cada uno hacia sus mascotas o los actos de estas. También, a modo de redención, se nos plantea que hay cosas ineludibles en la vida, como los hijos. Pero también hay un abierto mensaje animalista y vegano.
El diseño de personajes y la elección de color puede recordar al de ‘Wallace & Gromit’ o ‘La oveja Shaun’, aunque a veces se acercan a los grotescos protagonistas de ‘Robot chicken’. Podría ser efectivamente una historia sacada de una serie televisiva de tantos canales infantiles que hay hoy en día. Sin embargo su trabajo merece la pena ser visto en pantalla grande.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Knor. Duración: 72 min. País: Países Bajos. Dirección: Mascha Halberstad. Guion: Fiona van Heemstra. Música: Rutger Reinders. Fotografía: Peter Mansfelt. Reparto principal (doblaje original): Hiba Ghafry, Alex Klaasen, Johnny Kraaijkamp, Loes Luca, Matsen Montsma, Kees Prins, Jelka van Houten, Henry van Loon, Remko Vrijdag. Producción: Viking Films, A Private View, Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, comedia. Web oficial:https://aprivateview.be/nieuwsartikel/oink-premiering-in-belgian-cinemas/
Cuando Lola (Milena Smit) pierde los bebés que estaba esperando, también pierde su fe en Dios. Con la esperanza de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo (Jaime Lorente) a un convento de monjas donde conocen a Tin y Tina, dos angelicales hermanos de siete años por los que Lola se siente extrañamente atraída. Aunque Adolfo no siente lo mismo, deciden adoptarlos. Con el paso del tiempo Lola empieza a caer en una espiral de sospecha y obsesión con los niños y sus macabros juegos religiosos.
Crítica
Muy cómoda en las referencias clásicas pero perdida a la hora de definir su misterio
Ir al cine a ver una película de terror en pleno inicio de la primavera y no en una noche de verano o en los aledaños de Halloween se hace percibir con una sensación un tanto extraña o rara. Quizá sea verdad que hay unas épocas más propicias para determinados géneros, pero la fecha en la que ha recaído el estreno de ‘Tin & Tina’ me parece de lo más adecuada. Ahora que todo el mundo empieza a prepararse para hacer fotografías a las flores, para empezar a tomar el sol y disfrutar apaciblemente de terrazas con vermú llega esta película que busca meternos en un ambiente cuanto menos enrarecido y frío. Sin duda los factores externos van a ayudar a que los espectadores entren bien en la dinámica inconfortable del primer largometraje de Rubin Stein.
Una primera película que como en tantas otras ocasiones parte de un corto homónimo. Un trabajo que en 2013 fue el germen de una trilogía de cortos y una buena trayectoria por festivales. Y como pasa también en muchas ocasiones se ha cambiado a los intérpretes protagonistas. Las tendencias actuales mandan y se ha escogido a un reparto que incluye como cabeza de cartel a dos artistas en auge como Milena Smit y JaimeLorente. Ellos interpretan a dos padrastros que han adoptado a unos hermanos de siete años (Tin y Tina, Carlos González Morollón y Anastasia Russo) con rostro angelical pero que obviamente, al tratarse de un título de terror, esconden algo malsano en su interior que va a poner aún más en relevancia la crisis de fe de la pareja. No he visto el corto, se supone que esta oportunidad de casi dos horas es ideal para desarrollar los personajes, pero sobre su pasado o su trasfondo conocemos muy poco.
Suspense, rarezas incomodas y nostalgia ochentena son las principales bazas de ‘Tin & Tina’. La película sigue los pasos de títulos clásicos de terror, sobre todo de aquellos que incorporan niños en su reparto. La dirección de actores y de fotografía está muy acertada en ese sentido y es por ello que es fácil acordarse de títulos como ‘La semilla del diablo’, ‘La profecía’, ‘El pueblo de los malditos’ o ‘La huérfana’. El filme rememora mucho a Chicho Ibáñez Serrador y al igual que en ‘Quién puede matar a un niño’, los protagonistas tienen la duda razonable de si todo lo malo que les sucede es fruto de la mala suerte o de los endiablados actos de unas jóvenes personitas.
La intención de la película es incomodar y hacernos sentir raros, pero hace que nos perdamos cuando va sin rumbo o hay cosas que no cuadran. ¿Hacen el mal cual anticristos o malinterpretan inocentemente los textos bíblicos? En concreto sucede que el largometraje a veces juega con lo sobrenatural, y otras veces juega con los perjuicios o los malentendidos. Por ejemplo, hay perro y todos sabemos qué sucede con las mascotas en este tipo de películas. También que sirven como canario en mina para avisar del peligro. Ese elemento choca con el mensaje que finalmente Stein nos deja en su cierre. El guión no se decide o no han sabido plasmar de un modo más eficiente por dónde quieren tirar.
El metraje de ‘Tin & Tina’ está lleno de planos kubrickianos, de zooms a lo Donner o Friedkin. Además cuenta con Jocelyn Pook (‘Eyes wide shut’) para la banda sonora lo cual habría sido todo un gol por la escuadra si el filme no estuviese repleto de los trillados coros angelicales que buscan infundir terror desde la inocencia. Tampoco es que ayude la edición de sonido abarrotada de efectos mal insertados o volúmenes desencajados que acompañan a dos protagonistas que parece que hablan solo a susurros. Aún con estos defectos ‘Tin & Tina’ intriga y ello es sobre todo gracias a que su primer acto es inquietante, a cómo maneja los temas sacrílegos o religiosos y a que el broche final es un magnífico y nada corto plano secuencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Tin & Tina. Duración: 119 min. País: España. Dirección: Rubin Stein. Guion: Rubin Stein. Música: Jocelyn Pook. Fotografía: Alejandro Espadero. Reparto principal: Milena Smit, Jaime Lorente, Carlos González Morollón, Anastasia Achikhmina, Teresa Rabal, Ruth Gabriel, Ana Blanco de Córdova, Luis Pérezagua, Enara Prieto. Producción: La Claqueta PC, ICAA,Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, FilmGate Miami, Andarams Films, Latido Films. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/tin-tina.234
Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que en realidad está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con sólo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.
Crítica Una aventura familiar que se transforma estupendamente en un relato de terror y ciencia ficción
No es la primera vez que el audiovisual nos hace viajar al pasado mezclando con ello naves espaciales. Ya se nos pintó el tiempo como algo cíclico (‘Futurama’) o viajamos gracias a la relatividad (‘El planeta de los simios’) o vimos nuestro planeta con ojos alienígenas (‘Prometheus’) o se hizo uso de agujeros de gusano (‘Interstellar’). No me corresponde a mi desvelar cuál es la teoría empleada en esta película. El caso es que en ’65’ un hombre se estrella con su nave espacial en un planeta que resulta ser la Tierra pero sesenta y cinco millones de años atrás, en el Mesozóico, más en concreto en el Cretácico (no el Jurásico señoresCrichton y Spielberg), el cual concluyó hace 66 años a.C. con la extinción de los grandes dinosaurios.
La historia se enmarca pues en los últimos coletazos de los dinosaurios en términos de eras históricas. Esta es una nueva manera de plantear qué posibilidades tenemos ante los Tyrannosaurus rex y compañía pero con armas futuristas. Esto ha hecho que me acuerde de la serie ochentera de animación ‘Dinoriders’, pero los tiros no van por ahí. Esta es una aventura más sencilla con unas cuantas remembranzas hacia ‘Jurassic Park’, de hecho podemos decir que también es entretenimiento familiar y la trama sigue a un adulto y una preadolescente por unos lares llenos de saurios. Incluso hay dos o tres escenas que nos devuelven a la icónicaimagen del T-Rex bajo la lluvia o atacando el coche.
En la concepción de la película tenemos un elenco muy enfocado en el terror. Partiendo de que Sam Raimi ha puesto su criterio y dinero en esta producción hasta el hecho de que dirigen y escriben Scott Beck y Bryan Woods, artífices ambos de los guiones de las dos partes de ‘Un lugar tranquilo’ y de orquestar ‘La casa del terror’. Esta es una aventura que como he dicho se puede ver en familia pero poco a poco nos va ganando a los adultos pues se van imponiendo las escenas tensas y de terror. Miedo bien trabajado a base de un buen CGI que recrea a unos reptiles cada vez más presentes. Hablando de imágenes generadas por ordenador, estupendo el diseño de la nave que me ha recordado a la famosa fragata del ‘Mass Effect’.
No obstante la película tiene algo menos de gracia en su arranque pues nos desvelan muy pronto porqué estamos en el Cretácico. Lo peor es que a veces cuesta pasar por alto el hecho de que la trama tenga un par de casualidades cósmicas y que los dos protagonistas manejen un portentoso dispositivo electrónico y una mochila que parece que no tiene fondo. Sin duda ha habido que aplicar más de una solución rápida y prueba de ello es que el rodaje sola durado cuarenta días. Está claro que la gran inversión de filme, al margen del caché de Adam Driver, son los efectos creados en post-producción, que como he dicho antes, son de alta calidad.
Adam Driver aparca el sable láser y utiliza por primera vez en su carrera actoral el entrenamiento armamentístico que recibió cuando estaba en la marina, la cual dejó tras un accidente montando en bici. ‘65’ crea su historia con solo dos personajes. Driver y la joven Ariana Greenblatt, aunque hay otros dos papeles femeninos interpretados por Chloe Coleman y Nika Williams. Quiero más de este Driver entregado a la acción y por otro lado el trabajo que ha hecho aquí Greenblatt me eleva las expectativas de ‘Borderlands’ ya que va a interpretar en esa adaptación a Tiny Tina.
Ni caso a los palos recibidos desde la crítica norteamericana. ‘65’ es una más que solvente aventura en la que poco a poco se impone el terror e incluso al final tenemos un detalle visual que sin duda es parte de ese horror esperpéntico que a veces caracteriza a Sam Raimi.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: 65. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Chris Bacon, Danny Elfman. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Adam Driver, Ariana Greenblatt, Chloe Coleman, Nika Williams. Producción: Beck Woods, Bron Creative, Columbia Pictures, Raimi Productions, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://www.beckwoods.com/sixty-five
Con el fin de reencontrarse con sus orígenes, Freddie, de 25 años y criada en Francia, regresa por primera vez a Corea del Sur, donde nació antes de ser adoptada. La joven, de carácter obstinado, comienza a buscar a sus padres biológicos en un país que apenas conoce, llevando su vida por nuevos e inesperados caminos.
Crítica
Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador
Es extremadamente difícil ponerse en la piel de una persona en cuya vida irrumpe una cultura totalmente diferente a la suya. Pero es aún más difícil comprender los sentimientos de alguien que se sumerge en una cultura que se supone que la define por nacimiento pero que no ha tenido nunca contacto con ella. Eso es lo más valioso de ‘Retorno a Seúl’, la tercera película de Davy Chou, la cual logra retratar una situación que no es del todo extraña pero que está escasamente explorada.
‘Retorno a Seúl’ fue la candidata al Oscar por Camboya y aunque no llegó a pasar el último corte pienso que sería por muy poco. Pese a tratar todo sobre la cultura coreana la película tiene su origen y producción en Camboya. Está inspirada en la vida de Laure Badufle, una amistad del director, y trata sobre una mujer que teniendo solo un año es adoptada y llevada de Corea del Sur a Francia. Tiempo después regresa para descubrir no solo cómo es el país en el que llegó al mundo sino las razones por las que su familia se desprendió de ella. En ese terreno se mueve ‘Retorno a Seúl’. Un territorio lleno de malentendidos y choques culturales, un campo en el que cultivar la comprensión y aplacar el resentimiento.
Es un viaje y una búsqueda como reflejo externo de una transformación interior. Una vuelta y descubrimiento de raíces. Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador. Es una confrontación constante de sentimientos en la que lo interior se enfrenta mucho al ponerse en lugar de otros acabando todo en reacciones que a priori parecen irracionales, pero tienen su base.
La protagonista tiene un carácter europeo, con brotes de descaro, curiosidad e irreverencia pero también de ira contenida. Un papel que le pega a la artista visual Park Ji-Min, quien hace aquí por primera vez un trabajo de actriz. De hecho me consta que cuestionó mucho la concepción de su personaje y si la protagonista tiene ese carácter tan agresivo o extrovertido en público pero acongojado con su nueva familia es por ella. Sin duda ha aportado también en lo referente al vestuario. Su interpretación lo es todo en esta película pues maneja estadios muy complejos en la transformación de su personaje y sabe interpretar muy bien las intenciones del guión.
Además de todo un discurso sobre la identidad ‘Retorno a Seúl’ es en segundo plano un retrato generacional de una zona específica de Asia y de unas personas exiliadas en manos extranjeras. Quizá cueste empatizar algo más por eso con la protagonista y su entorno pero ‘Retorno a Seúl’ demuestra como tantas otras que esos países, antaño en recesión por las guerras, dictaduras o culturas tradicionales, ya están totalmente dentro de la aldea global. Davy Chou consiguió mostrar su película en festivales de Cannes, Toronto, Nueva York o Sevilla. Esa internacionalidad demuestra como extensión del discurso del filme, la inclusión de esta cultura en nuestro mundo capitalista.
Aunque parezca que el tercer acto es más oscuro las sensaciones que nos deja al final la película no son dramáticas o fatalistas. Aunque trate de vidas rotas o trastocadas es un filme que arroja algo de luz. En un momento dado se ve fugazmente que el número de adopciones decrece cada vez más según nos aproximamos a nuestros días. Una muestra más de que Corea se desarrolla con normalidad y que está cada vez más metida en occidente que en oriente.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: Retour à Séoul. Duración: 117 min. País: Camboya. Dirección: Davy Chou. Guion: Davy Chou. Música: Jérémie Arcache, Christophe Musset. Fotografía: Thomas Favel. Reparto principal: Ji-min Park, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Oh Kwang-rok, Guka Han, Kim Sun-young, Son Seung-Beom, Hur Ouk-Sook, Emeline Briffaud, Lim Cheol-Hyun. Producción: Aurora films, Vandertastic Films, Frakas Productions, Merecinema, Anti-Archive, Ciné+, CNC, FFA, VOO, BE TV. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/retorno-a-seul/
Billy Batson y sus compañeros adoptados han recibido los poderes de los dioses pero aún están aprendiendo a compaginar sus vidas de adolescentes con sus alter-egos de Superhéroes. Pero cuando las Hijas de Atlas, un vengativo trío de antiguos dioses, llegan a la Tierra en busca de la magia que les robaron hace mucho tiempo, Billy -alias Shazam- y su familia se ven envueltos en una batalla por sus superpoderes, sus vidas y el destino de su mundo.
Crítica
Continuando con la épica sinvergüenza o pueril y aproximándose a Gunn
Creo que la mayor incógnita que han de resolver las próximas películas del universo cinematográfico de DC Comics es qué deriva va a tomar ahora que está en manos de James Gunn, quien ya sabemos que dirigirá ‘Superman: legacy’. Al margen de si sus nuevos títulos son mejores o peores largometrajes o secuelas tanto Shazam como Flash han de resolver esa consulta próximamente. Antes de la esperadísima película del solitario de Flash le ha tocado ese papelón a ‘Shazam: la furia de los dioses’.
Ya os adelanto sin spoilers que hay dos escenas post-créditos. Una de ellas prácticamente igual que la de la primera parte y la otra supone la que, si no me equivoco, es la primera incursión del mundo televisivo de DC en el cine. Pero la respuesta a si Shazam sigue dentro del “Gunnverso” está dentro del propio filme. Más allá de las referencias a la Trinidad hay una escena importante que llega para responder ligeramente a lo que está planeado para otro importante personaje. Descuidad que no voy a decir nada más al respecto, podéis seguir leyendo.
Quizá lo anteriormente mencionado es lo más relevante de ‘Shazam: la furia de los dioses’. No supone ningún antes y después para el cine de superhéroes ni para el DCU. Es una película continuista, casi de relleno, dotada de la épica sinvergüenza de la anterior entrega y aproximándose al estilo del pupilo de la Troma, pero manteniendo un tono aún juvenil, lejos de ‘El Escuadrón Suicida’ en cuanto a violencia. Explota dos elementos importantes que ya introdujeron la primera entrega y la película de Patty Jenkins sobre los orígenes de la amazona. Estos míticos factores son precisamente eso, míticos. La magia (el otro punto débil de Superman) y el mundo clásico son los protagonistas de este filme. Ello combinado nos ofrece otros buenos aspectos de la película. Por un lado un trío de diosas que están muy por encima del Zeus de Russell Crowe y por otro el diseño de criaturas. Llegamos a ver mantícolas, arpías, unicornios, minotauros o cíclopes cuyo CGI es solo ligeramente mejorable y cuyo aspecto rememora, quizá como guiño voluntario, a las plastilinas de Harryhausen.
Por supuesto, el sentido del deber y el corazón del héroe es parte vital de la película. La familia (las dos familias que intervienen en la cinta) son aspectos dirigidos al público más joven. Además del tono mitológico y arcano el factor de diferenciación de ‘Shazam: la furia de los dioses’ es el disponer a toda un grupo de héroes que además forma un núcleo familiar entre si. Está el clan de huérfanos, el grupo que formacomo superhéroes y la estirpe de las villanas de turno. Por que, por si no lo sabéis, a quien se enfrentan estos superhombres es a las mismísimas hijas de Atlas.
‘Shazam: la furia de los dioses’ es una película más de superhéroes llevando al personaje a cotas mayores. Pienso que los productores (entre ellos Safran que sigue echando leña al mundo DC/Warner) son conscientes de que esta es una obra de paso y que dado además el carácter pueril del personaje, no hay que tomarse del todo en serio. De hecho, se ríen del cameo falso de la primera parte y no por ello nos privan de tener más de una aparición inesperada. Y se regodean en su mundo, desde las menciones anteriormente descritas, pasando por otras más complejas como la del Violinista (Fiddler), hasta las apariciones de las dos Annabelles (también de David F. Sandberg) y las camisetas de los protagonistas que rememoran a los ‘Goonies’, ‘Gremlins’, el ‘Gigante de hierro’ o ‘El Señor de los Anillos’. Puede que todo esto nos hable de que esta es una película muy cómica, pero a mi me muestra que, aunque sea tímidamente o con reservas, esto sigue en serio.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Shazam! Fury of the Gods. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: David F. Sandberg. Guion: Henry Gayden, Chris Morgan, Bill Parker, C.C. Beck. Música: Christophe Beck. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Zachary Levi, Marta Milans, Jack Dylan Grazer, Asher Angel, Diedrich Bader, Grace Fulton, Helen Mirren, Lucy Liu, Meagan Good, Adam Brody, Rachel Zegler, Djimon Hounsou, Ross Butler, P.J. Byrne, D.J. Cotrona. Producción: Warner Bros., New Line Cinema, DC Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictues. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/shazam-fury-gods
Un águila real, expulsado de su territorio, emprende una aventura épica de supervivencia a lo largo y ancho de la península ibérica. Partiendo desde las altas cumbres de la cordillera cantábrica, surcará los cielos en un periplo lleno de historias sorprendentes, hasta establecerse definitivamente en un nuevo territorio en las sierras Béticas.
Un relato en el que estará acompañado por algunas de las especies más emblemáticas de nuestra fauna como el quebrantahuesos, el urogallo, el sisón, el visón europeo y el oso, entre otras.
Crítica
El espíritu de Félix Rodríguez de la Fuente seguirá vivo mientras haya documentalistas como Arturo Menor
De Cantabria a Badajoz, de Cádiz a Lleida, sin olvidarnos de lugares intermedios como Toledo, Cuenca, Ávila, Madrid o Burgos. ‘Iberia, naturaleza infinita’ es un auténtico viaje de setenta y cinco minutos que condensan cincuenta y tres semanas de rodaje capturadas a alta resolución y con la mayor autenticidad posible. Pero es un trayecto visto a través de los ojos de nuestra fauna y de manera inevitable, flora y orografía.
Arturo Menor sigue la senda de los grandes documentalistas de la naturaleza y aplica de una manera altamente eficiente las tecnologías actuales. Como si con ello quisiese mostrarnos que futuro y medioambiente siguen pudiendo ir de la mano, mientras guarden una distancia de seguridad que les permitan convivir. La era de los drones está plagando el cine de planos aéreos, en su mayoría cenitales, pero esa saturación nos habla siempre de lo mismo en segundo plano, vivimos en un ecosistema rico, precioso y diverso. ‘Iberia, naturaleza infinita’ tiene un mensaje conservacionista y puja por la protección de nuestras especies, campos y enclaves naturales. Para hacer el filme se ha usado lo último y más capaz de inmortalizar a animales que a su vez son los últimos de su clase. Como en todo documental de naturaleza se obtienen tomas muy difíciles, fruto de la paciencia y la búsqueda. A destacar algunos planos en pleno vuelo o una estupenda secuencia a toda velocidad volando por un pueblo andaluz. Sin embargo la narrativa es muy clásica y no se amolda a códigos más actuales.
El reconocimiento recibido hasta ahora por trabajos como ‘WildMed. El último bosque mediterráneo’ o ‘Barbacana, la huella del lobo’ va a verse incrementado pues ‘Iberia, naturaleza infinita’ eleva el nivel tan alto como el vuelo del águila real que preside su cartel y que nos hace de maestro de ceremonias o silencioso protagonista. Aunque este no es un largometraje mudo pues cuenta de nuevo con la inconfundible voz de Jesús Olmedo. Y tiene una trama que bien podría pertenecer a un argumento Disney o Dreamworks. Es una película repleta de aventuras y de amigos pertenecientes al reino animal, con todos esos nombres que desde la labor divulgativa de Félix Rodríguez de la Fuente conocemos tan bien y otros algo más olvidados o amenazados como el alzacola o el sisón.
Envidia. Despierta mucha envidia el poder haber pasado más de un año viajando por España en busca de los protagonistas de nuestras montañas o cielos. Y si fuera de nuestras fronteras ven este largometraje también sentirán envidia pues como dicta su título parece que la variedad que encierra nuestro mapa no tiene límites. Respeto. La belleza y majestuosidad de aquella tierra que se encuentra entre nuestras ciudades o pueblos no se mantiene sola. O mejor dicho, no se destruye sola a si es que hay que respetarla como bien nos anima a hacer ‘Iberia, naturaleza infinita’. No deberíamos necesitar más avisos, no deberíamos necesitar que nos lo plasmen en pantalla grande. Estamos obligados a cuidar nuestra biodiversidad pues los atropellos, contaminación, caza o construcción nos hacen responsables de la desaparición de aquello que no respetamos.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Iberia, naturaleza infinita. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Arturo Menor. Guion: Arturo Menor. Fotografía: Arturo Menor. Producción: Acajú Comunicación Ambiental. Distribución: Acajú Comunicación Ambiental. Género: documental. Web oficial:http://acaju.es/
Peter busca a su hermana Adel, desaparecida hace mucho tiempo. Cuando se topa con una adivina en la plaza del mercado, la única pregunta que tiene en la cabeza es: ¿Sigue viva mi hermana? La respuesta es que debe encontrar a una misteriosa elefanta. Así, Peter emprende un viaje extraordinario para cumplir tres misiones aparentemente imposibles que cambiarán su pueblo de forma mágica. ‘La elefanta del mago’ está basada en la novela clásica de Kate DiCamillo, ganadora de la medalla Newbery.
Crítica
Un clamor por recuperar los anhelos e ilusiones perdidas
Muchos de aquellos que se encargan de hacer efectos especiales por ordenador para largometrajes acaban haciendo películas animadas e incluso dirigiéndolas. Ese es el caso de Wendy Rogers que ha orquestado para Netflix ‘La elefanta del mago’ tras haber trabajado tras bambalinas en películas como ‘El gato con botas’, ‘Shrek’ o ‘Las crónicas de Narnia’. La historia sigue los pasos establecidos por el guión de Martin Hynes (‘Toy Story 4’) quien ha usado como material en bruto la novela de la estadounidense Kate DiCamillo.
Quizá ‘La elefanta del mago’ no es el título más laureado o famoso de DiCamillo, tampoco es su primera obra adaptada, de hecho, esta novela ya ha sido convertida a musical. Tiene el espítitu optimista, juvenil y diverso que tanto busca Netflix en estos tiempos donde todo parece calamitoso. Contagie o no su carácter ingenuo o risueño tiene algo que siempre funciona en este tipo de historias infantiles. Al igual que cualquiera de las narraciones de esta autora hablan de nuestra relación con el reino animal y todo gira en torno a una amistad a priori imposible. La ciudad de Baltese es una metáfora del mundo tan desalentador en el que vivimos. Desde luego al filme no le falta ni conflicto ni fantasía.
La historia sigue a Peter Augustus Duchene quien cual personaje de Disney ha perdido a sus padres y anhela encontrar a su hermana. Probando suerte con una persona con poderes de adivinación se encuentra con una curiosa respuesta que le lleva a emprender su búsqueda. Encontrará a su hermana gracias a un elefante. Empieza así una aventura con códigos de otro siglo y con un espíritu muy mágico. En cierto sentido esta es una historia de búsqueda que puede recordar a Pinocho, de hecho, al igual que la versión de Del Toro está techada con los negros nubarrones de la guerra.
El carácter del filme conserva el sello de la autora. Posee la elegancia y sutileza que siempre ha intentado imprimir en sus escritos, persiguiendo los aires de la época victoriana. Habría contribuido a ello la inclusión del precioso tema ‘Night & Light’, encargado en si día por la editorial que lanzó este cuento en 2009. Su esquema es propio de las historias clásicas o de Dumas, incluso podría decirse que también de ‘Las doce pruebas de Astérix’.
La animación es fluida, repleta de detalles, no tiene nada que envidiar a la ya mencionada Disney. Es una obra de Animal Logic, el estudio australiano cuya impronta está en ‘Babe’, ‘Peter Rabbit’ o las películas de LEGO. El diseño de personajes podría estar sacado de un Oliver Twist explorando Casablanca. Los escenarios mezclan una arquitectura que tan pronto está recubierta de baldosines portugueses como que luce las formas que vemos cuando viajamos por el norte de África. Desde luego es un entorno tan ficticio como de cuento.
Está llena de pérdida y crueldad desconsiderada, pero también de nostalgia, romanticismo y esperanza. ‘La elefanta del mago’ es una obra en la que la rigurosidad de la vida ensombrece cualquier sueño. Es un clamor por recuperar los anhelos e ilusiones perdidas. Hay quien la tachará de ñoña y no le faltará razón, son tiempos difíciles para los soñadores, decía Amelie.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: The Magician’s Elephant. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Wendy Rogers. Guion: Martin Hynes. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: Gary H. Lee. Reparto principal (doblaje original): Miranda Richardson, Benedict Wong, Brian Tyree Henry, Natasia Demetriou, Mandy Patinkin, Noah Jupe, Cree Summer, Stephen Kearin. Producción: Animal Logic, Netflix Animation, Netflix. Distribución: Netflix. Género: animación, adaptación. Web oficial:ver en Netflix.
Faerûn es un mundo enorme que da lugar a las aventuras de los jugadores y novelas de Dungeons & Dragons. Ese universo, incluido en los Reinos Olvidados, ha aparecido en un sinfín de libros, manuales y videojuegos que han hecho casi siempre las delicias de los roleros. El 31 de marzo habrá una segunda oportunidad para que aquellos que se sintieron defraudados con la adaptación cinematográfica del 2000 vean por fin una buena aventura repleta de detalles del juego de rol.
Podéis usar mapas interactivos como este para moveros por este vasto y grandiosamente documentado mundo. Aquí me centraré en personajes, nombres, cameos y sobre todo lugares usados para ‘Dungeons & Dragons: honor entre caballeros’. Si queréis descubrir qué criaturas o monstruos aparecen en la película mirad este otro artículo. Sobra decir que el hecho de citar lugares y nombres de esta historia puede considerarse un spoiler, quizá quieras leer todo esto tras ver la película.
La Costa de la Espada
La región noroeste de Faerûn es conocida como La Costa de la Espada. Ahí transcurren videojuegos y novelas como las de ‘Baldur’s Gate’, ‘Neverwinter nights’ o ‘Icewind Dale’. Es en esa región donde se ubica casi toda la acción de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’.
Baldur’s Gate
Uno de los videojuegos más míticos en el ámbito del rol son las dos entregas de Baldur’s Gate. Mientras esperamos que salga la tercera parte nos ha llegado este regalito. Los protagonistas no viajan ni a Amn ni a la Puerta de Baldur, pero uno de sus regentes aparece en la película y el nombre de la legendaria ciudad se menciona varias veces. Quizá en sucesivas películas tengamos referencias a la era de los trastornos o a la lucha por el trono de Bhaal.
Icewind Dale
Siguió la estela y la jugabilidad del Baldur’s Gate. Pero la historia se movió al norte de la Costa de la Espada. Una región helada, donde el frío y la nueve dictan las leyes. En la película precisamente es la ley lo que nos lleva a esa región pues en esa zona se ubica la prisión donde arranca la historia.
Neverwinter
‘Neverwinter nights’ fue la gran evolución por parte de BioWare y Wizards of the Coast en el campo de los videojuegos. Un salto al 3D y a la posibilidad incluso de crear tus propias partidas para jugarlas con los amigos en sus ordenadores. Es una de las grandes capitales de los Reinos Olvidados y también es el epicentro de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. En los tráilers ya nos adelantaron esto pues vimos varias veces el emblema de la ciudad. El videojuego llegó a tener dos expansiones y unas cuantas aventuras extras, algunas de ellas en la infraoscuridad, leer más abajo.
Waterdeep (Aguasprofundas)
Muchas son las historias ambientadas en esta gran ciudad. Es mencionada en el filme pero no aparece recreada. Es conocida como la Ciudad de los Esplendores y su relevancia es tal que no sería de extrañar que apareciese en futuras películas.
Las montañas de la espada
Entre Neverwinter y la ciudad también costera de Aguasprofundas se encuentran estas montañas plagadas de peligros que son mencionadas varias veces en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Un lugar donde habitan criaturas tan clásicas como orcos, trolls y algún dragón.
Evermoors
Nos movemos al este en el mapa. En uno de los flashbacks de la película nos llevan hasta una batalla en la que el dragón Rakor abrasa con su ácido el campo de batalla. Los protagonistas van al cementerio de los caídos en ese acontecimiento. Una región que en los datos de los Reinos Olvidados es pantanosa y que en el filme han recreado muy bien.
Nesmé
Una parada en el camino y un cameo aguarda a los espectadores en esta fronteriza aldea. Junto a Evermoors está esta villa de mercaderes donde conviven sobre todo humanos y medianos.
Mornbryn’s Shield
También en el camino de los protagonistas durante la película. Un lugar custodiado por una muralla natural que debe su nombre al fundador, el explorador Mornbryn. Solo aparece en la aventura conocida como ‘Storm King’s Thunder’.
Underdark (Infraoscuridad)
En ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ se hace una tímida incursión en este mundo que aloja a los drows, los azotamentes y otras muchas razas. Pero como bien nos indican desde Paramout Pictures la intención es hacer saga, quizá veamos más de este mundo también conocido como la Antípoda Oscura en secuelas. No se quedan cortos de todos modos pues aquí transcurre toda la escena con los asesinos no-muertos y el dragón Themberchaud, una pasada de secuencia propia de cualquier clásico de aventuras y acción.
Dolblunde
El módulo de juego ‘Sacrifice of the Widow’ nos lleva a esta ubicación de la Infraoscuridad. Una ciudad de gnomos que fue un tiempo la guarida de un dracoliche. En la película nos lleva a lo más clásico del juego, recorrer una mazmorra pues consiste en una serie de cuevas y pasajes repletos de trampas.
Thay
Al este, en el extremo contrario a la Costa de la Espada está Thay. Cabe destacar en esta región la ciudadela que se encuentra en su monte. Lugar donde arranca realmente el poder, dominio y amenaza del villano de la película.
Themberchaud
Videojuegos como ‘Sword Coast Legends’ o los libros de juego ‘Out of the Abyss’ o ‘Escape the Underdark’ incluyen a este dragón rojo. Una bestia escamada escupefuego que sería más temible si su gran obesidad no le impidiese moverse con más agilidad o volar con velocidad. Aún así es una leyenda y tal y como hacen los protagonistas, es mejor poner pies en polvorosa si aparece.
Rakor
Ha sido creado para la película pero alude a la variedad de dragones que hay en ‘Dungeons & Dragons’. Los dragones negros son los más viles, los más despiadados y además se suma a su fiereza que no escupen fuego, sino ácido.
Arpistas
Son una organización justiciera que busca actuar en secreto. Se compone de toda clase de miembros que independientemente de su índole jure compartir con los demás lo que tiene y sabe, no atesorar poder y defender siempre al indefenso. Aunque trabajan en secreto, cual masones, tienen un emblema que consiste en un arpa plateada. El personaje de Chris Pine pertenece a esta sociedad.
Enclave Esmeralda
Mantener el orden de las cosas, eliminar a aquellos que amenazan a la naturaleza y difundir que la naturaleza puede ser despiadada pero pese a ello respetable son las máximas de esta organización. Se les reconoce por sus broches en forma de hoja. Por supuesto es una facción que también aparece en la película y a la que pertenece un personaje.
Conjuros
Magos, hechiceros, druidas, clérigos, paladines… muchas son las clases de personaje que pueden realizar magia en los mundos de Faerûn. Pero hay una serie de conjuros que son clásicos incluso desde que Gary Gygax y Dave Arneson creasen el juego. En la película veréis el conjuro bola de fuego, teletransporte, proyectar imagen, enjambre de meteoritos o la habilidad innata de los druidas de transformarse en animales, entre otros.
Mordenkainen
Uno de los magos más respetados de este imaginario. En la película se le menciona en relación a un sello mágico irrompible que custodia una cámara. Es el líder de un grupo de magos conocido como el Círculo de los Ocho.
Elminster Aumar
Elminster Aumar es uno de los magos más míticos de los Reinos Olvidados. En la película Justice Smith interpreta al mago menor que acompaña a Chris Pine y Michelle Rodriguez y que es descendiente de él. Al ponerse el yelmo de disrupción ve a su tatarabuelo. No queda claro si ese tatarabuelo es Elminster o si es un miembro más de la línea sucesoria, sobre todo teniendo en cuenta que el archimago solo tuvo hijos adoptivos. Lo que sí sabemos es que muchos puristas se pueden enfadar si piensan que es el mítico personaje al ver que lo interpreta un personaje afroamericano. Lo dicho, o es uno más perteneciente a la familia Aumar o han querido huir de la imagen clásica de mago a lo Gandalf y Dumbledore.
Edgin Darvis, Holga, Doric y Simon
Los protagonistas de la película interpretados por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith y Sophia Lillis tienen base novelesca. Aparecen en ‘The Road to Neverwinter’, ‘The Junior Novelization’, ‘The Quest Begins’, ‘Heroes Unite!’, ‘Honor Among Thieves: The Feast of the Moon’. Son trabajos realizados con motivo de la película y sirven como precuelas, novelización y complementos.
Szass Tam
Como decimos en nuestro artículo de criaturas aparecidas en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ el villano definitivo, el jefe final, el Palpatine de esta saga es un liche. En concreto es uno que no se han inventado sino que han sacado de más de una decena de novelas de los Reinos Olvidados, de los módulos de juego o de videojuegos como ‘Baldur’s Gate’. Es un mago rojo no-muerto que practica la necromancia y busca dominarlo todo convirtiendo a sus rivales en parte de su ejército de zombies.
Apartado cameos
Bradley Cooper
Una de las películas a las que muchos aludirán para referirse a ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ es ‘Guardianes de la galaxia’. Ambas están protagonizadas por un grupo variopinto de aventureros perdedores. Al fin y al cabo, el formar un elenco heterogéneo es un clásico del cine de aventuras. Pero también va a ser porque tienen en común a Bradley Cooper. Y de nuevo es por interpretar a un personaje muy pequeño. No es un animal de laboratorio como Rocket Racoon, es un mediano. Nuestros dieces para este cameo.
Serie de dibujos animados de 1983
Si al anterior cameo le hemos dado un diez a este habría que darle un cien. En uno de los momentos más emocionantes de la película no suben el listón y vemos el detalle más nostálgico para los telespectadores. Los personajes de la serie de dibujos animados que no tuvo conclusión pero que unos fans acabaron en Youtube, aparecen en la historia caracterizados por unos actores a priori desconocidos. Los trajes calcados y presentes además en más de un momento. Nos ha tocado la fibra hasta lo más profundo.
Los manuales o compendios de monstruos, pues así se llaman los libros que reúnen a las criaturas de Dungeons & Dragons, contienen páginas y páginas llenas de ilustraciones y detalles sobre todo tipo de monstruos y animales. Son las guías a las que pueden recurrir los masters (o directores) de ese juego de rol para plantar en sus partidas a enemigos o aliados con los que los protagonistas han de interactuar. Si habéis visto la serie ‘La leyenda de Vox Machina’ seguro que reconocéis a más de uno de esta lista, la gran diferencia es que Paramount Pictures tiene el permiso de Hasbro para citarlos todos ya que la película está hecha en colaboración con eOne Films.
Guste o no guste (a nosotros nos ha entusiasmado como contamos en nuestra crítica) la nueva versión en acción real que Paramount Pictures estrena en cines el 31 de marzo, atraerá a muchos curiosos, sobre todo roleros, para descubrir qué bichejos intentan matar a los protagonistas. Aquí enumeramos a aquellos que hemos podido localizar, obviando por supuesto las razas inteligentes mayores como los humanos, enanos, elfos, medianos, gnomos…
Estés o no familiarizado con el imaginario de Gary Gygax y Dave Arneson y sus sucesivas ediciones o si eres un habitante común de Faerum, decimos lo mismo que con nuestro listado de huevos de pascua de esta película, cuidado que te puedes encontrar a continuación más de un spoiler.
Cubo gelatinoso
Una muerte lenta y casi segura te espera si te atrapa uno de estos cubos. Disuelven lentamente a sus presas y caer en uno de ellos es el colmo de muchos jugadores. Tiene presencia en una de las secuencias con más acción del filme y el uso que le dan es cuanto menos inesperado.
Mimic o Mimeto
La de juegos e historias que han copiado a este ser a lo largo del tiempo, Dark Souls, por ejemplo. Puede tener otras formas pero habitualmente se presenta como un cofre que atrae a los aventureros con promesas de posibles tesoros y que reserva una sorpresa llena de colmillos. Desde luego es una faena si te coge solo y con prisas como pasa en la película.
Tiefling
Son seres con apariencia de demonios que suelen acabar siendo villanos. En el caso de la película Sophia Lillis ha sido elegida por su cabellera roja y su personaje es de alineamiento bueno y como druida vinculado a la naturaleza.
Aarakocra
Uno de los personajes que dan lugar a uno de los momentos más graciosos de la película es de esta raza. Son pájaros humanoides que viven en las montañas, por lo general libres de cualquier atadura y siempre vigilantes de la aparición del Mal Elemental. Poseen una gran altura y una presencia imponente, pero destacan también por su inteligencia.
Orco
En casi toda historia de fantasía medieval hay orcos. En ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ les vemos nada más empezar y con la corpulencia y repelencia que les caracteriza. En los juegos de rol los hay de todos los tamaños y colores, pero si hay algo que les caracteriza es su odio por los humanos y su escasa inteligencia.
Oso lechuza
Este ser híbrido que aparece hasta en las cartas Magic se ha enfrentado a héroes de la talla de Drizzt Do’urden poniéndoles en un serio aprieto. Un gran tamaño y olfato sumados a la gran visión de las aves le convierten en un ser difícil de esquivar o sorprender. La sorpresa es que no siempre les encuentras en estado salvaje, a veces es un druida o un cambiaformas el que adopta esta apariencia, lo cual lo hace más peligroso.
Devorador de intelectos
En la película los protagonistas visitan la infraoscuridad. Un mundo que daría para muchas historias y en el que no llegamos a ver a los azotamentes (o desuellamentes) y a los drows pero si a criaturas como los devoradores de intelectos, a si es que bien cerca estaría un ilícido. Quien sabe, quizá en próximas entregas los veamos más.
Kobold
Realmente me ha parecido ver uno entre el tumulto de Neverwinter. Son de esas criaturas que los Masters ponen al principio de las partidas para facilitar las subidas de nivel de los jugadores. Suelen vivir en tribus adorando dragones, pero son realmente unos reptiles antropomórficos muy cobardes.
Yuan-ti
También tienen una aparición muy escasa en la película pero son criaturas muy recurrentes para los jugadores. A veces tienen forma similar a la de los humanos y otras de serpiente gigante con brazos. Su sociedad está muy desarrollada y aspiran a dominar a todas las otras razas.
Semidragón o Dracónido
Humanoides con características de los dragones. En ‘Dungeons & Dragons: honor entre caballeros’ llegamos a ver uno en un consejo y otro mendigando. Son fruto del apareamiento entre un dragón poliformado y otra especie o bien de experimentos de magos. Estos draconianos realmente son raros de ver ya que no pueden aparearse, nunca verás una familia de ellos.
Dragón negro
No pertenece al elenco más poderoso de todos los dragones de Dungeons & Dragons pero bien es cierto que no es para tomárselo a broma. Escupe ácido a si es que cuidado con las salpicaduras. Rakor es el nombre de este terror de los campos de batalla, sobre todo en la de Evermoors como vemos en el live action.
Dragón de piedra
Muchos conjuros de D&D son capaces de hacer que los objetos cobren vida. De ahí parte la concepción de este dragón que bien podría haber sido una armadura, un mueble o un candelabro, como muestra la foto. Son constructos que funcionan de manera similar a los golems pero que por lo general requieren de la concentración de su mago para mantenerse vivos.
Dragón rojo
Habitualmente este tipo de dragón, el más clásico de Dungeons & Dragons, está en los top five de más poderosos. Gran inteligencia, fuego, escamas impenetrables… En este caso se le ha reflejado un poco venido a menos pero no por ello exento de peligro. El de la película es el que recibe el nombre de Themberchaud.
Hombre tigre
Una escena tierna, heroica y a la vez cómica nos recrea a los hombres tigre. Su nombre indica muy bien qué son. Seres humanos con la capacidad de un licántropo de convertirse en un animal antropomórfico o seres que han nacido directamente como un híbrido de humano y gran felino. No confundir con los rakshasa.
Abrian
Unas simples aves gigantes similares a avestruces o chocobos. Se supone que tienen cierta inteligencia pero en la película aparecen como animales de ganadería.
Araña gigante
Un básico en todo juego de fantasía medieval. Lo más peligroso de estas arañas, a las que Frodo y compañía también se enfrentan en los mundos de Tolkien, no es su tamaño, es la cantidad de criaturas de gran tamaño que puede tener uno de sus nidos. En la película se les ve simplemente trepando un árbol.
Almeja gigante
También pasa solo unos segundos por nuestra pantalla. En la ajetreada vida de los habitantes de Faerum hay que comerciar con lo que sea. Estas almejas gigantes son un festín para cualquiera pero dado su tamaño y peso son difíciles de transportar. A veces pueden darte un mordisco con serias consecuencias.
Siluro gigante
Venga, el último ser gigantizado que comentamos. Estos peces enormes en la edad media serían confundidos con el mítico leviatán. Hoy en día serían la solución para aplacar el hambre en el mundo. Por desgracia para una criatura de la película es el pez el que acaba llenando su estómago.
Hongos
En su visita a la infraoscuridad los protagonistas recorren cuevas y cavernas, algunas de ellas con una especie de plantas bioluminiscentes. No trasciende más allá de lo visual pero en las partidas de rol estos seres vegetales pueden liberar unas esporas de gas que arrebatan muchos puntos de vida o dejan KO a los aventureros.
Bestia desplazadora
Un felino mágico de grandes dimensiones dotado de más extremidades que los que conocemos en nuestra realidad. Sobre todo teniendo en cuenta sus dos tentáculos superiores dotados de púas afiladas. Tiene poderes psíquicos, los cuales, utiliza en ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’.
No muerto
Los orcos, los dragones, los kobolds… son criaturas habituales a derrotar. Pero los esqueletos, los zombies o los cadáveres retornados de su tumba no escasean en las partidas de rol. En concreto, una escena de la película nos recuerda mucho a una parte de ‘Hellboy 2’ y por otro lado a aquel capítulo en el que Homer Simpson viaja con Apu al Himalaya. Pero hay más de un muerto viviente en el filme, la necromancia impera.
Liche
Lo mejor para el final. El villano definitivo de esta saga que acaba de empezar con ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ es de esta clase, en concreto es el conocido como Szass Tam. Realmente el de la película es un mago rojo pero al ser un inmortal o no-muerto entra dentro de esta categoría. Busca dominar y vivir eternamente, por lo menos mientras no se destruya su filacteria, algo así como el alma de Sauron en el Anillo Único o los Horrocruxes de Voldemort.
Un ladrón encantador y una banda de aventureros increíbles emprenden un atraco épico para recuperar una reliquia perdida, pero las cosas salen rematadamente mal cuando se topan con las personas equivocadas. ‘Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones’ nos lleva al mágico mundo del legendario juego de rol a la pantalla grande en una aventura hilarante y llena de acción.
Crítica
Nadie olvidará estos Reinos Olvidados pues ha nacido una saga
El efecto 2000 no llegó a producirse como tal, pero el universo de ‘Dungeons & Dragons’ si sufrió sus consecuencias con la película de Courtney Solomon. Entonces, por qué se han lanzado con un nuevo live action veintitrés años después. Para explicar eso primero debemos deshacer la matrioshka. ‘Dungeons & Dragons’ es una creación de Gary Gygax y Dave Arneson que pertenece a Wizards of the Coast (los de las cartas Magic). Esta última se convirtió en una subsidiaria de Hasbro (Transformers, G.I. Joe, Furby, My Little Pony) y la empresa juguetera compró en 2019 a eOne Entertainment, la multinacional cinematográfica que ha dejado de operar en España el año pasado. Teniendo en su poder una productora y llegando a un acuerdo con Paramount Pictures (tras haber flirteado primero con Warner Bros.) ha nacido ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Con todo esto quiero empezar señalando que este nuevo filme no tiene nada que ver con aquel batacazo de New Line Cinema que costó también 45 millones de dólares pero que recaudó solo 33. Si aquel largometraje tuvo hasta dos secuelas en 2005 y 2012, esta debería lograr convertirse en la franquicia que Paramount y eOne desean.
Lo primero que se preguntarán los espectadores. ¿Es mejor que la versión del 2000? Gygax quería que las adaptaciones de este mítico y mundialmente exitoso juego estuviesen a la altura de ‘Star Wars’ o ‘En busca del arca perdida’. Estoy seguro que el live action del 2000 y los sucesivos que os he mencionado le dieron ardores de estómago a Gygax y Arneson. Pero ahora si han conseguido una adaptación capaz de recaudar millonadas, lástima que no estén los creadores para verlo. No es que estemos ante algo tan grande como las obras de Lucas y Spielberg, pero nos olvidamos de aquel horrible diseño de producción (y maquillaje), de la escasa fidelidad y de las pésimas actuaciones y eso que contó con Jeremy Irons. A mi esta aventura de Jonathan Goldstein y John Francis Daley (‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Lluvia de albóndigas 2’) me ha hecho salir entusiasmado del cine y estoy seguro que va a traer a muchos al juego de rol.
Como película para el público general está muy bien producida. Repleta de comedia, con un gran sentido de la aventura, con buenos efectos especiales, un mínimo de drama, un ritmo que hace que se pasen rápido las dos horas y pico que dura, una comedida banda sonora de Lorne Balfe… La comparativa más directa es con ‘Guardianes de la galaxia’, exceptuando el hecho de que no se convierte a todos los personajes en bufones. Pero es que los juegos de rol son así. Siempre hay un grupo de aventureros variopinto y heterogéneo en busca de la gloria o la redención. Además se asimila a la película de James Gunn en que son unos fracasados a los que siempre se les escapa el éxito en la misma punta de los dedos. Es el símil más cercano pero ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ rememora a otras muchas películas de aventuras.
¿Y qué dirán los fans del juego de rol? Soy jugador de múltiples RPG y lector de los Reinos Olvidados. Me ha gustado tanto que me he venido lo suficientemente arriba como para redactar sendos artículos recopilando los monstruos y criaturas que aparecen en el filme y con todos los huevos de pascua que he detectado. Si le he echado tanto tiempo es porque estoy altamente satisfecho con el respeto al lore del juego y a la manera en cómo nos han llevado por Faerûn. En un D20 es un 20 y quiero más tiradas. Si eres jugador en plan serio o competitivo y no juegas entre algo de cachondeo, pifias y euforias no te va a gustar. El truco es el mismo que el de la ‘Leyenda de Vox Machina’, recurrir al espíritu de aquellos que juegan a D&D para echarse unas risas con los amigos convirtiéndose momentáneamente en unos héroes de fantasía medieval. Además nos sumerge en una nube de nombres familiares como Neverwinter, Baldur’s Gate, Elminster, Themberchaud y otros muchos que enumero en los artículos a los que ya me he referido. Sobra decir que hay un par de sorpresas mayúsculas que no están precisamente en la escena post-créditos.
Parte del buen resultado de ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’ viene de lo bien que el guionista Chris McKay comprende a la audiencia actual. ‘La guerra del mañana’, las LEGO películas y probablemente ‘Renfield’ son prueba de ello. También las interpretaciones del equipo actoral con unos graciosísimos Chris Pine y Hugh Grant y una Michelle Rodriguez que consigue salirse por fin del registro de siempre. Es un divertimento tan bien estudiado que sirve para ver entre amigos o acompañado de la familia.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves. Duración: 134 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Goldstein, John Francis Daley. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Michael Gilio, Chris Mckay. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head, Hugh Grant. Producción: Paramount Pictures, Entertainment One, Allspark Pictures, Hasbro Studios. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/dungeonsanddragonsmovie/
Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
Crítica
Recuela, sí, pero dedicada especialmente a auténticos fans de la franquicia
Consciencia de lo que vas a ver. Es muy importante tener meridianamente claro qué es lo que te espera cuando vas a ver una película slasher. Pero es aún más conveniente que sepas a lo que te atienes cuando te acercas a ver la sexta parte de una franquicia. Al igual que la saga ‘Halloween’ las películas de ‘Scream’ se han convertido de manera autoconsciente en recuela (mitad secuela mitad remake), de un modo además mucho más evidente puesto que en ‘Scream’ siempre hay un personaje que lo analiza todo a través del prisma de un fan del terror. ‘Scream VI’ cumple con esa norma y con muchas otras. Esta última entrega, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett (‘Noche de bodas’, de ahí la presencia de Samara Weaving) se despreocupa totalmente de ser mínimamente realista, de tomarse en serio o de ser incluso inverosímil (acordaos de esto cuando se mencionen los prostéticos). Es decir, está hecha para los fans de la saga que conocen todos los detalles o trasfondo y que saben perfectamente qué dinámica va a seguir la trama o que es normal que los protagonistas bajen la guardia hasta cuando están en la misma boca del lobo. Alguien que no tenga en mente las cinco entregas anteriores o que no esté acostumbrado a este tipo de terror encontrará cosas que disfrutar, pero su entretenimiento no podrá estar del todo completo.
La presencia de una final girl, personajes que sobreviven todo tipo de heridas, un villano que es capaz de estar en dos sitios a la vez, un nuevo y sospechoso amor, personajes de relleno que sabes de antemano que van a morir… Todo esto son tópicos de las películas de terror tipo slasher que se cumplen de nuevo. Pero con el tiempo ‘Scream’ ha desarrollado sus propias reglas y ‘Scream VI’ las cumple. A saber, la importancia de la familia o el pasado, la intimidación al teléfono, la sangre cada vez más presente, los regresos de personajes, las muertes principalmente a cuchillo, el villano que vuelve y vuelve y vuelve… Y el siempre clásico revelador monólogo donde el/los asesino/a desvela todo el pastel. El sobrexplicativo discurso final es cada vez más enrevesado y eso le hace perder fuerza a la resolución de esta nueva entrega. También tenemos la sensación de que la chistera de la que se sacan los nuevos personajes y los consecuentes giros empieza a estar vacía.
Un año ha pasado desde el estreno de la última película de Ghostface y un año ha pasado también en la ficción. La acción transcurre ahora en otra localización y a Ghostface y a las hermanas Carpenter (apellidadas así en otro de los muchos guiños meta de la saga) les ha venido bien la mudanza de Woodsboro a Nueva York. Los escenarios son diferentes y dan pie a escenas en las que parece incluso que la cosa se va a desatar a lo loco. Lo que no le ha venido tan bien es el enmarcarse en un escenario típico del cine de terror, la semana de Halloween. ‘Scream VI’ cae en otro carnaval de guiños a otras películas de terror pero sobre todo en más tópicos aún si cabe. No obstante consigue escenas muy buenas y eficientes como una sucedida en una licorería u otra que transcurre en los vagones que recorren el subsuelo de Manhattan. ‘Scream’ se hace así mucho más urbanita, algo que ya habían hecho otras franquicias como ‘Viernes 13’, con menos éxito.
Ya hemos pasado por el aro y admitido que aquí todo el mundo sobrevive a más heridas que Rambo y John McClane juntos. Ahora, ¿está bien rodada? ‘Scream VI’ obtiene buenos planos de la ciudad de los rascacielos y nos hace correr con ritmo y tensión. Pero lo que atraerá a más curiosos es el saber que se ha hecho más explícita. Cada entrega se hace más sangrienta, aún sin alcanzar el gore, pero si mostrando con más definición las sanguinolentas, salvajes y ensañadas muertes. Y por si fuese poco introduce un par de sorpresas inéditas para la saga.
El relevo está dado y el peso de la serie de películas ya ha recaído definitivamente MelissaBarrera y Jenna Ortega, ambas muy bien metidas en la dinámica del género. Pero no deja de estar presente todo lo visto anteriormente, de hecho llega el punto en el que parece un repaso hecho por un fan o para un museo. ‘Scream VI’ es meta a más no poder. Eso es lo que explota durante todo el filme y lo hace desde una secuencia de apertura que es capaz de romper con lo que hasta ahora era lo típico. La máscara de Michael Myers se agrietó con el tiempo y la trilogía de ‘Halloween’ acabó siendo todo un desfile desatinos. La máscara de Ghostface también se muestra desgastada en esta recuela. Esperemos que la franquicia continúe, porque esta entrega va a funcionar y va a haber más títulos, pero con viento fresco y más rupturas de lo preestablecido.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Scream VI. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: James Vanderbilt, Guy Busick. Música: Sven Faulconer, Brian Tyler. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Melissa Barrera, Jenna Ortega, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving, Hayden Panettiere, Courteney Cox. Producción: Paramount Pictures, Project X Entertainment, Radio Silence Productions, Spyglass Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror, slasher. Web oficial:https://www.screammovie.com/
Nos flagelamos una vez más a través del entretenimiento como enemigos del planeta
De la mano del creador y showrunner Frank Doelger (productor de ‘Juego de Tronos’, ‘Roma’, ‘Las crónicas de Frankenstein) se estrena el próximo 13 de marzo en Movistar Plus+ ‘El quinto día’. La plataforma española de entretenimiento nos ha permitido ver tres episodios previo a su estreno y ya os adelantamos que nos vamos a enganchar a su emisión semanal hasta que terminemos con sus ocho capítulos.
Si sois lectores de novelas quizá os suene ‘El quinto día’ pues surge de una obra que publicó Frank Schätzing en 2004. Una novela que en versión original se llama ‘Der Schwarm (The Swarm)’ y que fue denunciada en su día por el biólogo alemán Thomas Orthmann quien afirmaba que el texto se basaba sin permiso en sus escritos. A su vez, muchos de los que se han terminado el libro afirman que también puede estar inspirado en ‘Guardianes’, un relato de George R.R. Martin. Polémicas al margen, la historia atrapa, por su suspense y por lo bien que la han rodado directores como Luke Watson (‘Britannia’) y Barbara Eder (‘Bárbaros’) en su primer tramo.
Evidentemente el título hace alusión a los textos bíblicos donde se afirma que Dios creó en esa fase a los animales del agua y el cielo. Pero su título original es más revelador. “Swarm” puede traducirse como nube pero en este caso hay que aplicar el significado de enjambre. Y es que ‘El quinto día’ nos presenta a un microorganismo que contamina a los seres del mar haciendo que cambien sus pautas de comportamiento, volviéndoles hostiles. Estamos ante un escenario pre-apocalíptico, pre-pandémico cuyo argumento podría haber sido carnaza de Serie B. Pero el guión está mucho más dirigido hacia corrientes reflexivas poco espectaculares y que sin embargo no dejan de lado la ciencia ficción. Una vez más se plasma la que es toda una inquietud generacional: la naturaleza nos la va a devolver con creces poniéndonos al límite de la extinción. Nos flagelamos una vez más a través del entretenimiento por lo que le estamos haciendo al medioambiente. Antes o después convertiremos en los extraterrestres de ‘La guerra de los mundos’ y los seres más pequeños de nuestro ecosistema nos pondrán en jaque (por supuesto hay ecos del COVID-19).
Esta es una producción germano-suiza en la que oímos hablar en alemán, inglés, japonés y francés. Una macedonia a lo ‘Into the night’, que no recomiendo ver en versión original sin subtítulos a no ser que seas políglota. Dada su internacionalidad nos lleva por localizaciones costeras de Canadá, Escocia, Alemania, Venecia, Sudáfrica, Tokio, Noruega, Francia… y por supuesto océanos como el Ártico. Sin embargo la gran inversión para esta serie se percibe más con los cromas y la recreación de animales por ordenador que con la riqueza de escenarios pues el grueso está compuesto por barcos, despachos y laboratorios. De momento los tres primeros capítulos consisten en suspense, poca acción y mucha investigación. Pero la cosa promete y se hace muy llevadera pues el montaje nos lleva de un lugar a otro incorporando constantemente nuevos datos.
En ‘Luther: Cae la noche’ —épica continuación de la premiada saga televisiva adaptada al cine— un brutal asesino en serie aterroriza Londres mientras John Luther (Idris Elba), un inspector brillante caído en desgracia, está entre rejas. Atormentado por no haber cogido al ciberpsicópata que se mofa de él, Luther decide fugarse de la cárcel para rematar su trabajo a cualquier precio. También protagonizan la película Cynthia Erivo, Andy Serkis y Dermot Crowley, que retoma el papel de Martin Schenk.
Crítica
Luther, el Bond que Idris Elba nunca será
La serie ‘Luther’, protagonizada por Idris Elba, continúa pero en formato película. Me gustaría decir que en modo cinematográfico pero no podrá ser disfrutada en pantalla grande, sino directamente nos llega a través de Netflix. El creador del personaje, Neil Cross, continúa en el proyecto y escribe el guión que ha materializado Jamie Payne, quien ya dirigió episodios de la que debemos llamar minserie, pues aunque tiene cinco temporadas estas están compuestas por muy pocos episodios.
Esta serie de la BBC ha sido distribuida en diferentes plataformas a lo largo de todo el mundo y bien es cierto que si juntamos los episodios de cada temporada tenemos la duración de un par de largometrajes. A si es que este ha sido un salto natural pero no conclusivo, de hecho al final podríamos decir aquello de “¿Y ahora qué?” locución que siempre se ha dicho al acabar las temporadas. Podremos tener más aventuras de Luther pero de momento nos hemos de ceñir a esta última que si bien tendremos que ver aún en nuestras televisiones podemos decir que si tiene un carácter muy cinematográfico. Es un thriller policíaco que podría encajar perfectamente en corrientes como las de ‘Los casos del Departamento Q’. Sobre todo porque los acontecimientos de la serie tienen como consecuencia directa que Luther experimente su etapa más oscura y en solitario se tenga que enfrentar contra un enemigo que atenta contra la seguridad ciudadana y contra la figura del brillante detective.
‘Luther: cae la noche’ me refuerza una vez más como ferviente seguidor de Idris Elba y en mi opinión suma más enteros para que este actor se convierta en James Bond. La película dispone a un villano conocido desde el inicio y pese a romper esa sorpresa está repleta de acción y suspense. Al igual que el personaje de Fleming, tenemos a un héroe que se mueve en una fina línea tanto dentro como fuera de la ley, nos lleva a escenarios inhóspitos y tanto el sistema como toda una organización criminal intentan acabar con la carrera y la vida del protagonista. Elba representa perfectamente a ese tipo de héroes capaces de sacrificarse por unos valores e ideales dignos de un paladín, que es capaz de ser ese caballero oscuro que no tiene reparos en parecer un villano si con ello consigue hacer justicia.
La película, con todo lo británico que tiene en su ADN, también funciona como un trasunto de Sherlock Holmes (reconocido desde los orígenes de la serie por el guionista). Y sobre todo es porque nuestro talentoso detective se enfrenta a un criminal que se mueve completamente como Moriarty. Con las claves del siglo XXI, Andy Serkis es como una revisión del antagonista ideado por Arthur Conan Doyle. Es un asesino retorcido, maquiavélico, elaborado, casi artístico y ritualista… además de llevar un horrible pelucón. Tortura al héroe, juega con su impotencia y para ello emplea las tecnologías actuales. Mucho mejor este Serkis como malo de la historia que el que ha interpretado para la Marvel. Llegados a este punto y viendo en qué desemboca la historia también han venido a mi cabeza títulos como ‘Finale’, ‘La novia gitana’, ‘Hostel’…
En resumidas cuentas. Para los fans de la serie el personaje crece, evoluciona y continúa con su tortuosa carrera sin renunciar a sus cuestionables métodos. Para los que gusten del suspense y el género policíaco tienen aquí un juego del gato y el ratón entre un justiciero y un antagonista que puede incluso recordar a la relación Batman/Joker. Además se ha sumado a la ecuación una nueva detective interpretada por Cynthia Erivo, la inclusión de esta actriz siempre es bien.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Luther: cae la noche. Duración: 129 min. País: Reino Unido. Dirección: Jamie Payne. Guion: Neil Cross. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Larry Smith. Reparto principal: Idris Elba, Cynthia Erivo, Andy Serkis, Dermot Crowley, Thomas Coombes, Hattie Morahan, Lauryn Ajufo, Vincent Regan. Producción: BBC Films, BBC Studios, Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: suspense, policíaco. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81280035
La asignación del detective James Knight para trabajar durante el Día de la Independencia se convierte en una carrera contrarreloj para evitar que una ambulancia ponga en peligro los actos festivos de la ciudad. El delincuente, que juega a ser policía con un arma y un uniforme robados, tiene como objetivo un banco situado peligrosamente cerca de la casa de Knight.
Crítica
Camuflando sin éxito las carencias de la producción y de los actores
La última entrega de la trilogía del detective Knight de Bruce Willis llega por sorpresa, casi de manera repentina, sin hacer justicia a este actor y a tan legendaria carrera. Es una pena que los penúltimos títulos que filmó Willis nos lleguen de este modo tan atropellado y casi sin hacer ruido. Noviembre, enero y marzo. Tres películas estrenadas en un lapso de cinco meses, esto tiene pocos precedentes.
Como dije en las críticas de las otras dos entregas. He aguantado el llegar hasta aquí por el mero hecho de ver en este cierre al hijo de Val Kilmer, Jack Kilmer, cuyo padre tuvo también una especie de despedida cinematográfica hace poco con ‘Top Gun: Maverick’. Porque ver a Bruce Willis decir las palabras justas, notar como se juega con el montaje para que no se noten las dificultades del habla, tirar siempre de plano contraplano, recorrer la película y notar que tiene escasos minutos de pantalla pese a ser el protagonista, que le han metido en último lugar en la ficha de IMDB de este filme… se me hace duro.
También se hace duro ver como esta estrella del blockbuster ha acabado haciendo películas menores, que si no fuesen por su nombre serían producto directo a televisión o al fondo de catálogo de cualquier plataforma de streaming. Son películas de acción con poco criterio cinematográfico a la hora de imprimir un ritmo o extraer buenas interpretaciones. La trilogía va justa de recursos por mucho que se perciba amor por el género policíaco y de tiroteos. Porque está bien que arranque directamente con un atraco en modo videojuego en primera persona e incluso que se citen frases de ‘Arma letal’, pero desmerece mucho el pobre vestuario del filme, los fogonazos digitales en cada disparo o que incluso la sangre esté mal hecha.
De manera parecida a otras sagas Edward Drake se ha montado cada película en una festividad yankee. La primera transcurría en Halloween, la segunda en Navidad y la tercera en el Día de la Independencia Norteamericana. Sobre todo en ‘Detective Knight: última misión’ intenta pintar USA como si fuese aún un western salvaje y peligroso. Un lugar donde solo algunos héroes se atreven a tomar medidas arriesgadas, de esas que están fuera de la ley de los ricos o los poderosos. Ese es el dilema que intenta esgrimir tanto para el héroe como para el villano. Pero Willis, quien ejerce de paladín de la justicia, no está para estos trotes y Kilmer, quien es una especie de monstruo de la sociedad a lo Joker, está aún tremendamente verde.
Lo dicho, si queréis ver como es el principio de la recta final de la carrera de Bruce Willis (falta por estrenarse en España ‘Assassin’ y ‘Paradise City’) o el inicio de la del retoño de Kilmer como verdadero protagonista, ved ‘Detective Knight: última misión’. Por lo demás, ofrece pocos alicientes para los fans del cine de acción y ni que decir tiene que su mensaje está más que trillado.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Detective Knight: Independence. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake, Corey Large. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Lochlyn Munro, Willow Shields, Jack Kilmer, Jimmy Jean-Louis, Lorenzo Antonucci, Francis Cronin, Cesar Miramontes. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: a Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-independence
Después de dominar el mundo del boxeo, Adonis Creed ha hecho grandes progresos tanto en su carrera como en su vida familiar. Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, se empeña en demostrar que merece una oportunidad en el ring. El enfrentamiento entre estos viejos amigos es algo más que una simple pelea. Para ajustar cuentas, Adonis debe arriesgar su futuro para enfrentarse a Damian, un boxeador que no tiene nada que perder. “Creed III” es la tercera entrega de esta franquicia de enorme éxito y el debut como director de Michael B. Jordan.
Crítica
La entrega que definitivamente se emancipa de Rocky
Respaldada y justificada por su éxito en taquilla, sobre todo por la calidad y frescura de su primera parte, la saga de Adonis Creed continúa con ‘Creed III’. Y lo hace, por diversos motivos de la ficción y la producción, despegada del mito de Rocky ya que no está involucrado SylvesterStallone, quien ya declaró en su día que se desvinculaba del proyecto al parecerle que seguía por unos derroteros que no le gustaban, demasiado oscuros para lo que él busca en sus protagonistas. Sin duda se incrementa su conflicto con el productor Irwin Winkler. La película no cuenta con la bendición de la mítica estrella pero dispone de nuevo del guiónista de las otras dos entregas, Ryan Coogler, quien es una vez más el productor ejecutivo. Contra ese escollo se ha sacado adelante la película, pues al fin y al cabo Stallone no tiene los derechos del personaje que creó en 1976 y tan inusual es la situación que supone el debut de Michael B. Jordan como director.
La saga sigue por primera vez adelante sin Stallone/Rocky pero ello ha tenido como daño colateral que tampoco repite ningún actor de las películas clásicas, salvo Edgar James Olmos que está aquí como un mero accesorio. Por lo que ‘Creed III’ se postula como la auténtica primera secuela independiente de ‘Rocky’, contando solo con los nuevos personajes. Eso significa que todo el foco, aparte de Jordan, lo acaparan Tessa Thompson y Phylicia Rashad. Y por supuesto Jonathan Majors, quien se incorpora como rival a batir.
Aún con todos los cambios y los vientos frescos que resoplan ‘Creed III’ sigue el mismo esquema que siguen casi todas las películas de la saga. El héroe parte de una situación cómoda, irrumpe un nuevo rival, sufre un duro revés, emprende un arduo camino de preparación y… bueno, tampoco voy a reventaros el final de este nuevo combate. Aunque el patrón sea el de siempre hay dos cosas que hacen que la película merezca la pena, teniendo en cuenta que hay que soportar las mismas escenas deportivas de siempre. Uno de los factores a valorar es la inconmensurable preparación física y entrenamiento que han tenido los actores para parecer verdaderos púgiles. Esto ha hecho que veamos a un Majors convertido en una mole que bufa como una bestia encabritada por el ring. La interpretación del actor anteriormente conocido por su trabajo en ‘Territorio Lovecraft’ es lo más destacable de ‘Creed III’. Lo otro es la escena de combate final, ya que obviamente hay un duelo en la que se juegan el todo por el todo. Se ha empleado un artificio visual que refleja muy bien cuan personal es el duelo entre los dos rivales, cuan poco importa todo lo de alrededor y ya de paso sirve de elipsis para ahorrarnos una concatenación de asaltos sobre la lona.
Y es que se han incorporado muchas más técnicas modernas de rodaje que en las anteriores entregas. La cámara lenta, la altísima definición de imagen y sobre todo una contundente edición de sonido nos dejan cristalinamente claro que esta es una versión alejada de la versión original. Permanece el amor al boxeo, al barrio o al entrenamiento “tradicional”, pero ya no estamos hablando de una historia de superación, sino de un frío espectáculo que ha de ser visto en pantalla grande con la mejor calidad de imagen y sonido.
Esa frivolidad actual que rodea al negocio del deporte y la historia que se han sacado de la manga para darle un nuevo rival a Adonis Creed enriquece la historia del personaje, de eso no hay duda, pero la aleja del espíritu con el que Stallone escribió el primer guión.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Creed III. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Michael B. Jordan. Guion: Zach Baylin, Keenan Coogler. Música: Joseph Shirley. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Jonathan Majors, Phylicia Rashad, Florian Munteanu, Selenis Leyva, Spence Moore II, Tony Bellew, Michelle Davidson, Thaddeus J. Mixson. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros., Chartoff-Winkler Productions, New Line Cinema, Proximity, Glickmania. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, deporte. Web oficial:https://www.warnerbros.co.uk/movies/creed-iii
La ajetreada vida de Peter (Hugh Jackman) con su nueva pareja Beth (Vanessa Kirby) y su bebé, se desbarata cuando su exmujer, Kate (Laura Dern), aparece con su problemático y distante hijo adolescente, Nicholas, poniendo a la familia en una situación peligrosa, cambiando el curso de sus vidas para siempre.
Crítica
Rompiendo el “de tal palo tal astilla”, no es como ‘El padre’
Basándose de nuevo en su propia obra de teatro Florian Zeller ha llevado a la gran pantalla ‘El hijo’ (no confundir con la terrorífica y fantástica película de David Yarovesky). Esta película que nos llega ahora a cines es la segunda parte espiritual de ‘El padre’ que se completará si también llevan a cines ‘La madre’, la cual está protagonizada en las tablas por Isabelle Huppert. Desconozco la recepción de esa representación en New York pero si quieren conseguir el mismo éxito en salas que ‘El padre’ van a tener que aplicarse más que con ‘El hijo’.
Esta especie de trilogía a modo de disertación sobre la familia o la paternidad gana enteros con el reparto de ‘El hijo’. Están involucrados en este largometraje Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby y Anthony Hopkins. Es un elenco capaz de eliminar cualquier óbice que nos impida ir al cine. Pero me pierde el filme cuando reposa en Zen McGrath (el hijo en la ficción de Dern y Jackman) pues no creo que esté a la altura de tan magno casting. Y para más decepción Hopkins tiene solo una escena, buena pero escueta, a modo de cameo para servir como segunda colaboración con Zeller. Eso sí, ninguna pega a las actuaciones de Jackman, Dern y Kirby.
‘El hijo’ nos habla del dolor de cabeza que da tener hijos, de recuperar el tiempo perdido, de encontrarse de golpe con un hijo adolescente e incluso de las responsabilidades que tenemos como hijos y cómo impactamos en la vida de nuestros padres. Pero sobre todo estudia a una familia dividida. Zeller desmenuza de manera dramática y dura una separación mal asimilada, en resumidas cuentas una situación depresiva. Se moja con un tema comprometido y para muchos tabú como es el suicidio o las enfermedades mentales, de ahí que esté dedicada a Gabriel, su hijo. Es por ello que la película está vista realmente desde la perspectiva de un padre que lucha contra la vergüenza y la negación a asimilar una situación. En ese sentido es un discurso útil para aproximarse a aquellos que se han topado con este tipo de complicaciones en su vida.
Sin duda ‘El hijo’ trata temas comprometidos de una manera valiosa pero no tiene la brillante narrativa de ‘El padre’. Salvo por un detalle en el tramo final el resto del metraje es un intenso drama al uso. Aporta a la congoja y el malestar la música de Hans Zimmer quien con solo nueve temas y sin repetirse consigue marcar el ritmo de toda la película. Pero no se consigue ni la tensión, ni la sorpresa, ni el asombro interpretativo de la obra debut que llevó a Zeller a ganar el Oscar por su guión adaptado y su protagonista.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: The son. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Florian Zeller. Guion: Christopher Hampton, Florian Zeller. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Jackman, Zen McGrath, Laura Dern, Vanessa Kirby, Anthony Hopkins, William Hope, Akie Kotabe, Danielle Lewis, Nancy Baldwin. Producción: Embankment Films, Film4 Productions, See-Saw Films, Ciné@, Ingenious Media, Orange Studio. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:https://www.sonyclassics.com/film/theson/
Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Leslie, una madre soltera del oeste de Texas, que hace seis años ganó la lotería pero rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida.
Crítica
Una historia depurativa
Todos nos hemos hecho esa pregunta que pone sobre la mesa la posibilidad de poder gastarnos el dinero de un premio de lotería. Leslie es una de esas afortunadas a las que le ha tocado un buen pellizco, pero por desgracia se lo funde en beber y desfasar. ‘To Leslie’ nos cuenta su historia seis años después. Ella no tuvo la suerte de encontrarse con el karma como le pasó a Earl Hickey a si es que su vida es mucho más dramática. Su hijo se distanció de ella, o más bien fue ella la que puso una barrera de por medio por su adicción. Esta es una historia de reconciliación y reencuentro que tiene base real, no solo por partir de la historia de alguien que ciertamente ha existido, sino por lo veraz que logra ser.
Michael Morris además de reflejar muy bien un pedazo de la américa profunda y clásica atina muy bien a recrear como en el personaje de Andrea Riseborough hay un arrepentimiento, un remordimiento que de vez en cuando asoma. Pero su alcoholismo es de esos que te convierten en cleptómano, en buscador de sorbos etílicos a cualquier precio. Es decir, es más fuerte la pulsión por beber que la vergüenza por que la vean borracha. Es de esos personajes o personas (recordemos que esto es real) que se convierten en mentirosos patológicos. Todo esto por supuesto afecta a la relación con el hijo. A si es que además de desintoxicarse la protagonista necesita una enorme catarsis o un ángel de la guarda que vele por ella. Todo ello lo vemos en ‘To Leslie’ en parte gracias a la coloración que han escogido en el etalonaje y a muchas escenas rodadas cámara en mano, es una película muy cercana, muy atada a la realidad.
Si la vida de Leslie es una piscina, su experiencia desintoxicándose es una depuradora, pero de esas de sal, de las que hacen que escuezan las heridas y trabajan poco a poco, dejando ligeramente llorosos los ojos. La película es emotiva y humana, hace que nos pongamos en el papel de otros. Leslie busca el consuelo en una botella y Riseborough nos ofrece un bálsamo con su interpretación. Nos demuestra que a veces el dinero no trae la felicidad, sino la desgracia y lo hace con naturalidad y autenticidad. Su manera de actuar es tan cercana a la realidad que uno se pregunta si no habrá pasado por los famosos 12 pasos para meterse en su personaje.
Es meritorio y si me gustaría que Andrea Riseborough ganase el Oscar a Mejor Interpretación Femenina para que de ese modo y de manera subversiva se convierta en un símbolo y síntoma más que demuestre que los Oscars se pagan a golpe de talonario y aún queda esperanza de ganarlos a base de talento. Pero también es cierto que tiene duras competidoras, que al margen de la campaña que han hecho sus productoras/distribuidoras, merecen el reconocimiento, como Cate Blanchett con su trabajo en ‘Tár’. Sea como sea espero que se consiga el objetivo final, que es el de acercar espectadores a las salas, atraídos por los reestrenos de aquellos filmes que resultan ganadores o que tienen auténtica calidad, como se ha hecho recientemente con ‘Todo al a vez en todas partes’.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: To Leslie. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Morris. Guion: Ryan Binaco. Música: Linda Perry. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Andrea Riseborough, Marc Maron, Stephen Root, Allison Janney, James Landry Hébert, Matt Lauria, Owen Teague, Andre Royo, Chris Coy, Derek Phillips, Mac Brandt. Producción: BCDF Pictures, Shaken Not Stirred, Baral Waley Productions, Bluewater Lane Productions, Clair de Lune Entertainment. Distribución: Sherlock Films. Género: drama. Web oficial:http://www.momentumpictures.net/to-leslie
La familia de Kevin se convierte en una sensación mediática de la noche a la mañana por haber encontrado al fantasma Ernest en su nueva casa. Pero, cuando Kevin y Ernest investigan por su cuenta el misterioso pasado de este, se convierten en blanco de la CIA.
Crítica
El ‘Casper’ de Netflix
Christopher Landon, el director de ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se refirió al relato original de Geoff Manaugh como una especie de ‘E.T.’ pero si lo pensamos bien ‘Un fantasma anda suelto por casa’ recuerda mucho más a ‘Capser’. Landon sigue jugando con la muerte pero en esta ocasión el tono deja de ser sangriento y juvenil para tornarse en algo totalmente familiar.
En el siglo XXI uno de los mayores temores de una familia no es encontrarse con un espectro, es no tener un lugar donde echar raíces. Con ello comienza ‘Un fantasma anda suelto por casa’, con una familia que compra una casa inusitadamente barata. ¿Recordáis aquella casa de los crímenes que intentaba vender Marge Simpson? Pues al estilo. Desde el comienzo y con el título Landon nos deja ver que el solitario casoplón en la que transcurre la acción está encantado. Allí además de unos poltergeist se manifiestan los problemas de los Presley mientras intentan hacer borrón y cuenta nueva. Es en el arranque donde vemos más similitudes con ‘Casper’, de hecho, la primerísima escena recuerda a la de la película de Brad Silberling, los protagonistas sellan acuerdos con el meñique y el fantasma aquí también sirve como disparador de una historia sobre la redención y el reencuentro familiar. Pero el tipo de humor es ligeramente más negro y aún con todo atípico para Landon. Esta es la versión más light de un director que en su día ya nos impactó con ‘Disturbia’
A pesar de llamarse ‘Un fantasma anda suelto por casa’ la película tiene su mejor parte en el segmento en que se convierte en un road trip con guiños a ‘Matrix’, ‘Ghost’ y ‘Psicosis’. El montaje es ágil y ayuda a empatizar con los protagonistas el hecho de que la historia se traslade a códigos actuales en los que las redes sociales siempre juegan un papel, con la consecuente frivolidad y estupidez de internet. La película sirve como entretenimiento pero en determinados momentos y de manera puntual es utilizada como arma para reírse de retos tontos, de los cada vez más relevantes negacionistas y de los siempre desafortunados cuñados que saben de todo. Por otro lado Landon modifica algunas cosas de la historia original y hace un discurso sobre la “cárcel” que supone para algunos el vivir bajo los estereotipos o exigencias sociales, pero solo demuestra lo quejicas que somos con los problemas del primer mundo.
Funciona muy bien Anthony Mackie como padre obcecado por la búsqueda del éxito y reflejo de toda una generación. Me ha encantado ver de nuevo a Tig Notaro empuñando un arma futurista o a Jennifer Coolidge en un nuevo y excéntrico papel. Pero reconozcamos que el protagonista realmente es Jahi Di’Allo Winston, el cual soporta bien el peso que ha recaído en sus hombros. Él y un David Harbour peinado con cortinilla a lo Iñaki Anasagasti. Su imagen como simpático aunque deprimido fantasma holográfico al estilo ‘Agárrame esos fantasmas’ me parece de lo más entrañable. Quizá ese sea el mejor adjetivo para ‘Un fantasma anda suelto por casa’ pues creo que en un futuro los jóvenes y adolescentes que reversionen este filme lo recordarán así.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Título original: We have a ghost. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: David Harbour, Jahi Di’Allo Winston, Anthony Mackie, Jennifer Coolidge, Tig Notaro, Tom Bower, Faith Ford, Steve Coulter, Erica Ash, Niles Fitch, Sherri Eakin, April McCullough, Scott A. Martin, Ned Yousef, Natalie Okamoto, Jo-Ann Robinson, LaTaryion Perry. Producción: Legendary Entertainment, Temple Hill Entertainment. Distribución: Netflix. Género: comedia, aventura. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80230619/
Un grupo de peligrosos delincuentes coreanos tiene que ser trasladado en un buque de carga de Manila a Busan. Los acompañan a bordo el capitán de la policía coreana y otros 22 detectives experimentados. Pronto, la prisión flotante abandona el puerto y comienza su camino hacia Corea. Los prisioneros están fuertemente custodiados y todo está tranquilo a bordo hasta que los criminales inician un motín.
Crítica
Gore y acción encerrados en un barco
Sitges nos trajo muchas buenas sorpresas este año y una de ellas fue ‘Project Wolf hunting’ una cinta de acción en medio del mar, donde un grupo de peligrosos delincuentes tienen que ser trasladados en barco hacia Busan. Todo parece ir bien, hasta que hay un botín en medio del mar. Pero el peligro real no son estos delincuentes, sino algo que anda escondiendo el doctor que hay en el barco.
La película comienza rápido y sin ningún miramiento. Algo que me gusta y que realmente es bastante raro en el cine oriental que suelen darle demasiadas vueltas a todo. Además, la duración de la película también me ha llamado la atención pues dura menos de dos horas, también extraño en este tipo de cine.
Un entretenimiento que no deja descansar al espectador hasta el final y que sin duda hará las delicias de los fans de las cintas de acción. Pero también a los que nos gustan los monstruos y el gore. Pues ‘Project Wolf hunting’ no se corta ni un cacho al mostrarnos escenas bastante fuertes en medio del mar. Un viaje lleno de sangre, pues según el director, HongsunKim, se utilizaron 2,5 toneladas de sangre durante la producción de la cinta. Pero no solo eso, durante el trascurso de la historia podremos contar unos 57 cadáveres.
Si, es una película de estas que, si os gusta ver muertes por todos lados y a cada cual más bruta, os va a encantar. Si no, os recomiendo que mejor ver otra cosa.
El maquillaje de la película está muy bien realizado, las prótesis están realmente bien hechas. Pero no solo el maquillaje, las coreografías de la cinta, están muy bien trabajadas, dando un espectáculo de acción tremendo, como si de un anime se tratara. No hay límites y la verdad que se agradece mucho.
‘Project Wolf hunting’ nos da lo que nos promete y nada más, pero es divertida, interesante y es capaz de hacerte estar pendiente hasta el final de toda la historia. Una película con la que podríamos compararla en la actualidad sería la fallida ‘REC 4’ y es que si ésta hubiese tenido esta acción y no darle tanta importancia a una historia ya machacada hubiese sido mejor.
Así que, si queréis mandanga de la buena esta es vuestra película. Ya que este año no hay Muestra SYFY, al menos que nos podamos divertir igualmente en las salas de cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de febrero ed 2023. Título original: Project Wolf Hunting. Duración: 122 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Hong-sun. Guion: Kim Hong-sun. Fotografía: Ju-Hwan Yun. Reparto principal: Seo In-guk, Sung Dong-il, Choi Gwi-hwa, Jung So-min, Jang Dong-yoon, Jeong-hwan Park, Moon-Sung Jung, Jang Young-Nam. Producción: Cheum Film, Contents G. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, acción. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/project-wolf-hunting
Una pareja de modelos es invitada a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.
Crítica
Una estimulante revisión y actualización de ‘El señor de las moscas’
Lo primero que nos viene a la cabeza al ver de qué trata ‘El triángulo de la tristeza’ es ‘El señor de las moscas’. Vale, no trata de unos niños en una isla pero si que muestra a unas personas en cierto sentido inmaduras y cuyo estatus social se ve trastocado. En la última propuesta de Ruben Östlund un barco plagado de snobs, elitistas y superficiales ricachones se hunde y sus pasajeros van a dar a una isla desierta. Unos modelos, los tripulantes y unos ricachones petimetres luchan por sobrevivir, pero no se trata solo de buscar alimento o construir una cabaña.
Entre nuestros instintos primarios ya no se encuentra solo la necesidad de comer, refugiarnos o reproducirnos. También está el imperativo impulso de subir en el escalafón social o por lo menos aparentar superioridad (física, moral o económica). Eso es lo que pone en relevancia Ruben Östlund, un director que ha demostrado ser capaz de agitar nuestra mente y nuestra conciencia, lo cual es siempre estimulante. Si tuviese que preparar un ciclo con películas recientes y críticas con nuestra sociedad metería esta obra junto a títulos como ‘El hoyo’ o ‘Parásitos’. Me gustaría que todo aquel que vea ‘El triángulo de la tristeza’, sea adinerado o no, cambie su manera de actuar siempre que haga uso del sector servicios, lo que se ha llamado siempre el “cara al público”. Por que no todo en esta vida es dinero y no es lo mismo solicitar un servicio que tener un siervo.
Siempre tenemos la idea preconcebida de que los y las modelos son personas tienen las neuronas justitas para mostrar sus exuberantes cuerpos. Creo que hace años que ese cliché se rompió pero Östlund acierta en poner el foco en ello, por si acaso hay aún personas con ese sesgo aún presente. No me extraña que triunfase en Cannes pues ahí buscan siempre películas con cierto compromiso. El guión consigue ser descarnado y muestra cuan voraces pueden ser las ansias de poder del ser humano. Aunque también es cierto que ‘El triángulo de la tristeza’ podría haber sido un poco más incisiva, más profunda.
Satírica, punk, mordaz, atrevida, descarada… son adjetivos que le vienen muy bien a ‘El triángulo de la tristeza’. Saca su título de una expresión superficial usada en moda (no se si es inventada o no) para desarrollar un discurso sobre la igualdad, en muchas de sus vertientes. En pleno siglo XXI predomina y está afianzado una especie de apartheid que impone que aquellos dedicados a la limpieza, mantenimiento o venta son una clase social inferior. Lo que es triste es que tengan que venir películas como esta para demostrar que no siempre el cliente tiene la razón, que hay muchos que viven en su burbuja de ensueño sin ser realmente conscientes de cuál es la realidad.
Capitalistas, comunistas, ricos, pobres, vividores, pluriempleados… todos acabamos yendo al baño a cagar, todos nos mareamos ante la tempestad… Las imágenes que han preparado Östlund y Wenzel nos recuerdan que por mucha opulencia que haya, todos terminamos necesitando lo mismo. El mensaje es alto y claro, ahora queda ver cuan abiertos están los oídos de las conciencias de los espectadores, a ver quién tiene menos neuronas o quien es más superficial, si los modelos o ellos.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de febrero de 2023. Título original: Triangle of Sadness. Duración: 149 min. País: Suecia. Dirección: Ruben Östlund. Guion: Ruben Östlund. Fotografía: Fredrik Wenzel. Reparto principal: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly. Producción: Imperative Entertainment, Film i Väst, BBC Film, 30West, Plattform Produktion. Essential Filmproduktion GmbH, Coproduction Office, Sveriges Television (SVT), Arte France Cinéma, TRT, ZDF/Arte. Distribución: Avalon, Elástica. Género:Web oficial:https://neonrated.com/films/triangle-of-sadness
La película cuenta una historia sobre la desobediencia, la amistad y la dignidad que existe en la resistencia. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano. Cinco chicos de la calle de Medellín. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Un cuento subversivo a través de un clan salvaje y entrañable, que transita entre realidad y delirio. Un viaje hacia la nada, dónde pasa todo.
Crítica
Anárquica. Son reyes de lo suyo y lo suyo es nada
En el Festival de San Sebastián han triunfado películas como ‘Magical girl’, ‘Los lunes al sol’ o incluso ‘The disaster artist’. A si es que si sueles estar alineado con el jurado o el público del evento donostiarra esta película te puede interesar. ‘Los reyes del mundo’ se llevó la Concha de Oro y además fue reconocida también con el Feroz Zinemaldia. La película de Laura Mora llega como un nuevo ejemplo de que en América del Sur, más en concreto en Colombia, se sigue llevando el cine social y casi de trinchera, pero demostrando a su vez que esto no está reñido con la calidad o el disfrute recreativo.
‘Los reyes del mundo’ es una cinta llena de una juventud superviviente, liberada y rebelde. Como indica el primer plano de la película, los protagonistas son caballos salvajes sin montura ni estribos en medio de una mugrienta ciudad de asfalto. Y de ese equino animal envidian su libertad, pureza e independencia. Ellos son una extensión de la urbe tan desalmada en la que se han criado, donde como en una selva impera la ley del más fuerte. La película arranca en. Medellín pero si este fuese cine español de los setenta u ochenta estaríamos hablando de cine quinqui. Es un combativo road trip de amistad y hermandad en el que desde el minuto cero nos marcan el tono y las pautas. Es una obra de salvajes en la carretera que si fuese norteamericana estaría rodada al son del Born to be wild. Resulta anárquica y nómada, transcurriendo sin orden hacia una meta que todos perseguimos, encontrar un lugar en el mundo. Son reyes de lo suyo y lo suyo es nada.
Los cinco jóvenes protagonistas son actores amateur. Pero están bien dirigidos y se les ha sacado fuera de su rutina, no como sucede con el ejemplo reciente de ‘Alcarràs’. No sé si viven en la misma situación de exclusión social pero desde luego hacen muy bien de parias y además de mostrar correctamente cómo sobreviven como si fuesen una manada de jóvenes lobeznos, nos hacen pensar si la calle les ha hecho así o si la calle es como es por personas como ellos. Porque, aunque buscan su lugar en un mundo que les margina no dejan de ser una fuerza destructiva de la naturaleza. Son producto de una tierra marcada por las guerrillas y como tal ese tema está subyacente y ejerce realmente de disparador de todo lo que sucede.
Si tú te sientes desorientado o desprotegido a la hora de solicitar una ayuda para subvencionar una bicicleta eléctrica o hacer la declaración de la renta imagina unos jóvenes huérfanos analfabetos en medio de un sistema decadente, corrupto y deficiente, deshumanizado, como casi todos. ‘Los reyes del mundo’ consigue hacer eficiente la metáfora del duro road trip con la difícil vida de unas personas que adoran vivir pero tienen un sentimiento de odio recíproco hacia el mundo. Todo ello además está narrado con una buscada fotografía llena de neones y chatarra que nos lleva a un siglo XXI que parece estancado desde hace más de cien años.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Los reyes del mundo. Duración: 103 min. País: Colombia. Dirección: Laura Mora Ortega. Guion: Maria Camila Arias, Laura Mora Ortega. Música: Leonardo Heiblum, Alexis Ruiz. Fotografía: David Gallego. Reparto principal: Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acevedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque. Producción: Caracol Televisión, Ciudad Lunar Producciones, Dago García Producciones, Exile Content Studio, Iris Productions, Mer Films, Talipot Studio, Selva Cine, Tu Vas Voir Productions. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, road trip. Web oficial:https://www.youtube.com/@CiudadLunarProducciones
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