Jordi nació hace 51 años con parálisis cerebral. Aunque no puede hablar, trata de comunicarse usando su tabla. Así es como le cuenta a Maider, la directora de esta película, que a los 21 años sintió a Dios hablándole por primera vez. Sin embargo, hoy día, después de mudarse de la casa de sus padres a una residencia, ya no siente a Dios. Una vez al año, Jordi hace un viaje de peregrinaje al Santuario de Lourdes. Es allí donde busca su conexión con Dios, a pesar de no saber si Dios volverá a él algún día.
Crítica
Una conversación sobre Fe sin límite
Aristóteles definía la comunicación como una necesidad y una virtud del ser humano y al igual que el cristianismo adoptó muchos de los principios aristotélicos en su dogma, MaiderFernándezIriarte, ha hecho lo propio en su ópera prima. Todo el documental es una gran conversación sobre asuntos cotidianos y sobre Fe. Nos cuenta la historia de Jordi, un hombre de 51 años que nació con parálisis cerebral y que se comunica mediante una tabla de cartón con el abecedario. Esta tabla es fundamental para Jordi y su importancia queda clara desde el principio del documental. Conocemos al protagonista a través de este abecedario, no sólo porque sea primordial para poder comunicarse, también porque la directora opta por iniciar el documental con varios planos cortos de la tabla. Con este juego el espectador toma la posición del protagonista y adivina las palabras que quiere transmitir. Además, con esta estrategia mantiene al personaje con cierto halo de misterio y muestra lo difícil que es tener una conversación fluida. Este es uno de los pocos recursos estéticos, junto a las hermosas imágenes de Lourdes, que veremos en una película que se caracteriza por su gran sobriedad.
El otro gran eje de la película es la Fe. Jordi siente que Dios ya no le habla y quiere ir a Lourdes en su búsqueda. En el documental vemos dos viajes. Uno físico, resuelto de forma rápida, y otro interior. Lo importante es la necesidad de Jordi de volver a sentirse especial, de recuperar aquello que le hace único, escuchar a Dios en su interior. A lo largo de la película, Maider Fernández y Jordi establecen una gran relación de confianza y el protagonista comparte confesiones e inquietudes con la directora.
La actitud de Jordi no deja de sorprender al espectador. Muestra alegría en una situación de gran vulnerabilidad, se fija en detalles que pasan inadvertidos para el resto y tiene una gran determinación por lograr sus metas.
Más allá de la calidad cinematográfica, esta película nos muestra la importancia de creer para lograr el fin que nos hemos propuesto. Una capacidad humana que, en casos como el de Jordi, le permite superponerse a cualquier limitación y hacer cosas que parecen inimaginables, como descender una montaña nevada. Esta es una película para reflexionar y que evidencia la importancia de la comunicación cara a cara.
Ficha de la película
Estreno en España:13 de marzo 10 de julio de 2020. Título original: Las letras de Jordi. Duración: 70 min. País: España. Dirección: Maider Fernández Iriarte. Guion: Maider Fernández Iriarte, Virginia García del Pino. Fotografía: Maider Fernández Iriarte. Producción: Señor y Señora. Distribución: Márgenes Distribución. Género: documental. Web oficial:https://www.margenes.org/distribucion/5e3a98ef4fdd05018dcd1679
‘Cosmos’, el programa de ciencia más visto, regresa a National Geographic con una nueva temporada, titulada ‘Cosmos: otros mundos’, el próximo lunes 16 de marzo a las 22:00h.
En la inmensidad del tiempo y la enormidad del espacio, los mundos y las historias que se pueden explorar y contar son prácticamente infinitos. La edad del universo es aproximadamente de 13.800 millones de años y ‘Cosmos: otros mundos’, presentado por el astrofísico Neil deGrasse Tyson, es un viaje maravilloso a través del pasado, presente y futuro de la humanidad, que lleva a los espectadores a territorios inexplorados y convierte temas complejos de ciencia y exploración en una aventura que supera todo lo imaginable, ofreciendo una visión esperanzadora de nuestro futuro.
Los episodios integran efectos visuales de última generación, animaciones y recreaciones dramatizadas que transportan a los espectadores al futuro a través de un agujero en la cortina de la realidad.
La temporada, de 13 episodios, es obra de la creadora, productora ejecutiva, directora y guionista Ann Druyan, que mantiene viva la llama con enorme audacia convirtiendo esta temporada en la más ambiciosa hasta el momento. En su inagotable búsqueda del conocimiento, la nueva temporada de ‘Cosmos’ logra que el espectador comprenda sin esfuerzo conceptos científicos complejos gracias a su inigualable estilo narrativo basado en hechos.
Estas aventuras, que invitan a la reflexión, nos incitan a descubrir las posibilidades de la humanidad en nuestro universo. La temporada presenta viajes a épocas pasadas y nos da a conocer héroes científicos anónimos que lo sacrificaron todo para ofrecer a la humanidad sus hallazgos científicos. Transporta al espectador desde un lugar oculto donde pudo originarse la vida en la Tierra, a algunos de los mundos perdidos de nuestros antepasados, así como a los mundos posibles de nuestros remotos descendientes.
Ann Druyan continúa así el legado que inició hace 40 años con Carl Sagan, un visionario de renombre mundial, con ‘Cosmos: un viaje personal’, la serie documental de divulgación científica más popular de la historia de la televisión.
El fenómeno mundial ganador de un premio Emmy es una creación de la ganadora del premio Emmy y del Peabody Ann Druyan, que ejerce de co-creadora, productora ejecutiva, directora y guionista, junto con los productores ejecutivos ganadores de los premios Emmy y nominados a los Premios de la Academia Seth MacFarlane (‘Padre de familia’, ‘The Orville’); Brannon Braga (‘The Orville’, ‘Terra Nova’), que también escribe y dirige; y Jason Clark (‘The Orville’, ‘La noche más oscura’). Neil deGrasse Tyson (‘Star Talk’) es el presentador.
El próximo 20 de marzo 10 de julio, de la mano de la distribuidora Super 8, llega a las pantallas españolas ‘Marcelino, el mejor payaso del mundo’, docuficción dirigido por Germán Roda y protagonizado por el polifacético Pepe Viyuela. El documental, basado en el libro de mismo título de Mariano García, recorre la interesantísima vida de Marcelino a través de sus éxitos, sus fracasos y sus fantasmas.
Marcelino Orbés fue el mejor payaso del mundo desde 1900 a 1914, triunfando en Londres y Nueva York. Fue el mejor y el más aclamado por el público en la mayor industria del entretenimiento de la época. Actuaba en el teatro más grande jamás construido, El Hippodrome, y lo veían 2 millones y medio de personas al año. No sólo fue un payaso sino un clown, acróbata y un cómico admirado por Charles Chaplin y del que Buster Keaton afirmó que era el mejor del mundo.
Sinopsis oficial:
Nacido en Jaca (Aragón), recorrió España, Europa y E.E.U.U. haciendo reír a la gente pero acabó protagonizando el tópico del payaso atormentado fuera de los escenarios, hasta el punto de acabar él mismo con su vida. No se trata de un artista maldito sino que es un artista del que no se sabía de su existencia. Gracias a este documental, descubrimos 150 años después, a Marcelino, uno de los mayores artistas de la historia de España y el único del que no se sabía de su existencia.
Germán Roda, director del documental nos comenta: “Parece increíble que con la sobreinformación con la que contamos en la actualidad no supiéramos de la existencia del que fue el mejor payaso del mundo. Con esta “docuficción” descubrimos al clown español que triunfó en Nueva York y que fue la inspiración de Charles Chaplin. Llevar a la pantalla grande la vida y obra del mejor payaso del mundo ha sido una experiencia inolvidable. Trabajar con Pepe Viyuela, descubrir que un español fue el mejor payaso del mundo, contar el ascenso y la caída de un artista que no superó la llegada del cine sonoro ha sido el punto de giro de mi vida”
‘Marcelino, el mejor payaso del mundo’ es una producción de Estación Cinema en coproducción con Aragón TV y con la colaboración de Gobierno de Aragón, Diputación de Zaragoza, Ayuntamiento de Jaca y la Comarca de Jacetania. La distribución corre a cargo de Super 8 Distribución.
Movistar ha presentado hoy junto a FCB&Fire el documental ‘Not a game’. Un trabajo con el que se pretende hacer un análisis del estado actual del gaming y el impacto tanto en los jóvenes como en sus tutores. En la presentación del documental han participado FernandoPiquer, CEO de Movistar Riders; MaríaZabala, experta en educación digital; RodrigoFigueroa, CEO y fundador de FCB&Fire; AnderPérez, responsable de patrocinios de Telefónica España; Francisco ‘KoreanZ’ Ayllón, caster de la ESL; y el periodista y experto en eSports RicardoSierra.
‘Not a Game’ se estrena el lunes 10 de febrero a las 21:30h en exclusiva en #0 de Movistar+ (dial 7).
‘Not a Game’ plantea algunas de las cuestiones que surgen sobre el mundo de los videojuegos: ¿Fomentan el aislamiento o por el contrario la sociabilidad? ¿Son una adicción o una pasión? ¿Puede uno ganarse la vida “jugando”? ¿Son los eSports un deporte? ¿Suponen un entrenamiento mental y físico? ¿Son inclusivos?
A estas y otras preguntas dan respuesta un centenar largo de protagonistas de diferentes países, desde expertos en eSports y videojuegos hasta gente que cuenta su experiencia personal, que han participado en un documental que pone especial énfasis en las relaciones entre padres e hijos dentro del mundo del gaming.
Entre las experiencias que aparecen reflejadas en ‘Not a Game’ se encuentra la del actor norteamericano RJ Mitte (‘Breaking bad’) y, entre otros, testimonios de figuras como el comentarista Ibai Llanos, los youtubers Luzugames, TheGregf, Chincheto o Zorman, la streamer Ewok y el rapero Arkano.
Fernando Piquer, CEO de Movistar Riders, comentaba «Para la generación actual, los videojuegos son como el Rock&Roll en la época de nuestros padres». La irrupción de la tecnología en los hogares ha transformado las relaciones familiares. Y la brecha que siempre hubo entre padres e hijos, es hoy quizás más grande que nunca debido al gaming y los eSports.
Estamos asistiendo a la revolución de una nueva forma de entender los videojuegos, la profesionalización de estos como deporte, y el nacimiento de un espectáculo que mueve a millones de fans y genera negocio fuera de su propia industria. En este contexto un documental como ‘Not a Game’ pretende estrechar esa brecha generacional, profundizando en cada uno de los aspectos que hacen del gaming y los eSports un fenómeno global.
El día de cierre es un día para cumplir tradiciones en CutreCon. Documentales más maratón temática. El día ha arrancado con películas que arrojan algo de luz sobre las partes más lúgubres del cine y ha terminado llena de cocodrilos de todo tipo.
Y como siempre, como también es costumbre, se ha anunciado el leitmotiv del año que viene. CutreCon X se centrará en obras maestras del cine cutre. Para ello, aunque ya se han proyectado muchas, se procurará no repetir títulos de anteriores ediciones.
Como cierre, además de las reseñas de los últimos títulos os dejamos nuestro palmarés improvisado con los amigos de Holocausto Zinéfago.
Mejor peor película
Tetsudon
Película de castigo
Cocodrilo
Mejor peor actor
Greg Sestero imitando a Tommy Wiseau
Mejor peor actriz
Annabel Jankel diciendo que Super Mario Bros. es película de culto
Peor montaje
Crocodile Fury con su mezcla sin sentido y sin final
Premio Dios es amor
A los ninjas católicos con remordimientos de Velocipastor
Peor banda sonora
Dangerous men (tatara parapa)
Peores efectos especiales
Lobsteroids
Mejor muerte
Cocodrilo asesino
Mejor pulsión
La ducha salidorra de Plankton
Mejor monstruo
Cacaman con una bolsa de Ahorramás en Sting of death
Premio honorífico Stephen Groo
John S. Rad
Premio a mejor comentario del público
El profético vómito en la sesión Dinoxploitation
Premio Greta Thunberg
A la lluvia de miles de cucharas de plástico de The room
‘In search of the last action heros’
Autopsia del cine de acción de los años 80 y 90 generado en USA, desde lo comercial hasta la serie B más perdida en los rincones de los videoclubs. Producido con un crowdfunding porque esto se hace por y para fans. Entre los productores se encuentra también Timon Singh, anterior invitado al festival. Cuenta con los testimonios de verdaderos artífices y expertos como Sam Firstemberg, Steven E. De Souza, Paul Verhoeven, Peter McDonald, Shane Black, Michael Jai White, Zak Pen, Cynthia Rothrock, Mark Goldblatt, Al Leong…
Violencia, gore, videoclubs, héroes de todo tipo… que Oliver Harper desglosa con sumo gusto y amor. Detalla las películas que fueron un punto de inflexión o los nombres que son un referente para todos. El mayor documental que he visto de la que sin duda fue una buena época para no usar filtros ni altos presupuestos. De estos documentos que te suelta perlas, del estilo a que Stallone fue la primera opción para ‘Superdetective en Hollywood’, pero él quería hacer ‘Cobra’. O que ‘El último gran héroe’ se concibió a partir de hacer ‘La rosa del Cairo’ pero al revés. Y otro de tantos villanos perdidos para Stephen Lang, pues pudo ser Mr. Bison en ‘Street fighter’ pero le rechazaron por querer a alguien más conocido.
Stephen Grooes un “artista” (por referirnos a él de alguna manera) que ha hecho casi 200 películas saltándose cualquier tipo de licencia o gusto por lo mínimamente decente. Incluso actúa penosamente en ellas y aún así se atreve a hacer videotutoriales de interpretación. Lleva camisetas de superproducciones y no es capaz de compararlas con los desastres que hace. Posee una pasión y un ego por lo que hace que se salen de la escala. Y consigue hacer sus trabajos arrastrando con él a actores y a realizadores rechazados y desesperados ¡sin pagarles y tratándoles mal!
La cosa es que en el momento del documental tiene cuatro hijos, vive en la casa propiedad de su suegra y se mantienen con los 1000$ de su mujer. Con todo esto quería hacer una película contando con Jack Black y lo consiguió, porque Black se declaró fan suyo. Muy surrealista.
Un vertido de residuos radiactivos en una zona pantanosa produce que un cocodrilo crezca enormemente. Por supuesto tenemos que entender que eso le convierta en una bestia asesina, sino no habría argumento… Aún más peligrosa que esa criatura es el juez corrupto que intenta tapar la presencia de la contaminación.
Los protagonistas a bordo de la embarcación “Dios es amor” tienen que intentar sobrevivir mientras sueltan sus frases obvias y reciben la ayuda de una especie de Cocodrilo Dundee. Un cocodrilo difícil de esquivar si tenemos en cuenta que se le puede herir con un madero pero no a balazos, está claro que lo mejor es una buena cirugía en la campanilla. Lo mejor su explosivo final.
Película hongkonesa que rescata metraje de una versión taiwanesa. Redoblada en inglés con turistas contratados en hoteles. Atrezo comprado en Fiestas Paco en una villa en la que los aldeanos tan pronto están a salvo como que al segundo están gritando en las fauces del cocodrilo. Normal, cuando este aparece se tiran de cabeza o a bomba al agua… Un caos de película en el que pasan cosas sin ton ni son: personas reencarnadas en cocodrilos, brujas, zombies, vampiros… Está más o menos claro quiénes son los villanos, pero de los protagonistas y la trama ni idea. Encima todo desemboca en una escena a lo Moisés, con un túnel de luz y varias peleas delirantes. Y de regalo un Kuato en la tripa de la bruja.
Derroche de efectos especiales. Como en todas las películas chinas actuales las imágenes generadas por ordenador aparecen por doquier en este amago de Tom Raider. Amago por el parecido de una de las actrices pero realmente de lo que va esto es del rescate de unas personas que resulta que han sido atacadas por cocodrilos inteligentes y uno además enorme, genéricamente modificados.
La mayor parte del presupuesto se iría en recrear a los reptiles porque lo que es en la calidad del reparto… Le sobra la mayoría de los flashbacks y tanta opulencia. Todo para meter en la última escena un mensaje que nada tiene que ver con el resto de la película y que nada tiene de nuevo.
Película coreano tailandesa doblada al inglés traducida al castellano posteriormente. Obviamente no se relaciona mucho con la traslación pero al menos se intuye un mensaje naturalista, porque la trama importa poco o nada. Solo se ve el ojo del cocodrilo durante buena parte de la película, un cocodrilo de aguas saladas porque todo transcurre en un resort.
Netflix presentó ayer sus contenidos previstos para este 2020 y algunas novedades de títulos que se producirán en España y que estarán disponibles próximamente en 190 países. DiegoÁvalos, vicepresidente de contenidos originales, ha comentado: «Seguimos y seguiremos apoyando a los creadores y apostando por la diversidad en las historias que damos a conocer. Nuestro objetivo y compromiso con la industria es posicionar el talento español como referente mundial. La calidad técnica de los equipos y el excelente nivel de los autores confirma que esta meta es ya parte de nuestro presente».
Este es el material presentado:
Primeras imágenes de ‘Alguien tiene que morir’, ‘El desorden que dejas’ y ‘El inocente’. Estas tres series originales españolas creadas por Manolo Caro (‘La casa de las flores’), Carlos Montero (‘Élite’) y Oriol Paulo (‘Contratiempo’) respectivamente, se estrenarán el próximo otoño.
Nueva imágen de ‘Hogar’ que anuncia su estreno el 25 de marzo.
‘Las chicas del cable: Temporada final’. La primera serie original española de Netflix llega a su fin este año en dos partes, la primera se estrenará el próximo 14 de febrero.
Documental sobre el fenómeno de ‘La casa de papel’. Película documental que explora el fenómeno mundial en el que se ha convertido ‘La casa de papel’. Se podrá ver a partir del día 3 de abril, coincidiendo con el estreno de la Parte 4 de la ficción creada por Álex Pina.
‘¡A cantar!’ Un nuevo concurso musical donde seis participantes pondrán a prueba sus habilidades interpretando conocidas canciones. El premio es un bote de hasta 30.000 euros que se irá acumulando a medida que demuestren quién es el que mejor afina y superen distintas fases.
Además, Netflix continúa con su compromiso de producir contenido en España que pueda disfrutarse en todo el mundo y ha anunciado cinco nuevos proyectos originales que comenzarán a rodarse próximamente:
Nueva serie de Daniel Sánchez Arévalo. La primera serie creada por Daniel Sánchez Arévalo es una emocionante historia de amistad y superación. Producida por Atípica Films, la ficción se encuentra actualmente en fase de desarrollo.
‘Jaguar’. Serie protagonizada por Blanca Suárez y producida por Bambú producciones, ambientada en los años 60, donde España albergaba a cientos de nazis refugiados tras la Segunda Guerra Mundial. Isabel Garrido, una joven española que logró sobrevivir al campo de exterminio de Mauthausen, está tras la pista de Skorzeny, conocido como el hombre más peligroso de Europa. Descubrirá que no está sola en su misión y se unirá a un grupo de agentes en busca de justicia. Su nombre en clave: Jaguar.
‘Amor de madre’. Película dirigida por Paco Caballero (‘Perdiendo el Este’) y protagonizada por Carmen Machi (‘Criminal’) y Quim Gutiérrez (‘El vecino’), que interpreta a un joven al que acaban dejar plantado en el altar. Por si eso no fuera suficiente, su madre (con tendencia a la sobreprotección) decide acompañarle en su luna de miel para no perder el dinero del viaje. Mientras él no puede sentirse más miserable, su madre disfruta de las mejores vacaciones de su vida.
Nuevo largometraje de Dani de la Orden. El nuevo proyecto del director Dani de la Orden (‘Élite’) gira en torno a la relación entre Adri, interpretado por Álvaro Cervantes (‘Criminal’) y Carla, interpretada por Susana Abaitua (‘4 Latas’). La historia da comienzo cuando Adri decide internarse voluntariamente en el centro psiquiátrico donde Carla reside con el objetivo de reencontrarse con ella tras una mágica noche juntos. Esta comedia romántica se encuentra actualmente en fase de producción.
‘Fuimos canciones’. Esta película que verá la luz el año que viene es fruto del trabajo de la adaptación de la bilogía Canciones y recuerdos de Elísabet Benavent.
Aún resonaba la música de ‘Dangerous men’ al comienzo de la segunda jornada de CutreCon IX. Un día que arrancó con varios encuentros con los invitados de este año, SilviaSuperstar (‘Killer Barbys’) y GregSestero (‘The Room’), una actriz que ha trabajado con Jess Franco y un actor que ha trabajado con James Franco. Estuvimos con ellos en rueda de prensa, en una entrevista en vídeo (que veréis pronto aquí) y en la Sala Equis.
Silvia es la receptora del premios JessFranco de este año y lo cogió entre aplausos en la noche de este jueves de manos de su amigo Carlos Areces, un habitual de CutreCon. Casualmente la cantante punk ha trabajado con el director que da nombre al premio y nos contó que era un artista temperamental que tenía puntuales encuentros con algunas personas del equipo pero nunca con ellos, los miembros del grupo. Algo curioso del rodaje de ‘Killer Barbies’ es que la coca cola era del Día y les costó conseguir de marca, algo importante porque si no Santiago Segura no quería rodar. También nos contó como una vez a ella le dio por decir “corten” en una escena y él se enfadó bastante “aquí eso solo lo digo yo” decía Franco.
Sestero declaró que nunca había pensado que ‘The room’ se fuese a ver tanto. Ante la pregunta de cómo reaccionó al saber que la gente se reía con la película dijo “cuando leí el guion me dio la risa a mi también”. “Ved ‘The room’ con gente y eso hará que veáis el cine de otra manera, eso no pasa con el cine de ahora. Me dormí con la nueva de Star Wars” declaró.
Con ‘Best (f)riends su nueva película han intentado hacer una buena cinta, al estilo como ‘Breaking bad’ o ‘Fargo’. Haciendo un personaje concreto para Tommy Wiseau en el que se pueda lucir, porque tal y como él mismo ha admitido, le conoce mejor que nadie.
Greg nos dejó caer que está trabajando en un proyecto de Netflix y que últimamente está muy metido en el género de terror. También que anda involucrado en una segunda temporada de algo en lo que la primera funcionó muy bien. Ahí podéis intentar atar cabos. También ha rodado un piloto de una serie de animación que se llama ‘SpaceWorld’ con Wiseau que están intentado vender y puede que sea el canal SYFY quien lo publique.
Les preguntamos a ambos cuál es para ellos la peor película de 2019 y tras mucho cavilarlo Greg nos respondió ‘Star wars’. Silvia se sintió bastante decepcionada con ‘Lo dejo cuando quiera’ a pesar de reconocer tener amigos en la cinta.
Para Silvia Superstar sus referentes o films más admirados son los de Kubrick, ‘Braindead’ o Tarantino. Sestero citó nombres como Billy Wilder, ‘Sunset Boulevard’, ‘Seven’, ‘1917’, Fincher o ‘Érase… una vez en Hollywood’.
‘Killer barbys’
Una de las películas más renombradas de Jesús Franco. Protagonizada en 1996 por SantiagoSegura, Mariangela Giordanl y AlfoSambrelli. Gira en torno al grupo de la cantante Silvia Superstar y su tono está dominado por el gore y el sexo. Película infame de argumento sanguinolento que hace las delicias de los amantes de la sangre fácil surgida de las tramas facilonas. Un grupo de músicos está de gira por tierras valencianas y su furgo se avería. Es invitado a pasar la noche en el castillo de una condesa que realmente no quiere darles hospitalidad, si no la muerte. La verdad es que suena a ‘Buenas noches señor monstruo (1982)’ para adultos. Como curiosidad, el productor de ‘La llamada’ o ‘Verónica’ es degollado en la primera escena y posteriormente colgado bocabajo.
Al igual que en el documental ‘Room full of spoons’ y con unas respuestas casi calcadas descubrimos los entresijos del rodaje de ‘The room’. Esta vez es la perspectiva del propio co-protagonista Greg Sestero la que se impone aunque la información es básicamente la misma. Los artífices comentan atónitos y casi traumatizados e indignados como rodaron aquella desfachatez de película. Sestero pensaba que nadie se creería las burradas del rodaje a si es que aquí cuenta curiosidades tales como los anuncios de la ropa con la que supuestamente Wiseau financió la película, el uso innecesario de croma para hacer una azotea cuando estaban rodeados de azoteas, como muchos actores o miembros de equipo técnico huyeron, el origen de la tradición del lanzamiento de cucharas…
Película cuyo tráiler se hizo viral en la red y que se une a la corriente de filmes hechos intencionadamente mal o para honrar al cine de serie B. Sangre y duelo de espadas entre teorías religiosas y creacionistas. Un dinosaurio de juguete y partes humanas hechas de maniquís pasan por delante de la cámara. Perplejos nos dejan los villanos con remordimientos de este filme que sabe sacar partido al ninja-explotaition creando una nueva versión del hombre lobo un tanto soez. Buenos recursos a la hora de ahorrarse explosiones y ningún reparo en el momento de maquillar el poco talento de sus actores.
Unos científicos locos y capitalistas implantan el cerebro de un joven en el cuerpo de un tiranosaurio robótico causando así una historia de amor y persecución. ¿Deseáis saber más? Pues deberíais pues os podemos decir que en ella aparecen Denise Richards (‘Starship troopers’) y Paul Walker (‘A todo gas’) interpretando a la pareja de jóvenes pipiolos enamorados. Dinosaurio hecho a veces con animatrónica y otras con un pobrísimo CGI que lleva a cabo muertes de esas que se ven venir por la parsimonia y empanada de sus víctimas. Una historia muy moña con un adorable reptil.
Dos soñadores y un perro emprenden la odisea para traer armonía a sus vidas y a su tierra. Cuando una serie de giros en los acontecimientos se interpone en su plan para crear perfecta armonía, los protagonistas deberán comprender que la complejidad y sabiduría de la naturaleza, así como la propia vida, van más allá de lo que conocían.
Crítica
Un nítido retrato del ciclo de la vida que debemos recuperar
El documental ‘Mi gran pequeña granja’ esta realizado y protagonizado por las mismas personas. John y Molly Chester son los artífices de esta película y a la vez son los creadores de una granja de cultivo tradicional en Los Ángeles. Ellos y todos los seres vivos que la habitan acaparan la atención de las cámaras y seguimos el transcurso de sus vidas. Desde que empiezan su andadura en una árida tierra adquirida gracias a la aportación de sus familiares y amigos hasta que intentan salvar su verde hogar de uno de los inmensos y tristemente habituales incendios de California.
‘Mi gran pequeña granja’ se desarrolla de manera lineal en el tiempo progresa gracias a los consejos de lo que se podría llamar un gurú de lo rural, Alan York. Un amigo que ayuda a la pareja a crear su propio ecosistema, pero con técnicas eficientes no con uranio a lo Homer Simpson. Les encamina a perseguir su sueño de autosuficiencia, en resumidas cuentas a volver a lo básico dejando que sea la propia naturaleza la que ofrezca las soluciones a sus propios problemas. Se pinta todo de rosa sobre el papel y surgen inconvenientes, como es natural. Pero la sensación es artificial ya que hasta dos ocasiones se cambia de tema drásticamente y no se justifica la dudosa caza de los coyotes. ¿¡Como pueden tardar años en darse cuenta de que un perro pastor sirve para ahuyentar al coyote de las gallinas!? En fin… Por lo menos este es un buen ejemplo de cómo se puede intentar restaurar el equilibrio roto por el monocultivo intenso. Es un pulso contra lo establecido por las multinacionales incapaces de abastecer el sobrepoblado planeta desde una pequeña granja.
El mensaje no me parece nada novedoso ni destacable, a no ser que seas un urbanita impresionable o te dejes llevar por el sentimentalismo de la cinta, por la obviedad y las implicaciones que conlleva el cuidar unos animales pre-destinados al consumo humano. La película está repleta de lecciones sobre ganadería y agricultura que a muchos nos parecen evidentes. Para aquellos que no han convivido en un entorno que no esté dominado por el asfalto y el wifi va a haber muchos elementos que si van a resultar conmovedores. Pero me parece hilarante oír al principio de la cinta la frase que asegura que es “arriesgado montar una granja en medio de la naturaleza”. ¿Dónde montarla si no, en un campo de fútbol? Esto nos habla de lo muy desconectados del planeta que están muchas personas.
Lo mejor, y muy bueno que tiene este documental, es la fotografía. El director de la cinta y dueño de la granja es camarógrafo de profesión y eso se nota en la gran cantidad de primeros planos de los animales, tomas cenitales, coloridos paisajes, time-lapses, imágenes en macro de insectos… No hay rincón de la granja que se haya dejado sin inmortalizar, hasta el subsuelo. Sobre todo es capaz de retratar la cotidianidad de sus escenas: los cerditos durmiéndose, los perros pastores lamiendo a los corderos, los estorninos volando en bandadas, los terneros asustados por el gallo bravucón… Cual niño en un zoológico estos soñadores se han divertido en el hogar que ahora comparten con gente de todo el mundo, pero también se enfrentan a las dificultades de la vida granjera. ‘Mi gran pequeña granja’ tiene el poder visual de los documentales más capaces proyectados hasta la fecha.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2020. Título original: The Biggest Little Farm. Duración: 91 min. País: EE.UU, Dirección: John Chester. Guion: Mark Monroe, John Chester. Música: Jeff Beal. Fotografía: Kyle Romanek. Reparto principal: John Chester, Molly Chester, Matthew Pilachowski. Producción: Diamond Docs, FarmLore Films. Distribución: Festival Films. Género: documental. Web oficial: https://www.biggestlittlefarmmovie.com/
Vicente Sevilla, Javier Peña y sus invitados nos invitan a conocer las setas de nuestros bosques
Este domingo 12 de enero, a las 18:30, se estrena la cuarta temporada de ‘El Señor de los Bosques’. Uno de los formatos con mayor calidad visual de la televisión. Y como novedad esta temporada el chef Javier Peña (@penachef) estará al mando de los fogones.
En este programa de divulgación y entretenimiento el experto en setas, Vicente Sevilla, nos descubre el mundo que habita en los bosques de España. En cada episodio contará con la ayuda de invitados especiales.Juntos, se adentrarán en turberas, conocerán tradiciones centenarias y descubrirán algunas de las setas y plantas más peligrosas de los bosques.
Tras el paseo por la naturaleza llega el turno de la cocina canalla de Javier Peña. El conocido chef se enfrenta al reto de cocinar en pleno bosque las plantas y setas recolectadas en el monte.
El programa del 12 de enero tiene como protagonista un precioso rincón de Teruel: La Sierra de Albarracín. Un paseo al que se une Miriam Díaz-Aroca (@Miriamdiazaroca). La presentadora y actriz se da un baño de bosque en este paraje mágico donde las rocas gigantes sorprenden por sus extrañas formas.
Peckinpa Suite se acerca a la figura de Sam Peckinpah, director de películas como ‘Grupo salvaje’ o ‘La balada de Cable Hogue’, a través de la mirada de su hija menor, Lupita Peckinpah.
Crítica
Conociendo a Sam Peckinpah desde su habitación
Hace ya 35 años que SamPeckinpah murió en Los Ángeles, después de dejar cintas como ‘Grupo Salvaje’, ‘La balada de Cable Hogue’ o ‘Perros de paja’. Y hemos podido ver el documental que Pedro González Bermúdez (‘Nostromo: el sueño imposible de David Lean’) ha creado para rescatar esta figura del cine de acción y del western.
El documental nos lleva a un viaje hacia Montana, exactamente hacia Livingston, una ciudad bastante estancada arquitectónicamente en el tiempo. Aquí pasó sus último días Sam Peckintpah y aquí nos vamos junto a su hija, LupitaPeckinpah para conocer la historia de este director.
La primera parada es en el Hotel Murray, aquí Sam vivió en una de sus habitaciones, que hoy en día lleva su nombre, Suite Sam Peckinpah, y es donde conocemos las primeras leyendas de este hombre. Su mal humor, sus paranoias por culpa de distintas adicciones…
Paseamos por las calles de la ciudad y vamos conociendo a distintas personas, ciudadanos que no conocen nada acerca de este director y jóvenes que sí, estudiantes de cine que nos muestran lo importante que fue Peckinpah. Pues muchas películas actuales beben de sus filmes y de sus recursos. Tanto las cámaras rápidas como las lentas, eran utilizadas en el cine de Sam para dar la sensación de acción real en las películas.
Lupita también nos va contando la vida de sus padres, como se conocieron y como vivieron una historia de amor eterna y distante. No voy a contar mucho acerca de esto pues merece la pena enterarse por la melodiosa voz de Lupita ya que es una bella historia.
El documental es muy ameno, no es el primero que veo de Pedro González Bermúdez y está claro que siempre se junta con los mejores. La película técnicamente es preciosa. Las imágenes, los reflejos, las luces, todo ello unido a una preciosa banda sonora hace que esta historia sea una delicia para todos los gustos.
Una de las cosas que más me ha gustado, han sido las distintas entrevistas que hemos podido ver. Sam Peckinpah era un hombre bastante complicado y se ve perfectamente como los periodistas le llegaban a tener bastante respeto e incluso temor.
No conocía nada acerca de este director y puedo decir que gracias a este documental no es que me hayan entrado ganas de ver su cine si no que también nos dan ganas de adentrarnos y conocer más acerca de la vida de este cineaseta adelantado a su tiempo.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de diciembre 2019. Título original: Peckinpah Suite. Duración: 65 min. País: España. Dirección: Pedro González Bermúdez. Guión: Pedro González Bermúdez, Lupita Peckinpah. Fotografía: Raúl Cadenas. Reparto principal: Lupita Peckinpah. Producción: TCM Distribución: TCM. Género: Documental. Web oficial:https://canaltcm.com/descubriendo-a-sam-peckinpah/
Hablamos con Julio César Sánchez, Paco Limón y Javier Albarrán
Estoy seguro de que muchas veces habréis oído o incluso dicho aquello de «no veo cine español» o «paso de españoladas». Pues muy mal porque no se puede generalizar y documentales como ‘Sesión Salvaje’ (crítica aquí) son una herramienta muy importante para que descubráis como dentro de la filmografía española se han trabajado géneros desde los mejores puntos de vista y con el mayor de los cariños o talento.
Los artífices principales de esta película que se estrena el día 13 de diciembre son Julio César Sánchez y Paco Limón. En la filmografía de Julio César Sánchez figura ‘La noche de la bestia’ película que escribió y que fue dirigida por Oscar Martín (‘Amigo’). Paco Limón ya había dirigido previamente una película relacionada con el género fantástico como ‘Doctor Infierno’ o trabajado en ‘Los resucitados’ donde pudimos ver caras conocidísimas como las de Paul Naschy, Antonio Mayans, Santiago Segura, Manuel Tallafé o Zoe Berriatua. Javier Albarrán por su parte es el autor de la cautivadora canción que podemos escuchar en este documental y si queréis la tenéis habilitada aquí.
A continuación tenéis disponible la entrevista que hemos podido disfrutar con estos cineastas en un lugar tan mítico como el café Ocho y Medio de Madrid. Una conversación en la que de un modo muy ameno hemos tocado temas muy interesantes y actuales.
Min. 00:59 «Es casi como una obligación de fan. Hemos crecido con estas películas, somos muy fan de estas películas. Muchas de ellas las hemos re-descubierto al buscarlas para documentación».
Min. 01:40 «Es un documental hecho desde el corazón y desde la sinceridad más absoluta. Ha surgido, es alucinante, parte desde un sentimiento muy auténtico que había que compartir».
Min.04:42 «Las películas de serie B españolas eran formalmente más en bruto que las italianas o el cine de explotación o el cine de serie B Inglés o Americano pero también un poquito más honestas o sinceras, tienen ese handicap de que no pueden contar ciertas cosas, tienen que camuflarlas o andar con dobles sentidos».
Min. 07:36 «La narrativa de la canción es describir esa sensación, esa épica doméstica de juntarse los colegas a ver las películas que habíamos pagado colectivamente y aguantar toda la noche a lo que diese».
Min. 08:48 «En la película hay un mensaje subliminal que es una llamada. Nos gustaría que la viese mucho público joven que no conoce estas películas. También nos han dicho que les han entrado ganas de ver estas películas y de hacer algo así o algo más libre».
Min. 10:44 «Quizás por ese afán de querer agradar a todo el mundo o de llegar a todo el mundo el cine es más impersonal».
Min. 17:37 «La colaboración de Enrique Cerezo ha sido imprescindible, sin él no habría documental. Consiguió que se involucrase nuestro productor Enrique López Lavigne. Enrique es incluso más fan que nosotros de estas películas».
Junto a él la directora Valeria Parisi y la guionista Sabina Fedeli
No es la primera vez que Jeremy Irons se enlaza con el arte del dibujo y la pintura en una película. Ha representado a varios personajes como el Alfred de Batman y ahora está en HBO con ‘Watchmen’. Pero lo que le ha traído a España tiene mucha más historia y solera pues se ha visto inmerso en los pasillos del Museo Nacional del Prado. El ganador del Oscar y el Globo de Oro ejerce de narrador del documental de la directora Valeria Parisi, ‘Pintores y reyes del Prado’.
Se está celebrando el 200 aniversario de la pinacoteca ubicada en Madrid y es por eso que a partir del próximo 9 de diciembre podremos ver en unos 200 cines de España este documental que quiere ensalzar su patrimonio. Para ello se usa como hilo conductor la historia tanto Española como Europea, las casas reales plasmadas en lienzos y las contiendas que los pintores reflejaron con sus pinceles. Pintores como Goya, Tiziano, Velázquez, Rubens, Mantegna, El Bosco o El Greco que son de diferentes nacionalidades, lo cual da muestra de la universalidad de este museo. Es por eso que la película ha sido y será estrenada en unos 60 países como Italia, Australia, Perú, Rusia, Canadá, Estados Unidos, Noruega o Paises Bajos, Reino Unido, Japón, Irlanda, Alemania y Austria. En el caso de España la distribuidora A Contracorriente Films enmarca este estreno en su programa de Los Grandes del Arte en el Cine, como es el caso de .
Irons ha estado en la presentación celebrada en las salas del Prado junto a la directora ValeriaParisi, la guionista Sabina Fedeli y el director del museo Miguel Falomir. La guionista ha dicho que este para ella es un museo íntimo, en el que ha sido una suerte rodar, sobre todo de noche. Para que llegue esta experiencia a gente de todo tipo hemos sabido que más de 5.000 escolares podrán visitar gratis las salas del Prado, esta es una iniciativa en la que toman partido los cines en cuyas carteleras figurará la película.
No es la primera vez que Jeremy Irons emplea su voz para contarnos una historia. En la versión original de ‘El rey león’ dio vida a Scar y ha participado en documentales como ‘The sultan and the saint’. Para él ha sido muy importante participar en este proyecto porque ofrece una perspectiva muy buena de un museo que tiene joyas excepcionales y obras maestras. Espera que despierte la curiosidad de mucha personas y de muchas edades. Por otro lado ha defendido el arte inglés. Podéis oír todas sus palabras en este vídeo.
También podéis ver a continuación las fotografías que hemos captado durante la jornada de presentación en el Museo del Prado y en los Cines Verdi. En el acto han estado presentes Valeria Parisi (directora y guionista), Sabina Fedeli (Guionista),Miguel Falomir (Director del Museo del Prado), Javier Sola (Presidente del Patronato del Museo del Prado), Jean-Michel Casa (embajador de Francia), Isabella Palumbo-Fossati Casa (esposa del Embajador e historiadora del arte), Olga Pericet (bailaora y coreógrafa), Laura García Lorca (presidenta Fundación García Lorca y sobrina del poeta), Marina Saura (actriz e hija del pintor Antonio Saura), Eduardo Naranjo, Teresa Sapey, Vladimir Cruz, Álvaro Morte, Pedro Pablo Isla y Elisa Mouliaá.
Fox Searchlight Pictures ha anunciado que ha adquirido los derechos mundiales de ‘Netxt goal wins’, la nueva película del director Taika Waititi (‘Lo que hacemos en las sombras’, ‘Jojo rabbit’). El rodaje empezó la semana pasada en Honolulu, Hawai. Waititi e Iain Morris han escrito el guión de ‘Netxt goal wins’ que está protagonizada por Michael Fassbender (‘X-Men: first class’) y Elisabeth Moss (‘El cuento de la criada’).
Waititi produce la cinta junto con Jonathan Cavendish y Garrett Basch, y Andy Serkis, Will Tennant y Kathryn Dean son los productores ejecutivos. Mike Brett y Steve Jamison, que dirigieron el documental de 2014 en el que se basa la película son los productores adicionales. La película será supervisada por los Presidentes de Producción de Cine y Televisión David Greenbaum y Matthew Greenfield, la Vicepresidenta Sénior de producción DanTram Nguyen y la Vicepresidenta de Producción Taylor Friedman.
‘Netxt goal wins’ cuenta la historia del equipo de fútbol de Samoa Americana que sufrió la peor derrota de la historia del Mundial perdiendo por 31 a 0 contra Australia en 2001. El Mundial de 2014 se aproxima y el equipo se la juega contratando a un entrenador poco ortodoxo (Fassbender) para intentar cambiar su suerte.
Completan el reparto Oscar Kightley (‘Las separadoras de parejas’), David Fane (‘The Barefoot Bandits’), Beulah Koale (‘Hawai 5.0’), Lehi Falepapalangi (‘Future Man’), Semu Filipo (‘Show of hands’), Uli Latukefu (‘Alien: covenant’), RachelHouse (‘Moana’) y la debutante Kaimana.
Waititi declaró «Acabo de empezar a rodar mi nueva película que se titula ‘Next goal wins’. Contamos con un reparto y un equipo técnico increíble y estoy encantado de volver a trabajar con la gente fantástica que hay en Fox Searchlight Pictures”.
“Taika tiene un talento descomunal y es un maestro a la hora de aportar honestidad y humanidad a cualquier historia. Estamos felices de volver a trabajar con él en una historia tan extraordinaria sobre la perseverancia para sobreponerse a la derrota. Ha reunido a un fabuloso grupo de actores, artistas y deportistas para dar vida a esta historia tan singular”, señalaron Greenbaum y Greenfield.
‘Netxt goal wins’ es una producción de Imaginarium, Defender, Garrett Basch para Fox Searchlight Pictures.
¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Descúbrelo en el insólito documental ‘Pirámides Murcianas’. Un recorrido por los lugares más enigmáticos de Murcia, tratando de dar respuesta a lo inexplicable.
Exponemos nuestro periplo sucedido en los lugares más enigmáticos de la Región de Murcia.
Barajando diferentes hipótesis, planteamos la posibilidad de la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo; atravesando el prisma de la traslación temporal, encontramos los lugares que dan pie a nuestra teoría.
Este documental está conducido por el investigador Miguel G. Díaz, quien recorriendo la Región, encuentra las localizaciones que demuestran la viabilidad de este planteamiento; cruzando unas veces la frontera de lo quimérico y explorando otras opciones que anteriormente podríamos considerar intransitables.
Asimismo, cuenta con la cooperación de expertos en materias diferentes, como son: Isabel de Farnesio, Liana Guadaño e Íñigo Rodríguez.
Sin dejar de lado el humor, Las Pirámides Murcianas nos sumergen en un universo nuevo, donde nada es lo que acostumbramos a ver y todo toma un nuevo significado.
Nuestra propuesta comienza a finales del verano de 2016 en el núcleo de dos formaciones de música electrónica que cuentan con un amplio bagaje en la escena de clubes y festivales: Substuff y Los Puzzle.
Nace con la intención de proyectar sus temas a una nueva dimensión, repleta de misticismo, proporcionando un reto intelectual para ellos, como es la creación de una obra cinematográfica de calidad.
Esta iniciativa crece a lo largo de los años sucesivos entre un equipo artístico de profesionales de la imagen y del sonido, que incorporan en cada pieza una porción de sí mismos, consiguiendo así que el espectador no quede indiferente.
Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros con esta experiencia.
Crítica
De pirámides murcianas con marcianos
Nacida realmente como una iniciativa para promocionar un álbum musical y surgida de la imaginación del director que mientras iba al trabajo vio una montaña con forma piramidal, se ha gestado ‘Pirámides murcianas’. Un documental de ficción con un inmenso sentido del humor y una forma de narrar tan descabellada como los argumentos que esgrime.
La banda sonora de ‘Pirámides murcianas’ realizada por formaciones de música electrónica podría formar parte de un space opera de los ochenta. Y precisamente al espacio nos lleva una y otra vez, pues como si de un documental del Canal Historia se tratase, alude una y otra vez a la mano de los extraterrestres para dar voz a este pasmoso descubrimiento que se llega a relacionar con el mismísimo origen del ser humano.
Nombres como los Anunnaki, los cartaginenses o los egipcios están entremezclados con los «alienígenas ancestrales» y los pachequeros en esta disparatada teoría que afirma que podría haber diferentes pirámides en la región de Murcia. Tapadas con el paso del tiempo por la naturaleza, degradadas por la acción minera del hombre estas pirámides permanecen ocultas a nuestra vista y a nuestra lógica. El documental expone un sin fin de explicaciones y razonamientos de lo más disparatados entorno a enclaves como el Cabezo Gordo. Para ello pone sobre la mesa datos o casos reales como las pirámides bosnias para después usarlas a su favor de un modo treméndamente hilarante, inventándose razonamientos o tirando de pseudociencia.
Un investigador vestido como un Coronel Tapioca de Decathlon interpretado por el mismo director Miguel Guirado nos va explicando sus hipótesis. En ‘Pirámides murcianas’ estamos rodeados de simulaciones y recreaciones generadas por ordenador, es como si estuviésemos viendo un programa de las primeras temporadas de Cuarto Milenio, sin necesidad de aludir o reírse de este tipo de periodismo. Os podría decir que esta es una historia donde te empiezas a creer lo increíble, pero es que es todo tan descabellado que se percibe su evidente carácter paródico.
Si tenéis ocasión de ver la película en algún pase especial y os ponen la escena eliminada (por motivos de calidad de audio) en la que aparece Gustavo Biosca (el cómico suicida) la disfrutaréis aún más. Y si se lanzan a hacer la segunda parte que ya barruntan sus creadores os prometemos que nos la vemos en maratón con esta primera.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de marzo de 2019 (festivales). Título original: Pirámides murcianas. Duración: 7 min. País: España. Dirección: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Guion: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Música: Igor Gayarre, Technebro, Substuff, Los Puzle, Dr. Nipples. Fotografía: Simón Escudero. Reparto principal: Miguel Guirado, Liana Guadaño, Isabel de Farnesio, Íñigo Rodríguez, Gustavo Biosca. Producción: Biterat, Substuff. Género: documental, comedia. Web oficial:http://substuff.es/piramides-murcianas/
Desde muy joven, Paco ha sufrido problemas de pulmón. A los 24 años padeció un serio problema que lo colocó a las puertas de la muerte. Los médicos informaron que no había muchas expectativas. Rosa, su hermana, le comentó entonces que había que resistir, que la vida era demasiado valiosa como para dejarla escapar. Se prometieron mutuamente que, a partir de ese año, celebrarían cada anualidad su fiesta de cumpleaños como un festejo por haber resistido un año más. Y así lo hicieron, ese año celebraron el 25º aniversario por todo lo alto y así han seguido hasta el día de hoy.
Paco falleció a los 54 años de edad en pleno rodaje del documental pero se pasó la vida resistiendo. Además de sus problemas de salud, se enfrentó a los repudios de un sistema por el solo hecho de tener un cromosoma más en el par 21. En este sentido, en el sistema actual, ha habido avances, no los suficientes y el debate aún sigue vigente, pero Paco ha tenido que sufrir en sus carnes los señalamientos a su persona durante muchos años, en un país que intentaba dejar atrás una dictadura. Resistir por ser advertido como…diferente.
Crítica
Un tierno tratamiento de una lucha contra las barreras
Año 19 del siglo XXI, España. Dentro de un país que se tiene como avanzado o del primer mundo hay que dar ejemplo y romper barreras para acabar con todos aquellos sesgos, tópicos y tabúes con los que hemos crecido, que hemos heredado y eso hay que admitirlo sin pelos en la lengua. Para crecer como sociedad hemos de normalizar determinadas situaciones que hoy en día se distinguen como raras o diferentes. Uno de esos casos es el de personas con síndrome de down y ‘Un año más’ destaca una lucha entre muchas otras para intentar acabar por fin con todos los obstáculos.
Paco convivía con su hermana y con una afección pulmonar. Su gran pasión era la música como la de Manolo Escobar y la pintura. Su estilo de dibujo limpio y cubista le valió varios premios y exposiciones incluso en el extranjero. Premios que ganó sin tener que dar lástima por su síndrome de down y que han hecho que se ganase el respeto de muchos.
Lo que nos cuenta la película es una historia de resistencia que Paco Bernal mantuvo hasta su muerte durante el rodaje de este mismo documental. Una lucha en la que junto a su hermana Rosa Bernal se enfrentó a prejuicios y dificultades físicas causadas por un adenocarcicoma producido cuando él tenía 24 años. Tras aquella enfermedad Paco y sus amigos celebraron cada cumpleaños por todo lo grande, así hasta los 54, fiesta que vemos cómo se vive y se prepara.
El mensaje al que da voz Julio Suárez me parece claro. El modo no me parece del todo correcto. Está bien que haya imágenes que filmen fotografías o vídeos caseros que nos muestren el carácter tan afable del pintor afincado en Denia. Pero el documental tiene demasiado relleno, hay escenas que están excesivamente alargadas, pero puedo entender que tal vez no se consiguió metraje suficiente.
‘Un año más’ me parece un sentido homenaje pero por encima de todo me parece un tratamiento de una persona adulta con síndrome de down rara vez había visto antes en cine. Una manera de inmortalizar una lucha de él y de aquellos que le acompañaron hasta tal modo que se elimine el estigma que sufren aquellos que son como Paco, que como decía el título del documental de ‘Campeones’, no son ni distintos ni diferentes.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Un año más. Duración: 73 min. País: España. Dirección: Julio Suárez. Guion: Julio Suárez. Fotografía: Aniol Pla-Gilbert Agüero. Reparto principal: Paco Bernal, Rosa Bernal, Angi Salazar, Jordi Mata, Carlos Muñoz. Producción: LGC Films. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/un-ano-mas/
Un libro que nos ofrece un viaje por el cuerpo humano
Hoy os podemos hablar del libro ‘Un viaje alucinante al interior del cuerpo humano’ que sale a la venta el 14 de noviembre yal que La Frontera VR (‘Through my eyes’) ha dotado de realidad virtual y realidad aumentada. Se trata de un espectacular recorrido por el interior del cuerpo humano que combina lectura, realidad virtual y realidad aumentada. El libro permite viajar a través de la médula ósea, los ganglios y vasos linfáticos, las arterias y el sistema nervioso porque la mejor manera de aprender algo es vivirlo en primera persona.
El papel y la tecnología se unen en un único formato demostrando que es posible que ambos mundos converjan y den lugar a una experiencia en la que el lector y usuario se sumerge en el fascinante universo del cuerpo humano.
La Frontera VR se ha encargado de desarrollar todos los contenidos en AR y VR de la app y casi todas las imágenes del libro, que permiten al lector adentrarse en el cuerpo humano y descubrir desde dentro los misterios que se esconden en nuestro cerebro y en el sistema inmunológico.
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
Conocemos mejor la figura del director de ‘El Cuervo’
Sergio Molina, director del Festival Nocturna Madrid, ha capitaneado la entrevista o clase magistral con el invitado principal de esta séptima edición celebrada en 2019. Alex Proyas ha repasado buena parte de su carrera, desde títulos como su primer largometraje ‘El Cuervo’ hasta aspectos de su última película ‘Dioses de Egipto’. Sobre todo destacamos lo que nos contó acerca de sus dos primeros largometrajes.
¿Cómo empezaste a hacer cine? Le preguntó Molina: «Siempre quise hacer películas. Empecé haciendo película en super 8 en casa de pequeño». El cineasta egipcio comenzó su carrera en el audiovisual muy relacionado con el mundo de la música. «Los videoclips fueron mi manera de llegar al cine, trabajaba en una compañía de Los Angeles con directores como Michael Bay o Fincher. Me lo pasaba muy bien pero fue el camino para llegar al cine. Kubrick es mi referencia, es mi director definitivo. También Tarkovsky, Buñuel o Hitchcock me parecen importantísimos para mí» nos contó.
Sobre la que se considera su obra maestra, su opera prima en cines a nivel mundial: «‘El Cuervo’ no la veo desde que la acabé porque es una experiencia muy dolorosa. No creo que sea mi película, sino la de La de Brandon (Lee), es su legado. Me vino su familia a pedir que la acabase y lo hice por él». Y por supuesto quisimos saber cómo arrancó ese proyecto: «Mi agente me mandaba mucho material. En Hollywood les gusta mucho explotar al talento joven. A mí me gusta que me exploten por entonces estaba encantado (risas). Lo que me llegaba era básicamente mierda y también me llego el comic con el guión de ‘El Cuervo’. El guión no me gusto pero por el contrario me pareció muy bonito el cómic. Escribí a mi agente para sugerir re-escribir el guión y pedí hacerla en blanco y negro. Me dijeron que si pero es obvio que no me dejaron hacerlo en blanco y negro».
Para Proyas «‘El Cuervo’ es como un musical sin que canten los actores. La música va con la acción. Usé mi experiencia en el mundo musical, para que grupos hiciesen covers. Uno era Joy Division pero no pudo ser porque uno de los miembros no quiso, no estaba de acuerdo. Hicimos casting, les mandamos el guión y escogimos a bandas como Nine Inch Nails. El álbum de la película fue muy exitoso. Se usan en las películas los Needle drops, algo que introducen durante unos segundos algunos directores para entusiasmar al público con música, pero en ‘El Cuervo’ no hicimos eso».
En Dark City se decía: «primero había oscuridad y luego llegaron los extraños», ¿define eso tu filmografía? le preguntó Molina: «Si creo que obviamente mi filmografía está inspirada en mi propia experiencia. Al principio hacia películas oscuras. Mi madre murió a mis 16 años, al principio no era capaz de entenderlo y eso con el tiempo he visto que ha impactado en mi filmografía, luego he evolucionado».
«Cuando se iba a vender ‘Dark City’ el tráiler estaba bien pero no contaba nada de la historia. Creo que hay que contar algo para enganchar a la gente. Mucha gente no entendió lo que estaba viendo, me la recortaron y no se estrenó la versión del director. Mucha gente e incluso los de marketing no la entendían. Ahora las películas se venden para hacerlas lo más accesible al publico pero realmente no te venden lo que plantean. No hace falta imaginación para vender las películas de ahora. Me parece muy buena por ejemplo la promo de ‘Alien’, con la frase «en el espacio nadie puede oír tus gritos», perfecta. Ahora hay una involución de Hollywood, ves a Thor en el cartel y ya sabes lo que vas a ver».
Para muchos ‘Dark City’ es un título indispensable del terror y la ciencia ficción. «‘Dark city’ vino de sueños, de mi imaginación. Por entonces tenía sueños recurrentes como los extraños que me venían por la noche a reordenar las cosas. Eso lo cambie como que vienen a cambiar la memoria y demás… Obviamente tiene muchas referencias de la literatura de ciencia ficción como Philip K. Dick o visuales como ‘Metropolis’ o ‘Akira'». «‘Dark City’, ‘El cuervo’ y ‘Señales del futuro’ están relacionadas entre ellas. Primero escribí ‘Dark city’, cuando trabajaba en videos musicales. Mientras estaba en ‘El Cuervo’ me vino la idea de los edificios en movimiento, no lo podía usar para esa película pero decidí hacerlo en la siguiente. Relaciono las películas pero cuando las hago no soy consciente de la relación personal que introduzco en ellas» añadió.
Por supuesto Alex Proyas nos habló de cómo es su proceso creativo. «Cuando escribo también dibujo. Suelo hacer incluso antes el dibujo, me ayuda a visualizar el producto. En ‘Dark City’ lo hice. Con ‘El Cuervo’ ya tenía el cómic, un cómic no se parece a una película por su narrativa. Creo que es por eso que le gustan tanto las películas de cómics a los productores, porque se lo dan todo mascadito y dibujadito» señaló.
También hubo momento para saber algo de la relación de Proyas con algunos famosos. «Tengo una historia escalofriante con Trent Reznor de NiN. Fui a su casa e impone porque es de esas casas de Hollywood que tiene puertas que se abren solas y luego tienes que conducir para llegar realmente a la casa… Tuve un dèjá vu inquietante y le pregunte ya que la casa me sonaba. Me dijo que era la casa donde Sharon Tare murió. Allí tenía montado su estudio de grabación. ¿Sentís miedo ahora?» se reía de la anécdota.
Las últimas películas de Proyas se alejan mucho de sus primeros títulos oscuros. «A veces es difícil contrastar películas luminosas con mundos oscuros. Me interesan mucho las historias oscuras, me gustan los finales oscuros, porque reflejan mejor la realidad, pero tampoco quiero finales depresivos. Ahora creo que estamos en un mundo oscuro pero creo que habrá esperanza para mejorar» concluyó.
Regalo por estar con Alex Proyas y pasar por la imaginación de Pupi Avati
Hemos comenzado el día de un modo magnífico estando acompañados de un director de cine tan famoso como Alex Proyas. En la masterclass que ha impartido en la Sala Berlanga nos ha hecho un repaso de su carrera comentando todo tipo de anécdotas y películas. Este ha sido el evento más destacado en un día en el que también se ha presentado en FNAC el cómic de ‘Knox’, que promociona la próxima película de Victor Matellano, la revista Cineficción y el libro Universal Monsters & Toys & Merchandising’.
Hoy las sensaciones han mejorado con respecto al primer día. Los cortometrajes siguen demostrando la buena salud de la que goza ese formato en España. En cuanto a los largos proyectados destacamos ‘El signor diávolo’ el filme de Pupi Avati. Como siempre, seguidamente tenéis mini-críticas de lo que hemos visto.
Cortometraje ‘La virgen descalza’
LoneFlemingFaerch escribe y dirige este corto de 17 minutos, en el que vemos a una joven en la noche anterior a su boda.
Emocionada recibe la visita inesperada de un extraño que hará que todo su mundo se tuerza. Con una puesta en escena muy cuidada, una dirección sencilla, la directora nos cuenta una pequeña historia de terror romántica un tanto excéntrica.
SergioMorcillo y SantiagoTaboada nos traen una historia corta sobre una situación que se podría dar perfectamente en la vida real. No voy a contar nada acerca de la historia, simplemente dejan ver como la gente de a pie miramos a otro lado cuando sucede algo malo delante de nuestras narices.
ItziarCastro, NachoGuerreros y LluviaRojo son los protagonistas de este corto.
La cinta nos cuenta desde el principio como fue el proceso para la creación de la historia y los monstruosos extraterrestres que nos han causado pesadillas y admiración.
Alexandre O. Phillippe recupera la figura del guionista de la cinta DanO’Bannon, que por lo que he visto al salir de la sala, no es nada conocido por los fans, recayendo toda la fama en RidleyScott. Nos enseñan como se le ocurrió la idea de Alien y como gracias al equipo que crearon entre Scott, Dan y H.R. Giger consiguieron crear a los xenomorfos y a los Space Jockey.
Al igual que en su anterior documental se centra en una de las escenas principales de la película, el cómo se hizo y con anécdotas del reparto.
Cortometraje ‘El fin de todas las cosas’
LucíaPollán y PaolaBontempi protagonizan este corto dirigido por NormaVila. Las nombro las primeras porque sin duda logran una química impresionante y demuestran lo mucho que se odian sus personajes.
Una historia de época en la que una muchacha no está nada tranquila con la mujer con la que le ha tocado vivir y una oscuridad se va apoderando de ella.
PupiAvati nos lleva a la Italia de los años 50 con una historia muy de cine negro donde un niño mata a uno de sus vecinos convencido de que era el Diablo. El Ministerio del Interior manda a un policía para intentar aclarar todo.
La película me ha sorprendido mucho, es cortita y va directamente al grano. Con una estética que claramente homenajea el cine de los años 70 y 80, la película tiene un tono bastante serio.
La trama detectivesca es muy buena, vas descubriendo toda la historia a través de los descubrimientos de Furio, que poco a poco se va adentrando cada vez en algo más oscuro y terrible.
En el reparto encontramos gente como GabrielLoGiudice, CesareCremonini, MassimoBonetti, LinoCapolicchio, todos ellos muy correctos y muy bien dirigidos.
Hoy hemos podido ver al ganador del Premio Brigadoon Paul Naschy en Sitges. En este corto dirigido por MarcMartínezJordán viajamos por el tiempo y conocemos a un extraño hombre disfrazado de zorro.
Muy entretenido y original, con una trama muy bien trabajada y llena de incógnitas. Sin duda merecido el premio en Sitges.
Las películas sobre amigos imaginarios son muy recurrentes en este tipo de festivales y más si están encerrados en casa grandes y con mucha oscuridad.
‘Z’ ha sido un gran descubrimiento, no esperaba apenas nada y la verdad que me he llevado un par de sustos y una buena historia de la que poder hablar.
Tenemos un buen ambiente, unas buenas actuaciones y sin duda un bicho bastante curioso muy estilo japonés, llega a recordar a los shinigami que vimos en la película de ‘Death Note’ (2006).
Unos padres comienzan a preocuparse cuando su inofensivo hijo de ocho años cambia completamente de actitud al tener un amigo imaginario. Eso sí, solo le saco un fallo y es que terminan por alargarla demasiado.
El año pasado se presentó este corto que forma parte de una campaña de Audi, la multinacional fabricante de coches. Me temía que la película fuese un carrusel de secuencias del vehículo que promociona pero no ha sido así, aunque el cuatro ruedas de la marca alemana goza de bastantes y buenos planos.
Kiké Maíllo (‘Toro’) es el artífice de esta película que mantiene la intriga de un modo muy inteligente, moviendonos por una trama imaginaria y una real. Juega muy bien con las ideas preconcebidas o el sesgo y desarrolla sus 8 dimensiones acorde a lo que debe ser una estructura narrativa, propia tanto de novelas como del lenguaje audiovisual.
Para ‘La octava dimensión’ ha contado con NajwaNimri, AlbertoAmmann, JavierPereira y Carlus Fàbrega. En la parte ficticia todos están muy naturales, pero en la real, la que sirve de narradora, Nimri se presenta más artificial interactuando además con unos alumnos que parecen más periodistas en rueda de prensa que estudiantes. Seguro que os va a pillar desprevenidos con su resolución.
Los referentes (presentes visualmente) de esta película son títulos como ‘Creature with the Atom Brain’, ‘Crying Freeman’ o ‘Nobunny’. Títulos claramente de serie B que rodean a una estrella del cine de ese género venida a menos que perdió a su hija. Esa actriz es Barbara Crampton conocidísima en el mundillo por el clásico ‘Re-animator’. Lo que no sabe su personaje es que su hija en cierto modo ha seguido los pasos de su personaje de la película de Stuart Gordon y ha vuelto a la vida.
Pero la joven renacida, interpretada por una Kayleigh Gilbert en modo emo, tiene poderes de control eléctrico y eso hace que lo que es un drama familiar se convierta en una película de muertes por despecho. El filme, obra de Julian Richards, transcurre con un pesado argumento melodramático que solo nos da algún que otro momento de sangre, bastante poco conseguido.
Tiene mucho sabor noventero, con intento de parecerse a películas aún más antiguas y lo único curioso es ver al final a Peter Bogdanovich.
A sus 73 años, Harley Russell vive de las propinas que recibe en su destartalado local de Erick (Oklahoma) con su espectáculo de músicos mediocres. Ángel Delgadillo, el último barbero de Seligman (Arizona), continúa afeitando a sus 91 años, a los conductores que se desvían de la carretera interestatal para visitar su pueblo. Lowell Davis, con más de 80 años, es el habitante número 1 de Red Oak II, (Missouri), un pueblo fantasma que él mismo se encargó de rehabilitar con la restauración de sus viejas casas. Tres historias de perseverancia y superación en la que una vez fue la carretera que conectaba los Estados Unidos de este a oeste. Tres supervivientes que consiguieron salvar la vida de la ruta más conocida de América.
4.000 kilómetros recorridos desde Chicago hasta Los Ángeles, dos semanas de viaje y tres protagonistas, Harley, Lowell y Angel, los «eternos olvidados de la Ruta 66».
Crítica
Un paseo por la historia de la Ruta 66
Si hoy en día le preguntas a cualquiera sobre la “Ruta 66” puede que no sepan exactamente lo que es pero podrán decirte que tiene algo que ver con una carretera muy famosa y los Estados Unidos. El archiconocido escudo con el número 66 grabado en él es ya un signo reconocible en cualquier parte del mundo (sobre todo el occidental) y del que muy poca gente sabe alguna parte de su historia.
En ‘Almost Ghosts’ se cuenta a través de los testimonios de sus tres ancianos protagonistas, Angel, Harley y Lowell, el auge, la muerte y la resurrección de esta ruta que atraviesa los Estados Unidos de este a oeste.
Una carretera que allá sobre los años 30 en sus inicios, con la gran recesión de fondo, tomó tal importancia al ser el camino que tomaron muchos estadounidenses para sobrevivir atravesando el país hacia California, que revitalizó los pueblos del interior que se encontraban en dicha ruta.
El documental nos repasa las vivencias de tres personajes singulares, y sin duda muy entrañables, cada cual con su historia. Todavía no he comentado que la responsable principal de esta obra es Ana Ramón Rubio, guionista y directora de esta producción española que ya ha ganado varios galardones.
Me gusta cómo ha enfocado el documental, dando más protagonismo a los tres personajes que a la propia historia en sí, y me ha parecido un gran trabajo.
Como no me gusta dar demasiados detalles por lo general, ni tampoco dar spoilers (eso nunca) en mis críticas de cine, y aunque este es un documental, voy a intentar hacer lo mismo.
Vais a conocer de la viva voz de sus personajes reales, todo lo que fue, dejó de ser y volvió a ser la famosa ruta 66 que a través de sus vivencias y explicaciones os resultará muy interesante. Es una historia de superación, lucha y arraigo por revivir una ruta que quedó en el más absoluto olvido, el único medio de subsistencia que tenían en medio de la nada.
La perseverancia de unos pocos hizo posible que este famoso recorrido sea el que es hoy en día. Yo personalmente he tenido la suerte de recorrer parte de la carretera antigua y pasar por el pueblo de uno de los protagonistas llamado Seligman. Y os digo una cosa, merece la pena ir y merecería la pena para mí volver a la carretera algún día y pasar un poco más de tiempo en aquellos pueblos que viven única y exclusivamente de la gente que está de paso. Una experiencia auténtica americana.
Lo bueno: Los tres abuelos contando sus vidas
Lo menos bueno: No saber más de otros pueblos de la ruta.
El detalle: En un momento del documental se nombra a “Las uvas de la ira” de John Steinbeck. Leer su obra o ver la gran adaptación al cine allá por los 40 con un gran Henry Fonda sería un complemento perfecto para poder comprender mejor el verdadero drama de fondo que subyace de esta historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: Almost Ghosts. Duración: 70 min. País: EE.UU., España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Don Joaquín. Fotografía: Carlos López, Celia Riera. Reparto principal: Harley Russell, Lowel Davis, Angel Delgadillo. Producción: Casi fantasmas. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/almost-ghosts/
‘Sesión Salvaje’ es un documental que recorre la época dorada del cine de géneros en España, desde los westerns rodados en Almería a las películas de terror, pasando por “el destape” y el denominado cine quinqui. Se trata de un homenaje de la actual generación de cineastas a los profesionales del cine de serie B en España.
Crítica
Un ejercicio de justicia cinematográfica, una instancia a un cine más libre y sesudo
Podemos decir que España lleva una buena cantidad de décadas realizando películas de todo tipo. Tal es el recorrido del séptimo arte en nuestro país que ha pasado por distintas fases y géneros: el western, el destape, el cine quinqui… En cada época se ha puesto de moda uno u otro tipo de largometrajes y el trabajo de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez así nos lo expone haciendo un trabajo de archivo encomiable.
‘Sesión Salvaje’ hace un repaso a todas aquellas películas que marcaron un antes y un después, que traspasaron fronteras y que hoy en día habrían caído en el olvido de no ser por el «público de culto». Para ello saca a la palestra nombres tan míticos como Paul Naschy, Eugenio Martín o Jesús Franco. Los pone en el lugar que merecen aportando, por supuesto, razones de peso para ello. ‘Sesión Salvaje’ hace justicia pues hace ver los logros de artistas que en su día lucharon contra la censura y la precariedad o que posteriormente se dedicaron a hacer un cine cerebral sin ataduras. Así se comprueba cuando vemos como abiertamente nos cuentan qué y cómo se hacía cine en otra época, sacándonos la sonrisa con su espontaneidad y sinceridad. Volvemos a tomar contacto con protagonistas como Lone Fleming, Jorge Grau, Mariano Ozores, Emilio Linder…
Cubre el abanico de la serie B española, ‘Sesión Salvaje’ está estructurada por diferentes géneros y épocas. Desde los momentos en que películas de terror realizadas aquí se consideraban Z o X hasta la época dorada de las películas del oeste. Esta no es solo una recopilación de películas y nombres, también es una apuesta por una filosofía de ver y hacer cine. Caras conocidas y actuales como Álex de la Iglesia, Paco Cabezas, Nacho Vigalondo, Enrique López Lavigne… abogan por un cine que no esté atado a exigencias comerciales que dicten nuestros gustos, que no sea tan abiertamente esclarecedor y nos haga darle más al coco. Con tono nostálgico se habla de la época en la que teníamos que buscar físicamente las películas y había una mayor ilusión por ver y compartir títulos ya clásicos. Hay añoranza por el arte alejada del producto que en su mayoría nos llega hoy en día.
Son 84 minutos que darían para días de metraje. Están bien condensados pero expuestos de un modo casi casero. Con cartelones que a veces van y vienen demasiado rápido o que cuesta leer, con un metraje algo atropellado pero con información siempre relevante. Me pone de los nervios estar en una película y que el resplandor de un móvil me ilumine como una luna llena en Noche de Walpurgis, pero os dejaría sacar el vuestro en los créditos de ‘Sesión Salvaje’ para que capturéis la lista de películas que aparece al final y que sirve como inigualable recomendación cinéfila.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre (festival de Sitges). 13 de diciembre cines. Título original: Sesión salvaje. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez. Guion: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez, Daniel Luis López. Fotografía: Ernesto Herrera. Reparto principal: Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas. Producción: Apache Films, FlixOlé, Mórbido Films, Mercury Films. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: www.sesionsalvaje.es
En el Mediterráneo, el mar sobre el que se fundó nuestra civilización, miles de refugiados aguardan a que Europa les acoja. A las puertas del viejo continente, luchan por mantener viva la esperanza a pesar de las precarias condiciones bajo las que subsisten. Varados se acerca a la vida cotidiana de esos refugiados de larga duración. En edificios ocupados en Atenas o en campos de refugiados repartidos por todo el país, estos hombres y mujeres siguen a la espera de una documentación que les permita continuar con sus vidas.
Crítica
Una crítica social llena de humanidad y esperanza
Este viernes llega a nuestras salas ‘Varados’ el documental de HelenaTaberna, directora de ‘Yoyes’, que ha sido el encargado de abrir la sección de Zinemaldía de la 67ºedición del FestivaldeSanSebastián.
Conocemos la vida de varias familias separadas por la guerra, jóvenes con grandes sueños e ilusiones, personas que han perdido la esperanza de tener una vida mejor en Europa, pero no quita para que lo den todo para ayudar a las personas que tiene a su alrededor y hacerles la vida un poco más fácil.
Muy bien documentado, ‘Varados ‘ nos muestra lo bueno y lo malo de estos campos. La tristeza que tienen muchas de las personas y familias que allí habitan. Cómo juntos, poco a poco van recobrando la esperanza.
Personas que no son de la misma religión se unen para darse ánimos, cuando irónicamente la mayoría están huyendo exactamente de eso, de las guerras por la religión.
Es una lástima conocer tantos casos de gente que lo único que quiere es tener una oportunidad de tener una vida sencilla. Aunque el documental me ha parecido un poco repetitivo en su forma, no quiere decir que sea malo, y como he dicho es necesario verlo y conocer todas estas situaciones y sobre todo saber el porqué están allí.
Una de las historias que conocemos es la de Jamal, un hombre enamorado del deporte, sobre todo del boxeo y que se encarga de ayudar a otros refugiados entrenar y además cuidar de la gente con la que vive, con la limpieza, la cocina y se vuelca en la gente mayor.
Mohammad otro de los refugiados, vive con su sobrino y que pese a su movilidad reducida sale siempre con ánimo a la calle para seguir avanzando con algo de esperanza para poder ver de nuevo a su mujer e hijas, las cuales siguen en Siria.
Helena Taberna nos trae la crisis de los refugiados de una manera muy sencilla, en la que los protagonistas nos cuentan sus vidas en los campos, sin entrevistas, simplemente mostrándonos su día a día.
Me ha gustado que tampoco intenta hacernos llorar, simplemente humaniza toda esta situación, no hay política, hay seres humanos con mucha esperanza esperando su oportunidad.
También el gran trabajo de FrodoGarcía–Conde, director de fotografía de la película, es muy bueno y podemos ver el gran protagonista de la cinta, el Mediterráneo que deben pasar todos estos refugiados, ese mar que se ha tragado tantas vidas.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre de 2019. Título original: Varados. Duración: 72 min. País: España.Dirección: Helena Taberna. Guión: Helena Taberna. Música: Ignacio Bilbao. Fotografía: Frodo García-Conde. Producción: Lamia. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Documental. Web oficial:https://www.lamiaproducciones.com/pelicula/varados/
Magnate. Visionario. Genio. Harvey Weinstein era el titán de Hollywood hasta que sus víctimas hablaron y el movimiento #MeToo amplificó sus denuncias a lo largo y ancho del mundo. Acosador. Abusador. Violador. Chantajista. Ahora sabemos lo que presuntamente es y su modus operandi.
Crítica
Intocable se creía cuando intocable lo somos tod@s
Siempre que se piensa en la concepción de un documental se estudia su importancia, relevancia o necesidad. En el caso de ‘Untouchable’ es innegable que su valor educativo e informativo es grande. Malo sería que el caso de Harvey Weinstein no sea conocido por la inmensa mayoría de la población gracias a movimientos como el #MeToo y me preocuparía que a estas alturas este documental tenga que llegar para abrir los ojos a muchas personas. Espero que ‘Untouchable’ sirva más bien para revelar que lo que supuestamente sucede con este individuo es algo que puede estar pasando en otros ámbitos, que puede llegar incluso a ser sistémico.
La mecánica de la película es sencilla. Imágenes de archivo mezcladas con entrevistas. Y los testimonios de las entrevistadas son demoledores. Yo no voy a ser más papista que el papa hablando por ellas, lo suyo es dejar que veáis el documental y sintáis por vosotros mismos lo que os cuentan, lo cierto es que las experiencias que dicen que han vivido repugnan. Me cuesta digerir que no estén ante la cámara actrices como Gwyneth Paltrow, Ashley Judd, Cara Delevingne, Angelina Jolie… Me gustaría saber por qué aunque con o sin ellas el abanico de historias que presenta ‘Untouchable’ es grande y contundente.
Por otro lado la directora Ursula Macfarlane ha dedicado una parte del largometraje a contar la historia de los hermanos Weinstein. Desde que empezaron humildemente en el Queens de Nueva York hasta que fundaron Miramax y The Weinstein Company convirtiéndose en unos expertos en ganar Oscars. Nos explica su mecánica empresarial y su criterio cinematográfico, cómo elegían los títulos que producían. Pero todo ello para intentar demostrar que la cosa viene de lejos, que lo de Harvey, el mayor de los Weinstein, es algo patológico, hablando en presente porque aún está libre y con juicios a punto de celebrarse.
También es muy loable que el documental muestre la otra cara de la moneda. Esa que está muy relacionada con el título del filme. Harvey Weinstein era intocable por el negocio que movía. Alimentaba miles de bocas con todo lo que orbitaba a su alrededor, con las estrellas que creaba, con los Oscars que ganaba. Estaba protegido o no convenía que cayese. ‘Untouchable’ habla de aquellos y aquellas que de un modo u otro consiguieron éxito o prosperar relacionándose con los Weinstein. Desde los empleados de sus empresas, cómplices silenciosos en muchas ocasiones, pasando por grandes intérpretes hasta empresas como Disney que se lucró con la compra de Miramax trabajando codo con codo con los hermanos neoyorkinos.
Hay que admitir que ‘Untouchable’ cojea en algunas declaraciones. No se puede hablar de un incidente rodeado de fotógrafos y luego no aportar ninguna foto de ello. Eso puede hablar de la invulnerabilidad del magnate del cine pero le resta fuerza a los argumentos presentados. De igual modo que usar la argucia de entremezclar fotografías de Weinstein con cara de villano mientras hablan sus víctimas, es un truco que no le hace falta a esta historia que de entrada ya la sentimos como bastante deleznable.
Erika Rosenbaum cita una frase de Chris Pine en ‘Wonder Woman’: “Mi padre una vez me dijo: “Si ves que algo malo pasa en el mundo, puedes no hacer nada, o hacer algo al respecto”. Ya he tratado lo de no hacer nada”. Quedarse de brazos cruzados solo ayuda al infame, no contribuye a solucionar posibles injusticias. Esa es otra circunstancia que abarca ‘Untouchable’ para intentar comprender cómo presuntamente puede haber hecho esto de lo que se le acusa durante tanto tiempo. Hay varios factores más a tener en cuenta como el dinero, la falta de amor propio, el poder, el miedo, la voracidad de la industria… que ‘Untouchable’ pone sobre la mesa. Por supuesto que este documento es unilateral, no esperéis que os aporte pruebas o argumentos de parte del bando acusado, porque tampoco ha molestado nunca en presentarlas públicamente. El periodista Ronan Farrow tiene a bien indicar que él seguirá en busca de casos similares, pero puntualizando algo muy importante, con buenas fuentes. El problema no termina con multar o encerrar a un individuo, si no con diagnosticar y curar a todo el colectivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de septiembre de 2019. Título original: Untouchable. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Ursula Macfarlane. Música: Anne Nikitin. Fotografía: Neil Harvey, Amza Moglan, Patrick Smith. Reparto principal: Rosana Arquete, Paz de la Huerta, Abby Ex, Mark Gill, Ronan Farrow, Hope Exiner D’Amore, Caitlin Dulany, Louise Godbold, Nannete Klatt, Erika Rosenbaum, John Schmidt, Harvey Weinstein. Producción: Media Finance Capital. Distribución: Vértice Cine. Género: documental. Web oficial:http://www.mediafinancecapital.com/portfolio/untouchable/
‘Untouchable’ nos muestra un Hollywood muy corrupto
De la mano de Vértice Cine llega el 6 de septiembre el documental sobre el escándalo sexual que ha llevado a Harvey Weinstein ante los tribunales. Los productores Simon Chinn, Jonathan Chinn y Poppy Dixon han confiado la dirección de la película a Ursula Macfarlane (‘One Deadly Weekend in America‘).
En la cinta vemos distintas experiencias de las presuntas víctimas como Rosanna Arquette o Paz de la Huerta. El relato lo completa el testimonio de personas muy cercanas al productor, de ex compañeros de The Weinstein Company, como AbbyEx o de Miramax, como el presidente Mark Gill. El hilo conductor es la investigación llevada a cabo por algunos de los profesionales que han destapado este caso, como el periodista Ronan Farrow.
Aquí os dejamos el tráiler en VO con subtítulos en castellano y el cartel de la cinta.
Sinopsis:
Magnate. Visionado. Genio. Harvey Weinstein era el titán de Hollywood hasta que sus víctimas hablaron y el movimiento #MeToo amplificó sus denuncias a lo largo y ancho del mundo. Acosador. Abusador . Violador. Chantajista. Ahora sabemos lo que supuestamente es y su modus operandi.
‘Untouchable’ es un testimonio sincero, y por momentos doloroso, sobre sus métodos y los daños colaterales, relatado a través de sus víctimas, de sus ex compañeros de trabajo, de universidad, amigos de la infancia, periodistas… Sus declaraciones revelan cómo el magnate adquiere y consolida su poder durante décadas. Muchos de ellos hablan de esto ante una cámara por primera vez.
Un viaje fascinante por la vida, la obra y los lugares de uno de los mayores cineastas de todos los tiempos. Gracias a la recuperación de su archivo personal y nunca antes visto, este documental nos descubrirá a Orson Welles, el hombre detrás del genio, como nunca antes lo habíamos conocido: a través de sus propios ojos.
Crítica
El artista llamado Orson Welles
A través de una carta escrita para el director, Mark Cousins se nos muestra la vida de OrsonWelles desde pequeño, donde comenzó a pintar a una temprana edad. A partir de sus bocetos y dibujos vamos desentrañando toda su historia y cómo llegó a ser uno ser los mejores cineastas de la historia.
El documental, aunque muy curioso, es bastante aburrido, la narración se hace pesada y termina siendo muy poco cinematográfico.
Sí que me ha sorprendido la cantidad de material al que ha podido acceder Mark Cousins, director de la cinta. Los bocetos me parecen una maravilla y se va viendo cómo va cambiando su estilo poco a poco.
Todas sus ideas están metidas en grandes cajas de cartón ya sea en bibliotecas o en casa de su hija, a la que también escuchamos en este documental y nos cuenta muchos detalles de su vida personal y acerca de cuándo dibujó alguna de sus pinturas.
Aunque como digo, me ha parecido poco cinematográfico, si que vemos partes de su filmografía, ‘CiudadanoKane’, ‘El Proceso’, su ‘Don Quijote’ y muchas más.
Una de las cosas que más nervioso pone, o al menos a mí y varios compañeros, es la fotografía del director de fondo, la que podéis ver en este artículo, y es que durante los 110 minutos que dura la cinta aparece infinidad de veces, es un recurso demasiado repetitivo que utiliza Cousins para demostrarnos que Orson le está escuchando.
Está dividido en tres partes, Peón, donde nos habla de la política que Welles seguía. Caballo, aquí conocemos a los grandes amores de Orson Welles y Rey aquí nos muestra el interés del director por temas como el poder, la corrupción y también sobre la épica. Para terminar nos dejan un pequeño epílogo denominado Bufón en el que vemos una pequeña intervención del propio Welles.
Si que es cierto que con esta cinta conoces ciertos temas que muchos seguro ignorabais, para mi descubrir su pasión por la pintura ha sido algo maravilloso y el poder ver muchas de sus obras creo que es un verdadero regalo, pero el gran problema de ‘La mirada de Orson Welles’ es la narración que nos da Mark Cousins, demasiado monótona y plana.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de julio. Título original: The Eyes of Orson Welles. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Mark Cousins. Guión: Mark Cousins. Música: Matt Regan. Fotografía: Mark Cousins. Reparto principal: Mark Cousins, Beatrice Welles. Producción: BBC, Filmstruck. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1001/la-mirada-de-orson-welles/
Un retrato en profundidad de la vida y la obra del gran Ingmar Bergman, que explora su legado cinematográfico a través de entrevistas con sus colaboradores más cercanos, tanto delante como detrás de las cámaras, así como con una nueva generación de cineastas que reconocen su influencia.
Crítica
Luces y sombras sobre Bergman
El año pasado se celebró el centenario del nacimiento de Ingmar Bergman y con ello pudimos ver varios repositorios de sus películas e incluso algún que otro nuevo documental sobre su obra como ‘Bergman, su gran año‘.
Hoy os hablo de ‘Entendiendo a Ingmar Bergman‘ que llega a los cines este 19 de julio, dentro de este homenaje al autor y además dentro de la programación de Visiones de cine, una serie compuesta por seis películas documentales, entre ellas ya os hemos hablado de ‘An accidental studio‘ las cuales estarán durante una semana en las salas de cine.
Margarethe von Trotta, directora y guionistas de películas como ‘Las hermanas alemanas‘ es la responsable junto a Felix Moeller de este documental sobre el director de cine. La directora hace de narradora y a la vez investigadora, nos lleva por los diferentes lugares importantes para el director y también nos presenta a las personas que más influyeron en él.
La cinta tiene un ritmo bastante lento, eso sí, sin pausa. Conocemos las experiencias de Liv Ullmann, Mia Hansen Love, Carlos Saura junto a Ingmar y también algún que otro de sus hijos por no nombrar a todas las personalidades que vemos en el documental. Nos cuentan cosas muy interesantes y curiosas del director que hacen que el interés vaya creciendo sobre la figura de Bergman.
Dejan claro que Ingmar era una persona bastante complicada, no solo como director, sino en general era un hombre muy difícil que vivía para su trabajo. En una de las entrevistas a uno de sus hijos, comenta que una vez jubilado el director les decía lo mucho que echaba de menos a sus actores y actrices, pero ves como a su familia poco caso le hacía.
También vemos escenas de varias de sus películas, como el ‘El séptimo sello‘, ‘Persona’, ‘La hora del lobo‘ o ‘Fresas salvajes‘, entre otras muchas, Margarete von Trotta nos la va comentando y explicando. Como por ejemplo, la manera de trabajar del director, el cual en una de las entrevistas nos enteramos que no le gustaba nada corregir a sus actores y en el momento que lo hacían mal reñía a sus técnicos.
Además uno de los detalles que más pueden gustar son las lecturas de alguno de sus diarios y el descubrimiento de algún guión que puede sorprender bastante. Está claro que los directores han realizado un gran trabajo de investigación y búsqueda para poder darnos este bonito documental.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de julio. Título original: Ingmar Bergman – Vermächtnis eines Jahrhundertgenies. Duración: 109 min. País: Alemania y Francia. Dirección: Margarethe von Trotta, Felix Moeller. Guión: Margarethe von Trotta, Felix Moeller. Fotografía: Börres Weifenbach. Reparto principal: Liv Ullmann, Olivier Assayas, Mia Hansen-Løve, Carlos Saura, Jean-Claude Carrière. Producción: C-Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1000/entendiendo-a-ingmar-bergman/
A través de material exclusivo en 70 mm facilitado por la NASA y filmado hasta en 8K para la producción de esta película, descubre una visión hasta ahora inédita, de la misión Apolo 11 que llevó justo hace 50 años al ser humano a la luna. Una gesta épica que unió a la humanidad.
Crítica
Documental con imágenes restauradas en el 50 aniversario de la misión
Se cumplen 50 años de la misión Apolo 11, aquella que llevó a Armstrong, Collins y Aldrin al espacio y los colocó como los primeros seres humanos en situarse en la Luna. Se cumple ese redondo aniversario ahora que llevamos en nuestros bolsillos dispositivos con una capacidad de procesar 100.000 veces superior a la de los ordenadores que por entonces tenía la NASA. Ya lo predijo la ley de Moore, que la tecnología iba a avanzar a pasos agigantados, dicho grosso modo. Y gracias a ese gran progreso ahora podemos ver con mucha mejor calidad las imágenes de aquellos días.
He de decir que para como se promociona el documental esperaba ver una restauración del material original con aún mejor resultado. Pero hay que ser conscientes que las imágenes captadas en la época tampoco dan para más. Estamos tan acostumbrados a ver las grabaciones de la llegada a la Luna y de los astronautas paseando por ella en blanco y negro o emborronadas que ya nos parece algo tremendamente cotidiano. El verlo todo con mucha mejor definición ayuda a tener un concepto de todo que nos deja un sabor a proeza mucho más moderna, un logro como muchos aún no hemos vivido o no viviremos nunca.
El documental narra de cabo a rabo toda la misión usando solo imágenes reales, de manera lineal y sin necesidad de narrador, sin caer además en americanadas. Emplea únicamente audios y vídeos originales restaurados para contarnos cómo se fabricó y remolcó el cohete, cómo se preparó a los astronautas, cuál era la expectación de público, qué tal fue el lanzamiento, como se vivieron todas y cada una de las fases de separación de los módulos, la manera en que se alunizó, el famoso paseo por la luna y los pormenores del regreso a la Tierra. Únicamente se han introducido unas simulaciones que nos explican en qué momento de la misión nos encontramos y muestran de manera muy gráfica el funcionamiento del cohete Saturno V, el módulo Columbia o el módulo lunar Eagle.
El documento de noventa minutos es una buena oportunidad para recordar a aquellos que lo vivieron en directo ese gran momento y además descubrir algunos detalles nuevos. Si en cambio nunca se ha visto toda la aventura del Apolo 11 esta será una buena experiencia que además la música de Matt Morton ayudará a intensificar. En el caso de los conspiranoicos que mantienen que el hombre no pisó nuestro satélite dudo que les haga cambiar de opinión.
Como anécdota hay que contar que la película solo estará en cines del 16 al 20 de julio, coincidiendo con el periodo que tardó la misión en despegar de la Tierra al llegar a la Luna.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de julio de 2019. Título original: Apollo 11. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Douglas Miller. Guion: Todd Douglas Miller. Música: Matt Morton. Fotografía: Adam Holender. Reparto principal (documental): Neil Armstrong, Buzz Aldrin, Michael Collins, Charles Duke, Richard Nixon… Producción: CNN Films, Statement Pictures. Distribución: A Contracorriente Films, Rising Alternative. Género: documental. Web oficial:https://www.apollo11movie.com/
Documental sobre HandMade Films, la productora brítánica independiente fundada por George Harrison. «La vida de Brian», la mítica película de Monthy Python de 1975, fue el trampolín para la aventura cinematográfica de Harrison, con lo que el ex Beaatle llegaría a producir otros títulos de culto, como «Los héroes del tiempo», de Terry Gilliam, «Withnail & I», de Bruce Robinson, o «Mona Lisa», de Neil Jordan.
Crítica
‘An accidental studio’ desentraña con mucha riqueza una buena parte de la historia del cine británico
¿Sabéis qué une a los Monty Python y a uno de los Beatles? No, no es solo el haber nacido en las islas británicas. Es el haber trabajado juntos a través de uno de los estudios de cine más arriesgados que ha conocido la industria cinematográfica del Reino Unido. HandMade Films fue la compañía que en su día apostó por ‘La vida de Brian’ cuando su productora original (EMI Films) y otras muchas la rechazaron por considerarla blasfema. Esta empresa fue fundada expresamente para sufragar ese filme y la idea surgió del Beatle George Harrison que era muy fan de los comediantes y no quería que la película quedase sin rodarse. A si es que al final aquel que perteneció al grupo del que siempre se dijo que fue más conocido que el propio Jesús sacó adelante la que es considerada una de las mejores comedias del cine. ¡El músico llegó a hipotecar su casa y su oficina de Londres para hacer esa obra de arte realidad!
De ahí en adelante Harrison, con la ayuda del cofundador Denis O’Brien, comenzó a acoger proyectos que nadie quería sacar adelante. HandMade Films se convirtió en garantía de propuesta diferente y arriesgada. ‘An accidental studio’ es un documental realizado por KimLeggatt, BillJones y BenTimlett. Ellos ya habían documentado la historia de los Monty Python y hablar de HandMade Films en parte es hablar del grupo de cómicos, pero ahora van más allá pues no solo tratan rodajes como los de ‘La vida de Brian’ o ‘Los héroes del tiempo’. En ‘An accidental studio’ descubriréis que el estudio de Harrison se la jugó por películas como ‘El largo Viernes Santo’, ‘Mona Lisa’, ‘Water’, ‘Withnail’, ‘Loca juerga tropical’ o ‘Monjas a la carrera’.
Hay muchas notas de humor y autocrítica en este documento. ¿Qué esperabais en una película en la que hay entrevistas y extractos de rodajes de los Monty Python? Incluso Harrison se tomaba con guasa que le criticasen por arriesgarse a la bancarrota con películas como las que estrenaba. ‘An accidental studio’ nos ofrece momentos inéditos, palabras recuperadas de archivos que nos aportan una faceta poco conocida de Harrison y del cine británico, que sin embargo si nos es familiar por los filmes que hemos descubierto en VHS o en universidades.
Os va a sorprender encontraros con una película en la que confluyeron Sean Penn y Madona, de la época en la que salían juntos. ‘Shanghai Surprise’ le valió un Razzie a Madona y merece la pena que conozcáis los entresijos de su rodaje. Así como de los de ‘Loca juerga tropical’ que tenía una escena en la que músicos como Harrison, Ringo Star, Eric Clapton, Ray Cooper, MikeMoran o Chris Stainton daban un concierto en plenas Naciones Unidas. Según su director reconocía a los fumadores de marihuana porque le hablaban bien de su película.
HandMade Films ganó muchos premios y también escogió bastantes malas decisiones empresariales. Fue una empresa llevada con el corazón muy diferente a las majors que controlan el panorama actual. De ahí que haya melancolía al recordar su nombre y su época. Su ideal era casi bohemio y si indagáis entre sus títulos seguro que le tenéis que agradecer más de uno, como bien nos animan a hacer al final del documental donde cada entrevistado nos comenta su título favorito del estudio. ¿Cuál es el vuestro?
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: An accidental studio. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Kim Leggatt, Bill Jones, Ben Timlett. Música: John Greswell, Andy Mellon. Fotografía: Brendan McGinty. Reparto principal: George Harrison, Ray Cooper, Michael Palin, Terry Gilliam, Dick Clement, Ralph Brown, Richard e Grant, Neil Jordan, Bruce Robinson, Brenda Vaccaro, Cathy Tyson, Steve Abbot, George Ayoub, Ian La Frenais, Julian Doyle, Terry Ilyott, Barry Keefe, A Martinez, Richard Loncraine, David Leland, Jonathan Lynn, Jonathan Wacks, Ernest Vincze, Stephen Wooley, Bob Hoskins, Michael Caine, Helen Mirren, Eric Idle, John Cleese, Bill Connoly, Terry Jones, John MacKenzie, Denis O’Brien. Producción: Bill and Ben Productions, George Made Films, Propellor. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/999/an-accidental-studio/
‘Rembrandt’ explora cada una de las obras clave de la exposición, a través de contribuciones de invitados especiales. La historia de un hombre que supo empatizar con la condición humana a través de sus pinturas y, por ello, se le considera como uno de los grandes profetas de la civilización. Para muchos, Rembrandt es el mejor artista que haya existido y esta película busca explorar la verdad sobre el hombre detrás de la leyenda.
El documental dirigido por Kat Mansoor, nos lleva a una de las exposiciones más importantes que se ha realizado sobre el autor, «Rembrandt: Obra tardía» en el National Gallery de Londres y en el Rijksmuseum de Amsterdam. Durante el recorrido de la exposición vamos conociendo a este artista con un gran talento para la pintura y con un gran talento hacia los retratos.
El documental me ha resultado muy ameno e interesante. Aprendes mucho sobre el artista, ya sea su trabajo como también su vida personal. Pero ahí más, también vemos un poquito la manera de construir una exposición de arte. Quizás no sea para todos los públicos, pues más que una biografía, se centra bastante en su manera de pintar y de como lograba crear sus famosos retratos.
Rembrandt aprovechó su vida hasta el final, aunque tuvo un bache final que hizo perder muchas de sus pertenencias.
En el documental vamos viendo las distintas piezas de la exposición, como pinturas, grabados e incluso algunos bocetos que nos demuestran que no solo pintaba por dinero, sino que también en sus ratos libres dedicaba sus horas a bosquejar su vida privada.
En una de los temas en los que se centra este documento es en la manera de trabajar que tenía el pintor con el material, es decir, no solo pintaba, no, si no que arañaba el cuadro para darle más realismo y detalle a cualquier objeto, e incluso llegaba a pintar con la espátula para darle textura a la pintura.
Era un artista muy experimental y está claro que otra de las características que tenía era su gusto por los autorretratos, en la actualidad Rembrandt bien podría ser un gran Instagramer, su manera de reflejar el paso del tiempo en sus autorretratos me parece maravilloso, pero no solo el paso del tiempo, si no sus etapas. En mucho cuadros se le ve lleno de vida, orgullo e incluso en alguno hasta muy altivo. En cambio, otros en los que vemos sus ojos acuosos o su piel estropeada por el paso del tiempo. Es un trabajo estupendo de ver.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 y 2 de julio. Título original: Rembrandt. Durarción: 97 min. País:Dirección: Kat Mansoor. Música: Nikky French. Fotografía: Robin Fox. Producción: Phhil Grabsky. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial: https://www.temporadadearte.com/
‘Danzantes’ es un documental sobre el mundo de la danza tratado desde una visión transversal e internacional, donde tienen cabida diferentes estilos y personajes (flamenco, clásica, contemporánea, hip-hop…). Con un tratamiento en igualdad de condiciones: desde una compañía de bailarines con Síndrome de Down al director de la Compañía Nacional de Danza, desde un grupo de niños de extrarradio bailando hip-hop hasta la primera bailarina del Ballet de Finlandia.
El largometraje está grabado en múltiples localizaciones, entre ellas España, Italia, México, Japón, Estados Unidos, Brasil, Finlandia… y cuenta con la participación de coreógrafos y colaboradores reconocidos de la creación de danza actual, entre ellos Compañía Nacional de Danza (ES), Factoria Echegaray (ES), Ballet Nacional de España (ES), Fundación Pina Bausch (DM), Danza Down Cía Elías Lafuente (ES)… Entre los compositores, Ramón Paus, Alejandro Román, Juanjo Talavera, Fernando Lázaro, Adrián Pertout, Juan Ant. Mata, Selenite, Odin Kaban, etc. Y la dirección artística de Cristina Masson, Premio «100 Latinos» del Ayto. de Madrid por su trayectoria, directora de EnClaveDanza y Académica de las AAEE.
‘Danzantes’ realiza un recorrido por el mundo de la danza que es al mismo tiempo, espacial, estilístico y emocional. Para tratar de abarcar los múltiples significados del propio acto de danzar y de sus personajes. No hay límites para la danza, sus expresiones y sus aplicaciones. ‘Danzantes’ acaba siendo también un ejemplo de mezcla de estilos entre el documental y el cine musical.
Juan Vicente Chuliá, director de ‘Danzantes’, ha centrado sus esfuerzos en el documental cultural y artístico. Sus dos primeros largometrajes ‘Temperado’ y ‘El proceso’ exploraron el mundo de la música contemporánea. Con su tercer documental amplía su lenguaje para explorar el mundo de la danza con diferentes aproximaciones estilísticas y formales, adaptándose a cada estilo.
El documental será estrenado el próximo 2 de julio en la Sala Azcona de Cineteca Matadero.
Ídolo de masas, campeón del mundo, drogadicto, Dios, tramposo, pichichi, portento, mentiroso… Muchos son los nombres y adjetivos que ha recibido Maradona. Ahora le corresponde a Asif Kapadia, ganador del Oscar a Mejor Documental por ‘Amy’, retratar al exjugador de fútbol con su documental. La figura de Diego Armando Maradona vuele a las carteleras a partir del próximo 11 de julio. Diego Maradona es una película que tiene cierta expectación y por eso su distribuidora Avalon, ha puesto de manera anticipada la venta de entradas (clic aquí).
Artista en el terreno de juego y amada figura fuera de él. Maradona habría llegado donde hubiera querido pero las cosas se torcieron rápidamente. Con más de 500 horas de metraje inédito sobre la carrera y la vida del aclamado futbolista, este largometraje de Asif Kapadia nos mostrará las luces y sombras de una de los jugadores más importantes de la historia del fútbol.
Netflix nos devuelve a la infancia a partir del 10 de julio
Hace poco os hablábamos del estreno de este documental de Netflix y hoy el servicio de entretenimiento por Internet líder en el mundo, ha compartido el tráiler de ‘Parchís: El documental‘. El documental se podrá ver a nivel mundial el próximo 10 de julio solo en Netflix. El documental busca las respuestas desde el testimonio directo de sus componentes, así como de otras personas que participaron activamente en la construcción y desarrollo de su carrera.
Con ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que aún resuenan en la cabeza de una generación, descubriremos cómo lo vivieron desde dentro sus protagonistas.
‘Parchís: El documental’ reúne de nuevo a Yolanda, Tino, David, Gemma y Frank, los cuales vuelven a ponerse delante de las cámaras 40 años después para hablar de como fue aquella época de su vida, la repercusión que tuvo y cómo evalúan su éxito de aquellos años.
Sinopsis:
Parchís fue algo más que el grupo infantil más popular en España entre 1979 y 1985. El suyo fue un auténtico fenómeno, cuyo éxito se tradujo en ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que todavía hoy siguen enganchando a las nuevas generaciones. Pero, ¿cómo lo experimentaron desde dentro sus protagonistas? ¿Cómo vivieron el paso de la niñez a la adolescencia y a la vida adulta? ¿Fue Parchís una oportunidad para desarrollarse personal y profesionalmente o una carga que les acompañaría para siempre?
HBO a punto de lanzar los episodios sobre el que fue presidente del Atleti y alcalde de Marbella
No queda nada para que veamos los cuatro capítulos que HBO le ha dedicado a Jesús Gil y Gil. Los autores de ‘Muerte en León. Caso cerrado’ han creado una serie de no-ficción sobre el controvertido personaje que llenó noticiarios y revistas en su época. Un presidente y alcalde que conquistó, engañó, construyó y fue perseguido. Su historia es conocida por la amplia cobertura que siempre tuvo por parte de los medios de comunicación y ahora Enric Bach y Justin Webster nos la muestran con el lujo que permite la perspectiva que da el paso del tiempo.
‘El pionero’ se comenzará a emitir semanalmente el próximo 7 de julio en HBO España de manera exclusiva. Cada capítulo constará de una hora.
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