A menos de tres meses para el inicio de la 57ºdelSitges Festival Internacional de Cinema Fantàsticde Catalunya, Ángel Sala y Mònica Garciai Massagué, Director Artístico del certamen y Directora de la Fundación, han presentado hoy en la Fábrica Moritz de Barcelona los primeros títulos que formarán parte de la esta nueva edición y han confirmado nuevos invitados de lujo.
Premio Honorífico Màquina del Temps
Después del anuncio de la presencia de Mike Flanagan que recibirá el Premio Honorífico Màquina del Temps, hoy el Festival de Sitges nos ha desvelado mas premiados.
Nick Frost será galardonado con el Premio Honorífico Màquina del Tems. Actor y guionista británico, empezó su carrera interpretativa en la fantástica serie ‘Spaced’, pero su salto a la fama a nivel internacional no llegaría hasta ‘Zombies Party’, el brillante inicio de la Trilogía del Cornetto de Edgar Wright, que coprotagonizó junto a Simon Pegg.
Corey Feldman, también recibirá el Premio Honorífico Màquina del Temps. El actor, clave del cine fantástico, actuando en cintas como ‘Gremlins’, ‘The Goonies’, ‘Las Tortugas Ninja’ o ‘The Birthday’, será homenajeado por todos estos éxitos.
Otro de los flamantes Màquina del Temps será para Heather Langenkamp, la inmortal protagonista de ‘Pesadilla en Elm Street’.
Ovidio G.Assonitis es otro de los homenajeados en este festival con el mismo premio y es que tenemos ante nosotros a uno de los grandes directores de culto de cine de género italiano. Director, productor, guionista y ejecutivo. ‘Beyond The Dorro’, ‘Tentacless’ o ‘Piraña II: Los vampiros del mar’ son alguna de sus películas.
Para terminar con el anuncio de los Premios Honoríficos Màquina del Temps, anunciamos a Fred Dekker, que también recibirá dicho galardón. Director, guionista y productor estadounidense. ‘El terror llama a su puerta’, ‘Una pandilla alucinante’ como director, con Shane Black como guionista o director de ‘RoboCop 3’ que tuvo como guionista a Frank Miller. Con este premio, el Festival de Sitges homenajea una figura fundamental para algunas de las sagas de terror más reconocidas de las últimas décadas.
Premio Nosferatu
Fabio Testi, actor italiano, será el receptor del Premio Nosferatu. Se reivindica así una larga carrera en el cine de género italiano desde finales de la década de los sesenta. ‘¿Qué habéis hecho con Solange?’, ‘Revolver’, ‘Los cuatro del apocalipsis’ o ‘Luca el contrabandista’ son alguna de sus actuaciones.
Premio Méliès Career
La Federación Internacional de Festivales de Méliès ha decidido otorgar su premio a Christophe Gans. ‘El pacto de los lobos’ o ‘Silent Hill’ son películas que se volvieron clásicos instantáneos para los aficionados al cine de terror.
Jurado de Sitges 2024
Una de las partes fundamentales para un buen Festival es la presencia de un jurado de entidad y este año, cómo no, volvemos a estar orgullosos de los representantes elegidos para juzgar las películas seleccioinadas en Sección Oficial a Competición. Los responsables de dar el máximo galardón serán los ya mencionados ChristopheGans y Fred Dekker, la cineasta española Carlota Pereda, el escritor y músico británico Stephen Thrower y la directora del Fantastic Fest Lisa Dreyer.
Títulos anunciados
Si hace poco os hablábamos de los anuncios de Prime Video, hoy os podemos decir que veremos ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ el Festival de Sitges, la película de Carles Torrens, nos lleva a la historia de infectados rabiosos, pero también de un viaje de supervivencia tanto físico como emocional.
‘Una ballena’, dirigida por Pablo Hernando, nos cuenta la historia de una asesina a sueldo despiadada, capa de infiltrarse y desaparecer sin dejar ningún tipo de rastro. Pero ete poder viene de otro mundo, un lugar habitado por criaturas monstruosas y del que cada vez emerge menos humana. Ingrid Garcia-Johnsson , Ramón Barea y Kepa Errasti son parte del reparto de la película.
También veremos la nueva cinta de Quentin Dupieux, con su nueva película ‘The Second Act’, una suerte de cine dentro de cine que difumina los límites entre realidad y ficción, y que abrió la última edición del Festival de Cannes.
Uno de los estrenos grandes del Festival de Sitges 2024 es ‘Terrifier 3’ en el Auditori. Vuelven las macabras fechorías del terrorífico payaso Art the Clown, que volverá a hacer de las suyas esta vez durante el periodo navideño. Damien Leone, se mantiene al timón de la saga dirigiendo esta tercera parte que vuelven a protagonizar David Howard Thornton y Lauren LaVera.
Tras proyectarse en Sundance y Berlinale, llega muy en conjunción con nuestra temática de este año, ‘A Different Man’, de Aaron Schimberg, una producción de A24, protagonizada por Sebastian Stan. La película cuenta la odisea de un actor aspirando a alcanzar el estrellato que decide someterse a una cirugía para corregir los tumores en su rostro y de este modo conseguir más papeles. Sin embargo, la falta de oferta tras el procedimiento y una obra de teatro inspirada en su apariencia interior, despertarán en él una obsesión que lo empujará al límite y lo llevará a hacer todo por recuperar lo que pudo haberle pertenecido desde el inicio.
A continuación os dejamos el listado de todos los títulos que nos han dado hasta ahora.
Listado de títulos anunciados de Secciones Oficiales
‘A Desert’ – Joshua Erkman (Estados Unidos)
‘A Different Man’ – Aaron Schimberg (Estados Unidos)
‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ – Carles Torrens (España)
‘Animale’ – Emma Benestan (Francia, Bélgica, Arabia Saudí)
‘Azrael’ – E. L. Katz (Estados Unidos)
‘Chain Reactions’ – Alexandre O. Philippe (Estados Unidos)
‘Cloud’ – Kiyoshi Kurosawa (Japón)
‘Cuckoo’ – Tilman Singer (Alemania / Estados Unidos)
‘Dead Mail’ – Joe DeBoer & Kyle McConaghy (Estados Unidos)
‘Diplodocus’ – Wojtek Wawszcyk (Polonia)
‘El baño del diablo’ – Severin Fiala & Veronika Franz (Austria)
Obnubilados por el talento de Edgar Wright y de Paul Urkijo Alijo
El día de hoy ha estado marcado por producciones que os van a gustar mucho. Guardad estos nombres pues vais a querer ver las locuras de ‘Pobre diablo’, las reflexiones de ‘After yang’, la crudeza de ‘Cerdita’, la fidelidad de ‘¡García!’, el monstruo de ‘Ego’, lo adorables y cabroncetes que son los ositos de ‘Unicorn wars’… Pero sobre todo guardar el nombre de Paul Urkijo Alijo pues el autor que ya nos deslumbró en la 50 edición de Sitges y volvió el año pasado con el corto ‘Dar dar’ nos ha dejado alucinados con ‘Irati’.
Y si nos ha encantado el re-encuentro con el director vasco aún más obnubilados hemos salido de la charla con Edgar Wright. El director británico es uno de los premiados en esta edición y hemos podido asistir a un encuentro con él donde nos ha hablado de cuáles son sus influencias, cómo cree que está influyendo él, si desea hacer una cuarta entrega de la trilogía del corneto (que va a ser que no)… Incluso nos ha confesado tener un poster español de ‘Shaun of the dead’ en su casa pues le hace gracia que la llamasen ‘Zombies party’.
No olvidemos tampoco a la savia tradicional. Darío Argento ha vuelto a la ciudad catalana y en rueda de prensa ha dicho que “El cine de terror es como el mar. Sube y baja. Es como un movimiento que cambia en función del espíritu del mundo. En este momento me interesa el cine que viene de Oriente, de Corea, de Japón… Yo siempre he seguido mi estilo, y creo que, de este modo, también he inspirado a otros directores a la hora de hacer cine”. Asimismo, ha lamentado la decadencia del género fantástico en Italia a lo largo de los últimos años: “En Italia en este momento es importante la comedia. Todo el mundo hace películas cómicas. Quizás sea porque las películas fantásticas son muy costosas, y en cambio la comedia es simple. El cine fantástico en Italia está prácticamente muerto”.
Como todos los años, a continuación, va nuestra tanda de reseñas con lo proyectado o visto hoy.
‘Irati’
Paul Urkijo lanza su segunda película y con ella su segunda invitación a descubrir la magia del folklore vasco. Nos hace retroceder aún más en el tiempo y nos lleva al 788 D.C. Allí nos narra la historia de Enko e Irati, dos jóvenes que se reencuentran tiempo después, tras un evento la mar de drástico que descubriréis en el primer acto y que tiene un giro magnífico.
Brujas, lamias, caballeros, niños y diversos seres de la mitología de Euskadi como el Sugaar o la diosa Mari forman parte de esta arraigada historia. Esas criaturas se enfrentan al cristianismo como buenamente pueden. Es ahí donde encontramos el símil con las leyendas artúricas, siempre ligadas a la llegada de la palabra de los creyentes en Jesús, María y demás. La épica, la odisea, la idiosincrasia, pueden recordar a otras historias, como ‘El anillo de los nibelungos’, pero está claro que ‘Irati’ tiene su propia personalidad. La historia del bosque más grande de Navarra está contada con perspectiva ecologista y posee una potencia visual muy evocadora que ya se alza como particular de este director.
Hay algo más que resaltar en ‘Irati’, la documentación, no solo en cuanto a vestuario o localizaciones, sobre todo en cuanto a la mitología y al euskera de la época. Clama por amar las historias de fantasía, pero sobre todo por no olvidar a aquellos que quedan tapados por las nuevas o grandes corrientes. Por desgracia a veces hay que meter a nuestra madre Tierra en ese saco. Desde luego con el trabajo de Urkijo se va a difundir todo como la pólvora.
HBO acoge muchas series de Adult Swim y ‘Pobre diablo’ podría estar también dentro de ese catálogo. Los cómicos transgresores y albaceteños de ‘Muchachada Nui’, ‘Museo Coconut’ y previamente, ‘La Hora Chanante’, son los responsables de esta serie animada que tiene capítulos de veinte o treinta minutos. Una apuesta más extensa que otras animaciones suyas como ‘Los Klamstein’, ‘Maricón y tontico’ o ‘Enjuto Mojamuto’ que al fin y al cabo eran más sketches que una serie regular.
Si os gustan las series dinámicas e idas de la olla como ‘Rick y Morty’ os debéis apuntar a esta. ¿Qué pasó con el hijo del diablo nacido en ‘La semilla del diablo’? Eso nos proponen descubrir localizando la serie en el mítico edificio Dakota de Nueva York, situado junto a Central Park, lugar donde pernoctaba Little Nicky. Al igual que la película de Adam Sandler la serie ridiculiza todo lo infernal y nos invita a conocer a un torpe anticristo que llega a la gran manzana. En resumidas cuentas esta es una serie hecha por fans de la cultura humorística popular, ideal para echarse unas grandes carcajadas e ir identificando los guiños que dispone.
Los ideadores y las voces de los personajes vienen aportadas por Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla o Carlos Areces. Satán viene adornado con acento canario ya que le dobla un habitual colaborador y amigo como Ignatuis Farray, ya sabéis, “hijo de puta, hay que decirlo más”, o Javier Botet (que ha trabajado con ellos en ‘Capítulo 0’, por ejemplo). Son muchos los personajes de los que se compone ‘Pobre Diablo’ y también trabajan aquí Stéphanie Magnin, Gakian, Iria del Río… Además de comediantes como David Pareja o Borja Sumozas. El primer episodio está dedicado a la memora de Verónica Forqué, puso voz a Rose, la madre de la criatura demoníaca.
Alberto Vázquez, ganador del Goya por ‘Psiconautas, los niños olvidados’, cinta que puede verse en la web de RTVE play, vuelve con un largo de animación que está a la misma altura. No obstante los que quedaron encandilados con esa obra pueden quedar decepcionados porque ahora nos encontramos ante algo más acorde para fans los productos de Adult Swim. “¡Honor, dolor y mimos!” gritan en el campamento corazón.
Este largometraje surge del corto ‘Sangre de unicornio’, disponible en el canal de Youtube de UniKo. Se mantiene el tono satánico-adorable y se conservan esos momentos malrolleros, mucha mala baba e incluso un toque bíblico y de ‘La chaqueta metálica’ mezclada con ‘El Escuadrón Suicida’. Una guerra sin cuartel se libra entre ositos achuchables y unos unicornios. Los primeros son los seres más avanzados de la creación y los segundos habitan el bosque mágico.
Por supuesto hay que leer entrelíneas mientras vemos ‘Unicorn wars’. Es una historia sobre la fraternidad, en los códigos de Caín y Abel o de parábolas como la de “el hijo pródigo”. También abraza las consecuencias o el progreso de una civilización que se cimenta en las mentiras de la religión. Más cerca a nuestra actualidad está la identidad de un pueblo que se somete a las promesas del belicismo y los discursos de odio.
Los derroteros de la película son algo distintos a los del corto. Posee un final aún más simbólico, metafórico y pesimista. En cuanto al diseño hay más color. El estilo del corto ya era atractivo de por sí, eran dibujos casi únicamente en blanco y negro y como a acuarela, muy bonitos, contrastando con lo horripilante de sus escenas y trama. En esta ocasión el nivel de detalle se ha aumentado, tenemos muchos más personajes e incluso se percibe más profundidad o relieve. Igualmente se consigue ese zigzagueo entre lo mono y lo horripilante que funciona estupendamente.
A partir del exitoso cortometraje de 2018 Carlota Pereda ha desarrollado este largo. Al igual que Sorogoyen hizo con ‘Madre’ utiliza ese metraje estrenado (precedido de un pequeño prólogo que presenta a más personajes) para alargar la narración. Pero al contrario que Sorogoyen, Pereda si aprovecha esta oportunidad y quizá no merezca también el Goya pero que desde luego nos da una propuesta entretenida y poseedora de un valioso mensaje.
Podríamos denominar a esta película como slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que pasen desapercibidas las entidades malvadas del filme. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices.
Se usa mucho ahora la expresión inglesa “instant karma” para referirse a la justicia violenta o fortuita. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.
‘Venus’ ha sido la encargada de inaugurar la 55º edición del Festival Internacional de cine Fantástico de Cataluña y aunque tengo muchos sentimientos encontrados con la película he de decir que me lo he pasado muy bien en el visionado.
Segundo proyecto de The Fear Collection, el sello cinematográfico español especializado en el género de terror y suspense, creado por SonyPicturesInternationalProductions y PokeepsieFilms, en asociación con PrimeVideo.
Lucía comete el grave error de robar a quien le da de comer, unos mafiosos que llevan un negocio de drogas en la discoteca en la que ella trabaja como bailarina. Decide huir tras ser herida, a la casa de su hermana a la que no ve desde hace muchos años.
Basada en un relato de Lovecraft vamos viendo como las cosas se le van complicando a nuestra protagonista de muchas maneras para terminar con un final os aseguro nada esperado.
La película es bastante chorra, tiene sus cosas buenas y malas a partes iguales. Entre las malas, al menos en mi opinión, que me gustaría ver más sangre, que se les fuese un poco más de las manos todo. Y de las partes buenas, he de decir, que estamos ante JaumeBalagueró como director, sus planos y giros de cámara están muy estudiados y bien hechos. Las actuaciones son correctas y realmente le dan viveza a la película.
Pronto os hablaré más detenidamente de ella en una crítica más extensa ya que ‘Venus’ llega a nuestras salas el próximo 2 de diciembre de 2022.
Hemos podido ver los dos primeros episodios de la serie que HBO Max estrena el 28 de octubre. No es la primera vez que el autor de cómics Santiago García ve adaptada una obra suya a formato de serie. Anteriormente se produjo ‘El vecino’ para Netflix y ahora hemos gozado de verdad con ‘¡García!’. Si queréis saber cómo es el cómic podéis leer nuestra reseña aquí. Es la historia de una becaria (Veki Velilla) que intenta conseguir destacar en el periódico donde. Su camino acaba dando con una base secreta bajo el Valle de los Caídos. Allí se topa con García (Francisco Ortiz), un agente que sale de una larga hibernación. Es un superhombre que llevaba dormido desde los primeros años del mandato de Franco. La serie plantea una “realidad alternativa”, muy entrecomillas.
Sin duda va a levantar algo de polémica, debate o ampollas. Desde la sátira que se hace de nuestra política hasta la presencia de El Valle de los Caídos, ‘¡García!’ ha llegado para incomodar. En resumen viene a mostrar cuánto tiemblan los partidos políticos tradicionales de nuestra democracia ante el auge de nuevas corrientes o formaciones. La serie mantiene esa línea.
Pero no os confundáis, al igual que el cómic este no es un relato meramente político. Tiene thriller pero también mucha acción. Acción bastante bien realizada, tanto en lo que se refiere a coreografías como en el aspecto de los efectos visuales. El símil más cercano en ese sentido son las películas de James Bond. El cómic rememoraba a esos tebeos sobre espías de los cuarenta o cincuenta, tipo ‘Spy smasher’, ‘Secren Agent X-9’ o incluso ‘El Capitán Trueno’ dada la relación entre García y su fiel ayudante. La serie sigue haciendo lo mismo que la publicación de Astiberri, nos da politiqueo pero también una gran dosis de persecuciones y peleas.
A24 de nuevo presente en el Festival de Sitges. En esta ocasión para contarnos la historia de Yang, la inteligencia artificial de una familia que se estropea. Este evento abre la puerta a un dilema sobre los sentimientos y dependencia de una máquina que podría extrapolarse a nuestras televisiones o smartphones.
‘Her’ o ‘Ex-machina’ son dos películas en la línea de este poético título protagonizado por ColinFarrell, JodieTurner-Smith, Malea Emma y Justin H. Min. Casi que nos podríamos hacer un ciclo temático con estas películas y acabaríamos prescindiendo de nuestras Siri y Alexa. Nos viene a decir lo perdidos que nos estamos quedando biológicamente, al borde del transhumanismo y sin capacidad de decisión. Por mucho que camuflemos nuestro entorno de elementos biológicos estamos en un mundo artificial, plastificado, como la exposición Bodies que aparece en una de las escenas.
Deprimente, por el carácter de sus personajes y por la perspectiva de futuro que nos plantea, que no es un futuro tan lejano. Solo hay que ver la primera secuencia, que hará las delicias de los zombies bailones de TikTok. Acierta con nuestro comportamiento y apego hacia lo material/digital e incluso acierta en como funciona la gestión de un aparato averiado. Falla con el ritmo tedioso y la profundidad del discurso.
Una gaviota muerde el pezón de un hombre atado a una cruz al borde de un acantilado de Sicilia mientras este intenta mantener una erección. Así empieza este ridículo y alocado filme que cierra la trilogía “Mole song”. Takashi Miike concluye así una nueva saga que va en la línea de chifladuras como su adaptación de ‘Jojo’s bizarre adventure’ o ‘First love’, vista también en Sitges. No tengo el dato pero no me cabe duda de que Miike es el autor que más mangas ha adaptado a la acción real, en este caso es uno creado por Noboru Takahashi.
Los japoneses suelen mostrarse muy polarizados en cuanto a la mafia. En ocasiones parecen incluso orgullosos de ella, como en las películas de Takeshi Kitano, y otras avergonzarse de ese pasado tan delictivo y extendido. En este caso estamos ante el segundo ejemplo. Llegando a límites tan cómicos como los de las películas de ‘Kung fu Sion’ o a personajes tan criminales o pintorescos como los que vemos en ‘Lupin III’, nos cuentan las aventuras de un topo que se infiltra en una organización que quiere distribuir droga entremezclada con espaguetis italianos. Lo dicho, una majadería.
Aunque decae en su mitad es divertida, no hace falta haberse visto las anteriores y tiene un final espectacular con ralla incluida y no es de cocaína.
Una joven adolescente, encuentra un huevo en medio del bosque y comienza a cuidarlo escondiéndolo de su desestructurada familia. Una madre influencer que quiere vivir a través de ella, un padre que ve todo bien y supuestamente es feliz y un hermano al que no soporta.
Una película de monstruos que, aunque bastante predecible, se deja ver y se disfruta. En momentos es bastante repugnante, tiene escenas que os recomiendo tener el estómago vacío si sois un poco aprensivos, pero no llegan a ser tantas como parecía.
Una de las cosas que me ha gustado y a la vez no de Hatching es el monstruo, me gusta, ya que está realizado a base de animatrónica. Me gusta que aun se utilicen estos métodos para darle un toque más vivo y terrorífico a estas criaturas. Pero el diseño del bichejo en sí, da entre pena y asco. Puede ser que eso es lo que intentaban representar, pero en mi caso no me ha convencido. Y lo dicho, que gracias a la animatrónica los movimientos terminan haciéndose más reales que si hubiese CGI.
En general la película como he dicho es bastante predecible, pero no quita a que sea un buen entretenimiento, con unas buenas actuaciones, una historia bastante perturbadora y dentro de tanta sangre, tenga unos decorados tan bonitos.
Hace tiempo que se rompieron los lazos históricos y políticos entre los afroamericanos y el continente africano. Pese a evidentes conexiones sanguíneas y sufrimientos segregacionistas la mayoría ni tiene familia allí, ni ha pisado nunca África, ni sabría ubicar un solo país del continente en el mapa. No obstante hay paralelismos entre la Norteamérica colonial y la Sudáfrica post-apartheid que siguen siendo igual de válidos para establecer un discurso universal.
En forma de thriller psicológico y de terror paranormal, con muchos símiles y algo de sarcasmo, la directora sudafricana Jenna Cato Bass nos narra una historia de racismo. En la remota Ciudad del Cabo se ambienta esta película que establece acertados símiles en cuanto a cuáles son los fantasmas y qué ruidos son germen de terror.
La mala elección de ciertos elementos y de una poco carismática y algo apática protagonista le resta mucho a una película que ya de por sí cuesta digerir al venir servida con los esquemas del cada vez más de moda terror de ritmos lentos y argumentos “intelectuales”, el manidamente llamado “elevated horror”.
Dirigida por Sadrac González-Perellón, nos trae la historia de Elisa, una joven con poderes que vive con su padre. Ambos perdieron a la persona que más querían, la madre de Elisa y ella solo quiere venganza. Dos familias se unen a través de la desgracia y sus caminos van juntándose poco a poco gracias a distintas casualidades.
La dirección de actores es bastante mala, ‘Asombrosa Elisa’ cuenta con un reparto tremendo y no lo aprovecha nada. Asier Etxeandía, Ivan Massagué y Silvia Abascal, van por la película como apagados. Que supongo que es lo que pretendía el director, pero la verdad que la película se hace lentísima.
Aunque ocurren distintas situaciones en la cinta, no vemos que avance nada y solo hay diálogos vacíos que tampoco cuentan nada interesante. Está claro que el cine de Sadrac no es para mí, me pasó algo por el estilo otra película suya, ‘Black hollow cage’ y sé que a mucha gente le entusiasmó.
Los cineastas Edgar Wright y Neil Marshall recibirán el Premio Máquina del Tiempo
La 55º edición del Sitges Festival despliega un nuevo avance de programación enfocado al fantástico producido en España y a las últimas novedades de género internacional.
Un conjunto de títulos que marcan el camino del cine más puntero, con la mirada dirigida hacia el futuro y sin olvidar el pasado, con la iniciática Tron siempre en el horizonte.
El director, productor y guionista británico Edgar Wright recibirá el premio Máquina del Tiempo en Sitges 2022. Wright obtuvo reconocimiento mundial por primera vez con su trilogía Three Flavours Cornetto, que consta de Zombies Party, Arma fatal y Bienvenidos al fin del mundo, realizada con los actores Simon Pegg y Nick Frost, así como el productor Nira Park. Wright también coescribió, produjo y dirigió la película de 2010 Scott Pilgrim contra el mundo. Con Joe Cornish y Steven Moffat, escribió Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio de Steven Spielberg (2011). Además, creó la película de acción criminal de 2017 Baby Driver, que se convirtió en un éxito mundial de taquilla, y en 2021 dirigió y coescribió, con Krysty Wilson-Cairns, Última noche en el Soho. El mismo año también lanzó su primera película documental, The Sparks Brothers.
El prolífico director de cine de género Neil Marshall también será reconocido con una Máquina del Tiempo. Su carrera se inició hace más de veinte años con Dog Soldiers, una de las películas de terror británicas más populares de todos los tiempos, seguido por el gran éxito de taquilla -aclamado por la crítica- The Descent, que recaudó más de 50 millones de dólares con un presupuesto de solo tres millones. Marshall también es uno de los directores más solicitados de la televisión actual, puesto que dirigió dos de los episodios más épicos de Juego de tronos, los pilotos de Black Sails, Constantine y Timeless, y capítulos destacables de Hannibal y Westworld para JJ Abrams. En 2018, dirigió y produjo la lujosa nueva versión de Lost in Space para Netflix y en 2021 estrenó The Reckoning. Sitges 2022 estrenará The Lair, un retorno a los orígenes sobre una piloto que tiene que sobrevivir dentro de un búnker donde se esconden armas biológicas.
Cine español
El cine español y catalán de género aterrizará poderosamente en Sitges 2022. Entre los títulos que se podrán ver en el Festival, destaca la angustiosa y perturbadora Cerdita, el terror rural que supone el debut de Carlota Pereda después de su cortometraje homónimo ganador del Goya. La esperada As bestas, de Rodrigo Sorogoyen, un thriller oscuro e incómodo que confirma la carrera fulgurante de su director.
Sitges vivirá el estreno mundial deIrati, de Paul Urkijo, un habitual del Festival (Errementari, Dar-Dar) que presentará su mitología fantástica ambientada en la Euskadi medieval. También tendrá lugar el estreno europeo de Viejos, film de terror dirigido por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez (La pasajera), recientemente proyectado en el Fantasia de Montreal, vencedor de la edición Sitges Pitchbox 2016 y protagonizado por Zorion Eguileor, inolvidable personaje de El hoyo, film ganador de Sitges 2019.
Asombrosa Elisa es el nuevo film de Sadrac González (Black Hollow Cage), un thriller fantástico protagonizado por Asier Etxeandia, Ivan Massagué y Silvia Abascal, sobre una niña que quiere vengar la muerte de su madre. El debut en el largometraje de Luis Tinoco, La paradoja de Antares, también se verá en Sitges en premiere europea. Una historia de ciencia ficción sobre una científica que se enfrentará a un difícil dilema..
Fantástico internacional
Sitges 2022 se prepara para recibir las últimas novedades del cine de género internacional. Una de las sagas más populares y queridas por el público llega a su final. Halloween Ends, de David Gordon Green, que se desarrolla cuatro años después de los hechos de Halloween Kills, estará en Sitges. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se enfrentará al mal una vez más, en esta ocasión, definitivamente. La ópera prima de Goran Stolevski, You Won’t Be Alone, llevará una buena dosis de folk-horror al Festival, ambientada en un aislado pueblo de montaña en la Macedonia del siglo XIX y protagonizada por Noomi Rapace. After Yang, la cinta de ciencia ficción futurista de Kogonada con Colin Farrell se verá en Sitges, un film delicado sobre un mundo posthumano. El thriller psicológico Resurrection, dirigido por Andrew Semans y con grandes interpretaciones de Rebecca Hall y Tim Roth, renueva el género huyendo de clichés con la historia de una mujer de éxito enfrentada a traumas del pasado.
Justin Benson y Aaron Moorhead, exponentes de la ciencia ficción de bajo presupuesto, vuelven a Sitges con Something in the Dirt, un imaginativo rompecabezas con fenómenos sobrenaturales. El futuro postapocalíptico se explora en Vesper, de Kristina Buozyte y Bruno Samper, distopía belga con una fotografía deslumbrante que construye un mundo después del colapso del ecosistema terrestre. También desde Bélgica llega Megalomaniac, cinta fantasmagórica y gore dirigida por Karim Ouelhaj, vencedora de Fantasia 2022.
El terror estará bien presente en Sitges 2022 con propuestas como la británica Enys Men, de Mark Jenkin, un estudio hipnótico e inquietante sobre la soledad. En The Tower, de Guillaume Nicloux, los habitantes de una torre de viviendas se dan cuenta que un velo negro obstruye todas las ventanas y la puerta principal del edificio. De Dinamarca llega el terror social de Speak No Evil, donde el director Christian Tafdrup ofrece una generosa cantidad de sadismo y crueldad.
Animación, cine asiático y documentales
Las producciones asiáticas llegan con energías renovadas a la programación de la 55ª edición del Festival de Sitges. Desde Corea del Sur, el thriller Emergency Declaration, dirigido por Han Jae-rim, asegura toneladas de acción dentro de un avión comercial que se ve obligado a hacer un aterrizaje de emergencia. Uno de los habituales del certamen, el japonés Takashi Miike, cerrará la trilogía The Mole Song con The Mole Song Final, una alocada comedia sobre un policía de incógnito que se convierte en yakuza. El taiwanés Chris Huang propone con Demigod: The Legend Begins un film fantástico de artes marciales con sorprendentes efectos visuales sobre un médico que recibe entrenamiento para convertirse en espadachín.
La sección Anima’t anuncia su película de apertura, que será Oink, encantador film holandés dirigido por Mascha Halberstad en stop-motion sobre una niña de nueve años que recibe como regalo de su abuelo un cerdito. La francesa Princesse Dragon, de Anthony Roux y Jean-Jacques Denis, sobre una niña criada por dragones que vivirá un viaje de descubrimiento, también estará en Sitges. Desde Colombia llegará La otra forma, de Diego Felipe Guzmán, una historia satírica para adultos que cuestiona los hábitos del mundo en que vivimos.
En el terreno de los documentales, el título que abrirá Sitges Documenta será Lynch/Oz, de Alexandre O. Philippe, director habitual en el Festival. La pieza explora la obsesión de David Lynch por el clásico de Victor Fleming de 1939, El mago de Oz, con su habitual montaje dinámico y testimonios de alto nivel. Mad in Belgium es un recorrido por la naturaleza extraña de un determinado cine belga que ha destacado por el riesgo y la excentricidad, con apariciones de figuras como Benoit Poelvoorde, Jan Bucquoy o Fabrice du Welz. Steve ‘Spaz’ Williams es un pionero en la animación por ordenador. Sus dinosaurios digitales de Jurassic Park transformaron Hollywood en 1993 y el documental Jurassic Punk, de Scott Leberecht, se adentra en este creador.
Brigadoon
La sección oficial del Festival vuelve a apostar por los documentales en esta edición. Boris Karloff: The Man Behind the Monster, de Thomas Hamilton, explora la vida y el legado de una leyenda del cine sus películas fueron a menudo ridiculizadas por la crítica y atacadas por la censura, pero su popularidad e influencia han perdurado. El cineasta perdido, de Javier Pueyo y Valentine Iconaru, mira hacia el 2000, año en que se estrenó El celo, una cinta de terror interpretada por Lauren Bacall, Sadie Frost y Harvey Keitel. Su director, el mallorquín Antoni Aloy, tenía un futuro prometedor pero desapareció del panorama cinematográfico sin dejar rastro. Junto con el documental, se proyectará El celo. Orchestrator of Storms: The Fantastique World of Jean Rollin, de Dima Bailen y Kat Ellinger, explica la historia de una de las voces más singulares del cine francés de culto, profundamente incomprendido.
En Brigadoon tendrá lugar el estreno de los largometrajes Pussy Cake y Night of the Bastard. El primero, procedente de Argentina, está dirigido por Pablo Parés y sigue una banda femenina de rock que tendrá que enfrentarse a horrores más allá de la realidad. En el segundo, un film de Erik Boccio, un recluso luchará contra un culto sediento de sangre en una batalla contrarreloj por la supervivencia.
La actriz francesa Brigitte Lahaie recibirá el Premio Nosferatu de este año. En paralelo a su trabajo en el cine pornográfico, Lahaie participó en films de género de Jean Rollin, como Fascination y The Grapes of Death, y de Jess Franco, como Los depredadoras de la noche. Más tarde, también desarrolló pequeños papeles en Henry & June, de Philip Kaufman, o más recientemente en Calvario, de Fabrice du Welz.
¿Cómo puede tener éxito un grupo de rock, ser infravalorado, influyente y vergonzosamente ignorado a la vez? Una odisea musical a través de cinco extrañas y maravillosas décadas con los hermanos Ron y Russell Mael, en honor al impresionante legado de Sparks, el grupo favorito de tus grupos favoritos.
Crítica
50 años de música con los hermanos Sparks
El grupo favorito de nuestros grupos favoritos así llaman a los hermanos Sparks. Estamos ante el primer documental de EdgarWright, sin duda uno de los directores que más apasionado es por el arte musical. En todas sus películas se deja ver el buen gusto y el amor hacia la música. ‘The Sparks Brothers’ es un canto de amor hacia este grupo tan desconocido para muchos, incluida una servidora y tan conocido en el mundo musical.
Ron y RussellMael, son el dúo de Sparks, una banda de pop y rock. Una extraña pareja que jamás han seguido la moda y con ello han logrado crearse una imagen propia y por supuesto una música muy personal que nadie tiene. Supongo que por esta misma razón son tan apreciados en el mundo de la música.
Este documental, se ha realizado para celebrar los 50 años de la creación de esta banda y que no han parado ni un solo momento. Además por supuesto de que el propio director es fanático de este grupo.
Me encanta como cuenta la historia de estos hermanos Edgar Wright, no es un documental común. Sí, tenemos entrevistas a famosos y conocidos del grupo, tenemos las típicas imágenes de archivo, pero hay mucho mas. Animación o la utilización de ‘cabezas parlantes’. Una manera distinta y divertida de mostrarnos la vida de estos dos hermanos.
AlexKapranos de Franz Ferdinand, NickRhodes y JohnTaylor de Duran Duran, SteveJones de Sex Pistols, Neil Gaiman, MikeMyers, ToddRundgren, MuffWinwood, TonyVisconti, ChrisDifford de Squeeze, entre muchos otros, son parte de los entrevistados para este documental.
Como he comentado antes, para mí eran unos desconocidos hasta el estreno de ‘Annette’, musical estrenado este año en el que podemos ver a los dos músicos al comienzo de la cinta. Una de las cosas que averiguamos en el documental, es que son cineastas eternamente frustrados. Varios proyectos nunca llegaron a la pantalla, uno con JacquesTati y otro con TimBurton.
Creo que no podía haber nadie mejor para rodar este documental y contar la historia de estos dos peculiares hermanos. Edgar Wright hace un trabajo estupendo de investigación y periodismo al lograr entrevistar a tantos fans del grupo. Además de todo el material gráfico recogido aquí, conciertos, entrevistas y pequeños retales de sus infancias.
A partir del día 12 podréis ver y escuchar en cines a estos dos hermanos tan desconocidos como influyentes en el mundo musical.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: The Sparks Brothers. Duración: 135 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Fotografía: Jake Polonsky. Reparto principal: Rael Mael, Russell Mael, Edgar Wright, Beck, Neil Gaiman, Patton Oswalt, Jason Schwartzman, Jonathan Ross, Bernard Butler, Mike Myers, Todd Rundgren, Muff Winwood. Producción: Media Rights Capital. Distribución: Universal Pictures. Género: Documental. Web oficial:https://www.universalpictures.co.uk/micro/sparks-brothers
La Muestra SYFY ha vuelto y lo ha hecho con una propuesta terrorífica el día que se celebraba la noche de muertos. Halloween ha supuesto el retorno del último festival al que pudimos acudir antes de declararse presente oficialmente la pandemia en España y se decretase el confinamiento.
Con sumo gusto hemos retornado a la sala del Palacio de la Prensa en Madrid para disfrutar con el público habitual distintas películas, que si bien ya habíamos visto hace poco en el festival de Sitges pudimos experimentar de un modo distinto ya que en la Muestra SYFY el ambiente siempre es más animado y festivo.
Una de las responsables de esos momentos tan divertidos han sido Leticia Dolera y su jugueteo con el público. Un divertimento que con los años ha desarrollados sus propios códigos y claves. Algo propio de una gran familia que ama el género fantástico y sabe divertirse viéndolo en grupo.
Como todos los años hemos recibido de regalo unos cereales, algo que atesoramos pues nos facilitaron el desayuno durante una buena parte del confinamiento. El evento además contaba con un añadido, un concurso de disfraces de terror que tenía como premio para dos ganadores un abono para la muestra del año que viene, a si es que podemos dar por confirmado que en 2022 volverá la clásica Muestra SYFY con una edición número 18. Además tenemos fecha, del 3 al 6 de marzo.
‘Agárrame esos fantasmas’
Una obra de terror que vino a confirmar lo buen director que es Peter Jackson y no solo eso, el buen gusto que tiene a la hora de utilizar referencias. Una historia original, divertida pero que tiene muchos momentos de puro terror noventero.
Hay vida más allá, al menos la hay para Michael J. Fox. Más allá de ‘Regreso al futuro’ que es la saga por la que le conoce casi todo el mundo, si haber visto otros trabajos suyos como ‘Mars Attacks’ o ‘Spin city’. El siempre joven actor se movió a las mil maravillas por esta historia que le hizo correr por un delirante horror que mezclaba una trama fantasmagórica con el género slasher.
Demencial propuesta con efectos especiales a los ‘Casper’ o ‘Ghost’, bastante buenos para la época. Casi veinte años después de su estreno podemos decir que ha envejecido mucho mejor su guión que sus imágenes generadas por ordenador pero igualmente se disfruta.
‘Last night in Soho’
Edgar Wright vuelve a la gran pantalla. Tras la magnífica ‘Babay driver’ nos vuelve a abordar con una historia repleta de música y ritmo y con ello una imagen muy bien acompasada. Terrorífica, elegante e inteligente, así es ‘Last night in Soho’
Este filme, con un potente atractivo visual nos lleva a Londres, tanto en la actualidad como en los sesenta. Y en ambos momentos de la cronología nos pinta a la city como un lugar baboso para las mujeres. Aborda el mundo falocentrista tipo Weinstein y lo hace a través de una conexión fantástica, la que se da en la ficción y la que tienen Anya Taylor-Joy y ThomasinMcKenzie. Suelo disfrutar mucho de Taylor-Joy pero he de reconocer que es McKenzie quien capitanea la película.
El filme es muy Wright en cuanto vemos cuán british y musical es, también con sus toques de terror e incluso con algo de su humor. La apuesta es clara en cuanto vemos que está alineada con el #MeToo pero lo que me ha gustado es el cómo coge un elemento clásico de la historia de Londres (mencionarlo sería spoiler) y le da la vuelta. Quizá esta es de las veces que veo más de lo que realmente hay, pero el director de ‘Zombies party’ y ‘Bienvenidos al fin del mundo’ coge ese peligroso pasado de Londres y lo usa a favor de la causa.
Es la película menos cómica del cineasta y uno se da cuenta al final del filme que la temática lo requería. Como hacía el fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta emplea el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia pero no de manera gratuita, sino con intencionalidad.
Dos minutos es lo que puede aventajar a los acontecimientos un empleado de un restaurante al descubrir que se ve a sí mismo en el futuro a través de la pantalla de su ordenador y dos en el pasado a través de un monitor de su establecimiento. La verdad es que cuando los japoneses se comen el coco para ser originales y divertidos con algún elemento complejo son insuperables. En concreto aquí juegan con las paradojas temporales y consiguen una narración muy loca que podría formar parte de un anime disparatado.
Se une a películas tipo ‘Frequency’, ‘Dejavu’, ‘Los cronocrímenes’ ‘Next’… pero como he comentado con el humor como herramienta. Simpatiquísima película que nos conquista con una duración más que modesta y moderada, una hora y diez minutos que de haberse alargado quizá habría peligrado de caer en errores. Estupendo control del racord y del tiempo fílmico, pero sobre todo de la coreografía. Y es que además para rizar el rizo, emulando a sus compatriotas, también tremendamente ingeniosos de ‘One cut of the dead’, juguetean cámara en mano con planos secuencias. Todo encaja sin que percibamos ni un solo artificio, como una obra de teatro ensayada una y otra y otra vez hasta alcanzar la perseguida cuadratura del círculo. El trabajo de planificación de movimiento de cámara y el de generación de vídeos para las pantallas es tremendo.
¿Qué te dirías a ti mismo si pudieses enviarte un consejo dos minutos antes o dos minutos después del instante en el que vives? Aquí te dan unas cuantas ideas muy locas que van más allá de decirte qué saldrá en el próximo boleto de la lotería.
‘The medium’
Dicen las habladurías que en oriente ha tenido que proyectarse esta película con la luz encendida del miedo que daba. Pues siento ser yo quien os baje el hype ante toda la expectativa de esta película, pero… no da nada de miedo. ‘The medium’ es una película que nos venden como documental pero que en cuanto vemos lo bien que están microfonados los extras, el cómo se reproducen los cámaras como esporas para grabar lo que les pasa a los otros cámaras o el cómo se comportan los personajes ya nos damos cuenta de que todo es una farsa. Y ya ni te digo con los textos de los carteles que nos van apareciendo durante el metraje.
Larga, muy larga historia sobre la herencia y el folclore tailandés. Ojalá esa mezcla de tradiciones y transmisión generacional nos hubiese llevado a un filme como ‘Hereditary’, pero este filme evoca a otras producciones y lo hace de un modo bastante amateur. Podemos extraer dos o tres escenas que si están logradas, el resto es llevar a los presupuestos y maneras de la región películas como ‘Paranormal activity’, ‘El exorcista’, ‘[REC]’… Títulos que son buenos referentes pero que hay que saber cómo imitar.
Quizá para las gentes de Tailandia, Corea o dónde se haya proyectado lo que se muestra en pantalla da miedo, probablemente por como conecta con sus raíces. No dudo que en aquellas culturas se lleven a cabo rituales como los aquí mostrados, pero me niego categóricamente a creer que algunas de las escenas aquí montadas sean ciertas.
‘Prisoners of the ghostland’
XYZ es una productora que hasta ahora me gustaba por las propuestas que nos hacía llegar, hasta ahora. La precursora de películas como ‘Color out of space‘, ‘Synchronic’ o ‘La invitación’ me ha causado la mayor decepción hasta la fecha. También me lo merezco por esperar algo potable de la alianza entre dos excéntricos artistas como Sion Sono y Nicolas Cage.
Aquí Cage interpreta a un prófugo o ladrón que recibe el encargo de encontrar a la nieta de un gobernador ricachón. Hasta ahí todo suena bien. El problema no es ni siquiera la horterada de mal gusto que es el diseño de producción. Es tanto la trama como las interpretaciones. El arte del filme, por llamarlo de alguna manera, es de mal gusto, muy acorde al sinsentido plagado de actuaciones más dignas de una película de primerizos publicada en YouTube. Parece un excéntrico anuncio japonés, de esos que hicieron en su día Schwarzenegger, Madona o el propio Cage.
Ni sus giros ni sus revelaciones tienen nada de sorprendente. Con todo lo rara que es consigue ser de lo más común. Es una película postapocalíptica que mezcla sin sentido vaqueros, geishas, luces de neon… Todo ello en unos escenarios multitudinarios que parecen sacados de la peor pesadilla de Terry Gilliam. Ejemplo de ello es el establecimiento bancario blanco inmaculado iluminado con antorchas, dotado de una máquina de bolas de chicle (que son pelotas) y gente vestida de fichas de parchís. Tras verla me quedo con que he visto algo a la altura de ‘Samurai Cop 2’. Que Nicolas Cage haga esto ya no es raro, pero no sabía que SofiaBoutella estaba tan desesperada.
‘Day of the Dead’
El universo Zombie de George A. Romero es el germen de esta serie. Jed Elinoff y ScottThomas son los creadores de esta nueva propuesta no muerta que nos cuenta como seis extraños se unen e intentan sobrevivir las primeras 24 horas de una invasión de muertos vivientes. Planteamiento básico que parece que va a salirse de la norma comenzando directamente con la infección asolando el pueblo de los protagonistas pero decepciona volviendo al pasado y sentando una historia de orígenes. No obstante, tiene su misterio y promete darnos detalles diferentes.
Las técnicas modernas hacen que esta sea mejor que muchas de las películas derivadas de ‘La noche de los muertos vivientes’. Pero, al menos en este primer episodio, no aprovecha para desarrollarse de una manera superior. Serie de héroes torpes que se dejan atrapar por zombies que caminan con momentos un poco insípidos o carentes de emoción. Por lo menos el director de este primer episodio es StevenKostanski (‘El vacío’, ‘Psycho goreman’) y se tira bastante de humor negro.
Es un SYFY Original que podréis ver en el canal a partir del próximo 7 de noviembre.
Edward Wright vuelve a sorprendernos, en un día de dramas familiares
Hoy hemos tenido un poquito de todo, películas para todos los gustos, pero sobre todo, dramas familiares por todos lados. Eso sí, sin duda, estamos los dos (y casi todo Sigtes) de acuerdo en esto, es que ‘Last Night in Soho’ ha sido la mejor película del día con creces. Además hemos visitado el stand de ‘El juego del calamar’ que ha preparado Netflix en Sitges.
Además hemos terminado con la guinda de un coloquio por Paco Plaza y Carlos Vermut contándonos un poco sobre ‘La abuela‘, de la que os hablamos más abajo.
Ahora en las reseñas podréis leer lo que hemos visto, pero en el día de hoy además se les ha dado el premio Máquina del Tiempo a Alice Krige, por toda su carrera. Ayer día 13 lo recibió Nick Antosca.
‘Last night in Soho’
Edgar Wright vuelve y lo hace por partida doble. En anteriores entradas del diario os hablamos del documental ‘The Sparks brothers’ y ahora con un relato de ficción, de ciencia ficción y terror. Tras la magnífica ‘Babay driver’ nos vuelve a abordar con una historia repleta de música y ritmo y con ello una imagen muy bien acompasada.
Este filme, con un potente atractivo visual nos lleva a Londres, tanto en la actualidad como en los sesenta. Y en ambos momentos de la cronología nos pinta a la city como un lugar baboso para las mujeres. Aborda el mundo falocentrista tipo Weinstein y lo hace a través de una conexión fantástica, la que se da en la ficción y la que tienen Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie. Suelo disfrutar mucho de Taylor-Joy pero he de reconocer que es McKenzie quien capitanea la película.
El filme es muy Wright en cuanto vemos cuán british y musical es, también con sus toques de terror e incluso con algo de su humor. La apuesta es clara en cuanto vemos que está alineada con el #MeToo pero lo que me ha gustado es el cómo coge un elemento clásico de la historia de Londres (mencionarlo sería spoiler) y le da la vuelta. Quizá esta es de las veces que veo más de lo que realmente hay, pero el director de ‘Zombies party’ y ‘Bienvenidos al fin del mundo’ coge ese peligroso pasado de Londres y lo usa a favor de la causa.
Es la película menos cómica del cineasta y uno se da cuenta al final del filme que la temática lo requería. Como hacía el fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta emplea el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia pero no de manera gratuita, sino con intencionalidad.
Con ‘Matrix’ y Philip K. Dick como referentes y punto de partida se indaga acerca de si es posible considerar nuestra vida como parte de una simulación. Juguetea con la idea o pregunta a quienes lanzan hipótesis al respecto, tales como ¿estamos a merced de una civilización más avanzada?
Realmente es oportuno este documental ahora que se acerca la cuarta entrega de ‘The Matrix’ pero las alusiones tanto literarias como audiovisuales son muchas más. Ese material es buen referente, pero todo parte de las palabras del autor de ‘Blade runner’. Si eres fan de la ciencia ficción apreciarás todas las teorías que ofreció en una charla y que aquí se muestran. Sin duda vais a buscar el “2-3-74” y las visiones anotadas en el ‘Exégesis’.
¿Nuestra civilización ha sido reseteada y probada con variaciones? ¿Están nuestras ideas inducidas y nuestro libre albedrío es una ilusión? ¿Somos NPC’s en el juego o el pasatiempo de alguien que está en otro plano de existencia? ¿Tenemos recuerdos erróneos en común como si nuestra mente estuviese conectada al mismo servidor? ¿Es el Efecto Mandela un fallo en la matriz? ¿Es la religión o la teoría de la simulación una excusa para buscar solución a nuestros problemas? El documental nos invita a reflexionar y a buscar los bugs de nuestra realidad.
Plantea dudas existencialistas, analizando por encima desde cuándo viene esta idea del mundo falso o de existencia consciente hasta la perspectiva que nos han dado las tecnologías de la información y su capacidad de crear inteligencias artificiales o mundos como el de ‘Los Sims’, ‘Second life’ o ‘Minecraft’.
Me habría enterado mejor de la película si los subtítulos no hubiesen sido semitransparentes o blancos sobre fondo blanco. ¿Mi reflexión? Vivamos en un sueño profundo o en un mundo real tenemos la sensación de existir, sentir y morir, disfrutemos de las variables que tenemos por delante.
Hay películas que si no te cuentan ninguna historia, son muchos mejores. Este es el caso de ‘We need to do something’.
La película ha comenzado muy bien, una familia, madre, padre y sus dos hijos, se encierran con toda la tranquilidad del mundo en su cuarto de baño. No saben muy bien que va ha llegar, si una tormenta o un tornado. La cosa que se quedan atrapados sin poder salir. Mientras que afuera se escuchan extraños ruidos.
Todo el rato en el que están en el interior del cuarto de baño es estupendo. La manera en la que se van degradando como personas para convertirse en animales. El odio que va surgiendo de los rencores interiores y como el hambre y el cansancio hacen que estos salgan de una manera terrible al exterior.
Pero como he dicho, el gran fallo es que se inventan una excusa para esta tormenta o tornado. Algo sobrenatural que no hubiese hecho falta que me explicasen. No os lo voy a contar, pero es que es bastante absurdo y una manera de estropear una película que hubiese sido, aunque poco original, entretenida. A dejarla en algo mediocre.
Siempre presumo por todo Sitges que me cojo las películas sin ver tráilers ni nada de nada, pues con ‘The blazing world’ me he arrepentido mucho. A ver, que es una de las cosas que más me gusta del Festival Sitges, ir a la locura y coger películas que no tendré oportunidad de ver en el cine. Pero si, esta ha sido sin lugar a dudas, a día de hoy, la peor película que he visto en el Festival.
Es verdad que visualmente es muy bonita. Se nota mucho el trabajo en tema de decorados y vestuario y si que es cierto que está genial. Pero a la hora de la historia, el guion y los actores, no cuaja nada.
La película nos cuenta una tragedia familiar y como una de las hermanas gemelas de una familia muere y años mas tarde ninguno lo ha llegado a superar. Su hermana, más traumada que nadie, entra a través de un portal a un mundo paralelo en el que supuestamente está su hermana.
La película juega a introducirnos en una especie de cuento, con demonios y puertas que cruzar para poder avanzar. Además la protagonista sigue a “un conejo blanco” que no es un conejo vale, es una persona, que no es otro que Udo Kier. Viendo al actor, me tenía que haber imaginado que esta película podía ser una bizarrada de las buenas.
Carlston Young, es directora, guionista y actriz principal. Creo que a la hora de escoger su equipo artístico ha realizado un gran trabajo, incluso a la hora de rodar, la película juega con muchos planos y nos muestra ese imaginario muy bien. Pero como he dicho, es la historia, que no interesa nada y termina aburriendo desde bien pronto.
Comedia tecnológica que nos lleva por tres historias. Una que nos muestra a un astronauta perdido en el espacio a la deriva, otra que nos habla de un centro de mantenimiento de robots humanoides de acompañamiento y por último la de una chica que vive controlada por su asistente de voz, como una Alexa marimandona. Tras esto se incorporan otras tres tramas que además de ir llevándose el tono del filme hacia algo más dramático van generando la confluencia de lo que hemos ido viendo, pero una unión bastante puntual y más conceptual de lo habitual.
‘Warning’ es una comedia dramática bastante lúcida y afinada. Consigue llegar y criticar de un modo fresco y acertado. Funciona muy bien para poner bajo el microscopio algunos de nuestros errores y anhelos.
La proximidad o comparativa con ‘Black Mirror’ es inevitable. La película critica o tiene inquietudes sobre nuestro futuro y la tecnología. Más en concreto funciona como un ensayo sobre el control de nuestra vida o incluso de nuestra mente y cuerpo o del de los demás. Es lo suficientemente sugerente como para considerarse interesante. Todo un sarcasmo sobre la vida.
Y hoy la cosa ha ido de dramas familiares con asuntos sin resolver. Y es que ‘Here before’ nos metemos en una familia que hace años perdieron a su hija pequeña en un terrible accidente. Con la llegada de sus nuevos vecinos, Laura cae en una espiral de emociones, al conocer a Megan, la hija pequeña de éstos, la cual se obsesionará por Megan de una manera bastante extraña. Tan extraña, que Laura, llega a pensar que es la reencarnación de su hija muerta.
La película juega al despiste y la verdad que engaña bastante, pero de buena manera. Nos cuentan una historia bastante interesante y pequeñita, pero que con las actuaciones se hace real y comprensible.
Sí que es cierto que se descubre el pastel antes de tiempo, pero no quita para que aun así la película termine convenciendo.
Un año más tenemos a AndreaRiseborough (‘Mandy’ ‘Possesor’) en una cinta en Sitges y como siempre ella está estupenda. Su evolución durante la película es muy drástica, pero como digo, creíble después de todo lo que está ocurriendo a su alrededor.
Stacey Gregg debuta con esta cinta con un aprobado. Ya que como digo, logra un gran trabajo por parte de los actores y una historia bastante verosímil.
Decepción con esta película realizada por Paco Plaza y Carlos Vermut. Sobra decir que hay un guión con intencionalidad y se han juntado dos artistas que además de amigos son personas que ruedan estupendamente. En ‘La abuela’ se percibe la mano de cada uno y el cómo se compenetran, pero la historia no es original.
Las casas y la figura femenina siempre son protagonistas en las cintas de Plaza, aquí no es menos. La modelo que nos descubre ha de hacerse cargo de su abuela y trasladarse a su casa frente al Retiro para hacerse cargo. Y todo esto sucede mientras intenta sobreponerse a la presión de la competencia y la fugacidad de la belleza. La decepción del filme es que no hay sorpresa. En cuanto percibimos, desde el mismo prólogo, que hay un motivo ritualista se nos hace obvio todo lo que pasa a posteriori, incluido el mismísimo final, del cual me sobran varias escenas, por ser excesivamente explicativa.
Incluso la música, que siempre me parece muy bien escogida en la filmografía de estos cineastas, no me funciona.
Si estás dispuesto a ver una película que sabes cómo va a acabar disfrutarás de ella como un filme donde lentos paneos a lo ‘Hereditary’ te llevan por algún que otro momento inquietante. Incluso se puede “disfrutar” de cómo se trata la vejez y se lleva al límite a la protagonista, en algunos aspectos muy al estilo ‘Relic’. Eso sucede en el plano del libreto y en el de la interpretación pues Paco Plaza nos descubre a una nueva actriz, Almudena Amor, aunque me gustaría decir que la guía y la crea como actriz.
Baby, un joven y talentoso conductor especializado en fugas (Ansel Elgort), depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de haber sido forzado a trabajar para un jefe del crimen (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un malogrado golpe amenaza su vida, su amor y su libertad.
Crítica
Plagada de momentos explosivos y mucho ritmo.
No sé si llamarla musical o largo videoclip. Ahí entra quizá el criterio que cada uno emplee para catalogar una película. Lo que es innegable es que ‘Baby Driver’ tiene música de cabo a rabo. Arranca de un modo espectacular y tiene una primera parte que parece ha sido estudiada al milímetro. Pero su segunda mitad no resulta tan grandiosa y se pierde un poco la sensación lograda. Parece que va a ser todo el filme musical, casi sin diálogo, al protagonista le han diseñado para ello, pero no, se pierde esa continuidad musical en determinado momento, después tenemos ráfagas y acaba, por supuesto, con mucho ritmo. Desde luego tiene el gran mérito de ser una película de acción y persecuciones que en ocasiones parece completamente coreografiada. Consigue por supuesto, superar a otros títulos atiborrados de temas como ‘Escuadrón Suicida’.
Edgar Wright se adentra en un género algo distinto al de sus películas clásicas y menos bizarro que el de ‘Scott Pilgrim contra el mundo’. El ritmo siempre ha sido una de sus marcas personales, nunca perdona una escena con música o bailoteo. En esta película eso se ha convertido en una máxima. Tanto es así que la música está muy acoplada a los sonidos de ambiente que se producen en el filme. Si hubiese explotado más esa idea estaríamos ante una complicadísima y monumental obra de arte. También se ha echado en falta un gran hit que acompañe a sus escenas más desenfrenadas, que tiene varias.
Por supuesto hay que dedicarle un apartado a parte a las escenas de persecución. Baby (Ansel Elgort) se encarga de sacar a los villanos de las escenas del crimen. Esto se debe a su maestría al volante y a la relación que tiene con el personaje de Kevin Spacey (cada día más parecido a Florentino Pérez). Como he dicho la música acompaña siempre a nuestro protagonista, tanto es así que posee una gran colección de iPods. Ya dejaré que descubráis por vosotros mismos el motivo de todo esto, pero a lo que voy es a la razón por la que siempre oye canciones. ¿Habéis pensado como sería vuestra vida si le pusieseis vuestra propia banda sonora? Eso es lo que hace para motivarse nuestro protagonista y se consigue de ese modo una conexión espectador-personaje muy peculiar. Si unimos esto a los brillantes planos rodados (algunos rememoran a Tarantino) tenemos unas persecuciones de lo más vibrantes.
También hay que decir que la empatía con el protagonista está bien pensada. Esta es una película que sobre todo encandilará al público adolescente. No por que vaya a reconocer las canciones que suenan en ella, porque muchas son clásicos norteamericanos, si no porque la personalidad vacilona o rebelde y a la vez encantadora de Baby está muy acorde con los personajes de moda. Elgort ejecuta al personaje con mucha fluidez.
El elenco de macarras y maleantes que rodean a Baby está completado por una elección de casting muy acertada. Al ser la primera vez que el director rueda en Estados Unidos está plagada de actores residentes en Norteamérica: Kevin Spacey, Lily James, Jon Bernthal, Eiza González, Jon Hamm, Jamie Foxx. Todos ellos en sus versiones más malotas y caricaturescas.
Como siempre Wright ha conseguido rodar varias escenas que nos han hecho llorar de risa. Pero la estructura del filme está manida, ese es otro de sus puntos flacos. Vivimos la clásica historia del perro que muerde la mano que le da de comer. Vemos la vida del clásico personaje de buen corazón que se ve atrapado en negocios sucios. Y los personajes femeninos están totalmente a merced de sus parejas masculinas. Pero ir descubriendo las referencias musicales, las influencias de filmes como ‘Granujas a todo ritmo’ o ‘Driver’, e incluso los guiños a su propia obra, hace de este largometraje un entretenimiento por encima de la media.
Como curiosidad. Lily James (‘Cenicienta’) interpreta a la chica en apuros, la media naranja del protagonista. ¿Qué pensaríamos de Emma Stone si hubiese hecho finalmente este papel? Porque estuvo cerca y lo dejó por ‘La La Land’.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: Baby Driver. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Edgar Wright. Guión: Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Jon Bernthal, Eiza González, Jon Hamm, Jamie Foxx. Producción: TriStar Pictures, Working Title Films, MRC. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, musical, comedia. Web oficial: http://www.babydriver-movie.com/
El 7 de julio llegará a los cines ‘Baby Driver’ el thriller que encabezan nombres como AnselElgort, LilyJames, KevinSpacey, JamieFox y JonHamm. Un trabajo dirigido por EdgarWright (‘Zombie Party’) del que ya vimos un tráiler en marzo. El guión está firmado también por Wright. La música y los personajes molones parece que serán el punto fuerte de esta película que promete ser gamberra y que puede que haga que salgamos del cine gritando ¡tequila!
Este es el tráiler en versión doblada.
Aquí podéis verlo en versión original.
Sinopsis oficial:
Baby, un joven y talentoso conductor especializado en fugas (Ansel Elgort), depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de haber sido forzado a trabajar para un jefe del crimen (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un malogrado golpe amenaza su vida, su amor y su libertad.
Un vídeo precedido del saludo de Jon Hamm (‘Mad Men’).
El thriller que ha dirigido EdgarWright (‘Zombies Party’, ‘Scott Pilgrim contra el mundo’) ya está preparado para ser visto y por eso tenemos un teaser y un poster que lo promociona. Está encabezada por AnselElgort (‘Divergente’), LilyJames (‘Ira de titanes’), KevinSpacey (‘House of Cards’), JamieFox (‘Django desencadenado’) y JonHamm (‘Mad Men’).
El 18 de agosto 7 de julio podremos verla.
Sinopsis oficial:
Baby, un joven y talentoso conductor especializado en fugas (Ansel Elgort), depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de haber sido forzado a trabajar para un jefe del crimen (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un malogrado golpe amenaza su vida, su amor y su libertad.
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