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Crítica: ‘Hate Songs’

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Sinopsis

Dos actores ruandeses (Nansi Nsué y Boré Buika) y un técnico de sonido belga (Àlex Brendemühl), se reúnen en la antigua sede de la emisora de radio (RTLM) clave en el genocidio ruandés de 1994 para ensayar una ficción sonora y cerrar una herida que aún sigue abierta. A medida que avanza el ensayo, la reconciliación no será tan fácil como creían.

Crítica

Desafía al público con una lección de memoria e introspección

África está muy presente en nuestro cine. Laureadas y aplaudidas fueron películas como ‘Adú’ o ‘Mediterráneo’ en su día. Pero es que tenemos entre manos actualmente cortos y largos inscritos a los Premios Feroz y los Premios Goya como ‘Semillas de Kivu’ o ‘Los cayucos de Kayar’. Desde su estreno en abril se suma ‘Hate Songs’ como un recordatorio más, no solo de que otro cine es posible y sigue vivo, sino de que también hay regiones de nuestro planeta, que forman parte de nuestra historia, que no podemos dejar caer en el olvido. ‘Hate Songs’ es todo un rescate por parte del director Alejo Levis y los guionistas Denise Duncan y Albert Val.

Propaganda del odio, cacería con motivación étnica, exterminio masivo, noticias falsas… Son términos con los que acostumbramos a referirnos a películas inspiradas en la II Guerra Mundial y el Holocausto nazi. Pero son igualmente válidos para lo sucedido en Ruanda entre abril y julio de 1994. ¿Por qué no se habla casi nada entonces de este tema más allá de alguna película como ‘Hotel Rwanda’? Seamos sinceros, no es solo porque no fue un conflicto que llamase a nuestras puertas o alcanzase una escala global, es que a la Europa que en su día era la mayor potencia colonialista no le sale a cuenta. Solo así se puede entender que la cacería de tutsis por parte de los hutus se convirtiese en uno de los mayores genocidios y apenas se mencione hoy en día.

La historia cuenta solo con tres personajes: Stéphanie (Nansi Nsue), Ncuti (Boré Buika) y Simon (Àlex Brendemühl) que plantean un ejercicio de entereza y memoria. Se sitúan en el epicentro de las ondas que difundieron el odio. La emisora RTLM (Radio Télévision Libre des Mille), que en su día fue usada como cizaña para instigar a la masacre, es el único escenario. Allí, personas relacionadas con lo sucedido se disponen a hacer lo que a priori es una dramatización radiofónica, pero a posteriori se desvela como algo más trascendental. La idea de Alejo Levis podría servir para invitar a exponernos y a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es por eso que ‘Hate Songs’ tiene valor, no solo como reivindicación de algo que sucedió en el continente que fue la cuna de la humanidad. Es un ejercicio de reconciliación, redención y exploración de un conflicto que puede extrapolarse a otras contiendas en las que hermanos o vecinos se mataron mutuamente. Es decir, allí donde nació la humanidad aún suceden actos inhumanos, como demuestran las crudas imágenes que abren este filme.

Desde luego que hay introspección y hay puesta en escena teatral. Los tres protagonistas tienen espacio para desarrollar a sus personajes en tan claustrofóbico ambiente. Los tres nos brindan momentos desgarradores y nos llevan por un proceso, que tanto en sus pretensiones como en la exigencia interpretativa, no es nada sencillo. Por desgracia al público actual o a los exhibidores con más alcance parece que les da pereza alinearse con este tipo de propuestas. Pero en ese posicionamiento no hacen más que demostrar que seguimos olvidando y seguimos reticentes a enfrentarnos a problemas arraigados y que se repiten a lo largo de la historia de nuestra civilización.

Ficha de la película

Estreno en España: abril de 2024. Título original: Hate Songs. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan. Música: Asier Renteria. Fotografía: Lali Rubio, Alejo Levis. Reparto principal: Álex Brendemül, Nansi Nsue, Boré Buika. Producción: Mundo Cero Crea. Distribución: Sideral Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/hate-songs

Crítica: ‘Guernica: el último exiliado’

Sinopsis

El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.

Crítica

Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar

‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.

Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.

Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.

Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial: https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado

Crítica: ‘Los cayucos de Kayar’

Sinopsis

Tras 15 años en España como inmigrante, Thimbo visita su pueblo pesquero senegalés, donde le embargan sensaciones encontradas de nostalgia y desarraigo, añoranza y despecho. Además, lidia con la peligrosa influencia que ejerce sobre los jóvenes del pueblo, que lo ven como un ejemplo a seguir y buscan emularlo con un peligrosísimo viaje en patera.

Crítica

Tratando un tema trillado saliéndose de los estereotipos

El director Álvaro Hernández Blanco, comprometido con la cultura y los migrantes mexicanos en anteriores trabajos como ‘Aquí seguimos’ o el libro ‘Migrantes’, es quien ha rodado el corto de media hora ‘Los cayucos de Kayar’. Con él viajamos a África y arranca atacando a aquellos que siendo cortos de miras tergiversan la verdad e incluso su propia realidad no acabando de entender que todos pisamos la misma tierra y procedemos de migrantes. Ciertamente es una lección aplicable tanto en las fronteras estadounidenses como en las españolas.

‘Los cayucos de Kayar’ es un impactante cortometraje documental que nos sumerge en la realidad de la migración africana hacia Europa, narrada desde una perspectiva profundamente humana e incluso simpática en algunos momentos. La historia se centra en los habitantes de Kayar, un pueblo costero en Senegal, donde la pesca, antaño fuente de vida y sustento, ya no provee suficiente para vivir dignamente. Esta crisis empuja a los jóvenes a embarcarse en cayucos, pequeñas embarcaciones precarias, en un peligroso viaje hacia las costas europeas en busca de mejores oportunidades. Aunque todo esto suena a ya visto anteriormente ‘Los cayucos de Kayar’ se sale de la norma. Plantea una curiosa reflexión por parte de Thimbo Samb, el protagonista, el cual es rechazado por algunas personas en ambos países por su condición de migrante. También es dolorosa aquella cavilación, que también es advertencia, que hace ver que por cada senegalés que ha llegado y mostrado que está en Europa, otros muchos han intentado seguir sus pasos acabando en el fondo del mar.

El corto utiliza imágenes cotidianas y testimonios honestos de los propios habitantes de Kayar, que expresan la tristeza de ver partir a sus seres queridos o que expresan cuántas veces han intentado llegar a España. La dirección se centra en capturar no solo las dificultades económicas, sino también el sentir que domina a toda la comunidad cuando ve que todos sus jóvenes se quieren marchar. ‘Los cayucos de Kayar’ es un recordatorio potente y conmovedor de las raíces de la migración y de las injusticias que impulsan a tantas personas a buscar una vida mejor a cualquier precio. Todo ello propulsado por la música de Arturo Cardelús (‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, ‘Dragonkeeper’).

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los cayucos de Kayar. Duración: 29 min. País: España, EE.UU. Dirección: Álvaro Hernández Blanco. Guión: Álvaro Hernández Blanco, Thimbo Samb. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Alvaro Hernández Blanco. Reparto principal: Thimbo Samb. Producción: Fernando J. Monge, Álvar Carretero De la Fuente, Alvaro Hernández Blanco. Distribución: Selected Films Distribution. Género: documental. Web oficial: https://selectedfilms.com/los-cayucos-de-kayar/

Crítica: ‘Ben’

Sinopsis

Ben lleva todo el año entrenando para la competición más importante de su vida.

Crítica

Ben salta al vacío con una sarcástica idea la mar de acertada

Ah, el glorioso fenómeno del balconing y el turismo de borrachera en España, la auténtica muestra europea de sofisticación y respeto por la cultura local. Porque, claro, ¿qué mejor manera de conocer el país que lanzarse desde un balcón a la piscina después de haber ingerido litros de alcohol barato? ¡Es la experiencia cultural definitiva! Gracias a estos «valientes» turistas, los hospitales españoles tienen la suerte de poder atender huesos rotos y alguna que otra contusión cerebral cada verano. Y ni hablar del impacto en la economía local: porque nada dice “apoyo al comercio local” como dejar las calles llenas de restos de fiesta. ¡Qué viva la «aventura» y el «turismo responsable»! Podría seguir líneas y líneas hablando de las virtudes del balconing y el turismo de borrachera, pero qué os voy a contar que no hayáis visto en las noticias o que no ponga en relevancia este cortometraje de Miki Durán.

‘Ben’ es una comedia con un drama de fondo. Existen muchos males que se pueden adjetivar como generacionales. Entre ellos está el turismo de borrachera y derivado de esa lacra, el crecer soportando a visitantes que destrozan impunemente tu ciudad. Por un lado está el cómo se desatan sin control ni consciencia los turistas en España y por otro el hartazgo de los residentes. Miki Durán se lanza a tocar este tema desde el sarcasmo y su cortometraje funciona. Parece que somos el patio de recreo de Europa y que ya es algo “oficial” venir aquí a desfasar en verano, despedidas de soltero u oportunas eliminatorias de la Liga de Campeones. Eso ha llevado a plantear el fenómeno del balconing como si se tratarse ya de un deporte semi-oficial para el que alemanes, británicos u holandeses se preparan durante todo el año.

El cortometraje podría incluso haber sido más mordaz bautizando a su protagonista (Álex Galeote) como Bem en vez de Ben y ese nombre habría servido como acrónimo de “balconing en Mallorca”. Pero con su humor y con su final es suficiente acertando y transmitiendo su mensaje, hasta tal punto que más que verse en nuestras fronteras por eso de que está en la shortlist para los próximos Premios Goya, debería proyectarse en escuelas y universidades de aquellas naciones que aportan más turistas y “riqueza” a nuestro país. ¿Merece la pena el riesgo, el subidón o la breve ovación? Muy válido el escarnio que representa, retratando la estupidez humana que da pie divertimentos de lo más estúpidos, merecedores de un Darwin Award o de que se materialice el ‘Veneciafrenia’ de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Ben. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Miki Durán. Guion: Miki Durán. Música: Sergio Llopis. Fotografía: Pasqual Marí. Reparto principal: Álex Galeote, Julie Nash, Christopher Groves, Alexander Ayres. Producción: West End Pictures, Andreu Fullana Arias, Bastera films, IB3 TV, Mallorca Film Commission, Ayuntamiento de Mallorca, ICIB. Distribución: Selected Films Distribution. Género: ficción, crítica social. Web oficial: https://selectedfilms.com/ben/

Crítica: ‘Los Williams’

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Sinopsis

Dos hermanos, futbolistas, vascos y ‘beltzas’ del Athletic Club de Bilbao, separan sus caminos al decidir jugar el Mundial de fútbol en dos selecciones diferentes, Ghana y España.

Así arranca un retrato en primera persona de Iñaki y Nico Williams a través de tres continentes, durante los dos años más cruciales de su vida, con un acceso único y exclusivo a ellos y a todo su entorno.

Es la increíble historia de dos estrellas internacionales. Dos hermanos, referentes para muchos migrantes, que viven en busca de un espejo en el que reconocerse. No son de aquí, pero tampoco son de allí…

Crítica

Una historia de tesón, éxito y fraternidad en muchas de sus acepciones

Qué tendrá el apellido Williams que brinda buenos deportistas a pares. Si hace poco se indagaba sobre Venus y Serena Williams con ‘El método Williams’, ahora nos quedamos en casa y descubrimos una historia que es un tanto diferente. Con ‘Los Williams’ conocemos más que el día a día de Iñaki y Nico Williams, descubrimos una historia familiar, llena de obstáculos y barreras que superar, de límites por atravesar. Dos hermanos que militan en el Athletic de Bilbao desde que son pequeños pero cuya familia viene de orígenes más que humildes, tercermundistas. De ahí que se de la curiosidad de que aunque nacidos en España actualmente son alineados por distintas selecciones. Mismo equipo, diferentes equipos internacionales. Desde luego la suya es una historia muy diferente a la de las Williams, los De Boer, los Salinas o los Laudrup.

Para aquellos que aún miran con recelo o inclusos racismo a estos dos deportistas, para aquellos que forman parte los deplorables griteríos que se oyen a veces desde la grada, llega este documental que como poco va a recordar que en el Bilbao solo juegan jugadores entrenados desde pequeños en territorios vascos. Ambos nacidos en España, ambos criados en nuestros barrios, pero ambos luchando contra estigmas y con el único objetivo de sacar adelante a una familia que no tenía absolutamente nada y por hacer sentirse orgullosos a aquellos que forman parte de sus raíces.

Como hilo conductor el Mundial de Catar, la Eurocopa de Alemania y la Copa del Rey 23-24. ‘Los Williams’ nos cuenta cómo vivieron estas competiciones ambos hermanos y también sus amigos, padres y familiares ghaneses. Con todo esto el documental va más allá de lo obvio, que no es ni más ni menos que una historia de superación y trabajo como la de muchos deportistas. Se convierte en un relato sobre la emigración, el racismo y la identidad, por supuesto también de la fraternidad. Las ambiciones pueden ser las mismas que las del más común de los futbolistas, pero las motivaciones las comparten con solo unos pocos.

El documental no se sale de la norma a la hora de contar la historia, no emplea artificios, ni montajes novedosos. Pero Raúl de la Fuente atina a transmitir el sentimiento dualizado de estos deportistas como africanos y como vascos. Eso y a señalar que esta es una historia de tesón y éxito aupada por la familia, la sanguínea y la del barrio.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Los Williams. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Raúl de la Fuente. Guion: Amaia Remírez. Música: Mikel Salas. Fotografía: Raúl de la Fuente, Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Iñaki Williams, Nico Williams. Producción: Kanani Films, En Cero Coma, Fremantle España. Distribución: 39 Escalones Films. Género: documental. Web oficial: https://fremantle.es/encerocoma/los-williams/

Crítica: ‘El llanto’

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Sinopsis

Algo acecha a Andrea, pero nadie, ni siquiera ella misma, puede verlo a simple vista. Hace veinte años, a diez mil kilómetros, la misma presencia aterrorizaba a Marie. Camila fue la única persona que pudo entender lo que le ocurría, pero nadie las creyó.

Al enfrentarse a esa amenaza opresiva, las tres escuchan el mismo sonido sobrecogedor. Un llanto.

Crítica

Inquietante y muy bien narrada

Aunque siempre hemos tenido en España buen cine de terror, tenemos que decir que, en los últimos años, gracias a nombres como Paco Plaza o Jaume Balagueró, este género está resurgiendo de muy buena manera en nuestro país. Y nombro primero a Paco Plaza, porque creo que ‘El llanto’ bebe mucho de su cine, de sus planos y de su manera de contar las historias. Y por supuesto es algo que me encanta.

La ópera prima de Pedro Martín–Calero, nos trae una historia dividida en tres capítulos. Tres episodios en los que vamos conociendo a cada una de nuestras protagonistas. Tres mujeres que viven acechadas por una entidad, un edificio y los terribles llantos que llegan desde dentro de éste. Todas ellas están conectadas de alguna manera e intentan descubrir que es lo que les está pasando. No quiero contar mucho más, al final ‘El llanto’ tiene que ser vista sin conocer demasiado e ir desentrañando junto a las protagonistas todos los sucesos que están ocurriendo.

Con guion del propio director junto a Isabel Peña, ‘El llanto’ nos narra de una manera espectacular el terror y la impotencia que están sufriendo estas mujeres. Me gusta mucho también, la naturalidad en los diálogos y situaciones. Eso hace que nos sea una historia cercana y pese al fenómeno sobrenatural

Esto además del buen guion y de la buena dirección, se logra gracias al trabajo de las tres actrices que son las encargadas de lograr que empaticemos con su drama y a las que acompañaremos hasta el desenlace de la película.

Ester Expósito (‘Venus’) ya ha demostrado en más de una ocasión lo gran actriz que es. Con Andrea logra un registro más, un personaje con mucho trasfondo en su interior y que no está pasando por su mejor momento, lleno de ira, de miedo y de confusión.

Mathilde Ollivier (‘Overlord’), es Marie, una mujer misteriosa que reside en Argentina y que deberá asimilar todo lo que le está ocurriendo.

Y, por último, encontramos a Camila, interpretada por Malena Villa. Ella queda impactada con Marie y será la única que se dé cuenta de que algo raro está ocurriendo y cree que puede encontrar la respuesta.

‘El llanto’ está narrada casi como una pesadilla, con unos planos muy generales en los que se esconden detalles que no se ven a simple vista y que dejan una sensación de malestar según los logras ver. La tensión se consigue gracias a todo lo que no logramos ver, pues solo a través de una cámara son visibles.

Sin duda ‘El llanto’ se ha convertido en una de mis películas favoritas de este 2024. En el último Festival de San Sebastián, fue galardonada con La Concha de Plata a la Mejor Dirección y creo que va a conseguir muchos premios más a partir de ahora. Y si ya la viésemos en los Goya, sería un gran triunfo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: El llanto. Duración: 107 min. País: España, Argentina y Francia. Dirección: Pedro Martín-Calero. Guion: Isabel Peña, Pedro Martín-Calero. Música: Olivier Arson. Fotografía: Constanza Sandoval. Reparto principal: Ester Expósito, Mathilde Ollivier, Malena Villa, José Luis Ferrer, Claudia Roset, Lia Lois, Sonia Almarcha, Tomás Del Estal, Lautaro Bettoni, Álex Monner y Pierre Marquille. Producción: Caballo Films, Setembro Cine, Tandem Films, Tarea Fina, Noodles Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/el-llanto

‘Voy a pasármelo mejor’ será la continuación de ‘Voy a pasármelo bien’

El rodaje arranca al son de António Vega, Duncan Dhu, Miguel Bosé, Seguridad Social o Chimo Bayo

En 2022 pudimos ver una de las mejores películas musicales que se han rodado en España en los últimos años. ‘Voy a pasármelo bien’ revivió el ritmo de los Hombres G y a nuestro niño de los 80 y 90. Ahora, la historia continuará por esos derroteros volviendo a contar la historia de Los Pitus. El título de esta nueva aventura transcontinental será ‘Voy a pasármelo mejor’ y se rodará de manera inminente entre Madrid, Valladolid y México.

La debutante Ana de Alva coge el testigo de David Serrano que se mantiene en la producción junto a Luz Cipiriota. Por supuesto, ya que seguimos con Los Pitus, ‘Voy a pasármelo mejor’ estará protagonizada por Izan Fernández, Renata Hermida, Michel Herráiz, Rodrigo Gibaja, Diego Montejo y Rodrigo Díaz, además de Raúl Arévalo y Karla Souza.

En la producción también se mantiene Enrique López Lavigne a través de El Estudio. El exitoso productor español ha declarado: “Evocaremos la memoria musical de los nostálgicos con temas de António Vega, Duncan Dhu, Miguel Bosé, Seguridad Social o Chimo Bayo y dispondremos de una banda sonora original como en los musicales clásicos, a cargo de Alejandro Serrano. Nos centraremos en las aventuras de esta pandilla por abrirse al AMOR. Viajaremos a México para conocer las historias de Layla en la actualidad Karla Souza y asistiremos al reencuentro entre dos mundos y dos generaciones a través de la música latina”.

‘Voy a pasármelo mejor’ es una producción de El Estudio Filmmakers España, en coproducción con Paraíso Torres de Satélite (México), en asociación con Publicis Rebellion y cuenta con la participación de RTVE, Prime Video, ICAA y el Ayto de Valladolid a través de la concejalía de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, mediante Valladolid Film Commission. La película tiene previsto su estreno el 20 de junio de 2025 y será distribuida en España por Beta Fiction Spain.

Sinopsis oficial:

Es 1991 y los Pitus, al llegar el verano, se van de campamento. Al ritmo de las canciones más llamativas del año, cada uno de ellos se enamorará con la ilusión que solo se tiene a los catorce años.

Crítica: ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’

En qué plataforma ver Apocalipsis Z: El principio del fin

Sinopsis

Una extraña enfermedad similar a la rabia empieza a extenderse sin freno por todo el planeta, transformando a la gente en criaturas extremadamente agresivas. Pero Manel (Francisco Ortiz) lleva tiempo viviendo su propio apocalipsis; aún no ha superado la pérdida de su mujer en un accidente, y lleva un año deprimido y aislado de su familia, con Lúculo, su gato, como única compañía. Cuando la enfermedad cobra aún más fuerza, su hermana insiste en que deje Vigo y se reúna con ella en Canarias, pero el plan fracasa. Manel tiene que parapetarse en su casa, recurriendo a su ingenio y habilidades para sobrevivir. Sin embargo, él y Lúculo pronto se ven empujados a salir, y se irán encontrando, por tierra y por mar, con compañeros de viaje improbables pero esenciales.

Crítica

Carles Torrens logra una gran adaptación con estos zombis patrios

Hace unos años descubrí esta trilogía de libros de Manel Loureiro, en la que vemos como Europa es invadida por una gran epidemia de zombies. Cuando me enteré que Prime Video iba a realizar la película me emocioné bastante, pues la verdad que ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ me gustó mucho. Yo lo descubrí ya como novela, pero realmente esta obra comenzó como un blog en Internet que Manel escribía en sus ratos libres, transformándose en un fenómeno viral hasta el día de hoy que ya es cine.

La película, dirigida por Carles Torrens (‘Pet’), nos da mucho de la novela, pero también añade algunas cosas nuevas eliminando otras. Al final se trata de una adaptación y no de una recreación tal cual es la novela. Como adaptación, me ha gustado bastante.

La película nos lleva directamente a ver como España está siendo poco a poco invadida por seres humanos que han contraído un virus y que poco a poco ha ido mutando hasta convertirlos en lo que sería terribles zombis. Pero no zombis tranquilos, no, zombis que corren. Manel, nuestro protagonista, queda anclado en su casa de Vigo, por culpa de varios contratiempos, junto con su gato Lúculo, esperando noticias de su hermana. Así que lo que vemos en esta primera parte, es una lucha por la supervivencia en este mundo que se está destruyendo.

Si es una premisa básica de zombis, pero no solo tenemos esto. También Manel está atravesando un proceso de superación por la pérdida de alguien muy querido y como la soledad no le ayuda nada. Así que, en sus aventuras, encontrará personas que poco a poco harán que todo su trauma vaya desapareciendo.

Como os he comentado, me ha gustado bastante, dista mucho de la novela en varias ocasiones, pero no es algo que me moleste. Al final le han dado mucho más trasfondo al personaje principal para que terminemos empatizando más con él. Si que puedo decir, que quizás el principio se queda un poco sin fuerza, según vamos avanzando, pero tiene un tercer acto lleno de acción que contrarresta con todo y nos deja con muchas ganas de más.

Francisco Ortiz (‘García’), es el encargado de meterse en la piel de Manel, con su traje de neopreno y su gato a todos lados. Berta Vázquez, Iria del Río, Jesús Lloveras, Ali Boulabiar o Arántzazu Ruiz, son parte del reparto de esta película.

Así que ya sabéis, a partir del 31 de octubre, la podéis ver en vuestras casas gracias a Prime Video. Queda claro, que como he comentado al principio, es una trilogía y la película queda bastante abierta para la segunda parte. Sin duda, nos quedamos con ganas de ver cuando llega la siguiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2024. Título original: Apocalipsis Z: El principio del fin. Duración: País: España. Dirección: Carles Torrens. Guion: Ángel Agudo. Fotografía: Edu Canet, Elías M. Félix. Reparto principal: Francisco Ortiz, Berta Vázquez, Iria del Río, José María Yazpik, Jesús Lloveras, Alberto Ladrón de Guevara, Sergio Crespo. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: Prime Video. Género: Acción. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/offers/nonprimehomepage/ref=dv_web_force_root?langua

Palmarés del Festival de San Sebastián 2024

Albert Serra gana con su película sobre la tauromaquia

Aunque la edición de este año del Festival de San Sebastián ha tenido ganadores repetidores como François Ozon (este año se ha llevado su sexto premio) también se ha reservado algunas sorpresas y polémicas. Por un lado tenemos a Paco Plaza llevándose el premio por un documental sobre el restaurante Mugaritz. Por otro a Albert Serra alzándose con el premio principal, la Concha de Oro, por una polémica y cruda película sobre el toreo. Por nuestra parte ardemos en deseos por ver el papel de Patricia López Arnaiz en ‘Los destellos’.

Palmarés de San Sebastián 2024

  • Concha de Oro a Mejor Película: ‘Tardes de soledad’, de Albert Serra
  • Concha de Plata a la Mejor Dirección: Laura Carreira por ‘On Falling’ y Pedro Martín-Calero por ‘El llanto’
  • Concha de Plata a Mejor Interpretación Principal: Patricia López Arnaiz por ‘Los destellos’
  • Concha de Plata a Mejor Interpretación de Reparto: Pierre Lotin por ‘Cuando cae el otoño’
  • Premio Especial del Jurado: A todo el reparto de ‘The Last Showgirl’
  • Premio del Jurado a Mejor Guion: Francois Ozon y Philippe Piazzo por ‘Cuando cae el otoño’
  • Premio del Jurado a Mejor Fotografía: Songri Piao por ‘Bound in Heaven’
  • Premio Nuev@s Director@s: ‘Bager Drama’, de Piet Baumgartner
  • Premio Horizontes: ‘El Jockey’, de Luis Orteg
  • Premio Zabaltegi: ‘Aprili’, de Dea Kulumbegashvili
  • Premio Zabaltegi Mención especial: ‘Monólogo colectivo’, de Jessica Sarah Rinland
  • Premio del público: ‘Por todo lo alto’, de Emmanuel Courcol
  • Premio del público a la mejor película europea: ‘La semilla de la higuera sagrada’, de Mohammad Rasoulof
  • Premio Irizar al cine vasco: ‘Caplin: espíritu gitano’, de Carmen Chaplin
  • Premio Otra Mirada: ‘La luz que imaginamos’, de Payal Kapadia
  • Premio de la Cooperación Española AECID: ‘Sujo’, de Fernanda Valadez y Astrid Rondero
  • Premio Mejor Película Culinary Zinema: ‘Mugaritz. Sin pan ni postre’, de Paco Plaza
  • Premio Feroz Zinemaldia: ‘Tardes de soledad’, de Albert Serra

Este viernes nuevo episodio de ‘El caso Sancho’

Max lanza la segunda parte de esta docuserie

Rodada en España, Colombia y por supuesto Tailandia, la docuserie de Max, ‘El caso Sancho’, narra uno de los casos, aún actuales, más famosos de los últimos años en España. Para indagar obre este suceso dispone de testimonios de Rodolfo Sancho, padre de Daniel Sancho; Darling Arrieta, hermana de Edwin Arrieta; Marcos García Montes, abogado de Daniel Sancho; Ramón Chipirras y Carmen Balfagón, criminólogos de la defensa; así como el equipo de abogados de la acusación, periodistas especializados en el caso y personas del entorno cercano de Edwin Arrieta.

Tanto el primer como el segundo episodio (etiquetados como episodio cero y episodio uno) de ‘El caso Sancho’ han cautivado a la audiencia y se espera aún más de la segunda parte que llega el este viernes 27 de septiembre. A pesar de que ya conocemos la sentencia a cadena perpetua para Daniel Sancho, hay detalles que desentrañar que abrirán cuestiones para algunos de los espectadores.

EPISODIO 2: VERSUS

Un choque cultural tremendo entre Tailandia y España complica mucho más la investigación de este turbio suceso. Rodolfo Sancho se convierte no solo en un padre dispuesto a hacer todo por su hijo, si no en el principal investigador de los hechos.

Mientras los medios de comunicación daban todo por sentado sin cuestionar nada de lo sucedido, Rodolfo Sancho y su equipo legal logran acceder a la causa. A partir de ahí, trazan una línea de defensa basada en el cuestionamiento de la investigación policial.

Ponen en duda las testificales, la detención de Daniel e incluso muchas de las periciales realizadas. Para ellos es todo fruto de un engaño y de una manipulación de la policía para que todo parezca lo que no es. La policía defiende su investigación en una lucha con los argumentos con la familia en lo que se convertirá en el caballo de batalla para ambos. ¿Se trata de un accidente o de un plan urdido de manera tosca? ¿Existe una pelea o hubo premeditación? ¿Qué ocurrió realmente dentro de la villa número cinco del hotel Bougain Villa en la paradisiaca isla de Koh Phangan?

Llega a plataformas ‘Dark girls’

Una antología influenciada por Creepshow o Trick ‘r Treat

Se ha anunciado la llegada a Prime Video España y Filmin de ‘Dark girls’, una antología de terror dirigida por Allan J. Arcal, Carlos Marbán, Toni O. Prats y Bel Armenteros con la colaboración especial de Igna L. Vacas. Está distribuida en España por 39 Escalones Films y es una producción de Recsylvania Films y Panic in Frames, tras su reciente ‘The Nanny´s Night’, estrenada en numerosas partes del mundo.

‘Dark girls’ ha sido proyectada en festivales de cine de género como el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, Chicago Horror (USA), Fright Nights (Austria) y Fant Bilbao (España) entre otros.

Está protagonizada por Anastasia Russo (‘Tin y Tina’, ‘Historias para no dormir’), Alma J. Cerezo (‘Vis a Vis’), Annal Coll Miller (‘Señoras del Hampa’), Aitana Roleytana (‘Camera Café: la película’) y Sara Belmonte (‘Ella es tu padre’). Con la presencia, entre otras, de Nacho Guerreros (‘La que se Avecina’), Lone Fleming (‘La noche del terror ciego’, ‘Viejos’), Elena González (’30 Monedas’) y Raquel Infante (‘Amar es para siempre’).

Sinopsis oficial:

Las pequeñas Chloe, Eva, Lucy y Aurora son las integrantes de un campamento de élite llamado Dark Girls. Este año reciben a Nicole, su nueva monitora, que no tardará en descubrir la extraña manera que tienen las niñas de divertirse en aquel lejano bosque perdido de las montañas.

Presentación de ‘Profanando el sueño de los muertos’

Un libro de Ángel Sala sobre el fantástico Español

Ángel Sala (director del Festival de Sitges) visitará Madrid para presentar su libro bautizado con el título ‘Profanando el sueño de los muertos’, haciendo honor a la película de Jorge Grau. En un acto acogido por la Academia de Cine y acompañado por el cineasta Víctor Matellano que estará sucedido por la proyección de ‘El orfanato’.

El objetivo de este libro es realizar un recorrido y un estudio del cine fantástico español para librarle de la etiqueta de exploitation. Es una edición, revisada y actualizada del ensayo publicado en 2010 por Scifiworld que abarca más de 125 años de historia.

Saldrán a la palestra nombres como Segundo de Chomón, Paul Naschy, Jesús Franco, Narciso Ibáñez Serrador, Rafael Gil, Carlos Serrano de Osma, Fernando Fernán Gómez, Carlos Saura o Manuel Gutiérrez Aragón. Por supuesto también aparecen personalidades más contemporáneas como Alejandro Amenábar, J. A. Bayona, Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró y Paco Plaza, y movimientos subterráneos liderados por cineastas como Nacho Vigalondo, Juan Cabestany y realizadores singulares como Elio Quiroga u Óscar Aibar, sin olvidar fenómenos como el cine ‘low cost’.

‘Profanando el sueño de los muertos’ tampoco se olvida del panorama televisivo, medio que hoy en día capta adeptos al fantástico gracias a las plataformas pero no hay que olvidar que en su día fue el que plantó las semillas. Como también sembraron en su momento autores míticos como Luis Buñuel y José Ramón Larraz.

El volumen no olvida la relevante influencia del medio televisivo en la evolución de lo fantástico, así como la labor de autores que, a pesar de haber desempeñado una mayor parte de su trayectoria fuera de España, pueden considerarse fundamentales en la evolución del género, tales como Luis Buñuel o José Ramón Larraz.

El acto tendrá lugar el viernes 27 de septiembre a las 19h en la Academia de Cine. Aquellos que quieran conectar con Ángel Sala y obtener un ejemplar firmado podrán acudir el sábado 28 a la Filmoteca, donde firmará antes de la proyección de ‘Una vela para el diablo’.

‘Marvel: Universe of Super Heroes’ llega a España

Marvel: Universe of Super Heroes está a punto de aterrizar en España

Tras el éxito de su presentación en Estados Unidos y Suiza la exposición Marvel: Universe of Super Heroes, llega a España con más de 200 piezas originales, que incluye algunos de los elementos de vestuario, accesorios y obras de arte más icónicas de Marvel, muchas de las cuales nunca han sido expuestas al público.

“Nuestra exposición comienza con los orígenes del Universo Marvel y avanza hasta el presente, ofreciendo la oportunidad de ver algunos de los objetos menos vistos y valiosos de las últimas 8 décadas de la historia de la cultura pop, apuntando hacia el futuro con los trabajos de algunos de los principales creadores de hoy en día”, destaca el comisario Ben Saunders, sobre la exposición, producida en España por Semmel Exhibitions y Sold Out, con la colaboración de Disney e IFEMA.

Marvel: Universe of Super Heroes, traza la historia de la compañía y su influencia en la cultura visual, a la vez que descubre las narrativas de personajes icónicos como Capitán América, Spider-Man, Black Panther, Capitana Marvel o Doctor Strange; dando una visión de cómo Marvel ha influido y se ha inspirado en las cambiantes corrientes de la cultura popular. Rastreando cómo sus historias han respondido a eventos históricos y han abordado temas más amplios como el género, la cuestión racial o las enfermedades mentales. Y honrando a los creadores pioneros como Stan Lee, Jack Kirby y Steve Ditko, cuya imaginación convirtió a Marvel en los infinitamente expansivos universos ficticios que conocemos hoy.

“Marvel transformó la idea del superhéroe a partir de los años 60, incrementando el espectáculo visual, el dinamismo emocional y la sofisticación filosófica de los cómics de acción y aventura”, explica Brian Crosby, Ejecutivo de Desarrollo de Experiencias de Marvel.

La exposición que llega ahora a nuestro país contará con obras que entusiasmarán tanto a coleccionistas como a nuevos fans, así como con piezas inmersivas e instalaciones interactivas, que permitirán disfrutar de este universo tan particular en la vida real.

El público visitante tendrá la oportunidad de viajar a través de la misteriosa dimensión espejo de Doctor Strange, ver de cerca bocetos, accesorios y vestuario de los éxitos de taquilla de Marvel Studios; tomarse selfies junto a representaciones de tamaño real de Black Panther, Spide-Man y otros personajes. Ver el arte original de algunos de los cómics más notables de Marvel e incluso entrar en el laboratorio de Tony Stark, para probar por sí mismos las capacidades de la armadura de Iron Man.

La exposición está comisariada por un equipo destacado que incluye a tres estudiosos de los cómics – Benjamin Saunders, Matthew J. Smith y Randy Duncan, todos ellos profesores universitarios y expertos en su campo. Los renombrados escritores y editores de cómics Ann Nocenti y Danny Fingeroth también han contribuido para crear esta extraordinaria muestra sobre el fenómeno Marvel.

A continuación os dejamos el link para las entradas anticipadas y la web oficial de la exposición. Se podrá ver a partir del 15 de noviembre en IFEMA, Madrid. La Exposición Marvel en Madrid: El Universo de Superhéroes (superhero-exhibition.com)

 

 

Crítica: ‘Justicia artificial’

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Sinopsis

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El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘En fin’

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Divertido no apocalipsis que deja con ganas de mas

Prime Video nos trae el fin del mundo de la mano de David Sainz y Enrique Lojo. David Sainz se encargaa de la dirección de los 6 episodios de este divertido apocalipsis.

Un planeta se acerca a la Tierra para terminar con todo lo que conocemos, la humanidad se prepara para el final de todo y muchos deciden desfasar y vivir todo lo que no han vivido hasta el momento. Fiestas, drogas, robos, asesinatos, deseos muy oscuros que aparecen y hacen que la gente pierda el control y disfruten a lo loco. Pero, ¿Qué pasa si el planeta que va a chocar contra la Tierra no se choca? El después es lo que vemos en esta hilarante historia en la que vemos como todo el mundo se comienza arrepentir de todo lo hecho y como otras personas se arrepienten de lo que no han hecho.

Con humor negro y absurdo nos metemos en la historia de desamor de Tomás (José Manuel Poga) y Julia (Malena Alterio), de como cada uno se tomó el apocalipsis de manera diferente y como después de todo lo no sucedido, deben intentar aguantarse para poder ayudar a su hija Noa (Irene Pérez).

‘En fin’ me ha gustado bastante, me he reído mucho y sin duda los seis episodios entretienen un montón. Son cortos y en todos ellos vemos pequeñas historias que rodean a nuestros tres protagonistas. Vemos como les ha ido la resaca emocional de no morir a muchas personas. Como se han tomado la vuelta a esa extraña realidad que se les viene. Aunque parezca una locura, después de pasar una pandemia, muchas situaciones las podríamos ver hasta totalmente posibles.

Javier Botet, Pepa Rus, Victor Rebull, Antonio Dechent, Úrsula Murayama, Luisa Gavasa, Ken Appledorn, Ana Caldas, Leonor Watling, Raúl Cimas, Chenoa, y un sinfín de reparto que logra hacernos reír sin parar. José Manuel Poga, Malena Alterio y Raúl Cimas, son sin duda el alma de la serie. Con sus personajes, tan distintos entre sí, logran crear situaciones muy locas.

El color de las imágenes me parecen muy bien trabajadas, al final tenemos un planeta rojo cerca del planeta y la tonalidad de la luz cambia bastante y logran una tonalidad bastante curiosa. El ritmo de la serie es muy bueno, es rápido, suceden muchas situaciones sin parar y no te llegas a aburrir. Me gustan muchos los comienzos de los episodios, con breves diálogos de varias personas y televisiones, explicando la situación que se está viviendo en ese momento. El montaje de la serie me parece muy bueno y la verdad que te quedas con ganas de más. Eso sí, queda para una posible segunda parte, aunque realmente podría quedar como nos dejan en el último capítulo. Pero sinceramente, ojalá la continúen.

Crítica: ‘Cómo cazar a un monstruo’

Interesante true crime con detención incluída

Prime Video ya nos presentó en su evento ‘Cómo cazar a un monstruo’ un true crime, dirigido por Carles Tamayo en el que vemos como a través de una serie de entrevistas a Lluís Gros, consigue su detención.

Carles Tamayo, es un periodista de investigación, conocido por sus vídeos de Youtube. En los que le hemos visto infiltrarse en la Iglesia palmariana. O su investigación para destapar una estafa piramidal relacionada con la IM Mastery Academy.

En este caso se adentra en su historia más personal. El director y periodista es contactado por Lluís Gros. Regente de un cine en el que Carles Tamayo estuvo muy ligado en su juventud en El Masnou. Este hombre acusado de abuso a menores y con las entrevistas quería limpiar su imagen y sobre todo explicar su vida ligada al cine y el arte.

Es increíble, como Lluís Gros va mareando la perdiz para intentar evitar contestar las preguntas que le va haciendo Tamayo. El periodista lo único que quiere, además de que pague por sus crímenes, es que pida perdón a las víctimas y ese será su principal objetivo.

Me ha gustado bastante esta serie documental. Tres episodios en los que conocemos la historia a través de la mirada de Tamayo, de las víctimas y por supuesto de Lluís, el cual niega rotundamente todas las acusaciones.

El ritmo de la historia me ha parecido curiosa. Al final estamos hablando de un director que se ha dedicado a Youtube durante mucho tiempo y su manera de contar todo es veloz. Con muchas escenas cortas y bien montadas. Un sinfín de recursos multimedia y también con mucha información venida de distintas fuentes. Al final en la actualidad se puede conseguir mucho más fácil la información y poder verificarla.

Me gusta mucho ver la manera de trabajar de Carles Tamayo, tiene su propio equipo y como digo, bastantes herramientas para poder seguir la investigación. Antes de ver este documental, no había visto nada de Carles Tamayo y la verdad que su canal me ha parecido bastante interesante. Me parece estupendo su salto a esta docuserie, que le da más minutos para contarnos toda esta historia y mostrarnos todo el trabajo que lleva detrás la investigación.

Así que ya sabéis, desde ya, tenéis en Prime Video ‘Cómo cazar a un monstruo’. La serie tiene tres episodios de más o menos una hora de duración cada uno.

Títulos españoles presentes en Sitges 2024

Más de cincuenta títulos en todas las secciones y formatos

Se aproxima la 57 edición del Festival de Sitges y a falta de conocer toda su programación de cine fantástico hemos podido leer cuales serán las películas españolas que se proyectarán en la semana y media de festival.

Ya se anunciaron películas como ‘Una ballena’, de Pablo Hernando, ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, de Carles Torrens, ‘Exorcismo’, de Alberto Sedano o ‘The Birthday’ (4K), de Eugenio Mira, cuya celebración del 20 aniversario de su estreno estará acompañada por la presencia de Corey Feldman, el actor y cantante conocido como Mouth de ‘Los Goonies’.

SOFC

‘Bodegón con fantasmas’ – Enrique Buleo (Estreno Mundial)

‘Daniela Forever’ – Nacho Vigalondo (Estreno Europeo)

‘Luna’ – Alfonso Cortés-Cavanillas (Estreno Mundial)

‘Rich Flu’ – Galder Gaztelu-Urrutia (Estreno Mundial)

‘Una ballena’ – Pablo Hernando (Estreno Europeo)

Sitges Collection

‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ – Carles Torrens (Estreno Mundial)

‘El llanto’ – Pedro Martín-Calero

‘Mariposas, negras’ – David Baute (Estreno Español)

Noves Visions

‘Centaures de la nit’ – Marc Recha (Estrena Mundial)

‘Infinite Summer’ – Miguel Llansó (Estreno Español)

Anima’t

‘Dalia y el Libro Rojo’ – David Bisbano (Estreno Mundial)

Panorama

‘Estela’ – Adrián Araujo (Estreno Mundial)

‘Historias de Halloween’ – Kiko Prada

Sitges Clàssics

‘Drácula contra Frankenstein’ (4K) – Jesús Franco

‘Dr. Jekyll y el hombre lobo’ – León Klimovsky

‘El conde Drácula’ – Jesús Franco

‘El extraño amor de los vampiros’ – León Klimovsky

‘La saga de los Drácula’ – León Klimovsky

‘Las vampiras’ – Jesús Franco

‘The Birthday’ (4K) – Eugenio Mira

‘Último deseo’ – León Klimovsky

‘Balada triste de trompeta’ – Álex de la Iglesia

Cortometrajes

‘Crimson Harbor’ – Víctor Bonafonte (Anima’t)

‘El mal donat’ – Hector Mas y Alfons Casal (Noves Visions)

‘Imago’ – Rafa Dengrá (SOFC)

La valla – Sam Orti (Anima’t)

‘Los comensales’ – MJ Fuentes (Sesiones Especiales)

‘Malet’ – Roger Danès y Alfred Pérez Fargas (SOFC)

‘Tengo que acabar el puto TFM’ – Estíbaliz Burgaleta y Andrea Casaseca (Sesiones Especiales)

‘The Merchant’ – Gabriel Campoy y Guillem Lafoz (Sesiones Especiales)

‘Triangle’ – Joseph Díaz (SOFC)

‘When It Comes (It Will Have Your Eyes)’ – Izibene Oñederra (Anima’t)

Brigadoon

‘Céntrico’ – Luso Martínez (Cortometrajes)

‘El Cristo de la Calavera’ – Chus Lara (Cortometrajes)

‘El fantasma de la mediocridad’ – Naxo Fiol (Cortometrajes)

‘Este será el último. Naxo Fiol y su camarita’ – Carlos J. Lafuente Cerdán & Xavier Gullaumes (Largometrajes Documental)

‘José Lifante, una aventura en el cine’ – David García Sariñena (Largometrajes Documental)

‘La tumba de la isla maldita’ – Julio Salvador & Ray Danton (Largometrajes)

‘Los albores del Kaiju Eiga’ – Jonathan Bellés (Mediometrajes)

‘The Harvest’ – David Barrera y Manuel Carballo (Cortometrajes)

‘Voyager’ – Pablo Pagán (Cortometrajes)

Sitges Family

‘Cuando llegue la inundación’ – Antonio Lomas Domingo (Cortometrajes)

‘El atrapasueños’ – Guillermo Patrikios (Cortometrajes)

‘Flocky’ – Esther Casas Roura (Cortometrajes)

‘Gizaki’ – Xanti Rodríguez (Cortometrajes)

‘La gran cita de Conej’ – Pablo Río Gómez (Cortometrajes)

‘Sincopat’ – Pol Diggler (Cortometrajes)

‘Superklaus’ – de Steve Majaury & Andrea Sebastiá (Largometrajes)

‘Un placer (A pleasure)’ – Sonia Estevez (Cortometrajes)

‘Malas hierbas’ – Cristina Merino (Cortometrajes)

‘Buffet Paradís’ – Héctor Zafra y Santi Amézqueta (Cortometrajes)

Crítica: ‘El 47’

Sinopsis

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En los años 60 y 70, la periferia de Barcelona se ha formado y construido en su mayor parte por inmigrantes extremeños y andaluces que han levantado los barrios con sus propias manos, pero no están considerados como parte de la ciudad. Sus chabolas ni siquiera tienen agua corriente o electricidad. Harto de que el Ayuntamiento diga que el transporte público no puede llegar a la zona porque las calles son demasiado estrechas e inseguras, el conductor de autobús de la TMB Manolo Vital (Eduard Fernández) intentará demostrar, al volante de “El 47”, que las autoridades se equivocan.

Crítica

Un ‘Cuéntame’ a lo barriada catalana

En toda civilización se han constatado éxodos hacia los grandes núcleos urbanos. La protección y abundancia de los ecosistemas artificiales creados por el hombre atraen a los necesitados y a los hambrientos de fortuna como la miel a las moscas. En códigos modernos decimos que el movimiento interno más común dentro de España es aquel que lleva a los llamados provincianos a huir de las crisis y las miserias de su tierra hacia las urbes, presuntamente repletas de oportunidades. Esto perdura hoy en día y un servidor es también testigo y partícipe de ello al haberme visto obligado a migrar por la falta de trabajo en tierras como las salmantinas y las cacereñas, de donde procede también el protagonista interpretado por Eduard Fernández.

La de ‘El 47’ es una historia aún más dramática, quizá germen, desde luego contribuyente, de ese mal que hoy llamamos la “España vaciada”, pues se enmarca en una ciudad creciente como Barcelona que por entonces estaba rodeada de precariedad y no paraba de recibir extremeños, murcianos y andaluces por doquier. Aunque su historia de desahucios y de poblados chabolistas aún se ve hoy en día, nos traslada a un 1958 con muchísimo por mejorar, en el que los ciudadanos estaban evidentemente más desprotegidos. Bien es cierto que el tiempo nos permite establecer una comparativa alentadora, pero ‘El 47’ nos recuerda que hay aún hay mucho por andar a nivel individual, que la rutina de nuestro día a día no nos puede impedir ponernos en la piel de aquellos con los que nos solemos topar.

Torre Baró es el barrio del Nou Barris, del extrarradio de la Ciudad Condal, que ocupa esta narración. Una zona que fue creada de la nada hace poco más de cincuenta años y que hoy en día alberga a casi tres mil habitantes. ‘El 47’ nos recuerda que en el siglo pasado tuvimos nómadas en España, que ellos son los que transformaron realmente nuestras capitales. A penas quedan gatos en Madrid, ¿verdad? Para encarrilar esta historia de evidente carácter social, algo nada raro en la filmografía de Marcel Barrena (‘Mediterráneo’), nos presentan a Manuel Vital, del cual vemos imágenes de archivo al final del filme. Él era un conductor de autobús que tenía que darse buenas palizas para llegar hasta su trabajo en el centro de Barna, al igual que todos sus vecinos. Si queréis marcaros una maratón de cine comprometido y de concienciación podéis ver esta película y la recientemente estrenada, ‘Los indeseables’. Ambas tienen valores y carácter suficiente como para hacer que mires de otra manera a aquellos con los que coincides en el metro, pero que seguramente vienen de mucho más lejos.

Aún hoy en día existen en España barrios con carencias, casi tercermundistas, repletos de jóvenes que sienten vergüenza de sus orígenes y poblados por vecinos impotentes y anulados. No hablo de absolutamente todas las barriadas de España, es cosa de excepciones. Lo mejor que hace ‘El 47’ es recalcar que en esos lugares a los que a priori se achaca un carácter delincuente o cuanto menos peligroso, hay personas de bien consideradas o tratadas como insignificantes a pesar de ser parte de esa base social que cimenta nuestra sociedad. Barrena atina también a mostrar, como en tanas películas de David contra Goliat, que curiosamente el sistema que sustentan les machaca con la burocracia y el ostracismo. Aunque la narración es eficiente y se ve claramente su intencionalidad, hay que reconocer que ‘El 47’ redunda mucho en la miseria de sus personajes, enarbolando reiterativamente un discurso sobre la decencia de aquellos que quieren echar raíces y prosperar, retardando hasta casi una hora la aparición del vehículo que da título al filme.

Si hay que ponerle una pega al filme es el excesivo tiempo que emplea en ponernos en situación. Y hablando de enmarcar la historia, en un par de ocasiones se lleva a cabo una fusión entre imagen de archivo y el metraje rodado, al estilo ‘Cuéntame cómo pasó’. Ese carácter familiar y nostálgico de la serie de TVE está presente también en ‘El 47’. Curiosamente un actor recurrente de esa serie como es Carlos Cuevas está en el reparto y aparece de vez en cuando. Lástima que, aunque como siempre consigue una gran verosimilitud en su personaje, Eduard Fernández tenga también tenga algo intermitente en su personaje, un acento extremeño que pierde en muchas escenas.

Resulta entrañable y es digno de dedicarle una pequeña reflexión esas escenas en las que el conductor habla con sus pasajeros habituales. Hoy en día no dedicamos espacio casi ni a saludar a quien nos lleva a nuestro destino, quizá amparados en el cartel de “Se prohíbe hablar con el conductor”, quizá porque anteponemos nuestros problemas a los suyos considerándole una parte de la máquina motorizada que nos transporta. Es una reflexión casi desesperanzadora, que puede hacer que en cierto sentido te derrumbes, como lo hace la última escena, interpretada por un personaje que parece que tiene una trama un tanto descolgada y resurge al final para brindarnos un momento la mar de emotivo, quizá un tanto alargado.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de septiembre de 2024. Título original: El 47. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Alberto Marini. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Carlos Cuevas, Salva Reina, Oscar de la Fuente, Vicente Romero, Betsy Túrnez, David Verdaguer. Producción: The Mediapro Studio, RTVE, 3Cat, Triodos Bank, ICO. Distribución: The Mediapro Studio. Género: drama.

Crítica: ‘Kaos’

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Divertida, amarga y muy retorcida, ‘Kaos’ nos adentra en el Olimpo griego

¿Qué pasaría si los Dioses de Grecia estuviesen aun dirigiendo la Tierra desde el Olimpo? ‘Kaos’ nos muestra esta fantasía en la que Zeus comienza a agobiarse por culpa de una arruga en su frente. Esto hace que entre en una desconfianza con todo. Además los humanos también inician una pequeña rebelión, lo cual no le gusta nada al Dios de los Dioses. Zeus, Dioniso, Hera, Poseidón y Hades, son los principales dioses que veremos en la serie. Mientras que Riddy, Orfeo, Ceneo y Ari, son los humanos que van a tener un importante papel en el desarrollo del desenlace de la historia.

‘Kaos’ es una comedia bastante ácida y amarga. Me ha gustado mucho el ritmo de la historia, como vamos conociendo a todos los personajes sin prisas, de manera individual y como se van entrelazando sus historias. La apuesta en escena también me parece muy cuidada al milímetro. La ostentosidad de los Dioses, con sus grandes palacios con piscinas, miles de habitaciones y ropas modernas y horteras. Todo lleno de lujos y objetos por todos lados y sobre todo, lleno de color. De esto, pasamos al blanco y negro del reino de Hades, con imágenes super limpias, donde encuentras una extraña tranquilidad, aun sabiendo que es el reino donde van las almas después de morir en la Tierra. Esa paz se refleja con esos grises, con el mar y con lugares minimalistas.

La serie está rodada en gran parte en España, lugares como el Cabo de Gata, Málaga o la Plaza de España de Sevilla se dejan ver en ‘Kaos’. También tuvo lugar alguna parte del rodaje en Londres.

 

Charlie Covell, es la creadora y guionista de la serie. Sin duda se nota que tiene un humor bastante turbio, pues también es la creadora de ‘The End of the F***ing World’, una serie que también es bastante ácida. Runyararo Mapfumo (‘Sex Education’) y Georgi Banks-Davies (‘Paper Girls’) son las encargadas de dirigir maravillosamente los 8 episodios de ‘Kaos’.

En el reparto tenemos a Aurora Perrineau, Debi Mazar, Sam Buttery, Daniel Monks, Gabby Wong, Robert Emms, Nabhaan Rizwan, Killian Scott, Billie Piper, Leila Farzad, David Thewlis, Rakie Ayola o Cliff Curtis.

Pero sin duda los tres personajes que más me han gustado, han sido, Zeus, Hera y Prometeo. Interpretados por Jeff Goldblum, Janet McTeer y Stephen Dillane, respectivamente. Tres personajes fuertes y con muchas intrigas por resolver.

Lo que quizás me ha dejado bastante fría es con su desenlace, pues pensé que era una miniserie y el final lo dejan bastante abierto. Pero aun así, recomiendo muchísimo ‘Kaos’, es de estas series de las que se van hablar muchos. A partir de el 29 de agosto de 2024 podréis disfrutarla en Netflix.

SONAFILM ya está en marcha

‘Música de Cine: Made In Spain 2’ sonará en SONAFILM 2024

Después del éxito conseguido en 2023, SONAFILM, Festival de Música de Cine Marina Alta, celebrará el 16 de agosto a las 20:30 horas en el Auditori de Calp, la segunda parte del concierto “Música de Cine: Made In Spain 2”. Donde se reivindicará la música creada para el audiovisual español, con la presencia de destacados compositores del panorama nacional.

“Se trata de un concierto sinfónico único en nuestro país, ya que está dedicado íntegramente a las composiciones creadas para producciones nacionales”, señalan los responsables del festival. Y al igual que el pasado año, se subirán al escenario varios de los compositores invitados. En esta ocasión, los artistas confirmados son Zacarías M. De La Riva (‘Bajocero’, ‘Las aventuras de Tadeo Jones’), Darío Palomo (‘Amar es para siempre’), Manuel Gil-Inglada (‘Barrio Sésamo’, ‘Saber y ganar’), Vicent Ortiz Gimero (‘Los Farad’) y Paula Olaz (‘Bajo terapia’).

De interpretar las composiciones se encargará la Universal Symphony Orchestra, orquesta residente de SONAFILM, bajo la batuta de su director titular, José Martín Colomina.

Festival de música de cine Marina Alta

La sexta edición de SONAFILM se desarrollará del 2 al 24 de agosto en las localidades de Ondara -principal fundadora-, Dénia, Calpe, «l’Auditori Teulada Moraira» y Beniarbeig, que este año se suma al festival.

La programación completa acogerá eventos diferentes entre sí y que cubren un gran abanico de estilos musicales relacionados con el audiovisual, así como actividades didácticas.

Desde la organización de SONAFILM también destacan y agradecen a las empresas y entidades que este año apoyan el festival a través de patrocinios y colaboraciones y que han sido una parte clave, junto con los municipios participantes, para poner en marcha esta nueva edición.

Crítica: ‘Cuerpo escombro’

Sinopsis

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Ante los problemas para encontrar trabajo y liado por su hermano Fermín, Javi se hace pasar por discapacitado para conseguir un puesto que necesita desesperadamente. Pero fingir parálisis cerebral es más complicado de lo que parece, sobre todo, cuando se enamora de su jefa.

Crítica

Una comedia con poco filtro y demasiado romance

Dani Rovira saltó a la gran fama cinematográfica gracias a los chistes regionalistas de ‘Ocho apellidos vascos’. Ahora regresa al norte buscando volver a hacernos reír, solo que con temas algo más comprometidos. No se va a los extremos dramáticos y sociales como los de películas del tipo ‘Mediterráneo’ pero si se atreve con ciertos temas delicados, de salud en concreto. Si hace poco abordaba el cáncer con ‘El bus de la vida’ ahora con ‘Cuerpo escombró’, toca la inclusión con respecto a la discapacidad.

‘Cuerpo escombro’ es una película que se aventura con un vehículo a veces tan arriesgado como el humor en los terrenos de la inclusividad, logrando un equilibrio delicado y en ocasiones efectivo, nunca ofensivo. Oiréis insultos como “monguer”, “tullido” o “tontito” pero en ningún momento reflejan una intención insultante, sino el retrato de individuos que por desgracia existen aún hoy en día. La cinta se destaca por su habilidad para tratar asuntos serios y contemporáneos con un tono ligero y accesible, lo que permite a la audiencia reflexionar ligeramente mientras se divierte.

A pesar de que el protagonista es Dani Rovira y tiene la mayor cantidad de líneas compuestas por chistes, uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Ernesto Sevilla, cuyo estilo cómico y carisma natural se traduce en los momentos más hilarantes de la cinta. Sevilla logra robarse cada escena en la que aparece, proporcionando una dosis constante de risas que aligera el contenido más serio y romántico de la trama.

Sin embargo, ‘Cuerpo escombro’ dista de ser perfecta, tal y como dicen en el filme, todos somos imperfectos. Una de sus debilidades reside en el exceso de metraje dedicado a la trama romántica que, si bien nos brinda alguna escena entrañable, resulta innecesariamente larga, diluyendo el ritmo de la narrativa principal. Estas escenas a menudo se sienten como relleno, muy de sitcom estándar, restando dinamismo a una historia que brilla más cuando se centra en su mensaje principal y en sus momentos de humor.

‘Cuerpo escombro’ recuerda al estilo característico de Santiago Segura, conocido por sus múltiples colaboraciones y cameos. ‘Cuerpo escombro’ está plagada de pequeñas participaciones que enriquecen el tapiz cómico del film, proporcionando una variedad de rostros familiares que el público español reconocerá y disfrutará pues están dispuestos para aumentar la cadencia de gags. Esta estrategia intenta añadir valor al filme, pero considero que solo funciona de manera efectiva cuando aparece El Langui.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Cuerpo Escombro. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Curro Velázquez. Guion: Curro Velázquez. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Néstor Calvo. Reparto principal: Dani Rovira, Ernesto Sevilla, El Langui, Antonio Resines, Cassandra Ciangherotti, Omar Chaparro, María Hervás, Tito Valverde, Leo Harlem. Producción: Morena Films. Distribución: Buena Vista International. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/noticias/ya-disponibles-el-trailer-y-el-poster-oficiales-de-cuerpo-escombro-en-cines-el-9-de-agosto/

Crítica: ‘Those about to Die’

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Los juegos romanos más vivos que nunca 

Robert Roda guionista de maravillas como ‘Salvar al soldado Ryan’ o ‘El Patriota’, entre otras, nos lleva a Roma con ‘Those about to Die’. A este proyecto se unen, Roland Emmerich (‘Moonfall’, ‘Independence Day’) y Marco Kreuzpaintner (‘Bodies’) como directores de esta serie de 10 episodios. Basada en la novela de Daniel P. Mannix, que como curiosidad también fue la inspiración para ‘Gladiator’.

Nos vamos a la época del Emperador Vespasiano, mas en concreto al año 79 d.C. Roma es la ciudad del Imperio Romano más rica del mundo. Y tenemos a una población aplacada gracias al Panem et Circenses, pan y circo. Comida gratis y entretenimiento espectacular, carreras de cuadrigas y luchas de gladiadores. Violencia, traiciones, conspiraciones y por supuesto alguna que otra catástrofe.

Como podéis ver, me ha gustado bastante, se nota mucho la mano de Emmerich, su manera de rodar las escenas de acción, pues hay muchas y por supuesto, lo que le gusta una buena catástrofe, aunque no sea el centro de la trama.

Tenemos varias tramas en la serie, desde el emperador y sus hijos, una madre intentando salvar a sus tres hijos de la esclavitud, los gladiadores, los corredores de cuadrigas y sus negocios, no solo las apuestas si no también la compra de caballos, las ricas familias romanas que eran las que realmente movían todo el negocio y tenemos un eje central que es el personaje de Tenax, que va con unos y con otros sacando beneficio por todos lados.

‘Those about to Die’ está muy bien narrada. Tiene unas imágenes super potentes para demostrarnos la dureza de los distintos juegos romanos con los que entretenían al pueblo. Las carreras de cuadrigas son tremendamente espectaculares, como digo tienen una dirección muy buena y nos deja ver lo cruentas que eran, que no solo era correr montado en la cuadriga, sino, manejar a los caballos en esa pequeña guerra que se formaba dentro del circo. Y qué decir de los espectáculos de gladiadores, lleno de bestias, y no solo estamos hablando de leones, tigres o elefantes, sino de los seres humanos intentando sobrevivir los unos contra los otros. Además, una de las escenas más espectaculares la veremos cuando se llena de agua el Coliseo y tenemos un montón de cocodrilos ávidos de sangre.

Pero la serie no sería lo mismo sin el pedazo de reparto que tiene. Como mención especial tengo a dos actores, Iwan Rheon, su personaje Tenax, es sin duda lo mejor de la serie, va de un bando a otro, intentando no morir en el intento y manejando las apuestas de lo distintos juegos y también manejando a todos los personajes que andan detrás de estas.

Sara Martins, en el papel de Cala, esta madre coraje que va desde el desierto a Roma para intentar salvar a sus tres hijos que han sido esclavizados. Me encanta la evolución de su personaje y de cómo logra meterse en todos los entresijos y conspiraciones posibles.

Pero vamos, el reparto en general es totalmente estelar, empezando con Sir Anthony Hopkins como Vespasiano, al que le acompañan Tom Hughes y Jojo Macari como sus dos hijos y futuros emperadores romanos. Dimiri Leonidas, Gabriella Pession, Rupert Penry–Jones, Kyshan Wilson, Moe Hashim, Angeliqa Devi, entre muchos otros. Otra mención especial para los españoles Eneko Sagardoy y Pepe Barroso, que tienen una de las tramas más entrañables de la serie.

‘Those about to Die’ también nos empapa gracias a su banda sonora, de Andrea Farri, que compone temas bastante épicos. Además de los cuidados de todos los detalles, peinados, vestuario, colores, todo está muy estudiado al mínimo detalle.

No os puedo decir mucho más, solo que no os la perdáis, a partir del día 9 de agosto a tendréis en Prime Video. La serie cuenta con 10 episodios de 1 hora aproximadamente cada uno que sin duda no os va a defraudar.

Presentación de ‘La trampa’ junto con sus protagonista

M. Night Shyamalan, Saleka Shyamalan y Josh Hartnett en Madrid

El próximo 9 de agosto llega a nuestras pantallas ‘La trampa’, la nueva película de M. Night Shyamalan. Y hemos tenido la ocasión de poder acudir a la presentación de su película y poder fotografiarle a él y parte de su equipo en el photocall que han montado en el Hotel Four Seasons de Madrid.

El director, junto con su hija Saleka Shyamalan actriz y cantante y con el actor Josh Hartnett, han acudido a un pase en el centro de Madrid y después a una fiesta donde la joven ha dado un concierto.

Pero a esta fiesta no han venido solos y hemos visto caras muy conocidas del mundillo. Carlos Santos, Javier Bódalo, Irene Villa, Ruth Armas, Santi Alverú o Samantha Hudson entre muchos otros han acudido al evento. 

La película trata nos cuenta como un padre y su hija adolescente asisten a un concierto de música pop, donde se dan cuenta de que están en el centro de un oscuro y siniestro suceso.

Os dejamos todas las fotografías del evento y un vídeo del mismo.

 

Tráiler de ‘Soy Nevenka’

‘Soy Nevenka’ llega el próximo septiembre a nuestras pantallas

Iciar Bollaín regresa a nuestras pantallas con ‘Soy Nevenka’, una película producida por Kowalski Films, Feelgood Media, Nva Peli AIE y con la producción asociada de Garbo Produzioni (Italia).

‘Soy Nevenka’ llega a nuestras pantallas de cine el próximo 27 de septiembre de 2024, en salas de cine en España. El Festival de San Sebastián acogerá la première mundial, que además, formará parte de la Sección Oficial del certamen en su edición número 72.

Inspirada en el libro Hay algo que no es como me dicen, de Juan José Millás, ‘Soy Nevenka’ está protagonizada por Mireia Oriol y Urko Olazabal. Los acompañan Ricardo Gómez, Carlos Serrano, Lucía Veiga, Luis Moreno, Javier Gállego, Mercedes del Castillo y Font García.

La directora de ‘Maixabel’, se inspira en el caso real de Nevenka Fernández, la concejala de Hacienda del Ayuntamiento de Ponferrada que consiguió, por primera vez en España, una condena a un político por acoso.

A continuación, tenéis el tráiler de la película.

Sinopsis

En el año 2000, Nevenka Fernández, de 24 años, concejala de Hacienda en el Ayuntamiento de Ponferrada, sufre una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público.

Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia inspirada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral.

Crítica: ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’

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La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.

Crítica

Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa

‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de Guy Ritchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.

Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.

Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.

Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/

Presentación del nuevo Contenido Original de Prime Video

Grandes sorpresas nos esperan este año en Prime Video

Estuvimos en la presentación de contenido de Prime Video. El evento se ha celebrado tras un primer semestre de récord para Prime Video en España, en el que la serie Original ‘Reina Roja’ se ha situado entre los 10 títulos más vistos internacionalmente durante su estreno, y ‘Operación Triunfo’ se ha convertido en el contenido Original local más adquisitivo en la historia de Prime Video en España.

Estrellas de la talla de Mario Casas (‘No matarás’), Elena Anaya (‘La piel que habito’), Malena Alterio (‘Que nadie duerma’), Najwa Nimri (‘La casa de papel’), Anna Castillo (‘El olivo’) y Maxi Iglesias (‘Los artistas: primeros trazos’) y directores de prestigio como (‘Dani de la Torre (‘La sombra de la ley’), Paula Ortiz (‘La novia’) o Hugo Stuven (‘El desafío’) subieron al escenario junto a Ricardo Cabornero, Director de Prime Video en España y Portugal; María José Rodríguez, Responsable de contenidos Originales de Prime Video en España; y José Luis Gómez, Responsable de adquisición de televisión de Prime Video en España.

«Estamos encantados de celebrar un año récord hasta la fecha para Prime Video en España«, dijo Ricardo Cabornero, Director de Prime Video en España y Portugal. «Nuestra continua inversión local en la producción y adquisición de series, películas y entretenimiento en directo, junto con nuestra creciente cartera de canales de primer nivel y nuestra amplia oferta de películas a través de la Tienda de Prime Video, así como nuestro catálogo de películas y series Originales globales, nos permite ofrecer una variedad y un valor inigualables para nuestros clientes de Prime en España, en línea con nuestra ambición de convertirnos en el primer destino de entretenimiento para nuestros suscriptores.»

«El diverso y ambicioso catálogo de producciones Originales españolas ha capturado claramente la imaginación tanto de la audiencia en España como del público global en Prime Video«, añadió María José Rodríguez, Responsable de contenidos Originales de Prime Video en España. «Estamos incorporando más thrillers apasionantes, comedias hilarantes, talent shows entretenidos y documentales impactantes a nuestro catálogo, y creemos que nuevos títulos como Zeta y Cochinas cautivarán y sorprenderán aún más a los clientes de Prime Video en todo el mundo.»

Os dejamos un pequeño vídeo del evento.

Apuesta por el cine español

Los clientes de Prime podrán disfrutar de una amplia variedad de películas Originales locales de gran calidad este año.

  • ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ que se estrenará el 31 de octubre.
  • ‘Culpa mía’, que se ha convertido en la película internacional más vista en la historia de Prime Video a nivel mundial.
  • ‘Viaje de fin de curso’, protagonizada por Berta Castañé y Yolanda Ramos.
  • El drama juvenil ‘Enemigos’, con los actores emergentes Christian Checa y Hugo Wezel.
  • Y el thriller de acción ‘Zeta’, con el aclamado actor Mario Casas.
  • A esperada historia basada en hechos reales de la extraordinaria y trágica vida de Hildegart Rodríguez, ‘La virgen roja’ protagonizada por Nawja Nimri y Alba Planas, se podrá disfrutar en cines a partir del 27 de septiembre.
  • ‘Sigue mi voz’ con Berta Castañé y Jae Woo, se estrenara el 14 de febrero.

Gran oferta en series

  • Prime Video ha confirmado que la exitosa serie Original ‘Reina Roja’ regresará con la tercera temporada, tras el éxito internacional de la primera temporada y la esperada segunda temporada que se estrenará próximamente.
  • En 2025 llegará la comedia ‘Cochinas’, protagonizada por la ganadora del Goya Elena Anaya. Y la serie de acción ‘Punto Nemo’, protagonizada por un gran reparto coral que incluye a Óscar Jaenada, Alba Flores y Maxi Iglesias entre otros.
  • También se ha presentado la postapocalíptica ‘En fin’, que se estrenará en septiembre y de la segunda temporada de ‘Citas Barcelona’, que estará disponible este otoño. El servicio también ha anunciado que la aclamada y divertida serie ‘La que se avecina’ volverá a Prime Video con una 15ª temporada a finales de este año.

Operación Triunfo vuelve en septiembre de 2025

  • El primer programa de entretenimiento en directo de Prime Video y el contenido Original español que ha impulsado más suscripciones nuevas a Prime, ‘Operación Triunfo’, regresará a las pantallas de España y Latinoamérica con una nueva edición en septiembre de 2025.
  • OT23: La gira, constará de dos capítulos que se estrenarán este septiembre en Prime Video; un documental de 60 minutos que seguirá a los concursantes mientras se embarcan en la gira musical, y una nueva película especial del concierto grabado en el WiZink Center de Madrid, que ofrecerá a los fans una visión única de la gira OT23.

Tres docuseries de true crime y nuevas temporadas de las series más aclamadas

  • ‘Como cazar a un monstruo’, llegará el 6 de septiembre y sigue la historia del Youtuber y cineasta Carles Tamayo en su intento de buscar justicia ante la impunidad de un pederasta que vive al margen de la ley; ‘Medina: El estafador de famosos’, sobe el presunto estafador de famosos, Antonio Medina, que se estrenará este octubre; e ‘Infiltrada en el búnker’, sobre la infiltración más larga en un laboratorio farmacéutico europeo, prevista para el próximo año.
  • ‘La Joia: Bad Gyal’, documental que sigue a la exitosa cantante.
  • ‘Pombo’ volverá con una cuarta temporada tras el estreno de su tercera entrega este octubre. Y la popular docuserie ‘Dulceida: Al desnudo’, que regresará con una segunda temporada el año que viene centrada en el viaje de sus protagonistas, Aida y Alba, hacia la maternidad.
  • Prime Video, también ha anunciado que la docuserie de Elías León Siminiani, ‘El Circo de los Muchachos, se estrenará en noviembre, y que la docuserie ‘Calleja en el espacio’ que verá al conocido aventurero Jesús Calleja convertirse en el primer español no astronauta en viajar al espacio. El servicio también ha desvelado el tráiler de ‘Courtois: la vuelta al número 1’ que se estrenará el 20 de septiembre.

‘El niño’ de Fernando Aramburu llegará a Netflix

Mariano Barroso continúa su relación con Netflix y dirigirá ‘El niño’

Netflix nos trae una nueva adaptación de un libro a nuestras pantallas. Mariano Barroso (‘Los Farad’) dirigirá y guionizará la película de ‘El niño’, adaptación de la novela de Fernando Aramburu (‘Patria’). Producida por el propio director junto a Rafa Portela.

Barroso ha comentado: “Estoy encantado de continuar mi relación con Netflix, ahora desde el guion y la dirección de mi próxima película. Trabajar con los equipos de esta casa es una de las mejores experiencias de mi carrera. Adaptar ahora la novela de Fernando Aramburu es un gran reto y un privilegio emocionante”.

El escritor de ‘El niño’ ha comentado “A lo largo de los años el accidente de Ortuella me interpeló con fuerza. Sentía como si reclamara un espacio propio en la serie de historia titulada Gentes vascas, que yo me propongo contar. El proyecto de adaptación al cine por parte de Netflix me complace sobremanera y al mismo tiempo me afianza en el convencimiento de que los niños fallecidos en aquella tragedia de 1980 merecen un lugar digno en nuestra memoria”.

‘El niño’ narra la historia de Nicasio, un octogenario que acostumbra a subir los jueves al cementerio de Ortuella para visitar la tumba de su nieto, uno de los muchos niños que fallecieron en una explosión de gas en un colegio en octubre de 1980. Este suceso, que conmocionó al pueblo vasco y a toda España, nos llevará a conocer cómo afectó y cambió las vidas de esa y muchas otras familias. Una historia de emociones inesperadas y exploración psicológica que se unen en un viaje único conducido por sus personajes protagonistas.

Crítica: ‘Las pelotaris 1926’

Unas pioneras olvidadas como Las Raquetistas no se merecen el trato de telenovela

SkyShowtime estrena ‘Las pelotaris 1926’ el próximo 5 de julio. Esta serie de 8 episodios de aproximadamente una hora cada uno narra como tres pelotaris vascas y una mexicana intentan abrirse paso entre los prejuicios y obstáculos habituales para las mujeres en los “felices años 20”. Jugaron en los frontones vascos o en aquellos madrileños ubicados en las Calles Cedaceros o Doctor Cortezo, así como los que funcionaban rentablemente en LATAM. Esta serie que está basada en la historia real de unas pioneras que cayeron en el olvido ha sido creada por Marc Cistaré (‘Vis a Vis’, ‘El barco’, ‘La víctima número 8’).

Chelo, Idoia e Itzi son algunos de los nombres ficticios escogidos para representar a toda una generación de raquetistas. Dos actrices españolas (Claudia Salas y María de Nati) y una mexicana (Zuria Vega) interpretando a tres pelotaris en la época en la que las mujeres comenzaban a votar en USA pero no en los países hispanohablantes. La historia de estas deportistas llegó a influir a países de todo el mundo, donde recibían mayor reconocimiento y salario que en su propia tierra. Por eso cuenta también con la colombiana Viviana Serna) y el opening mezcla trompetas mariachis con el sonido de una txalaparta. Aquellos que se puedan indignar con orgullo por eso de que piensen que la pelota vasca solo se juega en España, que piensen también en algo como los toros, por lo que Colombia acaba de ser noticia hace poco.

Encontraron rampa de lanzamiento gracias a la idea de empresarios como Luciano Berriatua e Ildefonso Anabitarte, también presentes a través de personajes con nombres cambiados. Rompieron el techo de cristal cincuenta años antes de que ese término fuese acuñado. Consiguieron más cantidad de público y sueldo que aquellos hombres que se dedicaban a jugar pelota en aquella época, fueron las primeras deportistas en cotizar en la seguridad y dedicarse a ello de manera profesional. En lugar de destacar los hechos históricos ‘Las pelotaris 1926’ se centra más en mostrar evidentes taras de la época tales como maridos posesivos o empresarios que empleaban las artes de Weinstein. Ahí pierde el norte (nunca mejor dicho) ya que en vez de hacer una oda hacia este deporte que Euskadi exportó al mundo y a unas mujeres que hicieron brecha, se conforma con ser una telenovela. Embarazos, matrimonios de conveniencia, amoríos que vuelven del pasado… Vale que uno no esperaba algo similar a ‘Las 13 rosas’ o ‘Figuras ocultas’, pero si ves la serie pensando todos los tópicos del género acertarás los giros de la trama, y eso que solo nos han permitido ver el primer episodio. Me parece del todo inmerecido y casi irrespetuoso el rescatar de la memoria la figura de estas pioneras para darles este trato. La serie habría tenido mucho más valor si se hubiese centrado en remarcar los hitos de estas mujeres o en analizar la razón por la que no se las recuerda hoy en día de un modo más popular.

La serie llega producida por The Mediapro Studio, autores de ‘El internado’, ‘Romancero’, ‘Paraíso’, ‘Vamos Juan’, ‘The New Pope’, ‘Vis a Vis’… pero se parece más a ‘Las chicas del cable’ por eso de tener un reparto joven en medio de una serie de media tarde mezclada con vagos detalles históricos. El toque de telenovela iberoamericana supongo que viene infundido por la influencia de TelevisaUnivision, artífices de ‘Rebelde’, ‘Esmeralda’, ‘Rubí’… Sospecho que va a encontrar pocos fans en el mercado Español, sobre todo porque se olvida hasta de dotar de acento vasco a sus personajes.

Crítica: ‘El bus de la vida’

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Sinopsis

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Andrés (Dani Rovira) viaja a un pueblo del País Vasco para trabajar como profesor de música. El primer día de clase sufre un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en El bus de la vida, un viejo autocar conducido por Mai (Susana Abaitua), que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona.

Gracias a las risas, confidencias y experiencias musicales compartidas con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo la fuerza necesaria para enfrentarse a sus miedos y llegar a cumplir el sueño de subirse a un escenario.

El bus de la vida está inspirada en una historia real.

Crítica

Ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad

Juzgar una película que intenta abordar un tema tan doloroso y personal como es el cáncer es muy difícil, más aún si uno de sus intérpretes lo ha padecido hace unos pocos años. No sé si Dani Rovira aceptó trabajar en ‘El bus de la vida’ por tener tan cercano su caso o por la perspectiva que ofrece, pero creo que es una historia de superación que le viene como anillo al dedo ya que como todos sabemos, además de su enfermedad ha tenido que superar muchos tipos de retos, tanto artísticos, como deportivos, como sociales por el hate que ha recibido en algunos momentos, que hoy en día es algo que se puede considerar un deporte de riesgo. Para aquellos detractores del actor esta película puede ser un zasca que no van a querer admitir, pues muestra un cariz distinto, alejado de sus papeles más cómicos o socarrones.

‘El bus de la vida’ podría considerarse una película de autoayuda, una promotora de la terapia en grupo y del optimismo. Hablar de cáncer con una sonrisa y de las virtudes de la psicoterapia colectiva me recuerda siempre a Albert Espinosa. Y lo digo en el buen sentido pues esta historia bien podría haber estado escrita de su puño y letra. Realmente este largometraje de Ibon Cormenzana surge de la historia que le contó uno de sus familiares, del viaje que vivió a bordo de un bus lleno de anécdotas y lecciones de vida. Se conforma así este largometraje como una mirada sobre el cáncer bastante vitalista, que evidentemente cuesta aplicar a la realidad pues cada caso es un mundo diferente, pero que sirve de homenaje hacía las personas que hicieron posible El bus de la vida, así como a todos aquellos capaces de afrontar la vida con una resignación embadurnada de optimismo.

Si eres de la generación de cristal y te sientes violentado porque se intente tratar con positividad o humor el tema del cáncer es mejor que no te acerques a este tipo de películas, pues estas piden una capacidad de amplitud de miras que quizá no puedes abarcar. Si piensas que todo esto es spoiler, solo tienes que leer la sinopsis oficial, la que sus propios artífices aprueban que leas antes de ver el filme. ‘El bus de la vida’ va a rebufo de títulos como ‘Planta 4ª’, ‘Bajo la misma estrella’, ‘Quiero comerme tu páncreas’ o ‘Yo, él y Raquel’, películas que afrontan la incomodidad y la pesadumbre de un tema que a muchos les es esquivo y a otros más difícil de arrostrar que un triatlón Ironman. En una época en la que las redes sociales y el capitalismo fomentan y premian el individualismo y el egoísmo, hay que agradecer que surjan películas como esta, que ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad.

Bien es cierto que aunque se percibe intención de ser una película “feel-good” y tiene personajes cómicos tales como un hombre que confunde las palabras a lo novena destilación de ‘Año Mariano’ o una mujer con intenciones incendiarias, esta es una película que deja sensaciones tristes. La música es un medio como otros muchos para vomitar lo que sentimos y sufrimos. A esa capacidad catártica apela ‘El bus de la vida’. El protagonista es víctima de una enorme ironía y el resto de personajes están sometidos a un bloqueo emocional que los acordes deshacen. Escuchamos temas de Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis o Kase.O que por lo general a mí personalmente me ponen en pie, pero me da la impresión de que el gancho es menos eficiente de lo pretendido.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: El bus de la vida. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Ibon Cormenzana. Guion: Ibon Cormenzana, Eduard Sola. Música: Paula Olaz, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini. Fotografía: Albert Pascual. Reparto principal: Dani Rovira y Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán “Morris”, Nagore Aramburu, Amancay Gaztañaga, Andrés Gertrúdix, Pablo Scapigliati, Julen Castillo, Miriam Rubio. Producción: Arcadia Motion Pictures, Aixerrota Films, Pachacamac Films, Noodles Production, Pris&Batty, ICAA, Gobierno Vasco, Prime Video, ETB, TVC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.arcadiamotionpictures.com/en/films/el-bus-de-la-vida/

Crítica: ‘Invasión’

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‘Invasión’ cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

Crítica

El amor por encima de todas las guerras

Hace poco os hablamos de ‘La bandera’ (aquí nuestra crítica), adaptación de la obra teatral de Guillem Clua, que él mismo adapto para el cine. Esta semana llega otra adaptación, al igual que ‘La bandera’, adaptada por el propio autor a cine.

‘Invasión’, cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán aprender a confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

La película me ha sorprendido bastante. Tenemos desde el principio una voz en off que nos va contando la historia a través de un cómic, con unas ilustraciones que me han recordado al dibujante Carlos Giménez (autor de ‘Paracuellos’). Utiliza bastante el recurso de la viñeta de comic, dando paso de un grupo de personajes a otro y la verdad que funciona muy bien.

Como he comentado al comienzo de la crítica, es una adaptación de una obra de teatro del propio guionista y también vemos esto. La manera de actuar de los actores, las miradas al frente y alguna que otra técnica que podríamos ver en una obra teatral, como las proyecciones en las paredes para traer los recuerdos de los protagonistas a la escena. También muy bien insertado.

La película nos habla del amor, de lo malas que son todas las guerras y de como el amor es lo único que puede detenerlas. Y lo hace muy bien. También habla de aceptarnos los unos a los otros y de lograr confiar en las personas

David Martín Porras logra una película que nos habla de esas personas que se ven de repente envueltas en una guerra, ya sea por convicción, miedo o por obligación y convence con un mensaje alentador, aunque a la par también nos muestra la triste realidad.

María Adánez, Marga Arnau, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Andrés Gertrúdix, Sofía Oria, Álvaro Rico, Claudia Salas y Fran Berenguer, son los protagonistas de estas historias entrelazadas. Todos están bastante bien, Fran Berenguer es el narrador de la película e ‘Invasión’ comienza y termina con su voz. Creo que ninguno de ellos ha trabajado en la obra de teatro, pero sin duda han captado perfectamente el tono de la película y como he matizado, las miradas exageradas, las voces o gestos son muy teatrales y es algo que también le da un toque especial a ‘Invasión’.

‘Invasión’ es una película bastante original, con alguna sorpresa que otra y que tiene un gran punto fuerte que es su montaje. Vamos pasando de una historia a otra haciendo que no nos aburramos y tampoco perdamos el hilo de lo que nos están narrando. Ya sabéis si tenéis la oportunidad de ir al cine, esperamos vuestros comentarios. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2024. Título original: Invasión. Duración: 92 min. País: España. Dirección: David Martín Porras. Guion: Guillem Clua. Música: Arnau Bataller. Fotografía: José Martín Rosete. Reparto principal: Claudia Salas, Fran Berenguer, Sofía Oria, Álvaro Rico, María Adánez, Andrés Gertrudix, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Marga Arnau. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente. Género: Drama, Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/invasion-14

Crítica: ‘La bandera’

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Un padre, dos hijos y una cena. La historia transcurre durante una velada familiar, donde Tomás llama a sus dos hijos, Jesús y Antonio, para darles una importante noticia. El patriarca, al que acompaña su biógrafa, Lina, se toma su tiempo para decirles lo que realmente quiere, pero sus descendentes comienzan a perder los nervios. En un momento dado, uno de los hijos descubre la presencia de una bandera enorme en el jardín, desatándose una disputa que pone en serio peligro la aparente armonía familiar.

Crítica

Una invitación a mirar desde el respeto y la responsabilidad el legado que nos brindan nuestros padres

Imanol Arias interpreta a un hombre que le cuenta a su biógrafa (Ana Fernández) una vida propia de Forrest Gump. Encuentros con políticos de toda índole, contacto con el Dalai Lama, anécdotas en el marco de momentos históricos… Todo ello parece propio de una persona que ha sido toda una personalidad de su época, hasta que aparecen sus hijos a comer y descubren la bandera que ha puesto en el jardín. La historia se desmorona. Si esperáis algo de politiqueo, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si esperáis algún comentario sobre el juicio de Imanol Arias, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si quieres ver a Imanol Arias disfrazado de T-Rex, esta si es vuestra película.

La obra de teatro que han adaptado a cine Martín Cuervo y Guillem Clua no trata abiertamente de política ni está estrenada intencionalmente cerca de unas elecciones ya que se ha representado previamente sobre las tablas. Pero si podemos decir que, aunque la bandera en sí misma es lo de menos, si tenemos a dos hermanos (Aitor Luna y Miquel Fernández) radicalmente distintos luchando por quedarse con el lugar donde nacieron y ambos intentan hacer prevalecer la interpretación que ellos mismos tienen de la historia. Lo cierto es que suena mucho a esa Guerra Civil que aún hoy en día no hemos superado. Pero dudo que se puedan extraer más conclusiones al respecto.

Aunque es importante interpretar la bandera como el fruto en el que ha desembocado una historia, esta está en un segundo plano. La lectura que yo hago de esta película es que a veces necesitamos un detonante para sincerarnos con los nuestros y vías fuera de lo común para sobreponernos a determinados traumas. Otros leerán simplemente que algunos solo quieren que les digan que los quieren. Yendo más allá, lo que creo que nos quieren contar Cuervo y Clua es que debemos valorar el legado que nos dejan y si le estamos haciendo honor. La verdadera herencia que nos transfieren nuestros padres es la educación y la vida que nos han brindado, aunque esta esté llena de juegos evasivos e historias fantasiosas fruto de una mente fragmentada. Es un mensaje de respeto y responsabilidad hacia nuestros progenitores similar al que dejaba ‘El padre’ de Florian Zeller.

Pero en ‘La bandera’ el tratamiento no es tan dramático. Los desvaríos del personaje de Imanol Arias, las riñas entre hermanos y algunos momentos slapstick nos brindan alguna que otra carcajada. En el otro lado de la balanza están escenas con frases más profundas y algo de sensiblería. La película me parece más efectiva cuando profundiza en su moraleja y extrae reflexiones bastante legítimas. En cuanto a su faceta humorística hay secuencias como la del bar que no me han funcionado.

PD: si queréis ver a Antón Lofer hacer de cura pro Franco, esta también es vuestra película.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: La bandera. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Guillem Clua. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Imanol Arias, Ana Fernández, Aitor Luna, Miquel Fernández. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales, A Contracorriente Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/la-bandera

Palmarés de Documenta Madrid 2024

Ganadoras, La hojarasca de Macu Machín y Bajo un sol azul de Daniel Mann

Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte, ha dado a conocer esta noche en la sala Azcona de Cineteca Madrid las películas ganadoras de su 21º edición. La lectura del palmarés ha sido realizada por el Comité de Programación, formado por Javier H. Estrada, responsable de programación del Festival Europeo de Sevilla y director de programación de Filmadrid; Ruth Somalo, programadora en DOC NYC y presidenta de la Junta Directiva del Flaherty International Film Seminar; Karina Solórzano, programadora de FICUNAM y FiC Valdivia; e Ivan Granovsky, comisario general de CATAPULTA, acompañados por Luis E. Parés, director artístico de Cineteca Madrid, y los jurados de las categorías a competición.

El jurado ha premiado ocho filmes, elegidos entre los 13 títulos de la Competición Nacional, los 13 de la Internacional y los 4 proyectos finales, todo ellos seleccionados a su vez de entre las 1.566 películas de 20 nacionalidades distintas que concurrieron a la convocatoria de este año.

Competición Nacional: Mejor Película y Fugas

El jurado de la Competición Nacional, formado por Guilherme Blanc, comisario e investigador de cine de Portugal; Joseph Morder, director, actor, guionista y periodista francés; y Virginia Pablos, directora de festival, programadora de cine y gestora cultural en Países Bajos, Reino Unido y Portugal, ha otorgado a La hojarasca, de Macu Machín, el Premio del Jurado a Mejor Película Nacional, dotado con 10.000 €. El jurado, en su deliberación, ha decidido conceder este premio a este trabajo “por ser una película que muestra un impresionante ejercicio de estilo y forma entre géneros. Esta es una obra que es un gesto artístico de amor a sus personajes, al paisaje y al cine. Por un trabajo magistral, y por la capacidad de abandono de los tres protagonistas que dan origen a una experiencia fílmica mágica”.

El mismo jurado ha otorgado el Premio Fugas a la innovación y voluntad de cruzar fronteras, dotado con 5.000 €, a la película Natsu no uta. Canciones de Verano, de Jorge Suárez Quiñones-Rivas, “por ser una experiencia de cinematografía telúrica, que contiene el cuerpo y el alma del cine y la vida al mismo tiempo. Por un dominio formal en super 8 con toda su sensibilidad”.

Además, el jurado de la Competición Nacional ha querido conceder una mención especial a Los restos del pasar, de Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo, “por ofrecer una reflexión arrolladora de un colectivo prometedor que usa un hilo conductor lleno de asociaciones sobre lo que quedará de nosotros después de nuestra partida”.

Competición Internacional: Mejor Película y Fugas

El Premio del Jurado a la Mejor Película Internacional, dotado con 10.000 €, ha sido para Bajo un sol azul (Under A Blue Sun/Mitahat Le Shemesh Khula), de Daniel Mann. El jurado, compuesto por Ehsan Khoshbakht, director, programador de cine y director de festivales de cine en Reino Unido e Irán; Marusya Syroechkovskaya, directora, productora y artista visual rusa; Sara Barquinero, filósofa y novelista española, ha definido esta película como “una obra que vincula lugares en los que han sucedido atrocidades con la representación distorsionada que de ellos hacen los medios de comunicación, y que tristemente refleja la trágica situación de la zona hoy.

Ese mismo jurado ha otorgado el Premio Fugas a la innovación y voluntad de cruzar fronteras, dotado con 5.000 €, a la película La ciudad de los poetas (City Of Poets), de Sara Rajaei. En palabras del jurado, esta película es “una sutil aproximación a la realidad de las mujeres iraníes que utiliza archivos personales a falta de una historia oficial que reconozca tanto su pérdida de derechos como su lucha por recuperarlos”.

Premio Joven CineZeta

Dulcinea, de Paloma Polo, ha recibido el Premio Joven CineZeta a la Mejor Película Nacional, otorgado por el equipo de CineZeta, programa de Cineteca Madrid que incorpora a diez jóvenes menores de 26 años en su primera experiencia como programadores de cine. Este jurado, que en la edición actual ha estado compuesto por Anna Enguix-Carrasco, Daniel Cortiñas Laíño, Elena Gosálbez Tomé, Gabriela Arranz, Laura Vargas Cuadros, LuisMi Quevedo Peñaranda, Nacho Cea, Nadia Hidalgo, Nicolás Fernández-Montes y Pablo Álvarez-Hornia, ha valorado en su deliberación “su recuperación de imágenes de archivo y creación de un imaginario audiovisual que nos mueve a la acción a través de una protagonista que desconocíamos y un juego de voces de personajes anónimos. Un documental con una técnica que combina, de forma excepcional, la dualidad entre la memoria y el archivo creado».

Premio Corte Final

En Corte Final, la sección dirigida a películas en fase final de producción o coproducción española, el jurado ha estado formado por Cristina Cámara, historiadora del arte y gestora cultural española; Laura Matías, gestora cultural y coordinadora de Talento en la ECAM; y María del Puy Alvarado, fundadora y productora en Malvalanda. Este jurado ha otorgado el Premio Corte Final, dotado con 5.000 €, a El vol de la Cigonya, de  Soumaya Hidalgo Djahdou y Berta Vicente Salas, “por su profunda exploración de la identidad, el legado cultural y la reconciliación madre-hija, a través de una narración conmovedora, y que da voz a algunos de los desafíos a los que se enfrentan las mujeres musulmanas y emigrantes.”

Este mismo trabajo, que pronto finalizará su producción y podrá ver la luz, se ha alzado también con el Premio de Distribución Agencia Freak, otorgado por Agencia Freak.

Premio del Público Cineteca Madrid

Los espectadores del festival, gracias a su voto en sala tras los visionados, han contribuido al palmarés del festival con su elección de mejor película nacional e internacional. El Premio del Público Cineteca Madrid en la Competición Internacional, dotado con 1.000 €, ha sido para La historia se escribe de noche, de Alejandro Alonso Estrella; y el Premio del Público Cineteca Madrid en la Competición Nacional, dotado también con 1.000 €, ha sido para Mitología de barrio de Alejandro Pérez Castellanos, Antonio Llamas y Jorge Rojas, integrantes del colectivo espírituescalera.

Una clausura audiovisual en directo

Fernando Vacas, artista inquieto que se mueve entre la tradición y la vanguardia, cerró el acto de entrega de galardones con un viaje entre la electrónica y las texturas musicales, de lo floral a lo orgánico, del flamenco al avant garde, del minimalismo al barroco más obtuso, sonorizando en directo la proyección de piezas restauradas y digitalizadas de José Val Del Omar.

Con la referencia artística de David Lynch, la inspiración de los surrealistas franceses y la huella de artistas como Julio Romero de Torres o el propio Val del Omar, Fernando Vacas dio una vuelta de tuerca a la piezas del creador granadino. Samplers, bases flamencas antiguas, su propia voz en directo y aromas de un Albaicín más de Berlín que de Granada, fueron las herramientas con las que Vacas honró el legado de Val del Omar.

Este proyecto, especialmente creado para Documenta Madrid, ha sido posible gracias a la colaboración de Gonzalo Sáenz de Buruaga (Presidente del Archivo Val del Omar) y Piluca Baquero (Directora del Archivo Val del Omar).

Documenta Madrid 2024

Documenta Madrid que ya ha alcanzado su 21ª edición (celebrada del 28 de mayo al 2 de junio) se ha convertido en el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción, donde la cultura audiovisual se vive como una experiencia colectiva y se descubren nuevas formas de creación sin importar su definición, duración, género o categoría. Este año, Documenta Madrid ha contado con los ciclos fuera de competición distribuidos en cuatro espacios, además de la sede principal en Cineteca: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Filmoteca Española, Fundación Casa de México en España y Escuela de Cine y Audiovisual de Madrid (ECAM) como sedes participantes. También colaboran Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, Intermediae Matadero y Madrid Film Office.

Documenta Madrid cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (ACE) a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) y del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA); y con la colaboración de Instituto Francés, Foro Cultural de Austria y Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España.

Finalizado el rodaje de ‘Por qué volvías cada verano’

Un cortometraje de Juli Suàrez

Cuatro años de producción han culminado con el anuncio del fin del rodaje de ‘Por qué volvías cada verano’. Es el nuevo cortometraje de Juli Suàrez, director fundador de la productora LGC Films que acostumbra a tratar temas sociales y contemporáneos. Ha contado con María Romanillos como protagonista además de un reparto que incluye a Mariana Cordero, Lupe Cartié, Charo Zapardiel, Joaquín Calderón y Laura Márquez.

‘Por qué volvías cada verano’ está coescrito junto a Belén López Peiró con el asesoramiento de la experta en guiones cinematográficos, Elena Serra. La obra literaria que inspira al corto ha sido, desde su publicación, un éxito de ventas mundial. Ha sido traducida a numerosos idiomas y ha supuesto un antes y después en la narrativa de género. Valiéndose de un lenguaje directo y crudo, López Peiró escribe contra el sistema, contra el entramado de silencio que intento acallarla y contra sí misma. Y lo hace, no solo para denunciar aquellos hechos, sino también el contexto que los hizo posibles y recomponer mediante la escritura lo que la violencia de aquel hombre brutal quebró.

En palabras de Juli Suárez, «he profundizado en el contexto familiar, en la familia como institución. El 80 % de los abusos son intrafamiliares; están perpetrados por quienes deberían cuidar del menor. Entonces, el menor, ¿en quién confía? ¿en manos de quién queda si denuncia a su agresor? Pusimos sobre la mesa que la complicidad/hipocresía familiar es vital, proponiendo romper el silencio como una forma de liberación/reparación, y presentando la denuncia como opción, no como única proposición. Para poder llevar a la pantalla todas las emociones que contiene el guion de Por qué volvías cada verano, he contado con un elenco que hace posible que las escenas se mantengan en un perfecto equilibrio de sentimientos encontrados, de diferentes puntos de vista y de fuerte carga emocional”.

Con este corto, la productora LGC Films, espera superar el éxito del anterior cortometraje de Juli Suàrez, ‘I’m Lina’, que recibió cinco premios y más de 35 selecciones nacionales e internacionales, además de haber sido seleccionado y contratado por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) para su distribución a través de las embajadas españolas y universidades de Latinoamérica.

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