Cuando la Interpol envía una “Alerta roja” (el mayor nivel de alerta posible emitido para que los cuerpos de Policía de todo el mundo capturen a los criminales más buscados), uno de los mejores agentes del FBI, John Hartley (Dwayne Johnson), es asignado al caso. Esta persecución global lo sitúa en medio de un audaz atraco en el que se ve obligado a asociarse con el mayor ladrón de arte del mundo, Nolan Booth (Ryan Reynolds), para atrapar a la ladrona de arte más buscada del mundo (Gal Gadot). La aventura de altos vuelos llevará a este trío por todo el mundo, a través de una pista de baile, atrapados en una prisión aislada, o a través de la selva, y, para su desgracia, constantemente en compañía del otro. Al elenco de estrellas se unen Ritu Arya y Chris Diamantopolous.
Crítica
Acción y muchos giros, una cara aventura que va al estante junto a ‘La búsqueda’ o ‘Fast & Furious’
Rawson Marshall Thurber dirige y escribe ‘Alerta roja’ una película de Netflix que reúne a tres de los actores de acción más populares del momento. Trabaja por tercera vez con DwayneJohnson y suma a su elenco a Gal Gadot y Ryan Reynolds. Esto ha hecho que esta sea la película más cara que Netflix ha llevado a cabo hasta la fecha. Normal que se llame ‘Alerta roja’, porque si no sale bien la producción el batacazo será de aúpa.
Pero dudo que esta segunda película de Reynolds con Netflix, tras ‘6 underground’, fracase. Como se dice vulgarmente solo con los nombres de los tres protagonistas por huevos va a hacer taquilla. E indiferentemente del boca a boca o su puesto en la parrilla del primer fin de semana estoy seguro de que posteriormente van a dispararse las visitas en la plataforma. Los tres han interpretado anteriormente a algún personaje de DC Comics pero no ha sido Warner quien les ha reunido, aunque me encantaría ver una película de Wonder Woman y Green Lantern contra Black Adam. Ha sido Netflix quien les ha agrupado en una historia que tiene poco de heroica. Porque lo que nos cuenta ‘Alerta roja’ es el cómo se intenta salvar la situación, pero también cómo cada uno tiene sus propios intereses.
Unos inventados huevos regalaros por Marco Antonio a Cleopatra son el codiciado objeto que todos ansían. Esta es una película de robos y persecuciones, de múltiples localizaciones. Los protagonistas interpretan roles casi arquetípicos. El cachas, el hábil, la seductora… Reynolds ejecuta una vez más el rol de bromista irresponsable, demostrando una vez más estar una época que amenaza con dejarle encasillado. Dwayne Johnson regresa por enésima vez a un personaje de acción cargado de sentido del honor. Gal Gadot es la que se sale más de lo acostumbrado, mostrando una faceta más divertida y… bueno, no quiero caer en spoilers. Sin que tenga que ver con el carácter y desenlace de su personaje si puedo decir que tira mucho de doble de acción.
Carreras, tiroteos, peleas sin sangre y muertes manejadas para que sea apta para casi todos los públicos. Si existiesen tantos videoclubs como antes esta película acabaría en la misma sección que ‘La búsqueda’ o ‘Indiana Jones’. Nos lleva a lo largo de todo el mundo al estilo ‘Dónde se esconde Carmen Sandiego’ o el anime ‘Lupin III’. Al margen de las nóminas de sus estrellas, esa variedad de escenarios con bastantes efectos digitales seguro que ha incrementado el coste de la producción. Lugares donde se llevan a cabo planeados robos que terminan desembocando en una acción muy fantasiosa, rozando otra saga que han tocado los tres protagonistas, ‘Fast & Furious’. Su resolución y su giro final terminan siendo tan disparatadas que definitivamente ‘Alerta roja’ está a la altura de ‘La búsqueda’. Y la película es consciente de ello como demuestra burlescamente en más de una ocasión Reynolds. Defendiendo como pocas veces a Nicolas Cage, no habría hecho falta gastarse tanto dinero para conseguir algo parecido.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de noviembre (12 de noviembre Netflix). Título original: Red notice. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Rawson Marshall Thurber. Guion: Rawson Marshall Thurber. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Markus Förderer. Reparto principal: Dawyne Johnson, Gal Gadot, Ryan Reynolds, Ritu Arya, Chris Diamantopolous. Producción: Bad Version, Flynn Picture Company, Legendary Entertainment, Netflix, Seven Bucks Productions. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial:ver en Netflix.
‘Vida Perfecta’, la serie creada y dirigida por Leticia Dolera, que también firma el guion junto a Manuel Burque, ha presentado su tráiler. En esta temporada final las directoras Lucía Alemany (‘La inocencia’, dos nominaciones al Goya) e Irene Moray (‘Suc de síndria’, Goya al cortometraje de ficción) dirigen un episodio cada una.
El trío femenino protagonista de la serie, formado por Dolera junto a Celia Freijeiro y AixaVillagrán, está acompañado en esta segunda temporada por un conocido elenco en el que destacan los nombres de Enric Auquer, Goya al mejor actor revelación en 2020 y reconocido con el Premio Feroz y el Premio Ondas por su interpretación de Gari en la serie, repite su personaje en esta segunda temporada, Manuel Burque, Font García, Carmen Machi, FernandoColomo y Míriam Iscla entre otros.
La primera temporada de ‘Vida Perfecta’ consiguió un gran reconocimiento por parte de la audiencia, la crítica y festivales como CANNESERIES, que la posicionó como Mejor Serie del festival a la vez que reconoció a las tres actrices protagonistas con el Premio de Interpretación. Además, ‘Vida Perfecta’ ha ganado el Fotogramas de Plata a la mejor serie española según los lectores, dos Premios Feroz, a la mejor serie de comedia y al mejor actor de reparto para Enric Auquer, que también se hizo con el Premio Ondas.
Esta temporada final de 6 episodios de 25 minutos de duración se estrenará el 19 de noviembre de 2021 en exclusiva en Movistar+.
Sinopsis oficial:
Han pasado 6 meses desde que vimos por última vez a María, Cris, Esther y Gari en la habitación del hospital: María es madre pero la maternidad no la hace sentir como ella siempre había imaginado. Cris y Pablo deciden abrir su relación y superar obstáculos juntos, pero todo resulta más difícil de lo esperado. Esther, por su parte, está luchando contra su miedo a crecer y al compromiso. Tiene una novia, vive con ella y… ¿se casa? ɐpıʌ ɐʇɔǝɟɹǝd.
Una diseñadora de sonido disfruta con su trabajo. Pasa muchas horas sola, grabando efectos sala, wild-tracks, editando, mezclando. El estudio es su último refugio: un lugar donde postergar las averiadas relaciones que mantiene con su expareja, con su anciana madre y con sus compañeros de trabajo. Aunque ella aún no lo sabe, C. está comenzando a desincronizarse. Como si fuera una película mal sonorizada, su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes.
De repente está curada, pero ya no es la misma. Su odisea sensorial la ha hecho madurar. Ahora dispone de una segunda oportunidad. Está en sus manos no dejarla escapar.
Crítica
Educa indirectamente al espectador
‘Tres’ es de esas propuestas que te sorprenden pues te esperas un sencillo drama y te encuentras con algo más. Un filme fantástico dentro de lo que me gusta llamar “ciencia ficción sentimental”. Su toque ficticio se utiliza para desarrollar el plano psicológico de la protagonista. Y aunque no tenemos espectacularidad si efectos especiales, aunque estos no se vean están ahí, porque son de sonido.
El director Juanjo Giménez acierta desde el principio arrancando la película con los retoques de una escena que va incorporando poco a poco el sonido, mostrando la consola de trabajo de la protagonista… De ese modo consigue que el espectador ponga su atención en lo que oye, algo que va a ser importante durante todo el visionado. Además así se hace un poco de justicia pues aquellos que se dedican a mezclar o editar lo que oímos en las películas permanecen siempre en el olvido, educa indirectamente al espectador.
Marta Nieto interpreta a una técnica de sonido que lleva tiempo acumulando errores, que no se encuentra bien por alguna razón. Su problema se acrecienta por una aberración sonora en la realidad. Comienza a recibir los sonidos más tarde, un tiempo después de ser emitidos, como nos sucede al escuchar el trueno fruto del rayo que acabamos de ver. Esto además afecta a su vida profesional pues se dedica a retocar el sonido de anuncios o películas. Ahora que está tan de moda hablar del bienestar emocional podemos decir que ‘Tres’ no puede llegar en mejor momento. El filme plantea un reto a Marta Nieto que tiene que actuar con desfase, como si fuese alguien lento de entendederas, pero muy consciente de lo que le está pasando. Nieto como siempre y en su película más fantasiosa cumple con creces.
‘Tres’ es una película que nos deja también escenas para el recuerdo. No se me va a olvidar el ingenio y la emotividad de la escena que arranca en la cafetería siguiendo los pasos de la voz de Miki Esparbé. Son momentos que refuerzan más mi apelativo de “ciencia ficción sentimental” pues la herramienta para esbozar el plano emotivo de la protagonista proviene de un evento fuera de toda lógica.
Bien es cierto que la película se queda estancada en algún momento y que me ha dado la sensación de haber visto algo similar, me pasa desde que la vi en Sitges y aún no he conseguido recordarlo. Pero no ensucia mi impresión de la película pues el guión además de ofrecer varios momentos que podrían clausurar el filme tiene el tino de ofrecernos una explicación.
A continuación y para terminar, escribo lo que considero que no es un spoiler, simplemente mi interpretación de lo que sucede en la película. Otro acierto del director es el vínculo que crea. Cuando creemos que estamos en paz es cuando sentimos cierta armonía en nuestra vida. Eso es lo que le pasa a la protagonista, que cuando no está en paz con su pasado o no ve claro su futuro se desincroniza con la realidad. El desfase de sonido es una manifestación de la incomodidad que siente la protagonista con su vida. Eso y que, como salimos diciendo muchos tras uno de los pases en Sitges, un buen polvo lo cura todo.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de noviembre de 2021. Título original: Tres. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Juanjo Giménez. Guion: Juanjo Giménez, Pere Altimira. Música: Domas Strupinskas. Fotografía: Javi Arrontes. Reparto principal: Marta Nieto, Miki Esparbé, Fran Lareu, Luisa Merelas, Cris Iglesias, Julius Cotter, Iria Paranda. Producción: Axencia Galega das Industrias Culturais, Canal+, Crea SGR, Frida Nadir, Manny Films. Distribución: Filmax. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:http://www.filmax.com/distribucion/tres.233
Euskadi 1985. El colegio ha terminado, por fin llegan las ansiadas vacaciones. Marcos y sus 3 amigos, José Antonio, Paquito y Toni, reciben expectantes la llegada del verano, un verano prometedor sobre todo porque a sus doce años poco importa dónde, ni cuándo, ni cómo. Recorrerán las horas en el laberinto que la vida les ha deparado, en una Euskadi antigua, luchadora, convulsa. Un laberinto de paredes grafiteras, donde rebotan las pelotas de goma y los sueños de libertad; cubierto de un cielo gris prefabricado en cooperativas, donde la muerte y la vida ya no mantienen relaciones formales.
Crítica
La historia de esa identidad que se crea de manera casi involuntaria
La película de Manu Gómez es de esas que terminan de una manera tan anticlimática o poco eufórica que te dejan la sensación de haber tenido un coitus interruptus. Pero a posteriori lo que te genera es una serie de pensamientos y sensaciones que te remontan a tus primeros años de escapadas veraniegas, a tus primeros amores platónicos, a tus primeras cuadrillas de amigos.
No sé si está entre las pretensiones del director y guionista de ‘Érase una vez en Euskadi’ pero consigue meternos en una época y localización bastante convulsos sin que ese ambiente conflictivo sea el foco de la película. Y habría sido fácil caer en ello pues se cumplió la semana pasada el décimo aniversario del desarme de E.T.A. El filme en resumidas cuentas se puede resumir como el verano del 85 de un grupo de amigos. Mientras unos corríamos detrás de los gatos en busca de hacer alguna pillería o seguíamos los fichajes veraniegos de La Liga, los niños vascos se divertían con sus bicis teniendo de fondo los actos de la kale borroka o bromeaban con inocencia sobre lo que sucedía en una u otra “manifa”.
Era la época del “Jo ta ke” y la de los gritos de amnistía, la del SIDA y la guerra entre el VHS y el Betamax. Para los chiquillos de la película eran tiempos de descubrir una identidad propia y colectiva. Para mí ‘Érase una vez en Euskadi’ trata del desarrollo de los gustos, del nacimiento del criterio o de encontrar un norte o una brújula que seguir. Y conecta de una manera universal consiguiendo de este modo eliminar todo tipo de etiqueta sobre aquellos que se criaron en el norte.
Es por eso que más allá de invitarnos una vez más a aquel lugar en el que la muerte y la pérdida estaban a la orden del día, asumidas como que llovía casi cada día, nos relata una historia de hijos conflictivos y de padres sufridos. Y lo hace marcándose una pequeña España en Euskadi. Los protagonistas son unas familias andaluzas en un pueblecito de Euskadi, presentes en el conflicto, pero ajenas prácticamente a él. No estamos en una propuesta como la de ‘Patria’ o la de ‘La línea invisible’ que nos ofrecían visiones muy distintas del ambiente del independentismo o del terrorismo en el País Vasco. Lo que se consigue aquí es que sin mencionar a E.T.A. o sin que esta sea una película euskaldún nos ubiquemos los tiempos en los que la banda armada estaba activa y tenía muchos respaldos. Y yendo más allá logra conseguir transmitirnos que había otras preocupaciones para los protagonistas, sobre todo para los infantiles que solo querían satisfacer a sus padres, seguir los pasos de sus hermanos mayores, conquistar su primer amor…
En el reparto, bastante numeroso, encontramos caras conocidas como las de Luis Callejo, Marian Álvarez o Vicente Romero. Ellos hacen su labor, vital, para qué la historia logre esa traslación tan efectiva que he comentado. Pero es el reparto infantil compuesto por Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera o Hugo García el que consigue cerrar el círculo en todos los sentidos. Y junto a ellos una bien seleccionada banda sonora compuesta de canciones de grupos de la época que si bien no son cantadas en euskera como pueden ser las de grupos como Kortatu o Su ta gar, siempre han estado relacionadas a la cultura vasca. Entre la actitud de los niños y la idiosincrasia de los temas en filme consigue ser ligeramente macarra o bandarra.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de octubre de 2021. Título original: Érase una vez en Euskadi. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Manu Gómez. Guion: Manu Gómez. Música: diferentes bandas. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera, Hugo García, Luis Callejo, Marian Álvarez, Vicente Vergara, Pilar Gómez, Vicente Romero, María Isasi, María Alfonsa Rosso, Arón Piper, Yon González, Ruth Díaz, Josean Bengoetxea. Producción: La Canica Films. Distribución: eOne Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://lacanicafilms.com/work/erase-una-vez-euskadi/
Dolores Vázquez y Alicia Hornos nos cuentan su visión de esta triste historia
El 26 de octubre llega a HBO Max ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof‘, en la que por supuesto, como su título ya nos anuncia, tenemos una entrevista a Dolores Vázquez. Es la protagonista de uno de los errores judiciales más graves de nuestra historia reciente.
Para los que no conozcáis este caso, se originó después del asesinato de Roció Wanninkhof, una joven malagueña de La Cala de Mijas. Por distintas situaciones y sin pruebas físicas, Dolores Vázquez fue acusada y detenida en el año 2000 como principal sospechosa del asesinato de ésta. Después de la presión de los medios de comunicación, que se tomaron este caso como si de una telenovela se tratara, Dolores fue encarcelada y pasó 519 días en prisión por un crimen que no cometió.
En los seis episodios que tiene esta serie documental, vamos viendo diferentes situaciones que se vivieron. La desaparición y localización del cuerpo de Rocío. Pasando por los distintos sospechosos, para terminar con Dolores. Empezamos por su juicio mediático, en el que todo el mundo la juzgaba por su personalidad seca y su gusto hacia las mujeres y llegamos a su encarcelamiento. Para después encontrarnos con otra desaparición y asesinato, esta vez el de Sonia Carabantes, gracias al cual, Dolores pudo salir de la cárcel.
En el documental no solo escuchamos a Dolores Vázquez, también entrevistan a AliciaHornos, la madre de Rocío. Ella cuenta su visión, como vivió aquellos días y vamos alternando con la historia de Dolores. Que nos cuenta su miedo en la cárcel, su desesperación al ser juzgada sin conocerla y apenas escucharla. Y que por culpa de los medios de comunicación ella terminó en la cárcel.
También tenemos entrevistas de la madre de Sonia Carabantes, gente del jurado, los vecinos y periodistas que estuvieron metidos hasta en la sopa del caso. Aparte de los distintos abogados de ambas partes, que son las entrevistas más interesantes.
También nos acercan a la figura del verdadero asesino y como ha llegado a entablar contacto con Alicia Hornos a través de cartas donde culpa a Dolores Vázquez.
El documental está bien narrado, va en orden contando todos los hechos y como digo, dando voz a ambas partes. Tristes protagonistas de una historia que ha dado mucho rencor a ambas, dos personas que se querían y que han terminado odiándose mutuamente.
HBO Max acaba de hacer pública la fecha de estreno y el póster de ‘Venga Juan’, la continuación de la aclamada comedia ‘Vota Juan’ (Temporada 1) y de la ganadora del premio Feroz como mejor comedia ‘Vamos Juan’ (Temporada 2), también galardonada ex aequo con el Premio Ondas a la Mejor serie de comedia. La serie fue premiada “por mostrar una versión de nosotros mismos, ácida, inconformista, luchadora, inconsciente… porque haciendo comedia con la política, demuestra lo difícil que es hacer una buena comedia con éxito y lo difícil que es ser un buen político”.
La historia de esta tercera entrega muestra a un Juan Carrasco en lo más alto de su carrera. Gracias a las puertas giratorias, con un despacho espectacular, más delgado y con pelo. Pero todo se viene abajo cuando unos papeles le involucran en una trama de corrupción municipal.
‘Venga Juan’ cuenta con el mismo reparto principal que sus predecesoras ‘Vota Juan’ y ‘Vamos Juan’, encabezado por Javier Cámara como Juan Carrasco, al que acompañan María Pujalte como Macarena, su inseparable directora de comunicación mientras fue ministro; Adam Jezierski, quien fuera su asistente; Joaquín Climent, en la piel del implacable Vallejo; Cristóbal Suárez, como el carismático Recalde; Yaël Belicha como su esposa y Esty Quesada (“Soy una pringada”) como su hija.
En esta nueva temporada se suman al reparto Manolo Solo, Goya a la mejor interpretación masculina de reparto en “Tarde para la ira”; Ramón Barea, medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos como mejor actor secundario en “La boda de Rosa”, o Eduardo Blanco (“El hijo de la novia”, “Kamikaze”), entre otros.
En el equipo de guión, encabezado por Diego San José, creador y showrunner de la serie, continúan participando Víctor García León, Daniel Castro y Pablo Remón. Además, se incorporan en esta nueva entrega Diego Soto y Pilar Palomero (“Las Niñas”), que además de participar en la escritura de guion de esta temporada, se convertirá también en directora de uno de los episodios de ‘Venga Juan’, junto a Víctor García León, director reincidente en todas las temporadas, y Tom Fernández, que pasa de guionista de la ficción a dirigir dos episodios en esta nueva entrega.
Además, Javier Cámara repite en la dirección nuevamente, tras su primera experiencia como realizador en el reconocido episodio “Estambul” de “Vamos Juan”, dirigiendo uno de los episodios de ‘Venga Juan’, en concreto un episodio cápsula en el que Juan Carrasco pedirá asilo político en la Embajada de Argentina, en su huida desesperada de la cárcel.
Guillermo Farré, José Skaf y Miguel Salvat son los productores ejecutivos de ‘Venga Juan’ por parte de WarnerMedia. Diego San José, Alejandro Flórez y Javier Méndez son los productores ejecutivos por parte de 100 Balas (THE MEDIAPRO STUDIO). Los servicios de producción de la serie son de THE MEDIAPRO STUDIO para HBO Max.
Sinopsis oficial:
Juan Carrasco ha llegado al pico más alto de su carrera. Gracias a las puertas giratorias, tiene un despacho espectacular, ha adelgazado 10 kilos y, sobre todo, tiene pelo. En la nueva vida de Juan hay espacio para muchas cosas, pero no para su mujer Paula, su hija Eva y su antigua jefa de prensa, Macarena. Todo se viene abajo cuando reaparece en su vida lo único de lo que nadie se puede librar nunca: Logroño. Unos papeles que involucran a Juan en una trama de corrupción municipal marcan el pistoletazo de salida para evitar su ingreso en prisión. Una huida frenética para borrar su pasado en Logroño… y, en el camino, darse cuenta de que lo que falla es su presente.
Buscan un mayor intercambio creativo, comercial y cultural entre ambos países
Spain Film Commission y British Film Commission firman un acuerdo de entendimiento, mejorando la colaboración en las grandes producciones cinematográficas y televisivas entre el Reino Unido y España.
Ambos países son los principales centros de producción mundial de cine y producción de televisión, albergando algunos de los títulos de cine y televisión más grandes del mundo. Las industrias de rodajes del Reino Unido y España están en auge ya que ambos territorios continúan atrayendo un mayor número de grandes producciones a través de la combinación de incentivos fiscales confiables, equipo e infraestructura de primer nivel y una inmensa variedad de ubicaciones únicas.
El memorando de entendimiento verá a las dos asociaciones cinematográficas construir su relación positiva. Las dos asociaciones han trabajado estrechamente durante Covid-19 para ayudar a facilitar los viajes y la producción entre el Reino Unido y España de varias series de televisión importantes.
Los proyectos recientes que se han filmado en ambas jurisdicciones incluyen Marvel’s ‘Eternals’, que se basó en Pinewood Studios y se rodó en Locaciones en Londres y Oxford en Inglaterra y en Fuerteventura en las Islas Canarias, así como Warner Bros. ‘Wonder Woman: 1984’, que se basó en Warner Bros. Studio Leavesden y en Locación en Londres, Cambridgeshire, Inglaterra, así como en Andalucía en España y las Islas Canarias
Otros títulos filmados en ambos territorios en los últimos años incluyen ‘The Crown’ (Netflix), ‘The Midnight Sky’ (Netflix / Anonymous Content), ‘The Last Letter from Your Lover’ (StudioCanal / Blueprint / The Film Farm), ‘Spider-Man: Far From Home’ (Sony), ‘Game of Thrones’ (HBO) y ‘Solo: A Star Wars Story’ (Lucasfilm)
A través de este memorando de entendimiento, las dos asociaciones buscan un mayor intercambio creativo, comercial y cultural entre España y el Reino Unido y también continuarán fomentando activamente las oportunidades para apoyar las grandes producciones cinematográficas y televisivas en ambos territorios
El acuerdo se ha firmado hoy 21de octubre, en el Palacio Real de Valladolid, en el marco del Shooting Location Market Place organizado por la Feria de Valladolid.
Luego de suscrito el acuerdo, Adrian Wootton OBE, Director Ejecutivo de la British Film Commission, manifestó: «Estamos encantados de construir nuestra relación positiva y productiva con Spain Film Commission a través de este acuerdo. Estamos atravesando un emocionante momento para la industria mundial del cine y la televisión, con la demanda de contenido filmado en su nivel más alto, lo que plantea la oportunidad para todos de seguir creciendo. El Reino Unido y su industria audiovisual dinámica y diversa están abiertas a los negocios y estamos comprometidos con la colaboración continua con nuestros socios europeos. Aquí ya hay algunos ejemplos fantásticos de colaboración con grandes producciones que se están realizando entre nuestros dos territorios, como Marvel’s ‘Eternals’ y Warner Bros’ ‘Wonder Woman 1984’, y esperamos trabajar con nuestros colegas en España para forjar un lazo creativo y comercial que fortalezca el vínculo entre nuestros países, explorando nuevas formas de trabajar juntos en el futuro.
Carlos Rosado Cobián, Presidente de Spain Film Commission, ha señalado “Con este acuerdo, Spain Film Commission continúa desarrollando una estrategia para establecer espacios de colaboración con las industrias audiovisuales más importantes del mundo. Queremos compartir acciones comunes con BFC para crear puentes entre la industria española y británica. España se encuentra en un momento de especial influencia y está demostrando su capacidad como agente audiovisual en Europa. SFC es un agente instrumental del Hub Audiovisual Español y este acuerdo forma parte de esa estrategia»
Finalizado el festival de Sitges 2021 acabamos publicando unas últimas críticas, las de aquellas películas que se nos han quedado en el tintero en estos días o que hemos visto a través de la plataforma online, abierta para todo el público también.
Aprovechamos esta última entrada para invitaros al programa en directo del domingo por la tarde en nuestro canal de Youtube en el cual resumiremos lo mejor, lo peor, lo más sorprendente… que hemos visto en este Sitges 2021.
‘Censor’
Película de la directora Prano Bailey-Bond. Empieza desglosando un sinfín de películas de terror del tipo gore. Entre tanta violencia ochentera está una sobria y traumada censora interpretada por Niamh Algar (‘Raised by wolves’). Una especie de pupilo de la Dama de Hierro británica que aplica su puño férreo en el mundo del cine, decidiendo qué se ve y qué no se ve en plena época de la explotación del VHS gore.
Ahora que manda la corrección política está bien una película como esta que nos hace mirar atrás y comprar con todo aquello que la Thatcher prohibió a su pueblo. Es decir, está bien revisionar de este modo si la sociedad actual ejerce automática y sistemáticamente de censora diciéndonos qué obras son buenas y cuáles son perniciosas.
Las películas no pueden tomarse como ejemplo para los horrores que cometemos en la vida real, no pueden ser condenadas por contarnos actos crueles. Sino hace tiempo que la Biblia estaría descatalogada al estar repleta de episodios de muertes y crímenes.
Al margen de todo este alegato sobre el cine, la violencia y lo socialmente aceptado está la pugna de una joven por resolver un episodio no cerrado de su vida. En esa búsqueda, similar a la de la protagonista de ‘La novia gitana’, está muy presenta la violencia y locura con la que nos familiarizaron Deodato o Carpenter. Y nos lleva a una gran interpretación actoral de Algar, a un potentísimo final y a otra incómoda verdad, a veces nos negamos a admitir la realidad y nos la censuramos hasta límites incluso peligrosos.
Una familia que vive a duras penas de lo que la naturaleza les da, son amenazados por la presencia de un temible lobo en el bosque en el que cazan y viven.
Desde el principio y gracias a las actuaciones pausadas, la música inquietante y un bosque amenazador, ‘Hunter hunter’ nos adentra en una atmósfera tenebrosa. Ya sea a la luz del día en la oscura noche, sentimos que en todo momento nuestros protagonistas están en peligro.
Me gusta mucho como la película te hace avanzar poco a poco y vas descubriendo más secretos que esconde el bosque. Algo mucho más terrible y oscuro.
DevonSawa ,al que veremos también en el esperado regreso de Chucky, logra un trabajo estupendo, un padre de familia intentando alimentar a ésta d cualquier manera y por supuesto protegerlas. En el reparto encontramos también a CamilleSullivan, que nos da uno de los mejores finales del festival. SummerH.Howell, a la que también hemos visto en las dos últimas cintas de Chucky es la encargada de dar vida a la hija de ambos. Y por último nos encontraos con NickStahl, que también dará que hablar al final de la película.
Aunque sea sencillita y si que te veas venir el giro de la película, merece la pena quedarse para ver ese estupendo final y terminar de disfrutar esta película.
Dirigida por quien está al cargo de la secuela de ‘Megalodón’, Ben Wheatley, pero este título no tiene nada que ver. ‘In the earth’ es una película más seria, aunque disponga de situaciones bastante cómicas. El COVID-19 está francamente presente en esta película en la que unos investigadores buscan en un bosque la cura para un virus que tiene en jaque a la humanidad.
Ya no nos es raro ver a alguien con mascarilla o introduciéndose un bastoncillo en la nariz para someterse a una prueba. El filme parte de ese punto y posteriormente sí que se pone cada vez más extraño, místico o mitológico. Incluso diría que llamar a esta obra perturbadora y psicotrópica es más adecuado.
Hay un problema de imagen cuando han rodado pasando de cámara fija a cámara en mano, el etalonaje está más o menos bien pero se percibe distinta calidad, lo cual te saca momentáneamente. Pero su tramo final es tan sensorial que te olvidas. Al más puro estilo ‘2001: Una odisea en el espacio’ Wheatley nos somete a una experiencia casi epiléptica.
¿Al margen de tanto jugueteo con nuestra vista cuenta algo? Ciertamente, mientras el director se hace el interesante con tanta rareza consigue contarnos algo de carácter ecológico. Espero que se la recuerde por algo más que por las dolorosas escenas en las que el pie de Joel Fry cobra protagonismo. Como puntualiza una vez la película “La humanidad se olvidará rápido de lo que ha pasado” y no tomará nota de las lecciones que debería tomar.
Una pareja de influencer que se dedican a hacer reviews de casas de alquiler vacacionales, llegan a una casa maravillosa con una propietaria un tanto especial.
El como la obsesión por un me gusta o un nuevo video en el que las visitas vengan solas, hacen que la gente se vuelva loca.
Esta pareja pasara de todo por ver crecer su canal. Las cosas se les complicarán demasiado y sus vacaciones van a ser terribles. El pasado les volverá de cara y sus malas reviews les darán una mala pasada.
Es la segunda película que he visto de BrandonChristensen y ha vuelto a sorprenderme. En el reparto encontramos a SaraCanning (‘La guerra del planeta de los simios’), a OsricChau (‘The Flash’) y GracieGillam (‘Z, nation’) que está fantástica. Que de matices en una sola mirada. Y como aparición estelar tenemos a BarbaraCrampton.
Solo ha habido una cosa que no me ha gustado de la película y es su sonido, demasiado estridente cuando quieren meternos tensión, llega a ser muy molesto.
Hay que tener cuidado con lo que se dice en las redes. Así que solo os puedo decir, que veáis la película y os divirtáis. Ya fuera de broma, la verdad que sorprende y merece mucho la pena.
No confundir con la heladora película que en 2013 pasó por el festival y estuvo protagonizada por Laurence Fishburne, Kevin Zegers y Bill Paxton. En esta película alemana la humanidad se ha exiliado a otro planeta para sobrevivir, pero por desgracia la atmósfera de Kepler 209 les deja estériles. Cuando la civilización quiere retornar a la Tierra se encuentra un recibimiento algo más hostil de lo esperado, un primer equipo de exploración desaparece y seguimos los pasos del segundo. La premisa me ha recordado a ‘Godzilla: paneta de monstruos’ pero a tras del punto de partida la cosa es diferente.
No nos topamos con bestias gigantes pero aún así hay desolación. Roland Emmerich, quien siempre tiene en boca un alegato ecologista, nos pone por primera vez en una situación posterior a sus famosos cataclismos. El conocido director ha producido esta película que realmente ha dirigido Tim Fehlbaum (‘Hell’).
Nos plantean una Tierra inhóspita y hostil a lo ‘Mad Max’ pero con humedad cuya pólvora se va mojando según se adormece la trama. Hay momentos que visualmente impactan, pero la historia cae en algo tópico y común. Incluso hacer girar todo entorno al cambio climático empieza a hacerse redundante.
Una desconocida (en España) Nora Arnezeder es la protagonista pero hay rostros conocidos, como Iain Glen, el sufrido Mormont de ‘Juego de Tronos’.
La banda de música favorita de nuestros grupos de música favoritos. Y si, admito que en la vida había escuchado o visto a estos cantantes antes del estreno de ‘Annete’. Toda la historia y música es de ellos y me pareció magnífica.
Dirigido por EdwardWright, se nota el cariño hacia esta banda, nos van contando su camino a lo largo de sus cinco décadas.
Ron y RussellMael, son el dúo de Sparks, una banda de pop y rock. Una extraña pareja que jamás han seguido la moda y con ello han logrado crearse una imagen propia y por supuesto una música muy personal que nadie tiene. Supongo que por esta misma razón son tan apreciados en el mundo de la música. Son peculiares y además el lograr durar más de cinco décadas juntos y no parar es una locura.
Nos muestran conciertos, trocitos de videoclips y sobre todo sus gustos. Una de las cosas que tenían muy pendientes era haber podido hacer cine con sus partituras. Al final lo han conseguido con Annete, pero han sido muchos los intentos que han tenido.
Interesante este documental para conocer a una de las bandas más desconocidas para el público general y tan conocida en el mundo de la música profesional.
Película de animación de lo más rara e imaginativa. ‘Cryptozoo’ nos lleva tras las pistas de los animales más raros, ocultos, extintos o mitológicos que puedan venir a tu cabeza. Como una mezcla de John Hammond y Charles Xavier las protagonistas buscan a “cryptos” por todo el mundo, para juntarles en un solo lugar, un edén que además de darles un espacio seguro es de lo más lucrativo para ellas. Un zoo que parece un Benetton de lo mitológico y deja al circo de ‘Freaks’ a la altura del betún.
Una cinta llena del folclore de muchas culturas con una parafernalia digna de ‘American Gods’. Lo que empieza como un viaje digno de Woodstock con unos Adán y Eva psicotrópicos pasa a ser una aventura digna del propio Ace Ventura. Todo en su conjunto parece un videoclip realizado por animadores puestos de LSD.
La animación es rara, sobre todo para nuestra época. Es como si esta obra tuviese muchos años pero a la vez con tintes modernos. Parece hecha como a acuarela y lápiz. Pero esta especie de “simpleza” esconde detalles salvajes, burdos y mensaje provocador, me ha recordado a ‘The midnight gospel’.
Una película que parece hecha por o para las eléctricas que amenazan al gobierno con apagones. Una crisis entre gobierno y sindicatos tiene a Londres sumido en noches de total oscuridad. En esas tinieblas debe desempeñar una enfermera sus turnos, entre las paredes de un hospital de los 70.
Para nada trata acerca de un tema social o político, lo que trata de contarnos Corinna Faith es algo que venimos viendo mucho últimamente y si bien es un problema a reivindicar por razones obvias ya se está manoseando tanto que se ve venir a la legua. Sabiendo casi de antemano cuál es el peligro al que se enfrenta la protagonista (Rose Williams) solo queda intentar disfrutar de su vertiente terrorífica.
La ambientación intenta meternos miedo moviéndonos entre pacientes enfermos, donde solo se oye su dificultosa respiración. Pero la película no desarrolla la propuesta de la larga oscuridad. Está plagada de ruidos, música a tope, dibujos llenos de rayajos, posesiones convulsas, escondites bajo la cama… recursos también muy típicos que acaban haciendo de este filme algo intrascendente, sin el poder que su título auguraba.
Del fiasco de ‘Prisoners of the Ghostland‘ a la sorpresa de ‘El Caballero verde‘
El día ha empezado con un encuentro con el equipo de ‘La abuela’. La película se presentó en la pantalla más grande del festival y para celebrar esa proyección y el hecho de que podamos volver a estar absolutamente todos juntos de nuevo viendo cine fantástico se celebró esta rueda de prensa. En ella Paco Plaza. Nos comentó que su intención verdadera pues lo que perseguía era hacer una película de posesiones donde el demonio fuese la vejez. Para Paco Plaza ver una película en el Auditori del Hotel Meliá “es como ir de boda”, conozco a cientos de personas.»
Enrique Lavigne, productor del filme, hizo hincapié en varias de sus intervención a cerda de su apuesta por los estrenos en cines y el largo recorrido que va a tener la película por festivales internacionales. “Los festivales son las catedrales del cine”, dijo “es un lugar único donde los productores se encuentran con el talento y los directores con el público”.
También se anunció el palmarés del festival, el cual podéis consultar en este artículo al completo.
‘Prisoners of the ghostland’
XYZ es una productora que hasta ahora me gustaba por las propuestas que nos hacía llegar, hasta ahora. La precursora de películas como ‘Color out of space‘, ‘Synchronic’ o ‘La invitación’ me ha causado la mayor decepción hasta la fecha. También me lo merezco por esperar algo potable de la alianza entre dos excéntricos artistas como Sion Sono y Nicolas Cage.
Aquí Cage interpreta a un prófugo o ladrón que recibe el encargo de encontrar a la nieta de un gobernador ricachón. Hasta ahí todo suena bien. El problema no es ni siquiera la horterada de mal gusto que es el diseño de producción. Es tanto la trama como las interpretaciones. El arte del filme, por llamarlo de alguna manera, es de mal gusto, muy acorde al sinsentido plagado de actuaciones más dignas de una película amateur publicada en YouTube. Parece un excéntrico anuncio japonés, de esos que hicieron en su día Schwarzenegger, Madona o el propio Cage.
Ni sus giros ni sus revelaciones tienen nada de sorprendente. Con todo lo rara que es consigue ser de lo más común. Es una película postapocalíptica que mezcla sin sentido vaqueros, geishas, luces de neon… Todo ello en unos escenarios multitudinarios que parecen sacados de la peor pesadilla de Terry Gilliam. Ejemplo de ello es el banco blanco inmaculado iluminado con antorchas, dotado de una máquina de bolas de chicle (que son pelotas) y gente vestida de fichas de parchís. Tras verla me quedo con que he visto algo a la altura de ‘Samurai Cop 2’. Que Nicolas Cage haga esto ya no es raro, pero no sabía que Sofia Boutella estaba tan desesperada.
Albert cuida de una Mia, una niña con dientes de hielo en una mansión a mediados del siglo XX. Durante la historia, hay extrañas llamadas telefónicas de alguien preocupándose de la niña. Hasta que un día, Albert, recibe instrucciones de prepararla para llevarla al exterior.
Leyendo la sinopsis recuerdo que me interesó un montón y es de las primeras películas que quise ver en el Festival. No entiendo por qué nos han hecho esto. Una historia que como mucho tendrá 2 páginas de diálogos y creo que me estoy pasando. Pero sinceramente, si me hubiese contado algo, esto no habría sido ningún inconveniente. El gran problema es que es soporífera.
Dentro de imágenes preciosistas y muy bucólicas, muy al estilo romanticismo alemán. Vamos viendo el día a día de esta niña y este hombre. Pero ya, no nos cuenta nada mas. De repente aparecen personajes random que, o yo no entendido la metáfora, que seguro que la tiene, o simplemente nos estaban tomando el pelo.
‘Earwig’ es una película que no recomendaría a nadie. Su hora y media ha sido para mí un suplicio y la verdad que es una pena, la sinopsis es la mar de interesante, pero no te lleva a ningún lado.
El director Masayuki Miyaji se formó en Studio Ghibli y eso se nota en el guión, el estilo de dibujo y la magia de cuento que está omnipresente. Empieza a lo ‘Ben-hur’ o ‘Gladiator’, con un héroe desterrado o condenado y una escena que recuerda un momento memorable de Charlton Heston. Pero este rey ciervo acaba recordando a la ‘Princesa Mononoke’, sobre todo en la manera en cómo conecta con la naturaleza.
La historia tiene épica y aventura, misterio e investigación. Nos plantea un mundo medieval y fantasioso en el que los humanos han de superar una enfermedad llamada mittsual, una ataque en forma de pandemia, una Fiebre del Lobo que arrasa con todo. En medio de esa crisis se busca a un caballero que antaño combatía a lomos de un ciervo y ahora es un prófugo acompañado de una niña al estilo ‘El lobo solitario y su cachorro’. En el está la clave de la cura.
Muy alineada con la actualidad con frases como “las enfermedades no conocen fronteras” y la búsqueda de una cura o personas inmunes. A parte de eso tiene un mensaje claro sobre la familia y la ecología no relacionado con el COVID-19 aunque este se diluye durante un buen rato, durante el parón que hay a la hora de película.
Se agradece que, como Ghibli, la historia se apta para todos los públicos e introduzca elementos para adultos, que por otro lado hacen que el público infantil vaya madurando a través del cine. Pero el sello lo pone Production I.G., los mismos de las escenas animadas de ‘Kill Bill’ o las nuevas películas de ‘Ghost in the shell’ o ‘Ultraman’ y la falta de poesía se nota.
Recuerdo la primera vez que vi ‘A ghost story’, me horrorizó, en plan todo el rato quejándome y pensando que por qué me hacían ver a una mujer comer una tarta en tiempo real. Al día siguiente me pareció increíble.
Hoy hemos visto ‘El caballero verde’ una película de la que me habían hablado y dicho que era muy lenta y aburrida. Que gran sorpresa ha sido al ver que pese a que sí, un poco lenta si que es, al menos nos cuenta una historia de aventuras y fantasía.
Tras enfrentarse al temible Caballero Verde, Gawain, el testarudo sobrino del rey se embarca en un viaje en donde se las tendrá que ver con ladrones, gigantes y un sin fin de desventuras que acechan una Bretaña mágica.
Además de que visualmente es bien bonita, la película nos lleva al imaginario de las leyendas. Esas que se crean gracias al boca a boca y que se van deformando tanto y adornando que al final poca realidad queda de estas.
Además es un viaje de autodescubrimiento, de conocerse mejor a través de las distintas dificultades que este camino le ponen a nuestro protagonista y de como tiene que intentar salvarse de una manera u otra.
Un cuento que a mi se me ha pasado volando, quizás porque me encantan este tipo de historias, he entrado desde el principio en este mundo y no me quería ir hasta ver su desenlace.
Carlos Saura se da un gustazo artístico. A todos los que nos gusta el esperpento de Goya. Retrocede a la guerra contra los franceses y nos lleva a los fusilamientos del 3 de mayo sucedidos en la montaña del Príncipe Pío.
¿Cómo nos pone en situación? Primero realiza un paseo por los grabados del por entonces conocido como Francho. En ese primer recorrido se centra en el horror, en concreto el que Goya pudo ver cara a cara.
Saura continúa con su apuesta teatral para llevar a cabo la escenografía y funciona. Con poco attrezo y mucho reparto realiza la última marcha y lamentos de aquellos que aparecen en el lienzo de Goya. Me chirría que haya un doblaje, le resta realismo y nos lleva a un tono más documental, pero igualmente se ve la desesperación y pavor de los derrotados.
‘Nido de víboras’ confirma esa tendencia que alimenta aún más nuestra buena percepción del cine que sale de Corea del Sur. Es una película de enredos, de cruce de caminos con muchos personajes y una trama repleta de puñaladas. Kim Yong-hoon emula a su estilo a los Coen y nos propone una historia coral y fatal pero a su vez con humor negro. Un thriller que bien podría competir con ‘La casa torcida’, ‘Pulp Fiction’ o ‘Puñales por la espalda’ y similares. Entorno a un mundo criminal se mueve un abanico de personajes variopinto, diverso, de tal modo que las reacciones y resultados son imprevisibles. Y el guion se va enrevesado hasta tal punto que al final acaba haciendo hasta gracia.
La violencia y el destino son partes fundamentales de ‘Nido de víboras’. Una película de traiciones y buscavidas, de míseros y miserables. Aunque hay muchas historias que seguir el filme no se hace lioso, exige menos atención de la que a priori parece demandar y además deja todas las tramas cerradas, cosa que se agradece.
Carly vuelve a reencontrarse con su madre, pese a no querer saber nada de ella, ya que es una famosa asesina en serie. Su madre en coma, es parte de un experimento de unos científicos que quieren probar una nueva tecnología para poder adentrarse en su mente.
He de decir que tenía unas ganas tremendas de ver ‘Demonic’. Neill Blomkamp ya me sorprendió en su día con ‘Distrito 9’ y siempre que estrena algo nuevo ahí estoy como una verdadera fan.
‘Demonic’ en un principio, me ha decepcionado un poco. Ha ido creciendo en mi cabeza después de verla y tengo mejor recuerdo que cuando terminé de verla. La historia es interesante, pero las actuaciones son un tanto extrañas. Si, no se como explicarlo, pero no me terminaba de creer a ningún actor y al final eso termina sacando bastante de la película.
El CGI, aunque no sea lo mejor, admito que me pareció una manera muy buena de salir del apuro de estar rodando en plena pandemia y tener los recursos que tenían en esos momentos.
En el reparto encontramos a CarlyPope, NathalieBoltt, MichaelJ.Rogers y ChrisWilliamMartin, entre otros.
Escrita y dirigida por Neill Blomkamp, ‘Demonic’ llegará a nuestras salas este próximo 12 de noviembre si nada lo evita.
Secuela de la historia que nos contaba la aventura de un héroe que buscaba congratularse con los yokai, esos demonios del campo japonés. Nada más empezar ya vemos que continúa con la historia pero igualmente se puede seguir sin haber visto la primera. Y también nada más arrancar vemos que esta es una de esas narraciones con muchos personajes, folclore japonés y efectos espectaculares, que no de calidad.
Sello indiscutible de Takashi Miike. Humor, aventura y trama muy loca. No es el Miike violento, es el fantasioso, el que sirve tan bien cuando nos referimos a adaptaciones de mangas.
Unos niños han de enfrentarse a la amenaza demoníaca ya que según el filme de adultos no podemos verlos. Estas historias de un niño intentando salvar un mundo mágico y en extensión el nuestro no dejan de recordarme a ‘La historia interminable’. Con este detalle Miike juega para generar una aventura infantil con multitud de monstruitos y algún monstruoso, como el Yokaiju que amenaza con partir Japón en dos. ¿Lo más entretenido? Lo variopintos que son los yokais.
Hemos podido ver dos episodios de la serie que emitirá Movistar el 25 de octubre. Una producción de seis episodios con una gran ambientación y el protagonismo de un Colin Farrell más grande de lo habitual, en talla y en actuación. Pero es una serie que el actor coprotagoniza con JackO’Connell (‘Money monster’), el cual, sirve de espectador de todo lo que hace un ballenero en los mares del norte en pleno siglo XIX.
Creada, dirigida y escrita por Andrew Haigh (‘Looking’, ‘The OA’) adapta la novela de IanMcGuire. Ha sido rodada en lugares recónditos de Svalbard y si lo que busca es repugnarnos lo consigue.
Lo logra porque muestra cuán deleznables y sangrientas son nuestras cacerías. Más allá de tratarse de supervivencia la caza y pesca se muestran como un deporte o un medio de bravuconería. Es decir, refleja la sangre fría con la que matamos, con la descuartizamos, con la que operamos, con la que tenemos indiferencia.
Las tensiones entre los tripulantes están muy bien plasmadas, al igual que el tormento que sufre el personaje de O’connell. Todo apunta a que va a orientarse por los mismos derroteros de ‘The terror’ pero sin llegar a su nivel. Quizá me equivoque, pero el enfrentamiento entre los personajes es pronosticable y su aislamiento en el ártico también. No empieza mal pero su lento desarrollo puede dejarnos fríos.
Hoy ha sido un día de los que nosotros disfrutamos al 100% del Festival de Sitges. Hemos tenido photocalls, entrevistas, ruedas de prensa, sesiones de preguntas y repuestas, estrenos y por supuesto muchos pases.
No pudimos empezar mejor el día que acompañados de uno de los invitados premiados en esta edición. Neill Blomkamp recibirá el honor Máquina del Tiempo y no es de extrañar pues películas como ‘Distrito 9’, ‘Chappie’ o ‘Elysium’ han marcado un antes y un después en la ciencia ficción contemporánea. En rueda de prensa nos comentó que no está centrando conscientemente su carrera en el cyberpunk, sino que le salen las historias así. De igual modo que de manera orgánica hizo ‘Demonic’ financiándola junto a su hermano con lo que buenamente pudieron durante la parte del confinamiento y la pandemia.
“El estilo del mundo virtual, me gusta la idea de la película de poco presupuesto, con vfx indie” no comentó el director. La tecnología usada para el mundo virtual de ‘Demonic’ se llama photogrammetry y nos confesó que fue la parte más dificultosa pues no permitió rodar fluidamente ya que había que manejar unas 250 cámaras a 4k que estaban instaladas en torno a la jaula en la que tenían a la actriz (Carly Pope). “Pero quería si o si usar esta tecnología para la película” confesó. No había pensado en ‘La celda’, pues hay algún paralelismo, pero admitió ver la relación, aunque la idea realmente no es meterse en la idea de un criminal sino la osadía de entrar en la mente de una poseída.
Nos atrevimos a preguntarle sobre su estilo y concepto de humanidad destructiva y relacionamos la pregunta con el futuro de su fimografía. Veremos ese estilo de nuevo con una en un próximo ‘Distrito 10’ pero no en Alien.
Una de las sorpresas del día ha sido conocer al simpático Roman Griffin Davis, el protagonista de ‘Jojo Rabbit’. Ha venido acompañado de su madre al festival debido a su reciente trabajo en la película ‘Silent night’, de la cual os hablamos en la entrada del diario del día 13 de octubre. Y es que además de ser su madre, Camille Griffin es la directora y guionista del filme. En la galería de fotos del pie de este artículo tenéis instantáneas que hemos podido hacerle.
También estuvimos entrevistando a Fiona Dourif. La actriz vino en calidad de embajadora para hablarnos de la nueva trastada de ‘Chucky’, esta vez en formato serie. La actriz nos contó que es una reinvención que mantiene el estilo original y lo hizo haciendo un agradecido y enorme esfuerzo por hablar en castellano. En poco tiempo podréis verla en vídeo.
‘Chucky’
Antes de nada aclararé la duda que muchos tal vez tengan. Esta podría ser una secuela directa de la saga original pero sería mejor decir que reconduce la historia. El muñeco sigue siendo el mismo y el protagonista es consciente de lo que ha pasado con el asesino de las anteriores entregas (posesión incluida), de hecho, es fan de las historias del tipo true crime. Lo que no sabemos con los dos primeros episodios que hemos podido ver gracias a SYFY es cómo ha llegado el muñeco a la ciudad de este nuevo “amigo” de Chucky.
El niño protagonista, Zackary Arthur (‘Mamá y papá) tiene un museo de los horrores a la altura del chaval malo de ‘Toy Story’, pero al contrario de él no es mal chico, simplemente no encaja y tiene pocos amigos. Diremos que Dios los cría y ellos se juntan. Esta es una actualización clara. Sigue siendo el mismo jugueteo macabro por parte de un cabroncete que se ha alojado en un inocente muñeco pero ahora hay smartphones y podcasts. Eso sí, ya que se ambienta en la actualidad aprovecha para profundizar en dos temas que siempre le han preocupado abiertamente a Mancini: el acoso escolar y la LGTBIfobia.
La serie, que cuenta con el aval de Nick Antosca, llegará a España en enero a través del canal SYFY y mientras os podemos adelantar que es buena reacción a la nueva película que, aunque estaba divertida, se alejaba mucho de lo original. Está claro que es un producto para los fans de la comedia habitual de Mancini. Solo ellos sabrán apreciar o reconocer el tono y la implicación del reparto original. Además, como premio, nos aportan datos sobre Charles Lee Ray, algo que no se ha explorado en demasía hasta ahora.
Qué maravilla de documental. Admito que soy fan de ‘IT’ desde hace muchos años. La miniserie que todos hemos visto de pequeños, fue un evento televisivo que yo no conocía y me ha gustado descubrir hoy.
Era la primera vez en la historia de la televisión que se hacía algo así, un estreno en dos días de una misma historia. Y aquí nos explican cómo fue todo en general, el rodaje, la creación de la historia y como fueron cambiando cosas según avanzaban el rodaje.
Tenemos entrevistas con mucha gente del reparto, directores, guionistas, e incluso a Tim Curry. Me ha dado pena que no lograsen hablar con Stephen King, tiene que ser un hombre difícil de conseguir para estos temas. Pero aun así se pueden escuchar entrevistas antiguas hablando sobre su libro.
Un documental que si no tiene distribución, espero que la consiga pronto. Porque la verdad merece mucho la pena. Si eres fanático del terror conocerás muchas curiosidades tanto de la cinta como del libro.
Una niña se queda sorda tras un terrible accidente. Después de la muerte de sus padres, recupera la audición, pero no solo eso, sino que además cuando hay violencia y sangre no solo escucha un sonido diferente, si no que es capaz de visualizarlo.
Años más tarde, la encontramos como estudiante de música. Su obsesión está muy marcada en disfrutar de ese sonido tan especial, aunque sea a costa de vidas humanas.
La película no es perfecta, es bastante regular, pero sí que se levanta con las muertes que observamos en la película. Y es que son bastante originales y crueles. Ya que las muertes tienen que ser lentas para ella poder trabajar con el sonido recogido.
La idea de la película me ha parecido de lo más original y la verdad que no me esperaba nada de ella y me ha dado una película bastante curiosa y entretenida. El final me ha parecido demasiado exagerado, pero lo dicho, ver una muerte tan loca hace que al final la película quede en la memoria.
Empieza tipo Superman y continúa con unos saqueadores tipo ‘Guardianes de la galaxia’. Y la trama no difiere mucho de esa segunda referencia. Un personaje es exiliado de su tierra por su propio padre para salvarla de una muerte segura. Años más tarde nos presentan a unos buscadores un tanto pillos que operan al borde de la ley. Con ellos Maeve, la protagonista, en vez de tropezarse con una gema del infinito se enfrasca en la búsqueda de una corona capaz de resucitar a los muertos.
Tiene una animación muy moderna, dinámica, es de estos proyectos que se perciben como aventuras claramente animadas pero con unos efectos para el agua, el fuego o las “energías” tirando a lo realista. Pese a ello a veces la acción o los cambios en los rostros no son todo lo fluidos que cabría esperar y ahí es cuando se percibe que todo esto proviene de una webserie de 2018, se notan las capas de dibujo, por ejemplo. Los personajes están hechos con menos detalles que los medallones que llevan. Y es que nos cuenta una aventura tecnológica que aún así tiene mucho sabor de misticismo y magia oriental.
Película para todos los públicos. Una amistad tipo Bumblebee, un poco de Star Wars por aquí, una civilización terraformadora por allá y tenemos por sorpresa una space opera.
El emplazamiento de una piedra milenaria que es visitada tanto como Stonehenge sirve de epicentro de esta historia en clave de comedia negra. Está protagonizada por un elenco coral de cuatro personas pero se mayor presencia al actor más conocido, Iwan Rheon. Él nos abre el filme tras el prólogo y nos muestra a un director que se ha ido a vivir con su pareja al campo, cerca del monolito. Pero vive sometido a esas decisiones de pareja o a la presión de un amigo influencer bastante intimidatorio y obsesionado con la clásica necesidad de superioridad física del machito. También está cohibido por otro tipo de detalles que se van descubriendo…
La cuestión es que hay tensión en el ambiente y entonces unos extraños empiezan a hacerles la vida imposible al estilo ‘Funny games’ pero en siniestro y silencioso. Lo que son casi cincuenta minutos de cena entre amigos se convierte en un secuestro que además de extraño no pierde el toque de humor.
Está bien llevada la rápida evolución de los personajes, sobre todo del de Rheon que es el que realmente experimenta un cambio. Lo único que me ha dejado descolocado es la presencia de un zorro herido, pero entiendo únicamente que está relacionado como con los vulnerable que se siente el personaje protagonista pero a la vez el cómo se defienden una situación límite.
En un futuro no muy lejano, un inspector de hacienda se dirige a la casa de Bella, ha hacer una auditoria de sus sueños. Sí, en este futuro, se cobra por cualquier objeto que aparezca en nuestros sueños, y Bella lleva años sin presentar ninguno a hacienda.
Al final todo se convierte en una historia de amor y conspiración en la que se viaja por los sueños para poder escapar del mal. Visto así, la película pinta muy bien, pero he de decir, que es otro de los chascos del festival. Visualmente bonita, al final estamos entrando en el mundo de los sueños, pero sí que es verdad que llega a ser demasiado imaginativo. No todo el rato se sueñan con criaturas extrañas.
El tema del maquillaje y efectos me ha parecido muy bueno, está muy bien tratado. Tenemos unos animales antropomorfos, cuyas máscaras están muy bien realizadas.
Pero ya os digo, que aparte de esto, la película es aburrida. Y como digo, me da pena, porque la verdad que la historia pintaba muy bien y no han sabido llevarla por buen camino. Han querido introducir demasiadas rarezas y cansa desde el minuto uno.
Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
Edward Wright vuelve a sorprendernos, en un día de dramas familiares
Hoy hemos tenido un poquito de todo, películas para todos los gustos, pero sobre todo, dramas familiares por todos lados. Eso sí, sin duda, estamos los dos (y casi todo Sigtes) de acuerdo en esto, es que ‘Last Night in Soho’ ha sido la mejor película del día con creces. Además hemos visitado el stand de ‘El juego del calamar’ que ha preparado Netflix en Sitges.
Además hemos terminado con la guinda de un coloquio por Paco Plaza y Carlos Vermut contándonos un poco sobre ‘La abuela‘, de la que os hablamos más abajo.
Ahora en las reseñas podréis leer lo que hemos visto, pero en el día de hoy además se les ha dado el premio Máquina del Tiempo a Alice Krige, por toda su carrera. Ayer día 13 lo recibió Nick Antosca.
‘Last night in Soho’
Edgar Wright vuelve y lo hace por partida doble. En anteriores entradas del diario os hablamos del documental ‘The Sparks brothers’ y ahora con un relato de ficción, de ciencia ficción y terror. Tras la magnífica ‘Babay driver’ nos vuelve a abordar con una historia repleta de música y ritmo y con ello una imagen muy bien acompasada.
Este filme, con un potente atractivo visual nos lleva a Londres, tanto en la actualidad como en los sesenta. Y en ambos momentos de la cronología nos pinta a la city como un lugar baboso para las mujeres. Aborda el mundo falocentrista tipo Weinstein y lo hace a través de una conexión fantástica, la que se da en la ficción y la que tienen Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie. Suelo disfrutar mucho de Taylor-Joy pero he de reconocer que es McKenzie quien capitanea la película.
El filme es muy Wright en cuanto vemos cuán british y musical es, también con sus toques de terror e incluso con algo de su humor. La apuesta es clara en cuanto vemos que está alineada con el #MeToo pero lo que me ha gustado es el cómo coge un elemento clásico de la historia de Londres (mencionarlo sería spoiler) y le da la vuelta. Quizá esta es de las veces que veo más de lo que realmente hay, pero el director de ‘Zombies party’ y ‘Bienvenidos al fin del mundo’ coge ese peligroso pasado de Londres y lo usa a favor de la causa.
Es la película menos cómica del cineasta y uno se da cuenta al final del filme que la temática lo requería. Como hacía el fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta emplea el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia pero no de manera gratuita, sino con intencionalidad.
Con ‘Matrix’ y Philip K. Dick como referentes y punto de partida se indaga acerca de si es posible considerar nuestra vida como parte de una simulación. Juguetea con la idea o pregunta a quienes lanzan hipótesis al respecto, tales como ¿estamos a merced de una civilización más avanzada?
Realmente es oportuno este documental ahora que se acerca la cuarta entrega de ‘The Matrix’ pero las alusiones tanto literarias como audiovisuales son muchas más. Ese material es buen referente, pero todo parte de las palabras del autor de ‘Blade runner’. Si eres fan de la ciencia ficción apreciarás todas las teorías que ofreció en una charla y que aquí se muestran. Sin duda vais a buscar el “2-3-74” y las visiones anotadas en el ‘Exégesis’.
¿Nuestra civilización ha sido reseteada y probada con variaciones? ¿Están nuestras ideas inducidas y nuestro libre albedrío es una ilusión? ¿Somos NPC’s en el juego o el pasatiempo de alguien que está en otro plano de existencia? ¿Tenemos recuerdos erróneos en común como si nuestra mente estuviese conectada al mismo servidor? ¿Es el Efecto Mandela un fallo en la matriz? ¿Es la religión o la teoría de la simulación una excusa para buscar solución a nuestros problemas? El documental nos invita a reflexionar y a buscar los bugs de nuestra realidad.
Plantea dudas existencialistas, analizando por encima desde cuándo viene esta idea del mundo falso o de existencia consciente hasta la perspectiva que nos han dado las tecnologías de la información y su capacidad de crear inteligencias artificiales o mundos como el de ‘Los Sims’, ‘Second life’ o ‘Minecraft’.
Me habría enterado mejor de la película si los subtítulos no hubiesen sido semitransparentes o blancos sobre fondo blanco. ¿Mi reflexión? Vivamos en un sueño profundo o en un mundo real tenemos la sensación de existir, sentir y morir, disfrutemos de las variables que tenemos por delante.
Hay películas que si no te cuentan ninguna historia, son muchos mejores. Este es el caso de ‘We need to do something’.
La película ha comenzado muy bien, una familia, madre, padre y sus dos hijos, se encierran con toda la tranquilidad del mundo en su cuarto de baño. No saben muy bien que va ha llegar, si una tormenta o un tornado. La cosa que se quedan atrapados sin poder salir. Mientras que afuera se escuchan extraños ruidos.
Todo el rato en el que están en el interior del cuarto de baño es estupendo. La manera en la que se van degradando como personas para convertirse en animales. El odio que va surgiendo de los rencores interiores y como el hambre y el cansancio hacen que estos salgan de una manera terrible al exterior.
Pero como he dicho, el gran fallo es que se inventan una excusa para esta tormenta o tornado. Algo sobrenatural que no hubiese hecho falta que me explicasen. No os lo voy a contar, pero es que es bastante absurdo y una manera de estropear una película que hubiese sido, aunque poco original, entretenida. A dejarla en algo mediocre.
Siempre presumo por todo Sitges que me cojo las películas sin ver tráilers ni nada de nada, pues con ‘The blazing world’ me he arrepentido mucho. A ver, que es una de las cosas que más me gusta del Festival Sitges, ir a la locura y coger películas que no tendré oportunidad de ver en el cine. Pero si, esta ha sido sin lugar a dudas, a día de hoy, la peor película que he visto en el Festival.
Es verdad que visualmente es muy bonita. Se nota mucho el trabajo en tema de decorados y vestuario y si que es cierto que está genial. Pero a la hora de la historia, el guion y los actores, no cuaja nada.
La película nos cuenta una tragedia familiar y como una de las hermanas gemelas de una familia muere y años mas tarde ninguno lo ha llegado a superar. Su hermana, más traumada que nadie, entra a través de un portal a un mundo paralelo en el que supuestamente está su hermana.
La película juega a introducirnos en una especie de cuento, con demonios y puertas que cruzar para poder avanzar. Además la protagonista sigue a “un conejo blanco” que no es un conejo vale, es una persona, que no es otro que Udo Kier. Viendo al actor, me tenía que haber imaginado que esta película podía ser una bizarrada de las buenas.
Carlston Young, es directora, guionista y actriz principal. Creo que a la hora de escoger su equipo artístico ha realizado un gran trabajo, incluso a la hora de rodar, la película juega con muchos planos y nos muestra ese imaginario muy bien. Pero como he dicho, es la historia, que no interesa nada y termina aburriendo desde bien pronto.
Comedia tecnológica que nos lleva por tres historias. Una que nos muestra a un astronauta perdido en el espacio a la deriva, otra que nos habla de un centro de mantenimiento de robots humanoides de acompañamiento y por último la de una chica que vive controlada por su asistente de voz, como una Alexa marimandona. Tras esto se incorporan otras tres tramas que además de ir llevándose el tono del filme hacia algo más dramático van generando la confluencia de lo que hemos ido viendo, pero una unión bastante puntual y más conceptual de lo habitual.
‘Warning’ es una comedia dramática bastante lúcida y afinada. Consigue llegar y criticar de un modo fresco y acertado. Funciona muy bien para poner bajo el microscopio algunos de nuestros errores y anhelos.
La proximidad o comparativa con ‘Black Mirror’ es inevitable. La película critica o tiene inquietudes sobre nuestro futuro y la tecnología. Más en concreto funciona como un ensayo sobre el control de nuestra vida o incluso de nuestra mente y cuerpo o del de los demás. Es lo suficientemente sugerente como para considerarse interesante. Todo un sarcasmo sobre la vida.
Y hoy la cosa ha ido de dramas familiares con asuntos sin resolver. Y es que ‘Here before’ nos metemos en una familia que hace años perdieron a su hija pequeña en un terrible accidente. Con la llegada de sus nuevos vecinos, Laura cae en una espiral de emociones, al conocer a Megan, la hija pequeña de éstos, la cual se obsesionará por Megan de una manera bastante extraña. Tan extraña, que Laura, llega a pensar que es la reencarnación de su hija muerta.
La película juega al despiste y la verdad que engaña bastante, pero de buena manera. Nos cuentan una historia bastante interesante y pequeñita, pero que con las actuaciones se hace real y comprensible.
Sí que es cierto que se descubre el pastel antes de tiempo, pero no quita para que aun así la película termine convenciendo.
Un año más tenemos a AndreaRiseborough (‘Mandy’ ‘Possesor’) en una cinta en Sitges y como siempre ella está estupenda. Su evolución durante la película es muy drástica, pero como digo, creíble después de todo lo que está ocurriendo a su alrededor.
Stacey Gregg debuta con esta cinta con un aprobado. Ya que como digo, logra un gran trabajo por parte de los actores y una historia bastante verosímil.
Decepción con esta película realizada por Paco Plaza y Carlos Vermut. Sobra decir que hay un guión con intencionalidad y se han juntado dos artistas que además de amigos son personas que ruedan estupendamente. En ‘La abuela’ se percibe la mano de cada uno y el cómo se compenetran, pero la historia no es original.
Las casas y la figura femenina siempre son protagonistas en las cintas de Plaza, aquí no es menos. La modelo que nos descubre ha de hacerse cargo de su abuela y trasladarse a su casa frente al Retiro para hacerse cargo. Y todo esto sucede mientras intenta sobreponerse a la presión de la competencia y la fugacidad de la belleza. La decepción del filme es que no hay sorpresa. En cuanto percibimos, desde el mismo prólogo, que hay un motivo ritualista se nos hace obvio todo lo que pasa a posteriori, incluido el mismísimo final, del cual me sobran varias escenas, por ser excesivamente explicativa.
Incluso la música, que siempre me parece muy bien escogida en la filmografía de estos cineastas, no me funciona.
Si estás dispuesto a ver una película que sabes cómo va a acabar disfrutarás de ella como un filme donde lentos paneos a lo ‘Hereditary’ te llevan por algún que otro momento inquietante. Incluso se puede “disfrutar” de cómo se trata la vejez y se lleva al límite a la protagonista, en algunos aspectos muy al estilo ‘Relic’. Eso sucede en el plano del libreto y en el de la interpretación pues Paco Plaza nos descubre a una nueva actriz, Almudena Amor, aunque me gustaría decir que la guía y la crea como actriz.
Salvados en las últimas sesiones de un día de películas regulares
Volvemos después de un día extraño en Sitges, porque las películas no han sido muy allá. Monstruos, documentales, stop motion, película navideña, vampiros pueblerinos serbios, dramas y bizarradas japonesas. Así ha sido hoy todo y la verdad que lo hemos sufrido bastante, salvándonos nuestras dos últimas películas. ‘Silent Night’ y ‘Tokyo Dragon Chef’ son las que nos han arreglado el día.
Os dejamos a continuación nuestras reseñas y esperemos que os sirvan para no picar en más de una de ellas.
‘Antlers’
Otra de las esperadas del festival era ‘Antlers: Criatura oscura’ y bueno, dentro de lo típica que llega a ser en su desenlace, es una película que se deja ver.
El comienzo es muy bueno, una mina, dos hombres intentando llevarse todo de su laboratorio ilegal y un niño esperando desesperadamente a su padre mientras escucha ruidos de animales por todos lados.
Tres semanas después, la nueva profesora del instituto, comienza a obsesionarse con el hijo mayor de esta familia, pensando que es un niño maltratado.
Aunque como digo es bastante típica, al final es una película de monstruos, sí que la criatura está muy bien realizada y al menos para mí, que creo que haber visto ninguna cinta sobre esta criatura, aunque sé que existen a pares, me ha gustado mucho la leyenda y la manera de salir que tiene en ‘Antlers: Criatura oscura’. También me gusta, que no se cortan a la hora de mostrar cadáveres, ni hacer que los niños se salven siempre.
Tiene partes muy buenas, pero otras que te hacen perder poco a poco el interés. La historia de la profesora y su hermano a mí no me interesan nada y no me ha gustado que perdieran el tiempo en explicar sus vidas. Que lo hacen rápido, pero es innecesario.
Pronto os dejaremos una crítica más extensa de esta cinta, que pronto llegará a nuestras salas de cine.
Nos trasladamos a Serbia. Allí nos lleva un londinense que ha aceptado un trabajo de vigilante de cementerio. Rápidamente empieza a ver que el ambiente del lugar es raro, extraño y alejado de lo que está acostumbrado a ver en las ciudades de occidente. Y todo ello va más allá de las costumbres regionales, pues la gente de allí es la mar de atípica y antisocial, están todos como mustios.
El filme, aparte de parecer una obra hecha entre amigos, es una consecución de ideas inconexas y repetitivas. Trata sobre la influencia del vampirismo en el medio rural serbio. Suena aburrido y lo es, por contenido y por realización. Podríamos decir que se trata de vampiros energéticos simplemente por el hecho de cómo se desquicia el protagonista y por cómo nos quita las ganas de ver más películas.
Que no os engañe el cuartel que no veréis un vampiro hasta los últimos 15 minutos. Entiendo que se haya querido mostrar el folclore serbio pero no gana nadie con esta película. Ni el espectador, ni la taquilla ni los vampiros pues el protagonista (que también es el director) no tiene sangre alguna.
A través de la manipulación genética, la humanidad ha alcanzado la longevidad, pero está al borde de la extinción al haber perdido la capacidad de reproducirse. Sus clones, que se rebelaron hace 1600 años, son conocidos como los Marigans, y gobiernan el inframundo. Algunos parecen haberse vuelto fértiles y el gobierno envía una misión para investigarlo.
No sé qué me ha pasado con esta película, toda la sala riendo y pasándoselo bien y yo la verdad que en no me ha hecho gracia, no sé si es que no tenía el día o que. Pero por ello no voy a deciros lo mucho que me he aburrido, sino que os diré, que técnicamente es una maravilla.
El diseño de los personajes, muy futuristas y demacrados, dan el pego en este mundo acabado en el que nos estamos metiendo. TakahideHori, decorador de interiores, se metió en esta aventura el solo hace 10 años y la verdad que el trabajo es impresionante.
Los movimientos de los muñecos, la manera de trabajar las luces y sombras, todo está realizado con mucha precisión. Hay unas criaturas que se parecen bastante a los famosos Alien, pero dan como mas asquete y la película nos deja para una segunda parte. Supongo que intencionadamente, pero la verdad que el final corta de una manera demasiado tajante y sin finalizar toda la aventura.
Esta es la película que los creadores de ‘The medium’ tendrían que haber visto para hacer bien su supuesto documental. El largometraje de Sarah Appleton y Phillip Escott hace un estupendo repaso al fenómeno del metraje encontrado y de cámara en mano.
Para aquellos de mi generación que flipamos con ‘The Blair Witch project’ y revivimos la experiencia con ‘Paranormal activity’ es un gustazo oír a todos aquellos responsables de este género: Ruggero Deodato, Alexandra Heller-Nicholas, Derek Lee, Eduard Sánchez, André Øvredal… Sobre todo es un gustazo cuando ellos reflexiones que ponen en relevancia el hecho de que la violencia esté continuamente en televisión haciendo insensibles a los niños por la crudeza de sus imágenes y después una película sea criticada en aras de la corrección política.
Desde los orígenes del cine existen géneros como la comedia, el biopic, el darama… pero este es un género que hemos visto madurar los espectadores de finales del siglo XIX y principios del XX. Aquellos que han nacido con un smartphone bajo el brazo difícilmente podrán disfrutar de la sorpresa de un found footage, pero por suerte hemos tenido ejemplos recientes como ‘Host’. Gracias a reportajes como estos podrán descubrir por qué películas que ahora aparecen una historia claramente falsa en su día tuvieron repercusión.
Se rememoran películas como ‘Cloverfield’, ‘[REC]’, ‘Afflicted’, ‘Ghostwatch’, ‘Trollhunter’… Si las corrientes actuales nos empujan a meternos en experiencias que nos sumerjan en la historia con la realidad virtual y los videojuegos, este género tiene que estar más que controlado pues es parte del origen.
Un Drama de esos que uno no se explica por qué están en este festival. Me han devuelto a lo que me pasó con ‘Pelican Blood’. Una familia se debate entre vender el terreno de su casa y encontrar a uno de sus hijos que ha desaparecido. Y ya está, eso es todo. Se habla en la sinopsis de un futuro distópico pero no lo veo por ninguna parte. Si a los croatas esto les parece un futuro de malos augurios que se vengan a la España vaciada.
La película se fundamenta en reacciones extrañas de los personajes y en ellos recortando en silueta más que El Tío de la Vara. La única explicación que se me ocurre es que sea toda una alegoría sobre el cómo influye de manera acaparadora el mundo urbano en las gentes del campo. No sé si estoy remotamente en lo correcto pero no pienso dedicarle más tiempo del que la película me ha robado ya de por sí al verla.
Película navideña con la que me lo he pasado de maravilla esta noche en Tramuntana. Estamos ante una última cena de Navidad, pues viene de camino algo que hará que la humanidad muera de una manera terrible.
Una “familia” de amigos se han reunido para disfrutar de esta velada juntos y terminar de una manera apacible con sus vidas y las de sus hijos.
Es bestial la crítica hacia muchas cosas. Los ricos y sus privilegios y los pobres que no tienen derecho a morir de manera digna. O como, si tus amigos hacen un pacto, no puedes decidir por ti misma. ¿Y las dudas? ¿Y si todo es una equivocación? Además, que también trata el tema de la muerte y de cómo lo afronta cada uno. Con histeria, entereza o simplemente como un paso más en esta vida.
Me ha gustado mucho como trata todos estos temas de manera “cómica”, si tiene humor, es una cinta inglesa, ya sabemos que es un humor bastante turbio, pero que nos ha hecho soltar más de una carcajada en la sala.
Pero no os equivoquéis ‘SilentNight’ es un dramón tremendo, pero CamilleGriffin logra que pase de una manera divertida y sosegada.
Eso sí, aunque la cinta tiene un repartazo, el gran protagonista es RomanGriffinDavis, un niño con una boca demasiado sucia que va a poner patas arriba todo el ánimo del personal que querían pasar una última noche tranquila.
Una cosa tan rara como ‘De yakuza a amo de casa’, tanto en argumento como en género. ¡Incluso uno de los dos mafiosos protagonistas se llama Tatsu! Una comedia en la que un mafioso se propone vencer a su banda rival a través de su propio negocio de ramen, ataviándose con su mandil y todo. Una película solo proyectada con subtítulos en catalán que igualmente ha resultado divertida.
Obviamente hay que estar preparado para ver algo disparatado. De hecho tanto los efectos especiales insertados por ordenador como la calidad de imagen son cutrecillos, al nivel de los noventa.
Una guerra culinaria al más puro estilo japonés que da la mar de hambre. Si eres foodie y te picas con la comida que ves en Instagram, Youtube y demás no la veas porque te irás de cabeza a comer a un japonés. Incluso tiene momentos musicales al nivel de karoke baratucho de madrugada.
Mafiosos, youtubers y peleas con espumaderas en otra película oriental hilarante. Y todo ello con canciones que tienen un sospechoso parecido a las de la banda sonora de ‘Blues Brothers’. Cine sin tapujos a la hora de mostrar una cara rara.
Hoy ha sido un día muy ajetreado, Día de la Hispanidad en el que os hablamos de dos propuestas españolas muy diferentes pero que nos han convencido muchísimo.
También niños muy desgraciados que hacen cosas a las espaldas de los adultos. Y una de fantasmas taiwaneses, la cual esperábamos con ganas y nos ha defraudado mucho. Pero para fantasmas los de las víctimas de Jeffrey Epstein, madre mía que bizarra, terrible. Y para terminar el día nos hemos metido en un circo muy especial.
Apartado especial al portento de historia que es ‘Belle’, la cual sabemos que llegará a España de la mano de A Contracorriente Films.
Además hemos podido ver en pantalla grande el tráiler de la nueva de ‘Scream’, el cual ya tenéis colgado en la web. Sin mas os dejamos con nuestras reseñas.
‘El páramo’
La tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen.
InmaCuesta, AsierFlores y RobertoÁlamo, son los tres actores que tenemos en la película y son los encargados, junto a toda esa atmósfera inquietante de meternos la tensión que hace falta para que no te pierdas nada de ‘El Páramo’.
La película, aunque le sobren unos minutejos, consigue lo que quiere, que es crearte una tensión a través de un cuento. En el que una criatura viene a por ti y si la tienes miedo, cada día se acercará más y más hasta que acabe contigo. Pero si le haces frente, se marchará.
Leyenda o locura. Una casa solitaria en medio de un tremendo páramo hace que llegue un momento se pueda perder la cabeza. ¿O no? ¿Y si la criatura existe de verdad?
DavidCasademunt, director de la cinta, hace un trabajo increíble, el uso de distintos planos para no mostrarnos nada, pero a la vez mostrarnos todo, hacen que la película logre imágenes inquietantes y que quedarán en la mente durante buen rato.
La fotografía de la película es increíble y viene de la mano del gran Isaac Vila del que hemos hablado bastantes veces en nuestra web, desde el corto ‘Graffitti’ hasta ‘El desorden que dejas’ y es que hace una fotografía preciosista y logra mostrarnos unos paisajes impresionantes.
De momento no se deciros si tendrá estreno en cines, pero sí que llegará en enero a Netflix. Pero sinceramente, espero que llegue a las salas, porque tiene unas imágenes demasiado potentes para verlas solamente en la pantalla de nuestras casas.
Estoy seguro que más de una vez habéis tenido esa incomodidad que supone ver un vídeo con el sonido desfasado considerablemente. Eso es lo que le pasa al personaje muy bien interpretado por Marta Nieto. Empieza a recibir los sonidos como si fuese el sonido de un trueno que llega al rato después de haber visto el rayo. Como un mal playback. Una molestia que se acentúa aún más cuando sabemos que ella se dedica a la edición de sonido de manera profesional.
Como no podía ser de otra manera la edición de sonido de la película es estupenda. La gestión del fenómeno a la hora de trasladarlo a la acción del largometraje también está muy bien cuadrada. Y aunque lo que sucede es tremendamente raro y la historia se hace un poco espesa acabamos teniendo recompensa con una explicación.
Juanjo Giménez hace bien en comenzar con instrumental de montaje y edición de sonido para que de ese modo el espectador inicie el visionado predispuesto a centrarse en el plano auditivo. Estupenda manera que logra que la película aparte de ser una propuesta desconcertante también consiga algo inusual y es que el público menos experimentado se fije en detalles que por lo general suelen pasarse por alto, como es la edición de sonido.
Explicación a un evento que me suena a algún episodio o cortometraje que he visto alguna vez y no consigo recordar. No obstante es original la gestión que se hace del clímax, tranquilo, pero clímax. Bien es cierto que la película podría haber terminado en varios instantes, por ejemplo, la escena de la cafetería que culmina en el cine me parece un momento precioso que podría haber servido para dejarnos con un memorable final.
Quería ver esta película por el éxito que tuvo en Cannes y por la cantidad de entradas que se vendieron en este Sitges. Y no me arrepiento de haber cogido una película de la cual no había leído ni la sinopsis, solo dije, el cartel está guay.
¿Qué hacen los niños cuando los adultos no están? Es lo que podría resumir a esta película, donde cuatro niños con ciertas habilidades, quedan por las tardes a jugar. La película habla de la inocencia de los niños, pero también de cómo se termina, de la amistad y del odio. De cómo un niño maltratado termina yendo por caminos que no debería.
Me venía a la cabeza el personaje de Tetsuo de ‘Akira’, un chaval perdido que logra una habilidad que él piensa que controla y se le va de las manos. No es igual, pero me ha venido bastante a la cabeza esta similitud.
El reparto infantil me parece espectacular, todos ellos están de maravilla, con unos personajes muy bien definidos y que bordan cada uno con su dificultad. EskilVogt logra un trabajo increíble dirigiendo a estos niños que como he dicho, están estupendos.
La película es pausada, pero la verdad es muy amena, te cuenta todo despacito, pero es necesario para comprender lo que estás viendo.
Pronto tendréis una crítica más extensa, pues llegará a cines próximamente.
Maravillosa revisión de un cuento conocidísimo que ha tenido otras muchas versiones y ninguna tan acertada como esta o por lo menos no también actualizada. Y para más inri es capaz de sumar valores a la historia incluyendo una trama y personajes que si bien prolonga el filme a su vez lo enriquece. Desde luego supera con creces cualquiera de los remakes hechos por Disney hasta la fecha.
Gran nivel de diseño de personajes, movimientos y entornos, con todo ello logran meterte de lleno en la red virtual que se han inventado. Con el sello de calidad que supone prácticamente siempre la animación japonesa nos trasladamos a un mundo digitalizado. Una red social capaz de albergar avatares a los que los usuarios pueden vincularse de una manera altamente sensitiva. Hablando de una red social es obvio que se refleje como todo el mundo aprovecha el anonimato para comenzar una vida al margen de la realidad o simplemente para convertirse en trolls vomitivos.
Una película capaz de ensalzar muchos valores, entre ellos el de los actos que nos hacen madurar o la capacidad de comprender los sentimientos ajenos. La inteligencia emocional está a la orden del día y a pesar de tener una sociedad supuestamente avanzada sumergida en las pantallas de sus móviles y en videojuegos de vanguardia aún requerimos educar a nuestro cerebro y nuestro corazón de manera más humana, sobre todo para que no sucedan casos como el que toca en su final. Y para quien quera acción hay también una buena ración que nos lleva a una trama un tanto superheróica. Sin duda la mejor película de Mamoru Hosoda.
Dicen las habladurías que en oriente ha tenido que proyectarse esta película con la luz encendida del miedo que daba. Pues siento ser yo quien os baje el hype ante toda la expectativa de esta película, pero… no da nada de miedo. ‘The medium’ es una película que nos venden como documental pero que en cuanto vemos lo bien que están microfonados los extras, el cómo se reproducen los cámaras como esporas para grabar lo que les pasa a los otros cámaras o el cómo se comportan los personajes ya nos damos cuenta de que todo es una farsa. Y ya ni te digo con los textos de los carteles que nos van apareciendo durante el metraje.
Larga, muy larga historia sobre la herencia y el folclore tailandés. Ojalá esa mezcla de tradiciones y transmisión generacional nos hubiese llevado a un filme como ‘Hereditary’, pero este filme evoca a otras producciones y lo hace de un modo bastante amateur. Podemos extraer dos o tres escenas que si están bien logradas, el resto es llevar a los presupuestos y maneras de la región películas como ‘Paranormal activity’, ‘El exorcista’, ‘[REC]’… Títulos que son buenos referentes pero que hay que saber cómo introducir.
Quizá para las gentes de Tailandia, Corea o dónde se haya proyectado lo que se muestra en pantalla da miedo, probablemente por como conecta con sus raíces. No dudo que en aquellas culturas se lleven a cabo rituales como los aquí mostrados, pero me niego categóricamente a creer que algunas de las escenas aquí montadas sean ciertas.
Dos compañeras de piso descubren los oscuros secretos de su nuevo piso en el Upper East Side, y una de ellas comienza a parecer poseída por los espíritus de las víctimas del pedófilo multimillonario Jeffrey Epstein.
Ya con solo la sinopsis podéis daros cuenta que la película normal no es. Es sin duda la película más bizarra que voy a ver en Sitges. Si, lo sé, me quedan un montón de días, pero es que se que no voy a ver nada más raro en lo que estoy de festival.
La película es rara de narices, las actuaciones de vergüenza y el tema del rodaje… en fin. Planos borrosos desde el comienzo de la cinta, que yo pensaba que era la proyección, pero no, es que la película es así.
Está dirigida por una de las protagonistas de la cinta y guionizada por dos de ellas y vale, la sinopsis a la que la lees puede llamar la atención, es más, por eso es de las películas que me cogí, pero madre mía. No lo niego, me he reído un montón, pero si que es cierto que la veo más para un festival como CutreCon, sin duda iba a dar mucho juego.
El director de ‘Le llamaban Jeeg Robot’, Gabriele Mainetti pasa de ese filme de superhéroe de estar por casa a una historia de horrores: los de la II Guerra Mundial y los de las anomalías que sufren los miembros del circo de Israel. Así sería el clásico ‘Freaks’ de haberse ambientado en 1943 y rodado en Italia en clave de drama, humor y acción.
Entra por razones obvias dentro de los géneros que trata el festival pero además se alinea con el leitmotiv de este año ya que uno de los protagonistas está cubierto todo de pelo como si fuese un hombre lobo. Junto a él una eléctrica mujer, un escupe bichos, un enano magnético… Y de un modo que no os voy a adelantar, el futuro, nuestra realidad en el siglo XXI, también es un personaje más.
Película rara y bien rodada. Un galimatías que bien podría llamarse ‘La liga de los hombres estrafalarios’, tiene su villano a lo Moriarty y todo. Y las ideas locas no hacen más que aparecer, por eso veréis un ejército de partisanos tullidos, un cubo de Rubik adornado con la esvástica o el símbolo nazi recreado por una tropa de cucarachas o en forma de confeti. Y esos son detalles poco raros, porque a veces pone un pie en ‘Malditos bastardos’ y otras en una película de orígenes de los X-Men.
Por momentos es épica y muy habitualmente grotesca. Bien podría haber sido un episodio de ‘Dr. Who’ o de ‘Doom Patrol’. No se puede negar que es una bizarrada, pero es lo que tiene Mainetti, que hace películas tan simpáticas y con una belleza oculta que son irresistibles. Un relato sobre los oprimidos y desplazados que os recomiendo.
Disfrutando a lo grande con ‘Barbeque’, ‘Más allá de los dos minutos infinitos’, ‘Lamb’ y ‘Where is Anne Frank’
Muy buenas sorpresas en el día de hoy. Lo bueno de la jornada han sido las expectativas cumplidas por parte de ‘Lamb’ y la preciosa película de animación ‘Where is Anne Frank’. También se ha verificado la buena salud del cine japonés en lo que se refiere a mezclar argumentos fantásticos y humor, como fue el caso de ‘One cut of the dead’ también en Sitges. Igual que sumamos otra comedia francesa para recomendaros, la francesa y sangrienta ‘Barbaque’. Y nos llevamos otra bajo el brazo para recomendaros pues nos ha entusiasmado ‘The execution’, un thriller ruso que comentamos junto a las demás vistas durante el día de hoy.
En el apartado de películas que no nos han suscitado mucha euforia está la nueva entrega de la saga ‘Halloween’ o el documental ‘Users’. Un poco más entusiasmados hemos terminado de ver ‘The boy behind the door’. Desde luego no os recomendamos ‘Knocking’.
‘Halloween kills’
En 2018 se estreno uno de los regresos más esperados para los fans del terror y es que ‘LanochedeHalloween’ volvió a la gran pantalla junto a sus protagonistas.
Con ‘HalloweenKills’ nos encontramos ante la secuela de ésta parte, la cual, justo comienza después de todo lo sucedido en ‘La noche de Halloween’. A parte de llevarnos al pasado y contarnos un poco más de la historia de Haddonfield con su leyenda del “hombre del saco”. He de reconocer que estos saltos al pasado me han gustado bastante, están muy entretenidos y también dan más chicha a la historia.
Pese a que no me entusiasmo demasiado ‘La noche de Halloween’, si que tuvo momentos buenos. Esta me ha convencido mucho más. Más violenta y sangrienta. La película nos da muertes muy divertidas. Pero, si que es cierto, que tiene muchos ratos absurdos y la hay partes de la película que pierde bastante.
Nos intentan mostrar lo que puede hacer el miedo, como puede crear un caos innecesario y convertirnos en verdaderos borregos, hasta el punto de llegar al asesinato.
Pero termino quedándome con lo bueno, lo entretenida que es, las muertes salvajes que vemos y también lo divertido de sus diálogos absurdos. Pronto tendréis la crítica extensa de esta película en nuestra web.
El nombre de la película me ha recordado a La lambada, aquel baile movido, pegajoso y animado que se hizo famoso en el 89. La película de Valdimar Johannsson es todo lo contrario. En vez de una fiesta supone un relato sobre el duelo que mantiene un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason. Un filme pausado, tranquilo, solitario, sin jolgorio. Pero todo esto que puede sonar aburrido está compensado con el contenido, pues la película y su simbolismo transmiten mensajes valiosos. La paternidad y la aflicción son el eje del filme.
Casi sin diálogos, hemos de entender a los protagonistas de igual modo que comprendemos a los animales, a través de sus actos. Y esto me lleva también a lo excelentemente bien que está reducida la película a lo básico. Con poco le basta a este filme para contar lo que pasa. También nos lleva a un lugar que usa de pasada algún componente religioso (María, el cordero, el nacimiento…) pero que tiene un objetivo que se puede asociar más a un sentido de la realidad que viene a decirnos que no somos nada ante la evolución de la vida y los designios de la naturaleza.
Para contarnos todo esto se recurre a la excentricidad de ver a una niña con cabeza de cordero. Pero esto tiene su sentido, no como sucede por ejemplo con la también proyectada en Sitges, ‘Titane’. Este es un filme que por mucho que parezca fantasioso o surrealista tiene bastante de naturalista. Y la historia además está acompañada de un marco incomparable, que no funciona solo por el hecho de estar localizado en la siempre imponente Islandia. La composición de planos respalda la traslación al mundo campestre, que pese a ser bonito muchas veces es crudo y duro, en el caso de ‘Lamb’ también desconcertante y cómico.
Es un curioso cuento con apabullantes paisajes. Dispone de algunos planos excesivamente largos pero son pocos y su discurso está tan bien desarrollado que nos aportan. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.
En la casa-museo de Anne Frank se encuentra su famoso diario. De él, en una noche tormentosa, sale Kitty, su amiga imaginaria y a la cual le relata su vida. Kitty, quiere conocer el destino de su amiga y porque en casa no se encuentra nadie de la familia.
A través de los ojos de esta niña vamos conociendo parte de la historia de Anne Frank. Como les iban quitan libertades a los judíos, toques de queda y hasta la obligación de abandonar sus hogares cuando a ellos les pareciese. Como tuvo que huir y vivir en un escondite durante años para que no les llevasen a un campo de concentración. Pero no solo vemos lo malo, también vemos a una niña crecer, de una manera distinta, pero si que con las mismas ganas. Sus peleas con sus padres, la rebeldía según avanza en edad, su primer amor y también la tristeza de no poder salir.
Es una manera muy bonita de adentrar a los más jóvenes en esta historia que todos los niños deberían de leer. Pero tiene mucho más, explicándonos la vida y sentimientos de Anne, conocemos que en la actualidad hay niños que son obligados a salir de sus países por las guerras y al final terminan siendo refugiados en los distintos países, “estorbando”. Una gran lección para nuestros pequeños y que vean que el mundo no es solo color de rosa.
Si sois de lagrima fácil, os aseguro que os va a salir, porque la verdad que aunque todos conozcamos el desenlace de Anne, la película es muy emotiva.
Dos minutos es lo que puede aventajar a los acontecimientos un empleado de un restaurante al descubrir que se ve a sí mismo en el futuro a través de la pantalla de su ordenador y dos en el pasado a través de un monitor de su establecimiento. La verdad es que cuando los japoneses se comen el coco para ser originales y divertidos con algún elemento complejo son insuperables. En concreto aquí juegan con las paradojas temporales y consiguen una narración muy loca que podría formar parte de un anime disparatado.
Se une a películas tipo ‘Frequency’, ‘Dejavu’, ‘Los cronocrímenes’ ‘Next’… pero como he comentado con el humor como herramienta. Simpatiquísima película que nos conquista con una duración más que modesta y moderada, una hora y diez minutos que de haberse alargado quizá habría pecado en errores. Estupendo control del racord y del tiempo fílmico, pero sobre todo de la coreografía. Y es que además para rizar el rizo, emulando a sus compatriotas, también tremendamente ingeniosos de ‘One cut of the dead’, juguetean cámara en mano con planos secuencias. Toda encaja sin que percibamos ni un solo artificio, como una obra de teatro ensayada una y otra y otra vez hasta alcanzar la perseguida cuadratura del círculo. El trabajo de planificación de movimiento de cámara y el de generación de vídeos para las pantallas es tremendo.
¿Qué te dirías a ti mismo si pudieses enviarte un consejo dos minutos antes o dos minutos después del instante en el que vives? Aquí te dan unas cuantas ideas muy locas que van más allá de decirte qué saldrá en el próximo boleto de la lotería.
‘Barbaque’, una película de la que no me esperaba absolutamente nada y me ha alegrado el día. Un matrimonio en horas bajas, que trabaja en una carnicería, en horas mucho más bajas, consigue una nueva carne que va a volver loco a todo el pueblo en el que viven.
Qué maravilla, con un humor bastante negro, vamos viendo las peripecias de estos dos personajes que nada tienen que perder en su vida y que de repente han encontrado algo que les da vida y dinero.
Solo espero que la estrenen pronto en salas, porque aunque sea de género, esta sí que es una de las comedias francesas del año.
Los personajes son muy turbios y a la vez entrañables, llegas a cogerle bastante cariño, pese que sabes que lo que están haciendo está mal.
Dirigida por Fabrice Eboué y también protagonizada por él y por Marina Föis. Hacen una pareja increíble en pantalla y os van hacer reír un montón.
Solo os puedo decir que vais a salir con mucha hambre, todos los platos que cocinan tienen una pinta tremenda, siempre y cuando no seáis veganos claro.
Suecia nos ofrece un drama de suspense, de esos psicológicos que buscan ejemplificar lo que pasa por la mente de una persona con problemas de salud mental. Y el filme consigue hacerse a la idea y que nos hagamos a la idea de qué es lo que sucede en la cabeza de alguien que sale de un psiquiátrico e intenta reinsertarse.
Más allá de eso pretende generar una historia en la que pasa algo desconcertante: que la protagonista oye ruidos en su piso nuevo, pero nadie más los oye o reconoce ser el artífice. No hay spoiler alguno en decir todo esto pues es lo que nos plantean nada más empezar, es el punto de partida. No hay intriga alguna y eso provoca que, aunque haya juegos interesantes de sonido y cámara la película aburra. El título alude a los ruidos que desquician a la protagonista interpretada por Cecilia Milococo pero también a esa llamada a la puerta o retorno de los recuerdos, dolor u obsesiones. Muy buena idea, pero excesivamente estirada.
Desde Rusia nos llega una película de esas que podríamos decir que emulan los grandes éxitos detectivescos de Hollywood, pero quizá por cercanía o por lo fan que soy de esa saga, me ha recordado más a ‘Los casos del departamento Q’.
El filme de Lado Kvataniya es de esos que entran dentro de un festival de cine de terror por el miedo que dan sus personajes, psicológicamente dañados. Este thriller es de esos que tienen mucha demencia, que vienen cargados de gritos de locura y desesperación.
Es un filme de investigación oscuro, sucio, que se va hasta el punto de lo personal. Una historia bien desarrollada a lo largo de diez años (del 81 al 91) en la que no hay que atrapar, sino desquiciar a un asesino en serie para poder demostrar su culpabilidad. Un criminal con sus ritos, crueldades y taras mentales.
La película refleja bien el toma y daca entre el asesino y los detectives, así como el desgaste que causa en ellos. Todo para desembocarnos a un trágico final, no innovador, pero si bien ejecutado.
El otro día reflexionaba con mi pareja sobre como ponemos nuestra vida en manos de las máquinas día a día al subirnos a un ascensor, montar en un coche o avión, comiéndonos productos envasados por robots… La Influencia de las tecnologías en la vida de los seres humanos es el foco de ‘Users’. Me parece muy apropiado que para la proyección de esta película hubiese una zona en el cine destinada solo a estudiantes.
Espacio para documental, para la parte predictiva que tantas películas de ciencia ficción tienen. Reflexión sobre cómo nos puede beneficiar la tecnología optimizando nuestro entorno y actividades pero también como altera el planeta que nos vio nacer. Como si fuese una advertencia para que no lleguemos a los extremos del Los Ángeles de ‘Blade Runner’, el Coruscant de ‘Star wars’ o los desiertos de chatarra de ‘Wall•e’. Todo suena a esas películas distópicas que muestran que somos usuarios de un planeta y que a veces el alcanzar mayor cantidad de comodidades hace que seamos menos humanos.
La película de la mexicana Natalia Almada cuenta cosas que son vox populi: nacimientos a la carta, un negocio de petróleo que agoniza, kilómetros de datos digitales atravesando océanos… Pero aunque suena a sermón repetido marca la diferencia aplicando un estilo más contemplativo. Almada es también fotógrafa y se regodea en sus imágenes tanto tiempo que parece que ha hecho el filme con Iñárritu. Hay que reconocerle buenos símiles, como el que enlaza el white noise con el oleaje del mar o el que llama úteros a las máquinas que conservan óvulos fecundados artificialmente durante 5 días. Quizá esa hechura sea la que le valió un premio en el último festival de Sundance.
Un niño secuestrado es el protagonista de esta película. Pero ojo que a pesar de tener un protagonista infantil la cinta no se anda con chiquitas ni para sus giros ni para su violencia. Se dice mucho eso de que los niños de ahora están muy insensibilizados por culpa de la violencia de los videojuegos y la televisión pero esta película aboga por una apuesta diferente. Esta es la historia de unos buenos muchachos que tienen que convertirse en algo que jamás deberían ser, supervivientes.
Hay dinero para destrozar una puerta haciendo un guiño a ‘El resplandor’ pero el presupuesto es inversamente proporcional al ritmo que tiene. Película sencilla que nos lleva con mucha agilidad por la desventura de este muchacho que intenta escapar de sus captores. Chapó por el niño protagonista (Lonnie Chavis) en un papel la mar de atípico y truculento para su edad.
Cuando eres un niño ¿qué te puede dar más miedo que quedarte solo en un sitio desconocido, a merced de unos adultos también desconocidos y encima sin poder salir corriendo porque dejas atrás a un amigo? Os contado que el protagonista intenta huir pero hay otro muchacho encerrado que no tiene la suerte que ha tenido él al encontrar una oportunidad escape. La película se basa en el subterfugio y en el objetivo de que ambos chiquillos puedan salir ilesos. Los directores hacen que sufras por ellos y más aún si tenéis, hijos sobrinos…
El día de hoy ha sido una vuelta al pasado. Con las nuevas versiones de ‘Historias para no dormir’ hemos arrancado una jornada que ha tenido alguna que otra sorpresa en forma de nostalgia. Hemos vuelto a aquellas historias juguetonas en las que Chicho Ibáñez Serrador nos proponía narraciones fantasiosas, misteriosas y terroríficas.
Además también hemos descubierto como entre las actividades del festival había un stand de ‘El juego del calamar’ y entre las películas que hemos visto nos hemos topado con otros juegos, como el de la ouija que se juega en ‘Seance’. Pero la gran sorpresa ha llegado con la atmósfera del ‘Caveat’, sin duda trabajadísima y de lo mejor de la jornada.
‘Caveat’
La opera prima de Damian Mc Carthy parte de una escena en la que la niña protagonista usa un desastrado conejo tamborilero de juguete como medidor geiger. Hay que señalar que literalmente “caveat” es advertencia en inglés. Un hombre en horas bajas con problemas de memoria acepta el encargo de cuidar a esa niña cuyo padre ha muerto dejándola sola en una ruinosa casa en medio de una isla donde Cristo perdió el mechero. Pero va advertido, la niña tiene problemas mentales y la madre desapareció hace meses, antes del suicidio del padre. Y el que avisa… no es traidor, si no omite nada… porque hay una condición extra que… tela.
Un amigo necesitado de dinero, un encargo de vigilante, una casa que da escalofríos… todo eso me recuerda a ‘The vigil’. Y un poco es así, ya que el personaje protagonista está encerrado en una casa al cuidado de alguien que no parece precisamente amigable o en sus cabales. La película sabe inquietar y planear enigmas. El mencionado conejo solo es un elemento más de una película que, aunque se duerme en algún momento nos deja con el alma en vilo.
Un escape room indudablemente británico pero que bien podría haber sido nipón. Y esto es debido a que no se fundamenta en sustos, sino en una atmósfera que rechaza a todo aquel que se sumerge en ella. Sencilla propuesta que seguro que consigue seguidores allá donde se proyecte.
Dirigida por SimonBarrett (guionista de ‘TheGuess’) nos vamos un internado de muchachas donde sucede un suicidio después de un intento de invocación. Al poco de esto, ingresa una alumna nueva que tiene demasiado que esconder. Típica película slasher con sorpresa final.
¿Me ha gustado? He de decir que no, me ha parecido demasiado predecible, aunque hay un giro final que no te esperas, pero que es tan ridículo que termina de fastidiar lo poco que quedaba pasable de la película.
Fantasmas, adolescentes fastidiándose unas a otras pese a que supuestamente están en el mismo bando, es decir, en el bando de tenemos que luchar juntas porque si no nos van a matar. Hay momentos tan absurdos en ‘Seance’ que hacen que la película deje de interesar desde muy al principio. Una pena, porque he de decir, que primera escena con la que comienza todo, me pareció original.
En el reparto SukiWaterhouse (‘Naciónsalvaje’), MedisenBeaty (‘Eraseunavezen… Hollywood’), InannaSarkis (‘After. Enmilpedazos’), Ella-Rae Smith (‘Elpasajero’), StephanieSy (‘Nadie’), DjoulietAmara (‘Riverdale’), JadeMichael (‘Huntershunters’), SeamusPatterson (‘Books o Blood’) o MarinaStephenson (‘El día de la bandera’) entre otros.
He de decir que este episodio de Rodrigo Cortés es el más flojo de los cuatro que tiene la serie y que se han proyectado en el Festival de Sitges. El director nos plantea un thriller más que una historia de terror o de fantástico.
Una propuesta de suspense, humor cargante y traiciones. El episodio se desarrolla con solo tres personajes interpretados por tres grandes nombres. Nathalie Poza, Eduard Fernández y Raúl Arévalo. Pero pierde fuelle tras una torpe escena de lucha a bordo de un coche y cuando llegamos a su final.
En esta historia un empresario, de esos que prodigan que se han construido a sí mismos, tiene amargados a sus empleados y familiares con constantes bromas pesadas y ya ni por el sueldo le bailan el agua. Entre su mujer y su empleado de confianza forman un triángulo lleno de tensión y desconfianza que desemboca en una serie de puñaladas.
Este capítulo no es de terror pero si de personas que juegan al límite. En algún momento recuerda a ‘Se lo que hicisteis el último verano’ pero sin slasher, con más intriga y nervios a flor de piel.
Quien ríe el último ríe mejor dice el dicho, pero a este episodio le pega más la frase de El Comediante de ‘Watchmen’: “Dije que la vida era una broma, no que la broma tuviera gracia”.
El tercer episodio de los cuatro de la nueva temporada de ‘Historias para no dormir’, nos lleva al rodaje de uno de los cuatro episodios que fueron la vuelta de esta serie de historias de terror de TVE, su vuelta en color además.
La original es la historia de un grupo de variedades en la que de repente están ocurriendo una serie de asesinatos.
En esta vemos el rodaje de aquel episodio, con un increíble CarlosSantos como el gran Chicho Ibáñez Serrador. Bailarinas, una vidente, un prestidigitador y por supuesto un ventrílocuo. El actor que representa a este ventrílocuo es bastante malo y Chicho decide cambiarle el muñeco para darle más confianza, así es como conoce a Freddy. Por supuesto, todo esto con terribles consecuencias.
Sin duda, es el episodio que más me ha gustado, Paco Plaza nunca me defrauda y nos regala imágenes bastante potentes que homenajean al giallo italiano.
En el reparto nos encontramos con MikiEsparbé, que la verdad está estupendo, su personaje evoluciona en muy poco tiempo y lo hace estupendamente. También tenemos a AdrianaTorrebejano dando vida al amor de André.
Y aunque lo he dicho al comienzo, Carlos Santos, que me parece que está tremendo como Chicho y borda el papel.
También podemos ver a AlmudenaAmor ,IsmaelMartínez, EnriqueVillén o MaruValdivielso.
Alberto Marini y Paco Plaza, crean una historia bastante macabra con un humor demasiado sórdido. Pero me ha gustado mucho la elección de esta historia, pues no la conocía y la verdad que después de ver este episodio me busqué el antiguo y lo disfruté bastante.
Una buena revisión sin duda de una de las historias más espeluznantes de la televisión.
Otra de las pequeñas sorpresas de ‘Historias para no dormir’ ha sido el episodio dirigido por Paula Ortiz. ‘El asfalto’, protagonizado por DaniRovira, nos presenta a Baldo un joven trabajador que va en bici de un lado a otro repartiendo lo que le pidan, en un momento dado se queda atrapado en una calle.
Me ha parecido de lo más curioso, como se nos muestra la indiferencia de las personas hacia una desgracia ajena. El cómo, nos enseña, que no importamos a nadie y que sin duda uno de los grandes temores es acabar en el olvido y desaparece.
El episodio está muy bien rodado, creo que la parsimonia que presenta nuestro protagonista es muy de esta época, en la que esperamos que de una manera u otra algo salga sin hacer nada, ni una simple llamada a la policía.
Dani Rovira nos muestra esta tranquilidad al comienzo, para pasar a la desesperación. Nadie le ayuda, todo el mundo se toma a guasa lo que le ocurre y prefieren mirar a otro lado. También están los que, en vez de mirar a otro lado, están cerca para cotillear o lograr un notición de las desgracias de otras personas.
En el reparto encontramos también a CeliaFreijeiro, InmaCuesta o GalaBichir.
‘El Asfalto’ da mucho que pensar, te deja un poco de bajón, porque en el fondo ves perfectamente a la humanidad reflejada en cada una de esas personas que van apareciendo al lado de Baldo.
Sorogoyen vuelve con una situación crítica para una pareja. Y digo que vuelve porque el argumento de este episodio nos plantea algo no muy alejado a lo planteado en su episodio pandémico de la serie ‘En casa’, titulado ‘Una situación extraordinaria’. Una pareja que aparentemente se encuentra en un momento dulce pasa a experimentar una profunda crisis y los otros participantes de este conflicto son una situación epidémica que conlleva confinamientos y dobles de personas.
Un poco al estilo de ‘Los sustitutos’ que protagonizó un Bruce Willis vemos como las personas pueden tener reemplazos que se ocupan de aquello de lo que no quieren enfrentarse en su día a día. Para ello desarrolla su propia versión de las leyes de la robótica de Asimov. Y es a su manera porque como sabemos Sorogoyen es muy bueno exponiendo debates en relaciones interpersonales y ha empleado este elemento de ciencia ficción para ilustrar como muchas veces evitamos afrontar la realidad o evitamos la parte conflictiva de tener pareja.
David Verdaguer y Vicky Luengo interpretan a la pareja en ciernes. Su historia se ambienta en una especie de futuro en el cual lo que se ha normalizado es que vivamos con mascarilla siempre que salimos a la calle y las casas estén extremadamente domotizadas. Consigue ser inquietante y desconcertante por momentos pero quizá lo más destacable qué habría que decir es qué este episodio lucha contra la vida artificial y distanciada, ya no solo el distanciamiento físico sino también sentimental hasta el punto de elegir qué queremos y qué no queremos experimentar o vivir, la insensibilidad de la vida selectiva.
SYFY continúa contándonos este debate entre ciencia y religión
SYFY, el canal de la ciencia ficción, nos comunica que estrenará la segunda temporada de ‘EVIL’ el próximo 18 de octubre y que lo hará emitiendo un doble episodio. Además sabemos que la temporada 2 contará con un total de 13 episodios. Si aún no habéis visto esta serie y queréis poneros al día os gustará saber que la temporada 1 está disponible al completo en todos los operadores (Movistar, Vodafone, Orange, Virgin, Euskaltel, R y Telecable).
La segunda temporada de ‘EVIL’ llega a SYFY el lunes 18 de octubre y cada lunes se estrenarán nuevos episodios en exclusiva en SYFY España. ‘EVIL’ es un thriller psicológico que analiza los orígenes del mal y la contraposición entre ciencia y religión. Los protagonistas son una psicóloga escéptica, un seminarista y un experto independiente que investigan el archivo de misterios sin resolver de la Iglesia: supuestos milagros, posesiones demoniacas y otros fenómenos inexplicables. Su objetivo será evaluar si existe una explicación lógica o si estos hechos se deben realmente a causas sobrenaturales.
En la segunda temporada el mal acecha más que nunca. Kristen se enfrenta a su lado más oscuro, David siente la tentación según se va aproximando su ordenación y Ben sufre terrores nocturnos que se alimentan de sus mayores miedos.
‘EVIL’ está protagonizada por Katja Herbers, Mike Colter, Aasif Mandvi, Michael Emerson, Christine Lahti, Kurt Fuller, Brooklyn Shuck, Skylar Gray, Maddy Crocco y Dalya Knapp. ‘EVIL’ es una producción de CBS Studios en asociación con King Size Productions. Robert King, Michelle King, Liz Glotzer, Rockne S. O’Bannon y Nelson McCormick participan como productores ejecutivos. La distribución internacional de la serie corre a cuenta de ViacomCBS Global Distribution Group.
A continuación tenéis disponible el tráiler, con sus monstruos y protagonistas totalmente presentes.
El rodaje de ‘Rapa’, la nueva serie que Movistar+ produce en colaboración con la productora gallega Portocabo, se ha presentado en Cedeira (A Coruña). Con el mismo equipo creativo de la exitosa ‘Hierro’, la serie más vista de 2021 en Movistar+, esta serie de suspense de seis episodios ha comenzado ya su proceso de filmación en las localidades de Cedeira y Ferrol y se estrenará en 2022 en Movistar+.
En la presentación estuvieron los protagonistas, Javier Cámara y Mónica López; los hermanos Jorge Coira y Pepe Coira, director y creador; los productores ejecutivos Susana Herreras (Movistar+) y Alfonso Blanco (Portocabo); y representantes de las instituciones colaboradoras en la producción, encabezados por el Delegado del Gobierno en Galicia, José Miñones, y el Conselleiro de Cultura, Educación e Universidade Román Rodríguez. Asistieron también al acto y a la visita de rodaje posterior el director de Agadic, Jacobo Sutil; los alcaldes de Cedeira, Narón, Valdoviño y San Sadurniño, y Francisco Javier Jambrina, Coronel Jefe de la Comandancia de la Guardia Civil, que participa como asesor.
Una Galicia que no se suele encontrar en las series
Susana Herreras, productora ejecutiva de la serie y jefa editorial de Producción Original de Movistar+, señaló que ‘Rapa’ «ha sido la manera de seguir trabajando con el equipo de ‘Hierro’, una de las series que mejor ha funcionado en nuestra plataforma, con un equipo creativo con el que nos entendemos muy bien”, y describió ‘Rapa’ como “un thriller muy especial gracias a los personajes y a las localizaciones en las que se desarrolla. Además muestra una Galicia que no se suele encontrar en las series, alejada de los lugares comunes habituales”.
Por parte de Portocabo, Alfonso Blanco, productor ejecutivo de la serie, agradeció la presencia de las instituciones y su colaboración para facilitar el rodaje y manifestó el “orgullo de poder presentar la primera serie de Portocabo con Movistar+ rodada en Galicia”, tras la exitosa experiencia de ‘Hierro’. “Gracias a la buena sinergia y a la sólida confianza que Movistar+ sigue depositando en Portocabo hoy estamos aquí y es un gusto para nosotros poder rodar en casa”, añadió.
Román Rodríguez, Conselleiro de Cultura, destacó que ‘Rapa’ es la primera producción que recibe el apoyo del Hub Audiovisual impulsado recientemente por la Xunta de Galicia, en su línea de ayudas para la captación de coproducciones exteriores que se realizan en el territorio gallego. Así, valoró la “repercusión importantísima” que un rodaje como el de ‘Rapa’ tiene en el territorio, “no solo por el gasto concreto que se realiza durante el rodaje sino también porque no hay mayor plataforma de promoción que el sector audiovisual para una tierra tan rica paisajística y culturalmente como esta”.
El Delegado del Gobierno en Galicia, José Miñones, dio la bienvenida al equipo de la serie y agradeció “la apuesta de Movistar+ por rodar en Galicia, que es en sí todo un plató natural”, destacando la importancia del sector audiovisual en el plan de recuperación económica del Gobierno.
Un thriller de «gente matando a gente»
La trama de ‘Rapa’ arranca con el asesinato de la alcaldesa de un pueblo gallego. La investigación del crimen se convertirá en el objetivo de Maite (Mónica López, ‘Hierro’, ‘Antidisturbios’), sargento de la judicial, que intentará averiguar quién y por qué la mató. Tomás, interpretado por Javier Cámara (‘Sentimental’, ‘Vota Juan’, ‘Vamos Juan’, y reciente Premio Platino por ‘El olvido que seremos’), es el único testigo de los hechos y será alguien fundamental para Maite en la investigación del asesinato.
Javier Cámara declaró en la presentación estar “emocionado” por participar en este thriller, un género que no le ofrecen a menudo y con el que tenía muchas ganas de trabajar “sobre todo después de ver ‘Hierro”. «Cuando vi que en la primera escena matan a alguien y mi personaje es el testigo principal me dije: ‘Esto lo tengo que hacer», confesó. También destacó el enorme talento del resto del elenco gallego que les acompaña. “Es interesante que con las plataformas cada vez hace menos falta rodar en Madrid, y así podemos conocer nuestro país viajando a través del cine y de las series”, manifestó.
Mónica López, actriz que ya había trabajado en ‘Hierro’, se mostró encantada con meterse en la piel de Maite, “un personaje complicado y excitante”, para el que está haciendo una “inmersión total” en Galicia. Y bromeó: «Acepté el papel porque en la primera temporada de ‘Hierro’ me mataban y en esta sobrevivo».
Pepe Coira, creador de la serie junto a Fran Araújo, se refirió a la importancia que tiene en esta ficción conocer a los personajes y sus motivaciones, pero también los espacios en los que la trama se desarrolla. También comentó con humor: «¿Cómo resumir ‘Rapa’? Es una serie de gente matando a gente».
El director de ‘Rapa’, Jorge Coira, destacó “el gozo de volver a casa después de trabajar en El Hierro y poder estar contando una historia como esta, con todos los actores y actrices maravillosos que tenemos en Galicia. Y con ese equilibrio divertido de poder hacer algo que para el público sea reconocible como un mundo cercano al de ‘Hierro’, pero al mismo tiempo nuevo y muy diferente en cuanto al entorno y los temas que motivan a los personajes».
Sinopsis oficial:
A Capelada. Una tierra antigua, de altos acantilados sobre el mar, donde los caballos viven libres. Salvo un día: el de la rapa das bestas. La rapa es una tradición que sintetiza lo bello y lo salvaje de un territorio por lo general tranquilo, pero que va a ser escenario de un crimen. Buscar al asesino de Amparo Seoane, la alcaldesa de la localidad, será el objetivo común de Maite, una sargento de la guardia civil, y Tomás, un profesor frustrado. Y se convertirá en algo más: una buena razón para vivir.
Segundo largometraje del actor en la piel de director
Ha dado comienzo el rodaje de ‘La piedad’, el nuevo largometraje de Eduardo Casanova, que desde el pasado 27 de septiembre tiene lugar en Madrid y que tendrá una duración de 5 semanas. Se rodará en localizaciones de Madrid, Andalucía y Cataluña.
‘La piedad’ es el segundo largometraje de Eduardo Casanova, después de ‘Pieles’. Es una coproducción hispano-argentina, con Pokeepsie Films, Gente Seria AIE, Spal Films, Link-up y Crudo Films.
El film está protagonizado por Ángela Molina (‘Los abrazos rotos’, ‘Carne Trémula’), ManelLlunell, Ana Polvorosa (‘Pieles’, ‘Las chicas del cable’), Antonio Durán Morris (‘Fariña’), MaríaLeón (Sin Fin, La voz dormida), Daniel Freire, Songa Park, Alberto Jo Lee y con la colaboración especial de Macarena Gómez (‘30 Monedas’, ‘Musarañas’) y Meteora Fontana.
Eduardo Casanova ha dicho: “Después de mucho tiempo, de muchas cosas perdidas por el camino, entre ellas la salud, comienzo a rodar mi segunda película: ‘La piedad’, lo único que me interesa hacer en la vida”.
“‘La piedad’ es una película de terror, un terror nada convencional, que habla de la relación más tóxica posible entre una madre y un hijo y establece un paralelismo entre una dictadura y su pueblo, en concreto la dictadura de Corea del Norte” continúa explicando el director. “Todes hemos estado en una relación tóxica, da igual si ha sido con una pareja, un amigo o con nuestra propia familia. Las relaciones son profundamente complicadas, estoy seguro que cualquier persona que esté leyendo este texto está o ha estado en una relación así, pero… ¿cómo se sale de ahí? Si consigues salir ¿cómo y cuánto tiempo te quedas ahí?”
“‘La piedad’ establece un universo estético diferente al que estoy acostumbrado a rodar. Nada parecido a estas fotos, nada parecido a Pieles, nada parecido a nada. Algo mucho más oscuro, tan oscuro como sus personajes” concluye.
Decir que la nueva temporada, la tercera, de ‘Doom Patrol’ viene con sorpresa es decir lo mismo que hemos estado diciendo con sus dos predecesoras. Esta historia es de las que le alegran el día a uno por disparatada que es y lo mucho que nos hace reír. Lo mismo que nos pasa con otras series, véase ‘Lo que hacemos en las sombras’ o ‘Rick y Morty’, por citar dos que también sean de HBO Max.
Bien es cierto que el arranque de esta temporada, que hemos podido disfrutar con el estreno simultáneo de tres episodios, decae un poco en sus majaderías. Como es costumbre siguen pasando cosas inverosímiles pues ya han atravesado una línea de la que no pueden volver y además saben que ese es el tono que ha funcionado o diferenciado a ‘Doom Patrol’. Pero de momento no llegamos a cotas tan locas como las de antes.
Esto sucede sobre todo porque la serie dedica aún más espacio a desarrollar a sus personajes, los cuales nunca han dejado de evolucionar. Los protagonistas tienen que seguir su camino con la ausencia (o no) de El Jefe interpretado por el mítico Timothy Dalton. Por ejemplo, Dorothy (Abi Monterey) ha de asumir una función más madura y consciente de su poder, Cliff (Brendan Fraser) debe convertirse en el abuelo perfecto lidiando con sus limitaciones mecánicas o Negative Man (Matt Bomer) a vivir separado de su íntimo amigo y buscar un nuevo comienzo con mayor optimismo.
La sensación que nos da es de incertidumbre. No sabemos si ese camino que han emprendido nos encamina a una de despedida de algunos personajes o de la serie. Suele suceder que cuando los protagonistas logran salvar sus mayores dificultades personales la trama pierde su norte y termina clausurándose, pero aquellos que hemos estado siguiendo la adaptación de los cómics de Bob Haney y Arnold Drake sabemos que tampoco es que haya habido mucho norte.
Además hay nuevas incorporaciones, de ahí varias de las sorpresas en lo que va de temporada. Por parte de los villanos se incorporan Garguax (Stephen Murphy) y Samuelson interpretado por el carismático Billy Boyd, el Pipin de ‘El Señor de los Anillos’. Pero yendo más allá, para los amantes de los cómics hay una aún más disparatada incorporación. La patética Hermandad del mal, creada por Arnold Drake, enfrentada en los cómics a la Doom Patrol y a los Jóvenes Titanes.
Y la noticia continuista nos lleva a otro spin-off. Han usado la temporada 3 de ‘Doom Patrol’ a modo de presentación para la serie que nos contará la historia de Los Chicos Detectives. Unos jóvenes muertos que juegan a los investigadores y que puede que nos traigan la aparición de la Muerte de ‘Sandman’ ya que es una creación de Neil Gaiman. Ya veremos si los derechos no juegan en contra ya que como probablemente sabréis ‘Sandman’ será una serie de Netflix, no de HBO Max. En cualquier caso la jugada puede ser como la que vimos en Netflix en su día pues ‘Doom Patrol’ se presentó en ‘Titans’ y posteriormente ambas pasaron a la parrilla de HBO.
Me pregunto si el parón por el COVID-19 les ha hecho ver las orejas al lobo y ponerse más reflexivos aun con sus personajes perdiendo ese punto de hilaridad, pensando además en ir cerrando la historia. No desisto en seguir viendo la serie pues su trama siempre trae momentos de decir “¡Que cojones!” y siempre nos tiene en vilo prometiendo instantes la mar de alocados, dignos de nuestros sueños más surrealistas.
Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad
Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.
El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.
Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.
Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.
Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.
No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.
La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.
Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.
También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.
Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.
Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.
En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.
Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.
‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.
La primera serie original de Filmin se estrena el 29 de octubre
La serie ‘Doctor Portuondo’, la cual adapta la novela autobiográfica de Carlo Padial, es una comedia terapéutica sobre un joven neurótico y su peculiar psicoanalista cubano. Esta adaptación supone la primera serie original producida por Filmin. La plataforma pondrá a disposición de sus usuarios esta obra del propio Carlo Padial y el guionista Carlos de Diego el próximo 29 de octubre.
Pero antes el festival Iberseries Platino Industria acogerá el estreno mundial de ‘Doctor Portuondo’ el 30 de septiembre a las 17h en los Cines Callao de Madrid. Este encuentro contará con la presencia de Carlo Padial, Carlos de Diego, Jorge Perugorría, Nacho Sánchez, Olivia Delcán, Elisabet Casanovas, Arturo Valls y David Pareja. Además, el jueves 21 de octubre a las 18:30h, Serielizados Fest (Barcelona) ofrecerá un maratón en el que se proyectarán por primera todos los episodios de la serie en exclusiva.
El actor cubano Jorge Perugorría (‘Fresa y chocolate’, ‘Vientos de la Habana’) y Nacho Sánchez (‘El arte de volver’, ‘Diecisiete’), quien interpreta prodigiosamente al propio Carlo Padial, protagonizan esta comedia terapéutica cuyo reparto completan Olivia Delcán (‘Vis a Vis’), Berto Romero (‘Mira lo que has hecho’), Arturo Valls (‘Camera Café’), David Pareja (‘Amigo’) y Elisabet Casanovas (‘Merlí’).
Si tenéis alguna duda o necesitáis alguna ayuda, apodéis consultar directamente al doctor en su cuenta de Twitter.
El próximo 22 de septiembre se estrena en Netflix una nueva producción española. ‘Jaguar’ llega con 6 episodios llenos de acción y emoción, algo ya típico en las producciones de quienes la han creado Ramón Campos y Gema R. Neira (‘Fariña’, ‘Velvet’, ‘Instinto’).
Partiendo de un hecho que fue real, que muchos nazis pasaron por España para continuar su huida hacia el otro lado del charco, ‘Jaguar’ nos propone una cacería. Un título que se va a unir a otros ya vistos como ‘Malditos bastardos’ o ‘Hunters’. En esta película también tenemos a un grupo que busca atrapar a antiguos miembros del partido alemán y quiere darles caza para ponerlos ante la justicia. Sin el carisma de ‘Hunters’ o la violencia de la película de Tarantino consigue engancharnos.
Esta especie de Equipo A sesentero está liderado por un elegante Iván Marcos que luce tanto músculo como en ‘Malasaña’. Pero la protagonista real es Blanca Suárez quien ejecuta el que probablemente será el papel con más acción de su carrera. Junto a ellos están FrancescGarrido, Oscar Casas y Adrián Lastra. Este último suele tener papeles más charlatanes y aquí os va a sorprender.
‘Jaguar’ nos traslada a 1962 y allí unos españoles que consiguieron sobrevivir a los campos de concentración nazis buscan su venganza. Este es un busca y captura sin redes sociales o móviles, a base de jugársela con vigilancias e incursiones. Pero sobre todo es una serie de ideales. No me refiero a que esté todo lleno de rojo y gualda, aguiluchos o yugos y flechas, me refiero a ideales humanos, a principios morales y a la ejecución de una justicia, de esas que nunca llegan o que ninguna ley de memoria histórica puede alcanzar a satisfacer.
Probablemente surja una vez más la discusión entre nacionales y republicanos, de hecho, hoy en día por desgracia está cada vez más en auge. La serie azuza ese conflicto y aunque la trama le obligue a arrimarse a la izquierda de las Brigadas Internacionales o de la CNT la finalidad no se percibe orientada a la política.
Es como si esta fuese una apuesta más por la naziexplotaition pero a la española, ‘Jaguar’ pretende mostrar a un equipo enrabietado por lo que ha sufrido, pero a su vez controlado por sus conflictos morales, tales como la fe en un Dios que permite el holocausto, la línea que se puede atravesar al matar a alguien, el resultado que pueden tener sus actos para la historia… Todos los personajes sufren de alguna manera pero es sobre todo el de Blanca Suárez quien tiene que debatirse entre su ira y su dolor al mismo tiempo.
Bien es cierto que a veces la ambientación parece demasiado moderna, que las peleas se disimulan con mucho movimiento de cámara o que la actuación de Oscar Casas deslucen la historia. Pero ‘Jaguar’ tiene intriga, y curiosidades ya que introduce alguna que otra cosa real. Bien es sabido de la red Odessa y del amiguismo que había entre la esvástica y el águila de San Juan.
Referencias históricas hay. Desde los paseos por El Prado hasta las calles de Madrid cuyos edificios han cambiado de función para dar cobijo a fiestas o sedes de los años sesenta. Pero también las hay culturales. Por ejemplo el opening animado viene acompañado de la versión de “Vientos del pueblo” realizada por Ebri Knight. Os va a recordar a los carteles de José Bardasano o Josep Renau, lo cual es lógico pues pone música al poema de Miguel Hernández Gilabert. Quizá pase con esta canción como con el “Bella ciao” de ‘La casa de papel’, espero que al menos la curiosidad haga que los espectadores descubran su verdadero origen. También suenan temas como el “Adiós a España” de Antonio Molina, la “Tómbola” de Marisol, “El emigrante” de Juanito Valderrama e incluso el himno nazi.
‘El ángel exterminador’ de Buñuel es otro huevo de pascua que vemos en uno de los episodios. La serie está relacionada con esa película pues aquí también nos adentramos en la clase alta de la época para descubrir que los lujos y los buenos ademanes esconden intenciones repugnantes y un pasado reprobable. Muy buena esa analogía que además viene acompañada de mucho ritmo.
Docuserie siguiendo el trabajo del Grupo Especial de Operaciones
Amazon Prime Video ha anunciado que estrenará el próximo 15 7 de octubre la nueva docuserie española Amazon Original ‘G.E.O. Más allá del límite’. Además, ha presentado el tráiler oficial y el póster de la producción que estará disponible en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.
‘G.E.O. Más allá del límite’ es la primera serie documental que mostrará desde dentro los entresijos de uno de los cuerpos policiales de élite más prestigiosos del mundo: el Grupo Especial de Operaciones o G.E.O. Por primera vez en su historia, un equipo de cámaras tiene acceso exclusivo al duro y exigente proceso de selección de los nuevos miembros, que se extiende durante más de 7 meses. Cientos de aspirantes comienzan y solo unos pocos terminarán pasando las pruebas necesarias para convertirse en miembros del G.E.O.
En cada capítulo se seguirán los progresos de este grupo de aspirantes profundizando en su historia personal, sus reacciones ante las duras pruebas y su transformación a lo largo de un proceso que pondrá al límite sus capacidades físicas y mentales. Sometidos a un estrés extremo, privados de sueño y expuestos a condiciones inaguantables, los aspirantes tendrán que superar sus peores miedos para estar preparados para lo que pueda estar por venir.
Los 8 episodios de 50 minutos de ‘G.E.O. Más allá del límite’ están producidos por Buendía Estudios. Los productores ejecutivos del proyecto son Jorge Pérez Vega e Ignacio Corrales y el director es David Miralles.
‘Todo lo otro’, la nueva serie española Max Original que se estrenará próximamente en HBO Max. Abril Zamora escribe, dirige y protagoniza esta historia de un grupo de treintañeros madrileños atrapados en vidas que no eran las que soñaban. La serie de ocho capítulos de treinta minutos, una producción en mandarina para WarnerMedia, está programada para estrenarse en la segunda mitad de 2021 en HBO Max.
Actriz, guionista y directora, los trabajos más recientes de Abril Zamora como intérprete incluyen su participación en las series ‘Vis a Vis’ y ‘El desorden que dejas’ y la película ‘La vida por delante’, junto a Sofia Loren. Zamora es también co-creadora de ‘Señoras del hAMPA’ (premiada con el Coup de Coeur de Compradores de Drama MIP en 2019), serie para la que escribió los guiones de toda la primera temporada junto a Carlos del Hoyo y en la que ha dirigido algunos de ellos. Además, ha escrito varios episodios de ‘Élite’.
Ahora ha creado esta personalísima historia, en la que ella encarna a Dafne, la protagonista de ‘Todo lo otro’. Dafne tiene un trabajo de mierda, su novio la acaba de dejar y para colmo va a descubrir que está enamorada terriblemente de su mejor amigo, un asturiano desmotivado interpretado por Juan Blanco. David Matarín, Nuria Herrero, Andrea Guasch, María Maroto, Bea de la Cruz, Marta Belenguer, Pepe Lorente y Raúl Mérida completan el reparto principal, del que también forman parte Miguel Bernardeau y Alberto Casado.
Miguel Salvat, Steve Matthews y Antony Root son productores ejecutivos. Los servicios de producción de la serie son proporcionados a WarnerMedia por Campanilla Films S.L., una empresa subsidiaria de Mandarina, con Santi Botello como productor ejecutivo.
Serie de ficción tras la pista de los nazis refugiados en España
Netflix ha desvelado hoy el tráiler oficial de ‘Jaguar’, la nueva serie producida por Bambú Producciones con Ramón Campos y Teresa Fernández- Valdés como productores ejecutivos que se estrena el próximo 22 de septiembre en todo el mundo.
Quedan muy pocos días para descubrir la historia de Isabel Garrido (Blanca Suárez), una joven española que logró sobrevivir al campo de exterminio de Mauthausen y que ahora está tras la pista de Otto Bachmann, conocido como el hombre más peligroso de Europa. Isabel, a lo largo de la historia, descubrirá que no está sola en su misión, y se unirá a un grupo de agentes en busca de justicia oculta tras un nombre en clave: “Jaguar”.
La propia Blanca Suárez ha reconocido que “El rodaje de ‘Jaguar’ ha sido uno de los más intensos que he hecho hasta ahora, tanto a nivel físico como psicológico. Ponerme en la piel de Isabel, supone intentar entender lo que podía sentir alguien con un pasado tan difícil. Hay muchísima acción y ha sido un gran reto para todos. Tener la oportunidad de hacer una serie de este tipo, contar historias tan relevantes y a la vez tan poco conocidas, como lo que vivieron tantos españoles en los campos de concentración nazis, es importante y enriquecedor, como actriz y como persona. Haber podido formar parte de esta banda con actores tan diferentes, pero que hemos encajado tan bien, ha sido una suerte».
Junto a Blanca Suárez (‘Las chicas del cable’, ‘El verano que vivimos’) se unen Iván Marcos (‘45 revoluciones’, ‘Fariña’) como Lucena, Francesc Garrido (‘Días de Navidad’, ‘Sé quien eres’) interpretando a Marsé, Adrián Lastra (‘Primos’, ‘Velvet’) como Sordo y Óscar Casas (‘Siempre Bruja’, ‘Xtremo’) como Castro. Todos descubrirán que hay algo demasiado fuerte que les une y que se necesitan más de lo que creen en una España en los años 60, convertida en refugio de cientos de nazis tras la Segunda Guerra Mundial.
‘Jaguar’ está creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, escrita por ellos junto con: David Orea, Salvador S. Molina y Moisés Gómez y dirigida por Carlos Sedes y Jacobo Martínez.
Con Itsaso Arana, Mónica Miranda, María Rodríguez Soto, Godeliv Van den Brandt y Mariona Terés
Las de la última fila son cinco mujeres treintañeras, amigas íntimas desde el colegio y que todos los años sin excepción organizan una escapada de una semana juntas. Este año, las circunstancias de este viaje son especiales y distintas porque a una de ellas le acaban de diagnosticar un cáncer. Hay viajes que te cambian la vida para siempre. Hay vidas que te cambian los viajes para siempre.
El reparto principal de ‘Las de la última fila’ está encabezado por Itsaso Arana (‘Reyes de la noche’, ‘La virgen de agosto’), Mónica Miranda (‘Todos los saben’, ‘Lo dejo cuando quiera’), María Rodríguez Soto (‘Los días que vendrán’, ‘Com si fos ahir’), Mariona Terés (‘Veneno’, ‘Paquita Salas’) y Godeliv Van den Brandt (‘Valeria’, ‘Sky Rojo’).
Esta es la primera serie de ficción creada y dirigida por Daniel Sánchez Arévalo (‘Diecisiete’, ‘Primos’, ‘AzulOscuroCasiNegro’) y está basada en su propia idea original. Esta nueva serie, que Atípica Films produce para Netflix, contará con seis episodios y se acaba de empezar a rodar en varias localizaciones de la provincia de Cádiz y Madrid.
El reparto de ‘Las de la última fila’ se completa con la participación especial de actores como Javier Rey (‘HACHE’, ‘Fariña’), Macarena García (‘Paraíso’, ‘El ministerio del tiempo’), Michelle Jenner (‘Los herederos de la tierra’, ‘Isabel’), Carmen Machi (‘Criminal’, ‘Amor de madre’), Antonio de la Torre (‘La trinchera infinita’, ‘La isla mínima’) y Melina Matthews (‘La Peste’, ‘Warrior Nun’).
Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.
Crítica
Una sorpresa de viaje
Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.
Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.
La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, AnaPolvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.
‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.
‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.
Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.
Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas
Desde JustWatch nos envían un informe que pone en relevancia los hábitos de consumo del o usuarios españoles en lo que se refiere a ver películas o serie online. Con el análisis de las cuotas de mercado globales que ha realizado este servicio, que está disponible en web y app, podemos tomar consciencia de cómo están los principales distribuidores online y el cómo ha afectado la llegada de dos grandes como son Disney+ y AppleTv+.
Hablando a nivel mundial el lanzamiento de Disney+ y Apple TV+ en noviembre de 2019 y en mayo de HBO Max provocó un descenso inmediato de las cuotas de mercado de Netflix y Prime Video. No obstante, los dos principales actores del mercado se han mantenido relativamente constantes desde febrero de 2020. A medida que Disney+ sigue expandiéndose a nuevos mercados, su cuota de mercado sigue aumentando sin signos de detenerse.
Si hablamos exclusivamente de España la competencia de los servicios de vídeo bajo demanda está muy reñida entre Disney+ y HBO por el tercer puesto. Netflix sigue a la cabeza al ser casi el doble que Disney+ o HBO. Apple TV+ no ha acabo de eclosionar y se mantiene por debajo del peso del inmenso catálogo de Filmin. Amazon sigue cómoda en el segundo puesto.
Disney+ experimentó un fuerte crecimiento y superó a HBO para convertirse en el tercer operador en España en mayo, a pesar de que HBO fue el único otro servicio de streaming que ganó cuota de mercado (+1%) en el segundo trimestre.
JustWatch es una guía internacional de streaming que nos indica en qué plataforma se encuentra el contenido que buscamos. Ayuda a más de 20 millones de usuarios al mes a encontrar algo bueno que ver en Netflix, Prime Video, Disney+… en 52 países. También permite a sus usuarios hacer un seguimiento de sus programas y películas favoritos, y además notifican cuando un título está disponible en uno de los servicios.
Netflix ha confirmado ayer que ‘Jaguar’, la nueva serie de Netflix producida por Bambú Producciones, se estrenará el próximo 22 de septiembre en todo el mundo. Además, Netflix ha lanzado las primeras imágenes de esta nueva serie producida por Bambú Producciones.
La serie ha sido grabada en diferentes localizaciones en España y está creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, escrita por ellos junto con: David Orea, Salvador S. Molina, y Moisés Gómez. El propio Ramón Campos dice que “’Jaguar’ es la serie más ambiciosa a la que me he enfrentado en mi carrera. Cabalga entre la emoción y la acción para recordar lo que le sucedió a miles de españoles en los campos de exterminio nazis y cómo después, y hasta no hace tantos años, aquellos criminales vivieron en nuestro país con total libertad. Porque más de 40 mil criminales nazis se establecieron en España tras la Segunda Guerra Mundial y, con total impunidad, ni siquiera se cambiaron sus apellidos. Jaguar es una ficción, pero está inspirada en la realidad. Es hora de que conozcamos esa parte de nuestra historia”. Por su parte, Gema R. Neira afirma que “’Jaguar’ es la historia de un grupo de personas unidas por el dolor y las ganas de justicia. Es una historia en busca de justicia, pero también es una historia de amistad. De encontrar aquellos que te entienden y darían su vida por ti. Porque mientras la mayoría del mundo seguía adelante, los supervivientes de los campos de concentración nazis no podían olvidar”.
Blanca Suárez (‘Las chicas del cable’) es Isabel Garrido, a la que se unen Iván Marcos (‘Fariña’) como Lucena, Francesc Garrido (‘Días de Navidad’) interpreta a Marsé, Adrián Lastra (‘Primos’) como Sordo y Óscar Casas (‘Xtremo’) es Castro.
Una historia de acción y amistad dirigida por Carlos Sedes y Jacobo Martínez en la que conoceremos la historia de Jaguar. Todo comienza con una España en los años 60, convertida en refugio de cientos de nazis tras la Segunda Guerra Mundial. Isabel Garrido (Blanca Suárez), una joven española que logró sobrevivir al campo de exterminio de Mauthausen, está tras la pista de Bachmann, conocido como el hombre más peligroso de Europa. Isabel a lo largo de la historia descubrirá que no está sola en su misión, y se unirá a un grupo de agentes en busca de justicia oculta tras un nombre en clave: “Jaguar”.
Tras un sonado primer teaser poster y el anuncio de su aplazamiento al 8 de octubre tenemos nuevo cartel para ‘Madres Paralelas’ la nueva película de Pedro Almodovar. Un filme que será la película inaugural, a concurso, de la próxima edición de la 78 Mostra de Venecia el próximo día 1 de septiembre en la Sala Grande del Palazzo del Cinema y la película de clausura de la 59 edición del Festival de Cine de Nueva York (NYFF) el próximo día 10 de octubre en el Lincoln Center.
Según sus propias palabras, en ‘Madres Paralelas’ Pedro Almodóvar vuelve al universo femenino, a la maternidad y a la familia. La película cuenta con un magnífico reparto en el que Penélope Cruz, Milena Smit y Aitana Sánchez-Gijón, interpretan a las tres madres del relato, e Israel Elejalde al principal personaje masculino. Completan este extraordinario elenco Julieta Serrano y Rossy de Palma.
Producida por El Deseo, con la participación de RTVE y Netflix, su distribución en salas de cine de toda España desde el próximo 8 de octubre correrá nuevamente a cargo de Sony Pictures Entertainment Iberia.
Sinopsis oficial:
Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas.
Una obra de Víctor Marín que combina animación y acción real
Ya está en marcha la producción de ‘RETAP’, el nuevo trabajo del marbellí Víctor Marín que contará con Darko Peric como protagonista. El actor serbio, que interpreta a Helsinki en la afamada serie española ‘La casa de papel’, se une al director malagueño en un cortometraje thriller que combina acción real y animación
Afincado en Barcelona desde 2004, el actor serbio formó parte del reparto del largometraje ‘Un día perfecto’, dirigido por Fernando de León Aranoa junto a Benicio del Toro, Tim Robbins y Olga Kurylenko. Un año después debutó en la serie ‘Mar de Plástico’, de Atresmedia. Desde 2017 forma parte del elenco de una de las series con más éxito de los últimos años, ‘La casa de papel’, que lo ha convertido en uno de los rostros más conocidos del panorama nacional e internacional.
¿Qué ocurre cuando una mente se rompe? ¿Qué designios le están esperando? ‘RETAP’, el nuevo trabajo que escribe y dirige el marbellí Víctor Marín es un cortometraje experimental. ‘RETAP’, que ha arrancado recientemente su fase de producción, cuenta la historia de un personaje atormentado, que no termina de sentirse cómodo en este mundo. A través de una serie de flashbacks descubriremos su identidad y que lo motiva.
Un cortometraje que mezclará acción real, en blanco y negro, con flashbacks en color realizados utilizando las principales técnicas de animación, que incluyen el 2D, Stop Motion y también el 3D. La estética tendrá una relevancia fundamental junto a la música en este trabajo, que tendrá en la ausencia de diálogos su principal máxima. El espectacular diseño del póster es obra del artista internacional Nekro y el arte conceptual corre a cargo de Iván Ruso.
Según Marín, el proyecto es “un cómic en movimiento, al estilo ‘noir’ de novela negra y policíaca. Su estética recordará a las historias que se narran en ‘Sin City’, Batman o la serie ‘Love Dead and Robots’, de Netflix”. Es importante destacar que la producción de este trabajo tendrá esencia malagueña, puesto que estará coproducido por la productora malagueña Av2Media Films e Invictus Designs Productions, del propio director marbellí, que contará, para este nuevo trabajo, con su equipo habitual, más algunas incorporaciones como Pedro de Diego (‘La Casa de Papel’), Martín Canale (Sideshow Collectibles) o el animador Toni Alarco, entre otros.
A los mandos de la producción estará Montse Ogalla, que cuenta con una larga trayectoria en el sector y en la producción de largometrajes, documentales y cortometrajes, como el nominado a la última edición de los premios Goya, ‘Paraíso en llamas’. Para Ogalla es un premisa que los rodajes en los que está implicada sean lo más sostenible posible, por eso ‘RETAP’ será uno de los primeros cortometrajes malagueños que intentará obtener el Sello de Rodaje Sostenible del Ayuntamiento de Málaga. Junto a ella realizarán la producción ejecutiva el mismo Víctor Marín y Edgar de Benito.
A este nuevo reto se han sumado instituciones tan destacadas como la Escuela de Cine de Barcelona (ECIB) o la Escuela de Cine y Sonido, School Training (Málaga). La música, que tendrá una importancia fundamental en la historia, será creada por Jesús Díaz, compositor autor de la música, entre otros trabajos, del filme de gran éxito Voces. La canción que cerrará el corto, tendrá un marcado carácter malagueño y marbellí, puesto que será compuesto por la cantante La Negra Mayté junto a Emi.
‘RETAP’ tratará de contar una trepidante historia que mezclará ingredientes como justicia, locura, pasión o infidelidad, servidos en un cóctel que promete dejar a los espectadores con un gran sabor de boca.
‘La familia’ es el título perfecto que resume el espíritu de este documental
Los juniors de oro, una generación única que empezó en 1999 con la consecución del mundial sub-19 por un grupo de chavales que estaban llamados a escribir las mejores páginas de la historia del baloncesto español. Entre otros estaban Raul Lopez, Juan Carlos Navarro, Felipe Reyes y un por aquella época poco decisivo Pau Gasol. Ellos empezaron a mostrarnos el camino del éxito. Luego se unieron otros como Marc Gasol, Calderon, Sergio Rodriguez, Rudy Fernandez, Ricky Rubio y ya más recientemente los hermanos Hernangómez.
Y así es como empieza ‘La familia’, un documental de Amazon Prime Video que nos cuenta en 5 episodios de poco más de media hora cómo se forjó la leyenda de estos jugadores y nos repasa 20 años de éxitos y alegrías, con sus reveses y decepciones, de un equipo que ante todo fue un grupo de grandes amigos. Un grupo de chicos que desde muy pequeños se unieron y compitieron sin dejar de divertirse por el camino. Creo que ‘La familia’ es el título perfecto que resume el espíritu de este documental.
Empiezo a visualizar el primer capítulo y a los pocos segundos nos muestran a Pau y Marc Gasol en el “Partido de las estrellas” (All Star Game) haciendo historia del baloncesto mundial al ser la primera pareja de hermanos que realizan el salto inicial en uno de los eventos más destacados del baloncesto NBA y mundial. Reflexionando como un aficionado más, que dos jugadores españoles, además hermanos, lleguen a la NBA y consigan ser all star es todo un hito, y nos viene a decir hasta que punto esta generación es prácticamente inigualable, con un alto número de jugadores que llegaron a la liga americana, considerada la mejor del mundo.
Justo a continuación nos muestran el título más importante que hasta la fecha tenía nuestro país como fue aquella plata olímpica frente a Estados Unidos en 1984. Otra generación que brilló con los Epi, Romay, Fernando Martín y compañía a la que le sucedió un período gris de resultados. Eso motivó a la federación a crear un programa de nuevos talentos que mostró sus primeros frutos en ese mundial júnior del 99, empezando así el recorrido más glorioso de la selección de baloncesto absoluta.
Si eres aficionado a este deporte y si además tienes alrededor de 40 años habrás vivido muchos de los momentos que se cuentan en ‘La familia’ y para ti este documental es imprescindible y “obligado”. Los más jóvenes también lo disfrutarán ya que después de aquella primera generación los relevos se han sucedido manteniendo a España en la élite mundial.
Pau Gasol por méritos propios se ha ganado el papel de actor principal en esta producción, y aunque es uno más de la familia, también ejerce como líder y mentor de los jóvenes. A sus 41 años vamos a poder disfrutarle en sus últimos Juegos Olímpicos. Es el jugador español más grande de todos los tiempos y en eso no hay debate.
Interesante ver también el paso de los diferentes entrenadores por el equipo, el mítico Antonio Díaz Miguel, Lolo Sainz, a Pepu Hernández y su “BA LON CES TO” (mundial del 2006), Aito en esa gran final olímpica y sobre todo Sergio Scariolo, que amplió el palmarés de la selección con otro mundial y tres campeonatos de Europa. También aparece pero de forma más testimonial Juan Antonio Orenga, quizás el entrenador de menos nivel que se ha tenido en estos años.
Descubrimos desde dentro detalles y curiosidades en cada campeonato. El talentoso Raul López al que la lesiones no ayudaron, la muerte del padre de Pepu, cómo se vivió la lesión de Gasol en la final del mundial de Japón, el grito “Muro” y varias anécdotas que te ayudan a comprender mejor cómo era este grupo de talentos baloncestísticos tan unido y su entorno.
Agradezco muchísimo las charlas que nos muestran de Sergio Scariolo previas a algunos partidos importantes. Ese equilibrio que consigue en sus palabras entre la motivación y tener cabeza al mismo tiempo, sopesando todos los aspectos del juego me parece un regalo para los espectadores y aficionados al deporte de la canasta.
En definitiva, ‘La familia’ no solo es un viaje por los mejores años del baloncesto español, es también una historia de amistad, de superación, de instantes inolvidables, de momentos duros, de emociones de todo tipo… Es una historia del deporte, y un ejemplo e inspiración para las generaciones venideras. Ojalá se consigan los éxitos de la era Gasol en un futuro próximo, pero me temo que será difícil volver a reunir a unos jugadores con tanto talento. Yo creo que en el deseo de todos está que la familia siga creciendo unida y nos siga regalando momentos inolvidables, momentos de BA LON CES TO.
Estamos de enhorabuena no solo porque van volviendo los eventos, sino porque están naciendo algunos nuevos. En el próximo mes de diciembre y organizado por y en IFEMA Madrid tendrá lugar el Madrid Cómic Pop Up. Madrid volverá a contar con un evento creado por y para amantes de las viñetas. Una apuesta que viene para reforzar la oferta de eventos de gran afluencia, cultura y ocio que IFEMA está acogiendo desde hace tiempo. Ya podéis consultar su web oficial.
Este primer salón organizado por IFEMA tiene como meta tener como estandarte el talento del cómic y el espíritu lúdico y cultural. De este modo se pretende introducir a Madrid en el circuito de grandes citas del cómic a nivel internacional. Además de ello Madrid Cómic Pop Up nace con intención de integrarse como una herramienta educativa dentro de la enseñanza infantil.
Un único recinto servirá de escenario para compañías, tanto grandes como pequeñas, del sector del cómic, manga, editoriales, tiendas, ilustradores, institutos, autores, Artist Alley… No faltarán las actividades y los talleres y en paralelo las exposiciones dentro de zonas dedicadas también al mundo de los videojuegos.
Pero una gran noticia que viene para unir a más sectores dentro del mundo de las viñetas será la presencia de la Sectocial del Cómic. Un colectivo que busca impulsar la difusión del Noveno Arte. Juno a ellos organizando actividades y visitas de invitados, está la Asociación Pop Culture España.
Como habéis visto en nuestro titular, el evento tendrá lugar del 4 al 6 de diciembre, un evento festivo justo antes de la época navideña. Coincidirá con Juvenalia, un evento que en su última convocatoria reunió a más de 85.500 visitantes.
Durante los últimos meses, IFEMA MADRID ha hecho un gran esfuerzo por garantizar la celebración segura de eventos presenciales, cumpliendo todas las medidas de seguridad requeridas por las autoridades sanitarias, como son la restricción de aforo, ordenación de flujos de personas, ampliación de pasillos y zonas de paso para evitar aglomeraciones, ventilación continua y filtrada del aire en pabellones, control de aforo en vivo, uso obligatorio de mascarilla e higiene de manos etc. Puedes consultar todos los protocolos aquí.
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