Bajo custodia en una cárcel de Nueva York, el detective James Knight se encuentra en medio de una fuga dirigida por The Christmas Bomber, un fanático cuyos discípulos de Santa Claus están aterrorizando a la ciudad. Con la prometida devolución de su placa a cambio de acabar con los terroristas, el detective Knight repartirá misericordia a los justos… y justicia despiadada para todos los demás.
Crítica
Mejora ligeramente pero sigue siendo un loable y tristemente fracasado intento
Volvemos con Detective Knight (Detective Caballero), menos mal que en España han mantenido el nombre y no se ha hecho una de esas horribles traducciones. ‘Detective Knight: redención’ es la segunda parte de la última trilogía de Bruce Willis. La primera era una película protagonizada por el mítico actor en la que casi ni aparecía. Por lo menos en esta meten a los villanos en el cartel, que son quienes realmente llevan el peso del filme. Me gustaría creer que estos largometrajes de Edward Drake han servido para engrosar las arcas de la estrella y enfrentarse a los gastos médicos derivados de su afasia, pero sinceramente, viendo el resultado les habría salido mejor un crowdfunding. Loable pero tristemente fracasado intento.
Esta película está una pizca más interesante y al menos está mejor gestionado el hecho de que Willis tenga problemas para hablar haciendo que su personaje tire más de más juegos de miradas, parezca que tiene una especie de depresión, se lleve mal con todos los que le rodean… Su afasia se ha tornado en una especie de acogida a la quinta enmienda durante ‘Detective Knight: redención’. Hay que reconocer que La primera secuencia ya es mejor que casi toda la primera entrega y aún así no es buena. No hay ritmo y se perciben varios fallos de guón, sino hubiese variedad de planos diría que está a la altura de un serial televisivo de bajo presupuesto. La iluminación en interiores, los discursos, prefabricados, la música de base de datos… es un producto muy pobre, pero bueno, si mejora en la tercera a lo mejor estaremos hablando de algo potable.
Con ‘Detective Knight: redención’ se apuntan a la Navidad y al género carcelario manteniendo el de atracos como principal eje. Nos presentan a unos villanos que bien podrían haber surgido de un cómic de Batman. Van enmascarados de manera grotesca, por su mente pasa toda clase de parafernalias lunáticas y sueltan un discurso caótico, sociópata y antisistema. De nuevo volvemos a tener la evidente influencia de ‘Le llamaban Bodhi’ pero de nuevo se pierde por su repetitividad y por su cansino y poco carismático discurso.
Es duro ver como Willis encabeza el cartel y ni tiene presencia, ni puede pronunciar sus famosas frases lapidarias. Aguantaré a la entrega de cierre igual que he aguantado a la escena post-créditos aunque sea por afán completista y por ver actuar a Jack Kilmer, hijo de Val Kilmer.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Detective Knight: Redemption. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Paul Johansson, Lochlyn Munro, Miranda Edwards, Jimmy Jean-Louis, Mitchell Baker, Corey Large. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-redemption
Del oscarizado director, Damien Chazelle, ‘Babylon’ es una historia épica original ambientada en Los Angeles durante los años 20, protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva, junto a un reparto coral donde destacan Jovan Adepo, Li Jun Li y Jean Smart. Una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.
Crítica
Una oda al cine y a la depravación del ser humano
‘Babylon’ es la nueva película de Damien Chazelle, que pese a su juventud (37 años) y su corto currículum ha mostrado talento y más luces que sombras en sus anteriores trabajos. ‘Whiplash’ y ‘La La Land’ son claro exponente de lo que puede hacer; ‘First man’ como lo que no debe hacer (en opinión de éste que escribe). Con ‘Babylon’ tengo sentimientos encontrados. ¿Luces o sombras? A ver si trato de explicarlo.
Nada más empiezo a verla, ‘Babylon’ se muestra como una comedia vertiginosa que te lleva a una parte (la de las fiestas y los rodajes, aunque sobre todo las fiestas) del Hollywood de los años 20, en los comienzos del cine (todavía mudo) como industria de entretenimiento. Debo confesar que me quedo hechizado por la cascada de imágenes y planos secuencia con los que Chazelle nos deleita (luego doy más detalles) demostrando su brillantez moviendo la cámara. Posteriormente, ‘Babylon’ cambia de ritmo y se convierte en una historia que pierde esa fuerza y ritmo en favor de un drama en ascenso o dicho de alguna otra forma: al principio es una montaña rusa visual de depravación, en tono de comedia loca con sorprendentes o inesperados toques bizarros por un lado, seguida de un profundo drama contenido por el otro. A mí no me llega a tocar el alma aunque me produce cierto sentimiento pero… será por eso que me acaba sabiendo a poco o quizá con el deseo de haber visto lo mismo pero contado de otra manera. Como os decía, son sentimientos encontrados los que me termina produciendo este filme, que para nada es olvidable. La confirmada brillantez detrás de la cámara de Chazelle no puede ocultar del todo que el ritmo de la película decaiga por momentos, aunque mantenga nuestro interés. Quizá tenga el sentimiento de que ‘Babylon’ carezca de armonía y Chazelle no encuentre el modo de hilar fino y darle fuerza a todas las partes por igual.
Esta película nos cuenta esa historia de fiestas y rodajes de la creciente y cambiante industria del celuloide a través de varios personajes a lo largo de esos años. Esa historia, la de cada personaje, es la historia que importa porque tiene mucho valor dramático, y es la que percibo como la gran perjudicada del tono de ‘Babylon’. No termina de imponerse como debería.
El elenco brilla con luz propia, Brad Pitt da la talla de sobra (aunque no es su mejor papel) con un personaje que para mí es el que tiene más carga irónica de todos. Prefiero no contaros su trama para no hacer spoiler. Quedaros con que era una estrella del cine mudo que promovía ideas para reinventar el cine.
Margot Robbie en mi opinión es carne de premios con su interpretación de una incipiente actriz que no puede huir de sí misma. Está fantástica, disfruto cada fotograma de ella. Creo que la amo así que podéis no hacerme caso hasta que lo comprobéis por vosotros mismos.
Diego Calva es para mí, la cara desconocida y la revelación de esta cinta. Un muy buen trabajo interpretativo y el alma de la peli.
Los secundarios, con historias más pequeñas, cumplen con solvencia su cometido y ayudan a darle más sentido al conjunto. Buen casting.
Mención aparte merece el “pseudocameo” de Tobey Maguire. No sé si sobraba en la peli, pero ya que está, os invito a que lo disfrutéis.
En términos de diseño de producción, debo aplaudir el trabajo realizado. La ambientación, los decorados, todo te traslada a la época.
La radiografía que hace de la sociedad hollywoodiense a finales de los años 20 y principios de los 30 donde se produce un cambio radical en la industria del cine no sé si es precisa (no estaba en esas fiestas) pero me la puedo creer a pies juntillas. Su director nos ofrece en imágenes una ensalada de extravagancia, depravación, drogas, un retrato del ser humano hedonista, oscuro… los años locos se les denominó. La explosión de la prosperidad y la burbuja especulativa. `Babylon’ es una especie de “El gran Gatsby versión L.A. a lo bestia”.
También es un homenaje al cine de antes y de siempre, como medio de contar historias y entretener, con una curiosa secuencia de imágenes al final de la película que tienen todo el sentido si eres capaz de encontráselo.
No creo que sea una película que guste a todos por igual en su conjunto, pero sí en alguna de sus partes. Es cine, el cine dentro del cine y da gusto verla en pantalla grande. De esas películas que requieren de una “digestión” para asimilar todo lo que acabamos de ver.
Quizás los 188 minutos que dura no sean justificables en este caso, aunque confieso que no se me hace pesada. Si alargar el metraje se usase como excusa para contar mejor la historia, quizás en este caso no haya cumplido ese objetivo.
Yo creo que ‘Babylon’ es una película que derrocha talento técnico e interpretativo y que por alguna razón no siento que llegue a ser redonda pero sí notable, así que no puedo dejar de recomendarla a todo buen cinéfilo de pro.
Lo bueno: Su inicio, su brillantez tanto detrás como delante de la cámara. Puro cine.
Lo menos bueno: Que contando con “Lo bueno” me haya quedado un sabor agridulce al final.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Babylon. Duración: 188 min. País: EE.UU. Dirección: Damien Chazelle. Guion: Damien Chazelle. Música: Justin Hurwitz. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jean Smart, Jovan Adepo, Li Jun Li, P.J. Byrne, Lukas Haas, Olivia Hamilton, Tobey Maguire, Max Minghella, Rory Scovel, Katherine Waterston, Flea, Jeff Garlin, Eric Roberts, Ethan Suplee, Samara Weaving, Olivia Wilde. Producción: Paramount Pictures, C2 Motion Pictures Group, Material Pictures, Organism Pictures, Wild Chickens Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/BabylonMovie/
Una temporada para calcar la primera parte de la saga
El próximo 16 de enero HBO Max estrena el live action de ‘The last of us’ empezando así una nueva emisión semanal que atrapará a muchos. La adaptación del juego desarrollado en su día por Bruce Straley y Neil Druckmann (‘Uncharted’) ha sido llevada al formato televisivo de la mano de Craig Mazin quien sigue con sus historias dramáticas alejándose aún más de sus primeras comedias. Ya nos sorprendió con ‘Chernobyl’ y ahora aliándose con Druckmann nos sumerge exitosamente en una aventura de zombies, traumas personales y supervivencia.
Siempre es difícil transmitir a la audiencia las mismas sensaciones que tiene jugando a un juego a través de una película o serie porque al fin y al cabo el usuario es parte de la historia manejando a los personajes con su mando. Pero ‘The last of us’ pertenece a esa corriente de juegos que ofrecen durante sus partidas una experiencia cinematográfica por la gran cantidad cinemáticas que tiene. Quizá por eso la serie puede funcionar bien y ganarse incluso a los gamers, ya que logra que nos metamos en su dramática historia y revivamos las fases del juego, aunque sin llegar a imbuirnos tanto terror. Seguramente la serie se gane un buen número de adeptos jugones pero no sin antes pasar por el examen de un casting (Pedro Pascal y Bella Ramsey) que no tiene precisamente un parecido físico próximo al de los protagonistas del juego de Naughty Dog.
¿Qué sucede en ‘The last of us’? La acción transcurre en una realidad alternativa veinte años después de arrancar un brote contagioso. El hongo Cordyceps, que a día de hoy solo era parásito en insectos, se pasa a los humanos según esta ficción. Se convierten así en unos zombies que parece que tienen verrugas gigantes y amorfas como las del papiloma humano. Se comportan de manera violenta y simbiótica, comunicándose además como si fuesen una colonia.
Tenemos explicación para este apocalipsis, no como sucedió en el cómic y serie de ‘The walking dead’. Tranquilos, Mazin ha asegurado que no van a alargar tanto la serie. Esta primera temporada de la serie ‘The last of us’ abarca todo el primer juego, incluyendo los caníbales en Silver Lake, las luciérnagas y la última y trascendental conversación entre Ellie y Joel. Aún con todo y con eso emplea espacio para recrearse en algunos precedentes. Después de todo el juego tiene muchos momentos para reabastecerse y más escenas de acción con zombies y bandidos. Si te lo pasabas en su totalidad en unas quince horas la serie nos comprime la narración en unas nueve.
Esta producción repite los mismos pasos del juego llevando algunos a límites más espectaculares. La primera secuencia se parece a la de ‘Un lugar tranquilo 2’ y los zombies corren y saltan como en ‘Guerra mundial Z’ pero la comparativa más directa y reciente es con ‘The Walking Dead’. Es una serie muy similar pero no se despista con tantos personajes y tiene mejor ritmo. Además empieza con un interesante debate con hongos sobre la mesa y nos brinda una genial apertura en el segundo capítulo que me ha recordado a los mejores momentos de ‘The Strain’, donde también había un enfoque científico y un posterior escenario apocalíptico.
El opening podría decirse que es a lo ‘Juego de Tronos’ pero formando el mapa con liquen y hongos. Comparte también con ‘Juego de tronos’ a parte del equipo de maquillaje y prostéticos que se ha traído Mazin de ‘Chernobyl’. En lo sonoro, participa el mismo compositor musical, Gustavo Santaolalla. En cuanto al vestuario y peluquería a los personajes les han peinado y vestido igual pero como mencionaba el parecido es bastante lejano y de la cara de Ellen Page a la de Ramsay hay un trecho. Tess (Ana Torv) es para mí la mejor escogida del casting. Como curiosidad o huevo de pascua, han dado papeles secundarios a actores como Ashley Johnson y Jeffrey Pierce, quienes doblaban a Ellie y Tommy en la versión de consola. Todos, incluidos los dos protagonistas, actúan acorde a las escenas del juego y la personalidad de sus personajes. Está claro que la manera en cómo plantaba cara en ‘Juego de Tronos’ le ha valido a Ramsay el papel de esta niña que está un tanto trastornada y es un auténtico dolor de muelas.
La ambientación post apocalíptica es buena. Mejor que la de ‘DMZ’ o ‘Y el último hombre’ e incluso que algunas etapas de ‘The Walking Dead’ o ‘Sweet Tooth’. La relación entre los personajes de distintas edades es igual de importante que en esas series, pero el tratamiento de esta serie es mejor. Por eso tenemos varios episodios flashback (me sobran los episodios tres y siete), que se desconectan un poco de la trama para mostrar solo al final cuál es su razón de ser. Pero lo más importante es que ‘The last of us’ tiene buen equilibrio entre drama, terror y acción. Si os gusta el juego o esta serie os recomiendo una obra muy similar en algunos aspectos, ‘Melanie. The girl with all the gifts’.
El multimillonario jugador de póquer Jake Foley (Russell Crowe) les brinda a sus mejores amigos la oportunidad de ganar más dinero del que jamás hayan soñado, en una noche que nunca olvidarán. Pero para jugar, tendrán que revelar algunos de sus secretos más oscuros, y a medida que avance la noche, descubrirán el motivo real por el que participan, lo que los llevará a apostarlo todo para salvar sus vidas.
Crítica
Un Rat Pack que se queda en un farol
‘Poker face’ es el regreso de Russell Crowe a la dirección. El actor neozelandés vuelve a su tierra para dirigir un filme que también ha escrito y protagoniza rodeado de un intento de “Rat Pack” de caras conocidas entre las que se encuentran RZA, Liam Hemsworth o Elsa Pataky. Tal vez la historia original de Stephen M. Coates partía de una buena idea, pero desde luego el guión que finalmente a acabado escribiendo Crowe está mal planteado. Quizá también sea cosa del montaje pues bien es cierto que en los primeros compases del filme se mezclan flashbacks con el presente en tiempo fílmico y se hace confuso, llega un momento que no sabemos si estamos viendo entremezclados dos momentos diferentes o si sucede todo en paralelo.
La historia de ‘Poker face’ nos lleva a conocer a un grupo de amigos a los que la vida a acabado relacionando con el mundo del póker. Y con cara de póker nos deja el filme pues aunque consiste en un home invasión que entretiene y se pasa rápido nos deja indiferentes, ni nos cuenta ni nos aporta nada. De hecho su final, con tintes de supuesto happy ending, nos deja una sensación frívola cimentada en el bálsamo del dinero, lo cual a priori parecía que era lo contrario que se pretendía como moraleja.
A veces el filme parece pretender ser una especie “australianización” de Guy Ritchie, otras un thriller a lo Haneke y otras un trasunto de ‘La habitación del pánico’ de Fincher. Acaba siendo una mezcla de géneros que nos saca constantemente del filme, no alcanza una dinámica capaz de establecer sensaciones próximas a los personajes o una mínima intriga. Bien es cierto que establece un misterio en torno al grupo de amigos y que no aburre como otras muchas películas sobre el juego de cartas. Pero habría sido mucho más eficiente si se hubiese regodeado en la vileza de sus personajes o si hubiese explotado esa especie de software Pegasus que se inventa.
Para el público español quizá la curiosidad está en ver a Pataky de nuevo en pantalla grande. Actúa junto a su cuñado y tiene bastante texto pero tiene un personaje bastante trivial. Más irrelevante se hace cuando el primer plano que le hace Crowe es a su canalillo y cuando le hace repetir su pose más famosa en los photocalls, es decir, ofrecer espalda desnuda a la cámara.
El grupo de pillos que de adultos se convierte en delincuentes ni impone, ni tiene pátina de espinoso. La película se supone que va sobre esta pandilla de corruptos o delincuentes pero todos los giros o el centro de atención terminan recabando en Rusell Crowe de una manera inconmensurable. Aunque bien es cierto que esta segunda juventud que vive el actor está siendo fructífera, en el caso de su propia película es todo un farol que se queda en nada.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Poker face. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Russell Crowe. Guion: Stephen M. Coates, Russell Crowe. Música: Antony Partos, Matteo Zingales. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Russell Crowe, Liam Hemsworth, RZA, Brooke Satchwell, Daniel MacPherson, Aden Young, Paul Tassone, Steve Bastoni, Elsa Pataky, Jack Thomson. Producción: SKY, MEP Capital, Alceon Entertainment Partners, Acrlight Films, Hamilton Entertainment, JBH Entertainment, Future Artists Entertainment, Fear of God Films. Distribución: Vértice 360. Género: suspense, drama. Web oficial:https://screenmediafilms.net/film/3569/Poker-Face
Brian and Charles nos descubre la historia de Brian, un solitario inventor que vive en un remoto valle de Gales del Norte. Aparentemente, la soledad no parece molestarle, y se pasa la mayor parte de su aislada vida en su ruinoso taller creando objetos extraños que nadie quiere. Hasta que, un día, Brian construye un robot. Fabricado con una vieja lavadora y una maltrecha cabeza de maniquí, la imponente máquina de más de 2 metros de altura es una peculiar construcción similar a un anciano destartalado.
Crítica
Precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional
Hay que ver qué bien recibidas son estas nuevas visiones cinematográficas. ‘Brian y Charles’ es un nuevo vehículo para expresar muchas facetas de la psique humana con tremendo tacto y sin que con ello se necesite mermar la comedia o el absurdo.
Expandiendo el corto homónimo que realizó el mismo equipo de director y guionistas (Jim Archer, David Earl y Chris Hayward) nos cuentan la vida de Brian, una especie de inventor que vive casi aislado en su pequeña finca de Gales. Con un cerradísimo acento y una aún más cerrada personalidad, este creador pasa el día materializando todo aquello que pasa por su cabeza. De entrada, la película es tronchante solo por mostrarnos qué majaderías realiza este entrañable personaje interpretado por David Earl. Realiza con cualquier tipo de desperdicio multitud de cachivaches raros e inútiles hasta el punto de parecer un lunático e incluso mendigo. Tiene lo que podría llamarse un síndrome de Diógenes creativo.
Tras infinidad de creaciones fallidas consigue dar vida a un robot dotado de la cabeza de un maniquí con cierto aire a Eduardo Punset y con un cuerpo compuesto por una lavadora. Este autómata posee inteligencia pero también parece estar sumergido en la irracionalidad de la edad del pavo. La comedia prosigue tras el primer acto pues choca la excentricidad del protagonista con la personalidad pueril del robot, bautizado como Charles Petrescu (podéis seguirle en Twitter). A parte de la nada trivial propuesta humorística descubrimos en ese punto el otro valor de ‘Brian y Charles’. A mi manera de entenderlo el robot es como una proyección de la mente y el corazón del protagonista. Utiliza el mecanismo psicológico del amigo invisible sirviendo al Brian para exteriorizar aquello que no se atreve a mostrar. Es ahí cuando nos topamos con una historia que intenta recrear un difícil paso a una adultez tardía, a la búsqueda del valor para enfrentarse a la vida más allá de la burbuja en que vive. Pero también hay quien verá aquí la salida de una profunda depresión. En un mundo superficial, donde impera la ley del más fuerte o la lógica de las máquinas nos topamos con un precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional.
El filme está rodado como si fuese un falso documental, cámara en mano, casi tipo found footage. Pero no se mantiene esa técnica y se pierde esa sensación tan íntima que produce el ver como una cámara se mete en la vida de otra persona. Porque si hay algo importante en esta cinta es el sentir como alguien intenta vivir, crear y soñar. Por esas características y por su vertiente indie me ha recordado mucho a ‘Brigsby Bear’. Y también, por sus efectos tan caseros y sus momentos tan absurdos me ha llevado de vuelta a las películas de Quentin Dupieux, incluyendo el rap de los postcréditos. Deberíais apuntaros estas dos referencias en caso de que os guste ‘Brian y Charles’.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Brian and Charles. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Jim Archer. Guion: David Earl, Chris Hayward. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Murren Tullett. Reparto principal: David Earl, Chris Hayward, Louise Brealey, Jamie Michie, Lynn Hunter, Lowri Izzard, Mari Izzard, Cara Chase, Nicholas Asbury, Sunil Patel, Vivienne Soan. Producción: Bankside Films, BFI Films, Film4 Productions, Mr. Box. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/brian-and-charles/
Cuando la teniente Kate Sinclair, piloto de la Real Fuerza Aérea, es derribada sobre Afganistán, encuentra refugio en un búnker subterráneo abandonado en el que se despiertan mortíferas armas biológicas artificiales, mitad humanas, mitad alienígenas.
Crítica
A Marshall ya ni le sale la serie B estándar
La productora Ingenious media nos ha traído buenas películas a la cartelera pero esta ocasión no es el caso. ‘La guarida (The lair)’ es una película que también ha tenido que producirse a sí mismo Neil Marshall junto a Charlotte Kirk, quien también es la protagonista. Y viendo el resultado no es de extrañar. Con esta obra el dueto parece decidido a hacerle la competencia o ponerse en el mismo rollito de Paul W.S. Anderson y Mila Jovovich, la cual trabajó con Marshall en la versión de ‘Hellboy’ que hasta él repudia, cómo me gusta cerrar el círculo.
‘La guarida’ sigue la misma dinámica en cuánto a la mezcla de géneros pues tenemos serie B con acción, clásico de Marshall. Criaturas, sangre, localizaciones desoladas, una heroína al mando… Pero más que al de Anderson su cine se aproxima al de Uwe Boll. A Marshall le encanta hacer películas con monstruos y criaturas. Se agradece esa entrega al cine fantástico y de engendros infernales. Pero debería cuidar más la originalidad de sus argumentos, el montaje, la calidad actoral de su reparto e incluso de su banda sonora, que parece sacada de una base de datos gratuíta.
Unos militares estadounidenses están en busca de armas por Afganistán, en la onda de George Bush. Pero se topan con una antigua base subterránea soviética ubicada en territorio afgano. Por supuesto ahí, bajo tierra, está la criatura que protagoniza el cartel. Base a muchos metros bajo el suelo, factoría soviética, monstruos caníbales, heroína… los ingredientes pueden recordar también al título ‘Superdeep’, solo que aquí prima más la acción que el suspense o el terror y falta mejor ambientación y calidad.
No se puede negar que en ‘La guarida’ hay acción desde el principio, con efectos prácticos y digitales entremezclados, pero sobre todo llama la atención el maquillaje del monstruo. Volviendo a Anderson y su saga de zombies, las criaturas que tienen acorralados a los militares de este filme son una especie de mezcla estética de los lickers o de Nemesis con el Vesna de ‘Stranger Things’. Pero ni con esa mezcla tan salvaje y sus momentos de gore o sangre es capaz de hacernos disfrutar.
No hay contexto para la historia, no hay un rico trasfondo… Partimos del hecho de que la actriz protagonista es bastante inexpresiva. Pero lo peor es la sobreactuación del resto del reparto y los momentos que causan una risa dudosamente intencionada. Hay casi tanta sangre como frases involuntariamente racistas. Marshall intenta volver a su ‘Dog Soldiers’ explotando el clásico de compañía militar donde cada miembro tiene una tara, la cual, nos da igual porque sabemos que por supuesto son carne para la bestia. No funciona.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: The lair. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Neil Marshall. Guion: Neil Marshall. Música: Christopher Drake. Fotografía: Luke Bryant. Reparto principal: Charlotte Kirk, Jonathan Howard, Jamie Bamber, Tanji Kibong, Leon Ockenden, Mark Strepan, Hadi Khanjanpour, Cesare Taurasi, Mark Arends, Adam Bond. Producción: Ashland Hill Media Finance, Hero Squared, Ingenious Media, Onsight, Rather Good Films, Scarlett Productions Ltd. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, acción. Web oficial:https://www.rathergoodfilm.co.uk/the-lair/
El Sheriff Church (Robert De Niro) y la detective Zeppelin se esfuerzan por mantener la paz en su complicado pueblo. Shelby John (Jack Huston) y Ruby Red quieren empezar desde cero una vida juntos. Deciden formar una familia y dejar atrás la mala vida, con el apoyo de Peter, el cuñado de Ruby (John Malkovich). Sin embargo, Shelby descubre a su amada Ruby muerta en el porche antes de que pudiera cumplir su último deseo: ser bautizada en el río y limpiar sus pecados pasados. Lleno de furia, Shelby se embarca en una ola de venganza para corregir todo el mal que todos los eslabones de la cadena del tráfico de drogas le han hecho a Ruby. Armado de adrenalina, Shelby los buscará, uno por uno hasta llegar a Coyote (Quavo), señor del crimen organizado. El sheriff va tras los pasos de Shelby en una carrera contrarreloj para acabar con la su justicia ciega antes de que su guerra particular convierta el pueblo en un baño de sangre.
Crítica
Mitad drama romántico mitad John “yonki” Wick
Es indudable que el atractivo de ‘El río de la ira’ es ver a Robert De Niro y a John Malkovich en el cartel. Pero ni son los protagonistas ni el largometraje está a la altura de sus carreras. No sé si hay apuros económicos en las casas de estos dos iconos cinematográficos pero no me cabe duda de que las amistades han hecho que acaben participando en este filme. El director de la película es Randall Emmett quien ha producido películas de Scorsese y otros muchos títulos de acción de presupuesto medio.
Pero una cosa es producir a Scorsese y otra hacer cine como él. Hace poco escribía sobre otro tropezón de Ingenious Media que también se estrena esta semana, ‘La guarida’. La productora está acumulando títulos de baja calidad con nombres conocidos, dudo mucho que les haga bien esta estrategia. La calidad del guión y del montaje brillan por su ausencia. No hay ni ritmo ni criterio a la hora de componer la historia. ‘El río de la ira’ se divide en dos mitades. La primera es un drama romántico entre dos yonkis y la segunda es una escalada de violencia sin mérito alguno. El título original se traduciría literalmente como ‘Salvación salvaje’ por ser una desintoxicación a lo bestia, pero no se consigue transmitir la ira o la rabia del protagonista encarnado por Jack Huston, quien estuvo presente en ‘El irlandés’.
Tras cuarenta y cinco minutos exhibiendo y regodeándose en un drama de pareja que se quiere desintoxicar, la película ya aburre y encima no consigue que empaticemos con los personajes. Aunque hay alguna escena que da pistas sobre crímenes en curso tardamos media película en que suceda el primer giro significativo, el cual, viene adelantado en la sinopsis oficial, otro fallo de marketing. Y llegamos a ese punto visionando escenas innecesariamente alargadas. Tras todo esto se plantea un detonante a lo John Wick que da pasos una historia de venganza, pero estamos tan cansados que deseamos que termine rápido, lo cual, no sucede. Uno se pregunta porque actores tan grandes acaban en películas menores como estas en las que falla hasta el etalonaje y en la que los personajes llevan armas coloreadas, como sacadas del Fornite. ‘El río de la ira’ es anodina, tanto como el estado de Georgia, lugar en el que sucede la acción.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Savage Salvation. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Randall Emmett. Guion: Adam Taylor Barker, Chris Sivertson. Música: Philip Klein. Fotografía: Eric Koretz. Reparto principal: Jack Huston, Willa Fitzgerald, Robert De Niro, John Malkovich, Dale Dickey, Lindsay Pulsipher, Swen Temmel. Producción: The Avenue Entertainment, BondIt Media Capital, Buffalo 8 Productions, Ingenious Media, Lucky 13 Productions, River Bay Films, Emmett/Furla/Oasis Films. Distribución: Inopia films. Género: drama, acción. Web oficial:https://theavenue.film/movies/savage-salvation
Quizá no lo sabíais, pero se acerca una película sobre el videojuego de carreras conocido como ‘Gran Turismo’. Una saga de juegos de PlayStation que Neill Blomkamp (‘Distrito 9’, ‘Demonic’) ha llevado a la gran pantalla para sorpresa para todos pues se sale de sus géneros habituales, que suelen ser el cyberpunk y la ciencia ficción.
Basada en la historia real de Jann Mardenborough, la película narra la historia de un joven jugador de ‘Gran Turismo’ que, gracias a sus habilidades con los videojuegos, gana una serie de competiciones de Nissan para convertirse en un piloto de carreras profesional.
En el reparto figuran Archie Madekwe, David Harbour, Orlando Bloom, Darren Barnet, Emelia Hartford, Josha Stradowski o la Spice Girl Geri Horner. La película llegará a los cines el próximo 11 de agosto.
Prime Video ha publicado el tráiler oficial de la segunda y última temporada de ‘Hunters’ que se estrenará en exclusiva en su plataforma de streaming el próximo 13 de enero. Después de que un accidente desbarate sus hazañas por Europa, los “Hunters” deben volver a unirse para dar caza al nazi más infame de la historia, Adolf Hitler, que se esconde en Sudamérica. Mientras tanto, una mirada al pasado revela a Meyer Offerman (Al Pacino) enfrentándose a una amenaza muy peligrosa que podría desvelar su secreto y exponer su verdadera identidad con repercusiones inimaginables para nuestros Hunters.
Al Pacino regresa para la épica temporada final de Hunters junto a Jennifer Jason Leigh y el reparto regular Logan Lerman, Jerrika Hinton, Lena Olin, Josh Radnor, Tiffany Boone, CarolKane, Louis Ozawa, Kate Mulvany y Greg Austin. En el papel de Hitler tenemos a Udo Kier.
Para celebrar la despedida de la serie, ‘Hunters’ también lanzó el pasado 13 de diciembre un podcast oficial de seis episodios, ‘Chutzpah: Hunters Presents True Stories of Resistance’ y ayer se ha estrenado la segunda entrega de tres episodios. El nuevo podcast contará extraordinarias historias reales de heroísmo, resistencia y sacrificio durante el Holocausto. El podcast, producido por Prime Video, Monkeypaw Productions y Story Mill Media, cuenta con la producción ejecutiva de Jordan Peele y será presentado por el creador de la serie David Weil.
Hunters está producida por Amazon Studios, Monkeypaw Productions y Halcyon Studios. La serie está creada y producida por David Weil, quien también ejerce de showrunner y productor ejecutivo junto con Jordan Peele y Win Rosenfeld de Monkeypaw Productions, Phil Abraham, David J. Rosen, Jerry Kupfer y Alfonso Gomez-Rejon. David Ellender y Matt Loze, de Halcyon Studios, son también productores ejecutivos.est
West Point, 1830. Un inspector cansado de la vida recibe el encargo de investigar, con la máxima discreción, el espantoso asesinato de un cadete. Frustrado por el código de silencio de los cadetes, recluta a uno para que lo ayude a esclarecer el caso, un joven al que el mundo acabará conociendo como Edgar Allan Poe.
Crítica
Una historia de terror gótico con un Harry Melling soberbio
El pasado 23 de diciembre llegó a unas pocas pantallas de cine ‘Los crímenes de la academia’. Dirigida por Scott Cooper (‘Antlers: Criatura oscura‘)y basada en la novela de LouisBayard. Este próximo viernes día 6 de enero, la cinta llega a nuestras casas gracias a Netflix.
La película protagonizada por Christian Bale y Harry Melling nos trae un desgraciado asesinato en la una famosa academia militar. Encontrando a un joven ahorcado. Esto quedaría en un triste suceso, sino fuese porque después de localizar su cuerpo éste fue mutilado al ser arrancado su corazón. Por ello, deciden contratar al famoso detective local, Augustus Landor, para que resuelva el crimen. Con la ayuda de uno de los cadetes llamado Edgar Allan Poe, nuestro detective se adentrará en los complicados códigos de silencio de la Academia.
Me ha gustado muchísimo la atmósfera de la película. Un tono tétrico, lleno de neblina y con una fotografía muy oscura que logra adentrarnos perfectamente en esta historia de terror gótica.
Al muy estilo de las novelas de Edgar Allan Poe, vamos poco a poco conociendo a los personajes. Además, con unos diálogos maravillosos que parecen sacados también de alguna de sus novelas. Y por supuesto sus personajes casan perfectamente con la historia, todos ellos con muchos secretos en su interior y que no se lo pondrán fácil a nuestros dos protagonistas.
Como siempre, Christian Bale está estupendo. Su personaje es un detective bastante atormentado por su pasado que intenta centrarse en su trabajo, pero aun así hay veces que logra perderse en sus tristes recuerdos.
HarryMelling está increíble, necesito que alguien haga una película sobre Edgar Allan Poe y por supuesto que sea él el protagonista. Es tal cual me lo imagino, aparte de su físico un tanto diferente, su actuación me parece impecable.
En el reparto encontramos también a Lucy Boynton, Gillian Anderson, Robert Duvall, Toby Jones o Timothy Spall entre muchos otros. Todos ellos hacen que la película sea aun más atractiva.
Al principio de la cinta me recordó un poco a ‘Sleepy Hollow’ la manera de trabajar del detective, me recordó al pedante pero eficaz Ichabod Crane. Además por supuesto de la atmósfera que os he comentado antes, creada en este caso por la fotografía de Masanobu Takayanagi.
Solo le pongo una pega a la película y es que muestra sus cartas demasiado pronto y aunque tiene una gran sorpresa final, te deja bastante frío porque ya has perdido el interés.
Pero aun así, ‘Los crímenes de la academia’ es una cinta que merece mucho la pena y es un visionado obligado a cualquier persona que le gusten las historias a los Sherlock Holmes.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de diciembre de 2022 (6 de enero de 2023 Netflix). Título original: The pale blue eye. Duración: 128 min. País: Estados Unidos. Dirección: Scott Cooper. Guión: Scott Cooper. Basado en la novela de Louis Bayard. Música: Howard Shore. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Reparto principal: Christian Bale, Harry Melling, Gillian Anderson, Lucy Boynton, Toby Jones, Robert Duvall, Timothy Spall, Charlotte Gainsbourg, Charlie Tahan, Fred Hechinger. Producción: Cross Creek Pictures, Le Grisbi Productions, Streamline Global Group, Netflix. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81444818
M3GAN es una maravilla de la inteligencia artificial, una muñeca realista programada para ser la mejor compañera de los niños y la mayor aliada de los padres. Diseñada por Gemma (Allison Williams de ‘Déjame Salir’), una brillante robotista de una compañía de juguetes, M3GAN es capaz de escuchar, observar y aprender mientras se convierte en amiga, profesora, compañera de juegos y protectora del niño al que se vincule.
Cuando, inesperadamente, Gemma se convierte en la cuidadora legal de Cady (Violet McGraw, ‘La maldición de Hill House’), su sobrina huérfana de 8 años, no sabe muy bien qué hacer ni se siente preparada para ejercer de madre. Sometida a un intenso estrés laboral, Gemma decide vincular su prototipo de M3GAN a Cady en un intento por resolver ambos problemas…, pero no tardará en descubrir las inimaginables consecuencias de su decisión.
Crítica
Un nuevo icono de la toy exploitation
M3gan, que viene de “Model 3 Generation Android”, es la nueva propuesta de Universal Pictures creada gracias a la comunión entre Jason Blum y James Wan. Pero yo prefiero llamarla la nueva Chucky. Es curioso pero parece que Universal, habiendo abandonado su Dark Universe, se decanta por crear nuevos juguetes asesinos pues estando explotando el personaje de Don Mancini con la serie a través de su canal SYFY, ha dado luz a esta nueva muñeca asesina. ¿Quién sabe si no volverán también sus ‘Pequeños guerreros’? ¿Quizá tendremos un Toy Universe?
Efectivamente ahí están películas míticas como ‘Muñeco diabólico’ o ‘Pequeños guerreros’ e incluso la pequeña ‘Benny loves you’ para anticiparse a un futuro que augura que la rebelión de las máquinas puede empezar en el cuarto de nuestros hijos. Incluso la nueva visión de Chucky en forma de película ya caminaba por los mismos derroteros que ‘M3gan’ indicándonos que más tecnología significa menos humanidad. Y por ahí va un poco la denuncia de esta nueva obra que nos viene a señalar qué podemos perder nuestro sentido humano volcando todas nuestras inquietudes, miedos o responsabilidades en un dispositivo electrónico. Todos hemos visto como los padres de hoy en día prefieren desentenderse de sus hijos dejándoles absortos en la pantalla de sus tablets ¿verdad?.
Pero no nos engañemos, esta no es una película de crítica social o un drama paternofilial. ‘M3gan’ transmite que da miedo la posibilidad de perder nuestro lado humano, pero sobre todo es un disfrute retorcido. Una niña pierde a sus padres y su tía y nueva tutora decide torear la situación usando a la chiquilla como parte del desarrollo de un nuevo y avanzado juguete. La idea es que ese androide haga las veces de cuidador, cual Robin Williams en ‘El hombre bicentenario’, pero obviamente la cosa sale mal. M3gan es un robot con apariencia de niña recién salida de la misa del domingo y los ojos de ‘Alita: ángel de combate’ que se convierte en una auténtica máquina de matar. De nuevo una de las leyes de la robótica de Asimov se vuelve en contra nuestra gracias a un sentido extremadamente sobreprotector.
James Wan nos cogió por sorpresa con la macarrada de ‘Maligno’, la cual recibí de buen grado. En esta ocasión, habiéndose emparejado con Blumhouse imaginábamos cuál iba a ser la dinámica de la película. Bien es cierto que podíamos haber esperado más comedia en este filme que ha dirigido Gerard Johnstone. Hay algo de drama, de suspense y de crítica al corporativismo (o a los jefes que lo componen) pero la nota predominante es el terror fundamentado en las muertes truculentas y en la locura, en este caso en la enajenación y obsesión de una inteligencia artificial. Es decir, la película nos entretiene sin parar y tiene su pequeñísima parte reflexiva, pero su valor reside sobre todo en unas pequeñas notas de humor negro y unos cuantos fatalities acumulados, principalmente en su última parte.
‘M3gan’ arranca directamente con una burla, aquellos muñecos con los que los niños de finales de siglo interactuaban, los llamados Furbys que llegaron hasta a ser prohibidos por la NSA o el Pentágono. Seguidamente cumple con los esquemas del cine de terror y de serie B mostrándonos abiertamente cuáles son los elementos que participarán durante los momentos clave, como el clásico perro víctima. Posteriormente tiene su parte en la que vemos que no solo los juguetes se comportan de manera programada, también muchas personas. Y acaba de un modo que también esperábamos que fuese macabro y continuista. Es decir, el binomio Blum/Wan cumple con la expectativa.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2023. Título original: M3gan. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Johnstone. Guion: Akela Cooper, James Wan. Música: Anthony Willis. Fotografía: Peter McCaffrey, Simon Raby. Reparto principal: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps, Arlo Green, Michael Saccente, Amie Donald, Stephane Garneau-Monten. Producción: Atomic Monster, Blumhouse, Divide/Conquer, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial:https://www.instagram.com/meetm3gan/
Ambientada en un aislado pueblo de montaña de la Macedonia del siglo XIX, ‘No estarás sola’ sigue a una joven que es secuestrada y luego transformada en bruja por un antiguo espíritu. Curiosa por la vida como humana, la joven bruja mata accidentalmente a un campesino del pueblo cercano y luego toma la forma de su víctima para vivir en su piel. Con su curiosidad encendida, sigue ejerciendo este horrible poder para entender lo que significa ser humano.
Crítica
Cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm
Noomi Rapace saboreó el éxito en la anterior edición del festival de Sitges con ‘Lamb’, una película muy de su tierra. Ahora se ha embarcado (con una aparición esporádica) en una producción australiana que nos traslada igualmente a Europa, pero mucho más al sur, a Macedonia. La historia de ‘You won’t be alone’ transcurre en un pequeño pueblo del siglo XIX en el que aún está presente el influjo del espiritismo y la brujería. La película de Goran Stolevski posee un ambiente muy de cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm.
El filme pertenece a una vertiente contemplativa, naturalista, tranquilona y poética, acotada a una región rural en la que las tradiciones y lo ancestral mandan, lo que sumado suele conocerse como folk horror. Cargada de imponentes planos bucólicos y campestres nos cuenta la historia de una joven que crece sola y termina convertida en bruja del tipo cambiapieles. Ciertamente el filme posee una magia cautivadora y también una buena cantidad de sangre, de esa no apta para escrupulosos. Algo que a priori parece contradictorio, pero la crudeza de la naturaleza muchas veces es preciosa.
La película cuenta con Rapace como cabeza de cartel, pero lo dicho, su aparición es casi anecdótica. Ni su presencia ni el tema fantástico ocupan el centro de atención. Al final todo gira entorno a la condición del ser humano. Stolevski nos hace viajar de un ser a otro para explorar nuestra propia conducta y cómo choca con la crudeza del mundo, tanto social como natural.
Esta ópera prima sorprenderá a los que busquen una atmósfera, un viaje o un terror diferente, aburrirá a los que no vean más allá del horror mainstream hollywoodiense. La cotidianidad se mezcla con lo metafórico. Si te gusta este filme busca ‘Ilargi guztiak’.
Ficha de la película
Estreno en España: sin fecha de estreno. Título original: You won’t be alone. Duración: 108 min. País: Australia. Dirección: Goran Stolevski. Guion: Goran Stolevski. Música: Marc Bradshaw. Fotografía: Matthew Chuang. Reparto principal: Noomi Rapace, Alice Englert, Anamaria Marinca, Carloto Cotta, Félix Maritaud, Sara Klimovska, Arta Dobroshi, Verica Nedeska, Predrag Vasic. Producción:Distribución: sin distribuidora. Género: terror, drama. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/you-wont-be-alone/
Ambientada en la década de 1950 en Londres, la película sigue a Williams, un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos días un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a salir por la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Con la ayuda de su optimista colega, Williams pone todo su empeño en hacer feliz, de un modo sorprendente, a su entorno.
Crítica
Un empujón a intentar disfrutar de nuestro tiempo y dejar huella
Si recordáis la secuencia de “La casa que enloquece” de ‘Las doce pruebas de Astérix’ podéis poneros en situación para esta película. Es como ponerse en el lado de los trabajadores de ese edificio burócrata capaz de desquiciar a cualquiera con sus normas y formularios. En ‘Living’ un funcionario vive monótonamente su vida anclado al respeto de sus subordinados y su eficiencia al mando de una sección del departamento de obras públicas del ayuntamiento. Pero un día recibe la fatal noticia de tener cáncer, algo que hace que levante la cabeza de su escritorio y reflexione sobre los logros de la vida, sobre su impacto en los demás. Esta es la sinopsis de ‘Living’ y también de ‘Ikiru (Vivir)’, obra de Akira Kurosawa que el director Oliver Hermanus y el guionista Kazuo Ishiguro han decidido rehacer.
La puntualidad y disciplina japonesa tiene muchos puntos en común con el sobrio Londres de los bombines, las formalidades, el papeleo y los sutiles cumplidos. Ese es el primer paralelismo al que se agarra Hermanus para justificar esta nueva versión. ‘Living’ es una obra con una interesante elección de planos que nos habla de las metas alcanzadas en la vida, aunque estas sean mínimamente pequeñas o ligeramente transgresoras. Es un moderado y sosegado alegato contra la rutina diaria, el corsé de las normas y la estrechez de miras, un empujón a intentar disfrutar de nuestro tiempo y dejar huella.
El filme se ambienta en el Londres de los 50, con la II Guerra Mundial aún presente en la mente de los ciudadanos. ‘Living’ es en ese sentido también un retrato de las costumbres y el día a día de una ciudad que en las primeras tomas se nos presenta como continuamente modernizada, ajetreada y sucia. Para ello se han restaurado y coloreado imágenes de archivo que seguidamente se empalman al metraje rodado con los actores y que gracias a una buena ambientación nos mantiene en esa etapa del Reino Unido.
Bill Nighy se entrega a este filme con mucha parsimonia y reflexión. ‘Living’ está llena de remembranza y tristeza. Los últimos días de este trabajador público se tornan deprimentes pero también felices ya que, más vale tarde que nunca, encuentra una razón para vivir. Es un corto viaje a medio gas que gracias tanto al guión como a Nighy tiene un sabor muy clásico. Hay un poco del esperpento de Valle Inclán y del deambular de Joyce en esta obra.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2023. Título original: Living. Duración: 102 min. País: Reino Unido. Dirección: Oliver Hermanus. Guion: Kazuo Ishiguro. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Bill Nighy, Aimee Lou Wood, Tom Burke, Alex Sharp, Adrian Rawlins, Hubert Burton, Oliver Chris, Michael Cochrane, Anant Varman. Producción: British Film Institute, County Hall, Film i Väst, Film4, Ingenious Media, Filmgate Films, Kurosawa Production Co, Number 9 Films, Rocket Science. Distribución: WandaVisión. Género: drama, remake. Web oficial:https://filmgate-films.com/living
En esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez.
Crítica
Una afinada crítica rítmica
‘Loop’, bucle, es el nombre de este cortometraje que opta a ganar un Goya en la próxima edición de 2023. La obra de Pablo Polledri es una crítica a nuestro modo de vida, a la sociedad de consumo, a las rutinas preconcebidas. Cásate y se padre. Ten un cuerpo de gimnasio. Sé alguien en las redes sociales. Vive para trabajar. Ese bucle que seguimos día a día, generación tras generación es el objeto a retratar en tan solo 8 minutos.
‘Loop’ es un metraje que nos anima a salir de la monotonía y critica la sociedad de consumo. ¿Hay un gran hermano que vela porque el sistema siga funcionando a su favor? Ya sea por las corporaciones, los poderes fácticos o los políticos está claro que cada vez somos menos dueños de nuestra vida. ¿Nos sentimos más cómodos con el camino pre-escrito y tomando decisiones que nos hacen pensar que tenemos el control o hay manera de escapar del bucle? A modo de persecución, que bien podría ser un trasunto de ‘Matrix’, Polledri nos habla de ello.
No hay voces en esta obra animada porque se basa solo en la música. Una música electrónica que poco a poco se va componiendo de sonidos. Ruidos mundanos, reconocibles por todos nosotros ya que se extraen de nuestra cotidianidad y que poco a poco van componiendo una partitura cada vez más apresurada. Banda sonora compuesta por Joseba Beristain, que también está nominado al Goya formando parte del equipo de ‘Unicorn Wars’. Y es justo mencionar el nombre de este músico porque no es fácil combinar el sonido de tantas escenas para conseguir un ritmo y musicalidad adecuados, me ha recordado a lo que hizo Edward Wright en ‘Baby Driver’.
Premiadísimo es decir poco para este corto que podéis ver de manera legal y abierta en Youtube, solo tenéis que ver la ristra de laureles que luce en el cartel. Los personajes, que bien podrían ser parte de las viñetas de una tira cómica de periódico, se mueven con fluidez. Pero ante el dinamismo de esta animación es mucho más importante que agudicemos la mirada crítica y el oído porque esta obra artística nos exige eso.
Ficha de la película
Estreno en España: 2021. Título original: Loop. Duración: 8 min. País: España. Dirección: Pablo Polledri. Guion: Pablo Polledri. Música: Joseba Beristain. Fotografía: Leire Acha. Producción: Maniac Planet, UniKo, Movistar Plus+. Género: animación, crítica social. Web oficial:ver aquí.
Basada en la novela ‘Un hombre llamado Ove’, que alcanzó el #1 en la lista de superventas del New York Times, ‘El peor vecino del mundo’ cuenta la historia de Otto Anderson (Tom Hanks), un viudo cascarrabias y muy obstinado. Cuando una alegre joven familia se muda a la casa de al lado, Otto encuentra la horma de su zapato en la espabilada y muy embarazada Marisol, lo que conlleva a una muy improbable amistad que pondrá su mundo patas arriba. Experimente una graciosa y conmovedora historia sobre cómo algunas familias surgen de los lugares más inesperados.
Crítica
Se supone que hay que odiarle, pero como siempre, adoras a Tom Hanks
No sé si es remake directo o si inspirados por la película de Hannes Holm los norteamericanos han decidido hacer su propia versión de la novela de Fredrik Backman. ‘Un hombre llamado Ove’ vuelve a la palestra y en esta ocasión recibe el nombre de ‘El peor vecino del mundo’ (‘A man called Otto’ en versión original). Y casi podría hacer un copia y pega de mi crítica de hace cinco años en lo que se refiere a mensaje y estructura, pero obviamente hay algunos cambios.
Esta vuelve a ser una especie de mezcla entre ‘Gran Torino’, ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’ y la secuencia inicial de ‘Up’. Tom Hanks interpreta a un hombre gruñón, amargado y marcado por la tragedia que se alza como el solitario cascarrabias del barrio. Es como el sheriff de su calle, un intocable e implacable defensor de las normas. Pero todo cambia cuando la casa que tiene enfrente es alquilada por unos mexicanos, cuya cabeza de familia interpreta Mariana Treviño Ortiz.
Hay que decir que causaba mucha más animadversión el personaje que interpretó Rolf Lassgård, no obstante, Hanks también tiene un punto repelente. Es imposible ver como un villano a este actor, reconozcamos que prácticamente todos le tenemos cariño. Quizá es por eso que el filme pierde efectividad y que las últimas escenas se hacen mucho más conmovedoras. Y es que al igual que le pasa a su personaje nos vemos con un hueco imposible de rellenar (el día que Hanks no esté). Hay personas que nunca seremos capaces de sustituir, nos pone en relevancia ‘El peor vecino del mundo’, pero aun así hay muchas otras razones para vivir.
Por supuesto hay diferencias con respecto a lo anteriormente publicado. Se ha montado con un buen cambio de ritmo y se ha forzado la historia para que transcurra en invierno con una coloración de imagen siempre fría, para reforzar aún más el carácter del protagonista. Y por supuesto está el talento de Tom Hanks. Aunque sea una especie de “villano” consigue que como siempre le queramos, al fin y al cabo la jugada que ejecuta el guión no dista de lo que se hizo con Jack Nicholson en ‘Mejor… imposible’. La estrategia es hacer que nos encariñemos de este hueso duro de roer que en el fondo y literalmente tiene un gran corazón. Como curiosidad: esa faceta del personaje la conocemos con los continuos flashbacks en los que el hijo de Tom Hanks, TrumanHanks, le interpreta de joven.
La comedia está omnipresente pero también en gran medida la melancolía, más aún que en la versión sueca. ‘El peor vecino del mundo’ es una historia de aprendizaje y tolerancia. Se alza como un camino de sanación de heridas y de pasar página. Nos mete en un nuevo y pintoresco barrio y no necesita muchos más escenarios para su narración, aunque teniendo un entorno tan controlado hay más de un fallo de racord que no afecta a la continuidad de la escena.
Choca ver a Hanks en papeles concebidos para enemistarse con el espectador pero tanto sus maneras como el guión hacen lo de siempre, que le queramos. Más habitual cada vez, aunque también extraído de la novela, está el hecho de incluir diversas razas o culturas en el filme. El tema del sesgo hacia los inmigrantes también vuelve a estar presente, solo se ha cambiado el país de procedencia de los nuevos vecinos del irascible Otto. Habría sido un error si los gags cómicos se hubiesen centrado solo en ese hecho pero por suerte no es el caso. Este es un nuevo flirteo de Hanks con el humor negro, como pudo ser el de ‘The Ladykillers’ y me da la impresión que le apetece salirse por esa tangente cada vez más.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2022. Título original: A man called Otto. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Marc Foster. Guion: David Magee. Música: Thomas Newman. Fotografía: Matthias Koenigswieser. Reparto principal: Tom Hanks, Mariana Treviño, Manuel García-Rulfo, Rachel Keller, Cameron Britton, Mike Birbiglia, Kelly Lamor Wilson, Josefine Lindegaard, Elle Chapman, Truman Hanks. Producción: 2DUX2, Playtone, SF Productions, SF Studios, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, remake, adaptación. Web oficial:https://www.sonypictures.es/peliculas/el-peor-vecino-del-mundo
‘White Noise’, tan divertida como aterradora, lírica y absurda, normal y apocalíptica, dramatiza los intentos de una familia estadounidense actual de gestionar los conflictos cotidianos mientras se enfrenta a los misterios universales del amor, la muerte y la posibilidad de la felicidad en un mundo incierto.
Crítica
Un drama existencial que sin duda dará que hablar
Estrenada hace unas semanas en unos cuantos cines de España, llega a nuestras casas gracias a Netflix ‘Ruido de fondo’. Dirigida por NoahBaumbach (‘Historia de un matrimonio’) y basada en la novela de DonDeLillo, la película nos presenta a una familia un tanto peculiar que tienen que lidiar con el amor, la muerte y un evento mundial que los va a dejar un poco tocados.
Me ha sido bastante complicado poder hablar de esta película, no por nada, sino porque realmente salí de la película con la sensación de que no me había enterado de lo que me estaban contando. Pero según la pensaba, los temas principales sí que los había entendido. ¿Qué como lo sé? Porque al llegar a casa me busqué un resumen de la novela y es que, de verdad, salí totalmente confundida de la película.
Sin duda, ‘Ruido de fondo’ va a dar que hablar, es de estas películas que terminas de ver y sin duda dan para un gran debate. Una película ruidosa, con demasiada verborrea por parte de todos sus personajes y con demasiadas historias por delante. El consumismo, el amor, desamor, las enfermedades mentales y las adicciones son los principales temas para esta película de 136 minutos, que admito, pasan rapidísimo. Supongo que por todo lo que escuchamos y vemos durante la proyección. Al final es un montón de estímulos visuales y gente sin parar de hablar ni un momento.
Protagonizada magníficamente por AdamDriver. Vuelve a repetir con Noah Baumbach y su papel es de un profesor bastante pedante, experto en Hitler. El cual piensa que lleva una vida perfecta pese a su terrible miedo a la muerte. Cada día me gusta más el camino que está eligiendo este actor, con papeles bastante diferentes entre sí.
Su compañera de reparto es la directora GretaGerwig (‘Mujercitas’) que nos da un papel dulce, tierno y al que dan ganas de darle un abrazo pese a todas sus equivocaciones durante la película. Porque la verdad, las lía muchísimo.
Ambos logran crear una química muy especial, llena de amor y comprensión que vas viendo cómo se rompe en pedazos y vuelve a recomponerse de una manera muy surrealista. Otro de los personajes claves es el de DonCheadle, un compañero de trabajo que también logrará darnos bastante debate para luego hablar después del visionado.
Una de las cosas que más me ha gustado de la película, es el momento del evento que ocurre y la manera de mostrarnos como es el ser humano. Cobarde y egoísta y como después de una crisis todo vuelve a la normalidad. No se si en la novela será igual o no, pero si es así, para ser de 1985 sería bastante actual.
La dirección de ‘Ruido de fondo’ está muy bien trabajada. Los movimientos de cámara, la manera de seguir a los personajes para mostrarnos todo lo que está pasando por sus mentes. Nos adentra en ese estrés que viven los personajes durante toda la película. Además de como siempre introducirnos ese momento musical que parece que tanto le gusta al director.
La manera sutil y a la vez directa de mostrarnos el tema del consumismo en el mercado es bastante gracioso. Con los anuncios “subliminales” mandados por megafonía y como cual ovejas, vamos a comprar lo que nos gritan a voces.
El 30 de diciembre llega a Netflix esta cinta, que como os digo, va a dar que hablar. Porque es un visionado bastante complicado por tener tanta información y tanto ruido de fondo que logra que nos aturulle durante mucho metraje.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de diciembre 2022. Título original: White noise. Duración: 135 min. País: Estados Unidos. Dirección: Noah Baumbach. Guión: Noah Baumbach. Música: Danny Elfman. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Adam Driver, Jodie Turner-Smith, Greta Gerwig, Don Cheadle, Alessandro Nivola, Raffey Cassidy. Producción: Passage Pictures, A24, BB Film Productions, Netflix. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81317320
‘I Wanna Dance with Somebody’ es una celebración poderosa y triunfal de la incomparable Whitney Houston. Dirigida por Kasi Lemmons, escrita por el cuatro veces nominado al Oscar, Anthony McCarten, producida por el legendario ejecutivo musical Clive Davis, y protagonizada por la ganadora de un premio BAFTA, Naomi Ackie, la película es un retrato sin reservas de la compleja y multifacética mujer detrás de La Voz. De niña del coro en Nueva Jersey a una de las artistas más superventas y premiadas de todos los tiempos, el público se embarcará en un viaje inspirador, conmovedor y muy emotivo, a través de la vida y la carrera de Houston, con actuaciones sorprendentes y una banda sonora con los éxitos más queridos de este icono universal como nunca antes se habían escuchado. Don’t you wanna dance?
Crítica
Un retrato ineficientemente adulador de un mito de nuestros tiempos
Ahijada de Aretha Franklin, cantante de récord, voz inconfundible, mujer de esas que rompieron techos de cristal… te guste el género musical que te guste no puedes negar que Whitney Houston es una de las cantantes más importantes de nuestra historia contemporánea. En lo que se refiere a música (e incluso a cine) es todo un referente generacional. La Voz se apagó justo hace 10 años de una manera un tanto polémica, al fin y al cabo, ninguna personalidad de talla mundial se libra de teorías conspiranoicas o de rumorologías. Pero el filme de Kasi Lemmons respeta la imagen de la cantante, aunque tampoco se deja detalles escabrosos. Las diferencias con su padre o el enganche a la cocaína no ensombrecieron la forjada imagen de diva del canto y la película no descuida eso. ‘I wanna dance with somebody’ es un retrato adulador de una grande de nuestros tiempos pero no consigue ponerla donde merece.
La película lleva el título de una de sus canciones más conocidas pero no se queda solo con esa. Todo el filme es un sin parar de hits que llevaron a Houston a batir los récords de The Beatles, Elvis o Michael Jackson. Son más de dos horas de película que parece un casete de variados grabado de la radio. El gran problema es que acabamos saturadísimos de escenas videocliperas de baja calidad que además explotan una y otra vez el mismo giro de cámara en torno a la cantante. Y entre tanta recreación se intenta dar una de cal y una de arena, pero está claro que ‘I wanna dance with somebody’ es un largometraje con una clara perspectiva de fan (que no me parece mal) pero se queda en tierra de nadie y al final no ofrece un justo retrato. Esta vez Anthony McCarten, guionista de ‘Bohemian Rhapsody’, no ha escogido bien el material.
Dado su éxito Houston se relacionó con los mejores, tanto con aquellos que influyeron en su estilo y carrera como con los que bebieron de su arte. Esto no está reflejado en la película y habría sido algo mucho más interesante que ver las imaginadas discusiones con sus parejas, por ejemplo. Es de esas películas en las que solo los cartelones finales hacen más justicia a la figura a tratar que todo el metraje precedente.
Naomi Ackie interpreta a la cantante y actriz sin ningún parecido físico y con el mayor logro de hacer un buen playback ya que casi la totalidad de lo que oímos es la voz auténtica de Houston. De todo el reparto quien peor o más superficial está es Ashton Sanders como un suavizadísimo Bobby Brown. Casi que el mejor de todo ‘I wanna dance with somebody’ es un Stanley Tucci en un papel que podría haber sido perfectamente Florentino Pérez. Y es que el maquillaje también deja mucho que desea pues los personajes apenas cambian con el tiempo. Tamara Tunie, quien interpreta a Cissy Houston, no envejece en toda la película.
Lo único que si deja clara la película es que La Voz vivió constantemente sometida a grandes presiones. A la de ser mujer, a la de ser afroamericana, a la de vivir dentro de una familia muy religiosa, a la de ser un ídolo de masas, a la de amar a otras mujeres… No atina el filme a reflejar cuán dañino es eso salvo en una enternecedora escena junto a Tucci. Es una pena el desgaste de metraje y el fallido homenaje, siendo Whitney Houston como es, un mito de nuestra historia reciente.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de diciembre de 2022. Título original: I Wanna Dance with Somebody. Duración: 146 min. País: EE.UU. Dirección: Kasi Lemmons. Guion: Anthony McCarten. Música: Chanda Dancy. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Naomi Ackie, Ashton Sanders, Stanley Tucci, Clarke Peters, Nafessa Williams, Tamara Tunie, Lance A. Williams, Bria D. Singleton, Kris Sidberry. Producción: Compelling Pictures, Black Label Media, Muse of Fire, Primary Wave Entertainment, TriStar Pictures, West Madison Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, biográfico. Web oficial:https://www.sonypictures.com/movies/iwannadancewithsomebody
Ya podemos ver el tráiler de una de las primeras películas de terror que se estrenarán en cines de España en 2023. ‘The offering’ es una película de terror en la línea de ‘Hereditary’ y ‘The Conjuring’, basada en la demonología judía y ambientada en el mundo jasídico, cuya historia sigue a una familia que está a merced de un antiguo demonio.
La película, protagonizada por Paul Kaye (Juego de Tronos, No hables con extraños), EmmWiseman (Winchester: La casa que construyeron los espíritus), Nick Blood (Euphoria, Surveillance) y Allan Corduner (Resistencia, Las vidas posibles de Mr. Nobody), fue la encargada de clausurar la 33ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y llegará a los cines españoles el próximo 27 de enero de 2023 de la mano de Vértice 360.
Sinopsis oficial:
Desesperado por pagar sus deudas, un hombre intenta manipular a su padre para que venda el negocio familiar, una funeraria. Lo que no sabe es que, sin querer, ha liberado a un antiguo demonio que se apodera de las almas de los niños y que ahora tiene la mirada puesta en su esposa embarazada.
Shanghái, 1934. En un mundo de insectos paralelo al de los humanos, el veterano Inspector Sun, una araña solitaria, lidera su última misión contra su archienemigo Langosta Roja, antes de embarcarse en un merecido retiro. Sus vacaciones a bordo de un avión entre Shanghai y San Francisco acaban abruptamente cuando el millonario Dr. Spindlethorp aparece asesinado. Lo que comienza como un caso rutinario para Sun, decidirá finalmente el destino de la humanidad.
Crítica
Homenaje infantil al género de misterios criminales
Julio Soto Gurpide tiene una buena cantidad de trabajos en su haber, pero en lo que se refiere a animación solo ha estrenado ‘Deep’. Ha pasado de las profundidades del mar al mundo de los insectos. En concreto con ‘Detective Sun y la maldición de la viuda negra’ nos transporta a 1934. Ahí conocemos todo un mundo de bichos humanizados pero no antropomórficos porque realmente estamos en nuestra realidad pero la miramos con zoom, ahí nos topamos con una versión civilizada de los insectos.
Entre guiños a Spider-Man, Los 4 Fantásticos, Jepers Creepers y por supuesto a Agatha Christie seguimos una historia que bien podría ser un videojuego en formato aventura gráfica infantil, de hecho, Epic Games está involucrado en el proyecto. El inspector Sun es un detective consentido al ser el sobrino del jefe de policía. Porque en realidad su éxito reside en ser un suertudo ya que resuelve sus casos entre multitud de pifias propiciadas por sus siete patas de araña y su impetuoso afán por resolver crímenes. Por la época y la personalidad del protagonista es una especie de Hercules Poirot arácnido que se topa con misterios allá donde va. Y sigue además el mismo esquema: entorno de lujo, presentación de muchos personajes, sorpresa con un crimen, pesquisas y reunión de todos los implicados en una sala para reconstruir los hechos. La gran diferencia, salvando el hecho de que son bichos y que el tono es infantil, es que hay aventuras con persecuciones y tiroteos.
La acción del filme resulta demasiado entrecortada y lenta. Su comedia es marcadamente infantil y salvo algún que otro chiste todo se basa en la risa fácil o el humor físico. La calidad de la animación es mejorable pero tiene algunos entornos, luces o personajes muy bien trabajados. Quizá es porque estamos en un mundo repleto de artrópodos que me ha recordado mucho a ‘Bichos’, la calidad de la animación es muy similar.
El doblaje de la película es una de sus mejores bazas. El inspector Sun es un listillo presuntuoso que en versión en español nos habla con la voz de Fernando Cabrera, el actor de doblaje habitual de Jim Parsons (el Sheldon Cooper de ‘The Big Bang Theory’). No me parece mal esta modesta propuesta y espero que Cabrera encuentre aquí otro personaje al que volver con frecuencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2022. Título original: Inspector Sun y la maldición de la viuda negra. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Julio Soto Gurpide. Guion: Rocco Pucillo. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Ronny Chieng. Producción: The Thinklab Media, Gordon Box, 3Doubles Producciones, Kapers Animation, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial:https://www.kapersanimation.com/films/project-one-ejzk2
Paramount Pictures nos ha enviado el tráiler de ‘Scream VI’. La nueva entrega de la franquicia slasher llegará a cines el próximo 10 de marzo con un amplio reparto, en el cual hay muchas caras conocidas para los fans de la saga. La lista de nombres nos hace citar a Melissa Barrera, Jasmin Savoy Brown, Jack Champion, Henry Czerny, Mason Gooding, Liana Liberato, DermotMulroney, Devyn Nekoda, Jenna Ortega, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving con Hayden Panettiere y Courteney Cox.
Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett han dirigido esta nueva historia que han co-escrito James Vanderbilt y Guy Busick.
Sinopsis oficial:
Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
Junto con el anuncio del final de rodaje de la primera película rodada por Mario Casas en el papel de director nos ha llegado su fecha de estreno. Será el próximo 25 de agosto del 2023 cuando sólo en cines podrá verse ‘Mi soledad tiene alas’. El filme ha estado grabándose en sus últimos días en Madrid, después de 7 semanas rodando en diferentes localizaciones de Barcelona y Madrid.
Mario Casas da el salto a la dirección con su primera película ‘Mi soledad tiene alas’, protagonizada por su hermano Óscar Casas (‘Instinto’, ‘Jaguar’) en el papel de Dan, lo acompañan los debutantes Candela González y Farid Bechara.
El casting cuenta además, con numerosos actores no profesionales que por primera vez se ponen delante de una cámara así como nombres más veteranos, como Francisco Boira (‘La mala educación’) y Marta Bayarri (‘Félix’, ‘La riera’).
Mario Casas coescribe la historia junto a Deborah François, ambientada en los barrios donde pasó la infancia el propio director, donde un grupo de chavales que viven la vida al límite cuando algo se tuerce, tienen que huir del mundo que conocen.
‘Mi soledad tiene alas’ es una producción de Nostromo Pictures con la participación de Netflix y la ayuda del ICAA. La distribución corre a cargo de Warner Bros Pictures España.
Sinopsis oficial:
En un barrio humilde a las afueras de Barcelona, Dan (Óscar Casas) y sus dos amigos, Vio (Candela González) y Reno (Farid Bechara), viven sin pensar en el mañana, entre fiestas y dando palos a joyerías. Detrás de su apariencia de pequeño delincuente, Dan esconde un artista con talento, y una sensibilidad distinta al mundo que le rodea. La reaparición de su padre, tras salir de la cárcel, despierta los viejos demonios de Dan, sumergiéndolo en una espiral de violencia que le obliga a huir y pone a prueba la amistad entre los tres amigos. Empieza un viaje de descubrimiento sin retorno para Dan y Vio, donde tienen que dejar atrás los niños que fueron, cambiando sus vidas para siempre. ¿Podrán escapar de su destino por amor?
Melchor, Gaspar y Baltasar abren por primera vez las puertas de su palacio para el rodaje de un documental sobre su día a día mientras preparan la cabalgata de Reyes, no precisamente en su momento de máxima popularidad. Así arranca una aventura disparatada en la que estos tres personajes míticos se ponen en manos de su nueva mánager, Lola, para modernizar su leyenda con colaboradores tan variopintos como Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada o Rozalén.
Crítica
Así es “la office” de los Reyes Magos cuando hacen cosas en las sombras
Los norteamericanos hacen muchas veces mofa a raíz de su cultura, también juegan con ella y de paso nos la venden al resto del mundo. ¿Por qué no hacer esto nosotros? Es algo que le funcionó a ‘El Ministerio del Tiempo’ (que comparte productora con esta película), que recientemente me ha gustado que hiciese ‘Reyes contra santa’ y que Víctor García León hizo con ’Selfie’ o la serie ‘Vota/Venga/Vamos Juan’. Ahora con ‘Los Reyes Magos: la verdad’ el director se pone navideño para, en forma de falso documental, desentrañar los secretos y vida de aquellos que nos traen los regalos el 6 de enero.
Igual que en ‘Reyes contra Santa’ se detecta la inquietud o burla de alguien perteneciente a una generación que sabe que las costumbres de USA están apartando a las tradicionales españolas. La técnica está más próxima a la de ‘Selfie’ dando la impresión de que estamos tras las intrusas cámaras de unos reporteros, pero la acidez y la comedia es similar a la de la serie que protagoniza Javier Cámara. Los Reyes Magos fichan a una representante y esta nos hace de guía hablando a cámara mientras sus majestades intentan adaptarse y abrirse al siglo XXI. La sensación es que estamos ante una españolización de ‘The Office’ o de ‘Lo que hacemos en las sombras’, por lo menos bebe unas gotas de esas fuentes. Algunos personajes quieren aparentar patéticamente como Michael Scott y otros son tan socialmente incompetentes como Nandor, incluso está el paralelismo de “seres paranormales” y su ayudante.
En el reparto tenemos presente hasta al mismo director como director del propio documental que supuestamente se graba. Los Reyes Magos son Mauro Muñiz, JavierCarramiñana y Pedro Gutiérrez y la representante es Camila Viyuela. Ellos retratan esta versión de la trastienda (ya que se ha convertido en algo casi únicamente comercial) de nuestra Navidad. Pero a la vez perpetúan el leitmotiv de la obra de García León, que para mí no es otro que la farándula española. De ahí la inmensa cantidad de chistes y el carácter de los personajes con el que debemos asumir sentirnos reconocidos. Declaraciones inoportunas, momentos de vergüenza ajena, chistes desfasados… la parodia nacional vuelve casi como si volviésemos a cantar en aquel programa de Sardá y Constantino Romero. El director viste a los reyes de fantoche (como en ciertas cabalgatas madrileñas), les hace nadar, bailar, exponerse a las redes sociales… Rompe un mito con la rabia punk de un niño que acaba de enterarse de que los reyes no existen.
Siento repetirme, pero al igual que en las series de Gervais, Clement y Waititi tenemos famosos que edulcoran el metraje. Y no son pocos pues ‘Los Reyes Magos: la verdad’ cuenta con la aparición de Jordi Hurtado, Almudena Cid, Lorenzo Caprile, Rozalen, Esty Quesada… Es imposible odiarles de normal y mucho menos en esta película.
El broche, la guinda del pastel, el rizar el rizo… llamémoslo como queramos, es el hecho de que esta sea una película de Prime Video. Compramos y consumimos cada vez más y día a día crece la cuota de compras que se hacen vía online. No sé si ha sido Víctor García León quien ha querido constatar esta ironía estrenando en la plataforma de Amazon o si la división audiovisual de la compañía de Jeff Bezos en España ha abierto a propósito la puerta a este proyecto recurriendo a una ligera autocrítica. En cualquier caso, estamos ante una paradoja que se lee muy entre líneas y que se hace la mar de divertida. Los reyes son los padres y esta quizá no es la madre de las parodias, pero si es un cuñadismo bien recibido.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Los Reyes Magos: la verdad. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Víctor García León. Guion: Teresa Bellón, Daniel Castro, Víctor García León. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Eva Díaz Iglesias. Reparto principal: Camila Viyuela, Mauro Muñiz de Urquiza, Javier Carramiñana, Pedro Gutiérrez, Gorka Aguinagalde, Almar G. Sato, Paula Iwasaki, Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada, Rozalén. Producción: Onza Entertainment, Amazon Prime Video. Distribución: Prime Video. Género: comedia.
El actor de ‘Outlander’ acudido a un encuentro orquestado por Movistar Plus+
El actor Sam Heughan, conocido por sus papeles protagónicos en producciones como ‘Outlander’ o ‘Men in Kilts’ o secundario en ‘Bloodshot’ o ‘El espía que me plantó’, ha visitado la capital española. En un acto celebrado en el Palacio de la Prensa, presentado por Laia Portaceli y Gabri Calzado, tanto periodistas como fans hemos podido conocer mejor a este intérprete que volverá a estar presente en nuestras pantallas a través de Movistar Plus+ con la temporada 7 de ‘Outlander’, a estrenar durante este 2023 pues aún no ha finalizado su etapa de rodaje.
En un cine repleto de fans, muchas de ellas ataviadas con faldas estampadas con los clásicos motivos escoceses, anunció que está a punto de terminar el rodaje de la serie. Las fans eligieron previamente los mejores momentos de ‘Outlander’ y el actor los comentó tras rememorarlos en pantalla grande, no sin ello repetir a coro con las fans “James Alexander MacKenzie Malcolm Fraser”. Por supuesto era la escena de la boda, la cual, ha contado que le costó interpretar porque tenía al resto del reparto despistándole diciendo nombres de Transformes y otras cosas que no tenían nada que ver.
A punto está de llegar la segunda temporada de ‘Men in Kilts’ y Movistar Plus+ nos brindó un repaso en forma de vídeo tras las cámaras con Sam Heughan y Graham McTavish juntos en la carretera. “Graham es un gruñón y también es muy buen actor porque hace papeles de tío duro y luego es un cagueta, lo ha pasado mal con lo que le hemos hecho pasar en el rodaje de la segunda temporada. Pero es un buen amigo mío y lo hemos pasado muy bien”.
Hemos podido saber que va a recibir el Premio de Esquire en una edición en la que también se va a premiar a Rafa Nadal. “Es un gran honor recibir este premio otorgado a otros deportistas o actores que me moriría por conocer en persona. Es una publicación mítica y prestigiosa”.
Las heuligans (sus fans) quisieron saber en qué está inmerso actualmente este intérprete escocés. El actor comentó estar terminando los dieciséis episodios que quedan de ‘Outlander’ que “quizá se estrenarán en verano”. También está con una comedia romántica con Celine Dion, el debut en el cine de la mítica cantante.
El anuncio de ese rodaje no fue lo único que nos pilló por sorpresa. También estuvo presnte Juan Navarro Torelló, el actor que habitualmente dobla a Nick Frost y que es la voz de Jaime en español. Entre ellos y el presentador compitieron por pronunciar mejor la conocida y difícil palabra de ‘Outlander’, “Sassenach”, la cual es la manera de decir despectivamente algo así como gabacho o forastero por parte de los escoceses a los ingleses.
Sam Heughan no Habló de su libro, titulado ‘Clanlands: Whisky, Warfare, and a Scottish Adventure Like No Other’ y tampoco sobre si volverá a intentar postularse a ser James Bond. Pero al menos hubo un avance de la séptima temporada de ‘Outlander’ y se sortearon varios objetos firmados por él, entre ellos un display y la botella de agua de la que estuvo bebiendo durante la charla, de locos. Hablando de bebidas, el actor también tiene su propio whisky y un tequila. Las fans quisieron saber si habría también un vino con su sello. “Estamos trabajando en una ginebra escocesa. Ahora tendré el arduo trabajo de probarlas todas. Quien sabe, quizá en un futuro”, bromeó.
El mundo es un lugar misterioso, sobre todo visto a través de los ojos de un animal. En su camino EO, un asno gris de ojos melancólicos, se topa con buena gente y otra no tan buena, conoce la alegría y la pena, y la rueda de la fortuna transforma, según el momento, su buena suerte en desastre, y su desdicha en felicidad inesperada. Pero nunca, en ningún momento, perderá la inocencia.
Crítica
En este road trip a cuatro patas vemos como a ojos de un asno podemos ser humanos o animales
El jurado de Cannes escogió de entre todas las películas presentadas a Sección Oficial a ‘Eo’ como su preferida. Algo tenía que tener este largometraje cuando se la ha incluido en el mismo saco que a ‘Langosta’, ‘Crash’ o ‘Los miserables’. El filme de Jerzy Skolimowski pasó cosechando más éxitos por la SEMINCI y aspira a los Premios del Cine Europeo y a representar a Polonia en los Oscar.
“Qué nobles son los burros” decía un buen amigo mío refiriéndose a los borricos, asnos y mulas, quizá también a algún que otro respetable zoquete que nos rodeaba en aquellos años de carrera universitaria. La lealtad, mezquindad y brutalidad que rodea a los burros (y a nosotros) está omnipresente en ‘Eo’. En su candidez e inocencia este asno se topa con el ser humano, con todo lo que ello conlleva, es decir, descubre la mayor de las bondades pero también la peor de las crueldades. Puede recibir las caricias de su compañera de show y seguidamente los latigazos del dueño del carro del que ha de tirar.
Eo es liberado de un circo y empieza con ello un road trip que le llevará de Polonia a Italia. ‘Eo’ es un camino de ternura, tristeza y descubrimiento. Sobre todo de mirara melancólica, curiosa e incluso soñadora. Consigue sacarnos más de una sonrisa, pero a los más amantes de los animales es capaz de producirles congoja, porque está llena de todas aquellas brutalidades que como especie acostumbramos a pasar por alto. Todo ello lo vemos en 4:3 y con unas imágenes cuidadas, al nivel de un documental de National Geographic. Es en resumidas cuentas es un retrato de la humanidad, en sus mejores y peores caras, con una evidente carencia de diálogos y una buena banda sonora a base de cuerda que los suple. El director sabe narrar muy bien con gestos, miradas, sonidos y elipsis.
Este intrépido animal se cruza en su camino con personajes interpretados por la como siempre enfermiza Isabelle Huppert (‘Elle’), Sandra Dryzmalska (‘Sole’) y Lorenzo Zurzolo (‘Morrison’). Skolimowski, que goza de buena reputación a nivel europeo, ha basado esta última propuesta en ‘Al azar, Baltasar’ de Robert Bresson. Hace tiempo que dejé de ir a zoos y a circos precisamente por lo que defiende esta película. Los animales somos aquellos que enjaulamos a otros animales solo por diversión, recreo u ocio. Tristemente a veces hay que decir que no merecemos la lealtad de nuestras mascotas.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: EO. Duración: 86 min. País: Polonia. Dirección: Jerzy Skolimowski. Guion: Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Michal Dymek. Reparto principal: Sandra Drzymalska, Lorenzo Zurzolo, Mateusz Kosciukiewicz, Isabelle Huppert, Tomasz Organek, Saverio Fabbri. Producción: Skopia Film, Alia Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://filmygo.pl/filmy/io/
Ramona acaba de llegar a vivir a Madrid con su novio, Nico, y quiere empezar de cero: quiere ser actriz, quiere ser madre, quiere vivir en Lavapiés. Pero no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada.
Crítica
Podría servir como lanzadera de talentos, pero no pasa de la anécdota de ser un primer trabajo en largo
Comenzamos la película de Andrea Bagney y la música, la imagen, la composición de planos, los títulos de crédito… nos dicen que lo de ‘Ramona’ va a ser un paseo por Madrid al más puro estilo clásico. El barrio de Lavapiés, refugio de inmigrantes y centro de la gentrificación, parece retroceder a la época del blanco y negro, al Madrid exento de prisas y ruidos. Las callejuelas y pasajes que recorre la protagonista interpretada por Lourdes Hernández (Russian Red) recuerdan a las del cine de Berlanga, Lazaga o Palacios. Lugares a los que el blanco y negro convierte en espacios cerrados y sombríos, pero no por ellos exentos de vida. Sin embargo, a ojos de Ramona, este callejero es un lugar que temer. Temer por integridad física y por tener tanto que hacer que al final no hace nada.
Ona (Ramona) es una joven española que se ha criado en Reino Unido. Regresa en busca de sus raíces como si estas fuesen un ancla capaz de dar sentido a la deriva de su vida. El existencialismo intensito de los jovenes del siglo XXI domina el filme. Es por eso que el charloteo de la película está dominado por reflexiones sobre la crisis laboral, amorosa… Veo que el sentir general por esta película es positivo, pero los actores están dirigidos de tal manera que no me han resultado naturales y quizá por ello me he aburrido durante casi todo el metraje. Un aburrimiento no provocado por el ritmo del filme sino por su contenido.
‘Ramona’ es un retrato o entrevista a un personaje que tiene un fondo que se percibe más mediocre de lo pretendido. Es como si se hubiese buscado una especie de ‘Amelie’ pero no se ha logrado ni el mismo carisma, ni la misma peculiaridad y por supuesto ni de lejos la misma naturalidad. No percibo en el filme ningún intento por empatizar con la protagonista y aunque el texto se centre en dilemas vitales, raspa tanto de manera superficial que tampoco consigue ser un retrato generacional. Incluso se pierde retrato actual de la capital ya que los interiores ganan presencia y se acotan a una tribu urbana o círculo demasiado cerrado.
Falta profundidad en los personajes, falta mejor mano en la dirección y falta incluso más constancia en la buena elección de planos. Como lanzadera de sus incipientes talentos me parece una buena obra que bien podría haber sido simplemente un cortometraje. Eso si, la última estampa del filme, muy parecida a las de ‘Amelie’, estupenda.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Ramona. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Andrea Bagney. Guion: Pol Orpinell (B&W). Fotografía: Pol Orpinell. Reparto principal: Lourdes Hernández, Bruno Lastra, Francesco Carril. Producción: Tortilla Films. Distribución: Filmin. Género: romance, drama. Web oficial:https://www.instagram.com/tortilla_films
En palabras de Carlos Vermut, «’Mantícora’ habla de un monstruo real, de los que viven entre nosotros y que te puedes encontrar en el metro o en la cola de la panadería. Habla de la necesidad de amar y ser amado»
Crítica
Un torrente de emociones y pulsiones oscuras excesivamente abstraído
Siempre que he coincidido en una rueda de prensa o festival con Carlos Vermut, este me ha demostrado ser una persona imposible de escudriñar, impasible e inmutable. Si hay algo que le da valor o mérito a un director, a un actor, a un artista… es crear una obra que sea ajena a su personalidad. Vermut siempre deja la huella de su flema, se la contagia a sus actores y eso dice mucho de él como autor, pero con todo y con eso es capaz de encontrar en sus películas el medio para plasmar torrentes de emociones y pulsiones. Ya lo hizo con ‘Magical girl’ o con ‘Quién te cantará’ y repite la jugada con ‘Mantícora’.
La campaña publicitaria y el secretismo mantenido hasta que ha llegado su estreno no ha podido ser de lo más críptico. En mi opinión debería haberse mantenido el teaser póster que he colocado en mi crítica pues es mucho mejor gancho que el convencional cartel que han decidido publicar como póster final. Como veis, una mantícora dibujada de una sencillísima forma dominaba ese cartel. La mantícora, parte león, parte escorpión, a veces con alas y siempre dotada de dardos venenosos. Símbolo a veces del mal y otras de las envidias. Bien es cierto que tiene su significado para con el devenir de la película, pero tras verla y observar qué es lo que ocupa casi toda la atención puedo entender la razón del cambio.
Casi todo el filme se centra en esbozar una relación de pareja, distrayéndonos de la construcción del personaje principal. Mantícora habla mucho de monstruos, sobre todo de aquellos que llevamos dentro o se ocultan a plena luz del día. En ese sentido hay dos únicas escenas, una de ellas un escalofriante plano secuencia al final, que si se centran en el tema. Pero el resto del filme está casi totalmente abstraído de ese laso oscuro que siempre está presente en el cine de Vermut.
No voy a contaros nada específico del argumento. Pero de nuevo incluye elementos muy modernos, de vanguardia o última generación. Ya nos hizo pasar por el mundo de la canción o del cosplay y ahora la trama la protagoniza un modelador de personajes de videojuego. Y está muy de actualidad por la profesión que ejerce ese personaje interpretado por Nacho Sánchez, pero también por la delicadísima temática que trata. El tratamiento es exquisito, pulcro y sutil. Quizá es por eso que termina siendo excesivamente disperso.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: Mantícora. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Carlos Vermut. Guion: Carlos Vermut. Fotografía: Alana Mejía González. Reparto principal: Nacho Sánchez, Zoe Stein, Angela Boix. Producción: Aquí y Allí Films, BTeam Prods y Punto Nemo AIE, ICAA, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, RTVE, TV3, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/manticora/
En el desierto de Laponia, un soldado retirado descubre oro. Ahora intenta traer su botín a la ciudad y debe enfrentarse a un grupo de soldados nazis que harán todo lo posible para truncar sus planes.
Crítica
Brutal y majadero western finlandés
Sisu no es el nombre del protagonista de este filme bélico de acción con tintes de western que está interpretado por Jorma Tommila. Sisu es un término finlandés que define un concepto un tanto ambiguo. Se utiliza para definir ese coraje, ese extra, esa fuerza de voluntad, determinación o estoicismo que alguien saca de sus adentros para llegar a lograr su cometido. A todo el mundo que le he explicado esta definición me ha acabado diciendo (y con razón) “¡es el fua!”, haciendo alusión al famoso freak borracho de internet.
Nos podemos tomar a broma esta película ya que es de lo más fantasiosa. No es de extrañar que fuese la más premiada en Sitges 2022. Es imaginativa, apoteósica y desmelenada, hizo que nos pusiésemos de pie entre risas y vítores en varias ocasiones. Por un lado está totalmente carente de mensaje y por otro dispone una acción sin límites, hasta llegar a puntos del tipo ‘Fast & Furious’ o ‘Misión: Imposible’. El autor es Jalmari Helander y por eso podemos decir que comparte productora y director con ‘Big game (Caza mayor)’, la película que metía a Samuel L. Jackson en la piel del presidente de Estados Unidos, quien tras estrellarse con el Air Force One en un bosque tenía que ir de la mano de un niño para intentar sobrevivir. Igual de majadera es ‘Sisu’.
En ella conocemos a Korpi, un finlandés que se ha partido los lomos para encontrar el oro que resolverá su vida y le dará el tan deseado descanso del guerrero. Pero todo se ve trastocado pues estamos plena II Guerra Mundial y se cruza con un escuadrón nazi, el cual, está arrasando con todo aplicando la política de tierra quemada. Empieza así un enfrentamiento, una persecución que tiene un toque a lo ‘Mad Max: Fury Road’ pues el héroe huye por tierras baldías, perseguido por carros de combate mientras va liquidando a sus enemigos, quienes tienen presas a unas mujeres que terminan siendo de armas tomar.
La fotografía, los prostéticos, el vestuario, los accesorios, los efectos especiales… No se cuánto presupuesto tiene el filme pero está bien aprovechado. El acabado es de superproducción y la elección de planos es para recordar. Sobre todo cuando esas tomas logran emular los de míticas películas o consiguen que la sangre nos sorprenda y casi nos salpique.
Implacable, inagotable, despiadado… La perseverancia y resistencia de este protagonista parece de risa pero no olvidemos los muchos tiros que reciben los Rambo, McClane y compañía y aún así siguen aniquilando rivales. Los muchos estallidos de violencia gráfica son apoteósicos, solo disfrutables por quienes aprecian el cine violento sin excusas o han entrado a la sala sabiendo que van a ver algo que se basa en una agresividad cómica, solo propia del humor negro. Eso sí, este personaje carece de frases lapidarias ya que no dice ni mu en toda la película, salvo justo antes de los créditos.
Si miramos ‘Sisu’ desde el punto de vista de los nazis nos damos cuenta de que esto es como un slasher en el que los muertos caen a merced de un asesino inmortal. Hasta te llegan a dar pena los soldados alemanes que se van incorporando al body count. Y es que como dijo Helander cuando presentó la película en Sitges “no jodas a un Finlandés”.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Sisu. Duración: 91 min. País: Finlandia. Dirección: Jalmari Helander. Guion: Jalmari Helander. Música: Juri Seppä, Tuomas Wäinölä. Fotografía: Kjell Lagerroos. Reparto principal: Jorma Tommila, Aksel Hennie, Jack Doolan, Onni Tommila, Mimosa Willamo. Producción: Subzero Film Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, western, bélico.
Un sicario de la mafia de Miami (Antonio Banderas) deberá sacrificarlo todo para salvar a una joven que se ha juntado con quién no debía: la jefa de la organización criminal para la que él trabaja, una femme fatale involucrada en el turbio mundo del cibersexo. El protagonista se verá obligado a tirar de contactos, y otros recursos menos ortodoxos, para salvar a la chica y resolver sus problemas.
Crítica
Un protector cliché y excesivamente sobreprotector
Los últimos coletazos del año nos suelen traer películas en plena carrera por Oscars, Goyas y demás premios cada vez más devaluados por la opinión pública. Pero también modestas películas de acción. El nuevo título de la experta en el género, Millennium Media se llama ‘El protector’, cuidado con confundirla con la película de Jackie Chan, ni con la de Tony Jaa, ni con la de Liam Neeson, ni con Torrente 3… Esta está sacada de la obra de Peter Iliff, quien firma también el guión de la película.
El primer largometraje de Richard Hughes nos trae, tras ‘Code Name Banshee’, de vuelta a Antonio Banderas como protagonista en una película estadounidense. Aunque ‘El protector’ es una coproducción búlgara y el protagonismo se reparte con otro debutante, Mojean Aria. Ese co-protagonismo es lo que precisamente degrada la película pues Aria, a quien habréis visto en ‘Reminiscence’ o ‘See’, está muy verde, por pulir y no da la talla para el papel de matón callejero que encarna.
Quien si ejerce bien de villano es Banderas. En esta película interpreta a un asesino, de esos que tiene un código, un límite en su horizonte plagado de muertes y ajustes de cuentas. Banderas hace tiempo que hizo las américas, pero parece que ha encontrado una manera de mantenerse vivo al otro lado del charco encarnando a los malos del filme, aunque en el caso de ‘El protector’ se trate de un antihéroe. Lo hizo hace poco en ‘Uncharted’ o ‘El otro guardaespaldas 2’ y puede que haga más de lo mismo en la nueva entrega de ‘Indiana Jones’. Junto a la fotografía, el carácter de este personaje, que busca de un modo un tanto a lo León la redención, es lo único que funciona.
Sin que se perciban intenciones machistas en la película sí que es cierto que se reboza por enésima vez lo tóxico y excesivamente paternalista o innecesariamente protector que es muchas veces el héroe de las películas. Los clichés afloran por doquier. La novia striper con ganas de escapar, el afroamericano fumeta y gangsta interpretado por un rapero, la exmujer que se apropia de la hija alejándola del padre expresidiario… Parece una partida al GTA que además jugamos de tranqui, sin que tenga en su primer acto un rumbo definido. Al final lo único curioso que vemos es una foto que parece haber brindado el propio Banderas de cuando una de sus hijas era solo un bebé.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: The enforcer. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Hughes. Guion: Peter Iliff. Música: Giorgio Giampà. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Antonio Banderas, Kate Bosworth, Mojean Aria, Zolee Griggs, Alexis Ren, 2 Chainz, Natalie Burn, Mark Rhino Smith, Luke Bouchier. Producción: Born to Burn Films, Millennium Media, Nu Boyana Film Studios. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, suspense. Web oficial:https://theenforcermovie.com/
El 30 de junio es la fecha prevista para el estreno de la quinta película de Indiana Jones y ya tenemos el primer tráiler de la cinta dirigida por James Mangold (‘Logan’).
El tráiler ha sido presentado en la feria brasileña CCXP, en el panel de Disney. De momento las primeras imágenes de ‘Indiana Jones and the Dial of Destiny’ nos muestran mucha acción y una visión general de lo que vamos a poder ver.
De momento a la espera de más información, os dejamos el tráiler en su versión doblada y el primer cartel de la película.
En el tráiler ya vemos, por supuesto, a nuestro héroe interpretado por HarrisonFord, al que acompañan actores como el gran Mads Mikkelsen, Phoebe Waller-Bridge, Boyd Holbrook, Antonio Banderas, Toby Jones o John Rhys-Davies, que vuelve a dar vida a Sallah.
Tendremos que esperar para poder ver más imágenes y por supuesto para poder ver la película hasta junio de 2023.
El día de Nochebuena, un grupo de mercenarios se cuela en la propiedad de una familia adinerada secuestrando a todos los miembros. Pero no cuentan con que les hará frente el oponente menos esperado: Santa Claus (David Harbour, Viuda negra, la serie “Stranger Things”) que pasaba por ahí y está a punto de demostrar que de santo no tiene nada.
Crítica
La película navideña del año tiene muchas galletas y mala leche
Creo que soy una de las personas menos objetivas con este tipo de películas. Adoro las cintas de Navidad y si sale Santa Claus, no puedo negar que me gustan muchísimo más. Y que deciros, ‘Nochede paz’ es una auténtica locura, llena de buenas muertes, un Santa Claus cansado de todo y sobre todo, muchos adornos navideños.
Tommy Wirkola dirige esta comedia, acostumbrado ya a darnos buenas dosis de sangre y risas, el director logra darnos una historia mágica para adultos. Aunque es cierto que tampoco soy terriblemente fan de todas sus películas, ‘Zombies Nazis’, ‘7 hermanas’ o ‘El viaje’ aquí logra una gran película de acción.
‘Noche de paz’ comienza con Santa Claus bastante cansado de su trabajo. Algo que le debería de encantar, hacer feliz una noche a todos los niños y niñas del mundo, se ha convertido en algo tedioso. La falta de fe de los infantes, el solo pedir dinero y videojuegos, le crea una tremenda decepción. Durante esa noche, cae en una mansión en la que unos secuestradores pretenden acabar con la Navidad de una de las familias más ricas del mundo, pero ahí está el para lograr cumplir el deseo de Tracy, la niña de la familia.
David Harbour crea un personaje que da verdadera ternura pese a su adicción al alcohol, sus malas palabras y su terrible humor. Al final es un señor cansado de ver como la humanidad ha perdido justo esa fe e inocencia que tanto necesitan. El consumismo le pone enfermo. El actor, con su enorme físico, logra convencernos perfectamente que estamos ante el gran San Nicolás. Nos cuentan varias de las leyendas que hay sobre este personaje y además nos le muestra como un gran guerrero.
En el reparto encontramos a John Leguizamo, al cual es un gusto ver en pantalla, como siempre logra ponernos los pelos de punta cuando se pone en su lado malo. También tenemos a Alex Hassell, al que hemos visto hace poco en la serie de ‘Cowboy Bebop’ y a Alexis Louder, que ya os hablamos de ella en ‘Juego de asesinos’ y la verdad vuelve a darnos un gran papel.
Como he comentado, la película tiene mucha acción, bastante bien rodada, las escenas son de noche, al ser Navidad y la iluminación es bastante buena. Al igual que las coreografías de las diferentes luchas, en las que vemos como los adornos navideños pueden sernos muy útiles para poder defender nuestra casa. Si que es cierto que ya lo pudimos ver en ‘Solo en casa’, curiosamente película que homenajean descaradamente en ‘Noche de paz’ llegando a mencionarla varias veces. Por supuesto además de homenajear también a ‘Jungla de Cristal’.
Si que quizás el fallo que le hecho a la cinta sea su música. No me termina de cuajar, es bastante “feliz”, se que es una historia de Navidad, que los villancicos está bien escucharlos mientras ves alguna cabeza reventar, es gracioso, pero si que es cierto que introducen sonidos y música de campanas en momentos que quizás no sean tan divertidos y necesitemos otro tipo de música. Pero como digo, al menos es lo que me ha chirriado a mí.
‘Noche de paz’ termina siendo un gran entretenimiento para disfrutar sin hijos. Porque la verdad que las escenas son bastante fuertes y aunque es muy divertida, creo que no es una película para todos los públicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de diciembre de 2022. Título original: Violent Night. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Dirección: Tommy Wirkola. Guión: Pat Casey y Josh Miller. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Matthew Weston. Reparto principal: David Harbour, John Leguizamo, Cam Gigandet, Alex Hassell, Alexis Louder, Edi Patterson, Beverly D’Angelo. Producción: 87North. Distribución: Universal Pictures. Género: Comedia, thriller. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/noche-de-paz
‘Oso vicioso’ nos trae el último papel protagonista de Ray Liotta
Por fin nos dejan ver las primeras imágenes de esta película tan esperada. Con una sinopsis bastante loca, ‘Oso vicioso’ nos lleva a un bosque en el que un oso ingiere una gran cantidad de cocaína y comienza una búsqueda de más polvo y sangre.
El 5 de abril llega a nuestras pantallas la última película protagonizada por Ray Liotta. Dirigida por Elizabeth Banks y en la que comparte escenas con Keri Russell, O’Shea Jackson Jr, Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Brooklynn Prince, Isiah Whitlock, entre muchos otros.
‘Oso vicioso’ está inspirada en una historia real. En 1985 un avión tuvo un accidente e hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro.
Sin mas tardanza os dejamos el cartel de la cinta y por supuesto el tráiler.
Sinopsis:
OSO VICIOSO está inspirada en la historia real del accidente de avión que en 1985 hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro. Este salvaje comedia reúne en un bosque de Georgia a un curioso grupo de policías, delincuentes, turistas y adolescentes que se encontrarán con un super depredador de 230 kilos que ha tragado una enorme cantidad de cocaína y que se haya en un frenesí destructivo en busca de más polvo… y mucha sangre.
Vértigo Films estrenará en España, el próximo 9 de diciembre, ‘Nostalgia’. Se trata de la última película del italiano Mario Martone (‘Noi credevamo’, ‘Aquí me río yo’). Aparte de su participación en el Festival de Cannes a Sección Oficial, ‘Nostalgia’ ha sido elegida para representar a Italia en la próxima edición de los Oscar.
Basada en el libro del mismo nombre del escritor Ermanno Rea, ‘Nostalgia’ cuenta con una magnífica interpretación de Pierfrancesco Favino, uno de los mejores actores italianos desde hace años. Favino es célebre por sus papeles en ‘Roma criminal,’ ‘Nuestros mejores años’, ‘El Traidor’ también ha participado en muchos otros títulos internacionales como ‘Ángeles y Demonios’, ‘Rush’, ‘Guerra Mundial Z’, las dos temporadas de ‘Marco Polo’ de Netflix o ‘Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’, entre otras producciones. Por su papel en ‘Nostalgia’, Pierfrancesco Favino ha sido nominado como Mejor Actor en los European Film Awards.
En el caso de Mario Martone, entre su amplia filmografía como realizador (aparte de haber dirigido multitud de obras teatrales), se encuentran títulos como ‘Muerte de un matemático napolitano’, premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Entre sus títulos más reconocidos a nivel internacional destacan ‘El amor molesto’, ‘Noi credevamo’, ‘El alcalde de Rione Sanità’, ‘Aquí me río yo’, etc…
Por último, ‘Nostalgia’ pudo verse en la Mostra de Valencia (donde ganó el premio a mejor fotografía) y pasará por el Festival de Cine Italiano de Madrid.
Sobre las conexiones entre la poesía improvisada, el repentismo cubano, el Freestyle y el rap
El documental ‘Controverso’ se estrenará en Madrid el próximo viernes 2 de diciembre en Cineteca (Sala Plató, 21:00). Un pase muy especial al que asistirán el equipo de la película y figuras del trovo y del rap para apoyar el estreno de la película. La película contará, además, con dos pases más en Cineteca, el domingo 3 de diciembre (20:00) y el miércoles 7 de diciembre (19:30).
‘Controverso’ es un proyecto personal de Nuria Vargas Rivas, que tras 10 años de dedicación a sacar adelante la película, presenta un documental que tiende puentes entre La Alpujarra, las calles de La Habana y el campo cubano para explorar las raíces y las conexiones entre la poesía improvisada, el repentismo cubano, el Freestyle y el rap.
En la película participan los freestylers campeones del mundo Chuty, Invert y Skone, el escritor Alexis Díaz Pimienta, los repentistas cubanos Luis Paz Papillo, Tomasita Quiala, ErnesticoRamírez, Orismay Hernández, y los troveros Sotillo, Barranquito, El Sevilla y Morón, entre otras figuras de la improvisación.
‘Controverso’ ha sido rodada entre Cuba y España, con localizaciones en Granada, Almería o las sedes de los festivales de música tradicional organizados por la Asociación Abuxarra. El documental también recoge eventos con trovo en vivo celebrados en Las Norias de Daza (El Ejido) y en Roquetas, como el III Festival Internacional Miguel Candiota.
Una producción que ha contado con el reconocimiento y el apoyo del Centro UNESCO de Andalucía y la calificación por parte del ICAA como película «Apta para todos los públicos, especialmente recomendada para el fomento de la igualdad de género».
Estrenado en el pasado Festival de Cine de Málaga, el documental arranca su trayectoria por festivales y tendrá su estreno en salas de cine el próximo viernes 2 de diciembre.
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