Etiqueta: Estreno

Crítica: ‘Dos’

Sinopsis

Clic para mostrar

David y Sara se despiertan pegados por el abdomen, desnudos. Están en un lugar misterioso. No recuerdan cómo han llegado hasta esa habitación. David sugiere la posibilidad de que hayan sido drogados y secuestrados. Ambos deben confiar en el otro para desvelar el misterio, pero Sara sospecha de David.

Mientras intentan atar cabos, descubren que estar pegados dificulta en extremo hasta las actividades más mundanas, además de hacer que aflore una inevitable atracción mutua a pesar de las circunstancias. Ambos se ven obligados a compartir con un desconocido sus secretos más íntimos y vergonzosos para poder descifrar el misterio.

Crítica

Esto sí que es compartir protagonismo

Dos personas se despiertan juntas en una cama, desnudas, en una habitación que no conocen y sin conocerse el uno al otro. Se intentan levantar y descubren que están unidos, cosidos. La idea resulta un tanto repulsiva y encima la asquerosa sutura se muestra, muy gráficamente además. No os preocupéis que esta no es una película del estilo del ‘The Human Centipede’, aunque muestra sin corte alguno, ni para ir al baño, todo lo que les va tocando hacer. Si acaso, si se parece a alguna otra película, es a ‘Saw’.

Al igual que en una de las trampas de Jigsaw los protagonistas han sido llevados contra su voluntad a una sala cerrada donde con solo algunas pistas deben adivinar qué les sucede y por qué están ahí. Habiendo aparecido unidos se ven obligados a entenderse y a analizar la situación y su entorno cuando lo que más les preocupa es su propio cuerpo, todo un reto. Entre los detalles del cuarto y las cosas que van descubriendo el uno del otro surgen las susceptibilidades, siendo la más persistente la teoría malsana y cansina de mostrar al hombre como un violador.

Esta es una película de Mar Targarona, la cual, suele indagar en los miedos y miserias humanas. Ya lo hizo con producciones como ‘El orfanato’, ‘Secuestro’ o ‘El cuerpo’ e incluso dirigiendo también ‘El fotógrafo de Mauthausen’. A esta trayectoria de películas dramáticas y también con tintes de terror hemos de sumar que Mike Hostench firma el guión junto a otras dos personas. Conocemos a Hostench por su trabajo como subdirector del Festival de Sitges, a si es que conociendo este dato ya os podemos adelantar que la película tiene un carácter fantástico indudable. Fantástico pero sabiendo lo demente que está nuestra sociedad es una idea que bien podría suceder. Me viene a la mente la noticia de aquel austriaco que encerró a su hija en casa durante 24 años, la violó y tuvo hasta siete hijos con ella. Si esta película os parece surrealista acercaos a las páginas de sucesos.

Obviamente quienes merecen elogios por ‘Dos’ son los protagonistas interpretados por Pablo Derqui y Marina Gatell. Esto sí que es compartir protagonismo. Aguantan todo el filme actuando pegados. Y si bien es cierto que a veces ella peca de exagerada y él de no tener racor emocional ambos ejecutan un siniestro baile que merece aplausos. Si una escena de sexo se os antoja comprometedora imaginad pasar los setenta minutos de fimle pegado a otro cuerpo desnudo. Muy profesionales, sobre todo si tenemos en cuenta que habrá habido repetición de tomas y con ello más tiempo de trabajo pegados.

El tiempo es otra virtud de este filme. Es una película corta, de unos setenta minutos. Se perciben algunas tomas un poco alargadas para llegar a ser largometraje y tal vez se podría haber incluido algún elemento que enriqueciese aún más la acción. Pero el filme opta por lo poético y lo cabalístico, sobre todo en su escena final y consigue sacar en poco espacio algo de poesía.

Los grabados de Goya de la serie de Los Caprichos y los pasajes de la Biblia nos dan unas pistas cruciales para saber que alguno de ellos esconde u ha olvidado algo. No obstante muy lumbreras hay que ser para atar cabos y romper la sorpresa final. La película mantiene el suspense y un pulso literal entre dos personajes que desde luego dejarán cicatriz.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Dos. Duración: 70 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Cuca Canals, Christian Molina, Mike Hostench. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Pablo Derqui, Marina Gatell, Esteban Galilea, Anna Chincho Serrano, Kandido Uranga. Producción: Rodar y Rodar Cine y Televisión, Stick Together A.I.E. Distribución: Filmax. Género: thriller. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/dos.227

Crítica: ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’

Sinopsis

Clic para mostrar

En 1666, Dena descubre la verdad sobre Sarah Fier. De nuevo en 1994, los amigos luchan por sus vidas… y por el futuro de Shadyside.

Crítica

Me quedo a vivir en La calle del terror… si me dejan o no me matan

Muy de vecinos, muy de familias, muy de convivencia. Así podríamos decir que se resume la triliogía. Una vez terminada de ver las tres obras puedo decir que de lo que trata es de convivir entre vecinos, entre distintas generaciones. Pero también abarca un discurso sobre la tolerancia y el rencor que tiene valor y se superpone a la carnicería que vemos durante toda la saga.

Podría decir aquello de… “ha merecido la pena la espera para esta tercera película” pero ¡han sido solo unas semanas! Vale que vivimos en la era de la inmediatez, pero ha sido tan rápido nuestro paso por esta Calle del terror que dan ganas de quedarse a vivir un tiempo más, si nos dejan o no nos degüellan antes. Y lo cierto es que entre visiones, enmascarados y escena post-créditos Netflix nos está anunciando que podría haber más episodios surgidos de estas novelas de R.L. Stine, pero tal y como concluye la historia está perfectamente bien cerrada. Muy bueno tiene que ser lo próximo que haga el director Leigh Janiak para superar a esto.

Además, debo admitir que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se cierra de un modo que yo no me esperaba. Tenía mi propia teoría a cerca de en qué consistía realmente la maldición de Shadyside y de cómo podría acabar pero me han sorprendido con la trama definitiva. Este nuevo filme, aunque se subtitule 1666, se divide en dos partes, una en 1666 para narrarnos todo lo ocurrido en los orígenes y otra en 1994, como era de esperar, para vivir el desenlace una vez que los jóvenes protagonistas han descubierto el pastel. Y como volemos a esa época tenemos música conocida como la de The Offspring, Pixies u Oasis.

Ya que es una tercera entrega me gustaría destacar tres escenas, todas ellas responsables de que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ tenga calificación R (al igual que la segunda parte). Me ha encantado el momento en el que nos explican el corte de mano de Sarah Fier, da grima y dolor de verlo. Es también macabra la escena en la capilla. Y por último es una gozada la pelea al pie del árbol de la ahorcada en el centro comercial, nos hace decir “¿y por qué no?”. Por cierto, que esta última me ha vuelto a recordar a ‘Las furias’.

Aunque este filme se mantiene dentro de los detalles clásicos de los slashers consigue diferenciarse, sobre todo con su primera mitad en el Estados Unidos colonial. Como imaginábamos cuando vimos la primera entrega la ciudad (por entonces conocida como Union) se convirtió en un Salem lleno de recelos, fanatismo, prejuicios y persecución. Allí de nuevo se confunde la habilidad con brujería, la chiquillería con satanismo. Se explica bien por qué los personajes están repetidos en el pasado, también por qué hay una maldición sobre Shadyside y por lo tanto por qué surgen asesinos. Me parece un final más que satisfactorio. Podéis ver las películas de manera independiente si queréis, pero no vais a disfrutar de igual manera de las sorpresas que tiene, además es un poco absurdo hacerlo así pues están todas en la misma plataforma, igual de accesibles.

Por pocos minutos esta es la más larga de las tres películas. Como en las otras sabemos de antemano que Fier perdió una mano y posteriormente fue ahorcada, pero antes hubo cosas que han tenido ecos en el futuro. Al igual que en la segunda entrega tenemos un detalle que sabemos por adelantado, pero con pormenores por averiguar, lo cual es harto interesante, hace que el espectador se preocupe por la construcción de la historia y no tanto por el final en sí. A parte de los brutales asesinatos eso es lo más atractivo de esta trilogía. Sobre todo porque todo encaja de un modo que nadie habíamos imaginado.

Antes de ver ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se me planteaba una pregunta: ¿se ha ganado Sara Fier un hueco en el hall de la fama del terror y veremos disfraces suyos en Halloween? El tiempo y las tiendas con el merchandising suele decidir eso, pero tampoco os lo puedo decir pues rompería una de las sorpresas.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: Fear Street 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Phil Graziadei, Leigh Janiak, Kate Trefry. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Kiana Madeira, Ashley Zukerman, Gillian Jacobs, Olivia Welch, Benjamin Flores Jr., Darrell Britt-Gibson, Sadie Sink, Emily Rudd, McCabe Slye, Julia Rehwald, Fred Hechinger, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment.  Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Flashback’

Sinopsis

Clic para mostrar

Fred (O’Brien) no es un detective, un agente secreto o un filósofo. Es un tío normal y corriente que se acerca a los 30 años y que atraviesa una crisis existencial ahora que se ve en el precipicio de la auténtica madurez. Se debate entre varias cuestiones: ¿Debería comprometerse con su novia de toda la vida? ¿Debería empezar a trabajar en una empresa para pagar las deudas y descartar sueño de convertirse en artista? ¿Debería pintar las paredes de su nuevo piso de azul turquesa o azul celeste? Tras un encuentro accidental con un amigo de su juventud que había olvidado, Fred viaja de manera literal y filosófica al pasado. Poco a poco comienza a desentrañar un misterio oculto sobre una chica desaparecida, una droga llamada Mercurio y una terrorífica criatura que le ha perseguido hasta su madurez. A medida que pasado, presente y futuro comienzan a cruzarse entre sí, Fred comienza a explorar todas las posibles vidas que podría tener. ¿Cuál escogerá?

Crítica

Fobias y rabias generacionales en forma de flashes

Con el título y la sinopsis de la película esperaba una película de ciencia ficción de carácter independiente capaz de sorprenderme por sus argumentos. Ciertamente ‘Flashback’ tiene buena materia y nos deja un poso enriquecedor. Lo que no entiendo es por qué está categorizada como R por que no se percibe en ella ni violencia ni lenguaje explícito. Quizá es por las epilépticas imágenes que nos hacen ir de atrás adelante en la historia.

‘Flashback’ es un filme que nos hace dudar, que nos inquieta e intriga, que siembra en nosotros nostalgia y cuestiones. Constantemente recibimos como estímulo de entrada un bombardeo de imágenes que el protagonista también está percibiendo como algo desconcertante. Recuerdos del pasado, de su infancia, de su juventud… Tanto nosotros como el personaje interpretado por Dylan O’Brien percibimos una realidad alterada, ya sea por lagunas o por psicotrópicos. El filme juega con esa confusión para mantenernos en vilo y consigue resolverse sin dejar nada al azar.

Además de demostrar porque Canadá sigue siendo una punta de lanza para la ciencia ficción ‘Flashback’ se gana el apodo de generacional. Maneja una trama temporal que se asocia a teorías de universos múltiples, algo que los cineastas y científicos de hoy en día tienen muy presente. Tengo claro que nuestra generación filosofa a través del cine flirteando con la idea del multiverso, buscando evadirse a realidades alternativas que manifiesten mejor sus miedos o deseos. O simplemente en un intento de escapar de una realidad en la que te puedes jugar el futuro en cosa de una hora: en un examen de selectividad, una presentación de empresa, en una entrevista de trabajo… No nos gustan las elecciones que se nos dan o los procesos a los que nos someten.

Estos temores son aún más profundos o están más agravados en los protagonistas que parece que viven una especie de crisis de los cuarenta a los treinta e incluso a los dieciocho. Se sienten en una prisión que es fácil transmitir al espectador, la del sistema que tenemos, la de vivir una vida preestablecida y los grilletes de las rutinas. Todo el discurso de la película se resume a las opciones, a la libertad de tomar decisiones al no tener que vivir en un mundo donde solo progresas si escribes lo que quieren que escribas en una redacción o dices lo que quieren oír tus jefes.

Cada vez me gustan más los proyectos en los que se mete Dylan O’Brien. Si he dicho que ‘Flashback’ muestra inquietudes e influencias de nuestra generación podemos relacionar su carrera de un modo parecido. Está sabiendo unirse a proyectos capaces de sorprender a los de su quinta o algo mayores como ‘El corredor del laberinto’, ‘Marea negra’, ‘De amor y monstruos’ e incluso ha sido la voz de Bumblebee. Me gustan sus películas, su interpretación tampoco es que sea para Oscar, de hecho suele necesitar estar bien rodeado. En este caso más que el reparto le ayuda mucho el montaje de la película. Una edición que nos da momentazos, como la secuencia reveladora que sucede justo a la hora de película.

Esta es también la historia de los colocones de un artista reprimido. Un dibujante que además de tener sueños y pasiones sometidas, también reprime un recuerdo importante. Consigue ser con todo esto muy melancólica y a veces críptica. Pero es fácil de entender sin acabar rallado. Lo habría dejado cuando ella dice “a todas partes” pero hay algo más que descubrir a cerca de esta historia, por lo que merece la pena hacer flashback en nuestra cabeza tras verla y repasarla mentalmente.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: The Education of Fredrick Fitzell. Duración: 97 min. País: Canadá. Dirección: Christopher MacBride. Guion: Christopher MacBride. Música: Anthony Scott Burns, Pilotpriest. Fotografía: Brendan Steacy. Reparto principal: Dylan O’Brien, Maika Monroe, Amanda Brugel, Hannah Gross, Liisa Repo-Martell. Producción: Resolute Films and Entertainment, Addictive Pictures, Trinity Media Financing, Téléfilm Canada. Distribución: Filmin. Género: ciencia ficción, drama, supense. Web oficial: ver en Filmin.

‘Misterio en Saint Tropez’, Christian Clavier y Gérard Depardieu de nuevo en la misma película

Los guionistas de ‘Los visitantes’ estrenan en España el 23 de julio

El próximo día 23 de Julio, llega a los cines ‘Misterio en Saint Tropez’, la nueva película, escrita y dirigida por Nicolas Benamou, director de ‘Babysitting’ y ‘Babysitting 2’, ambas vistas por más de 3 millones de espectadores en Francia.

Interpretada por Christian Clavier (‘Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho?’, ‘Astérix’, ‘Los Visitantes’), Benoît Poelvoorde (‘Venecia no está en Italia’, ‘Tímidos Anónimos’, ‘Asterix’), Gérard Depardieu (‘Cirano de Bergerac’, ‘El Hombre de la Máscara de Hierro’, ‘Matrimonio de Conveniencia’), Thierry Lermitte (‘La Cena de los Idiotas’, ‘Crónicas Diplomáticas’), Virginie Hocq (‘El Gran Restaurante’) y con la colaboración de Rossy de Palma, Vincent Desagnat, Jérôme Commandeur y Elisa Bechir entre otros.

Escrita por los guionistas de las hilarantes ‘OSS 117’ (1&2) y ‘Los Visitantes’, el dúo formado por Jean François-Halin y Jean-Marie Poiré, la película, ambientada en los años 70 en la glamurosa Saint Tropez, rinde un claro homenaje a Blake Edwards y a sus clásicos ‘La Pantera Rosa’ y ‘El Guateque’.

‘Misterio en Saint Tropez’ reúne en la gran pantalla a los veteranos de la comedia Francesa como Clavier, Poelvoorde y Lermitte junto con las nuevas generaciones representadas por Commandeur y Desagnat.

Sinopsis oficial:

Cada verano, el multimillonario Tranchant y su esposa Eliane acogen al glamuroso mundo de los famosos en su lujosa mansión del sur de Francia. Cuando un criminal sabotaje de coches relacionado con cartas amenazantes causa estragos en la villa, Tranchant busca al mejor agente para la investigación. En medio de este caluroso verano, sólo está disponible el arrogante (y muy) incompetente agente Boullin…

Para atrapar al sospechoso y resolver el misterio, no tendrá más remedio que hacerse pasar por un mayordomo recién contratado y convertirá las vacaciones de todos en una divertidísima partida de «Cluedo».

Tráiler y primer póster de la segunda temporada de ‘Valeria’

El 13 de agosto en Netflix

Netflix ha presentado hoy el tráiler y el póster de la segunda temporada de ‘Valeria’ (crítica de la primera temporada aquí), que se estrenará el próximo 13 de agosto en todo el mundo.

«A veces se me olvida deciros que vosotras sois mi mejor historia de amor”. Así describe Valeria (Diana Gómez) la relación con sus inconfundibles amigas Lola (Silma López), Carmen (Paula Malia) y Nerea (Teresa Riott). Las cuatro tendrán que atravesar momentos cruciales en sus vidas, pero lo harán cómo lo han hecho siempre: juntas. Algunos de los problemas a los que tendrán que enfrentarse tendrán que ver con Víctor (Maxi Iglesias), el punto débil de Valeria, y Adrián (Ibrahim Al Shami), el que ha sido su marido hasta que Víctor apareció.

Amigas, historias, líos y mucho drama… pero muchas más risas. Tras un verano en el que Valeria no ha hecho más que huir de sus problemas, ahora toca enfrentarse a ellos y elegir entre aceptar publicar la novela que le ha costado su matrimonio bajo un pseudónimo o renunciar a que esta vea la luz y con ello su sueño de ser escritora. Todo esto mientras su vida sentimental también se tambalea. La segunda temporada de ‘Valeria’ estará cargada de historias de amor y amistad entre la protagonista y sus increíbles amigas.

Esta temporada está producida por Plano a Plano y cuenta con Elísabet Benavent, escritora de la saga literaria ‘Valeria’ publicada por Penguin Random House Grupo Editorial, como productora ejecutiva. Marina Pérez y Montaña Marchena escriben los guiones de esta temporada dirigida por Inma Torrente y Laura M. Campos.

 

Crítica: ‘Resident Evil: oscuridad infinita’

Episódica pero más que satisfactoria

‘Resident Evil: oscuridad infinita’ es un episodio más en la historia de la franquicia pero eso no le resta valor. Esta miniserie que puede verse desde el 8 de julio en Netflix viene a continuar la película ‘Resident Evil: Vendetta’ y por lo tanto es secuela directa también de los videojuegos.

Son 4 episodios de unos 26 minutos cada uno en los que la saga explora más allá de Racoon, Umbrella, S.T.A.R.S., Estados Unidos…, algo que se ha hecho antes pero que se hace de una manera más respetuosa con los videojuegos que las películas de Paul W.S. Anderson. Esta fidelidad es la que estamos esperando de la nueva película de acción real pero mientras aguardamos esa readaptación más fidedigna tenemos una aventura que sigue muy bien los pasos de los juegos.

Y sorprende que uno acabe la serie (que tiene un cierre conclusivo) y se quede con la impresión de haber jugado al juego tras analizar las etapas por las que pasa. Hay capítulos que se enmarcan en ubicaciones o situaciones atípicas para el videojuego de Capcom. ‘Resident Evil: oscuridad infinita’ empieza al más puro estilo ‘Black Hawk derribado’, para convertirse en ‘Objetivo: la Casa Blanca’, plantearse como una ‘Guerra mundial Z’ y transformarse en una contienda con un final boss (muy a lo Cosa del Pantano) que si bien se veía venir podría incorporarse fácilmente al próximo videojuego.

Si no has visto ‘Resident Evil: Vendetta’ no pasa nada porque coges rápido la historia que ha producido el mismísimo Hiroyuki Kobayashi y dirigido Eiichiro Hasumi quien ha elaborado el guión con Shogo Muto. Es una historia de viaje por el mundo, investigación y sobre todo acción en el que la trama no es compleja pero se encaja bien en las aventuras de Leon, Claire y los demás personajes relacionados con la guerra de Penamstan. Si eres muy seguidor de la saga te va a gustar, sobre todo porque podría considerarse canon.

Seguidor o no de la franquicia ‘Resident Evil: oscuridad infinita’ probablemente te guste, sobre todo si te gusta el género zombie y la acción. Sin necesidad de masificar sus escenas y de extenderse demasiado en metraje (podría verse como una película de dos horas) nos cuenta una historia donde las escenas de acción revelan un gran trabajo de animación. No es solo por el hecho de observar detalles en objetos o personajes, es también por el gran trabajo de iluminación y movimiento que se ha hecho. Hay escenas que se acercan a la fluidez y nitidez de grabaciones reales, momentos al más puro estilo cámara en mano (como la secuencia del submarino) que seguro que vais a gozar. Si habéis jugado a juegos de la saga o a otras obras que incluyen potentes cinemáticas entre pantalla y pantalla vais a tener la sensación de estar esperando a que os den la orden de coger el mando.

La trama tiene conspiraciones gubernamentales, investigaciones en China, un brote virulento, chips en armas biológicas… esto parece que lo ha escrito alguien de QAnon. Tal es así que llegamos a ver los cuadros de Washington salpicados de sangre. Me ha gustado este episodio que nos enlaza varios juegos y con lo que me quedo es con las ratas del submarino, aunque no me gustaría encontrármelas en mi próxima incursión zombie.

Crítica: ‘Amalia en el otoño’

Sinopsis

Clic para mostrar

Amalia, viuda desde hace ya 10 años. Acaba de cumplir 77 años y vive sola. Tiene dos hijos, Isabel y Juan, que vive en EStados Unidos. Isabel está preocupada por su madre, al no tener tiempo para ella y decide contra su voluntad internarla en una residencia. Amalia descubre con sorpresa que su vida en la residencia no es como ella pensaba que iba a transcurrir. Pasados unos días, Isabel vuelve a la residencia a ver a su madre.

Un tiempo después, el COVID-19 aparece en la vida de todos y vuelve a poner todas las cosas en su sitio.

Crítica

‘Amalia en el otoño’ es un homenaje a todos los inquilinos de las residencias

Este viernes, 16 de julio, llega a nuestras salas ‘Amalia en el otoño‘. Después de dirigir una serie de cortos centrados en la cuarentena, Anna Utrecht y Octavio Lasheras se han lanzado a dirigir ‘Amalia en el otoño‘. Un largo de 74 minutos en el que conocemos a Amalia, una mujer a la que su hija obliga a internarse en una residencia, al decidir ella irse a vivir fuera y no poder ocuparse de su madre.

Aquí no solo va a ver una visión bastante diferente de las residencias de la que tenía en su cabeza, sino que también conocerá gente en su misma situación, una mujer independiente que no le veía mucho interés en estar allí y otras muchas peores.

Es un retrato bastante amargo de las residencias. Creo que su intención es otra, pero al menos a mí me ha dejado bastante triste. Hijos que meten a sus padres en residencias por no poder o querer cuidar de ellos. Si, muchos les vuelven a visitar, pero otros directamente llevan años sin aparecer por allí por no tener tiempo. Si, cada uno tiene su historia, triste o algo más feliz, pero es un poco triste ver estas realidades.

‘Amalia en el otoño’  es un homenaje a todas esas residencias que lo han pasado tan mal durante la cuarentena. Esos dramas. Nos han querido mostrar que dentro de todo esos edificios habían personas felices que hacían escapadas para bailar y que charlaban como jóvenes de su vida y recuerdos. Además por supuesto de los trabajadores que día a día van a compartir sus vivencias con los residentes.

Pero no me ha terminado de funcionar. El sentimiento que deja es amargo y aunque la situación final es triste, no es ahí donde sientes tristeza, sino durante las conversaciones que escuchas de esta cuadrilla a la que se junta Amalia. Aparte de las vivencias de Amalia, vamos conociendo la situación de su hija y nieta.

En el tema actuaciones puedo decir que tenemos un elenco de lujo, María José Alonso, es la encargada de dar vida a Amalia. Y está muy bien acompañada por Manuel Zarzo y Máximo Valverde. Todos ellos correctos en su actuación. Sí que es cierto, que todas las actuaciones, son bastante teatrales. En el resto del reparto encontramos caras muy conocidas como Guillermo Montesinos, Saturnino García, Jesús Guzmán o Mariano Venancio.

Para terminar, comentar que la cinta ha sido rodada en Madrid, antes y después del confinamiento y ha sido galardonada por el Círculo de Escritores Cinematográficos con la Medalla a la Solidaridad.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: Amalia en el otoño. Duración: 74 min. País: España. Dirección: Octavio Lasheras y Anna Utrecht. Guión: Anna Utrecht y Octavio Lasheras. Música: Manolo Royo. Fotografía: Mario López, Octavio Lasheras. Reparto principal: María José Alfonso, Manolo Zarzo, Máximo Valverde, Jesús Guzmán, Guillermo Montesinos, Mariano Venancio, Silvia Casanova, María Gracia, Laura Ruiz, Pablo Castañón, Tony Antonio, Carlos Manuel Díaz, Coan Gómez, Mónica Gracia. Producción: Abanico Vision.  Género: Drama. Web oficial: http://www.visionmedia.es/produccion/

‘Un bocado exquisito’ con Nikolaj Coster-Waldau y Katrine Greis-Rosenthal

Tráiler y fecha de estreno

Desde Adso Films, nos informan que pronto tendremos en cines ‘Un bocado exquisito’, la película protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau y Katrine Greis-Rosenthal. En concreto la fecha de estreno que se ha fijado es el 20 18 de agosto de este 2021.

En los papeles de la ambiciosa e insaciable pareja Carsten y Maggi se encuentran dos de los actores más aclamados de Dinamarca: Nikolaj Coster-Waldau y Katrine Greis-Rosenthal. Coster-Waldau, mundialmente conocido por su papel de Jaime Lannister en la exitosa serie de HBO ‘Juego de Tronos’ (2011-2019), interpreta al apasionado chef Carsten. Greis-Rosenthal, quien fue premiada por su papel protagonista en ‘Pedro el afortunado’ de Bille August, interpreta a su socia comercial y esposa, Maggi.

Christoffer Boe es el director de ‘Un bocado exquisito’. El mismo de ‘Expediente 64: Los casos del departamento Q’. Al igual que en ese título coincide con la reputada productora danesa Louise Vesth (‘Melancholia’, ‘Un asunto real’, ‘Nymphomaniac’).

Sinopsis oficial:

Maggi y Carsten son una pareja referente en la escena gourmet danesa y dirigen el popular restaurante Malus en Copenhague. Se aman, tienen dos hijos maravillosos y todo cuanto desean. O casi. Les falta la codiciada Estrella Michelin por la que estarán dispuestos a sacrificar cualquier cosa con tal de cumplir su sueño.

En su continuo esfuerzo, pasión y búsqueda del máximo reconocimiento, olvidan que los bocados exquisitos de la vida se disfrutan mejor juntos.

Fecha de estreno de ‘Alerta Roja’ con Dwayne Johnson, Gal Gadot y Ryan Reynolds

12 de noviembre en Netflix

Hace pocos minutos que el propio Dwayne Johnson ha hecho pública en sus redes sociales la fecha de estreno mundial de ‘Alerta roja’, que llegará a Netflix el próximo 12 de noviembre. Se trata de una trepidante película de robos repleta de acción, encabezada por el estelar trío formado por Dwayne Johnson (‘Jumanji: siguiente nivel’), Gal Gadot (‘Wonder Woman 1984’) y Ryan Reynolds (‘El otro guardaespaldas 2’). La cinta está escrita y dirigida por Rawson Marshall Thruber, habitual director de películas de «La Roca» como ‘El Rascacielos’ o ‘Un espía y medio’.

Sinopsis oficial:

Cuando la Interpol envía una «Alerta roja», significa que los departamentos de Policía de todo el mundo deben estar alerta para capturar a los criminales más buscados. Todas las alarmas saltan cuando un temerario robo une al mejor agente del FBI (Johnson) con dos criminales rivales entre sí (Gadot y Raynolds). Una coincidencia que hará que suceda lo impredecible.

 

Tráiler de la tercera temporada de ‘Succession’

Contará con Alexander Skarsgård, Sanaa Lathan, Linda Emond, Jihae, Adrien Brody y Hope Davis

Está al caer la tercera temporada de ‘Succession’ en HBO España, solo hay que esperar al otoño. La serie, cuya segunda entrega cosechó un total de 7 Emmys®, incluido el de mejor serie de drama, estrena antes de eso un tráiler que podéis ver en esta misma entrada.

 

En la serie de Jesse Armstrong contaremos con los habituales: Brian Cox, Jeremy Strong, Sarah Snook, Kieran Culkin, Alan Ruck, Nicholas Braun, Matthew Macfadyen, Peter Friedman, J. Smith Cameron, Dagmara Dominczyk, Justine Lupe, David Rasche, Fisher Stevens, Hiam Abbass, Arian Moayed, Harriet Walter y James Cromwell.

A ellos se unen Alexander Skarsgård, Sanaa Lathan, Linda Emond, Jihae, Adrien Brody y Hope Davis.

Sinopsis oficial:

Después de la emboscada que le tendió su hijo Kendall al final de la segunda temporada, Logan Roy comienza la tercera entrega en una posición peligrosa, luchando para mantener sus alianzas familiares, políticas y financieras. La tensión se incrementará cuando la irreconciliable batalla empresarial amenace con causar una auténtica guerra civil en la familia.

Crítica: ‘La calle del terror – Parte 2: 1978

Sinopsis

Clic para mostrar

La oleada de asesinatos arrasa en el campamento Nightwing, en la ciudad maldita de Shadyside, convierte el veraneo en una macabra lucha por la supervivencia.

Crítica

Profundiza más en su historia y en los cuerpos de sus víctimas

Efectivamente, tal y como pensábamos esta entrega ha tenido escenas más parecidas a ‘Viernes 13’. Nos trasladamos a un campamento en 1978, el Nigthwing, en el que sucedió otra de las matanzas de Shadyside. Toca seguir buscando una solución a la maldición de la villa, a la posesión de la bruja y para ello hace falta escuchar la historia de una de las supervivientes. A modo de cuento de terror de hoguera de campamento retrocedemos a un convulso y sangriento verano.

Phil Graziadei ha ideado estas historias junto al director (Leigh Janiak) y para cada una de las tres películas ha contado con diferentes guionistas. Para trasladarnos a un caluroso 1978 se han asociado con Zak Olkewicz, productor de ‘Nunca apagues la luz’. Relacionado con ese trabajo hay uno o dos apagones de luz, pero al margen de eso podemos decir que esta entrega es mejor, aunque también se nos vaticine cuándo van a morir los personajes por obvias que son las escenas.

La tragedia del campamento Nightwing sigue acrecentando la figura de Sarah Fier en busca de crear otra leyenda del cine de terror. Como era de esperar empieza con algo inquietante para los protagonistas y como nos hicieron entrever tenemos la versión joven del shérif Goode, el cual ya se olía lo que está pasando en 1994, así como a Cindy Berman (la superviviente del campamento) que nos cuenta tanto en 1994 cómo en 1978 cuales fueron las circunstancias en las que murió su hermana. Son el enlace con las otras películas, además claro está de algunos de los asesinos que ya hemos conocido la semana pasada. Y aunque sepamos que esos dos personajes acabarán viviendo ya que en el 94 estaban vivos, esta entrega de ‘La calle del terror’ nos reserva sorpresas.

Según esta película mientras en España se gestaba nuestra constitución de 1978 en USA se celebraban felices campamentos. Una acampada en la que por supuesto Shadyside sigue siendo objetivo de las burlas de los de Sunnvale y en la que descubrimos, no solo otro episodio truculento, sino que se amplían los orígenes de las dos ciudades y el rencor de la bruja.

Entre juegos veraniegos tenemos referencias a ‘Carrie’ e incluso casualmente a la última película de los Warren donde el mal posee a la gente y obliga a matar. Los adolescentes, movidos como siempre por su inconsciencia o su morbo van intentando sobrevivir mientras al espectador le asaltan recuerdos de películas clásicas de terror, más en concreto del subgénero slasher. Esta es otra película de asesinos en masa, que no en serie, con toques juveniles y de terror. Aumenta un poco el grado de seriedad y gore con respecto a la anterior, también el repertorio de homicidas como hacía ‘The Furies’ y además nos muestran cómo se “gana” uno de ellos la máscara.

Sigue habiendo sexo y vuelve a haber muertes salvajes, aunque habiendo niños de por medio se cortan mucho más para seguir siendo accesible al público general. Y las reglas han cambiado algo. Cuidado si sigues leyendo este párrafo si no has visto la primera parte. En 1994 los asesinos seguían a quien había toqueteado la tumba de la bruja (sin explicar por qué perseguía al principio al personaje de Maya Hawke). Esta parte no es una matanza indiscriminada sin mucha más explicación que el estar cerca de la guarida de la bruja o continuar con el gafe de Shadyside, se dan los detalles que explican todas las muertes, incluida la del personaje de Hawke.

Las melodías de la época están aún más presentes, está claro que musicalmente hablando también han querido hacer de ‘La calle del terror’ un homenaje. Se han escogido canciones de Nirvana, Neil Diamond, David Bowie (2 veces), Kansas (2 veces), Thelma Huston, The Velvet Underground, Foghat o The Runaways. Un repertorio que sirve de recomendaciones ante la música tan retocada y artificial de hoy en día. A ver qué música popular sacan en 1666.

Las escenas de la película pueden doler hasta el punto de necesitar paracetamol, pero cuidado no penséis como las protagonistas que ese medicamento tiene propiedades enteógenas. En esta trama de hormonas y calor además de muertes se nos agrega información importante sobre esta nueva leyenda del terror y por supuesto nos dejan con un caramelito para que la semana que viene sigamos nuestro viaje, esta vez a 1666. Me aventuro a decir que esa última entrega va a ser de paranoia, histeria, secretos y persecución al estilo el penúltimo episodio de ‘Them’ o ‘El bosque’. Lo que está claro es que será una historia de identidades locales y del nacimiento de una larga enemistad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Fear Street – part 2: 1978. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Zak Olkewicz, Leigh Janiak, Phil Graziadei. Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Sadie Sink, Emily Rudd, Ryan Simpkins, McCabe Slye, Ted Sutherland, Jordana Spiro, Gilliam Jacobs, Kiana Madeira, Benjamin Flores Jr., Ashley Zukerman, Olivia Scott Welch, Chiara Aurelia, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘La mujer del espía’

Sinopsis

Clic para mostrar

1940, Japón. La noche anterior al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el comerciante local Yusaku Fukuhara deja a su esposa Satoko en casa y viaja a Manchuria con su sobrino. Allí es testigo casual de un acto bárbaro y decide tomar medidas para revelarlo al mundo. Tras un malentendido inicial, su esposa descubre las verdaderas intenciones de su marido y decide protegerlo de forma incondicional. ¿En quién se puede confiar?

Crítica

Sin la tensión y la profundidad del género de espionaje

Con ‘La mujer del espía’ tengo la impresión de que va a dividir mucho a los espectadores. Pienso en ella muchos días después de haberla visto y no cambia mi opinión o no me ha hecho reflexionar, eso por lo general suele ser malo. Lo que sucede con la película de Kiyoshi Kurosawa es que es muy probable que a algunos les maraville por retomar maneras solo aptas para nostálgicos de la era dorada del cine. Pero a aquellos que gusten de actuaciones más naturales y menos exageradas les va a hastiar tanto como a mí.

‘La mujer del espía’ está sobreactuada a más no poder. La mera coreografía de los personajes por los escenarios saca a relucir la meticulosidad de los japoneses cuando quieren controlar con todo lujo de detalles sus obras. La impasividad del sargento o el dramatismo de la propia esposa y protagonista solo nos brindan personajes planos, sin riqueza o trasfondo, sin más matices que una o dos directrices que los definan. Estoy acostumbrado a consumir cine nipón y sé que suelen tender a ser melodramáticos, pero también que dotan a sus películas de mucha duración con el objeto de aportar profundidad a la historia, en este caso eso no sucede.

Y me cuesta decir esto pues este Kurosawa es el autor de películas que me gustan como ‘Pulse’, una cinta de terror moderno que me encantó, o la intrigante y cargada de mensaje, ‘Cure’. Me sorprende encontrarme en ‘La mujer del espía’ con una película de escasa moraleja, tan redundante y con unas maneras tan anticuadas de concebir su historia. Todo el trayecto de los personajes se queda en algo baladí, como silenciado por un último giro de los acontecimientos, como si no tuviese repercusión alguna y te acabas preguntando, ¿entonces para qué?

La película podría haber sido perfectamente un dorama. Podría haberse dividido en 20 capítulos como cualquier otro drama televisivo y tendríamos una telenovela japonesa en toda regla. Nos llevan al Japón de la II Guerra Mundial y ahí se juega con un triángulo amoroso que adivinamos pronto. Aunque sea parcialmente predecible al respecto en todo esto he de reconocer que a ‘La mujer del espía’ no le falta ni elegancia ni finura. Incluso a la hora de homenajear a la propia ‘Casablanca’ el director hace uso de cierta mordacidad.

Quizá sus pinceladas de metacine o los fortuitos giros de guión convenzan a más de uno. Pero desde luego no es una película excesivamente sesuda. Bien es cierto que sin necesidad de ser gráfica, la película consigue devolver a la actualidad los horrores de la guerra y casi siempre además con escenarios sencillos. El valor que extraigo de ‘La mujer del espía’ es que se embarra en un asunto político que se planta de frente ante el famoso orgullo japonés. Y con esto demuestra que los japoneses son una cultura con exceso de autoestima pero también capaz de aprender de su pasado.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Spy no tsuma. Duración: 115 min. País: Japón. Dirección: Kiyoshi Kurosawa. Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Tadashi Nohara, Kiyoshi Kurosawa. Música: Ryosuke Nagaoka. Fotografía: Tatsunosuke Sasaki.   Reparto principal: Yû Aoi, Issei Takahashi, Ryôta Bandô, Chuck Johnson, Yuri Tsunematsu, Minosuke, Hyunri, Masahiro Higashide, Takashi Sasano. Producción: C&I Entertainment, Incline, NHK Enterprises. Distribución: Sherlock Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.amuse-s-e.co.jp/title/wos/

Crítica: ‘Miss Marx’

Sinopsis

Clic para mostrar

Brillante, inteligente, apasionada y libre. Así es Eleanor “Tussy” Marx (Romola Garai), la hija pequeña de Karl Marx, una de las primeras feministas que continuó con el legado de su padre y de su compañero Engels. Luchadora incansable por los derechos de los trabajadores, por la abolición del trabajo infantil, por los derechos de las mujeres y en general por muchas injusticias; menos de las de su vida privada, dónde su atracción por el desenfrenado y presumido Edward Aveling pone del revés todo lo que Eleanor defiende en su vida pública.

Crítica

Suena punk pero se ve pastel

Eleanor “Tussy” Marx, interpretada por Romola Garai, es la protagonista de ‘Miss Marx’. Una película sobre una de las primeras feministas, entendiendo ese adjetivo como alguien que quiere realmente iniciar un movimiento por los derechos de las mujeres de una manera francamente activa. Creo que tanto el filme como yo tenemos el mismo concepto de feminismo, pero el problema de esta cinta es el poco tiempo que dedica su directora y guionista Susanna Nicchiarelli a esbozar realmente aquellas acciones que convirtieron a la hija pequeña de Karl Marx en una de las primeras mujeres en poner en marcha el verdadero cambio para su género.

No puedo entender el guión de este filme si no es enfocándolo como un mal ejemplo de feminista o esgrimiendo el dicho “en casa del herrero cuchara de palo”. Porque la mayor parte de ‘Miss Marx’ nos muestra realmente a una mujer sometida. Una persona que está subyugada pese a sus esfuerzos a un mundo de hombres y a una relación francamente destructiva. Si lo que quiere este filme es mostrar a alguien que gritaba en calles y fábricas por los derechos de los menos favorecidos mientras que en su casa hacía totalmente lo contrario siendo concesiva con aquello que la menospreciaba, misión cumplida.

El filme y la figura que trata prometía ser un acto de rebeldía cargado de irreverencia. Y su banda sonora está sorprendentemente repleta de momentos punk o rock. Pero esos compases solo funcionan en algunos momentos, entre los que no incluyo ni el de “La Internacional” ni un final que a la desesperada busca suscitar el nervio que nos ha ido apagando con un cover punk de “Dancing in the dark” de Bruce Springsteen.

Sin duda se buscaba el contraste o la ironía en esta película. Pero la vertiente sentimental se come de calle a la panfletaria. Únicamente hay un discurso y una ruptura de la cuarta pared que sirven realmente como argumento de fuerza para retratar a este personaje. Porque cuando nos sumergen en las sucias y peligrosas fábricas de finales del siglo XIX la película parece más un vídeo de prevención de riesgos laborales que la muestra de una consecución del legado de Marx y Engels a través de las generaciones a las que directamente educaron.

El desenlace llega por sorpresa si como yo no conocíais como terminó la historia de esta marxista y también por lo poco que aportan al respecto los momentos previos. Me quedo con el símil que establece Nicchiarelli martirizando a las mujeres y a la clase obrera por igual, siendo ambos grupos conscientes de las tropelías que viven pero asimilando tristemente su opresión. Si es cierto que con una o dos escenas parece que ‘Miss Marx’ va a levantar el vuelo y se va a desarrollar una historia de autodependencia y agitamiento, pero ni hay disturbios ni nos descubren nada más valioso de lo que nos desvelan los cartelones finales.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Miss Marx. Duración: 107 min. País: Italia. Dirección: Susanna Nicchiarelli. Guion: Susanna Nicchiarelli. Música: Gatto Ciliegia Contro il Grande Freddo. Fotografía: Crystel Fournier. Reparto principal: Romola Garai, Patrick Kennedy, Felicity Montagu, Karina Fernández, Oliver Chris, Emma Cunniffe, John Gordon Sinclair, Philip Gröning, George Arrendell, Célestin Ryelandt. Producción: Vivo Film, Rai Cinema, Tarantula, VOO, BE TV. Distribución: BTeam Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://bteampictures.es/miss-marx/

Crítica: ‘Queridos camaradas’

Sinopsis

Clic para mostrar

Inspirada en hechos reales. Lyudmila es miembro del partido comunista local y una gran defensora de los ideales del régimen. Durante una huelga laboral en una fábrica de motores ve cómo el ejército, enviado por el Gobierno, dispara a los manifestantes produciéndose así una masacre.

Este suceso cambiará sus ideales y valores políticos para siempre. Con la ciudad destruida y agitada por las revueltas, mucha gente resulta herida o desaparecida, entre ellas la hija de Lyudmila, lo que la obligará a buscarla entre el caos de la ciudad.

Crítica

Un filme de ideales desdibujados y pequeños gestos magnificados

Una fábrica en huelga, una ferviente defensora del partido comunista y su hija obrera son los ingredientes principales de ‘Queridos camaradas’. En la URSS en 1962 estalla una protesta por las medidas adoptadas por algunos patrones que buscan abaratar la mano de obra, la madre está entre los responsables de solucionar esa situación, la hija entre los que se manifiestan y declaran en huelga. Cuando la joven desaparece empieza una búsqueda desesperada que pone muchas cosas en tela de juicio.

Esta es una película de rabia, miedo y desengaño. Pero sobre todo es un filme que va anunciando el fin de una era. La protagonista vive de repente un desenamoramiento comprobando como bajo el mando de Jrushchov se disuelve la obra de Stalin. En este filme se ve como con mucho tiempo se fragua el fin de la URSS y de un estado que se aleja de sus ideales, que va perdiendo partidarios. Algo tremendamente similar a lo que perpetraron los grises y una guarnición de reserva en la “matanza del 3 de marzo” en Vitoria-Gasteiz pocos meses después de morir Franco. Equiparando ambos sucesos, que tienen variaciones obvias en su trasfondo, me gustaría remarcar mi firme creencia de que ningún régimen (sea del color que sea) se libra de la sospecha de querer controlar con violencia a su pueblo en cuanto este se manifiesta inquieto. Eso también parece querer señalar ‘Queridos camaradas’.

Siendo como soy prácticamente nihilista me he visto este filme con la mente lo más abierta posible. El título, ‘Queridos camaradas’, podría sonar a película propagandística. Pero lejos de eso la cinta de Andrei Konchalovsky sirve más como carta de despedida. Un título rodado en blanco y negro que parece rogar que de una vez por todas se cambie de era, que intenta mostrar que las corrientes han cambiado, justo ahora que irónicamente se cumplen exitosamente 75 años del nacimiento del Partido Comunista Chino. La película cuenta con el beneplácito de Rusia pues fue la escogida para representar al país en los últimos Oscars y no deja nada bien a los dirigentes pasados de su país poniéndolos de autoritarios, pero tampoco a su pueblo a quien califica de inculto.

Esa dualidad del filme me ha gustado. Aunque su balanza se inclina hacua cierta parte consigue ser casi imparcial. Este es otro reflejo más de cómo eran las reuniones del Partido Comunista y de cómo se desdibujaban o reconducían sus prioridades. Lo hace casi de igual modo que la serie ‘Chernobyl’. No llega a tener tanta carga informativa pero igualmente nos arroja a la cara un acontecimiento real que tiene una intensidad dramática considerable.

Me quedo con la escena del tiroteo como mejor momento de este filme. Uno de esos en los que hay tragedia y los pequeños gestos se hacen más evidentes e importantes que nunca. Tanto esa secuencia como todo el filme está protagonizado por una irregular Julia Vysotskaya pero eso no evita que ‘Queridos camaradas’ mantenga su foco en no ser sensacionalista con este negro episodio.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Dorogie tovarishchi! (Dear Comrades!). Duración: 120 min. País: Rusia. Dirección: Andrei Konchalovsky. Guion: Elena Kiseleva, Andrei Konchalovsky. Fotografía: Andrey Naydenov. Reparto principal: Julia Vysotskaya, Vladislav Komarov, Andrei Gusev, Yulia Burova, Sergei Erlish. Producción: Production Center of Andrei Konchalovsky. Distribución: Vercine. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://pc.konchalovsky.ru/cinema/artistic

Crítica: ‘La guerra del mañana’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un padre de familia es reclutado para luchar en una guerra futura en la que el destino de la humanidad depende de su capacidad para enfrentarse al pasado.

Crítica

Luce como algo que ya hemos visto, pero no me importaría verla de nuevo

¿Si recibiésemos una visita de alguien de dentro de treinta años nos avisaría de que esta película se ha convertido en un clásico de culto para los amantes de la ciencia ficción? Probablemente no. Pero seguro que la incluiría en un cuantioso puñado de películas fantásticas que con buena factura, algunas inquietudes de nuestra generación y caras famosas consigue llevarnos a una realidad alternativa, tampoco hay que pedirle mucho más a este tipo de films que no son precisamente para hacer una tesina con ellos.

En ‘La guerra del mañana’ la humanidad recibe una visita de la propia humanidad que ha viajado desde treinta años en el futuro. Para muchos la tragedia podría ser que esa llegada interrumpe un partido de fútbol pero realmente la preocupación es que llegan advirtiendo de una invasión alienígena que además vamos perdiendo. ¿Qué habría hecho Napoleón si hubiese sabido que iba a perder en Waterloo? Obviamente reconducir sus decisiones. Esta es una estrategia de guerra que permite reclutar y preparar a la Tierra para la batalla con treinta años de antelación o transportando nuevos reclutas al futuro. No puedo deciros si esta es de esas películas deterministas o si cree en la creación de nuevas líneas temporales pues os desvelaría el final. Lo que está claro es que los protagonistas, entre los que están Chris Pratt, Yvonne Strahovski, J.K. Simmons o Betty Gilpin, si existe la certeza de que se puede cambiar el destino de la Tierra, sino no habría filme.

Una guerra contra alienígenas en la que entra en juego el tema de viajes en el tiempo. Ya de entrada su primera secuencia capta nuestra atención, es cono un arranque a lo Fornite o Call of Duty pero a lo kamikaze. Todo esto me remonta a ‘Al filo del mañana’ que también hacía que la humanidad se enfrentarse a una amenaza extraterrestre y además el protagonista tenía que luchar contra una anomalía temporal. Lo que aquí se plantea es el compromiso de una persona para con toda su especie y su familia sabiendo, como pasaba con aquellos que entraban a filas para ir a cualquiera de las dos guerras mundiales, que probablemente no volverá de esa misión. Por lo tanto esta es una película a la desesperada en varios aspectos y me han gustado sus dilemas, aunque no se explotan para dar paso a la acción.

La película de Chris McKay empieza con algo que podría haber sido perfectamente una actualización de la broma de H. G. Welles. Pero descartado que todo se trata de una broma la película se convierte en una historia sobre el sacrificio. Seguro que habéis dicho alguna vez eso de “esto ya lo resolveré mañana” pues la película plantea ese debate pero a nivel global. El futuro necesita la ayuda de aquellos que viven sin guerra y que deben concienciarse de que la extinción que viven aquellos que están viviendo dentro de treinta años después la van a experimentar probablemente ellos también. Curiosísima situación que supone un planteamiento muy interesante, pero que como digo no se explora en demasía y eso que el filme es largo.

‘La guerra del mañana’ si que nos habla algo más de lo que es que la ciencia tenga que pisar el acelerador y trabajar a contrarreloj, algo que hoy en día no nos parece tan de ciencia ficción. Imaginad que como científicos realizáis una investigación y podéis recibir casi al instante el feedback de su resultado con treinta años vista, es tremendamente útil, pero como decía se hace a la desesperada. Esto se debe a que los personajes pueden viajar en el tiempo a través de una tecnología que literalmente dicen en la película “está cogida con pinzas”, pero al fin y al cabo con la ciencia ficción siempre tenemos que hacer alguna concesión. En algún sentido la película me ha recordado ‘Gantz’ ya que coge a ciudadanos de a pie, les arma hasta los dientes y les mete temporalmente en una misión contra alienigenas. Eso supone una confrontación entre la supervivencia, el miedo, la inexperiencia… Es igual de interesante en ese aspecto así es que si os gusta esta película ver la serie, las películas o el manga de Hiroya Oku. Aunque está claro que la referencia que más os va a venir a la cabeza es ‘Terminator’ solo que en esta ocasión en vez de viajar las máquinas al pasado para eliminarnos la humanidad viajar al futuro para anticiparse a su amenaza. También me ha recordado algo a ‘Invasión a la Tierra’ por entrar de manera tan directa en la guerra y por eso de tener a un pequeño equipo en medio de una guerra que transcurre en plena cuidad.

Su duración estaría justificada si estudiase más en profundidad la situación que se le plantea a los ciudadanos. Se alarga porque la aventura pasa por muchos estadios y localizaciones. En ese transcurso mantiene la intriga y tarda en mostrar los aliens, eso habrá a quien le guste y a quien no. Solo es saber manejarlo y la película se sostiene mucho tiempo sin plantar a los bichos ante la cámara. No pasa lo mismo en el último tramo pues se reúnen de repente todos aquellos elementos que durante el filme intuimos van a ser clave y predeciblemente acaban siéndolo. Eso hace que la última media hora sea inferior al resto del filme.

Siendo la primera vez que ejerce de productor ejecutivo estaba claro que Chris Pratt iba a ser el protagonista. Según en qué etapa de ‘La guerra del mañana’ comparte ese protagonismo y en ‘La guerra del mañana’ os lo vais a encontrar un tanto más serio pero teniendo salidas cómicas como es habitual en él. Ya hemos visto esa faceta suya en ‘Jurassic World’ y en ‘Guardianes de la galaxia’ pero aquí cede las líneas de comedia a Sam Richardson que es alguien que ha dedicado aún más su carrera a las risas (‘Veep’, ‘Fiesta de empresa’). Chris McKay tampoco ha podido evitar meter algún que otro momento cómico, no dudemos que viene de dirigir las películas de LEGO y ‘Robot Chicken’.

También es muy reconocible la fotografía de Larry Fong. Solo vais a tener que notar momentos a cámara lenta o planos generales que ha usado en sus films con Zack Snyder. Igual de contundente y familiar es la banda sonora de Lorne Balfe.

Si conocéis la anécdota del “I’ll be back” sabréis por qué Pratt satisface con ‘La guerra del mañana’ a su suegro. Sea como fuere no me importa si la película vuelve con otra entrega pues aunque es conclusiva tiene hilo del que tirar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: The Tomorrow War. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Chris McKay. Guion: Zach Dean. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Chris Pratt, Yvonne Strahovski, J.K. Simmons, Betty Gilpin, Ryan Kiera Armstrong, Sam Richardson, Keith Powers, Jasmine Mathews, Mary Lynn Rajskub, Edwin Hodge, Seychelle Gabriel. Producción: Skydance Media, Lit Entertainment Group, New Republic Pictures, Phantom Four Films. Distribución: Amazon Prime Video. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://skydance.com/film/the-tomorrow-war/

Amazon Prime Video estrenará ‘Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time’

Las tres películas anteriores de la franquicia también estarán disponibles en Prime Video

Amazon Prime Video ha anunciado hoy que estrenará en exclusiva a nivel mundial (excluyendo Japón) el esperado anime japonés ‘Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time’ el próximo 13 de agosto en el servicio. Se trata del cuarto y último capítulo de la nueva versión cinematográfica de Evangelion. La película de anime, la más taquillera de la franquicia creada por Hideaki Anno y la más vista en los cines japoneses en 2021, está dirigida por Kazuya Tsurumaki, Katsuichi Nakayam y Mahiro Maeda, así como por el legendario creador, guionista y director Hideaki Anno (Shin Godzilla). Para celebrar el final de la franquicia, Prime Video también estrenará las tres películas anteriores para los fans de más de 240 países y territorios.

La exitosa franquicia es un fenómeno de la cultura pop del anime japonés basado en la historia de Evangelion, un humano artificial y un arma humanoide polivalente, y los Ángeles, una forma de vida desconocida que tiene lugar después de que la Tierra haya sido destruida por un cataclismo. La película cuenta con todos los actores de voz originales, incluyendo a Megumi Ogata, Megumi Hayashibara y Yûko Miyamura, y utiliza la última tecnología de imagen para mostrar las personalidades y relaciones de sus singulares personajes mientras luchan por la supervivencia. Se doblará en 10 idiomas, incluyendo español, inglés, francés, alemán, portugués, e italiano, y tendrá disponibles subtítulos en 28 idiomas.

Desde su estreno en televisión en 1995, Evangelion ha impactado de manera significativa en la cultura pop japonesa, potenciando el género del anime en todo el mundo. En 2007, la legendaria franquicia de anime se convirtió en una serie de películas Evangelion: New Theatrical Edition y esta cuarta y última película, estrenada en los cines de Japón en marzo, ha batido récords como la película más taquillera de Hideaki Anno y se ha convertido además en la película más vista del año en Japón. Amazon Prime Video estrenará la versión más reciente de la película ‘Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time’, la cual incluye escenas revisadas pero sin cambios en la historia y que se estrena actualmente en los cines de Japón.

«Las películas de EVANGELION llevan años entusiasmando a los fans y sabemos que hay un gran apetito en todo el mundo por ver la última película», dijo Brad Beale, Vice President, Worldwide Content Licensing Prime Video. «Estamos encantados de que los miembros de Prime Video de todo el mundo por fin tengan la oportunidad de ver la obra maestra del anime ‘Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time’, así como las tres películas anteriores.»

«Me gustaría agradecer a los fans de Evangelion de todo el mundo por su continuo apoyo», declaró Hideaki Anno, creador, guionista y director principal. «Buscábamos la mejor forma de poner la película a disposición de los fans a nivel mundial lo más pronto posible ante la situación tan complicada que presentaban las salas de cine durante la crisis de la COVID-19, y estamos felices de tener a Prime Video como socio para emitirla a nivel global. Nuestra recomendación es verla en una buena pantalla de televisión para disfrutar de la mejor experiencia de visionado».

Crítica: ‘La calle del terror – Parte 1: 1994’

Sinopsis

Clic para mostrar

En 1994, unos adolescentes descubren que los aterradores sucesos que han hostigado su ciudad durante generaciones podrían estar conectados… y que ellos podrían ser las siguientes víctimas.

Crítica

Slasher adolescente ágil y claramente influenciado

Ya está, comienza la trilogía que tanta expectación ha levantado entre los usuarios de Netflix y que nos trae de vuelta a R. L. Stine a la pequeña pantalla. Una nueva adaptación de las novelas del escritor de novelas de terror juvenil que, por lo menos en su primera parte, no va a decepcionar.

‘La calle del terror – Parte 1: 1994’ nos transporta a una ciudad llamada Shadyside que parece estar maldita o gafada. Conserva una ancestral rivalidad con su pueblo vecino Sunnvale, al más puro estilo Springfield vs Shelbyville. Pero también arrastra algo desde hace cientos de años, una maldición. Esa maldición podría ser como la de ‘IT’ pues vuelve periódicamente y tenemos a unos jóvenes intentando eliminarla, pero el género del filme es más fiel a los esquemas del slasher.

A lo que más se parece ‘La callle del terror – Parte 1: 1994’ es a ‘Scream’. Un asesino encapuchado y enmascarado persigue a los protagonistas cuchillo en mano y además de la estética adoptada el filme replica varias escenas de la mítica saga creada por Wes Craven. No obstante la película nos monta una especie de Salem y los protagonistas de un modo similar al de ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ van correteando por la ciudad intentando huir de la muerte y ansiando acabar con la maldición. Porque se estrena en Netflix, si no este sería un título perfecto para un cine de verano.

He dicho que se parece a Scream pero el filme también viene influenciado por otras míticas de terror como ‘El resplandor’, de la que coge su escena del hacha. Y, esto también se ve en los tráilers, la segunda entrega que se lanzará la semana siguiente al estreno de esta promete ser más cercana a ‘Viernes 13’. Lo que se agradece es que la mecánica cambia y tiene un punto diferente. Además con esto quiero advertir que esta película se aleja de las adaptaciones, tanto a televisión como a cine, de ‘Pesadillas’. Subimos un escalón en edad, tanto para los protagonistas como para los espectadores. Desde el principio ya nos marcan que esta cinta va a tener sangre, sexo y alegremente puedo decir que una pizca de gore.

También es muy tangible la marca de Netflix. Al igual que con ‘Stranger Things’, con la que seguro que se comprará, tenemos a un grupo muy joven enfrentándose a su manera al terror. La nostalgia nos trae sonidos de los noventa como Radiohead, The Prodigy o White Zombie que acompañan la buena banda sonora de Marco Beltrami, Anna Drubich y Marcus Trumpp. Y se ha incorporado un factor amoroso LGTBI+. No sé si esa parte romántica estaba en las novelas, pero me es indiferente pues es algo que queda bien en la película y al igual que la música se incorpora adecuadamente sin ensombrecer lo que de verdad importa, trama de terror. Esto es algo que no podemos decir de ‘Panic’ que es otro trabajo en el que estuvo el director y una de las protagonistas de ‘La calle del terror – Parte 1: 1994’, Olivia Welch.

Leigh Janiak ha dirigido las tres partes de ‘La calle del terror’. Espero que nos explique ciertas cosas que aún no han quedado claras y de no estar clarificadas podrían considerarse como un defecto de forma que se revela al principio del filme. La verdad es que con eso y con el metraje que se pasa volando me ha causado interés y ganas por ver cómo nos hará retroceder en la historia de Shadyside

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: Fear Street. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Phil Graziadei, Leigh Janiak. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich, Marcus Trumpp. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Kiana Madeira, Olivia Scott Welch, Benjamin Flores Jr., Julia Rehwald, Fred Hechinger, Ashley Zukerman, Darrel Britt-Gibson, Maya Hawke, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: ver en Netflix.

‘The Many Saints of Newark’, una película precuela de ‘Los Soprano’

El hijo de Galdolfini interpreta el personaje de su padre de joven

Vimos esto durante el día de hoy en las redes sociales y hasta esta madrugada no hemos sido capaces de reponernos del impacto y escribir unas líneas para compartirlo. Vuelven ‘Los Soprano’. Y vuelven con una película que ya tiene tráiler y que cuenta con la producción de Warner Bros. ‘The Many Saints of Newark (Los muchos santos de Newark)’ es el título que recibe, haciendo alarde de ese retorcido sentido del humor que siempre tuvo la serie. Por otro lado se llama así ya que abarcará al personaje del padre de Christopher Moltisanti y en inglés, Molti Santi se traduce como ‘muchos santos’. Moltisani era el personaje interpretado por Michael Imperioli.

Pero además del impactante hecho de que tendremos una película es el ver quién interpreta a Tony Soprano. Antaño interpretado magistralmente por James Gandolfini ahora coge su relevo su propio hijo. Michael Gandolfini será un joven Tony Soprano y podéis ver que su parecido, parece que también la interpretación, conservan un tremendo parecido. Le respaldan en el reparto nombres como los de Alessandro Nivola, Ray Liotta (que estuvo a punto de ser Tony Soprano), Corey Stoll, Vera Farmiga, Jon Berthal, John Magaro…

Además el filme que ha sido dirigido por Alan Taylor (‘Thor: el mundo oscuro’) es una precuela, a si es que aunque el filme no llegue al listón de la serie de HBO tampoco ensombrecerá aquel mítico final de hace ya quince años que tan en suspense nos dejó causando un gran debate. Taylor ya dirigió la mítica obra televisiva y además cuenta con el guionista, productor y creador original, David Chase y el también escritor de la serie Lawrence Konner.

Esta precuela de ‘Los Soprano’ suponemos que será un tributo y de lo que tratará es de cómo se formó la figura de gangster de Tony, de como poco a poco formó su banda y su imperio del hampa. Esperamos que también dibuje bien su personalidad pues la vertiente psicológica es muy importante en esta serie. De momento parece que tendremos que esperar a verla en cines en octubre de este 2021.

Tráiler de ‘Clifford. El gran perro rojo’

‘Clifford. El gran perro rojo’, próximamente llegará en cines

Paramount Pictures presenta en asociación con eOne Films y New Republic Pictures, ‘Clifford. El gran perro rojo‘. Protagonizada por Jack Whitehall, Darby Camp, Tony Hale, Sienna Guillory, David Alan Grier, Russell Wong y John Cleese.

Cuando Emily Elizabeth, una chica de secundaria, conoce a un rescatador mágico de animales que le regala un pequeño cachorro rojo nunca se hubiera imaginado que al despertarse, se encontraría un sabueso gigante de tres metros en su pequeño apartamento de Nueva York. Mientras su madre soltera, se encuentra de viaje de negocios. Emily y su divertido pero impulsivo tío Casey se embarcan en una aventura que te mantendrá dando tumbos en la butaca mientras nuestros héroes le dan un mordisco a la Gran Manzana. Basado en el adorado personaje de Scholastic, Clifford enseñará al mundo cómo amar a lo grande.

Aquí os dejamos el cartel y el tráiler de la cinta.

 

5 Datos divertidos sobre Clifford

– El gran tamaño de Clifford viene acompañado de un gran apetito: come 18-1 kg. de comida de perros cada día.

– ¡Impoluto! A veces Clifford se da una ducha con la manguera contra incendios.

– ¡Atrápale si puedes! ¡ Puede correr a 115 km/hora!

– ¡GUAU! Cuando ladra ¡se le puede oír a 16 km!

– ¡Es un cachorro de ciudad! Le encanta la ciudad y puede dormirse hasta con el ruido del metro.

 

Crítica: ‘Hombre muerto no sabe vivir’

Sinopsis

Clic para mostrar

La historia gira en torno a Tano (Antonio Dechent), quien ha trabajado toda su vida para Manuel, un empresario de la construcción que en épocas mejores controló toda la ciudad. Ahora, a la vejez, Tano ve como Manuel (Manuel de Blas) ya no puede llevar la empresa y toda la estructura se enfrenta a un cambio generacional, a nueva gente, nuevos negocios, nueva forma de llevar la empresa, pero la misma violencia de siempre.

Crítica

Funciona mejor cuando parece ser más sincera consigo misma y estalla con violencia

‘Hombre muerto no sabe vivir’ es el nuevo largometraje de Ezequiel Montes, quien ya llegó hasta nosotros con otros títulos (hablando de la dirección) como ‘Granit’, ‘Akemarropa’ o ‘50kilosdenosotros’. Películas en las que también aparecían Elena Martínez, Juanma Lara, Antonio Dechent y otros tantos actores secundarios. En esta ocasión el reparto es aún mayor y diría que uno de los puntos fuertes del filme es precisamente esa cuantía de personajes que se ha visto incrementada.

Si hay algo bueno que tiene ‘Hombre muerto no sabe vivir’ es que incorpora muchos bandos, muchos frentes, muchas facciones. Eso es bueno por la riqueza de personajes y por el juego que le puede dar a la trama. En este thriller hablamos de traiciones, tratos, lealtades, sentimientos y todos esos factores van haciendo que nos enfrentemos a giros que cambian la historia y que la van tensando más y más.

Que el guión no es algo novedoso o que no reserva giros interesantes es verdad. Esta es una película de villanos, en la que por cierto en ningún momento vemos policías, repleta de personajes viles y de tropelías. Un mundo de drogas, prostitución, atracos y dinero donde constantemente suena el sálvese quien pueda. Sin más, no hay una trama elaborada en plan Oriol Paulo o David Fincher.

Dicho todo esto así suena muy bien, pero la película se malogra. El filme se abre y se cierra con la profunda voz de Antonio Dechent, protagonista de la cinta, cavilando y poniéndonos en situación. En esas secuencias se observan dos cosas, un claro amor por el género negro y el thriller y demasiada precipitación. El texto va atropellado, apresurado y se pierde carga dramática. Todo lo que ocurre posteriormente es una sucesión de detalles que deslucen un filme que prometía marcar una gran diferencia con respecto a las corrientes actuales, recuperando además una manera de ver la realidad que se está perdiendo, la de ponerse del lado de los villanos sin blanqueamiento alguno.

Diversas sobreactuaciones, algunos trozos montados de manera que la continuidad se pierde y determinadas incoherencias en el comportamiento de los personajes restan calidad al filme. Pero sobretodo se percibe que la cinta es infiel a sí misma cuando se corta con la violencia. El tercer acto es el más eficiente pues se convierte en una escabechina en la que si que se ve cuál era la auténtica pretensión. La violencia de ‘Hombre muerto no sabe vivir’ hace que pienses que realmente aquí puede morir cualquier personaje, lo cual si le da un plus de interés. Ojalá hubiese tirado la película por toques más a lo ‘Snatch’ o a lo Tarantino, dos referentes que parece que están ahí pero que no acaban de dejar su impronta.

‘Hombre muerto no sabe vivir’ tiene un marcadísimo sabor calé y andaluz. La configuración de personajes se compone de andaluces, árabes, rusos y por supuesto gitanos. Pero sobre todo de músculo y testosterona. He oído decir que la película puede parecer machista, no me lo parece, ni el filme ni el director. Pero bien es cierto que refleja un mundo de corrupción y delincuencia que tradicionalmente ha estado compuesto por hombres mafiosos y proxenetas. Si a alguien le parece una película que degrada a la mujer es porque sus personajes están bien dibujados.

En cuanto a protagonistas podemos decir que hay extremos. Están bien esbozados, hay diversidad y todos aportan a la trama. Pulgar para arriba para Antonio Dechent como consigliere de mirada cansada y anclado en el pasado, para Ochandiano como la nueva y amenazadora e impertinente corriente de liderazgo o para el personaje repelente de Juanma Lara. Pulgar para abajo para un poco creíble Jesús Castro que se relaciona de nuevo con el narcotráfico como en ‘El niño’ y para el exagerado traficante de Jose Laurencio. Tras todos ellos también se observa un buen equipo de dobles de acción.

En resumen, una pena. Hay maldad gratuita, sin buscar disimular apatías y se ve que en general hay medios y talento. Pero algunas actuaciones y el andarse con medias tintas hacen que la película no termine de funcionar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: Hombre muerto no sabe vivir. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Ezequiel Montes. Guion: Ezequiel Montes. Música: Luis Hernaiz. Fotografía: Ezequiel Montes. Reparto principal: Antonio Dechent, Rubén Ochandiano, Elena Martínez, Jesús Castro, Paco Tous, Nancho Novo, Manuel de Blas, Juan Fernández, Juanma Lara, Roberto García, Manolo Caro. Producción: 7314323 Producciones Cinematográficas, Orange TV. Distribución: Filmax. Género: thriller. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/hombre-muerto-no-sabe-vivir.228

Crítica: ‘La viajante’

Sinopsis

Clic para mostrar

La vida de Ángela se desvanece ante sus ojos. Impulsada por una rutina vacía de la que parece imposible desprenderse, se aventurará en un viaje a través de tierras remotas, donde descubrirá un interés especial por grabar insectos con la cámara de su madre. Sin desearlo, tendrá que enfrentarse a los inesperados y desconocidos impulsos de su soledad.

Crítica

Una más que peculiar road movie llena de bichos y descubrimiento

Los desiertos canarios sirven para escenificar el viaje físico y pulsional de una joven que se encuentra en un vacío tan grande como las llanuras áridas de las islas atlánticas. El primer largometraje de Miguel Mejías nos lleva a la mente de una joven harta de su monotonía, una rutina que además se ha visto trágicamente rota.

Apretando el gatillo de su Super-8 la protagonista graba insectos y entremedias se intercalan recuerdos con calidad de viejo celuloide. La película es parca en palabras y rica en imágenes, quizá por eso cuesta mucho discernir las intenciones del director. A través de su protagonista, interpretada por su habitual Ángela Boix, empieza un análisis de la vida y la muerte. Este es una más que peculiar road movie llena de bichos y descubrimiento.

La protagonista es una persona que rehúye el contacto humano y parece dedicarse a la vida contemplativa. El director tira de simbolismo y figuras retóricas de carácter visual intentando hacer un retrato que es tan anfibológico que corre el peligro de ser solo entendido por él mismo.

Que esta es una película íntima no se puede negar. Una obra de manual, de profesor y alumnos, que respeta casi estrictamente la regla de los tercios. Donde la fotografía se me antoja muchísimo más interesante que el guión. Para ser una película llena de alcohol y conducción los protagonistas son tremendamente observadores, parcos en acciones. ‘La viajante’ cumple con tres capítulos diferenciados el esquema de introducción, nudo y desenlace, pero en ese disciplinado esquema el espectador aguarda giros que no llegan. Está claro que este es manjar para quien quiera gastar su tiempo en abstracciones ajenas.

‘La viajante’ es dura de ver por su flemático discurrir y por su escasez de diálogos, más aún por su deprimente música. Con la poesía y la metafísica de aquellos que se ponen intensos, pero con la parsimonia apagada de los que andan escasos de nervio. Cuesta mucho verla, no animan ni su compás ni su relleno a seguir el hilo.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: La viajante. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Miguel Mejías. Guion: Miguel Mejías, Amanda Lobo. Música: Eduardo Paynter, Alberto Cobián. Fotografía: Pablo G. Gallego. Reparto principal: Ángela Boix, Miguel Insua, Francisca Ródenas, Nikias Schmich. Producción: Digital 104, Volcano Films. Distribución: Begin Again. Género: road movie. Web oficial: https://www.instagram.com/laviajantefilm/

Tráiler de ‘Eiffel’

Protagonizada por Romain Duris y Emma Mackey

Los amantes de la arquitectura y el arte urbano, por supuesto también los del cine, tienen una cita ineludible en cines que será programada dentro de muy poco. ‘Eiffel’ nos contará en pantalla grande como Gustave Eiffel (Romain Duris) se siente en lo más alto del mundo tras su construcción de la célebre Estatua de la Libertad. Tras ello es citado por el gobierno francés para hacer que la Exposición Universal de París deje su impronta en la historia. Todos sabemos cuál fue la idea que hizo aún más famoso e inmortal a Eiffel. Lo que muchos desconocemos es la mujer que se cruzó en su camino y que influyó en su obra.

Esa mujer estará interpretada por Emma Mackey (‘Sex education’). Su papel ha sido dirigido por Martin Bourboulon (‘Papá o mamá’) y podremos verla en otoño de este 2021. Mientras esperamos podemos ver el tráiler.

Este jueves, ‘Envidia sana’ en cines

Con Vincent Cassel, Bérénice Bejo, François Damiens y Florence Foresti

La película ‘Envidia sana’ es una obra de Daniel Cohen de carácter cómico que cuenta como Léa, Marc, Karine y Francis se reúnen. Unos viejos amigos que quedan con frecuencia y todo funciona porque cada uno ocupa su lugar. Pero la armonía se rompe el día en que Léa, la más discreta de ellas, confiesa que está escribiendo una novela que pronto se convierte en un gran éxito de ventas. Lejos de alegrarse, empiezan a aflorar pequeños celos y algunas inseguridades.

Esta película francesa llegará a salas de cine el 24 de junio a través de la distribuidora A Contracorriente Films.

Tráiler de ‘Snake Eyes: El origen’

Úrsula Corberó y Henry Golding protagonizan ‘Snake Eyes: El origen‘

El 20 de agosto llega a nuestras salas ‘Snake Eyes: El origen‘. Úrsula Corberó, en el papel de la Baronesa, protagoniza junto a Henry Golding, Samara Weaving, Iko Uwais y Andrew Koji la película dirigida por Robert Schwentke.

Aquí os dejamos el tráiler de la película doblado al castellano.

Sinopsis.

La historia nos cuenta la historia de Snake Eyes, un tenaz guerrero solitario que, tras salvar la vida del heredero de los Arashikage, es acogido por este clan japonés. A su llegada a Japón, Los Arashikage, enseñan a Snake Eyes, cómo convertirse en un guerrero ninja, al tiempo que le proporcionan algo que él anhela: un hogar. Pero cuando se revelan secretos de su pasado, el honor y la lealtad de Snake Eyes se pondrán a prueba, incluso si eso significa perder la confianza de sus aliados.

Crítica: ‘El caso Wanninkhof – Carabantes’

Errores, odio y homofobia son los protagonistas de ‘El caso Wanninkhof – Carabantes’

El 23 de junio llega a Netflix ‘El caso Wanninkhof – Carabantes’  dirigido por la documentalista Tània Balló en el que se nos narra los dos asesinatos de estas dos jóvenes que sin tener nada en común, se convirtieron en un mismo caso.

El documental nos divide los hechos en tres partes, para que no nos perdamos nada, y en orden comenzamos con el asesinato de Rocío Wanninkhof que ocurrió en 1999 cerca de Mijas. Escuchamos a amigos, familia y a la policía estuvieron dando todo durante la búsqueda. Nos hablan de ella, de la noche de su desaparición y la tristeza del día en el que la encontraron. Dolores Vázquez Mosquera, ex pareja de la madre de Rocío fue declarada culpable por un jurado popular.

En 2003, en la localidad de Coín, Sonia Carabantes no volvió a casa y al igual que el otro caso, se tardó unos días en dar con el cuerpo de la chica. Encontraron restos biológicos que pudieron contrastar con los encontrados en una colilla que había cerca de Rocío. De este modo se descubrió que habían encerrado a la persona equivocada y que el verdadero culpable era Tony Alexander King.

Tània Balló se centra bastante en la crítica hacia los medios de comunicación. Sobre todo el caso de Rocío fue muy mediático y solo buscaban el titular más dramático o sorprendente, además de encontrar pronto al culpable, siempre buscando entre la familia cercana. Llegó a tal punto que todo el mundo daba por culpable a Dolores Vázquez y nadie dudó, ni si quiera el jurado popular. Por mucho que las pruebas fuesen confusas y no llevasen a ningún lado.

Las prisas, el odio hacia esta persona y también la homofobia. Dos mujeres juntas en aquella época no era algo que hiciese demasiada gracia. Y ya si encima era la ex, menos aun. La llamaron, calculadora y fría. Y como bien dice el documental hubo cientos de titulares acerca de su encarcelamiento. Pero apenas se nombró su puesta en libertad al ser declarada inocente y nadie le ha llegado a pedir perdón.

Este tema de los medios de comunicación es bastante cercano a nuestra época, poco han cambiado y por desgracia al final los que sufren son los allegados de estas personas que ya no están aquí. La lucha por conseguir imágenes o detalles escabrosos de las muertes, llega a ser vergonzosa.

Tània Balló ha realizado un gran trabajo de investigación. Es cierto que hay mucho material visual de aquellos casos, pero ha logrado contactar, como he dicho antes, con amigos y familiares para poder recordar los días fatídicos.

Además Tony King no solo era conocido aquí, en Londres era conocido como el estrangulador de Holloway. Y en este documental también hablan con víctimas londinenses.

‘El caso Wanninkofh – Carabantes’ dará que hablar por su cercana actualidad. También dará mucho que pensar a la hora de los prejuicios y los juicios por odio. Y aunque haya detalles acerca de las muertes de ambas jóvenes, el documental es muy respetuoso.

 

‘Charlatán’ estará en cines el 13 de agosto

Una película de la directora Agnieszka Holland

El 13 de agosto, Vercine estrena en cines ‘Charlatán’. Dirigida por la reputada cineasta polaca Agnieszka Holland (‘Europa Europa’, ‘Spoor (El Rastro)’, ‘Mr. Jones’), la película, basada en una historia real, tuvo su premiere internacional en la Berlinale y formó parte de la Sección Oficial del Festival de Sevilla.

El pasado otoño, ‘Charlatán’ obtuvo una nominación a los European Film Awards en la categoría de mejor dirección para Holland.

En febrero entró en la Shortlist de los Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional y en marzo obtuvo 5 Czech Lion Awards a Mejor Película, Mejor Dirección para Agnieszka Holland, Mejor Actor para Ivan Trojan, Mejor Fotografía y Mejor Sonido.

Protagonizan ‘Charlatán’ el multipremiado actor checo Ivan Trojan (‘Viditelny svet’), su hijo, el también actor Josef Trojan (‘Abstinent’), Juraj Loj (‘Thlina’) y Jaroslava Pokorná (‘Horící ker’).

“Jan Mikolášek era un curandero muy famoso, un curandero poco común que utilizaba métodos poco ortodoxos de diagnóstico y tratamiento. Esas habilidades especiales lo hicieron no sólo bien conocido sino también rico. [···] ‘Charlatán’ cuenta la historia del ascenso y la caída de Mikolásek. De su caída moral y de su constante lucha con la oscuridad dentro de él. Es la historia del misterio de un hombre, del misterio de su don especial, del precio que estaba dispuesto a pagar por él; la historia de la paradoja de la fuerza y la debilidad, del amor y el odio”.

“Intenté mostrar un alma humana sin entrar en la profundidad de los análisis psicológicos, expresar la interioridad a través del comportamiento. Las caras de los actores, la tensión entre los personajes… Sus constantes esfuerzos por atravesar las armaduras de los demás son lo que impulsa la historia”, comenta Holland.

Sinopsis oficial:

Desde muy joven, a Jan Mikolášek le fascinaron las plantas y sus propiedades medicinales. Pronto, se convirtió en uno de los mayores “sanadores» de su tiempo. En la época de la guerra y su posterior crisis, dedicó su vida a tratar sin distinción a ricos y pobres, a los nazis durante la ocupación y a los comunistas después de la guerra. Su popularidad acabó por irritar a las autoridades políticas.

Acusado de charlatán, Mikolášek tuvo que demostrar la validez de su ciencia durante su juicio.

Crítica: ‘Slaxx’

Sinopsis

Clic para mostrar

Unos pantalones asesinos extra ajustados siembran el caos en una empresa eco-friendly en esta divertida y sangrienta comedia slasher para ponernos a tono festivalero.

Crítica

‘Slaxx’  logra que bailemos al son de música hindú con unos vaqueros asesinos

Un pantalón que se ajusta perfectamente a cualquier cuerpo, tengas la talla que tengas. ¿Quién no ha soñado con una prenda tan perfecta? La famosa tienda de ropa Cotton Clothiers estrena temporada y tiene los preciados Super Shaper, bordados con una intimidante «SS».

Libby cumple su sueño y entra en la campaña de presentación de estos vaqueros lo que no se espera, es que su primer día se convierta en una pesadilla. Pues estos vaqueros buscan venganza y deciden entrar en acción y fastidiar todo con unas cuantas muertes macabras.

La pudimos disfrutar en el Festival de Sitges de 2020 y dentro de toda la chorrada que pueda parecer, el humor absurdo que tiene, Elza Kephart, logra hacer una crítica hacia el consumismo y al comercio absurdo.

Cualquier persona que haya trabajado en tiendas (da igual si es de ropa o no) puede verse reflejado cuando se ve la expectativa por una nueva colección y apertura de un centro. De los clientes deseando entrar desesperados, los nervios previos a que esté todo perfecto y sobre todo el agobio de una persona nueva en un empleo en el que te piden estar espabilado desde el minuto uno.

También vemos el otro lado, donde se fabrican estos pantalones y como estas personas son simples peones que pasan desapercibidos y donde la muerte de uno de ellos no significa nada.

La película tiene un humor como he dicho muy tonto, llegamos a ver a estos pantalones perseguir a base de música hindú a la Influencer de turno que viene a esta presentación tan especial.

En el reparto encontramos caras conocidas como Sehar Bhojani (‘El Cuento de la Criada‘), Romane Denis (‘Slut in a Good Way‘), Brett Donahue (‘Private Eyes’) y Kenny Wong (‘Transplant’).

‘Slaxx’ da lo que promete, unos pantalones vaqueros asesinos. Mucho gore, humor y también como he dicho, una crítica a nuestra sociedad y al desenfrenado capitalismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de junio de 2021. Título original: Slaxx. Duración: 78 min. País: Canadá. Dirección: Elza Kephart. Guión: Elza Kephart, Patricia Gomez. Música: Delphine Measroch. Fotografía: Steve Asselin. Reparto principal: Romane Denis, Brett Donahue, Sehar Bhojani, Kenny Wong, Tianna Nori, Erica Anderson, Stephen Bogaert, Jonathan Emond. Producción: Ema Films, Entertainment Squad. Distribución: Filmin. Género: Comedia, terror. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/slaxx#reviews

Crítica: ‘El gran camino’

Sinopsis

Clic para mostrar

Documental narrado en primera persona por Alba y Raúl, una pareja de jóvenes cineastas que decide cargar sus cámaras en las mochilas para emprender una aventura de miles de kilómetros por las grandes rutas a pie del mundo. El Pacific Crest Trail, uno de los senderos más extremos de los EEUU, el misterioso Camino Inca a Machu Picchu, la ancestral ruta de Kumano Kodo entre grandes templos japoneses, o el europeo Camino de Santiago, no son más que una excusa para un viaje más profundo al encuentro de la gente de los caminos, con los que se tratan temas universales como las fronteras, el amor y el sacrificio por la familia, los conflictos sociales, la espiritualidad, el cuidado de nuestro planeta y la conexión con la Pachamama, o el regreso a uno mismo.

Crítica

Tempus fugit, dedica tus pasos a vivir

Estoy seguro que habéis vivido esos incómodos momentos en los que un amigo os ha restregado por la cara las fotos y los recuerdos de sus recientes viajes internacionales, de sus vivencias en un año sabático o en unas largas vacaciones. Pues eso lo que he sentido con ‘El gran camino’ y eso que soy de los que tienen la Compostelana. Envidia, pero envidia sana. El largometraje documental de Alba Prol Cid y Raúl García Pérez puede parecer sobre el papel una guía de grandes caminos a recorrer a pie, pero es en su conjunto una reflexión a la que seguro que mucho llegaréis o habéis llegado.

Bien es cierto que hay que tener un buen fondo de dinero para poder dedicar tiempo a hacer estas famosas rutas. Pero también, aparte de algo de fondo físico, hay que disponer de valor y ganas de vivir experiencias, de desconectar del mundo, pero a la vez de conectar con gente nueva. Tengo mucha afición por el senderismo y la montaña, razón de más para darle el ok a este documental, pero más allá de sus paisajes y de su propuesta aventurera cabe destacar el sentimiento de hermandad y de unidad que surge en estas confluencias de caminos. El itinerario hace piña y genera recuerdos, no cabe duda.

‘El gran camino’ unifica diferentes tipos de climas, culturas y terrenos para demostrar que el sendero de uno mismo al final es el de toda la humanidad. Para muchos recorrer estos kilómetros es un acto de subversión, para otros un reto físico, algunos lo hacen para descubrirse a sí mismos o para desconectar del mundo, los hay que siguen un sentimiento religioso… Sea como fuere Alba Prol Cid y Raúl García Pérez tocan esas vertientes pero consiguen aunarlas en una sola.

Esta pareja nos lleva por cuatro grandes rutas. El Pacific Crest Trail a lo largo de la costa oeste de USA, el cautivador camino Kumano Kodo en la región del Wakayama en Japón, el durísimo Camino Inca en Perú y el archiconocidos Camino de Santiago en su ruta conocida como el Camino Francés. E indistintamente de la región este es un documental multilingüe ya que en todas estas calzadas hay gente de todo el mundo. Vamos del inglés de Estados Unidos, al español de Perú, pasando por el japonés del país nipón para volver al español, pero de Galicia.

Como en la vida hay caminos más retadores o solitarios y los hay más transitados y guiados. Puedes verte solo en los vastos parajes de EEUU o socorrido por los peregrinos que siguiendo las flechas amarillas van a Finisterre. ‘El gran camino’ es un reportaje la mar de alentador, incita a emprender la marcha. Sobre todo en su última etapa, con el COVID-19 presente, es una invitación a vivir experiencias que quizá un accidente fortuito a la vuelta de la esquina pueda frustrar. Tempus fugit, dedica tus pasos a vivir, parece decir esta obra.

Este documental que trae a cines Super8 Distribución está grabado con calidad tanto técnica como cinematográfica, dividiendo su montaje en cuatro partes diferenciadas dedicadas a las cuatro rutas. A golpe de dron y entrevistas ‘El gran camino’ escudriña en el espíritu de sus caminantes.

Esta no es una guía turística pormenorizada de cada etapa de estos caminos. Es una visión de conjunto para entender esa reducción a mínimos a la que se someten los caminantes o hikers, para entender un movimiento, una motivación, que para cada uno es diferente aunque en la superficie parezca la misma. Cada cual extrae su corolario al final y cada uno se encuentra una meta diferente, la mayor parte de las veces inimaginada. Gracias por la reflexión a esta pareja de cineastas y… buen camino.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de junio de 2021. Título original: The Great Way. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Alba Prol Cid, Raúl García Pérez. Guion: Alba Prol Cid, Raúl García Pérez. Fotografía: Alba Prol Cid, Raúl García Pérez. Reparto principal: Alba Prol, Raúl García. Producción: Meteórica Cine. Distribución: Super8 Distribución. Género: documental. Web oficial: https://www.super8distribucion.es/el-gran-camino

Crítica del 5×01 de ‘Rick y Morty’

La quinta temporada vuelve con un cinco sobre cinco

Siempre se hace dura la espera hasta un nuevo episodio de ‘Rick y Morty’. La gente de Adult Swim y HBO nos alegaron parte del confinamiento con los episodios de la temporada cuatro y poco más de un año después llega la quinta parte de esta disparatada y fantasiosa serie de cuyo cómic parodia de Dragones y Mazmorras os hemos hablado también aquí. Nos esperan 10 episodios de emisión semanal (todos los lunes) que estarán disponibles desde el 21 de junio (20 de junio en Estados Unidos). Su emisión tendrá lugar en HBO España y TNT.

Cada vez se me antoja más difícil adivinar por donde van a ir los tiros de esta serie que no necesita reinventarse, si no seguir desmelenándose para divertirnos. La obra de Dan Harmon y Justin Roiland continúa con sus majaderías de ciencia ficción y parodia.

La narrativa de ‘Rick y Morty’ va cambiando de un episodio a otro. En este caso no tiene un esquema que nos vuele la cabeza pero si nos entretiene dividiéndose en tres partes que van transcurriendo simultáneamente. Ya para mí la mejor trama de este comienzo de temporada (ya que estamos con el 5×01) es la de Mortry. Su “aventura” es la más disparatada y sobre todo la más dinámica. Como siempre (como pasaba también en el cómic que os he citado antes) las hormonas en plena ebullición guían los pasos de Morty. Y también como siempre Morty la lía sin querer, hasta llegar a proporciones históricas… para otro mundo.

Otra pequeña parte de este episodio la forma el curioso punto en el que se encuentra la relación entre Beth y Jerry. Y aunque el grueso del capítulo es el hilo de Morty la historia que nos narran sobre Rick ocupa también bastante espacio. Vais a conocer una parte diplomática y del pasado de este excéntrico abuelo que hasta ahora nunca se había mostrado. En esas escenas conoceréis al anunciado Sr. Nimbus, un tipo con pinta de Namor, poderes de Aquaman y un extraño control pélvico que seguro que tendrá presencia en más episodios.

Por supuesto el opening ha cambiado y nos muestra nuevos fragmentos que están por venir y otros que simplemente se meten para despistar. Los personajes siguen manteniendo sus peculiares personalidades, esas que tanto juego han dado y que están sometidos al ritmo de una serie trepidantemente ingeniosa. El 5×01 de ‘Rick y Morty’ mantiene a ese Morty pringado y perdedor, a ese Rick manipulador e insensible, a esa Summer que cada vez tiene más facetas del abuelo que de sus padres…

Os dejo un bonus track que seguro que os va a encantar. Seguro que en su día habéis usado generadores de avatares de ‘Los Simpson’, ‘South Park’ o ‘Padre de Familia’. Pues bien, ahora podéis crear vuestro propio personaje al más puro estilo ‘Rick y Morty’, con variedad de detalles. Así os podéis customizar el perfil de las redes sociales para celebrar la llegada del 5×01. El avatar puede generarse en esta página.

 

 

 

Crítica: ‘En un barrio de Nueva York’

Sinopsis

Clic para mostrar

‘En un barrio de Nueva York’ fusiona la música cinematográfica y las letras de Lin-Manuel Miranda con el talento y la autenticidad del director John M. Chu para narrar historias ambientadas en un mundo que puede parecer pequeño pero que es universal.

Crítica

Warner nos invita a empezar el verano con buen rollo y bailoteo

Confieso que cuando que cuando me dieron la oportunidad de asistir al pase de prensa de ‘En un barrio de Nueva York’ prácticamente desconocía el trabajo de Lin-Manuel Miranda. Sabía de la existencia de otro musical suyo apenas un año atrás (Hamilton) y resulta que este señor no ha tenido un musical en Broadway si no dos. ‘In the Heights’ fue el primero allá por el año 2008 y es el título original de esta película. Mi ignorancia me pareció una buena manera de ir sin expectativas a verla.

Llego el día del pase 2 minutos tarde. El personal de la distribuidora (Warner Bros.) me tranquiliza diciéndome que todavía no ha empezado pero tengo la sensación de que me estaban esperando. El caso es que llego a la sala y me acomodo en el primer sitio que veo. En unos pocos minutos empieza el espectáculo que no la proyección. Me explico: de repente cinco chicos y cinco chicas salen de entre los asientos y nos regalan una pequeña coreografía llena de energía correteando y bailando por los pasillos. Tiene que arrancar a la segunda porque no entra bien la música a la primera, cosas del directo. Ellos improvisan, se lo toman con humor y hacen finalmente la performance para calentar el ambiente. Bien Warner, te lo has currado.

Por fin los bailarines se sientan (justo detrás mío) y empieza la peli. La historia de ‘En un barrio de Nueva York’ se plantea desde los primeros minutos. La cosa va sobre los sueños. Los sueños de los padres, los sueños de los hijos, los sueños que los padres tienen para sus hijos (que no siempre coinciden) y todo se desarrolla en el barrio de Washington Heights de Nueva York. Barrio principalmente latino que está al norte de Manhattan y con gran representación dominicana.

Conocemos a nuestro protagonista, Usnavi (atención al origen de su nombre que se explica en la peli, no digo más) que anhela volver a su República Dominicana para revivir el negocio que tenía su padre. Vemos a Vanessa, de la que Usnavi está enamorado, que busca triunfar como diseñadora de moda y también está Nina, que vuelve al barrio desde la prestigiosa universidad de Stanford.

Luego tenemos otros personajes que completan esta gran familia de barrio. Todos ellos tienen a un personaje muy entrañable que actúa como una especie de nexo entre todas las generaciones que fueron a parar a Washington Heights: “La abuela” que es la abuela de todos, por supuesto.

En el reparto vamos a ver caras conocidas que nos van a sonar de la television y el cine. También hace un cameo Marc Anthony y aunque salga apenas un minuto en pantalla, da aunque sea de pasada, el contrapunto al espíritu alegre y colorido del conjunto. Lin-Manuel Miranda también se deja para él un pequeño papel y en resumen el elenco hace un buen trabajo y te hace disfrutar con sus interpretaciones y sus canciones. La banda sonora mezcla de rap y salsa, dos géneros musicales muy representativos de las dos culturas (latina y norteamericana), obra de Miranda y que me parece muy acertado.

Del director, Jon M. Chu, poco puedo decir, ya que de sus trabajos anteriores no tengo nada que destacar con lo cual lo único que puedo asegurar es que se ha superado con ‘In the Heights’ que tampoco era difícil. En todo caso le aplaudo la escena del balcón, que está bien hecha y se te queda en la retina.

Cabe destacar la fotografía y el colorido en general de la cinta.

‘En un barrio de Nueva York’ es al final, una historia generacional de emigrantes que dejan sus países para perseguir un sueño de una vida mejor en “la tierra de las oportunidades” que es Estados Unidos. Un eslogan muy bonito pero a veces tramposo. También se hace referencia al racismo y a la discriminación que sufre la comunidad latina.

Pese a que podamos encontrar similitudes ‘In the Heights’ no es ‘West Side story’ ni creo que pretenda serlo. Adolece de una estructura dramática tan sólida como la del musical que se estrenó en 1961 aunque vemos que 60 años después hay temas que siguen candentes y que no han evolucionado lo suficiente. Como dato curioso el rodaje de Steven Spielberg y su nueva adaptación de ‘West Side Story’ coincidió con el de esta película y estaban separados por apenas unas calles de distancia.

Esto trata de sueños como ya os he dicho antes. De aquellos que los persiguen sin alcanzarlos, de aquellos que viven los de otros, o de los que lo consiguen, pero sobre todo trata en el fondo de no perder la identidad ni tus orígenes, de preservar los valores de una cultura rica y en resumen, de reivindicar lo latino.

Y ese colorido, esa alegría y ese buen rollo que se te queda cuando terminas de verla, es con lo que me quedo yo. Porque la vida a veces no es complaciente con tus sueños, a veces tienes que darle una vuelta y encontrar lo que para ti tenga más sentido, ya sea amor, trabajo u otra cosa, y hacer de eso la realidad donde te sientas satisfecho y puedas encontrar tus momentos de felicidad. Eso es precisamente lo que me trasmite ‘En un barrio de Nueva York’.

Y hasta llegar ahí a ese lugar de plenitud, como decía la abuela…Paciencia y fe.

Lo bueno: Que el espíritu del musical te imbuya de alegría, esperanza y buen rollo.

Lo menos bueno: Que el espíritu del musical pase de puntillas sin profundizar en algunas de las cosas que se reivindican.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de junio de 2021. Título original: In the Heights. Duración: 143 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Quiara Alegria Hudes. Música: Lin-Manuel Miranda. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Anthony Ramos, Corey Hawkins, Leslie Grace, Melissa Barrera, Olga Merediz, Daphne Rubin-Vega, Gregory Díaz IV, Stephanie Beatriz, Dascha Polanco, Jimmy Smits. Producción: Warner Bros., 5000 Broadway Productions, Likely Story, Scott Landers Productions. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: musical, romance. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/heights

Crítica: ‘El otro guardaespaldas 2’

Sinopsis

Clic para mostrar

La pareja más extraña, divertida y letal, formada por el guardaespaldas Michael Bryce (Ryan Reynolds) y el asesino a sueldo Darius Kincaid (Samuel L. Jackson), vuelve a la carga en una nueva misión, que pondrá en serio peligro sus vidas, para garantizar la paz y estabilidad en Europa.

Bryce, aún bajo investigación y sin licencia, se encuentra disfrutando de su año sabático, cuando Sonia Kincaid (Salma Hayek), la impulsiva y peligrosa esposa de Darius, reaparece para que la ayude a liberar a su marido y luchar contra un complot mundial en el que están implicados un malvado griego (Antonio Banderas) y un célebre exagente (Morgan Freeman).

Crítica

La buena química del reparto explota con acción y comedia

Reconozco que soy de los que se esperaban algo más gracioso por parte de la entrega de 2017. Por disparatada que fuese su idea y por la manera en como retorcía el cine de acción aguardaba mucha más hilaridad. Por suerte en esta segunda entrega Patrick Hughes y sus guionistas se han desmelenado aún más y se toman mucho menos en serio su historia, un poco al estilo de películas como ‘RED’ pero siendo más gamberretes y sin llegar a los límites de otras similares como ‘Kingsman’.

En ‘El otro guardaespaldas 2′ la esposa (Salma Hayek) del asesino interpretado por Samuel L. Jackson busca al guardaespaldas que vuelve a estar encarnado por Ryan Reynolds para otra misión de salvación y protección. El problema es que se encuentra sin licencia y en año sabático, rehuyendo cualquier tipo de violencia y contacto con armas.

El aumento de presencia de Salma Hayek sorprendentemente le ha venido bien a esta secuela. Su demencial personaje le da a ‘El otro guardaespaldas 2’ un toque frenéticamente loco. Además sirve para que la relación entre los personajes se desarrolle. Pero seamos sinceros, no buscamos un guión ni sentimental ni humanista con esta película, simplemente que sus elementos sentimentales den pie a la comedia. La fórmula de ridículos y tiros funciona de nuevo haciendo alarde de buena química.

Al igual que en la anterior entrega el guión está plagado de “fuck”, “holy shit”, “son of a bitch”… He ido llevando la cuenta de los “motherfucker” que se decían y me he perdido cuando llevaba unos treinta, casi todos dichos por Samuel L. Jackson. No voy a decir que la película merezca la pena porque dicen muchas palabrotas pero es obvio que eso le da un toque gracioso.

‘El otro guardaespaldas 2’ sigue buscando la comedia a partir de relaciones tóxicas y accidentales además de una acción que aparte de ser violenta es surrealista. Se podría decir que Ryan Reynolds se resarce con esta película y hace el ‘Deadpool’ que la Fox de Disney no termina por permitirle. El actor pareció encontrar su línea con el live action del cómic y está explotando esa vis cómica con películas como esta o la futura ‘Free guy’. De hecho en esta nueva entrega está de principio a fin con la cara manchada de sangre. Compro y pido más, sobre todo si está tan bien acompañado como en esta ocasión.

Si en la anterior entrega teníamos a Gary Oldman en esta ocasión tampoco se han quedado cortos con los secundarios. Morgan Freeman tiene un papel escueto pero no es para nada un simple cameo y coincide por primera vez con Jackson, se palpa el respeto mutuo en esas escenas en común que tienen. A esto le sumamos para la acción a dos tipos duros como Frank Grillo y Tom Hopper. Además el toque latino no se queda solo en la protagonista femenina, Antonio Banderas es un villano griego latino y cumple de sobra en esta comedia aunque tanto él como Freeman son los únicos que apenas tienen gags.

La película tiene las típicas maquinitas que cantan con su voz la cuenta atrás de una bomba o los innumerables secuaces sin nombre que mueren a merced de las balas de los protagonistas. Clichés de los que se ríe ‘El otro guardaespaldas 2’ mientras desarrolla una buddy movie con tres aristas en formato road trip.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio de 2021. Título original: Hitman’s Wife’s Bodyguard. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Hughes. Guion: Tom O’Connor, Brandon Murphy, Phillip Murphy. Música: Atli Örvarsson. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Salma Hayek, Antonio Banderas, Morgan Freeman, Frank Grillo, Tom Hopper, Richard E. Grant. Producción: Millennium Media, Summit Entertainment, Above the line set assistance & security, Campbell Grobman Films. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.lionsgatepublicity.com/theatrical/the-hitmans-wifes-bodyguard

Crítica: ‘Un lugar tranquilo 2’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

Crítica

‘Un lugar tranquilo 2’ mantiene el nivel de la primera, paradójicamente hará el mismo ruido

Por fin tenemos en cines ‘Un lugar tranquilo 2’, una película que se ha demorado en llegar a cines por motivos de la pandemia ya que su estreno estaba previsto para el 20 de marzo de 2020. Y una película que ha tardado más en llegar a España por su coincidencia con la última entrega de los Warren y que vaticino que va a imponerse pues solo en su primer fin de semana en la taquilla estadounidense recaudó 48 millones de dólares.

La espera ha merecido la pena y esta segunda entrega no defrauda. Krasinski cumple lo prometido y vuelve a actuar pero solo en una secuencia inicial magnífica que sin entrar en detalles nos explica el origen de estas criaturas y el inicio del apocalipsis silencioso que vive la Tierra. La acción transcurre más de cuatrocientos días después del primer contacto con los voraces monstruos. Ahí siguen en silencio los protagonistas interpretados por Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe que buscan un nuevo hogar portando además al bebé que vimos nacer en la primera parte.

John Krasinski muestra inteligencia y buen hacer tras las cámaras. Con esta historia se amplía el universo originado en 2018 y al igual que en el segundo filme que dirigió (‘Los Hollar’) saca a relucir una gran sensibilidad familiar. Es una película que sabe mantener la dinámica original que ha enmudecido a centenares de pasmados espectadores de salas de cine y además aportar nuevos datos. Podría regodearse en los elementos incorporados convirtiéndose en la típica película post-apocalíptica pero sabe qué tiempos darle a cada escena y a cada factor nuevo.

‘Un lugar tranquilo 2’ funciona como ‘De amor y monstruos’ en el sentido de que hace sacar el valor de sus personajes sacándolos a un mundo exterior hostil y solitario, repleto de bestias que al menor descuido te devoran. Y sabe desarrollar su historia de un modo que mezcla lo trepidante y lo tremendamente tenso, de mejor manera que títulos como ‘Bird box: a ciegas’.

La incorporación de Cillian Murphy al reparto da otro punto de vista, distinto además de que cabría esperar con los tráilers. No es la primera película en la que actúa el actor irlandés estando la humanidad al borde de la extinción, ahí está la gran ’28 días después’. Tras haber vivido un confinamiento sabemos cómo la naturaleza se abre paso. Tanto en la película de Danny Boyle como en ‘Un lugar tranquilo 2’ nos encontramos ante un escenario de desolación y ausencia en el que los seres humanos luchan por sobrevivir, pero lo “divertido” de esta propuesta es que han de hacerlo en silencio, con lo que vais a encontrar escenas que realmente os van a encoger el estómago de los nervios e incertidumbre, en las que literalmente hay que aguantar la respiración.

Prueba de esta angustia que puede transmitir la película y de la habilidad del Krasinski director es una secuencia que transcurre en dos localizaciones distintas, con los protagonistas intentando correr sin provocar ruido, con el peligro acechando a contrarreloj, con la zozobra recorriendo sus menetes… Entre eso y el talento de sus protagonistas femeninas los sentimientos se contienen y explotan de una manera tremendamente controlada.

La única pena de ‘Un lugar tranquilo 2’ es que termine de un modo muy similar a la primera parte. Y no me refiero a cuan cortante es sin ofrecer siquiera un epílogo, si no al cómo se salvan, aquellos que se salvan. Pero si una sensación prevalece con esta película es que hay dichos que no son ciertos, como el de “segundas partes nunca fueron buenas”.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de junio de 2021. Título original: A quiet place part II. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: John Krasinski. Guion: John Krasinski. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Djimon Hounsou, Wayne Duvall, John Krasinski. Producción: Buffalo FilmWorks, Paramount Pictures, Platinium Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.aquietplacemovie.com/home/

Crítica: ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tom Harper (Timothy Spall), un jubilado de 90 años cuya esposa acaba de fallecer, se embarca en una emocionante travesía. Dejará atrás el aislado pueblo en el que vive desde hace cincuenta años, situado en el punto más al norte de Gran Bretaña, para viajar hasta su ciudad natal, en el extremo más al sur del país, utilizando para ello su billete gratuito de autobús. El intrépido protagonista le plantará cara al tiempo, a la edad y al destino con tal de cumplir la promesa que le hizo a su esposa Mary (Phyllis Logan). Regresando a su pasado, Tom descubrirá el mundo moderno y una diversidad multicultural británica que hasta entonces desconocía. En el camino, sus aventuras serán registradas por las personas que conoce y ayuda, y al final de su viaje, sin saberlo, se habrá convertido en una ‘celebrity’ de las redes sociales.

Crítica

Un emotivo y tierno viaje de ida y vuelta

Reticente, condicionado por el cambio de título, me acerqué a ver ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’. Una película que en versión original se llama ‘The Last bus’ y que viene a querer decir que siempre hay una manera de emprender un último viaje.

Un título tan largo puede jugar en contra del boca a boca pero rompiendo ese sesgo que me había inculcado la estrategia de marketing adoptada por la distribuidora tengo que decir que me ha gustado mucho. ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’ es un road trip a son de un ritmo british y nonagenario lleno de ternura, especialmente en su tramo final.

La película comienza con una secuencia a lo ‘Up’ pero de un modo más sutil y escueto. En ella vemos como una pareja inicia una nueva vida en una nueva casa, intuimos que huyen de algo y nos dejan ver muy fugazmente que ella ha fallecido y él va a emprender un viaje en autobús. Lo que nos cuenta ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’ es un viaje de huida de la muerte y de los recuerdos. Y ese viaje sucede tanto en la ida como en la vuelta, de un modo que es mucho más bonito que lo descubráis en lugar de que os lo cuente. El filme nos lleva por una sucesión de paradas o estaciones que coinciden con reminiscencias del pasado bastante melancólicas.

Saltando, o más bien reptando, de un autobús a otro, Timothy Spall emprende un viaje que es tanto físico como metafórico. Un trayecto en el que vive y revive momentos, en el que se opone a curarse las heridas, un recorrido que es como la vida misma, cruzándose con la apatía o amparo de desconocidos. La actuación de Spall es una materialización del cansancio y la vejez, del empeño y la fidelidad, de la añoranza y la generosidad. Está magnífico.

Inspirado por la novela de Joe Ainsworth y con una banda sonora compuesta de temas de guitarra y alguna canción conocida, el director Gillies MacKinnon nos lleva de norte a sur del Reino Unido (de Thurso a Land’s End) haciendo algo de crítica social, mostrando la hipocresía delatada por lo viral y también que aún hay atisbos de bondad en el ser humano.

Spall parece usar esta película como catarsis a la enfermedad que él mismo ha superado. Esta es una historia de superación y de compromiso, me atrevo a decir además que no solo trata de un compromiso personal, sino también social. Contado todo así parece algo muy melodramático pero la película tiene breves momentos de humor, un humor gentil que hace que el filme se pase más rápido que un viaje en duermevela.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de junio de 2021. Título original: The last bus. Duración: 86 min. País: Reino Unido. Dirección: Gillies MacKinnon. Guion: Joe Ainsworth. Música: Nick Lloyd Webber. Fotografía: George Geddes. Reparto principal: Timothy Spall, Phyllis Logan. Producción: Hurricane Films, Head Gear Films, Metrol Technology, Kreo Films FZ. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama. Web oficial: http://www.celsiusentertainment.com/films/films/the-last-bus/

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil