Lo nuevo de Phyllida Lloyd se estrena el 20 de noviembre 4 de diciembre
‘Volver a empezar (Herself)’, el tercer largometraje de Phyllida Lloyd, estará en cines desde el 20 de noviembre 4 de diciembre. Llega de la mano de Caramel films y Youplanet pictures, tras su gran acogida en el Festival de cine de Sundance y el Festival de cine de San Sebastián.
La cinta llega de la mano de Caramel films y Youplanet pictures. Se situará en nuestras cartelerasproducida por Element Pictures (‘La favorita’).
Está protagonizada por Clare Dunne (‘Spiderman: lejos de casa’), Harriet Walter (‘Sentido y sensibilidad’) y Conleth Hill (‘Juego de tronos’).
‘A primera vista, Sandra (Clare Dunne)es una joven madre que se esfuerza en conseguir un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos pequeñas hijas. Decidida a que sus vidas mejoren, y cuando entiende que las instituciones no van ayudarla, decide que lo levantará desde cero.
Con muy poco dinero y sin ahorros, Sandra deberá utilizar toda su ingenuidad para convertir en realidad su ambicioso plan. Al mismo tiempo, debe escapar del control de su posesivo exmarido y alejarle de sus hijas y de ella misma. Pero nada puede amedrentar a Sandra, que reúne a una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla.
Gracias a la generosidad y bondad de estas personas y al cariño de sus dos hijas, Sandra recuperará la sensación de que realmente puede volver a ser la misma.
Lo que iba a ser una protesta pacífica durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 se convirtió en una violenta batalla campal con la Policía y la Guardia Nacional. Los organizadores de la protesta —entre los que figuraban Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden y Bobby Seale— fueron acusados de conspiración para incitar una revuelta, y el juicio posterior fue uno de los más notorios de la historia de Estados Unidos.
Crítica
Sorkin dirige de nuevo y su juicio no es fallido
Aaron Sorkin siempre se las apaña para encontrar nuevos hechos reales que analizar y adaptar a la gran pantalla. En su segunda película como director vuelve a remontarnos al pasado. Títulos suyos como ‘Molly’s game’, ‘La red social’, ‘El ala oeste de la casa blanca’, ‘The newsroom’… han dejado más que demostrado que es una persona crítica y mordaz. Con ‘El juicio de los 7 de Chicago’ trae otra obra que sigue la línea de su filmografía. Es decir, a través de un tono sarcástico y un ritmo rápido juzga la condición humana, la sociedad y los estamentos.
En esta ocasión rescata de la memoria el notorio juicio celebrado a finales de los sesenta en Estados Unidos a raíz de unos altercados violentos producidos tras un intento de manifestación pacífica contra la guerra de Vietnam. Se puede resumir la película y aquello que sucedió como un enfrentamiento entre los pacifistas y el gobierno de Estados Unidos. Un juicio político.
Bien es cierto que la película empieza de una manera muy ágil, muy vivaz. Para ello se dedica a charlatanear con réplicas ingeniosas y running gags. Ese ritmo se va perdiendo muy poco a poco y si que es cierto que con el toma y daca de la sala del tribunal intenta recuperarlo pero en ningún momento vuelve a poner el pie sobre el acelerador. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es buena, entretiene e informa además de hacer pensar. Pero al fin y al cabo termina cumpliendo los mismos esquemas que todas las películas sobre procesos judiciales: abusos de autoridad, posicionamiento catastrófico, giro a favor de “los buenos”, nuevo revés y fallo del jurado… que obviamente no diré cuál es aunque esta sea una historia real. Lo que quiero decir es que este tipo de películas siempre se me hacen largas por cumplir patrones tan monótonos.
Si que hay que atribuirle el mérito de llevar con gracia la historia. El juicio fue bastante variopinto, un circo mediático convertido en jaula de grillos. Esto es sobre todo porque tenemos a un juez en la sala que está bastante senil. A Frank Langella le vais a coger más tirria con este magistrado que con el Skeletor que hizo en 1987. Pero también es una película sugestiva por el reparto coral que tiene y los acusados tan diversos que presenta. Y no lo digo solo por las payasadas y lucideces que puedan soltar Sacha Baron Cohen y Jeremy Stong o la sencilla simpatía de Mark Rylance. Lo digo por la identificación de facciones de izquierdas exhibida y que solo en contados momentos se manifiesta de forma explícita. En España, que en la última década hemos vivido como la izquierda se identificaba más diversa que nunca, podemos sentirnos más que identificados con el grupo de manifestantes que rema en la misma dirección, pero en distintos botes. También me ha rememorado a los tiempos del “No a la guerra”, aquellos en los que se pedía a gritos el no ir a Irak.
Obviamente esta no es una película de las mismas características que ‘Algunos hombres buenos’, aunque si consigue alejarse de cualquier polarización absoluta en las ideologías y pensamientos de sus personajes. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ nos hace reír, recordar y pensar, no obstante habría sido más interesante si hubiese explorado más el mencionado tema de las facciones. Pero con su agilidad y su retrato de la incompetencia institucional nos cautiva. Esto último más que un pero es un aliciente que siempre nos trae de vuelta a un gran Sorkin, no el mejor pero si uno necesario.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020 (cines). 16 de octubre de 2020 (Netflix). Título original: The trial of the Chicago 7. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guion: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Mark Rylance, Michael Keaton, Alex Sharp, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Yahya Abdul-Mateen II, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Frank Langella, Noah Robbins, Danny Flaherty, John Doman, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, Max Adler. Producción: DreamWorks, Amblin, CAA Media Fiance, Cross Creek Pictures, Double Infinity Productions, MadRiver Pictures, Marc Platt Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Rocket Science, ShivHans Pictures. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81043755
John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos, Mónica, en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen / Sverrir Gudnason) un granjero tradicional y conservador, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse.
Crítica
Viggo Mortensen se consagra como artista total
A todos aquellos a los que Viggo Mortensen ya ha cautivado previamente con sus interpretaciones, ‘Falling’ va a afianzar ese idilio cinematográfico. Esta película constituye la consagración del actor como artista total ya que ha elaborado un espléndido trabajo en el plano actoral pero también como director, guionista e incluso a los mandos de la banda sonora.
No suelo confiar mucho en películas en las que un actor se dirige e incluso se escribe a sí mismo. Eso ayuda al compromiso del artista pero juega en contra a la hora de corregir defectos. Pero ‘Falling’ resulta totalmente auténtica. Además en ella Mortensen supera dos retos difíciles: dirigir a niños y capitanear a un actor con tantas tablas como Lance Henriksen. Domar las maneras de los jóvenes intérpretes que aparecen en la película puede ser difícil. Pero se me antoja más complicado orientar hacia sus propios propósitos a aquel que se ha enfrentado a aliens, cenobitas y Van Dammes. Incluso tiene el detalle de dar un cameo a un director como David Cronenberg con quien guarda una estrecha relación artística e imagino que también personal.
En ‘Falling’ Mortensen actúa como el hijo de un padre que me gustaría calificar como peculiar pero lo cierto es que aún abundan. El personaje que interpretan igual de bien Henriksen y Sverrir Gudnason es un hombre retrógrado y agorero. Solo así se definir a un hombre que cuando saluda al bebé que es su hijo le dice por primera vez “siento haberte traído a este mundo, porque luego querrás morir”. Está chapadísimo a la antigua y sin afán de dañar u ofender provoca constantemente vergüenza ajena. Tiene cosas muy entrañables e incluso admirables pero sus valores están muy desfasados. Si a eso le sumamos que su mente sufre los achaques de la edad se convierte en una persona muy difícil de manejar. En ese tumulto de relación nos introduce la película.
El título puede hacer alusión al ocaso que sufre este hombre. Es el otoño con el que todos asociamos la vejez. Pero creo que la película trata mucho sobre las novedades que han incorporado las últimas generaciones y que nuestros ancianos han tenido que asimilar. Me refiero a esos cambios radicales que toda descendencia introduce. Véase la tolerancia por otras razas, el rechazo por el tabaco, la comida saludable, el respeto por los animales, el matrimonio homosexual… Características contemporáneas que alguien ultraconservador o tradicional no acaba de digerir.
Para muchos Mortensen apareció en escena por primera vez en ‘El Señor de los Anillos’ (por cierto que su primera escena era en la posada de Bree, nombre que ha usado para un caballo del filme) y espero que esta película les obligue a buscar títulos anteriores en los que ha trabajado, que tiene muchos y muy buenos. En ‘Falling’ nos llena de rencores y afectos a base de sembrar multitud de detalles. También de herencias y de miedos, todo ello apoyado de un buen montaje. Y es que no siempre es fácil hilar con efectividad una película que va de pasado a presente constantemente. Porque ‘Falling’ se circunscribe mucho en las jugarretas de los recuerdos.
Me ha encantado que haya mostrado una manera diferente y actual de educar, como también hacía en ‘Captain Fantastic’. También ayuda mucho a seguir el hilo de la película que esté sembrada de momentos cómicos, con un poco de humor negro, pero del cordial.
Esta es mi humilde interpretación de ‘Falling’. Lo que sí que puedo aventurar con objetividad es que esta película va a gustar en masa.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Falling. Duración: 112 min. País: Canadá, Reino Unido. Dirección: Viggo Mortensen. Guion: Viggo Mortensen. Música: Viggo Mortensen. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason, Laura Linney, Hannah Gross, Terry Chen, David Cronenberg. Producción: Parceval Pictures, Baral Waley Productions, Scythia Films, Zephyr Films, Achille Productions, Ingenious Media. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/falling
Basada en hechos reales y protagonizada por Judi Dench
El próximo 16 de octubre DeAPlaneta colocará en cines la película ‘Las hijas del Reich’. Un thriller protagonizado por Judi Dench (‘Downton Abbey’). En la película también podremos ver a Eddie Izzard (‘La reina Victoria y Abadul’), Jim Broadbent (‘Iris’), Carla Juri (‘Blade Runner 2049’), James D’Arcy (‘Dunkerque’) y Celyn Jones (‘Inmersion’) entre otros.
‘Las hijas del Reich’ dirigida y escrita por Andy Goddard (‘Downton Abbey’) está inspirada en la historia del Augusta Victoria College.
Sinopsis oficial:
Inglaterra 1939. Thomas Miller es un profesor de inglés que ha aceptado un puesto de última hora en la escuela Augusta-Victoria en la costa sur inglesa a la que los nazis alemanes de alto rango envían a sus hijas.
Bajo la atenta mirada de la directora, la Señorita Rocholl, y su devota ayudante Ilse Keller, las chicas practican inglés y aprenden a representar el ideal de la mujer alemana.
La aparición del cuerpo sin vida de un antiguo profesor de la escuela pondrá en jaque el prestigio de la institución y las vidas de todos los implicados.
La nueva película del director de ‘Cantábrico’, Joaquín Gutiérrez Acha, llegará a los cines el próximo viernes, 9 de octubre, tras ser galardonada con un Premio del Jurado en los Jackson Wild Media Awards, conocidos como los Premios Oscar del cine de naturaleza.
Tras el éxito de ‘Cantábrico’, convertida en el documental más visto en cine en los últimos años con 110.000 espectadores en las salas, el director Joaquín Gutiérrez Acha y el productor José María Morales vuelven con ‘Dehesa’, una nueva espectacular película sobre nuestra naturaleza que cierra la trilogía formada junto a ‘Guadalquivir’ y ‘Cantábrico’.
Las impresionantes imágenes rodadas por Joaquín Gutiérrez Acha y su equipo de ‘Dehesa’, de por sí cautivadoras, se ven ensalzadas gracias al minucioso sonido del naturalista Carlos de Hita, quien también escribe los textos de la locución, y la maravillosa música de Victoria de la Vega, compositora española afincada en EEUU, donde trabaja con el prestigioso estudio Remote Control Productions, en Los Ángeles.
Sinopsis oficial:
El nuevo largometraje del director de ‘Cantábrico’ nos traslada a la gran desconocida de la Península Ibérica, la ‘Dehesa’. Un bosque único en el mundo donde descubriremos sensaciones muy diversas. Encinas, alcornoques y quejigos dan lugar a un campo de batalla donde se retan los grandes herbívoros, donde cazan los elegantes y sigilosos linces ibéricos y las formidables águilas, donde las flores esconden depredadores con camuflajes sorprendentes. Pero también puede ser un lugar amable que recibe cada año a miles de viajeros de larga distancia, que tienen en estos parajes sus cuarteles de invierno. Buscan un clima más cálido y el alimento más preciado, el oro de la ‘Dehesa’, las bellotas. La moneda de cambio que estos árboles utilizan con los animales para preservar su existencia.
‘Explota explota’ cuenta la historia de María (Ingrid García-Jonsson), una bailarina joven, divertida y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Tras dejar a su novio plantado en el altar de una iglesia en Roma, María viaja a Madrid para descubrir qué quiere hacer con su vida y cumplir su sueño de ser bailarina. Junto a su inseparable amiga Amparo (Verónica Echegui), María consigue poco a poco abrirse paso en el mundo de la televisión y pasa a ser parte del cuerpo de baile del programa de más éxito del momento: “Las noches de Rosa”, protagonizado por la gran Rosa (Natalia Millán) y dirigido por Chimo (Fernando Tejero), un hombre con cierta tendencia a “intimar” con cualquier chica que se le ponga por delante y supervisado por Celedonio, censor de la televisión (Pedro Casablanc).
Allí se enamora de Pablo (Fernando Guallar) un trabajador de la cadena con quien empieza una maravillosa relación, pero quien no le cuenta toda la verdad sobre su trabajo. Pablo se enfrenta a su padre y junto a María deberán decidir si merece la pena romper las reglas establecidas y hacer un cambio radical en sus vidas.
Crítica
Explota y revienta la moral retrógrada
No es una película con Raffaella Carrà, no es una película sobre Raffaella Carrà pero tiene mucha Rafaella Carrà. ‘Explota explota’ es una comedia musical que refleja a sus personajes y momentos con canciones de La Carrà pero que además consigue derrochar simpatía y sencillez, como lo hacía la artista con sus programas y actuaciones. Además pasa por la Roma que la vio nacer artísticamente, muestra una sensualidad inusitada para la época y centra su trama en una bailarina, arte en el que ella destacó en televisión.
Es muy buena combinación el introducir los hits de la cantante italiana con la música de Roque Baños. En su primera película Nacho Álvarez rinde homenaje a una cantante que está en la historia de nuestra televisión y cuyas canciones permanecen en nuestras cabezas, tan pegadizas como las de Georgie Dann o Queen. ‘Explota explota’ es un musical con todas las de la ley, con sus actuaciones y sus flashmobs. Las coreografías están bien buscadas para parecerse a las de la época y además los actores las ejecutan bien.
‘Explota explota’ consigue recrear la época de los setenta sin ser oscura o política. No solo logra eso por transportarnos con su vestuario o localizaciones como la conservada estación de Chamberí. Además lo hace captando el humor ingenuo de una época cuya gente está a punto de explotar de reprimidos que están. Y ahí viene la otra parte buena del filme. Es un enfrentamiento entre modernidad y censura, o lo que otros muchos aún consideran como decoro. Se enfrenta a esa traba histórica con bastante optimismo, cosa que también era propio de La Carrà. Es una victoria conseguida centímetro a centímetro, literalmente.
No solo consigue ser una buena comedia musical con su guión y sus artífices tras las cámaras. También buena parte del buen rollo que deja es gracias a Ingrid García-Jonsson. Con su personaje bobalicón y risueño, aunque descarado, hace que las pasiones dejen de estar reprimidas. La actriz se reencuentra aquí con su buena vertiente cómica. Para mí ha sido también un descubrimiento grato el de Fernando Guallar, no había visto hasta ahora ningún trabajo suyo y estoy esperando volver a encontrarme con él en ‘Patria’.
La pega, no es una película redonda, es que las canciones están reinterpretadas con poca fuerza y a veces mal playback. No es algo clamoroso pues si la has vivido en cuanto oyes la música en tu mente suena realmente Rafaella. No hay voces brillantes entre el reparto pero tampoco desafinan. El problema es que falta potencia y la letra gran parte de las veces queda tapada por la melodía. Además de eso, teniendo que ver también con la voz, está la interpretación de Verónica Echegui con un acento andaluz extremadamente estereotipado.
‘Explota explota’ va de romper las reglas y de igual manera que era imposible odiar a Raffaella Carrà se os hará difícil rechazar esta película.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Explota explota. Duración: 114 min. País: España. Dirección: Nacho Álvarez. Guion: Eduardo Navarro, David Esteban Cubero, Nacho Álvarez. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Ingrid García-Jonsson, Verónica Echegui, Fernando Guallar, Pedro Casablanc, Fernando Tejero, Natalia Millán, Carlos Hipólito. Producción: El Sustituto Producciones, Indigo Film, RTVE, Tornasol Films. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, comedia, romance. Web oficial:Explota Explota en RTVE
‘Señoras del (h)AMPA’ tendrá su segunda temporada en Amazon Prime Video a partir del próximo 16 de octubre. Así lo ha anunciado la plataforma de contenido online que además nos indica que habrá 7 nuevos episodios con un reparto encabezado por Toni Acosta, Malena Alterio, Mamen García y Nuria Herrero, y al que se incorporarán Pilar Castro, Mariola Fuentes y Julia Molins.
En esta nueva temporada de ‘Señoras del (h)AMPA’, Mayte, Lourdes, Virginia y Amparo vuelven más fuertes y decididas a hacer justicia por su propia mano. Ha pasado un año desde que consiguieron encarcelar a la peligrosa banda criminal liderada por Carmona, pero las cosas aún están muy lejos de estar calmadas. Han iniciado una doble vida como superheroínas enmascaradas, y se dedican a combatir a todos los malhechores del barrio, a la vez que regentan la “Asociación para mujeres: Begoña Cepeda”, cuyo nombre hace honor a la difunta amiga que tanto las ayudó en el pasado. Sin embargo, también deben compaginar toda esta actividad con sus propias vidas personales.
Producida por Mediaset España en colaboración con Mandarina Producciones y distribuida por Mediterráneo Mediaset España Group; Carlos del Hoyo, Santi Botello y Arantxa Écija son los productores ejecutivos de esta serie, creada por Carlos del Hoyo y Abril Zamora.
SelectaVisión nos informa de que el próximo 23 de octubre estrenarán en cines ‘Promare’. Esta nueva película anime de ciencia ficción está producida por Trigger, los autores de ‘Kill la Kill’, ‘Little Witch Academia’ y actualmente ‘Cyberpunk: Edge Runners’ en colaboración con Netflix y Masahiko Otsuka.
‘Promare’ es la primera película dirigida por Hiroyuki Imaishi, director del estudio Trigger en colaboración con el guionista Kazuki Nakashima (‘Tengen Toppa’, ‘Gurren Lagann’). Su duración es de 111 minutos.
El diseño de personajes corre a cargo de Shigeto Koyama (responsable de la superproducción de Disney ‘Big Hero 6’ y habitual del estudio Trigger). La banda sonora está compuesta por Hiroyuki Sawano (‘Ataque a los Titanes’).
La película obtuvo una nominación a la mejor película independiente en los prestigiosos Annie, los galardones que premian la mejor animación del año. Está coproducida por XFLAG, creadora de contenidos especializada en acción y lucha. El videojuego ‘Monster Strike’ es una de sus creaciones más reconocidas.
Sinopsis oficial:
Han pasado 30 años desde la aparición de los Burnish, una raza de seres mutantes capaces de controlar el fuego que desataron una gran tormenta de llamas que devastó la mitad del mundo. Cuando aparece un grupo de mutantes aún más agresivos conocidos como Mad Burnish, lo único que se interpone entre ellos y la destrucción total es Burning Rescue, una brigada de bomberos de élite anti-Burnish fundada por Kray Foresight, el gobernador de la República de Promepolis.
Precisamente su miembro más novato, el apasionado Galo Thymos, es capaz de capturar a Lio Fiota, la líder de los Mad Burnish. Sin embargo, Lio escapa y al seguirla hasta su escondite, Galo descubre una impactante verdad acerca de los Burnish y la existencia de un terrible plan a escala global…
Cuando el mundo se entera de que el asteroide más grande de la historia va a impactar en la Tierra y aniquilar todo rastro de vida, los gobiernos de todo el mundo realizan un sorteo en el cual los afortunados podrán sobrevivir en refugios secretos. Esta decisión desata un caos a nivel mundial. Jeff (Gerard Butler) y su familia emprenderán un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza, lo que les obligará a encontrar la manera de mantenerse unidos mientras encuentran la forma de sobrevivir.
Crítica
Una de catástrofes que entretiene en estos tiempos catastróficos
Ric Roman Waugh, cuya carrera está repleta de títulos en los que ha trabajado como doble de riesgo y que ha sumado ya casi una decena de películas como director estrena nuevo filme, ‘Geenland’. Su última obra fue la tercera entrega de la “Saga objetivo”, estrenada en España como ‘Objetivo: Washington D.C.’, para mí la peor de toda la trilogía. Pero ese encuentro con Gerard Butler ha dado a luz a esta película y a otra que veremos en un futuro bajo el título ‘Kandahar’. Pero es aún más acicate para ver esta cinta el encontrarnos con Morena Baccarin, una actriz que para mí ya es una musa del fantástico, a si es que ni tan mal.
Este largometraje que con su premisa recuerda mucho al cine de Emmerich pudo haber sido una obra de Neill Blomkamp protagonizada por Chris Evans, pero al final la dupla actor y director es la que os he mencionado. Como en ‘2012’ el guionista Chris Sparling (‘Buried’) ha elaborado una carrera en familia contra el reloj del apocalipsis. En familia, pero no familiar. Está catalogada para mayores de doce años pero si tiene alguna que otra escena que o bien por intensa o bien por violenta debería considerarse para unos espectadores unos años mayores.
‘Greenland’ está protagonizada por dos actores muy queridos por la audiencia, artistas que ya tienen trabajos míticos en su currículum. Solo con eso parte con un aprobado y captando además el interés delos fans del cine sobre el fin del mundo. Y efectivamente el envoltorio de la película es parecido al de otros títulos ya clásicos como ‘Deep Impact’ o ‘2020’. Pero eso sucede solo en algunos estadios del filme y como contenedor para una historia de suspense y drama. Aunque sea una película con una tremenda catástrofe lucha por intentar ser realista, sobre todo se percibe así ahora que podemos establecer paralelismos tan cercanos con el caos actual.
Me ha agradado ‘Greenland’ con su mezcla de acción y thriller pero si que es verdad que los tráilers me la habían vendido diferente, más inclinada a la espectacularidad del cataclismo. Sorprende que no tira tanto de espectáculo aunque para pantalla grande tiene muchas imágenes colosales. Es casi serie B de la que busca “comprometerse” con una leve crítica al sistema y que tiene algunos detalles a pulir. Solo enfocándola así se entiende que se ubique el “último refugio” en un lugar tan remoto e inaccesible como Greenland (Groenlandia), como decía la canción de los Zombies, “yo te buscaré Groenlandia”. También es de esperar que se note a veces el artificio digital para recrear fuego.
Con una separación tensa y el punto de vista de los que han tenido la suerte de recibir el mensaje de un refugio asignado vemos algo diferente rodeado de bastante acción, de esa que hace que se resuelva todo in extremis. Es un filme que nos lleva de la comodidad a lo peor, a ese momento en el que se enmarca la serie ‘El colapso’, pero sin llegar a tan acertado rodaje y análisis profético.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de septiembre de 2020. Título original: Greenland. Duración: 119 min. País:Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Chris Sparling. Música: David Buckley. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Scott Glenn, Brandon Quinn. Producción: G-Base, Anton, Riverstone Pictures, STX Films, Thunder Road Pictures, Truenorth Productions. Distribución: Diamond Films. Género: acción, thriller, aventuras. Web oficial:https://www.greenlandmovie.com/
Surgida de los autores de ‘Zombies party (una noche… de muerte)’, ‘Arma fatal’, ‘Baja por enfermedad’ y ‘Paul’ llegará a Amazon Prime Video ‘Truth Seekers’. Una serie que está co-escrita por Simon Pegg, Nick Frost, Nat Saunders y James Serafinowicz que ejercen también de productores ejecutivos junto con Miles Ketley y Jim Field Smith, quien también dirige.
Ayer Amazon publicó el tráiler y la fecha de estreno, el 30 de octubre. Será entonces cuando esta comedia paranormal comenzará a exhibir sus 8 episodios. En ‘Truth Seekers’ un equipo de investigadores paranormales a tiempo parcial se reúne para descubrir y filmar avistamientos de fantasmas en todo el Reino Unido, compartiendo sus hazañas en un sitio web para que todo el mundo las vea.
Ambientada en un mundo misterioso lleno de monstruos temibles y sobrenaturales, ‘Truth Seekers’ mezcla diversión y terror con una particular narrativa del género en esta serie protagonizada por Nick Frost en el papel de Gus, Simon Pegg como Dave, Samson Kayo como Elton, Malcolm McDowell como Richard, Emma D’Arcy como Astrid y Susan Wokoma como Helen.
Ya lo llevo diciendo tiempo, parece que hay una campaña para que la opinión pública apoye la carrera espacial, no me parece mal, pero empieza a ser descarado. Tras estrenos como ‘Próxima’, ‘Ad Astra’, ‘Space Force’, ‘Away’… llegará a Movistar+ ‘Moonbase 8’.
Esta disparatada comedia está protagonizada por Fred Armisen (‘Saturday Night Live’, ‘Portlandia’), Tim Heidecker (‘Tim and Eric Awesome Show Great Job!’) y el nominado al Oscar y a los Globos de Oro John C. Reilly (‘Dewey Cox: una vida larga y dura’, ‘Un dios salvaje’), que además ejercen de guionistas y productores junto al nominado a un Emmy Jonathan Krisel (‘Portlandia’, ‘Baskets’) que se encarga de dirigir los seis episodios que tendrá la temporada de ‘Moonbase 8’.
Sinopsis oficial.
Skip (Fred Armisen), Rook (Tim Heidecker) y su líder Cap (John C. Reilly) son tres astronautas de la NASA que viven aislados en un simulador lunar situado en el desierto de Winslow, Arizona. Desde allí, trabajan incansablemente para lograr el nivel de cualificación óptimo que les permita emprender su primera misión a la Luna. Mientras completan su entrenamiento, una serie de circunstancias inesperadas les lleva a cuestionarse su propia cordura, a medir su confianza mutua y a plantearse si están verdaderamente preparados para ser enviados al espacio.
Enola Holmes, una intrépida joven busca a su madre, utiliza su brillante instinto investigador para superar a su hermano Sherlock y ayudar a un lord en su fuga.
Crítica
Quiere parecer guay pero Enola no mola
La primera de las seis novelas de Nancy Springer en las que narra las aventuras y logros de la hermana de Sherlock Holmes ya se ha convertido en película. Enola Holmes es la hermana menor del famoso detective inventada por Springer y en este título de Harry Bradbeer nos cuentan sus primeros pasos y se dibuja muy bien su carácter.
No sé cómo será la novela pero si puedo decir que la película sigue la línea de otros trabajos de Bradbeer. Tenemos a una protagonista que se sale de los cánones femeninos establecidos. Además el carácter que se le quiere imprimir tanto a ella como al resto del filme es muy insolente y respondón. Este tipo de películas se suelen hacer ágiles y se pasan rápido, se agradece la apuesta. Pero hay varios puntos de los que adolece.
‘Enola Holmes’ está protagonizada en solitario por Millie Bobby Brown y seguramente con el rebufo de ‘Stranger Things’ la película tendrá muchos adeptos. Pero en mi opinión sigo pensando que le falta gancho y carisma, por mucho que aquí reparta leña y tire de ruptura de la cuarta pared. Lleva bien el papel arquetípico de alguien que ha leído una cantidad ingente de libros en tan poco tiempo de vida, de alguien impetuoso y arrollador pero le falta credibilidad.
Los papeles de Sherlock, Mycroft y la señora Holmes son parte importante de la trama pero realmente son secundarios. Obviamente estamos más familiarizados con Sherlock y el de Henry Cavill es marcadamente fornido aunque se intente disimular con distinguidas poses y trajes. Pero no es mal Sherlock, conserva sus ademanes y su imperiosa necesidad de usar la lógica. En el caso de Mycroft se le muestra como un hombre anticuado, petulante y estricto, puede cuadrar esta visión. Lo que os va a pillar más de nuevas es la inclusión de la madre interpretada por Helena Bonham Carter pero por lo que representa el personaje, no por ver a esta actriz en una película de época ya que parece que va a por algún tipo de récord. Por lo menos se sale de sus papeles depresivos más clásicos.
El público objetivo de esta película es el juvenil. El humor y la narrativa que tiene encaja más en ese margen de espectadores. Pero también puede gustar a todo aquel al que le interesen las películas tipo ‘La búsqueda’. Enola va como Marco buscando a su madre y cual Lara Croft repleta de dinero viviendo aventuras y peleas. Pero sobre todo va resolviendo puzles y enigmas. El problema es que tampoco son acertijos muy elaborados o complejos. Efectivamente la mecánica es parecida a la de las películas de Jon Turteltaub.
También deja bastante que desear el doblaje en castellano, sobre todo el de Millie Bobby Brown. Y la resolución del caso podría haber tenido algo más de agilidad en su escena del pasillo, es bastante torpe con imitación a Leone incluida. Además durante la película te vas encontrando alguna que otra contradicción. Como en la que cae la profesora afroamericana de Jiu-jitsu que primero dice la protagonista se desenvuelve bien sola y unas frases después dice que necesita ayuda. O dice también que Bobby Brown es la viva imagen de Bonham Carter, no...
Aunque el Londres del siglo XIX está bien realizado, los creadores de la película han optado por recrear trenes, explosiones o edificios con gráficos por ordenador y se notan demasiado artificiales. Aunque hay un regalo visual para los amantes de Harry Potter que va más allá de contar con varios actores de la saga.
Está muy bien incluido el tema del feminismo y el cambio social de la época. Ya no solo por las distintas frases que oímos o por la importancia de la lucha por los derechos en la trama, sino porque durante todo el filme es la chica es la que salva al chico. Esto va acorde al tono burlón que se mantiene durante toda la película.
‘Enola Holmes’ es un buen entretenimiento pero no destaca por encima de otras aventuras juveniles ni sobre otros filmes en los que aparece Sherlock. Nos pongamos como nos pongamos, ‘El secreto de la pirámide’ sigue siendo la mejor película con Holmes.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre. Título original: Enola Holmes. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Harry Bradbeer. Guion: Jack Thorne. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Adam Bosman. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Sam Claflin, Helena Boham Carter, Louis Partridge, Bum Gorman, Adeel Akhtar, Susan Wokoma, Frances de la Tour, Fiona Shaw. Producción: EH Productions, Legendary Entertainment, PCMA Productions, Warner Bros. Distribución: Netflix. Género: adaptación, aventuras, acción. Web oficial:ver en Netflix.
Carlos, un alto ejecutivo a punto de convertirse en socio de una gran empresa, recibe el encargo de mediar en el secuestro del ingeniero de una petrolera americana, en África. El incidente está poniendo en peligro la firma de un contrato millonario. En este viaje deberá enfrentarse a las consecuencias de sus acciones del pasado cuando fue cooperante en el país y elegir entre sus intereses personales y profesionales.
Crítica
Un thriller lleno de injusticias
El 25 de septiembre llega a nuestras salas ‘BlackBeach’, el segundo largometraje como director de EstebanCrespo (‘Amar’) y con RaúlArévalo (‘Dolor y Gloria‘), CandelaPeña (‘La boda de Rosa‘), PaulinaGarcía (‘La novia del desierto’), MelinaMatthews (‘El jugador de ajedrez‘), ClaudeMusangavi, LidiaNené y EmilioBuale (‘El hoyo‘), entre otros, como los principales engranajes de esta historia.
Nos presentan a Carlos (Raúl Arévalo), un hombre que está a punto de ser padre y solo quiere lograr ser socio en la empresa en la que trabaja para poder dejar una vida de vaivenes y poder centrar su vida en Nueva York con su familia. Le mandan un último encargo y es el mediar en el secuestro de un ingeniero de una petrolera americana en África. Su pasado regresa a por él y no tiene más remedio que ocuparse del asunto.
Una cinta de protesta, una cinta donde vemos las calamidades que se sufren a día de hoy en África y de como todo el mundo mira hacia otro lado. Donde las intrigas militares y políticas son tapadas mediante asesinatos y desapariciones.
‘Black Beach’ recibe su nombre de una mítica cárcel del África Ecuatorial de la que se cuentan verdaderas atrocidades, se cuenta que quien logra salir de allí, no vuelve a ser la misma persona. Aunque en la cinta solo se ve una vez, podemos advertir que poca gente es la que de verdad sale Black Beach.
Todo esto lo vemos desde la vista de Carlos, tiene que recorrer los lugares que algún día fueron su casa para desentrañar una trama de la que quizás no pueda salir. También nos deja claro que a las empresas les dan igual las personas y solo quieren más poder.
‘Black Beach’ es un thriller bien rodado y contado, quizás introduzca demasiados temas personales pero es la manera que los guionistas (Esteban Crespo y David Moreno) han elegido para contarnos la historia. Esto hace que sea menos trepidante en cuanto a la acción, pero si que logra empatizar más con los personajes.
En general las actuaciones son bastante comedidas, quizás los dos personajes que más me han gustado han sido los de Emilio Buale y Jimmy Castro. Papeles muy distintos entre ellos pero que bordan.
Raúl Arévalo quizás es el más flojito de toda la película y aun así convence con su personaje. Decir eso sí, que es bastante gafe y egoísta, dos características que quizás logran que Carlos no caiga demasiado bien. La química que muestra con el personaje de Candela Peña me parece excelente. Dos amigos que llevan años sin verse y aun así se siguen conociendo demasiado.
La fotografía de Ángel Amorós (‘Perfectos desconocidos‘) está muy cuidada. Mostrándonos el mundo rico con sus enormes fiestas y banquetes y al otro lado el pobre donde se pasa hambre y la gente vive en lugares insalubres. Es una parte muy importante de la película, pues logra que te metas de lleno en la historia.
No es un viaje agradable pero ‘Black Beach‘ nos enseña que las injusticias no hay que dejarlas pasar, sino luchar por intentar acabar con ellas. Un thriller al que quizás le falte un poco más de acción, eso sí, la que tiene está muy bien dirigida, pero que termina convenciendo.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de septiembre de 2020. Título original: Black Beach. Duración: 114 min. País: España. Dirección: Esteban Crespo. Guión: Esteban Crespo, David Moreno. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Raúl Arévalo, Candela Peña, Paulina García, Emilio Buale, Melina Matthews, Jimmy Castro, Luka Peros, Lidia Nené, Mulle Jarju Salvador, Babou Cham. Producción: Pris&Batty Films, Nephilim, Black Beach AIE, con la participación de Netflix y RTVE. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: https://prisbat.com/portfolio/black_beach/
Protagonizada por Julián López, Ernesto Sevilla, Arturo Valls, Dafne Fernández y Ana Milán
Sony Pictures nos comunica que el pasado fin de semana finalizó el rodaje de ‘Iterrail’, la producción de Mono Films y Sony Pictures International Productions, en colaboración con Kilima Media y la participación de Amazon Prime Video.
El rodaje ha tenido lugar durante 8 semanas entre Bilbao y Madrid, y su estreno en cines está previsto para verano de 2021. Tras su paso por las salas de cine, la película estará disponible en Amazon Prime Video. ‘Interrail’ es el primer largometraje de Fer García-Ruiz tras ‘Como yo te amo’, cortometraje nominado al Goya en 2018 y ganador de múltiples premios internacionales tales como el Premio del Público del Festival de Clermont-Ferrand. El guion corre a cargo de David Marques, cuyo guion de ‘Campeones’, el mayor éxito del cine español del año 2018, recibió también una nominación al Goya.
En cuanto al reparto, reúne un extraordinario elenco de cómicos liderado por Julián López (‘Superlópez’), Ernesto Sevilla (‘Lo dejo cuando quiera’), Arturo Valls (‘El mejor verano de mi vida’), Dafne Fernández (‘Perfectos desconocidos’) y Ana Milán (‘ByAnaMilán’).
‘Interrail’ ha sido rodada íntegramente con la Sony VENICE, la última cámara de cine creada por Sony que ofrece un sensor full frame que permite capturar imágenes en gran formato con una calidad de imagen excepcional. Además, garantiza una imagen limpia a cualquier valor de ISO, con un margen dinámico que permite combinar niveles altísimos de luminosidad preservando toda la información en bajas luces. La post producción es mucho más eficiente y cada vez son más los directores de fotografía que confían en Sony Venice.
Sinopsis oficial.
Año 2000. Pepo, Roge, Costa y Juan Luis, cuatro veinteañeros, emprenden el viaje soñado: el INTERRAIL. Pero en su primera parada en París, la aventura, y de paso su amistad, acaban de manera abrupta.
Veinte años después Juan Luis ha fallecido y, como última voluntad, ha decidido donar su jugosa herencia a sus tres antiguos amigos. Pero a cambio les pide que hagan el Interrail que no pudieron hacer con unas divertidas condiciones… tienen que llevarse con ellos las cenizas de su amigo para que pueda ‘vivir’ la experiencia con ellos.
Por ‘amor’ a Juan Luis, estos tres adolescentes de 40 años tendrán que resolver sus diferencias, visitar las mismas ciudades y vivir las mismas juergas, pero de un modo mucho más patético. Y con el colesterol por las nubes…
Netflix hace regresar a nuestros dinosaurios favoritos
El 18 de septiembre llega a nuestros hogares de la mano de Netflix ‘Jurassic World: Campamento Cretácico‘. Con un total de 8 episodios que os puedo asegurar van a disfrutar grandes y pequeños.
Seguimos a un grupo de seis adolescentes elegidos para vivir una experiencia única en un campamento de aventuras al otro lado de la Isla Nublar. Pero cuando los dinosaurios siembran el caos por la isla, los campistas se quedan atrapados. Incapaces de contactar con el exterior, deberán contar con la ayuda de desconocidos, amigos y familiares si quieren sobrevivir.
Después de leer la sinopsis ya os podéis situar y a todo aquel que haya visto ‘Jurassic World’, se podrá hacer una idea del caos al que se refieren. ‘Jurassic World: Campamento Cretácico’ es una historia paralela a ‘Jurassic World’ y sabemos de sobra que las cosas no van a ir del todo bien, pero lo vemos a partir de la visión de 6 adolescentes que iban a pasar unas divertidas vacaciones.
En el grupo de adolescentes encontramos al gamer, Darius Bowman; la influencer, Brooklynn; el VIP, Kenji Kon; SammyGutiérrez, la chica sociable y entusiasta; Ben Pincus, el cobarde y estudioso del grupo y Yaz Fadoula, la atleta. Todos ellos van a darse cuenta de que tienen que hacer piña para poder salir con vida de lo que se ha convertido en una pesadilla.
Todo esto está muy bien, porque al ser tan distintos las personalidades chocan una y otra vez. Querer llevar la razón o intentar hacer las cosas casa uno a su manera les lleva más de una vez por el camino equivocado. En esta serie de supervivencia deben aprender a trabajar juntos y evitar ser comidos por los dinosaurios.
La serie está bien llevada, tenemos acción y diversión desde el primer minuto. Vamos conociendo poco a poco a nuestros protagonistas, sus aficiones, miedos y habilidades.
En el tema técnico no hay nada malo que decir, la animación está muy trabajada y sin duda el diseño de los personajes hará que dentro de poco se venda diferente merchandising de esta parte de la historia.
‘Jurassic World: Campamento Cretácico’ es maravillosa para iniciar a los niños en la saga jurásica que tanto nos gusta a muchos. Además de pasárselo bien, van a aprender pues es bastante educativa a la hora de mostrarles los valores de la amistad y de la familia. También de darle importancia a las relaciones y que hay que colaborar y trabajar en equipo si uno quiere salir con vida de una isla llena de dinosaurios hambrientos.
Sexo, drogas, rock y un canalla es lo que marca a la magnífica ‘Vernon Subutex‘
El 15 de septiembre llega a Filmin una de las mejores series del año. Sí, así me lanzo a la piscina con ‘Vernon Subutex’ y es que esta serie de 9 episodios me parece imprescindible. Tiene unos personajes increíbles y luego está él, Vernon Subutex, que os puedo asegurar que no os va a dejar indiferentes de ninguna manera. Un personaje al que llegas a querer, odiar y comprender por partes iguales.
Para poneros en contexto, la serie está basada en la trilogía de VirginieDespentes quien antes de alcanzar reconocimiento como escritora trabajó entre otras cosas como prostituta, doncella, vendedora de discos, cantante en un grupo de rap y crítica de cine pornográfico.
Con su vida laboral podemos entender toda esta serie, llena de curiosos personajes dentro de un mundo de sexo, drogas y un eterno deseo a ser joven y el miedo a envejecer. Está claro que la autora sabe de lo que habla y lo expone de una manera brillante.
‘VernonSubutex’ nos presenta a este hombre, el ex propietario de la legendaria tienda de discos Revolver, ahora sin empleo y desahuciado de su apartamento. Decide emprender un viaje en busca de un lugar donde dormir, contactando con antiguos amigos. Uno de ellos, la gran estrella del rock AlexBleach, le coge con los brazos abiertos y después de esa noche muere dejando a Vernon tres misteriosas cintas de vídeo. De repente, Vernon, se convierte en el hombre más buscado de París.
Mientras todo el mundo busca a Vernon, como he dicho el decide buscarse la vida, RomainDuris nos regala este pedazo de personaje, al que vemos conformarse con su vida, con su sonrisa maliciosa y que termina cayendo en una espiral de desenfreno hasta perderse. Un hombre que estaba en la cima, con su tienda de discos, su vida de excesos y termina sin nada.
A su alrededor vamos conociendo a diferentes personas, como la buena de Emille, la complicada Sylvie, Pamela Kant interpretada estupendamente por JuanaAcosta, el fiel amigo Xavier Fardin y por supuesto Alex Bleach. Todos ellos forman esta historia, de una manera u otra nos adentran en ese mundo de la noche de París, de como la vejez llega y muchos aun siguen con complejo de Peter Pan.
Pero por otro lado, encontramos a La hiena y a Anaïs, que también buscan a Vernon para robarle las cintas por una historia bastante truculenta de la que no os quiero contar nada, pues se va descubriendo poco a poco.
La serie no pierde fuelle aunque sí que os puedo decir que algún episodio es algo repetitivo pero después de terminar la serie demuestran que todas las situaciones ocurridas son necesarias para que Vernon siga con su viaje y se logre así el desenlace de la historia.
Todos se acuerdan de Vernon, el buen recuerdo de su juventud en la tienda de discos logra que éste evite dormir en la calle durante días. Pero la vida no es tan fácil y como he dicho este personaje es un sinvergüenza y egoísta que solo piensa en él. Y por supuesto la gente que tanto le recuerda y le añora, también le conoce bien y es así como le toca andar dando tumbos de un lugar a otro.
Una de las cosas que más me ha gustado es como la historia va degenerando, en esta ocasión es algo que va con su personaje, la trama se vuelve más loca según Vernon se va perdiendo y con ello el espectador se adentra en la misma locura que está pasando el.
Pero no os quiero contar más de la trama ni de ellos, es más bonito que los descubráis. Deciros que tiene por supuesto una música maravillosa, vamos topándonos con canciones en todos los episodios y estamos ante una fotografía muy urbana y unos primeros planos que logran sentir lo que sus protagonistas están sintiendo.
El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.
Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.
Crítica
Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad
El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.
Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.
También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.
Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.
El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.
Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial:https://www.hanwayfilms.com/pinocchio
Esta es la historia de siete personas diagnosticadas con enfermedad mental grave y duradera, del taller de teatro en el que se encuentran, de los retratos fotográficos que una de ellas decide hacerles, de las relaciones que poco a poco se van estableciendo entre ellos, sus confesiones, sueños e inquietudes. Pero, sobretodo, lo es de su particular catarsis a través de la propia filmación del documental; para algunos, una manera de hacer las paces con su pasado; para otros, el descubrimiento de nuevos amigos; y para otros, una manera de afrontar los fantasmas de su niñez. En definitiva, una experiencia que marcará un punto de giro en sus vidas para siempre.
Crítica
La película de Berned hace un buen esfuerzo para terminar con un sistemático e injusto trato
La guionista Rosa Berned se presenta en nuestras pantallas con ‘Monumental’. Es una realizadora que ya ha hecho trabajos como el cortometraje ‘En la orilla’. Pero esta película no trata sobre la cineasta. Se circunscribe dentro del tema de las enfermedades mentales. Y tampoco abarca, no es su intención, a todo el colectivo de personas que tiene ese tipo de trastornos. ‘Monumental’ está centrada en siete personas que os van a encandilar seguro.
Siete personas y siete historias que ahora confluyen día a día en lugares como el Centro de Rehabilitación Laboral de Usera. Una de las lecciones que muestra este documental relatado por ellos mismos es que no se puede generalizar. Las personas con enfermedades mentales son eso, personas, y como tal son diferentes entre ellas, con mucho o casi todo en común con nosotros. Es más, ‘Monumental’ saca a la superficie tal honestidad y nobleza que uno piensa que estas personas serían mejores políticos que los que están al mando de nuestras vidas. Uno piensa que a ellos sí que habría que ponerles un monumento. Por su fortaleza o por saber abrirse con esa franqueza, estando en una posición tan difícil y aun así velar por los demás.
Son personas que a pesar de haber sufrido por parte de la sociedad o incluso de sus familias, que tras haber tenido momentos tan drásticos como intentos de suicidio o marginación en sus círculos más íntimos, que saben que han cometido errores y son capaces de mostrar una sonrisa. Se les llama locos pero ya quisiéramos nosotros a veces tener esa locura para poder mirar el mundo como lo ven ellos. A estas personas se les juzga más rápido de lo que lo hace el Juez Dredd y son conscientes de ello. Quieren acabar con esos prejuicios y con los tabúes que les rodean. La película de Berned hace un buen esfuerzo terminar con un sistemático e injusto trato.
Al margen de lo que enamoran estas personas por si mismas está el enfoque que las realizadoras del filme han buscado al montar la película. A través de testimonios y momentos sinceros se consiguen instantes con humor y también con mucha tristeza. Más que un diario de siete vidas esta es una composición de detalles importantes en la vida de aquellos que quieren demostrar que son autosuficientes, creativos, cultos y capaces de enamorarse, al fin y al cabo, válidos como cualquier otro.
María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez y Julia Vera. Merece la pena mencionar sus nombres, aunque sea realmente Julia la que acapare más minutos y sirva además como narradora de estas historias. “En el mundo hay millones de personas buenas, si no las encuentras, sé tú una”. Esto es lo que dice uno de ellos y tanto esta como otras verdades que pone sobre la mesa merecen ser integradas en todas las “mentes sanas”.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de septiembre. Título original: Monumental. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Rosa Berned. Guion: Amaya Villar Novascués, Rosa Berned. Música: Salvador Romero Núñez. Fotografía: Ana Fuentes, Jose María Serrano. Reparto principal: María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez, Julia Vera. Producción: Así es la vida, RTVE. Distribución: Artistic Metropol. Género: documental. Web oficial:https://produccionesasieslavida.es/
Una fría noche de invierno, en medio de la nieve, algo despierta silenciosamente y abandona la zona en la que se enfrentan los héroes y la Alianza de Villanos… Mientras tanto, Izuku y los otros estudiantes de la Escuela UA son enviados a trabajar como héroes a una cálida isla en el sur de Japón en la que también encuentran tiempo para relajarse. Sin embargo, esa calma pronto se ve perturbada por la aparición de un grupo de villanos que comienza a destruir las instalaciones de la isla una tras otra. El que los lidera es Nine, cuyo extraordinario don le confiere un poder inimaginable. Pero, ¿por qué Nine ataca esa pacífica isla? ¿Serán capaces Izuku, Bakugo y los otros alumnos de Primero A de proteger a los habitantes de la isla y combinar sus poderes para derrotar a Nine?
Crítica
No sabía de la potencia de esta franquicia, me alegra descubrirla
La segunda película de ‘My hero academia’ ha sido mi primer contacto con la franquicia que se originó a partir de la obra de Kôhei Horikoshi. No he leído el manga ni visto la serie, llego a esta película con curiosidad y con el objetivo de hablaros de otra película infantil que se coloca en nuestras carteleras. También buscando tener más conocimiento sobre personajes que son utilizados por muchos cosplayers en los salones de cómic.
En primer lugar lo que uno se encuentra es un elenco enorme de personajes. Por supuesto hay que haber seguido el material anterior para estar totalmente al día cuando se llega a ‘My hero academia: el despertar de los héroes’. Pero no es una información necesaria para seguir la trama y además en los primeros compases te hacen una puesta al día muy rápida en la que ya sabes que los protagonistas pertenecen a una academia de héroes en un mundo en el que el 80% de la población tiene poderes o lo que aquí llaman “dones”. Ahora el conjunto de amigos que pertenece a la misma clase debe enfrentarse al reto de ser los vigilantes de una pequeña isla para conseguir así ser unos héroes hechos y derechos.
En esos dones y en la gran cantidad de personajes veo uno de los puntos fuertes de esta saga. Solo hay que ver el cartel para darse cuenta de que esta historia no va corta en cuanto a diversidad. Todos tienen habilidades y formas variadas, como podemos haber visto en ‘Naruto’, ‘Berserk’ o ‘Bobobo’. Esto hace que ocurra algo que seguro que habéis observado que hacíamos con series míticas cuando éramos pequeños: cada uno se pedía al suyo para jugar o para tener el juguete de turno. Es un gancho eficiente para el público infantil y a las escenas o al argumento le da mucha versatilidad.
La mecánica engancha y también sigue los patrones de otros animes. El héroe protagonista aspira a más y más en pro de la justicia y el bien. Para ello va superando pruebas que crecen en dificultad. Si este chico llamado Izuku Midoriya tiene como referente al poderoso All Might es fácil que los niños/as que disfruten de esta serie/película delante de la pantalla encuentren con quién verse reflejado. También he visto un jugueteo con los dos chicos más carismáticos, imitando la dinámica que siempre han mantenido Goku y Vegeta o la que tenía Oliver Atom con Mark Lenders, es decir, este segundo tiene un complejo de inferioridad, queriendo ser siempre el mejor pero manteniéndose a la sombra del protagonista. Incluso en el villano también he visto un patrón conocido pues a lo Sylar (‘Héroes’) busca hacerse con los poderes de todos.
A parte de la consabida historia de crecimiento personal y de lucha contra el mal hay pequeñas moralejas repartidas por el filme. Como que la avaricia rompe el saco o la que extraíamos cuando nos leían el cuento ‘El pastorcito mentiroso’, a si es que bien también en ese sentido.
Lo otro que me ha impresionado de la película es su calidad visual. El dibujo es muy dinámico y sólido. Sobre todo se percibe un gran trabajo en cuanto al tratamiento de luces y recreación de “energías”. No se detecta ningún toque artificial más allá de la animación ni se incluyen artificios en 3D que impidan tener una uniformidad en el diseño de las imágenes. Es de los animes que hacen afición por el género.
¿Esta segunda película de la franquicia podría suponer el final de la saga? Que va, lo que aquí se narra podría pasar entre temporadas de la serie y aún está abierta a más historias, sobre todo con su final en el que dejan entrever la llegada de sangre nueva. Me alegra que aún se sigan haciendo series así.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: My Hero Academia The Movie – Heroes: Rising. Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Kenji Nagasaki. Guion: Yôsuke Koruda. Música: Yuki Hayashi. Fotografía: Mayuko Furumoto. Reparto principal (doblaje original): Daiki Yamashita, Nobuhiko Okamoto, Yuka Terasaki, Tomoyo Kurosawa, Yûki Kaji, Kaito Ishikawa, Yoshio Inoue, Kenta Miyake. Producción: Bones, Dentsu, Movic, Nippon Television Network, Shueisha, Sonic Music Entertainment, Toho, Yomiuri-TV Enterprise. Distribución: Selecta Visión. Género: anime, ciencia ficción. Web oficial:https://heroaca-movie.com/
Otro de los proyectos originales de Netflix en España está a punto de publicarse. Hablo de ‘Alguien tiene que morir’, la serie de Manolo Caro (‘La casa de las flores’) protagonizada por Carmen Maura que se estrena el 16 de octubre.
Es una miniserie de 3 episodios protagonizada por Cecilia Suárez (‘La casa de las flores’), la ganadora de cuatro Premios Goya Carmen Maura (‘La Comunidad’), Ernesto Alterio (‘Ventajas de viajar en tren’), el actor mexicano Alejandro Speitzer (‘Oscuro Deseo’), y el galardonado bailarín Isaac Hernández (‘El Rey de todo el mundo’). El elenco lo completan Ester Expósito (‘Élite’), Carlos Cuevas (‘Merlí’), Pilar Castro (‘Ventajas de viajar en tren’), Mariola Fuentes (‘Arde Madrid’), Eduardo Casanova (‘La casa de las flores’), Manuel Morón (‘La Peste’) y Juan Carlos Vellido (‘Las chicas del cable’).
Manolo Caro es el creador y director de esta nueva serie, que ha escrito de la mano de Fernando Pérez y Monika Revilla. Además, ha sido producida por Rafael Ley, María José Córdova, Carlos Taibo y el propio Manolo Caro. ‘Alguien tiene que morir’ es una producción de Noc Noc Cinema.
La historia de ‘Alguien tiene que morir’ comienza cuando un joven, tras ser llamado por sus padres, debe regresar de México a casa para conocer a su prometida, pero el pueblo queda sorprendido cuando regresa acompañado de Lázaro, un misterioso bailarín de ballet.
El 2 de mayo de 2011, casi diez años después de planear el ataque terrorista del 11 de septiembre que derribó las Torres Gemelas de Nueva York, Osama Bin Laden fue localizado en una mansión fortificada de Pakistán y fue asesinado. Ahora el escritor y analista de seguridad nacional de CNN Peter Bergen ofrece una visión de la vida del fundador de Al Qaeda, y lo hace a través de los discos duros desclasificados que se incautaron durante el asalto al complejo con la ayuda de expertos de la CIA, psicólogos criminales, académicos especializados en religión, militares y personas del círculo de Bin Laden.
El análisis se recoge en el documental ‘Los archivos secretos de Osama Bin Laden’, que se estrena en National Geographic el13 de septiembre a las 20:00 horas.
El programa se adentra en la enrevesada mente del fundador de Al Qaeda, su relación con su familia, su manera de ver la fe y la religión, así como en su legado nihilista de violencia y destrucción.
Bergen realizó la primera entrevista televisada con Bin Laden en Afganistán en 1997 y, al ser el único reportero occidental que recorrió el complejo de Abbottabad antes de que fuera demolido, está en una posición privilegiada para comprender cómo funcionaba la mente del líder terrorista.
En ‘Los archivos secretos de Osama Bin Laden’, Bergen entrevista en Londres a Abdullah Anas, un ex muyahidín y uno de los amigos más cercanos de Bin Laden en los años 80. Anas viajó con Bin Laden a Afganistán para luchar contra las fuerzas soviéticas y ofrece un valioso testimonio sobre la evolución del fundador de Al Qaeda. Bergen también habla con Abdel Bari Atwan, periodista y antiguo redactor jefe del periódico Al Quds Al Arabi, quien ofrece un testimonio de valor incalculable al ser uno de los pocos periodistas que pasó dos días con el mismísimo Bin Laden.
“Cuando se analizan estos discos duros, queda claro que la información digital nos puede dar muchas claves. Los archivos de Osama bin Laden son el legado de un hombre complejo, responsable del asesinato de miles de personas. La historia lo recordará por aquel acto infame, pero para desenmascarar la idea de un asceta que vivía en una cueva y lideraba una cruzada santa, es muy importante que sepamos cómo elaboraba los vídeos que verían después sus seguidores. Y también que leamos cómo sus cultas esposas le ayudaban a escribir discursos incendiarios. Veremos cómo inculcó a sus hijos y nietos una ideología de odio que los llevaba a realizar actos de violencia contra los animales y a recitar poesía yihadista. Comprender al personaje es esencial para poder luchar en el futuro contra otros potenciales Bin Laden”, ha declarado Bergen.
Bin Laden, que desdeñaba el correo electrónico y las vías digitales cifradas, realizaba todas sus comunicaciones a través de mensajeros. A pesar de su estudiada fachada de humildad y serenidad, las cartas revelan su narcisismo y su creciente paranoia cuando estaba aislado del mundo exterior. De hecho, en una misiva a una de sus cuatro esposas, a quien creía que le habían implantado un dispositivo de localización en un diente, le decía: “Me han dicho que has ido a un dentista en Irán y que te preocupa un empaste que te han puesto… El tamaño del chip tiene aproximadamente la longitud de un grano de trigo y el ancho de un fideo”.
Más de 20 personas vivían con Bin Laden en el destartalado complejo de Abbottabad, incluidas tres de sus esposas, una docena de hijos y nietos, así como guardaespaldas y sus familias. En las cartas y el material se exponen las estrictas reglas de Bin Laden sobre los niños que necesitan estar siempre supervisados cuando juegan en el patio para no hacer ruido, así como la cotidianidad de su existencia cuyo sustento eran el ganado y los huertos: “Hacemos nuestro propio pan y traen la leche a casa… la gallina y los huevos son de la casa”.
Las cartas también revelan que incluso los dos hombres en los que confiaba para proteger a la familia y que actuaban como intermediarios con el mundo exterior estaban cansados de este tipo de vida: “…los hombres que se ocupan de mi seguridad están cada vez más agotados… Me he esforzado muchísimo -y Dios es mi testigo-, en convencerlos de que esta es la mejor forma de hacerlo, pero por desgracia me he dado cuenta de que han llegado a un nivel agotamiento extremo, que se están desmoronando, y han dicho que quieren dejarnos”.
Los expertos que aparecen en ‘Los archivos secretos de Osama Bin Laden’ incluyen a:
Nelly Lahoud, Investigador Senior, International Security Program, New America y una de las pocas personas en el mundo que ha leído todas las comunicaciones personales que se incautaron en Abbottabad.
Dr. Reid Meloy, psicólogo forense y asesor del FBI.
Ali Soufan, ex agente especial del FBI que dirigió investigaciones sobre Al Qaeda y fue uno de los primeros en descubrir el vínculo entre el grupo terrorista y los ataques del 11 de septiembre.
Dalia Mogahed, académica estadounidense musulmana y directora de investigación del Institute for Social Policy and Understanding.
Un horrible virus arrasa una ciudad. Mientras tanto, un joven atrincherado en su apartamento y aislado del mundo digital busca desesperadamente una salida.
Crítica
Un rato distraído con una más de zombies
Matt Naylor escribió ‘Alone’ en 2019 y ahora Netflix ha materializado la película que nos llega con el título de ‘#Alive’ contando con él y siendo dirigida por Il Cho. Una nueva película de zombies que llega desde Corea del Sur conservando muchas similitudes con ‘La noche devora el mundo’ y siendo incluso más entretenida, aunque nada innovadora.
Un joven gamer se ve confinado en su casa. Atrincherado para que no entren zombies en su hogar, en el cual estaba solo mientras sus padres estaban fuera. Nos lo pintan como un nini que solo duerme y juega y por eso es plausible que no se haya percatado del estallido de un virus que convierte a los infectados rápidamente en zombies hasta que lo tiene justo en su vecindario. Sin haber hecho la compra se ve en la problemática de tener que sobrevivir solo.
Las únicas habilidades que posee este chico son las que le proporcionan las tecnologías: su móvil, su dron, su televisión… Con esos recursos intenta no ser devorado y ahí el filme puede tener un par de recursos curiosos. También consigue intrigarnos en determinado momento con eso de que estos cadáveres andantes (que son del tipo zombie que corre) pueden tener cierto grado de inteligencia o conservar recuerdos. Pero este último detalle solo se aprovecha una o dos veces con lo que al final la película se mantiene como un título más de no-muertos.
‘#Alive’ tiene buen ritmo y muy pocos actores (salvo los extras que dan vida a la horda de zombies). Ah-In Yoo, protagonista de ‘Burning’ (otra película que tal vez queráis ver) es el chico que se queda encerrado. Lo que nos mantiene expectantes son diversos componentes de suspense que se incorporan y algunas escenas emocionantes. Y ni su videodiario ni su desesperación son atractivos, es más seductor ver como un chico tan pánfilo va logrando salir adelante. Por lo demás cumple todos los tópicos: la desconfianza en los que han sido mordidos, los que se quieren suicidar antes de vivir como muertos vivientes…
Pues ya está, otra película más de zombies y otro título que se suma a los que pueden ver aquellos que se están enganchando al cine coreano a partir de películas contemporáneas como ‘Train to Busan’ o ‘Parásitos’. ‘#Alive’ es una película entretenida que seguramente os hará conversar a cerca de qué habríais hecho vosotros si en lugar de confinarnos por el COVID-19 nos hubiese rodeado una infección con devoradores de carne.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de septiembre de 2020. Título original: #Saraitda. Duración: 98 min. País: Corea del Sur. Dirección: Il Cho. Guion: Il Cho, Matt Naylor. Música: Tae-seong Kim. Fotografía: Son Won-ho. Reparto principal: Ah-In Yoo, Shin-Hye Park, Bae-soo Jeon, Hye-Won Oh, Hyun-Wook Lee. Producción: Zip Cinema, Perspective Pictures. Distribución:Netflix. Género: terror. Web oficial:https://www.perspective-us.com/alone-1
La muerte del cantante Pau Donés conmocionó al país y al mundo de la música. El documental ‘Eso que tú me das’ nos le traerá de vuelta junto al periodista Jordi Évole en una conversación íntima y sincera. Un reportaje grabado 15 días antes del fallecimiento del autor.
Ramón Lara dirige junto a Évole este documental que tuvo muy buena acogida en el recién clausurado Festival de Málaga y estará en cine el 30 de septiembre.
El cantante Pau Donés nos dejó el pasado 9 de junio, pero 20 días antes de morir llamó a su amigo Jordi Évole y le propuso tener una charla grabada, ‘Eso que tú me das’ es el resultado de esa charla. Un documento único de una persona que supo vivir y morir apreciando la vida en su totalidad, de alguien que, llegado el momento de la verdad, no quiso irse sin dejarnos a todos el testimonio de su agradecimiento.
El documental es un canto a la vida y una lección que nos dejó el cantante antes de irse, además parte de la recaudación que se consiga se destinará a la investigación de la lucha contra el cáncer.
Producciones del Barrio junto con Atresmedia son los encargados de la producción del documental. Warner Bros. Pictures España será la encargada de la distribución.
Después de estudiar durante varios años en Francia, Selma abre su propia consulta psiquiátrica en un popular suburbio de Túnez, justo después de que tenga lugar la revolución social y política de la Primavera árabe.
Allí tendrá que tratar con pacientes nuevos y adaptarse a los problemas ocasionados por sus diferencias culturales, reencontrándose con un pasado que creía haber dejado atrás.
Crítica
Os puedo recomendar sin miedo a decepciones que paséis por el diván de Selma
¿Alguna vez habéis pensado en que os psicoanalicen o simplemente si os hace falta? Si es así os voy a pasar la tarjeta de la consulta de Selma Derwich. Una consulta en la que muchos se atreven a contar sus más íntimas inquietudes y que está en Túnez bajo la atenta mirada de Nietzsche, con quien Selma tiene sus encuentros y desencuentros.
‘Un diván en Túnez’ es la varias veces nominada primera obra de Manele Labidi que nos transporta al país de la Unión Africana, esa organización que busca la cohesión entre los países de África y terminar con los restos del sus pasados bajo el yugo de los imperios europeos. Precisamente de Francia llega Selma (Golshifteh Farahani) a reconectar con sus raíces y a abrir una consulta psiquiátrica. Pronto se encontrará con el rechazo de aquellos que aún mantienen una mentalidad machista, tienen prejuicios contra los inmigrantes o en su cerrazón son incapaces de hablar de ciertos temas.
En clave de comedia ligera Labidi nos plantea un país lleno de apaños, sobornos y expertos en hacer negocio a partir de cualquier oportunidad. Es una sociedad que puede llegar a ser cargante y extenuante si uno quiere prosperar en ella con una mentalidad que va aún más allá de lo demandado en la Primavera Árabe. Para dibujar ese entorno Labidi no peca de pesimista y llena el lienzo de su relato con personajes peculiares, graciosos y con algo de aflicción. Madres e hijos que no se atreven a decirse las cosas, hombres que quieren ser mujeres, creyentes con una depresión inconfesa, funcionarias que se aburren y tienen un fondo de escritorio cambiante…
A Farahani la descubrí con la excelente película ‘Paterson’ y mantuve mi contacto cinéfilo con ella tras su breve papel en ‘La noche devora el mundo’. Ahora podéis conocerla en ‘Un diván en Túnez’, donde tiene más presencia y protagonismo. Y es una buena película para acercarse a la actriz iraní. Esta artista, tiempo atrás miembro de un grupo musical llamado Nómadas, refleja bien los problemas de un personaje que precisamente se acaba de mudar y tiene en su rostro marcado cada vez más y más por el hastío producido por unos vecinos agotadores, en ese sentido hay un bien trabajo de racor emocional. Es el frontón contra el que todos tiran sus pelotas y ella las devuelve con sus reacciones siendo así cómplice de la comedia que busca la directora.
Si conseguís encontrar en ‘Un diván en Túnez’ a Julio Iglesias o a David Hasselhoff es que habéis quedado enganchados en esta película que para la protagonista se asimila a alguna escena de ‘Las doce pruebas de Astérix’. También será porque estáis intrigados con sus razones para abandonar París ya que como dicen muchos psicólogos, “todos los psicólogos necesitan un psicólogo”.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Un divan à Tunis. Duración: 88 min. País: Francia, Túnez. Dirección: Manele Labidi Labbé. Guion: Manele Labidi Labbé. Música: Flemming Nordkrog. Fotografía: Laurent Brunet. Reparto principal: Golshifteh Farahani, Majd Mastoura, Hichem Yacoubi, Amen Arbi, Ramla Ayari, Aïsha Ben Miled, Feryel Chammari, Moncef Anjegui, Moncef Ajengui. Producción: Kazak Productions, Arte France Cinéma, Canal+, OCS, Cinéventure 4, Cofimage 30, Diaphana Films, MK2 Films. Distribución: Caramel Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/un_divan_en_tunez
‘My Hero Academia: el Despertar de los Héroes’ es el nuevo largometraje extraído de la saga ‘My Hero Academia’. Esta película consiguió en su estreno en Japón reunir a 1.390.000 espectadores y estuvo en el TOP2 de taquilla, solo por detrás de ‘Frozen 2’. También ha cosechado grandes éxitos a nivel internacional: ‘My Hero Academia: el Despertar de los Héroes’ fue la más vista el día de su estreno en las salas cinematográficas de Estados Unidos, con una recaudación de más de 1,5 millones de dólares.
Un manga que ha vendido más de 25 millones de ejemplares y que estará de nuevo en nuestros cines a partir del 11 de septiembre.
Además os hacemos saber que Selecta Visión ha organizado un sorteo de dos entradas de cine y un pack edición coleccionista con la primera temporada. Para participar tenéis que ir a su Instagram. El plazo final para participar es el lunes 7 de septiembre.
Hardin (Hero Finnes Tiffin) siempre será … Hardin. Pero ¿es realmente el chico profundo y reflexivo del que Tessa (Josephine Langford) se enamoró locamente, o ha sido un extraño todo el tiempo? Ella quiere alejarse, pero no es tan fácil. Tessa se ha centrado en sus estudios y comienza a trabajar como becaria en Vance Publishing. Allí conoce a Trevor (Dylan Sprouse), un nuevo y atractivo compañero de trabajo que es exactamente el tipo de persona con la que debería estar. Hardin sabe que se equivocó, quiere corregir sus errores y vencer a sus demonios. No va a perder a Tessa sin pelear. Pero ¿puede el amor vencerlo todo?
Crítica
Segunda partes nunca fueron buenas, si encima la primera ya era mala…
‘After. Aquí empieza todo’ recaudó a nivel mundial casi 70 millones de dólares habiendo costado unos 14. Rentable inversión para su productora y tal vez para quien haya disfrutado de los libros de Anna Todd en que se basa, pero en mi opinión es dinero malgastado. Esa primera entrega me pareció mala por su mensaje, interpretaciones y rodaje y ‘After. En mil pedazos’ sigue en la misma línea. La desgracia es que con toda la preventa de entradas que tiene el filme, aún con la pandemia, parece que la cosa va para trilogía o más.
Pienso que hay que respetar a aquellos que disfruten de esta historia, que no se si está muy bien adaptada de las novelas, pero como película creo que sería mejor que se invirtiese el dinero en otros proyectos. Podría pasar por alto descuidos que dejan a un personaje siempre con cazadora o que hacen pensar que expresiones como “medicarse con alcohol” están bien, pero lo que es inconcebible es que el filme tenga el descaro de ponerse a la altura de Jane Austen o Shakespeare y de recalcar que esta es una historia que ya hemos visto antes. Y tanto que la hemos visto antes, cuando predominaban en el cine las relaciones retrógradas. Se dice mucho, incluso en los pobres diálogos de esta película, que la relación de Hardin con Tessa es tóxica. No lo niego, así es. La trama consiste en que la protagonista sea una “perdonaerrores” que vuelve una y otra vez con un niño de mamá que va de macarra. Encima la película muestra con total naturalidad que el protagonista tiene controlada la localización de su ex o que es capaz de abrir una puerta a patadas poseído por los celos.
Al fin y al cabo ‘After. En mil pedazos’ podría ser otra manera de ver el curso de los protagonistas de ‘Grease’, cuando la mojigata, el amor de verano, cambia al malote. Si al menos tuviese buenas canciones, se moviesen como Travolta o Newton John y si al menos los personajes progresasen… O bien podría decirse que de continuar esta saga tendríamos un nuevo crepúsculo, solo que en vez de tener vampiros tenemos protagonistas ñoños que nos consumen la energía. En definitiva, es una relación en la que ambos son apasionados pero posesivos y dañinos el uno para el otro, ‘After. En mil pedazos’ no ha evolucionado nada.
La primera parte pecaba de puritana y en ‘After. En mil pedazos’ se han desmelenado con sexo hablado y casi explícito, tocando casi a revolcón por cada cuarto de hora. Desde luego que en Victoria’s Secret estarán contentos con la publicidad que les hacen. De verdad que no me gusta poner las películas mal y cuando me toca siempre hago uso de todo el respeto posible, como para muestra un botón, navegad por los centenares de publicaciones en esta web. Pero en este caso quien ofende es el propio filme, hablar así de él es casi un acto de defensa propia. Agrede a la inteligencia y diría que agrede todo lo que están intentando conseguir muchas mujeres y hombres para romper clichés rancios. Desde luego tanto relleno erótico adolescente y tanto cambio de dirección en el modo de pensar de los dos enamorados me parece vago, manido y fuera de época.
El director ha cambiado y en esta ocasión quien ha dirigido a Josephine Langford y a Hero Fiennes Tiffin es Rogert Kumble, autor de otros pasteleos como ‘Crueles intenciones’ o ‘La cosa más dulce’. No hay manera de encauzar a estos actores que además son pareja en la vida real (o eso se rumorea). No dejan de ser niños jugando a ser mayores (y ya no se si hablo de los actores o de los personajes).
Josephine Langford es hermana de la protagonista de ‘Por trece razones’. ‘After. En mil pedazos’ no es para quitarse la vida pero cerca está de ser una razón para ello. Por lo menos tiene un público al que impresionar, el adolescente, de hace unas cuantas décadas…
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: After. We collided. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Kumble. Guion: Mario Celaya. Música: Justin Burnett. Fotografía: Larry Reibman. Reparto principal: Josephine Langford, Hero Fiennes Tiffin, Dylan Sprouse, Louise Lombard, Christian Vance, Candice King, Inanna Sarkis, Shane Paul McGhie, Pia Mia, Dylan Arnold, Khadijha Red Thunder, Samuel Larsen, Rob Estes. Producción: CalMaple, Frayed Pages Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: romance, drama. Web oficial: https://frayedpagesmedia.com/movies
El próximo 9 de octubre llegará a los cines ‘Mi niña’ a través de Vercine. La directora LisaAzuelos (‘Lol’) ha elaborado este filme basada en vivencias propias. Para materializarlas en la pantalla ha contado con Sandrine Kiberlain (‘Cuando tienes 17 años’), Thaïs Alessandrin, hija de la directora, Víctor Belmondo, nieto del actor Jean-Paul Belmondo e Yvan Attal (‘Buenos principios’).
Azuelos confiesa que el detonante de ‘Mi niña’ fue la escena de ‘Boyhood’ de Richard Linklater en la que la madre, Patricia Arquette, contempla desolada cómo su hijo se prepara para ir a la universidad.
“Cuanto más hablo de mi vida, más gente siente que estoy hablando de la suya”, comenta Lisa Azuelos. “Soy sincera y creo que eso es lo único que importa. Todos pasamos más o menos por las mismas emociones y mi trabajo consiste en encontrar las palabras e imágenes adecuadas para expresarlas”, concluye.
Por su parte, su hija en la vida real y protagonista en la ficción, Thaïs Alessandrin, comenta: “Tan pronto como vio ‘Boyhood’, mi madre empezó a grabarme con su teléfono móvil. Al principio, solo éramos nosotras dos, quería inmortalizar nuestra vida juntas y pensaba que sería bonito ver esos vídeos cuando estuviéramos a miles de kilómetros de distancia. Pero pronto se dio cuenta de que había material para hacer una película que trascendiera nuestra relación, y que había mucha más gente que vivía la marcha de sus hijos a la universidad”.
Sinopsis oficial.
Héloïse es una madre de tres hijos que tiene una pequeña crisis cuando la más pequeña de ellos, Jade decide que al cumplir los dieciocho años, abandonará su vida en Francia para seguir con sus estudios en Canadá. A medida que se acerca el momento de que Jade continúe su vida lejos de casa, Héloïse verá aumentar su estrés y no podrá parar de pensar en todos los momentos vividos con su pequeña.
Protagonizada de nuevo por Leticia Dolera, Celia Freijeiro, Aixa Villagrán y Enric Auquer
Tras una primera temporada de ‘Vida perfecta’ que nos gustó bastante la serie iniciará el rodaje de su segunda temporada a partir del próximo lunes 7 de septiembre. La serie creada por Leticia Dolera fue premiada en festivales como CANNESERIES, que la encumbró como Mejor Serie y reconoció al trío protagonista con un Premio Especial de Interpretación además de llevarse dos Premios Feroz, a la mejor serie de comedia y al mejor actor de reparto para Enric Auquer.
Movistar+, en colaboración con Corte y Confección de Películas y, en asociación con Beta Film, producirá esta segunda temporada de 6 episodios de 25 minutos de duración que comenzará su rodaje el 7 de septiembre y que se estrenará en 2021 en exclusiva en Movistar+. Beta Film distribuirá la serie en el mercado internacional.
En esta segunda temporada ‘Vida Perfecta’ vuelve a plantearnos cómo gestionamos nuestras expectativas de vida frente a lo que nuestra vida es en realidad. En clave de comedia dramática, María, Cris y Esther volverán a sorprenderse frente a miedos y anhelos en torno al amor, la pareja, la maternidad o la familia. Y es que, cuando menos te lo esperas, la vida vuelve a darte la vuelta.
‘Vida Perfecta’ T2 es una serie creada por Leticia Dolera, que firma el guion junto a Manuel Burque. La dirección de esta segunda temporada estará al cargo de la propia Leticia Dolera, Lucía Alemany (‘La inocencia’) e Irene Moray (‘Suc de síndria’). LeticiaDolera,Celia Freijeiro y Aixa Villagrán interpretan al trío femenino protagonista. Enric Auquer repite su personaje en esta segunda temporada.
La exitosa autora Veronica Henley (Janelle Monáe) se encuentra atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Abandera y molesta con su causa y método
Una preciosa puesta de sol, un verde y espeso prado, sábanas blancas y limpias mecidas con el viento y… racismo. Este contraste es con el que arranca ‘Antebellum’ el primer largometraje de Gerard Bush y Christopher Renz. Y esta, que también es la primera película protagonizada en solitario por Janelle Monáe, mantiene esa disparidad durante casi todo el metraje. La muy apropiada fotografía de Pedro Luque (podéis ver un trabajo igual de potente en ‘Millennium. Lo que no te mata te hace más fuerte’) ayuda aquí a que tengamos muy buenos planos en los que se enfrentan bellas imágenes con momentos muy duros. Pero esta contraposición no es la única sorpresa que nos reserva ‘Antebellum’.
A la hora de película llega un giro (tranquilos que voy a ser menos revelador que el tráiler) que nos deja totalmente descolocados. Me ha pillado con la guardia baja y no he visto ninguna pista que desvele lo que iba a pasar, si es que la había. Posteriormente la trama progresa en algo que realmente ya hemos visto en otras cintas, algunas de renombre, pero en este caso se embadurna todo con un discurso en contra del racismo y el machismo. Con esta película cabe decir que a pesar de estar muy bien rodada e interpretada, a los productores de ‘Déjame salir’ y ‘Nosotros’ el tema se les ha ido algo más al extremo, seguramente por haberse distanciado de los momentos con comedia y de los toques del género fantástico.
La película maneja mucha tensión usando incluso cañonazos de fondo como banda sonora. Como poco te deja con mal cuerpo y desde luego si uno no la ve con una mente sumergida en una ficción, de manera abierta o incluso prevenida se puede interpretar como una llamada al alzamiento. Si nos ceñimos a su título significa “antes de la guerra”. Desde luego que hay que apoyar lo que demanda pero las maneras en que lo reclama son bastante provocadoras, no por como habla del pasado sino por el presente tan límite que imagina. Calma y paños calientes. No hay que olvidar que esta es una película que además centra su principal giro en una idea propia de la serie B más imaginativa.
Lo que hace ‘Antebellum’ sobre todo es reivindicar, intentando al menos ser original aunque centre su principal sorpresa en algo ya ideado por otros antes. A veces es necesario será así de pendenciero con una obra de arte, pero la casualidad ha hecho que lo que está sucediendo en Estados Unidos tenga mucho que ver. Es por eso que este estreno más que echar leña al fuego podría suponer arrojar un barril de pólvora en una hoguera que ya arde con mucha intensidad. Desde luego a muchos conservadores de aquí y de allí les va a molestar. Algo similar sucedió con ‘Queen & Slim‘ y la cosa no fue a mayores.
Janelle Monáe hace igual que en ‘Figuras Ocultas’, reivindicar los derechos de su raza y aunque algo más levemente, los de la mujer. Con un estilo muy diferente encuentra la herramienta. Está claro que es una actriz que sabe aguantar la mirada a la cámara pero casi siempre, este es un caso mayúsculo, opta por llevar su interpretación a lo impulsivo e indomable.
El filme está bien rodado, como decía la fotografía es bastante clásica pero a la vez la cámara tiene movimientos de hoy en día. Consigue que constantemente se establezcan paralelismos entre pasado y presente. Visualmente se centra mucho en meter pequeños mensajes que apoyen el alegato de la película. Por ejemplo, constantemente tenemos elementos en segundo plano o un trasunto que refuerza aún más todo lo que pasa en la historia. Clara muestra de ello es la ironía o jugarreta que relaciona a la protagonista con Thomas Jefferson en determinado momento del largometraje. Aunque también hay que decir que Bush y Renz no se han andado con sutilezas. Sobre todo son las frases del principio y del final las que resultan realmente definitorias y lapidarias. Aún así no sabréis que significa realmente Antebellum hasta que no estéis próximos al final del metraje.
Lo que sí que no alcanzo a entender es por qué se vende como una cinta de terror. Aunque si podemos decir que rememora una época en la que las personas afroamericanas vivían aterrorizadas, este filme se ajusta más a lo distópico, lo dramático y el suspense.
‘Antebellum’ coge las clásicas películas que narran la esclavitud en los años sesenta del siglo XIX y las mezcla con alguna idea más propia de Shyamalan. A veces es un poco tramposa para conseguir engañarnos acerca de qué es lo que estamos viendo pero consigue su finalidad, que no es otra que la de abanderar y molestar.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de septiembre de 2020. Título original: Antebellum. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Bush, Christopher Renz. Guion: Gerard Bush, Christopher Renz. Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Janelle Monáe, Eric Lange, Jena Malone, Gabourey Sidibe, Jack Huston, Kiersey Clemons. Producción: Lionsgate, QC Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial:https://antebellum.movie/
Ya os pudimos mostrar el tráiler de ‘El verano que vivimos’ e incluso alguna salas de cine lo han mostrado antes de pases de películas de Warner Bros. Ahora podemos anunciar que hay compositor e intérprete para el tema principal de la película protagonizada por Blanca Suárez (‘Perdiendo el norte’, ‘Las chicas del cable’), Javier Rey (‘Fariña’, ‘Velvet’) y Pablo Molinero (‘La Peste’).
Será el famosísimo Alejandro Sanz el que ponga letra y voz a la canción que supondrá su primer trabajo para la banda sonora de una película en toda su carrera. El tema es inédito y compartirá el mismo título de la película, ‘El verano que vivimos’. Acompañará a los protagonistas en esta historia de amor, amistad y traición a través del tiempo y con las viñas de Jerez de la Frontera como fondo. La canción podrá oírse en una de las escenas clave del filme.
Aún tendremos que esperar a otoño para ver ‘El verano que vivimos’ con las notas de Alejandro Sanz.
Amazon Prime Video ha anunciado hoy su próxima producción española Amazon Original: ‘G.E.O. Más Allá del Límite’. Una serie documental que se adentra en uno de los cuerpos policiales de élite más prestigiosos del mundo: el Grupo Especial de Operaciones o GEO. La serie, que ya ha comenzado su producción, se estrenará en exclusiva en Amazon Prime Video en más de 240 países y territorios.
Por primera vez en su historia, un equipo de cámaras tiene acceso exclusivo al durísimo proceso de selección de los nuevos miembros, que se extiende durante más de 7 meses. Cientos de aspirantes comienzan y solo unos pocos terminarán pasando las pruebas necesarias para convertirse en miembros del GEO.
En cada capítulo se seguirán los progresos de este grupo de aspirantes profundizando en su historia personal, sus reacciones ante las duras pruebas y su transformación a lo largo de un proceso que pondrá al límite sus capacidades físicas y mentales. Sometidos a un estrés extremo, privados de sueño y expuestos a condiciones inaguantables, los aspirantes tendrán que superar sus peores miedos para estar preparados para lo que pueda estar por venir.
“Estamos emocionados de poder acercar a los miembros Prime este arduo proceso de selección a través de ‘G.E.O. Más Allá del Límite’”, ha comentado Georgia Brown, Directora de Series Europeas Amazon Original en Amazon Studios. “Es una producción llena de acción, adrenalina, tensión y competición que acercará tanto a los todos los españoles como a nuestras audiencias globales el camino de los policías españoles más cualificados para llegar a formar parte de uno de los mejores cuerpos de élite del mundo”.
“Es una excelente oportunidad poder trasladar y acercar a los ciudadanos la formación y la capacitación de los policías aspirantes a ingresar en el Grupo Especial de Operaciones. Es una parte más de la labor diaria que la Policía Nacional realiza para proteger y ayudar a la sociedad, garantizando el ejercicio pleno de sus derechos y libertades. Es una buena ocasión para ver que tenemos una policía moderna y preparada, de las mejores”, ha afirmado el Comisario Jefe GEO/GOES, Javier Nogueroles Alonso de la Sierra.
“Los espectadores de todo el mundo van a acceder por primera vez a un proceso que no se ha visto en los 40 años de existencia del GEO. Estamos muy contentos de poder trasladar al mundo, de la mano de Amazon, una historia con la que apostamos por una nueva forma de narrar y entender el gran documental de entretenimiento”, IgnacioCorrales, director general de Buendía Estudios.
Los 8 episodios de 50 minutos de ‘G.E.O. Más Allá del Límite’ están producidos por Buendía Estudios. Los productores ejecutivos del proyecto son Jorge Pérez Vega e Ignacio Corrales y el director es David Miralles (‘El Xef, 21 días’, ‘Conexión Samanta’).
Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
Crítica
Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia
En primer lugar, tengo que decir GRACIAS. Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia. Si, yo soy hombre y ‘Las niñas’ tiene muchos momentos que se centran en la feminidad, pero tan solo con comenzar y cerrar la película con las escenas de canto me ha recordado a mi época en el colegio en el que también las monjas me invitaban a poner la boca como un túnel para al menos simular que cantaba.
Pero no solo esa escena es responsable de que esta opera prima sea un verdadero viaje al pasado. Si nacisteis en torno a mi generación rememoraréis la primera cinta de casete que os grabaron, las canciones de Héroes del Silencio, el acento andaluz de Gazpacho en ‘Los Fruitis’, la frustración de ver Canal+ codificado, los recortes de las revistas juveniles en la pared, el corrector en bote, las campañas contra el VIH…
Y esto es solo la superficie. ‘Las niñas’ transcurre cuando España estaba a punto de vivir un año olímpico y de exposición universal bajo el gobierno de Felipe González a principios de los noventa. En ese marco Celia (Andrea Fandos) experimenta el inicio de la adolescencia. Al final de la película vemos una clarísima evolución de su personaje y eso se ve más allá de la acción representada, se le ve en la cara. Se encuentra en una etapa de cambio y descubrimiento. Constantemente incorpora cosas nuevas a su vida pero yendo más allá empieza a abrir los ojos ante la realidad que vive y a hacerse preguntas. Palomero ha reflejado muy bien como eso desemboca en las primeras inquietudes, los encuentros con cosas “prohibidas” y con ello, los desafíos a la autoridad. ¿Quién no recuerda haber hecho alguna vez una incursión por zonas prohibidas de su colegio? ¿Quién no se ha visto por primera vez entre risas nerviosas en una discoteca? Todos llegamos al momento en el que hemos demandado nuestra zona íntima o nos hemos enfrentado a un profesor/a que volcaba sus frustraciones en nosotros.
Quizá ‘Las niñas’ adolece de una trama central o una meta en la lejanía que mantenga más enganchado al espectador. Pero es que ‘Las niñas’ es la vida. Se centra en el día a día de una protagonista cuya madre (no muy convincentemente interpretada por Natalia de Molina) también forma parte del título al ser una madre primeriza y soltera, con su inestabilidad y confrontamientos emocionales. Es humana igual que lo es Consuelo, la religiosa interpretada por Francesca Piñón, la Angustias de ‘El Ministerio del Tiempo’ que aquí aporta poco consuelo y mucha más angustia a las protagonistas.
Da gusto seguir las correrías del reparto infantil, claro protagonista. Ya sea por la mano de Pilar Palomero o por la naturalidad de las actrices consiguen reflejar muy bien una etapa complicada, en la que todos ser humano se comunica más bien poco por lo escaso que se conoce. Además gracias a ellas, en concreto a Andrea Fandos, se desarrolla estupendamente todo el subtexto que tiene la película a la hora de recrear el mundo adulto que las rodea. Los adultos en este filme figuran como personas que se inquietan e incluso asustan a la hora de enfrentarse a unas niñas que ya piensan por si mismas.
No es de extrañar que esta película se haya alzado con la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga. Los detalles y momentos entrañables de ‘Las niñas’ son para guardarlos junto a nuestros recuerdos.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: Las niñas. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Pilar Palomero. Guion: Pilar Palomero. Música: Juan Carlos Naya. Fotografía: Daniela Cajías. Reparto principal: Andrea Fandos, Natalia de Molina, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón. Producción: Aragón Televisión, BTeam Pictures, Inicia Films, Las Niñas Majicas, RTVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:http://bteampictures.es/las-ninas/
De los productores de ‘La maldición de Hill House’, llega un nuevo capítulo en la antología: ‘La maldición de Bly Manor’, una historia de romance gótico basada en los relatos de Henry James. La temporada tendrá nueve episodios y se estrenará en Netflix el próximo 9 de octubre.
‘La maldición de Bly Manor’ está ambientada en los años 80, en Inglaterra. Tras la trágica muerte de una au pair, Henry Wingrave (Henry Thomas) contrata a una joven profesora americana (Victoria Pedretti) para cuidar de sus sobrinos huérfanos (Amelie Bea Smith, Benjamin Evan Ainsworth). Tendrá que trasladarse a vivir a la mansión Bly, donde viven los pequeños junto con el cocinero, Owen (Rahul Kohli), la jardinera, Jamie (Amelia Eve), y el ama de llaves, la señora Grose (T’Nia Miller). Pero en esta mansión no todo es lo que parece y varios siglos de oscuros secretos esperan ser desenterrados en esta escalofriante historia de romance gótico… En Bly, morir no significa desaparecer.
Mike Flanagan, Trevor Macy, Darryl Frank, Justin Falvey y Diane Ademu-John son los productores ejecutivos.
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