Paramount Pictures nos ha enviado el tráiler de ‘Scream VI’. La nueva entrega de la franquicia slasher llegará a cines el próximo 10 de marzo con un amplio reparto, en el cual hay muchas caras conocidas para los fans de la saga. La lista de nombres nos hace citar a Melissa Barrera, Jasmin Savoy Brown, Jack Champion, Henry Czerny, Mason Gooding, Liana Liberato, DermotMulroney, Devyn Nekoda, Jenna Ortega, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving con Hayden Panettiere y Courteney Cox.
Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett han dirigido esta nueva historia que han co-escrito James Vanderbilt y Guy Busick.
Sinopsis oficial:
Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
Melchor, Gaspar y Baltasar abren por primera vez las puertas de su palacio para el rodaje de un documental sobre su día a día mientras preparan la cabalgata de Reyes, no precisamente en su momento de máxima popularidad. Así arranca una aventura disparatada en la que estos tres personajes míticos se ponen en manos de su nueva mánager, Lola, para modernizar su leyenda con colaboradores tan variopintos como Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada o Rozalén.
Crítica
Así es “la office” de los Reyes Magos cuando hacen cosas en las sombras
Los norteamericanos hacen muchas veces mofa a raíz de su cultura, también juegan con ella y de paso nos la venden al resto del mundo. ¿Por qué no hacer esto nosotros? Es algo que le funcionó a ‘El Ministerio del Tiempo’ (que comparte productora con esta película), que recientemente me ha gustado que hiciese ‘Reyes contra santa’ y que Víctor García León hizo con ’Selfie’ o la serie ‘Vota/Venga/Vamos Juan’. Ahora con ‘Los Reyes Magos: la verdad’ el director se pone navideño para, en forma de falso documental, desentrañar los secretos y vida de aquellos que nos traen los regalos el 6 de enero.
Igual que en ‘Reyes contra Santa’ se detecta la inquietud o burla de alguien perteneciente a una generación que sabe que las costumbres de USA están apartando a las tradicionales españolas. La técnica está más próxima a la de ‘Selfie’ dando la impresión de que estamos tras las intrusas cámaras de unos reporteros, pero la acidez y la comedia es similar a la de la serie que protagoniza Javier Cámara. Los Reyes Magos fichan a una representante y esta nos hace de guía hablando a cámara mientras sus majestades intentan adaptarse y abrirse al siglo XXI. La sensación es que estamos ante una españolización de ‘The Office’ o de ‘Lo que hacemos en las sombras’, por lo menos bebe unas gotas de esas fuentes. Algunos personajes quieren aparentar patéticamente como Michael Scott y otros son tan socialmente incompetentes como Nandor, incluso está el paralelismo de “seres paranormales” y su ayudante.
En el reparto tenemos presente hasta al mismo director como director del propio documental que supuestamente se graba. Los Reyes Magos son Mauro Muñiz, JavierCarramiñana y Pedro Gutiérrez y la representante es Camila Viyuela. Ellos retratan esta versión de la trastienda (ya que se ha convertido en algo casi únicamente comercial) de nuestra Navidad. Pero a la vez perpetúan el leitmotiv de la obra de García León, que para mí no es otro que la farándula española. De ahí la inmensa cantidad de chistes y el carácter de los personajes con el que debemos asumir sentirnos reconocidos. Declaraciones inoportunas, momentos de vergüenza ajena, chistes desfasados… la parodia nacional vuelve casi como si volviésemos a cantar en aquel programa de Sardá y Constantino Romero. El director viste a los reyes de fantoche (como en ciertas cabalgatas madrileñas), les hace nadar, bailar, exponerse a las redes sociales… Rompe un mito con la rabia punk de un niño que acaba de enterarse de que los reyes no existen.
Siento repetirme, pero al igual que en las series de Gervais, Clement y Waititi tenemos famosos que edulcoran el metraje. Y no son pocos pues ‘Los Reyes Magos: la verdad’ cuenta con la aparición de Jordi Hurtado, Almudena Cid, Lorenzo Caprile, Rozalen, Esty Quesada… Es imposible odiarles de normal y mucho menos en esta película.
El broche, la guinda del pastel, el rizar el rizo… llamémoslo como queramos, es el hecho de que esta sea una película de Prime Video. Compramos y consumimos cada vez más y día a día crece la cuota de compras que se hacen vía online. No sé si ha sido Víctor García León quien ha querido constatar esta ironía estrenando en la plataforma de Amazon o si la división audiovisual de la compañía de Jeff Bezos en España ha abierto a propósito la puerta a este proyecto recurriendo a una ligera autocrítica. En cualquier caso, estamos ante una paradoja que se lee muy entre líneas y que se hace la mar de divertida. Los reyes son los padres y esta quizá no es la madre de las parodias, pero si es un cuñadismo bien recibido.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Los Reyes Magos: la verdad. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Víctor García León. Guion: Teresa Bellón, Daniel Castro, Víctor García León. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Eva Díaz Iglesias. Reparto principal: Camila Viyuela, Mauro Muñiz de Urquiza, Javier Carramiñana, Pedro Gutiérrez, Gorka Aguinagalde, Almar G. Sato, Paula Iwasaki, Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada, Rozalén. Producción: Onza Entertainment, Amazon Prime Video. Distribución: Prime Video. Género: comedia.
El mundo es un lugar misterioso, sobre todo visto a través de los ojos de un animal. En su camino EO, un asno gris de ojos melancólicos, se topa con buena gente y otra no tan buena, conoce la alegría y la pena, y la rueda de la fortuna transforma, según el momento, su buena suerte en desastre, y su desdicha en felicidad inesperada. Pero nunca, en ningún momento, perderá la inocencia.
Crítica
En este road trip a cuatro patas vemos como a ojos de un asno podemos ser humanos o animales
El jurado de Cannes escogió de entre todas las películas presentadas a Sección Oficial a ‘Eo’ como su preferida. Algo tenía que tener este largometraje cuando se la ha incluido en el mismo saco que a ‘Langosta’, ‘Crash’ o ‘Los miserables’. El filme de Jerzy Skolimowski pasó cosechando más éxitos por la SEMINCI y aspira a los Premios del Cine Europeo y a representar a Polonia en los Oscar.
“Qué nobles son los burros” decía un buen amigo mío refiriéndose a los borricos, asnos y mulas, quizá también a algún que otro respetable zoquete que nos rodeaba en aquellos años de carrera universitaria. La lealtad, mezquindad y brutalidad que rodea a los burros (y a nosotros) está omnipresente en ‘Eo’. En su candidez e inocencia este asno se topa con el ser humano, con todo lo que ello conlleva, es decir, descubre la mayor de las bondades pero también la peor de las crueldades. Puede recibir las caricias de su compañera de show y seguidamente los latigazos del dueño del carro del que ha de tirar.
Eo es liberado de un circo y empieza con ello un road trip que le llevará de Polonia a Italia. ‘Eo’ es un camino de ternura, tristeza y descubrimiento. Sobre todo de mirara melancólica, curiosa e incluso soñadora. Consigue sacarnos más de una sonrisa, pero a los más amantes de los animales es capaz de producirles congoja, porque está llena de todas aquellas brutalidades que como especie acostumbramos a pasar por alto. Todo ello lo vemos en 4:3 y con unas imágenes cuidadas, al nivel de un documental de National Geographic. Es en resumidas cuentas es un retrato de la humanidad, en sus mejores y peores caras, con una evidente carencia de diálogos y una buena banda sonora a base de cuerda que los suple. El director sabe narrar muy bien con gestos, miradas, sonidos y elipsis.
Este intrépido animal se cruza en su camino con personajes interpretados por la como siempre enfermiza Isabelle Huppert (‘Elle’), Sandra Dryzmalska (‘Sole’) y Lorenzo Zurzolo (‘Morrison’). Skolimowski, que goza de buena reputación a nivel europeo, ha basado esta última propuesta en ‘Al azar, Baltasar’ de Robert Bresson. Hace tiempo que dejé de ir a zoos y a circos precisamente por lo que defiende esta película. Los animales somos aquellos que enjaulamos a otros animales solo por diversión, recreo u ocio. Tristemente a veces hay que decir que no merecemos la lealtad de nuestras mascotas.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: EO. Duración: 86 min. País: Polonia. Dirección: Jerzy Skolimowski. Guion: Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Michal Dymek. Reparto principal: Sandra Drzymalska, Lorenzo Zurzolo, Mateusz Kosciukiewicz, Isabelle Huppert, Tomasz Organek, Saverio Fabbri. Producción: Skopia Film, Alia Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://filmygo.pl/filmy/io/
Ramona acaba de llegar a vivir a Madrid con su novio, Nico, y quiere empezar de cero: quiere ser actriz, quiere ser madre, quiere vivir en Lavapiés. Pero no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada.
Crítica
Podría servir como lanzadera de talentos, pero no pasa de la anécdota de ser un primer trabajo en largo
Comenzamos la película de Andrea Bagney y la música, la imagen, la composición de planos, los títulos de crédito… nos dicen que lo de ‘Ramona’ va a ser un paseo por Madrid al más puro estilo clásico. El barrio de Lavapiés, refugio de inmigrantes y centro de la gentrificación, parece retroceder a la época del blanco y negro, al Madrid exento de prisas y ruidos. Las callejuelas y pasajes que recorre la protagonista interpretada por Lourdes Hernández (Russian Red) recuerdan a las del cine de Berlanga, Lazaga o Palacios. Lugares a los que el blanco y negro convierte en espacios cerrados y sombríos, pero no por ellos exentos de vida. Sin embargo, a ojos de Ramona, este callejero es un lugar que temer. Temer por integridad física y por tener tanto que hacer que al final no hace nada.
Ona (Ramona) es una joven española que se ha criado en Reino Unido. Regresa en busca de sus raíces como si estas fuesen un ancla capaz de dar sentido a la deriva de su vida. El existencialismo intensito de los jovenes del siglo XXI domina el filme. Es por eso que el charloteo de la película está dominado por reflexiones sobre la crisis laboral, amorosa… Veo que el sentir general por esta película es positivo, pero los actores están dirigidos de tal manera que no me han resultado naturales y quizá por ello me he aburrido durante casi todo el metraje. Un aburrimiento no provocado por el ritmo del filme sino por su contenido.
‘Ramona’ es un retrato o entrevista a un personaje que tiene un fondo que se percibe más mediocre de lo pretendido. Es como si se hubiese buscado una especie de ‘Amelie’ pero no se ha logrado ni el mismo carisma, ni la misma peculiaridad y por supuesto ni de lejos la misma naturalidad. No percibo en el filme ningún intento por empatizar con la protagonista y aunque el texto se centre en dilemas vitales, raspa tanto de manera superficial que tampoco consigue ser un retrato generacional. Incluso se pierde retrato actual de la capital ya que los interiores ganan presencia y se acotan a una tribu urbana o círculo demasiado cerrado.
Falta profundidad en los personajes, falta mejor mano en la dirección y falta incluso más constancia en la buena elección de planos. Como lanzadera de sus incipientes talentos me parece una buena obra que bien podría haber sido simplemente un cortometraje. Eso si, la última estampa del filme, muy parecida a las de ‘Amelie’, estupenda.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Ramona. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Andrea Bagney. Guion: Pol Orpinell (B&W). Fotografía: Pol Orpinell. Reparto principal: Lourdes Hernández, Bruno Lastra, Francesco Carril. Producción: Tortilla Films. Distribución: Filmin. Género: romance, drama. Web oficial:https://www.instagram.com/tortilla_films
En palabras de Carlos Vermut, «’Mantícora’ habla de un monstruo real, de los que viven entre nosotros y que te puedes encontrar en el metro o en la cola de la panadería. Habla de la necesidad de amar y ser amado»
Crítica
Un torrente de emociones y pulsiones oscuras excesivamente abstraído
Siempre que he coincidido en una rueda de prensa o festival con Carlos Vermut, este me ha demostrado ser una persona imposible de escudriñar, impasible e inmutable. Si hay algo que le da valor o mérito a un director, a un actor, a un artista… es crear una obra que sea ajena a su personalidad. Vermut siempre deja la huella de su flema, se la contagia a sus actores y eso dice mucho de él como autor, pero con todo y con eso es capaz de encontrar en sus películas el medio para plasmar torrentes de emociones y pulsiones. Ya lo hizo con ‘Magical girl’ o con ‘Quién te cantará’ y repite la jugada con ‘Mantícora’.
La campaña publicitaria y el secretismo mantenido hasta que ha llegado su estreno no ha podido ser de lo más críptico. En mi opinión debería haberse mantenido el teaser póster que he colocado en mi crítica pues es mucho mejor gancho que el convencional cartel que han decidido publicar como póster final. Como veis, una mantícora dibujada de una sencillísima forma dominaba ese cartel. La mantícora, parte león, parte escorpión, a veces con alas y siempre dotada de dardos venenosos. Símbolo a veces del mal y otras de las envidias. Bien es cierto que tiene su significado para con el devenir de la película, pero tras verla y observar qué es lo que ocupa casi toda la atención puedo entender la razón del cambio.
Casi todo el filme se centra en esbozar una relación de pareja, distrayéndonos de la construcción del personaje principal. Mantícora habla mucho de monstruos, sobre todo de aquellos que llevamos dentro o se ocultan a plena luz del día. En ese sentido hay dos únicas escenas, una de ellas un escalofriante plano secuencia al final, que si se centran en el tema. Pero el resto del filme está casi totalmente abstraído de ese laso oscuro que siempre está presente en el cine de Vermut.
No voy a contaros nada específico del argumento. Pero de nuevo incluye elementos muy modernos, de vanguardia o última generación. Ya nos hizo pasar por el mundo de la canción o del cosplay y ahora la trama la protagoniza un modelador de personajes de videojuego. Y está muy de actualidad por la profesión que ejerce ese personaje interpretado por Nacho Sánchez, pero también por la delicadísima temática que trata. El tratamiento es exquisito, pulcro y sutil. Quizá es por eso que termina siendo excesivamente disperso.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: Mantícora. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Carlos Vermut. Guion: Carlos Vermut. Fotografía: Alana Mejía González. Reparto principal: Nacho Sánchez, Zoe Stein, Angela Boix. Producción: Aquí y Allí Films, BTeam Prods y Punto Nemo AIE, ICAA, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, RTVE, TV3, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/manticora/
En el desierto de Laponia, un soldado retirado descubre oro. Ahora intenta traer su botín a la ciudad y debe enfrentarse a un grupo de soldados nazis que harán todo lo posible para truncar sus planes.
Crítica
Brutal y majadero western finlandés
Sisu no es el nombre del protagonista de este filme bélico de acción con tintes de western que está interpretado por Jorma Tommila. Sisu es un término finlandés que define un concepto un tanto ambiguo. Se utiliza para definir ese coraje, ese extra, esa fuerza de voluntad, determinación o estoicismo que alguien saca de sus adentros para llegar a lograr su cometido. A todo el mundo que le he explicado esta definición me ha acabado diciendo (y con razón) “¡es el fua!”, haciendo alusión al famoso freak borracho de internet.
Nos podemos tomar a broma esta película ya que es de lo más fantasiosa. No es de extrañar que fuese la más premiada en Sitges 2022. Es imaginativa, apoteósica y desmelenada, hizo que nos pusiésemos de pie entre risas y vítores en varias ocasiones. Por un lado está totalmente carente de mensaje y por otro dispone una acción sin límites, hasta llegar a puntos del tipo ‘Fast & Furious’ o ‘Misión: Imposible’. El autor es Jalmari Helander y por eso podemos decir que comparte productora y director con ‘Big game (Caza mayor)’, la película que metía a Samuel L. Jackson en la piel del presidente de Estados Unidos, quien tras estrellarse con el Air Force One en un bosque tenía que ir de la mano de un niño para intentar sobrevivir. Igual de majadera es ‘Sisu’.
En ella conocemos a Korpi, un finlandés que se ha partido los lomos para encontrar el oro que resolverá su vida y le dará el tan deseado descanso del guerrero. Pero todo se ve trastocado pues estamos plena II Guerra Mundial y se cruza con un escuadrón nazi, el cual, está arrasando con todo aplicando la política de tierra quemada. Empieza así un enfrentamiento, una persecución que tiene un toque a lo ‘Mad Max: Fury Road’ pues el héroe huye por tierras baldías, perseguido por carros de combate mientras va liquidando a sus enemigos, quienes tienen presas a unas mujeres que terminan siendo de armas tomar.
La fotografía, los prostéticos, el vestuario, los accesorios, los efectos especiales… No se cuánto presupuesto tiene el filme pero está bien aprovechado. El acabado es de superproducción y la elección de planos es para recordar. Sobre todo cuando esas tomas logran emular los de míticas películas o consiguen que la sangre nos sorprenda y casi nos salpique.
Implacable, inagotable, despiadado… La perseverancia y resistencia de este protagonista parece de risa pero no olvidemos los muchos tiros que reciben los Rambo, McClane y compañía y aún así siguen aniquilando rivales. Los muchos estallidos de violencia gráfica son apoteósicos, solo disfrutables por quienes aprecian el cine violento sin excusas o han entrado a la sala sabiendo que van a ver algo que se basa en una agresividad cómica, solo propia del humor negro. Eso sí, este personaje carece de frases lapidarias ya que no dice ni mu en toda la película, salvo justo antes de los créditos.
Si miramos ‘Sisu’ desde el punto de vista de los nazis nos damos cuenta de que esto es como un slasher en el que los muertos caen a merced de un asesino inmortal. Hasta te llegan a dar pena los soldados alemanes que se van incorporando al body count. Y es que como dijo Helander cuando presentó la película en Sitges “no jodas a un Finlandés”.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Sisu. Duración: 91 min. País: Finlandia. Dirección: Jalmari Helander. Guion: Jalmari Helander. Música: Juri Seppä, Tuomas Wäinölä. Fotografía: Kjell Lagerroos. Reparto principal: Jorma Tommila, Aksel Hennie, Jack Doolan, Onni Tommila, Mimosa Willamo. Producción: Subzero Film Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, western, bélico.
Un sicario de la mafia de Miami (Antonio Banderas) deberá sacrificarlo todo para salvar a una joven que se ha juntado con quién no debía: la jefa de la organización criminal para la que él trabaja, una femme fatale involucrada en el turbio mundo del cibersexo. El protagonista se verá obligado a tirar de contactos, y otros recursos menos ortodoxos, para salvar a la chica y resolver sus problemas.
Crítica
Un protector cliché y excesivamente sobreprotector
Los últimos coletazos del año nos suelen traer películas en plena carrera por Oscars, Goyas y demás premios cada vez más devaluados por la opinión pública. Pero también modestas películas de acción. El nuevo título de la experta en el género, Millennium Media se llama ‘El protector’, cuidado con confundirla con la película de Jackie Chan, ni con la de Tony Jaa, ni con la de Liam Neeson, ni con Torrente 3… Esta está sacada de la obra de Peter Iliff, quien firma también el guión de la película.
El primer largometraje de Richard Hughes nos trae, tras ‘Code Name Banshee’, de vuelta a Antonio Banderas como protagonista en una película estadounidense. Aunque ‘El protector’ es una coproducción búlgara y el protagonismo se reparte con otro debutante, Mojean Aria. Ese co-protagonismo es lo que precisamente degrada la película pues Aria, a quien habréis visto en ‘Reminiscence’ o ‘See’, está muy verde, por pulir y no da la talla para el papel de matón callejero que encarna.
Quien si ejerce bien de villano es Banderas. En esta película interpreta a un asesino, de esos que tiene un código, un límite en su horizonte plagado de muertes y ajustes de cuentas. Banderas hace tiempo que hizo las américas, pero parece que ha encontrado una manera de mantenerse vivo al otro lado del charco encarnando a los malos del filme, aunque en el caso de ‘El protector’ se trate de un antihéroe. Lo hizo hace poco en ‘Uncharted’ o ‘El otro guardaespaldas 2’ y puede que haga más de lo mismo en la nueva entrega de ‘Indiana Jones’. Junto a la fotografía, el carácter de este personaje, que busca de un modo un tanto a lo León la redención, es lo único que funciona.
Sin que se perciban intenciones machistas en la película sí que es cierto que se reboza por enésima vez lo tóxico y excesivamente paternalista o innecesariamente protector que es muchas veces el héroe de las películas. Los clichés afloran por doquier. La novia striper con ganas de escapar, el afroamericano fumeta y gangsta interpretado por un rapero, la exmujer que se apropia de la hija alejándola del padre expresidiario… Parece una partida al GTA que además jugamos de tranqui, sin que tenga en su primer acto un rumbo definido. Al final lo único curioso que vemos es una foto que parece haber brindado el propio Banderas de cuando una de sus hijas era solo un bebé.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: The enforcer. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Hughes. Guion: Peter Iliff. Música: Giorgio Giampà. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Antonio Banderas, Kate Bosworth, Mojean Aria, Zolee Griggs, Alexis Ren, 2 Chainz, Natalie Burn, Mark Rhino Smith, Luke Bouchier. Producción: Born to Burn Films, Millennium Media, Nu Boyana Film Studios. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, suspense. Web oficial:https://theenforcermovie.com/
Inspirada libremente en la vida de Lucio Urtubia, y con elementos ficcionados, ‘Un hombre de acción’ explora la figura del histórico anarquista navarro, que llevó a cabo una legendaria operación de falsificación en París que le puso en el punto de mira del banco más grande de Estados Unidos, cuando consiguió obtener una enorme cantidad de dinero falsificando cheques de viaje.
Crítica
Una buena oportunidad para que la audiencia descubra otras facetas y métodos del anarquismo
La historia de Lucio Urtubia es la de muchos otros que tuvieron que sobrevivir en el exilio a base de trabajos precarios, estraperlo o previsiones de futuro inferiores a las que tenían cuando vivían en España. Pero el matiz que aporta ‘Un hombre de acción’ es el del idealismo. La lucha de la clase obrera y anticapitalista encuentra en la figura de este navarro a un referente muy actual en cuanto a valores de justicia, igualdad y equidad. Fue una persona que decidió ir un paso más allá, desafiando a la ley y al sistema. La película de Javier Ruiz Caldera hace la buena obra de destacar a un personaje al que se le ha rendido culto a nivel regional, pero no nacional. Al igual que otras muchas producciones estadounidenses ensalza y adorna la historia de un héroe popular con ficción y algo de espectacularidad.
Dicho lo dicho sobra remarcar que ‘Un hombre de acción’ está basada en hechos reales. La película adopta el esquema de la retrospectiva, es decir, nos plantea una primera secuencia tensa que nos deja con un cliffhanger y nos hacen retroceder veinte años durante todo el primer acto. Viajamos así de la Navarra de postguerra al Paris adoptivo de tantos españoles republicanos, marxistas o anarquistas. La producción nos traslada muy efectivamente a esa época y con mucha nitidez y claridad deambulamos por la Francia de los años sesenta y setenta.
Ruiz Caldera cuenta con dos actores con los que ha trabajado anteriormente como Luis Callejo y Miki Esparbé (‘Malnazidos’). Ellos son en esta ocasión el acompañamiento ideal, pero en esta ocasión el protagonista lo encarna Juan José Ballesta. Cual Paco Martínez Soria encarna a un pueblerino embriagado y desbordado por la gran ciudad. Pero, tanto actor como personaje, lejos de amedrentarse toma la senda de la acción directa siguiendo los pasos de Durruti o de Quico Sabater y absorbe las corrientes de la época convirtiéndose en lo que habitualmente llamamos un “Robin Hood”. Un activista que aparte de querer darle al pueblo lo que es del pueblo intentó ser ese efecto mariposa que provocase un maremoto que derrumbase las bases de lo que es el germen del sistema de consumo actual: el dinero, los bancos y las grandes empresas. “Robar un banco es delito, pero más delito es fundarlo” cita la película al principio.
Por lo general la historia o la sociedad solo recuerda a los anarquistas que fundaron esa corriente de pensamiento o aquellos que se dedicaron a la acción directa poniendo bombas. ‘Un hombre de acción’ es una buena oportunidad para que la audiencia descubra otras facetas y métodos del anarquismo, aunque sea desde un punto suavizado e incluso adornado con comedia. Tanto en forma como en trama recuerda a ‘Atrápame si puedes’. En cuanto a fondo no se asemeja tanto a la película de Steven Spielberg pues tenemos ente manos un tema político, pero esa prolongada persecución entre falsificador y policía tiene una influencia evidente. Acción y comedia, lo habitual con Javier Ruiz Caldera (‘Superlópez’). El suspense lo aporta sin duda el guionista Parxi Amezcua (‘La sombra de la ley’, ‘Operación marea negra’). Esta ha sido una combinación la mar de eficaz.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2022. Título original: Un hombre de acción. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Guion: Patxi Amezcua. Fotografía: Sergi Vilanova. Reparto principal: Juan José Ballesta, Liah O’Prey, Luis Callejo, Miki Esparbé, Alex Blazy, Ben Temple, Fred Tatien, Ana Polvorosa, Josean Bengoetxea, Juan Olivares, Mónica Lamberti. Producción: Ikiru Films, La Pulga y El Elefante, La Terraza Films. Distribución: Netflix. Género: acción, suspense, biográfica. Web oficial:https://www.netflix.com/browse?jbv=81308434
El expreso japonés, el tren bala, llega a nuestras casas justo antes de la Navidad. ‘Bullet train’ (crítica aquí), la película protagonizada por Brad Pitt y dirigida por David Leitch sale al mercado doméstico editada por Arvi Licensing.
En el filme, además de Brad Pitt, aparecen Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Zazie Beetz, Andrew Koji, Brian Tyree Henry, Michael Shannon y muchos otros. ‘Bullet train’ nos hace viajar de personaje en personaje, de asesino en asesino, y no queremos bajarnos de divertida que es. El único que se quiere apear es Ladybug, el personaje de Brad Pitt, quien a la desesperada intenta cumplir una sencillísima misión.
‘Bullet train’ se suma a otras películas que con un escenario tan reducido y sencillo como un tren de pasajeros, consigue desarrollar una historia entretenida. Ya sea ‘Train to Busan’, ‘Snowpiercer’, ‘El pasajero’, ‘Alerta máxima 2’… Mezcla comedia, pelea, lucha coreografiada, sangre… los ingredientes que buscan los fans de la acción. La película funcionó como un tiro, valga el chiste fácil, pues costó 90 millones el llevarse a cabo y recaudó más de 230 millones de dólares.
La edición en Blu-ray nos permite ver en casi la máxima calidad esta aventura adornada con la estética y luz que caracteriza al Japón más moderno. Esa mezcla de tradición y modernidad se ve también en el menú del disco que con música rock nos presenta a todos los personajes. No sin antes brindarnos una preciosa ilustración del Fuji y un curioso arbolito cuyas ramas forman el perfil de Brad Pitt.
El menú es fácil e intuitivo, manejable por todo tipo de edades y familiarizados o no con la tecnología. Como novedad se ha incluido un indicador que nos dice cuánto dura la sección de extras que vamos a ver. En cuanto a idiomas podemos seleccionar el audio en castellano, inglés y francés DTS-HD Master Audio 5.1, ruso y sistema de audiodescripción en francés Dolby Digital 5.1. Los subtítulos en cambio son más amplios pudiendo aparecer en castellano, inglés, inglés para sordo, árabe, danés, holandés, estonio, finés, francés, hebreo, letón, lituano, noruego y sueco.
Extras (33 min. aprox.)
Easter Eggs: atrapa lo que te perdiste (4:14 min.)
Probablemente esta lisa de cameos, detalles y secretos sea lo que hace que veamos varias veces las películas. En ‘Bullet train’ hay una larga lista de amigos y guiños repartidos por todo el metraje, aquí te los desvelan todos.
Entrenamiento de profesionales: el reparto (6:53 min.)
¿Cómo te preparas para una película repleta de tiros y peleas? Si no tienes un elenco repleto de tipos como Jackie Chan o Tom Cruise debes preparar bien a tus fichajes. Pero no está solo el factor físico, también el trasfondo de los personajes. De eso trata esta sección.
Todos a bordo del tren del dolor: acrobacias (5:13 min.)
Tanta acción en un espacio tan cerrado requiere especialistas capaces de realizar acrobacias complicadas sin romperse la crisma y de enseñarle eso mismo a las estrellas. Leitch es un especialista en la acción pero a veces es inevitable que ni los extras ni los actores más hábiles y atrevidos se lleven un coscorrón.
Misión cumplida: making de ‘Bullet train’ (6:11 min.)
Para David Leitch conseguir adaptar bien esta obra era un reto, como fan del género de acción y como fan de la novela. Tanto él como el resto del equipo hablan de cuales eran las claves para hacer que todo funcionase e incluso cuál era su relación antes de este proyecto.
Comentario de la película de David Leitch, Kelly McCormick y Zack Olkewicz
Siempre es un lujo poder ver una película acompañados de sus autores. Con esta opción podemos escoger ver el filme mientas estos autores nos van descubriendo anécdotas y detalles.
Selección de escenas de acrobacias (3:57 min.)
Un escueto montaje de varias escenas de lucha montadas con los ensayos de los coreógrafos que las prepararon previamente. Muy curioso de ver.
‘Bullet Train’ se descarrila (4:36 min.)
Los distintos anuncios, en los que estuvieron implicados los miembros del reparto, para promocionar el estreno de la película. Todos ellos relacionadas con la NBA.
Tomas falsas (3 min.)
Las risas tontas, las caídas, los textos olvidados… un clásico de los rodajes que en este caso está lleno de planos y contraplanos fallidos.
La película se sitúa en el verano de 1991. La familia Gaspar comienza sus vacaciones en la playa, pero, tras discutir con su padre, Lucía, la hija adolescente, decide fugarse con su novio. Una tormenta eléctrica sorprende al resto de la familia a bordo de un patinete y cuando consiguen volver a la costa descubren ¡que han viajado al 2022! Un descabellado futuro lleno de smartphones, selfies y música trap. ¿Conseguirán volver a los plácidos noventa?
Crítica
El DeLorean español es un patinete de playa y nos da un buen viaje
Nacho G. Velilla suma el género de ciencia ficción a su ya nada corta lista de eficientes comedias. ‘Perdiendo el norte’ (y el este), ‘Villaviciosa de al lado’, ‘Por los pelos’, ‘Que se mueran los feos’… son otros títulos que con mayor o menor repercusión han pasado por salas y de los que seguro habéis oído hablar. Lo que ya podemos decir rotundamente acerca de la filmografía del director es que sus apuestas siempre son sinceras y sin pelos en la lengua, pero sin irse a extremos o a lo políticamente incorrecto. Se mueve siempre entre dos tierras (en esta ocasión más que nunca) ubicadas entre el gamberrismo y el humor blanco. ‘Mañana es hoy’ no es una excepción y salvo por la machacadísima ordinariez de Antonia San Juan, destaca sobre el resto por incorporar dos cosas.
Por un lado, lo que ya mencionaba. Estamos ante una película de género fantástico en la que una familia viaja de 1991 al 2022, así, perdiéndose el gran año que fue el 92. Sobra decir que al igual que en títulos como ‘Demolition man’, ‘Regreso al futuro’ o ‘Los visitantes’, la base del humor reside en las diferencias entre una época y otra, sobre todo en las tecnológicas. ‘Mañana es hoy’ está repleta de chascarrillos sobre la España de antes y la de ahora. Se explota el cómo tenemos actualmente una cultura mucho más abierta y loca a ojos de personas de hace treinta años. Los euros, Felipe VI, los smartphones, el topless, los robots aspiradora, los contratos precarios, el trap… Cualquier tiempo pasado fue mejor nos dice esta película cada dos por tres.
Y además incluye un argumento más dramático que en anteriores ocasiones. ‘Mañana es hoy’ es una carrera por recuperar en diferentes sentidos a una hija. Un padre esclavo del tiempo y con costumbres caducas arrastra a su familia a una vida aburrida y encorsetada, lo cual, crea encontronazos con una joven que vive muy por delante de él. Por supuesto hay comedia pues la rebeldía de los hijos y la incompetencia del padre les convierte en una familia disfuncional. Pero también hay una parte emocional, en la que se habla de las relaciones paternofiliales e incluso del maltrato a las mujeres o el desdén con el que se les trataba en el pasado.
Sumamos a todo esto el talentazo de dos protagonistas como Carmen Machi y JavierGutiérrez. Son dos primeras espadas de nuestro cine y valen para lo que les echen, pero da gusto verlos en comedias. A ellos y al reparto de secundarios conocidos que figuran en esta película pues le dan vidilla a la trama. Con todo este elenco nos pegamos un gran viaje. Para Velilla el DeLorean español es un patinete de playa y los McFly se apellidan Gaspar Castellanos. Una familia y un medio de transporte un tanto raros, pero… ¿quién puede decir que Doc y su máquina del tiempo eran normales?
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de diciembre de 2022. Título original: Mañana es hoy. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Nacho G. Velilla. Guion: Oriol Capel, David Sánchez. Música: Juanjo Javierre. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Carmen Machi, Silvia Abril, Pepón Nieto, Natalia Agüero Avecilla, Mina El Hammani, Antonia San Juan, Carla Díaz, Marta Fernández-Muro, Elena de Lara, Blanca Tamarit, Candela Pradas, Asier Rikarte. Producción: Aparte Films, Atresmedia Cine. Distribución: Prime Video. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial:https://www.instagram.com/primevideoes/
En una Suiza distópica que ha caído bajo el dominio fascista de un malvado tirano del queso, Heidi vive una vida pura y sencilla en los Alpes suizos. El abuelo Alpöhi hace todo lo posible por proteger a Heidi, pero sus ansias de libertad pronto la meten en problemas con los secuaces del dictador. La inocente niña se transforma en una fuerza de combate femenina que se propone liberar al país de los locos fascistas del queso.
Crítica
Una película no apta para intolerantes a la lactosa y a la sangre
Por fin ‘Mad Heidi’ ha llegado a salas españolas. Nos estamos acostumbrando a tener cada año una o dos películas independientes e incluso realizadas por fans, que se hacen virales en las redes pero no siempre tenemos la suerte de verlas en pantalla grande. Los autores de esta autodenominada Swissplotation son Johannes Hartmann y Sandro Klopfstein. La distribuidora #ConUnPack Distribución la ha estrenado para nuestro regocijo en algunas salas de cine tras su exitoso paso por un par de festivales de la península. Os recomiendo ver en sala y con compañía a esta Heidi crecidita que se pone los famosos coloretes de nuevo, pero a base de sangre, es una apoteósica perversión.
Si el clásico anime presentaba cambios con respecto a la obra original de Johanna Spyri imaginad la trama de ‘Mad Heidi’. Un cacique toma el control de Suiza y la somete a una dictadura del queso. Este villano va ataviado con una indumentaria que alude claramente a la Alemania de la II Guerra Mundial y está interpretado por Casper van Dien. Uno de sus lugartenientes mata a Pedro y comienza así una historia de venganza, una sangrienta vendetta. Tarantino estará complacido con esta película que persigue a unos fascistas esparciendo sangre, lactosa y vísceras por la tierra de los relojes, las cuentas bancarias y las navajas, aunque por tema de licencias no hayamos podido ver el logo de la clásica Victorinox cortando miembros.
‘Mad Heidi’ respira amor por el cine de género, sobre todo por el western, el gore y la acción. Emana mala leche y ganas de reírse de la nostalgia. Tienes que tener muy claro qué vas a ver y con quién vas a mofarte de lo que se ha rodado para poder disfrutarla. Sigue la estela de chifladuras desatadas como ‘Sharknado’, ‘Velocipastor’, ‘Zombies nazis’, ‘Iron Sky’… y surge de un crowdfunding, como ‘Kung Fury’. La campaña recaudó 3 millones de euros a si es que puede haber casquería y argumento extraño, pero calidad visual no le falta. Pertenece claramente a la escuela de la Asylum salvo por el hecho de que no viola ningún derecho de autor.
Pedro es un cabrero negro con pinta de chulo, el queso es un elemento de tortura, las maestras de Heidi son unas monjas ninja, hay muertes por Toblerone, zombies queseros… Se fusilan escenas de ‘Sonrisas y lágrimas’, ‘Apocalypse Now’, ‘Malditos bastardos’, ‘Kill Bill’ e incluso Batman está presente con una escena muy a lo Bane.
A priori el cabeza de cartel de la película es Casper Van Dien, actor conocidísimo por otra película sangrienta como ‘Starship troopers’, el cual, está volcando su carrera en el cine de Serie B. No es de extrañar que durante el rodaje no haya parado de brindar fotos y firmas. Pero realmente, aunque le actor tiene mucha presencia, quienes tienen el protagonismo son unas actrices que además traen sabor español. Son la protagonista Alice Lucy, que tiene sangre fallera y a Almar G. Sato, a quien habréis visto en películas como ‘Bajo el mismo techo’ o ‘Miamor perdido’. ‘Mad Heidi’ es la película que es y no hay que tomarse muy en serio las interpretaciones, aunque para hacer este tipo de películas de coña también hay que saber entrar en el juego. Alice Lucy y Almar G. Sato hacen de Heidi y Klara y están sublimes en favor de la parodia, sobre todo Lucy pasando de ser una humilde, aunque picaruela, chica de montaña a una demente asesina. Desde luego la cara de loca la borda. Además, aunque sea a modo de chiste final, nos prometen más. Yo quiero ver la continuación que ya sabemos que se llamaría ‘Heidi & Klara’.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2022. Título original: Mad Heidi. Duración: 94 min. País: Suiza. Dirección: Johannes Hartmann, Sandro Klopfstein. Guion: Trent Haaga, Johannes Hartmann, Sandro Klopfstein, Gregory D. Widmer. Música: Mario Batkovic. Fotografía: Eric Lehner. Reparto principal: Alice Lucy, Almar G. Sato, Casper van Dien, David Schofield, Max Rüdlingler. Producción: Swissploitation Films, A Film Company. Distribución: Con Un Pack Distribución. Género: comedia, acción, fantástico. Web oficial:https://www.instagram.com/madheidimovie/
James Knight es un veterano detective dedicado a patrullar las exigentes calles de Los Ángeles. Cuando la ciudad se prepara para Halloween, un grupo de ladrones hiere gravemente a su compañero en un tiroteo y logra escapar. Knight sale en su búsqueda y los persigue hasta Nueva York, donde el oscuro pasado del detective choca con su caso y amenaza con destruir su mundo.
Crítica
Una película de Bruce Willis, sin Bruce Willis
Comenzamos trilogía con ‘Detective Knight: sin piedad’. Rogue (traducida aquí como “sin piedad), Redemption (que es navideña y en USA llega el 9 de diciembre) e Independence (que será lanzada en unos meses) son los tres títulos que tiene esta nueva saga. Se supone que son prácticamente las últimas obras en las que veremos a Bruce Willis y además las dos últimas tienen un aliciente añadido pues nos servirán para conocer al hijo de Val Kilmer.
No le digamos adiós aún a este mítico actor caído en desgracia por culpa de una afasia. Podremos verle también en ‘Soul Assassin’ o en ‘Paradise city’ con Travolta a si es que atesoremos estos últimos coletazos de uno de los héroes de acción más grandes de la historia del cine. En lo que se refiere a los últimos años Bruce Willis ya trabajó con el director de estas obras, el australiano Edward Drake, en ‘Apex’, ‘Cosmic sin’, ‘American siege’ y ‘Conspiración en Hollywood’, vamos, que se han estado dando trabajo el uno al otro.
Por desgracia todos estos títulos, incluyendo el que acaba de llegar a nuestros cines, son de baja calidad. Si, respetan los esquemas del cine de acción e incluso de su germen, el western. Intentan mantener a flote la imagen de héroe castigado y sarcástico de Bruce Willis. Buscan imbuirnos suspense entre las calles de Nueva York. Pero, la mayoría de la película es un quiero y no puedo. No es eficiente, no juega bien sus cartas ni sus principales bazas. Pese a que empieza poniendo toda la carne en el asador nos termina adormeciendo con una trama típica y unos actores incapaces de transmitir más allá de unos torpes clichés.
Seguro que tenéis varias preguntas con respecto a ‘Detective Knight: sin piedad’. ¿Cuánto protagonismo tiene realmente Bruce Willis y cómo de implicado está en la acción? Queda claro que Willis no intenta mantenerse en primera línea fustigando su físico a lo Stallone o Cruise. También sucede lo que sospechábamos, que cede mucha pantalla a los villanos de la historia, por lo que tenemos un amago desprovisto de carisma de ‘Le llamaban Bodhi’ o ‘Baby driver’. No me vais a creer, pero los tres actores que aparecen como cabeza de cartel tienen muchos menos minutos de pantalla que los supuestos secundarios de la historia. ¿Se queda abierta sabiendo que es una trilogía? No parece que haga falta ver las anteriores para continuar viendo las aventuras del detective Knight, como pasaba con ‘Jungla de Cristal’ hasta que llegó Jeremy Irons. Esta es una historia cerrada que intenta estirar el chicle, la supuesta brillante idea, de convertir a unos ex-deportistas profesionales en atracadores de bancos. Lo único que consiguen robarnos es casi dos horas de vida, no sé si veré las dos siguientes.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de noviembre. Título original: Detective Knight: Rogue. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake, Corey Large. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Lochlyn Munro, Jimmy Jean-Louis, Corey Large. Producción: BondIt Media Capital, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción, suspense. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-rogue
Es la extraordinaria historia de las Agojie, una unidad de guerreras, formada únicamente por mujeres, que protegieron el Reino africano de Dahomey en el siglo XIX con unas habilidades y una fiereza nunca antes vista en el mundo. Inspirada en acontecimientos reales, sigue la emocionante y épica odisea de la General Nanisca (la ganadora del Oscar Viola Davis) como la persona que se encargará de entrenar a la siguiente generación de reclutas y prepararlas para la batalla contra un enemigo decidido a destruir su forma de vida. Hay cosas por las que vale la pena luchar…
Crítica
Curiosidad histórica llamada a convertirse en un clásico
Las actrices y guionistas Maria Bello y Dana Stevens firman el guión de ‘La mujer rey’. Una película que se sale en magnitud y temática de lo que han hecho anteriormente y que se ha materializado a través de la dirección de Gina Prince-Bythewood (‘La vieja guardia’). Equipo de mujeres para una trama cuyo título ya auguraba un argumento de empoderamiento de la mujer. Podríamos decir eso de que la película sirve a las modas o movimientos actuales, pero tanto si tenemos en cuenta su vertiente feminista como si no, la película está llamada a convertirse en un clásico del cine.
Épica, batallas, heroísmos, historia de amor, venganza, empoderamiento… Bien es cierto que ‘La mujer rey’ quiere abarcar mucho y deforma con su espectacularidad y discurso la historia real, además de edulcorarla en gran parte. Pero es una película completa, con buenas interpretaciones, con ritmo y calidad visual. La sabana africana siempre nos da esos elementos y el ingrediente extra es el descubrir que esta es una historia real. Curiosa por que se sale de la norma y curiosa porque tampoco es que se trate mucho la influencia perniciosa de occidente en el continente africano.
En esta historia descubrimos como algunos reinos se aliaron con los europeos en detrimento de sus vecinos y a favor de la venta de esclavos. En esa situación se mueve Nanisca (ViolaDavis), la líder de las guerreras del reino de Dahomey. Ella lucha por su pueblo, por sus compañeras de armas y por su rey. Pero también lucha por superar sus pesadillas y recuerdos. A través de este personaje y del de Thuso Mbedu se tocan múltiples temáticas, quizá demasiadas, alargando el filme.
El mito amazónico o la figura de las valkirias surgen con ‘La mujer rey’. Con una preparación espartana las protagonistas del filme encabezan, no solo casi todo el tiempo en pantalla, sino la totalidad de las escenas de acción. El título de la película proviene de una leyenda según la cual surgiría una mujer que siendo igual al rey sería coronada. Pero obviamente se ha usado para resaltar que no había nombre para el cargo que ostentó Nanisca en una sociedad o una cultura falocentrista. De lo que más habla esta película es de la duda ética con el esclavismo y sobre todo de la irrupción de las mujeres en la alta sociedad, en posiciones importantes de países como la actual Benín. Bien es cierto que con lo bien que está hecha se convertirá en un título recurrente, pero el lastre de esta cinta son sus derivas argumentales y conexiones entre personajes pues son demasiado evidentes e incluso típicas para una película que quiere marcar la diferencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de noviembre de 2022. Título original: The Woman King. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Dana Stevens. Música: Terence Blanchard, Lebo M. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes-Tiffin, Thuso Mbedu, Jayme Lawson, Adrienne Warren, Sheila Atim, Masali Baduza, Jordan Bolger, Angélique Kidjo, Thando Dlomo, Jimmy Odukoya, Shaina West, Chioma Antoinette Umeala. Producción: TriStar Pictures, Eone Entertainment, TSG Entertainment, JuVee Productions, Welle Entertainment, Jack Blue Productions. Distribución: Sony Pictures. Género:Web oficial:https://www.sonypictures.com/movies/thewomanking
Pinocho, de Guillermo del Toro, es una reinvención del cuento clásico de Carlo Collodi sobre el niño de madera. Una asombrosa obra magistral que muestra a Pinocho en una fabulosa aventura entre mundos y desvela el estimulante poder del amor. Pinocho llegará a Netflix el próximo 9 de diciembre tras su estreno en cines el 25 de noviembre.
Crítica
Deslumbrante cuento llevado al terreno de Del Toro, de Laika y de Broadway
Tras el éxito de ‘El Gabinete de Curiosidades’ tenemos un nuevo título de Guillermo del Toro en Netflix, que tendrá un periplo previo en cines. El oscarizado director mexicano se ha aliado con el animador Mark Gustafson y con Patrick McHale (‘Más allá del jardín’, ‘Hora de aventuras’) como co-guionista. Esta es una nueva versión del clásico de Carlo Collodi que ha sido realizada en stop motion, que a priori parece la opción más adecuada ya que los personajes están hechos con muñecos y como todos sabemos Pinocho es una marioneta.
Basándose en los diseños del cuento ilustrado de Gris Grimly (Steven Soenksen) volvemos a la Italia del segundo cuarto del siglo XX. El equipo técnico ha clavado esa estética y además la ha combinado perfectamente con el imaginario de Del Toro. Por lo tanto va a ser fácil que recordéis la mitología o las criaturas suyas como las desarrolladas para ‘El laberinto del fauno’ o las entregas de ‘Hellboy’. Para recrear ese lugar de la Europa de hace casi un siglo no ha hecho falta generar ambientes o personajes feos como los de la película de Matteo Garrone. Muy al contrario, ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ aporta y respeta la esencia del original, sin necesidad de imitar como el último live action de Disney. Lo que más me ha gustado es que se asemeja mucho a producciones de Laika como ‘Coraline’ o ‘Los Boxtrolls’.
En ‘Pinocho de Guillermo del Toro’, vemos una vez más como el director es un gran amante del cine clásico y tradicional. Esta vez ha contado con los expertos en marionetas, The Jim Henson Company (a través de Lisa Henson) y la mítica Pathé, entre otros. Y además de usar una técnica tan artesana como el stop motion incorpora el musical. Cuenta con voces como la de Ewan McGregor, la cual, se hace de rogar, jugando así con nuestro corazoncito, aunque nos haga reír. Con todo esto vemos con agrado como hay algunos momentos en los que ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ tiene sabor a Broadway.
La película puede tener muchos subtextos. No solo estéticamente Del toro se ha llevado el cuento a su terreno. En ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ tenemos escenas que nos recuerdan mucho a ‘El espinazo del diablo’ y otras tantas que tienen un carácter político. Por ejemplo, me encanta como ha reinventado el segmento en el que Pinocho y los niños acababan convertidos en burros, realizando una metáfora que nos lleva a un mundo bélico y de soldados con el cerebro lavado.
Ternura, conciencia, travesuras, bullying, pérdida, responsabilidad, afecto… Es muy difícil contar las aventuras de Pinocho de una manera bonita a no ser que se edulcoren excesivamente. Además debemos tener en cuenta que De Toro siempre dota de un tono triste o trágico a sus películas. Este Pinocho no es deprimente o dramático, pero sí es verdad que además de ser una lección de vida tiene ingredientes que nos dejan un sabor la mar de melancólico. Es por eso que, aunque esta es una historia que pueden ver tanto padres como hijos creo que el público infantil no debería verla si está aún en una etapa sensible. Sinceramente, en el campo de la animación, dentro de lo visto este año, debería imponerse a factorías como las amparadas bajo el paraguas de Disney o DreamWorks. Guillermo del Toro Gómez, gracias por tus cuentos que tanto aportan.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de noviembre de 2022 (9 de diciembre Netflix). Título original: Guillermo del Toro’s Pinocchio. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Guillermo del Toro, Mark Gustafson. Guion: Guillermo del Toro, Patrick McHale. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Frank Passingham. Reparto principal (doblaje original): Gregory Mann, Ewan McGregor, Ron Perlman, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, David Bradley, Burn Gorman, Tim Blake Nelson, Tilda Swinton, John Turturro, Christoph Waltz. Producción: Netflix Animation, The Jim Henson Company, Pathé, ShadowMachine, Double Dare You, Necropia Entertainment. Distribución: Tripictures, Netflix. Género: fantástico, musical. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80218455/
En la continuación de Puñales por la espalda, el detective Benoit Blanc viaja a Grecia para descubrir las capas de un misterio que involucra a un nuevo elenco de coloridos sospechosos.
Crítica
Más cómica, más enrevesada y peor cerrada
No sé si sois conscientes, pero seguro que, aunque sea indirectamente tenéis esta percepción. Vivimos en la época de las series policiacas. Es descomunal la saturación que hay decenas de títulos de ese género que se re-ponen una y mil veces en los distintos canales de cable y además no paran de salir series nuevas tipo ‘Crimen en el paraíso’, ‘Padre Brown’ o su spin-off ‘Sister Boniface Mysteries’. A la audiencia se le encanta ver cómo se resuelven crímenes truculentos o incluso ceñidos a códigos totalmente cotidianos. ‘Puñales por la espalda’ parecía que había sido creada para generar un nuevo Holmes, Poirot, Fletcher, Colombo, Sloan o similares. Pero ‘Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion’ demuestra que ha llegado para retorcer y casi mofarse del género con menos grandes estrellas y mucha clase.
Ni el Cluedo se libra de los dardos de esta entrega que tiene muchísima más comedia. Tenemos personajes socialmente relevantes que a priori parecen sensatos e incluso inteligentes o respetables, pero luego son cazurros, insensibles, irresponsables y sobre todo, sanguijuelas. En este sentido, en el tratamiento de los personajes, me ha recordado a ‘No mires arriba’. No obstante, pese a que hay un continuo sabor a producto moderno, no podemos evitar recordar obras como ‘Diez negritos’ y encontrarnos con sensaciones tan estimulantes como una omnipresente sospecha.
Es muy probable que la primera entrega guste más a los seguidores del género criminal por su guión o narrativa ya que se localizaba en un emplazamiento tan clásico como es una vetusta mansión de la alta sociedad. En este caso nos trasladan a la isla de un multimillonario repleta de excesos y excentricidades. Allí Rian Johnson llega casi a reinventar el género burlándose de todos los clichés, jugando con el espectador y estableciendo un misterio mucho más enrevesado que anteriormente. Me he divertido más con este nuevo entuerto pero hay que reconocer que está mejor cerrada la primera. La resolución de ‘Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion’ se parece a la que se usa siempre en las películas de monstruos cuando ya no saben cómo acabar con la criatura.
Y es que es un monstruo de traiciones, odios, sospechas, móviles… Y sobre todo de personajes. Pensaba que la película iba a adolecerse por la ausencia de Ana de Armas, que fue uno de los grandes valores de la primera parte, pero el elenco de protagonistas, y por ende de personajes, que ha fichado para esta continuación da la talla y no deja que nos aburramos ni un solo instante. Y eso que la película tiene un flashback muy largo pero también muy bien conectado con el presente de la historia y que como decía antes cambia la narrativa pero ayuda a que el torbellino de giros de guión encaje.
Gran actuación de nuevo de Daniel Craig perpetuando el personaje de Benoit Blanc. Y estupenda Janelle Monáe con el personaje de… bueno, eso tenéis que verlo. Como decía, el tratamiento de los personajes es muy similar al de las últimas películas de Adam McKay y en el guion Rian Johnson también ha aprovechado para cargar contra las corrientes políticamente correctas, los muchimillonarios… pero sobre todo para desde la comedia rendir tributo a los grandes de las historias criminalísticas como Angela Lansbury, quien aparece en una escena o a maestros de la batuta como Stephen Sondheim.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2022 (23 de diciembre Netflix). Título original: Glass Onion: A Knives Out Mystery. Duración: 139 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Daniel Craig, Edward Norton, Janelle Monáe, Kathryn Hahn, Leslie Odom Jr., Jessica Henwick, Madelyn Cline, Kate Hudson, Dave Bautista. Producción: Lionsgate, T-Street. Distribución: Netflix. Género: suspense, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81458416/
Gran cantidad de misterios como en ‘Perdidos’ o ‘Dark’, pero con mejor ritmo que esta última
Hoy toca hablar de ‘1899’ pues se estrena el próximo 17 de noviembre. Serie de Netflix ambientada a finales del siglo XIX, recién finalizada la Guerra de las Corrientes, cuando Cuba se independiza de España, año en el que nació el AC Milán, el F.C. Barcelona, la Opel y Capone, cuando Freud publicó ‘La interpretación de los sueños’. Efemérides que no tienen nada que ver con la serie salvo que los enigmáticos sueños que tienen los protagonistas tengan al final una interpretación freudiana.
Hemos visto unos cuantos episodios de la nueva serie creada por las mentes que nos sumergieron en aquel enmarañado, cautivador e intrigante universo llamado ‘Dark’, Baran boOdar y Jantje Friese. Una producción que tendrá ocho episodios y se espera que al igual que ‘Dark’, finalice su historia tras tres temporadas. Una obra de gran factura técnica, sin duda debido a los millones de récord en financiación que ha recibido pues es la primera en ser sustentada con diez millones de euros por parte del German Motion Picture Fund.
La trama sigue a muchos protagonistas que van a bordo del Kerberos, el cual, va rumbo a Nueva York, como aquellos que portaron a tantos inmigrantes y snobs europeos en esa época. Pronto se topan con la señal de un barco gemelo de la misma compañía, el Prometheus. Los sueños de pisar la tierra de las oportunidades se ven aplazados pues el capitán del barco decide que irán en busca de ese crucero, que lleva desaparecido cuatro meses. ‘1899’ es la búsqueda de la solución a un misterio que pronto se convierte en muchos otros. Una obra que obviamente rememora a todas las leyendas en torno al Triángulo de las Bermudas, pero que con los directores que están al timón puede acabar siendo algo diferente a lo ya conocido.
De momento la simbología, incluida en el cartel o el nolaniano opening sugieren misterio en alta mar bajo la influencia del polígono escaleno. Tenemos un barco perdido, una señal de coordenadas (que dan un poco más al norte del famoso triángulo atlántico), un mar en misteriosa calma, niebla, brújulas que se vuelven locas… A eso le sumamos una mezcla heterogénea de personajes interpretados por algunas caras de Dark, el español Miguel Bernardeau y Emily Beecham, que es la clara protagonista. Nos acompaña una tripulación compuesta por una geisha, una comunidad religiosa, un prófugo español con su hermano sacerdote, un matrimonio francés de conveniencia, una médico escapada de un manicomio… la mera presencia de tan variopinto grupo ya es enigmática. ‘1899’ es una Torre de Babel que genera rápido su propia mitología de triángulos y escarabajos.
Siembra desde el primer episodio ingredientes enigmáticos y conexiones que obviamente se tendrán que ir resolviendo. Es fácil poner enigmas y secretos, la cuestión es desenmarañarlos bien y no dejarse ninguno, que no pase como con ‘Perdidos’. ‘1899’ es una serie para fans de series tipo ‘Lost’, ‘Los 4400’ y obviamente ‘Dark’. Con un comienzo un tanto ‘Alien: el octavo pasajero’ u ‘Horizonte final’, en términos casi steampunk, vivimos una historia dotada de la clásica lucha de clases y cierto terror psicológico o sentimental. El suspense flota sobre las aguas del atlántico pues tenemos tantos enigmas como en ‘Dark’, aunque la serie no es de momento tan efectiva. Sin embargo, a los que no les guste la parsimonia, los tempos de la exitosa serie de Netflix encontrarán algo más rítmico en esta producción, tanto en montaje como en cierres de capítulo donde se han aventurado a introducir música contemporánea, a pesar de ser una serie ambientada a finales del siglo XIX. Además, nos resuelven en estos primeros episodios alguno de los misterios, hasta aquí puedo leer, fin del telegrama.
Los Reyes Magos, hartos de que Santa les quite cada vez más protagonismo, han decidido enfrentarse sin saber que esa guerra despertará a un enemigo común mucho más peligroso, el Krampus, que llevaba siglos inactivo.
Crítica
Un crossover navideño inesperado y divertido
Tortilla de patata con o sin cebolla, Barça o Madrid, playa o montaña, tigres y leones, todos quieren ser los campeones. De todos los debates polarizados que ocupan nuestras sobremesas hoy nos toca el navideño, los Reyes contra Santa Claus o incluso el de qué rey mago es el tuyo, como si todos tuviésemos que tener uno cual horóscopo.
Paco Caballero, quien ha conseguido muy buenas críticas con su estreno de Netflix, ‘Amor de madre’, vuelve a cines con este filme protagonizado por Karra Elejalde, David Verdaguer y Matías Janick como Melchor, Gaspar y Baltasar respectivamente, junto a Andrés Almeida, quien encarna a Papá Noel. Ellos representan un graciosísimo enfrentamiento, una lucha entre lo original y lo importado del extranjero, entre lo tradicional y lo moderno. Contienda a la que se une un ser que últimamente ha sido visto mucho más en el terror que en la comedia, el Krampus (Adal Ramones), una criatura que al igual que Jack Skeleton o el Grinch, amenaza con destruir el espíritu navideño.
Entre el humor slapstick, los chistes cotidianos y casi de monólogo, los regionalismos y algo de mala leche, la película juega a favor de las risas. Caballero y el equipo de guionistas han construido un mundo mágico que nos recuerda a ‘Narnia’, ‘La materia oscura’, ‘Harry Potter’ y similares. Juega con los personajes clásicos de la Navidad entre los que incluye también al Olentzero, a Snegúrochka, a la Befana, al amigo invisible o al Tió de Nadal, entre otros. Dota a los legendarios magos de un universo donde conocemos qué pasa con las cartas, de dónde sale el carbón o cuál es su relación con los seres o costumbres de otros países. Y todo esto con muy buenos efectos visuales o de escenografía y un vestuario mejor que el de todas las cabalgatas madrileñas de las últimas décadas. Incluso juega bien con la música pues los villancicos, incluidos los de Raphael, se tornan cómicos, épicos o terroríficos según interesa.
El casting principal está estupendo. Los tres reyes cumplen físicamente con el parecido tradicional y además poseen una personalidad acorde a lo que reza su leyenda. Por otro lado la concepción de Santa Claus está pensada para retratar la frialdad que hay tras estas fiestas, la que alimenta la sociedad de consumo. Amazon avala este filme y es de esperar que tras su periplo en cines se pueda ver en Prime Video, para ellos también hay recado en forma de drones. En esta película de mundos mágicos, comedia familiar y espíritu navideño representado a lo Bella y Bestia también hay una trama paralela que acaba confluyendo. Aunque es la parte más floja de la película nos trae lo único que verdaderamente acaba siendo valioso en las fechas de los roscones, mazapanes y uvas, la ilusión de los niños.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de noviembre de 2022. Título original: Reyes contra Santa. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Paco Caballero. Guion: Carmen López-Areal, Benjamín Herranz, Lelé Morales, Eric Navarro. Música: Pilar Onares. Fotografía: David Valldepérez. Reparto principal: Karra Elejalde, David Verdaguer, Matías Janick, Andrés Almeida, Adal Ramones, Eva Ugarte, Isa Montalbán, Cosette Silguero, Laura Quiró. Producción: Morena Films, RTVE. Distribución: Tripictures, Prime Video. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://morenafilms.com/portfolio/reyes-contra-santa/?portfolioCats=79
La verdadera historia de Maurice Flitcroft, un padre de familia y operador de grúa en un pequeño pueblo inglés, que ve peligrar su puesto de trabajo debido a la inestabilidad económica del país. Tras ver un partido de golf televisado, Maurice queda enamorado del juego y decide participar en el torneo más importante del mundo, el Open Británico. Un plan maestro que tiene un único problema: Maurice no ha jugado al golf en su vida.
Crítica
Suena a cine social pero es una simpática y entrañable comedia ligera
El protagonista de ‘El gran Mairice’ se aventura en el golf del mismo modo que lo hizo Michael Jordan, partiendo del punto de ser un aficionado a querer destacar en el green. Pero este personaje que Craig Roberts ha extraído de la novela original tiene un origen mucho más humilde, por lo que más que relevante o estrella tardía se le considera intruso, fiasco o fantasma. De ahí parte la comedia, de las risotadas que se echan los rivales o el público a su costa, de la torpeza de alguien que nunca ha jugado al golf, de lo surrealista de verle en el Open Británico o de ver cómo intenta a toda costa jugar al golf a nivel profesional.
Y es que Maurice Flitcroft es un trabajador de la industria, en concreto es operador de grua, a si es que algo sabe de trayectorias parabólicas o de encajar cada cosa en su sitio, pero el snobismo del golf le queda lejos. Le pilla todo esto en una crisis a finales de su mediana edad, en el 75 y con las nuevas medidas de la Thatcher haciendo escabechinas en los astilleros. Y aunque esto suene a cine social de Ken Loach, ‘El gran Maurice’ es una simpática y entrañable comedia ligera que transmite optimismo y ganas de perseguir sueños.
‘El gran Maurice’ es una película de soñadores, locos y perseverantes, como remarcan los distintos cuadros de Van Gogh que acompañan a algunas secuencias. Le viene como anillo al dedo la frase de Oscar Wilde “vivimos en el fango mirando a las estrellas”. Por que aquí un hombre intenta adentrarse en un mundo que le niega el acceso, que no cree en sus capacidades o en su espíritu de superación. Es como si fuese una versión cómica de Superman de la clase obrera, buscando hacer algo fuera de lo común. Y es que no he podido evitar acordarme de las películas de Christopher Reeve cuando Maurice se abre el sucio mono de trabajo tirando con ambas manos y descubriendo que debajo lleva su vestimenta de héroe, que consiste en un chaleco tejido a rombos. Tampoco cuando en sus ensoñaciones da la vuelta al mundo a velocidades supersónicas o cuando vemos que su coche lleva en la matrícula Kal-EB.
Esta historia con base real se sostiene en gran parte por la la candidez, inocencia y sinvergonzonería. que Mark Rylance aporta al personaje. Hace un trabajo similar al de ‘El puente de los espías’ pero obviamente llevándoselo a la comedia y a términos pillos. Sally Hawkins es quien encarna a una de tantas mujeres emplazadas detrás del hombre protagonista. En este caso una de esas personas que construyen a quien acaba destacando, pieza clave de la película ya que en el fondo también es unahistoria de amor. Hay más personajes, como sus simpáticos hijos, pero cabe destacar a Rhys Ifans como el azote de Maurice, el villano de la historia. Representa la petulancia, la pompa y el clasismo de un deporte que siempre ha estado sobrevalorado, en mérito y en recursos.
No es la primera vez que Rylance se embarca en una película biográfica pues ha hecho de Da Vinci y de Ricardo II. En este caso la perspectiva es humorística y la verdad es que lleva bien el encarnar a este hombrecillo convertido en showman. La película gustará a fans del golf o del deporte que no conociesen a este particular fun fact man. En el caso de los españoles, tenemos el regalo de la elegante aparición de Severiano Ballesteros interpretado por Marc Bosch.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de noviembre de 2022. Título original: The Phantom of the Open. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Craig Roberts. Guion: Simon Farnaby. Música: Isobel Waller-Bridge. Fotografía: Kit Fraser. Reparto principal: Mark Rylance, Sally Hawkins, Rhys Ifans, Mark Lewis Jones, Johann Myers, Jake Davies, Alfredo Tavares, Jonah Lees. Producción: BBC Films, Baby Cow Productions, British Film, Institute, Ingenious Media, Spartiate Films, Water & Power Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, biográfia. Web oficial:https://www.sonyclassics.com/film/thephantomoftheopen/
Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.
Crítica
El duelo ZaheraMénochet es una final de Champions
Pudimos ver ‘As bestas’ en el Festival de Sitges y nos unimos a la larga ovación. Desde entonces tengo claro que esta es la película que tendríamos que haber llevado para representar a España en los Oscar. Bien es cierto que Sitges es un festival de terror y esta no es una película fantástica, pero tiene tensión, suspense, como dijo Sorogoyen en su presentación, “simplemente tiene algo de terror cotidiano”. No le falta razón. ¿Y qué hay más terrorífico que vivir amedrentado por tus vecinos, por unas mentes embrutecidas y sordas ante cualquier alegato razonable y gesto civilizado? Esta es la recreación de un caso real, en el que al igual que en las historias de acoso escolar o violencia de género, hay una tensión enorme, que se hace violentamente incómoda para el espectador.
La única falla de este filme es que Sorogoyen ha querido estirarlo demasiado, perdiendo la perspectiva y sumergiéndonos en un anticlímax, en un epílogo de demasiadas decenas de minutos. Pero hay algo mejor que el rodaje, el montaje o el guión de esta demasiado extendida película. El duelo ZaheraMénochet es una final de champions. Ambos actores están en mi lista de infalibles y seguirán en ella, además subiendo puestos. Parece que los roles de carácter vil o amedrentador suelen acaparar la atención, pero ambos reflejan una veracidad al más alto nivel. Las siempre presentes discusiones hogareñas de Sorogoyen aparecen en el último acto y manchan un poco las sensaciones que despierta ‘As bestas’, pero no hacen que me olvide de todo lo que ha cosechado esta huerta ecológica enmarcada en la comarca del Bierzo.
La película narra el episodio criminal de una pareja francesa (holandesa en el caso real) que se instala en el norte de España para intentar revitalizarlo. El protagonismo recae en un espléndido Ménochet y sus encontronazos con un terrorífico Zahera. Pero esa última parte responde al protagonismo que demanda el personaje de Marina Foïs. Tanto ella como Denis Ménochet aprendieron español para poder hacer sus papeles y hace de ello un mérito mayor. La faceta que nos ofrece ella es la del miedo desde la barrera, la de alguien que teme por ella pero también por su marido. Nos dirige a la solución de un final que está cambiado con respecto al real, pero que se hace necesario, sobre todo para remarcar otro tema del filme, el silencio y la inacción cómplice.
Segunda vez que el nombre de Movistar Plus+ se relaciona con la rapa das bestas (lo hizo en ‘Rapa’) ya que el filme cuenta con su participación. De nuevo tenemos una Galicia manchada de sangre en la que seguimos a personajes cotidianos. Pero en este caso en situaciones límite, extraordinarias. Odio las películas naturalistas y que se regodean en la monotonía más propia de un VHS con recuerdos grabados. Por eso este filme tiene para mí más valor y mérito que ‘Cinco lobitos’ o ‘Alcarrás’.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre de 2022. Título original: As bestas. Duración: 137 min. País: Españas. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marina Foïs, Denis Menochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb. Producción: Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Cronos Entertainment, La Pacte, RTVE, Movistar Plus+, Canal+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, drama. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-beasts
Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el avance del ejército de Carlomagno al atravesar los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era.
Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.
Crítica
Es increíble como Urkijo consigue que el folklore de Euskadi resulte la mar de fresco y épico
Paul Urkijo lanza su segunda película y con ella una invitación más a descubrir la magia del folklore vasco, la cual, he aceptado con sumo gusto. ¿Hartos de remakes o de trilladas versiones de la misma historia? He aquí una narración fresca y a la vez vetusta. El gasteiztarra nos hace retroceder aún más en el tiempo que con ‘Errementari’ y nos lleva al 788 D.C. Allí nos narra la historia de Enko e Irati, dos jóvenes que se reencuentran tiempo después, tras un evento la mar de drástico que descubriréis en el primer acto y que tiene un giro magnífico.
“Todo lo que tiene nombre existe” reza el tagline de ‘Irati’. Eso me hace recordar las novelas de Patrick Rothfuss y al igual que las historias de Kvothe esta es una historia mágica, arcaica, fantasiosa y medieval. Brujas, lamias, caballeros, niños y diversos seres de la mitología de Euskadi como el Sugaar o la diosa Mari forman parte de esta arraigada y casi olvidada narración. Esas criaturas se enfrentan al cristianismo como buenamente pueden. Es ahí donde encontramos el símil con las leyendas artúricas, siempre ligadas a la llegada del dogma de aquellos que creen en Jesús, María y demás. La épica, la odisea, la idiosincrasia, pueden recordar a otras historias, como ‘El anillo de los nibelungos’ o ‘La princesa Mononoke’, pero está claro que ‘Irati’ tiene su propia personalidad.
La historia del bosque más grande de Navarra está contada con perspectiva ecologista y posee una potencia visual muy evocadora que ya se alza como particular de este director. Con una cuidada fotografía nos sumerge en un pasado medieval plagado de creencias, puñaladas y cambios. Y lo hace además haciendo uso de más CGI del que me esperaba. Con ello llega a lograr imágenes que nos transmiten una sensación de estar viendo un tapiz empapado de horrores prehistóricos y paganos.
Hay algo más que resaltar en ‘Irati’, la documentación, no solo en cuanto a vestuario o localizaciones, sobre todo en cuanto a la mitología y al euskera de la época. Clama por amar las historias de fantasía, pero sobre todo por no olvidar a aquellos que quedan tapados por las nuevas o grandes corrientes. Por desgracia a veces hay que meter a nuestra madre Tierra en ese saco. Desde luego con el trabajo de Urkijo se va a difundir todo como la pólvora.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de febrero de 2022. Título original: Irati. Duración: 114 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Edurne Azkarate, Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Nagore Aranburu, Elena Ruíz, Iosu Eguskiza, Kepa Errasti, Iñaki Beraetxe, Iñigo Aranbarri, Ramón Agirre, Miren Tirapu, Aitor Barandiaran, Gaizka Txamizo. Producción: Bainet Zinema, Ikusgarri Films, Kilima Media, La Fidèle Production, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz, Crea SGR, Euskal Irati Telebista, Irati Zinema, RTVE. Distribución: Filmax. Género: fantasía, aventuras. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/irati.239
En la isla de Creta, bajo el reinado del rey Minos, los humanos adoran y temen a los dioses del Olimpo. Sólo un tonto se atrevería a ofenderlos.
Crítica
Introduciendo a los niños a un mito explorando otra dimensión de la historia
‘Ícaro y el minotauro’ es la elegida por Luxemburgo para optar a ganar el Oscar. Espero haber captado mínimamente vuestra atención con ese dato pues esta película animada merece un visionado. Una película que partía de antemano con mi simpatía pues busca contar una historia diferente a la que estamos acostumbrados y mostrar otra versión de quiénes fueron los buenos o los malos.
En ‘Ícaro y el minotauro’ seguimos lo pasos de un jovencísimo Ícaro, lejos de usar aún sus alas de cera y plumas. Se muestra la relación con su padre, Dédalo, el afamado arquitecto e inventor. A las órdenes del rey Minos (el nieto del primer Minos) irgue el laberinto que debe alojar al temido minotauro. Pero en esta versión el Minotauro no es un ser aterrador, sino atormentado. Ícaro y él mantienen una relación tipo ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y vivimos una de tantas historias que nos hablan de cómo el monstruo no lo es por naturaleza, sino que es creado. Al margen de eso la película sirve para que el público infantil se familiarice con uno de los mitos clásicos, usados como referente o patrón en otras muchas historias.
Carlo Vogele es el director de esta cinta. El luxemburgués sigue los pasos habituales de aquellos que se estrenan como directores de animación, habiendo trabajado previamente en el departamento de animación de otros filmes. Y los que tiene en su currículo no son moco de pavo: ‘Brave’, ‘Toy Story 3’ o ‘Monstruos University’, entre otros. La calidad y el estilo de esta película es muy distinta a esos títulos de Disney pero eso no le quita ningún valor a ‘Ícaro y el minotauro’. El dibujo a priori parece bastante plano, sin bordes, por capas bien diferenciables y con muchísimo colorido, aunque con predominio de los marrones y amarillos, por eso de darle un toque mediterráneo y antiguo. Hay aventuras gráficas que comparten estilo visual e incluso dinamismo ya que al fin y al cabo también tiene algo de 3D. Con esta combinación y los diseños del dibujante Édouard Cour se consiguen estampas verdaderamente poéticas y bellas
Ariadna, Teseo, Zeus, Poseidón… son otros nombres que baraja ‘Ícaro y el minotauro’, una historia paternofilial, de amistad y de nacimiento de una leyenda que aunque esté edulcorada muestra detalles escabrosos e incluso turbios como el invento que le regaló Dédalo a Pasifae y que a algunos recordará a ‘Top Secret’. Eso a los adultos, a los niños les llegará a causar la misma relación amor-odio que películas como ‘Bambi’ o ‘En busca del valle encantado’.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre de 2022. Título original: Icare. Duración: 76 min. País: Luxemburgo, Francia, Bélgica. Dirección: Carlo Vogele. Guion: Isabelle Andrivet, Carlo Vogele. Música: André Dziezuk. Reparto principal (doblaje original): Camille Cottin, Niels Schneider, Féodor Atkine, Wolf Van Cappellen, Igor van Dessel, Maia Baran, Mark Irons, Alexis Flamant, Isabelle Andrivet. Producción: Iris Films, Iris Group, Iris Productions, Rézo Productions. Distribución: Cinemarán. Género: aventura, familiar. Web oficial:https://icare.film/en/
La primera temporada, de nueve episodios, de la nueva serie de HBO ‘The last of us’ se estrena el próximo lunes 16 de enero en 4K en HBO Max. ‘The last of us’ tiene lugar 20 años después de que la civilización moderna haya sido destruida. Joel, un superviviente nato, es contratado para sacar de contrabando a Ellie, una niña de 14 años, fuera de una opresiva zona de cuarentena. Lo que comienza como un pequeño trabajo pronto se convierte en un viaje brutal y desgarrador, ya que ambos deben atravesar los EE. UU. y depender el uno del otro para sobrevivir.
Protagonizada por Pedro Pascal como Joel, Bella Ramsey como Ellie, Gabriel Luna como Tommy, Anna Torv como Tess, Nico Parker como Sarah, Murray Bartlett como Frank, NickOfferman como Bill, Melanie Lynskey como Kathleen, Storm Reid como Riley, MerleDandridge como Marlene, Jeffrey Pierce como Perry, Lamar Johnson como Henry, KeivonnWoodard como Sam, Graham Greene como Marlon y Elaine Miles como Florence. AshleyJohnson y Troy Baker también forman parte del reparto.
‘The last of us’, basada en el videojuego del mismo nombre aclamado por la crítica desarrollado por Naughty Dog exclusivamente para las plataformas PlayStation®, está escrito y producido por Craig Mazin y Neil Druckmann. La serie es una coproducción con Sony Pictures Television y cuenta con la producción ejecutiva de Carolyn Strauss, Evan Wells, Asad Qizilbash, Carter Swan y Rose Lam. Producida por PlayStation Productions, Word Games, The Mighty Mint y Naughty Dog.
El cineasta Ti West vuelve con otro capítulo del retorcido mundo de ‘X’, en esta sorprendente continuación de la película de terror más aclamada del año. Atrapada en la aislada granja de su familia, Pearl debe cuidar a su padre enfermo bajo la amarga y dominante vigilancia de su devota madre. Anhelando una vida glamurosa como la que ha visto en las películas, Pearl se encuentra con que sus ambiciones, tentaciones y represiones chocan en esta impresionante historia de origen, inspirada en el tecnicolor, del icónico villano de ‘X’.
Crítica
Ti West y Mia Goth radiografían una villana como pocas veces se ha visto antes
Nada ha cambiado en mis impresiones sobre ‘Pearl’ desde que la vi a mediados de octubre en el marco del Festival de Sitges. Magnífica precuela que supera en calidad a ‘X’ y en la que seguimos al personaje interpretado por Mia Goth, no al que lucía su rostro, sino al que interpretó maquillada como anciana. Si el cine de los 70 volvía a nosotros con ‘X’, en ‘Pearl’ nos vamos a la época del technicolor. Películas de los 30 o 40 como ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘El mago de Oz’ vuelven a nuestras mentes pues con un saturadísimo color y un excelente rodaje nos narran una historia de granja, de juventud y familia, made in américa (aunque esté hecha en Nueva Zelanda), pero que se va retorciendo poco a poco en favor del terror psicológico y unos cuantos momentos de sangre que son para ponerse a aplaudir de pie.
Se han hecho estudios, retratos o retrospectivas de muchos villanos en secuelas, remakes y demás. Pero lo que hace Ti West con la demente de su filme no se había hecho hasta ahora. Muta de estilo moviéndose en paralelo a ‘La Matanza de Texas’ para tirar de drama y demencia, haciendo un estudio de personaje digno de alabanza. Me quedo con una frase del filme que reza “Es difícil saber quién es la gente hoy en día con la máscara que llevan puesta”. Con eso y con las explosiones de talento de su protagonista. La película funciona y despunta por encima de casi todo el terror visto en 2022 por lo inconmensurablemente demente que está Mia Goth. Tiene unas escenas en las que demuestra ser merecedora de todos los premios posibles, aunque al tratarse de cine de género probablemente se vea menos reconocida de lo que me gustaría. Cuando la veáis no podréis negar que su monólogo es impresionante, extenso a mi gusto, pero difícil. Y nos deja con una guinda rojiza y perfecta con esa larga escena durante los créditos, es pasmosamente talentosa.
Nadie puede negar tampoco la destreza tras la cámara de Ti West. Calca escenas de ‘X’ para sumergirnos en el mismo universo pero trasladarnos a otra época, a otro feeling, a otro estilo de cine. Este es otro éxito de la productora A24 que ha cautivado hasta al azote del cine de superhéroes, Martin Scorsese. Demuestra con esto Ti West que el cine de casquería y sangre no está reñido con la calidad. Y también que se puede cambiar de tercio para elaborar una precuela sin con ello desajustar la historia o los personajes. Espero con ganas a que llegue la secuela ‘MaXXXine’ y saltemos a los ochenta.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de junio de 2023. Título original: Pearl. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West, Mia Goth. Música: Tyler Bates, Tim Williams. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Mia Goth, David Corenswet, Tandi Wright, Matthew Sunderland, Emma Jenkins-Purro. Producción: A24, Bron Creative, Little Lamb. Distribución: Movistar Plus+. Género: terror, drama. Web oficial:https://a24films.com/films/pearl
Nueva serie animada ambientada en el universo de George Lucas, o más bien en sus precuelas. ‘Star Wars: Las crónicas Jedi’ (‘Star Wars: Tales of the Jedi’) es una nueva remesa de historias que rehacen el canon con episodios cortos, en concreto seis, que podrán verse en Disney+ a partir de este 26 de octubre.
Dos son los principales personajes de estas crónicas orquestadas por Dave Filoni, director de otras aventuras galácticas como ‘The Mandalorian’, ‘El libro de Boba Fett’ o ‘Star Wars Rebels’ e incluso ‘Las Guerras Clon’ de 2008. Por un lado empezamos con el nacimiento de Ahsoka Tano (doblada por Ashley Eckstein), la padawan de Anakin Skywalker. La serie arranca como si Disney nos ofreciese el punto de vista contrario a Bambi y llevándonos a una aldea inspirada en los indios nativos americanos. Retoma más adelante ese personaje pero se centra sobre todo en el pasado jedi del Conde Dooku. Conoceréis por ejemplo a Qui-gon Jinn en su época de aprendiz o su estrecha relación con Mace Windu. La parte del personaje que interpretó Christopher Lee en las precuelas es la que se antoja más interesante, más orientada al público adulto o conocedor de la trilogía de precuelas.
Con esta serie de cortos parece que lo que están intentando es conseguir retomar el éxito de ‘Las Guerras Clon’, aquella gran serie que empalmaba los episodios II y III. Se han grabado pequeños rellenos y al igual que con ‘What if…?’ nos lanzan un globo sonda, a ver qué funciona para luego seguir sacando material de la franquicia. Aunque también es un nuevo adelanto para la serie de acción real con Rosario Dawson.
Tras ver el primer capítulo parecía que iban a ser inconexos entre sí, pero luego vemos que si hay un hilo que seguir pese a que vamos saltando bastante en el tiempo. Se intenta esbozar el pasado y la manera de ser de los protagonistas menos tratados antes de que los conociésemos. Todo transcurre en la época de la república, antes de que se zarandease su dominio, antes y poco después de lo sucedido en ‘La amenaza fantasma’ y ‘Las Guerras Clon’.
‘Star Wars. Las crónicas jedi’ se disfruta mejor o únicamente se comprende completamente si se han visto las películas. No obstante la animación parece orientada a un público más infantil. Se asemeja más al diseño de ‘Star Wars Rebels’ que a lo que vimos en ‘Las Guerras Clon’, algo comprensible dado quien es su director. Lo malo no es su estética sino que a veces el dinamismo es pobre y los detalles faciales poco pulidos, sobre todo a la hora de recrear criaturas. No parece a la altura de Disney, más de una serie de televisión de medio presupuesto o de un videojuego de principios de este siglo. Por ejemplo, es horrible el diseño de la “Yoda con melena”. Y es que han recuperado una vez más al personaje de Yaddle para cambiar además su destino con respecto al anterior canon. Eso sí, personajes como Qui-Gon o Dooku se parecen a Neeson, Jackson y Lee de jóvenes. Lo dicho, hay que tener experiencia en esto para disfrutar los detalles que aporta.
Cuando un grupo de veinteañeros ricos se queda atrapado en una mansión remota durante un huracán, un juego de fiesta que sale muy, muy mal termina con un cadáver en el suelo y falsos amigos a cada paso, mientras intentan encontrar al asesino entre ellos.
Crítica
Como si hubiesen hecho un Among Us entre adolescentes ricachones
A24 ha producido esta historia basada ligeramente en la obra de la escritora Kristen Roupenian. En Estados Unidos ha causado furor y llega en un momento ideal, para darnos diversión y algo de suspense en las noches de terror que rodean Halloween. En ‘Bodies, bodies, bodies (Muerte, muerte, muerte)’ unos snobs ricachones y adolescentes ven como un, a priori juego inofensivo, se convierte en mortal. Es de esas películas en las que no hay cobertura, el clima aísla a las protagonistas… llenas de puñaladas y paranoia o desconfianza. Para los espectadores españoles podemos simplificar diciendo que es como jugar a polis y cacos. Para que los más jóvenes me entiendan, es escenificar un Among Us o un Lobo, es decir, hay que encontrar en la oscuridad al impostor y asesino antes de que ser el siguiente en espicharla.
La película tiene bastante de comedia ya que es gracioso lo desfasados que van durante el primer acto. Después el humor sigue presente aunque se rebaja y tenemos una búsqueda a ciegas abierta a elucubraciones y acusaciones. Comienza así el suspense con algún matiz de terror. ‘Bodies, bodies, bodies’ es una película con diálogos intencionadamente chorra y verborrea adolescente donde las muertes se suceden en una medida muy justa, con un buen body count pero sin llegar a ser un baño de sangre. La directora Halina Reijn ha rodado muy bien unas escenas alborotadas y con mucho movimiento de cámara. Además ha escogido el reto de usar como iluminación solo la luz del móvil que portan las protagonistas, lo cual ha debido añadir dificultades en cuanto a fotografía y escenografía. De ese modo contribuye a transmitir la confusión de las jóvenes. Para más inri el final es tipo ‘Nación salvaje’, por lo que merece la pena la espera. Es de esas películas con las que dices, esto va a pasar en nuestra realidad antes o después.
He citado juegos como Lobo o Among Us, popularizado en el confinamiento. Pero los jóvenes estadounidenses juegan realmente a Body Body (o Asesinato en la oscuridad). Espero que no desemboque esto en ningún reto viral estúpido o en una moda. De suceder esto se redondearía el mensaje del filme, que para mí viene a ser que los humanos somos estúpidos, estamos tremendamente enganchados a nuestros smartphones y usamos el cerebro indebidamente.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de octubre de 2022. Título original: Bodies, bodies, bodies. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Halina Reijn. Guion: Sarah DeLappe. Música: Rich Vreeland. Fotografía: Jasper Wolf. Reparto principal: Amandla Stenberg, Maria Bakalova, Rachel Sennott, Myha’la Herrold, Pete Davidson, Chase Sui Wonders, Lee Pace, Conner O’Malley. Producción: A24, 2AM. Distribución: Prime Video. Género: terror, comedia. Web oficial:https://a24films.com/films/bodies-bodies-bodies
Julián (Alberto San Juan), un divorciado de 50 años, recurre a la famosa aplicación para compartir su coche con desconocidos y, en especial, con alguien que ya no lo es tanto: Lorena (Blanca Suárez), una joven que viaja a menudo a Madrid. Desde hace meses tiene un asiento fijo en su coche y últimamente también en su corazón. Julián quiere aprovechar el viaje para sincerarse con ella, pero en un error a la hora de escoger al resto de los ocupantes (Ernesto Alterio y Rubén Cortada) incluye a un pasajero (quizá el individuo más insoportable del mundo) que provocará un cambio radical en el rumbo de los acontecimientos.
Crítica
Un gran Ernesto Alterio y una bulliciosa, revuelta y disparatada secuencia final
Nueva comedia de Álex de la Iglesia. El director bilbaíno nos propone una road movie que parte de su ciudad natal y nos lleva con bastante gracia hasta el Madrid que le adoptó. En este caso, para ir adelantándome a los detractores de los finales o de las películas fantásticas de este director, ni se trata de un filme fantástico ni se desboca como habitualmente. ‘El cuarto pasajero’ es una comedia romántica que al final se vuelve muy loca pero que lo hace dentro de los esquemas de muchas otras comedias de situación.
‘El cuarto pasajero’ me ha recordado a dos películas. En primer lugar he guardado este filme en el mismo cajón de ‘Perfectos desconocidos’. Al igual que esa versión de De la Iglesia los protagonistas aquí son un grupo variopinto, con un buen puñado de secretos y una tensión sexual no resuelta. Sus distintas maneras de ser chocan, aquí aún más al estar encerrados en un coche durante cientos de kilómetros. El tono es muy similar, produciéndose muchas discusiones, pasándose la patata caliente constantemente. Igual pasaba con la película española ‘Con quién viajas’. En este caso el símil es aún mayor pues el esquema es el mismo. Tenemos cuatro personajes reunidos por una app de viajes y dos de ellos son los principales protagonistas. En este caso Alberto San Juan, quien al igual que Salva Reina en la película de Martín Cuervo, tiene algo que quiere decir pero la situación se desmadra tanto que no acaba de poder verbalizar lo que tiene en mente. La receptora del mensaje es una estupenda Blanca Suárez y también funciona como ancla a la realidad dentro de tan peculiar situación.
Al igual que en ‘Perfectos desconocidos’ el que lleva el timón de la comedia es Ernesto Alterio. Sin su personaje el filme habría resultado soso, casi sin gags. Ya no es solo por el texto que tiene este protagonista sino también por la hilaridad que le aporta Alterio, que pueda decir que no concibo ‘El cuarto pasajero’ como una comedia sin él. Seguro que si habéis viajado en Blablacar (app que iba a dar título al filme) os habéis encontrado con personajes tan pintorescos como este, espero que no os haya enredado como lo hace este granuja.
La película funciona muy bien, se va enredando poco a poco, pero sin llegar a convertirse en una locura total. Tiene escenas, como la primera en la que aparecen los guardias civiles, que parecen un poco forzadas y por el contrario una secuencia final en un atasco que es la mar de bulliciosa, revuelta y disparatada, me ha recordado a las clásicas persecuciones de Scooby.-Doo pero en vez de atravesar puertas y pasillos los protagonistas zigzaguean entre coches en plena autovía.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de octubre de 2022. Título original: El cuarto pasajero. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Álex de la Iglesia. Guion: Jorge Guerricaechevarría. Música: Roque Baños. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Blanca Suárez, Alberto San Juan, Ernesto Alterio, Rubén Cortada, Carlos Areces, Jaime Ordóñez. Producción: Mediaset España, Movistar Plus+, Pokeepsie Films, Te has venido arriba A.I.E., Telecinco Cinema. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://www.telecinco.es/t5cinema/el-cuarto-pasajero/
A Hopper le llaman “polloliebre” por ser mitad pollo y mitad liebre. Adoptado por el Rey Pedro, un famoso aventurero, Hopper deberá mostrar su valor para ser aceptado pese a ser diferente. Junto con sus fieles amigos se embarca en una emocionante aventura en busca de la reliquia conocida como “Hamster Oscuro”. La misión se complicará al tener que sortear las trampas que el malvado Lapin les tenderá intentando que fracasen.
Crítica
Sorprendente híbrido de aventuras que funciona con sus mezcolanzas
Hopper luce el apellido “polloliebre” por dos razones. Por un lado es adoptado y no se sabe nada de sus padres o sus orígenes. Por otro, es precisamente eso, un híbrido de pollo y liebre. Piernas de ave y cuerpo de conejo son las peculiaridades de este joven protagonista que lo único que quiere es convertirse en el mejor aventurero posible y así poder contentar a su padre, el rey que le adoptó cuando le encontró durante su búsqueda de un objeto codiciado conocido como el “Hamster Oscuro”.
‘Hopper, el polloliebre’ es una mezcla curiosa que llega a la gran pantalla para dar vida a unos cómics. Surge de ‘Chickenhare and the Hamster of Darkness’ que es el título de las viñetas que Chris Grine (‘Animorphs’) realizó para Dark Horse Comics. De por sí los animales antropomórficos nos sacan de nuestra realidad y nos permiten ver nuestros mundos de otra manera. Pero si además nos topamos con criaturas extrañas, como el protagonista o unos simpáticos cerdos con forma de cubo, la abstracción es aún mayor. Y ya no digo nada del divertimento para los más pequeños pues está claro que este filme está destinado a ellos.
El protagonista de ‘Hopper, el polloliebre’ surge de un cruce, que no llegamos a conocer, la película también consiste en un mestizaje de géneros y referencias. Tenemos exploradores tipo ‘Indiana Jones’, aspirantes que se enfrentan a pruebas como las vistas en ‘Wonder Woman 1984’, una relación rey y hermano tipo ‘El rey león’, un ladrón llamado Lapín (ahí está el parecido con Lupin)… Pero la aleación más curiosa y que sorprendentemente funciona es la que nos sumerge en una edad media poblada de personajes que visten como aventureros de siglo XX. Esta es una película de búsquedas de tesoros de tintes clásicos, con sus trampas, sus puzles, sus enigmas, sus villanos… que se distingue por sus singularidades. Y ahí está el mensaje del filme. Es una historia de aceptación y marginación, nos habla de lo que es sentirse “normal” y lo que es valorar y aprovechar realmente lo que uno es.
En cuanto al estilo y diseño de personajes es diferente al de la obra original. Si buscáis los cómics veréis que son más cartoon, mucho más sencillos. En cambio la película se suma al 3D que tanto se estila actualmente. Esto ayuda a distinguir mejor entre plumas y pelos, importante dado el carácter híbrido del personaje. Se debe a que los directores de esta adaptación son los mismos de ‘La familia Bigfoot’ y ‘El hijo de Bigfoot’ y que además comparte guionista con ‘Salvaje’. Mundos fantasiosos, comedia constante, aventuras trepidantes, buena animación… ‘Hopper, el polloliebre’ es una buena visita al cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de octubre de 2022. Título original: Chickenhare and the Hamster of Darkness. Duración: 91 min. País: Bélgica. Dirección: Ben Stassen, Benjamin Mousquet. Guion: David Collard. Reparto principal (doblaje original): Jordan Tartakow, Kyle Hebert, Danny Fehsenfeld, Michael Ornstein, Dino Andrade, Joe Ochman, Laila Berzins, Joey Camen, Cedric L. Williams, Christopher McCullough, Mark Irons. Producción: Dark Horse Comics, Octopolis, nWave Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras. Web oficial:https://www.nwave.com/films/chickenhare-and-the-hamster-of-darkness/
Nos vamos con buen cuerpo tras ‘Bodies, bodies, bodies’ y el palmarés
Por desgracia estas líneas nos toca escribirlas todos los años. Hemos recorrido el último día del festival de Sitges 2022 y esta es nuestra última tanda de reseñas. Con ella concluye un diario en el que, entre decenas de títulos, hemos comentado la gran ganadora de este año, ‘Sisu’. La película de Jalmari Helander se ha alzado con los premios a mejor película, mejor interpretación masculina (Jorma Tommila), mejor fotografía (Kjell Lagerroos) y mejor música (Juri Seppä y Tuomas Wäinölä). Y no es la primera vez que este director se lleva cuatro premios en Sitges, ya lo hizo con ‘Rare exports’.
‘Bodies, bodies, bodies’
A24 ha producido esta historia basada en la obra de la escritora Kristen Roupenian que en España veremos a través de Sony Pictures. En ella unos snobs ricachones ven como un, a priori juego inofensivo, se convierte en mortal. Es de esas películas en las que no hay cobertura, el clima aísla a las protagonistas… llenas de puñaladas y paranoia o desconfianza, es como jugar a polis y cacos. Para que los más jóvenes me entiendan, es escenificar un Among Us o un Lobo, es decir, hay que encontrar al impostor y asesino antes de que ser el siguiente.
Es gracioso lo desfasados que van durante el primer acto. Después el humor sigue presente aunque se rebaja y tenemos una búsqueda a oscuras abierta a elucubraciones y acusaciones. Es una película con diálogos intencionadamente chorra y verborrea adolescente donde las muertes se suceden en una medida muy justa, entre escenas alborotadas y con mucho movimiento de cámara, lo cual contribuye a transmitir la confusión de las protagonistas. Para más inri el final es tipo ‘Nación salvaje’, merece la pena la espera. Es de esas películas con las que dices, esto va a pasar antes o después.
De las películas que he visto hoy, sin duda, ha sido la película del día. Inu-Oh, no es solo una experiencia musical, sino que también sensorial. Tiene unas imágenes tremendamente bonitas al son de música rock. Homenajeando a distintas bandas de música, la más sonada, Queen, logra mantenernos en la butaca a base de historias de samuráis.
MasaakiYuasa, nos trae la historia de uno de los artistas de Sarugaku Noh, una variedad de teatro popular. Hoy en día se conoce poco de su obra y evidentemente es una manera libre de contarla.
No había visto nada de este director y después de ver ‘Inu-Oh’ necesito ver más. La animación es una locura, llena de movimiento, saltos y bailes imposibles que logran mostrarnos el poder de la música. Esta ópera rock no va a dejar a nadie descontento y aunque llegue un momento que se pierda el hilo de la historia, nos ha pasado a muchos, merece la pena seguir hasta el final. Como ha dicho el propio director en la rueda de prensa. “No le busquéis sentido”.
Admito que me cuesta mucho este director, LucaGuadanino hace buen cine, tiene buenas historias, pero me aburre soberanamente. Sé que saca el mejor partido de sus actores y actrices y aun así no termina de convencerme.
Aquí nos cuenta la historia de amor entre Maren y Lee, dos jóvenes unidos por su mismo gusto, comer carne humana. Juntos intentan comprender y aprender a vivir con su peculiar apetito y lograr parecer normales.
La fotografía está bastante cuidada, con colores pálidos durante toda la película, supongo que para que la sangre resalte un poco más. Las actuaciones están bastante bien. Sí que es verdad que la música hace que los ojos comiencen a pesar bastante, con melodías de guitarra suaves incluso cuando están en peligro.
La verdad que no puedo decir que no me haya gustado, no está mal, va despacio, pero si ya has visto películas de este director creo que sabes a lo que vas
Una persona con enanismo llamada Peter (no es Dinklage) se deja convencer por su vecina para ir con su coche (que parece el Jeep de Barbie) a Canadá a lo que va a ser un supuesto encuentro en la tercera fase. Se tiene que dejar convencer porque es una persona antisocial, que odia relacionarse y que además se siente un paria a causa del trato que se le da a su identidad y su sexualidad.
Odia a los humanos, ¿odiará a los aliens? Es un road trip dramático que además llega a alzarse a veces como un tripi visual. Nos brinda una visión transformadora del mundo invitándonos a conocer la versión de nuestros mismísimos vecinos. La inspiración de esta película de Juan Felipe Zuleta podría ser ‘Mejor… imposible’, pero llevado a limites kitsch. El tema extraterrestre solo es un vehículo para disparar el viaje de un protagonista que realmente no va a ver a unos visitantes de otro planeta, sino a descubrir que existe otro mundo y en él tiene un lugar.
Bueno, es un poco complicado el hablaros de esta cinta. Me esperaba una imitación de ‘Tiburón’ en plan comedia francesa y me he encontrado una parte en la que si es comedia, pero luego pierde la gracia y se convierte en algo bastante serio.
Maja está a tres días de jubilarse pero tiene la mala suerte de que aparezca un tiburón en la playa donde ella trabaja. No parará hasta que el animal desaparezca y deje a sus habitantes en paz.
La película cuando copia a Spielberg tiene momentos de verdadera comedia francesa, pero después se mete con el tema de redes sociales, amenazas y termina siendo una película bastante más seria de lo que yo creo que pretendía ser. Me lo he pasado bien, la acción que tiene y todo está muy bien rodado, pero la verdad, tenía pensado reírme más que sufrir por los personajes.
Película italiana animada. En ella, la globalización nos lleva a una crisis y posterior colapso. Estamos en una hipotética situación postapocalíptica que clama por el ecologismo y el antitotalitarismo, por luchar contra la alienación.
La acción transcurre en una Itala cubierta por toda una jungla y de ahí que tengamos ante nosotros una película preciosista y naturalista. Es la historia de dos amigos en un mundo que se debate entre vivir entre árboles y animales o en un entorno industrializado. A veces es gritona, a veces un mareo, a veces poética… rara mezcla que cuesta digerir. Uno de los problemas es que o bien no tiene un momento sin diálogos o bien no sabe dejar la cámara quieta. Otra cosa que no acaba de cuadrar es el carácter extremadamente infaniloide de sus personajes o canciones mezclado con palabrotas y escenas sangrientas.
La calidad del dibujo está fuera de toda duda. Han creado unos escenarios y protagonistas muy al estilo ‘Arcane’ o ‘Borderlands’, pero sin viñeteado ni bordes gruesos. La densidad de detalles es altísima el dinamismo de la escena está muy trabajado.
Noomi Rapace saboreó el éxito en la anterior edición del festival de Sitges con ‘Lamb’, una película muy de su tierra. Ahora se ha embarcado (con una aparición esporádica) en una producción australiana que nos traslada igualmente a Europa, pero mucho más al sur, a Macedonia. En un pequeño pueblo del siglo XIX aún está presente el influjo del espiritismo y la brujería. La película de Goran Stolevski posee un ambiente muy de cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm.
El filme pertenece a una vertiente contemplativa, naturalista, tranquilona y poética, lo que sumado suele conocerse como folk horror. Cargada de imponentes planos bucólicos y campestres nos cuenta la historia de una joven que crece sola y termina convertida en bruja cambiapieles. Ciertamente el filme posee una magia cautivadora y también una buena cantidad de sangre. Algo que a priori parece contradictorio, pero la crudeza de la naturaleza muchas veces es preciosa.
Sorprenderá a los que busquen un terror diferente, aburrirá a los que no vean más allá del terror hollywoodiense. La cotidianidad se mezcla con lo metafórico. Si te gusta este filme busca ‘Ilargi guztiak’.
Hoy ha sido un día de sorpresas, tanto agradables como decepcionantes. No nos esperábamos terminar tan mal la nueva trilogía de ‘Halloween’, es la primera reseña que encontraréis en esta entrada. Por otro lado nos hemos tomado un caramelito con la distopía de ‘Vesper’ y aprendido muchas curiosidades con el documental ‘Jurassic Punk’.
‘Halloween ends’
Soy una clara defensora de ‘La noche de Halloween’ y ‘Halloween kills’ y tenía unas ganas tremendas de asistir al pase de ‘Halloween ends’ y me he llevado la mayor decepción del festival sin duda alguna. No pido nada en este tipo de películas, pido sangre, muertes originales y un par de gritos. Nada más. Pero es que en ‘Halloween ends’ tardamos casi una hora en volver a ver a Michael Myers y no le vemos en su mejor versión. Da pena que una saga termine, pero que lo haga tan mal, es peor aun.
Si que tengo que decir que tiene una secuencia inicial muy buena, que sorprende y que en la sala de cine hemos estallado en un gran aplauso, pero desde esa escena, parecía que estábamos viendo una película sobre la vida en un pueblo estadounidense y ya está. Siendo el mismo director y los guionistas de las anteriores me parece terrible que no hayan seguido el camino de ‘Halloween Kills’ y no nos hayan dado un festín de sangre. Que lo hay, pero demasiada tarde, cuando la película no nos interesa absolutamente nada.
Una joven regresa a Hong Kong tras haber pasado dos años en Corea, donde su amiga aspirante a idol, se ha quitado la vida mientras lo retransmitía en directo. El título auguraba cine pandémico pero, eso está casi como algo anecdótico o alegórico. ¿La pandemia nos ha distanciado o ya lo estábamos por culpa de estar absortos con nuestros móviles o limitar nuestra interacción con humanos a las redes sociales? Nos plantea vidas perdidas, vidas que se sienten vacías cuando se acaba o cancelan la serie que están siguiendo.
En el último tramo nos mete en una especie de escape room del tamaño de un edificio y es la única parte curiosa. Por desgracia, el juego con su app de terror recuerda a ‘Countdown. La hora de tu muerte’. Sustos típicos del cine de terror asiático, fantasmas digitales, la crueldad anónima de las redes… Gilitte Leung intenta actualizar mitos y clásicos recientes con códigos contemporáneos en esta decente ópera prima.
Ciencia ficción ecologista y postapocalíptica. En esta película la civilización ha colapsado y deposita todas sus esperanzas en la tecnología genética, pero en gran parte fracasa. Los afortunados viven encerrados en ciudadelas, los desgraciados están fuera comerciando con semillas y sangre. Con esto ya sabemos que nos espera una lucha de clases.
Nada más empezar se recrea muy bien el mundo que nos quieren plantear, muy similar al de ‘Aniquilación’ o ‘De amor y monstruos’. Es un cuento hostil con protagonista infantil, Vesper, la cual lucha por sobrevivir junto a su padre, quien estando en estado vegetativo le acompaña usando como interfaz un dron con el que puede verle y hablarle. Más quisiera el naufrago de Tom Hanks haber tenido este Wilson. Esta es solo una idea original de muchas otras pues la película está cargada de ingeniosos detalles.
Es una obra de Bruno Samper y Kristina Buozyte, autores en ‘The ABC’s of dead’, nada sencilla, emocional, en algunos momentos falta de ritmo y lejos de cabriolas intelectuales. Cuenta en su reparto con Eddie Marsan, Raffiella Chapman, Richard Brake y Rosy McEwen.
Me encanta ver documentales en el Festival de Sitges, siempre aprendes cosas chulas y conoces a gente que no tenías ni idea que existían. En este caso, conocía al personaje, pero no como terminó. Steve ‘Spaz’ Williams es un pionero de la animación por ordenador. En 1993, sus dinosaurios digitales de ‘Parque Jurásico’ transformaron Hollywood. Pero su manera de ver la vida y la justicia hizo que se enfrentase a la gente equivocada y que no haya recibido todo el reconocimiento que merece.
La verdad que Steve ‘Spaz’ Williams tiene claro sus errores, pero también en el fondo, sabe que tuvo muchos aciertos que no fueron reconocidos. Al final los premios se los llevan otros y él sí, dinero para casa, pero el reconocimiento se lo quedan otros y eso se nota que le duele. Además eso hizo que terminase sin trabajos porque nadie quería tener ha alguien así en su empresa. Es una pena ver a un pionero terminar así.
En el documental vemos caras muy conocidas, como a PhilTippett, RobertPatrick, StefenFangmeier, JamieHyneman entre muchos otros, que son entrevistados dando su opinión sobre el artista y su comportamiento.
Una ola de calor asola la península y la capital se enfrenta a una terrible tormenta eléctrica. Manuel se va a vivir a casa de su hijo con su familia después del suicidio de su mujer. Extraños sucesos comienzan a ocurrir en su nuevo hogar y todo parece que es culpa suya.
La película tiene una premisa muy buena e interesante. Mantiene en tensión con su sonido y con las actuaciones de los actores mayores. En cambio, el reparto más joven se muestra sobreactuado, hay en ocasiones que no te los crees.
Dirigida por Raul Cerezo y Fernando Gonzalez Gomez, directores ambos de ‘La Pasajera’ nos muestran un suceso algo apocalíptico y podemos ver que han contado con buen presupuesto cuando aparecen los efectos especiales. En el reparto contamos con Paula Gallego, Irene Anula, Gustavo Salmerón y el tremendo ZorionEguileor, ya nos entusiasmó en ‘El hoyo’ y aquí vuelve a sobresalir.
Chloe Okuno, cuyo trabajo más reseñable es un segmento en ‘V/H/S/94’, es la directora de esta producción distribuida en USA por Shudder. Nos traslada a Rumanía, allí una actriz se muda con su pareja, la cual tiene una gran oportunidad de trabajo. Está casi siempre sola en un nuevo país, alejada de cualquier oportunidad de actuar y con los rumores de un asesino en serie acechando su barrio. La situación de por sí es desalentadora y pronto la paranoia y el tiempo libre comienzan a hacer de las suyas.
‘Watcher’ hace alusión al juego de miradas que tiene la protagonista con un vecino que reside justo en el edificio de enfrente. La atmósfera de la película consigue ser inquietante gracias a muchos juegos de cámara desenfocada y persecuciones pausadísimas y silenciosas. Predomina el acoso o stalkeo como se dice ahora. Ella se siente observada y perseguida, casualmente o de manera intencionada quien interpreta a esta joven es la misma protagonista de ‘It follows’, Maika Monroe.
La incredulidad y trivialización por parte de quien rodea a la joven, incluida la policía, es difícil de asimilar tratándose de una situación de acoso en la que además hay sospechas de que anda suelto un asesino en serie. Pero por desgracia esto pasa de verdad. Salvo el hecho de poner en relevancia ese factor la película no consigue sorprender. Ni utiliza a su favor el folklore rumano, ni aporta nada diferente con respecto a otras películas de psicópatas que sitian a sus víctimas. En vez de hablar de la paranoia o los prejuicios juega la carta de la evidencia y podemos intuir de antemano cuál va a ser la solución.
Hoy hemos estado cerca, muy cerca, de personalidades muy experimentadas y veteranas del cine. Por un lado hemos podido ver ‘Emily’ junto a Robert Englund, el cual, continúa en el festival y está gozando como un espectador más. Por otro pudimos ver como Colin Arthur (responsable de los efectos visuales de películas como ‘La historia interminable’ o ‘El resplandor’) recogía entre lágrimas, emoción y aplausos el Gran Premio Honorífico.
Otro premiado con el que hemos estado es Ti West. El director está en Sitges para recoger el premio Time Machine Award. Su carrera es totalmente ecléctica pero ha cultivado mucho el terror. Reniega por ejemplo de su trabajo en ‘Cavin fever 2’ como él mismo nos ha dicho. También participó en la serie ‘Them’, de la cual nos habló cuan difícil fue rodar su recta final.
Aunque también nos habló de su participación en ‘Tales from the loop’ nos quedamos con la respuesta a una pregunta que ponía en relevancia su frecuente relación con la productora A24, punta de lanza de lo que se conoce como “elevated horror”. El director de ‘X’ se manifestó cómodo dentro de esa etiqueta. Por cierto que sobre ‘X’ nos dijo que buscaba unos villanos de slasher diferentes, que le pensó que sería interesante que los villanos fuesen los malos de la historia.
Nos ha gustado mucho ‘La piedad’ pero la sorpresa realmente ha llegado con ‘Sisu’, vaya locura de película nos han traído desde Finlandia. Ahí van nuestras reseñas del día.
‘Pearl’
Magnífica precuela que supera en calidad a ‘X’ y en la que seguimos al personaje interpretado por Mia Goth, no al que lucía su rostro, sino al que interpretó maquillada como anciana. Si el cine de los setenta u ochenta volvía a nosotros con ‘X’, en ‘Pearl’ nos vamos a la época del technicolor. Películas de los 30 o 40 como ‘Lo que el viento se llevó’ o ‘El mago de Oz’ vuelven a nuestras mentes pues con un saturadísimo color y un excelente rodaje nos narran una historia de granja, de juventud y familia, made in américa (aunque esté hecha en Nueva Zelanda), pero que se va retorciendo poco a poco en favor del terror psicológico y unos cuantos momentos de sangre que son para ponerse a aplaudir de pie.
Se han hecho estudios, retratos o retrospectivas de muchos villanos en secuelas, remakes y demás. Pero lo que hace Ti West con la demente de su filme no se había hecho hasta ahora. Cambia de tercio moviéndose en paralelo a ‘La Matanza de Texas’ para tirar de drama y demencia, haciendo un estudio de personaje digno de alabanza. Me quedo con una frase del filme que reza “Es difícil saber quién es la gente hoy en día con la máscara que llevan puesta”.
Disección de una villana que encaja con ‘X’ y que sobre todo destaca por lo inconmensurablemente demente que está Mia Goth. Tiene unas escenas en las que demuestra un apabullante talento y son meritorias de todos los premios posibles, aunque al tratarse de cine de género probablemente se vea menos reconocida de lo merecido. Cuando la veáis no podréis negar que le plano final es una auténtica locura.
Reminiscencias de ‘Paranormal Activity’ e imágenes que recuerdan a ‘[REC]’ en un episodio sobre la paranoia o la neurosis. No es de extrañar esta percepción pues tras la cámara está Jaume Balagueró y en el papel Alberto Marini.
El objetivo de la película es crear neurosis y lo consigue. La misma paranoia que tienen muchos al mirar cómo va la salud de la batería de su móvil es la que tiene el protagonista de este episodio, pero por la salud de su familia. Poder es doler, cuanto más podemos ver más sufrimos. Gran interpretación de Pablo Derqui en este episodio que versiona uno de los originales.
Con este episodio nos vamos a un clásico, el Vampirismo. Se trata una vertiente más romántica y se sique un esquema arquetípico que nos hace imaginar qué es lo que va a pasar. El hecho de contar con un actor de renombre o de moda como Álvaro Morte nos augura uno de los giros pero igualmente se disfruta esta pequeña historia en la que viajamos a una Galicia sumida a una noche eterna.
No sé si estoy en posición de decir que es lo mejor de Alice Waddington pero si puedo afirmar que es lo que más me ha gustado de su filmografía (de la cual he visto ‘Disco Inferno’ y ‘Paradise Hills’). Juega un poco a ‘Frankenstein’ pues juzga del mismo modo a una sociedad movida casi siempre por los prejuicios.
He salido encantada de esta película, no sé muy bien qué hace en el Festival de Sitges, pero me ha gustado tanto que realmente me es indiferente. Frances O’Connor dirige su primera película y nos cuenta su propia visión de Emily Bronte, la escritora de ‘Cumbres borrascosas’. En la cinta vemos su vida junto a sus dos hermanas, también escritoras y su hermano, un bala perdida que la adoraba. El amor, desamor, el querer que su padre la acepte y la llegue algún día a querer. Todo esto nos cuentan en una película con 131 minutos de duración pero que pasan volando. Otro de sus fuertes son sus actores, Emma Mackey esta inmensa y da toda su alma para interpretar a esta mujer.
Víctor Matellano regresa a la gran pantalla con un documental sobre el amor al cine de dinosaurios. Y que mejor manera que con ‘El valle de Gwangi’ una película que se rodó en distintos lugares de España, desde la Ciudad Encantada, Cuenca o Tabernas entre otras.
A través de la mirada de la ciencia con Jose Luis Sanz y del arte con Colin Arthur, vamos viendo los distintos puntos de vista. Arthur nos cuenta su experiencia trabajando junto a RayHarryhausen y como hacían el stop motion cuya técnica fueron mejorando poco a poco.
José Luis Sanz nos muestra su lado cinéfilo y cómo muchos paleontólogos odian muchas veces las cintas de dinosaurios al no ser fieles a estos animales. El documental tiene una parte ficcionada que quizás es la que menos funcione, pero que es necesaria o vehículo para conectar con este dinosaurio, el concavenator y con ‘El valle de Gwangi’
Yuma, un niño que alucina con el espacio conoce a una entidad sideral que invade a su IA. Esta entidad le pide ayuda para lograr su cometido. Con una animación muy bien hecha y bonita, la película es bastante repetitiva y termina cansando. Siempre digo lo mismo, pero en la animación japonesa se están acostumbrados hacer películas largas y a esta le quitas treinta minutos y si sería un buen producto.
Dirigida por Tomoyuki Kurokawa, ‘Break of dawn’ tiene un fondo donde vemos la importancia de la amistad, el valor de las promesas y el respeto a la gente que te rodea, aunque sea una IA. En lo técnico no tiene absolutamente ningún problema, el guion ya es otra historia, pues como he dicho, alargan las situaciones de manera exagerada.
Korpi es un finlandés que se ha partido los lomos para encontrar oro y solucionar su vida. Pero todo se ve trastocado pues estamos en la época de la II Guerra Mundial y aparecen los nazis aplicando en su país la política de tierra quemada.
Jalmari Helander, director de ‘Rare Exports’ y ‘Big game’, nos regala un western bélico que recuerda a los mejores héroes de acción de Hollywood. Implacable, inagotable, despiadado… así es este protagonista a quien le han arrebatado algo y no parará hasta recuperarlo. Willis, Reeves, Cruise y compañía, os ha salido un duro competidor. Si mirásemos este filme desde el punto de vista de los nazis este sería un slasher en el que te dan hasta pena todos los que van sumando al kill count. Un contador que además sube con muertes la mar de salvajes, ocurrentemente macabras. ‘Sisu’ es potente, dura y a veces y cada vez más, majadera. Cine de acción con presupuesto y mucha mala leche. La sala ha roto en aplausos en múltiples ocasiones.
Russell Owen se acerca al cine de Robert Eggers con esta cinta de terror muy contemplativo. Erik un joven pastor de ovejas escoces ha quedado viudo y un poco desquiciado al enterarse que su mujer le era infiel. Decide marcharse y coger un trabajo en medio de la nada. Una casa perdida entre las montañas, su perro y sus ovejas hacen de su día a día algo más sencillo. Pero al llegar la noche, las sombras, la oscuridad y la soledad logran sacar todo su pasado.
Como he dicho, la película es bastante contemplativa, tenemos imágenes impresionantes de las montañas gracias a Richard Stoddard, encargado de la fotografía de la cinta, llenas de tranquilidad. Estas estampas se pierden de golpe al adentrarnos en la oscuridad de la cabaña, donde tenemos verdaderas secuencias de terror.
‘Sherpherd’ es una película que se toma su tiempo para contarte la historia que Russell Owen nos quiere plasmar, pero merece la pena tener esa paciencia para llegar al final. Una de las sorpresas del festival y que, aunque no vaya a gustar a todos, si que al menos visualmente va a hacer las delicias de muchos.
Un asesino en serie que pasa desapercibido para ser una persona normal, una cabaña en el bosque y una mujer con ganas de conocer a alguien. Se juntan el hambre con las ganas de comer.
Travis Stevens expone en 16mm esta obra que tiene un grano muy bien buscado, para introducirnos en una pesadilla que nos rememore a viejos clásicos, aunque la cabaña en cuestión no sea precisamente rural o vintage. Igual nos pasa con el enfoque de la película que en vez de centrarse en las víctimas muchas veces busca la empatía con el villano, al cual descubrimos desde la primera escena.
El arte está presente durante todo el filme mientras se van sucediendo las situaciones incómodas, cada vez más terroríficas. Como sorpresa nos encontramos con un vínculo con la Grecia Clásica y una trama que realmente entretiene. También muy bien gestionada la interpretación de un villano que camina entre lo demente y lo encantador. Un filme sobre la confianza y la paranoia del que no esperaba mucho y he terminado disfrutando.
Eduardo Casanova vuelve a distinguirse por su dominio pintando de rosa. Casanova, manque le pese a sus detractores, se ha adueñado de este color hasta manejarlo de manera personal y efectiva. Nos ubica ante situaciones bucólicas, bonitas a la vista (por lo menos en su inicio) para después desmontarnos todo ese idilio. Que siga quedando claro, nos encontramos dentro de unos códigos extravagantes y kitsch, de imágenes crudas.
‘La piedad’ roza lo experimental y se compone de un relato casi negro. Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier, tanto argumental como visualmente. Yo empleo el término gótico kitsch para definir sus imágenes y en este caso vamos desde lo burtoniano hasta lo ordinario y lo grotesco.
Durante todo el filme hay un símil presente, de hecho se hace más evidente y manifiesto en el último acto. Algunas personas viven cautivas dentro de ciertas relaciones, en este caso entre una madre y un hijo. El paralelismo se establece con la Corea del Norte de Kim Jong-il, con el fanatismo y la dependencia malsana que ello conlleva. Muy oportuno ahora que se habla de la hija secreta de Kim Jong-un. La ironía está evidentemente presente, más aún cuando conocemos que la controladora madre interpretada por Ángela Molina se llama Libertad.
Una Ángela Molina postrada a las intenciones del director y aportando muy bien todo su talento para esta empresa. Gracias a su interpretación, y la de un también estupendo Manuel Llunell vivimos una película asfixiante y enfermiza en la que se mezcla la agorafobia con las ganas de escapar. Una contradicción no apta para hipocondríacos y que fustigará a aquellas personas que viven a través de sus hijos. Me ha recordado al caso de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, aquel que contaba la película ‘Mamá te quiere (Run)’.
Aquellos que hayan visto películas como ‘Attack the block’ o precedentes similares no van a descubrir nada nuevo en este filme. Unas chicas se topan con una criatura sin saber que no es algo de este mundo y terminan teniendo que enfrentarse a ella sin ayuda de los adultos. Todo transcurre en el círculo ártico, rodeados de la nada y perseguidos por monstruos deformes, como en ‘La cosa’. Pero este primer largometraje de Nyla Innuksuk no tiene ni la gracia de la primera a la que os he hecho referencia, ni el terror de la segunda.
Entre cosas de adolescentes y pequeñísimas apariciones de ese monstruo la película empieza bien. Promete pues nos da sangre desde el principio y nos aporta algo sobre la filiación de los personajes. Lástima que después se pierde con las actuaciones y con lo torpe que es su acción. Incluso al final intenta en vano también desarrollar un discurso sobre la identidad.
Personas muy jóvenes enfrentando lo fantástico. Se os puede venir a la cabeza la omnipresente ‘Starnger Things’ pero quizá el símil reciente más parecido sea ‘Prey’, de hecho, en los créditos hacen algo similar usando caracteres que posteriormente cambian a nuestro alfabeto. La sangre y el adoctrinamiento de la caza está mucho más presente. Además todo transcurre durante el día pues en esas latitudes sabemos que los días duran muchísimo más.
La directora ha trabajado en cortos y en producciones de realidad virtual. En el plano técnico la fotografía es magnífica y los efectos especiales también. Si hay algo que gusta de este filme son las criaturas, aproximadas al Ijirak, una especie de hombre del saco o krampus para los inuit.
‘La piedad’ es una historia de un extraño amor incondicional, una historia de terror, un melodrama enfermizo con tintes de thriller, donde la obsesión, la dependencia, la maternidad, el control, el miedo y el poder componen a personajes muy oscuros que aparentan ser todo lo contrario.
Crítica
Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier
Eduardo Casanova vuelve a distinguirse por su dominio pintando de rosa. Pintar las cosas de color de rosa siempre ha sido sinónimo de narrar edulcoradamente y con un tono preciosista. Casanova, manque le pese a sus detractores, se ha adueñado de este color hasta manejarlo de manera personal y efectiva. Nos ubica ante situaciones bucólicas, bonitas a la vista (por lo menos en su inicios) para después desmontarnos todo ese idilio. El mensaje de la película se me ha antojado mucho más evidente que en anteriores ocasiones y eso al espectador puede que le convenza más que con ‘Pieles’. Pero que siga quedando claro, nos encontramos dentro de unos códigos extravagantes y kitsch. Si eres de los que no son capaces de digerir cosas tan crudas y prefieres como mínimo todo guisado como mínimo vuelta y vuelta, esta no es tu película.
‘La piedad’, que ya ostenta títulos como el de Mejor Película en la Sección Oficial del Fantastic Fest de Austin, roza lo experimental y se compone de un relato casi negro. Casanova bebe de las mismas fuentes controvertidas y descarnadas que Lars von Trier, tanto argumental como visualmente. Su filmografía, compuesta ya por dos largos y múltiples cortos, podría bautizarse como gótico kitsch. En el caso de este segundo largometraje vamos desde lo burtoniano hasta lo ordinario y lo grotesco. Lo dicho, si no tienes estómago no mires esta pantalla.
Durante todo el filme hay un símil presente, de hecho se hace más evidente y manifiesto en el último acto. Algunas personas viven cautivas dentro de ciertas relaciones, en este caso entre una madre y un hijo. El paralelismo se establece con la Corea del Norte de Kim Jong-il, con el fanatismo y la dependencia malsana que ello conlleva. Muy oportuno ahora que se habla de la hija secreta de Kim Jong-un. La ironía está evidentemente presente, más aún cuando conocemos que la controladora madre interpretada por Ángela Molina se llama Libertad.
Una Ángela Molina postrada a las intenciones del director y aportando muy bien todo su talento para esta empresa. Gracias a su interpretación, y la de un también estupendo Manuel Llunell vivimos una película asfixiante y enfermiza en la que se mezcla la agorafobia con las ganas de escapar. Una contradicción no apta para hipocondríacos y que fustigará a aquellas personas que viven a través de sus hijos. Me ha recordado al caso de Gypsy Rose y Dee Dee Blanchard, aquel que contaba la película ‘Mamá te quiere (Run)’.
La película nos habla también de cómo de importantes se sienten algunos cuando se encuentran dentro de su micromundo o en la manoseadamente llamada zona de confort y de como caen en depresión cuando salen al exterior, perdiéndose en el anonimato. Quizá le pase igual a Casanova y en sus círculos más cercanos la película sea mucho más aplaudida que en las salas de multicines. Espero que le caigan más premios como el que he mencionado, lo cual suscite más curiosidad y lo cual llene más salas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: La piedad. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Eduardo Casanova. Guion: Eduardo Casanova. Música: Pedro Onetto. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Reparto principal: Ángela Molina, Daniel Freire, Macarena Gómez, Ana Polvorosa, Antonio Durán, María León, Alberto Jo Lee, Manel Llunell, Meteora Fontana, Songa Park. Producción: Crudofilms, Gente Serie, Pokeepsie Films, Spal Films, Link-up. Distribución: Barton Films. Género: drama, terror. Web oficial: https://www.bartonfilms.com/la-piedad
No podemos empezar de otra manera la reseña de este día, debemos señalar con qué directores hemos estado. Nos hemos encontrado con Justin Benson y Aaron Moorhead con quienes hemos hablado de su nueva película titulada ‘Something In The Dirt’. Los directores de películas como ‘Resolution’, ‘El infinito’ o de series como ‘Archivo 81’ o ‘Caballero Luna’ nos han mostrado su cercanía, tan valorable como su talento. Ya os podemos adelantar que su última película está oficialmente incluida en su universo.
Posteriormente hemos acudido a la rueda de prensa ofrecida por uno de los directores más queridos por los espectadores del festival de Sitges. 2022 ha sido el año en el que por fin Quentin Dupieux ha llegado al festival. Y lo ha hecho presentando ‘Fumar produce tos’ e ‘Increíble pero cierto’, ambas con reseña en esta entrada y en la del día anterior. Ha sido elegido para recoger el Time Machine Award y lo hace sorprendido por el fenómeno de ‘Mandíbulas’ en España. “Nadie grita “Togo” en Francia”.
El encuentro ha sido toda una sucesión de risas por sus respuestas, tan cómicas como su cine. “Es difícil escribir el absurdo” declaró. Por otro lado nos contó como crea sus guiones: “Confío en mis ideas sin reflexionar. Las escribo y luego las pienso y elaboro, un poco” afirmó con una sonrisa picarona. En sus películas casi siempre incluye personajes recreados con marionetas. “Se me conocía por la promoción con Flat Eric. Siempre me gustó el ‘Muppet Show’, guarda mucha relación con mi infancia. Ruedo con marionetas porque es más básico, ves inmediatamente el resultado”.
Además se ha celebrado la alfombra roja de la segunda temporada de ‘Historias para no dormir con la presencia de Salvador Calvo, Nacho Vigalondo, Javier Gutiérrez, Petra Martínez, Aníbal Gómez, Carlos Areces, Roberto Álamo, Álvaro Morte, Marta Etura, Jaume Balagueró y por supuesto Alejandro Ibáñez. Ojo a nuestras reseñas de a continuación que hay grata sorpresa.
‘Incroyable mais vrai (Increíble pero cierto)’
Hemos visto la otra película que nos ha traído uno de los clásicos ya del Festival de Sitges, QuentinDupieux, ‘Incroyable mais vrai’ una cinta algo más “seria” de lo que nos tiene acostumbrados. En ella vemos como el paso del tiempo y el envejecer no nos afecta igual a todos y como mucha gente haría lo que fuese para que no pasase el tiempo por ellos, ya sea implantarse mecanismos electrónicos o bajar escaleras durante años. Como siempre tenemos pocos actores en escena, en este caso son cuatro protagonistas y con ellos vamos viviendo situaciones absurdas que vienen dadas por culpa de sus decisiones a no envejecer. Quizás no sea su mejor película, pero no quita a que sea divertida y que nos lo hayamos pasado muy bien.
Tiene una secuencia en la que no hay diálogos y solo vemos las vivencias de uno de los protagonistas con música de fondo y la verdad que me ha parecido una genialidad. Sé que Quentin Dupieux no es un director para todo el mundo, me encanta recomendarle porque realmente merece la pena acercarse a su cine, así que no dudéis en ver ésta o cualquiera de sus películas, aunque no os guste, sé que no os va a dejar indiferentes.
Salvador Calvo, el director de ‘Adú’, ha realizado el mejor cyberpunk que hasta ahora se ha hecho en España. Con ecos de ‘Altered Carbon’ y por supuesto de ‘Blade Runner’ ha materializado una historia que nos lleva a un futuro distópico, deshumanizado y cruel con los feos o ancianos. Los capítulos de ‘Historias para no dormir’ casi siempre tenían un trasfondo social o filosófico y en este caso nos habla de la superficialidad, del miedo a la muerte. Todo ello acompañado de un Madrid futurista, de la frialdad corporativa típica de estas historias y de un diseño de producción apabullante, parece el ‘Cyberpunk 2077’.
Nacho Vigalondo ha hecho una historia original que aun así nos ha recordado a ‘The nice house on the lake’, a elementos de los confinamientos de 2020, a su propia ‘Extraterrestre’ y a otro título que prefiero no desvelar, pues el final es más convencional que lo que he enumerado. Una rallada de historia edulcorada con su habitual sentido del humor y su particular gusto musical. Un episodio con sentido de la tensión y el misterio, como pide esta antología.
Cuando te dicen el día de antes que vas a ver la película más gore que se pone en el festival, sin duda te hace ir con unas expectativas muy altas, pero no. ‘Megalomaniac’ es extraña, con una atmósfera muy cuidada, con algo de violencia, pero gore nada. En la película nos vamos a una casa apartada del mundo en general donde viven dos hermanos. Él un asesino y ella una mujer que vive atormentada por algún tipo de enfermedad mental.
La película en si está basada en los Asesinatos de Mons, eso sí, muy vagamente, coge la idea de que el asesino deja a sus víctimas abandonadas descuartizadas en distintas bolsas de basura. Pero realmente nos cuenta el día a día de Martha en el que la vemos sufrir continuamente todo tipo de vejaciones. Técnicamente está muy bien, la fotografía es oscura y sucia mostrándonos el mundo en el que viven estos dos hermanos. La música es inquietante, además que es igual a la BSO de la serie ‘Dark’ y en si la dirección y las actuaciones muy bien. El problema viene que no cuenta en si nada, hay escenas bastante oníricas y que nos llevan a los mundos de las pesadillas, pero que no dicen nada. Así que pienso que es una historia bastante desaprovechada.
El director Mark Jenkin ha decidido rodar en 4:3 esta película que solo se me ocurre que se ha programado a las 8 de la mañana a modo de reto. Soporífera, insípida, pretenciosa… Mientras he intentado no caer dormido los párpados entrecerrándose convertían la imagen en panorámica. Es, literalmente, la vida de una señora en los años setenta en una isla desierta cuyo día a día consiste en tomarle la temperatura a unas florecillas, tirar una piedra a un pozo, encender un generador y ver como hierve el agua de la tetera. “Sin cambios, sin cambios, sin cambios” anota en su libreta. Ya podrían haberse dado cuenta los realizadores del filme de la exasperante monotonía de su obra.
Podrá ser un estudio contemplativo de la soledad o la pérdida y tener cierta técnica, intencionada y depurada. Pero posee tan poco nervio, tan pocos giros, tan poco interés, que incluso uno piensa que está hecha sin ganas. Recordáis esas patadas de Van Damme que se repetían una y otra vez, pues esto es lo mismo, salvo que lo que se repite es un paseo. Pajas mentales y experimentales.
El folk horror sigue sumando. Esta vez la propuesta nos llega desde Eslovaquia. Allí, a una aldea de montaña, regresa una joven buscando reconciliarse con su pasado, cerrar heridas y despejar algunas incógnitas que la carcomen. Arrastra un trauma que viene desde su infancia y que nos explican en una escueta y súbita escena inicial.
Pueblo pequeño, leyendas y brujería. El género fantástico está presente, pero tras él hay un trasunto más importante sobre la feminidad, la cerrazón de pueblo y las creencias ancestrales que aún hoy en día persisten y se enfrentan al escepticismo actual. Es estupenda la flagelación de la protagonista, no por morbosidad dramática, sino por los buenos paralelismos que establece además de la manera en cómo planta cara al status quo.
Se divide en varios capítulos, titulados como aquello a lo que se va a enfrentar la protagonista. ¿Es terror lo que sobrecoge a esta joven? En parte si, aunque quizá no es el horror convencional o el esperado. Es otro más rebuscado, diferente.
Blumhouse nos presenta a la directora Nikyatu Josu. Ella nos presenta a una empleada residente nueva en un hogar en el que debe cuidar a una niña. Una criatura que crece sin padres ya que su madre está enganchada al trabajo y su padre es un mujeriego.
En tres cuartos de hora solo hay una mención a Mami Wata (una divinidad del agua del vudú) y una especie de impulso o atracción hacia la llamada de África. Podríamos pensar que realmente el terror estaba en ese continente, que se han confundido de lugar y época. A la hora sucede algo más fantasioso pero la cosa no se desata, tiene algún tímido gesto que ni siquiera que se puede llamar sobrenatural. El guión presta más atención a la situación sentimental de los personajes y a una tensión ligeramente creciente. Todo para realizar una crítica hacia el estilo de vida occidental y hablar de la maternidad. Es un drama con mensaje claro, pero sin casi nada que me haga pensar que debería estar en Sitges.
Una historia típica, llena de tópicos y que merece mucho la pena. Está claro que los coreanos logran hacer buen cine de acción y esto es lo que es ‘Emergency declaration’.
El detective de policía In-ho recibe un aviso sobre un hombre que amenaza con un ataque terrorista contra un avión. En él termina muriendo un hombre por razones misteriosas. Se declara la emergencia.
Como he dicho es típica, un virus, cuarentena, la gente se vuelve loca y todos ellos sacan lo mejor o peor que llevan dentro.
Pero como he dicho HanJae-rim logra una cinta llena de acción que pese a su duración, 147 minutos, no deja que te aburras en ningún momento. La acción está muy bien rodada y también ayuda a que el CGI está muy bien realizado.
Protagonizada por SongKang-ho, al que ya vimos en la tremenda ‘Parásitos’ y por LeeByung–hun, del que disfrutamos en el ‘Juego del calamar’.
‘Emergency declaration’ es una película muy disfrutable no apta para alguien que vaya a coger un avión en estos días.
Una torre de viviendas queda envuelta en una oscuridad absoluta, como si de un velo negro se tratase, los vecinos se ven encerrados para siempre tras esas paredes. A partir de ese momento, comienzan a actuar rápido, racionar comida, bebida y organizarse en bandas. Al principio es bastante interesante, pero el gran problema que tiene ‘La tour’, es que llega un momento que no te importa nada de lo que te están contando, porque no coges cariño a ninguno de los vecinos y además ellos mismos pierden las ganas de saber qué es lo que realmente ha ocurrido en su edificio.
Las actuaciones y ambientación están muy trabajadas. La dirección la verdad que está muy bien, al final está todo el rato en un edificio, subiendo y bajando escaleras y entrando y saliendo de los diferentes pisos. Pero la verdad que pese a que no está mal, no la volvería a ver y tampoco la recomendaría.
Secuela de ‘Beomjoidosi’, que en España se estrenó como ‘The outlaws’ y fue dirigida por Yoon-Seong Kang. Sang-yong Lee, el director ‘El bueno, el malo y el raro’ donde ya trabajó Ma Dong-seok, coge el testigo. Al protagonista, a quien el público general conocerá por su papel en ‘Eternals’ y el más acostumbrado al fantástico descubrió con películas como ‘Train to Busan’, le recae de nuevo la tarea de acabar con la peor calaña del país.
La estrella del cine de acción coreano vuelve a abrirse paso repartiendo mamporros a mano abierta como policía en un mundo lleno de maleantes y mafiosos, esa vez además en un territorio que no es el suyo. Si en España nos quejamos de los destrozos de los turistas en Corea u otros países asiáticos sufren la visita de prófugos que buscan cobijo y continuar con sus actividades ilegales. A eso se enfrenta el brusco, carismático y simpaticón policía de Dong-seok en esta secuela que es aún más trepidante y efectiva que su predecesora. Quien iba a decir que las estrellas del género de acción de Hollywood encontrarían aquí un digno sucesor/competidor.
La sorpresa del día ha sido toparnos con la que muchos están diciendo que es la mejor película de Sitges 2022. ‘Speak no Evil’, de Christian Tafdrup, está causando sensación y corre como la pólvora de boca en boca. Hemos podido ver tres películas muy esperadas, el remake de ‘One cut of the dead’, ‘Something in the dirt’ y una de las dos nuevas propuestas de Quentin Dupieux. Decepción máxima con la nueva obra de Darío Argento. Ahí van nueve reseñas más de títulos programados en esta 55 edición.
‘Speak no Evil’
Bastante perturbadora me ha parecido ‘Speak no Evil’ una cinta en donde conocemos a una familia danesa que decide ir a visitar a una familia holandesa que conocieron en unas recientes vacaciones. Pero el fin de semana que planteaban idílico se convierte en una pesadilla por las extrañas situaciones que comienzan a vivir.
La película la verdad que logra enganchar y entras en la historia desde el principio. Los cuatro actores protagonistas logran mantenerte en tensión. Está muy bien llevado todo, porque no entiendes bien lo que ocurre y la verdad que eso es algo muy bueno, pues el final es impactante.
Como muchas veces en este tipo de películas además de la dirección, llevada gracias a Christian Tafdrup, es muy importante el tema de la fotografía. En este caso los contrastes entre la luminosidad de cuando conocen a la familia holandesa y la oscuridad de cuando les conocen de verdad es tremenda. Me ha parecido un gran trabajo, sobre todo en sus momentos oscuros, en los que nos perdemos detalles por culpa de esto y logran mantenernos preocupados por los protagonistas.
Una pequeña sorpresa es ‘Speak no Evil’ y la verdad que una vez terminada me he puesto a investigar y aunque me ha encantado el desenlace, he leído que el director quería otro que la verdad hubiese sido muy bueno. Pero los medios y el dinero es lo que tiene y sinceramente, es un buen final.
Hemos tenido la oportunidad de ver ‘Corten!’ la nueva cinta de MichelHazanavicius, que nos trae su versión de nuestra quería ‘One cut of the dead’. Un plano secuencia fallido se convierte en una película en la que vemos el trabajo y el amor hacia el cine. Eso es lo que Shinichirô Ueda quiso darnos con su proyecto de fin de carrera. Hazanavicius, nos muestra un lado un poco más frío con el tema de producción que hay detrás de la película. Distinta, pero aun así tiene el mismo espíritu que su predecesora.
Protagonizada por RomainDuris y BéréniceBejo, la película nos muestra cómo se pueden torcer las cosas en un día de rodaje con la presión de los productores y más haciendo una película con plano secuencia. La rapidez con la que tienen que improvisar para que este plano secuencia no se estropee y que bien. Nos deja ver el trabajo en equipo que tienen que hacer para lograr una película.
Al igual que ‘One cut of the dead’ me pareció muy japonesa, ‘Corten!’ es cine muy francés. Logran alargar una historia que no es necesario alargar, pero no molesta, simplemente es diferente.
Quizá es la mayor comida de coco y la película más críptica de Justin Benson y AaronMoorhead. Es un galimatías complejo rodado con medios muy sencillos y diría que casi escasos, quizá fruto de ese árbol de películas que se formó con los confinamientos del COVID-19. Mezclando matemáticas o física con teorías conspiranoicos o fanatismos generan una historia entre dos vecinos que interpretan ellos mismos y que acaba de un modo quizá excesivamente abierto a la interpretación o sin haber hilado suficientemente las pistas.
El filme suma constantemente divagaciones y elementos como las líneas ley, las cuatro fuerzas fundamentales de la física, espirales de Fibonacci, masones, el MK Ultra, sectas de la antigua Grecia… Se conforma un puzle que yo solo he podido componer como una maquinación fanático-matemática. Está narrada en retrospectiva, navegando entre grabaciones, entrevistas y recuerdos, puede rememorar en determinados aspectos a ‘Archivo 81’, la serie de Netflix donde trabajaron ambos directores. Tal vez haga falta que salga una segunda para que cerremos el círculo o encontremos una explicación más minuciosa y detallada, al fin y al cabo hicieron lo mismo con ‘Resolution’ y ‘The endless’. Ojalá esta sea la puerta a un nuevo universo suyo.
Vuelve Quentin Dupieux al Festival de Sitges y lo hace por partida doble. Hoy hemos tenido la oportunidad de ver ‘Fumer fait tousser’, en castellano algo así como ‘Fumar produce tos’. Con su peculiar humor, Dupieux nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salvar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero tras una gran lucha contra una tortuga gigante, su jefe ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos.
Divertida, como siempre absurda y llena de historias locas que nos irán contando cada uno de los superhéroes. Un homenaje al cine sentai, en el que veremos kaijus, alienígenas que quieren destruir la tierra y una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera. Como nos tiene acostumbrados los efectos son manuales, marionetas, disfraces, todo ello con el gusto del director. Pronto os hablaremos más detenidamente de la cinta con una crítica más extendida.
Las franquicias cinematográficas que más culto generan son las de ‘Star trek’ o ‘Star Wars’. A menos nivel, pero no por ello con menos peculiaridad, llegan los fans de ‘Mad Max’. El fandom por el mundo post-apocalíptico planteado por George Miller es analizado en este documental. Su violencia, su acción, el antiheroismo… Ha creado una cultura que va desde la moda hasta las predicciones de futuro más halagüeñas.
¿Sabías que sus adeptos se van a zonas desérticas para lucir ese look tan característico en festivales y convenciones? ¡Incluso modifican sus coches para que parezcan de las huestes de Immortan Joe! El documental empieza siguiendo los pasos de un miembro del reparto que a pesar de tener diagnosticada una enfermedad terminal, solo piensa en llegar a la celebración del 40 aniversario del estreno de esa película que ja creado toda una tribu urbana. A partir de ahí muestra el impacto de esta historia en distintas vidas, tanto de aquellos que rinden culto al cromo como la de los lugareños.
Por supuesto el director de este filme procede de las tierras que vieron nacer la franquicia, Australia. Y también es importante señalar que su principal ocupación es la fotografía. No es de extrañar pues la puesta en escena y la estética de ‘Mad Max’ son icónicas, casi únicas. Lástima que el documental no tenga los derechos para mostrar imágenes de la película y establecer mejores ejemplos y menos testimonios fan.
Dirigido por AlexandreO.Philippe, artífice, entre otros, del documental ‘78/52’ sobre la famosa escena de la ducha de ‘Psicosis’. Un director especialista en documentales sobre cine y que nos sorprende con la comparativa de la obra de DavidLynch y la película ‘El Mago de Oz’.
Admito no haber visto nada de Lynch, salvo ‘Dune’ y me ha sorprendido muchísimo todo lo que ‘El Mago de Oz’ sale reflejado en sus películas. Los zapatos rojos, las grandes cortinas y el viento. A través de varios capítulos vamos escuchando a difernetes artistas comentando las distintas secuencias y comparándolas con la película de JudyGarland. JustinBenson, AaronMoorhead, KarynKusama, RodneyAscher, AmyNicholson y JohnWaters, son los encargados de dar voz narrativa a este documental. Me ha gustado mucho como está tratado el documental, con infinidad de material de David Lynch, no solo sus películas, sino cortos, entrevistas e incluso sus propias divagaciones en radio.
En esta película austriaca descubrimos la truculenta situación que vive Simi. En plena adolescencia se haya carcomida por su estado físico, en concreto por su peso. Las fechas no acompañan pues es pascua, época de comer torrijas. Sin embargo la tía de Simi, ex-mujer de su tío por parte de madre, tiene un plan bastante retorcido para ella. Mientras prepara suculentos platos para su primo le impone una dieta a base de ayuno.
Esta ópera prima da auténtica hambre. Se suceden los platos y el sonido de las tripas, las de la protagonista y las de los espectadores. Supone una auténtica tortura culinaria, se te hace la boca agua viendo esta película. Es menos tortura cinematográfica de la que esperaba pues la parsimonia y poca sangre de estos europeos auguraban un filme espeso. No obstante se agradece que desde el principio se masque algo extraño, malsano y retorcido. Eso sí, el final es cierto que te lo ves venir.
Volamos al espacio de la mano de la directora novel Magdalen Lauritsch. Estamos ante su ópera prima, después de varios cortos. ‘Rubikon’ nos presenta a una tripulación que tras ver como una nube tóxica llega a la Tierra, entran en el gran debate de si intentar salvar a los posibles supervivientes o rehacer su vida en el espacio.
Aunque no cuenta nada nuevo, ‘Rubikon’ nos da una gran puesta en escena. Con un CGI muy trabajado y con un vestuario de 10. Todo el tema técnico en la película la verdad que es fantástico, se ve que el presupuesto ha sido alto y que el equipo ha trabajado con ganas.
Donde falla es en la historia, no porque ya lo hayamos visto, eso no me importa, al principio engancha y la verdad que está muy bien contada. Pero sí que es cierto que llegados a la mitad de la película ya no está todo contado y no hacen más que darle vueltas a la misma idea, volvemos a la Tierra o no.
Los tres actores protagonistas logran una química muy buena, para las situaciones buenas y malas que ocurren. Y la directora hace un trabajo estupendo para ser su primer largo. Lo dicho, la única pega, las vueltas que se dan para llegar al desenlace final.
Dario Argento regresa a la dirección tras ‘Drácula 3D’ y después de verle en su debut como actor protagonista este año en ‘Vortex’. Vuelve con una película escrita junto a Franco Ferrini que estaba guardado en un cajón desde 2002 tras que la productora Cecchi Gori se declarase en bancarrota.
He de reconocer que la película me ha decepcionado muchísimo, pero antes de entrar en detalles, la película nos cuenta la historia de Diana, una prostituta que queda cegada por culpa de un asesino en serie, el cual falla en su cometido. Tras esto, comienza la huida de nuestra protagonista junto a un niño.
‘Dark Glasses’ no tiene intriga ninguna, desde el principio ves el percal y tampoco hacen mucho para que la película te intente enganchar. Hay escenas que realmente son de risa y se nota que es un trabajo bastante dejado. Con lo que cuida el color y la música Argento en sus anteriores cintas, en esta no se ve nada de eso. Es muy plana y realmente la música en momentos llega a molestar.
En cuanto a las actuaciones, son bastante exageradas y torpes. La verdad que es una pena porque, aunque no esperaba un peliculón, sí que quería ver algo distinto y bien realizado.
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