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Paula tiene 9 años y sueña con ser futbolista. Cuando el equipo en que juega pasa por apuros económicos, su padre Luis le promete hablar con su buen amigo, el jugador del Betis Joaquín, para que apadrine el equipo. Solo hay un pequeño problema: Luis realmente no conoce al jugador, se lo ha inventado para ganarse la simpatía del barrio. Ahora que el sueño de Paula está en juego, tendrá que hacer lo imposible para no defraudar a su hija.

Crítica

Estos héroes de barrio nos enseñan que soñar es gratis y no luchar por los sueños con honestidad se paga caro

Ahora que hay vacaciones y podemos disfrutar con más calma de las calles que rodean nuestro hogar llega ‘Héroes de barrio’. Una película española protagonizada por Antonio Pagudo y Luna Fulgencio. Al primero seguro que le tenéis presente por ‘La que se avecina’ o estrenos muy próximos como ‘Por los pelos’, la segunda es una de las más destacadas de la trilogía ‘Padre no hay más que uno’.

‘Héroes de barrio’ es una película que aboga por la gente de a pie. Personajes humildes de barriadas de Sevilla protagonizan esta obra en la que una niña fan del Betis quiere jugar en la Selección Española de Fútbol, casi al estilo de ‘Quiero ser como Beckham’. Mientras ella persigue ese sueño su padre intenta mantener a flote el bar familiar. Antes he mencionado ‘Padre no hay más que uno’, al igual que en la tercera entrega de esa saga nos proponen en pleno verano una película ambientada en las fiestas de invierno. Se pierde el gancho con esta desincronización temporal pero el mensaje es atemporal y nada navideño.

Esta es una comedia ligera y familiar, muy bienintencionada y con humor blanco. Es la lucha de un padre por hacer feliz a una hija que le tiene muy en estima y a un abuelo que está decepcionado. Va de frustraciones derivadas de talentos desaprovechados y de objetivos no conseguidos. Las personas de esta película sueñan y fantasean por encima de sus posibilidades y eso no les impide vivir el día a día entre chistes. Más o menos lo que nos transmite el filme es que soñar es gratis y que no es tan malo aceptar la mediocridad, que los auténticos héroes no entienden de idolatría de masas sino de honradez u honestidad.

De todo el reparto de héroes de barrio obviamente destacan los protagonistas que interpretan al padre y la hija de la historia, pero también se ganan presencia por su propio talento actores como Antonio Dechent o Alex O’Dogherty. La directora Ángeles Reiné extrae de ellos un marcado acento andaluz y la cercanía que puede tener cualquiera de nuestros propios vecinos. Con esta nueva película consigue ser mucho más eficiente y veraz que con ‘Salir del ropero’.

La banda sonora de ‘Héroes de barrio’ está compuesta por temas de música rap, para darle más sabor de historia callejera. Desde el humilde bar de un sencillo distrito de Sevilla se inicia una odisea por llegar a Joaquín, el chistoso jugador del Betis, pero eso no es más que simbolismo para hablarnos de lo duro que se lucha día a día en las calles más modestas de nuestras ciudades. No obstante no os decepcionéis pues Joaquín y sus chistes están mucho más presentes de lo que esperábamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2022. Título original: Héroes de barrio. Duración: 86 min. País: España. Dirección: Ángeles Reiné. Guion: Antonio Prieto, Ángeles Reiné. Música: Alfonso Casado. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Antonio Pagudo, Luna Fulgencio, Antonio Dechent, Álex O’Dogherty, Lisi Linder, Jesús Olmedo, Ken Appledorn, Adrián Pino, Joaquín, Sergio Reifs, Carolina Bassecourt, Carla Reifs. Producción: Spal Films, Álamo Producciones Audiovisuales, Galdo Media, Canal Sur. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/heroes-de-barrio

Crítica: ‘La memoria de un asesino’

Sinopsis

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Alex Lewis (Liam Neeson) es un asesino profesional de gran reputación y discreción. Cuando se niega a completar un trabajo que viola su código moral, debe cazar y matar rápidamente a las personas que lo contrataron antes de que ellos y el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) lo encuentren primero. Alex está hecho para la venganza, pero, con una memoria que comienza a fallar, se ve obligado a cuestionar cada una de sus acciones, desdibujando la línea entre el bien y el mal.

Crítica

Liam Neeson explotando su edad y aumentando su kill count

Liam Neeson, respóndeme por favor. ¡¿No ibas a dejar la acción?! Me preocupa que a tus setenta años un día nos des un susto pero… gracias por seguir partiendo crismas en pantalla grande. Aunque la trama difiere en algunos puntos de tus últimos y repetitivos trabajos ya va tocando ir más allá y que nos regales una comedia como la que le pedías a Gervais en ‘Life’s too short’. Creo que la verdadera broma, la comedia, estuvo en cuando dijiste que ibas a dejar la acción y te reíste de todos vendiendo titulares y regresos.

Basándose en la novela de Jef Geeraerts, que ya fue adaptada en Bélgica bajo el título homónimo ‘De zaak alzheimer’, ‘La memoria de un asesino’ cuenta cómo un sicario intenta retirarse a causa de su Alzheimer, es obvio que el título original era más revelador. También es obvio que a este asesino no le van a dejar abandonar el negocio con baja por enfermedad y ha de enfrentarse a sus compinches mientras lidia con sus remordimientos y sus escurridizos recuerdos.

Un villano pintado como bueno. ¿Un asesino con moral es bueno? ¿Y si lo que pasa no es que tenga principios, sino que le embargan las lagunas mentales? ‘La memoria de un asesino’ juega con la doble moral, como tantas otras películas, para poder hacer uso de un protagonista despiadado e incluso deleznable pero hacia el cual podamos sentir un mínimo de simpatía. Alex Lewis (así se llama Neeson en el filme) ha de escoger si seguir trabajando para el cártel que siempre le ha dado objetivos y dinero o proteger a la niña que está a punto de desenmascarar a ese mafioso haciendo justicia por una vez en su vida. Una crisis de avanzada edad inclina la balanza en este caso y este es un thriller de esos en los que nadie confía en nadie, ni siquiera el protagonista de sí mismo.

Trama de villanos repulsivos, investigadores chocándose contra el muro de la corrupción (y de México), algún tiroteo sin demasiada confrontación física para Neeson, algún doble de acción y película de criminales con estructura piramidal montada. A la estrella irlandesa se le notan los años y puede que por eso haya escogido hacer esta película, más basada en el suspense que en la acción y descansando más de lo habitual en las subtramas de otros personajes, interpretados por Guy Pearce, Taj Atwal o Monica Bellucci. Por lo menos ‘La memoria de un asesino’ no es la clásica película de venganza, se asemeja más a las aventuras de El Castigador, con quien encontramos dos relaciones curiosas. Por un lado tenemos a Dario Scardapane (guionista de la serie protagonizada por Jon Bernthal) y por otro la aparición de Ray Stevenson (‘Punisher 2: Warzone).

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de julio de 2022. Título original: Memory. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Campbell. Guion: Dario Scardapane, Carl Joos, Erik Van Looy. Música: Rupert Parkes. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Liam Neeson, Guy Pearce, Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson. Producción: Black Bear Pictures, Welle Entertainment, Arthur Sarkissian Productions, Camera Hogs, Signature Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: https://blackbearpictures.com/film/memory/

Crítica: ‘El agente invisible’

Sinopsis

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El agente invisible es el agente de la CIA Court Gentry (Ryan Gosling), alias Sierra Seis. Sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton), Gentry fue en su día un mercader de la muerte altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo, perseguido por todo el mundo por Lloyd Hansen (Chris Evans), un antiguo compañero de la CIA que no se detendrá ante nada para acabar con él. La agente Dani Miranda (Ana de Armas) le cubre las espaldas. La necesitará.

Crítica

Acción y diversión a partes iguales

Desde el 14 de julio tenéis en cines ‘El agente invisible’. Este viernes 22 de julio la podéis ver en vuestros hogares gracias a Netflix. Una cinta llena de acción y caras muy conocidas. Ana de Armas, Ryan Gostling, Chris Evans y Billy Bob Thorton, son los protagonistas de la nueva cinta de los hermanos Russo.

Anthony Russo y Joe Russo nos traen un thriller en el que un misterioso agente de la CIA descubre trapos sucios de la Agencia y es acechado por un excompañero desquiciado, el cual pone precio a su cabeza y lo persigue por todo el mundo.

‘El agente invisible’ se ha convertido en la cinta más cara de Netflix en la actualidad. Y es que ya solo con los artífices de la historia, el reparto y la cantidad de localizaciones, es normal que el prepuesto engorde.

Pero al igual que me ocurrió con ‘Alerta Roja’ que hasta hace poco también era la más cara de Netflix, por mucho prepuesto que tenga, el guion me ha parecido algo flojo. Admito que me ha gustado más que la anteriormente mencionada, pero sigue siendo una historia con mucha acción y poco mas.

Pero no significa que sea algo malo, es bastante entretenida y como digo el trabajo físico de los actores se nota mucho. La acción está muy bien rodada y las coreografías muy bien realizadas. Los actores dejan ver todo su músculo y sus movimientos, incluida Ana de Armas que parece estar animada a este tipo de cine. Ya la hemos visto darlo todo en la última película de 007 y la veremos pronto en el spin off de ‘John Wick’, ‘Ballerina’.

Otra de las cosas que se notan cuidadas; es la fotografía. Con la que juegan cuando hay acción, sobre todo en los interiores, donde seguimos a nuestros protagonistas. O con las luces en las escenas del principio, dándonos bastante información a través de las sombras que vamos viendo. Stephen F. Windon es el encargado de logar todo esto y es que es un director de fotografía que se conoce bien las películas de acción, pues ha trabajado en unas cuantas de ‘Fast & Furious’.

Ya os he nombrado al reparto, y como os he comentado están genial en la acción. Chris Evans en su papel antagonista nos da una interpretación bastante divertida. Al igual que Ryan Gostling. Que, aunque siempre parezca que tiene la misma expresión, logra mostrarnos sentimientos. De hecho, en una de las peleas en las que ambos se enfrentan, en el doblaje al castellano le nombran como “Muñeco Kent”, ya sabemos que interpretará en breve al juguete de Mattel.

‘El agente invisible’ es una película muy entretenida, como he dicho, sencillita, sin complicaciones en la trama, pero muy bien realizada por todo el equipo. No sabemos si harán trilogía o no, pero os podemos decir que la película está basada en las novelas de Mark Greaney. Si deciden hacerlas, bienvenidas son.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2022. Título original: The Gray Man. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Anthony Russo, Joe Russo. Guion: Joe Russo, Joe Shrapnel, Christopher Markus, Stephen McFeely, Anna Waterhouse. Música: Henry Jackman. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura. Producción: AGBO, Netflix, Roth Films, Roth/Kirschenbaum Films, Stillking Films. Distribución: Netflix. Género: acción, suspense, adaptación. Web oficial: https://www.agbo.com/project/the-gray-man#all

Crítica: ‘Men’

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Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros.

Crítica

Garland vuelve al terror y realiza su filme más comprometido

Avalada por A24, como su primera película dirigida (Ex_Machina), Alex Garland retorna al terror. Recordemos que era el guionista de ’28 días después’ y tras haber brillado en la ciencia ficción con otro filme (‘Aniquilación’) y una serie (‘Devs’) vuelve al terror, pero de un modo diferente al de su película de infectados que corren. Los textos de Garland se han vuelto extremadamente intelectuales, siempre es críptico pero descifrable, eso no ha dejado de ser así en esta reflexiva vuelta que lo que si mantiene es un marcadísimo acento británico. Dado que esta obra se fundamenta en un profundo drama y no se basa en sustos fáciles, sino en una atmósfera agobiante y un ambiente desconcertante, podemos enmarcarla dentro del llamado “elevated horror”. No obstante, también tiene su momento persecución “tipo slasher”, sus instantes gore y algún que otro elemento tecnológico que falla.

Me encantan los filmes que te hacen pensar, que plantean debate y que además lo hacen de un modo diferente al convencional. Con las primeras escenas (y el título) de ‘Men’ ya sabes de qué va el tema, además de dejarte bastante descolocado. Violencia de género, chantaje emocional, masculinidad tóxica, micromachismos… Toca absolutamente todo eso. Pero lo interesante es que se nos muestra la visión y calvario de una mujer (Jessie Buckley) en una situación específica, que es la de muchas otras, pero no la de todas. Podría parecer que esta película estigmatiza a todos los hombres, pero realmente mi opinión es que intenta mostrar la manera en cómo se altera la percepción de una persona hacia el género que le ha maltratado o que le ha tenido en una relación destructiva. Y además de eso pretende mostrar el cómo la sociedad desprotege sistémicamente hasta el punto de volver las tornas e incluso inculcar un injusto y alarmante sentimiento de culpa.

El diente de león tiene propiedades depurativas o desintoxicantes, quizá es por eso que aparece tanto en el filme. También puede deberse a la capacidad reproductiva de esa planta, que hace que salgan todos iguales. Tal vez os parece una explicación enrevesada pero el director londinense suele ser así de detallista, rebuscado o minucioso. Si os fijáis bien en el cartel veréis que esconde una calavera y una piel de serpiente. Y es que Garland utiliza su propio lenguaje para indicarnos como generación tras generación o como independientemente del lugar o profesión, hay una naturaleza en algunos hombres que no cambia. Aun así, tira del simbolismo católico y pagano, más que por cimentar el filme en elementos de la fe, por indicar cuál es el germen o la influencia de los comportamientos a cambiar. Esto se ve expuesto por todos y cada uno de los personajes que encarna Rory Kinnear en otra magistral muestra de talento interpretativo. Hay veces que ‘Men’ es tan visualmente turbadora que parece un episodio de multiversos de ‘Rick y Morty’ o a una escena de ‘Cómo ser John Malkovich’, pero en esa rareza radica la llamada de atención de la película.

Si ves que una mujer da alertas de tener un problema de violencia de género, si ves que una mujer tuerce el gesto cuando haces un cumplido fruto de un tópico anticuado, si ves que el sistema falla a la hora de poner a distancia a un individuo peligroso… Si ves todo eso y no haces nada estarás demostrando que todos somos iguales. Para mí eso es ‘Men’. Garland abandona el existencialismo para subirse al carro del feminismo. Funciona igualmente con este largometraje sobre el terror emocional y de hecho esta es su película más comprometida. Es tan extraña, turbadora y agobiante como ‘madre!’.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de julio de 2022. Título original: Men. Duración: 100 min. País: EE. UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Jessie Buckley, Rory Kinnear, Paapa Essiedu, Gayle Rankin, Zak Rothera-Oxley, Sonoya Mizuno. Producción: DNA Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror. Web oficial: https://a24films.com/films/men

Ganador del DVD de ‘Licorice Pizza’

Tenemos un nuevo amigo para Paul Thomas Anderson

Durante las últimas semanas hemos estado sorteando un DVD de ‘Licorice Pizza’. Esta licencia sacada al mercado por Arvi Licensing tiene unos minutos de extras que gustarán a aquellos que disfrutaron en cines de este viaje a los setenta. Quien podrá vivir de nuevo ese nostálgico viaje tantas veces como quiera es el ganador de nuestro sorteo:

@borjaespada

¡Enhorabuena! Nos pondremos en mensaje por mensaje privado a través de su red social para solicitar los datos de envío. En caso de no responder podremos declarar desierta esta convocatoria o elegir una nueva persona destinataria.

Agradecemos a todos los que habéis participado por sumaros a nuestra comunidad. ¡Atentos a nuestro próximo sorteo! Nos espera un verano de cine.

Crítica: ‘Entre la vida y la muerte’

Sinopsis

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Leo Castaneda (Antonio de la Torre) es un español afincado en Bruselas que trabaja como conductor de metro. Una noche presencia el suicidio de Hugo, su hijo, del que llevaba más de dos años sin saber nada. Tras lo sucedido, Leo empieza a indagar en las causas de su muerte y descubre que estuvo implicado en un atraco. La búsqueda de respuestas lo conducirá a una peligrosa investigación y a enfrentarse a su propio pasado.

Crítica

Un thriller y un protagonista realistas y absorbentes

Que Antonio de la Torre es un grandísimo actor es salgo súper demostrado. Aunque el criterio de los Goya se cuestione en los últimos años, el hecho de que esté prácticamente siempre entre los nominados nos demuestra la unanimidad de la opinión tanto pública como académica hacia su calidad actoral. Algo que quizá es responsable de ello es el hecho de que una de sus especialidades sea el género de suspense. Donde lo ha demostrado más recientemente es en ‘La trinchera infinita’, pero si queremos que el tiro esté más afinado y nos acerquemos a lo que vemos en ‘Entre la vida y la muerte’ deberíamos hablar de cómo nos engancha con títulos como ‘La isla mínima’ o ‘Tarde para la ira’.

En este thriller interpreta a un español que vive en Bruselas conduciendo vagones de metro. Su vida se ve zarandeada por un evento de esos que te marcan para siempre. A partir de ahí comienza una narración cada vez más turbia, cada vez más repleta de secretos y giros. ‘Entre la vida y la muerte’ arranca con dos suicidios y parece que está desvelando demasiado pronto sus cartas, pero tiene unos cuantos ases bajo la manga que, a mi personalmente me han enganchado enormemente.

El esquema y la tonalidad del filme de Giordano Gederlini ha sumergido al actor español en un drama criminal de estilo europeo, con un ambiente de lo más cosmopolita. Probablemente conozcáis a este guionista si habéis visto otro éxito escrito por él como es ‘Los miserables’. En este último filme que he citado la intencionalidad estaba clara, en ‘Entre la vida y la muerte’ la motivación del protagonista está mucho más difusa e incluso oculta, lo cual es un gancho potentísimo. Está claro que a este director le gustan las historias con acción inmersas en los bajos fondos, también con algo de justicia ciudadana o callejera. Hasta el punto en el que Antonio de la Torre tiene que batirse el cobre con una versión chunga de Mahershala Ali.

Algo que nos ayuda a empatizar con los personajes de De la Torre, a parte de lo bien que explota los guiones que pasan por sus manos, es su aspecto de hombre común. El malagueño no es un adonis ni le vemos anunciando ropa para El Corte Inglés, es alguien normal y corriente que interpreta a personajes que se salen de la norma, por eso creo que es capaz de hacernos viajar por historias realistas y a la par peliculeras. Algo muy similar es lo que sucede con actores como Jean Reno o Willem Dafoe.

Hablando de esos actores extranjeros que son muy queridos en Europa. Hay que ver cómo se defiende De la Torre en francés, idioma en el que se ha grabado el filme. No se si ya lo hablaba o si incluso ha realizado algún trabajo antes en ese idioma pero su personaje, aunque poco hablador, está tremendamente creíble. Obviamente su acento y su mutismo favorece al retrato de un hombre en tierra extranjera y con algún que otro secreto. Ese carácter inescrutable le convierte en un elemento estupendo para el suspense y el aire criminal. Casualmente esta semana en la que se estrena ‘Entre la vida y la muerte’ hemos oído hablar de unos atracadores en Cuarto Milenio, “Los asesinos de Brabante”. Esta misteriosa película podría servir como resolución a esos irresolutos asesinatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Entre la vie et la mort. Duración: 100 min. País: Bélgica. Dirección: Giordano Gederlini. Guion: Giordano Gederlini. Música: Laurent Garnier. Fotografía: Christophe Nuyens. Reparto principal: Antonio de la Torre, Marine Vacth, Olivier Gourmet, Tibo Vandenborre, Fabrice Adde, Nessbeal, Alexandre Bouyer, Lila Jonas, Marie Papillon, Noé Englebert, Christophe Seureau, Vadiel Gonzalez Lardued, Wim Willaert. Producción: Frakas Productions, Noodles Production, Eyeworks, Fasten Films, Le Pacte, RTBF (Télévision Belge), Canal+, Proximus. Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://fastenfilms.com/producciones/dAGh8QVxePNxzTZp5nWe

Crítica: ‘The execution’

Sinopsis

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El thriller se inspira en el caso de un infame asesino en serie de la era soviética que eludió a la policía durante una década.

Crítica

Un thriller que da miedo por la psique de sus personajes

Muchas veces la lista de premiados de los festivales de cine provoca discusión e incluso indignación. En la pasada edición del Festival de Sitges no hubo mucho revuelo y predominó la unanimidad. Hoy en concreto voy a hablaros de ‘The Executión’, que compartió el premio a Mejor Ópera Prima con ‘The blazing world’.

‘The execution’ narra una historia muy inspirada en hechos reales pero que no busca plasmar exactamente lo sucedido. Se basa en varios asesinos, en su mayoría en el caso real del Carnicero de Rostov. Como hemos visto en otras películas, unos policías tienen que atrapar a un asesino en serie e incluso contar con otros maleantes para poder conseguir su objetivo. La cuestión y la diferenciación de este filme ruso es que atrapan a ese individuo pero el conflicto reside en que aun así no son capaces de demostrar su culpabilidad.

Un potente, aunque no innovador final, más una construcción muy bien urdida son los puntos fuertes de ‘The execution’. La trama nos lleva por varias épocas para tejer el entramado de esta historia. Capta mucho nuestra atención y más le valía hacerlo porque dispone de muchos personajes. Es un filme de estar atento a los detalles y de reconocer a cada uno de los protagonistas en sus diferentes épocas porque de lo contrario te puedes quedar fuera de juego. Eso dice mucho de la complejidad del guión.

Complejidad que se traslada también a la caracterización de algunos de los intervinientes en la historia. La película crea mentes que dan miedo de lo perdidas o retorcidas que están. Son personajes fríos y sucios en diversos aspectos. Con ellos y con la ambientación que le da la foto del filme nos trasladamos a un largometraje que nos recuerda a ‘Los casos del departamento Q’, ‘I saw the devil’, ‘Seven’ y similares.

La trama transcurre a lo largo de diez años. Un periodo largo de tiempo que también se trata con un metraje bastante extendido. Esa es quizá la única pega de la película, su amplia duración. Pero ese tiempo es indispensable para reflejar el desgaste de los protagonistas que participan en este toma y daca. Pero no solo eso, también para retratar una vez más al sistema soviético y sus métodos o prioridades. Una película violenta que busca agitar a esa Rusia anclada en tiempos pasados.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2022. Título original: Казнь (The execution). Duración: 130 min. País: Rusia. Dirección: Lado Kvataniya. Guion: Lado Kvataniya, Olga Gorodetskaya. Fotografía: Denis Firstov. Reparto principal: Niko Tavadze, Daniil Spivakovsky, Yulia Snigir. Producción: Hype Film. Distribución: Filmin. Género: thriller.

Crítica: ‘Pig’

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En ‘Pig’, Rob ha dejado su pasado atrás. Ahora vive en los salvajes bosques de Oregón, junto a un pequeño cerdo cazador de trufas. Juntos llevan una vida de lo más rutinaria y normal, salen al bosque, encuentran trufas y viven alejados del mundanal ruido en una pequeña cabaña. Sin embargo, un día Rob es atacado y cuando despierta se da cuenta de que se han llevado a su cerdo.

Crítica

Ver a este Nicolas Cage tan tierno y contenido es tan fortuito y afortunado como encontrar una trufa por el bosque

Si recurro a vuestra memoria para que rescatéis mentalmente la trilogía tailandesa ‘Ong-Bak’ o las películas paralelas llamadas ‘Thai Dragon’ tendréis en mente el cariño que le tenían esos jóvenes protagonistas a su elefante o al Buda de su aldea. El argumento o punto de partida de esos repetitivos filmes de Tony Jaa es casi calcado al de ‘Pig’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage. La inmensa diferencia reside en que aquí no tenemos acción, a si es que no esperéis una búsqueda tipo cruzada de Liam Neeson en ‘Venganza’, ni una parodia involuntaria como terminan siendo los filmes de este Coppola. Este es un sentido thriller con un objetivo bastante desmoralizador.

Nicolas Cage se convierte en un ermitaño que vive en el bosque junto a su cerdo trufero. Con una vida reducida al mínimo y sin complicaciones ambos cohabitan plácidamente una destartalada cabaña. Hasta que, como si hubiese entrado un zorro en un gallinero, el cerdo es secuestrado por la noche. La trama de ‘Pig’ consiste en mantener el suspense, en ir tirando del hilo para descubrir dos cosas. La primera una obvia, quién tiene al gorrino. La segunda es desentrañar la identidad y el pasado del protagonista.

En ‘Pig’ tenemos al Nicolas Cage más serio y contenido de los últimos años, más aún que en ‘Color out of space’, sobre todo porque no hay componente fantástico. Contenido en el sentido de que interpreta a un personaje solitario y silencioso, con un comportamiento taciturno y calmado. El hombre que tiene que esbozar deja poco margen para las extravagancias del actor, de hecho modula muy bien su voz. Además, vive en continua complicidad con su cerdo trufero, el cual, además de ser una herramienta de trabajo es una fiel compañía. Ahí entra en escena una ternura inusitada para el actor. A si es que ‘Pig’ es una película para entretenerse con Nicolas Cage pero de un modo muy distinto al que nos tiene acostumbrados.

El otro aliciente de esta película es el de tener un primer affaire con el director que prepara la tercera parte de la ya saga ‘Un lugar tranquilo’. Michael Sarnoski es el nombre a recordar para cuando hablemos del relevo de las películas del nuevo Sr. Fantástico, John Krasinski. El toque sucio, campestre, oscuro y deprimente que tiene ‘Pig’ podría encajar con esas películas post-apocalípticas. También lo silencioso que está Cage (algo que sin duda favorece su interpretación). Conseguir que el actor no use sus ademanes habituales me parece todo un logro en la dirección.

Por último, otro incentivo para ver este filme es la inclusión de Alex Wolff en el reparto como escudero de Cage, como su Sancho Panza. Es uno de los protagonistas de ‘Hereditary’ que además ha estado trabajando en buenos títulos desde la película de Ari Aster, como ‘Tiempo’ o ‘Jumanji: siguiente nivel’. El interés en ver cómo progresa en su carrera radica en que le veremos dentro de poco en la próxima película de Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’. Y promete tener papeles protagónicos importantes en un corto espacio de tiempo.

‘Pig’ es una triste historia enmarcada en una Norteamérica decadente. Cada capítulo lleva títulos de suculentos platos y cada episodio va aderezado con alguna escena de lo más deprimente. Es muy bueno el cara a cara que tiene Cage con el cocinero Derek interpretado por David Knell. En resumidas cuentas, este filme tiene una profunda reflexión y no es otra que todos elegimos vivir una realidad u otra, todo depende de qué pensamos que nos hará felices. Sobre todo nos habla de los falsos sueños que nos hacen vivir vidas falsas. Toda una sorpresa pues muy pocos esperarán algún tipo de argumento meditabundo en una película con Nicolas Cage.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Pig. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Vanessa Block, Michael Sarnoski. Música: Alexis Grapsas, Philip Klein. Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Nina Belforte, Gretchen Corbett, Dalene Young, Julia Bray, Darius Pierce. Producción: Al-Film, Altitude Film, BlockBox Entertainment, Endeavor Content, Escape Artists, Hungry Bull Productions, Pulse Films, Saturn Films, Sweet Tomato Films, Valparaiso Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/pig

Crítica: ‘Detective Conan: La novia de Halloween’

Sinopsis

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La historia gira en torno a la boda de los Detectives Sato y Takagi, la cual se ve interrumpida por un asalto del que acaba llevándose lo peor este último. Mientras tanto, se produce una fuga de cárcel en la que está involucrando el perpetrador de un atentado, y Rei Furuya se cruza con una misteriosa persona disfrazada que acaba poniéndole un collar explosivo. A medida que Conan y los suyos empiezan a investigar todos los hechos, se convierten en el objetivo de un grupo muy peculiar.

Crítica

Continuando con las peripecias de un personaje ya imprescindible del anime

Vuelve el detective shōnen, si es que se ha ido alguna vez este exitoso personaje. El pequeño, pero adulto investigador, sigue con sus pesquisas cerrando casos y usando el nombre prestado del creador de Sherlock Holmes para intentar escudriñar quienes son los Hombres de Negro, aquellos que devolvieron su cuerpo a como era cuando tenía siete años.

Decía que este personaje no ha llegado a irse porque ya son más de veinticinco películas y un anime, además de videojuegos, basados en el manga de Gōshō Aoyama. La animación se ha modernizado y se mantienen los trazos clásicos y los colores habituales, sin propasarse con efectos 3D o excesivos artificios digitales e incluyendo detalles de todo tipo, como las bandas sonoras para personas invidentes y demás arquitectura nipona actual, incluida la estatua de Hachiko. Aunque se ve un acabado actual y el director ha animado películas como ‘El tiempo contigo’ el sabor que perciben nuestros ojos es el de siempre.

La historia también se sigue manteniendo igual de divertida, con los mismos elementos, al fin y al cabo el segundo director es el propio Gōshō Aoyama. Sigue funcionando este detective noventero que usa artilugios tipo Batman y se sirve de sus amigos, aunque no todos conozcan su verdadera identidad. Bien es cierto que hay que saber bien cuál es el rollo de esta serie para que sea un buen entretenimiento para todas las edades y además dada la época en la que se enmarca quizá habría sido un estreno más apto para finales de octubre.

Este es un episodio más en las aventuras del Detective Conan. No aparecen los Hombre de negro que le envenenaron e involuntariamente le encogieron a si es que su trama no avanza en ese sentido. Es un detalle raro el que ha hecho que el protagonista tenga el aspecto de siete años pero con eso me refería con que hay que saber lo que hay para disfrutar la película ya que como es obvio la película tiene momentos propios de las extravagancias del anime, pero no os perderéis. De hecho en los títulos de crédito iniciales se hace una breve introducción para neófitos.

“La verdad… siempre se acaba sabiendo” dice el Detective Conan, una frase también propia de Poirot. De manera similar este pequeño tiene imán para los asesinatos y los misterios. La trama tiene sentido del suspense o del misterio sembrando pistas y sospechosos. Quizá cautive a los más pequeños si estos no se pierden entre todos los personajes, en el caso de los adultos es una lástima que el título sea excesivamente revelador. Además comienza con un cliffhanger que tarda en ser recuperado e incorporado a la vida del Detective Conan.

No es un anime lleno de acción, efectos o gags cómicos por lo que se encuentra mucho más ceñido al estilo de los noventa que al actual. Considero que es no es malo, pues puede ser un entretenimiento más enriquecedor para los pequeños que se están adentrando en la animación japonesa que otros títulos más vacíos y ruidosos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Meitantei Conan: Halloween no Hanayome. Duración: 111 min. País: Japón. Dirección: Susumu Mitsunaka. Guion: Takahiro Ōkura. Reparto principal (doblaje original): Minami Takayama, Chafûrin, Tôru Furuya, Megumi Hayashibara, Kazuhiko Inoue, Yukiko Iwai, Rikiya Koyama, Naoko Matsui, Shin’ichirô Miki, Wataru Takagi, Ikue Ôtani, Wakana Yamazaki. Producción: TMS Entertainment. Distribución: Alfa Pictures. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://www.conan-movie.jp/

Crítica: ‘La noche más larga’

Buscando una nueva casa de papel han conseguido un remake, del remake, del remake…

Esta nueva producción española llamada ‘La noche más larga’ se define como una miniserie, por tener solo seis episodios, pero no podemos considerarla como tal pues la trama no se cierra en esos seis capítulos. Es un duelo de bandos en una prisión que queda abierto para segunda temporada. Netflix lanzará esta primera temporada el 8 de julio y ni la plataforma ni los showrunners lo reconocerán nunca, pero este es un clarísimo caso de intentar crear un nuevo fenómeno como el de ‘La casa de papel’, pero les ha salido una versión estirada de ‘Asalto al distrito 13’.

‘Asalto al distrito 13′ es una película de 2005 que versionaba un filme de 1976 llamado ‘Asalto a la comisaría del distrito 13′, dirigido nada más y nada menos que por John Carpenter. Ese título a su vez provenía de un clásico de Hawks, ‘Río Bravo’ que el propio cineasta ya se encargó de repetir con algunos cambios en ‘El Dorado’. Los guisonistas Guionista Xosé Morais y Victoriano Sierra Ferreiro, autores de ‘Néboa’, calcan la fórmula y ya pueden innovar para la segunda parte, porque esta ni destaca entre tanto remake ni se ha distanciado lo suficiente con la obra de Álex Pina como para resultar fresca.

En ‘La noche más larga’ un asesino en serie famoso, perteneciente a una organización, no se resiste a su detención y va a la cárcel. El arresto de “El Caimán”, que así se llama, pone en jaque a ciertas personas y hace que se ejecute un plan. Comienza así un thriller que transcurre en una noche, la de Navidad. En medio de este conflicto está el director que estaba a punto de celebrar la nochebuena con sus hijos. Lo que parece iba a convertirse en una versión española de ‘Jungla de cristal’ sigue el mismísimo esquema de los remakes que he comentado. Si tenemos en cuenta que a lo ya contado le sumamos la típica tensión entre internos y funcionarios y además componentes externos interesados en el recién apresado vemos que esto es muy similar a la película de Jean-François Richet o Carpenter. Incluso mantiene el dilema para el protagonista que se ve dividido por una doble moral, por lo personal y lo profesional, por el valor de una vida u otra.

El director Oscar Pedraza (‘Sky rojo’, ‘Patria’) se mueve bien por los escenarios recreados para dar vida a la Prisión Psiquiátrica Monte Baruca. La historia refleja bien la presión del protagonista que tiene que dirigir un manicomio y además cuidar a sus hijos en Navidad durante de la vorágine que se genera. Esta es una situación de esas de planes rotos, de improvisaciones y de muchos intereses e interesados. Cuando mejor funciona la historia es cuando se mueve entre presos, guardias y demás personajes “secundarios”, irónicamente no es cuando se centra en los dos protagonistas interpretados por Alberto Ammann y Luis Callejo. No es por ellos, sino por que es mucho más interesantes el arco del resto de protagonistas. No obstante, cabe señalar que lo de Luis Callejo como villano sin escrúpulos es dar en la diana. Da el perfil de psicópata y sociópata de película frío y calculador. También es remarcable el papel de Daniel Albaladejo como Cherokee y el de Xabier Deive como uno de los guardias más veteranos de Baruca.

Lo que más me ha decepcionado no es ni su falta de originalidad ni su descarado intento por convertirse en fenómeno de masas. Es el hecho de que peque en no darse cuenta de que más es menos. Se introducen demasiados componentes, se intenta rizar el rizo y estirar el chicle. ‘La noche más larga’ está repleta de coincidencias convenientes que hacen que la trama se alargue con giros y más giros, de los ya clásicos detalles de diversidad e inclusión de Netflix, los típicos romances de las series españolas… No es una copia pues en vez de transcurrir en una comisaría se ubica en una prisión/manicomio o en vez de localizarse en nochevieja sucede en nochebuena. Sutiles cambios que, al menos para mí, no son suficientes.

Crítica: ‘La batalla del lago Changjin’

Sinopsis

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Invierno de 1950. En la gélida región del lago Changjin de Corea del Norte, comienza una sangrienta batalla entre Estados Unidos y China. Pese a las condiciones climatológicas extremas, la falta de alimento y la gran diferencia de armamento, las tropas chinas avanzan con espíritu intrépido y voluntad de hierro en la que fue una de las batallas más violentas de la Guerra de Corea.

Crítica

Un ‘Pearl Harbour’, ‘Enemigo a las puertas’ o ‘Bandera de nuestros padres’ made in China

Con ‘La batalla del lago Changjin’ estamos hablando de la que se considera una de las contiendas que definieron el desenlace de la Guerra de Corea. En 1950, cuando la guerra llevaba seis meses, en el embalse de Chosin se libró un enfrentamiento a bajas temperaturas que se prolongó durante diecisiete días. Aquello terminó con muchas bajas chinas y con los Estados Unidos y sus aliados de la ONU poniendo pies en polvorosa viendo su intento de reunificar Corea frustrado. A eso es a lo que los historiadores (occidentales) llamaron «el mayor movimiento de evacuación por mar de la historia militar de EE.UU.», como una especie de Dunkerque.

¿Es propaganda? Por supuesto. Esta película es todo un ensalzamiento de una nación, de hecho, ha formado parte de la celebración de los cien años del Partido Comunista de China. Pero llevamos tragando esto por parte de los yankees durante décadas, si ellos pueden… ahora les toca ser vistos como los villanos. No soy experto en la Guerra de Corea y tampoco había que ser experto en la de Vietnam o las Guerras Mundiales para darse cuenta de que lo que nos están narrando es la versión sesgada del país que protagoniza y produce la película. Salvo contadas excepciones casi nunca hay autocrítica en estos largometrajes. Y cualquiera se atreve en la China de las reprimendas a poner en entredicho este episodio histórico. Al margen de la intención propagandística y del lavado de cara está otra cuestión. Si hay un síntoma de que la China Comunista ya no es la China Comunista que promovió Mao es este. China está volcada en la comercialización y el hecho de que lance a nivel mundial este tipo de superproducciones, siguiendo el ejemplo de USA, supone una gota que cae en un vaso ya colmado. China es autoritaria, sí, pero de comunista ya tiene más bien poco.

¿Y se ve ese autoritarismo en el filme? Que va. Como decía no hay crítica en esta cinta, se ve clarísimamente que estamos viendo unos hechos reales maquillados. En la era de Internet y con la documentación que hay es difícil cambiar la imagen de lo que ha pasado en una guerra, que se lo digan a Putin con lo inútiles que son sus comunicados que quedan desmentidos en cuanto vemos lo que nos llega sobre Ucrania desde los smartphones de los que están a pie de campo. Pero también es cierto que hablamos de una batalla entre dos países muy cerrados al mundo, sobre todo en esa época.

‘La batalla del lago Changjin’ es la película china más taquillera de la historia con más 900 millones de dólares recaudados. También es la más cara, probablemente debido al número de extras y efectos especiales. Debe ser que los que aparecen en el filme no han decidido trabajar gratis, en plan todo por su patria. Así si debieron avanzar las victoriosas tropas Chinas que tal y como cuenta la historia, la que venden en el bando yankee, eran innumerables. Las bajas alcanzaron la friolera de 40.000 chinos frente a casi 10.500 aliados. Por muy épico que se pinte el aspaviento que se dio al bloque unionista, el sacrificio por saturación se antoja excesivo.

Es propaganda sí, pero, ¿qué tal como película? Pues de entrada dura 175 minutos, casi tres horas y encima cuenta ya con una secuela ‘Water Gate Bridge’. Claro, porque esto no fue una batalla, fue toda una campaña militar. Y como tal el despliegue de medios es tan apabullante que te dan ganas de ver los extras sobre el rodaje. Desde el acabado que dan las tarjetas gráficas chinas renderizando a tope efectos de postproducción, pasando por los tiros de cámara, la innumerable cantidad de extras y sus vestuarios… Recuerda (copiando incluso planos) a las producciones como ‘Los cañones de Navarone’ o ‘El puente sobre el rio Kwai’ (de hecho la secuela trata sobre un puente que es vital para la huida de los norteamericanos) pero con los medios de ahora. Hasta el cartel recuerda a los clásicos bélicos. Hay películas recientes, como ‘Midway’, que también tienen batallas aéreas y navales que podrían considerarse en la misma línea, de hecho, Emmerich sonó para dirigir ‘La batalla del lago Changjin’. Y como pasa con muchas películas del director que está empeñado en destruir el mundo, cansa lo alargada que está la acción.

Otro dato relevante y que no puedo dejar de señalar. Evidentemente para ponerle cara al ejército “invasor” hacían falta rostros occidentales. Todos los actores que interpretan soldados norteamericanos únicamente han rodado películas chinas en su carrera. Y otra curiosidad es que el filme tiene cinco directores, uno de los cuales es el artífice de la película sobre Mao y el establecimiento de la República Popular China. Me he acordado mucho de la ridiculización que se hacía con el personaje de Daniel Brühl en ‘Malditos bastardos’, intentando crear héroes para el pueblo.

En resumen. ‘La batalla del lago Changjin’ (la película) puede servir como síntoma de que China ha cedido a la filosofía capitalista siendo uno de los motores del consumismo, es irónico que al mismo tiempo pinten como villanos al máximo exponente del mercantilismo. O bien puede funcionar (el hecho histórico) como conveniente advertencia a la OTAN ahora que el país asiático está reafirmando su postura tras la Cumbre de Madrid. Si las películas sobre las grandes guerras servían para que Estados Unidos pusiese su miembro viril sobre la mesa ante sus derrotados, esta gran apuesta sirve para ver esos envites, recordando una dolorosa derrota más para occidente.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Chang jin hu. Duración: 175 min. País: China. Dirección: Chen Kaige, Dante Lam, Tsui Hark. Guion: Huang Jianxin, Xiaolong Lan. Música: Elliot Leung, Wang Zhiyi. Fotografía: Luo Pan, Peter Pau. Reparto principal: Wu Jing, Jackson Yee, Duan Yihong. Producción: Alibaba Pictures, August 1st Film Studio, Beijing Dengfeng International Culture Communications Company, Bona Film Group, China Film Group Corporation (CFGC), Huaxia Film Distribution, Shanghai Film Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: bélico, hechos reales. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-battle-at-lake-changjin

Sorteo de un DVD de ‘Licorice Pizza’

Llévate a casa el último éxito de Paul Thomas Anderson

Tenemos entre manos el último estreno de Paul Thomas Anderson, ‘Licorice Pizza’. Poseemos un DVD de la película (análisis aquí) que se estrenó en cines el pasado 11 de febrero de la mani de Universal Pictures y cuya crítica tenéis aquí. El filme estuvo cerca de llevarse varios Oscars y logró un BAFTA, entre otros premios. Protagonizada por Alana Haim y Cooper Hoffman es un relato de amor y generaciones que rinde tributo indirectamente a los años setenta.

Si queréis optar a ganar esta unidad que nos ha cedido Arvi Licensing podéis hacerlo a través de Facebook siguiendo estas normas:

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¡Mucha suerte a tod@s!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 15 de julio a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 16 de julio de 2022. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Análisis del DVD de ‘Licorice Pizza’

La joven pareja dirigida por Anderson llega a nuestras casas

El último título que ha estrenado en cines Paul Thomas Anderson, el director que hace cuatro años cargó contra el doblaje en España, fue ‘Licorice Pizza’. El autor de películas como ‘Pozos de ambición’ o ‘El hilo invisible’ realizó una película románticamente nostálgica con dos jóvenes protagonistas interpretados por Alana Haim (hermana de Danielle Haim, con quien Anderson ha trabajado mucho) y Cooper Hoffman (hijo del fallecido Phillip Seymour Hoffman).

‘Licorice Pizza’ (crítica aquí) nos cuenta como dos jóvenes se encuentran en los setenta. Una historia de encuentros y desencuentros con toques naturalistas y juveniles que sirve también de retrato de la Norteamérica de hace cincuenta años. Un filme que ya está en tiendas en DVD y Blu-ray desde este 29 de junio.

La película estuvo nominada al Oscar a mejor película, director y guión original y a los Globos de Oro a mejor película comedia, actor, actriz y guión. En esta categoría si consiguió alzarse con un BAFTA. Los críticos norteamericanos decidieron que esta fue la mejor comedia del año pasado.

El menú del DVD está disponible en inglés, francés, alemán, castellano, holandés y checo. Una vez accedemos a él tenemos los clásicos iconos para seleccionar idiomas, subtítulos y directamente ya vemos una vista previa de los extras. Todo ello acompañado de una imagen que parece el tablón de corcho que todos hemos tenido en nuestras casas y en el que hemos colgado siempre recuerdos y trofeos, en este caso lo adornan fotografías con fotogramas del filme.

El audio de la película está disponible solo en inglés, francés, alemán e inglés con audiodescripción. Quizá el doblaje al castellano no se ha incluido en esta versión por la aversión del director hacia él. Lo oficial es que esto se debe a una decisión de Universal Pictures. Los subtítulos pueden elegirse en los siguientes idiomas: inglés, francés, alemán, castellano, holandés o checo.

Extras (17 min. aprox.)

Camera test (4:05 min.)

Distintos planos, pruebas de cámara de varias escenas del filme con todos y cada uno de los protagonistas. Ensayos y tiros de cámara que no han llegado a salir en la película, con los actores con diferentes peinados y como viene siendo costumbre por desgracia con los EPIs necesarios para rodar en época COVID.

The handman scene (2:15 min.)

Alana Haim (Alana) y Cooper Hoffman (Gary) tienen una discusión en el coche que ella conduce. Una escena no vista en la película.

Fat Bernie’s commercial (0:57 min.)

Gary y Alana se montan una empresa de colchones de agua llamada Fat Bernie’s. El espíritu empresarial de Gary le lleva hasta a rodar un spot para la televisión que podemos ver fuera del largometraje en este pequeño bonus.

Behind the scenes (10:38 min.)

Fotografías, ensayos, tomas falsas, construcción del set, maquillaje, pruebas de luz… los entresijos del rodaje de este filme que se presentan como algo aún más interesante que la propia película. Casi la totalidad de las imágenes son con el equipo técnico y los actores Haim y Hoffman, apenas aparecen Sean Penn, Bradley Cooper o Tom Waits.

Crítica: ‘Westworld’ T4

Lo mismo de siempre, pero con otra fachada

El próximo 27 de junio, sin haber hecho mucho ruido previo, se produce el regreso de ‘Westworld’. Una vuelta que a muchos ha sorprendido pues no eran pocos los que daban por cancelada la serie que re-imagina la película de 1973. Pues para bien o para mal en este inicio de verano tendremos nueva temporada que llegará a tener ocho episodios de los que hemos podido ver cuatro.

Jonathan Nolan y Lisa Joy siguen con su serie, la cual ya estaba fuera de rumbo. Siguen con el tema de los seres sintientes, ya sean humanos o máquinas dotadas de una inteligencia artificial avanzada. Además están ya totalmente alejados del guión que Michael Crichton escribió para la película original. Mantienen su apuesta por el debate existencialista y la guerra de especies o entidades que es algo de lo que personalmente ya estoy cansado y creo que no da más de sí. Es por eso que la serie me cansa ya tanto y junto a ‘El cuento de la criada’ creo que es un de las cancelaciones/finalizaciones que HBO está tardando en ejecutar. Para mi está agotada la idea y el discurso y ni con todos los giros o vueltas de tuerca que se van inventando recuperan mi interés, ni siquiera como serie de acción. Mucho tendrían que hacer en los cuatro últimos episodios.

Otro de esos giros es un nuevo parque, cosa que tampoco ha sido nunca original pues la película también incluía otros parques temáticos inspirados en otras épocas, como la de la Roma clásica o el medieval. Se rumoreó que HBO fundiría esta serie con ‘Juego de Tronos’ y lo único que vimos fue a uno de los dragones de Daenerys. Esta vez toca movernos a los felices años 20, como indica el título del tercer episodio. Los títulos de los cuatro primeros episodios son ‘Los augurios’, ‘Bien solo’, ‘Annes Folles’ y ‘Generación perdida’. Si esto os parece spoiler ya os aseguro que no es nada comparado con lo que se muestra en el tráiler.

La temporada cuatro repite bastantes elementos, por mucho que se pinten con otra pátina y por mucho que en vez de versionar a Guns N’ Roses versionen a Metallica. Mantiene los personajes de Evan Rachel Wood, Thandiwe Newton, Ed Harris, Jeffrey Wright, Tessa Thompson, Luke Hemsworth, Aaron Paul, Angela Sarafyan y James Marsden. Además se suman intérpretes como Oscar Ariana DeBose, Aurora Perrineau y Daniel Wu. La filosofía es la misma y la serie sigue con su arquitectura y trajes futuristas (incluyendo unos ridículos cascos de obra) lejos ya del western en todos los sentidos. También se mantiene ubicándonos en distintas localizaciones siguiendo distintas tramas a la vez. Aaron Paul y Thandiwe Newton repiten la misma escena tres o cuatro veces y eso sin estar en un bucle como el de Dolores (Rachel Wood). Y de nuevo sucede que la serie es más entretenida cuando está con cualquier personaje que no sea el de Dolores, que sigue erre que erre con lo mismo. Al fin y al cabo todo se resume en tener a las maquinas infiltradas a modo de ultracuerpos en una invasión silenciosa. Es decir, se podría haber hecho ya en la tercera temporada y hacer un poco de síntesis.

Crítica: ‘El hombre de Toronto’

Sinopsis

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Un desastrado asesor de ventas y el asesino más letal del mundo —conocido como el Hombre de Toronto— son víctimas de una confusión de identidad tras coincidir en una cabaña de alquiler.

Crítica

Canónica pero solvente buddy movie

Kevin Hart y Woody Harrelson protagonizan la nueva buddy movie de Netflix, ‘El hombre de Toronto’. En ella uno interpreta a un hombre de ideas inútiles y el otro a uno que solo tiene salidas retorcidas. Son un emprendedor desastre y por ende fracasado y un asesino eficiente afamado entre los bajos fondos. A uno le salen los planes y al otro no. Por casualidades producidas por la inutilidad del uno acaban confundiendo su identidad por la del otro, como si fuese un héroe por accidente, aunque más bien se mete en los pantalones del villano. El filme de Patrick Hughes es una comedia de confusión de identidades, pero no os preocupéis que esto no es ‘García y García’. Es una película con un civil en el papel de un agente infiltrado, si acaso es más similar a lo que sucede a Nicolas Cage en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ o a lo que le pasa a Chris Rock en ‘9 días’, si ya se puede citar algo de Chris Rock sin que te caigan varapalos en las redes.

Kevin Hart ya había hecho varias películas similares a esta con Dwayne Johnson (en ‘Un espía y medio’ o en ‘Jumanji’) y con Ice Cube (en ‘Vaya patrulla’). En ambas hace de un tipo más o menos pardillo que tiene que sobrevivir bajo el paraguas del cachas o tipo duro de turno. El actor de Filadelfia corre el riesgo de encasillarse. También había hecho una película con Kaley Cuoco, ‘El gurú de las bodas’, empieza a repetirse. ¿La otra estrella? Es Woody Harrelson que está en estas lides mucho mejor que en su última aparición cinematográfica como villano en ‘Venom 2: habrá matanza’. Sin duda el rol de tipo irascible pero cómico lo tiene mejor controlado, un ejemplo de ello son papeles anteriores como los de ‘Zombieland’ o ‘Vaya par de idiotas’, en ambas casualmente también hace de mentor. Y le tenemos aquí de rebote porque su papel lo iba a interpretar Jason Statham, lo cual no es de extrañar viendo el carácter del filme.

Bien es cierto que la comedia le pega más a Harrelson, pero esta es una película con mucha acción. De hecho tiene una última secuencia de lucha multitudinaria a diez minutos del final que es un falso plano secuencia muy trepidante y divertido. Acción te tiros, de aviones cayendo, de explosiones, de coches derrapando… ‘El hombre de Toronto’ tiene unas coreografías muy parecidas a las de ‘Los mercenarios’, pero con resultados humorísticos. El director intenta continuar con la onda expansiva de sus últimos y explosivos éxitos, me refiero a ‘El otro guardaespaldas 2’ y ‘Los mercenarios 3’. En esas películas los tipos duros caminan erguidos y con calma mientras dejan atrás una inmensa bola de fuego. En ‘El hombre de Toronto’ dan gritos ridículos de miedo y suspiros de hartazgo. El público, o por lo menos yo, el sonido que hace es de carcajadas, a pesar de ser un filme con el esquema más clásico de las películas de compañeros accidentales casi antagonistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Man from Toronto. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Hughes. Guion: Robbie Fox, Chris Bremner. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kevin Hart, Woody Harrelson, Kaley Cuoco, Jasmine Mathews, Lela Loren, Pierson Fode, Jencarlos Canela, Ellen Barkin, Melanie Liburd, Natallia Poliveanii. Producción: BRON Studios, Columbia Pictures, Escape Artists, Hartbeat Productions, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial: ver en Netflix.

Tráiler del volumen 2 de la T4 de ‘Stranger Things’

La temporada acaba el 1 de julio

Tranquilos fans de ‘Stranger Things’ que el volumen 2 de la temporada cuatro está al caer. El 1 de julio Netflix desvelará los dos últimos episodios de este principio del fin. Las expectativas están altas tras los últimos cliffhangers y la calidad de esta temporada y puede que sean satisfechas con los dos episodios que tienen la duración de dos películas.

Para apaciguar las ansias durante esta breve espera Netflix ha desvelado un nuevo vídeo a modo de tráiler. En él vemos que una nueva batalla va a tener lugar y por supuesto Once es vital para su desenlace. De igual modo elementos como la música o la amistad.

La cuarta temporada ‘Stranger Things’ es una creación de los hermanos Duffer y está producida por Monkey Massacre Productions & 21 Laps Entertainment. Los hermanos Duffer son también los productores ejecutivos de la serie, junto a Shawn Levy y Dan Cohen, de 21 Laps Entertainment, e Iain Paterson.

Crítica: ‘Llenos de gracia’

Sinopsis

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Marina, una monja muy atípica, llega en el verano de 1994 a El Parral, un colegio amenazado de cierre.

A pesar de que los internos, chicos sin familia, la reciben con mil trastadas, Marina tiene una idea que cambiará todo: formar un equipo de fútbol. Con la ayuda de dos monjas: Angelines, inocente y frágil, y Tatiana, bruta y bondadosa, creará algo parecido a una familia de verdad.

Años más tarde, Valdo, uno de los chicos, debutará en el primer equipo del Real Madrid.

Crítica

‘Ted Lasso’ más ‘Sister Act’ con el inigualable toque de Carmen Machi

La mecánica de ‘Llenos de gracia’ es la misma que utilizaron películas como ‘Mentes peligrosas’, ‘Sister act’, ‘Somos los mejores’, ‘Campeones’, ‘Ted Lasso’ o ‘El profesor de violín’. Llega al centro educativo un docente o tutor que se encuentra allí fuera de lugar y se topa con barreras que impiden el buen ejercicio de sus funciones. En esas películas el reto a superar suele ser un comportamiento conflictivo de unos jóvenes problemáticos (con un trasfondo u otro) lo que supone todo un dolor de cabeza para el protagonista. En este caso las barreras que debe superar la religiosa interpretada por Carmen Machi son literalmente las que se colocan delante del balón a la hora de lanzarse una falta. La fórmula es igualmente buena si las variables dispuestas nos ofrecen un entretenimiento distinto. Ese es el caso de la película de Roberto Bueso que es desternillante a la par que emotiva.

El director de ‘La banda’ nos cuenta la historia real de un futbolista (Valdo) y de su colegio, que amenaza el cierre. A ese orfanato llega una monja muy diferente a las que han trabajado allí hasta el momento. Es una mujer divertida, que está blindada contra las gamberradas y viene con ideas frescas. Básicamente es tan chunga y barullera como los niños quieren aparentar ser. El éxito en el fútbol es el vehículo empleado para conseguir el enlace entre unas generaciones muy distanciadas entre sí.

El carisma y la soltura del docente protagonista es siempre clave en estas películas. Cual Robin Williams en ‘El club de los poetas muertos’, Machi se hace con las riendas de la historia hasta tener su “oh capitán mi capitán”. El matiz que aporta la actriz madrileña es el de una madre, pero no el de una madre superiora, sino el que tienen esas progenitoras “enrolladas” y modernas que consiguen ganarse el cariño de los pequeños más revoltosos. Madre siempre, lo dije hace nada hablando de otra película que actualmente está en carteleras, ‘La voluntaria’. Machi derrocha humanidad y un cuidado de los personajes y actores que la rodean que solo se puede definir como candoroso.

Pero si en la película de Nely Reguera vimos a la Machi de los dramas y el apego ahora toca la dicharachera. El filme no está exento de sensibilidad y ternura, pero ‘Llenos de gracia’ se apoya en lo que nos hacen reír unos niños que más que huérfanos parecen borrokas o sucesores de El Vaquilla. El reparto infantil, muy bien escogido y dirigido, hace que rompamos a carcajadas. Literalmente es una película llena de gracias. Y con esa panda de pillos está todo un elenco actoral (Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo) entregado a una comedia de gags blancos destinada a desmontar muchos estereotipos.

Pese al carácter familiar los adultos, e incluso aquellos nacidos en la década de los noventa que ya sean padres, vivirán un viaje a los últimos años del siglo XX. La infancia de antes no es como la de ahora, eso lo capta excelentemente el director. De manera decorativa están elementos como la Super Nintendo, los walkmans, las pegatinas de Toi, el “desesperada” de Marta Sánchez, el codazo de Italia a Luis Enrique, lo robos de logos de coches… Si habéis vivido vuestra infancia entre esos elementos, ‘Llenos de gracia’ os gustará.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: Llenos de gracia. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Roberto Bueso. Guion: Roberto Bueso, Óscar Díaz. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Víctor Entrecanales. Reparto principal: Carmen Machi, Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo. Producción: Mod Producciones, Misent Producciones, RTVE, À Punt Media. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, hechos reales. Web oficial: https://www.modproducciones.es/llenos-de-gracia

Crítica: ‘Black Phone’

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Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

Crítica

Uno de los mejores papeles de Ethan Hawke en mucho tiempo

Que gozada de película. Una cinta donde los terrores mas sencillos y un humor un tanto exagerado se aúnan para regalarnos una mezcla que sin duda, no gustará a todos, pero a mi me funciona de maravilla.

Scott Derrickson regresa al terror con ‘Black Phone’, basada en un relato corto de Joe Hill, que aparece en su libro ‘Fantasmas: El pasado no está muerto, ni siquiera es pasado…’. Scott Derrickson no solo ha dirigido, sino que también ha sido el encargado junto a C. Robert Cargill de adaptar el relato.

Nos vamos a un pueblo de Estados Unidos, donde la violencia está en todas partes. Allí, de la noche a la mañana, comienzan a desaparecer niños. A través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, ya que Finney termina siendo una de las víctimas. En su celda encontrará un teléfono negro que le hará bastante compañía.

La verdad que no he indagado demasiado si es de los primeros relatos de Joe Hill, pero vemos perfectamente en él su inspiración en las historias de su padre, Stephen King. Esto lo aprovecha Scott Derrickson, con una atmósfera oscura y llena de personajes macabros. Globos, desapariciones de niños, un pueblo en el que todo el mundo parece odiarse y por supuesto un personaje tenebroso lleno de traumas infantiles.

Me parece tremendo el trabajo de Ethan Hawke (‘El hombre del norte‘) que vuelve a trabajar con Derrickson. Realiza un trabajo muy bueno con su cuerpo, pues no le vemos la cara. Y solo con sus posturas sentimos si está relajado o lleno de ira y por supuesto el uso de su voz. Además se le añaden las diferentes máscaras que tiene su personaje. Esto es gracias al trabajo del equipo de Tom Savini.

En el reparto encontramos caras como la de Jeremy Davies o James Ransone, que hace un pequeño homenaje a su personaje en ‘Sinister’. Este bastante más cómico.

En el reparto infantil tenemos a Mason Thames, el encargado de dar vida a Finney. Se nota mucho el trabajo físico que ha realizado, pues no hacen más que ponerle pruebas en la película. Y la verdad que se desenvuelve muy bien en el terror.

Pero sin duda la estrella de la película es Madeleine McGraw, que hace un papel lleno de ternura, odio y mucha mala leche. Las escenas en las que se pone a rezar son tremendas.

Como he dicho, una de las cosas que no gustarán de la película es el humor que introduce. Para mi ha sido todo un acierto. Después de tanta tensión un golpe fuerte de humor siempre viene bien. Descoloca al espectador y a la vez hace la película más amena.

Poco más os puedo añadir, que vayáis a disfrutarla a partir del 24 de junio en las salas de cine, pues merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Black Phone. Duración: 102 min. País: EE. UU. Dirección: Scott Derrickson. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Crooked Highway. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/theblackphonemovie/

Crítica: ‘El insoportable peso de un talento descomunal’

Sinopsis

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El ganador de Oscar® Nicolas Cage se interpreta a sí mismo en esta loca comedia de acción en la que comparte cartel con Paco León. La versión ficticia de Cage es un actor sin blanca que se ve obligado a aceptar una oferta de un millón de dólares para asistir al cumpleaños de un excéntrico multimillonario (Pedro Pascal) muy fan de su trabajo. Pero la situación da un giro inesperado cuando Cage es reclutado por una agente de la CIA (Tiffany Haddish) y obligado a estar a la altura de su propia leyenda para salvarse a sí mismo y a sus seres queridos. Con una carrera construida para este preciso momento, el actor ganador de premios debe asumir el papel de su vida: Nicolas Cage.

Crítica

La película que hará que quieras ver ‘Paddington 2’

Sin duda Tom Gormican y Kevin Etten son verdaderos fans de Nicolas Cage y es que con ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ tenemos un homenaje tan bonito al actor que dan ganas de comenzar a ver toda su filmografía, además, como he dicho en el titular de la crítica, de descubrir ‘Paddington 2’, cuando veáis la película me entenderéis.

Es cierto que quizás no soy demasiado objetiva en este tema, me encanta Nicolas Cage. Se que no es perfecto, para nada, pero me gusta y no puedo negarlo. Solo os puedo decir que ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ es una película muy entretenida, con acción, comedia y por supuesto con historia familiar.

El dúo que hacen Nicolas Cage y Pedro Pascal me parece lo más, espero que vuelvan a trabajar juntos próximamente, porque tienen una química maravillosa.

La película comienza con un Nicolas Cage bastante abatido al no conseguir papeles, se ve obligado por su agente a aceptar un millón de dólares a cambio de asistir al cumpleaños de un millonario fan de su trabajo. Pero la situación da un giro inesperado cuando Nicolas es reclutado por una agente de la CIA que le obliga a investigar a ese millonario.

Tampoco voy a contar más, creo que esto es suficiente para llamar vuestra atención. Y es que como he dicho, es una película homenaje a Nicolas Cage, en donde le vemos dar vida hasta a tres personajes diferentes. Uno de ellos, su yo joven sacado de la cinta ‘Corazón salvaje’ que es completamente fruto de su imaginación e intenta que el Nicolas Cage real no deje de luchar y siga actuando. Este personaje fue uno de los motivos que llevó a Cage a entrar en la película. El otro personaje al que interpreta os lo dejo para descubrirlo durante el visionado.

Pero el homenaje a Nicolas Cage no se queda ahí, durante toda la cinta se nombran películas suyas, sobre todo ‘Cara a cara’. No se si es la favorita de los autores o del propio actor, pero seguro que os la volvéis a ver ese mismo día al salir del cine. El personaje de Pedro Pascal tiene un verdadero altar al actor con un montón de material de sus películas y vemos reproducida alguna escena idéntica que hemos visto en alguna película suya.

Hablando de caras, dentro del reparto encontramos rostros bastante conocidos en nuestro cine. Parte de la película está rodada en España y podemos ver a Manuel Tallafé o Enrique Martínez en una pequeña aparición. Pero tenemos que nombrar, sin lugar a dudas, a Paco León y su gran incursión en Hollywood. El actor español se planta ante estos dos monstruos sin miedo alguno y la verdad que está genial.

Dentro del reparto también encontramos a Neil Patrick Harris, Sharon Horgan, Jacob Scipio o Tiffany Haddish y también un cameo de Demi Moore. En un principio se comentó que Quentin Tarantino iba también ha realizar un pequeño papel, pero con el tema de los atrasos de rodaje por la situación que hemos vivido estos años, supongo que las agendas se complicaron.

Pero no solo actores españoles están metidos en esta cinta, sino que el vestuario viene de la mano de Paco Delgado. Un diseñador que sabe perfectamente lo que es ganar un Oscar y vestir a las grandes estrellas de Hollywood. Hace poco tuvimos la ocasión de escucharle en una charla en la presentación de ‘Muerte en el Nilo’ y la verdad que es impresionante todo el trabajo que realiza. Aquí se nota que ha estudiado mucho a Nicolas Cage, pues no dudas ni un momento en que esa ropa la podría llevar el actor en su día a día, lo comprobamos al conocerle en vivo y en directo en Sitges.

Poco más que añadir. Es una película que sin duda va a gustar a los fans de Nicolas Cage, como yo, pero que también creo que a los que no les entusiasma tanto el actor también le va a calar hondo.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2022. Título original: The Unbearable Weight of Massive Talent. Duración: 105 min. País: EE. UU. Dirección: Tom Gormican. Guion: Kevin Etten, Tom Gormican. Música: Mark Isham. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Nicolas Cage, Pedro Pascal, Tiffany Haddish, Neil Patrick Harris, Demi Moore, Sharon Horgan, Jacob Scipio, Alessandra Mastronardi, Paco León, Nick Wittman, Caroline Boulton. Producción: Burr! Productions, Embassy Films, Lionsgate, Staurn Films. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.nickcage.movie/

Crítica de ‘Locomía’

¿Conocéis la canción Loco Vox? Pues nada que ver con el partido político

Hombreras, faldas, abanicos gigantes… la imagen de los Loco mía es inolvidable, digna de haber salido en ‘El quinto elemento’, pero cayeron en el olvido, como tantos otros grupos que suenan en la radio durante una época sin parar. Yo era un preadolescente cuando tuvieron éxito, llegaron al número uno y súbitamente cayeron. No he tenido nunca curiosidad de saber qué había sido de ellos, pero lo que he descubierto con el documental que también podréis ver vosotros a partir del 22 de junio en Movistar Plus+ es mayúsculo, cargado de giros inimaginables, no le falta nada. Si hay una serie de la que es mejor que no te hagan spoilers, es esta.

Nuevo documental relacionado con la música española, con mucho más salseo, que el último estrenado por Movistar Plus+, ‘Raphaelismo’. En tres episodios dirigidos por Jorge Lapace, quien quizá os suene por ser el guionista de ‘100 días con la Tata’, nos hablan de aquel grupo que con descaro se coló en todas nuestras radios y televisores. Según ellos mismos afirman eran un grupo tan exitoso que de haber seguido hoy en día estarían en el top de la música mundial. Llegaron con una estética que rompía con lo que imperaba en España, conquistando sobre todo al público femenino. Les gustaba provocar, llamar la atención o ser el centro de atención como alguno de ellos reconoce. Con un toque muy kitsch crearon toda una tribu urbana, una marca, un modo de vida. Pero tras esa fachada habría muchos otros motivos velados y multitud de lances que os van a asombrar sin duda.

El productor de Alaska, Bosé, Carrá, Perales… José Luis Gil cogió a esos hombres de moda en Ibiza para convertirles una boy band. ‘Locomía’ es él contra Xavier Font, el cabeza del grupo que se refiere a sí mismo como patriarca, flautista de Hamelin, creador, conquistador de almas, “para celebritie yo”, “yo no me muero sin un Grammy”… Pero su propio hermano le define como “el Darth Vader de Loco mía”. Básicamente todo se resume en un duelo de prioridades, en el enfrentamiento entre un marketing totalmente desapegado de la calidad vocal o lo personal contra la libertad estética, conceptual e incluso sexual.

A través de estos capítulos les vemos como personas endiosasdas, quemadas, dolidas, arrepentidas… Pero en sus orígenes solo eran jóvenes con ganas de pasárselo bien y lucir una personalidad diferente y cohibida por las mentalidades tradicionales. Se juntaron por afinidad estética o sexual, pero cada uno descubrió con el tiempo que tenían ideas diferentes y la cosa acabó como el rosario de la aurora. Por la droga, por los conflictos amorosos, por la intervención de terceros, por las envidias, por la comercialización, debido a las limitaciones por contrato, a raíz de un rencor sin mesura… La historia es de telenovela, de esas de pasión y cuchilladas.

‘Locomía’ deja al margen los egos y la trayectoria artística, los éxitos musicales con Loco Vox o Loco mía… Eso es casi lo de menos en este documental. En el centro está la retrógrada mentalidad de España, la que existía fuera de las fronteras de la movida madrileña y que aún necesitaba una transición mayor que la de la democracia. La música sirvió una vez más como vehículo para ejercer de palanca de cambio y de apertura a una sociedad mínimamente progresista, que por fin podría sentirse Europea en casi todos los sentidos.

Todos tenemos en mente un grupo de cuatro integrantes pero por la formación llegaron a desfilar muchos nombres: Xavier Font, Manuel Arjona, Gard Passchier, Luis Font, Juan Antonio Fuentes, Francesc Picas, Carlos Armas o Santos Blanco López. Y eso sin contar al segundo Loco Mía. El grupo, perdón, los grupos desaparecieron y ya no los vemos en televisión ni sacan nuevos temas, eso sí, su web oficial con su tienda de merchandising sigue en activo. Parece que los Loco mía estarán algún día de nuevo en nuestras listas de Spotify, quien sabe cuáles serán sus caras.

Crítica: ‘Comuneros’

Sinopsis

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Largometraje documental que narra los hechos acontecidos en la Corona de Castilla en torno al año de 1.521 conocidos como La Guerra de las Comunidades, y la influencia que ejercieron estos hechos a lo largo de la historia posterior.

Crítica

Un minuto y resultado objetivo y detallado del levantamiento de los comuneros

El tema de los Comuneros puede verse relacionado con el independentismo, sobre todo en los virreinatos de América. Desde la Guerra de las Comunidades se les ha invocado para una u otra razón. Es un ejemplo similar al de los separatistas de Cataluña que están intentando hacer valer ciertos hechos antiguos como base para sus fines. Pero más allá de eso, que es respetable pues puede hablar de una identidad, lo que hay que poner sobre la balanza no es algo del pasado, sino las influencias en la actualidad o el pragmatismo de pertenecer a un estado o no. ‘Comuneros’ empieza con una frase de Joseph Pérez que afirma que la imposición de la ciencia sobre la historia desmitifica a esta segunda. Yo creo que los Comuneros están bastante mitificados, pero son harto desconocidos entre la opinión popular a pesar de estar presentes hasta en nuestra actual constitución.

Nos alucina cuando vemos en películas de Hollywood que los estadounidenses realizan recreaciones masivas de las batallas de su Guerra de Independencia o de la de Secesión. Pero aquí en España también se representan esas contiendas que podrían haber dado forma al mapa político actual, como se hacía en Arapiles. Parece que esta película clama por que demos más importancia a nuestra extensísima historia, que muchas veces ha servido de telonera o de ensayo para acontecimientos ocurridos en el resto de Europa o del mundo. Y lo hace con multitud de entrevistas que se suman en el plano visual a las ilustraciones Sandra Rilova, la animación de Elora Post House y una insuperable fotografía de Víctor Hugo Martín Caballero. Nos hacen recorrer los campos de Castilla, las bóvedas de sus antiguos edificios, al son del romance Los Comuneros de Luis López Álvarez. A Machado se le pondría la piel de gallina.

La película nos hace retroceder a la época de Carlos I de España y V de Alemania. Tras el reinado de un estandarte de la hispanidad como son los Reyes Católicos, un extranjero gobernaba tierra desconocida, algo pronto que levantó ampollas entre el pueblo y que encendió la mecha, sobre todo en cuanto se supo que el rey quería incluir a Castilla y sus tesorerías en el Sacro Imperio Romano Germánico. Además los comunes, el pueblo no privilegiado, demandaba más presencia en la política. Y para colmo los realistas quemaron Medina del Campo. Este fue un coctel que demostró que no se estaba gobernando para el pueblo, lo cual, desembocó en la Guerra de las Comunidades. Época interesante la de Carlos I, con su amante madre Juana apartada del poder y con el descubrimiento de Elcano y Magallanes asombrando al mundo (tenéis nuestra crítica de ‘Sin límites’ relacionada con esto).

Bravo, Padilla y Maldonado son los nombres clave de esta revuelta que podría haber cambiado nuestro país, alejándonos del centralismo y el absolutismo. Imponer peticiones al rey, no suplicárselas, demandaban las Comunidades y movimientos inspiradas en ellas posteriormente. Del pueblo y para el pueblo, no para chupar del pueblo, no para tener un rey casi absolutamente omnipotente e intocable, esto fue en siglo XVI y seguimos igual, solo que ahora estamos adormilados y la institución maquillada. Pero más allá de ese tipo de conflictos sobre la corona ‘Comuneros’ no se alza como una película antimonárquica, nos habla más de la definición o del concepto de comunidades y lo que es más importante, de ciudadano representado. El documental no se basa en la visión politizada de hoy en día, sino que establece la base histórica y analiza todos los matices o detalles que hicieron posible que el pueblo se sintiese con poder y capacidad de tomar decisiones sobre la tierra que trabajaban.

No se consiguió esa visión de España no imperialista, lo contrario, se asentó el absolutismo. En el mundo se nos ve como conquistadores, pero a estos españoles aún les quedaban por conquistar sus propias libertades. Tiempo después llegó el despotismo ilustrado y el manoseo de la palabra libertad. Muchas veces debemos retroceder y recordar el pasado, no para guardar rencor, sino para tener contexto y observar la causa-efecto. Este es un minuto y resultado del levantamiento de los comuneros capaz de ser objetivo y detallado.

Rebelión y revuelta comunera, pero no revolución, porque no cambió la historia de manera inmediata, pero sí dejó una semilla por toda España pues cuestionaron la autoridad. El documental no deja claro si fue una cosa o la otra, sino que ofrece distintas opiniones, al igual que hace todas las caras de esta historia que tocan muy bien Pablo García Sanz, Carlos Belloso y Nerea Mugüerza. Llegando incluso hasta plantear cuál fue el color de los Comuneros, si el rojo carmesí o el morado que se incorporó a la bandera republicana y que supuso que los franquistas estigmatizaran de nuevo a estos castellanos. Esta obra nos habla de un pueblo español que no quería vivir bajo la arbitrariedad de las decisiones de los que están en el poder. Básicamente el documental nos apunta que el eco de los Comuneros ha de ser escuchado pues llega hasta nuestros días.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2022. Título original: Comuneros. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Pablo García Sanz. Guion: Pablo García Sanz, Carlos Belloso, Nerea Mugüerza. Fotografía: Víctor Hugo Martín Caballero. Música: El Naán. Reparto principal: Luís López Álvarez, Sara Rivero, Fernando Martínez Gil, Salvador Rus Rufino, Luis Antonio Ribot García, Cristina Borreguero Beltrán, Carlos Belloso Martín, Geoffrey Parker, Claudia Möller Recondo, Beatriz Majo Tomé, M. Guadalupe de Marcelo Rodao, Hipólito Rafael Oliva Herrer, Mª Isabel del Val Valdivieso, José Álvarez Junco, Ramón Peralta Martínez, Máximo Diago Hernando, Miguel Martínez, Bethany Aram, Enrique Berzal de la Rosa, Julia Rodríguez de Diego, Ángela Cruz Plata. Producción: Plan Secreto, Visual Creative Producción Audiovisual. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: https://conunpack.com/catalogo/comuneros/

Crítica: ‘Jurassic World: Dominion’

Sinopsis

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Este verano llega a los cines el épico final de la era Jurassic al juntarse por primera vez dos generaciones. Chris Pratt y Bryce Dallas Howard se unen a la oscarizada Laura Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill en ‘Jurassic World: Dominion’, una nueva, atrevida y asombrosa aventura que recorrerá todo el planeta.

Dirigida por Colin Trevorrow, el guionista de la saga de Jurassic World, esta nueva entrega transcurre cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar. Ahora, los dinosaurios conviven – y cazan – con los seres humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio cambiará el futuro y decidirá, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán en la cúspide de los depredadores en un planeta que comparten con los animales más temibles de la creación.

Crítica

Los nuevos dinosaurios vienen para comerse las salas de cine

Aunque Colin Trevorrow no nos trae nada nuevo ni sorprendente, si puedo decir, que el resultado final de ‘Jurassic World: Dominion’ me ha sido satisfactorio. Tiene sus peros, sin embargo, en tu totalidad termina funcionando.

Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, volvemos a reencontrarnos con los protagonistas de la saga de ‘Jurassic World’ en un mundo en el que humanos y dinosaurios deben convivir.

Nuestros protagonistas, Owen y Claire están escondidos en una cabaña para poder proteger a Maisie. Pero como no todo es felicidad y menos en un mundo en el que hay dinosaurios, su paz es trastocada cuando se llevan a Maisie y a Beta, la hija de Blue.

A partir de aquí, con varias tramas que se van uniendo entre sí, volvemos a ver al Dr. Grant, a la Dr. Ellie Sattler, Ian Malcolm, el Dr. Henry Wu o incluso a Lewis Dodgson.

Está claro que esta película es un homenaje a los fans de ‘Jurassic Park’, hay escenas clavadas a la primera película y detalles, como alguna muerte de algún personaje que es idéntica. Admito que no me molesta, pero tampoco lo necesitaba. Hablo como fan de la saga y sobre todo de la primera película que casi me sé de memoria.

Para mí ese es el gran pero de la película que en el fondo ha querido contentar a los fans sin complicarse, después de que ‘Jurassic World: El reino caído’ no gustase demasiado al fandom. Bueno y el otro de los peros que le encontré a la película fue el tema de levantar la mano para que los dinosaurios se calmen y no te coman, ya me parece demasiadas las veces que lo utilizan. Pero como he dicho, tiene sus cosas buenas.

‘Jurassic World: Dominion’ está dividida en dos partes, una hasta que llegan al recinto de BioSyn y la otra ya en el propio recinto. La primera parte está llena de acción muy bien rodada. Hay una persecución que creo que se puede ver en el tráiler, en la que Owen es acosado por unos Atrociraptor a la que no le ponen absolutamente nada de música y la verdad que impresiona escuchar el motor, las pisadas de los dinosaurios y las dentelladas mientras miles de trastos que hay en la calle caen a su alrededor.

Las escenas ya en el centro de BioSyn, nos descubren lugares pantanosos con dinosaurios bastante curiosos, entre ellos un Therizinosaurus cheloniformis que logrará crear una de las escenas más tenebrosas de la película. Pero aquí también encontraremos viejos amigos como los Dilophosaurus que no se lo van a poner fácil a nuestros protagonistas.

Una de las cosas que también me ha gustado bastante ha sido que se adentran con profundidad en el tema del ADN, si, tampoco es algo nuevo, pero creo que a Michael Crichton le hubiese gustado mucho hacia donde llevan este aspecto. No voy a contar demasiado, pues he visto que justo lo que pasa no aparece en el tráiler, pero es obvio que jugar con el ADN nunca les sale bien.

Antes de terminar comentar el CGI de la cinta, donde volvemos a tener animatrónica y CGI unido algo que se agradece bastante a la hora del visionado. Parece todo más real y no como en las anteriores cintas. Han realizado un gran trabajo dada la complejidad de alguno de los nuevos dinosaurios que han introducido en la cinta.

‘Jurassic World: Dominion’ finaliza una saga con la que muchos hemos crecido y a la cual hemos adorado desde el principio, lo hace de la mejor manera, con todos sus protagonistas y nuevos dinosaurios para dejarnos por otro lado con la boca abierta.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: Jurassic World: Dominion. Duración: 146 min. País: EE. UU. Dirección: Colin Trevorrow. Guion: Emily Carmichael, Derek Connolly, Colin Trevorrow. Música: Michael Giacchino. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Chris Pratt, Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Bryce Dallas Howard, Omar Sy, Campbell Scott, Mamoudou Athie, BD Wong, Justice Smith, Daniella Pineda, Scott Haze, Kristoffer Polaha. Producción: Amblin Entertainment, Latina Pictures, Perfect World Pictures, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/jurassicworld/

Crítica: ‘Sin límites’

Sin reparar en gastos a través del globo terráqueo y de la historia

Volvemos a la época de Carlos I, el mismo del que hablamos en nuestra crítica de la película ‘Comuneros’ que podréis leer aquí. Mientras en el Reino de Castilla se producía el levantamiento de los comuneros, a finales del renacimiento, tenía lugar una expedición que cambió la manera de ver el mundo y supuso el dominio comercial del imperio español durante varias décadas más. La gesta de Elcano y Magallanes fue de esas que transformaron la historiade la humanidad.

Rodrigo Santoro ya se ha metido en la piel de otros personajes históricos, como Jerjes o Jesucristo. El brasileño ejerce en ‘Sin límites’ de Magallanes. Como el Aquiles de Brad Pitt va en busca de gloria, de escribir su nombre a fuego en la historia. Por otro lado Juan Sebastián Elcano está interpretado por Álvaro Morte. El reto de ambos navegantes era encontrar una ruta más corta a las Indias y conseguir las preciadas especias esquivando a los portugueses. Una gesta siguiendo la estela de Colón. Fueron tres años que como todos sabemos culminaron no solo en el descubrimiento de una nueva ruta sino que supusieron un zasca a los terraplanistas de ayer y de hoy, antes incluso de la formulación matemática de la teoría heliocéntrica.

‘Sin límites’ son seis episodios de unos cuarenta minutos cada uno que están tan bien hechos que se pasan en un abrir y cerrar de ojos. Cuentan con guión de Patxi Amezcua (‘La sombra de la ley’, ‘Séptimo’) de quien hablábamos hace poco cuando os contábamos qué tal estaba otra serie de Prime Video basada en una gesta marina, ‘Operación Marea Negra’. Pero sobre todo dispone del espíritu aventurero del director Simon West. El director de ‘Con Air’, ‘Los mercenarios 2’ o ‘Lara Croft: Tomb Raider’ nos cuenta los pormenores de la corte, los gajes de oficio, las dificultades del mar, los desacuerdos de la tripulación, los peligros de adentrarse en tierra ajena… ‘Sin límites’ tiene todos esos elementos que hicieron populares las películas de corsarios o las de aventuras en búsqueda de gloria y riquezas.

Años de penurias, de revueltas, de conspiraciones, de recelos y de descubrimientos. La desesperanza y el desconocimiento de la época produjeron más de un altercado, algo que refleja bien ‘Sin límites’. Los imperios se han construido históricamente sobre riesgos y golpes de suerte, sin estos osados descubridores que imaginaban que otro mundo era posible a saber cómo sería nuestro mapa político hoy en día. Todos sabemos cómo acabó esta historia, el valor de la serie reside en el entretenimiento que ofrece y en los detalles que narra, que muchos espectadores ni los habrán buscado en Wikipedia.

La historia nos dice que Magallanes empezó liderando esta empresa pero murió en combate en Filipinas y el que decidió completar la gesta y verificar la teoría recién descubierta de la vuelta al mundo fue Juan Sebastián Elcano. El mismo que hoy en día sigue teniendo un barco con su nombre. No obstante fue Magallanes el que recibió el honor de tener el nuevo paso descubierto a su nombre. Quizá los más patriotas de los espectadores se retuerzan en su butaca cuando vean la visión de Elcano pues aunque es visto como hombre de honor y carisma se le pinta como borracho y endeudado. Sin embargo al final se perfila como el corazón de la expedición mientras que Magallanes es esbozado como el cerebro, uno calculador y tozudo.

Conoceréis detalles como la salida de Sevilla, la inclusión de Juan de Santander, las zancadillas del celoso rey de Portugal, los textos del cronista Antonio Pigafetta los cuales en buena parte han hecho posible que esta historia pueda contarse con detalle. Por supuesto hay licencias y lances que favorecen la acción. Pero la fidelidad y labor divulgativa está fuera de duda. Además la serie hace uso de una gran riqueza de escenarios que aún hoy en día se conservan, como el castillo de Olite. Y plató con croma. Como curiosidad, a veces nos pasan capítulos con algunas escenas sin terminar. Hay a quien no le gusta pero a mí me permite ver cuán colosal es el trabajo de postproducción para recrear con verosimilitud localizaciones remotas o que encarecerían o alargarían la producción. Vais a notar también en ese sentido lo bien que está hecha ‘Sin límites’.

La serie está rodada en portugués y castellano para ganar fidelidad. Gran dupla cultural y excelente elección de protagonistas. La serie es un acierto en el plano técnico y en el artístico. Y además de ser una elección correcta supone una inversión de gran calado. Correcta en cuanto a la calidad que dan ambos protagonistas, aunque no tengan un gran parecido físico con los originales. Completan el reparto los actores Sergio Peris-Mencheta (Capitán Cartagena), Adrián Lastra (Capitán Mendoza), Carlos Cuevas (Martino), Pepón Nieto (Padre Bartolomé), Raúl Tejón (Gómez de Espinosa), Gonçalo Diniz (Duarte Barbosa), Manuel Morón (Cardenal Fonseca) y Bárbara Goenaga (Beatriz). Les podréis ver a todos a partir del 10 de junio en Prime Video.

Crítica: ‘La voluntaria’

Sinopsis

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Marisa (Carmen Machi), una doctora recién jubilada, decide viajar como voluntaria a un campo de refugiados griego donde, a su parecer, necesitan a gente exactamente como ella. Al llegar allí, se hace evidente que no tiene nada que ver con los demás. Cuando conoce al pequeño Ahmed, los límites entre la necesidad de cuidar y de sentirse útil empiezan a desdibujarse…

Crítica

Muy acertada la mirada de Reguera

Ver una película con Carmen Machi siempre es un gustazo. Es una de las actrices más polifacéticas de nuestro país y yo la verdad es que la disfruto más en comedias, pero creo que es porque cuando se trata de dramas me deja apabullado, demolido. En ‘La voluntaria’ toca esto segundo, sobre todo al final. Nely Reguera, directora de historias con tintes cómicos como las de ‘Valeria’, ‘María (y los demás)’ o la exitosa ‘Benvinguts a la familia’ la ha fichado para este drama sobre las crisis migratorias y los refugiados que también indaga sobre la necesidad de sentirse útil. En ella tenemos a una doctora que acaba de terminar su carrera y viaja a un campo de refugiados para aportar su granito de arena, es igual dónde esté ubicada esa instalación, la historia es extrapolable a cualquier región.

‘La voluntaria’ es un drama amable, ligero. Siempre que se introduce el elemento infantil es más fácil excitar nuestro lagrimal, pero la película es una historia maternal, de amistad y humanidad que logra tocar muchos temas sin necesidad de regodearse en la tragedia. En todos ese torbellino de sentimientos que pueden abrumar a alguien que se acerca a la realidad a pie de tierra se plantea una cuestión importante. ¿Estás ahí para ayudar a alguien que está necesitado o tú necesitas ayuda? Está la situación del inmigrante y desamparado pero también la de la jubilada que se ve aparcada e inane, que no sabe qué hacer con el tiempo libre que tiene ahora.

Da igual qué papel haga Carmen Machi que siempre deja la impresión de ser una madraza. En esta ocasión una que se ve obstaculizada por la burocracia y las nuevas técnicas educativas, encarnadas entre otros por Itsaso Arana, un verdadero grano en el culo, refiriéndome al personaje por supuesto. Es una doctora que ya no ejerce pero que no ha perdido su vocación de ayudar, de estar disponible para los heridos. Hablamos de vocación pero también hay que hablar de necesidad mutua. Hay quienes viven con carencias pero en el otro lado hay personas que necesitan cual oxígeno aportar algo, sentirse productivos o contribuir a mejorar el mundo. El ánimo de lucro suele impedir que seamos una civilización mejor y por eso hacen falta voluntarios, pero claro, para eso hace falta una educación que promueva el altruismo y en la sociedad de consumo y narcisismo que vivimos no se ve mucho. Ahí llega otra de las lecciones del filme: por mucho que un ciudadano de a pie quiera ser real y efectivamente solidario suele tener las manos atadas.

‘La voluntaria’ es más eficiente en sus primeros actos. Y queriendo o sin querer nos habla de afrontar los problemas. De como en el “primer mundo” rehusamos enfrentarnos a las minucias de nuestra realidad diaria mientras que en los países necesitados han de convivir con las mayores de las penurias sin posibilidad de evasión. Muchos de esos calvarios no desaparecen pero reciben paños calientes con la salida que les ofrecen los voluntarios. Con esto vemos que más allá de necesitar cobijo, comida o trabajo a estas personas les hace falta un estímulo psicológico que les haga sentirse alguien, que les de un proyecto de futuro. Esto parece una reflexión que he aprovechado a meter en este texto pero realmente es algo a lo que induce a pensar el filme. Muy acertada la mirada de Reguera. Pero ‘La voluntaria’ también toca otras realidades como la de los menas, la sanidad, los choques culturales… Merece la pena que os paséis a verla y extraigáis vuestras propias conclusiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: La voluntaria. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Nely Reguera. Guion: Nely Reguera, Eduard Solà, Valentina Viso. Música: Javier Rodero. Fotografía: Aitor Echevarría. Reparto principal: Carmen Machi, Itsaso Arana, Dèlia Brufau, Arnau Comas, Yohan Lévy, Henrietta Rauth. Producción: Fasten Films, BTeam Pictures, RTVE, Movistar+, TV3. Distribución: BTeam. Género: drama. Web oficial: https://fastenfilms.com/producciones/pPEatbtsRBIZgMQrGT5z

Crítica: ‘Mr. Wain’

Sinopsis

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Inglaterra, 1888. Louis Wain es un insólito artista e inventor cuyos grandes logros atraen a las principales publicaciones del momento. Mientras intenta compaginar su creatividad con el cuidado de sus cinco hermanas pequeñas y su madre, dos acontecimientos cambiarán su futuro: conocer a Emily, que será el amor de su vida; y adoptar a Peter, la mascota que inspirará su arte. La increíble historia de amor de un héroe mundialmente famoso.

Crítica

Si hay una película capaz de dar luz la época victoriana esa es ‘Mr. Wain’

El título original de ‘Mr. Wain’ es ‘The Electrical Life of Louis Wain’. Hace alusión a la peculiar visión de la electricidad que tenía este dibujante del Londres de finales del siglo XIX y principios del XX. Alguien extravagante, inconsciente, hiperactivo y sensible que se decía ducho en muchos campos. Puede recordar mucho a Tesla pues aún siendo un talento y un adelantado a su tiempo fracasaba en el ámbito de los negocios. Curiosamente Benedict Cumberbatch interpreta a Wain pero encarnó al rival de Tesla en ‘La guerra de las corrientes’.

Otro genio al que encarna Cumberbatch y otra interpretación memorable. Conocidos son sus papeles como Sherlock, Turing, Doctor Strange o Hawking (quizá este último no tanto) y el actor aun así es capaz de que veamos a otro personaje distinto, no como sucede con actores tipo Nicolas Cage o De Niro, con los que siempre vemos más al actor que al personaje. Cara de bobalicón, rostro quebrado por el dolor y ojos siempre en constante observación, esas son sus herramientas. ‘Mr. Wain’ nos narra un biopic sobre la diferencia de clases y los amores desmañados e incomprendidos. Para ello el guión va acompañado de un humor encantador, giros demoledores y un reparto en el que encontramos a Claire Foy y Andrea Riseborough como máximos soportes o réplicas para el protagonista.

¿Creéis que tras intentar llevar a cabo patentes eléctricas, obras de teatro u otras empresas fallidas le deprimió haber triunfado con unos dibujos de gatos? Nada más lejos de la realidad. En una época oscura, a las puertas de la I Guerra Mundial, donde los gatos eran vistos como símbolo pagano o cazadores de roedores él los dibujó antropomórficos y en situaciones cómicas y los metió en todas y cada una de las casas londinenses, llegando hasta conseguir el favor de lores o de personas relevantes como H.G. Wells. ¿Pero creéis que él buscaba renombre? También eso está alejado de la realidad. Para él, según ‘Mr. Wain’, era una vía de escape, una manera de no sentirse solo, un fin para alegrar los tristes corazones de una civilización condenada al hundimiento. Si hay una película capaz de dar luz la época victoriana esa es ‘Mr. Wain’. Es un filme cargado de electricidad, pero no de esa que transporta electrones, sino otra más extraña compuesta de protones, energía positiva.

Esto me lleva a relacionar de nuevo este filme con Nikola Tesla. El ingeniero descubridor de la corriente alterna dijo una vez “no hay duda de que, de todas las resistencias de fricción, la que más retarda el movimiento humano es la ignorancia, lo que Buda llamó el mayor mal del mundo”. La ignorancia que detecta Louis Wain a través de la interpretación de Benedict Cumberbatch es la de los infelices, la de aquellos incapaces de vivir el presente para poder recordarlo mejor en el futuro. Es una gran lección que además viene dada con dosis de una preciosa fotografía obra de Erik Wilson autor de coloridas (y también trágicas) obras como la serie ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ o de otras igualmente british como las dos partes de ‘Paddington’. El estilo impreso a esta película es preciosista, muy pocas veces usado para ilustrar esta época en concreto. A través de planos tanto cerrados como abiertos, tanto oscuros como contrariamente luminosos, nos habla de la psique de un personaje que no tengo controlado, pero que si fue realmente como le pinta la película, sería necesario en tiempos tan oscuros como el que vivimos.

Louis Wein, un hombre que pintado así (válgame el chiste fácil) parecía de cuento. Quizá eso ha intentado hacer el director Will Sharpe con la inclusión de la voz en off anónima que nos va narrando la película. Un personaje desconocido que lleva la voz de Olivia Colman. Curiosamente el director dobló a uno de los gatos de ‘La casa’ y dirigió ‘Flowers’ donde también conocemos a una excéntrica familia que vive con su madre. Vaya manera tan bonita de cerrar el círculo.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: The Electrical Life of Louis Wain. Duración: 111 min. País: Reino Unido. Dirección: Will Sharpe. Guion: Will Sharpe. Música: Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, Claire Foy, Andrea Riseborough, Toby Jones, Sofia Di Martino, Stacy Martin, Aimee Lou Wood, Olivia Colman, Hayley Squires, Taika Waititi. Producción: Amazon Studios, Film 4, Shoebox Films, StudioCanal, SunnyMarch. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.instagram.com/sunnymarch_prod/

Crítica: ‘The Boys’ T3

Uno nunca acaba de acostumbrarse al nivel de atrevimiento de ‘The Boys’

Uno de los grandes retrasos derivados de la pandemia que aún persiste es ‘The Boys’ T3. Al menos tuvimos hace poco ‘The Boys: Diabolical’ que nos sirvió como pequeña dosis para ir calentando motores y mantener viva la serie inspirada en los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson. Ese retraso ha hecho que tengamos que decir que en ‘The Boys’ T3 hay una escena muy a lo ‘El Escuadrón Suicida’ y no al revés. Pero como es de imaginar la serie mantiene su esencia y hemos de dar gracias a que va todavía más allá.

‘The Boys’ T3 son ocho nuevos episodios, de los cuales hemos podido ver seis, que llegarán el próximo 3 de junio a Prime Video con un estreno de triple episodio, después tendremos uno semanal. Blasfema, antisistema, antipatriótica, con personajes homosexuales, con mujeres empoderadas e incluso se mofa de las armas en esta tercera temporada. Dudo que haya votantes de VOX viendo esta serie, aunque pudiera ser pues muchos de ellos son una contradicción en sí misma. Hay que prepararse por que desde el minuto cero hay drogas, sexo y por supuesto más carnicería aún. ‘The Boys’ T3 no deja de ser una de las adaptaciones de cómic más loca y sin tapujos, libertina dirían algunos, tanto que no se dedica a ser solo una trama de héroes con mallas, también lanza sus críticas, a uno y otro lado. Un ejemplo es la zona del parque de atracciones de Vought dedicada a la inclusividad o el cómo Patriota se cansa de pedir disculpas por ser un heterosexual con capacidades claramente superiores.

El primer episodio empieza en un punto que ni las películas de DC de Snyder, de hecho hay un guiño a su ‘Dawn of justice’ y por otro lado a Marvel Studios. ‘The Boys’ va a cuchillo con las otras casas y con la ya a la vista obsolescencia del mercado comiquero en el audiovisual. En la anterior temporada ya se lanzaba más de un dardo al respecto. Además ese arranque cuenta con un cameo de alguien que hemos tenido y tendremos más presente en el mundo superheróico. Y no es el único cameo de la serie, hay muchos más en esta nueva remesa de episodios. Puedo adelantaros que los dos primeros episodios empiezan en esa línea, muy a lo inicio de ‘Tropic Thunder’, con un tráiler o escena de una ficción dentro de la ficción, imaginando nuevas series o películas, muy burlesco.

Durante estos nuevos capítulos Hughie está más fuera de la lucha ya que luce pública y abiertamente su relación con la súper Starlight. La heroína también se mantiene muy presente en esta temporada con novedades que no conviene que os cuente. Por el contrario Maeve está más ausente que nunca. Como también está más alejado de la acción Leche Materna que busca recuperar el tiempo perdido con su hija.

Carnicero y el resto por supuesto continúan su cruzada contra Vought y sobre todo contra Patriota. Para ello su nuevo objetivo es encontrar a anunciado Soldier Boy que está interpretado por Jensen Ackles. En ese camino deberán permitir que la hipocresía y crudeza de Carnicero se imponga más que nunca y con ello descubrimos una nueva faceta del personaje interpretado pro Karl Urban. Mientras tanto Patriota como siempre va a lo suyo, intentando recuperar su popularidad mientras lidia con las opiniones contrarias de sus compañeros. Obviamente intenta recuperar a su hijo y Antony Starr nos brinda otra pedazo de actuación. Al igual que destaco la de Ackles que poco a poco gana presencia. Muy bueno el casting de esta temporada, incluso por los actores que han escogido para interpretar a Grace Mallory (Laila Robins) y Stan Edgar (Giancarlo Esposito) de jóvenes.

En esta temporada os aguarda sexo con hombres menguantes, re-apariciones en Los Siete, evolución para personajes como Kimiko (Karen Fukuhara), nuevos personajes con nuevos poderes y muchas más cosas que no estaría bien que os adelantase. Si podemos hablar de la nueva posibilidad de que los humanos normales puedan tener poderes, como hemos visto en el tráiler. Eso no solo nos da momentazos cuando los personajes adquieren poderes, sino una nueva dimensión a la serie pues es ir un paso más allá en el negocio de los súper que ven amenazada su profesión pues cualquiera podría ejercer su rol. Aunque este no es el eje de la temporada si que abre nuevas posibilidades, sobre todo a la acción.

Acudimos a la premiere de ‘Jurassic World: Dominion’

Una semana antes de su estreno se muestra en Madrid

El próximo 9 de junio llegará a los cines la última entrega de la franquicia ‘Jurassic World’ que se titula ‘Jurassic World: Dominion’. Una tercera película de esta nueva etapa que cerrará la historia y que reúne en el mismo filme a las dos generaciones, los nuevos protagonistas y los que encabezaron el reparto de ‘Jurassic Park’. Veremos a Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y Omar Sy huyendo de las dinosaurias por todo el mundo.

Igualmente, por todo el mundo, está Universal Pictures mostrando el filme de manera anticipada. En la noche de este 1 de junio unos pocos afortunados pudieron ver el nuevo largometraje en la premiere celebrada en los Cines Callao de Madrid. Un evento que no contó con la presencia de nadie de la película. Bueno si, corregimos, acudió una actriz española que figura en el reparto de la película como «farmer Pérez», ella es Teresa Cendon-García.

Al evento si que se quisieron acercar otras muchas personalidades y celebrities. Posaron antes de entrar a ver ‘Jurassic World: Dominion’ conocidos como Alaska, Santiago Segura, Bely Basarte, Eva Hache, Diego Matamoros,, Alberto Chicote, Javier Botet, Diego Arjona, Arturo Valls, Pablo Carbonell, Lucas Vidal, Paula Cariatydes, Rafa Mora y Macarena Millán, Koldo Serra, Aless Gibaja, Carlos Areces, Sara Fructuoso, Félix Sabroso y Jau Fornés, Marta López Álamo, Inés de León, Ramón Aranguena, Ángela Marmol, Jennifer Ortiz, Elena Huelva, Victoria Caro, Claudia García, Rodri Fuertes, Marta Soriano, Fracesc Gascó (Pakozoico), Andrea Tivadar… Les tenéis a todos en la siguiente galería.

Crítica: ‘Marmaduke’

Sinopsis

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Marmaduke es un adorable «Gran Danés», pero por mucho que sus dueños lo intentan, no pueden evitar que se meta en problemas. Un famoso adiestrador de perros acepta el desafío de convertir a Marmaduke en el ganador del Campeonato Mundial. Así comienza una gran aventura.

Crítica

Casi que mejor nos quedamos con las tiras cómicas

Quizá al ver el cartel veáis parecido con Scooby-Doo pues también es un Gran Danés de color marrón, pero no olvidemos que el original es este perro que nació en forma de tiras cómicas en el cincuenta y cuatro de la mano de Brad Anderson, así es que esta vez tocaría ponerse en contra de Hanna-Barbera a la hora de hablar de originalidad. Ya hubo una película de Marmaduke que mezclaba animación con imagen real en 2010 con la voz de Owen Wilson. Superar aquello no era difícil y este nuevo estreno no consigue ese sencillo reto. En esta ocasión es Pete Davison quien dobla al torpón perro y el filme cuenta además con las voces de J. K. Simmons o David Koechner. ¿Quién les manda meterse en este jardín?

Se han cogido algunos de los gags para entremezclarlos con la historia ideada para el nuevo largometraje. Marmaduke hace gala de sus torpezas y su sinvergonzonería y se mete en líos constantemente. Un entrenador de perros descubre al protagonista y se propone hacer de él un campeón del mundo, una mascota adiestrada y obediente. Pero Marmaduke no se lo pondrá nada fácil, ni queriendo ni sin querer.

Antiguos animadores o realizadores de FX de películas como ‘Robocop’ (2014), ‘Silent Hill: revelation 3D’, ‘Fivel va al oeste’ o ‘El gran Stan’ son quienes han orquestado esta película. El currículum no auguraba nada bueno. Youngki Lee, Matt Philip Whelan y Phil Nibbelink codirigen el filme con el director de ‘Spawn’, Mark A.Z. Dippé, que se ha reconvertido tras darse más batacazos dentro del terror y ahora vemos que está volcado en la animación infantil con películas de Garfield o ‘The Boxcar Children’, que es algo así como ‘El club de los cinco’ con una animación bastante básica. Aunque este largometraje tiene un acabado un poco más detallado que esos títulos, hoy en día es más frecuente ver este tipo de animación 3D en series que tienen menos tiempo para dedicar al diseño, no se acerca ni de lejos al de películas recientes como ‘Los tipos malos’ u otros estrenos tipo Disney o Dreamworks, más bien está al nivel de los ‘Oceanix’. De hecho, están más logrados los escenarios que los personajes. Visualmente es pobre, los niños tampoco le pondrán mucha objeción a esto pues es un filme lleno de humor físico y travieso destinado entretenerles y a hacer una mínima labor didáctica, sin más.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Marmaduke. Duración: 90 min. País: EE. UU. Dirección: Mark A.Z. Dippé, Matt Philip Whelan. Guion: Byron Kavanagh. Música: Nicholas Schnier. Reparto principal (doblaje original): Pete Davison, J.K. Simmons, David Koechner, Mary Hart, Julie Nathanson, Terri Douglas, Erin Firzgerald. Producción: One Cool Animation, Andrews McMeel Entertainment, Legacy Classics, StoryBerry. Distribución: Big Picture Film. Género: animación, comedia. Web oficial: http://bigpicture.es/

Crítica: ‘Todo a la vez en todas partes’

Sinopsis

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Cuando una ruptura interdimensional altera la realidad, Evelyn (Michelle Yeoh), una inmigrante china en Estados Unidos, se ve envuelta en una aventura salvaje en la que solo ella puede salvar el mundo. Perdida en los mundos infinitos del multiverso, esta heroína inesperada, debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros del multiverso mientras el destino del mundo pende de un hilo.

Crítica

Una chifladura valiente y maravillosa

Dentro del mundo del cine podemos hablar muchas veces de modas. Tenemos épocas en las que nos llegan películas de vampiros, otras de fantasía medieval, otras de zombies… parece que el tema de los universos paralelos es lo que últimamente se cotiza más en el mundo fantástico. El máximo exponente o quien ha conseguido venderse mejor dentro de esta temática es Marvel Studios, pero hay otras historias muy a tener en cuenta como ‘El único’ o ‘Fringe’ u otras que comentamos en este otro artículo sobre el tema. ‘Todo a la vez en todas partes’ también cuenta con la participación de los hermanos Russo, pero Los máximos responsables de las famosas frases marvelitas no son las personas a destacar precisamente.

Que en Estados Unidos haya sido avalada por la distribuidora A24 ya dice mucho de este filme. Pero debéis tener aún más en cuenta que los conocidos como “los Daniels” son los directores de esta película. No han sido pocas las veces las que os hemos recomendado desde aquí que veáis ‘Swiss Army Man’, una propuesta muy loca en la que Paul Dano usa el cadáver de Daniel Radcliffe como navaja suiza en una isla desierta. Alejándose del tono soez e incluso escatológico que tenía esa película la propuesta de ‘Todo a la vez en todas partes’ es una chifladura maravillosa. Una nueva visión y manera de entender el multiverso que está repleta de acción, comedia y sensibilidad. Se agradece que haya propuestas así de locas y por lo tanto así de valientes. No es fácil implicar a un equipo a hacer una comedia disparatada y juguetona como esta.

El otro gran valor de la película reside en su protagonista. ‘Todo a la vez en todas partes’ cuenta para su papel principal con Michelle Yeoh, una actriz que tiene a los espectadores del fantástico entusiasmados. La historia nos habla de una agobiada madre de familia migrante que lleva un servicio de lavandería que está siendo auditado. Y en medio de la debacle y caos que experimenta su vida personal aparece una figura que le descubre que existen mundos paralelos. Si además tenemos en cuenta que su marido está interpretado por Ke Huy Quan (el “Data” de ‘Los Goonies’, el acompañante de Indiana Jones en ‘El templo maldito’), que el papel de su padre ha recaído en James Hong de ‘Golpe en la pequeña China’ y que la auditora que le han asignado es Jamie Lee Curtis… como para no estar desquiciada o ser disfuncional.

El largometraje nos gana con su propuesta, con su montaje y con su reparto. Yeoh sabe manejarse en tan confusa trama haciendo personajes distintos que a la vez son el mismo. No es la primera vez que se relaciona con “yoes alternativos” pues nos sorprendió y mucho con sus Emperadores Philippa Georgiou de ‘Star Trek: Discovery’. Es altamente divertida la relación con sus maridos ficticios con los que tiene una relación Neo y Morfeo. La verdad es que esta película tiene bastante de ‘The Matrix’ pero me niego a considerar a la película de las hermanas Wachowski como una obra del multiverso, porque la considero más una realidad distópica. Y no me quiero dejar sin tocar el papel de la hija pues además de estar bien interpretando es parte vital del filme. Stephanie Hsu aparecía en ‘Shang-Chi’, con lo que cerramos otro nodo con el universo de Marvel Studios pues además podemos decir que no es la única ya que también intervienen, mucho, extras como Brian Le y Andy Le.

La verdad es que el personaje que le ha tocado a Curtis parece sacado de La Hora Chanante (Muchachada Niu para los más tardíos). Por eso es divertida, por ver a actores consagrados rendidos al humor absurdo. pero como decía, esta película es algo más que un montón de peleas, persecuciones y momentos ridículos, también tiene su apartado emotivo. A la protagonista de ‘Todo a la vez en todas partes’ se le ha pasado la vida volando, tenía otros sueños. Y pasa de ese estado de mediocridad a verse inmersa en una lucha contra el caos del multiverso, la cual, le encamina a una catarsis. Todo ello salpicado de una infinidad de imágenes que nos llevan desde el colorido más burlesco a escenas de puro neo noir. Obviamente como trata de universos paralelos, de realidades alternativas, juega con el efecto mariposa, las variaciones y las consecuencias de las decisiones, a todos los niveles, incluyendo el visual. Solo de pensar en la cantidad de horas en croma, escenarios y maquillaje para hacer la película me da vértigo, sobre todo sabiendo que los efectos del filme los han hecho entre unos cuantos a base de lo aprendido en tutoriales de Internet.

Es difícil que leyendo lo que he descrito os pueda encajar todo con cierta coherencia, pero lo hace y de una manera épica. Me he acordado mucho del episodio ‘The Fansworth Paradox’ de ‘Futurama’. Para que los millenial y los marvelitas lo entiendan esta película es cono meterse en la mente del Doctor Strange de ‘Infinity War’. La única pega que le pongo es que se hace un poco larga aunque culmine con un guiño que me ha recordado a ‘El último gran héroe’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Everything Everywhere All at Once. Duración: 132 min. País: EE. UU. Dirección: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Guion: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Música: Son Lux. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Jamie Lee Curtis, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum Jr. Producción: AGBO, Hotdog Hands, Ley Line Entertainment, Year of The Rat. Distribución: Youplanet Pictures. Género: acción, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/everything-everywhere-all-at-once

Nominados a los premios Fugaz

‘El semblante’, ‘La luz’ y ‘Mindanao’ principales candidatos

Los Premios Fugaz, los galardones más relevantes del panorama del cortometraje español, han anunciado los nominados de cada una de las 19 categorías en las que se dividen los premios. ‘El semblante’, cortometraje dirigido por Carlos Moriana y Raúl Cerezo, ha batido el récord histórico de nominaciones, con 13 candidaturas, optando a mejor cortometraje, dirección, guion, dirección de producción, dirección de fotografía, montaje, dirección de arte, efectos visuales, vestuario, maquillaje y peluquería, sonido, banda sonora e interpretación masculina para Daniel Ortiz. Una cosecha inédita en la historia de los galardones para un género no muy habitual en el formato corto: el histórico, que combina a su vez con el terror tradicional.

Los ganadores de cada una de las 19 categorías en las que se dividen los premios se darán a conocer el 21 de junio. Aquí tenéis los ganadores de la pasada edición.

Mejor cortometraje

Chaval

El semblante

Espinas

Mindanao

Tótem loba

Votamos

Mejor dirección

Jaime Olías, por Chaval

Carlos Moriana y Raúl Cerezo, por El semblante

Iago de Soto, por La luz

Borja Soler, por Mindanao

Santiago Requejo, por Votamos

Mejor dirección novel

Oriol Villar, por Cemento y acero

Irene Albanell, por Club silencio

Raquel Guerrro, por Inútil

Javier Pereira, por Suelta

Verónica Echegui, por Tótem loba

Mejor guion

Gonzalo Tejedor por 17 minutos con Nora

Javier Trigales y Raúl Cerezo por El semblante

Guillermo Delgado e Iván Sáinz-Pardo, por Espinas

Daniel Remón y Borja Soler, por Mindanao

Santiago Requejo, por Votamos

Mejor dirección de producción

Dani Molina, por Cemento y acero

Sofía P. Jordán, por El semblante

Sofía P. Jordán, por La luz

Inés Laporta, por Sauerdogs

Agata Bert y Carmela Martínez Oliarte, por Tótem loba

Mejor dirección de fotografía

Ignacio Aguilar, por El semblante

Miguel Leal, por La luz

Diego Cabezas, por Mindanao

Carlos de Miguel, por Sauerdogs

Lorena Pagés, por Tótem loba

Mejor montaje

José Jota García, por El semblante

Leixandre Froufe, por Inútil

Edu de Soto, por La luz

Alberto del Campo, por Mindanao

Miguel Ángel Trudu, por Tótem loba

Mejor dirección de arte

Laura Lostalé, por El semblante

Aitor Almuedo y Francisco Javier Almuedo, por La luz

Mireia Soto, por Mindanao

Llorenç Mas, por Pocos, buenos y seguros

Mónica Lilac, por Una historia azul

Mejores efectos visuales

Irene Río, Mario Campoy y Guillermo Sevillano, por Carnívoro

Zoltan Farkas, por El semblante

Rodolfo Delibarda, Cristina Cano, Silvia Gorostizu y César Sánchez, por La inquilina

Seni Justo y Daniel Olmo Vallejo, por La luz

Catherine Tate, por Tranvía

Mejor vestuario

Fede Pouso y Fernanda Versolato, por El semblante

Lucía Conty, por La luz

Lola Guillén, por Mindanao

Carmen Granell, por Sauerdogs

Mónica Lilac, por Una historia azul

Mejor maquillaje y peluquería

Pablo Diaz, Pablo Marugan y Lucía Sanz, por El semblante

Lola Hernández, Antonio Naranjo y Cristina Asenjo, por La luz

Ana María Molins, por Mindanao

Maria Katt, por Sauerdogs

Maru Sánchez Martín-Aragón, por Una historia azul

Mejor sonido

Roberto H.G., por Chaval

José Plaza y Javier Duch, por El Semblante

José Tomé y José Plaza, por La luz

Pablo Jordán y Fernando Cano, por Sorda

Rodrigo Gil y Miguel Calvo, por Tótem Loba

Mejor banda sonora

Joan Vilá, por El semblante

Philipp Fabian Komel, por Espinas

Pau Loewe, por La luz

Clara Peya, por Maldita. A love song to Sarajevo

Joseba Beristain, por Loop

Mejor interpretación masculina

Luis Tosar, por Cemento y acero

Daniel Ortiz, por El semblante

José Sacristán, por Espinas

Ramón Barea, por La entrega

Raúl Fernández, por Votamos

Mejor interpretación femenina

Eva Llorach, por Club silencio

Aitana Sánchez-Gijón, por Espinas

Alexandra Jiménez, por Imposible decirte adiós

Carmen Machi, por Mindanao

Miriam Garlo, por Sorda

Mejor cortometraje documental

@buddhistandqueer: Del sari al hábito

Daida back to the ocean

Kambana

Maldita. A love song to Sarajevo

Mejor cortometraje de animación

La primavera siempre vuelve

Loop

Nacer

The monkey

Mejor cortometraje breve

Alcanzar el vórtice

Cohete

Leopoldo el del bar

Parches

Mejor largometraje

El buen patrón

Espíritu sagrado

Las leyes de la frontera

Maixabel

Crítica de la T4 de ‘Stranger Things’

Una mezcla de ‘The Ring’, ‘Pesadilla en Elm Street’, ‘Elfen lied’ y ‘El corazón del guerrero’

Siguiendo una mecánica que ya empieza a convertirse en costumbre en Netflix, la cuarta temporada de ‘Stranger Things’ va a llegar dividida en dos partes. Los primeros episodios estarán subidos en la plataforma el 27 de mayo y los dos últimos podrán ser vistos a partir del 1 de julio, ojo a su duración. Habrá un total de nueve capítulos de la que de momento es la penúltima temporada, pues hay anunciado que habrá por lo menos una más.

Soy de los que reconoce abiertamente que no le gusta ‘Stranger Things’ por su enorme dependencia de los elementos nostálgicos. Ahora bien, habiendo puesto en marcha su propio universo la serie ha llegado a un punto de madurez en el que ya no se cimenta (tanto) en las reminiscencias del pasado y si me ha enganchado, solo ha hecho falta llegar a cuatro temporadas para ello. Si buscamos referencias la serie puede recordar a ‘Pesadilla en Elm Street’ (lo reconoce abiertamente) con una mecánica de muertes muy a lo ‘The ring’ y volviendo a esos aspectos de Eleven que recuerdan a ‘Elfen lied’, un anime que os recomiendo.

Salvando el romantiqueo juvenil y el humor ridículo podemos decir que ‘Stranger things’ ha madurado, quizá a pasos agigantados y dejando un poco atrás su público más fiel, el adolescente. Va más allá con el tema de la sangre y las muertes alcanzando cotas del terror japonés más escalofriante y presentando monstruosidades que de nuevo pueden recordar a las de Stephen King o Guillermo del Toro. Este nuevo tramo empieza retrocediendo al 78, a los laboratorios donde Once ganó sus poderes. Pero la acción transcurre en marzo del 86, seis meses después de la batalla de Starcourt. Como siempre una festividad es el marco de la serie, en esta cuarta temporada son las vacaciones de primavera (spring break).

Y no puede ser más clásica la historia. Tenemos a los típicos nerds (gilís como diría Homer Simpson) que pasan de ser populares, al capullo del capitán del instituto, a la animadora de turno, a la inadaptada deprimida… Y como en las otras tres temporadas no se pierde ese sabor a ‘Los Goonies’ o ‘Cuenta conmigo’. Pero sí que es cierto que sobre esa retahíla de referencias ochenteras se imponen los traumas y las secuelas de lo vivido al finalizar la pasada temporada.

Con esto llegamos a algo que también cansa a los que jugamos al rol, la criminalización o miedo hacia Dungeons & Dragons y similares. Bien es cierto que ‘Stranger things’ ha jugado buen papel en ese sentido, mostrando que no es nada más que un juego de tablero e interpretación. Pero esta temporada da un paso atrás y sigue la estela de títulos como ‘El corazón del guerrero’. La turba contra el freak que pasa su tiempo libre junto a sus amigos sectarios cazando monstruos. Si el Demogorgon aludía a una criatura del juego de tablero ahora es un mago oscuro, un azotamentes, quien pone en peligro al mundo. Ojalá que la serie se meta en la mente de los espectadores para picar la curiosidad a los jóvenes por un hobbie la mar de enriquecedor en vez de alimentar ese estigma.

Aunque este universo esté más que lanzado a la independencia o a su propia creatividad no os preocupéis que sigue introduciendo guiños y referencias a los 60, 70 u 80 o a clásicos del terror. Empieza con California Dreamin’, aparecen los Gremlins, Eddie Murphy en ‘Superdetective en Hollywood’, ‘Halloween’, ‘El silencio de los corderos’ y por supuesto Freddy Krueger. La mayor expectativa en ese sentido era la incorporación de Robert Englund al reparto. Lástima que como temíamos tiene una aparición escueta y que nos vamos viendo venir tras el primer y segundo episodio. Por lo menos así sucede en los seis primeros episodios que es lo que Netflix nos ha permitido visionar previo al estreno.

‘Stranger things’ T4 consiste en una persecución y dos rescates. Lo que hace interesante y aporta ritmo a esta temporada es el hecho de que los protagonistas están más separados más que nunca. Ya sea en la distancia o por la influencia de sus hormonas o la presión social, los protagonistas descubren que cada uno quiere emprender un camino distinto al del resto y la cohesión del grupo se ve amenazada. Es por eso que esta es más que nunca una historia de adolescencia y amistad.

Hay cosas que me han sacado de quicio y otras que me han enganchado mucho. Ya veréis la escena del interrogatorio al capitán de baloncesto, enerva como el personaje tarda en sumar uno más uno. Igual que no funciona todo el trasunto de Eleven a lo Carrie, paupérrima Millie Bobby Brown, cada vez me transmite menos. Sin embargo el cuarto episodio, dirigido por Shawn Levy (‘Noche en el museo’), es estupendo. Lo mejor de esta temporada es la interpretación de Joseph Quinn como Eddie Munson y la relación tan cómica entre Dustin y Steve.

Crítica: ‘Jujutsu Kaisen 0: la película’

Sinopsis

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Cuando eran niños, Rikka Orimoto murió en un accidente de tráfico ante los ojos de su mejor amigo, Yuta Okkotsu.

“Es una promesa. Cuando seamos mayores, nos vamos a casar”.

Rikka se convirtió en un espíritu y Yuta llegó a desear su propia muerte tras sufrir su maldición, pero el gran hechicero Gojo Satoru le dio la bienvenida a la Academia de Hechicería.

Allí Yuta conoce a sus compañeros: Maki Zen’in, Toge Inumaki y Panda, y por fin encuentra la determinación que le faltaba.

“¡Por fin tengo la confianza para decir que no es malo que siga viviendo!”.

“Estando en la Academia de Hechicería podré romper la maldición de Rikka ”.

Mientras tanto, el malvado usuario de maldiciones Suguru Geto, quien fue expulsado de la academia de hechicería por asesinar a inocentes, aparece ante Yuta y el resto.

“El próximo 24 de diciembre celebraremos el Desfile Nocturno de los Cien Demonios”.

Geto aspira a crear un paraíso exclusivo para hechiceros y decide liberar miles de maldiciones en Shinjuku y Kyoto para exterminar a todos los que no son hechiceros.

¿Podrá Yuta detener a Geto?

¿Y qué ocurrirá con lo de romper la maldición de Rikka?

Crítica

Amplía una historia de sangre y trazo manga sirviendo de punto de partida para algo prometedor

‘Jujutsu Kaisen 0’ es una película de Crunchyroll y Mappa, dos empresas bien conocidas por los amantes del anime que llega a España inaugurando una nueva relación con Sony Pictures. Los dueños de franquicias como ‘Spider-Man’, ‘Zombieland’ o ‘Los cazafantasmas’ incorporan ahora a su catálogo algunos títulos de Crunchyroll. Recordemos igualmente que esto nos dará anime dentro de la parrilla de estrenos de Sony, pero la productora seguirá desarrollando sus películas animadas de Miles Morales u ‘Hotel Transylvania’, entre otras.

Del manga a la televisión y de ahí al cine, hay que ver qué bien les funciona eso a los japoneses. El manga que en España edita Norma Editorial tuvo un volumen cero, un piloto que sirvió de globo sonda y que no ha llegado a nuestro país, por lo que tengo entendido. Este filme surge para narrar esa historia y servir tanto de precuela como de historia de orígenes para un personaje ubicado en el mismo universo y destinado a encontrarse algún día con la serie que ya tiene veinticuatro episodios.

La dinámica de esta nueva fantasía oscura es muy clásica dentro de los cánones del anime. Parafernalia fantástica, monstruos de todo tipo, gran diversidad de personajes, momentos épicos, flashbacks sensibleros, humor bobalicón… Recuerda a grandes obras japonesas como ‘Basilisk’, ‘Jojo’s Bizarre Adventure’ o ‘Naruto’. Y me cuesta distinguir para qué público está destinada porque tiene momentos de moraleja infantil y otros que parecen como si Junji Ito se hubiese puesto en plan superheróico. Esta historia dirigida por Seong-Hu Park inspirándose en el manga de Gege Akutami habla de épica, sacrificio o amistad, como todos esos títulos que he citado.

Si has llegado a este cuarto párrafo te mereces que te cuente un poco de qué va esta historia, sin destriparte nada. Cuando era solo un niño Yuta Okkotsu perdió al amor de su vida en un truculento accidente que sucedió ante sus ojos. La joven fallecida se adhirió al protagonista en forma de maldición y ahora una escuela de hechiceros de Tokio le va a enseñar a usar eso a su favor, terminando con otras maldiciones. Al enterarse de este poder un brujo intenta hacerse con él matando al joven. Esto es muy resumidamente de qué trata. La historia bien podría ser un espejo de ‘Harry Potter’ pero camina más por sendas como la de la recientemente estrenada en Netflix ‘Los archivos de la enfermera escolar’, de hecho está narrada como si fuese una especie de registro, informe o diario. Incluso podría dividirse en capítulos ya que parece que se han juntado misiones sueltas, como si se hubiesen empalmado distintas publicaciones de la Weekly Shonen Jump, revista donde nació el manga.

Como decía cumple muchos clásicos del anime, como tener a personajes que pasan de lo serio o todopoderoso a ser unos tontorrones, tipo Vash la Estampida. También como tantas otras está cimentada en tradiciones o leyendas del folclore nipón. Quizá por eso en Japón ha tenido un éxito tan abrumador. Imagino que por eso y porque aunque sea precuela ya presenta personajes aparecidos en el manga, sobre todo en su último tramo. También su diseño de personajes o estilo de dibujo es capaz de alinearse con el amante del anime más clásico pues a la hora de esbozar a sus monstruosidades (o maldiciones) y representar la energía que emana de ellos se utiliza un trazo irregular, más propio de las páginas realizadas por los mangakas.

Crunchyroll nombró anime del año a esta franquicia. Ahora la empresa estadounidense apuesta a lo grande por ella. Distribuyen títulos como ‘Blade Runner: black lotus’ u otras franquicias conocidas como ‘Naruto’ o ‘Jojo’s Bizarre Adventure’, quién sabe qué más animes podremos ver en cines gracias a ellos. De momento parece que más entregas de esta precuela pues la escena post-créditos así lo vaticina.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Título original: Gekijouban Jujutsu Kaisen 0. Duración: 105 min. País: Japón. Dirección: Sunghoo Park. Guion: Hiroshi Seko. Música: Arisa Okehazama, Hiroaki Tsutsumi. Fotografía: Teppei Ito. Reparto principal (voces originales): Chinatsu Akasaki, Aya Endô, Kana Hanazawa, Show Hayami, Yu Hayashi, Satoshi Hino, Marina Inoue, Shizuka Itô, Mitsuo Iwata, Subaru Kimura, Rie Kugimiya. Producción: TOHO Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: fantástico, aventura. Web oficial: https://jujutsukaisen-movie.jp/

Crítica: ‘Top Gun: Maverick’

Sinopsis

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Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchell (Tom Cruise) se encuentra dónde siempre quiso estar, sobrepasando los límites como un valiente piloto de prueba y esquivando el avance en su rango que lo emplazaría en tierra. Durante el entrenamiento a un destacamento de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se tropieza con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), distintivo: «Rooster», el hijo del difunto amigo de Maverick, y el Oficial de Intercepción de Radar, el teniente Nick Bradshaw, conocido como «Goose».

Enfrentándose a un futuro incierto y a los fantasmas de su pasado, Maverick se ve envuelto en una confrontación con sus miedos más profundos, culminando en una misión que exige el máximo sacrificio de aquellos que serán elegidos para volar.

Crítica

Si te gustó la primera, ‘Top Gun: Maverick’ no te defraudará, te entusiasmará

Corría el año 1986 cuando ‘Top Gun’ se estrenaba en los cines de todo el mundo. La producción era una especie de cocktail de película bélica de aviones, un anuncio de la marina estadounidense para alistarse y cierta estética videoclipera que triunfó en el público de todo el mundo y consagró a Tom Cruise como la estrella de cine que hoy en día sigue siendo… 36 años después (y ha llovido mucho desde entonces).

La fórmula era simple pero efectiva: Testosterona a base de bien, una historia de amistad, otra de amor, otra de rivalidad, escenas icónicas y acción en forma de combates aéreos. Muy resultón y el acabado final fue más que aceptable. Su director, el fallecido Tony Scott, al que le dedican esta secuela, le imprimió ese sello tan particular que tenía en su forma de rodar, y junto con una buena dirección de fotografía y aquel “Take my breath away” de la banda sonora hizo de la producción todo un éxito.

Casi cuatro décadas después llega ‘Top Gun: Maverick’ como una secuela que homenajea a aquella película, siguiendo la fórmula original, aunque dándole un toque de madurez inevitable y una vuelta de tuerca en lo que se refiere al rodaje de sus espectaculares escenas aéreas. Madurez quiero señalar que tanto para el personaje como para la propia Top Gun.

Aquí nuestro talentoso y rebelde protagonista ahora trabaja dentro de la marina en proyectos como piloto de pruebas hasta que llaman a su puerta para entrenar y enseñar a un grupo de élite de la academia Top Gun. En esos primeros minutos vemos que Maverick sigue teniendo muy presente a “Goose”, su gran amigo y compañero al que su muerte le marca de por vida. Luego también vemos que pese al tiempo transcurrido sigue teniendo ese punto de rebeldía como piloto y bueno…una nueva misión le pone a prueba de nuevo.

Porque ojo, el argumento es calcado a la primera película. Academia, instrucción, entrenamiento y combate aéreo. Entre medio, algo de humor, nostalgia, un poco de romance y constantes guiños al pasado. De lo que realmente va esto es de Maverick y sus conflictos internos, el sentimiento de culpa y ahora de responsabilidad por la vida de los jóvenes pilotos, y el choque entre su presente y su pasado. Tom Cruise es el protagonista absoluto en todo lo que se refiere a ‘Top Gun: Maverick’. En su nueva cruzada, hay sobre todo dos personajes que influyen en sus decisiones. El de Penny (trama romántica), interpretado por la fantástica Jennifer Conelly que vuelve a encontrarse con Maverick para la sorpresa de éste… y el de “Rooster”, el hijo de “Goose” ahora piloto, interpretado por un buen Miles Teller y su trama es la más importante en cuanto a desarrollo de ese conflicto ya que Maverick le afecta en lo personal.

Mención aparte para Val Kilmer (que siempre me ha parecido muy buen actor) actualmente luchando contra un cáncer de garganta, al que Cruise quería en la película sí o sí. El bueno de Val, el otro guaperas de la primera entrega que daba vida a Iceman, tiene su escena junto con Tom y para aquellos que pasan de los cuarenta verlos otra vez ahí 36 años después hace que incluso te emociones. Al fin y al cabo hemos seguido la carrera de estos dos durante décadas y nos regalan una entrañable escena.

Por si no lo sabéis ya, Tom Cruise aquí también es productor de ‘Top Gun: Maverick’. Verdadero motor y principal responsable de este proyecto e intervino en todas las decisiones importantes del rodaje. La inclusión de Val Kilmer no fue lo único en lo que insistió. También lo hizo para que todas las escenas aéreas con los F-18 se hicieran sin CGI (imágenes generadas por ordenador) así que todas las tomas son reales y los actores se tuvieron que preparar a fondo para soportar las fuerzas g en vuelo supersónico. Otro gran nombre como el de Ed Harris solo tiene un papel testimonial.

Porque cuando hablamos de acción, aquí es donde ‘Top Gun: Maverick’ supera a su predecesora gracias a lo que ha evolucionado la industria del cine y las técnicas para grabar desde cualquier ángulo hoy en día. Sencillamente espectacular y en un buen cine la experiencia de sonido hace que sea aún más inmersivo todo. Bien por Joseph Kosinski, el director que no fue pensado para esta secuela (siempre fue Tony Scott), pero que además de ser fiel a la primera y rendirle homenaje con planos y escenas similares (véase el portaviones, la playa o la motocicleta en el aeródromo) también imprime su sello personal cuando pone sus cámaras literalmente en el aire. Soy de la opinión de que no es fácil hacer una película bélica con aviones de combate modernos (apenas hay) y parte del probable éxito de taquilla de esta secuela será por lo espectacular de cada toma, plano y escena dentro de los F-18 y por supuesto por el gancho y la buena forma que sigue teniendo Tom Cruise con casi 60 años de edad (estoy deseando verlo en acción de nuevo en su próxima ‘Misión imposible’). Me quito el sombrero después de 40 años en la cima de la meca del cine. Pocos pueden presumir de ello.

No obstante no podemos dejar de pasar por alto que es un producto hecho para el disfrute y no se debe esperar cierta coherencia en el guión porque apenas la tiene para sostenerse por sí mismo. Los malos están ahí porque sí, tienen mejores aviones y sus motivaciones no son importantes porque solo están para complementar la acción, única protagonista en el último tramo de la película. Todo cogido con pinzas pero al final nos da un poco igual como ya pasaba en la primera. En todo caso pone de manifiesto el debate de que en un futuro no muy lejano el protagonismo pase a los aviones no tripulados, pero lo hace de pasada nada más.

Tienes que haber visto la primera (que por cierto, ha sobrevivido bastante bien a los años) si quieres entender mejor al menos ciertos conflictos entre los personajes. Si te gustó entonces ‘Top Gun: Maverick’ dudo mucho que te decepcione. Te hará pasar un rato agradable y preguntarte que después de 36 años tenga tanto sentido y funcione tan bien. Sé que he repetido varias veces los años que han pasado entre ambas pelis pero… es que no desentonan prácticamente nada.

Esta secuela, en resumen, es un producto de acción de primer nivel en cuanto se refiere a las secuencias aéreas, con una dosis grande de nostalgia que hará emocionarse a los más sensibles. Adolece de un buen guión aunque según pasa la peli te olvidas de ese detalle y recuerdas sus virtudes, tanto pasadas como presentes, para una secuela que, lo vuelvo a decir, 36 años después tiene sentido y que en su género, logrará (?) enganchar a otra generación como lo hizo la primera en los 80.

Buscad un buen cine, comprad palomitas aunque estén a precio de chuletón de Ávila y disfrutad del cine de entretenimiento por excelencia como es ‘Top Gun: Maverick’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2022. Título original: Top Gun Maverick. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Joseph Kosinski. Guion: Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer. Fotografía: Claudio Miranda. Reparto principal: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez, Greg Tarzan Davis, Ed Harris, Val Kilmer. Producción: Jerry Bruckheimer Films, Paramount Pictures, Skydance Productions, Tencent Pictures, Don Simpson/Jerry Bruckheimer Films, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.topgunmovie.com/

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