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Crítica: ‘La Quimera’

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Todos tenemos una quimera, algo que deseamos hacer, tener, pero que nunca encontramos. Para la banda de ‘tombaroli’, los ladrones de antiguas tumbas y de yacimientos arqueológicos, la Quimera es soñar con dejar de trabajar y hacerse ricos sin esfuerzo.

Para Arthur, la Quimera se parece a Benjamina, la mujer a la que perdió. Con tal de encontrarla, Arthur se enfrentará a lo invisible, indagará por todas partes, penetrará en la tierra – decidido a encontrar la puerta que lleva al Más Allá de que hablan los mitos.

En su osado recorrido entre vivos y muertos, bosques y ciudades, fiestas y soledades, los destinos de los personajes se cruzan, todos en busca de su Quimera.

Crítica

 Bonita historia sobre los grandes imposibles de la vida

Sin duda ‘La quimera’ es una de las cintas más peculiares que he visto este año. Dirigida por Alice Rohrwacher, nos vamos a Italia. A una ciudad en la que se convive la actualidad y la antigüedad. Arthur, regresa con su banda de ‘tombaroli’, ladrones de tumbas antiguas, después de pasar un tiempo encarcelado. Conoce a Italia una mujer que comienza a devolverle la alegría poco a poco tras perder a su verdadero amor.

Pero no solo de esto va la cinta. Sino que también se nos explica lo que es exactamente una quimera, que es algo que deseamos tener o hacer, pero que nunca encontramos la manera de poder llegar a ellas. Para Arthur, su Quimera es Benjamina, la mujer que perdió y con la que desea encontrarse indagando en todas partes para encontrar la puerta del Más Allá y poder salvarla.

Alice Rohrwacher realiza una película muy bonita visualmente, nos adentra en momentos de ensueños y eso es gracias al tipo de película utilizado. Está rodada en 35 mm, en Super 16 mm y en 16 mm. Todo ello hace que la película tenga un color extraño, lleno de grano y con un toque de cuento. Que al final es lo que estamos viendo. La historia de un hombre intentando reencontrarse con su amor, viviendo desventuras que le harán hartarse de todo.

Además, las imágenes de las tumbas, con sus frescos esperando a ser vistos después de tantos años escondidos, son preciosas. Una de las tumbas que aparecen es magnífica, preciosa y se nota un gran cuidado a la hora de rodar las imágenes. Si que es cierto, que en cuanto este tema, me esperaba que el tema arqueológico tendría más peso en la trama, pero pasa a un plano bastante anecdótico.

‘La Quimera’ me ha gustado mucho, entretenida y muy bien realizada, contada de una manera bastante diferente. Por momentos muy dinámica, en otros se toma su tiempo para mostrarte a donde quiere llegar. Pero aun así, no pierdes en ningún momento el interés por ver el final de la película.

En el preparto encontramos a Josh O’Connor, interpretando a este joven atormentado. Está estupendo y convence perfectamente en su papel. También tenemos a Isabella Rossellini. Sin duda las mejores escenas de la película son con ella, la historia que comparte con Arthur es de dolor y aun así, es una historia muy tierna.

Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Alba Rohrwacher, Lou Roy-Lecollinet, Guiliano Mantovani o Gian Piero Capretto son parte del reparto de esta cinta.

‘La Quimera’ no es una película para todo el mundo, pero sin duda Alice Rohrwacher logra una historia muy bonita, un cuento lleno de luz dentro de la oscuridad que se adueña Arthur. El próximo 19 de abril llega a nuestras salas de cine.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: La chimera. Duración: 130 min. País: Italia. Dirección: Alice Rohrwacher. Guion: Alice Rohrwacher, Caramela Covino, Marco Pettenello. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Josh O’Connor, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher. Producción: Tempesta, Ad Vitam Production, Amka Films Productions, RAI Cinema, RTSI. Distribución: Elastica Films. Género: Drama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-quimera/

Crítica: ‘Dragonkeeper: guardiana de dragones’

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Tiempos oscuros en el antiguo imperio chino. Los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una lejana fortaleza, una joven ayuda al último dragón vivo a escapar de su cautiverio y se une a él en una trepidante aventura para recuperar su tesoro más preciado: el último huevo de dragón, robado por un malvado hechicero que desea el poder que en él reside para alcanzar la inmortalidad. Perseguida por los ejércitos del Emperador, esta extraña pareja se embarca en un apasionante viaje a través de China, en el que ambos aprenderán a crecer juntos y a confiar el uno en el otro para derrotar a sus enemigos y garantizar la supervivencia del linaje de los dragones.

Crítica

Una emotiva y preciosista aventura

¿A qué niño o niña no le ha gustado siempre fantasear con los dragones? ‘Cómo entrenar a tu dragón’ puso eso en evidencia. Las temibles criaturas legendarias están en casi todas las civilizaciones a lo largo del mundo. Probablemente la cultura y tradición china es la que más presente les tiene. Precisamente ahora que los que siguen el calendario lunisolar chino están en año del dragón llega ‘Dragonkeeper’. No puede ser una casualidad pues es una coproducción hispano-china de animación que cuenta con la participación de Movistar Plus+ y Atresmedia.

‘Dragonkeeper’ trata sobre Ping una niña que tiene un vínculo especial con los dragones. La aventura que propone este cuento trata de descubrir el origen y función de esa relación, pero también el rescate del último huevo que poseen los mágicos y enormes reptiles. El carácter curioso y respondón de la protagonista hace que además haya un trasunto sobre el cambiar roles y se cuestione el orden establecido.

Salvador Simó, director de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ y también experto artista de efectos visuales, es el director de esta potente producción. La primera novela de las seis publicadas por Carole Wilkinson sirve de base y el director ha llenado esta fábula de detalles y diseños preciosos.

‘Dragonkeeper’ arranca como muchas veces lo hacen las películas de Disney, llenando de pena nuestros corazones y con criaturas pasándolo mal. Tras eso está repleta de hechiceros, pequeños animales, soldados, habilidades jedi… Hasta su propia versión de los templarios de Osorio. A esta adaptación animada no le falta sentido de la aventura, quizá ande floja en su comedia y acción, pero no anda falta de ritmo y calidad gráfica.

Para mí el mayor acierto es el contar con Bill Nighy para dar voz al dragón y con su doblador habitual en castellano, Mario Gas. Es una jugada similar a la de ‘Dragonheart’ con Francisco Rabal. Dotan al personaje de una profundidad, dramatismo y emotividad que calan.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Dragonkeeper. Duración: 99 min. País: España, China. Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li. Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Música: Arturo Cardelús. Reparto principal (doblaje en castellano): Lucía Pérez, Mario Gas. Reparto principal (doblaje en inglés): Mayalinee Griffiths, Bill Nighy, Bill Bailey, Anthony Howell. Producción: China Film Animation, Guardián de Dragones A.I.E., Atresmedia Cine, Movistar Plus+.

Crítica: ‘Civil War’

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En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos.

Crítica

Desarrolla una realidad posible y terrorífica

Alex Garland es un director que siempre impacta, innova y deja una huella indeleble. Se suele mover por la ciencia ficción (‘Devs’, ‘Ex_Machina’, ‘Dredd’) o el terror (‘28 días después’, ‘Men’). Con ‘Civil War’ nos plantea una película que se acota más a los cánones del drama bélico, pero que a muchos les parecerá tan increíble como si fuese ciencia ficción y tan plausible que da terror. Y es que este nuevo largometraje no se puede considerar ucronía ni distopía, porque todo entra dentro de lo altamente posible y diciendo aún más, probable. Esa es una de las facetas por las que Alex Garland puede decir que se mantiene dentro del terror, cuando ‘Civil War’ se torna en una advertencia que da pavor.

Los populismos extremos y la polarización de la opinión pública son unas de las armas y males más potentes en este siglo XXI. Entre otras cosas han convertido a los periodistas en el enemigo, en parte del problema. Y lo que es aún peor, a raíz de esa desconfianza en el llamado cuarto poder la gente sigue a pies juntillas informaciones que ve en páginas o perfiles sociales que habitualmente generan creepypastas o fake news. Así es como han surgido movimientos como QAnon. El periodismo bélico es el centro de atención en ‘Civil War’. Es en resumen es una carrera por ser el primero en dar la noticia, por estar en lo más “jugoso” del conflicto. Personalmente siempre que he visto algo sobre periodismo bélico, ya sea su trabajo o testimonio, me he visto dividido. Como si también hubiese una guerra civil interior estos reporteros han de decidir si captan material o si prestan auxilio a quienes mueren o sufren ante sus lentes. Es un trabajo que deshumaniza por los nervios tan fríos que hay que tener pero que a la vez muestra a los humanos en su naturaleza más salvaje y final. Kirsten Dunst muestra brillantemente esa frivolidad que esconde un torrente de emociones reprimido. Que un ser humano tenga que contenerse así o sea capaz de negar el amparo a otros en pro de su carrera profesional a mí me causa espanto. En mi opinión Alex Garland también quiere reflejar ese todo por el todo que es el buscar la primicia.

Por otro lado ‘Civil War’ atina con su planteamiento. En resumidas cuentas es un drama bélico. Está la cosa tan dividida y candente que al filme no le hace falta explicar las razones por las que se produce la guerra civil. De hecho, tenemos tan interiorizados los conflictos actuales, que muchos espectadores saldrán de la sala sin darse cuenta que el guión no explica un detonante en concreto, aunque arranca con imágenes muy similares a las del asalto al capitolio. Con todo y con eso ‘Civil War’ no tiene carácter político, es neutral, lo cual también favorece la universalidad del filme.

Si no te interesa para nada el conflicto al que se enfrentan los periodistas o cuan cerca están de un conflicto armado algunos países del primer mundo (según los cánones capitalistas) también te puede gustar ‘Civil War’. Evidentemente plantea cuan duro e irracional es enfrentarse a tiros a familiares y amigos convirtiendo a Estados Unidos en una zona de guerra sin orden ni concierto. Es un road trip que recuerda a ‘28 días después’, pero sin zombies. Dos adultos, un hombre de avanzada edad y una mujer muy joven moviéndose por el peligro entre carreteras repletas de coches abandonados y asaltantes. A Garland le da igual mover a sus protagonistas delante de frenéticos muertos vivientes infectados que entre tanques y balas del calibre .50. La acción y tensión de sus escenas son altamente contagiosas.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Civil War. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Cailee Spaeny, Nick Offerman. Producción: A24, DNA Films, IPR.VC. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, acción. Web oficial: https://a24films.com/films/civil-war

Crítica: ‘Spy x Family código: blanco’

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Él es un espía. Ella es una asesina. Juntos, Loid y Yor ocultan sus dobles vidas mientras fingen ser la familia perfecta. Sin embargo, su hija adoptiva, Anya, que es telépata, conoce los emocionantes secretos de ambos sin que lo sospechen. Bajo la excusa de llevar a su familia a una escapada invernal, los intentos de Loid por avanzar en su misión en curso, Operation Strix, se complican cuando Anya se involucra por error, desencadenando acontecimientos ¡que amenazan la paz mundial!

Crítica

Divertidísima y atiborrada de referencias

Una peculiar «familia» es la protagonista de ‘Spy x Family código: blanco’. Para muchos no necesita presentación pues la afamada creación de Tatsuya Endo ha dado la vuelta al mundo con su manga y su anime consiguiendo legiones de fans. Pero por si acaso os explico rápido. La acción transcurre en dos países que guardan una tensa paz y se espían mutuamente conservando un gran parecido con la Alemania del Muro de Berlín. La familia protagonista está formada por un matrimonio de conveniencia, una niña y un perro. El “marido” es un espía, la “esposa” una asesina, la “hija” una telépata y el perro ve el futuro. Ninguno conoce los que esconden los otros y viven felizmente. Un resumen más o menos como este es el que hace ‘Spy x Family código: blanco’ para ponernos al día. No hay manera de contar esta historia como algo normal pues la serie es peculiar con ella sola, aunque ahora os contaré como con todo y con eso a veces peca de falta de originalidad.

Lo que no cabe duda es que el manga de 2019, el anime y esta película actual son divertidísimos. Esta familia ha pasado por muchas aventuras, generadas sobre todo por los malentendidos y por la doble vida que llevan. Sobre todo es el personaje de la niña el que más gracia hace, en especial en ‘Spy x Family código: blanco’ con la escena el rey de la caca. La criaturilla de pelo rosado no para con sus bufonadas y nos hace reír constantemente gracias a ello y a la manera en cómo se mueve “inocentemente” por un mundo lleno de peligros. Lo hilarante de esta película es como se entrecruzan los intereses de lo que a priori son deberes para la escuela con los objetivos de los agentes secretos.

En esta nueva etapa de ‘Spy x Family’ la integridad y conservación del núcleo familiar corre peligro. Esto sucede también en obras de corte similar como ‘Spy Kids’ o ‘Sr. y Sra. Smith’. Y es que la falta de originalidad de esta serie se percibe siempre y cuando vemos que bebe en exceso de fuentes muy afamadas, aplicando por supuesto su filtro kawaii. Entiendo el fandom que ha generado esta serie pero ver los momentos bobalicones mezclados con sangre, erotismo y algunas muertes me hace pensar que este no es un producto infantil, sino más bien enfocado a adolescentes con mente pueril y sin excesiva cultura cinematográfica. La banda sonora casi se fusila temas de ‘James Bond’ y ‘Misión: imposible’, el protagonista se pone máscaras a lo Tom Cruise, el perro se llama Bond, la niña surge de un experimento llamado 007, la relación es completamente Pitt y Angelina, acceden a su base a lo ‘Superagente 86’, la niña tiene semejanzas con Niu de ‘Elfen Lied’ e incluso se copia la escena más famosa de ‘Misión: imposible’ que originalmente vimos en el ‘Robobo de la jojoya’. Con esto no señalo que el filme sea malo, pero tiene tantas referencias que más que alusiones son dependencias.

Todo lo anterior en su justa medida podrían haber sido influencias, pero se pasa de largo. Lo que sí que es una influencia, muy habitual en los animes, es el ambiente europeo de los escenarios y ropajes. Como decía antes estamos en dos países que recuerdan a los del telón de acero. En ese escenario surgen gags propios y personajes de lo más variopintos, no todo iban a ser reproducciones de clásicos. El director es Takashi Katagiri y el guionista Ichiro Okouchi. Ambos han trabajado en capítulos de la serie, los seguidores de esta no tienen que preocuparse que la historia, la dinámica y la continuidad de la franquicia está asegurada. Esta película puede transcurrir perfectamente entre episodios de la serie ya que no altera el canon ni inserta ningún evento trascendental. Habrá que seguir esperando el ansiado beso.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Gekijōban Spy×Family Code: White. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Takashi Katagiri. Guion: Ichiro Okouchi. Música: Know Name. Fotografía: Akane Fushihara. Reparto principal (doblaje original): Takuya Eguchi, Atsumi Tanezaki, Saori Hayami, Ken’ichirô Matsuda, Hiroyuki Yoshino, Yûko Kaida. Producción: Wit Studio, CloverWorks, TOHO animation. Distribución: Sony Pictures, Crunchyroll. Género: acción, comedia. Web oficial: https://spy-family.net/codewhite/

Crítica: ‘Sangre en los labios’

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De la mano de la directora Rose Glass llega una nueva y electrizante historia de amor: Lou, el solitario director de un gimnasio, se enamora de Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Pero su amor enciende la violencia, arrastrándolos profundamente en la red de la familia criminal de Lou.

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Katy O’Brian se postula sin querer para Hulka en una película con momentos tan fuertes como ella

Kristen Stewart y Katy O’Brian protagonizan ‘Sangre en los labios’, el segundo largometraje de Rose Glass. Tras ‘Saint Maud’ da el salto a la américa profunda, esa de la NRA, el pelo mullet y los esteroides. Allí se conocen dos mujeres que rápidamente se atraen la una a la otra. Suplen necesidades o carencias que les faltan mutuamente, sin tener en cuenta los pormenores, consecuencias o repercusiones que tiene la relación que acaban de empezar. ‘Sangre en los labios’ ha sido comparada por algunos de sus detalles con ‘San Junipero’ de Black Mirror. Puedo comprar que son dos personalidades a priori incompatibles que hacen match contra too pronóstico y hacen lo que sea por estar juntas, pero yo compararía esta película con ‘Monster’, de Patty Jenkins, pues también tiene su camino hacia la violencia y venganza, el tema de la violencia de género o una relación destructiva.

Indignará a puritanos y a quienes aún con mentalidad caduca no sepan ver que lo que hace aquí la directora Ross Glass es lo que se ha hecho toda la vida en el cine que mezcla suspense, criminales y romances fatales pero poniendo sobre la mesa personajes de géneros más tolerados por los productores de la vieja escuela. Aquí llega A24 para dar otro paso más en pro de la diversidad y la originalidad. Sin que me haya vuelto loco hay que reconocer que hay originalidad en cuanto a la temática LGBT, el ejercicio e intencionalidad no dista mucho de películas como ‘Brokeback mountain’. Sin embargo su guión es más sencillo y sintetizable. La que plantea ‘Sangre en los labios’ es la habitual historia de personaje que sin verlo venir se sumerge en un mundo de conflictos y secretos. Y es normal que no lo vea venir pues ni siquiera los espectadores tienen muchas pistas. Rose Glass plantea una estructura similar a la de ‘Saint Maud’, sin lograr su sacar brillo a su capacidad de inquietar. Nos presenta personajes que parecen martirizados y nos ofrece flashes que nos dan pistas evidentes de qué los ha llevado hasta el presente del filme. Pero sobre todo es cuando nos ofrece momentos fantásticos que exteriorizan la psique de los personajes cuando se parece a su película debut. Para mi es de lo mejor del filme. Lástima que con todo y con eso falte impactar más con su discurso.

Porque de lo que trata al fin y al cabo ‘Sangre en los labios’ es de las relaciones tóxicas, de todo tipo. Entre padres e hijas, con maridos maltratadores, entre parejas que se guardan secretos, entre aquellos que son cómplices silenciosos, entre autoridades y confidentes… Todo gira en torno a secretos y heridas. El título original era mucho más revelador ya que traducido literalmente significa algo así cono “las mentiras de amor hacen sangre” o “el amor sangra”. Toda la película es un alegato de desamor hacia el propio amor al que le falta desbocarse o confiar más en su potencial.

Evidentemente hay también espacio para hablar del rechazo a la comunidad LGBT y la negación de la violencia de género, algo aún más presente en los 80. Probablemente sea por eso que ‘Sangre en los labios’ ensalza la figura de las mujeres de un modo inusual y provocador, consiguiendo momentos de una belleza salvaje. No me refiero a los instantes de violencia y sangre, que he disfrutado puntualmente, sino a cómo Katy O’Brian se luce en pantalla, en el gimnasio y sobre el escenario, pero sobre todo postulándose sin querer a la Hulka que habría necesitado Disney. Aunque esta película sea un paso atrás para la directora por lo menos hay que reconocerle ese descubrimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Love Lies Bleeding. Duración: 104 min. País: Reino Unido, Estados Unidos. Dirección: Rose Glass. Guion: R. Glass, Weronika Tofilska. Música: Clint Mansell. Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anne Baryshnikov, Orion Carrington. Producción: A24, Film4, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/loveliesbleedingmovie/

Crítica: ‘El simpatizante’

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Park Chan-Wook también es un maestro en formato serie

Basada en una novela de Viet Thanh Nguyen que se publicó bajo el mismo título y ganó el Pulitzer, llega la serie ‘El simpatizante’. El próximo 15 de abril HBO Max publicará en su catálogo esta producción que cuenta con nombres muy granes, talentosos y rara vez decepcionantes: A24, Park Chan-Wook y Robert Downey Jr.

‘El simpatizante’ es una producción de A24 para HOB Max que dirige el laureado Park Chan-wook, para los que peinan canas el director de ‘Old Boy’, para los más jóvenes el de ‘Decision to leave’ o ‘La chica del tambor’. Junto a él en el guión el actor Don McKellar que también cuenta con guiones en su haber como el de ‘A ciegas’. Esta comunión ha dado a luz una magnífica serie que explora como nunca algunas facetas de un fragmento de la historia norteamericana que por otro lado está harto explotado.

En ‘El simpatizante’ seguimos a un refugiado en Los Ángeles que ha de seguir ejerciendo de espía en los últimos coletazos de la Guerra de Vietnam a causa de su origen mitad francés y mitad vietnamita. Esta serie va de agentes dobles, de choque de culturas, de diferentes interpretaciones de un enfrentamiento y de conflictos de intereses. Como siempre que se habla de la Guerra de Vietnam, aunque sea en segundo plano, se habla de una invasión en el plano cultural. A través de la retrospectiva que ofrece la confesión de un espía comunista transitamos una historia repleta de sátira y tragedia.

Es la historia en clave de thriller de hombres con dos caras. Robert Downey Jr. va más allá que nunca y muta en cada episodio. A este actor harto conoció le encanta caracterizarse. Sonados son papeles como el de ‘Tropic Thunder’, que también tenía que ver con Vietnam, o su participación en ‘Oppenheimer’ que le ha valido el Oscar, como casi sucedió cuando se disfrazó de Chaplin o de Kirk Lazarus. Él representa magistralmente una parte paternalista y manipuladora de todos los tentáculos de Estados Unidos. Pero con todo y con ello no es el personaje principal.

Hoa Xuande es realmente el simpatizante, quien juega a las amistades peligrosas. Es un actor con muy poca trayectoria o títulos que hayan llegado al gran público pero se mueve estupendamente por las escenas conflictivas, los garitos, las metáforas y los encontronazos que le propone Park Chan-wook. Representa muy bien al personaje intelectual, dividido y huidizo de estereotipos que es el protagonista.

En contadas ocasiones la serie tiene también algo de acción. El primer episodio acaba por todo lo alto para después moderar el ritmo de sus capítulos. ‘El simpatizante’ tiene un sabor a los setenta que seguro que le encantará a Tarantino. Los tiempos, el vestuario, los movimientos de cámara… Es una serie repleta de travelings y paneos, pero sobre todo de muchos planazos que imitan los de la época y que son característicos del director. Según qué episodio el cineasta surcoreano realiza un tributo al cine de espías, al bélico, al político e incluso al propio cine en sí mismo, todo evidentemente también gracias al texto del que parte.

Crítica: ‘Fallout’

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Un bombazo de serie que solo se puede medir con el pulgar hacia arriba

Jonathan Nolan y Lisa Joy regresan con una serie de ciencia ficción, ‘Fallout’, esta vez en Prime Video a partir del 11 de abril. Los artífices de ‘Westworld’ y ‘The Peripheal’ crearon anterior y respectivamente su versión de una película y una novela fantástica y ahora lo que adaptan es un videojuego. La mítica saga de Bethesda da el salto a la televisión en formato acción real. No serán pocas las comparaciones de esta serie que tiene planos a lo ‘Apocalypse now’ y ‘Terminator’, pero sobre todo con quien tendrá muchas asimilaciones es con un estreno que aún tiene que llegar ‘Borderlands’.

Estamos en un mundo arrasado, controlado por clanes (a cada cual más chiflado y fanático), siguiendo la búsqueda de un preciado tesoro, donde impera la ley del más fuerte o el más trapero. Bien es cierto que aunque aquí hay bastantes majaderías el juego de Gearbox es mucho más cómico que ‘Fallout’, pero hay muchos puntos en común. El sabor al farwest, los tiroteos, el ambiente apocalíptico desértico donde aún funcionan ciertas tecnologías… Se parecen y sin entrar en cuál llegó antes a nuestras consolas disfrutamos de la historia.

¿Cuáles son los precedentes? Como espectador que no conozca el videojuego solo has de saber que la humanidad, como siempre controlada por el corporativismo, a arrasado el planeta a base de explosiones nucleares. A la cabeza está Vault-Tec, una empresa tipo Umbrella Corporation que desarrolla todo tipo de tecnologías, en especial los más de cien bunkers que mantendrán a la humanidad a salvo bajo tierra. ¿A salvo? Como siempre la multinacional se alza como la villana de esta ucronía y realiza variopintos experimentos que crean todo tipo de situaciones y criaturas. Seres como los ghouls, los gulpers, los mutantes… forman sus clanes y facciones que intentan controlar los Estados Unidos, ahora convertidos en una Commonwealth de trece estados.

Estamos ante una realidad alternativa con sabor a western y a años 50. Sombras del comunismo hasta en la sopa, llaneros solitarios, una elegancia que se percibe hasta entre la mugre… La serie tiene un encanto difícil de describir pues en su mezcolanza de géneros brota un drama y un romanticismo que funciona. Sobre todo porque todos los personajes tienen un arco argumental interesante y evolucionan sustancialmente, no son para nada planos. Y principalmente porque ‘Fallout’ marca la diferencia y huye de héroes y santurrones. Todos los protagonistas hacen alarde de cierta maldad fruto de vivir en un mundo que te destroza para conseguir sobrevivir.

Quizá esta no sea una traslación literal de alguna entrega concreta de la saga pero desde luego funciona correctamente en el universo creado por Tim Cain para ordenador en 1997. Si habéis jugado toda la saga reconoceréis a personajes como Lucy o Maximus, e incluso al pero albóndiga, así como a un robot que tiene jocosamente la voz de Matt Berry. Curioso o sarcástico es que la serie disponga de un personaje que proviene de un pasado similar al de los nazis y que comparta nombre (Dr. Siggi Wilzig) con alguien que en la realidad fue un superviviente del holocausto y de campos como Auschwitz y Mauthausen y posteriormente un magnate de la banca. Sea como fuere está divertido seguir al escudero de unos caballeros de armadura tosca a lo Warhammer 40.000 (Aaron Moten), a la candorosa y bienintencionada joven del búnker 33 (Ella Purnell) o al pútrido cowboy cuatrero excelentemente bien maquillado (Walton Goggins).

La serie al fin y al cabo es una aventura que desarrolla varias buddy movies a la vez. Como en el juego es divertido ver los distintos clanes que se han creado o los variopintos experimentos que se han realizado en los búnkeres. Es una propuesta más bestia y sangrienta que ‘Westworld’, pero no por ello menos dramática. La Hermandad, El Enclave, Shady Sands, El Yermo, diversos refugios subterráneos… Recorremos puntos clave de los videojuegos y por momentos la serie recuerda a ‘De amor y monstruos’ o a ‘Mad Max’, pero no olvida la fuente original. Toparnos con un cadáver nada más salir del búnker 33, tener un filtro de agua roto o usar una nevera como refugio nuclear son detalles que no pasarán desapercibidos a los gamers. Como el hecho de ver por todas partes y sin abusar a lo product placement el logo de la Nuka-Cola. A esa manera de no propasarse con los detalles y de saber adaptar, no calcar los juegos, yo le pongo el pulgar arriba cual Vault Boy.

Crítica: ‘Monkey Man’

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Kid (Dev Patel) es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas.

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Dev Patel se monta su propio John Wick… a medias

Con la curiosidad de que es la primera película que dirige Dev Patel y que él mismo protagoniza saliéndose también de sus habituales roles pues es un filme de acción, llega ‘Monkey Man’. En ella seguimos a un huérfano que se mueve por los bajos fondos ganándose la vida como luchador callejero mientas intenta hacerse un hueco en un famoso local de lujo. Esta es una historia de venganza pero que va acompañada de otras tantas inquietudes para el actor.

Para Patel, según declaraciones suyas, la industria cinematográfica ha creado demasiado cine de acción con violencia porque sí. Haciendo entender que las considera películas sin alma ni trasfondo. Es por eso que este filme no es puramente de tiros, peleas y persecuciones. Ha querido que sea una cinta con personajes trabajados que deje algo de poso. Y efectivamente ‘Monkey Man’ tiene discurso y una intencionalidad que va más allá de las escenas trepidantes y agresivas, pero se le ha ido la mano.

Las raíces del actor británico están muy presentes, a veces literalmente. En ‘Monkey Man’ nos viene a decir que en el país de sus antepasados sigue existiendo una diferencia de clases desproporcionada, alimentada hoy en día por los intereses corporativos y favorecida por las mafias y la corrupción. Esta historia a parte de tener mucha acción trata en el fondo de rescatar los valores espirituales de su cultura a través de una visión que nos hace recelar de líderes y gurús.

Os esperan dos segmentos de acción sin parar. Podríamos decir que tenemos dos películas en una, cada una de ellas dividida en una fase previa de construcción y retrato del personaje culminadas con una escalada de violencia explícita. Cuando la cosa se pone al rojo vivo en ‘Monkey Man’ las sensaciones son muy similares a las de películas como ‘John Wick’ (citado literalmente durante el filme), con detalles al estilo de Park Chan-wook o de la saga Ong-Bak. Sobre todo está presente la trilogía de Keanu Reeves por la presencia de neones, organizaciones criminales con matones que no se acaban, escenarios que van desde los bajos fondos al lujo, coreografías de lucha frenética, un protagonista que parece ser inmortal… Bien es verdad que Patel maquilla la acción con mucho movimiento de cámara, como hacen películas como la saga Bourne, por ejemplo, pero distinguimos unos cuantos movimientos buenos obra del coreógrafo y especialista Brahim Chab.

El problema de la película son los tiempos muertos. En ese afán por huir del cine de acción gratuito y sin alma Dev Patel introduce momentos que se supone que sirven para la progresión del personaje pero que resultan excesivamente alargados y reiterativos, sobre todo teniendo en cuenta que con unos pequeños flashes ya nos habían explicado lo mismo. Esto puede responder a que ‘Monkey Man’ respira cine indio en muchos aspectos. Más allá de lo superficial como puede ser la localización o los protagonistas está la costumbre de ese cine a la hora de introducir numerosos y largos flashbacks que por lo general aportan poco. Por lo menos no hay escena de baile tipo flashmob, aunque hay muchísima música en forma de covers y una secuencia a ritmo de tabla de la India que también se alarga más de lo necesario. Dese luego queda claro que el resultado final de la película se debe a lo mucho que se ha entregado el ahora director con su pueblo y con las escenas de acción, que le han valido más de una lesión.

Produce Monkeypaw, es decir Jordan Peele. Pero no es un producto original del cineasta. La cuestión es que una vez estaba rodado el filme Peele lo vio y se lo compró a Netflix para que no fuese directo a la plataforma teniendo así un merecido recorrido por cines. Por lo tanto ‘Monkey Man’ no tiene nada del sello de Peele ya que no ha estado involucrado en la gestación de la película, solo en su distribución. La historia es realmente de Dev Patel y cuenta con un guionista hollywoodiense como es John Collee (‘Master and commander’, ‘Happy feet’) pero también con uno que tiene los mismos orígenes que Patel como es Paul Angunawela, otra muestra más de que la película se divide en dos partes muy diferenciadas. Por lo demás hay que reconocer que sabe disimular muy bien las escenas grabadas con smartphone o GoPro por falta de presupuesto, que tiene los momentos justos y atinados de humor (que viva Sharlto Copley) y que es un muy digno debut en la dirección.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Monkey Man. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Dev Patel. Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Sharone Meir. Reparto principal: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar, Adithi Kalkunte, Makarand Deshpande. Producción: Universal Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Lost Winds Entertainment, Lucky Elephant Media, Minor Realm, Monkeypaw Productions, S’YA Concept, Thunder Road Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.instagram.com/monkeymanmovie/

Crítica ‘Pared con pared’

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Valentina es una joven pianista que comienza una nueva vida. Su vecino David, es un inventor que detesta el ruido. Y la celestina: el delgadísimo tabique que los separa.

Crítica

Llena de música y color

Ha llegado la primavera y con ella las historias románticas y es que ‘Pared con pared’ es sencillita pero una muy tierna historia de amor. La tranquila vida de David, un inventor que trabaja en casa, se ve envuelta en un ruido espantoso cuando Valentina se muda al piso de al lado. Ella una gran pianista intenta conseguir pasar un examen, el un hombre bastante huraño que no sale de su apartamento, quiere terminar su proyecto. No empiezan con buen pie, pero tiene que limar sus perezas para conseguir sus objetivos.

‘Pared con pared’ me ha gustado mucho, no da nada nuevo, es como digo, muy simple, pero dentro de la simpleza se convierte en una película muy bonita. No necesita contar demasiado para entretenernos y hacernos disfrutar de estos dos personajes tan dispares entre sí.

Dirigida por Patricia Font (‘El maestro que prometió el mar’) y escrita por Marta Sánchez (‘Como Dios manda’), la película junta a un elenco de actores bastante curioso y divertido. Paco Tous, Miguel Ángel Muñoz, Natalia Rodríguez, Joan Sentís, Adam Jezierski y Eduardo Ferrés.

Y por supuesto a los dos protagonistas, Aitana, en su primer papel protagonista, nos muestra que además de tocar el piano y cantar, no se le da mal actuar. No es un papel complicado, pero aun así no hay que quitarla mérito ya que realiza muy buen trabajo. Su compañero Fernando Guallar al que hemos visto en ‘Reina Roja’, tiene un papel muy gruñón y la verdad que lo interpreta de manera muy graciosa. Ambos tienen bastante buena química en pantalla.

‘Pared con pared’ es luz, la película tiene una luminosidad impresionante, incluso en el piso oscuro en el que vive David (Fernando Guallar), sigue teniendo algo mágico que le da una luz especial. Los colores vivce la película muy atractiva visualmente y que logra una armonía muy bonita en pantalla.

Para terminar, comentaros que es un remake de la comedia romántica francesa ‘Tras la pared’. La tendréis a partir del 12 de abril en Netflix y la verdad que es una buena opción para quedarseos resaltan por todos lados, sobre todo en el mundo de Valentina (Aitana). Su casa, su maravilloso vestuario todo es color. Algo que ha tranquilos en casa con unas buenas palomitas sentados en el sofá.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Pared con pared. Duración:  90 min. País: España. Dirección: Patricia Font. Guion: Marta Sánchez. Música: Arnau Bataller. Reparto principal: Aitana, Fernando Guallar, Paco Tous, Miguel Ángel Muñoz, Natalia Rodríguez, Joan Sentís, Adam Jezierski, Eduardo Ferrés. Producción: Tripictures, Second Gen Pictures, Blind Date Productions. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81478545

Crítica: ‘HLM Pussy’

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A pesar de sus diferentes orígenes sociales, Amina, Djeneba y Zineb son tres adolescentes inseparables y mejores amigas desde que tienen uso de razón. Cuando Zineb sufre acoso por parte del mejor amigo de su hermano, Amina decide publicar un vídeo comprometedor en las redes sociales con la esperanza de que deje de acosarla. Lo que no sabe es que el vídeo no solo pondrá en peligro su seguridad, sino que también pondrá a prueba su amistad.

Crítica

Conflictivo y valioso retrato generacional

Habitualmente las películas francesas que nos llegan protagonizadas por jóvenes de fuera de París o de clase obrera suelen tener una temática marginal. No es el caso de ‘HLM Pussy’ pero eso no quita para que sea una película comprometida y de carácter social. Además hay que añadir que aunque sea una obra juvenil o trate tendencias actuales atribuidas normalmente a los adolescentes, es un filme que nos atañe a todos. Ya sea por responsabilidad social, por educación digital o por progreso en temáticas de igualdad, es una obra que alcanza cualquier cultura, sexo o edad.

‘HLM Pussy’ es el debut en largometrajes de Nora el Hourch. Cuenta en su reparto con la conocidísima Bérénice Bejo (‘The Artist’, ‘Corten’) pero las protagonistas son las jovencísimas Leah Aubert, Salma Takaline y Médina Diarra. La trama va de tres amigas que son uña y carne. Una de ellas publica en internet un vídeo que muestra cómo su amiga tiene que aguantar el constante asedio de un pretendiente. “¿Me la habéis jugado?” pregunta el acosador de la película sin ser consciente de que quien se la ha jugado es todo el entorno que ha permitido que crezca creyendo que se puede vulnerar el espacio personal de otra persona sin su consentimiento.

Lo que a unos les puede parecer una broma, un acto de cariño o una declaración de amor a otros les puede hacer sentir una vergüenza imborrable. Igual pasa con lo publicado en Internet. Nadie puede sentirse en posesión de la vida otra persona, parece decir ‘HLM Pussy’ en varios sentidos. Más allá de percepciones personales o lo blindados que podamos sentirnos ante cualquier vulneración de nuestra intimidad, está la capacidad de las redes sociales de convertir cualquier situación en pesadilla. Es fácil que una publicación en redes se salga de madre o que se interprete sin que los usuarios busquen contexto o contrastar. ‘HLM Pussy’ atina a mostrar esa asignatura que tenemos todos pendiente como usuarios de esos foros a los que accedemos desde los dispositivos que tenemos en el bolsillo y por supuesto a retratar un caso de acoso, de esos que se podrían evitar con una buena educación de base.

HLM Pussy es el nick que usan las amigas para hacerse las malotas. Buscando el significado de HLM encontramos que se usa para referirse a viviendas de renta baja. Junto con la palabra “pussy” podría tener la connotación de como se devalúa a la mujer en redes a través de la cosificación, el piropo baboso y el fantaseo que proporciona el acceso temprano al porno. Sobre la mesa aparecen entre líneas cuestiones como a qué edad se debería acceder a las redes sociales o cómo saber si se tienen las nociones adecuadas para usarlas. Por supuesto que la red de redes es una herramienta potente y útil, pero hoy en día está viciada y también sucede que con nuestros dedos podemos hacer pequeños gestos que alcanzan a tener repercusiones que pueden cambiar una vida entera. En ese aspecto la película recuerda terriblemente a ‘Nación Salvaje’. ‘HLM Pussy’ es un retrato generacional que viene una vez más a mostrar el peligro de las redes o la importancia de la educación y el respeto, tanto en el mundo real como en el digital.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: HLM Pussy. Duración: 101 min. País: Francia. Dirección: Nora el Hourch. Guion: Nora el Hourch, Éléonore Gurrey, Sara Wikler, Raphaëlle Richet, Violaine Bellet, Nathalie Saugeon. Música: Clément Tery. Fotografía: Maxence Lemonnier. Reparto principal: Leah Aubert, Salma Takaline, Médina Diarra, Bérénice Bejo. Producción: Manny Films, La Prod, Moon A Deal Films, Cinéventure 8, Red Sea Film Fund. Distribución: Mirror Audiovisual. Género: drama. Web oficial: https://mirroraudiovisual.es/hlm-pussy

Crítica: ‘Metalocalypse: army of the doomstar’

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¿Podrá Dethklok elegir entre sus egos y el bien mayor del mundo para embarcarse en una aventura llena de peligros que pondrá a prueba sus propias almas y escribir finalmente la canción que será su salvación?

Crítica

Con su energía implacable, su humor irreverente y su banda sonora es un merecido homenaje a la brillantez caótica de Dethklok

Aunque había visto antes algún que otro título de Adult Swim, ‘Metalocalypse’ fue la serie con la que me hice fan de la factoría de animación. Es por eso que a pesar de ser un entretenimiento muchas veces chanante, retorcido y absurdo le guardo cierto cariño. Descubrir que habría una nueva película ambientada en la carrera de la banda de metal más famosa del mundo de la animación me causó cierta alegría.

‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ llega para postularse como una película crepuscular. Para aquellos que no lo conozcan, Dethklok es la banda protagonista de la serie ‘Metalocalypse’. Son un grupo de death metal que existe en la realidad y que en la ficción a alcanzado cotas de fama tales que tienen su propia fortaleza, ejército e incluso PIB. Y eso a pesar de que sus conciertos son tan brutales que los asistentes han de firmar un descargo de responsabilidad asumiendo que en ellos se pueden perder miembros del cuerpo e incluso morir. Con esta nueva película de HBO Max descubrimos que sucede en sus últimos días. La película reúne dentro de su caos muchos elementos vistos durante la serie y recupera personajes para hacer las veces de cierre. Aunque sus creadore le tienen tanto cariño a Nathan Explosion, Murderface y compañía que han sido incapaces de escribir una conclusión definitiva.

Tommy Blacha y Brendon Small son los responsables de la serie y por supuesto de esta película que conserva su estilo de animación y lo que es más importante, su sentido del humor sin tapujos ni censuras. Llegados a estas alturas lo que han intentado hacer es una especie de crisis de identidad, de búsqueda de un sino, que puede definir el devenir de la banda y como no, del mundo entero. El planteamiento de la película es tan disparatado como el resto de la serie. No faltan las palabrotas, la sangre y los giros de guión locos. Por supuesto hay temas pegadizos para los fans del metal e imágenes de lo más épicas. ‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ es una atronadora explosión de caos metálico que hará las delicias de los fans. Ojalá saliese un videojuego inspirado en esta historia, tipo ‘Brutal Leyend’, eso si que sería brutal.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2024. Título original: Metalocalypse: Army of the Doomstar. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: Brendon Small. Guion: Brendon Small. Música: Reparto principal (doblaje original): Tommy Blacha, Victor Brandt, Thundercat, King Diamond, Mark Hamill, Kirk Hammett, Jon Hamm, Scott Ian, Malcolm McDowell. Producción: Warner Bros. Discovery, Williams Street, Timouse. Distribución: HBO Max. Género: animación, comedia. Web oficial: https://www.adultswim.com/videos/metalocalypse/metalocalypse-the-doomstar-requiem-a-klok-opera

Crítica: ‘Freelance’

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El guion de Jacob Lentz (‘Jimmy Kimmel Live!’) supone su inusual debut en un largometraje después de haber sido guionista del programa de entrevistas de Jimmy Kimmel, uno de los más vistos de Estados Unidos y todo el continente americano.

Al estar ambientada en una dictadura ficticia de algún país tropical de Latinoamérica, el rodaje de la película tuvo lugar en Colombia. Desde producción pensaron que el país caribeño, de donde es Juan Pablo Raba, quien interpreta al cruel dictador, sería el lugar idóneo para que se desarrolle la acción.

Crítica

Solo el desnudo de los Oscars tuvo más gracia que todo ‘Freelance’

‘Freelance’ tenía todos los ingredientes para ser una película de acción cargada de adrenalina y risas: un prometedor director como Pierre Morel acostumbrado a rodar con su cámara escenas con todo tipo de estrellas del género, el tan de moda John Cena en el papel protagonista y un montón de efectos prácticos. Por si fuese poco arranca con una escena en primera persona evocando películas como ‘La chaqueta metálica’. Sin embargo, lo que debería haber sido un emocionante viaje ha terminado siendo una decepción sin brillo.

La trama es un batiburrillo reciclado de clichés, carente de toda originalidad, gracia o profundidad. John Cena, siguiendo los pasos de otros forzudos del cine como Schwarzenegger, se sumerge en una nueva película de acción que mezcla una vida cotidiana con otra bélica. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Fubar’ o un título descacharrante en la línea de ‘La ciudad perdida’, por citar títulos actuales que han funcionado muy bien, acaba siendo una película más del montón, de esas que hacen los actores para ir cambiando paulatinamente su imagen. El personaje de Cena, supuestamente un rudo mercenario independiente, ha resultado unidimensional y poco inspirado, no logra evocar ninguna empatía o interés real por parte del público. Es mucho más memorable su aparición en los Oscars que todo su trabajo aquí, incluso teniendo en cuenta que repite aparición en cueros.

Las secuencias de acción, que suelen ser la gracia salvadora de este tipo de películas, están olvidables por estándar que son. En especial para borrar de la memoria está la persecución a caballo. En ningún momento se saca partido a la presencia física y el atletismo de Cena. Es como si el filme surgiese de un guión descartado para ‘El Pacificador’.

‘Freelance’ es una oportunidad perdida. A pesar de su potencial falla hasta cuando intenta parodiar a las repúblicas bananeras y a los dictadores sudamericanos, a pesar de que el mejor de todo el reparto, el único que parece haber comprendido a su personaje es Juan Pablo Raba. La gracia acaba rebotando y ‘Freelance’ termina siendo una parodia inconsciente de sí misma y del poder norteamericano repleto de luz de gas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Freelance. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Morel. Guion: Jacob Lentz. Música: Geoff Zanelli, Elliot Leung. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: John Cena, Alison Brie, Juan Pablo Raba, Christian Slater, Alice Eve. Producción: Yorkshire Film Services II, AGC Studios, Endurance Media, Wideangle Films, Sentient Entertainment. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial: https://freelance.movie/

Crítica: ‘La gran exclusiva’

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Esta dramatización ficticia basada en hechos reales muestra cómo las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron la famosa entrevista con el príncipe Andrés.

Crítica

Interesante historia basada en hechos reales

Llega a Netflix ‘La gran exclusiva’, una cinta basada en una historia real donde vemos la gran importancia del periodismo actual. La película dirigida por Philip Martin y con guion de Geoff Bussetil y Peter Moffat, nos trae la historia que hay detrás de la famosa entrevista de la BBC al príncipe Andrés de Inglaterra, el cual en la actualidad se encuentra fuera de la familia real, por culpa de su vinculación con Jeffrey Epstein.

‘La gran exclusiva’ nos relata como las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron esta famosa entrevista. Y como Sam McAlister, no paró hasta conseguirla.

La película me ha gustado mucho, nos muestra muchas caras del periodismo actual. Los paparazzis, los periodistas que se quedan en el estudio buscando noticias en las redes, los periodistas de campo o los periodistas que son los encargados de entrevistar y que son los que muestran su cara al público. Todos y cada uno de ellos forman una cadena que hace que nos llegue toda la información posible a nuestras casas.

‘La gran exclusiva’ engancha desde el principio. Todos sabemos como termina, pues la entrevista se hizo y la podemos encontrar en el canal de Youtube de la cadena BBC, pero aun así, como se va tejiendo toda la red para conseguir este objetivo, es muy interesante.

El reparto está espectacular, Rufus Sewell encargado de dar vida al Príncipe Andrés, está increíble. He visto la entrevista original y los gestos del actor, ya no solo de la cara, sino las manos y la manera de hablar está muy trabajada. Además, claro está, del gran trabajo de maquillaje al que ha sido sometido.

Gillian Anderson hace un papel de una mujer dura y fría, interpreta a Emily Maitlis la encargada de sacar todo lo posible de esta entrevista. Además de ser la cara en ese momento de la cadena, pues al final la que aparece en la pantalla es ella.

Billie Piper nos da a una Sam McAlister con muchas ganas de trabajar y de la suficiente entereza para atreverse a dar temas complicado para su programa.

Vestuario y decoración son perfectos. Es verdad que lo tenían “fácil” en el sentido de que está muy documentado, pero aun así logran clavar completamente los diferentes escenarios y trajes que se ven en aquella entrevista.

Para mi un gran logro de esta película, es que pese a ser una noticia muy reciente, tampoco es que haya sido muy divulgada en los telediarios. Y os aseguro que después de ver ‘La gran exclusiva’ vais a querer saber más del tema. Una historia que pone los pelos de punta y que da verdadero terror por lo que pasaron muchas jóvenes en aquellas casas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 08 de abril de 2024. Título original: Scoop. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Philip Martin. Guion: Geoff Bussetil, Peter Moffat. Música: Anne Nikitin, Hannah Peel. Fotografía: Nanu Segal. Reparto principal: Gillian Anderson, Rufus Sewell, Connor Swindells, Billie Piper, Keeley Hawes, Romola Garai, Aoife Hinds, Gavin Spokes, Richard Goulding, Tim Bentinck. Producción: The Lighthouse, Voltage TV. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81600418

Crítica: ‘Parasyte: los grises’

Acierta al no intentar readaptar y consigue convivir paralelamente al original

La historia de ‘Parasyte’ arrancó como un manga en Japón allá por 1988. Su autor Hitoshi Iwaaki ha visto como su obra se grajeaba muchos fans e incluso se llegaba a convertir en serie anime y a tener dos películas de acción real. Ahora es Netflix quien coge esta exitosa idea de terror y la convierte en ‘Parasyte: los grises’, una serie live action con 6 episodios que llegan el 5 de abril. Por mucho que esta serie le pegue mucho al director japonés Takashi Miike, quien ha realizado esta adaptación para Netflix es el guionista y director Yeon Sang-ho. Quizá es porque Miike, el mayor adaptador de mangas de la historia, estaba ocupado haciendo para la plataforma el anime de ‘Onimusha’.

Y me alegro de que haya sido Yeon Sang-ho pues muchos en España somos admiradores de su trabajo tras el estreno de ‘Seoul Station’ y ‘Train to Busan’, quizá no tanto tras ‘Península’. No es la primera vez que el rompedor director trabaja con Netflix pues ya estrenó la más que potable ‘Rumbo al infierno’ o la fantástica película de acción y ciencia ficción ‘Jung_E’.

Para aquellos que no conozcan ‘Parasyte’ han de saber, sin spoilers, que trata sobre como los humanos han de enfrentarse a unos seres bautizados como parásitos. Esto no va en el mismo sentido que la película de Bong Joon-ho, aunque algo de retrato de vagos y oportunistas hay, sino de un modo más cercano al de ‘Los ultracuerpos’, ‘The faculty’ o ‘Invasión secreta’. Con códigos de terror e imágenes grotescas similares a las que vemos en las páginas del ahora tan de moda Junji Ito, seguimos la historia de un adolescente llamado Shin’ichi Izumi, quien cual Eddie Brock con Venom empieza a convivir con uno de los parásitos invasores. Eso es lo que plantea inicialmente el manga. La serie se desplaza a un escenario ubicado un tiempo más adelante, con la invasión más avanzada, en términos más apocalípticos y con una protagonista diferente a la de los primeros mangas, pero que plantea las mismas cuestiones sobre la coexistencia.

Los humanos convirtiéndose en formas agusanadas letales y afiladas son la marca de la casa cuando hablamos de ‘Parasyte’. Las criaturas comparten el instinto de supervivencia de sus huéspedes ayudándose en simbiosis, pero sin compartir los intereses u objetivos. Estas criaturas son todo un reto para los cosplayers fans de la saga, los cuales, muy gratamente verán como la estética y morfología de las criaturas está respetada en la serie. No hay que preocuparse, no estamos ante un caso tipo ‘Death note’, la fidelidad de esta serie está más próxima a lo recientemente visto con ‘One piece’. Eso sí, hay que puntualizar que esta no es una traslación literal sino un fantaseo que sobre todo explora otras posibilidades del universo creado por Iwaaki. En el caso del manga y anime la dinámica es más ‘Venom’ y ‘The faculty’ y en el caso de la serie se toma un rumbo más cercano a ‘Invasión secreta’, The Strain’ y ‘Los ultracuerpos’. La pena es que la serie arranca con los mismos mensajes ecologistas que el manga, pero no desarrolla los argumentos en contra de lo perniciosos que somos los humanos de un modo convincente.

Yeon Sang-ho es ya todo un experto en manejar historias que ponen en jaque en a la humanidad. Hitoshi Iwaaki ya se ha manifestado muy satisfecho con las nuevas ideas que aporta la serie y yo no puedo decir lo contrario. La historia cambia sustancialmente con personajes más traumados y escenas más crudas, pero las reglas y el discurso se mantienen, de hecho, lo que sucede en la serie convive perfecta y simultáneamente con el manga. La trama es más policial y alude constantemente al ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’, pero no pierde su sentido grotesco. En resumen, es un acierto que la serie haya desarrollado una trama que va de la mano a la original y no se haya intentado adaptar lo que ya hemos visto en formato anime y películas de acción real. Es una buena manera de ampliar el universo de ‘Parasyte’.

Crítica: ‘Matusalén’

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«Envejecer es inevitable, madurar es opcional». Esa es la máxima de «El Álber», un rapero que a sus 44 añazos se matricula en la universidad por una apuesta con su padre. Si no aprueba todas deberá dejar «esa tontería del rap» para siempre. En la universidad, el Álber se reencuentra con Amaia, locutora de radio y profesora allí, y descubre que le faltaba algo muy importante en su vida: el amor.

Esta es la historia de un rapero cuarentón considerado un niño por sus padres y un abuelo por sus compañeros de clase. Le mandaron a la universidad para que cambiase, y fue él el que cambió a todos los demás. Es la historia de… MATUSALÉN.

Crítica

Julián López rima en armonía con un variopinto reparto

Me acuerdo del show de Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla titulado “Viejóvenes”, que en cierto modo, venía a largar su sketch animado, ‘Cabeza de Viejo cuerpo de joven’ y otras bromas de sus programas. El argumento de ‘Matusalén’ va por esos derroteros y no cuenta con los dos cómicos pero si con muchos de sus compañeros chanantes. Aunque el guión de esta película no lo han escrito ellos se lo llevan en parte a su terreno jugando con el absurdo y lo patético. Eso es lo que le da más gracia la película, el hecho de que Julián López sea el protagonista y junto a Carlos Areces y Raúl Cimas tenga los mejores momentos, propiciado sobre todo a la buena compenetración entre ellos. No obstante cabe señalar que esta comedia no sigue los derroteros o el estilo de cuando se emitían series como Muchachada Nui. Y eso ayuda a que también tengan oportunidad de hacernos reír actores con más gags en el guión como Resines o Adrián Lastra, que hace un papel que a buenas me ha recordado al de Mario Casas en ‘Mi gran noche’. Y es que la lista de nombres que se han rendido a esta comedia es enorme y variopinta, podéis consultarla en la ficha al pie de esta reseña.

Decía que Joaquín Reyes y sus compañeros de orígenes en la comedia no están a cargo del guion y ello es debido a que el director de ‘Matusalén’ es David Galán Galindo, el cual, sí que se ha encargado siempre de escribir guiones. Hablaba por ejemplo de unos inicios cómicos y este director es el autor de ‘Orígenes secretos’, película con la que no acabé de comulgar, pero también de ‘Gora Automatikoa’, título que por otro lado me encantó. Así es que acudía abierto a todo con esta nueva propuesta. Y no me arrepiento pues me ha divertido. Es una comedia repleta de escenas y personajes con los que va interactuando el fracasado que interpreta Julián López, con todos ellos explorando una faceta de la inmadurez.

Y es que ‘Matusalén’ trata sobre cómo la sociedad nos obliga a “madurar” y a abandonar aquello que realmente nos hace felices. Aunque es una comedia donde hay muchos gags bobalicones parece que nos invita a reflexionar si lo que nos interesa es seguir ese plan contra el que también cargaba ‘Trainspotting’ en su inicio o el hecho de perseguir el sueño que te hacía feliz cuando aún no estabas contaminado por los convencionalismos u obligaciones sociales. La percepción que da la película es como si Galán Galindo se hubiese tragado a Santiago Segura: comedia casi familiar, con toques frikis y repleta de amiguetes. Pero cabe señalar que es un filme algo más adulto que los últimos “bombazos” de quien en su día se descolgó del cartel de Schweppes. Nos lleva a un terreno más juvenil y nos gana a los que empezamos a peinar canas solo por el hecho de ser capaz de introducir el horror cósmico lovecraftiano y por supuesto por dedicar un guiño u homenaje a George Pérez y a Carlos Pacheco. Al director le gusta tanto el mundo del cómic, que no puede evitar hacer algo tan característico del género como los cameos, incluyéndose a sí mismo o uno con forma de Funko del superhéroe creado para su primer largometraje.

Pero sobre todo la película rinde homenaje al rap. Están muy presentes Kase.O, que incluso hace un cameo, o Haze que suena durante todo el filme. El protagonista enumera los principios que ha de tener un rapero a través del personaje de Elpho-K y nos rodea constantemente de las melodías y rimas que aún hoy en día pueblan nuestros barrios, a pesar de que las radios, redes y discotecas inunden a las nuevas generaciones con músicas menores y vagas. Es por todo esto que ‘Matusalén’ está dedicada a Jota Mayúscula.

Te saca de le película que Resines lleva estancado en el papel de ‘Los Serrano’ desde 2003 (aunque hay que decir que el maillot ciclista le da su gracia), el recurso fácil de la guapa de la universidad siendo una capulla insoportable o el tener a Miren Ibarguren sin momentos cómicos. Pero son detalles que pasan desapercibidos ante lo bien que congenia Julián López con todo el reparto. Como también pasa inadvertido el instante en que se habla de cómo la generación de cristal ha asumido su carácter de ofendidita y hasta se aprovecha haciendo uso de la discriminación positiva, me habría gustado que se explorase más eso una vez puesto sobre la mesa. No me ha parecido una comedia fallida ni tan inteligente o mordaz como ‘Gora automatikoa’, pero ojalá se sitúe en los rankings por encima de las comedias con las que compartirá cartelera.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Matusalén. Duración: 119 min. País: España. Dirección: David Galán Galindo. Guion: David Galán Galindo, Fernando Hernández, María José Moreno. Música: Eric Cunningham, Javier Colmen. Fotografía: Jesús Haro. Reparto principal: Julián López, Miren Ibarguren, Raúl Cimas, Antonio Resines, Carlos Areces, Lucía de la Fuente, Jason Fernández, Elena de Lara, Judith Fernández, María Barranco, Manuel Galiana, Adrián Lastra, Maite Sandoval, Alberto San Juan, Roberto Álamo, Miguel Rellán, Emilio Buale, Jorge Sanz, Alberto Casado, Rober Bodegas, Enrique Villén. Producción: Vuelta a la universidad AIE, TVE, Amazon Prime. Distribución: F&P Media. Género: comedia. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=317

Crítica: ‘Mayday Club’

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Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en aquel remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas… y volar.

Crítica

Solvente comedia que evita estrellarse gracias a un par de personajes

‘Mayday club’ nos lleva de viaje con un grupo de personas a los que les da miedo volar. Pocas películas han intentado basar su argumento en la aerofobia y en el caso del filme de Hafsteinn Gunnar lo consigue a medias. El inicio de la historia sigue al personaje de Lydia Leonard pero pronto nos sumerge en el grupo de personas que no es que sean raras o peculiares, es que las conocemos en una situación extrema para ellos. Eso es gracioso y el guión lo explota bien en líneas generales, pero por desgracia el tramo central del filme se olvida de que esto va sobre el pánico a despegar y se convierte en la historia de unas personas atrapadas en una situación que no controlan.

‘Mayday club’ tiene sus momentos graciosos y su clímax disparatado. La cuestión es que durante casi toda la película se olvida de sus running gags, como por ejemplo la goma que utiliza Timothy Spall. Quizá si los derroteros del largometraje hubiesen ido por los mismos que otras comedias como ‘Toc toc’ habríamos tenido una historia más hilarante. Este proyecto islandés intenta seguir los pasos de las comedias de enredos francesas o inglesas pero no es capaz de liberarse del todo, de convertirse en un desenfreno. Y eso que tiene más de una escena subida de tono y personajes añadidos que resultan bastante surrealistas.

Algo que no juega en favor de extraernos carcajadas es la falta de color. El ambiente es excesivamente triste y frío. Vamos del Londres gris a la Islandia nublada por las tempestades de nieve. Sigurðsson estuvo más acertado con el esbozo de personajes y la tonalidad de ‘Buenos vecinos’.

‘Mayday club’ es capaz de hacernos pasar un rato agradable. Sobre todo funciona cuando el guión recupera la trama del pánico a montarse en un avión. Y consigue sorprendernos en el sentido de que por tiempo de cámara y por ser quien abre y cierra la película la protagonista es Leonard, todo hacía pensar que el actor con más caché (Spall) acapararía toda la atención y finalmente resulta que el actor menos conocido y a priori el personaje más normal de todos Simon Manyonda, es el que capta mejor dónde está el filón de esta idea. Es algo muy similar a lo que pasó con la primera temporada de ‘The White Lotus’ con el personaje de Murray Bartlett. Si te gustan esas historias donde hay algo de drama y locura entremezclados puede que goces de este club.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Northern Comfort. Duración: 97 min. País: Islandia. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Halldór Laxness Halldórsson, Tobias Munthe, Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Timothy Spall, Lydia Leonard, Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, Gina Bramhill, Sverrir Gudnason, Björn Hlynur Haraldsson, Simon Manyonda. Producción: Good Chaos, Netop Films, ONE TWO Films. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/mayday-club/

Crítica: ‘Godzilla y Kong El nuevo imperio’

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¡La batalla épica continúa! El Monsterverse cinematográfico de Legendary Pictures retoma el explosivo enfrentamiento de «Godzilla vs. Kong» con una aventura totalmente nueva que enfrenta al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza aún por descubrir que se oculta en nuestro mundo, poniendo en peligro su propia existencia… y la nuestra.

Crítica

Grandes peleas y más kaijus, no se puede pedir mas

Soy fan declarada de cualquier película en la que salga Godzilla, lo admito, no me resisto a ese gran monstruo nuclear que destruye ciudades de un coletazo. Y si añadimos a ese gorila gigante sacado de Isla Calavera ¿Qué más le puedes pedir a una película?

Pues si, puedes pedirle más. Más titanes, más destrucción, más simios. Todo lo que tu quieras. Eso es ‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ una cinta en la que crean una mitología propia para la Tierra Hueca y en donde nos reencontraremos con titanes que pensábamos perdidos.

Adam Windgard, director de la olvidable ‘Death Note’ y por supuesto de ‘Godzilla Vs Kong’, nos trae esta estupenda aventura en la que vemos grandes titanes por todos lados luchando por que sí, sin más. Son monstruos y es su manera de vivir.

Regresamos a la Tierra Hueca, un mundo en el que King Kong, está aprendiendo a vivir en soledad, algo que no le hace demasiada ilusión. Es un animal familiar y demanda compañía. Pero pronto tendrá con quien no aburrirse y es que encuentra una civilización de simios muy peligrosos que se lo pondrán muy difícil.

Mientras tanto, Godzilla anda por todo el mundo acabando con las distintas amenazas que asolan a la humanidad. Cádiz, Roma, Gibraltar o Egipto, son algunas de las ciudades que este ser termina destruyendo a la vez que salvando. Eso sí, por supuesto, no se dice en este tipo de películas, pero la cantidad de seres humanos que mueren debe ser tremenda, pero aquí no importan. Importan los titanes.

Y es que, muchas veces en esta saga de películas, siempre lo digo, me sobra la trama de humanos, aunque en este caso, han sabido que ambas congenien bien. Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, regresan a este universo de kaijus. Mientras que Dan Stevens comienza su aventura en esta nueva cinta, dándonos un papel maravilloso como veterinario de Kong. Además hacen alguna alusión a Ace Ventura, ese gran detective de mascotas que nos gusta a tantos.

Los efectos visuales son una tremenda pasada. Al final casi toda la película es CGI y está tan bien realizados que es una maravilla. Los nuevos diseños de kaijus están genial. Por no decir los nuevos simios, que dan verdadero pavor. Estos simios que muestran el lado oscuro de la humanidad. Al contrario que Kong, que nos muestra su lado más bondadoso, pese a su gran fuerza bruta.

‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ hay que verla en las salas de cine, no os defraudará. Uno de los estrenos de la semana, divertida, llena de aventuras y con unas grandes peleas en las que se destruyen ciudades sin ton ni son.

 Ficha de la película

Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Título original: Godzilla x Kong: The New Empire. Duración: 114 min. País: EE.Uu. Dirección: Adam Wingard. Guion: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Música: Junkie XL, Antonio Di Iorio. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen. Producción: Legendary Entertainment, Screen Queensland, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://godzillaykong.entradaswb.com/

Análisis del Blu-ray de ‘Trolls 3’

Una edición que suma actividades para los más pequeños

Los muñecos que allá por los ochenta y noventa se vendían hasta en los quioscos con la premisa de poder conceder suerte, salud… se convirtieron en una película de animación infantil en 2016. La franquicia ha prosperado y aumentado el universo de estas risueñas criaturas pelo pincho hechas con fieltro y purpurina y el año pasado se estrenó ‘Trolls 3: todos juntos’ (crítica aquí). Ahora sale su edición física que ya está a la venta en España editada por Arvi Licensing.

Esta tercera entrega se centró en la figura de las boy bands y con esa excusa nos descubrió muchos más detalles del protagonista Branch y un gran secreto en la vida de Poppy. Por supuesto el filme estaba repleto de música y bailes, los cuales, propician uno de los extras más jugosos de esta edición. Se puede ver la película en modo karaoke, con las letras para poder corear las canciones con los pequeños de la casa.

Esta edición se puede ver en mejor calidad en televisiones que soporten el formato widescreen 2.39:1. El audio viene preparado en castellano, catalán, alemán e italiano Dolby Digital Plus 7.1 y en Inglés Dolby Atmos. Si queréis verla en versión original podéis subtitular el filme en castellano, catalán, inglés para sordos, alemán e italiano.

Como podéis ver en la galería de fotos al pie de este análisis la portada de eta edición es la misma que se usó como póster en Estados Unidos. La misma ilustración es la que está serigrafiada en el disco. Sin embargo el menú del Blu-ray lo encabezan tan solo Branch y Poppy, por supuesto acompañados de un tema del filme.

Atención porque los extras solo aparecen si se selecciona el menú en inglés al inicio de la reproducción del disco.

Extras (60 min. aprox.)

It takes trhee (3:55 min.)

Cortometraje que goza de una animación 2D en su mayor parte, con canción incluída. Una versión más próxima a Cartoon Network que a DreamWorks.

Deleted scenes whit intro by head of story Colin Jack (4:52 min.)

Tres escenas que fueron descartadas del montaje final por un motivo u otro. Nos van detallando la razón y además podemos verlas incluso en su versión storyboard.

Fun in the recording booth (3:49 min.)

El apartado que tienen que saltarse los detractores del doblaje por parte de famosos. Justin Timberlake, Anna Kendrick y compañía disfrutando poniendo sus voces una vez más para esta franquicia.

Hi, hi, hi (3:27 min.)

Trolls 3 ha supuesto la reunión de NSYNC. ¿Queréis verles grabando? Este es el extra que buscabais.

Building the band (12:36 min.)

Los directores de la película, Tim Heitz y Walt Dohrn nos cuentan cómo ha sido seleccionar al casting de voces y trabajar con ellos. Se centra sobre todo en los nuevos personajes.

Toghether again (2:38 min.)

NSYNC ha vuelto a juntarse para aparecer en esta película, en la uqe ha sido una de las grandes sorpresas del año. Pero, ¿realmente han coincidido en la sala de rodaje? Aquí tenéis la prueba en vídeo.

Animating Trolls (4:22 min.)

Así es como se ha llevado a cabo la animación de esta película repleta de detalles y color. Desde las fases más básicas de storyboard, pasando por el layaout hasta el resultado final.

How to draw (23:09 min.)

Si quieres aprender a dibujar a mano a los personajes e Trolls 3 aquí tienes una serie de tutoriales para aprender uno a uno cómo hacerlo de mano de Wendy Sullivan, story artista del filme.

How to: hug time bracelets (2:34 min.)

Muchos niños salieron de la película queriendo tener su propia pulsera. En esta especie de Art Attack encontraréis instrucciones para tener vuestra propia pulsera de los abrazos. Un gran regalo para vuestros besties… si tenéis 10 años.

Fecha de estreno para ‘La casa del dragón’ T2

En Max el 17 de junio

La segunda temporada de ocho episodios de la serie original de HBO ‘La casa del dragón’ se estrena el lunes 17 de junio en Max.

Francesca Orsi, Vicepresidenta Ejecutiva de Programación de HBO y Directora de HBO Drama Series & Films, estrenó los primeros tráilers «enfrentados» de HBO en Series Mania en Lille, Francia, el jueves 21 de marzo, como parte del anuncio de WBD de que Max se lanzará en Europa a partir del 21 de mayo.

Poniente está al borde de una sangrienta guerra civil con los Consejos Verde y Negro luchando por el Rey Aegon y la Reina Rhaenyra, respectivamente. Como cada bando cree que el suyo es el asiento legítimo en el Trono de Hierro, los tráilers de los Consejos Verde y Negro reflejan esas dos perspectivas en mitades separadas pero complementarias de la misma historia. Para el público de todo el mundo, «Todos deben elegir» su bando de la Casa Targaryen a medida que el reino se fractura en la segunda temporada.

Basada en ‘Fuego y Sangre’ de George R.R. Martin, la serie, ambientada 200 años antes de los acontecimientos de ‘Juego de Tronos’, cuenta la historia de la Casa Targaryen

En esta temporada regresan Matt Smith, Olivia Cooke, Emma D’Arcy, Eve Best, Steve Toussaint, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno y Rhys Ifans. También regresan Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall y Matthew Needham.

Se incoporan al reparto de la serie en esta temporada Abubakar Salim como Alyn de Hull, Gayle Rankin como Alys Rivers, Freddie Fox como Ser Gwayne Hightower, Simon Russell Beale como Ser Simon Strong, Clinton Liberty como Addam de Hull, Jamie Kenna como Ser Alfred Broome, Kieran Bew como Hugh, Tom Bennett como Ulf, Tom Taylor como Lord Cregan Stark y Vincent Regan como Ser Rickard Thorne.

Co-creador/Productor Ejecutivo, George R.R. Martin; Co-creador/Showrunner/Productor Ejecutivo, Ryan Condal; Productores Ejecutivos Sara Hess, Alan Taylor, Melissa Bernstein, Kevin de la Noy, Loni Peristere, Vince Gerardis. Basada en ‘Fuego y Sangre’ de George R.R. Martin.

Crítica: ‘Cazafantasmas: imperio helado’

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Sinopsis

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En Cazafantasmas: Imperio Helado, la familia Spengler regresa al lugar donde empezó todo-el icónico parque de bomberos de Nueva York- para formar equipo con los Cazafantasmas originales, que han desarrollado un laboratorio de investigación ultra secreto para llevar la caza de fantasmas al siguiente nivel. Pero cuando el descubrimiento de un antiguo artefacto desata una fuerza maligna, los nuevos y los viejos Cazafantasmas deben unir sus fuerzas para proteger su hogar y salvar al mundo de una segunda Edad de Hielo.

Crítica

El pasado está presente, pero su espíritu no

Jason Reitman dio con la tecla correcta y cogió el testigo de su padre, Ivan Reitman, con ‘Cazafantasmas: más allá’. Fue un filme que introducía sangre nueva pero a la vez supo reconciliarse con los amantes del impecable clásico de los ochenta. Ahora con ‘Cazafantasmas: imperio helado’ pasamos del precioso y bien ejecutado homenaje a Harold Ramis a una fría explotación de la nostalgia. Lo mismo que a muchos les causó rechazo por ‘Stranger Things’, que no se introduzca nada nuevo y el soporte de la historia era un chorreo de guiños y referencias sin ton ni son, es lo que en parte tenemos en esta entrega que a priori es la cuarta del canon original. Muy presentes los elementos del pasado, pero irónicamente siendo una película sobre fantasmas, el espíritu que las hizo famosas está ausente.

No es que este filme que ha dirigido Gil Kenan sea malo. Es una aventura juvenil en la que hay sorpresas, conexiones con los títulos del 84 y el 89 y algo más de presencia para Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson y Annie Potts. Eso suscita por supuesto mucho interés ya que todos tienen un gran cariño a sus personajes y si han aceptado retomarlos es porque están respetados. Pero ninguno de ellos progresa o tiene peso, ni siquiera como en el videojuego que escribieron Dan Aykroyd y Harold Ramis. Quien sí progresa es el personaje de Mckenna Grace. Su papel va pasando a la adolescencia y con ello nos llegan numerosas escenas sentimentales que por desgracia se alejan del tono de las películas clásicas.

Nadie duda que la vis cómica de Paul Rudd está en sintonía con Los Cazafantasmas. Su carácter siempre familiar pero algo gamberrete funcionó en la tercera entrega y ahora sigue brindándonos algunos gags en esa línea. Igual sucede con todo el reparto infantil, que con estas películas muy probablemente se conviertan en los ídolos de una generación. La pena es que el filme es incapaz de crear momentos memorables, ya sea cómicos o dentro de la épica patética de la que siempre han hecho uso estos héroes neoyorquinos. Ello es debido sobre todo al poco carisma de los nuevos protagonistas y a la ausencia de escenas de terror. La gran gracia de esta franquicia siempre ha residido en cómo se afrontaban terroríficos encuentros con sorna y extravagancia. ‘Cazafantasmas: imperio helado’ es un título inferior a sus predecesoras, como decía, una película que no es mala pero se queda en ese montón que por poco se salva del fondo de catálogo.

Su escena postcréditos es claro síntoma de cómo el gancho de antaño se ha perdido, intentando tirar de artificios tipo minions. Incluso la banda sonora es tan anodina y estándar como los chistes del guión. A la franquicia le vino bien oxigenarse en el campo, lejos de la gran ciudad pero ahora que ha vuelto a la Gran Manzana y recuperado incluso a William Atherton como funcionario tocanarices, nos aburre con demasiados dramas y un arco argumental tipo Casper.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Ghostbusters: Frozen Empire. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Gil Kenan. Guion: Gil Kenan, Jason Reitman. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Paul Rudd, Mckenna Grace, Annie Potts, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Kumal Nanjiani, Celeste O’Connor. Producción: Columbia Pictures, BRON Studios, Ghostcorps, Right of Way Films, Sony Pictures Releasing. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.ghostbusters.com/

Regalamos un Blu-ray de ‘Five Nights at Freddy’s’

En España, la película de terror más taquillera de la historia

Como indica nuestro titular ‘Five Nights at Freddy’s’ es la película de terror que más ha recaudado de la historia en cines españoles. Algo que Universal Pictures, Blumhouse y ScottGames celebrarán con sus impresionables y jóvenes fans con una segunda entrega en 2025. Nosotros también estamos de celebración pues este 19 de marzo hemos cumplido 8 años con vosotros. Y para ello nos queremos ir a festejar a Freddy Fazbear’s Pizza, ¿nos lo recomendáis?

Por si no salimos vivos del terrorífico establecimiento abandonado pero lleno de animatrónicos asesinos queremos regalaros antes una edición del Blu-ray de ‘Five Nights at Freddy’s’ que ha lanzado al mercado Arvi Licensing. Podéis leer nuestra crítica de la película aquí y un análisis del disco en este otro enlace.

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¡Mucha suerte a tod@s y felices fiestas!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 31 de marzo de 2024 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X, Threads o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

¡Tenemos ganador para nuestro sorteo del Blu-ray de Five Nights at Freddys!

Cris Cinéfila, usuaria de la red social X.

Análisis del Blu-ray de ‘Five Nights at Freddy’s’

Podrás tener la película junto a tu videojuego desde el 20 de marzo

Uno de los éxitos más rentables y virales de 2023 fue la adaptación a live action del videojuego ‘Five Nights at Freddy’s’. Al margen de si te gustó o no, tenéis nuestra crítica aquí, es indudable que el marketing y el gancho hacia ciertos sectores de la audiencia y rangos de edad fue efectivo. Ahora Universal espera rentabilizar aún más este filme realizado junto a Blumhouse con el lanzamiento de su edición física editada en físico por Arvi Licensing y distribuida por algunas plataformas digitales. Quizá no tenga el mismo éxito dado que su público objetivo no habitúa a comprar ediciones en formato doméstico, pero por si estás interesado y quieres entretenerte hasta que llegue su secuela en 2025, te contamos como es su edición en Blu-ray.

La misma productora de ‘M3gan’ o ‘Imaginary’, que parece obsesionada con realizar películas de juguetes o personajes inanimados asesinos, realizó esta traslación a la gran pantalla. Se gastaron 20 millones para recrear el restaurante recreativo por el que danzan los gigantescos animatrónicos psicópatas y solo en el primer fin de semana en Estados Unidos recaudaron 80 millones. Desde su lanzamiento la película lleva embolsados casi 300 millones. En España ‘Five Nights at Freddy’s’ se convirtió en la película de terror más taquillera de la historia. No creo que a Universal le preocupe si las ventas de los Blu-rays son bajas. Tal es así que esta edición no contiene ningún extra. No se podrá ver cómo se realizó el live action, a los actores contando si eran jugadores antes o testimonios de su creador Scott Cawthon sobre si les ha gustado o no.

Por lo menos tiene los básicos, la selección de idiomas tanto para doblaje como para subtítulos. El audio puede ser seleccionado en castellano dolby digital plus 7.1 o en inglés dolby atmos. Los subtítulos que se han grabado en este disco disponen de castellano, inglés para sordos, checo, danés, finés, noruego y sueco.

El menú de la película permite seleccionar las opciones antes comentadas y saltar a la escena que queramos. Hemos intentado buscar si hay extras ocultos, como se hacía muchas veces antaño, pero no aparecen por ningún lado, ni en la versión en castellano ni seleccionando inglés en el menú de inicio. Ni siquiera el tráiler del filme o escenas eliminadas. Lo único que tenemos es la misma portada de la carátula acompañada del tema central del filme.

El estuche en el que viene la película posee en su portada el cartel original que se usó en Estados Unidos y en su cotraportada la sinopsis, algunos fotogramas, la clásica ficha de créditos y algunos datos técnicos más. En la siguiente galería podéis ver cómo sale a la venta.

Crítica: ‘Cientos de castores’

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Sinopsis

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En esta epopeya invernal sobrenatural del siglo XIX, un vendedor de aguardiente de manzana borracho debe pasar de cero a héroe y convertirse en el mayor trampero de pieles de Norteamérica derrotando a cientos de castores.

Crítica

Original y llena de gags bastante interesantes

Dirigida por Mike Cheslik, llega a Filmin ‘Cientos de castores’, una de las cintas que pudimos ver este pasado Festival de Sitges. Fue una de las películas que más me sorprendió y a la vez decepcionó un poco. Y es que, pese a que es muy original, termina haciéndose bastante pesada por lo repetitiva que es.

Pero voy a contaros un poquito acerca de ella. La película nos presenta a un hombre, que tras perder lo mas amado que tenía, una fábrica de sidra, debe hacerse cazador de castores para sobrevivir y poder tener a su amada.

‘Cientos de castores’ es muda, rodada en blanco y negro y puede recordar a cintas de Charles Chaplin o Buster Keaton. A todo esto, le añadimos su claro homenaje a el Coyote y el Correcaminos.

Castores, conejos, lobos y mapaches de peluche, van muriendo terriblemente tras caer en las trampas de este nuevo cazador. Trampas por supuesto, como las de ACME, que fallan más que una escopeta de feria. El cazador se irá haciendo cada vez menos torpe y podrá poco a poco, acercarse a su objetivo. Pero estos animales del bosque no se lo van a poner fácil.

Como he dicho antes, para mi fue una gran sorpresa, iba a ciegas y disfruté un montón su primera hora. ¿Por qué he dicho que me ha decepcionado entonces? Porque al final se repite mucho. Es como lo que digo, al final es como el Coyote y el Correcaminos, siempre es lo mismo, pero son episodios cortos que vas viendo y ya está. Esto es una película de hora y media y resulta un poco pesado.

Pero, aun así, os digo, que merece mucho la pena verla. Porque está muy bien hecha y es una idea bastante divertida. Logran una gran comunión entre los efectos visuales prácticos y a ordenador, la música y la mímica de los actores, que realmente nos hacen pasar muy buenos ratos. Este viernes 22 de marzo la podréis ver en Filmin. Aquí os dejo enlazado un vídeo de la presentación que hicieron en Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Hundreds of Beavers.  Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Cheslik. Guion: Mike Cheslik y Ryland Brickson Cole Tews. Música: Chris Ryan. Fotografía: Quinn Hester. Reparto principal: Ryland Brickson Cole Tews, Olivia Graves, Wes Tank, Doug Mancheski, Luis Rico, Daniel Long, Erick West, Jay Brown. Producción: SRH. Distribución: Filmin. Género: Comedia. Web oficial: Hundreds of Beavers | Official Website

Crítica: ‘El problema de los tres cuerpos’

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Exhibe mucha complejidad y espectacularidad, pero como en ‘Juego de Tronos’, procrastina en exceso el desenlace

Netflix estrena este 21 de marzo la adaptación a televisión de ‘El problema de los tres cuerpos’. La rompedora obra de ciencia ficción escrita por el escritor chino Liu Cixin que causó sensación cuando se publicó la primera parte de la trilogía, ahora se convierte en serie de ocho episodios. Han sido los artífices de ‘Juego de Tronos’, David Benioff y D.B. Weiss, quienes han realizado esta traslación. Y les pega mucho esta narración pues al igual que la obra de R.R. Martin nos hace saltar rápidamente por diferentes localizaciones, épocas y personajes, sembrando misterio y peligro allá por donde va. Pero sobre todo se asemeja en que todo trata sobre una amenaza en principio desconocida y a priori imposible de vencer, además de que no hay personaje que esté a salvo.

Con la Revolución Cultural china y el mundo actual como telón de fondo, la novela explora temas como las carreras tecnológicas, la política y la búsqueda de vida extraterrestre, asimilándose en algunos aspectos a los relatos de Asimov. El libro es más lineal que la serie, la cual alterna mucho más las diferentes líneas temporales. Aún así no se ha perdido el toque de Liu Cixin, el cual tejió una historia compleja y sugerente que ahonda en las consecuencias de las acciones humanas y los retos existenciales que plantean los encuentros con civilizaciones avanzadas. Quizá habría que decir que el libro es intelectualmente más interesante pues profundiza mucho más en cuestiones tecnológicas, pero emocionalmente la serie está al mismo nivel, sobre todo gracias al poder de sus imágenes, las cuales plasman perfectamente todo aquello que imaginamos al leer el libro. Evidentemente esto sucede sobre todo en las escenas del videojuego o en los momentos más enmarcados en situaciones fantásticas. Pero más allá de su gancho visual uno de los puntos fuertes de ‘El problema de los tres cuerpos’ reside en su retrato de la colisión entre diferentes ideologías y la naturaleza impredecible del comportamiento humano ante una amenaza cósmica. Igualmente se entremezclan conceptos científicos con indagaciones filosóficas, no al nivel de magníficas obras como ‘Devs’, pero si de un modo que abre debate. Por ejemplo, yo me cuestiono si se ha incurrido en un fallo enorme de guión cuando se habla de diferencias de tecnología poniendo sobre la mesa la picotecnología alien frente a la capacidad del ser humano de progresar de manera exponencial.

Por otro lado, aunque es una historia interesante y cautivadora hay que reconocer que tiene demasiados puntos en común con ‘El juego de Ender’. Un videojuego que no es ni un entrenamiento, ni un entretenimiento recreativo, sino que sirve a intereses reales además de un enfrentamiento interplanetario con una especie alienígena que nunca vemos. De igual manera podemos asemejarla a ‘Ready Player One’, donde los protagonistas también debían resolver un acertijo en un mundo virtual cuyo resultado afectaba a la realidad.

Los personajes están bien desarrollados, cada uno de ellos lidiando con sus propios dilemas morales y luchas personales mientras navegan por las complejidades de la misteriosa amenaza y los desconcertantes eventos con los que se tropiezan. Por encima de un reparto con rostros conocidos como los de Liam Cunningham, Jonathan Pryce o Benedict Wong cabe destacar los papeles de Zine Tseng y Eiza González. Esta última se diría que gracias a ‘El problema de los tres cuerpos’ ha encontrado un papel que le permite mostrar sus verdaderas dotes interpretativas más allá de su figura y su rostro, normalmente cosificados.

En conjunto, esta primera temporada de ‘El problema de los tres cuerpos’ es un visionado cautivador que invita a la reflexión y que traspasa los límites de la ciencia ficción tradicional. Su exploración de grandes temas cósmicos combinada con un drama humano íntimo la convierte en una obra por encima de la media. Tanto si te gusta la ciencia ficción pura y dura como la especulación filosófica, esta serie ofrece una experiencia rica y gratificante que permanecerá en tus pensamientos mucho tiempo después de que hayas terminado el último episodio, sobre todo porque su final queda abierto.

Crítica: ‘Club Zero’

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Sinopsis

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La profesora Novak se une al equipo de docentes de un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Uno de sus objetivos principales es enseñar que “comer menos es más saludable”, una práctica con la que se va ganando la confianza de sus alumnos hasta que saltan las alarmas entre el profesorado y los padres. Demasiado tarde: el Club Zero se ha hecho realidad y no será sencillo romperlo.

Crítica

Una película incómoda llena de colores pasteles y snobs

‘Club Zero’ la nueva película de Jessica Hausner llega a nuestras salas de cine. Una película que es bastante perturbadora, en donde podemos ver una crítica hacia las dietas extremas y también a las personas que las siguen con los ojos vendados.

Todo comienza en un internado en el que contratan a una joven profesora, Novak, para que imparta clases sobre “alimentación consciente” a unos adolescentes. Sus padres, snobs, quieren lo mejor para sus hijos y que tengan una gran alimentación, ya sea para no engordar por el deporte, para que no caigan enfermos o para simplemente controlar sus impulsos. La profesora tiene como objetivo enseñarles que “comer menos es más saludable”. Desde este momento la cosa se pone bastante difícil.

‘Club Zero’ tiene muchas cosas buenas, entre ellas, como digo al comienzo de esta crítica, es la crítica hacia esas dietas locas y extremas. Desayunos intermitentes, la dieta de los potitos o dietas según el grupo sanguíneo, son algunas de las que podemos escuchar diariamente en nuestros círculos cercanos. Dietas que se necesitan para ser más productivos, más delgados y fuertes, en general, más perfectos. Pero también nos adentra en el peligroso mundo de las sectas, esas en las que te comen el cerebro y te alejan de todas las personas a las que quieres.

Todos estos temas son bastante interesantes, pero aun con esas, ‘Club Zero’ me ha costado bastante y me esperaba algo más visceral y aunque tiene una secuencia algo desagradable no termina de impactar tanto como para que sea una película para recordar. Y podría haber lo sido.

Visualmente está bastante chula, tienen planos muy sencillos y repetitivos, pero necesarios para mostrarnos la vida en este internado, todos los días igual, donde los chavales van a las mismas clases y hacen exactamente lo mismo día a día. Esto también nos los representa con los colore, pese a que el uniforme es amarillo, es muy tenue y esto también hace que veamos a una sociedad muy apagada.

En el reparto encontramos a Mia Wasikowska, que la verdad que está muy bien, dando vida a esta profesora obsesionada con el no comer y totalmente convencida de todo lo que cuenta. Junto a ella están, Samuel D Anderson, Ksenia Devriendt, Luke Barker, Gwen Currant y Florence Baker. Para todos estos jóvenes es su primera película y no defraudan en su actuación.

‘Club Zero’ no es una película para todo el mundo y aunque a mi no me ha terminado de convencer, es una de esas cintas que merece ver al menos una vez por el mensaje que tiene tan actual. 

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Club Zero. Duración: 103 min. País: Austria. Dirección: Jessica Hausner. Guion: Jessica Hausner, Géraldine Bajard. Música: Markus Binder. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Mia Wasikowska, Camilla Rutherford, Sidse Babett Knudsen, Amir El-Masry, Sam Hoare, Florence Baker, Samuel D Anderson, Ksenia Devriendt, Luke Barker. Producción: Coop 99, Coproduction Offlice, Essential Filmproduktion, BBC Film. Distribución: Karma Films. Género: thriller, drama. Web oficial: https://karmafilms.es/catalogo/club-zero/

El equipo de ‘Cazafantasmas: imperio helado’ visita Madrid

Acudimos a la llamada de los nuevos Cazafantasmas

El último relevo de los clásicos personajes de Ivan Reitman funcionó magníficamente con el estreno de ‘Cazafantasmas: más allá’. Y ahora, lejos de habernos quedados helados, se estrena la continuación de esta secuela que cuenta más aún con el reparto original. ‘Cazafantasmas: imperio helado’ se estrena este 22 de marzo y sus protagonistas están haciendo gira para promocionarla.

Han pasado por Madrid los actores Paul Rudd, Finn Wolfhard, McKenna Grace y el director Gil Kenan. A todos ellos hemos podido fotografiarles y mostrároslos en la siguiente galería.

Podéis ver aquí el tráiler.

Sinopsis oficial:

La familia Spengler regresa al lugar donde empezó todo, el icónico parque de bomberos de Nueva York, para formar equipo con los Cazafantasmas originales, que han desarrollado un laboratorio de investigación ultra secreto para llevar la caza de fantasmas al siguiente nivel. Pero cuando el descubrimiento de un antiguo artefacto desata una fuerza maligna, los nuevos y los viejos Cazafantasmas deben unir sus fuerzas para proteger su hogar y salvar al mundo de una segunda Edad de Hielo.

Crítica: ‘La familia Benetón’

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Sinopsis

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Toni, un cascarrabias en sus cincuenta, soltero y sin hijos, huye de los niños a toda costa. Su vida da un giro inesperado cuando su hermana fallece y de la noche a la mañana se convierte en tutor temporal de sus cinco hijos adoptados: cada uno de un país y procedencia diferente. Toni tendrá que enfrentarse a las diferencias culturales y a los retos de paternidad en el mundo moderno y descubrirá que la verdadera familia, es la que uno elige.

Crítica

Para mantener a la audiencia en ese bucle de tópicos en el que le encanta regodearse

Un buscavidas de costumbres sencillas y despreocupadas se ve en la tesitura de tener que cuidar a cinco niños. Contra todas sus creencias y planes de vida ha de asumir una responsabilidad que hasta entonces ha eludido. Y para colmo esas pobres criaturas que han dado a parar a la custodia de un tiastro que ni siquiera sabía que existían, tienen ascendencia extranjera, algo que no acaba de comprender muy bien el protagonista interpretado por Leo Harlem. ‘La familia Benetón’ es una comedia de contrastes repleta de chistes de cuñado en cena de Navidad. Es una comedia familiar cuyo público objetivo son aquellas familias que acostumbran a dejarse el dinero en películas como las de Santiago Segura.

Leo Harlem encabeza esta comedia encarnando a un hombre retrógrado que vive bajo sus propios principios, bastante añejos. Todo lo que hace va en contra de las nuevas corrientes educativas e inclusivas. Evidentemente hay una intención caricaturesca, como pudieron tener películas como ‘Papá por sorpresa’ o ‘Un papá genial’, pero también un empacho de chistes interculturales e interraciales. Con la consigna de abrir la mente la idea es romper moldes como se hizo en ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’. Por desgracia la sutileza brilla por su ausencia. Un árabe queriendo saltar una valla, una china diestra con las tecnologías, un latino que viene de una banda callejera… Es una comedia familiar repleta de chistes que atentan contra cualquier iniciativa de igualdad y diversidad, evidentemente sin mala intención pero con muchos gags que sin contexto serían cancelados en cualquier red social.

Los derroteros son de manual. Parte desde el desencuentro, la confrontación y la falta de entendederas hacia una predecible historia de amistad y transformación mutua. Es la película menos arriesgada de Joaquín Mazón y tal y como está la audiencia quizá se convierta en la más taquillera.

Pocas carcajadas es capaz de sonsacarte esta película si tienes unos pocos años pues está repleta de tópicos y chistes trillados. ‘La familia Benetón’ es tan disfuncional como la ONU. Las únicas escenas que funcionan son aquellas en las que El Langui y Pepe Viyuela ejercen de escuderos o voz de la conciencia. Por lo demás es un crisol de niños como sacados de Disney Channel vestidos uno de cada color como si hubiese que distinguirles cual Tortugas Ninja rodeados de gracietas básicas.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: La familia Benetón. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Joaquín Mazón. Guion: Benjamín Herranz, Curro Velázquez. Música: Maria Vertiz. Fotografía: Chiqui Palma. Reparto principal: Leo Harlem, El Langui, Alí Dia, Diego Montejo, Gala Bichir, Meilin Chen, Kamsiyochi Ngene, Diana Bovio, Damián Alcázar. Producción: ATRESMEDIA Cine, Mamá Se Fue De Viaje La Película AIE, Bowfinguer International Pictures, Esto También Pasará, Glow, BTF Media, Mogambo, AF Films. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: comedia. Web oficial: https://www.bowfinger.es/es/coproduccion/la-familia-beneton

Diario de Sombra Madrid 2024. 17 de marzo

Fantásticamente reventados tras la clausura

Hoy hemos pasado el día metidos en los mk2 Cines Paz. Todo el Sombra Madrid ha celebrado allí su día de clausura un día después del anuncio de su palmarés. Y salvo en ‘Mars Express’, la película de animación que debéis ver en cuanto se distribuya por España, hemos estado acompañados por los artífices de los filmes. Sofía Alaoui ha presentado ‘Animalia’, Richard Stanley nos ha hablado de ‘Hardware’ y el equipo de ‘Os reviento’, con su protagonista Mario Mayo, nos ha hablado de su película en el momento más loco de todo el festival. Gran cierre. A continuación, tenéis entrevista con todos ellos y opinión de las películas.

Esta primera incursión del festival Sombra en Madrid ha sido notable. Con una selección de películas muy buena y una cantidad de invitados potente, los cuales además han estado accesibles en todo momento, que es lo que caracteriza y agradece siempre el público de este tipo de eventos. Por fin la familia del fantástico se ha podido reunir en torno al género que le apasiona. Salvo catástrofe es fácil pronosticar que viviremos otra edición en 2025.

‘Mars Express’ (crítica completa)

Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. Un mundo cyberpunk que ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de llevar a una prisionera y desentrañar una trama de conspiraciones y muertes. El diseño es distinto que el de la animación japonesa, como vemos en los ojos o en las texturas, pero esta película bien podría estar ambientada en el universo de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas.

Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick y el famoso anime salen a la luz. Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente.

Comentado por Furanu.

‘Animalia’ (crítica completa)

‘Animalia’ es el primer largometraje de la guionista y directora marroquí Sofia Alaoui. Con este filme embarca al público en un enigmático y desconcertante viaje a través de un fenómeno meteorológico nunca identificado que trastoca la vida de la protagonista. Alaoui subvierte las expectativas alejándose de los típicos clímax llenos de acción. Se adentra en un territorio casi ascético, dejando al espectador con preguntas persistentes. Los pormenores de la película sobre la religión, las clases sociales y el papel de la mujer en el Marruecos contemporáneo añaden profundidad a la narración. ‘Animalia’ es una película de contrastes entre los nuevos ricos y los orígenes humildes.

Si ‘Animalia’ engancha es gracias a como juega con la ambigüedad de las preguntas que plantea. Y sobre todo por como Alaoui capta la belleza descarnada del paisaje marroquí. Visualmente es cautivadora, con una fotografía potente, una escenografía cuidada y un tratamiento de la imagen muy conciso. Con todo esto lo que parece que está subrayando la directora es la vulnerabilidad de Itto frente a la furia de la naturaleza. Extrae el carácter fotogénico de la actriz protagonista, Oumaïma Barid, que destaca entre múltiples planos de simetría kubrickiana.

De contenido fantástico ‘Animalia’ va muy justa, pero de valores que desafían las convenciones está muy bien armada. Si nos atenemos a esa faceta podríamos decir que va en la línea de ‘Jupiter’s moon’.

Comentado por Furanu.

‘Hardware’

Siendo el día del cómic teníamos que tener alguna cinta que le hiciese honor en Sombra Festival que junto a Aeterna, han traído ‘Hardware’ de Richard Stanley. Está basada en el cómic ‘SHOK!’ de Steve MacManus y Kevin O’Neill.

La primera película del director, nos lleva a un futuro apocalíptico, en el que sobreviven unos pocos pese a la sequía y las guerras que ha habido en toda la Tierra. Viven como chatarreros buscando pequeños tesoros electrónicos para reutilizarlos. Uno de ellos encuentra una extraña cabeza robótica que se convertirá en un gran peligro, ya que es una máquina de matar.

La película se me ha hecho un poco densa la verdad, hay momentos en los que no avanza absolutamente nada. Pero sí que es cierto que tiene imágenes muy potentes. Con una gama de colores bastante oscura, nos muestra una ciudad bastante sucia y demacrada por todo lo que ha sucedido a lo largo de los años.

El diseño del robot es muy chulo y en general toda la producción está cuidada al detalle. La música es bastante onírica y llamativa.

Comentado por Vicky Carras.

‘Os reviento’ (crítica completa)

Ya lo decía Will Smith en ‘Cocussion’, que tantos golpes en la cabeza no son buenos. El protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming y Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.

Es de esa acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura pero quizá también habría que decir que se percibe influencia de Guy Ritchie por esos personajes que filosofean mientras vomitan jerga callejera y sus continuas situaciones confusas. Mario Mayo está estupendo como protagonista, pero ‘Os reviento’ podría estar perfectamente protagonizada por Vinnie Jones.

Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo pido porque me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Animalia’

En qué plataforma ver Animalia

Sinopsis

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Itto, una joven marroquí de origen modesto, se ha adaptado a la opulencia de la familia de su marido, con quien vive. Justo cuando esperaba pasar un día tranquilo sin su familia política, unos sucesos sobrenaturales sumergen al país en un estado de emergencia. Fenómenos cada vez más inquietantes sugieren que se acerca una presencia misteriosa. Sola, lucha por encontrar ayuda…

Crítica

Cuidadosa propuesta visual y social con ligeros trazos fantásticos

‘Animalia’ es el primer largometraje de la guionista y directora marroquí Sofia Alaoui. Con este filme embarca al público en un enigmático y desconcertante viaje a través de un fenómeno meteorológico nunca identificado que trastoca la vida de la protagonista. La película representa una disputa contra las convenciones del género, mezclando elementos de las películas de catástrofes con una narración que mezcla la mística y lo social.

La narración de ‘Animalia’ gira en torno a Itto, una joven embarazada sometida a los designios del negocio de su marido y a las exigencias de sus suegros ricachones, anclados en épocas más retrógradas. La siempre oculta catástrofe sobrenatural que incluye a esta película dentro del género fantástico atrapa a esta mujer en la casa de montaña de sus suegros. En solitario se tiene que enfrentar al aislamiento y la incertidumbre.

Alaoui subvierte las expectativas alejándose de los típicos clímax llenos de acción. En su lugar, se adentra en un territorio casi ascético, dejando al espectador con preguntas persistentes. Los pormenores de la película sobre la religión, las clases sociales y el papel de la mujer en el Marruecos contemporáneo añaden profundidad a la narración. ‘Animalia’ es una película de contrastes entre los nuevos ricos y los orígenes humildes. Finalmente, por lo que un servidor interpreta, parece que quiere decirnos que el mundo pertenece a aquellos que sobreviven de manera sencilla y en mayoría, y no somos precisamente los humanos.

Además de la más que evidente vertiente humanista del filme está el sentido del misterio y el suspense de la directora. Quizá con excesiva reserva nos lleva por un rompecabezas en el que la mayor pista es el título del filme y el comportamiento de la fauna con la que se va cruzando la protagonista. Es por ese carácter enigmático que ‘Animalia’ se hace difícil de clasificar. Por momentos parece que la historia va a desembocar en algo más espectacular pero cada vez gana más el pulso la vertiente sensible.

Si ‘Animalia’ engancha es gracias a como juega con la ambigüedad de las preguntas que plantea. Y sobre todo por como Alaoui capta la belleza descarnada del paisaje marroquí. Visualmente es cautivadora, con una fotografía potente, una escenografía cuidada y un tratamiento de la imagen muy conciso. Con todo esto lo que parece que está subrayando la directora es la vulnerabilidad de Itto frente a la furia de la naturaleza. Extrae el carácter fotogénico de la actriz protagonista, Oumaïma Barid, que destaca entre múltiples planos de simetría kubrickiana.

‘Animalia’ invita a la reflexión y procura no maltratar al espectador con explicaciones evidentes. Es digno de mención que mientras el mundo del entretenimiento presenta una superpoblación de contenidos catastrofistas, este filme explora el espíritu humano ante lo desconocido de un modo mucho más introspectivo. De contenido fantástico ‘Animalia’ va muy justa, pero de valores que desafían las convenciones está muy bien armada. Si nos atenemos a esa faceta podríamos decir que va en la línea de ‘Jupiter’s moon’.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Animalia. Duración: 90 min. País: Marruecos. Dirección: Sofia Alaoui. Guion: Sofia Alaoui, Laurie Bost, Raphaëlle Valbrune-Desplechin. Música: Amin Bouhafa, Amin Bouhafa. Fotografía: Noé Bach. Reparto principal: Oumaima Barid, Mehdi Dehbi, Fouad Oughaou, Souad Khouyi, Rajaa Essaaidi. Producción: Wrong Films, Srab Films, Dounia Productions, Jiango Films, Arte France Cinéma. Distribución: Surtsey Films. Género: drama, ciencia ficción. Web oficial: https://wrongfilms.com/parmi-nous/

Diario de Sombra Madrid 2024. 16 de marzo

Se consuma el testigo de Nocturna

Durante el fin de semana Sombra Madrid se afinca en el centro de la ciudad manteniendo sus proyecciones en los mk2 Cines Paz y en la Sala Berlanga, además de añadir encuentros en la tienda de cómics Generación X.

Entre las distintas proyecciones del día, Gonzalo López Gallego nos ha presentado su película ‘La sombra del tiburón’. Según él mismo ha dicho ha sido una película muy personal que le ha permitido disfrutar como hacía mucho. Un proyecto cuyo estilo repetirá pero sin dejar de hacer el tipo de largometrajes a los que nos tiene acostumbrados, como ‘The Hollow Point’, película por la cual le entrevistamos en Nocturna 2016.

Posterior y simultáneamente han tenido lugar algunos de los encuentros más esperados del Sombra Madrid. Por un lado arrancó en la Sala Berlanga un homenaje al festival que ha cedido su espacio a Sombra Madrid, Nocturna. El extinto festival Nocturna da nombre al premio de la edición madrileña de Sombra y como no podía ser de otra manera sus artífices han recibido el galardón como reconocimiento. Han recogido este honor Sergio Molina director de la última edición celebrada en 2019 el productor del festival en sus orígenes, José Luis Alemán. Seguidamente se ha proyectado ‘El retorno del hombre lobo’ realizada por el padre de Molina, el mítico e inmortal Paul Naschy. Seguidamente en la misma sala se ha vivido otra retrospectiva con la proyección de ‘No Profanar el Sueño de los Muertos’ de Jorge Grau cuyo hijo, Carlos Grau, también ha estado presente.

Y poco después hemos podido conocer al mítico autor de cómics, Peter Miligan. En una sesión de firmas acogida por la tienda Generación X de Tirso de Molina una gran cantidad de fans han ido a conocer a quien ha dado vida a personajes como Constantine, Batman, X-Men o Spider-Man. Milligan ha valorado la inmediatez del formato cómic a la hora de tratar la actualidad por encima de las novelas o el cine, su etapa firmando el último número de Hellblazer y las adaptaciones de cómics a cine como ‘Black Panther’ o ‘Viuda Negra’ por cambiar los códigos o la manera de contar las historias.

Para nosotros el broche ha sido ver ‘Frontiére[s]’ con la presencia de su director Xavier Gens. El francés, autor de películas como ‘La piel fría’, ‘Hitman’ o ‘The crucifixion’ recibió uno de los premios de esta primera edición madrileña y charló posteriormente con todo el público asistente.

‘UFO Sweden’ (crítica completa)

Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres.

Un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos.

La sordidez sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final al más puro estilo Nolan/Zimmer.

Comentado por Furanu.

‘La sombra del tiburón’

Alba Galocha y Denis Gómez protagonizan la nueva película de Gonzalo López-Gallego. Con cada título que veo de este director se me hace más incomprensible el hecho de que no sea más conocido en España. Lo fácil sería decir que la película tiene reminiscencias de ‘Paranormal activity’ o de ‘Sleep’, esta última recién proyectada en este festival, pero sería quedarse en la superficie. Esta película va más allá, explorando caminos íntimos y personales, sin que con ello quiera decir que sea una película aburrida, porque a la mayoría de espectadores les repele ese tipo de términos que les obligan a discurrir sobre lo que acaban de ver. Más aún cuando la temática del filme es actual e incómoda, cuando se trata de algo que socialmente está costando erradicar. Con que el público salga capaz de observar como lo ha hecho el director para llegar hasta lo que nos expone ya se podría considerar un logro.

Sin duda es la película más terapéutica y abstracta de su carrera, en la que se ha encargado más personalmente de los detalles, esto último muy importante. A través de escenas desconcertantes y personajes perturbados que ocultan de un modo u otro qué les ha llevado hasta el punto actual, nos mantiene intrigados. El cansancio y fustigamiento de los protagonistas se consigue transmitir y es por eso que el espectador explota junto con el clímax, todo correcto.

Comentado por Furanu.

‘Frontiére[s]’

La primera película de Xavier Gens, a quien vimos en el Festival de Sitges cuando presentó la película protagonizada por Aura Garrido ‘La piel fría’. ‘Frontière(s)’ comienza de manera frenética, en un París con grandes conflictos en los suburbios, algo que como ha comentado el director sigue siendo tristemente actual.

No había visto esta cinta y la verdad que está muy bien dirigida, es muy visceral. En ella conocemos a cuatro amigos que aprovechan los grandes disturbios para perpetrar un robo, en su huida de Francia se encuentran en el camino con una familia terriblemente peculiar que no se lo va hacer pasar nada bien.

Entre ‘La matanza de Texas’ y ‘Hostel’, el director nos trae una película con mucha acción, suciedad y sangre. Con verdaderos momentos llenos de tensión, he disfrutado bastante del visionado. Una cinta que no ha caducado y se conserva bastante bien.

Comentado por Vicky Carras.

Diario de Sombra Madrid 2024. 15 de marzo

Una noche de color rojo oscuro y magenta

Un maestro como Jaume Balagueró ha sido el director que ha abierto esta jornada de Sombra Madrid que de nuevo a amanecido en la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM. Los dos primeros cortometrajes del director se han proyectado para que los asistentes, entre ellos muchos estudiantes, descubran cómo fueron los inicios de quien se ha convertido en un referente del terror en nuestro país. Nos ha brindado una charla que ha sobrepasado la hora y media. Y como ‘Los sin nombre’ cumple 25 años ese otro título del director ha sido proyectado de nuevo en pantalla grande en la Sala Berlanga de la SGAE con presencia de nuevo de su autor.

Nuestra previa a la pausa para comer en esta tercera jornada de Sombra Madrid ha sido la mar de agradable e interesante. Hemos podido entrevistar a la directora marroquí Sofia Alaoui. Su película ‘Animalia’ está presente en la programación de los próximos días y podremos hablaros de ella pronto así como mostraros en vídeo de la entrevista. Atentos a esta directora y a su película que se estrena en cines el 5 de abril.

La tarde no ha podido ser más interesante y llena de color y horror cósmico. Tras ver ‘Color out of space’, la cual ha estado presentada por Richard Stanley, hemos acudido un coloquio junto a especialistas en el arte del etalonaje y los VFX como Raúl Monge y Adriana Solé. Hemos tenido la humilde suerte de poder moderar este encuentro y lo mostraremos en vídeo.

Este viernes de Sombra Madrid se cerró con el concierto de Claudio Simonetti, el cual, llenó el teatro Sanpol de Madrid. Previamente el principal invitado del festival tuvo un encuentro con sus fans en la céntrica tienda de cómics Generación X Tirso de Molina. El compositor estuvo presente en Madrid para tocar en directo la música de ‘Profondo Rosso’ la mítica película de Dario Argento. Un concierto durante el cual se ha proyectado la película de manera simultanea, .

‘Días sin luz’ (cortometraje)

Uno de los primeros trabajos publicados de Balagueró. En él ya vemos algunas pistas de lo que sería el cine del director catalán. Un corto con algo de experimental que en su época resultaría rompedor o impactante. Una historia de maternidad ausente con un tartamiento estético muy personal.

Comentado por Furanu.

‘Los sin nombre’

Jaume Balagueró se ha acercado a la sala Berlanga para presentarnos ‘Los sin nombre’, una película basada en la novela de Ramsey Campbell.

Protagonizada por Emma Vilarasau, Karra Elejalde, Tristán Ulloa o Pep Tosar entre muchos otros. Nos trae la historia de una madre que cinto años después del asesinato de su hija, recibe una llamada que cambiará su vida completamente.

Un thriller entretenido en el que vemos las primeras pinceladas de lo que será el cine de Balagueró, pues ésta es su primer largometraje del director. Mostrándonos lo bien que se le da el suspense, pero también la acción, que aunque no hay muchos, los que momentos que tiene de acción están muy bien rodados.

Yo no había visto la película y la verdad que he visto ya tanto cine, que al final no me ha terminado sorprendiendo, pero admito que en su época tuvo que ser un golpe duro el final de la misma.

Comentado por Vicky Carras.

‘Color out of space’ (crítica completa)

¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.

Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.

El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso sí, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.

Comentado por Furanu.

Diario del Sombra Madrid 2024. 14 de marzo

Día de películas angustiosas

La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.

Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.

Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.

‘Angustias’ (cortometraje)

Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.

Comentado por Furanu.

‘La mesita el comedor’ (crítica completa)

El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.

Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.

Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.

Comentado por Furanu.

‘Tenebre’

Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.

Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.

Comentado por Furanu.

‘The Uncle’

Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.

Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por David Kapac y Andrija Mardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.

Comentado por Furanu.

‘We are zombies’

Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.

Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.

El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.

‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sleep’

Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.

Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.

‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.

La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.

Comentado por Vicky Carras.

Diario de Sombra Madrid 2024. 13 de marzo

Por fin Madrid aplaca su hambre de fantástico

La semana pasada el Festival Sombra arrancó en Murcia y ayer ha empezado su andadura en Madrid. Durante toda la semana los amantes del fantástico transitarán los trayectos que separan la Facultad de Ciencias de la Información Universidad Complutense de Madrid, la Sala Berlanga de la SGAE y el mk2 Cines Paz ávidos de vivir experiencias terroríficas y fantasiosas. Sombra Madrid llega para recuperar el fantástico en la capital española y volver a reunir a aquellos que aman el género con los artistas que generan las mejores historias.

Sombra Murcia ha alcanzado su edición 13 y precisamente el 13 de marzo de 2024 da sus primeros pasos por Madrid. Para comenzar esta nueva aventura del evento que coge el testigo del Festival Nocturna nos han citado en la UCM. Durante la mañana se celebró allí competición de cortometrajes teniendo lugar dos sesiones de hora y media repletas de historias. Han sido tres horas de acceso gratuito durante las cuales vimos trabajos de lo más interesantes. Los encargados de decidir quiénes serán los ganadores son el productor José Luis Alemán y la actriz Almar G. Sato.

La noche terminó con una proyección en los céntricos cines Paz. ‘Club Zero’, protagonizada por Mia Wasikowska fue el primer largometraje proyectado en esta nueva edición madrileña. Una película sobre los peligros de la autofagia que irónicamente sació o sirvió de entrante para los fans del cine fantástico.

Durante la semana iremos viendo títulos tanto dentro como fuera de sección oficial, tanto nuevos como reposiciones. El jurado para la sección oficial de largometrajes para este año está compuesto por el director Koldo Serra, el también director Ioan Big y el actor y músico Adán Latonda.

‘Sección oficial de cortometajes’

‘Intercanvi’: si eres seguidor del cine de Paco Plaza no te cogerá desprevenido. No obstante tiene sus virtudes, alojadas sobre todo en lo bien que se mueve la cámara o la puesta en escena.

‘Nap’: una especie de ‘Juego del Calamar’ patrocinado por Pikolin. Una de esas propuestas que aunque sean sencillas o escuetas son capaces de alojar alegatos.

‘Dolores’: otro corto que pone en relevancia otro de nuestro males sociales sistémicamente ocultos. Con un guiño a ‘Juego de Tronos’ que sabe a justicia vengativa.

‘Silencio’: capaz de transportarnos a otra época con solo un bosque, el vestuario y simbolismo religioso. Por desgracia es demasiado críptico.

‘Alicia’: escueto pero eficiente. Jugando con la infancia, los miedos y la imaginación.

‘Mortelli, un cas perdut’: talentoso corto de animación en el que todo parece estar hecho de recortes de papel. Cine negro detectivesco con ciencia ficción, humor negro y muy buen texto. Muy pulp.

‘Apotemnofilia’: el título lo dice todo. Una historia de psiquiatra con mucho gore. Duele ver las escenas de lo bien que están hechos los prostéticos.

‘La última caja’: una sencilla caja de cartón sirve de excusa para desarrollar una disertación sobre la influencia y presión del mundo digital en un mundo en el que el los monstruos se esconden cada vez con más facilidad.

‘Book worm (ratón de biblioteca)’: basado en un manga de Amagappa Shoujogun y superando todo lo que ha hecho Netflix con su serie sobre la obra de Junji Ito. Una fantasmagórica historia con un crudo mensaje y un aún más descarnado final.

‘Bebé’: pequeña idea que bebe mucho el slasher americano tan recuperado ahora por ‘Terrifier’. Con poca moraleja pero con mucho sentido de lo macabro.

‘Mi zona’: caras conocidas en un cortometraje que trata acerca de confiar en desconocidos. Perderse en medio de la nada puede ser aterrador, pero también el hecho de no saber con quién estás hablando o de pensar que vivimos en un mundo en el que, de antemano, desconfiamos del buen samaritano.

‘El padrastro’: animación tipo Adult Swim con todo lo que ello conlleva: trazo irregular, escenas asquerositas, palabrotas… Como si al  Patrick Bateman de Christian Bale se le hubiese ido la olla contra sí mismo.

‘Leviticus 20:13’: literalmente una hostia contra ese sector para el que muchos marcan la casilla en su declaración de la renta. Aunque el audio hace incomprensibles algunas frases el mensaje es alto y claro.

‘Turno de noche: El lugar equivocado’: Juanjo Avi, también productor de ‘El padrastro’, amplía el mundo de su corto de 2018. La matanza de Texas en plan Street Fighter. Con un cierre que promete tercera entrega. ¿Crowdfunding para cuando?

‘Evil Dinner’: gran homenaje al cine de monstruitos de los años ochenta. Sobredosis de esa época que rememora a películas como ‘Gremlins’ o ‘Los Critters’.

Comentado por Furanu.

‘Club Zero’

La profesora Novak entra a trabajar en un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Para ella comer menos es más saludable, algo que va calando poco a poco en sus alumnos. Con todo esto, van saltando las alarmas entre los profesores y padres.

Mindfulness, medioambiente y fanatismo healthy son los temas principales que se tratan en esta cinta dirigida por Jessica Hausner y protagonizada por una estupenda Mia Wasikowska.

Una película bastante oscura en su trasfondo, pero muy luminosa en su forma. Con colores apastelados y a la vez muy llamativos, ‘Club Zero’ se adentra también en las sectas y en cómo se va lavando el cerebro a gente sin que estos se den cuenta.

Admito que no me ha entusiasmado demasiado, la idea está bien, pero le da demasiadas vueltas a todo y al final termina siendo bastante repetitiva. Pero es cierto, que está muy bien rodada y el reparto en general está fantástico.

Pero como siempre digo, hay que darles una oportunidad a todas las películas, ya que esto, al fin y al cabo, es mi opinión, así que el 22 de marzo, tendréis esa oportunidad en los cines.

Comentado por Vicky Carras.

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