No podemos empezar de otra manera la reseña de este día, debemos señalar con qué directores hemos estado. Nos hemos encontrado con Justin Benson y Aaron Moorhead con quienes hemos hablado de su nueva película titulada ‘Something In The Dirt’. Los directores de películas como ‘Resolution’, ‘El infinito’ o de series como ‘Archivo 81’ o ‘Caballero Luna’ nos han mostrado su cercanía, tan valorable como su talento. Ya os podemos adelantar que su última película está oficialmente incluida en su universo.
Posteriormente hemos acudido a la rueda de prensa ofrecida por uno de los directores más queridos por los espectadores del festival de Sitges. 2022 ha sido el año en el que por fin Quentin Dupieux ha llegado al festival. Y lo ha hecho presentando ‘Fumar produce tos’ e ‘Increíble pero cierto’, ambas con reseña en esta entrada y en la del día anterior. Ha sido elegido para recoger el Time Machine Award y lo hace sorprendido por el fenómeno de ‘Mandíbulas’ en España. “Nadie grita “Togo” en Francia”.
El encuentro ha sido toda una sucesión de risas por sus respuestas, tan cómicas como su cine. “Es difícil escribir el absurdo” declaró. Por otro lado nos contó como crea sus guiones: “Confío en mis ideas sin reflexionar. Las escribo y luego las pienso y elaboro, un poco” afirmó con una sonrisa picarona. En sus películas casi siempre incluye personajes recreados con marionetas. “Se me conocía por la promoción con Flat Eric. Siempre me gustó el ‘Muppet Show’, guarda mucha relación con mi infancia. Ruedo con marionetas porque es más básico, ves inmediatamente el resultado”.
Además se ha celebrado la alfombra roja de la segunda temporada de ‘Historias para no dormir con la presencia de Salvador Calvo, Nacho Vigalondo, Javier Gutiérrez, Petra Martínez, Aníbal Gómez, Carlos Areces, Roberto Álamo, Álvaro Morte, Marta Etura, Jaume Balagueró y por supuesto Alejandro Ibáñez. Ojo a nuestras reseñas de a continuación que hay grata sorpresa.
‘Incroyable mais vrai (Increíble pero cierto)’
Hemos visto la otra película que nos ha traído uno de los clásicos ya del Festival de Sitges, QuentinDupieux, ‘Incroyable mais vrai’ una cinta algo más “seria” de lo que nos tiene acostumbrados. En ella vemos como el paso del tiempo y el envejecer no nos afecta igual a todos y como mucha gente haría lo que fuese para que no pasase el tiempo por ellos, ya sea implantarse mecanismos electrónicos o bajar escaleras durante años. Como siempre tenemos pocos actores en escena, en este caso son cuatro protagonistas y con ellos vamos viviendo situaciones absurdas que vienen dadas por culpa de sus decisiones a no envejecer. Quizás no sea su mejor película, pero no quita a que sea divertida y que nos lo hayamos pasado muy bien.
Tiene una secuencia en la que no hay diálogos y solo vemos las vivencias de uno de los protagonistas con música de fondo y la verdad que me ha parecido una genialidad. Sé que Quentin Dupieux no es un director para todo el mundo, me encanta recomendarle porque realmente merece la pena acercarse a su cine, así que no dudéis en ver ésta o cualquiera de sus películas, aunque no os guste, sé que no os va a dejar indiferentes.
Salvador Calvo, el director de ‘Adú’, ha realizado el mejor cyberpunk que hasta ahora se ha hecho en España. Con ecos de ‘Altered Carbon’ y por supuesto de ‘Blade Runner’ ha materializado una historia que nos lleva a un futuro distópico, deshumanizado y cruel con los feos o ancianos. Los capítulos de ‘Historias para no dormir’ casi siempre tenían un trasfondo social o filosófico y en este caso nos habla de la superficialidad, del miedo a la muerte. Todo ello acompañado de un Madrid futurista, de la frialdad corporativa típica de estas historias y de un diseño de producción apabullante, parece el ‘Cyberpunk 2077’.
Nacho Vigalondo ha hecho una historia original que aun así nos ha recordado a ‘The nice house on the lake’, a elementos de los confinamientos de 2020, a su propia ‘Extraterrestre’ y a otro título que prefiero no desvelar, pues el final es más convencional que lo que he enumerado. Una rallada de historia edulcorada con su habitual sentido del humor y su particular gusto musical. Un episodio con sentido de la tensión y el misterio, como pide esta antología.
Cuando te dicen el día de antes que vas a ver la película más gore que se pone en el festival, sin duda te hace ir con unas expectativas muy altas, pero no. ‘Megalomaniac’ es extraña, con una atmósfera muy cuidada, con algo de violencia, pero gore nada. En la película nos vamos a una casa apartada del mundo en general donde viven dos hermanos. Él un asesino y ella una mujer que vive atormentada por algún tipo de enfermedad mental.
La película en si está basada en los Asesinatos de Mons, eso sí, muy vagamente, coge la idea de que el asesino deja a sus víctimas abandonadas descuartizadas en distintas bolsas de basura. Pero realmente nos cuenta el día a día de Martha en el que la vemos sufrir continuamente todo tipo de vejaciones. Técnicamente está muy bien, la fotografía es oscura y sucia mostrándonos el mundo en el que viven estos dos hermanos. La música es inquietante, además que es igual a la BSO de la serie ‘Dark’ y en si la dirección y las actuaciones muy bien. El problema viene que no cuenta en si nada, hay escenas bastante oníricas y que nos llevan a los mundos de las pesadillas, pero que no dicen nada. Así que pienso que es una historia bastante desaprovechada.
El director Mark Jenkin ha decidido rodar en 4:3 esta película que solo se me ocurre que se ha programado a las 8 de la mañana a modo de reto. Soporífera, insípida, pretenciosa… Mientras he intentado no caer dormido los párpados entrecerrándose convertían la imagen en panorámica. Es, literalmente, la vida de una señora en los años setenta en una isla desierta cuyo día a día consiste en tomarle la temperatura a unas florecillas, tirar una piedra a un pozo, encender un generador y ver como hierve el agua de la tetera. “Sin cambios, sin cambios, sin cambios” anota en su libreta. Ya podrían haberse dado cuenta los realizadores del filme de la exasperante monotonía de su obra.
Podrá ser un estudio contemplativo de la soledad o la pérdida y tener cierta técnica, intencionada y depurada. Pero posee tan poco nervio, tan pocos giros, tan poco interés, que incluso uno piensa que está hecha sin ganas. Recordáis esas patadas de Van Damme que se repetían una y otra vez, pues esto es lo mismo, salvo que lo que se repite es un paseo. Pajas mentales y experimentales.
El folk horror sigue sumando. Esta vez la propuesta nos llega desde Eslovaquia. Allí, a una aldea de montaña, regresa una joven buscando reconciliarse con su pasado, cerrar heridas y despejar algunas incógnitas que la carcomen. Arrastra un trauma que viene desde su infancia y que nos explican en una escueta y súbita escena inicial.
Pueblo pequeño, leyendas y brujería. El género fantástico está presente, pero tras él hay un trasunto más importante sobre la feminidad, la cerrazón de pueblo y las creencias ancestrales que aún hoy en día persisten y se enfrentan al escepticismo actual. Es estupenda la flagelación de la protagonista, no por morbosidad dramática, sino por los buenos paralelismos que establece además de la manera en cómo planta cara al status quo.
Se divide en varios capítulos, titulados como aquello a lo que se va a enfrentar la protagonista. ¿Es terror lo que sobrecoge a esta joven? En parte si, aunque quizá no es el horror convencional o el esperado. Es otro más rebuscado, diferente.
Blumhouse nos presenta a la directora Nikyatu Josu. Ella nos presenta a una empleada residente nueva en un hogar en el que debe cuidar a una niña. Una criatura que crece sin padres ya que su madre está enganchada al trabajo y su padre es un mujeriego.
En tres cuartos de hora solo hay una mención a Mami Wata (una divinidad del agua del vudú) y una especie de impulso o atracción hacia la llamada de África. Podríamos pensar que realmente el terror estaba en ese continente, que se han confundido de lugar y época. A la hora sucede algo más fantasioso pero la cosa no se desata, tiene algún tímido gesto que ni siquiera que se puede llamar sobrenatural. El guión presta más atención a la situación sentimental de los personajes y a una tensión ligeramente creciente. Todo para realizar una crítica hacia el estilo de vida occidental y hablar de la maternidad. Es un drama con mensaje claro, pero sin casi nada que me haga pensar que debería estar en Sitges.
Una historia típica, llena de tópicos y que merece mucho la pena. Está claro que los coreanos logran hacer buen cine de acción y esto es lo que es ‘Emergency declaration’.
El detective de policía In-ho recibe un aviso sobre un hombre que amenaza con un ataque terrorista contra un avión. En él termina muriendo un hombre por razones misteriosas. Se declara la emergencia.
Como he dicho es típica, un virus, cuarentena, la gente se vuelve loca y todos ellos sacan lo mejor o peor que llevan dentro.
Pero como he dicho HanJae-rim logra una cinta llena de acción que pese a su duración, 147 minutos, no deja que te aburras en ningún momento. La acción está muy bien rodada y también ayuda a que el CGI está muy bien realizado.
Protagonizada por SongKang-ho, al que ya vimos en la tremenda ‘Parásitos’ y por LeeByung–hun, del que disfrutamos en el ‘Juego del calamar’.
‘Emergency declaration’ es una película muy disfrutable no apta para alguien que vaya a coger un avión en estos días.
Una torre de viviendas queda envuelta en una oscuridad absoluta, como si de un velo negro se tratase, los vecinos se ven encerrados para siempre tras esas paredes. A partir de ese momento, comienzan a actuar rápido, racionar comida, bebida y organizarse en bandas. Al principio es bastante interesante, pero el gran problema que tiene ‘La tour’, es que llega un momento que no te importa nada de lo que te están contando, porque no coges cariño a ninguno de los vecinos y además ellos mismos pierden las ganas de saber qué es lo que realmente ha ocurrido en su edificio.
Las actuaciones y ambientación están muy trabajadas. La dirección la verdad que está muy bien, al final está todo el rato en un edificio, subiendo y bajando escaleras y entrando y saliendo de los diferentes pisos. Pero la verdad que pese a que no está mal, no la volvería a ver y tampoco la recomendaría.
Secuela de ‘Beomjoidosi’, que en España se estrenó como ‘The outlaws’ y fue dirigida por Yoon-Seong Kang. Sang-yong Lee, el director ‘El bueno, el malo y el raro’ donde ya trabajó Ma Dong-seok, coge el testigo. Al protagonista, a quien el público general conocerá por su papel en ‘Eternals’ y el más acostumbrado al fantástico descubrió con películas como ‘Train to Busan’, le recae de nuevo la tarea de acabar con la peor calaña del país.
La estrella del cine de acción coreano vuelve a abrirse paso repartiendo mamporros a mano abierta como policía en un mundo lleno de maleantes y mafiosos, esa vez además en un territorio que no es el suyo. Si en España nos quejamos de los destrozos de los turistas en Corea u otros países asiáticos sufren la visita de prófugos que buscan cobijo y continuar con sus actividades ilegales. A eso se enfrenta el brusco, carismático y simpaticón policía de Dong-seok en esta secuela que es aún más trepidante y efectiva que su predecesora. Quien iba a decir que las estrellas del género de acción de Hollywood encontrarían aquí un digno sucesor/competidor.
La sorpresa del día ha sido toparnos con la que muchos están diciendo que es la mejor película de Sitges 2022. ‘Speak no Evil’, de Christian Tafdrup, está causando sensación y corre como la pólvora de boca en boca. Hemos podido ver tres películas muy esperadas, el remake de ‘One cut of the dead’, ‘Something in the dirt’ y una de las dos nuevas propuestas de Quentin Dupieux. Decepción máxima con la nueva obra de Darío Argento. Ahí van nueve reseñas más de títulos programados en esta 55 edición.
‘Speak no Evil’
Bastante perturbadora me ha parecido ‘Speak no Evil’ una cinta en donde conocemos a una familia danesa que decide ir a visitar a una familia holandesa que conocieron en unas recientes vacaciones. Pero el fin de semana que planteaban idílico se convierte en una pesadilla por las extrañas situaciones que comienzan a vivir.
La película la verdad que logra enganchar y entras en la historia desde el principio. Los cuatro actores protagonistas logran mantenerte en tensión. Está muy bien llevado todo, porque no entiendes bien lo que ocurre y la verdad que eso es algo muy bueno, pues el final es impactante.
Como muchas veces en este tipo de películas además de la dirección, llevada gracias a Christian Tafdrup, es muy importante el tema de la fotografía. En este caso los contrastes entre la luminosidad de cuando conocen a la familia holandesa y la oscuridad de cuando les conocen de verdad es tremenda. Me ha parecido un gran trabajo, sobre todo en sus momentos oscuros, en los que nos perdemos detalles por culpa de esto y logran mantenernos preocupados por los protagonistas.
Una pequeña sorpresa es ‘Speak no Evil’ y la verdad que una vez terminada me he puesto a investigar y aunque me ha encantado el desenlace, he leído que el director quería otro que la verdad hubiese sido muy bueno. Pero los medios y el dinero es lo que tiene y sinceramente, es un buen final.
Hemos tenido la oportunidad de ver ‘Corten!’ la nueva cinta de MichelHazanavicius, que nos trae su versión de nuestra quería ‘One cut of the dead’. Un plano secuencia fallido se convierte en una película en la que vemos el trabajo y el amor hacia el cine. Eso es lo que Shinichirô Ueda quiso darnos con su proyecto de fin de carrera. Hazanavicius, nos muestra un lado un poco más frío con el tema de producción que hay detrás de la película. Distinta, pero aun así tiene el mismo espíritu que su predecesora.
Protagonizada por RomainDuris y BéréniceBejo, la película nos muestra cómo se pueden torcer las cosas en un día de rodaje con la presión de los productores y más haciendo una película con plano secuencia. La rapidez con la que tienen que improvisar para que este plano secuencia no se estropee y que bien. Nos deja ver el trabajo en equipo que tienen que hacer para lograr una película.
Al igual que ‘One cut of the dead’ me pareció muy japonesa, ‘Corten!’ es cine muy francés. Logran alargar una historia que no es necesario alargar, pero no molesta, simplemente es diferente.
Quizá es la mayor comida de coco y la película más críptica de Justin Benson y AaronMoorhead. Es un galimatías complejo rodado con medios muy sencillos y diría que casi escasos, quizá fruto de ese árbol de películas que se formó con los confinamientos del COVID-19. Mezclando matemáticas o física con teorías conspiranoicos o fanatismos generan una historia entre dos vecinos que interpretan ellos mismos y que acaba de un modo quizá excesivamente abierto a la interpretación o sin haber hilado suficientemente las pistas.
El filme suma constantemente divagaciones y elementos como las líneas ley, las cuatro fuerzas fundamentales de la física, espirales de Fibonacci, masones, el MK Ultra, sectas de la antigua Grecia… Se conforma un puzle que yo solo he podido componer como una maquinación fanático-matemática. Está narrada en retrospectiva, navegando entre grabaciones, entrevistas y recuerdos, puede rememorar en determinados aspectos a ‘Archivo 81’, la serie de Netflix donde trabajaron ambos directores. Tal vez haga falta que salga una segunda para que cerremos el círculo o encontremos una explicación más minuciosa y detallada, al fin y al cabo hicieron lo mismo con ‘Resolution’ y ‘The endless’. Ojalá esta sea la puerta a un nuevo universo suyo.
Vuelve Quentin Dupieux al Festival de Sitges y lo hace por partida doble. Hoy hemos tenido la oportunidad de ver ‘Fumer fait tousser’, en castellano algo así como ‘Fumar produce tos’. Con su peculiar humor, Dupieux nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salvar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero tras una gran lucha contra una tortuga gigante, su jefe ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos.
Divertida, como siempre absurda y llena de historias locas que nos irán contando cada uno de los superhéroes. Un homenaje al cine sentai, en el que veremos kaijus, alienígenas que quieren destruir la tierra y una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera. Como nos tiene acostumbrados los efectos son manuales, marionetas, disfraces, todo ello con el gusto del director. Pronto os hablaremos más detenidamente de la cinta con una crítica más extendida.
Las franquicias cinematográficas que más culto generan son las de ‘Star trek’ o ‘Star Wars’. A menos nivel, pero no por ello con menos peculiaridad, llegan los fans de ‘Mad Max’. El fandom por el mundo post-apocalíptico planteado por George Miller es analizado en este documental. Su violencia, su acción, el antiheroismo… Ha creado una cultura que va desde la moda hasta las predicciones de futuro más halagüeñas.
¿Sabías que sus adeptos se van a zonas desérticas para lucir ese look tan característico en festivales y convenciones? ¡Incluso modifican sus coches para que parezcan de las huestes de Immortan Joe! El documental empieza siguiendo los pasos de un miembro del reparto que a pesar de tener diagnosticada una enfermedad terminal, solo piensa en llegar a la celebración del 40 aniversario del estreno de esa película que ja creado toda una tribu urbana. A partir de ahí muestra el impacto de esta historia en distintas vidas, tanto de aquellos que rinden culto al cromo como la de los lugareños.
Por supuesto el director de este filme procede de las tierras que vieron nacer la franquicia, Australia. Y también es importante señalar que su principal ocupación es la fotografía. No es de extrañar pues la puesta en escena y la estética de ‘Mad Max’ son icónicas, casi únicas. Lástima que el documental no tenga los derechos para mostrar imágenes de la película y establecer mejores ejemplos y menos testimonios fan.
Dirigido por AlexandreO.Philippe, artífice, entre otros, del documental ‘78/52’ sobre la famosa escena de la ducha de ‘Psicosis’. Un director especialista en documentales sobre cine y que nos sorprende con la comparativa de la obra de DavidLynch y la película ‘El Mago de Oz’.
Admito no haber visto nada de Lynch, salvo ‘Dune’ y me ha sorprendido muchísimo todo lo que ‘El Mago de Oz’ sale reflejado en sus películas. Los zapatos rojos, las grandes cortinas y el viento. A través de varios capítulos vamos escuchando a difernetes artistas comentando las distintas secuencias y comparándolas con la película de JudyGarland. JustinBenson, AaronMoorhead, KarynKusama, RodneyAscher, AmyNicholson y JohnWaters, son los encargados de dar voz narrativa a este documental. Me ha gustado mucho como está tratado el documental, con infinidad de material de David Lynch, no solo sus películas, sino cortos, entrevistas e incluso sus propias divagaciones en radio.
En esta película austriaca descubrimos la truculenta situación que vive Simi. En plena adolescencia se haya carcomida por su estado físico, en concreto por su peso. Las fechas no acompañan pues es pascua, época de comer torrijas. Sin embargo la tía de Simi, ex-mujer de su tío por parte de madre, tiene un plan bastante retorcido para ella. Mientras prepara suculentos platos para su primo le impone una dieta a base de ayuno.
Esta ópera prima da auténtica hambre. Se suceden los platos y el sonido de las tripas, las de la protagonista y las de los espectadores. Supone una auténtica tortura culinaria, se te hace la boca agua viendo esta película. Es menos tortura cinematográfica de la que esperaba pues la parsimonia y poca sangre de estos europeos auguraban un filme espeso. No obstante se agradece que desde el principio se masque algo extraño, malsano y retorcido. Eso sí, el final es cierto que te lo ves venir.
Volamos al espacio de la mano de la directora novel Magdalen Lauritsch. Estamos ante su ópera prima, después de varios cortos. ‘Rubikon’ nos presenta a una tripulación que tras ver como una nube tóxica llega a la Tierra, entran en el gran debate de si intentar salvar a los posibles supervivientes o rehacer su vida en el espacio.
Aunque no cuenta nada nuevo, ‘Rubikon’ nos da una gran puesta en escena. Con un CGI muy trabajado y con un vestuario de 10. Todo el tema técnico en la película la verdad que es fantástico, se ve que el presupuesto ha sido alto y que el equipo ha trabajado con ganas.
Donde falla es en la historia, no porque ya lo hayamos visto, eso no me importa, al principio engancha y la verdad que está muy bien contada. Pero sí que es cierto que llegados a la mitad de la película ya no está todo contado y no hacen más que darle vueltas a la misma idea, volvemos a la Tierra o no.
Los tres actores protagonistas logran una química muy buena, para las situaciones buenas y malas que ocurren. Y la directora hace un trabajo estupendo para ser su primer largo. Lo dicho, la única pega, las vueltas que se dan para llegar al desenlace final.
Dario Argento regresa a la dirección tras ‘Drácula 3D’ y después de verle en su debut como actor protagonista este año en ‘Vortex’. Vuelve con una película escrita junto a Franco Ferrini que estaba guardado en un cajón desde 2002 tras que la productora Cecchi Gori se declarase en bancarrota.
He de reconocer que la película me ha decepcionado muchísimo, pero antes de entrar en detalles, la película nos cuenta la historia de Diana, una prostituta que queda cegada por culpa de un asesino en serie, el cual falla en su cometido. Tras esto, comienza la huida de nuestra protagonista junto a un niño.
‘Dark Glasses’ no tiene intriga ninguna, desde el principio ves el percal y tampoco hacen mucho para que la película te intente enganchar. Hay escenas que realmente son de risa y se nota que es un trabajo bastante dejado. Con lo que cuida el color y la música Argento en sus anteriores cintas, en esta no se ve nada de eso. Es muy plana y realmente la música en momentos llega a molestar.
En cuanto a las actuaciones, son bastante exageradas y torpes. La verdad que es una pena porque, aunque no esperaba un peliculón, sí que quería ver algo distinto y bien realizado.
Obnubilados por el talento de Edgar Wright y de Paul Urkijo Alijo
El día de hoy ha estado marcado por producciones que os van a gustar mucho. Guardad estos nombres pues vais a querer ver las locuras de ‘Pobre diablo’, las reflexiones de ‘After yang’, la crudeza de ‘Cerdita’, la fidelidad de ‘¡García!’, el monstruo de ‘Ego’, lo adorables y cabroncetes que son los ositos de ‘Unicorn wars’… Pero sobre todo guardar el nombre de Paul Urkijo Alijo pues el autor que ya nos deslumbró en la 50 edición de Sitges y volvió el año pasado con el corto ‘Dar dar’ nos ha dejado alucinados con ‘Irati’.
Y si nos ha encantado el re-encuentro con el director vasco aún más obnubilados hemos salido de la charla con Edgar Wright. El director británico es uno de los premiados en esta edición y hemos podido asistir a un encuentro con él donde nos ha hablado de cuáles son sus influencias, cómo cree que está influyendo él, si desea hacer una cuarta entrega de la trilogía del corneto (que va a ser que no)… Incluso nos ha confesado tener un poster español de ‘Shaun of the dead’ en su casa pues le hace gracia que la llamasen ‘Zombies party’.
No olvidemos tampoco a la savia tradicional. Darío Argento ha vuelto a la ciudad catalana y en rueda de prensa ha dicho que “El cine de terror es como el mar. Sube y baja. Es como un movimiento que cambia en función del espíritu del mundo. En este momento me interesa el cine que viene de Oriente, de Corea, de Japón… Yo siempre he seguido mi estilo, y creo que, de este modo, también he inspirado a otros directores a la hora de hacer cine”. Asimismo, ha lamentado la decadencia del género fantástico en Italia a lo largo de los últimos años: “En Italia en este momento es importante la comedia. Todo el mundo hace películas cómicas. Quizás sea porque las películas fantásticas son muy costosas, y en cambio la comedia es simple. El cine fantástico en Italia está prácticamente muerto”.
Como todos los años, a continuación, va nuestra tanda de reseñas con lo proyectado o visto hoy.
‘Irati’
Paul Urkijo lanza su segunda película y con ella su segunda invitación a descubrir la magia del folklore vasco. Nos hace retroceder aún más en el tiempo y nos lleva al 788 D.C. Allí nos narra la historia de Enko e Irati, dos jóvenes que se reencuentran tiempo después, tras un evento la mar de drástico que descubriréis en el primer acto y que tiene un giro magnífico.
Brujas, lamias, caballeros, niños y diversos seres de la mitología de Euskadi como el Sugaar o la diosa Mari forman parte de esta arraigada historia. Esas criaturas se enfrentan al cristianismo como buenamente pueden. Es ahí donde encontramos el símil con las leyendas artúricas, siempre ligadas a la llegada de la palabra de los creyentes en Jesús, María y demás. La épica, la odisea, la idiosincrasia, pueden recordar a otras historias, como ‘El anillo de los nibelungos’, pero está claro que ‘Irati’ tiene su propia personalidad. La historia del bosque más grande de Navarra está contada con perspectiva ecologista y posee una potencia visual muy evocadora que ya se alza como particular de este director.
Hay algo más que resaltar en ‘Irati’, la documentación, no solo en cuanto a vestuario o localizaciones, sobre todo en cuanto a la mitología y al euskera de la época. Clama por amar las historias de fantasía, pero sobre todo por no olvidar a aquellos que quedan tapados por las nuevas o grandes corrientes. Por desgracia a veces hay que meter a nuestra madre Tierra en ese saco. Desde luego con el trabajo de Urkijo se va a difundir todo como la pólvora.
HBO acoge muchas series de Adult Swim y ‘Pobre diablo’ podría estar también dentro de ese catálogo. Los cómicos transgresores y albaceteños de ‘Muchachada Nui’, ‘Museo Coconut’ y previamente, ‘La Hora Chanante’, son los responsables de esta serie animada que tiene capítulos de veinte o treinta minutos. Una apuesta más extensa que otras animaciones suyas como ‘Los Klamstein’, ‘Maricón y tontico’ o ‘Enjuto Mojamuto’ que al fin y al cabo eran más sketches que una serie regular.
Si os gustan las series dinámicas e idas de la olla como ‘Rick y Morty’ os debéis apuntar a esta. ¿Qué pasó con el hijo del diablo nacido en ‘La semilla del diablo’? Eso nos proponen descubrir localizando la serie en el mítico edificio Dakota de Nueva York, situado junto a Central Park, lugar donde pernoctaba Little Nicky. Al igual que la película de Adam Sandler la serie ridiculiza todo lo infernal y nos invita a conocer a un torpe anticristo que llega a la gran manzana. En resumidas cuentas esta es una serie hecha por fans de la cultura humorística popular, ideal para echarse unas grandes carcajadas e ir identificando los guiños que dispone.
Los ideadores y las voces de los personajes vienen aportadas por Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla o Carlos Areces. Satán viene adornado con acento canario ya que le dobla un habitual colaborador y amigo como Ignatuis Farray, ya sabéis, “hijo de puta, hay que decirlo más”, o Javier Botet (que ha trabajado con ellos en ‘Capítulo 0’, por ejemplo). Son muchos los personajes de los que se compone ‘Pobre Diablo’ y también trabajan aquí Stéphanie Magnin, Gakian, Iria del Río… Además de comediantes como David Pareja o Borja Sumozas. El primer episodio está dedicado a la memora de Verónica Forqué, puso voz a Rose, la madre de la criatura demoníaca.
Alberto Vázquez, ganador del Goya por ‘Psiconautas, los niños olvidados’, cinta que puede verse en la web de RTVE play, vuelve con un largo de animación que está a la misma altura. No obstante los que quedaron encandilados con esa obra pueden quedar decepcionados porque ahora nos encontramos ante algo más acorde para fans los productos de Adult Swim. “¡Honor, dolor y mimos!” gritan en el campamento corazón.
Este largometraje surge del corto ‘Sangre de unicornio’, disponible en el canal de Youtube de UniKo. Se mantiene el tono satánico-adorable y se conservan esos momentos malrolleros, mucha mala baba e incluso un toque bíblico y de ‘La chaqueta metálica’ mezclada con ‘El Escuadrón Suicida’. Una guerra sin cuartel se libra entre ositos achuchables y unos unicornios. Los primeros son los seres más avanzados de la creación y los segundos habitan el bosque mágico.
Por supuesto hay que leer entrelíneas mientras vemos ‘Unicorn wars’. Es una historia sobre la fraternidad, en los códigos de Caín y Abel o de parábolas como la de “el hijo pródigo”. También abraza las consecuencias o el progreso de una civilización que se cimenta en las mentiras de la religión. Más cerca a nuestra actualidad está la identidad de un pueblo que se somete a las promesas del belicismo y los discursos de odio.
Los derroteros de la película son algo distintos a los del corto. Posee un final aún más simbólico, metafórico y pesimista. En cuanto al diseño hay más color. El estilo del corto ya era atractivo de por sí, eran dibujos casi únicamente en blanco y negro y como a acuarela, muy bonitos, contrastando con lo horripilante de sus escenas y trama. En esta ocasión el nivel de detalle se ha aumentado, tenemos muchos más personajes e incluso se percibe más profundidad o relieve. Igualmente se consigue ese zigzagueo entre lo mono y lo horripilante que funciona estupendamente.
A partir del exitoso cortometraje de 2018 Carlota Pereda ha desarrollado este largo. Al igual que Sorogoyen hizo con ‘Madre’ utiliza ese metraje estrenado (precedido de un pequeño prólogo que presenta a más personajes) para alargar la narración. Pero al contrario que Sorogoyen, Pereda si aprovecha esta oportunidad y quizá no merezca también el Goya pero que desde luego nos da una propuesta entretenida y poseedora de un valioso mensaje.
Podríamos denominar a esta película como slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que pasen desapercibidas las entidades malvadas del filme. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices.
Se usa mucho ahora la expresión inglesa “instant karma” para referirse a la justicia violenta o fortuita. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.
‘Venus’ ha sido la encargada de inaugurar la 55º edición del Festival Internacional de cine Fantástico de Cataluña y aunque tengo muchos sentimientos encontrados con la película he de decir que me lo he pasado muy bien en el visionado.
Segundo proyecto de The Fear Collection, el sello cinematográfico español especializado en el género de terror y suspense, creado por SonyPicturesInternationalProductions y PokeepsieFilms, en asociación con PrimeVideo.
Lucía comete el grave error de robar a quien le da de comer, unos mafiosos que llevan un negocio de drogas en la discoteca en la que ella trabaja como bailarina. Decide huir tras ser herida, a la casa de su hermana a la que no ve desde hace muchos años.
Basada en un relato de Lovecraft vamos viendo como las cosas se le van complicando a nuestra protagonista de muchas maneras para terminar con un final os aseguro nada esperado.
La película es bastante chorra, tiene sus cosas buenas y malas a partes iguales. Entre las malas, al menos en mi opinión, que me gustaría ver más sangre, que se les fuese un poco más de las manos todo. Y de las partes buenas, he de decir, que estamos ante JaumeBalagueró como director, sus planos y giros de cámara están muy estudiados y bien hechos. Las actuaciones son correctas y realmente le dan viveza a la película.
Pronto os hablaré más detenidamente de ella en una crítica más extensa ya que ‘Venus’ llega a nuestras salas el próximo 2 de diciembre de 2022.
Hemos podido ver los dos primeros episodios de la serie que HBO Max estrena el 28 de octubre. No es la primera vez que el autor de cómics Santiago García ve adaptada una obra suya a formato de serie. Anteriormente se produjo ‘El vecino’ para Netflix y ahora hemos gozado de verdad con ‘¡García!’. Si queréis saber cómo es el cómic podéis leer nuestra reseña aquí. Es la historia de una becaria (Veki Velilla) que intenta conseguir destacar en el periódico donde. Su camino acaba dando con una base secreta bajo el Valle de los Caídos. Allí se topa con García (Francisco Ortiz), un agente que sale de una larga hibernación. Es un superhombre que llevaba dormido desde los primeros años del mandato de Franco. La serie plantea una “realidad alternativa”, muy entrecomillas.
Sin duda va a levantar algo de polémica, debate o ampollas. Desde la sátira que se hace de nuestra política hasta la presencia de El Valle de los Caídos, ‘¡García!’ ha llegado para incomodar. En resumen viene a mostrar cuánto tiemblan los partidos políticos tradicionales de nuestra democracia ante el auge de nuevas corrientes o formaciones. La serie mantiene esa línea.
Pero no os confundáis, al igual que el cómic este no es un relato meramente político. Tiene thriller pero también mucha acción. Acción bastante bien realizada, tanto en lo que se refiere a coreografías como en el aspecto de los efectos visuales. El símil más cercano en ese sentido son las películas de James Bond. El cómic rememoraba a esos tebeos sobre espías de los cuarenta o cincuenta, tipo ‘Spy smasher’, ‘Secren Agent X-9’ o incluso ‘El Capitán Trueno’ dada la relación entre García y su fiel ayudante. La serie sigue haciendo lo mismo que la publicación de Astiberri, nos da politiqueo pero también una gran dosis de persecuciones y peleas.
A24 de nuevo presente en el Festival de Sitges. En esta ocasión para contarnos la historia de Yang, la inteligencia artificial de una familia que se estropea. Este evento abre la puerta a un dilema sobre los sentimientos y dependencia de una máquina que podría extrapolarse a nuestras televisiones o smartphones.
‘Her’ o ‘Ex-machina’ son dos películas en la línea de este poético título protagonizado por ColinFarrell, JodieTurner-Smith, Malea Emma y Justin H. Min. Casi que nos podríamos hacer un ciclo temático con estas películas y acabaríamos prescindiendo de nuestras Siri y Alexa. Nos viene a decir lo perdidos que nos estamos quedando biológicamente, al borde del transhumanismo y sin capacidad de decisión. Por mucho que camuflemos nuestro entorno de elementos biológicos estamos en un mundo artificial, plastificado, como la exposición Bodies que aparece en una de las escenas.
Deprimente, por el carácter de sus personajes y por la perspectiva de futuro que nos plantea, que no es un futuro tan lejano. Solo hay que ver la primera secuencia, que hará las delicias de los zombies bailones de TikTok. Acierta con nuestro comportamiento y apego hacia lo material/digital e incluso acierta en como funciona la gestión de un aparato averiado. Falla con el ritmo tedioso y la profundidad del discurso.
Una gaviota muerde el pezón de un hombre atado a una cruz al borde de un acantilado de Sicilia mientras este intenta mantener una erección. Así empieza este ridículo y alocado filme que cierra la trilogía “Mole song”. Takashi Miike concluye así una nueva saga que va en la línea de chifladuras como su adaptación de ‘Jojo’s bizarre adventure’ o ‘First love’, vista también en Sitges. No tengo el dato pero no me cabe duda de que Miike es el autor que más mangas ha adaptado a la acción real, en este caso es uno creado por Noboru Takahashi.
Los japoneses suelen mostrarse muy polarizados en cuanto a la mafia. En ocasiones parecen incluso orgullosos de ella, como en las películas de Takeshi Kitano, y otras avergonzarse de ese pasado tan delictivo y extendido. En este caso estamos ante el segundo ejemplo. Llegando a límites tan cómicos como los de las películas de ‘Kung fu Sion’ o a personajes tan criminales o pintorescos como los que vemos en ‘Lupin III’, nos cuentan las aventuras de un topo que se infiltra en una organización que quiere distribuir droga entremezclada con espaguetis italianos. Lo dicho, una majadería.
Aunque decae en su mitad es divertida, no hace falta haberse visto las anteriores y tiene un final espectacular con ralla incluida y no es de cocaína.
Una joven adolescente, encuentra un huevo en medio del bosque y comienza a cuidarlo escondiéndolo de su desestructurada familia. Una madre influencer que quiere vivir a través de ella, un padre que ve todo bien y supuestamente es feliz y un hermano al que no soporta.
Una película de monstruos que, aunque bastante predecible, se deja ver y se disfruta. En momentos es bastante repugnante, tiene escenas que os recomiendo tener el estómago vacío si sois un poco aprensivos, pero no llegan a ser tantas como parecía.
Una de las cosas que me ha gustado y a la vez no de Hatching es el monstruo, me gusta, ya que está realizado a base de animatrónica. Me gusta que aun se utilicen estos métodos para darle un toque más vivo y terrorífico a estas criaturas. Pero el diseño del bichejo en sí, da entre pena y asco. Puede ser que eso es lo que intentaban representar, pero en mi caso no me ha convencido. Y lo dicho, que gracias a la animatrónica los movimientos terminan haciéndose más reales que si hubiese CGI.
En general la película como he dicho es bastante predecible, pero no quita a que sea un buen entretenimiento, con unas buenas actuaciones, una historia bastante perturbadora y dentro de tanta sangre, tenga unos decorados tan bonitos.
Hace tiempo que se rompieron los lazos históricos y políticos entre los afroamericanos y el continente africano. Pese a evidentes conexiones sanguíneas y sufrimientos segregacionistas la mayoría ni tiene familia allí, ni ha pisado nunca África, ni sabría ubicar un solo país del continente en el mapa. No obstante hay paralelismos entre la Norteamérica colonial y la Sudáfrica post-apartheid que siguen siendo igual de válidos para establecer un discurso universal.
En forma de thriller psicológico y de terror paranormal, con muchos símiles y algo de sarcasmo, la directora sudafricana Jenna Cato Bass nos narra una historia de racismo. En la remota Ciudad del Cabo se ambienta esta película que establece acertados símiles en cuanto a cuáles son los fantasmas y qué ruidos son germen de terror.
La mala elección de ciertos elementos y de una poco carismática y algo apática protagonista le resta mucho a una película que ya de por sí cuesta digerir al venir servida con los esquemas del cada vez más de moda terror de ritmos lentos y argumentos “intelectuales”, el manidamente llamado “elevated horror”.
Dirigida por Sadrac González-Perellón, nos trae la historia de Elisa, una joven con poderes que vive con su padre. Ambos perdieron a la persona que más querían, la madre de Elisa y ella solo quiere venganza. Dos familias se unen a través de la desgracia y sus caminos van juntándose poco a poco gracias a distintas casualidades.
La dirección de actores es bastante mala, ‘Asombrosa Elisa’ cuenta con un reparto tremendo y no lo aprovecha nada. Asier Etxeandía, Ivan Massagué y Silvia Abascal, van por la película como apagados. Que supongo que es lo que pretendía el director, pero la verdad que la película se hace lentísima.
Aunque ocurren distintas situaciones en la cinta, no vemos que avance nada y solo hay diálogos vacíos que tampoco cuentan nada interesante. Está claro que el cine de Sadrac no es para mí, me pasó algo por el estilo otra película suya, ‘Black hollow cage’ y sé que a mucha gente le entusiasmó.
Define y ofende nuestra actualidad sin necesidad de defender el pasado
No es la primera vez que el autor de cómics Santiago García ve adaptada una obra suya a formato de serie. Anteriormente se produjo ‘El vecino’ para Netflix y ahora hemos gozado de verdad con ‘¡García!’, la cual podréis ver a partir del 28 de octubre en HBO Max. La serie que protagonizó Quim Gutiérrez era algo más parecido a ‘Green Lantern’ o ‘Spider-Man’, esto se asemeja más a ‘Capitán América’ o ‘James Bond’. Si queréis saber cómo es el cómic podéis leer nuestra reseña aquí o podéis ver la serie de seis episodios (hemos podido ver dos) pues se asemeja bastante.
Eugenio Mira (‘Grand Piano’) ha dirigido los episodios adaptados por Sara Antuña (‘Luna, el misterio de Calenda’). Pensaba que no se atreverían a ceñirse a ciertas cosas del cómic y para mi grata sorpresa he visto que sí. Sin duda va a levantar algo de polémica, debate o ampollas. Desde la sátira que se hace de nuestra política hasta la presencia de El Valle de los Caídos, ‘¡García!’ ha llegado para incomodar. Además se le han incorporado aún más elementos actuales que en el cómic, que salió en 2015. Las mascarillas están presentes, pero más allá de ese detalle visual está la Foto de Colón o las ideas tan particulares de “libertad” que tienen algunas.
En ‘¡García!’ una periodista (Veki Velilla) intenta conseguir destacar en el periódico donde trabaja de becaria. Su camino acaba dando con una base secreta bajo el Valle de los Caídos. Allí se topa con García (Francisco Ortiz), un agente que sale de una larga hibernación. Es un superhombre que llevaba dormido desde los primeros años del mandato de Franco. La serie plantea una “realidad alternativa”, muy entrecomillas.
Más que mostrar o parodiar cómo es un facha de pura cepa lo que hacían los cómics dibujados por Luis Bustos, o lo que yo entendí de ellos, es que se pueden poner en relevancia las carencias o corruptelas de nuestra democracia poniéndolas desde un punto de vista de alguien que viene del pasado, un pasado que ya era retrógrado de por sí. En resumen viene a mostrar cuánto tiemblan los partidos políticos tradicionales de nuestra democracia ante el auge de nuevas corrientes o formaciones. La serie mantiene esa línea.
Pero no os confundáis, al igual que el cómic este no es un relato meramente político. Tiene thriller pero también mucha acción. Acción bastante bien realizada, tanto en lo que se refiere a coreografías como en el aspecto de los efectos visuales. El símil más cercano en ese sentido son las películas de James Bond. El cómic rememoraba a esos tebeos sobre espías de los cuarenta o cincuenta, tipo ‘Spy smasher’, ‘Secren Agent X-9’ o incluso ‘El Capitán Trueno’ dada la relación entre García y su fiel ayudante. La serie sigue haciendo lo mismo. Si en la publicación de Astiberri teníamos intercalados unos cómics de lo más vintage, lo que lo sustituye a esos flashbacks son escenas en blanco y negro, rodadas en lugares como la estación/museo de Chamartín o la rehabilitada Estación del Norte.
La factura es más propia de Netflix que de HBO. De todos modos hay que tener en cuenta que estamos hablando de una producción desarrollada en España y no falta talento, pero si presupuesto para llegar a los acabados de las míticas series de esta cadena (plataforma). Hay aspectos o detalles que pulir pero sin duda ‘¡García!’ se suma a la lista de series que elevan el nivel de lo que se hace en nuestra península.
Para Sara, el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice y tendrá que decidir entre hablar y rescatarlas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado.
Crítica
Este slasher rural nos mantiene en el #TeamPiggy
Uno de los cortos más comentados y exitosos de los últimos años es ‘Cerdita’. En 2018 Carlota Pereda sorprendió con una corta historia sobre el acoso y el karma y ahora ha tenido la oportunidad de desarrollarla. Y no la ha desaprovechado. Sorogoyen hace poco hizo lo mismo con ‘Madre’, su famoso y premiado corto. Generó un largometraje usando el corto como punto de partida y a partir de ahí desplegó una historia que fue decayendo poco a poco hasta ser del todo predecible y casi irrelevante. Pereda ha hecho algo similar pero manteniendo el objetivo de su historia original y alargándola de manera que quizá no merezca también el Goya pero que desde luego se hace entretenida y poseedora de un valioso mensaje.
El filme arranca con escenas nuevas, presentado a otros personajes, ampliando el escenario y sirviendo de prólogo para lo visto en el cortometraje. El espectador que no haya visto germen de esta película lo tiene ya incluido en el primer acto del filme. Tras eso comienza una película que podríamos llamar slasher rural. Se combinan los elementos del cine de asesinos en serie con las características de la España vaciada, la España de las desapariciones de muchachas y la que da pie a sucesos como el de Puertohurraco. La histeria familiar y las habladurías de un pequeño pueblo del oeste español sirven de buena distracción para que los villanos de esta historia hagan de las suyas.
Porque podemos distinguir varias entidades malvadas en ‘Cerdita’. Una de ellas es la evidente presencia de un tipo amenazador. Y la otra, la más valorable, la figura del acoso, a menudo ignorada por la ceguera de los padres, por los miedos sociales o los silencios cómplices. Llamarlo bullying si queréis usar un eufemismo anglosajón, yo prefiero decir acoso pues me suena tan alarmante e inapelable como las escenas de violencia física y psicológica que sufre la protagonista de la película.
El cortometraje ya nos planteaba en unos pocos minutos muchísimas cuestiones. Ahora se usa otra expresión inglesa para referirse a la justicia violenta o fortuita, “instant karma”, aquella expresión que acuñó Lennon. Con el merecido que le va cayendo a cada uno de los personajes nos cuestionarnos si somos buenas personas o si realmente debería pasar lo que vemos. Puede parecer que es la parte más cruda o agresiva del filme, pero si lo pensamos bien lo más inmaduro y agresivo sucede al principio de la película. La obra termina con una explosión de sangre pero nos hace volver sobre nuestras reflexiones y no se siente como algo tan gratuito como nos puede suceder con las películas de Voorhees, Myers y compañía.
Ya éramos del #TeamPiggy y lo seguimos siendo tras la expansión de su historia, sobre todo tras comprobar que el humor negro también acompaña a este verano extremeño. La zona de Gredos, en concreto la de Villanueva de la Vera sirve de escenario para una historia que por desgracia tiene bastante de real y que está bien narrada, sin lagrimeo y brindándonos algunos puntos de fuga. Pereda retrata en ‘Cerdita’ a una parte casi olvidada de España, compuesta por alcahuetas que pernoctan en sus puertas, negocios familiares, arquitectura de mampostería y madera y por supuesto vocablos como el “chacho”. Desde luego tanto el corto como su ampliación ocuparán un buen lugar en el spanish horror.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de octubre de 2022. Título original: Cerdita. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Carlota Pereda. Guion: Carlota Pereda. Música: Oliver Arson. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Laura Galán, Richard Holmes, Carmen Machi, Irene Ferreiro, Camille Aguilar, Claudia Salas, Pilar Castro, José Pastor, Fernando Delgado-Hierro, Julián Valcárcel. Producción: Morena Films, Backup Media, Cerdita, Comunidad de Madrid, Indéfilms, ICAA, La Banque Postale, Movistar Plus+, Triodos Bank, RTVE. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror, drama. Web oficial:https://morenafilms.com/en/portfolio/cerdita/
Aluche. 1966. Una luz blanca irrumpe en el cielo del sur de Madrid y un hombre, José Luis Jordán Peña, es testigo de uno de los avistamientos de ovnis con mayor difusión mediática en España. Así arranca ‘Ummo’, la nueva producción original de no ficción Movistar Plus+ en colaboración con LaCima Entertainment, que analiza el mayor caso de ovnis de nuestro país.
Esta serie documental de tres episodios explica qué fue UMMO, la repercusión que tuvo en medios de comunicación nacionales e internacionales desde los años 60 y sus consecuencias hasta hoy. Una historia en la que, además de platillos volantes se mezclaron, nazis, sectas, hipnotistas y experimentos de control social.
Periodistas como Juan Ramón Lucas, Andrés Aberasturi o Rosa María Mateo; expertos en el caso UMMO como Eduardo Bravo o José Juan Montejo; el director de cine Nacho Vigalondo; Maite Jordán, la hija de José Luis Jordán Peña (y personaje central de esta historia) o víctimas como Mercedes Carrasco participan con su testimonio en esta producción que, además de exponer y contextualizar los hechos históricos que rodearon este fenómeno, se acerca al papel que los medios de comunicación tuvieron en su difusión.
Un relato apasionante sobre seres de otro planeta, cultura pop, medios de comunicación e historia de la televisión.
‘Ummo’ se presentará oficialmente en el Festival de Cine de Sitges el próximo domingo 9 de octubre y se estrenará próximamente en Movistar Plus+.
Contará con 13 actividades profesionales y formativas a lo largo de su V edición
Para mejorar nuestra realidad, tan poco paritaria, es imprescindible visibilizar a referentes femeninos que sean inspiradores para las y los más jóvenes. Por ello, uno de los objetivos del Festival Cine por Mujeres Madrid es destacar el talento de las mujeres en toda la cadena de producción de valor cultural (Cultural Value Chain): creación y formación → producción y reproducción → distribución y comercialización → promoción y marketing → consumo y accesibilidad.
De este modo, la V edición del Festival Cine por Mujeres Madrid contará con una gran variedad de actividades profesionales y formativas y grandes expertas y directoras invitadas. Bajo el lema #visibilidadparalaigualdad, tendrán lugar 5 mesas redondas, 4 clases magistrales, 2 conferencias, 1 diálogo entre directoras y 1 taller presencial; actividades en las que el público podrá aprender en directo y de primera mano junto con todas las invitadas. Las sedes que las acogerán en este año 2022 son: Casa de América, Centre Cultural-Libreria Blanquerna, Cine Doré de la Filmoteca Española, DAMA. Derechos de Autor de Medios Audiovisuales, Espacio Fundación Telefónica, Fundación Casa de México, Universidad Camilo José Cela, Goethe-Institut Madrid, Institut français de Madrid y Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Puedes ver aquí todo el listado de participantes.
Inaugurando la programación de actividades profesionales y formativas, el miércoles 26 de octubre, Agnès Jaoui dará una clase magistral sobre narrativa cinematográfica en la sede de DAMA. Derechos de Autor de Medios Audiovisuales, que estará presentada por Virginia Yagüe, presidenta de la asociación.
Ese mismo miércoles de 17h a 18:30h, en el Goethe-Institut Madrid, la co-directora del festival dará una clase magistral titulada Enemigos visibles e invisibles de las mujeres del audiovisual. ¿Qué es la plataforma RAMPA?, organizada en colaboración con Lab Campus DocsBarcelona.
A las 19h, en el Institut français de Madrid tendrá lugar el diálogo entre Angès Jaoui e Isabel Coixet, moderado por el crítico de cine Floreal Peleato. Será imprescindible reservar entrada para asistir tanto a la charla como a la posterior proyección de la película Le goût des autres (2000) de Agnès Jaoui.
El jueves 27 de octubre de 11h a 13h en el Centre Cultural-Libreria Blanquerna tendrá lugar la mesa redonda ¿En qué puedo ayudarte? Las instituciones y el documental organizada en colaboración con DocsBarcelona. En ella participarán Peter Andermatt, director general de la Fundación cultural de Oficina MEDIA, Sandra Ruesga, representante de DOCMA, Paula Palacios, directora de cine, representante de ProDocs, Valle Hidalgo, vicepresidenta de PNR Plataforma Nuevos Realizadores, representante CIMA y la guionista Virginia Yagüe, presidenta de DAMA, y estará moderada por Joan Gonzàlez, director de DocsBarcelona.
El mismo jueves, por la tarde, en el auditorio del Espacio Fundación Telefónica se celebrarán dos mesas redondas de acceso gratuito con previa reserva a través de su web. Los festivales de cine en la encrucijada ¿Sigue vigente el formato tradicional? será la primera de las mesas, de 17h a 18:30h en la que podremos escuchar a expertas del sector como Patrizia Rapazzo, directora artística del Sguardi Altrove Film Festival de Milano, Li Jingxian, programadora del Baturu Film Festival y directora de cine, Margje de Koning, directora artística del festival Movies That Matter, y Esther Bannenberg, productora, distribuidora y experta en festivales. La actividad se organiza en colaboración con la Embajada de los Países Bajos. A continuación, de 19h a 20:30h tendrá lugar la segunda mesa redonda El documental: financiación, distribución e impacto, organizada en colaboración con Lab Campus DocsBarcelona, que contará con Laura Kloeckner, asesora de DAE. Documentary Association Europe y con el director de DocsBarcelona, Joan González. Ambas mesas serán moderadas por el co-director del Festival, Diego Mas Trelles.
El viernes 28 de octubre a las 17h Jane Gaines, profesora de Cine en la Columbia University y comisaria del ciclo Cine mudo dirigido por mujeres: Estados Unidos, América Latina, Europa y Asia, organizado por el Festival Cine por Mujeres Madrid y Filmoteca Española, dará una conferencia en el Cine Doré para presentar el Women Film Pioneers Project, proyecto del que es fundadora (realizado en colaboración con la Columbia University). A través del mismo lleva tres décadas sacando a la luz el trabajo de directoras, guionistas, productoras y otras profesionales de la industria del cine que han sido constantemente invisibilizadas a lo largo de la historia. Su trabajo, junto al de muchas otras académicas, ha permitido descubrir que, efectivamente, la presencia de mujeres cineastas durante el periodo mudo fue notablemente más importante de lo que se creía en un principio. Tras la conferencia, se dará paso a la primera sesión del ciclo dedicada a la francesa Alice Guy Blaché en la que se proyectarán dos cortometrajes, uno producido en Francia y otro en EEUU. Esta actividad, organizada en colaboración con la Fundación Consejo España-EEUU, será presentada por la responsable de Asuntos Culturales de la fundación, María Luque y la co-directora del festival.
El miércoles 2 de noviembre se celebrará en el Salón de Actos de la Escuela de Postgrado de la Universidad Camilo José Cela una clase magistral abierta al público con María Zamora, productora ejecutiva de Elastica Films, presentada por la directora del grado de Cine de la UCJC, Piluca Baquero.
Ese mismo día, en la Fundación Casa de México en España de 17h a 19h, se impartirá la primera parte del taller de guion cinematográfico a cargo de Diana Cardozo. La tarde siguiente, el jueves 3 de noviembre en horario de 17h a 18:30h, se llevará a cabo la segunda parte del taller impartido por la guionista y directora mexicana.
También, el 3 de noviembre, tendrá lugar la segunda jornada de mesas redondas en el Espacio Fundación Telefónica, ambas abiertas al público con previa inscripción. Así pues, de 17h a 18:30h las guionistas Olatz Arroyo Abaroa, Alicia Luna y Virginia Yagüe abordarán cuestiones como la escritura cinematográfica clásica y de ficción o la importancia del marco profesional de los guionistas en relación con la igualdad de género y el futuro del sector, en la mesa redonda ¿Cómo llegaste hasta aquí? Estudios de caso de las profesionales de guion cinematográfico que estará moderada la periodista especializada en cine y jefa de prensa de CIMA, Begoña Piña. En la misma línea de contenido, de 18:45h a 20:45h en el Espacio Fundación Telefónica, tendrá lugar la segunda mesa, titulada ¿Cómo llegaste hasta aquí? Estudios de caso de las directoras de cine participantes en el festival. En ella participarán, en un primer turno, las neerlandesas Karin Junger, directora de la película 10 Songs for Charity, Aliona van der Horst, directora de Turn Your Body To The Sun y Urszula Antoniak, directora de Magic Mountains y Splendid Isolation, junto con Cecilie McNair, directora danesa de la película Baby Pyramid. En el segundo turno participarán Diana Cardozo, directora mexicana de la película Estación Catorce, Ana Katz, directora protagonista del ciclo programado en Casa América, y la portuguesa Maria de Medeiros, directora de la película Aos Nossos Filhos. Esta segunda mesa, organizada en colaboración Casa de América, el Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, la Fundación Casa de México en España, la Embajada de Dinamarca y la Embajada de los Países Bajos, estará moderada por la productora de cine Elena Manrique, miembro del Comité de Programación del festival.
El viernes 4 de noviembre de 18h a 19:30h Casa de América celebrará la clase magistral Un viaje por diversas disciplinas impartida por Ana Katz, durante la cual la directora hará un recorrido por su obra y filmografía. La sesión culminará con la proyección de su película El juego de la silla, programada como parte del ciclo dedicado a la directora argentina en Casa de América dentro del Festival Cine por Mujeres Madrid.
Por último, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, ese mismo viernes día 4, a las 18:30h la catedrática de Educación Artística de la Universidad Complutense de Madrid, investigadora y experta en arte y feminismo, Marian López Fernández-Cao, impartirá la conferencia Desaparecidas en acción, y será presentada por el co-director del festival, Diego Mas Trelles. Posteriormente se dará paso a la proyección del ciclo Lost Women in Art (Mujeres borradas del Arte) programado en esta edición en la sección Creadoras Destacadas en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
En total, la V edición del Festival Cine por Mujeres Madrid contará a lo largo de su celebración con 29 profesionales del sector invitadas y 13 actividades profesionales y formativas, que se combinarán con las presentaciones de las autoras y debates posteriores de las proyecciones de este año, creando así espacios de reflexión, diálogo y experiencia compartida. Siempre con la igualdad como objetivo y la excelencia por bandera que guía y sustenta los pilares del proyecto que es el Festival Cine por Mujeres Madrid.
La esperada nueva película de Luca Guadagnino cerrará el Festival
Cuatro años después de inaugurar el 51º Festival de Cine de Sitges con su versión de ‘Suspiria’, Luca Guadagnino será el encargado de cerrar esta 55ª edición el sábado 15 de octubre. El realizador italiano vuelve a rodearse de un reparto recurrente de actores, entre los que figuran Timothée Chalamet, Chloë Sevigny y Michael Stuhlbarg, junto a la estrella emergente TaylorRussell y el veterano Mark Rylance, para contar este drama basado en la novela homónima de Camille de Angelis.
Ambientada en los Estados Unidos de los años 80, ‘Hasta los huesos: Bones and All’ cuenta la historia del primer amor entre Maren (Russell), una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee (Chalamet), un vagabundo apasionado y privado de sus derechos, que se encuentran y se unen para emprender juntos una odisea de miles de kilómetros que los lleva por carreteras secundarias y pasadizos ocultos de la América de Ronald Reagan. A pesar de sus esfuerzos, todos los caminos los devuelven a sus aterradores pasados y a una batalla final que determinará si su amor puede sobrevivir a su otredad. David Kajganich, que colaboró con Guadagnino en Suspiria y Cegados por el sol, ha escrito el guion de esta historia de fantasía sobre el amor en tiempos difíciles, mientras que dos compositores consagrados, Trent Reznor y Aticuss Ross han compuesto la banda sonora.
Chalamet, nominado al Oscar, vuelve a colaborar con el director italiano cinco años después de la memorable película ‘Call Me by Your Name’. En esta ocasión, a Chalamet le acompaña Taylor Russell, que ganó el premio a la Mejor Actriz Emergente en el Festival de Cine de Venecia. Completan el reparto Stuhlbarg (‘La llegada’, ‘La forma del agua’, ‘Lincoln’), Rylance (‘Dunkerque’, ‘Ready Player One’), André Holland (‘Moonlight’, ‘Viudas’) y Sevigny (‘We Are Who We Are’, ‘Zodiac’). Además del premio para Russell, Guadagnino ganó el premio al Mejor Director en la competición italiana, lo que confirma el enorme éxito que tuvo la película en su estreno.
MGM presenta ‘Hasta los huesos: Bones and All’, que será distribuida internacionalmente por Warner Bros. Pictures y se estrenará en España el 25 de noviembre de 2022.
Del 21 al 30 de octubre de 2022 el festival viajará en el tiempo
Desde que Marty McFly viajó al 21 de octubre de 2015 en la segunda entrega de ‘Regreso al Futuro’, ese día se ha convertido en el elegido para celebrar esta icónica saga en todo el mundo. Curtas Festival do Imaxinario celebrará su 50 edición del 21 al 30 de octubre de 2022. ¿Coincidencia? Puede que sí, puede que no. Pero lo cierto es que el festival no va a dejar pasar la ocasión y por tal motivo el leit motiv del festival serán los viajes en el tiempo, con la saga ‘Regreso al Futuro’, dirigida por Robert Zemeckis, como eje central de un viaje a través de los pasados 50 años del cine fantástico.
El cartel, obra por segundo año consecutivo del artista argentino Flavio Greco presenta la celebración de estos cincuenta años con una nutrida selección de robots y androides cinematográficos, reunidos en el entorno del Convento de Vista Alegre de Vilagarcía de Arousa, y como centro de la celebración Maria de ‘Metrópolis’ y Ava de ‘Ex Machina’ llegando a la celebración un Delorean. “Los seres artificiales de la historia audiovisual se reúnen por los 50 años de Curtas, Festival do Imaxinario” comenta Flavio, “para recordarnos que nada nos hace más humanos que aprender de las vivencias, empatizar con el otro y, por qué no, juntarnos a celebrar. Permitámonos por un rato imitarlos nosotros a ellos”.
Dentro de las celebraciones de los 50 años del Festival do Imaxinario se exhibirán diversos títulos entre los que destaca la proyección de ‘Nosferatu’ con motivo de su centenario y que será musicada en directo por el quintento Caspervek, que tradicionalmente está presente en el festival para hacernos vibrar con sus composiciones.
Para cerrar el festival, Curtas Festival do Imaxinario proyectará uno de los títulos más representativos del musical fantástico, ‘The Rocky Horror Picture Show’, que contará con la participación de la compañía madrileña Dramakuin, quienes con la película como telón de fondo, los actores, caracterizados como los personajes, recrean los números musicales delante de la pantalla y con la participación del público transformando el show en una gran fiesta.
Las exposiciones de Curtas Festival do Imaxinario son uno de los grandes atractivos del festival. Y este año, con el leit motiv del festival se presentará una de las mayores colecciones de la saga de Europa y la mayor de España. Una gran colección, que incluye más de 400 objetos, ropa de los personajes, merchandising, autógrafos, props ‘screen accurate’ (idénticos a los vistos en pantalla) y por supuesto, algunas piezas originales de la saga, además, merchandising y rarezas.
Además, Pedro Torromé, fundador de Regreso al futuro SPAIN, la mayor comunidad fan en España de la saga, nos presentará su Masterclass “Esto es muy fuerte Doc”, donde en hora y media, nos adentrará en las curiosidades de la famosa trilogía, que incluye además de un concurso con regalos.
Pedro es también el embajador en España de Team Fox, la fundación contra el Parkinson creada por Michael J. Fox y a su vez, también es miembro de la Asociacíón Internacional 88mph, la cual tiene delegaciones en Francia, Japón, Argentina y España. Con estas acciones Curtas Festival do Imaxinario colaborará con Team Fox en la lucha contra este trastorno neurodegenerativo que afecta al sistema nervioso de manera crónica y progresiva.
El largometraje ‘Venus’ es el segundo proyecto de The Fear Collection, el sello cinematográfico español especializado en el género cinematográfico de terror y suspense, creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films (Banijay Iberia), la productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, en asociación con Prime Video, cuya presentación oficial tuvo lugar en la pasada edición del Festival. ‘Venus’ participó en el reciente Fantastic 7 celebrado en Cannes 2022, como proyecto presentado por el Festival de Sitges. ‘Veneciafrenia’, película dirigida por Álex de la Iglesia, es el primer largometraje que parte de The Fear Collection y fue estrenado también en Sitges 2021.
La terrorífica ‘Venus’ está protagonizada por Ester Expósito (‘Cuando los ángeles duermen’, ‘Tu hijo’, ‘Élite’, ‘Rainbow’), Ángela Cremonte (‘Las chicas del cable’, ‘Mentiras’), Magüi Mira (‘Reflejos’, ‘Un mundo normal’), FernandoValdivieso (‘No matarás’, ‘Hasta el cielo’) y FedericoAguado (‘Mar de plástico’, ‘Los renglones torcidos de Dios’), entre otros. En ‘Venus’, Balagueró, quien además ha coescrito el guion junto a Fernando Navarro (‘Verónica’, ‘Orígenes Secretos’), conjura el terror cósmico dentro de un edificio en el extrarradio de Madrid.
Jaume Balagueró ha inaugurado Sitges en ediciones pasadas con ‘Darkness’, ‘[REC 2]’ -junto a Paco Plaza- y ‘[REC 4]’. También ha estado presente en la Sección Oficial del Festival en numerosas ocasiones, con títulos como ‘Los sin nombre’ (que obtuvo tres premios), ‘[REC]’ (con Paco Plaza, con la que ganaron también tres premios), ‘Frágiles’, ‘Mientras duermes’ y ‘Musa’. Además de haber participado con sus primeros cortometrajes y haber sido premiado por ‘Alicia’.
La película llegará exclusivamente a las salas de cine de toda España el próximo 2 de diciembre de la mano de Sony Pictures Entertainment. Tras su paso por los cines, Venus estará disponible en Prime Video.
Sonarán bandas sonoras de ese género del 16 al 25 de septiembre
El género de la ciencia ficción ‘cyberpunk’, nacido en la novela negra de la mano de autores como William Gibson o Bruce Sterling en la década de 1980 y que plantea futuros distópicos donde la tecnología y la robótica dominan el mundo, es la temática sobre la cual se inspira la decimosexta edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ). Un evento que tendrá lugar del 16 al 25 de septiembre con el apoyo del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias, y los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna, entre otras entidades. De este modo, la música de sagas clave del ‘cyberpunk’, como ‘Matrix’ o ‘Terminator’, y otros títulos como ‘Tron’, ‘Robocop’ o la mítica ‘Blade Runner’, en el marco del 40º aniversario del estreno de la película de Ridley Scott, serán interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir bajo la dirección del reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, director de FIMUCITÉ.
En esta nueva edición, además del programa de conciertos el público podrá disfrutar nuevamente de encuentros con grandes compositores, como el estadounidense Brad Fiedel, autor de las bandas sonoras de ‘Terminator’ y ‘Terminator 2’, quien formará parte del plantel de invitados de FIMUCITÉ 16. James Cameron le dio su gran oportunidad en 1984 y la icónica partitura que escribió para el clásico de la ciencia ficción protagonizado por Arnold Schwarzenegger sacudió el mundo de la música cinematográfica y le otorgó reconocimiento internacional. Conocido por su innovación y uso único de combinaciones de sonidos acústicos y electrónicos, Fiedel escribió la música de otras películas de éxito, como ‘Noche de miedo’ y su secuela, ‘La serpiente y el arcoíris’, ‘Mentiras Arriesgadas’ o ‘Johnny Mnemonic’. Cabe señalar que será la primera vez que Brad Fiedel, creador de más de un centenar de bandas sonoras para el cine y la televisión, participa en un festival especializado.
Ya están a la venta las entradas para los conciertos temáticos que tendrán lugar el viernes 23 de septiembre y el sábado, día 24, titulados ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 1) – Manga / Anime’ y ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 2) – El Alma de la Máquina’, respectivamente. Ambos recitales contarán con una parte común, que incluye piezas de ‘Terminator’, ‘Transformers’, ‘Desafío Total’, ‘Matrix’, ‘Blade Runner’ y el videojuego ‘Cyberpunk 2077’, y una parte exclusiva de cada uno de los programas. De este modo, el concierto previsto para el 23 de septiembre, dedicado al manga y el anime, incluirá ‘Akira’, Ghost in the Shell’ y ‘Alita’, mientras que el recital del sábado 24, ‘Mecha’, abarcará desde el clásico del cine mudo ‘Metrópolis’, a ‘Tron’, ‘Pacific Rim’ o ‘Robocop’.
FIMUCITÉ cuenta con el patrocinio de Cabildo de Tenerife, Gobierno de Canarias, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, INtech Tenerife, Auditorio de Tenerife y Orquesta Sinfónica de Tenerife, Teleférico del Teide, el apoyo de Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación “la Caixa” a través de CaixaBank, y la colaboración de Domingo Alonso Group y AUDI como coche oficial del festival.
Este año tenemos unos carteles al estilo de ‘Tron’ (Steven Lisberger), para celebrar su cuadragésimo aniversario. El film protagonizado por Jeff Bridges inspira el cartel de la 55ª edición del certamen e invita a un viaje al oro lado de la pantalla.
Del 6 al 16 de octubre volveremos a tener el Festival de Sitges. Sitges 2022 avanza los primeros títulos confirmados dentro de su programación de Sección Oficial. Las cintas de Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland, son algunos de los ejemplos.
Sección Oficial
El maestro Dario Argento vuelve una década después de su último trabajo. ‘Occhiali Neri’ (‘Dark Glasses’), sobre una joven invidente que, con la ayuda de un niño chino, intenta acabar con un asesino en serie.
El rey francés del absurdo, Quentin Dupieux, presentará sus dos últimas películas en Sitges 2022. ‘Incroyable mais vrais’ con un reparto formado por Alain Chabat, Léa Drucker, Anaïs Demoustier y Benoît Magimel, es una divertida y excéntrica comedia sobre un matrimonio y el misterioso sótano de su nueva vivienda. Con ‘Fumer fait tousser’ Dupieux propone una sátira del cine de superhéroes, con tortugas demoníacas, que se presentó en Cannes en sección oficial fuera de concurso y que vuelve a contar con Anaïs Demoustier y Alain Chabat, a los cuales es unen Adèle Exarchopoulos (que ya trabajó con él director en ‘Mandíbulas’),Vincent Lacoste y Benoît Poelvoorde.
Otro clásico de Sitges es Peter Strickland.El nuevo trabajo del director británico, ‘Flux Gourmet’, se centra en un colectivo gastronómico, sus inquietudes artísticas y luchas de poder, mientras exploran el concepto de «cocina sónica». Asa Butterflield (‘Sex education‘) y Gwendoline Christie(‘Juego de tronos‘) son los protagonistas de esta propuesta al mismo tiempo delirante e inquietante.
De Finlandia llega ‘Hatching‘, la ópera prima de Hanna Bergholm, una historia de terror familiar, arriesgada y sorprendente, con criatura monstruosa incluida. Una combinación de coming-of-age y body horror que tuvo su presentación mundial en Sundance, donde Bergholm se reveló como una de las promesas mas sólidas del género.
Otro debut femenino destacado es ‘Les cinq diables’, de Léa Mysius, guionista habitual de cineastas como Claire Denis, Jacques Audiard o Arnaud Desplechin. Una historia familiar al pie de los Alpes sobre una niña con una sensibilidad olfativa extraordinaria.
El director gallego Alberto Vázquez presentará en Sitges ‘Unicorn Wars’, largometraje de animación antibelicista de coproducción francesa que ha competido recientemente en la sección oficial del festival de Annecy. Vázquez, ganador de tres premios Goya, reflexiona en el film sobre el origen de los conflictos bélicos a través de la historia de una guerra ancestral entre oseznos y unicornios.
‘Coupez!,’ la película inaugural de Cannes 2022, también estará en el Festival. Michel Hazanavicius dirige el remake de ‘One Cut of the Dead‘ la sorprendente comedia de zombis japonesa que supuso todo un fenómeno en Sitges 2018- manteniendo su espíritu festivo y meta, con Romain Duris(‘Vernon Subutex‘).
Vuelve el thriller a Órbita
‘Hunt’, el debut en la dirección de Lee Jung-jae -protagonista de El juego del calamar– es un frenético thriller de espías ambientado en la Corea del Sur de los años 80. Acción criminal de violencia desbordante que aterrizará en Sitges después de verse en Cannes en sección oficial fuera de concurso.
Lee Sang-yong firma ‘The Roundup’, la secuela de Ciudad sin ley(Kang Yoon-sung, 2017). La película coreana más taquillera del año, que ha logrado cifras pre-pandémicas, es un thriller de acción criminal protagonizado por Ma Dong-seok, popular por sus papeles en ‘Train to Busan’ o ‘Eternals’.
Industria: Sitges Fanlab y Woman in Fan
El programa del Festival de Sitges para la visibilización y la incorporación de la mujer creadora en la cinematografía fantástica presenta una convocatoria para la realización de un corto-teaser.
Woman in Fan propone con este concurso la creación de una pieza para su circulación en el mercado audiovisual. Así pues, el corto teaser tiene que servir como muestra de una idea de largometraje de corte fantástico.
El programa amplía de este modo su campo de actuación hasta la producción cinematográfica para apoyar al trabajo de las cineastas dentro de la industria del género fantástico.
La Comisión de evaluación seleccionará diez proyectos entre todos los presentados de los cuales habrá un ganador. Los nueve finalistas y el proyecto ganador tendrán derecho a participar en varias formaciones del Sitges Fanlab durante la 55ª edición del certamen. Además, la cineasta ganadora dispondrá de un presupuesto de 10.000 euros, que serán destinados íntegramente a la producción del corto-teaser ganador, con el apoyo del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en las funciones de producción del proyecto. La presentación del proyecto se realizará dentro del marco de la edición correspondiente del Festival.
Premios SGAE Nueva Autoría
Los Premios SGAE Nueva Autoría que organizan la SGAE y la Fundación SGAE, a través del Consejo Territorial de la SGAE en Catalunya, se celebrarán nuevamente con, y en el marco, del Festival de Sitges.
Los galardones autores tienen la voluntad de descubrir, promover y ayudar a difundir las producciones audiovisuales que elaboran los alumnos de las universidades y las escuelas de cine de Catalunya. Se entregan en las categorías de mejor dirección, mejor guion y mejor música original.
Este año los Premios SGAE Nueva Autoría cumplen 22 años en el certamen internacional y los trabajos finalistas se proyectarán el sábado 8 de octubre en el Cine Prado. Muchos autores y muchas autoras que han participado, hoy son reconocidos y reconocidas profesionales del sector audiovisual.
Participará en el Festival BiFan de Bucheon (Corea del Sur)
Ya podemos ver el teaser tráiler de ‘La piedad’ el segundo largometraje de Eduardo Casanova. Con la publicación de este vídeo nos han anunciado que ha sido seleccionado para participar en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine Fantástico BiFan que se celebrará en Bucheon (Corea del Sur) entre el 7 y el 17 de julio. Previamente ‘La piedad’ participará en la sección oficial del Festival Internacional de Karlovy Vary.
‘La piedad’ está protagonizado por Ángela Molina (‘Los abrazos rotos’, ‘Carne Trémula’), Manel Llunell (‘Malnazidos’), Ana Polvorosa (‘Pieles’, ‘Las chicas del cable’), Antonio Durán Morris (‘Fariña’), María León (‘Sin Fin’, ‘La voz dormida’), Daniel Freire (‘El año de la furia’), Songa Park (‘Desaparecidos’), Alberto Jo Lee (‘Xtremo’) y con la colaboración especial de Macarena Gómez (‘30 Monedas’, ‘Musarañas’) y Meteora Fontana (‘Los Europeos’).
‘La piedad’ es una coproducción hispano-argentina, con Pokeepsie Films, Gente Seria AIE, Spal Films, Link-up y Crudo Films.
“Después de mucho tiempo, de muchas cosas perdidas por el camino, entre ellas la salud, ya tengo lista mi segunda película: ‘La piedad’, lo único que me interesa en la vida” apunta Casanova. “Es una película de terror, un terror nada convencional, que habla de la relación más tóxica posible entre una madre y un hijo, estableciendo un paralelismo entre una dictadura y su pueblo, en concreto la dictadura de Corea del Norte. Todes hemos estado en una relación tóxica, da igual si ha sido con una pareja, un amigo o con nuestra propia familia. Las relaciones son profundamente complicadas, estoy seguro de que cualquier persona que esté leyendo este texto está o ha estado en una relación así, pero… ¿cómo se sale de ahí? Si consigues salir ¿cómo y cuánto tiempo te quedas ahí? ‘La piedad’ establece un universo estético diferente al que estoy acostumbrado a rodar. No es nada parecido a‘Pieles’; nada parecido a nada. Algo mucho más oscuro; tan oscuro como sus personajes.”
Cinco directoras presentarán su trabajo en el Festival, dos de ellas dentro de la Sección ‘Indies de Seúl’
Por segundo año, el Korea Fest BCN mantiene su colaboración con el Seoul Independent Film Festival (SIFF), presentando cinco trabajos de realizadores noveles coreanos, dos de ellos dirigidos por mujeres. Por otra parte, una de las Sesiones Especiales estará dedicada a recuperar un clásico moderno, Memories of Murder, de Bong Joon-ho, protagonizada por el recién premiado en el Festival de Cannes, el actor Song Kang-ho.
A dos semanas del inicio del festival, el Korea Fest BCN presenta su programación al completo. Por un lado, se mantiene la colaboración con el Seoul Independent Film Festival, con la selección de cinco largometrajes, dos de ellos dirigidos por dos realizadoras noveles, una comedia romántica LGTBI, el drama de una mujer norcoreana en Corea del Sur, y Paper Flower, un film a medio camino entre Despedidas e Intocable. La Sesiones Especiales se completan con la recuperación de un clásico como Memories of Muder de Bong Joon-ho y la ópera prima de Hong Ui-jung, Voice of Silence.
La voz de la mujer muy presente en la Sección ‘Indies de Seúl’
El movimiento feminista ha tomado fuerza en los últimos años en Corea, a pesar de la oposición del sector más conservador. Boundary, Flaming Feminist Action, es un explosivo documental dirigido por la realizadora Yun Ga-hyun que sigue a un grupo activista en sus diferentes acciones en favor de los derechos de la mujer. Una película que tuvo su estreno mundial en el SIFF para después proyectarse en el Festival de Cine de Osaka, y que todavía no se ha estrenado en la cartelera coreana.
En Corea los embarazos se cuentan en diez bloques de 28 días. Cuando una joven que trabaja en un proyecto informático se queda embarazada de forma no deseada, tendrá que afrontar decisiones difíciles. Ten Months, el debut en la dirección de la realizadora coreana Namkoong Sun es, sin duda, uno de los films indies indispensables del año. La demostración palpable de que entre las nuevas generaciones de cineastas en Corea, ni la dirección cinematográfica, ni las temáticas, son sólo “cosa de hombres”.
Como se demuestra también en otra de las producciones procedentes del Seoul Independent Film Festival y cuya protagonista de nuevo es una mujer: Fighter. La película, dirigida por Jeru Jun y que pudo verse en el Festival de cine de Berlín, además de en Fantasia y en el Hong Kong Film Festival, es el retrato de una joven norcoreana que comienza una nueva vida en el Sur. Reubicada en un pequeño piso, encuentra trabajo como limpiadora en un gimnasio. Sola, y en una sociedad que no confía en ella, encontrará en el boxeo la manera de realizarse.
La extraordinaria película japonesa Despedidas, más la francesa Intocable con algo del carácter coreano, resume a la perfección el cuarto film que podrá verse en la Sección ‘Indies de Seúl’: Paper Flower. El dueño de una funeraria ve cada vez más difícil ocuparse de su hijo incapacitado. La llegada de una mujer y su hija al edificio en el que ambos viven aportará un rayo de esperanza en sus vidas. Una película que cuenta con la excelente interpretación del veterano actor coreano Ahn Sung-Ki (Chilsu and Mansu, Silmido).
La última cinta de la Sección ‘Indies de Seúl’ es una comedia romántica LGTBI, Made in Rooftop dirigida por el realizador Kimjho Gwang-soo. Tras romper con su novio, un joven de carácter temperamental se muda al piso en la azotea de un amigo, un streamer de éxito. Amores y desamores… desde la terraza de una azotea, con una casera muy especial (la veterana actriz Lee Jung-Eun, la criada con un secreto en el sótano de Parásitos).
“Memories of Murder” y “Voice of Silence”, completan las cuatro Sesiones Especiales
No hay duda de que Song Kang-ho es uno de los grandes actores coreanos. Con cerca de cuarenta títulos en su haber, ha sido uno de los rostros de la Nueva Ola que dio su inicio a principios del año 2000. Protagonista del reciente Festival de Cannes, tras recibir el Premio al Mejor Actor por su papel en la película de Hirokazu Koreeda Broker, el Korea Fest BCN proyectará en una copia restaurada Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie), la película por la que Bong Joon-ho se alzó con el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de San Sebastián.
Una de las sorpresas del cine coreano reciente es Voice of Silence, el debut en la dirección de la realizadora Hong Ui-jung. En esta mezcla de thriller y drama, una pareja de ‘limpiadores de cuerpos’ para las bandas criminales, tendrá un encargo especial: retener a alguien implicado en un chantaje… solo que esa persona es una niña. El film cuenta con la presencia del joven actor de reconocido talento Yoo Ah-in (Burning, #Alive).
El Korea Fest BCN, anunciará esta semana la salida a la venta de las entradas, que podrán comprarse de manera online en la web de los Boliche Cinemes, además de poder adquirirlas en la taquilla del cine. Más información en la web: www.bolichecinemes.cat, y www.cineasiaonline.com
‘El semblante’, ‘La luz’ y ‘Mindanao’ principales candidatos
Los Premios Fugaz, los galardones más relevantes del panorama del cortometraje español, han anunciado los nominados de cada una de las 19 categorías en las que se dividen los premios. ‘El semblante’, cortometraje dirigido por Carlos Moriana y Raúl Cerezo, ha batido el récord histórico de nominaciones, con 13 candidaturas, optando a mejor cortometraje, dirección, guion, dirección de producción, dirección de fotografía, montaje, dirección de arte, efectos visuales, vestuario, maquillaje y peluquería, sonido, banda sonora e interpretación masculina para Daniel Ortiz. Una cosecha inédita en la historia de los galardones para un género no muy habitual en el formato corto: el histórico, que combina a su vez con el terror tradicional.
Los ganadores de cada una de las 19 categorías en las que se dividen los premios se darán a conocer el 21 de junio. Aquí tenéis los ganadores de la pasada edición.
Mejor cortometraje
Chaval
El semblante
Espinas
Mindanao
Tótem loba
Votamos
Mejor dirección
Jaime Olías, por Chaval
Carlos Moriana y Raúl Cerezo, por El semblante
Iago de Soto, por La luz
Borja Soler, por Mindanao
Santiago Requejo, por Votamos
Mejor dirección novel
Oriol Villar, por Cemento y acero
Irene Albanell, por Club silencio
Raquel Guerrro, por Inútil
Javier Pereira, por Suelta
Verónica Echegui, por Tótem loba
Mejor guion
Gonzalo Tejedor por 17 minutos con Nora
Javier Trigales y Raúl Cerezo por El semblante
Guillermo Delgado e Iván Sáinz-Pardo, por Espinas
Daniel Remón y Borja Soler, por Mindanao
Santiago Requejo, por Votamos
Mejor dirección de producción
Dani Molina, por Cemento y acero
Sofía P. Jordán, por El semblante
Sofía P. Jordán, por La luz
Inés Laporta, por Sauerdogs
Agata Bert y Carmela Martínez Oliarte, por Tótem loba
Mejor dirección de fotografía
Ignacio Aguilar, por El semblante
Miguel Leal, por La luz
Diego Cabezas, por Mindanao
Carlos de Miguel, por Sauerdogs
Lorena Pagés, por Tótem loba
Mejor montaje
José Jota García, por El semblante
Leixandre Froufe, por Inútil
Edu de Soto, por La luz
Alberto del Campo, por Mindanao
Miguel Ángel Trudu, por Tótem loba
Mejor dirección de arte
Laura Lostalé, por El semblante
Aitor Almuedo y Francisco Javier Almuedo, por La luz
Mireia Soto, por Mindanao
Llorenç Mas, por Pocos, buenos y seguros
Mónica Lilac, por Una historia azul
Mejores efectos visuales
Irene Río, Mario Campoy y Guillermo Sevillano, por Carnívoro
Zoltan Farkas, por El semblante
Rodolfo Delibarda, Cristina Cano, Silvia Gorostizu y César Sánchez, por La inquilina
Seni Justo y Daniel Olmo Vallejo, por La luz
Catherine Tate, por Tranvía
Mejor vestuario
Fede Pouso y Fernanda Versolato, por El semblante
Lucía Conty, por La luz
Lola Guillén, por Mindanao
Carmen Granell, por Sauerdogs
Mónica Lilac, por Una historia azul
Mejor maquillaje y peluquería
Pablo Diaz, Pablo Marugan y Lucía Sanz, por El semblante
Lola Hernández, Antonio Naranjo y Cristina Asenjo, por La luz
Con 24 películas a competición y cuatro proyectos en Corte Final
Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine organizado por el Área del Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha presentado esta mañana en la Sala Azcona de Cineteca Madrid la programación de su 19ª edición. El acto ha contado con la participación de Jorge Moreta, coordinador del Área de Cultura del Ayuntamiento de Madrid; Luis E. Parés, director artístico de Cineteca Madrid; los comisarios artísticos invitados de esta edición Mariana Barassi y Diego Rodríguez; así como representantes de las sedes e instituciones colaboradoras.
Documenta Madrid 2022 tendrá lugar en formato presencial entre el 24 y el 29 de mayo en Cineteca Madrid, como sede principal, Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, y del 30 de mayo al 5 de junio online a través de Filmin. Los comisarios artísticos del festival, Mariana Barassi y Diego Rodríguez, han señalado que en esta edición “Documenta Madrid 2022 busca, sobre todo, el contacto con el público, con la ciudad, con la creación contemporánea. La experiencia colectiva (la piel, el tacto, la mirada) que define finalmente a la vida, convierte la relación del uno con el otro en el verdadero motor que queremos trasladar a lo audiovisual. Por ello, esta edición será un impulso hacia la experiencia audiovisual colectiva, entendiéndose como una exhibición activa de imprescindible diálogo entre el espectador y la creación. El festival quiere atravesar las pantallas, abrir y extender su programación a todos los madrileños y madrileñas, así como a todas las personas amantes del cine que, año tras año, se mantienen fieles a esta cita. Para ello, buscará explorar nuevas formas de ver las películas para favorecer una mirada cómplice y activa, crítica con lo que hacemos, con lo que vemos, con lo que sucede a nuestro alrededor”.
Luis E. Parés, director artístico de Cineteca Madrid, ha declarado que “este año, el festival se celebra en tiempos tristes, la actualidad mundial se presenta como un escenario agitado, donde la barbarie y la sinrazón se abren camino y generan más preguntas que respuestas sobre nosotros mismos, como comunidad, como ecosistema. Pensamos que el documental tiene esa capacidad de cuestionar el presente y generar espacios de reflexión colectiva. Ahora más que nunca necesitamos poner en primer plano el género documental como agente mediador y creador de pensamiento, y convertir los espacios de encuentro en foros de convivencia, de creación y de paz”.
24 títulos competirán en la Sección Oficial y cuatro proyectos formarán parte de Corte Final
Historias locales y cercanas, homenajes y testimonios familiares, ensayos políticos o relatos autobiográficos son algunos de los temas en torno a los que giran las 24 películas que participan en las competiciones Internacional y Nacional de Documenta Madrid, siendo 12 de ellas producciones firmadas por nombres femeninos y 12 por masculinos.
Los 12 títulos que componen la Competición Internacional serán Rewind & Play de Alain Gomis, un film que recoge descartes hasta hoy inéditos de una entrevista en 1969 al legendario pianista y compositor de jazz Thelonius Monk, How Do You Measure a Year? de Jay Rosenblatt, All About My Sisters de Wang Qiong, Un usage de la mer de Fabrizio Polpettini, Abrir Monte de María Rojas Arias, Luminum de Maximiliano Schonfeld, We Love Life de Hana Vojáčková, Malintzin 17 de Mara Polgovsky y Eugenio Polgovsky y When There Is No More Music to Write, and Other Roman Stories de Éric Baudelaire, todos ellos estrenos en España. Completarán la Competición Internacional Nazarbi de Maryam Tafakory, Nuclear Family de Travis Wilkerson y Erin Wilkerson y A Human Certainty de Morgan Quaintance.
La Competición nacional contará con otras 12 películas: el estreno mundial de Monte Tropic, una historia del confinamiento, de Andrés Duque; los estrenos en España deEl sembrador de estrellas, de Lois Patiño y Agrilogistics de Gerard Ortín Castellví tras el paso de ambos por la Berlinale; Aftersun, de Lluís Galter, Argileak (Los que hacen luz) de Patxi Burillo Nuin, El día que volaron la montaña de Alba Bresolí Aliberch, Una planta en el desierto de Claudia Sánchez, La visita y un jardín secreto de Irene M. Borrego, Los caballos mueren al amanecer de Ione Atenea, Tolyatti Adrift (Tolyatti a la deriva) de Laura Sisteró, Pez volador de Nayra Sanz Fuentes, y Un cielo impasible de David Varela.
Corte Final, la sección dirigida a películas en fase final de producción o coproducción española, ha seleccionado este año cuatro proyectos: Sumario 3/94 de Abel García Roure, Cuba y la noche de Sergio Fernández Borrás, Alén Mar de Andrés Sanjurjo y Remember my name, de Elena Molina.
Retrospectivas y pases especiales
Del 23 de mayo al 25 de junio el público podrá disfrutar del ciclo Dejen de prohibir que no alcanzo a desobedecer todo que Documenta Madrid y el Museo Reina Sofía dedican al cine de Gonzalo García-Pelayo. Entre las 13 películas que forman la retrospectiva se encuentran Manuela, Vivir en Sevilla, Frente al mar, Corridas de alegría y Rocío y José de García-Pelayo, que dialogarán con la obra de jóvenes cineastas y artistas contemporáneos que se sitúan en el terreno de la contracultura contemporánea como Juana Dolores, Marta Valverde, Ian de la Rosa, José Luis Tirado, Ignacio G. Merlo, Concha Barquero y Alejandro Alvarado.
Del 24 al 29 de mayo y con motivo del centenario del nacimiento de Jonas Mekas en diciembre de 1922, Documenta Madrid y Filmoteca Española se unen a la iniciativa mundial de conmemoración de este referente absoluto del cine de no ficción con la retrospectiva Jonas Mekas. Destellos de vida. Un ciclo que busca redescubrir y dar a conocer el trabajo cinematográfico del creador a la vez que colectivos y cineastas dialogan y debaten con su obra creando algo vivo que trasciende la sala de cine e inunda la calle. Seis películas de Mekas como Birth of a Nation, Lost Lost Lost o Reminiscencias de un viaje a Lituania interactúan con la obra de creadores contemporáneos influidos por su trabajo como Orquestina de Pigmeos, Meritxell Colell, Efrén Cuevas o Nuberu Bagu.
La entrega de premios de la 19ª edición de Documenta Madrid tendrá lugar el domingo 30 de mayo a las 20:00h en Cineteca Madrid. Tras el anuncio de las películas premiadas tendrá lugar la proyección del episodio musical Terminal Norte, de la gran cineasta latinoamericana Lucrecia Martel, a la que seguirá una actuación de la artista Verde Prato. Un diálogo entre dos mujeres que ahondan en sus tradiciones musicales para encontrar una identidad fuerte e insobornable a través de un viaje en dos direcciones, de la sororidad a la alegría, de la música a la identidad.
Filmin: Secciones Perspectivas y Foco Dentro Cine
La vertiente online de Documenta Madrid se inaugurará en Filmin el 30 de mayo extendiéndose hasta el 5 de junio con la proyección de 13 películas en exclusiva. La sección Perspectivas se nutrirá de algunas de las mejores creaciones de 2021, que por su calidad y valioso interés merecen ser vistas, admiradas y reconocidas en esta 19ª edición del festival. A virxe roxa de Marcos Nine, Bienvenido Mr. Banksy de Carlos A. Quirós, D’ombres de Joan Tisminetzky, Cantando en las azoteas de Enric Ribes Reig, Margarita Ledo. Parolar cun eu de Xisela Franco Costas, Et pourtant elles étaient là de Carolina Astudillo Muñoz, José Nicolás, Lucien Petitjean y Marta Álvarez, El búnker de Marcos García, At one point they were the same person de Victoria Oliver Farner, y A cinquito, con derecho a tocar de Quiela Nuc y Andrea Beade, son las nueve películas que conforman esta sección.
El Foco Dentro Cine es una trilogía de largometrajes en la que fragmentos de vida de una serie de personajes se entrecruzan formando un puzle complejo y radiante. Cine hecho por adolescentes y jóvenes en riesgo de exclusión social que filman e interpretan sus experiencias, traspasando los límites de la representación cinematográfica. En Filmin podrán verse Amor sin ciudad (2020), Las edades sensibles a la luz (2019) la reciente Qué planeta reinaría (2022), tres películas realizadas en el marco de la Escuela Dentro Cine de Cineteca y Matadero Madrid, un proyecto artístico y terapéutico dirigido por Pedro Sara y Violeta Pagán.
Nueva sección Vaya Panorama
Como novedad en esta edición nace Vaya Panorama, una sección que abre una ventana a la creación más arriesgada y apoya una nueva manera de estar en las salas e interactuar con la mirada del espectador. Un espacio de pensamiento en torno a la experiencia de visionado y a los procesos de creación audiovisual dirigido a fomentar nuevas vías en materia de producción, realización y exhibición, siempre desde un pensamiento colectivo. Vaya Panorama invita a artistas, colectivos de creación y programadores que incorporan a sus procesos la porosidad, la prueba o el error, situando la búsqueda y lo inacabado en el centro de sus propuestas. Los cuatro proyectos seleccionados son San Simón 62, de Irati Gorostidi, Mirari Echávarri, ganador de X Films 2021 del festival Punto de Vista; Esto, de Terrorismo de Autor; Qué planeta reinaría de Dentro Cine; y Errores, tecno, espectros, de mediadistancia junto con Blanca Velasco y Abel Hernández El hijo.
Foro Diálogo Documenta Madrid: Presente y futuro del documental en España
También por primera vez, Documenta Madrid presenta un foro profesional sobre el estado actual del cine documental. El primer Foro Diálogo Documenta Madrid: Presente y futuro del documental en España tendrá lugar el viernes 27 de mayo. Entre los temas que analizará se encuentran las causas que impiden un crecimiento sostenible del género documental y, sobre todo, la búsqueda de soluciones para una circulación más robusta de este tipo de obras que nos asemeje a nuestro entorno europeo. De esta manera, Documenta Madrid se configura como un espacio donde creadores, productores, distribuidores, exhibidores, plataformas de VOD, asociaciones y otros agentes de la industria puedan dialogar bajo tres ejes fundamentales: Creación y Producción, Cines y Plataformas y, Distribución, Ventas Internacionales y Festivales. Su objetivo fundamental será convertir Documenta Madrid en el espacio donde los distintos agentes de la industria puedan conversar y trabajar en pos del género documental, y la generación de un libro blanco de recomendaciones para las distintas administraciones en la XX edición de Documenta Madrid.
Talleres y clases magistrales gratuitas impartidas por la ECAM
Documenta Madrid se alía con la ECAM, Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid para apostar por la formación y educación de los creadores y profesionales de la industria documental. De la mano de la gran escuela de cine de Madrid se desarrollarán tres actividades gratuitas y con inscripción previa: El sonido en el cine de no-ficción. El caso de El año del descubrimiento, impartido por sus sonidistas Jorge Alarcón y Alberto Carlassare; Taller de sostenibilidad económica, impartido por José Alayón, fundador y productor ejecutivo de El Viaje Films, y Jamie Weiss, encargado de producción internacional; y Taller de sostenibilidad medioambiental de la mano de Eduardo Vieitez y Yolanda Costas, de Crest.
Jurado internacional
El jurado de la Competición Internacional estará compuesto por Christopher Allen, director, productor y fundador y director artístico de UnionDocsCenter for Documentary Art en Nueva York; Javier Olivera, director de cine y artista visual; y Nathalie Trafford, productora. En la Competicion Nacional estará formado por Juana Dolores, actriz, videoartista y escritora; Juan Barrero, director de cine, productor y docente y María Campaña, programadora y escritora. Por último, se encargarán de valorar y apoyar a los proyectos seleccionados en Corte Final un jurado 100% femenino: Ana Puentes, directora de cine, productora y guionista; Arantxa Aguirre, directora de cine y escritora; y Serrana Torres, directora de cine y productora.
Por segunda vez, Documenta Madrid contará con un jurado de la juventud compuesto por diez miembros de CineZeta, el equipo de jóvenes programadores de Cineteca, quienes tendrán la responsabilidad de otorgar el Premio Joven CineZeta a la mejor película de entre aquellas que compiten en la sección nacional. Conforman este jurado Noah Jeanne Benalal Levy, Irene Castro Rivas, Irati Cubero Azpiritxaga, Matías Gonzalo Rebolledo Rivera, Miguel Guindos López, Ana Jiménez Pita, Aitana Martínez Ortas, Bojana Ristic, Javier Rodríguez Fernández y Anxo Solián Lage.
Más de 36.000 euros en premios en metálico
Las tres secciones este año suman una dotación de más de 36.000€ en premios en metálico. Las Secciones Competitivas Internacional y Nacional coinciden en entregar cada una de ellas tres premios: el Premio del Jurado a la Mejor Película, dotado con 10.000€ para cada sección; el Premio Fugas, dotado con 5.000€ también para cada sección; y el Premio del Público Cineteca Madrid, con 1.000€ de dotación por sección, último fallado mediante votación de los espectadores. Por su parte, las películas seleccionadas para Corte Final optarán a un premio en metálico dotado con 4.000€.Además, el jurado podrá conceder una mención especial por cada categoría —Competición Nacional, Competición Internacional y Corte Final—, dotada con diploma. Y las películas de la Sección Competitiva Nacional optarán también a recibir el Premio CineZeta otorgado por los jóvenes programadores de CineZeta, en Cineteca Madrid, dotado también con diploma.
Un total de 930 películas de 77 nacionalidades diferentes se han inscrito para participar en las secciones de esta edición. De ellas, 271 son producciones o coproducciones españolas. La sección Corte Final, dirigida a películas en fase final de producción o coproducción española, ha recibido un total de 36 inscripciones de proyectos que cuentan con un corte avanzado de montaje.
Entidades patrocinadoras y colaboradoras
Documenta Madrid 2022 está organizado por Cineteca Madrid con la financiación del Gobierno de España (ICAA). Cuenta con el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española como sedes colaboradoras; con la colaboración de ECAM y Madrid Film Office; y con el apoyo de Filmin e Instituto Confucio de Madrid.
Filmin redobla su apuesta por la música con el lanzamiento, el próximo viernes 27 de mayo, del Filmin Music Fest 2022, una programación de documentales y conciertos de algunas de las grandes bandas y artistas de la historia del rock.
La plataforma, que ya cuenta con un amplio catálogo de conciertos de ópera y música clásica, y que el pasado verano lanzó el canal Filmin Jazz, con grabaciones históricas de conciertos de algunos de los grandes nombres del género, fija ahora su objetivo en la música más popular con un cartel de auténtico lujo en el que se reúnen Arcade Fire, Black Sabbath, Bob Dylan, Elliot Smith, Eric Clapton, Everly Brothers, Frank Zappa, Gil Scott-Heron, Iggy Pop, Joe Cocker, John Lennon, Joni Mitchell, Led Zeppelin, Lynyrd Skynyrd, Marianne Faithfull, Peter Gabriel, Pink Floyd, Primal Scream, Prince, Queen, Ronnie Wood, Suede, The Beach Boys, The Clash, The Doors, The Police, The Who, Jimi Hendrix, David Bowie, David Gilmour, Genesis, Lou Reed, Eurythmics, Poly Styrene, Freak Scene y Pedro La Droga.
Todos los conciertos y documentales del Filmin Music Fest estarán disponibles sin coste añadido para los suscriptores de Filmin. Además, se lanzará un abono especial que permitirá acceder a todos los contenidos del canal y a los más de 15.000 títulos del catálogo de Filmin durante un mes por solo 5 euros.
El BCN Film Fest contará con propuestas variadas y numerosos invitados este fin de semana. El día de Sant Jordi, la directora Claire Simon conversará con el público del festival sobre ‘Quiero hablar sobre Duras’, un drama intimista presentado en el Festival de San Sebastián sobre la compleja relación amorosa entre la escritora y cineasta Marguerite Duras y Yann Andréa.
El domingo 24 de abril será el turno de ‘Todos lo hacen’, una comedia negra del director de ‘Con quién viajas’, Martín Cuervo, que visitará el festival con buena parte del reparto coral de la película: Salva Reina, Kira Miró, Macarena Gómez y Julián López.
También el domingo y dentro de la Sección Oficial, el director Yvan Attal y el actor Ben Attal presentarán ‘El acusado’, un tenso drama judicial sobre el caso de un joven acusado de violar una chica protagonizado por Ben Attal, Suzanne Jouannet y Charlotte Gainsbourg.
El último trabajo de Ángeles González-Sinde, ‘El Comensal’, que trata las secuelas de un asesinato a manos de ETA y las dos maneras diferentes de afrontar la pérdida y las consecuencias del terrorismo, podrá verse el domingo 24 de abril en première mundial dentro de la Sección Oficial. Visitarán el festival Ángeles González-Sinde, los actores Susana Abaitua, Ginés García Millán y la autora de la novela homónima sobre la que está basado el film, Gabriela Ybarra.
Las visitas del fin de semana las completan el chef Sergio Torres, que presentará ‘La brigada de la cocina’, film en el que la pasión por la cocina de una mujer es el vehículo de integración de un grupo de jóvenes inmigrantes, y el compositor Xavier Capellas, que introducirá ‘Ennio: the Maestro’, film de Giuseppe Tornatore sobre la vida, la obra y los secretos del arte de Ennio Morricone, uno de los mejores compositores de bandas sonoras de la historia del cine.
La V edición del Festival Cine por Mujeres se celebrará del 25 de octubre al 6 de noviembre de 2022 en formato mixto y multisede, en 20 salas de Madrid, online en Filmin y en televisión en 8madrid TV, con una variada selección de largometrajes recientes nacionales e internacionales.
Para celebrar su primer lustro el Festival Cine por Mujeres ha actualizado su imagen, ahora bilingüe, respondiendo a la internacionalización del festival, que en la edición de 2021 programó películas de directoras españolas en festivales de China y Francia. Esta actualización realizada por el estudio de diseño El vivero, creadores de nuestra imagen, hace nuestra marca más versátil y dinámica.
La sección Focus de esta V edición se dedicará a los Países Bajos con la intención de dar visibilidad al talento y al trabajo de las directoras neerlandesas y acercar su visión del mundo al público español.
Desde que en 1911, la también actriz y escritora Caroline van Dommelen dirigiera su primera película, o que en 1995 Marleen Gorris ganara un Oscar a la mejor película extranjera, este país europeo cuenta con festivales y mercados de renombre internacional como el de Rotterdam y el IDFA, así como con una industria cinematográfica en la que cada vez más mujeres profesionales se abren paso. A ellas estará dedicada la sección Focus Países Bajos con la proyección de 7 largometrajes producidos en los últimos años, y no estrenados comercialmente en España o Madrid, que se podrán ver en las sedes de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y en Cineteca Madrid.
Esta cuidada programación se ha realizado con el apoyo de la Embajada de los Países Bajos en Madrid y en colaboración con SEE NL, la entidad que promueve el conocimiento y la visibilidad de las películas de ese país en el mundo y que trabaja por mejorar su posicionamiento en el mercado internacional.
En esta nueva edición vuelven como sedes presenciales Filmoteca Española y el Istituto Italiano di Cultura di Madrid y contaremos con más de 10 secciones específicas, entre las que destacan la Competición Internacional en el Círculo de Bellas Artes y la Competición de Autoras Españolas en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE -ambas con los largometrajes que optan a premios-, el festival dará especial visibilidad en sus secciones a las directoras árabes, chinas, francesas, italianas y latinoamericanas, mexicanas y suecas. Además de la sección “Creadora destacada”, en colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, donde proyectamos cine sobre arte y artistas.
Ya está confirmada la participación de 20 sedes presenciales, que acogerán tanto las proyecciones como las actividades formativas:
Proyecciones:
Academia de Cine
Casa Árabe (Madrid y Córdoba)
Casa América
Casa de México en España
Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes
Cinemateca Pedro Zerolo
Cineteca Madrid
Filmoteca Española
Institut Français de Madrid
Istituto Italiano di Cultura di Madrid
mk2 Palacio de Hielo
mk2 Cine Paz
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Sala Berlanga de la Fundación SGAE
Sala Equis
La Morada de Malasaña
Actividades formativas:
Casa de América
Cinemateca Pedro Zerolo
Espacio Fundación Telefónica
Goethe-Institut Madrid
Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Salón de Actos de la Escuela de Postgrado de la Universidad Camilo José Cela
La IX edición del Serielizados Fest ya calienta motores para este 2022, que tendrá su edición presencial en Barcelona (del 18 al 23 de octubre) y en Madrid (del 25 al 28 de octubre), así como una edición online a través de Filmin, que se podrá seguir a través de la plataforma del 18 al 30 de octubre.
El Serielizados Fest, primer festival internacional dedicado exclusivamente a la ficción televisiva del Estado se ha consolidado en sus anteriores ediciones como una gran apuesta en la promoción y la difusión de series para plataformas y operadores audiovisuales. Así en la edición digital de 2021, congregó a más de 230.000 espectadores, hecho que sitúa al Serielizados Fest como el segundo festival online más visto de España. A estos espectadores se le sumaron más de 6.500 que asistieron a las sesiones presenciales programadas en Barcelona y Madrid.
En esta nueva edición de 2022, la organización seguirá apostando por traer creadores/as internacionales y nacionales, estrenos de series de todo el mundo (sección oficial, panorama, short form y documentales), showcase de nuevo talento nacional, sesiones infantiles y sesiones profesionales enfocadas a la industria. En este sentido, se abre el período de inscripciones de series abierto a productores y distribuidores de todo el mundo que quieran presentar sus últimos títulos (2020-22) inéditos en España. La fecha límite será hasta el 31 de mayo 2022. Podrán ser seleccionados en las distintas secciones del festival: series, documentales y short form.
El Serielizados Fest repite las sedes de sus actividades presenciales de ediciones anteriores. En Barcelona, los asistentes podrán disfrutar de las sesiones que se realizarán en la sala Phenomena, el CCCB y CASA SEAT, mientras que en Madrid se darán cita el el Auditorio CentroCentro por segundo año consecutivo, con la colaboración de Madrid Film Office y la Academia de Cine.
Como novedad de este año, el Serielizados renueva su imagen de la mano de la agencia Snoop y presenta una nueva página web modernizada que incorporará en un único portal la revista, los festivales, podcasts, masterclass, premieres… para que sea más sencillo estar al día de todo lo que se mueve en el mundo de las series: serielizados.com
Una historia de tres mujeres relacionada por el Estado Islámico
‘Sinjar’, el tercer largometraje de la directora Anna M. Bofarull, podrá verse dentro de los Pases Especiales de la Sección Oficial que organiza el Festival de Málaga en su 25 edición y, posteriormente, en el BCN Film Fest.
La película está dirigida y producida por la propia Bofarull y muestra hasta dónde están dispuestas a llegar tres mujeres para recuperar a sus familiares, en una ficción basada en historias reales.
‘Sinjar’ está protagonizada por la reciente ganadora del Goya, Nora Navas (‘Libertad’, ‘Dolor y gloria’, ‘Pa negre’) y por la actriz Halima Ilter (‘Jiya, Zagros’). Junto a ellas, participa en la película Eman Eido, una víctima real del Estado Islámico, secuestrada y vendida con 9 años. Eido se pone por primera vez frente a cámara para este proyecto.
El filme se ha rodado en el Kurdistán iraquí, escenario de dos de las historias, grabadas en localizaciones reales en Oriente Medio. También cuenta con secuencias grabadas en las localidades de Barcelona, Tarragona y Sant Boi de Llobregat.
Los largometrajes documentales ‘Notas al pie’ (2009) y ‘Hammada’ (2011) de Anna M. Bofarull han sido premiados y proyectados en festivales internacionales como Montréal, Sao Paulo, Thessaloniki, Reykjavik, Dubai y Las Palmas, entre otros. Su primer largometraje de ficción, ‘Sonata para violonchelo’ (2015), fue proyectado y premiado en más de 20 festivales internacionales -Montréal, Málaga, Filipinas, Valladolid, Milán, Gijón, Londres, etc. Su segundo largometraje de ficción, Barcelona 1714, se estrenó en salas en 2019. ‘Sinjar’ es su tercer largometraje de ficción, seleccionado en L’Atélier – Cinéfondation del Festival de Cannes 2019 y premiado en el European Work In Progress Cologne 2020.
Integrada por la guionista y directora Anna M. Bofarull y los productores Marian Matachana y Heiko Kraft, los proyectos de KaBoGa cuentan con un marcado carácter social de interés universal, así como un espíritu joven, femenino y arriesgado. KaBoGa ha producido los largometrajes documentales Notas al pie, Hammada y La noche que no acaba, así como los largometrajes Sonata para violonchelo, Barcelona 1714 y Sinjar.
Sinopsis oficial:
En Barcelona, Carlota emprende desesperadamente la búsqueda de Marc, su hijo adolescente que ha huido de casa sin dejar rastro. A miles de kilómetros, Sinjar, la región situada en la frontera entre Irak y Siria, vive bajo la amenaza de la guerra. Allí, Hadia es obligada a vivir como esclava junto a tres de sus hijos al servicio de una familia. En cambio, Arjin consigue escapar del cautiverio y, en su intento de regresar a casa, terminar uniéndose a las milicias kurdas. Tres mujeres separadas de sus seres queridos. ¿Hasta dónde estarán dispuestas a llegar para recuperarlos?
Repasamos todo el festival de cine cutre con Holocausto Zinéfago
El pasado mes de febrero lo clausuramos entre risas y horas de sueño pues nos pasamos casi toda la semana metidos en los cuatro cines que dieron cobijo a la CutreCon XI. Siempre gozamos (y patrocinamos) este evento pues nos parece una de las mejores experiencias cinematográficas que se encuentran actualmente en activo.
En el programa os comentamos todas las películas que vimos (casi todas) y nuestras sensaciones, además de cómo fueron nuestros encuentros con los invitados. Podéis verlo al completo aquí.
Día de copias y monstruos chapuceros. ¡El año que viene superhéroes!
El cierre de la jornada y de CutreCon XI ha tenido lugar con dos maratones. Una centrada en el género kaiju y otra en los dinosaurios, como es tradición haciendo uso del leitmotiv del año. Con una afluencia alta en la sala de cine gozamos de lo más bizarro de ambos géneros. Y por si fuese poco cuatro de los asistentes se fueron con un extra, unos regalos que otorgamos Moviementarios y que podéis ver aquí.
La organización ha velado, por suerte o de manera premeditada, que las películas de la Dinotón tuviesen una conexión en el final de la última que se ha proyectado, de un modo que… tenéis que venir a CutreCon para vivir estas cosas.
¿Se ha desvelado el leitmotiv festival para el año que viene? ¡Si! ¡Superhéroes!
Estas fueron las últimas películas de CutreCon XI, una edición que repasaremos próximamente en un especial junto a Holocausto Zinéfago.
‘Kaijuton’
No ha sido una película sino muchas. Y series, trailers, spots… la organización del festival junto a Trash-O-Rama ha realizado una selección de material exclusivamente de kaijus. Hasta tres horas con canciones, peleas de señores disfrazados de monstruos, ciudades de forespan y cartón, planetas recreados con bolas de Navidad, secuencias hechas con juguetes, sobreactuaciones…
Trozos de películas que incluyen ataques de monstruos peludos como Gahera, héroes mecha como Spectreman, y por supuesto míticos como Gamera o Godzilla. Muy al estilo de la antología Tetsudón de la edición IX celebrada en 2020.
Un dinosaurio mágico recorre miles de desventuras cuando unos extraterrestres le roban un cristal que custodiaba. Es miedoso y lo único que quiere es divertirse y nadie le deja en paz. Con patines, bici y lo que haga falta, va escapando de las infinitas adversidades que se le ponen por delante.
Una sesión un tanto complicada, con un dinosaurio que no hace más que chillar y con una voz aguda que se te queda metida en la cabeza.
Del director Sompote Sands, del cual ya vimos ‘Cocodrilo’ en otra de las ediciones de CutreCon, toma hasta los mismos decorados para rodar esta cinta.
Lo mejor sin duda el disfraz del dinosaurio y el baile que se marca con uno de los que le quiere matar.
La tripulación de una nave espacial se estrella en un planeta repleto de dinosaurios. Vestidos como si fuesen una versión setentera de los ‘Power Rangers’ o los ‘4 fantásticos’. Aunque sus trajes cumplen más la función de los de ‘Star Trek’, determinar la labor de cada uno en la misión. Ray Harryhausen visitó el rodaje de la película y accedió a que una de sus criaturas de ‘El monstruo de tiempos remotos’ apareciese en el filme. Es lo único reseñable de la película.
Una cinta que ha llenado de nuevo la CutreCon de dinosaurios y de mostachos. Se escribió un papel tan vejatorio para las mujeres del reparto que con las torpezas que hacen son más causantes de la desgracia de los protagonistas que los dinosaurios que les acechan: se les olvida la radio para el SOS, mojan armas estropeándolas, dejan caer la comida por un acantilado… La trama avanza torpe y sin progresión.
Cuando una criatura caníbal aparece con un collar de diamantes, la hija del doctor Chambers, Denae, contrata a unos aventureros de rescate para encontrar de donde salen esos diamantes.
Copiando escenas de ‘El Planeta de los Dinosaurios’ nos llevan al centro de la tierra.
Persecuciones, intentos de cocina por parte de los caníbales, vemos también el vehículo que se utilizó en La fuga de ‘Logan’ y el robot es de ‘Planeta prohibido’ que además como curiosidad, aparece acreditado en un montón de películas.
Dirigida por Fred Olen Ray y con caras conocidas en el reparto (como la de Jeffrey Combs), en la película vemos un montón se sucesos sin sentido, pero con lo que me quedo, es el recuerdo de Futurama.
Con escasos medios para ser 1997, en vhs y con la marca del tracking desajustado apareciendo de vez en cuando. Hemos visto una copia que solo era para visionados autorizados y no difusión. Jeffrey Combs repite en esta cinta vestido parecido a su personaje en ‘Re-Animator’. Alarmantemente la película tiene menos calidad que ‘Re-Animator’ y ‘The phantom empire’. Y conecta con ‘Planet of dinosaurs’ al irse a la era prehistorica, vestir a los protagonistas con la misma ropa y también reciclar sus escenas de dinosaurios, pero a lo bestia.
Los autores de este filme lo quisieron lanzar en VHS pero pronto renegaron de ella. Igual que los creadores de ‘El planeta de los dinosaurios’, por eso quedó libre de derechos. Toda la película es una especie de remake que recicla imágenes de la antigua para crear otra historia. Los hay que se aburren mucho o tienen pretensiones muy descaradas.
Hoy ha sido el día en el que hemos podido estar en petit comite con los dos invitados de este año. Podréis leer su entrevista en el próximo libro de Pako Mulero o conocer más detalles en el vídeo en directo que haremos centrado en la CutreCon XI, como solemos hacer cada año. El centro de atención ha sido Sergio Martino que ha proyectado ‘Destroyer brazo de acero’ y recibido el premio Applehead Team Sah-Di-A. El director recibió el premio de manos de PacoPlaza.
JD Shapiro hizo entrega del premio del público. Un premio que ha sido votado por el público durante las dos últimas jornadas tras ver los trabajos enviados a la organización del festival. Fue la película mallorquina ‘Jostissi de Carreró’ la que se alzó con la primera estatuilla de la Sección Oficial en la historia de CutreCon. Una película muy loca, autofinanciada y con Masters del Universo.
Más adelante descubriréis una razón más para decir que este ha sido el día de los Pacos. Y además de habernos quedado en unas tres películas sin terminar, con finales inconclusos, hemos vuelto a conectar con nuestro niño, nuestro inconsciente niño, pues hemos visto de nuevo ‘Power Rangers: La película’. Y la cosa terminó a altas horas de la madrugada con la película hindú de esta edición que hizo que el público se pusiese de pie.
‘Future War’
Los amantes de la animatrónica jamás podrán defender un filme como este. Ni nadie podrá defender nunca a aquellos que caen en las garras de tan torpes dinosaurios. En ‘Future war’ unos ciborgs han abducido a humanos y dinosaurios, a los primeros para someterlos y a los segundos para usarlos de rastreadores.
Dinosaurios que explotan persiguen a un pobre imitador de Van Damme (que mira que ya es triste de por sí) que se parece a Pablo Puyol y que ha sido rescatado por una joven monja fumadora con dudas vocacionales. Es una aburridísima persecución sin continuidad alguna que solo se ha animado en presencia de las cajas, si, de cajas. Si en la eterna cuenta atrás del final hubiese habido cajas otro gallo habría cantado.
La visión de los dinosaurios es en rojo a lo Terminator, de fondo se oye un tamborileo a lo Terminator… está claro el referente. Para los seguidores de la CutreCon la sorpresa es la presencia de uno de los villanos de ‘Samurai Cop’.
Otra de las películas que no han defraudado ha sido ‘Destroyer. Brazo de acero’, película dirigida por Sergio Martino, el cual nos hizo una pequeña presentación. Paco Queruak, un ciborg que solo tiene un cometido, asesinar. Pero sus programadores no contaban con que Paco tiene sentimientos y escapa a su destino. Enamorándose de la dueña de un motel comienzan a perseguirle e intentar asesinarle.
Acción a raudales, peleas increíbles a lo ‘Blade Runner’ y escenas sacadas de ‘Terminator’ o cualquier película de los 80’, la película tiene intrépidas persecuciones con helicópteros y camiones. Un disfrute para los amantes del cine de acción y también de las cintas creadas con poco presupuesto.
Paródica sin duda. Todos los tópicos del cine de acción en esta película que imita los villanos latinos, el héroe de frases lapidarias o sarcásticas, las mujeres objeto, los secuaces sin nombre… Con tono de comedia y amor por la acción el asturiano EduardoCastejón reparte hostias como cachopos.
Esta serie presentada con sus primeros episodios montados como una película nos habla de Latimer Justicia, un detective que busca vengar a su hermano. Para narrar esta historia tira de frases típicas de esas películas llenas de testosterona y tiros, pero también de Pimpinela. Y para más inri se hace mofa y se saca provecho del parecido del responsable del filme con Keanu Reeves.
Una obra con aire de after hours barato y desguace despreocupada por la calidad del sonido de doblaje, el etalonaje, los acentos mal imitados, el barco metido en la piscina… pero sobre todo por su montaje que se presenta confuso y caótico. Es consciente de su carácter cómico y de ahí que hasta coja la música de títulos hollywoodienses como ‘007’, ‘Rocky’… Aunque la calidad es la que es, se reconoce el mérito de sacarla adelante y se agradece su sinceridad o sus ganas de divertir.
Bryan Spicer fue el encargado de llevar al cine la cinta de ‘Power Rangers: la película’, continuación directa de la serie. Y que queréis que os diga, la recordaba mucho peor. Sí, el ambiente CutreCon ayuda en este tipo de visionados. Qué deciros, el malvado Ivan Ooze llega a la Tierra para ponérselo crudo a la humanidad y a los Power Rangers. Ellos deben de reinventarse para poder ayudar a Zordon y salvar a La Tierra.
Mechas, esbirros inútiles y muchos mocos morados es lo que vemos en esta película con un CGI terriblemente malo. Claro que estamos hablando de una película del 95 y sin duda querían innovar y demostrar que podían hacer cosas por ordenador.
¿Cine hindú es sinónimo de color y canciones? Pues en este caso sí. Y menos mal que nos han puesto el corte comercialmente preparado para occidente pues originalmente duraba unas tres horas. Aun así, la hora y media conservada se hace larga por todos sus momentos musicales que en más de una ocasión ha hecho ponerse en pie a los espectadores. No obstante, no ha sido la película de castigo pues las actuaciones siguen siendo tan cómicamente diferentes a las nuestras y tiene momentos de acción que solo pueden calificarse de “flipada”.
Si la película dura tanto no es solo por sus extensos videoclips, también por sus numerosas cámaras lentas, el director debe ser fan de Zack Snyder. Es una trama de justicia y venganza con tintes delictivos y sobre todo telenovelescos.
Recibiendo a un maestro y estrenando Sección Oficial a Concurso
El día de hoy ha celebrado su tercera y última jornada en la Universidad Complutense. Allí se ha proyectado ‘2019: Tras la caída de Nueva York’. Pero lo más interesante es que ha estado presente su director, el italiano Sergio Martino. El cineasta, también nombre destacado del giallo, ha sido reconocido con el Premio Applehead Team Sah-Di-A. “Me hace ilusión o gracia ver que hay aquí mucha gente joven que ni había nacido cuando hice la película” ha dicho Martino antes del pase. En el siguiente vídeo podéis verle y descubrir que fue quien dirigió a Nicole Kidman en sus orígenes.
También hemos vuelto a la casa del año pasado, el mk2 Palacio de Hielo, donde hemos podido estrenar la Sección Oficial del festival con cuatro primeros títulos. CutreCon XI ha seleccionado a concurso películas que el público ha votado o votará también el sábado y que tendrán su recompensa con el premio que se entregará de la mano de J.D. Shapiro, invitado estrella del año pasado. Os comentamos todas las películas en nuestras minicríticas habituales.
‘2019: Tras la caída de Nueva York’
De una Nueva York apocalíptica y tiranizada la película nos lleva a una competición tipo Carmageddon en el desierto de Nevada y luego a una base en Alaska. El mundo está devastado y contaminado por la radioactividad y Parsifal, el protagonista se encuentra con la posibilidad de viajar a Alfa Centauro, donde la humanidad se va a mudar. Pero para ello ha de encontrar a una mujer en la peligrosa y derruida Nueva York.
Parte del filme transcurre fuera de la ciudad que le da título y además tienen sabor a ‘Hijos de los hombres’ pues se observan muchos planos en común. Eso si, cuando nos lleva a esa Nueva York que parece la subterránea de Futurama, está tan vilmente recreada que hasta se percibía su olor. Y nos maestra el Picasso por cierto.
Por supuesto, fruto de su época, la única mujer que aparece impoluta entre tanta miseria y por lo tanto sexualizada es la que le hace tilín al protagonista. De todos modos la película de Sergio Martino (firmada como Martin Dolman) es una aventura… una aventura. Se perciben sus límites presupuestarios y de la tecnología de la época.
Este maravilloso cortometraje dirigido por Adrián Cardona y David Muñoz (‘Firs os Jesus’), nos lleva a un mundo a los Mad Max en el que Papa Noel solo quiere darle un regalo a la única buena persona de este nuevo mundo, el cual se encuentra en un aprieto con un montón de matones. Mucho gore gracias a juguetes utilizados como armas y con muy buena producción.
Ambientada en Levante, la película nos cuenta la historia de Marty, un chaval adoptado por una familia mafiosa. Poco a poco se va desgranando una trama llena de crímenes y secretos.
Rodada en blanco y negro y con muy poco presupuesto, dejan ver el amor al cine de Tarantino. Nos hemos divertido mucho gracias a sus frases profundas antes y después de asesinar a alguien.
Aunque no tenga buen sonido y algunos planos sean un poco torpes, la película no está mal dirigida y se nota el cariño hacia el cine negro desde el minuto uno. Un buen ejemplo de que no hace falta mucho para contar una historia.
Golam, un hombre solitario regresa a Porto Cristo, donde un grupo criminal, conocido como “La Banda del Lobo”, controla las calles de este idílico pueblo.
La película es un sinfín de referencias a la cultura pop, ‘He-Man’, ‘Dragon Ball’, ‘Perseguido’, ‘Destroyer’, ‘El resplandor’… por nombrar unas cuantas, y la verdad que es muy divertido ver a los diferentes esbirros enfrentarse a nuestro héroe.
Tiene buena manufactura, vemos efectos que aunque cutres son muy resolutivos y la verdad que se han trabajado mucho todo el tema de referencias por todos lados, utilizándolas con inteligencia de manera que sirvan para la historia, que no estén ahí por estar.
Pues si, hay un montaje para el público de norteamérica y otro para el japonés de esta película que junta a dos de los grandes monstruos del cine. Pero es la versión que se estrenó en 1963, no la que vimos en 2021. En esta versión depende de que montaje veas la duración cambia pero sobre todo se modifica el desenlace de este titánico enfrentamiento.
Confrontación que no tiene ni pies ni cabeza con los argumentos que se plantean. Pero es que la pelea también es un desternillante sin fin de golpetazos entre dos señores disfrazados, llegando a tener un tronchante momento vegano. Parece un torpe enfrentamiento de lucha libre en el que los luchadores están borrachos y con agujetas. Como siempre, le falta más monstruo y sobran humanos, aunque destrucción de edificios (o maquetas) no falta.
De dinosaurios de baratillo a matanzas garrulas gallegas a camas elásticas turcas
La mañana del segundo día de CutreCon XI (24 de febrero) ha empezado haciendo honor al leitmotiv del festival, los dinosaurios con dos filmes que, de manera justificada o no, han incluido los dinosaurios en la trama.
El coloquio de hoy ha tenido lugar tras la proyección de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’. Ha estado presente Sylvia Superstar, artista integrante del filme, Nico Campos (experto en la película) y Ricardo Llovo (uno de los dos directores de la obra). Ricardo “yo después cogí y me fui al campo”. Nico Campos hizo un documental de la película que ha sido proyectado también en la misma jornada: “es gracioso que hiciese un documental con más presupuesto que la película y aun así la película es mejor”. Podéis ver toda la charla en el siguiente vídeo.
La noche se ha cerrado con dos películas turcas protagonizadas por Kuneit Arkin. Al final del artículo, justo antes de la galería de fotos, tenéis sus reseñas.
‘Trog’
La última película de Joan Crawford que eligió este filme para dar final a su carrera. Una decisión similar al cabezazo Zidane que hizo que se fuese con una roja bien merecida. Un filme que avergonzaría Ray Harryhausen pues (no se si de manera consentida o no) utiliza escenas de ‘El mundo de los animales’ donde recreó dinosaurios junto a Willis H. O’Brien.
Unos espeleólogos descubren una salvaje criatura en una cueva. Un troglodita. A partir de ahí el filme es un trasunto de Tarzán centrado en el debate e investigación de lo que creen que es el eslabón perdido. ¿Suena aburrido? Lo es, pero te diviertes con la criatura qje está hecha con una máscara de carnaval y unas pantuflas peludas de estar por casa. Y sumado a eso un final tipo Leatherface.
Un filme muy british de la Warner en el que también actuó Michael Gough, quien hizo de Alfred en los Batman de Tim Burton.
Otro filme de los 70. Trust es una corporación que comanda una expedición en la que pierden a varios hombres tras descubrir a un dinosaurio. Merecido se lo tenían si eran tan misóginos, racistas, machistas y prejuiciosos como la película. No puede cumplir más estereotipos rancios.
Escenas gore entre dinosaurios, maquetazas, música melódica, dinosaurios fatalmente recreados… La imagen a veces se ralentiza o faltan frames… Sabiendo que eran los mismos que hacían antiguamente a Godzilla no es de extrañar. De hecho, suena de vez en cuando el grito de Godzilla. Es una mezcla de ‘Viaje al centro de la tierra’ con ‘Kingkong’ y alguna escena a lo ‘Jurassic Park’ pero con argucias y momentos soeces. Al final acaba siendo una especie de traslación de la lucha de Ahab contra Moby Dick.
Desde Galicia y con muchas caras conocidas en España una película con gore de baratillo y mucha provocación, pero sin pretensiones que se puedan tomar en serio. Un filme poco conocido en su tierra rodado en 4:3 y siguiendo la estela de las películas slasher norteamericanas, sobre todo de ‘La matanza de Texas’, pero en la Galicia rural.
Los propios títulos de crédito iniciales presentando a los personajes hacen un spoiler mostrando quiénes mueren. Deslenguada, sucia, ruidosa y despreocupada película con rock y punk de fondo. Mucho humor negro relacionado con el canibalismo y casquería con momentos acompañados de música infantil y onomatopeyas de dibujos infantiles. Encima acaba a lo ‘Garrulos en dinerolandis’. Es tan turbia que haría desmayarse a cualquiera de los pertenecientes a la llamada “generación de cristal”. Lo de Galicia Calidade es puro sarcasmo en este caso.
ToniCosta, SantiagoSegura, los participantes de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’ o personas de su entorno hablan sobre la figura del co-director de la mencionada película, Antonio “Toñito” Blanco.
Descubrimos en este documental de 2006 aquí que el germen de la película era un musical y una función teatral, teniendo como referente ‘Rocky Horror Picture Show’. Además de eso el documental recorre las peripecias del rodaje, que le costó a los amigos de los dos directores 300.000 pesetas, 2000 del bolsillo de cada uno. Rodaron la escena de los desenterradores al lado de un entierro, tuvieron problemas con el dueño de un sembrado de centeno, rodaron con sangre, orina y vísceras de verdad… Reunieron muchos amigos, muchas ganas y muchajeta.
Si esta película se llama como se llama es porque coge, literalmente coge, imágenes de Star Wars. Al filme se le estropearon los decorados y lo arreglaron cogiendo escenas de Star Wars robadas de un cine. Solo sabiendo eso se entienden las incoherencias que tiene y la razón por la que no tiene derechos de autor. Pero no se quedan ahí pues se fusila también la banda sonora y efectos de sonido de ‘Flash Gordon’ o ‘Indiana Jones’, por ejemplo.
Seguramente no me equivoque al decir que esta es la película con más camas elásticas que haya visto nunca. Para llevar a cabo la acción de los protagonistas, que son una especie de Ángel Cristo mezclados con El Puma y Georgie Dann, se usan muchas camas elásticas, piedras de corcho y trucos de cámara. Y como escenario parajes tipo La Capadocia, lo único salvable.
¿La trama? Dos pilotos acaban varados en un planeta desconocido mientras unos extraterrestres (que usan naves tanto de los Rebeldes como del Imperio de ‘Star Wars’) les persiguen para acabar con la humanidad. Algo gracioso, por seleccionar una cosa más, esos villanos que les atacan son monstruos de peluche, chinos mandarines, momias de papel higiénico… y la trama acaba estando relacionada con un Islam y el cristianismo que según la película viene desde los mayas, no digo más.
Ninjas turcos con los efectos de sonido de películas tipo Bruce Lee. Como el ‘Star Wars’ turco también protagonizada por Kuneit Arkin, también con camas elásticas y también con las momias de celulosa. De hecho repiten unos cuantos actores del ‘Star Wars’ turco.
El inicio es una mezcla de varias localizaciones distintas con tramas diferentes y a priori inconexas. Y efectivamente así es la película, son sentido e incomprensible. No hay sentido ninguno de la continuidad entre peleas y tramas presuntamente policiales.
CutreCon XI ha dado el pistoletazo de salida. Y lo ha hecho estrenando sede, una de las cuatro que tiene este año. La Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid ha cogido la sesión gratuita y mañanera en la que hemos visto películas hechas con toda la ilusión del mundo pero que tienen una factura de ínfima calidad.
La rueda de prensa de apertura de CutreCon XI ha contado con uno de los invitados de este año, Alan Hofmanis, el representante internacional de Wakaliwood. Aunque realmente deberíamos nombrarle por su nombre ugandés, pero se nos hace del todo imposible de recordar e incluso de pronunciar. En Uganda es conocido por el nombre que le puso su madre pero también tiene segundos nombres como waka (casa de las cabras, de ahí WAKAliwood) o labtop por ser el único con portátil en todo el suburbio. Él nos contó que lleva “11 años trabajando con Isaac Nabwana en Uganda, les represento por el mundo y ahora con el COVID no es fácil”. Sobre su fenómeno viral nos dijo que “Ni siquiera querían hacer cine para exportar, incluso ni por el país porque tienen distintas lenguas, era para divertirse. Hasta que se filtraron 90 segundos de ‘Quién mató al capitán Alex’ y se hizo viral. Yo lo vi, acabé vendiendo todo y me fui allá”. “Es un cine que me hace sentir como un niño de nuevo” ha declarado Hofmanis.
Si habéis ido a CutreCon algún año quizás sabéis en qué consiste Wakaliwood pero en CutreCon XI hemos descubierto qué supone España para los humildes ciudadanos que hacen cine desde África. “España es muy importante porque fue el primer sitio donde se tradujo y se proyectó, a partir de ahí el resto de países, los últimos, los americanos”. “Fui director de un festival en el que Del Toro o Scorsese fueron invitados. Para mi Isaac está a ese nivel. Él no mira tutoriales, aprende sobre la marcha y crea herramientas recicladas para sus rodajes. Como decía una frase de Eminem no hay que mirar alto, hay que mirar abajo y ver lo que tienes a mano”.
Aunque pudimos ver un divertido vídeo de Nabwana cogiendo el premio Jess Franco en Uganada, Alan Hofmanis recogió el premio que el festival le ha otorgado de las manos de Enrique L. Lavigne. “No sabemos nada, estos países van a comer vivos y me alegro de ello” dijo el productor. Y tras ello hemos podido tener una conexión en directo con el director. En los siguientes vídeos podéis ver esa conexión y el Q&A con Hofmanis tras las proyecciones.
Entre evento o proyección CutreCon XI ha presentado el libro editado por Applehead Team. Un libro que recoge carteles y momentos de las diez ediciones pasadas. Un recopilatorio que sirve como guía de cine chusco, una colección ideal para sacar sugerencias de visionados con los amigos. Además cuenta con fotografías publicadas por Moviementarios en los artículos que hemos ido publicando a modo de diario año tras año.
Además, para terminar la primera jornada de Cutrecon XI, hemos podido acudir a la Cineteca del Matadero de Madrid para la ver la que ha sido la sesión inaugural con ‘New York Ninja’. Un pase que estuvo a con el cartel de “no hay entradas”, como es costumbre en este evento al cual acudieron nuevos y sorprendidos espectadores además del grupo de parroquianos habituales que con los gags y chistes recurrentes de siempre ha amenizado tan desastrosa película.
Comentarios de todo lo visto a continuación y fotos del día al final del artículo.
‘Bad Black’
Wakaliwood es una constante y un éxito asegurado en la CutreCon. ‘Bad Black’ ya estuvo en el festival, de varias maneras porque tiene una escena post créditos y gags que aluden al propio festival. Es una película con el sello diferenciador de Wakaliwood, con todo lo que eso supone, pero con un guión y una trama que están la mar de trabajados.
El humor, la acción y el ritmo loco de las películas de Nabwana I.G.G han vuelto para sorprender a los alumnos de la Universidad Complutense que seguro que han tomado nota de lo que hay que hacer para echarle ganas a esta profesión y de lo que no hay que hacer para conseguir la calidad deseada.
Como aliciente para los fans de Wakaliwood, a parte de las carcajadas habituales… en este filme se desvela quién mató a Capitán Alex.
Si el nombre de Wakaliwood os suena raro por la película que hemos comentado antes podéis ver este documental o leer este artículo que escribimos explicando en qué consiste este fenómeno africano. Esta película de Cathryne Czubek y Hugo Perez se mete de lleno en el set de rodaje del cineasta Nabwana I.G.G. para contarnos cómo desde un pequeño barrio Uganda ha llegado a todo el mundo. Desde un lugar que tiene luz eléctrica días si y días no estos ciudadanos han conseguido mostrarnos que con poco se puede hacer cine, de la calidad que sea, pero siempre con muchísima ilusión.
La película de Víctor Matellano también es una dicotomía como las comentadas anteriormente. Mientras que Matellano ha hecho un estupendo documental, con ritmo, humor, información y buen guión, la película o fenómeno del que nos habla supone todo un desastre cinematográfico, en lo que se refiere a comercialmente hablando. Este documental, repleto de referencias al spanish horror (o fantaterror) nos cuenta como el filme ‘Los resucitados’ ha tardado más de 20 años en ver la luz. Y no es de extrañar cuando escuchamos los testimonios de tan caótico rodaje.
Pero aunque la película saliese mal parada ‘Mi adorado monster’ pone en relevancia que tras un fracaso hay ilusión y lo que para nosotros puede ser un fiasco para su autor puede haber sido un éxito. Que levante la mano el que haya conseguido reunir a muchos actores (ahora de renombre) y rodar la película que tiene en mente… pues eso. Si queréis un texto más completo tenéis nuestra crítica extendida aquí.
Para terminar la jornada nos fuimos a Cineteca de Madrid en Matadero con ‘New York ninja’. Dirigida, escrita y protagonizada por John Liu. Irónico es que el director fue acusado de trata de blancas y en ‘New York ninja’ es justo lo que denuncia.
Nos vamos a Nueva York, en donde una joven pareja se acaba de enterar de que van a ser padres. La mujer ve algo que no tiene que ver y termina siendo asesinada. Su enamorado, decide plantarse en las calles de la ciudad vestido de Ninja con patines y acabar con la delincuencia y evitar la trata de blancas.
Nos ha dado mucho juego en la sala, gracias a la actuación exagerada de John Liu que bien podría ser maestro de Tommy Wiseau. Con una sala completamente llena, las risas y los gritos han sido los grandes protagonistas de la hora y media de película.
Como curiosidad, por falta de dinero esta cinta dirigida en 1984 no se llegó a montar, pero gracias al distribuidor Vinegar Syndrome en 2021 se estrenó, cuando el metraje fue descubierto y restaurado por ellos.
Será presentada en el Festival de Málaga y el 8 de abril en Netflix
Netflix anuncia la fecha de estreno de ‘Las niñas de cristal’, la nueva película del director Jota Linares (¿A quién te llevarías a una isla desierta?). Un drama psicológico en el que vuelve a contar con la actriz y bailarina María Pedraza como protagonista, quien interpreta a la gran estrella del Ballet Clásico Nacional bajo las órdenes del coreógrafo y Premio Nacional de Danza Antonio Ruz.
La película, que competirá por la Biznaga de Oro del Festival de Málaga, se estrenará mundialmente en Netflix el 8 de abril.
La cinta, escrita por el propio Jota Linares y Jorge Naranjo y producida por Juan Solá, Nacho Manubens, Toni Sevilla y Mark Albela de Federation Spain, completa su reparto principal con actrices de prestigio como Mona Martínez, Marta Hazas y Ana Wagener, nuevo talento como Olivia Baglivi y Juanjo Almeida y un elenco de bailarines profesionales que debutan en la interpretación, encabezado por Paula Losada.
Un reparto de lujo para el proyecto más personal del director, Jota Linares: “esta es mi película más honesta, habla a través de la ficción de todas mis obsesiones, sobre qué es el éxito y el fracaso y la frontera difusa que existe entre uno y otro”.
Sinopsis oficial:
Después de que la estrella del Ballet Clásico Nacional se suicide trágicamente, Irene es seleccionada para ocupar su lugar en la mayor producción de ballet de la compañía: Giselle. Ahora, siendo el blanco de todos los celos y la crueldad de sus compañeras, Irene encuentra una amiga en la nueva bailarina, Aurora, una solitaria adolescente dominada por su madre. Aisladas y presionadas por el sacrificio que supone triunfar en la danza, la relación de Irene y Aurora se vuelve cada vez más cercana, a la vez que obsesiva. Juntas emprenden una huida hacia adelante en busca de sí mismas.
Un festival de cine cutre. Probablemente pensaréis que no sois el público objetivo para ese tipo de evento. Eso decían los que se atrevieron a ir al menos una vez y ahora son público asiduo. Ya que estamos a una semana del arranque de la CutreCon XI os hemos querido daros 11 razones que seguro os picarán la curiosidad. Una vez entréis en la CutreCon no vais a querer salir de ella.
Ambiente
Moviementarios se hizo patrocinador de la CutreCon por el ambiente. No es que por ser patrocinadores te digamos que el ambiente es el mejor. Desde casi sus inicios acudimos al evento y es tan divertido que decidimos invertir en él. Hoy en día se prima la experiencia hasta casi manosear el término. En CutreCon es 100% veraz que vives una experiencia de ambiente diferente, descacharrante y amigable. Esta es la prioridad y no podía faltar entre estas 11 razones.
Dinosaurios
Siempre hay un leitmotiv en CutreCon, este año son los dinosaurios. El cierre del evento tendrá lugar con una maratón de 7 horas con cuatro películas de dinosaurios que incluyen disfraces, viajes en el tiempo, viajes al espacio… Cualquier majadería que se os pueda ocurrir que se haya podido hacer con criaturas jurásicas tened por seguro que se ha hecho y estará en las pantallas del festival. Casi el 33% de la programación girará en torno a las extintas criaturas tan mal recreadas a veces en el cine, no os podéis imaginar con qué hacen los dinosaurios de estas películas.
Invitados
La magnitud del evento ha llegado hasta tal extremo que ya trae hasta invitados internacionales. Artistas que comprenden desde directores hasta actores de los filmes que se proyectan. Por supuesto ellos son conscientes de que su obra ha pasado a la posteridad como algo que no hay que hacer si quieres triunfar en el cine, pero eso ya les convierte en puros triunfadores pues disfrutan con el público de un modo desenfadado y sano. En CutreCon ha estado el guionista de ‘Jungla de Cristal’ (Steven E. de Souza), uno de los protagonistas de ‘The Room’ (Greg Sestero) o directores de terror italiano como Luiggi Cozzi o Claudio Fragasso. Este año Sergio Martino es el invitado. Una figura importante del Giallo que estará en el festival pero por su autoría en dos películas que claramente aluden a títulos de Hollywood como ‘Rescate en Nueva York’ o ‘Terminator’, una de ellas con un cyborg llamado Paco.
Desinhibición
¿Sabes esa sensación que experimentas al salir de un spa tras haber sobrevivido a la peor temporada de tu trabajo? Así sales de CutreCon. Los remedios para las agujetas tienen que estar a mano porque te ríes tanto que acabas con el six pack (o la tripa cervecera) dolorido. En las proyecciones del Festival de Cine Cutre de Madrid puedes sentirte libre de gritar lo que quieras, mirar le móvil, cantar, hacer chistes… Es un espacio abierto a todo tipo de miradas y humor. Se podría decir que es lo mismo que ir a un espectáculo deportivo donde hay abucheos, ovaciones y comentarios.
Distintas sedes
Si resides en Madrid no tienes excusa. El festival tiene distintas sedes y malo será que no te cuadre en algún horario. Este año hay cuatro ubicaciones distintas a acudir en los diferentes días: la Facultad de Ciencia de la Información de la UCM, la Cineteca de Matadero de Madrid, y los cines mk2 tanto el de Cine Paz como el de Palacio de Hielo. Emplazamientos repartidos que van a llenarse de risas y también de mucha información la mar de interesante. Y es que además hay actividades que hacen que crezca nuestro conocimiento sobre el cine, sea del género que sea.
Nostalgia noventera
Los noventa tuvieron muchos estrenos comerciales que terminaron siendo altamente criticados. En CutreCon se procura proyectar siempre alguna de esas películas que pusieron el hype por las nubes y terminaron con la puntuación por los suelos. Ejemplos de ello son ‘Street Fighter’ o ‘Super Marios Bros.’. Los Power Rangers tuvieron su momento así y este año amenizará el sábado por la noche. Si es que… donde estén los Bioman…
Películas nunca vistas
Si has llegado hasta aquí seguro que ya imaginarás que las películas que se ven en el festival están casi todas fuera del radar de bases de datos como Filmaffinity. Son títulos que no son lo que pretendían, que en la mente de sus autores lucían muy bien y en la mirada de los espectadores pintan desastrosas. Son títulos que desafían toda lógica o física. El festival consigue copias de títulos remasterizados, de películas nunca traducidas, de grabaciones perdidas en el tiempo… Y también de documentales que nos hablan de la trayectoria de muchos de estos desastres cinematográficos. Todo ello con subtítulos propios que animan el cotarro sin modificar la historia.
En la inminente edición habrá maratones con kaijus, con dinosaurios o robots. No faltarán los plagios de Star Wars, el cine de Uganda (adoramos Wakaliwood), los ninjas doblados… Y como extra este año además hay Sección Oficial. CutreCon ha recibido muchos trabajos y ha seleccionado cinco “obras” que el público podrá votar para elegir un ganador.
Precio
Si antes decía que la experiencia era el punto fuerte, la otra de las 11 razones importantes para acudir es su precio. Desde sesiones gratuitas hasta pases a precios de día del espectador. Incluye además la posibilidad de adquirir diferentes tipos de abonos, si ya era barato a eso ponle el ahorro que supone comprar un abono que reúna varias entradas juntas.
Seguridad COVID
Por supuesto el festival no olvida que la pandemia aún no ha terminado. El año pasado realizó su décima edición sin ningún altercado y con el público sintiéndose como en casa. Este año no será menos y hasta aquellos más aprensivos con el tema del COVID-19 podrán estar tranquilos en la sala. Aquí tenéis una descripción de las medidas adoptadas.
Sorteos
¡Habrá regalos! Para los asistentes (de manera presencial y a la CutreCon Online) va ha haber diferentes sorteos. Estarán repartidos por diferentes días y podemos daros detalles de los sorteos que habrá en la maratón de clausura ya que corren por nuestra cuenta. Si queréis saber qué jurásicos regalos daremos de manera aleatoria haced clic en esta entrada.
Tenderetes
En las distintas sedes se habilitan puestos con material jugoso para los asistentes. Además del propio merchandising que tiene el festival encontraréis puestos con libros, figuras, camisetas… Todo tipo de objetos obviamente relacionados con el cine de serie B o Z. Entre las joyas de este año está el libro que ha editado Applehead Team en el que podemos decir orgullosamente que hemos participado con material gráfico. Os gastaréis los dineros seguro.
Si queréis estas 11 razones que os hemos dado no son suficientes tenéís más detalles sobre el evento en su web oficial o también podéis pasaros por el vídeo de la rueda de prensa previa a la celebración de la XI edición.
Una película con la que más de una persona se va a ver indentificada
Pronto publicaremos nuestra crítica de ‘A tiempo completo’. Esperaremos a que se acerque su estreno en cines el 25 de marzo. Mientras podemos ofreceros un primer tráiler que nos ha llegado a través de su distribuidora en España, Festival Films.
Este es el segundo largometraje del director francés Éric Gravel (‘Aglaé, a prueba de choque’) protagonizado por una deslumbrante Laure Calamy (‘Solo las bestias’, ‘Vacaciones contigo… y tu mujer’). Es una película que no nos extraña que en su presentación en el Festival Internacional de Cine de Venecia se alzase con los reconocimientos de Premio Orizzonti al Mejor Director (Éric Gravel) y a la Mejor Actriz (Laure Calamy).
Sinopsis oficial:
Julie hace un esfuerzo titánico para criar a sus dos hijos en las afueras de París y conservar al mismo tiempo su empleo en un hotel de lujo en el centro. Justo cuando consigue una entrevista para el trabajo que llevaba tiempo deseando, estalla una huelga general que paraliza todo el transporte público y pone en riesgo el delicado equilibrio que Julie había construido. Comienza entonces una carrera enloquecida contra el tiempo en la que Julie no puede permitirse flaquear.
Moviementarios aporta así su granito de arena en esta jurásica edición
Vuelve la CutreCon un año más (del 23 al 27 de febrero de 2022) y como viene siendo habitual Moviementarios.com se implica en la celebración de este divertido evento que más que una serie de proyecciones es toda una experiencia. Para la onceava CutreCon vamos a tener películas de todo tipo, pero el leitmotiv serán las “obras” que incluyen dinosaurios en sus tramas.
Os podéis imaginar. Los efectos especiales más pobres, los disfraces más ridículos o los argumentos más disparatados se van a poder ver en las pantallas de las diferentes sedes de la CutreCon. En concreto, en su último día, el domingo 27 de febrero a las 16h en el mk2 Palacio de Hielo, tendrá lugar la DINOTÓN. Una maratón de películas que nos llevará a mundos jurásicos… o algo así. Tenéis más información aquí.
Y para mayor premio para los asistentes a la Dinotón, que bastante se van a divertir, Moviementarios ha preparado una serie de premios. Aquellos que acudan podrán optar a ganar alguno de los artículos que os enumeramos a continuación.
Una divertida máscara de dinosaurio. Ideal para los días de carnaval o para asustar a lo creacionistas o al del gas cuando viene a tomar nota de los contadores.
Un ejemplar de Hace un millón de años dedicado por Octavio David López Sanjuán. Un completísimo y divertidísimo libro que trata el cine con dinosaurios de 1914 a 1987, desde la primera película hasta nuestros días.
Una maquinita de videojuegos vintage, modelo QGH 37B, con su caja original. Con un juego de dinosaurios tipo invaders y una clara imitación a Godzilla en su portada.
Un pack con dos películas (de Godzilla y King Kong) junto a un vinilo del single de “El dinosaurio” de Georgie Dann.
La sede del festival se traslada al céntrico Cine Paz
El 14 Festival de Cine Italiano de Madrid se celebrará el jueves 25 de noviembre y hasta el 2 de diciembre, con una apuesta firme por la presencialidad. Sin renunciar a la experiencia del streaming en la proyección de sus largometrajes, su objetivo es permitir que el mejor cine italiano sea accesible a todo tipo de público y llegue también fuera de las fronteras de Madrid.
En esta 14ª edición, organizada por el Instituto Italiano de Cultura de Madrid bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, se proyectarán de forma gratuita (previa reserva de entrada en la web), más de 30 títulos; 6 cortometrajes, 6 documentales y 9 largometrajes formarán parte de las secciones oficiales. Todas estas películas participantes son una selección de las mejores producciones italianas del año que podrán verse en España en preestreno a través de este festival, en VOSE.
Este año la cita cambia de espacio y se muda al céntrico Cine Paz, el cuarto cine en activo más antiguo de Madrid, que se caracteriza por defender el mejor cine europeo, tanto a través de su cartelera de estrenos como con sus colaboraciones con festivales. Con esta alianza con el Festival de Cine Italiano de Madrid ponen de manifiesto su claro objetivo de difundir y celebrar la cinematografía contemporánea italiana mostrando todo su apoyo a uno de los certámenes más consolidados de la capital.
Asimismo, en la sede del Istituto Italiano di Cultura di Madrid se desarrollarán varias y sorprendentes actividades paralelas para que el público de todas las edades y diferentes intereses pueda disfrutar del cine italiano. El 27 de noviembre, en colaboración con el Giffoni Festival, festival de cine juvenil de la ciudad italiana de Giffoni Valle Piana, en Campania, se proyectará una selección de títulos para un público juvenil (a partir de los 8 años). Y durante las mañanas del festival habrá un espacio destacado para la venerada Commedia all’italiana, con la proyección de varios clásicos que son y han sido el orgullo de Italia.
Títulos y secciones
Commedia all’italiana:
Ieri, oggi, domani, Vittorio De sica, 1964, con Sofia Loren e Marcello Mastroianni
C’eravamo tanto amati, Ettore Scola, 1974, con Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Nino Manfredi
Bianco rosso e verdone, Carlo Verdone, 1981, con Carlo Verdone, Elena Fabrizi, Angelo Infanti
Il Ciclone, Leonardo Pieraccioni, 1996, con Leonardo Pieraccioni
Scialla, di Francesco Bruni, 2011, con Fabrizio Bentivoglio, Barbara Bobulova
Cortometrajes a concurso:
IL GIOCO, de Daniele Pini, IL TURNO de Chiara Marotta y Loris Giuseppe Nese, L’INCANTO de Chiara Caterina, LA PREGHIERA DELLA SERA de Giuseppe Piccioni, BIG de Daniele Pini y CORIANDOLI de Maddalena Stornariolo.
Documentales a concurso:
LA MACCHINA DELLE IMMAGINI DI ALFREDO C.de Roland Sejko, Ezio Bosso. LE COSE CHE RESTANO de Giorgio Verdelli, SENZA FINE de Elisa Fuksas, IL PALAZZO de Federico di Giacomo, EMPTY MAN de Davide Romeo Meraviglia y GAME OF THE YEAR de Alessandro Radaeli.
Largometrajes a concurso:
UNA RELAZIONE de Stefano Sardo, IL SILENZIO GRANDE de Alessandro Gassman, I NOSTRI FANTASMI de Alessandro Capitani, MOTHER LODE de Matteo Tortone, YAYA E LENNIE de Alessandro Rak, PER TUTTA LA VITA de Paolo Costella, MONDOCANE de Alessandro Celli, IL BAMBINO NASCOSTO de Roberto Ando.
Cèlia Novis y LauraWandel premiadas por los jurados
El pasado sábado tuvo lugar en el Palacio de la Prensa de Madrid la Gala de Clausura del IV Festival Cine por Mujeres, presentada por la periodista y monologuista Nerea Pérezde las Heras, a la que asistieron numerosas actrices, directoras de cine y destacadas autoridades.
Durante el transcurso de la velada la directora del Festival hizo entrega del PREMIO A MEJOR PELÍCULA «COMPETICIÓN AUTORAS ESPAÑOLAS», que consiste en 3.000€ en descuentos de alquiler de equipos cinematográficos por cortesía de la empresa RC Service y un teléfono móvil modelo 11 Lite 5G, cortesía de Xiaomi España.
Este premio ha sido dirimido por un jurado integrado por María Cabal, Daniel Farriol y SusanaCabeza, críticos y blogueros de la Asociación BLOGOS de ORO, que ha otorgado el premio a la película “Once Upon a Place” de la directora Cèlia Novis, “por mostrar una historia desconocida, interesante e histórica (la de la emigración española a los EEUU), con una narración que cautiva y te mete de lleno en la Calle 14 de Nueva York”.
A continuación, la actriz Nathalie Poza, miembro del jurado internacional compuesto en esta edición por Shahrbanoo Sadat, Casimiro Torreiro y la actriz, hizo entrega del Premio a la Mejor Película del Festival Cine por Mujeres 2021, que consiste en la corrección de color en 4K durante 3 semanas en la sala Místika de cine digital de Free Your Mind, valorado en 30.000€, para el próximo largometraje de la directora ganadora; en la creación de un DCP en versión original subtitulada en español a cargo de la empresa Subtitula’m, valorado en 1.000€; y un teléfono móvil modelo 11 Lite 5G, cortesía de Xiaomi España.
Dicho premio fue otorgado a la película “Un monde (Playground)”, de la directora belga LauraWandel porque “Detrás de su aparente sencillez encierra una enorme lección de sabiduría cinematográfica, al tiempo que nos zambulle de vuelta en el mundo de la infancia y sus miedos a través de la percepción de una niña de 8 años. Construye una ejemplar metáfora sobre la educación, el amor filial y la necesidad de integración.”
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