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Crítica: ‘Wicked’

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Sinopsis

Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, WICKED llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.

Crítica

Su magia hizo desaparecer mi escepticismo

Cuando uno escucha que Hollywood ha decidido adaptar el exitoso musical ‘Wicked’, derivado a su vez de las novelas de Gregory Maguire y con raíces profundas y más que evidentes en ‘El mago de Oz’, lo normal es sentir cierto recelo. ¿Otro remake? ¿Otra adaptación? ¿Otra excusa para explotar una franquicia clásica estirando el chicle? Pero he aquí la sorpresa: ‘Wicked’, dirigida por Jon M. Chu con un toque inesperadamente magistral, logra no solo justificar su existencia sino brillar como una de las adaptaciones más sólidas de los últimos años. La verdad es que mi incredulidad estaba injustificada pues, aunque no soy precisamente público del género, este director ha demostrado en más de una ocasión ser capaz de hacer muy buenas obras musicales.

‘Wicked’ tiene una tarea costosa que se antoja propia de Sísifo: ser compatible con ‘El mago de Oz’, un clásico absoluto del cine, además de con la audiencia actual. La película, lejos de traicionar el espíritu del filme original, lo recontextualiza, como ya hizo el musical del que parte, de una manera que hace del visionado una experiencia rica en varios sentidos. Aunque hay que reconocer que quedan detalles pendientes para la segunda entrega.

Para ello, intentar llevar a cabo tan laboriosa entrega, a modo de precuela, conocemos a Elphaba/Cynthia Erivo (la futura Bruja Malvada del Oeste) y a Glinda/Ariana Grande (la Bruja Buena del Sur), en sus años de juventud, en su época de instituto. Cuando leí por primera vez su sinopsis me hizo remontarme inmediatamente a aquella adaptación de ‘Dragon Ball’ que planteaba a Goku como un alumno de instituto en plan nerd. Pero por suerte ‘Wicked’ se aleja de ese despropósito, aunque aún me cuesta asimilar a actores pintarrajeados de verde croma. Más que al live action del famoso anime, esta propuesta se parece a otra famosa franquicia. Es como si Harry Potter se hubiese encontrado con Willy Wonka, desarrollando una vez más el discurso de los poderosos que pasan desapercibidos o son marginados por el mero hecho de ser diferentes.

La relación entre las dos protagonistas es el corazón del filme. El espectador más talludo disfrutará de las conexiones con la película de 1939 y la forja de una villana arquetípica que se ha mantenido viva casi cien años después. Los más jóvenes tienen una narrativa de amistad y aventuras que les sacará de tanto cine superheróico. Vuelve ese discurso, explorado una y tantas veces, sobre que los villanos no nacen, se hacen, pero la película tiene algo más complejo que ofrecernos.

El escepticismo respecto a las adaptaciones musicales es justificado, muchas veces pierden la magia de las tablas en el proceso. Como decía antes la película tenía que mantener una difícil comunión. Cuando hablamos de llegar al público neófito en esta historia y a los fans del material de Broadway se plantea un reto similar. Tras ver ‘Wicked’ queda patente que está desarrollada para un público general, pero también se percibe que los números cantados y bailados tienen un origen en escenarios. Aún con todo y con eso la película está embadurnada de efectos digitales que si bien la hacen espectacular le pueden restar encanto. A mi en concreto me gusta como las nuevas tecnologías están bien aprovechadas para darle otra dimensión a la Tierra de OZ.

No suelo entrar en polémicas, pero hay veces que me alegra ver como a la generación de cristal le vuelve la llorera como un boomerang. Se ha hablado mucho del carácter woke del filme. En otras producciones podría ponerme de uno u otro lado. Pero en esta creo que no tiene sentido la polémica. Claro, es que todos hemos visto y sabemos cómo es una bruja en realidad y estamos en posición de criticar el aspecto de la que interpreta Cynthia Erivo. Modo sarcástico ON. El filme tiene una trama muy conveniente, tanto como para responder automáticamente tanto a detractores como a cínicos.

De los musicales siempre me ha costado mucho encajar sus habituales flashmobs y su por lo general, carácter extremadamente happy. Aunque sigo diciendo que casi tres horas son excesivas reconozco que el filme tiene momentos auténticamente emocionantes que perduran tras los títulos de crédito. Me quedo con los momentos en los que Ariana Grande ha de ser chistosa, consiguiéndolo como si fuese un auténtico dibujo animado con el objetivo de ser hiperactiva, cursi y cargante.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Wicked: part one. Duración: 160 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Música: Stephen Schwartz. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie

Crítica: ‘La lección de piano’

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Sinopsis

Una lucha por el destino de un piano heredado amenaza con destrozar a una familia en este drama basado en la obra ganadora del premio Pulitzer de August Wilson.

Crítica

El hijo menor de Denzel Washington debuta con una adaptación que desconozco si mantiene el espíritu original, pero desde luego tiene alma propia

Recuerdo hace dos años, estando alojado en el Hotel Edison de Nueva York, el tener en frente el Barrymore con una obra en su marquesina protagonizada nada más y nada menos que por Samuel L. Jackson, John David Washington y Danielle Brooks. Recuerdo la rabia de tener ese reparto tan cerca y el no haber entradas disponibles. Ahora al menos puedo resarcir mi curiosidad y ver en qué consistía la historia pues Netflix estrena la adaptación cinematográfica basada en una obra de August Wilson ganadora del Pulitzer.

Dos hijos de Denzel Washington están involucrados en este proyecto. Por un lado su hijo mayor, David, conservando uno de los papeles protagónicos. Tras las cámaras su hijo menor, Malcolm, dirigiendo y conservando el carácter teatral que no nos saca en casi ningún momento del salón en el que está instalado el piano que se disputan cada uno de los personajes. En ese sentido ha seguido los pasos de su padre cuando trasladó hace pocos años la obra ‘Fences’. Y hay que reconocer que también lo ha hecho mejor que su padre consiguiendo un drama con más dinamismo que una obra teatral y con una carga dramática y emocional muy lograda.

Un piano que es la piedra angular para los planes de futuro de un par de hermanos. Una generación que aún tiene muy presente la oscura época del esclavismo y ese pesado instrumento musical se manifiesta como el símbolo de fantasmas que aún se mantienen apegados a sus miedos. El libreto explora temas como la herencia, las cicatrices del sufrimiento y la búsqueda de un futuro en el que las lacras se transforman en fortalezas.

Se nota qué actores tienen más que mascado su papel tras representarlo muchas veces en Broadway. Aún así el reparto proporciona una experiencia heterogénea gracias al montaje ya que como como comentaba antes no tenemos la sensación de estar viendo una obra teatral repleta de suplentes. De hecho Danielle Deadwyler, quien no formaba parte del elenco teatral, interpreta a la altura de sus compañeros. Además el formato cinematográfico permite incorporar recursos que van más allá de la puesta en escena y ampliar el simbolismo de la obra, reforzando a su vez la psique de cada personaje, en particular el del personaje de Deadwyler.

Resumiendo. ‘La lección de piano’ es un filme que desconozco si mantiene el espíritu original pero desde luego tiene alma propia. Es una obra que podría enmarcarse como una más sobre el racismo pero que realmente trata sobre familia, traumas y legado. Enarbola una espiritualidad propia de la américa negra pero con conclusiones deducibles a cualquier familia con heridas por cerrar y herencias por asumir.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: The piano lesson. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm Washington. Guion: Malcolm Washington, Virgil Williams. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Samuel L. Jackson, John David Washington, Danielle Deadwyler, Ray Fisher, Corey Hawkins, Michael Potts, Stephan James. Producción: Mudy Lane Entertainment, Netflix Studios. Distribución: Netflix. Género: drama, adaptación. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Hate Songs’

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Sinopsis

Dos actores ruandeses (Nansi Nsué y Boré Buika) y un técnico de sonido belga (Àlex Brendemühl), se reúnen en la antigua sede de la emisora de radio (RTLM) clave en el genocidio ruandés de 1994 para ensayar una ficción sonora y cerrar una herida que aún sigue abierta. A medida que avanza el ensayo, la reconciliación no será tan fácil como creían.

Crítica

Desafía al público con una lección de memoria e introspección

África está muy presente en nuestro cine. Laureadas y aplaudidas fueron películas como ‘Adú’ o ‘Mediterráneo’ en su día. Pero es que tenemos entre manos actualmente cortos y largos inscritos a los Premios Feroz y los Premios Goya como ‘Semillas de Kivu’ o ‘Los cayucos de Kayar’. Desde su estreno en abril se suma ‘Hate Songs’ como un recordatorio más, no solo de que otro cine es posible y sigue vivo, sino de que también hay regiones de nuestro planeta, que forman parte de nuestra historia, que no podemos dejar caer en el olvido. ‘Hate Songs’ es todo un rescate por parte del director Alejo Levis y los guionistas Denise Duncan y Albert Val.

Propaganda del odio, cacería con motivación étnica, exterminio masivo, noticias falsas… Son términos con los que acostumbramos a referirnos a películas inspiradas en la II Guerra Mundial y el Holocausto nazi. Pero son igualmente válidos para lo sucedido en Ruanda entre abril y julio de 1994. ¿Por qué no se habla casi nada entonces de este tema más allá de alguna película como ‘Hotel Rwanda’? Seamos sinceros, no es solo porque no fue un conflicto que llamase a nuestras puertas o alcanzase una escala global, es que a la Europa que en su día era la mayor potencia colonialista no le sale a cuenta. Solo así se puede entender que la cacería de tutsis por parte de los hutus se convirtiese en uno de los mayores genocidios y apenas se mencione hoy en día.

La historia cuenta solo con tres personajes: Stéphanie (Nansi Nsue), Ncuti (Boré Buika) y Simon (Àlex Brendemühl) que plantean un ejercicio de entereza y memoria. Se sitúan en el epicentro de las ondas que difundieron el odio. La emisora RTLM (Radio Télévision Libre des Mille), que en su día fue usada como cizaña para instigar a la masacre, es el único escenario. Allí, personas relacionadas con lo sucedido se disponen a hacer lo que a priori es una dramatización radiofónica, pero a posteriori se desvela como algo más trascendental. La idea de Alejo Levis podría servir para invitar a exponernos y a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es por eso que ‘Hate Songs’ tiene valor, no solo como reivindicación de algo que sucedió en el continente que fue la cuna de la humanidad. Es un ejercicio de reconciliación, redención y exploración de un conflicto que puede extrapolarse a otras contiendas en las que hermanos o vecinos se mataron mutuamente. Es decir, allí donde nació la humanidad aún suceden actos inhumanos, como demuestran las crudas imágenes que abren este filme.

Desde luego que hay introspección y hay puesta en escena teatral. Los tres protagonistas tienen espacio para desarrollar a sus personajes en tan claustrofóbico ambiente. Los tres nos brindan momentos desgarradores y nos llevan por un proceso, que tanto en sus pretensiones como en la exigencia interpretativa, no es nada sencillo. Por desgracia al público actual o a los exhibidores con más alcance parece que les da pereza alinearse con este tipo de propuestas. Pero en ese posicionamiento no hacen más que demostrar que seguimos olvidando y seguimos reticentes a enfrentarnos a problemas arraigados y que se repiten a lo largo de la historia de nuestra civilización.

Ficha de la película

Estreno en España: abril de 2024. Título original: Hate Songs. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan. Música: Asier Renteria. Fotografía: Lali Rubio, Alejo Levis. Reparto principal: Álex Brendemül, Nansi Nsue, Boré Buika. Producción: Mundo Cero Crea. Distribución: Sideral Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/hate-songs

Crítica: ‘Oddity’

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Sinopsis

Descubriendo la verdad tras la muerte de la hermana con la ayuda de un maniquí de madera.

Crítica

La capacidad de McCarthy para crear atmósferas inquietantes no es nada casual

Damian McCarthy, el director irlandés emergente conocido por su inquietante ópera prima ‘Caveat’, regresa con ‘Oddity’, una película que demuestra que su capacidad para crear atmósferas perturbadoras y originales no es nada casual. Con su primer largometraje, McCarthy dejó una impresión duradera en el Festival de Sitges 2021, y ‘Oddity’ no solo mantiene el nivel, sino que amplía su repertorio con una mezcla intrigante de suspense y terror que explora temas profundos y universales.

‘Oddity’ es un thriller psicológico que se adentra en el mundo del sobrenatural a través de los sentidos de una protagonista ciega, quien posee una habilidad extraordinaria: puede percibir la esencia de los objetos mediante el tacto. Esta habilidad la convierte en un canal para la comunicación con entidades del más allá y añade una dimensión única al clásico enfoque del terror basado en objetos inanimados, un recurso que McCarthy ya había manejado con maestría en su debut y que aquí rememora al Golem de Praga e incluso a películas de brujería o vudú. En esta ocasión, el director refuerza su habilidad para crear una atmósfera densa y perturbadora, utilizando el espacio físico y los objetos como vehículos de horror.

La trama se desarrolla en un entorno aislado, una elección que McCarthy utiliza nuevamente para intensificar el suspense. Este aislamiento no solo sirve para incrementar el sentido de claustrofobia, sino que también actúa como un catalizador para los eventos sobrenaturales que comienzan a desvelarse a medida que la protagonista explora su entorno e indaga sobre la muerte de su hermana. La película toma el tiempo necesario para desarrollar su historia, dosificando la información de manera efectiva y construyendo una tensión que mantiene al espectador en constante expectativa. Este enfoque en la narrativa es crucial para crear una experiencia envolvente y auténticamente inquietante.

‘Oddity’ no es solo un ejercicio de estilo; también aborda temas profundos como el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad. La protagonista se enfrenta a su propio tormento interno mientras lidia con la pérdida y busca respuestas en un mundo que le es tanto familiar como extraño. McCarthy emplea elementos sobrenaturales no solo para provocar miedo, sino también para explorar estos temas con profundidad y sensibilidad. La combinación de estos elementos proporciona una narrativa rica y multifacética que añade peso emocional al terror psicológico que se despliega. Esta no es una película con un kill count alto pero aún así la muerte está presente.

Un aspecto que merece especial atención es la manera en que McCarthy introduce y maneja los jumpscares. En lugar de depender exclusivamente de estos momentos para generar impacto, el director los utiliza con astucia y originalidad. Los jumpscares en ‘Oddity’ son ingeniosos y bien fundamentados dentro del contexto de la historia, evitando la sensación de ser simplemente una táctica para sobresaltar al público sin una conexión con el desarrollo narrativo. Esto demuestra una madurez en la dirección y una comprensión profunda del arte del terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Oddity. Duración: 98 min. País: Irlanda. Dirección: Damian McCarthy. Guion: Damian McCarthy. Música: Richard G. Mitchell. Fotografía: Colm Hogan. Reparto principal: Gwilym Lee, Carolyn Bracken, Tadhg Murphy, Caroline Menton, Steve Wall. Producción: Keeper Pictures, Nowhere, Shudder. Distribución: Versión Digital, Yoda Films. Género: terror. Web oficial: https://keeperpictures.ie/productions/oddity/

Crítica: ‘Semillas de Kivu’

Sinopsis

En Kivu (RD Congo), uno de las zonas más violentas del mundo, un grupo de mujeres llega hasta el Hospital de Panzi después de haber sido violadas en grupo por las guerrillas de la zona que dominan los recursos minerales. Su tratamiento psicológico antes de la reinserción las enfrenta al dilema de aceptar a los bebés que han dado a luz tras las violaciones, encontrando en la cuestión de la maternidad, una manera de resistir.

Crítica

Semillas de Kivu recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión

Se habla de la Guerra de Ucrania como un abuso por parte de Rusia y de la guerra en Gaza como un genocidio. Los principales países de Occidente contribuyen en mayor o menor medida a estos conflictos, manteniendo posiciones prudentes, codiciosas o cobardes, según se mire. Pero hay algo peor: la ignorancia. Hay conflictos armados que llevan un cuarto de siglo enquistados, hasta el punto de llegar a ser considerados el segundo mayor genocidio desde la II Guerra Mundial, al menos en términos de cifras. De esas guerras ya no se acuerda nadie, son lugares y gentes que no interesan, no son lucrativos. Menos mal que aún quedan personas que no se olvidan que el mundo va más allá del “primer mundo”.

Es precisamente esa ignorancia la que el cortometraje ‘Semillas de Kivu’, dirigido por Néstor López y Carlos Valle Casas, pretende romper. Con un enfoque tan valiente como profundamente humano, esta obra trasciende la denuncia para ofrecer un relato poderoso sobre la crisis que ha devastado la provincia de Kivu en la República Democrática del Congo. Pero el foco no son las armas, ni el coltán, ni las etnias, son las mujeres.

El cortometraje es de principio a fin un testimonio inapelable. Se entrelazan historias personales y datos históricos con una sensibilidad que huye del sensacionalismo, logrando que el espectador no solo entienda las dimensiones del conflicto, sino que empatice con sus víctimas y llegue a pensar si él mismo es cómplice del ostracismo que sufren ciertos países. Uno de los mayores aciertos de ‘Semillas de Kivu’ es su capacidad para humanizar cifras que sin aparecer en pantalla están presentes. Las imágenes, cuidadosamente seleccionadas, oscilan entre la devastación y la resiliencia, entre la brutalidad de la guerra y la fuerza de quienes, contra todo pronóstico, siguen sembrando esperanza, como el Doctor Denis Mukwege. En lugar de centrarse únicamente en estadísticas, López y Valle Casas ponen rostros y nombres a las víctimas y supervivientes, otorgándoles una voz que con frecuencia se les niega. Esto convierte el cortometraje en una herramienta poderosa no solo de denuncia, sino también de educación y sensibilización. Algo que se consigue no solo con entrevistas o imágenes, sino también aludiendo a las sensaciones (no al sensacionalismo, repito) con la música de Arturo Cardelús, que también pone melodía a ‘Los cayucos de Kayar’, otro cortometraje inscrito para los Goya 2025 que trata sobre otro tema crítico y crucial en África.

‘Semillas de Kivu’ no es solo un cortometraje, sino una llamada a la acción y una reflexión sobre la complicidad que el silencio y la ignorancia pueden tener en tragedias como la del Congo. Y sobre todo es un clamor por acabar con esas sociedades que permiten actos tan atroces como usar una violación como arma de guerra. Mientras algunas guerras dominan los titulares, otras se pierden en el olvido con consecuencias devastadoras. En un mundo donde la información está al alcance de la mano, ‘Semillas de Kivu’ recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión. Una decisión que este cortometraje nos invita, con urgencia, a reconsiderar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Semillas de Kivu. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Néstor López, Carlos Valle Casas. Guion: Néstor López. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Pablo Díaz. Producción: Auntie Films, Filmakers Monkeys. Género: documental. Web oficial: https://filmakersmonkeys.com/

Crítica: ‘Las desapariciones’

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Sinopsis

El dúo de culto que concibió «Al Interior» regresa al género con este thriller a la True Detective donde dos policías deben unir fuerzas para resolver unos misteriosos asesinatos.

Cuando unas violentas y espantosas muertes comienzan a asolar un pequeño pueblo de montaña, una antigua leyenda sobre una criatura diabólica resurge. Dos policías con métodos distintos se ven obligados a unir fuerzas y descubrir un siniestro complot que involucra la desaparición de niños locales.

Crítica

Inquietante thriller con una atmósfera terriblemente oscura

Basada en la novela de Alexis Laipsker, ‘Le mangeur d’àmes’ llega a nuestras pantallas, gracias a Filmin, ‘Las desapariciones’. Un inquietante thriller muy bien narrado que consigue bastante tensión durante el visionado.

Una serie de crímenes azotan una localidad de montaña, en la que se cuenta que un antiguo demonio está siendo el culpable. Para esto, llaman a dos detectives que se verán sobrepasados con todo lo que verán.

Alexandre Bustillo y Julien Maury regresan a nuestras pantallas gracias a este thriller, un cambio de género en estos dos directores que demuestran lo bien que dirigen. Estos dos nombres os pueden sonar de películas como ‘Á l’intérieur’ o ‘The Deep House’, cintas donde podemos ver su gran gusto por la casquería y el terror de sustos. Como he comentado, ‘Las desapariciones’, es un cambio de género que logra mantenernos pegados a nuestras sillas.

Nos van contando poco a poco todo lo que va sucediendo, además de ir viendo los distintos crímenes que van acaeciendo en este pueblo. La atmósfera muy oscura y tenebrosa. Además, el ser demoníaco mola mucho. Es bastante curioso a la par que convencional. Sus apariciones siempre son incómodas y dan bastante mal rollo.

En el reparto encontramos a Virginie Ledoyen (‘La playa’) como una de las investigadoras que no cree que lo que está viendo. Su compañero en pantalla Paul Hamy (‘Calls’), ambos tienen una química muy buena en pantalla y hacen que desesperemos con ellos mientras intentan averiguar que es lo que realmente ocurre.

‘Las desapariciones’ me ha gustado mucho. Si que es cierto que nos cuenta una historia básica, dos detectives van a intentar esclarecer una clase de crímenes en un pueblo en el que todos son sospechosos, pero poco a poco van descubriendo distintas cosas que harán que toda su investigación de un vuelco hacía lo sobrenatural.

El diseño de producción es muy bueno al igual que la dirección. Todo esto es muy importante, ya que es lo que logra que no perdamos interés en lo que nos está contando. Por supuesto, el guion también es muy bueno, Annelyse Batrel y Ludovic Lefebvre hacen un gran trabajo de adaptación.

Es una pena que la película no se estrene en cines de España, pues como digo, la fotografía de Simon Roca es muy buena y la película muy interesante. Pero al menos gracias a Filmin la podréis ver en vuestras casas a partir del próximo 22 de noviembre.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2024. Título original: Le Mangeur d’Âmes. Duración: 108 min. País: Francia. Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Guion: Annelyse Batrel, Ludovic Lefebvre. Música: Raphael Gesqua. Fotografía: Simon Roca. Reparto principal: Virgine Ledoyen, Sandrine Bonnaire, Paul Hamy, Malik Zidi, Chloé Coulloud, Francis Renaud, Lya Oussadit-Lessert, Christophe Favre, Emmanuel Bonami. Producción: Phase 4 Productions, Place du Marché Productions, Umedia. Distribución: Filmin. Género: Thriller. Web oficial: https://phase4productions.fr/le-mangeur-dames/

Crítica: ‘Guernica: el último exiliado’

Sinopsis

El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.

Crítica

Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar

‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.

Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.

Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.

Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial: https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado

Crítica: ‘Los cayucos de Kayar’

Sinopsis

Tras 15 años en España como inmigrante, Thimbo visita su pueblo pesquero senegalés, donde le embargan sensaciones encontradas de nostalgia y desarraigo, añoranza y despecho. Además, lidia con la peligrosa influencia que ejerce sobre los jóvenes del pueblo, que lo ven como un ejemplo a seguir y buscan emularlo con un peligrosísimo viaje en patera.

Crítica

Tratando un tema trillado saliéndose de los estereotipos

El director Álvaro Hernández Blanco, comprometido con la cultura y los migrantes mexicanos en anteriores trabajos como ‘Aquí seguimos’ o el libro ‘Migrantes’, es quien ha rodado el corto de media hora ‘Los cayucos de Kayar’. Con él viajamos a África y arranca atacando a aquellos que siendo cortos de miras tergiversan la verdad e incluso su propia realidad no acabando de entender que todos pisamos la misma tierra y procedemos de migrantes. Ciertamente es una lección aplicable tanto en las fronteras estadounidenses como en las españolas.

‘Los cayucos de Kayar’ es un impactante cortometraje documental que nos sumerge en la realidad de la migración africana hacia Europa, narrada desde una perspectiva profundamente humana e incluso simpática en algunos momentos. La historia se centra en los habitantes de Kayar, un pueblo costero en Senegal, donde la pesca, antaño fuente de vida y sustento, ya no provee suficiente para vivir dignamente. Esta crisis empuja a los jóvenes a embarcarse en cayucos, pequeñas embarcaciones precarias, en un peligroso viaje hacia las costas europeas en busca de mejores oportunidades. Aunque todo esto suena a ya visto anteriormente ‘Los cayucos de Kayar’ se sale de la norma. Plantea una curiosa reflexión por parte de Thimbo Samb, el protagonista, el cual es rechazado por algunas personas en ambos países por su condición de migrante. También es dolorosa aquella cavilación, que también es advertencia, que hace ver que por cada senegalés que ha llegado y mostrado que está en Europa, otros muchos han intentado seguir sus pasos acabando en el fondo del mar.

El corto utiliza imágenes cotidianas y testimonios honestos de los propios habitantes de Kayar, que expresan la tristeza de ver partir a sus seres queridos o que expresan cuántas veces han intentado llegar a España. La dirección se centra en capturar no solo las dificultades económicas, sino también el sentir que domina a toda la comunidad cuando ve que todos sus jóvenes se quieren marchar. ‘Los cayucos de Kayar’ es un recordatorio potente y conmovedor de las raíces de la migración y de las injusticias que impulsan a tantas personas a buscar una vida mejor a cualquier precio. Todo ello propulsado por la música de Arturo Cardelús (‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, ‘Dragonkeeper’).

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los cayucos de Kayar. Duración: 29 min. País: España, EE.UU. Dirección: Álvaro Hernández Blanco. Guión: Álvaro Hernández Blanco, Thimbo Samb. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Alvaro Hernández Blanco. Reparto principal: Thimbo Samb. Producción: Fernando J. Monge, Álvar Carretero De la Fuente, Alvaro Hernández Blanco. Distribución: Selected Films Distribution. Género: documental. Web oficial: https://selectedfilms.com/los-cayucos-de-kayar/

Crítica: ‘Ben’

Sinopsis

Ben lleva todo el año entrenando para la competición más importante de su vida.

Crítica

Ben salta al vacío con una sarcástica idea la mar de acertada

Ah, el glorioso fenómeno del balconing y el turismo de borrachera en España, la auténtica muestra europea de sofisticación y respeto por la cultura local. Porque, claro, ¿qué mejor manera de conocer el país que lanzarse desde un balcón a la piscina después de haber ingerido litros de alcohol barato? ¡Es la experiencia cultural definitiva! Gracias a estos «valientes» turistas, los hospitales españoles tienen la suerte de poder atender huesos rotos y alguna que otra contusión cerebral cada verano. Y ni hablar del impacto en la economía local: porque nada dice “apoyo al comercio local” como dejar las calles llenas de restos de fiesta. ¡Qué viva la «aventura» y el «turismo responsable»! Podría seguir líneas y líneas hablando de las virtudes del balconing y el turismo de borrachera, pero qué os voy a contar que no hayáis visto en las noticias o que no ponga en relevancia este cortometraje de Miki Durán.

‘Ben’ es una comedia con un drama de fondo. Existen muchos males que se pueden adjetivar como generacionales. Entre ellos está el turismo de borrachera y derivado de esa lacra, el crecer soportando a visitantes que destrozan impunemente tu ciudad. Por un lado está el cómo se desatan sin control ni consciencia los turistas en España y por otro el hartazgo de los residentes. Miki Durán se lanza a tocar este tema desde el sarcasmo y su cortometraje funciona. Parece que somos el patio de recreo de Europa y que ya es algo “oficial” venir aquí a desfasar en verano, despedidas de soltero u oportunas eliminatorias de la Liga de Campeones. Eso ha llevado a plantear el fenómeno del balconing como si se tratarse ya de un deporte semi-oficial para el que alemanes, británicos u holandeses se preparan durante todo el año.

El cortometraje podría incluso haber sido más mordaz bautizando a su protagonista (Álex Galeote) como Bem en vez de Ben y ese nombre habría servido como acrónimo de “balconing en Mallorca”. Pero con su humor y con su final es suficiente acertando y transmitiendo su mensaje, hasta tal punto que más que verse en nuestras fronteras por eso de que está en la shortlist para los próximos Premios Goya, debería proyectarse en escuelas y universidades de aquellas naciones que aportan más turistas y “riqueza” a nuestro país. ¿Merece la pena el riesgo, el subidón o la breve ovación? Muy válido el escarnio que representa, retratando la estupidez humana que da pie divertimentos de lo más estúpidos, merecedores de un Darwin Award o de que se materialice el ‘Veneciafrenia’ de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Ben. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Miki Durán. Guion: Miki Durán. Música: Sergio Llopis. Fotografía: Pasqual Marí. Reparto principal: Álex Galeote, Julie Nash, Christopher Groves, Alexander Ayres. Producción: West End Pictures, Andreu Fullana Arias, Bastera films, IB3 TV, Mallorca Film Commission, Ayuntamiento de Mallorca, ICIB. Distribución: Selected Films Distribution. Género: ficción, crítica social. Web oficial: https://selectedfilms.com/ben/

Crítica: ‘Gladiator 2’

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Sinopsis

Gladiator II, del legendario director Ridley Scott, continúa la epopeya de poder, intriga y venganza ambientada en la Antigua Roma. Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Crítica

De un clásico emocional a una secuela emocionante

‘Gladiator 2’, dirigida de nuevo por Ridley Scott, vuelve al periodo de tiempo del esplendor de la antigua Roma con una mezcla de acción audaz, interpretaciones dramáticas y nuevas perspectivas, funcionando a la vez como una continuación y expansión de la historia original de ‘Gladiator’. Ambientada dieciséis años después de los eventos de la primera película, esta secuela sigue a Hanno (interpretado por Paul Mescal). La trama se centra en su transformación de hombre de vida con privilegios a gladiador, enfrentando traiciones, deseos de venganza y un Imperio Romano caótico, tiránico e incluso sádico. La cinta nos deja sensaciones positivas, especialmente por el espectáculo visual, las intensas secuencias de acción y las destacadas interpretaciones de Mescal y de Denzel Washington, quien deslumbra como el ambicioso comprador de gladiadores llamado Macrinus.

De arrancar en el norte de Europa a visitar el norte de África en Numidia. De partir con un soldado laureado a plantearnos la vida de un líder enemigo de Roma. Los detalles son diferentes pero si lo pensamos bien el esquema principal, el patrón, es el mismo. Aunque innegablemente, tiene una trama que progresa en dependencia de la original, ‘Gladiator 2’ plantea un discurso y un tono diferentes que la hace muy disfrutable y sobretodo sabe a qué público dirigirse, al actual. Es un filme sobre el descontento y desenamoramiento. Scott, consciente de que la época del romanticismo y el idealismo en el cine está acabada, genera un héroe rebelde casi sin ideales, que habla de un sueño muerto y carga contra cualquier autoridad, tanto legislativa como ejecutiva. Es por eso que los nuevos personajes aportan aristas no esbozadas en el título del 2000. Esa lectura en conexión temporal con la actualidad está ahí. Pero el foco está en otro factor que también es determinante para la supervivencia del cine hoy en día, el espectáculo.

Aunque ‘Gladiator 2’ conserva temas de poder, legado y el mundo brutal del combate gladiatorio, el punto fuerte está en llevar todo a mayor escala, derivando en más batallas épicas, escenarios de combate creativos y un ritmo acelerado, creando una energía diferente en comparación con la primera película, que era más emocional. Aunque el Lucius de Mescal tiene cierto grado de complejidad, puede que carezca de la intensidad que Russell Crowe aportó a su Maximus. Además, mientras que Gladiator fue elogiada y pasó al panteón de los clásicos instantáneos por su gran producción, su arco sentimental y su narrativa cuidada (por supuesto por la gran banda sonora de Hans Zimmer), esta se percibe menos carismática y conmovedora. Es evidente que la acción y el espectáculo restan profundidad a los personajes. Aun así, este cambio de tono me es bien recibido ya que así no caemos en la repetitividad y se consigue honrar a su predecesora con giros y personajes de lo más curiosos. Y todo esto a pesar de que los puristas comentarán que hay una gran incorrección histórica al introducir a Caracalla, Geta y Macrinus en este momento del imperio. Desde luego hay que asumir que esta no es una producción rigurosa en ese sentido. Pero que me aspen si Roma no está representada superando incluso a los tiempos de la péplum y si Paul Mescal no se parece a los bustos que se conservan de Lucius.

El tono es tan diferente que casi no cabe compararla con la primera parte. Ya os adelanto además que por mucho que busquéis relojes, bombonas o marcas de ruedas de camión no vais a encontrar ese tipo de errores tan míticos aquí. Si acaso veréis algún extra de fondo martilleando al vacío o espectadores gritando cuando tienen la boca cerrada, pero poco más. Con lo que si me viene a la mente hacer una comparativa es con la serie ‘Those About to Die’, una historia dramática ambientada en la misma época que se emite en Prime Video. Ambas exploran aspectos políticos y de distintos estratos sociales a la vez que van más allá con la espectacularidad. Con lo que también se ha superado un límite es con la violencia. Sin ser ‘Gladiator 2’ un título sangriento, si dispone tres o cuatro escenas más crudas que las que tenía su predecesora. En mi opinión, otra señal de que Scott se ha querido mantener próximo a las nuevas audiencias de un modo mucho más acertado que con su última misión napoleónica.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Título original: Gladiator 2. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: David Scarpa. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Paul Mescal, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Connie Nielsen, Denzel Washington. Producción: Paramount Pictures, Scott Free Productions, Red Wagon Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, drama. Web oficial: https://www.gladiator.movie/

Crítica: ‘Things will be different’

En qué plataforma ver Things will be different

Sinopsis

Para escapar de la policía tras un robo, dos hermanos se esconden en una granja metafísica que los oculta en un momento temporal diferente al presente. Allí se enfrentan a una fuerza misteriosa que lleva sus lazos familiares a puntos de ruptura antinaturales.

Crítica

La prueba de que Benson y Moorhead han hecho escuela

‘Things will be different’ marca el debut como director de Michael Felker, quien hasta ahora se había destacado como montador en las películas de Aaron Moorhead y Justin Benson. Estos dos cineastas son conocidos por sus exploraciones narrativas que combinan la ciencia ficción centrada en paradojas espaciotemporales además de elementos emocionales profundos. Ambos figuran como productores depositado su confianza en Felker para este proyecto, de hecho, Justin Benson aparece con un pequeño papel dentro de la cinta, subrayando la cercanía y la continuidad de esta colaboración creativa. A través de este film, Felker demuestra que ha absorbido muchas de las lecciones estilísticas de Benson y Moorhead, manteniendo una visión narrativa que mezcla de manera efectiva los viajes en el tiempo con temas familiares complejos, así como dúos de personajes principales que exploran los límites de la realidad y las relaciones interpersonales.

A pesar de tratarse de una producción de bajo presupuesto, algo que es característico del trabajo de Moorhead y Benson (al margen de sus encargos en ‘Caballero Luna’ o ‘The Twilight Zone’), Felker muestra una notable capacidad para maximizar los recursos disponibles, entregando una película que no depende de efectos visuales espectaculares ni de escenarios grandilocuentes. En lugar de eso, ‘Things will be different’ se enfoca en la exploración de las emociones humanas y los dilemas morales que surgen cuando se juega con conceptos como la manipulación del tiempo. Esto le otorga al film una profundidad emocional que contrasta con la sencillez de su presentación visual. La película no necesita deslumbrar visualmente para capturar la atención del espectador, su fuerza radica en su capacidad para crear misterio y tensión.

La trama sigue a dos ladrones que utilizan el tiempo como si fuera una caja fuerte, un refugio seguro al que se accede mediante un sistema de “contraseñas temporales”. Este concepto, aunque original, se enreda en su propia lógica interna a medida que avanza la película, lo que podría generar confusión para algunos espectadores. Sin embargo, Felker logra mantener el interés al centrar la narrativa en los personajes y sus emociones, en lugar de enfocarse exclusivamente en las complejidades técnicas del viaje temporal. Este enfoque humano es, en muchos sentidos, el corazón de la película, permitiendo que el público se conecte de manera más profunda con los protagonistas.

Aunque ‘Things Will Be Different’ no innova significativamente dentro del género de la ciencia ficción ni en el subgénero de los viajes en el tiempo, lo que sí consigue es ofrecer una historia emocionalmente rica y bien ejecutada. Felker demuestra tener un gran talento para lo íntimo y lo emocional, y aunque aún le falta pulir ciertos aspectos narrativos, su debut es, sin duda, un esfuerzo prometedor que augura un futuro brillante. La película no ofrece muchas respuestas definitivas, lo que puede frustrar a espectadores que acabaron a malas con historias como ‘Dark’, por ejemplo. Pero esa ambigüedad es, en gran medida y para muchos, parte del encanto del cine de este tipo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Things will be different. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Felker. Guion: Michael Felker. Música: The Album Leaf, Michael A. Muller. Fotografía: Carissa Dorson. Reparto principal: Adam David Thompson, Riley Dandy, Chloe Skoczen, Justin Benson, Sarah Bolger. Producción: Last Life, Rustic Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.lastlifefilms.com/films

Crítica: ‘Arcane T2’

En qué plataforma ver Arcane

Se consolida como una de las mejores series animadas

La segunda temporada de Arcane, que llega ya a Netflix, retoma la fascinante historia inspirada en el universo del videojuego League of Legends, superando incluso las expectativas creadas por la primera entrega. En estos nuevos episodios (de los que hemo podido ver seis), la serie logra enriquecer la narrativa original del videojuego y transformarla en un relato épico y profundo, explorando cuestiones políticas, sociales y familiares dentro de un mundo visualmente impactante. Para volver a deambular por este mundo oscuro y caótico tenéis que apuntaros tres fechas, 9, 16 y 23 de noviembre.

La trama sigue con una guerra abierta la lucha de poder en la ciudad subterránea de Zaun y la manera en que Piltover intenta recomponerse tras el caos provocado por Jinx. La serie continúa con su tono steampunk cibernético, un estilo que logra hacer brillar su ambientación, dotando a la historia de una atmósfera envolvente que mezcla lo sombrío y lo futurista de forma única. Este contexto aporta un gran peso a los arcos dramáticos y permite profundizar en el conflicto de clases, una lucha que permea todos los niveles de la narrativa. Quién iba a decir que se podía sacar tanto partido a un juego tipo arena de batalla.

En esta temporada, la serie destaca especialmente por la evolución de sus personajes principales, en particular Vi y Jinx, quienes siguen siendo el núcleo emocional y temático de la historia. Vi, que colabora con las fuerzas del orden, encarna la lucha por reparar un error involuntario, mientras que Jinx, con una locura aún más pronunciada, continúa siendo el símbolo del caos y la rebelión. Ambas se debaten entre la fuerza de los lazos de sangre y una incontrolable rabia interior, y la serie presenta de manera acertada esta lucha fratricida, que no solo representa su vínculo personal, sino que simboliza el conflicto entre las sociedades de Zaun y Piltover.

Además, Arcane introduce nuevos personajes y escenarios, expandiendo su universo y abriendo posibilidades a nuevas historias. La serie también retoma su carácter musical incluyendo temas actuales, lo que aporta un toque contemporáneo a su estética visual ya distintiva, con momentos videoclipistas que funcionan muy bien en el contexto de la narrativa. Si visteis el videoclip de una de la últimas canciones de Linkin Park (‘Heavy Is the Crown’) y os sorprendió su animación probablemente ya pudisteis intuir que se había incluído en el universo de ‘Arcane’.

En resumen, la segunda temporada de Arcane no solo está a la altura de su predecesora, sino que consigue llevar la historia a un nivel superior, desarrollando a fondo los conflictos de sus personajes y construyendo un relato visualmente cautivador que reflexiona sobre la lealtad, el rencor y la lucha de clases. Con un guion sólido y una dirección artística impecable, esta entrega consolida a Arcane como una de las series animadas más importantes de los últimos años.

Crítica: ‘Nunca te sueltes’