La vida de Andy Goodrich (Michael Keaton) da un vuelco cuando su mujer ingresa en un centro de rehabilitación, dejándolo al cargo de sus hijos gemelos de 9 años. Sobrepasado por sus nuevas responsabilidades, Goodrich acudirá a su hija mayor (Mila Kunis) para que le ayude a convertirse en el padre que ella jamás tuvo.
Crítica
Michael Keaton flota sobre un guion que se mantiene en la orilla sin llegar a ahondar
Hallie Meyers-Shyer, hija de Nancy Meyers (la directora de ‘En qué piensan las mujeres), se nos acerca con una película sobre cómo el concepto de familia ha mutado y cómo el tradicional padre de familia está en vías de extinción (como si la película de su madre le hubiese inspirado). La comedia dramática ‘Con el agua al cuello’, protagonizada por Michael Keaton, es una película que transita con ligereza tanto por su drama como por su comedia. Si bien no se destaca por una profundidad emocional particularmente impactante, sí logra capturar las problemáticas de la vida moderna, especialmente en lo que respecta a la paternidad, la pareja y la familia.
La historia sigue a Andy Goodrich (Keaton), un hombre de mediana edad cuya vida cambia repentinamente cuando su esposa le abandona para ingresar en rehabilitación, dejándolo al cuidado de sus hijos pequeños. Desbordado por las nuevas responsabilidades, busca apoyo en su hija mayor (Mila Kunis), con quien mantiene una relación distante. A partir de ahí, la película explora la reconstrucción de vínculos familiares y el aprendizaje tardío sobre lo que significa ser padre.
Uno de los puntos más interesantes del filme es cómo retrata una generación que sigue el supuesto orden establecido de la vida —casarse, tener hijos, formar una familia, tener un trabajo exitoso— sin estar necesariamente preparada para lo que implica. También pone sobre la mesa la carga emocional y las responsabilidades que surgen en las relaciones de pareja y el cuidado de los seres queridos en un mundo donde la estructura tradicional de la familia ha cambiado radicalmente en solo un par de décadas.
A nivel narrativo, la película avanza sin grandes sobresaltos, con una combinación de momentos emotivos y situaciones medianamente cómicas que hacen que el relato fluya con facilidad. Sin embargo, la falta de un conflicto más sólido o de un tratamiento más profundo de los temas impide que la historia deje una marca duradera. Aun así, Keaton entrega una actuación entrañable, aportando calidez a su personaje y logrando que la historia tenga momentos ligeramente genuinos de conexión emocional.
Más allá de su desarrollo predecible, ‘Con el agua al cuello’ plantea una reflexión valiosa sobre el tiempo que se pierde con los seres queridos al priorizar el trabajo y otras responsabilidades. En una sociedad donde el ritmo de vida muchas veces obliga a dejar de lado lo esencial, la película funciona como un recordatorio de la importancia de estar presente para la familia antes de que sea demasiado tarde. La pregunta más importante que se lanza al espectador es, ¿compartes el tiempo suficiente o conoces realmente a las personas que habitan tu casa?
En definitiva, es una película amena que, atraerá por la presencia de Keaton y la vuelta de Kunis a la pantalla grande. Aunque no sorprenda ni profundice demasiado en sus temas, logra capturar ciertas verdades de la vida contemporánea. Su tono ligero la hace accesible y sus mensajes, aunque convencionales, resultan relevantes para cualquier espectador que haya sentido alguna vez que las responsabilidades lo sobrepasan.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Goodrich. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Hallie Meyers-Shyer. Guion: Hallie Meyers-Shyer. Música: Christopher Willis. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Michael Keaton, Mila Kunis, Andie MacDowell, Michael Urie, Carmen Ejogo, Kevin Pollak. Producción: C2 Motion Picture Group, CaliWood Pictures, Gramercy Park Media, RainMaker Films, Stay Gold Features. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial:https://c2motionpictures.com/project/goodrich/
Totsuko es una estudiante de secundaria con la capacidad de ver los “colores” de los demás. Colores de felicidad, emoción y serenidad, además de un color que ella atesora como su favorito. Un día, forma una banda con Kimi, una compañera de clase que emite el color más hermoso de todos, y Rui, un amante de la música a quien conoce en una librería de segunda mano. Pero todos ellos albergan secretos: Kimi no le ha explicado a su familia que ha abandonado las clases, Rui toca a espaldas de su madre, quien quiere que sea médico, y Totsuko no puede ver su propio color. Mientras ensayan en una antigua iglesia en una isla remota, la música les acaba uniendo. El festival escolar se aproxima y con él su primera actuación en vivo. ¿Qué colores mostrarán en el auditorio repleto?
Crítica
Un anime que brilla en lo estético pero titubea en su simbolismo
Naoko Yamada regresa a nuestros cines con ‘Tu Color’ (‘Kimi no Iro’), una nueva película anime que reafirma la intención de esta directora por diferenciarse con un estilo delicado a través de un lenguaje visual refinado y un esmero por explorar la emocionalidad juvenil. En esta ocasión, colabora con el estudio Science SARU (‘Inu-Oh’), conocido por su enfoque innovador en la animación, dando como resultado una obra con una estética cautivadora y un trasfondo emocional profundo.
La historia sigue a Totsuko, una adolescente con la capacidad de ver a las personas como colores que reflejan su personalidad, como si fuesen una de esas pulseras con gemas que supuestamente cambian de color según como te sientas. Esta premisa inicial, que podría haber sido explotada de manera más simbólica de lo que suena, se diluye en ciertos momentos, dejando espacio para el desarrollo de la amistad entre Totsuko, y los personajes de Kimi y Rui, quienes encuentran en la música un refugio para afrontar sus propias crisis identitarias.
Si bien ‘Tu color’ aborda de manera efectiva la exploración de la juventud y el deseo de encontrar un lugar en el mundo, el guion de Reiko Yoshida, aunque sólido, no alcanza la complejidad emocional de ‘A Silent Voice’. Algunos espectadores pueden sentir que ciertos conflictos quedan esbozados sin una resolución completamente satisfactoria. No obstante, la interacción entre los protagonistas logra transmitir una calidez genuina, con momentos de ternura y un vínculo que, aunque sugiere matices queer, no termina de explorarse a fondo. Es una película que se sale de la norma y nos muestra un Japón más católico que nunca, pero sin embargo ls costumbres recatadas japonesas de cara a la galería le ponen ciertos corsés.
Uno de los puntos más destacables de ‘Tu Color’ es su apartado visual. Yamada y Science SARU han creado una estética evocadora con una paleta de colores pastel que enriquece la narrativa. La animación es fluida, con una atención minuciosa a los pequeños gestos y detalles en los fondos, una característica distintiva del trabajo de Yamada. Sin embargo, el uso del simbolismo cromático, aunque eficiente en los primeros compases de la película, no siempre se mantiene con la misma fuerza en el desarrollo de la historia.
Además, la puesta en escena de los momentos musicales es un gran acierto. A parte de que cada vez el jpop está más presente en la cultura occidental, la película acierta a retratar la experiencia de tocar en una banda de adolescentes, con una música que, lejos de sonar demasiado pulida, tiene una cualidad cruda y natural, reflejando los progresos y las dificultades de los personajes al expresarse a través del sonido. Kensuke Ushio firma una banda sonora que encaja perfectamente con la sensibilidad del filme. La música no solo refuerza la atmósfera emocional de la historia, sino que también juega un papel narrativo importante. Los temas compuestos para la banda de los protagonistas tienen un toque amateur intencionado, lo que los hace creíbles dentro de la trama. A medida que avanza la película, la música se convierte en un reflejo del crecimiento personal de los personajes, culminando en una secuencia final vibrante y emotiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Kimi no Iro. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Naoko Yamada. Guion: Reiko Yoshida. Música: Kensuke Ushio. Reparto principal (doblaje original): Sayu Suzukawa, Akari Takaishi, Taisei Kido, Yasuko, Aoi Yûki, Minako Kotobuki, Keiko Toda, Yui Aragaki. Producción: East Japan Marketing & Communications Inc., Lawson Group, Science SARU, Story (II), Toho Studios. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial:https://gkids.com/films/the-colors-within/
Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Crítica
Más desafiante que terrorífica
‘Firebrand’, la cinta de Karim Aïnouz que se estrena en España bajo el título ‘La última reina’, se presenta como un relato feminista e interpretativo sobre Catalina Parr, última esposa de Enrique VIII. Promocionada como terror psicológico, la película tiende más hacia el drama histórico convencional, dejando de lado las posibilidades de tensión narrativa que brinda el terror y alzándose como thriller sentimental.
La trama gira en torno a la relación entre Catalina (Alicia Vikander) y Enrique (Jude Law). Este último se encuentra en un estadio físico y mental deteriorado debido a una infección que lo convierte en una figura grotesca y volátil. Si Enrique VIII se caracterizaba por su carácter caprichoso e impetuoso imaginad si está psicológicamente afectado por un problema de salud. Jude Law ofrece una interpretación inquietante de un monarca paranoico y cruel que aterroriza a su corte, mientras que Vikander representa una Catalina más idealizada que rigurosa. ‘La última reina’ intenta alzar a esta figura histórica como un mito revolucionario, de ahí el título original Firebrand” (agitadora). Ambos evidentemente están representados desde la imaginación más novelesca que quizá histórica.
La película insinúa momentos de suspense con las acusaciones de traición y herejía que amenazan la vida de Catalina, pero no logra mantener un clima de auténtica opresión. En lugar de explorar los matices oscuros de la relación entre los protagonistas o el miedo como una fuerza subyacente, la narrativa se enfoca en ensalzar a Catalina como una heroína adelantada a su tiempo y una figura desafiante a pesar incluso de las muertes de sus predecesoras. Esto desvía la película hacia un tono más político, sacrificando la atmósfera que cabría esperar de un thriller terrorífico.
Desde el punto de vista técnico, la película tiene sus méritos. La fotografía casi pictórica de Hélène Louvart y la partitura de Dickon Hinchliffe evocan una sensación de asfixia, reflejando el estado físico y emocional de sus personajes. Sin embargo todos coincidiremos en que el guión hace que la tensión conseguida con estos elementos se diluya entre tejemanejes cortesanos. El conflicto principal entre el drama de pareja y el terror psicológico radica en cómo se aborda la relación entre Catalina y Enrique. Un thriller psicológico efectivo habría profundizado en la manipulación, el miedo y la vulnerabilidad que define la dinámica de poder entre ambos, pero aquí esos elementos se tocan superficialmente. La película parece más cómoda relatando los conflictos externos, como las amenazas de los asesores de Enrique o las tensiones religiosas del reino, dejando al margen el potencial interno de la historia o el horror que sufre Catalina al intentar hacer valer sus ideas por encima de quienes la quieren como una mera proveedora de herederos.
‘La última reina’ destaca como un drama histórico cruel y lleno de desesperación encabezado por dos potentes figuras, pero no como la terrorífica historia que se nos promete. Aunque ofrece actuaciones notables y un diseño de producción impecable, su enfoque narrativo diluye el impacto emocional que podría haber alcanzado. La película es una reivindicación de Catalina Parr, pero carece de la profundidad y la intensidad que la habrían hecho memorable dentro de un género pocas veces vinculado a este periodo histórico. Podría haber sido un episodio más de ’Los Tudor’ o similares.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2024. Título original: Firebrand. Duración: 120 min. País: Reino Unido. Dirección: Karim Aïnouz. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Alicia Vickander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Sam Riley, Simon Russell Beale. Producción: MBK Productions, FilmNation Entertainment, Brouhaha Entertainment, Magnolia Mae Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror, drama. Web oficial:https://www.firebrandmovie.co.uk/
Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, ‘Paddington: aventura en la selva’ encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
Crítica
Mantiene esa inocencia que es todo un ejemplo a seguir
Tercera entrega de la saga a la que muchos nos acercamos por las bromas hechas en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’, la película protagonizada por Nicolas Cage y Pedro Pascal. Después de dos entregas aclamadas por la crítica y el público, ‘Paddington: aventura en la selva’ tenía la difícil tarea de mantener el encanto y la calidad de la saga. Sin embargo, con un cambio de director y un giro hacia la aventura buscatesoros clásica, la película se aleja del tono original que hizo tan especial a ‘Paddington’ (2014) y ‘Paddington 2’ (2017). Eso no tiene que ser necesariamente algo malo.
Las dos primeras películas fueron dirigidas por Paul King, quien logró equilibrar el humor, la emoción y la estética encantadora de la historia. Pero este director ha estado ocupado sin duda dándole el toque british a ‘Wonka’. ‘Paddington: aventura en la Selva’ cuenta con DougalWilson en la dirección, un debutante en esto del largometraje. Su experiencia en videos musicales y comerciales le permite aportar un toque visual atractivo, pero su narrativa es más convencional y menos innovadora que la de su predecesor. Uno de los mayores cambios es la partida de Sally Hawkins (que también estaba trabajando en ‘Wonka’), quien interpretaba a la Sra. Brown y ahora es reemplazada por Emily Mortimer. Aunque la transición es fluida y la película se enfoca en la dinámica familiar, el centro de atención es la expedición a Perú. Por mucho que suponga el regreso a casa para el osezno se pierde parte del encanto hogareño de las anteriores. Sin duda estamos ante el ‘Stuart Little’ de esta generación, dado su toque british y sus valores familiares y de hospitalidad, incluso en su tercera y animada entrega también se iba de aventuras a la naturaleza. Como decía, estos cambios no son necesariamente para mal, no estamos ante el caso de otra saga destrozada por el ansia de hacer más y más.
La historia sigue a Paddington y la familia Brown en la búsqueda de la desaparecida tía Lucy. La película introduce elementos de cine de aventuras al estilo de ‘Indiana Jones’ o ‘Tras el corazón verde’, con escenarios selváticos idealizados y el misterio de un tesoro perdido. Acaba apareciendo El Dorado y la selva amazónica acoge elementos occidentales como en ‘Fitzcarraldo’, pero prefiero no comparar y conviene alejar la sombra del molesto Klaus Kinski. Visualmente se va a más, al público se le aporta la misma cantidad de carcajadas, más adrenalina y menos momentos lacrimógenos o empalagosos. La ternura está menos presente pero es compensada con carcajadas. Sobre todo por la inclusión de Olivia Colman (que sí que ha sacado tiempo tras rodar ‘Wonka’) en la piel de una monja a medio camino de ‘Sonrisas y lágrimas’ y un personaje de ‘Los Simpson’ a punto de explotar, demencial.
Quién espere una visión fidedigna de Perú se va a llevar un chasco. Vale que estas historias de Michael Bond son un estandarte de la cultura británica, pero qué vamos a esperar de algo surgido de un cuento infantil en el que el protagonista es un oso con abrigo de pana adicto a la mermelada. Evidentemente no es un filme retratista, todo podría haber sucedido en cualquier selva. Lugares donde siempre se ha vituperado la huella de los conquistadores españoles. En ‘Paddington 3’ Antonio Banderas intenta lidiar con algo de luz ese tipo de legado.
El humor mudo sigue presente, con guiños incluso a sketches clásicos de Buster Keaton. Las mentiras piadosas, la manera tan correcta de afrontar los conflictos y la capacidad de ser magnánimo con una criatura tan exacerbadamente torpe siguen siendo señas de identidad. Tanto en el protagonista como en casi todo el filme, reina la inocencia. Reitero que quizá la emotividad esté mucho menos presente, pero hay que aplaudir que aún con todo y con eso este oso se gana nuestros corazones y se alza como un ejemplo a seguir. Seguir, quizá la franquicia no crezca con más películas, por lo menos su escena post-créditos no parece tener intenciones continuistas, pero seguro que los resultados de crítica y taquilla ponen a sus productores los dientes largos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Paddington in Peru. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Dougal Wilson. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Olivia Colman, Antonio Banderas. Producción: Studio Canal, Columbia Pictures, Stage 6 Films, Kinoshita Group, Canal+, Marmalade Films Ltd. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial:https://paddingtonmovie.com/
La monótona vida del adicto al trabajo Conor se ve sacudida cuando tropieza con el anuncio de la línea de fiestas de Frankie Freako con un extraño duende danzante. ¿Será su entrada a la emoción?
Crítica
Nos divierte añadiendo nuevos miembros al imaginario de los monstruitos
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘Gremlins’ tuviera un hijo ilegítimo con ‘Roger Rabbit’ tras una borrachera en Las Vegas, ‘Frankie Freako’ es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. Desde su primera escena, la película deja claro que no se va a tomar en serio a sí misma, apostando por un caos cuidadosamente orquestado que recuerda a los excesos de los 80. Cada criatura es una pequeña obra de arte del cine artesanal, con texturas y expresiones que superan con creces a cualquier monstruo digital moderno.
La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental. Aquí no hay moralejas edulcoradas ni finales reconfortantes, solo un torbellino de situaciones absurdas que funcionan gracias a un guion que, aunque tarda excesivamente en arrancar, abraza el disparate sin miedo. Los personajes, aunque caricaturescos, tienen el suficiente carisma para sostener el delirio en el que se ven envueltos, y Frankie Freako, en particular, se roba la pantalla con una personalidad tan insoportable como magnética. Eso sí, saldrás imitando al personaje que al igual que Groot solo articula una palabra, en este caso “Shabadoo”.
La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la «Línea de Corey». ¿Por qué esto último? Pues porque el filme parte de un hecho real que no es otro que las party lines, esas llamadas multiconferencias que se podían hacer en los 80 y se usaban para ligar.
Apartado especial para su director, el cual es un especialista en efectos especiales. Con sus películas Steven Kostanski está rindiendo al cine de efectos prácticos un homenaje similar al que le rinde David Leitch al de acción con especialistas. Títulos como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’ hacen fans al instante y ya son clásicos de culto. Además, ha tenido el detallazo darle a uno de los protagonistas el apellido de John Carl Buechler, artista al que le debemos los efectos de películas como ‘Re-Animator’, ‘Torok, el troll’, ‘Hatchet’, ‘Ghoulies’ o incluso algunos detalles de ‘Indiana Jones y la última cruzada’.
En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Es un recordatorio de que el cine de género puede ser puro desenfreno sin renunciar a un cariño evidente por sus influencias. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña? Porque si ‘Jungla de Cristal’ y ‘Gremlins’ entran en la categoría, ‘Frankie Freako’ también merece un hueco en las maratones decembrinas.
Frankie Freako es un homenaje desatado a la serie B, a los ochenta y a las comedias disparatadas, casi cartoon. La película se nos escapó en Sitges pero la vimos en el Festival CutreCon en comunión con el ciclo fantástico Aeterna y con eso queda claro que este filme rinde culto a películas trash pero que tienen buen gusto a la hora de hacer crecer el imaginario colectivo en lo que a monstruitos se refiere. Pese a su aire de gamberrada sin control, es evidente que hay un amor genuino por este tipo de cine, con un cuidado sorprendente en su diseño de producción y en la forma en la que Frankie interactúa con el mundo que lo rodea. Es el momento de dejarse llevar y gritar eso de It’s time to get Freako!
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de febrero de 2025. Título original: Frankie Freako. Duración: 85 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski. Guion: Steven Kostanski. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Conor Sweeney, Kristy Wordsworth, Adam Brooks, Matthew Kennedy, Meredith Sweeney, Rich Evans, Rob Schrab, Patrick Baxter, Kate Freund, Mike Stoklasa. Producción: Hangar 18 Media. Distribución: Amazon. Género: fantástico, comedia. Web oficial:comprar en Blu-ray
Geralt de Rivia, un brujo mutante y cazador de monstruos a sueldo, recibe el encargo de investigar una serie de ataques que han alterado la paz de un pequeño pueblo costero. Sin esperarlo, se ve inmerso en un conflicto que ha enfrentado a humanos y sirenas durante siglos. Para desentrañar el misterio y evitar que la hostilidad entre ambos reinos desate una guerra sin retorno deberá apoyarse en sus amigos de siempre y en aliados inesperados.
Crítica
The Witcher meets La Sirenita
Os voy a resolver lo primero de todo la curiosidad por la que probablemente hayáis entrado a leer esta crítica. Esta nueva película de animación basada en las obras de Andrzej Sapkowski (que no es la primera ya que se estrenó ‘La pesadilla del lobo’ en 2021) no cuenta con la voz de Henry Cavill. Pero en su sustitución tampoco con la de Liam Hemsworth. Prestan sus voces Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi… Todos ellos ya conocidos por la audiencia de la serie. Pero a Geralt de Rivia le dobla DougCockle. Una especie de acto de justicia ya que este excelente doblador de personajes de videojuegos es quien ha doblado al protagonista en los juegos. Eso sí, en la versión en español vuelve a ser Guillermo Romero, doblador habitual de Henry Cavill.
Dicho esto comentemos esta nueva aventura del brujo de pelo plateado. ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ es una película episódica, sin ningún evento trascendental en la historia de Geralt de Rivia y si con mucho trasfondo para el cargante y fiel Jaskier. Es una historia que transcurre tras eventos como el de la niña de la sorpresa (Ciri), tras el encuentro con el Djinn o la aventura con el hombre lobo. Pero transcurre antes de visitar Caingorn y darse la masacre, como bien sabrán los conocedores de esta franquicia. Bien intuirán también los lectores que esta película de animación se basa en ‘Un pequeño sacrificio’, el relato incluído en ‘La espada del destino’.
Como tantas otras historias e ‘The Witcher’, razón por la que un servidor consideró los libros bastante vagos, la base un cuento clásico. En esta ocasión la aventura que bien tiene elementos también en común con ‘Aquaman’ se basa en ‘La sirenita’. ¡Llegan hasta cantar y no solo Jaskier! Buena parte del metraje es una historia la mar de arquetípica, nunca mejor dicho. Pero si metes una buena tijera a esa parte y nos quedamos con las historias y acción de Geralt y Jaskier, resulta que ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ se queda en un entretenimiento, del tipo historia de cortes y corsarios. Por supuesto también tenemos el cuento de Hans Christian Andersen popularizado por la Disney embadurnado de monstruos, en esta ocasión de criaturas de las profundidades y el clasicazo del kraken.
Quizá la animación sea lo más digno de mención de esta pildorita que nos mantiene vivo al personaje hasta la llegada del menor de los Hemsworth. Studio Mir, los mismos de ‘La leyenda de Korra’, ‘DOTA: Sangre de dragón’ o la próxima versión del ‘Devil may cry’, son los responsables coreanos de este anime que sería más correcto llamar aeni. Su estilo se asemeja al de otras producciones de Netflix, véase ‘Castlevania’, por ejemplo. Las escenas de combate son dinámicas, con movimientos bien coreografiados y mezclas entre ataques y defensas, algo que Studio Mir ha perfeccionado en trabajos anteriores. La paleta de colores es sombría, con tonos fríos y contrastes marcados, lo que refuerza el tono adulto de la historia a pesar de que se base en un cuento infantil. Esto encaja con la atmósfera oscura y realista del universo The Witcher. Geralt tiene un aspecto más estilizado que en los videojuegos, con facciones más marcadas y una armadura detallada. Los diseños de las sirenas combinan elementos fantásticos con un enfoque casi mitológico e incluso lovecraftiano. Aunque predominan los trazos en 2D, algunos efectos de agua, iluminación y magia parecen apoyarse en CGI, lo que añade profundidad sin desentonar con el estilo general. En general ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ aporta un estilo visual impactante y una ambientación fiel al mundo de Lobo Blanco.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de febrero de 2025. Título original: The Witcher: Sirens of the Deep. Duración: 90 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hei Chul. Guion: Rae Benjamin, Mike Ostrowski. Música: Joseph Trapanese. Reparto principal (doblaje original): Doug Cockle, Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi. Producción: Hivemind, Netflix, Platige Image, Stuio Mir. Distribución: Netflix. Género: fantasía, aventuras. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81484026?s=i&trkid=258593161
Un golpe mediático a los secretos mejor guardados del Opus Dei
‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es una serie documental de cuatro episodios de 50 minutos, producida por THE MEDIAPRO STUDIO para Max en España, creada y dirigida por la periodista Mònica Terribas. Ya se encuentra disponible en Max desde el 7 de febrero.
El Opus Dei es una institución que si bien está por todo el mundo (como los masones o los mormones) es bien desconocida para mucha gente (como los masones o los mormones). ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ ofrece una mirada inédita sobre las experiencias de trece mujeres procedentes de diferentes países, principalmente España, América Latina, Irlanda o Reino Unido. Ellas vivieron dentro del Opus Dei como numerarias, numerarias auxiliares o agregadas (no entraré a explicar este detalle que deberíais ver en el documental). Relatan su posterior ruptura con la organización que opera bajo el amparo del Vaticano, el cual no hace no mucho rebajó sus privilegios. Estas mujeres narran, en primera persona, cómo fueron captadas en la adolescencia, sometidas a un lavado de cerebro con técnicas propias de las multinacionales actuales, anuladas bajo un régimen de estricta obediencia y finalmente forzadas a realizar trabajos no remunerados bajo la justificación de su entrega a Dios.
Los testimonios se complementan de una manera tan curiosa como escalofriante a través de recreaciones interpretadas por la actriz Claudia Traisac, bajo la dirección de Laura Sisteró y cuyo rodaje presenciaron las propias entrevistadas. A parte de esta búsqueda de verosimilitud la docuserie incorpora el análisis de expertos en la materia, como el periodista británico Gareth Gore, autor de ‘Opus’ (Editorial Crítica), Antonia Cundy, periodista del Financial Times, el psicólogo John Paul Lennon, especializado en abusos religiosos y sectas o el abogado Sebastián Sal, defensor del ‘caso de las 43’, exnumerarias auxiliares en Argentina y otros países de América Latina. Todos ellos contextualizan y respaldan los testimonios aportando un cómo y un por qué que resulta alarmante en pleno siglo XXI.
A pesar de que el Opus Dei ha sido objeto de críticas desde los años setenta por sus dinámicas coercitivas, esta es la primera serie documental que aborda el tema con múltiples casos y testimonios coincidentes. La directora Mònica Terribas ha declarado que ‘El minuto heroico’ pone ante el espejo al Opus Dei, reflejando las vivencias de mujeres que denuncian haber sufrido abusos psicológicos y espirituales dentro de la organización. Sin embargo, la producción no está exenta de controversia y podría haber sido incluso más completa o valiente, aunque desconozco si lo ha intentado HBO Max nos ha permitido ver el último episodio y en el indican que el Opus se ha negado a participar en el documental. La ausencia de voces defensoras del Opus Dei da lugar a una perspectiva parcial. Haber contado con miembros actuales de esta organización, tachada muchas veces de secta, podría haber servido para dar más empaque al documental e incluso para que ello mismos se retratasen como quisiesen.
En términos de producción, la serie podría parecer sencilla, pero el tema de las recreaciones genera un impacto inesperado. La estructura es correcta y uno devora los cuatro episodios con avidez según se va deshojando esta cebolla que nos puede hasta hacer llorar. ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es un relato impactante que, sin duda, dará de qué hablar en el debate sobre los límites entre la fe, el peso de la familia y el control institucional.
‘María Callas’, la nueva película dirigida por Pablo Larraín, narra los últimos días de vida de la legendaria soprano María Callas en el París de los años 70. La película, protagonizada por Angelina Jolie, sigue un enfoque similar al de otras obras de Larraín, como Jackie y Spencer, explorando momentos específicos y cargados de emoción en la vida de estas icónicas mujeres.
Crítica
Jolie espléndida. Larraín anclado en el homenaje contemplativo basado en su propia imaginación
El cine de Pablo Larraín ha establecido una marca distintiva en el género biográfico, con una fijación casi obsesiva por desmenuzar a figuras icónicas, humanizarlas y al mismo tiempo, rendir homenaje a su legado. ‘Maria Callas’, protagonizada por Angelina Jolie, se suma a este corpus como un estudio íntimo y melancólico sobre los últimos días de la diva de la ópera, pero con un enfoque que, aunque admirable, se siente algo distante y poco efectivo, sin embargo, lejos de lo desastroso que fue ‘Spencer’.
Angelina Jolie encarna a Maria Callas con un porte elegante y un aire trágico que captura la fragilidad emocional de la soprano. Jolie no intenta imitar a Callas de manera literal (como comprobamos con las imágenes de los créditos), sino que interpreta su esencia con una profundidad emotiva que resulta conmovedora. Sin embargo, la película tiende a apoyarse demasiado en la presencia magnética de Jolie, dejando que la narrativa se deslice en una contemplación que a veces roza lo estático. Aunque el trabajo de Jolie es notable, no alcanza el nivel transformador de Natalie Portman en ‘Jackie’, donde Larraín parecía estar en completa sintonía con sus protagonistas. Aún así el enfoque psicológico aporta un matiz interesante a buena parte de la película, empleando metáforas y un poco de imaginería. Sin embargo, esta decisión también subraya un problema narrativo: la película parece preocupada por construir un homenaje atmosférico y subrayar como fantasmas los conflictos internos de La Callas, pero carece de hilo y es redundante.
En términos visuales, Maria Callas es un deleite, como es habitual en el cine de Larraín. La fotografía evoca tanto la opulencia de la ópera como la soledad de los escenarios vacíos. El filme parece gritar que las arias y cantos líricos que entonan tenores y sopranos también están dirigidos proféticamente a un arte que caerá en el olvido o el menosprecio. Prueba de ello es la mismísima secuencia inicial, la cual supone un repaso más propio de un epílogo que de un prólogo. Con muchos planos kubrickianos y ensalzando una opulencia muerta, las imágenes, a veces también de una grandiosidad que nos achica, amedrentan cualquier espíritu alegre u optimista con el que hayamos podido entrar a la sala. ‘Maria Callas’ es un filme triste y nostálgico.
La comparación con otros biopics de Larraín es inevitable. En ‘Jackie’, la viuda de Kennedy se enfrenta al duelo mientras navega por un panorama político implacable, brindándonos una oportunidad única de explorar una parte menos considerada en un momento tan histórico como el recogido por la cinta zapruder. En ‘Spencer’, Diana de Gales experimenta una crisis existencial en un entorno sofocante y una semana decisiva. Ambas películas presentan a mujeres atrapadas en jaulas doradas, pero ‘Maria Callas’ lo que hace es intentar elevar la intensidad psicológica a través de traumas y divagaciones imbuidas por medicamentos. Mientras que ‘Jackie’ y ‘Spencer’ se desarrollan en momentos críticos de las vidas de sus protagonistas, ‘Maria Callas’ opta por un enfoque más reflexivo y menos narrativamente dinámico, lo que podría desilusionar a algunos espectadores. En cuanto a su comparación con ‘Neruda’ y ‘El Conde’, este largometraje tiene mejor ritmo que la cinta sobre el poeta y carece absolutamente por completo del toque satírico o crítico de la experimentación empleada en la obra sobre el dictador. Larraín utilizó elementos metaficcionales y surrealistas para explorar a los personajes chilenos, pero en ‘Maria Callas’ adopta un enfoque más convencional y respetuoso. Si bien esto es apropiado para el personaje, también limita las posibilidades creativas de la película. No obstante, lo que queda claro es que Larraín se encuentra cómodo rellenando con su imaginación episodios y momentos íntimos de celebridades que nos dejaron.
Uno de los aspectos más interesantes de ‘Maria Callas’ es como retrata el aislamiento que acompaña a la grandeza, los anhelos por controlar la vida propia y una obsesión inmoladora por el canto. Larraín muestra a Callas como una mujer atrapada entre su arte y aquellos que facilitaron sus vicios y necesidades, lo cual empieza a ser un tema recurrente en su filmografía. Sin embargo, mientras que en ‘Spencer’ o ‘Jackie’ este cautiverio se traduce en un drama urgente, aquí se siente más como un retrato estático, como si Larraín estuviera más interesado en observar a Callas desde la distancia, sin prisas por rendirle homenaje.
En última instancia, ‘Maria Callas’ es una obra visualmente impresionante y emocionalmente resonante, pero no alcanza el impacto de las mejores películas de Larraín. Angelina Jolie ofrece una interpretación digna de admiración, pero la película, aunque sólida, carece de la chispa innovadora que caracteriza los trabajos más audaces del director chileno. Es una pieza que probablemente será apreciada por los amantes de la ópera y los seguidores tanto de Callas como de Jolie, pero que podría dejar a otros anhelando una conexión más profunda y visceral o por lo menos un chorreo de información más sugerente.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Maria. Duración: 124 min. País: Italia, Alemania. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Steven Knight. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haulk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Stephen Asfield. Producción: The Apartment, Komplizen Film, Fabula. Distribución: Diamond Filmas. Género: drama, biográfica. Web oficial:https://www.komplizenfilm.de/en/movies/maria
Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se multiplican para los agentes. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín.
Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.
Crítica
Bebe acertadamente de fuentes como los hermanos Coen y la ficción criminal televisiva
‘Fuera de la ley’ (‘Greedy People’) es una película dirigida por Potsy Ponciroli, que se adentra en el género de la comedia negra con tintes criminales. Larga es la sombra de los hermanos Coen pues parece que Ponciroli, influenciado por tan influyentes cineastas, realiza en ‘Fuera de la ley’ un filme tragicómico y coral que sigue la senda de películas como ‘Ladykillers’, ‘Quemar después de leer’ o incluso ‘Fargo’ en cierta medida. Todo es un desfile de personajes pintorescos e incluso cómicos hasta que la trama se torna tremendamente oscura. Al igual que muchas historias de los Coen transcurre en una pequeña localidad de la américa tradicional y profunda en la que lo mundano se entrelaza con lo macabro.
La trama se sitúa en una pequeña localidad isleña. Los protagonistas son un reciente y atípico dúo policial en el que Josep Gordon-Levitt interpreta a un policía impulsivo y con sus vicios mientras que Himesh Patel es un estresado padre en ciernes que llega a la nueva comisaría. Este contraste entre personalidades establece una dinámica interesante y divertida. Pero pronto se produce un punto disruptivo que torna el filme en un enredo constante de ominosa solución.
El filme presenta una serie de personajes pintorescos que aportan momentos de humor y tensión a partes iguales. Sin embargo, a medida que la trama progresa, la acumulación de eventos violentos y decisiones erróneas transforma la comedia inicial en una narrativa más sombría. Esta transición tonal tiene un punto claro de cambio (que no desvelaré) y desbarata por completo las impresiones iniciales. Es una apuesta tan ambiciosa como indica su propio título original y al contrario que le sucede a sus propios protagonistas Ponciroli y su guionista Mike Vukadinovich (‘Kidding’) salen airosos pues las sensaciones que deja son buenas, a pesar de ser extremadamente discordantes con sus intenciones.
La película se administra bien en cuanto a incorporar personajes, añadir running gags o dejar ingredientes o misterios pendientes. No es que ‘Fuera de la ley’ plantee un puzle complejo, pero si genera interés por cómo va a resolverse tan intrincado enredo. Y todo esto no lo hace solo a base de acompañar a los dos policías por su truculenta situación, sino con una estructura episódica. Ahora que están tan de moda series tipo ‘Crimen en el paraíso’, ‘Padre Brown’ y demás producciones churreras surgidas de ‘CSI’, esta película llega para atraer al cine al público televisivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Greedy People. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Potsy Ponciroli. Guion: Mike Vukadinovich. Música: Jordan Lehning. Fotografía: Eric Koretz. Reparto principal: Himesh Patel, Josep Gordon-Levitt, Lily James, Uzo Aduba, Tim Blake Nelson, Simon Rex, Nina Arianda. Producción: Boies Schiller Entertainment, Hideout Pictures, Limelight. Distribución: Filmax, Twelve Oaks Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://hideoutpictures.com/greedy-people/
Los fans de ‘Ataque a los titanes’ tienen una oportunidad única de ver el gran final de uno de los animes más potentes en las últimas décadas. ‘Attack on Titan: the last attack’ estará en cines de mano de la unión entre Crunchyroll y Sony Pictures. Es la plataforma de anime la que nos informa que este filme de 145 minutos ya ha abierto su venta de entradas. Su proyección tendrá lugar en japonés con subtítulos en castellano.
Sinopsis oficial:
‘Attack on Titan: the last attack’ aúna los dos últimos episodios de la aclamada serie de anime en una experiencia cinematográfica que recoge el épico final en una película recopilatoria de tamaño colosal.
La humanidad vivía en paz tras los enormes muros construidos para protegerse de la amenaza de unas criaturas monstruosas llamadas Titanes. Su siglo de paz se vio truncado por un ataque a su ciudad que dejó huérfano de madre a un niño, Eren Yeager, que juró vengarse de los titanes.
Años después de unirse a la Tropa de Reconocimiento, Eren se enfrenta a un enemigo mortal y acaba adquiriendo una habilidad especial que revela una nueva verdad sobre el mundo que conoce…
Tras aventurarse más allá de los muros y separarse de sus camaradas, Eren, motivado por sus nuevos conocimientos del mundo, planea el «Retumbar», un terrorífico plan para erradicar a todo ser vivo del mundo. Con el destino del mundo pendiendo de un hilo, un variopinto grupo de antiguos camaradas y enemigos de Eren lucha por detener su letal misión. La única pregunta es: ¿lo conseguirán?
La muerte de un multimillonario desencadena una serie de acontecimientos para Iris y sus amigos durante un viaje de fin de semana a su finca junto al lago.
Crítica
Repleta de cuestiones actuales… y sangre
En ‘La acompañante’, Drew Hancock nos entrega un filme que, lejos de limitarse al terror enlatado, apuesta por un convertir su relato en una aventura sangrienta con materia a tratar. La película plantea preguntas incómodas sobre las dinámicas de poder en las relaciones, el papel del individuo en una sociedad cada vez más dependiente de la tecnología y lo que realmente significa ser humano en un mundo que nos reduce a meros consumidores o acompañantes. Sin entrar en detalles específicos, el relato aborda temas como el empoderamiento y la resistencia en una sociedad que, a menudo, cosifica y deshumaniza tanto a las mujeres como a aquellos que dependen sentimental o económicamente de sus parejas.
Sophie Thatcher, a la que pudimos ver recientemente en ‘Heretic’, registra una actuación que sorprenderá a muchos. Su interpretación es sutil, compleja y cargada de matices. Logra transmitir una mezcla de vulnerabilidad y fuerza que eleva la película de un simple ejercicio de terror a un relato que aborda sentimientos y conciencia. Hancock aprovecha su talento al máximo, dándole escenas que son emocionalmente limite sin perder de vista el horror y diversión que subyace en la narrativa.
El casting nos proporciona, desde un simpático boy scout a una versión rusa de Charlie Sheen, ofreciéndonos el abanico de posibilidades de esos survival horror o slasher en los que sabes que va a morir hasta el apuntador, pero no sabes cómo o en qué orden. Quien busque un divertimento sanguinolento debe recordar que este director ha sido guionista en series de Adult Swim como ‘Mr. Pickles’, a si es que lo tiene asegurado. Quien busque terror quizá se decepcionará porque el propio cartel del filme vende más miedo del que realmente hay. Pero la película tiene más que ofrecernos, mucho más que no hay que leer entre líneas precisamente.
A partir de aquí hablaré en clave de spoiler ya que los propios tráilers de Warner Bros. mostraban abiertamente lo que vamos a tratar.
Precedentes como ‘Muñeco diabólico (Child’s play)’ o ‘Pequeños guerreros’ son el germen moderno de películas como ‘La acompañante’, pero estamos ante un cine que se atreve o se ve obligado incluso a desarrollar otros argumentos, ya sea por evitar la repetitividad o por poner sobre la mesa otras cuestiones. Recientemente hemos tenido nuevas versiones de Chucky, la muñeca bailarina de ‘M3gan’ o siguiendo con ese nombre la película que protagonizaba hace unos meses Megan Fox (‘Alice. Subservience’). Lógicamente en ‘La acompañante’ también está aquel miedo que sembró en su día ‘Terminator’, el cual, hoy por hoy se ha tornado real entre los artistas con el creciente uso de las inteligencias artificiales. Por supuesto están muy presentes las leyes de la robótica de Asimov y el hecho de que vivimos en un mundo con coches y casas automatizadas. A esto hay que añadirle que pasamos por una época en la que el entretenimiento audiovisual no parece tener límites y quién mejor para protagonizar una película que contiene connotaciones sexuales y violencia que uno de los protagonistas de ‘The Boys’ como Jack Quaid. Toda esta serie de referencias o símiles no suponen el nacimiento de esta película de Drew Hancock pero sí nos ponen contexto y precedentes suficientes. Llegamos con ello a una de las lecturas que extraemos de ‘La acompañante’, que no es otra es que el ser humano tiene una naturaleza violenta y el hombre en concreto es visto como un maltratador. No creo que el director haya querido retratar a todos los hombres como artífices de violencia de género pero sí, mostrar que estamos ante una generación que cree que puede controlar a sus parejas simplemente con un teléfono móvil. Esa lectura es escalofriantemente real y al margen del entretenimiento sangriento y cómico que supone ‘La acompañante’ hemos de saber apreciarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Companion. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Drew Hancock. Guion: Drew Hancock. Música: Hrishikesh Hirway. Fotografía: Eli Born. Reparto principal: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Harvey Guillén, Rupert Friend, Megan Suri, Lukas Gage, Marc Menchaca. Producción: BoulderLight Pictures, New Line Cinema, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/boulderlightpictures/
En la Australia de los años 70, la vida de Grace está marcada por la desgracia y la pérdida. Cuando su unidad familiar se desmorona y es separada de su hermano gemelo, Gilbert, desarrolla una afición a coleccionar adornos de caracoles para calmar su soledad. Grace encuentra esperanza cuando desarrolla una amistad con una anciana excéntrica, Pinky, quien la inspira a salir de su caparazón y dejar de lado las cosas que alborotan su hogar y su mente.
Crítica
Un talentoso stop motion chocando con una historia para nada animada
‘Memorias de un caracol’ es una obra que, aunque visualmente está muy elaborada y entra por la vista, sobre todo se queda grabada por como profundiza en cuestiones humanas de una forma sombría y desgarradora. Dirigida por Adam Elliot, la película aborda temas como la soledad, el duelo y el bloqueo que impide avanzar por adversidades autoimpuestas. La protagonista, Grace, se convierte en un símbolo del encierro emocional y la búsqueda de liberación, encapsulada en la analogía del caracol y su caparazón. Es una historia que invita a reflexionar sobre cómo los seres humanos procesan sus cicatrices y encuentran fortaleza en sus conexiones con los demás.
La relación de Grace con Pinky, una anciana excéntrica y maternal, brilla como el eje emocional de la trama. Pinky no solo actúa como mentora, sino que también ofrece una perspectiva optimista frente al dolor, ayudando a Grace a enfrentar sus propias limitaciones. Esta dinámica es la única en la que el espectador encuentra algo de luz. Esta relación está muy bien interpretada por Sarah Snook y Jacki Weaver, cuyos matices vocales llenan de vida y profundidad emocional a los personajes. Sin embargo el resto del filme nos embadurna de depresión y pesadumbre, cuidado si buscáis un título optimista porque ‘Memorias de un caracol’ está muy lejos de ser algo así.
El filme no se conforma con explorar el duelo desde un punto de vista tradicional. Desde los conflictos internos de Gilbert, el hermano de Grace, hasta la representación de un mundo opresivo que asfixia a sus protagonistas, la película ahonda en una visión cruel de la realidad. Las tragedias que enfrentan, desde el abuso hasta la pérdida, no son solo giros argumentales, sino vehículos para subrayar la resiliencia y miseria humana. En particular, el final (que también es el comienzo), donde Grace encuentra motivación en las palabras finales de Pinky, es un recordatorio de que avanzar, aunque lento y arduo como el andar de un caracol, sigue siendo el único camino posible.
A pesar de su riqueza emocional, la narrativa puede resultar pesada por momentos, lo que hace que algunos espectadores puedan desear un ritmo más ágil. Si bien esta lentitud puede considerarse un defecto, también refuerza la atmósfera reflexiva de la obra. Si eres de los que disfrutan el stop motion puedes tener momentos de gran poder visual y complejidad ya que esta película no tiene nada que envidiar a las que surgen de factorías como Aardman o Laika. Por otro lado si eres fan de Tim Burton encontrarás en ‘Memorias de un caracol’ una digna sucesora.
En última instancia, ‘Memorias de un caracol’ es una película que, aunque no apta para quienes buscan entretenimiento ligero o animado, ofrece una experiencia visual y emocional profunda. Es un recordatorio de que el stop motion sigue siendo un medio poderoso para explorar las emociones humanas y los temas universales que nos conectan a todos, prueba de ello es su presencia en Annecy o los próximos Globos de Oro.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Memoir of a Snail. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Adam Elliot. Guion: Adam Elliot. Música: Elena Kats-Chernin. Fotografía: Gerald Thompson. Reparto principal (doblaje original): Jacki Weaver, Sarah Snook, Charlotte Belsey¸ Agnes Davison, Mason Litsos, Daniel Agdag, Eric Bana, Saxon Wright, Dominique Pinon¸ Selena Brennan, Adam Elliot. Producción: Arenamedia, Screen Australia, Snails Pace Films. Distribución: Alfa Pictures, Mader Films. Género: drama, comedia. Web oficial:https://alfapictures.com/sp/amy_movie/memorias-de-un-caracol/
Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.
Crítica
Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca
Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.
El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.
El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.
A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial:https://labonicafilms.com/los30/
Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia!
No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.
Crítica
De esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño
Personalmente me parece forzado y vago cuando las comedias dramáticas se inclinan hacia el cinismo o el sentimentalismo excesivo, siempre he pensado que destrozan todo lo construido y buscan la lágrima fácil. En el caso de ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ podemos decir que emerge como una obra refrescante y auténtica, sincera y a la cara. Y eso que su título original viene a significar algo así como «déjame ir». Representando a Tailandia como su candidata a los premios Oscar, esta película logra equilibrar un humor entrañable con una exploración profunda de las dinámicas familiares y los conflictos generacionales, es de esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño.
La trama gira en torno a “M”, un joven ambicioso atrapado entre las expectativas de su familia y sus propias aspiraciones. Este streamer, un nini casi hikikomori, idea un plan disparatado para alcanzar la riqueza antes de que su abuela, el pilar emocional y financiero de la familia, fallezca. Desde esta premisa aparentemente ligera, la película se expande hacia una narración que no solo invita a sonreír tiernamente, sino que también plantea preguntas serias sobre el legado, la unidad familiar y los sacrificios intergeneracionales.
El director, Pat Boonnitipat, cuya sensibilidad queda patente en cada encuadre, utiliza el humor amable como herramienta para revelar verdades profundas. Las situaciones cómicas generadas a través del enfrentamiento entre la picardía de ambos protagonistas no son meros gags aislados, sino el resultado natural de las interacciones entre los personajes. La abuela, interpretada con una mezcla de calidez y autoridad inquebrantable, se convierte en el corazón de la historia. A través de sus gestos y frases cargadas de sabiduría popular, transmite una visión del mundo que contrasta con la obsesión de “M” por los atajos hacia el éxito. Esta tensión genera momentos únicos, como cuando los planes de “M” se desmoronan por ambiciones de sus otros familiares o el choque de tradiciones con la modernidad. Sin embargo, el verdadero logro de la película radica en su capacidad para encontrar el drama en los pequeños detalles. Las conversaciones aparentemente banales entre generaciones revelan un abismo de expectativas no expresadas, frustraciones acumuladas y amor genuino.
Visualmente, la película captura con destreza la vida en una comunidad tailandesa, desde los mercados bulliciosos hasta los momentos de calma en el hogar familiar. La fotografía evita exotizar los paisajes y, en su lugar, los utiliza como reflejo de los trasuntos de los personajes. La música, un delicado balance entre instrumentos tradicionales y arreglos contemporáneos, refuerza esta conexión entre pasado y presente.
En su totalidad, ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ es mucho más que una comedia dramática; es una celebración de la familia, con sus imperfecciones y fortalezas. Es ante todo un ultimátum para que disfrutemos sinceramente de los nuestros. Su capacidad para tejer risas y lágrimas con tanta naturalidad la convierte en una digna representante de Tailandia en los Oscar, y un recordatorio de que el cine puede ser a la vez divertido y profundamente humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Lahn mah. Duración: 126 min. País: Tailandia. Dirección: Pat Boonnitipat. Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat. Música: Jaithep Raroengjai. Fotografía: Boonyanuch Kraithong. Reparto principal:Producción: GDH 559, Jor Kwang Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.gdh559.com/post/lahnmahMoive/
El gato es un animal solitario, pero cuando su hogar es devastado por una gran inundación, encuentra refugio en un barco poblado por varias especies, y tendrá que formar equipo con ellas a pesar de sus diferencias.
Crítica
Un milagro de la animación indie
‘Flow’, la película de Gints Zilbalodis presente en la shor-list de los Oscars 2025, es una obra maestra de la animación que destaca por su enfoque sensible hacia el mundo animal y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones sin recurrir a diálogos. La narrativa sigue a un gato (o gata) negro que, tras una devastadora inundación, se embarca en un viaje a bordo de un barco habitado por diversas especies animales. A lo largo de esta travesía, el felino aprende a colaborar y confiar en sus compañeros de viaje, resaltando temas universales de comunidad y protección mutua. A los que ya peinan canas esta trama podría recordar a ‘En busca del valle encantado’, ‘Dinosaurio’ o ‘El viaje de Arlo’, pero este filme va por otros derroteros, sobre todo por su final.
La ausencia de diálogos en ‘Flow’ permite que las acciones y comportamientos naturales de los animales sean el principal vehículo de comunicación, otorgando autenticidad y profundidad emocional a la historia, reclamando la máxima atención por parte del espectador que ha de fijarse en la expresividad de los protagonistas. Esta elección artística invita al espectador a sumergirse en las sutilezas del lenguaje corporal y las interacciones entre las diferentes especies, creando una conexión más íntima con los personajes y sus experiencias.
La animación de ‘Flow’ es notable por su realismo y estilo distintivo, que recuerda a producciones de videojuegos indie como ‘Sky’, ‘Samorost’ o ‘Gris’. La estética visual, creada íntegramente con el software de código abierto Blender, ofrece paisajes oníricos y detallados que complementan la atmósfera fantástica del relato. Cada escena está meticulosamente diseñada para sumergir al espectador en un mundo de carácter casi post-apocalíptico donde la naturaleza y los animales son los protagonistas indiscutibles.
La trama de ‘Flow’ es extrapolable a cualquier relato sobre desamparados y desharrapados, ya que presenta a animales que, despojados de su hogar por un desastre natural, deben unirse para sobrevivir. Esta narrativa resuena profundamente en un mundo donde los desastres naturales, como inundaciones e incendios (véase recientemente Valencia o California), afectan no solo a los humanos sino también a innumerables animales. La película invita a reflexionar sobre el impacto de la mano del hombre en el medio ambiente y cómo nuestras acciones pueden desencadenar consecuencias devastadoras para todas las formas de vida, como sucede durante la construcción de presas y carreteras.
Para los amantes de los animales, ‘Flow’ ofrece una perspectiva sensible y conmovedora de la vida animal, con momentos que van desde la tristeza profunda hasta la ternura, evidenciando el sentido de comunidad e instinto protector que emerge en situaciones de adversidad. La película destaca la importancia de la cohabitación y la comprensión mutua entre diferentes especies, presentando un homenaje poético a la naturaleza y sus habitantes. Si hay que ponerle algún “pero” a este filme es que en diversas ocasiones la trama avanza gracias a atribuir ciertos comportamientos humanos a estos animales.
Para una comprensión completa del filme, se recomienda prestar atención a la escena post-créditos, que ofrece una perspectiva adicional sobre la narrativa y los destinos de los personajes. Esta escena finaliza la experiencia cinematográfica con una nota reflexiva, invitando al espectador a contemplar las implicaciones más profundas de la historia presentada.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Flow. Duración: 83 min. País: Francia, Letonia, Bélgica. Dirección: Gints Zilbalodis. Guion: Matiss Kaza, Gints Zilbalodis. Música: Rihards Zalupe, Gints Zilbalodis. Producción: Arte France Cinéma, Dream Well Studio, Sacrebleu Productions, Take Five. Distribución: Adso Films, Filmin. Género: aventura, drama. Web oficial:https://www.dreamwell.lv/
Emily y Matt renunciaron hace años a ser espías de la CIA para formar una familia. Pero, cuando se descubre su tapadera, se ven arrastrados de nuevo al mundo del espionaje.
Crítica
Reciclaje de acción y actores
Tenemos entre manos otra película de espías factoría Netflix, como ‘Alerta roja’, ‘El agente invisible’ o ‘Agente Stone’, pero en esta ocasión sin batir récords de presupuesto y reduciendo costes a base de contar con dos actores en horas bajas como Jamie Foxx y Cameron Diaz. En un género tan abarrotado como el de las comedias de acción, ‘De vuelta a la acción’ de SethGordon se presenta como un esfuerzo competente pero genérico que, aunque entrega momentos divertidos, rara vez se eleva más allá de lo predecible. Con un reparto conocido y un ritmo ágil, la película cumple con los requisitos básicos del género, pero carece de la chispa necesaria para dejar una impresión duradera.
Nos plantean a una pareja de espías pero no vayáis a pensar que esto es como ‘Sr. y Sra. Smith’. En lugar de ello os recomiendo tener en mente películas de espías o agentes como ‘Plan en familia’, ‘El súper canguro’ o ‘Un canguro superduro’. El patrón es más que evidente: padres carcas y obsoletos que de repente molan a ojos de sus hijos con los que no acaban de encajar. Se produce un evidente regreso al mundo del espionaje debido a que su país les reclama de nuevo y ellos echan de menos el subidón de adrenalina. Nos combinan los elementos habituales: tiroteos, persecuciones automovilísticas y una ligera dosis de diálogos cómicos. Sin embargo, en lugar de aportar algo fresco o inesperado, la película parece contentarse con transitar por caminos ya recorridos. Esto se hace evidente desde el primer acto, donde los clichés se despliegan con toda su fuerza y sin camuflajes. Aunque estas fórmulas no necesariamente condenan una película, ‘De vuelta a la acción’ se resiste a salir de su zona de confort. En el mejor de los casos, esto resulta en escenas bien ejecutadas, en el peor, en un desfile de momentos predecibles que dejan al espectador adivinando con frecuencia qué sucederá a continuación.
Uno de los puntos fuertes en la carrera del director Seth Gordon ha sido su capacidad para dirigir secuencias dinámicas y cómicas. En ‘De vuelta a la acción’ las escenas de acción están bien coreografiadas y mantienen un ritmo adecuado, pero no hay ninguna que realmente sorprenda. En una era donde las comedias de acción intentan escalar la espectacularidad, ‘De vuelta a la acción’ se siente modesta en comparación. Las persecuciones son funcionales, los enfrentamientos están rodados con claridad, pero ninguna escena logra capturar esa sensación de asombro que define a las mejores películas del género en nuestros días. Ni tampoco nos brindan momentos cómicos recordables, destacando en ese sentido el secundario interpretado por Jamie Demetriou.
‘De vuelta a la acción’ no es una mala película, pero tampoco es algo estratosférico. Se sitúa cómodamente en el terreno del entretenimiento desechable, esa clase de película que resulta agradable mientras la ves, pero que desaparece de la memoria tan rápido como los créditos finales comienzan a aparecer. Seth Gordon demuestra que puede manejar los elementos básicos de una comedia de acción y que este perfil bajo le favorece, por eso quizá parece más interesado en cumplir con las expectativas que en desafiarlas. Es un título para aquellos que busquen algo ligero y sin pretensiones, pero no para quienes esperan innovación o reivindicación de dos actores otrora entre los más cotizados.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Back in Action. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Gordon. Guion: Seth Gordon, Brendan O’Brien. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Jamie Foxx, Cameron Diaz, Kyle Chandler, Glenn Close, Andrew Scott, Jamie Demetriou, McKenna Roberts, Rylan Jackson. Producción: Good One Productions, Chernin Entertainment, Exhibit A, Marzano Films. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/us-es/title/81307099
El nominado a los Globos de Oro Christopher Abbott protagoniza esta historia en el papel de Blake, un hombre casado y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto. En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte, Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger.
Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible, y Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.
Crítica
Aprovecha su técnica pero no su significado subyacente
Leigh Whannell, quien sorprendió al público y a la crítica con su renovada interpretación de ‘El hombre invisible’ (2020), regresa al cine de terror con ‘Hombre lobo’, una película que, si bien prometía ser otro ejercicio de reinterpretación moderna de los monstruos clásicos, se queda a medio camino entre el homenaje y la reinvención. Whannell demuestra que sigue siendo un narrador técnicamente competente, pero en esta ocasión parece haber perdido la ocasión de plantear un subtexto como hizo con su película anterior, consiguiendo así un ejercicio fascinante. Sin duda estamos ya lejos del Dark Universe que quería crear Universal y nos encontramos de lleno con una nueva colaboración con Bluhouse.
En ‘El hombre invisible’, Whannell exploraba temas como el gaslighting, la violencia de género y el control psicológico, creando una capa adicional de terror que resonaba profundamente con la realidad contemporánea. ‘Hombre lobo’ siembra lo suficiente como parecer tener la oportunidad de ahondar en un discurso igualmente rico: la lucha entre el instinto protector y los impulsos más oscuros del ser humano heredados entre generaciones. Sin embargo, esta posibilidad queda prácticamente desaprovechada, relegada a menciones superficiales que nunca se desarrollan por completo. El protagonista, cuyo vínculo familiar debería ser el corazón emocional de la historia, no logra transmitir una tensión emocional suficiente como para convertir ese conflicto en el motor de la trama. Por supuesto ni el giro final ni el desenlace responden a avatares tan complejos, al contrario, se alzan como algo escrito en piloto automático.
Donde sí destaca Whannell es en su capacidad para construir secuencias de alta tensión, y el prólogo de ‘Hombre lobo’ es un ejemplo brillante de ello. Desde el primer minuto, el director crea un ambiente opresivo y cargado de suspense, dejando entrever una amenaza física pero jugando mucho con los planos. Es una lástima que el resto de la película no mantenga este nivel de intensidad, pero este inicio es un recordatorio del talento de Whannell para crear la atmósfera.
Uno de los aspectos más discutibles de la película es la representación del licántropo. Había una palpable expectativa por ver cómo Whannell reinterpretaría la transformación del hombre en bestia, un momento emblemático en cualquier obra de licantropía (seguro que todos tenéis en mente películas como ‘Dog Soldiers’, ‘Hombre lobo americano en Londres’, ‘Wolf’, ‘Underworld’ o cualquiera de Paul Naschy). Sin embargo, en lugar de optar por una visión antropomórfica que honrara el legado del monstruo clásico, Whannell toma un camino más visceral y grotesco, recordando a ‘La mosca’ de David Cronenberg. La transformación es dolorosa y deshumanizante, lo que resulta impactante pero al mismo tiempo alienante para quienes esperaban una criatura más icónica y menos perteneciente al body horror. Aunque esta elección tiene su mérito en términos de originalidad, la ejecución deja una sensación de desconexión, como si la película se alejase demasiado de las raíces míticas del hombre lobo, a pesar de que en su inicio intenta vincularse con leyendas de la américa profunda. Para muchos aparecerá en mente el aspecto de los klingon de ‘Star Trek’ o de los protagonistas convirtiéndose en cerdo en ‘Willow’, lo cual, es muestra de que no se ha escogido el mejor aspecto, quizá el más científico, pero no el más mítico.
Un punto a favor es la manera en que Whannell experimenta con la perspectiva de la bestia. Las escenas que nos muestran la visión del hombre lobo –un caleidoscopio de colores distorsionados y movimientos casi psicotrópicos– ofrecen una inmersión única en su experiencia sensorial. Es un recurso interesante y técnicamente bien logrado, aunque su impacto narrativo es limitado, ya que no llega a integrarse de manera orgánica con la historia.
En definitiva, ‘Hombre lobo’ es una película que combina destellos de genialidad técnica con decisiones narrativas que no terminan de cuajar. Aunque el prólogo y la perspectiva sensorial del licántropo destacan como virtudes, el filme carece de un subtexto que la haga justificable. La oportunidad de explorar un discurso profundo sobre el instinto protector y los conflictos internos del protagonista se pierde en una historia que parece más interesada en sus momentos de impacto visual que en sus implicaciones temáticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Wolf Man. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Whannell. Guion: Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger, Matilda Firth, Ben Prendergast. Producción: Blumhouse Productions, Motel Movies, Universal Pictures, Waypoint Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/wolfmanmovie/
Un cineasta arriesga su vida acompañando a los talibanes que toman una base militar estadounidense abandonada en Afganistán. Una visión escalofriante e inolvidable del poder armamentístico.
Inmediatamente después de que Estados Unidos se retirara de Afganistán, los talibanes ocuparon el complejo ‘Hollywood Gate’, supuesta antigua base de la CIA en Kabul. Los talibanes encuentran innumerables aviones, armas y piezas de equipo militar.
Crítica
El documental más arriesgado que he visto en los últimos años
Aún recuerdo la última temporada de la serie ‘La Unidad’ (Movistar Plus+, 2023). En ella vivíamos una nueva aventura junto a los agentes antiterroristas, pero la trama se trasladó al mismísimo Kabul. Y acompañando a esta trama policíaca se nos enviaba un mensaje que rogaba por no olvidar a todos aquellos que habían quedado abandonados en Afganistán. El documental ‘Hollywoodgate’, que nos trae Filmin esta misma semana, está dirigido por Ibrahim Nash’at y representa un esfuerzo audaz y osado por capturar las consecuencias de aquel momento histórico crucial en el país tomado por los talibanes: la retirada de las tropas estadounidenses. A través de un acceso sin precedentes, la película se desarrolla principalmente en la base militar abandonada por la CIA, conocida como «Hollywood Gate», en las afueras de Kabul. Este enclave militar, cargado de simbolismo, se convierte en el escenario donde el director documenta la transformación de los talibanes de una insurgencia armada a un gobierno en formación.
Nash’at se adentra en las vidas de los nuevos líderes talibanes, presentando figuras como Mawlawi Mansour, el comandante de la fuerza aérea, y MJ Mukhtar, un piloto en formación. Ambos personajes representan distintas caras del nuevo régimen: Mansour encarna la estrategia militar, mientras Mukhtar refleja las aspiraciones bélicas de una generación nacida en medio de la guerra. Nash’at captura la apropiación de sofisticados equipos militares estadounidenses, incluidas aeronaves y helicópteros, como un testimonio del vacío dejado por la retirada occidental. Estas imágenes no solo subrayan el fracaso desinteresado de la intervención militar estadounidense, sino también el inmenso desafío logístico y político que enfrenta el régimen talibán en su intento por gobernar un país devastado. Sobre todo nos muestra cómo a Afganistán se le ha regalado una enorme maquinaria de guerra. El final de la película da escalofríos por el alarde de belicosidad que ha registrado el director y por cómo se habla de ejecuciones y declarar guerras con total naturalidad.
Uno de los aspectos más destacados del documental es su capacidad para mostrar momentos que humanizan a los talibanes, revelando sus contradicciones y los desafíos que enfrentan al asumir el control del país. Por ejemplo, escenas en las que discuten la formación de pilotos o intentan organizar su infraestructura aérea ilustran un nivel de pragmatismo que rara vez se asocia con el grupo en el discurso occidental. El documental correría el peligro de parecer propaganda talibán, pero hace bien en arrancar con un repaso de la historia y con avisar que lo que vemos está continuamente sujeto a la censura de la organización militar islamista deobandi.
La ausencia de voces de ciudadanos afganos, especialmente mujeres y grupos marginados, deja un vacío significativo en la narrativa, lo cual lamenta el propio director. Al no abordar directamente las implicaciones sociales y culturales del regreso al poder talibán, Nash’at corre el riesgo de presentar una visión unilateral que puede interpretarse como una validación indirecta de su autoridad. Este sesgo, aunque no es intencionado, limita la profundidad del análisis político y social que el documental podría haber ofrecido. Personalmente, aunque es algo que deja coja a la película, para mi no es sino una muestra más de cuan arriesgado ha sido acompañar a Mansour y su séquito grabando alarmantes testimonios del fanatismo.
En términos visuales, la fotografía realizada por el propio Nash’at al recorrer el Hollywood Gate cámara en mano, es cruda y directa, lo que refuerza la autenticidad del proyecto. La cámara parece convertirse en un testigo silencioso de una transformación histórica, logrando capturar tanto la euforia del triunfo como la incertidumbre y soberbia del futuro afgano.
‘Hollywoodgate’ es un retrato poderoso y único del nuevo régimen talibán, pero su falta de pluralidad en las perspectivas lo convierte en una obra incompleta. Aun así, su valentía al ofrecer un acceso tan cercano a figuras clave del grupo y su enfoque en un momento de cambio histórico hacen de este documental una pieza esencial para quienes buscan entender las complejidades de la política en Oriente Medio y las consecuencias de las intervenciones extranjeras. Aunque imperfecto, ‘Hollywoodgate’ es un testimonio valioso de un capítulo decisivo en la historia de Afganistán y por desgracia se extiende como reflejo de uno de los fracasos de occidente.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Hollywoodgate. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Ibrahim Nash’at. Guion: I. Nash’at, Shane Boris, Talal Derki. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Ibrahim Nash’at. Reparto principal: Ibrahim Nash’at. Producción: Cottage M., Jouzour Productions, RaeFilm Studios, Rolling Narratives. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.cottagem.com/films/hollywoodgate
Ramiro hace un viaje express a Madrid para decidir sobre la vida de su padre, que se encuentra en coma y con quien nunca ha tenido mayor relación.
Crítica
Sincero relato que explora la virtud de perdonar a través de desconocidos
‘Adiós Madrid’, dirigida por Diego Corsini, presenta un drama íntimo y reflexivo que aborda temas como el abandono, las ausencias y la redención. La trama sigue a Ramiro, un hombre que, tras una vida marcada por resentimientos hacia su padre, viaja a Madrid para enfrentarse a su pasado y tomar decisiones sobre él, quien está en coma. Durante su estancia, Ramiro descubre nuevas facetas de su progenitor a través de personas que lo conocieron y que lo consideran una figura fundamental en sus vidas, en contraste con la percepción que él tiene de él.
El director logra un balance entre lo emotivo y lo narrativo, evitando caer en golpes bajos emocionales, de hecho dispone de más de un momento cómico. Esto permite que el filme se enfoque en la complejidad de las relaciones interpersonales y en cómo diferentes contextos revelan múltiples facetas de las personas. Madrid no solo sirve como escenario, sino que se convierte en un elemento transformador en sí mismo, con planos que contrastan entre los espacios abiertos de la ciudad y los momentos introspectivos de Ramiro. A través de estos elementos visuales, Corsini profundiza en la psicología del protagonista y su viaje emocional. Desarrolla un relato que a priori es sencillo, pero que ensalza las virtudes de conocer a través de desconocidos y de conseguir perdonar a otros para sanarse a sí mismo.
Aunque la película se enmarca en un género que podría parecer familiar, evita clichés excesivos al optar por un desarrollo pausado y reflexivo, sin que eso evite el tono coloquial. Los diálogos son un pilar fundamental en el avance de la trama, especialmente en la noche en que Ramiro conoce a quienes compartieron una conexión especial con su padre. Estas conversaciones no solo permiten que Ramiro entienda mejor a su progenitor, sino que también le brindan la posibilidad de redescubrirse a sí mismo. Pese a que recurre a ciertos lugares comunes dentro de las historias sobre el perdón y las segundas oportunidades, dispone de un enfoque sensible y humano que compensa toda previsibilidad, apelando a un público dispuesto a explorar emociones profundas y debates conflictivos. Las actuaciones, especialmente la de Luciano Cáceres como Ramiro, destacan al transmitir la carga emocional y el conflicto interno del personaje, añadiendo autenticidad a la narrativa. De los pocos elementos que nos sacan del relato o que parecen insertados sin explicación, es la figura de una sintecho demente.
En resumen, ‘Adiós Madrid’ es una película que, aunque no rompe con los moldes del género, sobresale por su honestidad y su capacidad para conectar con el espectador a nivel emocional. Su exploración de los traumas no resueltos y de las segundas oportunidades la convierten en una obra significativa que invita a reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares y los reencuentros necesarios para sanar.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Adiós Madrid. Duración: 102 min. País: España, Argentina. Dirección: Diego Corsini. Guion: Mariana Cangas, Diego Corsini. Música: Alan Senderowitsch, Andy Colombo. Fotografía: Santiago Squadroni, Pedro Calamar. Reparto principal: Luciano Cáceres, Javier Godino, Ramón Esquinas, Fariba Sheikhan, Mónica Solaun, Sara Vega, Ingrid Rubio. Producción: Cinescalas SL, Cineworld, Madco Broadcast Services. Distribución: 39 Escalones. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/cinescalasfilms/
Donnie (O’Shea Jackson Jr.) se alía con la mafia Pantera para cometer el mayor robo de diamantes jamás visto. Mientras, Nick (Gerard Butler), el policía que ya le persiguió en el pasado, se ve arruinado y cansado de ser el cazador, así que le propone unirse a su banda y dar juntos este golpe. Si este desafío tiene éxito, habrán conseguido ejecutar el atraco más importante de la historia.
Crítica
Repetir el truco suele ser una solución demasiado vaga
‘Juego de Ladrones: Pantera’ llega como la continuación de la primera entrega que sorprendió a más de uno en su estreno en 2018. Aquel filme, con Gerard Butler liderando un elenco en el que también estaban O’Shea Jackson Jr., Pablo Schreiber y 50 Cent, logró combinar una ruda acción con una trama lo suficientemente astuta como para engañar al espectador, culminando en un giro final inesperado. Sin embargo, esta segunda intenta jugar las mismas cartas y la predictibilidad nos somete a un bucle de giros que alargan el final.
Mientras que el primer ‘Juego de Ladrones’ apostaba por una estructura de atraco más o menos meticulosa y un desarrollo que construía tensión, ‘Pantera’ cae en el error de intentar cambiar las tornas. Consejo, no leáis el tagline del poster. El guion no solo abusa de los giros de trama sino que sacrifica el ritmo al eliminar las dosis de acción eliminando bandos y creando alianzas inesperadas. La anterior película ya iba por esos derroteros, pero esta intenta ser una especie de ‘Italian Job’ u ‘Ocean’s eleven’, pero sin la elegancia de esos títulos y recordando a películas como ‘Way Down’, partido de fútbol incluído.
En ‘Pantera’, la acción se reduce considerablemente, y cuando aparece, no logra alcanzar los niveles de adrenalina que recordamos. Las escenas de persecuciones y tiroteos, aunque bien filmadas, carecen del dinamismo y la chispa que hicieron a su predecesora una ligera sorpresa. Al menos, cuando se ejecuta el atraco en cuestión, si se logra una serie de escenas muy cargadas de tensión.
En el apartado técnico, es digno de elogio cómo el equipo de producción consigue transformar los paisajes de Tenerife en un convincente escenario italiano. La fotografía aprovecha al máximo la belleza natural de las Islas Canarias, brindando un marco visual atractivo que es, sin duda, uno de los puntos más fuertes de la película.
El regreso de Gerard Butler no sorprende, haciendo honor a la verdad hay que informar que él es el productor de su propia película. Su compromiso con el proyecto es evidente, pero incluso su carisma habitual no basta para rescatar a esta secuela de su exceso de ambición narrativa. Butler cumple como líder, pero el guion no le permite brillar más allá que como una estrella en producciones menores.
‘Juego de Ladrones: Pantera’ tenía la difícil tarea de superar a una primera parte que entretuvo por encima de las expectativas. En su intento de sorprender continuamente al público usando la misma fórmula, olvida lo esencial en este género: contar una historia capaz de hacernos segregar adrenalina y clímax bien fundamentado. Aunque su ambientación y el esfuerzo técnico son destacables, la película no logra repetir la magia anterior. A veces, menos es más, y ‘Juego de Ladrones: Pantera’ es un recordatorio de que demasiados giros pueden arruinar la experiencia de un buen thriller de acción.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: Den of Thieves 2: Pantera. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Christian Gudegast. Guion: Christian Gudegast. Música: Kevin Matley. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Gerard Butler, Jordan Bridges, Evin Ahmad, O’Shea Jackson Jr., Salvatore Esposito, Rico Verhoeven. Producción: Atmosphere Entertainment MM, Diamond Film Productions, Eone Entertainment, G-Base, Palma Pictures, Shaken Not Stirred, Sierra/Affinity, Tucket Tooley Entertainment. Distribución: Diamond Film. Género: acción, suspense. Web oficial:https://diamondfilms.es/pelicula/juego-de-ladrones-pantera
Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.
Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.
Crítica
Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad
Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.
De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.
Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.
El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.
Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/
La película de animación ‘Transformers One’, una precuela que explora los orígenes de Optimus Prime y Megatron, recibe un lanzamiento espectacular en esta edición metálica en Blu-ray que ha distribuido por tiendas Divisa desde el 10 de diciembre de 2024. Este lanzamiento combina una presentación física de lujo con una calidad audiovisual de vanguardia y contenido adicional que complacerá tanto a fanáticos de la franquicia como a coleccionistas.
Esta edición metálica es un tesoro para los seguidores de la franquicia y coleccionistas de cine animado. La combinación de un empaque de primera clase y una selección robusta de extras asegura que esta versión de ‘Transformers One’ sea una pieza indispensable en cualquier colección. Sumergirse en esta exploración de la mitología de los muñecos de Hasbro con esta edición en casa es todo un placer.
El steelbook destaca por un diseño futurista y elegante que refleja la estética tecnológica de Cybertron. La portada muestra a Optimus Prime en su juventud, con un arte conceptual exclusivo que resalta su relación con los futuros autobots. El acabado metálico tiene un brillo casi holográfico que cambia dependiendo del ángulo de la luz, evocando el carácter metálico y espacial de estos personajes. En la contraportada encontramos a los protagonistas con sus primeras transformaciones en vehículos. Además esta edición viene acompañada de un cartón con la clásica ficha repleta de detalles técnicos (fotos al final del artículo).
La edición ofrece una transferencia en 4K Ultra HD y otra para Blu-ray. De este modo se puede gozar de la espectacular animación por ordenador. Los detalles de los modelos de los personajes, desde las texturas metálicas hasta los complejos movimientos de transformación, y los paisajes de Cybertron se ven con una nitidez impresionante. La paleta de colores, que abarca tonos neon y paisajes cósmicos, se reproduce de manera vibrante gracias a un rango dinámico ampliado.
El audio está disponible en Dolby Surround 5.1 coloando al espectador en el centro de las intensas batallas. La mezcla de sonidos mecánicos, explosiones y una banda sonora orquestal electrizante se complementa perfectamente con los diálogos cargados de emoción y dramatismo. Diálogos que pueden escucharse en castellano, catalán, inglés, alemán, chino, coreano, checo, español latino o polaco. Si necesitas subtítulos puedes seleccionar castellano, catalán, inglés, alemán, checo, chino tradicional o mandarín, eslovaco, polaco o tailandés.
Extras (45 min. aprox.)
In the beginning (10:14 min.)
El director Josh Cooley y los productores nos cuentan qué tono querían para esta película y porqué ha sido de animación y no en acción real como las anteriores también producidas por Michael Bay.
World building on Cybertron (9:37 min.)
El planeta de los Transformers ha aprecio en otras películas de animación o en las series, pero nunca como hasta ahora. Aquí nos hablan del reto de crear este mundo completamente metálico.
Toguether as one (11 min.)
Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne… Este es el reparto de voces escogido y este extra justifica su elección.
The IACON 5000 (6:26 min.)
En la cotidianidad de los Transformers también hay espacio para la dirección. La montadora del filme, el director y Chris Hemsworth nos hablan de esta convención que sirve para una primera escena de acción en el filme.
The battle fot Cybertron (8:59 min.)
Exiliados en la Tierra los Transformers siempre hablan de la batalla perdida por su planeta natal. Es el punto que los fans de la franquicia esperaban ver y es el clímax de la película. En este vídeo se analiza como se enfocó este punto crucial con imágenes de producción work in progress.
Better Man se basa en la historia real del ascenso meteórico, caída dramática e increíble resurgir de la superestrella de pop británica Robbie Williams, uno de los mejores showmans de la historia. Bajo la dirección visionaria de Michael Gracey (EL GRAN SHOWMAN), la película se cuenta desde la perspectiva única de Robbie, reflejando su inimitable ingenio y su espíritu indomable. Sigue la trayectoria de Robbie desde su infancia y su experiencia como el miembro más joven de la boyband de enorme éxito Take That hasta los logros míticos de su carrera en solitario, todo mientras se enfrenta a los retos que vienen con la fama y el éxito estratosféricos.
Crítica
Robbie Williams se convierte en un símbolo de cómo la humanidad ha mutado su concepto de salvaje
‘Better Man’ dirigida por Michael Gracey, aborda la turbulenta vida de Robbie Williams, uno de los artistas más icónicos y controvertidos del pop británico. Desde su anuncio, este biopic ha generado curiosidad, sobre todo por la decisión de representar a Williams como un mono. En un panorama que comienza a estar saturado de películas sobre estrellas de la música como ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘One love’ o ‘Back to Black’, ‘Better Man’ destaca por su enfoque gamberro y surrealista.
Robbie Williams como chimpancé, un intento de crear un símbolo de autenticidad y autocrítica. La decisión de representar a Robbie Williams como un mono puede parecer, a primera vista, una elección extravagante, un truco de marketing o incluso un capricho absurdo. Sin embargo, al analizar esta metáfora, se hace evidente que Michael Gracey intenta plasmar la lucha interna del cantante con sus inseguridades, su fama, sus compañeros de Take That y su percepción pública. El simio, con su energía caótica y a veces autodestructiva, encapsula la autocrítica mordaz de Williams, hacia su carrera y sus problemas personales, incluidos la adicción y los constantes altibajos emocionales. También podría servir como símbolo de una humanidad que ha cambiado su concepto de lo salvaje.
En comparación con ‘Bohemian Rhapsody’ (saldrán comparativas), que se centró en resaltar el genio artístico de Freddie Mercury y sus compañeros mientras suavizaba aspectos oscuros de su vida, ‘Better Man’ no teme sumergirse en las sombras de su protagonista. Incluso frente a ‘Rocketman’, que apostó por el surrealismo musical y el espectáculo flashmob para narrar la vida de Elton John, la figura del mono en ‘Better Man’ lleva el simbolismo y el concepto de showman un paso más allá, creando un retrato introspectivo y único. El biopic musical ha pasado por una transformación significativa en la última década, pero ‘Better Man’ parece haber dado un paso aún más arriesgado al mezclar elementos de realismo mágico con un enfoque emocionalmente crudo. Son arrebatadoras las escenas con la abuela o el final con los padres o las escenas de degradación. Con este enfoque sobre Williams se alejan casi siempre del molde del «héroe musical redimido» o la estrella fatídica que intentó explotar ‘Back to black’ y lo sitúa en un espacio más honesto y, a la vez, controvertido. Williams siempre controvertido.
El chimpancé hecho en CGI en ‘Better Man’ es una de las apuestas más audaces de la película, destacando tanto por su calidad técnica como por el ya mencionado impacto emocional. Creado por Weta, los expertos detrás de producciones como ‘El Señor de los Anillos’, esta representación combina tecnología avanzada de captura de movimiento y animación de última generación. La actuación de Jonno Davies, quien prestó movimientos y expresividad al personaje, ha sido fundamental para transmitir las emociones del cantante en diferentes etapas de su vida. El director Michael Gracey señaló aquí atrás que el simio no solo debía ser técnicamente impecable, sino también conectar emocionalmente con el público, logrando que este elemento simbólico reflejara la adicción y la ansiedad de Williams. Desde luego, el resultado es tan impactante como el que hemos visto en la saga de ‘El planeta de los simios’.
¿Por qué puede tener interés o envergadura en nuestras carteleras? La respuesta está en su relevancia para una audiencia millennial y de la generación Z. Robbie Williams fue una figura presente en todas las listas y revistas de los años 90 y principios de los 2000, y muchos de sus fans ahora adultos están buscando relatos más complejos y humanos sobre sus ídolos o por lo menos rascar más allá de la superficie de aquello que vivieron en el pasado. ‘Better Man’ ofrece algo más que una simple cronología de eventos que van desde su infancia, es una exploración de cómo la fama modifica la identidad y haciendo algo de análisis transversal, de como el propio concepto de popularidad ha cambiado. El propio cartel, que parte de la portada de ‘Life thru a lens’, ya revela esa intencionalidad de mostrar al cantante como un mono de feria dependiente de la opinión pública, a pesar de que este siempre se ha intentado mostrar como un jeta descarado completamente desinhibido.
Además, la dirección de Michael Gracey, que ya demostró su talento visual y efectividad en ‘El gran showman’ (no tanto con ‘P!nk: Todo lo que sé hasta ahora’), asegura que ‘Better Man’ sea una experiencia que merezca pagar por verse en pantalla grande. Desde secuencias oníricas, pasando por evidentes espectáculos masificados, hasta momentos de cruda humanidad, Gracey parece haber encontrado un equilibrio que hace de esta película una obra única dentro del género.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Better man. Duración: 135 min. País: Australia. Dirección: Michael Gracey. Guion: Oliver Cole, Simon Gleeson, Michael Gracey. Música: Batu Sener. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Robbie Williams, Jonno Davies, Alison Steadman, Kate Mulvany, Anthony Hayes, Raechelle Banno, Jake Simmance, Liam Head, Chase Vollenweider, Jesse Hyde. Producción: Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose Productions, RPW Productions. Distribución: Tripictures. Género: biográfica. Web oficial:https://tripictures.com/peliculas/better-man/
Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.
Crítica
Densa, desafiante y en ocasiones, abrumadoramente oscura
La nueva incursión de A24 en el terror, ‘Heretic’, no solo consolida su originalidad y dominio en el género, sino que sorprende gracias a la inesperada presencia de Hugh Grant y a un discurso con argumentos nada desdeñables. Con una carrera marcada por encantadoras comedias románticas y ocasionales virajes hacia otros géneros (‘Al cruzar el límite’ o ‘El atlas de las nubes’ por citar algunas), Grant sorprende al ofrecer una actuación que es tanto un giro como una revelación: un descenso controlado hacia el horror y la demencia más retorcida.
Dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (‘65’, ‘La casa del terror’), ‘Heretic’ es una película profundamente atmosférica que fusiona lo sobrenatural con el terror psicológico en una narrativa que se siente tan filosófica como visceral. La trama sigue a dos jóvenes mormonas (Sophie Thatcher y ChloeEast) que se encuentran de misioneras, para los que no estén familiarizados con la religión de Joseph Smith, visitando casas para ganar adeptos. En esa misión en la que hacen las veces del sacerdote del Age of Empires, van a dar a casa del Sr. Reed (Grant). Allí arranca una situación asfixiante y un duelo de teología de lo más interesante. Aunque por momentos ‘Heretic’ puede parecer salida de la mente de Dan Brown, el filme consigue huir de tópicos y clichés. Aunque bien es cierto el final es una buena “fumada”, como si a un espectador de ‘Cuarto Milenio’ se le hubiese ido la pinza.
Aunque el filme arranca con cierta irreverencia hablando de preservativos y citando el musical ‘The book of mormon’, posee cierta carga de profundidad. Se pone sobre la mesa la auténtica fe y el poder controlador de esta misma así como muchos razonamientos paganos. Los directores y guionistas han optado por un enfoque más matizado y desconcertante, explorando cómo las ideas radicales pueden devorar tanto la mente como el alma. El tono de la película es inquietantemente no solo por la fotografía de Chung Chung-hoon (‘Última noche en el Soho’), sino también por la interpretación de Hugh Grant, quien emplea su acento y sus ademanes tan británicamente correctos para confrontarlos con un aluvión de momentos incómodos. Su rostro, que en otra era representaba calidez, simpatía o ternura, aquí se convierte en un mapa del tormento, con cada línea y gesto indicando una invitación a la batalla intelectual. Lo de ‘Herétic’ es un juego de lo más retorcido. La elección de Grant es un golpe maestro de casting, no solo porque descoloca al espectador, sino porque su desempeño aporta una impredecibilidad que otros actores podrían haber pasado por alto.
Desde luego, lo que separa a ‘Heretic’ de otras películas de terror religioso es su inclinación filosófica. El libreto no se inclina hacia mostrar rituales sangrientos o símbolos crípticos, eso habría sido lo fácil y dudo que hubiese pasado el filtro de A24. Su guion se atreve a plantear preguntas sobre la naturaleza del dogma y es por ello que algunos críticos podrían considerar que su ritmo deliberado y su ambigüedad narrativa alienarán a una parte del público. ‘Heretic’ no es una película para todos, es densa, desafiante y, en ocasiones, abrumadoramente oscura.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Heretic. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Chris Bacon. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Hugh Grant, Sophie Tatcher, Chloe East, Elle McKinnon, River Codack, Stephanie Lavigne, Carolyn Adair, Elle Young, Haylie Hansen. Producción: A24, Beck Woods, Shiny Penny, Catchlight Studios, The Goverment of Canada. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial:https://a24films.com/films/heretic
En 1950, William Lee, un expatriado estadounidense en la Ciudad de México, pasa sus días casi completamente solo, excepto por algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un exsoldado expatriado nuevo en la ciudad, le muestra, por primera vez, que puede ser posible establecer una conexión íntima con alguien.
Crítica
Un caos hacia una apertura de mente que se percibe irónicamente hermético
Luca Guadagnino, conocido por su enfoque sensorial y sentimental en obras como ‘Call Me by Your Name’ o ‘We are who we are’, se adentra en terrenos más oscuros y menos accesibles con su adaptación de ‘Queer’, la satírica y provocadora novela de William Burroughs. Protagonizada por un sorprendente Daniel Craig, esta película desafía al espectador con una narrativa y una atmósfera casi impenetrable, lo que la convierte en un objeto de admiración para unos pocos y de frustración para otros.
Desde el principio, queda claro que Guadagnino no busca una traducción literal del texto de Burroughs, de hecho ha convertido una novela corta en un largometraje más largo que denso. Es una reinterpretación que captura su espíritu inquietante y experimental. ‘Queer’ relata la historia de Wiliam Lee, un expatriado estadounidense en México que, marcado por la alienación y un deseo no correspondido, se pierde en un mundo de autodestrucción, exploraciones sexuales y abuso de drogas. Sin embargo, la película opta por subrayar lo fragmentario de esta experiencia, adoptando una narrativa que a menudo parece deliberadamente opaca.
La elección de Daniel Craig como Lee es una decisión para muchos audaz pues generalmente el actor de ‘007’ proyecta una presencia imponente y masculina. Se sumerge aquí en una vulnerabilidad inquietante, interpretando a un personaje que es a la vez repelente y patéticamente humano. Como siempre Guadagnino extrae muy buenas interpretaciones, pero como habitualmente le sucede no logra anclar una historia que se tambalea bajo el peso de sus propias ambiciones. Guadagnino parece más interesado en capturar el «sentir» del texto de Burroughs que en construir una narrativa coherente, lo que puede sacar del filme a quienes no estén familiarizados con el contexto literario o cultural del autor.
Burroughs, una figura clave de la Generación Beat, es conocido por su rechazo a las convenciones y su exploración de temas marginales. Sin embargo, esta misma cualidad que hace que su obra literaria sea fascinante también la vuelve difícil de adaptar al cine. Guadagnino se adentra en este terreno con valentía, pero el resultado es una película que, al igual que la novela, puede ser vista como impenetrable. La estructura fragmentada, las transiciones abruptas y los diálogos cargados de subtexto convierten a ‘Queer’ en una experiencia cinematográfica que exige paciencia y dedicación, mucho más que con ‘Call me by your name’.
Visualmente, Guadagnino sigue siendo un maestro. La cinematografía captura la decadencia tropical de México y los paisajes interiores de Lee con una belleza iluminada de manera inquietante. Incluso es capaz de lograr este efecto cuando usa maquetas y cromas. En ocasiones, sobre todo durante el primer acto, parece que estamos ante un nuevo ‘Casablanca’, pero rezumando homosexualidad y el calor de Centroamérica. Sin embargo, estas imágenes no son suficientes para compensar una narrativa que se siente hermética, casi como si la película estuviera destinada exclusivamente a quienes ya veneran a Burroughs y a Guadagnino.
Está claro que esto va más de sentir que de entender. De hecho, literalmente en la película se habla de la apuesta por el creer, no por el comprender. Parece un reto interesante e intrigante, pero no es difícil averiguar que el espectador promedio saldrá decepcionado. A veces la película parece arte y ensayo, otras un audiovisual post-moderno. Guadagnino no acostumbra a verbalizar sus pretensiones o conclusiones, pero quizá esta vez su particular ruta del bacalao ha quedado en algo excesivamente subjetivo y recóndito.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Queer. Duración: 135 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Justin Kuritzkes. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Daniel Craig, Drew Starkey, Lesley Manville, Jason Schwartzman, Henrique Zaga, el cantante Omar Apollo, Andra Ursuta, Andres Duprat, Ariel Shulman, Drew Droege, Michael Borremans, David Lowery, Lisandro Alonso, Colin Bates. Producción: The Apartment, Frenesy Film Company, FremantleMedia North America, Cinecittà, Frame by Frame, Fremantle. Distribución: Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://www.theapartment.it/en/productions/film/queer/
Sonic vuelve a la gran pantalla por Navidad, con la aventura más emocionante hasta la fecha. Sonic, Knuckles y Tails se reúnen para enfrentarse a un nuevo y poderoso adversario, Shadow, un misterioso villano cuyos poderes no se parecen a nada de lo que nuestros héroes han conocido hasta ahora. Con sus facultades superadas en todos los sentidos, el Equipo Sonic tendrá que establecer una insólita alianza con la esperanza de detener a Shadow y proteger el planeta.
Crítica
Tan divertida que podría ser el broche perfecto para la carrera de un maestro del humor clown como Jim Carrey
La tercera entrega de la saga cinematográfica de Sonic the Hedgehog es, en todos los sentidos, un proyecto que tiene derecho a ser cada vez más ambicioso con su fusión entre el frenesí del videojuego clásico con una narrativa que crece en escala y emoción. De nuevo bajo la dirección de Jeff Fowler, esta secuela no solo mantiene la chispa lúdica de sus predecesoras, sino que la amplifica en una sinfonía de efectos visuales, humor gamberrete, juegos de palabras fáciles y nuevos personajes.
Mientras que la primera película de Sonic (2020) se dedicaba a recuperar el vínculo entre el erizo azul y la audiencia general con una historia más convencional de «pez fuera del agua» y la segunda entrega (2022) encontraba su punto fuerte en la acción caótica y el despliegue de nuevos personajes como Knuckles (Idris Elba), ‘Sonic 3’ se atreve a romper las reglas de su propio universo volviéndose ligeramente más dramática y viajando por todo el mundo. La incorporación de Keanu Reeves como la voz del misterioso y enigmático personaje Shadow añade un matiz inesperado de gravedad y carisma al elenco, complementando el ya encantador dinamismo entre Ben Schwartz (Sonic) y Colleen O’Shaughnessey (Tails).
Pero no nos engañemos, aquí el genio lo pone Jim Carrey y bien lo saben los guionistas que le reservan los mejores chistes. Dicen que la nostalgia vende y con ‘Sonic 3’ tenemos ración doble. Aunque el actor había anunciado su retiro de la actuación, su participación en esta franquicia de live actions basados en un juego de principios de los 90 es un verdadero regalo para los fans y un testimonio de su compromiso con el personaje. En esta ocasión, Carrey interpreta a dos Robotniks, desdoblándose en una dualidad brillantemente concebida que permite al actor desplegar todo su arsenal cómico. La interpretación de Carrey es una clase magistral de actuación clown que combina el slapstick exagerado con momentos de pura locura. Verle aplicar sus gags al son de Prodigy o The Chemical Brothers nos brinda momentos desternillantes.
La película brilla visualmente, con secuencias de acción que capturan la velocidad vertiginosa y el caos colorido que los fanáticos de los juegos han llegado a amar. Desde carreras imposibles hasta enfrentamientos titánicos que parecen sacados directamente de los niveles finales más épicos del videojuego o de otras franquicias como Dragon Ball. ,’Sonic 3’ no escatima en recursos. Ni presupuesto con un CGI que añade texturas y detalles con respecto a la anterior, ni referencias convirtiéndose en la que dispone más detalles extraídos de los videojuegos. Muchos retrocederán a su infancia cuando vean la escena de «soplar la ranura» para que funcione la conexión. Incluso desde la productora tendrán que reconocer que esta nueva entrega se atreve a ser algo más irreverente con un desfile de citas a la cultura popular fuera de las fronteras de Paramount Pictures como ‘Green Lantern’, ‘Pokémon’, ‘Akira’, ‘Godzilla’, ‘El hombre de acero’…
Con su humor afilado, actuaciones carismáticas y una narrativa que combina perfectamente lo nostálgico con lo innovador, ‘Sonic 3’ cierra un arco argumental que Paramount Pictures podría mantener sin miedo a flaquear (sus dos escenas durante los créditos son una declaración de continuidad). Las películas tienen espectáculo, corazón y compromiso por parte de su elenco. Evidentemente no estamos ante una película de autor, pero tras tres películas el nivel no baja (muchos considerarán incluso que ha subido) y el amor por el personaje se transmite al espectador. Por otro lado, está el tema de Jim Carrey. Actores de su talla merecen una despedida de Oscar. Pero si dice adiós a la interpretación con el papel del Doctor Eggman yo no podré objeciones pues, supondría una despedida con un personaje demencial y fiel al estilo que ha marcado su carrera hasta el punto de convertirse en un maestro.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Sonic the Hedgehog 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Fowler. Guion: Patrick Casey, Josh Miller, John Whittington. Música: Tom Holkenborg. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Keanu Reeves, Krysten Ritter, Lee Majdoub, Natasha Rothwell, Adam Pally, Shemar Moore, Colleen O’Shaughnessey, Alyla Browne, James Wolk. Producción: Paramount Pictures, Sega Sammy Group, Original Film, Marza Animation Planet, Blur Stuio. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.sonicthehedgehogmovie.com/
‘Cónclave’ sigue muy de cerca uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección del Papa. Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence (Ralph Fiennes) es designado como responsable de dirigir el cónclave. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.
Crítica
Un ‘Succession’ beato que abrirá interrogantes y levantará polvareda
Edward Berger, el aclamado director de ‘Sin novedad en el frente’, regresa con ‘Cónclave’ un thriller político con menos acción pero no por ello menos emoción. El director de capitulazos en series como ‘Your honor’, ‘Patrick Melrose’ o ‘The Terror’ se sumerge en un nuevo largometraje que precisamente trata un capítulo, uno muy concreto y capital, un cónclave en el que se elegirá al nuevo Papa.
En esta ocasión se basa en la novela homónima de Robert Harris. Este es un título que nada más salir de la sala me han comentado que podría considerarse un nuevo ‘Código Da Vinci’. Admito similitudes en cuanto a como juega con los secretos de la Iglesia, pero creo que el gancho es otro, ‘Cónclave’ no se cimenta en teorías y reivindicaciones paganas. Todos sabemos que los sacerdotes, obispos o cardenales son personas falibles y con un pasado, que los escándalos en el seno de la institución religiosa están a la orden del día. Este largometraje saca provecho a la crisis de identidad que experimenta la Iglesia hasta tal punto de poner sobre la mesa un cisma que es vox populi. Y el giro final, es la reafirmación de esas pretensiones con una situación que a muchos les parecerá completamente factible que pueda estar sucediendo o que por lo menos abrirá interrogantes. Si se confirman algunos de los premios a los que opta (está nominada a seis Globos de Oro) levantará polvareda.
Estamos ante un Ralph Fiennes en una de las actuaciones más sutiles y magnéticas de su carrera. Interpreta al cardenal Lawrence, un hombre dividido entre la fe, la lealtad institucional y su conciencia moral. Fiennes entrega una interpretación que mezcla vulnerabilidad y autoridad, construyendo un personaje atrapado en el laberinto ético que plantea la sucesión del Papa. No veía una interpretación que gestionase tan bien la humanidad de una persona con un supuesto con halo de ejemplaridad y aún así tantos dilemas desde que vi a Ed Harris en ‘El tercer milagro’ o gozamos con el debate de ‘Los dos Papas’.
Igualmente, lo interesante de ‘Cónclave’ no es el descubrir el proceso que lleva a la fumata blanca en la chimenea de la Capilla Sixtina. Pienso que eso es algo ya harto conocido. El potencial del largometraje reside en su capacidad para transformar un ritual percibido como algo solemne, siempre embadurnado de virtuosidad, en una lucha de poder como la de ‘Succession’ y similares o una pesadilla organizativa como la de ‘The White Lotus’. Y lo hace con una verosimilitud a la que no se le puede negar cierta credibilidad. Además el guión sin duda tiene sabor a novela y es capaz de crear suspense, tensión y emoción. Desde el comienzo se nos presenta la muerte del Papa como algo tan controlado, tan previsto y organizado que no podemos evitar tener la sensación de que hay algo sospechoso. Pero descuidad, que la sorpresa no es un complot por asesinato, es algo mucho más atrevido y menos previsible.
Apoya a todas estas sensaciones la fotografía de Stéphane Fontaine, la cual, aprovecha la atmósfera ceremoniosa de la Capilla Sixtina y los pasillos vaticanos descubrírnoslos como algo sobrio y austero, tan vacíos que dan la sensación de ocultar algo. Igualmente la música de Volker Bertelmann, dotada de violines y chelos, suena frágil como la situación de la Iglesia y contundente como los hechos tan históricos que experimenta. Tales son la rotundidad y gravedad de sus acordes que al principio parece que se nos avecina una película de terror. Prestad también especial atención a la edición de sonido, pues siempre que se cierra una puerta parece que resuenan ecos que nos recuerdan el peso de la Iglesia o se oye un sonido de cierre al vacío, recordando el hermetismo de las estancias que recorremos.
Uno de los mayores logros del filme es su valentía para plantear preguntas incómodas sobre el poder eclesiástico. Desde las intrigas políticas internas hasta los secretos personales de los cardenales, ‘Cónclave’ no se queda en la superficie. A través del personaje de Ralph Fiennes el filme plantea un retrato que no cae en el sensacionalismo.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de diciembre de 2024. Título original: Conclave. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Edward Berger. Guion: Peter Straughan. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Ralph Fiennes, John Lithgow, Stanley Tucci, Isabella Rossellini, Sergio Castelitto, Brian F. O’Byrne. Producción: Indian Paintbrush, Access Entertainment, FilmNation Entertainment, House Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, suspense. Web oficial:https://www.filmnation.com/library/conclave
Kraven the Hunter es la visceral historia de acción sobre cómo y porqué uno de los más icónicos villanos de Marvel llegó a serlo. Aaron Taylor-Johnson interpreta a Kraven, un hombre cuya compleja relación con su despiadado padre, Nikolai Kravinoff (Russell Crowe), le hace emprender un camino de venganza con brutales consecuencias, motivándole a convertirse no sólo en el mejor cazador del mundo, sino también en uno de los más temidos
Crítica
Complicado comienzo para el nuevo villano de Marvel
Sin duda, ‘Kraven: the hunter’ es una de esas películas que parecen gafadas. Cuenta con un personaje que muchos han querido llevar al cine, ya sea como un cameo, o como villano principal. Pero, ¿quién es Kraven? Sergei Kravinoff es un supervillano ruso que en los cómics apareció por primera vez en uno de los números de The Amazing Spider-Man. También es uno de los fundadores de los Seis Siniestros, otro de los productos que hemos visto cancelados. Kraven es un cazador de grandes presas y es un hombre que se rige por cierto código de honor y solo quiere hacer justicia. En la película, le vemos como un héroe, aunque realmente es un villano.
‘Kraven: the hunter’, nos cuenta el origen de este personaje, la mala relación con su padre y el intento por su parte de salvar todo el rato a su hermano. Un joven débil que siempre está en problemas.
J.C. Chandor, se adentra en el mundo de Marvel, con un personaje que podría haber dado mucho más. Eso sí, vemos unas grandes escenas de acción y muy viscerales, algo que se agradece para la larga duración de ésta. Pues si la hubiesen recortado un poco realmente creo que hubiese ganado bastante.
‘Kraven: the hunter’ es bastante fallida en cuanto a la hora de su realización. Parece que no está terminada, en el sentido de montaje. Y es que vemos escenas muy planas, donde la iluminación va y viene según los planos y donde el color de la cinta brilla por su ausencia en muchos fotogramas. Además de que el CGI deja bastante que desear, sobre todo en el de los animales. Es cierto que cuando vemos a Aaron Taylor-Johnson haciendo parkour por los edificios se ve bastante real, pero en general los efectos especiales dejan bastante que desear.
Como hemos mencionado, Aaron Taylor-Johnson es el protagonista principal de la cinta. Después de haber interpretado a Quicksilver en los X-Men o a Kick-Ass en las adaptaciones cinematográficas, le volvemos a ver metido en el papel de un héroe bastante diferente. Se nota mucho el trabajo físico del actor, pues la verdad que las posturitas marcando músculos son escenas recurrentes en la película.
Junto a él encontramos a Fred Hechinger, encargado de dar vida a Dmitri, hermano de Kraven, que es un personaje un tanto patético y que al finalizar la película veremos su nuevo alter ego.
Ariana DeBose, Alessandro Nivola, Russell Crowe, Yuri Kolokolnikov, Levi Miller o Tom Reed son parte del reparto de ‘Kraven: the hunter’. Christopher Abbott, da vida a El forastero, que la verdad es un personaje muy interesante, pero al que terminan perdiendo.
Como he comentado al principio, se nota mucho las idas y venidas de este proyecto y es una pena, porque podría haber sido una gran película y al final se ha quedado en una cinta que terminará olvidándose en seguida. Antes de terminar, no contiene escena post-créditos y supongo que esto es una manera de decir, que no van a seguir con el personaje.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Kraven the hunter. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: J.C. Chandor. Guion: Matt Holloway, Art Marcum, Richard Wenk. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine, Benjamin Wallfisch. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Aaron Taylor-Johnson, Ariana DeBose, Fred Hechinger, Alessandro Nivola, Christopher Abbott, Russell Crowe. Producción: Columbia Pictures, Marvel Entertainment, Avi Arad Productions, Matt Tolmach Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: aventura, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/KravenTheMovie/
Nosferatu es un cuento gótico en torno a la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella que deja un espantoso rastro a su paso.
Crítica
Magníficamente terrorífica. No se amilana ante el clásico de culto que readapta
Cuando Friedrich Wilhelm Murnau estrenó Nosferatu en 1922, lo hizo como una adaptación no autorizada de la novela ‘Drácula’ de Bram Stoker. Incapaz de obtener los derechos, Murnau modificó los nombres y ciertos detalles para evitar problemas legales, pero el resultado fue un filme que, pese a las demandas y la orden de destruir todas las copias, sobrevivió al paso del tiempo para convertirse en un referente absoluto del cine de terror. Ahora, en 2024, Robert Eggers, director de obras como ‘The Witch’, ‘El faro’ o ‘El hombre del norte’, se atreve con la monumental tarea de rehacer este clásico inmortal. Y lo hace con una visión tan meticulosa y apasionada que no solo rinde homenaje al original, sino que también lo reimagina para una nueva generación superando cualquier remake y yendo a rebufo del ‘Drácula’ de Coppola.
‘Nosferatu’ es una joya visual que respeta sus raíces. Desde el primer fotograma, queda claro que Eggers comprende profundamente lo que hizo especial al Nosferatu de Murnau. La fotografía, a cargo de Jarin Blaschke, colaborador habitual de Eggers, es un tributo directo al expresionismo alemán, con claroscuros pronunciados, encuadres angulares y una atmósfera que parece palpitar con opresión. Sin embargo, lejos de limitarse a imitar, Eggers incorpora su estilo característico, dando lugar a una experiencia que es a la vez clásica y moderna, estamos ante la versión de Drácula más dickensiana. Y aunque tiene momentos brillantes, no es lo suficientemente constante en su estilo como para dejarnos con un Síndrome de Stendhal, como nos tiene acostumbrados. Tampoco nos regala una reproducción de la clásica secuencia de la sombra del vampiro subiendo las escaleras, más bien es una re-imaginación. Aún así, la escena final va a quedar marcada en la retina de la historia del terror por cómo se acerca al grotesco medieval.
Hay varias decisiones arriesgadas para el filme que enfrentarán la opinión de los puristas. Y no me refiero a pasar un título mudo al sonoro. Hablamos más de hacer una película a caballo entre la obra del 22 y el ‘Drácula, de Bram Stoker’. La narrativa evidentemente es más moderna y a veces incluso mucho más grotesca. Pero sobre todo se nota que el tratamiento romántico no está del todo presente. A parte de eso están los kilos de maquillaje que han convertido a Bill Skarsgård en un Vlad Tepes al más puro estilo danza macabra (danza de la Muerte) del arte del siglo XV.
Pero es que además las interpretaciones cortan la respiración. El clásico del cine mudo adquiere otra dimensión con los diálogos y las actuaciones de esta versión de 2024. Bill Skarsgård, conocido por su capacidad para interpretar personajes perturbadores, ofrece una versión del conde Orlok que es a la vez monstruosa y profundamente trágica. No solo encarna el terror, sino también el patetismo de una criatura atrapada por su propia naturaleza. Su presencia es magnética, y cada gesto o mirada parece hablar de siglos de soledad y desesperación. Su voz transmite pesadumbre a la par que infunde terror.
El resto del elenco también está a la altura. Lily-Rose Depp como Ellen Hutter (la reimaginación del personaje de Mina Harker) aporta una vulnerabilidad y fortaleza que enriquecen el drama, recordando por momentos a personajes burtonianos. Mientras que Nicholas Hoult como Thomas Hutter, se enfrenta a los horrores del conde con una mezcla de ingenuidad y desesperación. Eggers logra extraer interpretaciones que no solo son convincentes, sino también profundamente humanas, lo que añade una capa emocional que eleva la película más allá del horror convencional. Como siempre saca oro de el elenco más joven y aprovecha volver a contar con Willem Dafoe y Ralph Ineson.
Eggers toma los elementos esenciales del original y los expande con un guion que ahonda en los temas de la corrupción, la mortalidad y el sacrificio. Aunque se mantiene fiel a la narrativa básica, introduce nuevos matices que hacen que la historia se sienta fresca sin perder su esencia clásica. Se convierte en otro título que explora el viaje del Demeter, aunque solo de manera pasajera y evidentemente en menor grado que la película de André Øvredal.
El ‘Nosferatu’ de Eggers no es simplemente una nueva versión de una película de culto, sino una exploración de cómo los miedos y obsesiones humanas trascienden el tiempo. Con una dirección impecable, actuaciones memorables y un estilo visual inconfundible, esta película reafirma a Eggers como uno de los directores más importantes del cine de terror contemporáneo. Y aunque para mí no es su mejor título hay que reconocer que no se ha amilanado ante el peso del clásico que readapta, lo cual era un reto que a muchos se les antoja inabarcable. Para los fanáticos del terror y el cine de autor, esta película es un imprescindible que celebra la historia del género.
Por último, las curiosidades vampíricas que se han dado en este filme. En ‘Nosferatu’ aparece Willem Dafoe interpretando al Prof. Albin Eberhart von Franz que es el nombre usado para adaptar a Abraham van Helsing. En su día apareció en ‘La sombra del vampiro’, la película sobre el rodaje de ‘Nosferatu’, en la cual interpretaba a Max Schreck, quien era el villano Orlok a.k.a. Drácula. Por otro lado, Nicholas Hoult encarna a Thomas Hutter que es el equivalente al enamorado Jonathan Harker, el cual sufre el calvario del vampiro. Irónicamente hace poco estaba del otro lado de la contienda interpretando al ayudante de Drácula en ‘Rendfield’. Ambas películas comparten a Nicolas Cage, como productor y protagonista respectivamente. Quien se ha metido en la piel del Orlok en esta ocasión es Bill Skarsgård, quien nunca ha estado en una de chupasangres pero cuyo hermano es Alexander Skarsgård, protagonista de ‘True Blood’. Y la cosa no se queda en estos tres actores. Más desconocido es Jordan Haj, que en esta nueva versión aparece acreditado como cazador de vampiros. Este actor y músico checo aparecía en el reparto de ‘Underworld: guerras de sangre’ estando en el bando de los vampiros. Por último y no menos importante, la película ha rodado sus exteriores en el castillo de Hunedoara, ubicado en Rumanía y lugar donde otrora Vlad Drácula estuvo preso brevemente. Las estancias que vemos se han recreado en los castillos de Rožmitál y Pernstejn (República Checa) y por este último ya pululó Nosferatu con la película ‘Nosferatu, vampiro de la noche’ de Werner Herzog.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Nosferatu. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Robert Eggers. Guion: Robert Eggers. Música: Robin Carolan. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney, Willem Dafoe. Producción: Focus Features, Maiden Voyage Pictures, Studio 8, Birch Hill Road Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/nosferatu/
La España de los trapicheos y los secretos retratada sin sorpresas en ‘1992’
Tras el fantástico demoníaco de ‘30 monedas’ que HBO Max dejó en un coitus interruptus, Álex de la Iglesia estrena el 13 de diciembre una serie de seis capítulos de 45 minutos con Netflix. ‘1992’ es el sencillo título para esta serie con tintes policíacos y de cine negro ambientada a caballo entre Madrid y Sevilla, entre nuestra actualidad y el año de la expo universal. No es la primera vez que el director viaja al pasado (‘Muertos de risa’ o ‘Balada triste de trompeta’ retrataban etapas clave en la historia de España) y ahora ha escogido uno de los años más brillantes de nuestra historia reciente.
El año de las Olimpiadas de Barcelona, la primera Copa de Europa del Barça, el tratado de Maastricht, la II Cumbre Iberoamericana en Madrid, los 500 años del descubrimiento de América y por supuesto la Expo de Sevilla, sirve como continuo referente para una historia policial que podría sumarse a otras producciones recientes que mezclan el drama, los temas oscuros o los crímenes escabrosos como ‘La novia gitana’ o ‘Reina Roja’, dirigidas por Paco Cabezas y Koldo Serra, respectivamente. Directores que tienen denominadores comunes con Álex de la Iglesia, como es la locura en sus historias o los personajes trastocados, rondando lo extravagante e incluso deformes. Está claro que el neo-noir (si se me permite enmarcar ‘1992’ en ese género) nos sale bien en España, pero ¿cómo de recalcable es esta nueva serie?
En 1992 se aprobó la Ley Orgánica sobre protección de la seguridad ciudadana (la que el PP sustituyó por la Ley Mordaza). Irónicamente en esta serie nadie está a salvo y está claro que alguien guarda un secreto como si su boca tuviese puesto un candado. A causa de ello un asesino quema a sus víctimas y deja como firma un muñeco de Curro, la mascota de la Expo Sevilla ‘92, para los lectores de la generación alpha que me puedan estar leyendo. Recordemos también que un incendio devastó el Pabellón de los Descubrimientos de la Expo ‘92 antes de su inauguración. Por desgracia, conociendo esta negra efeméride, sabemos desde el principio buena parte del detonante que ha activado a este pirómano serial killer. No hay mucha sorpresa en su giro de guión, la verdad.
La serie arranca en nuestros días, en Cobo Calleja, con una brutal explosión y marcándonos desde el comienzo que vamos a estar rodeados de oscuridad. Los escenarios interiores, las noches investigaciones y las inclemencias del tiempo están representados por un etalonaje casi desaturado del todo, roto solo por el rojo anaranjado del fuego y los arcoíris de Curro. Unido a esto hay que reconocer que si en algo acierta ‘1992’ es en su puesta en escena, ofreciéndonos una buena colección de churruscados que van desde una especie de Deadpool hasta poses propias de la Pompeya más tremebunda.
Netflix tiene una cadencia de estrenos tremenda y casi siempre que hablamos de una decepción en su plataforma se debe a que sus producciones están hechas con prisas. No se si será el caso de ‘1992’ pero la sensación que tenemos durante sus pesquisas y persecuciones es que estamos viendo un caso más de una serie tipo ‘CSI’, ‘FBI’ y similares franquicias que sacan capítulos como churros. Se nota la mano y el estilo de ‘Álex de la Iglesia’ pero la trama tiene mucho relleno, momentos injustificados o erráticos y como acompañamiento una de las peores bandas sonoras que le he oído a Roque Baños.
Me gusta más lo que nos ofrecen Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría cuando introducen temas fantásticos. La serie cae en una monotonía tan estándar que no hay espacio para la sorpresa, salvo la que trae consigo el personaje de Gorka Lasaosa, cuyo tratamiento o progresión sí que sale de la norma. Como siempre nos traen un retrato esperpéntico de nuestro país y en ‘1992’ se intuye una crítica a la España de los tinglados y los chanchullos, lo cual quizá es algo que tenía que estar sí o sí al estar impregnado en nuestro ADN institucional. Pero más allá de eso no hay mucha diferencia con un episodio de ‘Mentes criminales’, por citar una de las que se emiten en los canales lineales. Ojalá poder estar diciendo que les ha salido una buddy movie tipo ‘True detective’ o ‘Los casos del departamento Q’, pero en esta ocasión, para mí, no hay acierto.
Del destape al streaming. La cosificación como herramienta y/o como lacra
La miniserie ‘¿Yo fui mujer florero?’, disponible enHBO Max el 12 de diciembre, es mucho más que un nostálgico viaje a la televisión española de los años ochenta y noventa. Esta producción de Jordi Évole y Ramón Lara es una incisiva crítica que desmenuza cómo la pequeña pantalla convirtió a la mujer en un objeto decorativo, un adorno visual para engatusar audiencias y perpetuar una dinámica de poder basada en la cosificación femenina. Bajo la dirección de Rafa de los Arcos, esta producción logra un balance entre el análisis histórico y la introspección social, ofreciendo un espejo incómodo para quienes crecieron viendo o siendo parte de este fenómeno como algo natural o incluso divertido.
La normalización de la cosificación. La televisión de aquellos años no fue inocente. Con la llegada de las cadenas privadas en 1990 y el estilo que impuso Telecinco bajo la dirección de Valerio Lazarov, las «mujeres florero» se convirtieron en la fórmula mágica para competir en el mercado televisivo. Curiosamente la serie nos hace ver que se han invertido las tornas. Mientras que una cadena privada hace su propaganda y muestra una imagen rancia, en la pública otros aciertan a acercarse a los verdaderos jóvenes. Por entonces la lucha por el prime time se convirtió en programar hasta saturar a bailarinas como las Mama Chicho o las Cacao Maravillao, concursos cargados de sexualización, azafatas como las del ‘1,2,3… responda otra vez’ convertidas en iconos de belleza… Representaron un modelo donde el físico femenino era el eje principal de la narrativa. Este enfoque, heredado de la televisión italiana y del destape de los años setenta, consolidó un sistema que trivializaba la figura de la mujer, relegándola a un papel superficial e instrumental. Me sorprende que no se hable de los programas de José Luis Moreno.
El documental cuestiona si esta cosificación era plenamente consciente o simplemente un reflejo de una sociedad que aún digería los cambios sociopolíticos tras la Transición. Lo que resulta evidente es que estas dinámicas reforzaron el machismo mediático, justificándolo bajo el manto del entretenimiento. La inclusión de imágenes históricas y entrevistas con las protagonistas de la época no solo da voz a las mujeres que vivieron esa realidad, sino que también destapa las contradicciones de un modelo que, aunque criticado, aún persiste en formas más sutiles o asumidas. Alguna pocas reconocen doloridas haber sido mujer objeto, para otras no hay polémica, solo un mal de época.
Una reflexión necesaria. Uno de los aciertos de ‘¿Yo fui mujer florero?’ es dar espacio a múltiples opiniones. La serie incorpora voces externas que con la perspectiva del tiempo aportan un análisis crítico que contextualiza el fenómeno dentro de la evolución social y mediática de España. Por otro lado, los testimonios de mujeres como Ivonne Reyes, LoretoValverde o Miriam Díaz-Aroca desnudan las emociones y los dilemas de quienes encontraron en ese sistema tanto una oportunidad como una limitación. Deambulando entre esas dos orillas ‘¿Yo fui mujer florero?’ corre el riesgo de perder el norte cuando de repente pone a todos los cargos, productores, directores y presentadores casi a la altura de Harvey Weinstein. Irónicamente oímos posturas y palabras que sostienen aquellas que hoy en día no tienen mucha diferencia con las que se ganan la vida en OnlyFans o los que dan audiencia a A3 por ver el modelito de Cristina Pedroche en nochevieja.
El documental no se limita a denunciar; también examina cómo muchas de estas mujeres revalorizaron su papel, destacando su trabajo y profesionalismo pese a las circunstancias. Sin embargo, no oculta las sombras: la exposición a actitudes sexistas, la presión por cumplir estándares de belleza inalcanzables y el ninguneo de su capacidad intelectual fueron parte del precio a pagar en una industria que las veía como piezas intercambiables de un engranaje comercial. También atina a remarcar que de entonces a ahora no hay tanta diferencia, cuando tenemos azafatas en ‘La ruleta de la suerte’ que hacen poco más que pasearse delante de un panel. El segundo episodio plantea una pregunta crucial: ¿hemos cambiado realmente como sociedad? Aunque los tiempos de las Mama Chicho parecen lejanos, las prácticas de cosificación y el uso del físico femenino como reclamo no han desaparecido. Siguen presentes, aunque en formas más sistémicas y rentables, en la publicidad, la moda y las redes sociales. Este cuestionamiento convierte a ‘¿Yo fui mujer florero?’ en una pieza a difundir, un recordatorio de que las estructuras que se crearon entonces aún tienen ecos hoy.
Bienvenido al universo cyborg. Descubre la historia de un grupo de jóvenes que ha empezado a modificar su cuerpo para así expandir sus posibilidades sensoriales a través del viaje de Kai Landre, el primer músico cyborg del planeta.
Un joven músico de dieciocho años decide diseñar un órgano cibernético e implantárselo de forma ilegal, adquiriendo así un nuevo sentido que le permite percibir sonidos del espacio desde la tierra.
Crítica
Planteando si el transhumanismo ayudará al ser humano en su búsqueda de autoconocimiento
El documental ‘Cyborg Generation’ es una película de Miguel Morillo Vega que en poco más de una hora realiza una exploración de los límites entre lo humano y lo tecnológico. Para ello sigue a un joven de este siglo, de esos que han nacido con la tecnología bajo el brazo y le mira a través de la lente del transhumanismo y la vida cyborg. La película indaga en las implicaciones filosófica, legales, sensoriales y sociales de aquellos que quieren dar lo que entienden como un nuevo paso en la evolución humana.
‘Cyborg Generation’ aborda el tema a través de dos figuras: los pioneros del movimiento, Neil Harbisson y Moon Ribas, y un neófito, Kai Landre, que aporta una perspectiva de descubrimiento e incluso investigación como el verdadero hilo conductor. Esta narrativa es efectiva, pues permite al espectador descubrir una corriente poco conocida desde varias perspectivas. Eso sí, hay que admitir que más allá de lo experimental y de la búsqueda de cambio o refugio por parte de los protagonistas, se echan en falta testimonios o argumentos que equilibren la balanza de la opinión.
Harbisson, conocido por ser la primera persona reconocida oficialmente como un cyborg, y Ribas, con su agudo sentido de los movimientos sísmicos, aportan una visión que a muchos puede parecerles similar a la de la comunidad transexual e incluso furry, pero brindan un testimonio que conecta con preguntas profundas sobre lo que significa ser humano en una era donde la integración con máquinas parece inevitable, algo más allá de la ciencia ficción. Por su parte, Kai Landre, al ser un recién llegado, representa al espectador curioso que aún se debate entre el entusiasmo y el escepticismo, que sobre todo recorre una etapa de autoconocimiento.
‘Cyborg Generation’ es una obra íntima que describe a personas incomprendidas. Se limita sobretodo a lo personal y no se moja en exceso con preguntas más universales tales como si esto modifica nuestra identidad, si realmente es una mejora o un capricho psicológicamente no tratado, si esto es bueno para generaciones futuras, si estamos hablando de personas que han sido capaces ve ver más allá… Lo que sí que es capaz de dejar patente es que cada vez van a ser más necesarios este tipo de trabajos que saquen de la fantasía cuestiones que ya están entre nosotros. De hecho antes de su cierre dispone de una escena que cabría clasificar de clandestina y casi snuff, al fin y al cabo han sido cinco años rodando lo que ha culminado en el implante que ahora lleva Landre.
Miguel Morillo Vega da voz a una comunidad que no solo busca la comunión con las nuevas tecnologías, sino también intentar redefinir a nuestra especie, que parece que lleva anclada evolutivamente miles de años. La debería ser, ¿la tecnología ha llegado para hacernos evolucionar o es la propia tecnología la que no nos permite tener un cuerpo superior al habernos hecho dependientes de ella? Quizá para otra ocasión hablemos de esto.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Cyborg Generation. Duración: 63 min. País: España, EE.UU. Dirección: Miguel Morillo Vega. Guion: Miguel Morillo Vega. Música: Harto Rodriguez. Fotografía: Martí Herrera. Reparto principal: Kai Landre, Neil Harbisson, Moon Ribas, Manel de Aguas. Producción:Distribución: Filmin. Género: documental, tecnología. Web oficial:
Esta experiencia cinematográfica única en 3D se sumerge en la icónica obra del artista alemán Anselm Kiefer revelando su trayectoria vital, su inspiración y su proceso creativo. Explora su fascinación por el mito y la historia. El pasado y el presente se entrelazan para desdibujar los límites entre el cine y la pintura, permitiendo al público sumergirse por completo en el extraordinario mundo de uno de los más grandes artistas contemporáneos.
Crítica
Capaz de moverse por un arte denso con una fluidez sugestiva
Wim Wenders, para muchos uno de los mejores documentalistas en activo, vuelve al género con ‘Anselm’ tras ‘Perfect days’. Esta obra que ha tardado en llegar a España, más que un retrato, se presenta como un diálogo expansivo con el vasto universo creativo de Anselm Kiefer. Desde su estreno en Cannes se ha convertido en un documento único dentro del estudio de todo lo que enmarca el arte contemporáneo, pero también como un desafío para los espectadores menos habituados a una experiencia tan intensamente sensorial y filosófica. Uno ve este tipo de trabajos y entiende por qué un país tan entrañable como Japón escogió a Wim Wenders para representarle en los Oscar.
Kiefer, conocido por su fascinación por los mitos, la memoria histórica y los estratos culturales que conforman la identidad alemana, encuentra en Wenders un megáfono e interlocutor cinematográfico ideal. ‘Anselm’ no es una biografía al uso, es una inmersión visual y emocional. Wenders emplea aquí un lenguaje fílmico que recuerda tanto a la textura de las pinturas de Kiefer como a la amplitud de sus instalaciones escultóricas. El director no solo nos invita a observar la obra y la mente de Kiefer, sino a recorrerla, a habitarla. Las capas de pintura y los materiales crudos de sus lienzos, que evocan tanto la devastación de la guerra como la regeneración de la vida, parecen palpables, casi táctiles, en esta experiencia cinematográfica. Un largometraje que ayudará a aquellos espectadores que no transiten lugares como el Reina Sofía o ferias como ARCOmadrid, donde el arte se antoja incomprensible aun a pesar de las explicaciones de los propios autores.
La narrativa de ‘Anselm’ es deliberadamente fragmentada, oscilando entre el presente y el pasado con una fluidez que a ratos parece desorientadora. Wenders apuesta por un montaje que es, en sí mismo, una metáfora de la obra de Kiefer: estratificada, compleja, llena de vacíos y silencios que exigen ser completados por el espectador. Las secuencias en las que Kiefer reflexiona sobre su infancia en la Alemania de posguerra, su fascinación por los textos místicos y su diálogo constante con la historia europea son reveladoras, aunque nunca simplificadoras. Más que explicar al artista, Wenders prefiere dejar que la obra hable, aunque para algunos espectadores esa decisión pueda resultar frustrante.
En este sentido, la película requiere paciencia y entrega. No es un documental que pretenda «explicar» el arte de Kiefer o presentarlo de manera accesible; más bien, busca replicar la experiencia de enfrentarse a una de sus imponentes obras: un acto de contemplación profunda que puede resultar abrumador. Aquí radica tanto su mayor logro como su potencial limitación. Mientras que los aficionados al arte encontrarán en ‘Anselm’ un festín visual y conceptual, otros podrían sentirse alienados.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Anselm (Das Rauschen Der Zeit). Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Wim Wenders. Guion: Wim Wenders. Música: Leonard Küßner. Fotografía: Franz Lustig. Reparto principal: Anselm Kiefer, Anton Wenders, Daniel Kiefer. Producción: Road Movies Filmproduktion. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental, cultura. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/anselm-das-rauschen-der-zeit?whereToWatch=in-cinemas
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