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Tráiler de ‘Disco Boy’

En cines el 15 27 de diciembre

El 15 27 de diciembre es cuando se estrenará en cines ‘Disco Boy’. Pero antes la película participará en la Sección Esbilla del próximo Festival de Gijón y en la Sección Nuevas Olas del Festival de Sevilla. La película dirigida por el debutante Giacomo Abbruzzese ya pasó por la Berlinale y allí se llevó el Oso de Plata a la Contribución artística sobresaliente (a la fotografía).

Este filme italiano está protagonizado por Franz Rogowski (‘Ondina’, ‘Gran Libertad’), el actor gambiano Morr N’Diaye y la influencer feminista activista y modelo marfileña Laetitia Ky (‘Los reyes de la noche’).

Abbruzzese habla sobre la idea que impulsó la película: “Hacía tiempo que quería hacer una película de guerra atípica. En el sentido de que el otro existe realmente, por derecho propio. Donde no sería sólo un enemigo o una víctima. Pero Disco Boy era un proyecto muy ambicioso, caro para la economía de una primera película, y tardó diez años en hacerse. Sorprendentemente, la película se mantiene muy cerca de lo que había previsto desde el principio: la historia de un bielorruso que atraviesa Europa, llega a París y se alista en la Legión Extranjera, y luego la historia de su antagonista, un luchador ecologista en Nigeria. Básicamente es la historia de una metamorfosis, que finalmente conduce a una utopía».

Crítica: ‘La familia Stallone’

En qué plataforma ver La familia Stallone

Cosas de casa

¿Qué ocurre cuando el héroe vuelve después de un largo viaje en el cual ha salvado el mundo? Si queréis ver cómo fue la vida cotidiana de Odiseo después de la guerra de Troya y su largo viaje a casa… Este nuevo reality show tiene la respuesta, aunque no lo parezca.

Para el espectador profano que Sylvester Stallone tenga su propio reality puede parecer la enésima bizarrada en su carrera artística y en esta era en la que la televisión se ha visto obligada reciclarse y renacer de sus cenizas hibridándose con internet (algo que ya hizo la radio en su momento). Podréis comprobarlo en SkyShowtime con la serie de emisión semanal que arranca hoy mismo.

Para el espectador creyente este reality de la familia Stallone es un sueño hecho realidad, dedicado a toda una generación que ha crecido con uno de los mayores héroes de acción de la última mitad del siglo XX. Antes de que me emocione al hablar de lo que significa Sylvester Stallone para muchos que conocen su extensa filmografía es mejor que primero ponga un poco en contexto su importancia en la cultura popular de las últimas décadas.

En los cómics estaremos de acuerdo que, aunque los universos son casi infinitos e inabarcables llenos de miles de personajes con sus variantes, el gran público reconoce unos 3 instantáneamente: Wonder Woman, Superman y Batman, por un lado, Iron Man, Capitán America o Spiderman por otro… Incluso en mangas tan conocidos como Dragon Ball, cuyo reparto de luchadores no se quedan cortos si lo comparamos con Marvel o DC, los primeros nombres que se nos vienen a la cabeza son Son Goku y Vegeta. Pues en el cine de entretenimiento que surgió en plena guerra fría, a pesar de la larga lista de actores y actrices dedicados al cine de acción los más importantes, reconocibles y que mayor impacto han tenido en la cultura popular son Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. Su rivalidad (al igual que los grandes héroes del cómic y el manga) ha sido también digna de leyendas que después de muchos años han sido material de anécdotas en las entrevistas.

Una rivalidad que han trasladado del cine a la televisión. Stallone ha optado por una serie mafiosa crepuscular con toques de noir y western, ‘Tulsa King’ en Paramount+ y Arnold Schwarzenegger ha entrado como un elefante en una cacharreria en Netflix con ‘Fubar’, en una secuela espiritual de ‘Mentiras arriesgadas’ manteniendo el espíritu gamberro, pero también reflexionando sobre los conflictos entre el éxito en una profesión y la vida familiar. Pero no acaba aquí la cosa, porque si Arnold ha aprovechado para rodar un documental de su vida en Netflix, Stallone no se queda atrás con su nuevo reality con su familia.

Si comparamos los dos formatos, el de Stallone es mucho más jugoso por supuesto, por varios motivos (incluso si descartamos de la ecuación las toneladas de pulsión de su familia) y quizás el más importante es el que ha caracterizado siempre a Stallone: ha sido más arriesgado a nivel creativo durante toda su carrera.

¿Riesgos creativos? ¿En el género de cine acción y aventuras? Pues sí, y el primer riesgo fue el que le dio el éxito diferenciándose de todos los demás. Los héroes Rocky y Rambo son personajes vulnerables, torturados, apartados de la sociedad, héroes con sus luces y sombras que cometen errores. Puede que en la actualidad sea algo a lo que estemos acostumbrados e incluso veamos necesario, pero en el año 1976, con Rocky, fue toda una revolución con la que el público se sintió totalmente identificado.

Arnold ha sido en su carrera cinematográfica, política e incluso en su vida cotidiana como el Capitán América o Superman, luchando por alcanzar cuotas de perfección impensables para cualquier ser humano. Y esa perfección de semidiós griego fue la carta que tenía bajo la manga Schwarzenegger para triunfar en su carrera, la fascinación de la humanidad por los mitos. En el caso de Stallone, esa cualidad humana en sus personajes ha jugado a su favor en su etapa madura. Sly ha sabido llevar a su terreno sus grandes franquicias cinematográficas como Rambo y Rocky asumiendo simplemente su edad. Y sus conflictos. En la serie ‘Tulsa King’ está soberbio por esa razón. Stallone abraza la impotencia que nos alcanza cuando alcanzamos una cierta edad echando una mirada al espejo retrovisor de su vida observando todos sus errores. Uno de los temas que trata es el de la familia (y a pesar de ser un mafioso en esa serie, no nos referimos a ‘esa’ familia) y el hecho de ser un estereotipo con patas que no le ha dejado ser tan humano y disfrutar de una vida mundana como querría.

Y ahí es donde conectamos con este reality de la familia Stallone que se entremezcla en determinados momentos con la serie, no de manera contundente en un ejercicio metanarrativo, sino para poder introducir a los espectadores de una manera natural a la humanización del personaje de Stallone. La familia de Stallone, compuesta por su mujer Jennifer y sus tres hijas (Sophia, Sistine y Scarlet) acompañan a Sly en este reality con intervenciones especiales del desconocido hermano y cantante Frank Stallone o de amigos como Dolph Lundgren o ¡Al Pacino! (atentos a ese momento en la pizzería). Las hijas de Stallone no son tan Kardashian como podría parecer de la manera en que se nos vende este reality. Se podría decir que las tres hijas tienen muy amueblada la cabeza, quizás más que el padre cuando tenía su edad.

Es Stallone (y su hermano) el que aporta la parte más bizarra y encantadoramente hortera. Las hijas como mucho son pijas (que tampoco pueden evitarlo por el entorno en el que han crecido) pero son estudiantes universitarias y trabajadoras. En cambio, Stallone se nota que vive sus personajes en la vida real y sigue siendo tan extravagante como en su juventud, además de que como buen hijo de la guerra fría tiene un conflicto interior sobre la realidad de su familia. Aunque es una familia bastante tradicional americana, con todo lo divertido que puede salir de ahí.

Este reality es un buen complemento para los muy cafeteros de Sylvester Stallone y para los espectadores profanos es una curiosa radiografía de las generaciones que crecieron en la segunda mitad del siglo pasado.

Tráiler de ‘El sol de futuro’

En cines el 15 de septiembre

Ya podemos ver el tráiler de ‘El sol del futuro’, la nueva película del cineasta italiano Nanni Moretti, que Caramel Films estrenará en  cines el próximo 15 de septiembre. Tras su paso por la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes, y después de convertirse en todo un éxito en Italia, Moretti nos presenta esta vitalista y luminosa fábula llena de amor al cine y a la vida.

Desde el humor, la crítica y el compromiso social y político, Moretti nos presenta unos personajes llenos de ironía y de sarcasmo. El protagonista lo encarna el propio director y está acompañado por una de sus actrices favoritas, Marguerita Buy, el actor francés Mathew Amalric, y su incondicional Silvio Orlando.

Sinopsis oficial:

Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película.

Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra!

Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.

Tráiler de ‘Todo sobre mi padre’

Robert de Niro y Sebastian Maniscalco haciendo de padre e hijo

Nueva comedia paternofilial con Robert de Niro. El actor continúa con un perfil bajo con sus últimas películas, las últimas grandes producciones en las que ha participado son ‘El irlandés’ o ‘Joker’, si acaso ‘Amsterdam’. El próximo 26 de mayo 9 de junio 9 de septiembre 9 de junio. le veremos en cines junto al cómico Sebastian Maniscalco (‘Green Book’), quién también trabajó en ‘El irlandés’. La película es ‘Todo sobre mi padre’ y no alude a ninguna película de Almodóvar, es el título comercial en España, aunque en su versión original se llama ‘About My Father’.

‘Todo sobre mi padre’ está basada en la propia relación del cómico (también guionista de la cinta) con su padre, su vida familiar y su educación con padres inmigrantes italianos. Está está dirigida por Laura Terruso (‘Work It: Al ritmo de los sueños’) y completan el reparto Leslie Bibb (‘Iron Man’), como la novia de Sebastian, Kim Cattrall (‘Sexo en Nueva York’) y David Rasche (‘Quemar después de leer’), en el papel de los padres de ella, y sus hermanos en la ficción Anders Holm (‘El becario’) y Brett Dier (‘Fresh’).

Sinopsis oficial:

El joven Sebastian (Sebastian Maniscalco) le dice a su padre Salvo (Robert de Niro), un inmigrante italiano de la vieja escuela, que tiene intención de pedirle matrimonio a su novia estadounidense, Ellie. Antes de dar su visto bueno, Salvo insiste en pasar un fin de semana con los padres de ella. El choque cultural entre ambas familias es sencillamente inevitable.

‘Nostalgia’ llega a cines el 9 de diciembre

Elegida por Italia para los próximos Oscar

Vértigo Films estrenará en España, el próximo 9 de diciembre, ‘Nostalgia’. Se trata de la última película del italiano Mario Martone (‘Noi credevamo’, ‘Aquí me río yo’). Aparte de su participación en el Festival de Cannes a Sección Oficial, ‘Nostalgia’ ha sido elegida para representar a Italia en la próxima edición de los Oscar.

Basada en el libro del mismo nombre del escritor Ermanno Rea, ‘Nostalgia’ cuenta con una magnífica interpretación de Pierfrancesco Favino, uno de los mejores actores italianos desde hace años. Favino es célebre por sus papeles en ‘Roma criminal,’ ‘Nuestros mejores años’, ‘El Traidor’ también ha participado en muchos otros títulos internacionales como ‘Ángeles y Demonios’, ‘Rush’, ‘Guerra Mundial Z’, las dos temporadas de ‘Marco Polo’ de Netflix o ‘Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’, entre otras producciones. Por su papel en ‘Nostalgia’, Pierfrancesco Favino ha sido nominado como Mejor Actor en los European Film Awards.

En el caso de Mario Martone, entre su amplia filmografía como realizador (aparte de haber dirigido multitud de obras teatrales), se encuentran títulos como ‘Muerte de un matemático napolitano’, premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Entre sus títulos más reconocidos a nivel internacional destacan ‘El amor molesto’, ‘Noi credevamo’, ‘El alcalde de Rione Sanità’, ‘Aquí me río yo’, etc…

Por último, ‘Nostalgia’ pudo verse en la Mostra de Valencia (donde ganó el premio a mejor fotografía) y pasará por el Festival de Cine Italiano de Madrid.

Crítica: ‘Ennio. El maestro’

Sinopsis

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‘Ennio, el maestro’ es el retrato del músico más popular y prolífico del siglo XX, el más querido por el público internacional, dos veces ganador del Premio de la Academia® y autor de más de 500 bandas sonoras inolvidables, Ennio Morricone.

Un hermoso homenaje en forma de documental conformado por una entrañable entrevista de Tornatore con el Maestro, por testimonios de artistas y directores, como Bertolucci, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Bruce Springsteen, y también por escenas de ficción, fragmentos de su música e imágenes de archivo. El documental desvela facetas poco conocidas de su vida privada, como su pasión por el ajedrez y también el origen de algunas de sus brillantes intuiciones musicales, como sucede con el grito del coyote que sugiere el tema de ‘El bueno, el feo, y el malo’.

Crítica

Sentido homenaje a un arquitecto del sonido cinematográfico incrustado en nuestro ADN

Que 2020 fue un año nefasto es algo en lo que todos coincidimos. Si nos ponemos a pensar en el mundo del cine nos topamos con grandes disgustos. Uno de ellos, seguramente el mayor de todos, fue la pérdida de Ennio Morricone a sus 91 años. Poco más de un año antes de tan gran pérdida, el ilustre director y compositor italiano pasaba por Madrid en la que era su gira final de despedida. Un momento que muchos atesoraremos como irrepetible.

Si solo has visto una película en tu vida y esta está acompañada de la música de Ennio Morricone podrás decir que has visto cine de verdad. Su nombre está a la altura de Williams, Goldsmith, Vangelis, Elfman, Zimmer, Bernstein… Todos hemos tarareado alguna canción suya y eso es porque o bien conseguía un sonido diferente o bien porque eran pegadizas. Los temas de ‘La misión’, ‘Los intocables de Eliot Ness’, ‘Por un puñado de dólares’ o ‘Érase una vez en América’ tienen acordes o escenas incrustadas en la cultura popular. Emocionantes, carismáticas, sensibles… así eran las melodías de este arquitecto del sonido cinematográfico. Un hombre que tocaba y componía desde sus seis años.

Toda esa ristra de adulaciones o análisis sobre la figura del director que acabo de hacer de manera escueta, siempre será poco lo que podamos decir de él, es la misma que se hace en ‘Ennio. El maestro’. Un documental que reúne nombres como, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Oliver Stone, Hans Zimmer, John Williams, Wong Kar-Wai, Dario Argento, Quincy Jones… La lista es larguísima, sobre todo en lo que se refiere a la escena italiana. Y por supuesto nos brinda muchas grabaciones de archivo con Ennio Morricone.

Sus dos Oscar (el honorífico y el recibido en 2016 por ‘Los Odiosos Ocho’) saben a poco. Un documental, aunque sea como este que dura casi dos horas y media y reúne a todo tipo de artistas relacionados, también se puede quedar corto. Aunque la película de Giuseppe Tornatore hace un amplio repaso cronológico y facultativo de las bandas sonoras y logros de Morricone, nos queda claro que lo que realmente hace falta crear es un museo completo. Eso sí, ‘Ennio. El maestro’ es una pieza digna de un museo. Tornatore, como director que ha trabajado con el desaparecido mito (‘Cinema Paradiso’, ‘La desconocida’, ‘La leyenda del pianista en el océano’, ‘Una pura formalità’…), se muestra indirectamente consciente de este hecho y este homenaje sirve bien como lección histórica pero no es del todo el tributo definitivo, casi casi.

¿En lo anecdótico? Se comentan muchos detalles de su personalidad, de sus orígenes y de sus momentos cruciales. Por supuesto hay un amplísimo segmento dedicado a su relación con el Spaghetti Western del que fue máximo exponente junto a Sergio Leone. Lo más valioso es que este documental se realizó con Morricone aún vivo por lo que la información que él mismo aporta sobre su trayectoria o de dónde vinieron sus ideas es un tesoro.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: Ennio: The Maestro. Duración: 156 min. País: Italia. Dirección: Giuseppe Tornatore. Guion: Giuseppe Tornatore. Música: Ennio Morricone. Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion. Reparto principal: Ennio Morricone, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Oliver Stone, Hans Zimmer, John Williams, Wong Kar-Wai, Dario Argento, Quincy Jones. Producción: Piano b Produzioni, Potemkino, Fu Works, Terras, Gaga, Blossoms Island Pictures, Fonds Eurimages Du Conseil de l’Europe. Distribución: Karma Films. Género: documental. Web oficial: http://www.potemkino.com/ennio-the-maestro

Programa especial en directo por la CutreCon XI

Repasamos todo el festival de cine cutre con Holocausto Zinéfago

El pasado mes de febrero lo clausuramos entre risas y horas de sueño pues nos pasamos casi toda la semana metidos en los cuatro cines que dieron cobijo a la CutreCon XI. Siempre gozamos (y patrocinamos) este evento pues nos parece una de las mejores experiencias cinematográficas que se encuentran actualmente en activo.

En el programa os comentamos todas las películas que vimos (casi todas) y nuestras sensaciones, además de cómo fueron nuestros encuentros con los invitados. Podéis verlo al completo aquí.

CutreCon XI, día 25 de febrero

Recibiendo a un maestro y estrenando Sección Oficial a Concurso

El día de hoy ha celebrado su tercera y última jornada en la Universidad Complutense. Allí se ha proyectado ‘2019: Tras la caída de Nueva York’. Pero lo más interesante es que ha estado presente su director, el italiano Sergio Martino. El cineasta, también nombre destacado del giallo, ha sido reconocido con el Premio Applehead Team Sah-Di-A. “Me hace ilusión o gracia ver que hay aquí mucha gente joven que ni había nacido cuando hice la película” ha dicho Martino antes del pase. En el siguiente vídeo podéis verle y descubrir que fue quien dirigió a Nicole Kidman en sus orígenes.

También hemos vuelto a la casa del año pasado, el mk2 Palacio de Hielo, donde hemos podido estrenar la Sección Oficial del festival con cuatro primeros títulos. CutreCon XI ha seleccionado a concurso películas que el público ha votado o votará también el sábado y que tendrán su recompensa con el premio que se entregará de la mano de J.D. Shapiro, invitado estrella del año pasado. Os comentamos todas las películas en nuestras minicríticas habituales.

 ‘2019: Tras la caída de Nueva York’

De una Nueva York apocalíptica y tiranizada la película nos lleva a una competición tipo Carmageddon en el desierto de Nevada y luego a una base en Alaska. El mundo está devastado y contaminado por la radioactividad y Parsifal, el protagonista se encuentra con la posibilidad de viajar a Alfa Centauro, donde la humanidad se va a mudar. Pero para ello ha de encontrar a una mujer en la peligrosa y derruida Nueva York.

Parte del filme transcurre fuera de la ciudad que le da título y además tienen sabor a ‘Hijos de los hombres’ pues se observan muchos planos en común. Eso si, cuando nos lleva a esa Nueva York que parece la subterránea de Futurama, está tan vilmente recreada que hasta se percibía su olor. Y nos maestra el Picasso por cierto.

Por supuesto, fruto de su época, la única mujer que aparece impoluta entre tanta miseria y por lo tanto sexualizada es la que le hace tilín al protagonista. De todos modos la película de Sergio Martino (firmada como Martin Dolman) es una aventura… una aventura. Se perciben sus límites presupuestarios y de la tecnología de la época.

Comentado por Furanu.

‘La última Navidad del Universo’

Este maravilloso cortometraje dirigido por Adrián Cardona y David Muñoz (‘Firs os Jesus’), nos lleva a un mundo a los Mad Max en el que Papa Noel solo quiere darle un regalo a la única buena persona de este nuevo mundo, el cual se encuentra en un aprieto con un montón de matones. Mucho gore gracias a juguetes utilizados como armas y con muy buena producción.

Comentado por Vicky Carras.

‘Balas de venganza’

Ambientada en Levante, la película nos cuenta la historia de Marty, un chaval adoptado por una familia mafiosa. Poco a poco se va desgranando una trama llena de crímenes y secretos.

Rodada en blanco y negro y con muy poco presupuesto, dejan ver el amor al cine de Tarantino. Nos hemos divertido mucho gracias a sus frases profundas antes y después de asesinar a alguien.

Aunque no tenga buen sonido y algunos planos sean un poco torpes, la película no está mal dirigida y se nota el cariño hacia el cine negro desde el minuto uno. Un buen ejemplo de que no hace falta mucho para contar una historia. 

Comentado por Vicky Carras.

‘Jostissi de carreró’

Golam, un hombre solitario regresa a Porto Cristo, donde un grupo criminal, conocido como “La Banda del Lobo”, controla las calles de este idílico pueblo.

La película es un sinfín de referencias a la cultura pop, ‘He-Man’, ‘Dragon Ball’, ‘Perseguido’, ‘Destroyer’, ‘El resplandor’… por nombrar unas cuantas, y la verdad que es muy divertido ver a los diferentes esbirros enfrentarse a nuestro héroe.

Tiene buena manufactura, vemos efectos que aunque cutres son muy resolutivos y la verdad que se han trabajado mucho todo el tema de referencias por todos lados, utilizándolas con inteligencia de manera que sirvan para la historia, que no estén ahí por estar.

Comentado por Vicky Carras.

‘King Kong contra Godzilla (montaje americano)’

Pues si, hay un montaje para el público de norteamérica y otro para el japonés de esta película que junta a dos de los grandes monstruos del cine. Pero es la versión que se estrenó en 1963, no la que vimos en 2021. En esta versión depende de que montaje veas la duración cambia pero sobre todo se modifica el desenlace de este titánico enfrentamiento.

Confrontación que no tiene ni pies ni cabeza con los argumentos que se plantean. Pero es que la pelea también es un desternillante sin fin de golpetazos entre dos señores disfrazados, llegando a tener un tronchante momento vegano. Parece un torpe enfrentamiento de lucha libre en el que los luchadores están borrachos y con agujetas. Como siempre, le falta más monstruo y sobran humanos, aunque destrucción de edificios (o maquetas) no falta.

Comentado por Furanu.

11 razones para ir a CutreCon XI

Del 23 al 27 de febrero en Madrid

Un festival de cine cutre. Probablemente pensaréis que no sois el público objetivo para ese tipo de evento. Eso decían los que se atrevieron a ir al menos una vez y ahora son público asiduo. Ya que estamos a una semana del arranque de la CutreCon XI os hemos querido daros 11 razones que seguro os picarán la curiosidad. Una vez entréis en la CutreCon no vais a querer salir de ella.

  1. Ambiente

Moviementarios se hizo patrocinador de la CutreCon por el ambiente. No es que por ser patrocinadores te digamos que el ambiente es el mejor. Desde casi sus inicios acudimos al evento y es tan divertido que decidimos invertir en él. Hoy en día se prima la experiencia hasta casi manosear el término. En CutreCon es 100% veraz que vives una experiencia de ambiente diferente, descacharrante y amigable. Esta es la prioridad y no podía faltar entre estas 11 razones.

  1. Dinosaurios

Siempre hay un leitmotiv en CutreCon, este año son los dinosaurios. El cierre del evento tendrá lugar con una maratón de 7 horas con cuatro películas de dinosaurios que incluyen disfraces, viajes en el tiempo, viajes al espacio… Cualquier majadería que se os pueda ocurrir que se haya podido hacer con criaturas jurásicas tened por seguro que se ha hecho y estará en las pantallas del festival. Casi el 33% de la programación girará en torno a las extintas criaturas tan mal recreadas a veces en el cine, no os podéis imaginar con qué hacen los dinosaurios de estas películas.

  1. Invitados

La magnitud del evento ha llegado hasta tal extremo que ya trae hasta invitados internacionales. Artistas que comprenden desde directores hasta actores de los filmes que se proyectan. Por supuesto ellos son conscientes de que su obra ha pasado a la posteridad como algo que no hay que hacer si quieres triunfar en el cine, pero eso ya les convierte en puros triunfadores pues disfrutan con el público de un modo desenfadado y sano. En CutreCon ha estado el guionista de ‘Jungla de Cristal’ (Steven E. de Souza), uno de los protagonistas de ‘The Room’ (Greg Sestero) o directores de terror italiano como Luiggi Cozzi o Claudio Fragasso. Este año Sergio Martino es el invitado. Una figura importante del Giallo que estará en el festival pero por su autoría en dos películas que claramente aluden a títulos de Hollywood como ‘Rescate en Nueva York’ o ‘Terminator’, una de ellas con un cyborg llamado Paco.

  1. Desinhibición

¿Sabes esa sensación que experimentas al salir de un spa tras haber sobrevivido a la peor temporada de tu trabajo? Así sales de CutreCon. Los remedios para las agujetas tienen que estar a mano porque te ríes tanto que acabas con el six pack (o la tripa cervecera) dolorido. En las proyecciones del Festival de Cine Cutre de Madrid puedes sentirte libre de gritar lo que quieras, mirar le móvil, cantar, hacer chistes… Es un espacio abierto a todo tipo de miradas y humor. Se podría decir que es lo mismo que ir a un espectáculo deportivo donde hay abucheos, ovaciones y comentarios.

  1. Distintas sedes

Si resides en Madrid no tienes excusa. El festival tiene distintas sedes y malo será que no te cuadre en algún horario. Este año hay cuatro ubicaciones distintas a acudir en los diferentes días: la Facultad de Ciencia de la Información de la UCM, la Cineteca de Matadero de Madrid, y los cines mk2 tanto el de Cine Paz como el de Palacio de Hielo. Emplazamientos repartidos que van a llenarse de risas y también de mucha información la mar de interesante. Y es que además hay actividades que hacen que crezca nuestro conocimiento sobre el cine, sea del género que sea.

  1. Nostalgia noventera

Los noventa tuvieron muchos estrenos comerciales que terminaron siendo altamente criticados. En CutreCon se procura proyectar siempre alguna de esas películas que pusieron el hype por las nubes y terminaron con la puntuación por los suelos. Ejemplos de ello son ‘Street Fighter’ o ‘Super Marios Bros.’. Los Power Rangers tuvieron su momento así y este año amenizará el sábado por la noche. Si es que… donde estén los Bioman…

  1. Películas nunca vistas

Si has llegado hasta aquí seguro que ya imaginarás que las películas que se ven en el festival están casi todas fuera del radar de bases de datos como Filmaffinity. Son títulos que no son lo que pretendían, que en la mente de sus autores lucían muy bien y en la mirada de los espectadores pintan desastrosas. Son títulos que desafían toda lógica o física. El festival consigue copias de títulos remasterizados, de películas nunca traducidas, de grabaciones perdidas en el tiempo… Y también de documentales que nos hablan de la trayectoria de muchos de estos desastres cinematográficos. Todo ello con subtítulos propios que animan el cotarro sin modificar la historia.

En la inminente edición habrá maratones con kaijus, con dinosaurios o robots. No faltarán los plagios de Star Wars, el cine de Uganda (adoramos Wakaliwood), los ninjas doblados… Y como extra este año además hay Sección Oficial. CutreCon ha recibido muchos trabajos y ha seleccionado cinco “obras” que el público podrá votar para elegir un ganador.

  1. Precio

Si antes decía que la experiencia era el punto fuerte, la otra de las 11 razones importantes para acudir es su precio. Desde sesiones gratuitas hasta pases a precios de día del espectador. Incluye además la posibilidad de adquirir diferentes tipos de abonos, si ya era barato a eso ponle el ahorro que supone comprar un abono que reúna varias entradas juntas.

  1. Seguridad COVID

Por supuesto el festival no olvida que la pandemia aún no ha terminado. El año pasado realizó su décima edición sin ningún altercado y con el público sintiéndose como en casa. Este año no será menos y hasta aquellos más aprensivos con el tema del COVID-19 podrán estar tranquilos en la sala. Aquí tenéis una descripción de las medidas adoptadas.

  1. Sorteos

¡Habrá regalos! Para los asistentes (de manera presencial y a la CutreCon Online) va ha haber diferentes sorteos. Estarán repartidos por diferentes días y podemos daros detalles de los sorteos que habrá en la maratón de clausura ya que corren por nuestra cuenta. Si queréis saber qué jurásicos regalos daremos de manera aleatoria haced clic en esta entrada.

  1. Tenderetes

En las distintas sedes se habilitan puestos con material jugoso para los asistentes. Además del propio merchandising que tiene el festival encontraréis puestos con libros, figuras, camisetas… Todo tipo de objetos obviamente relacionados con el cine de serie B o Z. Entre las joyas de este año está el libro que ha editado Applehead Team en el que podemos decir orgullosamente que hemos participado con material gráfico. Os gastaréis los dineros seguro.

Si queréis estas 11 razones que os hemos dado no son suficientes tenéís más detalles sobre el evento en su web oficial o también podéis pasaros por el vídeo de la rueda de prensa previa a la celebración de la XI edición.

Entrevistamos al equipo de ‘Mamá o papá’

Estreno el 17 de diciembre de 2021

Estaba llamada a ser la comedia de las Navidades del pasado 2020 y por fin ha aterrizado en carteleras ‘Mamá o papá’. Ya os hablamos en nuestra crítica de este filme protagonizado por Paco León y Miren Ibarguren y dejamos que sean los propios artífices de esta película los que os den algún detalle sobre ella. En esta ocasión hemos tenido el placer de coincidir con el director y todos los protagonistas. La entrevista fue grabada en 2020 cuando el estreno estaba previsto para Navidad, de ahí alguna de las cosas que dicen nuestros entrevistados.

Dani de la Orden junto a Sofía Oria, Iván Renedo y Laura Quirós

“La comedia es un buen género para perder las formas”

Paco León y Miren Ibarguren

“Es refrescante ver a unos padres malos que putean a los niños”

Crítica: ‘Mamá o papá’

Sinopsis

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Flora y Víctor son los padres perfectos: modernos, divertidos y cariñosos. En definitiva, los padres que todo niño querría tener. Sin embargo, todo se tuerce el día que deciden divorciarse y aparece la oportunidad laboral con la que llevan soñando toda la vida. Solo hay un problema: la custodia. Ninguno está dispuesto a ceder. Así que, por orden de la jueza, los niños tendrán que decidir con quién se quedan: con mamá, o con papá. A partir de este momento, los excónyuges modélicos se declaran la guerra y no habrá tregua. Ambos harán todo lo posible por no obtener la custodia de sus hijos.

Crítica

Una buena clase de cómo ser los mejores peores padres

‘Mamá o papá’ no es el primer remake en el que se embarca Dani de la Orden y el equipo de guionistas con el que ha contado. Ya estrenó hace poco ‘Hasta que la boda nos separe’ a partir de una película francesa y triunfó con ‘El mejor verano de mi vida’, basada en una película italiana. ‘Mamá o papá’ surge de un título francés estrenado en 2015 que no se si sigue exactamente los mismos pasos pero ya desde el cartel y el tráiler se perciben calcos.

Cine español, padres e hijos, apuros, jugarretas, remake… La comparación con ‘Padre no hay más que uno’ es inevitable. Pero en este caso la comicidad no resulta tan forzada ni repetitiva aunque la mecánica buscada es similar, se juega con el amor de los niños hacia sus mayores. Esta película tiene un humor algo más atrevido y acaba riéndose bastante más de lo políticamente correcto. De hecho tiene un personaje interpretado por Alberto Casado (Pantomima full) que está concebido únicamente para eso.

Lo que sucede en ‘Mamá o papá’ podría ser perfectamente el argumento de un episodio de ‘Los Simpson’. Es una buena clase de cómo ser los mejores peores padres. Dos adultos bastante competitivos anteponen sus objetivos personales para evadirse de cuidar a sus hijos y así poder llevar a cabo su sueño particular. Lo que era una separación muy civilizada pasa a ser un reto de creatividad por fastidiar al máximo. Obviamente los que pagan el pato son los más pequeños que están inmersos en una guerra que solo responde a crear una aversión por puro interés.

Todo el reparto tiene momentos divertidos. En una película que tampoco es que esté excesivamente españolizada los personajes tienen repartidos entre ellos las gracias de la película. Si bien Paco León y Miren Ibarguren captan más la atención, las peculiaridades de los niños interpretados por Sofía Oria, Laura Quirós e Iván Renedo resultan la mar de divertidas e incluso a veces retorcidas. Con todos te ríes, con todos. La tónica general de la película se identifica sobre todo con la vis cómica de Ibarguren, es decir, puede ser brusca, tosca o cortante pero no ordinaria. Incluso con un Berto Romero que es una mezcla entre Skinner y Norman Bates.

Puede ser un tópico decir eso de “este director dirige bien a los niños”. En ese sentido con ‘El mejor verano de mi vida’ reconozco que sentí que faltaba alguna vuelta de tuerca. Pero lo que se ha conseguido con los más pequeños de ‘Mamá o papá’ es más eficiente.

Me da la impresión de que Dani de la Orden además de poder decir que tiene a sus habituales se está irguiendo como un nuevo as de los remakes pero sobre todo de las comedias. En este caso ha orquestado una película que no se si estaba ya pensada para estrenarse en Navidad pero que transcurre en esas fechas y por COVID y demás ha acabado coincidiendo. Una época de prisas y frenesí. Más que una comedia disparatada es desbordada. Seguramente sea de las que más lleva al desenfreno en toda su filmografía.

Si tenéis pelusa de que yo me lo haya pasado bien con esta película humorística solo tenéis que ir a verla al cine, aunque ya advierto que hay que tener cuidado con lo que se le hace aquí a las pelusillas.

Tenemos una tradición cómica muy extensa pero parece que últimamente las ideas escasean o se ha encontrado un nuevo filón y son muchos los remakes que vemos en la gran pantalla. ¿Casualidad? ¿Estrategia? Preguntaré. En `Papá o mamá’ el resultado es bueno. Una película que clama por no forzar la felicidad en un hogar donde no surja de manera natural, por hacer autocrítica y por saber desperfeccionar a los nuestros.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de diciembre de 2021. Título original: Mamá o papá. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Dani de la Orden. Guion: Olatz Arroyo, Eric Navarro, Dani de la Orden, Marta Sánchez. Música: Zacarías M. de la Riva, Alfred Tapscott. Fotografía: Oriol Pérez Alcaraz. Reparto principal: Paco León, Miren Ibarguren, Eva Ugarte, Berto Romero, Sofía Oria, Ester Expósito, Laura Quirós, Iván Renedo, Mari Paz Sayago, Mamen García, Pedro Casablanc, Miquel Fernández, Alberto Casado. Producción: Atresmedia cine, Buendía Estudios, Warner Bros. Entertainment, Alamo Producciones Audiovisuales. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, remake. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/mama-o-papa

‘La tierra de los hijos’, filme que adapta novela gráfica de Gipi

En cines el 17 de diciembre

La película titulada ‘La tierra de los hijos’, realizada por Claudio Cupellini, llegará a cines tras haber sido presentada en España durante el Festival de Sitges y tuvo presencia en el Fancine de Málaga. Esta es una libre adaptación de la novela gráfica homónima del autor Gipi. Su estreno tendrá lugar el 17 de diciembre.

Está protagonizada por el debutante Leon de la Vallée, junto a Paolo Pierobon (‘Un italiano en Noruega’) y Valeria Golino (‘Rain man’).

En ‘La tierra de los hijos’ ha llegado el fin de la civilización. El apocalipsis ha acabado con gran parte de la humanidad y la tierra ha dejado de dar frutos. Un padre y su hijo se encuentran entre los pocos supervivientes. El hijo crece como una bestia salvaje, como su padre le enseña, ya que esta es la única forma de sobrevivir. Cuando el padre muere, el hijo decide emprender un peligroso viaje en busca de alguien que pueda leerle las palabras escritas por este en el diario que guardó durante toda su vida.

El 14 Festival de Cine Italiano de Madrid vuelve el 25 de noviembre

La sede del festival se traslada al céntrico Cine Paz

El 14 Festival de Cine Italiano de Madrid se celebrará el jueves 25 de noviembre y hasta el 2 de diciembre, con una apuesta firme por la presencialidad. Sin renunciar a la experiencia del streaming en la proyección de sus largometrajes, su objetivo es permitir que el mejor cine italiano sea accesible a todo tipo de público y llegue también fuera de las fronteras de Madrid.

En esta 14ª edición, organizada por el Instituto Italiano de Cultura de Madrid bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, se proyectarán de forma gratuita (previa reserva de entrada en la web), más de 30 títulos; 6 cortometrajes, 6 documentales y 9 largometrajes formarán parte de las secciones oficiales. Todas estas películas participantes son una selección de las mejores producciones italianas del año que podrán verse en España en preestreno a través de este festival, en VOSE.

Este año la cita cambia de espacio y se muda al céntrico Cine Paz, el cuarto cine en activo más antiguo de Madrid, que se caracteriza por defender el mejor cine europeo, tanto a través de su cartelera de estrenos como con sus colaboraciones con festivales. Con esta alianza con el Festival de Cine Italiano de Madrid ponen de manifiesto su claro objetivo de difundir y celebrar la cinematografía contemporánea italiana mostrando todo su apoyo a uno de los certámenes más consolidados de la capital.

Asimismo, en la sede del Istituto Italiano di Cultura di Madrid se desarrollarán varias y sorprendentes actividades paralelas para que el público de todas las edades y diferentes intereses pueda disfrutar del cine italiano. El 27 de noviembre, en colaboración con el Giffoni Festival, festival de cine juvenil de la ciudad italiana de Giffoni Valle Piana, en Campania, se proyectará una selección de títulos para un público juvenil (a partir de los 8 años). Y durante las mañanas del festival habrá un espacio destacado para la venerada Commedia all’italiana, con la proyección de varios clásicos que son y han sido el orgullo de Italia.

Títulos y secciones

Commedia all’italiana:

Ieri, oggi, domani, Vittorio De sica, 1964, con Sofia Loren e Marcello Mastroianni

C’eravamo tanto amati, Ettore Scola, 1974, con Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Nino Manfredi

Bianco rosso e verdone, Carlo Verdone, 1981, con Carlo Verdone, Elena Fabrizi, Angelo Infanti

Il Ciclone, Leonardo Pieraccioni, 1996, con Leonardo Pieraccioni

Scialla, di Francesco Bruni, 2011, con Fabrizio Bentivoglio, Barbara Bobulova

Cortometrajes a concurso:

IL GIOCO, de  Daniele Pini, IL TURNO de Chiara Marotta y Loris Giuseppe Nese, L’INCANTO de Chiara Caterina, LA PREGHIERA DELLA SERA de Giuseppe Piccioni, BIG de Daniele Pini y CORIANDOLI de Maddalena Stornariolo.

Documentales a concurso:

LA MACCHINA DELLE IMMAGINI DI ALFREDO C.de Roland Sejko, Ezio Bosso. LE COSE CHE RESTANO de Giorgio Verdelli, SENZA FINE de Elisa Fuksas, IL PALAZZO de Federico di Giacomo, EMPTY MAN de Davide Romeo Meraviglia y GAME OF THE YEAR de Alessandro Radaeli.

Largometrajes a concurso:

UNA RELAZIONE de Stefano Sardo, IL SILENZIO GRANDE de Alessandro Gassman, I NOSTRI FANTASMI de Alessandro Capitani, MOTHER LODE de Matteo Tortone, YAYA E LENNIE de Alessandro Rak, PER TUTTA LA VITA de Paolo Costella, MONDOCANE de Alessandro Celli, IL BAMBINO NASCOSTO de Roberto Ando.

Fuera de concurso:

QUI RIDO IO (AQUÍ ME RIO YO) de Mario Martone

Crítica: ‘In fabric’

Sinopsis

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Son rebajas en unos grandes almacenes ingleses, Sheila observa las estanterías, y, de repente, un vestido rojo sangre de seda la hipnotiza. Ya no hay nada que ella quiera salvo ese vestido, nada salvo acariciarlo, examinarlo, adorarlo… Lo que Sheila no sabe es que pesa una maldición sobre cada persona que ha poseído ese vestido y comprarlo traerá devastadoras consecuencias.

Crítica

No habría pasado nada si este vestido se hubiese quedado en el almacén

Peter Strickland es el artífice (tras las cámaras y en el libreto) de ‘In fabric’. Una cinta que tal vez tiene su principal atractivo en los rostros conocidos que nos ofrece: Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Marianne Jean-Baptiste (‘Sin rastro’) o Sidse Babett Knudsen (‘Westworld’). Pero que tiene muy poco más que aportar.

Un objeto maldito se vende en las rebajas de una tienda. Demasiado bonito para el precio que tiene. Ejerce una poderosa influencia y eso hace pasar por alto cualquier sospecha a las compradoras que muerden el anzuelo. Es entonces cuando caen víctimas de la maldición que pesa sobre esa rojiza prenda.

Me da la impresión que ‘In fabric’ busca ponerse a la altura de títulos basados en objetos asesinos, como el ‘Christine’ de John Carpenter. Usa la atracción y el hipnotismo de un objeto carmesí, codiciado, seductor y elegante para desarrollar después una serie de mortales acontecimientos. El rojo llama al rojo.

Parece que todo vale en estos tiempos en los que el género se tiene que reinventar más que nunca para intentar destacar entre la inmensidad de propuestas y lo ya hecho anteriormente. Es otra muestra más de que los experimentos están bien pero solo si progresan y tienen un sentido. Puedes partir de una idea curiosa o terrorífica pero no puedes dar vueltas todo el rato al mismo punto si no ofreces nada nuevo y mucho menos cuando la película dura dos horas o no terminas de mostrar un mensaje claro.

Si te gustan las cosas raras aquí puedes encontrar un tejado bajo el que cobijarte. Esta película la vimos hace casi dos años en la Muestra SYFY de 2019 (entre algunas risas) y aún me acuerdo de las vendedoras extrañas, elocuentes y victorianas que trabajaban en las galerías donde la protagonista compra el vestido. Además, si a eso le sumamos cultistas y un reencuentro visual con el terror sesentero y setentero la propuesta es llamativa. Pero como he dicho y advertido, se puede hacer tediosa o más larga de lo que parece.

Otro de los problemas del filme es que está definido entre lo dramático y lo cómico. Me quedo con lo segundo por no tachar ‘In fabric’ de comedia involuntaria. Ver el vestido flotando, los cardados de algunos personajes, las escenas de las citas, los momentos oníricos, el bebé haciendo una peineta… se me hace imposible tomarme esto en serio.

El director Peter Strickland ya había hecho una película que se enlazaba con el terror italiano, ‘Berberian Sound Studio’. En ‘In fabric’ juega de nuevo con los sonidos y la música propia de la época dorada de maestros como Argento. Pero también con las luces y los contrastes de color, propia del giallo. Es propia igualmente de ese género el misterio y la sangre que asalta a las protagonistas.

Como imitación de una clase de cine de serie B puede tener un pase. Pero como entretenimiento novedoso, mínimamente ingenioso o con buen gancho se ha quedado lejos.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero de 2021. Título original: In Fabric. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Peter Strickland. Guion: Peter Strickland. Música: Cavern of Anti-Mater. Fotografía: Ari Wegner. Reparto principal: Sidse Babbet Knudsen, Marianne Jean-Baptiste, Julian Barratt, Steve Oram, Jaygann Ayeh, Richard Bremmer, Gwendoline Christie, Pano Masti, Fatma Mohamed, Caroline Catz, Harley Squires. Producción: Rook Films, BBC Films, BFI Films Fund, Head Gear Films, Metrol Technology. Distribución: Diamond Films (Movistar+). Género: terror. Web oficial: https://www.facebook.com/InFabricMovie/

Crítica: ‘Nuestros mejores años’

Sinopsis

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Nuestros Mejores Años es la historia de cuatro amigos Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), contada en el transcurso de cuarenta años, desde 1980 hasta la actualidad. Es un viaje desde la adolescencia a la edad adulta.

Sus esperanzas, sus decepciones, sus éxitos y fracasos son el nexo de una gran historia de amistad y amor a través de la cual se cuentan también Italia y los italianos. Un gran mural que cuenta quiénes somos, de dónde venimos y también dónde irán y quiénes serán nuestros hijos.

Es el gran círculo de la vida que se repite con las mismas dinámicas a pesar de ser épocas diferentes.

Crítica

Llena de vida, con todo lo que eso conlleva

Unos amigos se conocen en un verano convulso y pasan el mejor estío de sus vidas. A partir de ese momento comienza una relación con idas y venidas, que determinará muchos factores de su vida.

Al igual que en ‘La dolce vita’ de Fellini, Roma y su Fontana de Trevi son testigos de los episodios de las vidas de los protagonistas. Si puede ser que la nueva película de Gabrielle Muccino rememore a Fellini pero para mí ‘Nuestros mejores años’ también exhala las maneras de narrar de Scorsese, pausándose en trivialidades o momentos que nos hacen conectar con los personajes. Realmente la película surge de ‘Nos habíamos amado tanto’ de Ettore Scola.

Muccino ha cogido los pasos o el espíritu de ese filme y los ha trasladado a una generación más cercana a nosotros. En concreto nos ubica en el ochenta y dos y nos lleva a lo largo de cuarenta años. Décadas que llena de vida, para bien y para mal.

‘Nuestros mejores años’ está gestionada con elegancia, gracia y veracidad. Seguro que vais a alinearos con más de una situación. Hay camaradería, decepciones, enamoramientos, ganancias, pérdidas, apoteosis, arrepentimientos. Al fin y al cabo lo que ha logrado Muccino y el guionista Palo Costella es remarcar las penas y las pasiones, las tonalidades de la vida.

Me sorprende poder decir esto sobre una película de Muccino cuando los dos trabajos que más me han llamado la atención de su filmografía han sido historias oscuras y tristes como ‘En busca de la felicidad’ o ‘Siete almas’. Pero sorprende largo y tendido con una película que da una de cal y otra de arena, que tiene muchísimo entusiasmo y carácter.

La película dura dos horas y cuarto y no se hacen largas pues nos lleva de un personaje a otro con agilidad y naturalidad. Además, mantiene el interés y la gracia rompiendo la cuarta pared. Cuando parece que hemos llegado a un punto muerto o determinante con un personaje engancha con otro que nos sigue haciendo avanzar en el tiempo.

Me ha encantado la secuencia de la ópera. Pero aún más el discurso que hace el profesor interpretado por Kim Rossi Stuart sobre el reconocimiento, su valor y carácter pasajero. Pero no es lo único que proclama el filme ya que nos habla también de las diferencias entre generaciones, los cambios de la adolescencia a la adultez, de las faenas de la vida… Lo que quiero decir con todo esto es que es una película riquísima en matices.

¿Quién no recuerda las locuras de la adolescencia? ¿Quién no tiene clavada una ruptura y aún así ha logrado perdonar? ¿Quién no ha perseguido un sueño hasta la extenuación? Nos hace vernos como nos ven aquellos que nos conocen desde hace décadas. El de ‘Nuestros mejores años’ es un viaje que reconforta, que ensalza la camaradería, que hace añorar a los buenos amigos y los buenos momentos.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de diciembre de 2020. Título original: Gli anni più belli. Duración: 134 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Muccino. Guion: Gabriele Muccino, Paolo Costella. Música: Nicola Piovani. Fotografía: Eloi Moli. Reparto principal: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaría, Nicoletta Romanoff. Producción: Lotus Production, Rai Cinema, 3 Marys Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/nuestros-mejores-anos/

Crítica: ‘Pinocho’

Sinopsis

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El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.

Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.

Crítica

Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad

El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.

Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.

También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.

Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.

El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.

Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial: https://www.hanwayfilms.com/pinocchio

Daft Punk pondrá la música de la próxima película de Dario Argento

‘Occhiali neri’ comenzará su producción en septiembre

La próxima película dirigida por el mítico director de cine de terror, Dario Argento, será ‘Occhiali neri’ traducido literalmente al castellano como gafas negras. De ese filme sabemos que va a contar en el reparto con su propia hija Asia y que se basa en un guión que escribió en 2002 junto a Franco Ferrini (‘Érase una vez en América’) y que no pudo llevarse a cabo por motivos económicos debido a la banca rota de Vittorio Cecchi Gori. Ahora el proyecto está de nuevo en marcha con la producción de Opera Film.

Por lo que ha dicho Argento en la película seguiremos a un niño y una niña chinos por la Roma nocturna. Será una película de crímenes.

Como todos sabemos el cine de Argento es un giallo que excita todos los sentidos. Entre ellos el oído y por supuesto sus bandas sonoras son indispensables para formar el conjunto de su obra. Eso por eso que ha trabajado con míticos compositores de la talla de Morricone.

Daft Punk es el grupo escogido para poner música a ‘Occhiali neri’. «Son mis admiradores, conocen todo mi cine», declaró Dario Argento a Repubblica. Según afirma también The Film Stage el duo se pudo en contacto con el director: «escucharon de amigos franceses que estaba rodando una nueva película y me llamaron para decirme: queremos trabajar contigo «.

No será la primera vez que Daft Punk se meta en estas lides pues ya compusieron la música de ‘Tron: Legacy’ y sus canciones han aparecido en películas como ‘Iron Man 2’, ‘El Santo’ e innumerables series.

Supone el regreso de Argento a la dirección desde ‘Dracula 3D’ La película se iba a realizar en mayo y por la situación actual de la pandemia se ha retrasado hasta septiembre. A esta producción se suma la serie que nos contó en el festival de Sitges rodará en España.

Tráiler de ‘La Belle Époque’

Dirigida por Nicolas Bedos

Ya podemos compartir el primer tráiler en español de ‘La Belle Époque’. La película dirigida por Nicolas Bedos (‘Mr & Mme Adelman’) y protagonizada por Daniel Auteuil (Una razón brillante), Guillaume Canet (Dobles vidas), Fanny Ardant (La gran belleza) y Doria Tillier (Nothing to hide). Un título que Diamond Films estrenará en cines de España el próximo 24 de abril.

‘La Belle Époque’ es un viaje en el tiempo en busca del amor perdido. Una comedia que habla de la vida y sus desilusiones, del paso del tiempo y de cómo se desvanecen los sentimientos, haciendo un guiño al cine italiano de los años 60 y 70.

Sinopsis oficial:

Víctor (Daniel Auteuil), un sexagenario desilusionado, ve su vida tambalearse el día en que Antoine (Guillaume Canet), un brillante empresario, le ofrece un nuevo tipo de atracción: la empresa de Antoine ofrece a sus clientes la oportunidad de sumergirse de nuevo en una época a su elección. Víctor decide revivir la semana más memorable de su vida: aquella en la que, 40 años antes, conoció al gran amor de su vida.

Crítica: ‘Leonardo V centenario’

Sinopsis

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Leonardo Cinquecento es la historia de un viaje de descubrimiento del pensamiento y el legado científico de Leonardo da Vinci. Partiendo de sus códices, completamente digitalizados y analizados gracias a la inteligencia artificial, demuestra cómo sus ideas siguen siendo válidas y son la base de las investigaciones y producción contemporáneas.

Crítica

Repaso refinado pero no exhaustivo de quinientos años de influencia

Hace ya quinientos años que Leonardo Da Vinci falleció en Amboise, Francia. Cinco siglos desde los cuales mucho ha podido decirse de este polivalente intelectual, estandarte del Renacimiento. Libros, documentales, películas, artículos, reportajes, estudios… sobre Da Vinci hay poco que no se haya hecho ya. Pero… ¿qué ha hecho su obra por nosotros? Eso es lo que plantea el documental de Francesco Invernizzi. O esa es la premisa que parecía ser el germen de esta película que prometía ser una película un tanto diferente.

La cuestión es que el documental promete explotar las imágenes digitalizadas de los famosos códices (que son propiedad y están expuestos en la Biblioteca Nacional de España), las cuales va a analizar para enlazarlas con las influencias de Leonardo Da Vinci en nuestra época. Pero su contenido no parece ser el foco de atención de esta película que por cierto solo podrá ser vista en cines el 6 y 7 de mayo.

El filme está narrado a dos voces. Una de ellas es la de un narrador que nos guía cronológicamente por la vida del ingeniero, artista, investigador, botánico, filósofo… La otra pone voz a las palabras de Da Vinci. Pero lo hace de un modo excesivamente poético. ‘Leonardo V Centenario’ es una obra que se dedica a albar a este mito italiano. Por lo tanto ensalza su leyenda con preciosismo más que con de un modo riguroso o con detalle científico.

‘Leonardo V Centenario’  no funciona como un compendio de toda su obra, la cual por otro lado se antoja también inabarcable. Intenta buscar sentido a su trabajo y falla a la hora de cumplir su objetivo de servir como nexo entre su creación en el Renacimiento y los progresos que puede haber inspirado hoy en día. Esto es debido a que el documental redunda una y otra vez en su obra pictórica o en su capacidad para generar artilugios bélicos descuidado otros muchos campos de estudio a los cuales estuvo mucho más entregado. De hecho se entretiene mucho en desgranar los detalles de algunos de sus lienzos y se deja en el tintero infinidad de ingenios que fueron auténticos progresos aún para los más adelantados de su época.

Por otro lado también considera sus fracasos o intentos. Aquellos estudios que se quedaban en aguas de borrajas. Proyectos que hoy si tienen símiles funcionales como el helicóptero, el cual asocia a los italianos y se olvida de ligar a Juan de la Cierva. Porque otra cosa de la que peca bastante este documental es de ser muy italiano.

A parte de las dos personas que oímos a lo largo de toda le película se entrevista a expertos de distintas materias como la pintura, la aviónica o la construcción que nos hablan sobre los logros de Da Vinci y sobre cómo hoy en día se aplican sus enseñanzas. También con añoranza en varias ocasiones Invernizzi puntualiza que Da Vinci era un adelantado a su época que podría haber hecho aún más de haber contado con las ventajas que nos brindaron revoluciones producidas por las máquinas de vapor. Quizá era alguien nacido antes de tiempo o quizá fue quien fue por haber sido un curioso empedernido que creció viendo las obras de Verrocchio o Brunelleschi.

Siempre que uno ve algo sobre Leonardo Da Vinci se pregunta de dónde sacó tiempo para producir tanto, de tan diferente índole y de tan alta calidad intelectual o artística. Aunque este documental vuelva una y otra vez a la pintura al menos nos deja claro que tocó también la mecánica, la escultura, la arquitectura, la metalurgia, la física, la anotomía… Se ven las imágenes de sus esbozos y escritos de sus anotaciones agrupadas en sus manuscritos y yo por otro lado os recomiendo ver con más detalle los códices aquí.

Quizá es porque soy muy seguidor del legado de Da Vinci y me he instruido siempre que he podido por lo que estoy en posición afirmar que el documental no suma nada nuevo. Para aquellos que no hayan explorado mucho su figura si me parece una buena introducción o como pieza para incluirla en un museo también cumple una labor divulgativa. Pero ‘Leonardo V Centenario’ no me resulta un buen trabajo conmemorativo para los quinientos años de su muerte ni considero que sea científicamente completa pues se deja mucho por el camino por culpa de insistir demasiado en algunas cosas.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de mayo de 2019. Título original: Leonardo Cinquecento. Duración: 90 min. País: Italia. Dirección: Francesco Invernizzi. Guion: Alice Gambara, Stefano Paolo Giussani, Marcello Gobbi, Gianluca Dario Rota. Música: Diego Ronzio. Fotografía: Massimiliano Gatti.  Producción: Magnitudo Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.magnitudofilm.com/works/leonardo/

Crítica: ‘Suspiria’

Sinopsis

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Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven bailarina americana que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en la Markos Tanz Company, una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando su compañera Sarah (Mia Goth) le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. ¿Será solo talento lo que alberga la reconocida escuela?

Crítica

Capta la idea original del terror artístico, pero descuida su argumento

En 1977 Dario Argento estrenaba una película que durante décadas ha generado un fenómeno de culto y que supuso el inicio de su «trilogía de las madres». Un filme que surgió de un ensayo de Thomas de Quincey y que es una demostración de espanto refinado, de arte terrorífico. La película ha servido de referente para muchos cineastas y ha inspirado tanto musical como visualmente infinidad de largometrajes. Porque si hay algo que llama la atención del filme original es su estética, su composición y su iluminación.

Y ese es uno de los puntos fuertes de la nueva versión de Luca Guadagnino, su estilo. El diseño de producción está tan bien trabajado que nos sumergimos en una película de los setenta. Además, hablando de algo visualmente llamativo, esta sigue siendo una película con mucha danza y sus escenas de baile son magníficas. Tanto su ejecución captada con grandes tiros de cámara y el partido que se le saca a esta forma de expresión me parece que tiene la contundencia suficiente como para dejarnos boquiabiertos. En Sitges esas escenas levantaron más de una ovación. También nos devuelve a técnicas pasadas gracias a su ritmo, el cual lo he visto bastante mejor trabajado que en ‘Call me by your name’.

La narrativa y la trama de la película de Argento resultó bastante intrigante y chocante. Pero el guión de Dave Kajganich no obtiene el mismo resultado. Parece mentira que pase esto con un escritor capaz de enganchar como lo ha hecho con ‘The Terror’. Guadagnino y él han pecado de precipitados. Esta nueva ‘Suspiria’ se ha adelantado demasiado en su afán de mitificar la trilogía de las tres madres de Argento y mucho antes de eso se ha apresurado en su trama, que desvela desde muy pronto cual es el juego de la película. Se evita así que todo aquél que no haya visto la película italiana sea sorprendido o sienta el más mínimo suspense. Aunque algo de incertidumbre por la seguridad de la protagonista si sentimos. También sacan de la película algunos personajes que están de más. No es el caso de la protagonista interpretada por Dakota Johnson o la profesora  Madame Blanc de Tilda Swinton, ambas soberbias. Son más bien algunos secundarios que parece que se han introducido erróneamente o de un modo inexplicable.

El final se les va de las manos, tanto en justificación como en calidad. Es un desborde de sangre y delirio en busca de la provocación que no funciona y menos después de haber mostrado tan pronto sus cartas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Suspiria. Duración: 152 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Dave Kajganich. Música: Thom Yorke. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven, Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina, Christine Leboutte, Olivia Ancona. Producción: First Sun, Frenesy Film Company, MeMo Films, Amazon Studios, Mythology Entertainment, K Period Media, Muskat Filmed Properties, Vega Baby Releasing. Distribución: Diamond Films. Género: terror, remake. Web oficial: https://www.suspiria.movie/

Sitges se volcará en Brigadoon con el cine italiano y documental

Ron Perlman dará la salida del tradicional Zombie Walk

Entre los estrenos más destacados de largometrajes en el Brigadoon de este año, se encuentran los films italianos ‘Rabbia furiosa’, dirigido por el especialista en efectos especiales Sergio Stivaletti, y ‘Little Wizards of Oz’ de Luigi Cozzi, una fábula fantástica e infantil alrededor del mundo de Oz. Zombis, policías y música funk se combinan en la película española ‘Apocalipsis Voodoo’ de Vasni J. Ramos, mientras que la brasileña ‘A mata negra’, de Rodrigo Aragão, se centra en la aparición de un libro de magia que desata el mal sobre la Tierra. Se presentarán también en Brigadoon los documentales ‘Goodbye Ringo’, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City; ‘Director Z, el vendedor de ilusiones’, de Oskar Teixidor, acerca del cineasta vasco José María Zabalza; ‘Navajeros, cen sores y nuevos realizadores’, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del llamado cine quinqui, y ‘La venganza de Jairo’, de Simón Hernández, sobre el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó el Festival en la edición de 2013.

El Premio Nosferatu, como ya se anunció hace unos meses, recaerá en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, que presentará en Sitges el film ‘Terror’ (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de ‘El espanto surge de la tumba’ (Carlos Aured, 1972). El Premio Brigadoon Paul Naschy se decidirá entre los siguientes cortometrajes seleccionados: ‘Keep the Gaslight Burning’, ‘Birth’, ‘The Itch’, ‘Baghead’, ‘Casa Cheia’, ‘Hay algo en la oscuridad’, ‘Bailaora’, ‘La bestia y Bec (Black Eyed Child)’. Forman el jurado para conceder este premio el realizador Jaume Balagueró; el director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Josemi Beltrán y Loles Fanlo, subdirectora del D’A Film Festival de Barcelona.

Dentro del Sitges Documenta, la sección de Brigadoon dedicada al género documental, sobresalen, entre otros, el documental centrado en la figura de Umberto Lenzi, ‘All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Explotation Titan’, dirigido por Calum Waddell; el film de The Ambrotype Group, ‘George Romero: An Independent Man’, donde se analiza la figura y obra del director estadounidense, y ‘Hammer Horror: The Warner Bros Years’, de Marcus Hearn, que se concentra en las coproducciones con Warner Bros., como por ejemplo ‘Dracula Has Risen from the Grave’ o ‘The Satanic Rites of Dracula’.

Homenajes, sesiones especiales, retrospectivas y encuentros

Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu del Festival. Nacido en Massa Marittima, en la provincia de Grosseto en 1931, Lenzi se formó como cineasta en Roma y debutó en la dirección en 1958 con la película Mia Italida stin Ellada. Apasionado del celuloide, su carrera se desarrolló en los años 60, 70 y 80, convirtiéndose en uno de los grandes especialistas del género policíaco y de terror de bajo presupuesto. Entre las películas que se podrán ver en Brigadoon, se encuentran ‘La guerra del hierro’ (1983), ‘Una droga llamada Hellen’ (1970) y ‘La invasión de los zombies atómicos’ (1980).

Brigadoon también contará con Sesiones Especiales, como la proyección de la película ‘Verónica’ que contará con la presencia de su director, Paco Plaza, con el que los espectadores podrán compartir un coloquio; o el capítulo ‘El hombre que vendió su alma’, integrado en la serie Mañana puede ser verdad y dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina, y que ha sido recuperado y digitalizado recientemente. También será una proyección especial la del clásico de Iván Zulueta, ‘Arrebato’, cuya copia ha sido restaurada y se reeditará próximamente.

El fallecido realizador José Ramón Larraz contará con una retrospectiva de su trabajo, con la proyección de algunos de sus films restaurados, en colaboración con Arrow Film, como ‘Vampyres’ (1974) o ‘Deadly Manor’ (1990).

Otro de los momentos más interesantes y emotivos será el encuentro con la mítica actriz Dyanne Thorne, conocida por la famosa ‘trilogía de Ilsa’, y su marido, el también actor Howard Maurer. Ambos compartirán un coloquio con los espectadores antes de la proyección del film ‘Greta-Haus ohne männer’ (1977), dirigida por Jess Franco.

Sitges Zombie Walk

La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y cuyo pistoletazo de salida irá a cargo del actor Ron Perlman, premio Màquina del Temps de la edición de este año. La Zombie Walk 2018 volverá a ser un punto de encuentro para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de Sitges.

Crítica: ‘El mejor verano de mi vida’

Sinopsis

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Curro es un fantasioso vendedor de robots de cocina que sueña con un trabajo en el mundo financiero. En plena crisis de pareja y con fuertes deudas hace una promesa que no puede cumplir: si su hijo Nico de 9 años saca todo sobresaliente, le llevará a unas vacaciones inolvidables. El niño lo consigue y padre e hijo emprenden un viaje que les llevará a conocer gente y a vivir situaciones que jamás hubiesen imaginado y que cambiarán sus vidas.

Crítica

Leo Harlem empuja con su chispa para que la película permanezca en marcha.

Hay actores o personajes que empiezan como secundarios pero cuyo éxito e impacto en el público hacen que de repente se conviertan en las estrellas de su show. Igual que Bart Simpson se ganó su protagonismo en ‘Los Simpson’ gracias a su carisma o Javier Cámara hizo lo propio en ‘7 vidas’ Leo Harlem acapara la atención de los focos allá por donde va. Tras haber eclipsado a todos en televisión con sus sketches y monólogos y haber estado presente en ‘Villaviciosa de al lado’, ‘Gym Tony’ o ‘Torrente 5’ con más o menos relevancia ahora Leo Harlem tiene por fin un papel de protagonista absoluto en ‘El mejor verano de mi vida’.

La película de Dani de la Orden le convierte en Curro. Un manchego licenciado en empresariales y optimismo que a base de vivir de sus sueños o aspiraciones se endeuda hasta las cejas y se halla al borde de perder a su mujer e hijo. Para colmo si no consigue muchas ventas en su frustrante trabajo será despedido. Para levantar el ánimo de su hijo e incentivarle en sus estudios le promete unas vacaciones de ensueño. El problema llega cuando se ve en el compromiso de cumplir dicha promesa desde la situación de estar sin blanca. Como en la anterior película del director, ‘El pregón’, hace uso de la comedia, aunque busca hacernos reír a partir de un tipo de humor diferente.

Leonardo González Feliz, Leo Harlem, actúa aquí interpretando a Curro. Un currante, que se haya en un trabajo que es tan voraz como la jungla del pasado Harlem pero que siempre está feliz y transmite buen rollo. No conozco a Leo Harlem en persona y no sé si está haciendo de si mismo en la película. Pero desde luego su humor si está muy presente y es el gran atractivo del filme. El punto fuerte de la película son los chistes rápidos y campechanos del humorista, siguiendo la estela de sus monólogos. Su estilo sanote y nada ofensivo está en la línea del buen gusto de esta película que tengo entendido que es remake de una cinta italiana titulada ‘Sole a catinelle’. Su excelente secuencia inicial dotada de un gag tras otro nos introduce en una dinámica muy graciosa que tarda mucho en decaer.

Le siguen la estela a Harlem con muy buenos puntos los niños del filme, Alejandro Serrano y Stephanie Gil. Sobre todo está más presente y con momentos de gran naturalidad Alejandro Serrano, cuya voz nos narra la película. Ya estoy deseando verle en ‘Superlópez’ interpretando al héroe de Jan durante su infancia. También son un valor añadido los cameos o los pequeños papeles de actores como Berto Romero, Silvia Abril, Salva Reina… Aparecen muchos compañeros de ‘La que se avecina’ y de otras películas de Dani de la Orden. En especial me gustaría destacar el rol de Gracia Olayo que nos da unos instantes muy entrañables.

Lástima que este largometraje decaiga tanto a partir de la incorporación de los personajes de Maggie Civantos y Stephanie Gil, no por ellas si no por lo aún más inverosímil y enrevesada que se vuelve la historia y sus entornos. Sobre todo cuando vemos que a medida que se acerca su final la cosa se va convirtiendo en algo aún más casual e inverosímil. Ese es el problema de esta película, la crónica que nos narra, que es muy pobre y poco trabajada, demasiado circunscrita en los mismos personajes.

Dentro de la casi road movie acompañada de la desbocada lengua de Harlem hay una historia sobre la paternidad, la ambición, el optimismo, la vuelta a lo rural, lo tradicional y lo perjudicial de todo aquello que hacemos simplemente por postureo. Vamos, que Dani de la Orden nos quiere devolver a lo sencillo. Pero más que la historia o el mensaje de ‘El mejor verano de mi vida’ me han llegado sus gracias. Con un protagonista así se puede agradar a casi cualquier público, independientemente de lo que quieras contar, aunque habría sido redondo haber tenido una historia una pizca más cuidada. Si no fuese porque la chispa de Leo Harlem mantiene el motor de la película encendido al igual que lo haría en un motor de combustión el largometraje se habría apagado muy pronto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2018. Título original: El mejor verano de mi vida. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel de la Orden. Guion: Daniel Castro, Marta Suárez, Olatz Arroyo. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Valentín Álvarez. Reparto principal: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Toni Acosta, Maggie Civantos, Isabel Ordaz, Stephanie Gil, Jordi Sánchez, Gracia Olayo, Arturo Valls, Salva Reina, Antonio Dechent, Silvia Abril, Ricardo Castella, Berto Romero, Juana Cordero, Nathalie Seseña, Mariam Hernández. Producción: Álamo, Atresmedia Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake.

Ya podemos ver el primer vídeo del remake de ‘Suspiria’

El director de ‘Call Me by Your Name’ rehace la obra de Dario Argento.

En 1977 Dario Argento estrenaba el que ya es uno de los clásicos de terror de culto europeos, ‘Suspiria’. De ese modo abrió la trilogía de ‘La tres madres’ y sorprendió con un estilo visual único, colorista y moderno. Coge el testigo del maestro italiano un compatriota suyo, Luca Guadagnino, de sobra conocido por ‘Call Me by Your Name’.

Rescata de la película original a Jessica Harper pero cuenta para los roles protagonistas con actrices como Dakota Johnson, Chloe Grace Moretz, Tilda Swinton, Mia Goth o Lutz Ebersdorf.

Tal y como podemos ver en el vídeo subido por Amazon Studios, productora de la cinta que se estrenará el 2 de noviembre en EE.UU., se ha cuidado un diseño de producción muy de los años setenta que nos transportará al terror que reinaba en la época de Argento. Esperamos con ganas esta nueva adaptación que traerá a nuestros cines Diamond Films.

Actualización: Diamond Films nos comunica que la película llegará a España el 7 de diciembre.

Tráiler y cartel de ‘Fortunata’

Gran éxito de Italia que nos trae Adso Films.

Este mes de abril, el viernes 27 en concreto, se estrena ‘Fortunata’. Es la nueva obra que nos llega desde Italia de la mano del premiado director, guionista y actor Sergio Castellitto (‘Las crónicas de Naria. El príncipe Caspian). En este caso dirige y protagoniza junto a Jasmine Trinca (‘La habitación del hijo’), Stefano Accorsi (‘No basta una vida’), Alessandro Borghi (‘Suburra’), Edoardo Pesce (‘Si Dios quiere’), Nicole Centanni, Hanna Schygulla (‘El matrimonio de María Braun’).

La película fue estrenada en Italia en mayo, donde ha recaudado 2,5 millones de euros. Fue preseleccionada para la candidatura de los Oscar.

Ganó el Premio Un Certain Regard del Festival Cannes, en la categoría de Mejor Actriz (Jasmine Trinca) y tuvo una nominación al premio Un Certain Regard del Festival Cannes para Sergio Castellito. Se alzó con el Premio David de Donatello por Mejor Actriz (Jasmine Trinca) además en el mismo certamen tuvo otras tres nominaciones  en las categorías de Mejor Actor Secundario (Alessandro Borghi), Mejor Maquillaje y Mejor Peluquería.  Ha obtenido también tres prestigiosos Nastro d’Argento por Mejor Actriz (Jasmine Trinca), Mejor Actor de Reparto (Alessandro Borghi) y Mejor Sonifo.

 

Sinopsis oficial:

Fortunata tiene una vida difícil, lucha cada día con determinación para sobrevivir. Es madre de una niña de ocho años y está recién divorciada de un marido violento y egoísta. Trabaja duramente como peluquera a domicilio con el objetivo de alcanzar algún día su sueño: abrir su propia peluquería y sobre todo, conseguir al fin ser feliz.

A pesar de las complicaciones con las que se encuentra, Fortunata está preparada para afrontar todo aquello que se le venga encima. Desafiando la adversidad, con ilusión para rehacer su vida y ganar independencia, Fortunata es una mujer enérgica, llena de garra y valentía.

De pronto e inesperadamente, llega a la vida de Fortunata una variable que no contemplaba: el amor. La fuerza más poderosa capaz de hacer tambalear todas las certezas. Cuando todo parecía oscuro, se abre una puerta llena de luz… Estamos ante una oda a la vida.

Crítica: ‘Le llamaban Jeeg Robot’

Sinopsis

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¿Qué ocurre cuando un delincuente de poca monta entra en contacto con una sustancia radiactiva y recibe poderes sobrehumanos? Pues que se convierte en un delincuente de poca monta capaz de arrancar cajeros automáticos con sus propias manos y convertirse en un fenómeno de las redes sociales. Este es el caso de Enzo Ceccotti, un solitario encerrado en sí mismo, que recibe sus nuevos poderes como una bendición para su carrera delictiva. Pero todo cambia cuando conoce a Alessia, una joven trastornada convencida de que él es el héroe de Jeeg Robot, la famosa serie de animación japonesa creada por Go Nagai. Ambos tendrán que hacer frente al Zingaro, un mafioso exconcursante de reality show dispuesto a cualquier cosa para alcanzar la fama y la notoriedad.

Crítica

Combinación de lo italiano, lo japonés y lo gamberro.

Si alguien dirige, escribe, produce e incluso pone música a su propio proyecto ya podemos prepararnos que va a ser algo muy personal y probablemente arriesgado. Gabriele Mainetti realizó ‘Le llamaban Jeeg Robot’ tras mucho tiempo de preparación y búsqueda de fondos. Finalmente hemos podido verla, como si del Deadpool o el Kick-Ass italiano se tratase pues su tono es muy desvergonzado y la sangre corre a raudales. Ahora es fácil decir que una película así puede funcionar, pero hace unos años mucha gente no se atrevía a poner la mano en el fuego por ellas o ni se acercaba a ese tipo de largometrajes.

Pero no es del todo una película que imite a esos personajes, que va. El héroe que aquí se nos plantea es más bien un antihéroe, aunque se asemeje en eso de ser un delincuente con una clara obsesión por el porno. El enfoque de la película sigue por la vía de los antiguos animes de mechas como ‘Mazinger Z’ o ‘Steel Jeeg’ (‘El Vengador’ como se le conoce en castellano). Un ser de carácter inocente y débil se topa con un tipo más poderoso, el cual, le ayuda pero a su vez necesita de su ayuda. Todo muy en la línea de los dibujos de la Toei Animation pero de tal modo que se pervierte, o dicho de un modo más suave, se traduce al público adulto. Además se le aplican adecuadamente las costumbres italianas de hacer cine.

Curiosamente el superhéroe de este filme está interpretado por alguien que no es la primera vez que se enfunda ese rol. Claudio Santamaría anteriormente puso voz al Batman de Nolan y al de ‘La LEGO película’. Como buena película de superhéroes eso se incluye a modo de huevo de pascua que seguramente identifiquéis tras leer esto.

Hablando de actores hay que decir que el trabajo que aquí vemos está más cerca de lo bizarro o de la serie B. Principalmente en el histriónico villano de Luca Marinelli vemos un carácter burlesco y caricaturesco del género. Pero aunque no haya visualizado ninguna actuación brillante el cariño de los actores y del director por la producción se nos transmite y podemos sentirnos cerca de la historia.

Técnicamente, sobre todo en efectos visuales, no tiene nada que envidiar a muchas producciones de mayor presupuesto. Tampoco son de extrañar los premios que cosechó en los David di Donatello. Quizá tenga momentos demasiado pesados o su ritmo sea demasiado desigual pero el ser una película que no va acorde precisamente con lo políticamente correcto la hace más apetecible. Alabo a la Academia Italiana de Cine por atreverse a darle tantos galardones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Lo chiamavano Jeeg Robot. Duración: 112 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Mainetti. Guión: Nicola Guaglianone, Menotti. Música: Michele Braga, Gabrielle Mainetti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei,Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo,Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro. Producción: Goon Films, Rai Cinema, Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC). Distribución: Selecta Visión. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: http://www.selecta-vision.com/Television/Le-llamaban-Jeeg-Robot

Colaboramos en el podcast Holocausto Zinéfago por la CutreCon

Escucha el mejor programa especial (quizá el único) dedicado al festival de cine cutre.

Como ya sabéis hemos estado cubriendo la CutreCon VI con nuestros amigos de Holocausto Zinéfago. Han tenido a bien dejarnos aparecer en su podcast para comentaros todas las películas del evento y algunas curiosidades acaecidas en el mismo. Por supuesto tenéis saludos de los invitados (Claudio Fragasso, Paco Fox, Rossella Drudi, Miguel Ángel Viruete y Cem Kaya) y canciones, pues como os hemos ido contando esta edición ha sido musical.

Probablemente sea el mejor audio dedicado a la CutreCon de este año. Es posible que seamos los únicos en haber dedicado dos horas a hablaros de la CutreCon pero la ocasión y el festival lo merecen. Pásate por el audio y descubre como la vivimos, descubre otra manera de ver cine, descubre lo divertido que es escuchar a los chicos zinéfagos.

Holocausto Zinéfago es un podcast presentado por Fran Chico (Planeta Claqueta) y Angelo Khemlani (Bhollywood y Angelo). Apoyadles dando a me gusta en ivoox y compartiendo este artículo ¡muchas gracias!

CutreCon Día 5: a veces para documentar entre la basura tienes que hurgar

La jornada más cultural del cine menos comercial.

Por desgracia tenemos que decir adiós a la CutreCon VI. Pero la buena noticia es que más bien es un hasta luego pues el año que viene volverá y seguro que con más novedades. Para cerrar la sexta edición se ha realizado una maratón con diversas películas en las que figuraban directores como Claudio Fragasso o Sam Firstenberg. Pero antes se proyectaron dos documentales y es lo que pudimos ver. Sin duda dos piezas ilustrativas de gran valor.

Para los amantes de los cómics, no solo del cine de bajo presupuesto, se ha podido mostrar ‘Doomed!’. No es un documental sobre la desastrosa ‘Fantastic Four’ de 2015 dirigida por Josh Trank con Milles Teller, Michael B. Jordan, Kate Mara, Jaime Bell y Toby Kebbell como protagonistas. El director Marty Langford nos explica que hubo tras la adaptación que produjo Roger Corman (‘La caída de la casa Usher’) en 1994 bajo el tíulo ‘The Fantastic Four’. ¿No os suena? Lógico, no se llegó a estrenar, aunque muchos habrán accedido a su copia en Internet. Se engañó al equipo de rodaje durante el mismo ya que el único objetivo de rodar la película era el de no perder los derechos y que estos volviesen a la Marvel. Se deja entrever cómo ha llegado esta película a la red, pero principalmente ofrece testimonios de los actores, del montador, del mismo Roger Corman… Actores con una espina clavada por no haber podido estrenar su película, un trabajo que podría haber supuesto un gran salto para ellos aunque posteriormente hayan seguido trabajando en cine. Además un trabajo que realizaron en malas condiciones. Uno de ellos teoriza a cerca de como quedaría la película si alguien le aplicase las tecnologías actuales. ¿Alguien se atreve?

Del segundo documental ya os hemos hablado aquí con la entrevista a su director Cem Kaya. ‘Remake, Remix, Rip-off’ nos habla del cine que en los 70 y 80 copió en Turquía a los títulos más famosos del cine. Desde luego es un documento con mucha base y fundamento ya que su autor se visionó miles de películas durante siete años y entrevistó a los directores de muchas de ellas. Pero no es solo un largometraje sobre las adaptaciones, plagios y secuelas no autorizadas de Turquía, nos habla principalmente de la historia del cine de ese país. Si normalmente te puedes reír viendo ese cine, escuchando las declaraciones de sus responsables te carcajeas aún más. Allí no había leyes que velasen por la propiedad de los autores o registrasen las obras y por lo tanto se hacía todo tipo de pillerías para sacar adelante infinidad de películas. Técnicas literalmente sucias de rodaje, incluso se importaban royos de contrabando. Todo esto debido también a la censura y los límites bajo los que trabajaban los autores de la época. Dentro de no mucho podremos ver otro trabajo de Kaya. Va a realizar una película a base de metraje encontrado del actor Cüneyt Arkym, el protagonista del «Star Wars turco».

Hasta aquí nuestra cobertura del festival. Os publicaremos alguna crítica de alguna de las películas más destacadas. Ha sido una muestra con menos musicales de los que cabría esperar dada su temática. Tampoco hemos tenido ración de cine chino o japonés como suele ser tradición. El nivel de las películas ha sido superior al del año anterior, siendo un festival de cine cutre que cada uno entienda esto como quiera. Pueden haber gustado más o menos los títulos de este año pero lo que nadie podrá negar es haberse divertido y que esta haya sido la CutreCon de los llenos absolutos.

CutreCon Día 4: ni un género faltó en la más cutre maratón

Sobrevivimos a las siete películas del día.

Rock, pop, ópera, clásica, techno… hasta rumba pudimos oír ayer en la clásica maratón de CutreCon VI. Cómo suele ser costumbre se realizó en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de Arganzuela y también como es habitual se llenó hasta la bandera. Amenizadas con los subtítulos y shows de la organización pudimos ver hasta un total de siete películas con más o menos relación con el género musical.

La mañana estuvo dedicada a proyectar filmes de carácter infantil y por eso empezó con ‘Dinosaurios’. Un largometraje de animación que parecía hecho por el dibujante con menos pulso del mundo. La película para niños con los personajes más bordes y con menos tacto de la historia. Tan mal hecha estaba que compartía escenas y personajes con el ‘Tarzan’ que vimos el año pasado. Seguidamente vimos el filme mexicano ‘Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos’. Una historia que une a muchos monstruos de cuentos y los enfrenta a Caperucita Roja y Pulgarcito por haber hecho buenos al lobo feroz y al ogro. Canciones que te revientan los tímpanos, conversaciones difíciles de entender, maquillaje carnavalesco… lo mejor para tus niños, si quieres que estos tengan pesadillas. Dio menos juego pero nos pudimos reír.

Antes de irnos a comer vimos la primera película que adaptó a los famosos personajes de Escobar, ‘Las aventuras de Zipi y Zape’. La cual un servidor, tras revisionarla, se avergüenza de decir que había visto varias veces en el pasado. Me habría gustado poder preguntar al propio Escobar su opinión ante tan infame adaptación pues resulta ser una película machista, gamberra, inconexa y disparatada hasta el punto de tener un Hulk morado. Al menos el espíritu del tebeo y los gemelos se parecen más que en las nuevas versiones que recientemente se han estrenado. Por supuesto tuvo su dosis musical.

‘Hard rock zombies’ se hizo menos soportable de lo esperado pero la aparición de Hitler animó la velada. Habéis leído bien. Un grupo de rockeros está haciendo bolos para ganarse el pan, acaban convertidose en zombies y luchando contra beatos y demonios nazis liderados por Adolf Hitler. Jamás pensaríais que se podría hacer una película con tal sinopsis pero si, se puede y la terminamos de ver.

Todos los años hay una soporífera e insufrible proyección denominada «de castigo» y no creáis que fue la anterior. Fue ‘Attack of the Creatures Beast’. Unos náufragos, que podrían ser los del Titanic, acaban perdidos en una isla del atlántico norte. Allí son atacados por unos pigmeos que parecían las salchichas pelucas salidas de ‘La fiesta de las salchichas’ en busca de venganza. Interminables e innecesarias escenas de los protagonistas caminando o corriendo por el bosque para finalmente no contarnos prácticamente nada de nada. Desde luego si vuelvo a ver a los pigmeos del filme saldré corriendo, no de terror si no del trauma que nos ha quedado a todos tras verla.

Antes de mudarnos al Cine de la Prensa vimos ‘BCN Knockout’. Un filme indio, de Tollywood, rodado en Barcelona que parece un clip publicitario de la ciudad. Era una historia de amor y acción muy musical, con mucho folclore y baile hindú. Lo gracioso es que se abre con rumba catalana y tiene multitud de diálogos mezquinos, además de actores cuyo estilo no está para nada acordes a los gustos occidentales. A su favor hay que decir que tenía mucho ritmo y que las coreografías de las peleas eran muy buenas.

Hasta pasadas las dos de la madrugada no culminamos esta maratón con ‘Action Jackson’. Y mereció la pena. Sin duda la sensación del festival. El público coreó en varias ocasiones el nombre «A.J.» y no fue para menos. El protagonista de la cinta tenía carisma, estilo y era un killer, el Chuck Norris indio. El largometraje poseía un gran sentido del humor, la música era de lo más bailable, las peleas asombrosas, el diseño de producción tremendamente videoclipista, el CGI mucho mejor que el de ‘Ben-Hur 2016’… Lástima que en su último tercio pegue un bajón de ritmo y calidad muy notable debido a su extenso flashback y a los 140 minutos que alcanza la cinta. Pero su espectacularidad y sus giros de guión nos dejaron con la boca abierta. Los moviementarios ya tenemos un filme de Bollywood que queremos tener en nuestras estanterías.

Como siempre, la siguiente galería os muestra algo del día de ayer, aunque lo mejor es estar ahí y experimentarlo. Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Flickr y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Entrevista con Cem Kaya

Un documentalista experto en cine turco.

Cem Kaya es uno de los tres invitados internacionales de la CutreCon VI. Ha aterrizado en Madrid para presentar su documental en la última jornada del festival. ‘Remake, Remix, Rip-Off’ es un largometraje que nos habla de las cientos de películas turcas que en los 70 y 80 plagiaron éxitos hollywoodienses como ‘Star Wars’. Para realizarlo ha estado siete años viendo películas y entrevistando a sus responsables. Él nos lo cuenta en la siguiente entrevista, en la cual, tenemos y agradecemos a Pedro J. Mérida (productor del festival) su traducción.

CutreCon VI Día 3: entre zombies saltarines y bailarines

El festival continúa en su sede habitual.

El tercer día de CutreCon VI se desarrolló en el tradicional Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de Arganzuela. Como de costumbre, y al igual que sucederá hoy, se dieron los pases gratuitos. Pero también se celebró en el Cine de la Prensa la sesión de ‘The Apple’ perteneciente al acto ‘Cine para chicas y maricas’ al cual por desgracia no pudimos acudir.

En primer lugar visionamos ‘Nudist colony of the dead’. Una comedia, en este caso intencionada, que parodia el género de zombies. Es tan consciente de su cutrez que ya en sus créditos anuncia que fue escrita, rescrita, rescrita y rescrita por Mark Pirro, de Pirromount Pictures. Un argumento que mezcla nudistas zombies, católicos y música. Todo un despiporre. Hay que reconocer también que la canción que abre y cierra la película tenía un estribillo muy pegadizo y que los subtítulos realizados por la organización ayudaron a amenizarla mucho más.

Entre filme y filme (si los podemos llamar así) tuvo lugar un Q&A (preguntas y respuestas) con los invitados. Claudio Fragasso, Rossella Drudi, Paco Fox y Cem Kaya (con el cual podéis ver una entrevista aquí) respondieron a las graciosas cuestiones planteadas por los asistentes. Posteriormente la pareja italiana decidió al ganador del concurso de este año.

Por último, y como principal atractivo de la jornada, disfrutamos en directo del programa Cinebasura de Movistar+ Xtra. Como siempre estuvo comentado por Paco Fox y Carlos Palencia pero contó también con la participación de Vera Montesori y Zorman. Con las novedades incluidas fue la proyección más participativa y digital de la historia de ese programa. La película que fue objeto de «estudio» está firmada por el retirado Uwe Boll, fue ‘The house of the dead’. Esta cinta pretendió adaptar el exitoso videojuego de la Sega. Si por lo general las adaptaciones de videojuegos al cine suelen ser mediocres o malas esta lo fue aún peor. De hecho el propio Uwe Boll adaptó posteriormente los juegos ‘Bloodrayne’, ‘Alone in the Dark’, ‘Postal’, ‘Dungeons Siege’ o ‘Far Cry’ y hasta esos trabajos le salieron menos infames que este. Zombies saltarines, desnudos gratuitos, escenas de acción interminables, música techno… ¿Qué más se puede pedir?

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras y Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

CutreCon VI Día 2: toma del frasco Fragasso

¡Oh my god! Sesión múltiple con dos películas de Claudio Fragasso.

Os refrescamos nuestra entrevista con Claudio Fragasso y Rossella Drudi ya que ellos dos han sido objeto del protagonismo de la jornada de anoche en CutreCon VI. Para el jueves 26 de enero la organización nos reservó dos películas de lo más desastrosas: ‘Apocalipsis caníbal’ y ‘Troll 2’. Ni todos los astros universales pudieron alinearse contra el festival y la jornada acabó siendo un éxito.

Arrancó con un problema de espacio a causa de la cantidad de entradas vendidas, debido a decisiones que directamente no provenían de la organización. Aún así quien dio la cara fue el director del festival, Carlos Palencia y todo se solucionó en muy poco tiempo. Además ese rato estuvo amenizado por Fragasso que dedicó esos minutos para hablar con el público y firmar algún autógrafo, todo un gozo y un lujo.

Como anunciamos en nuestras redes sociales Claudio Fragasso recibió el Premio ESLANG Jess Franco. Esto es debido a su importancia como figura del fantaterror italiano, a su aportación al cine exploitation de la península mediterránea. Hizo entrega del galardón el productor Enrique Lavigne.

Tras todo esto comenzamos con ‘Troll 2’. Una película ya mítica en la red de redes cargada de malas actuaciones, maquillaje de colegio, trama disparatada y el mítico «oh my goooooood». Y es que parece que un requisito para pasar el casting de ese filme era tener muchos pulmones para gritar. La sala desafió a la pantalla desgañitándose al unísono con el famoso grito. ‘Apocalipsis Canibal’ no fue tan divertida pero también provocó sus carcajadas. Una historia de muertos vivientes con un argumento de lo más simple ubicado en Barcelona disfrazada de Guinea. Para ello emplea trozos de documentales de naturaleza insertados a la desesperada, casquería de la mala y los peores extras haciendo de zombie que he visto en mi vida. Nos habría gustado ofreceros video resumen de esta jornada pero hemos sufrido varios contratiempos que nos lo han impedido.

Como siempre, galería ilustrando la jornada de ayer. Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras y Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Flickr y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White y Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

CutreCon VI Día 1: viviendo a lo cutre se vive mejor

Inauguramos con película española la CutreCon VI

Ya se pudo ver en Sitges y ahora el público de la capital española ha podido ver ‘Cine Basura: La peli’. El pase ha servido para dar el pistoletazo de salida de la sexta edición de CutreCon. Qué mejor para inaugurar un festival de cine B/Z que una película que homenajea ese género y que además nos manda un mensaje similar al del titular de este artículo. Con casi los mismos pros que contras ‘Cine Basura: La peli’ ha hecho reír a una repleta sala. Os publicaremos en breve una crítica de este único largometraje pues Flins & Piniculas la pondrá en salas de cine para que todo el mundo descubra de que os estamos hablando.

Pero antes de que se celebrase la apertura del festival estuvimos en su presentación. Tras ella pudimos entrevistar a Claudio Fragasso junto a Rossella Drudi además de a los dos directores (Paco Fox y Miguel Ángel Viruete) y el guionista (Fernando Hugo) de ‘Cine Basura: La peli’.

Os dejamos con el resumen en vídeo, pero continuad leyendo que hay más material.

Fotografiamos a los responsables de CutreCon y de la película inaugural en el photocall del cual tenéis a continuación una galería. Además podéis ver una pequeña muestra del material que Freakland ha traído para que todos los fans puedan disfrutarlo.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras y Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Entrevista a Claudio Fragasso y Rossella Drudi

La pareja de director y guionista nos concedieron unas palabras a su paso por la CutreCon

Claudio Fragasso y Rossella Drudi son los invitados internacionales de la CutreCon VI (junto al experto en cine turco Cem Kaya). Fragasso tiene una más que respetable carrera cinematográfica en Italia con películas como ‘Camino sin retorno (Milano Palermo solo andata)’. Pero el motivo de su visita a España es la proyección de tres de sus películas: ‘Troll 2’, ‘Apocalipsis Canibal’ y ‘Monster Dog’. Drudi ha trabajado en gran parte de las películas de Fragasso pero también tiene alguna propia como ‘Nemici per la pelle’.

Se rendirán honores a la carrera de Fragasso pues recibirá el premio Jess Franco, que otorga cada año el festival. Además él mismo entregará el premio del concurso orquestado por la organización, en el cual, se pedía a los fans que creasen su propio «oh my god», versionando la mítica escena de ‘Troll 2’. Ellos se toman con deportivo humor el fenómeno surgido a raíz de esa escena y así nos lo demostraron en su entrevista.

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