Esta historia transcurre en Tokio después de una lluvia mundial de burbujas que desafían la gravedad. Aislada del mundo exterior, la ciudad es ahora el patio de recreo de unos jóvenes que han perdido a sus familias y que libran batallas de parkour por equipos mientras saltan de un edificio a otro. Hibiki, un joven prodigio conocido por su peligroso estilo de competición, hace un movimiento imprudente y se precipita al mar gravitatorio. De repente, aparece una chica (Uta) y le salva la vida con unos poderes muy misteriosos. Los dos escuchan entonces un sonido peculiar que nadie más oye. ¿Por qué se apareció Uta ante Hibiki? Su encuentro abre las puertas a una revelación que cambiará el mundo.
Crítica
Intento fallido de reescritura, tan vacío como una burbuja
Warner Bros. Japón y Wit Studio se han unido para generar ‘Burbuja’, la película que ya puede verse en Netflix. De Warner es de sobra conocida su tradición animada. Si no conocéis Wit Studio puedo simplemente ubicároslo mencionando que son el estudio de la interminable ‘Ataque a los titanes’. Y aquí nos vuelven a traer una historia con un grupo de jóvenes danzando entre edificios a lo Spider-Man y aún menos originalidad.
No cabe duda del espectáculo visual que es ‘Burbuja’. Se une a ese tipo de animes que vengo calificando como “ciencia ficción preciosista y emotiva”. En ese saco cabe meter títulos como ‘Your name’, ‘El tiempo contigo’ o ‘Fireworks’. Pero hay dos películas con las que cabe más comparar ‘Burbuja’. La cinta de Tetsuro Araki es abiertamente una versión de ‘La sirenita’. Con un escenario moderno se ha intentado reinterpretar el cuento de Hans Christian Andersen. Por lo tanto con el otro largometraje con el que cabe comprarlo es ‘Belle’. Pero este intento de innovar al final se queda vacuo de mensaje e incluso parece que no capta la esencia del cuento original.
Los protagonistas conviven con un misterio que consiste en unas burbujas con poderes que cayeron por todo el mundo. Un fenómeno que se concentró en Tokio quedando la ciudad encerrada en una cúpula. Ahí somos testigos de batallas de parkour a lo largo de un escenario postapocalíptico inundado en el que hay una espiral rosácea y burbujas sobre las que saltar. Para más misterio en la Torre de Radio de Japón hay una singularidad que altera la gravedad y un chico oye una canción, el sonido de las burbujas. Suena a… a qué huelen las cosas que no huelen ¿verdad? Igual que con esa pregunta, nos quedamos sin respuestas. Pero la cosa se enreda más con la aparición de una niña a la que si que entenderéis por qué la llaman Uta (canción).
El gran problema es que la película gira en torno a un misterio que nunca es resuelto de todo, la metáfora no funciona. Ese es uno de los pilares, junto a una canción que no tiene ni melodía ni gancho, que es un tarareo de lo más vago. El director vuelve con la misma acción que ya dirigió en ‘Ataque a los titanes’, pero repetir esa fórmula solo ha servido para hacernos soltar algún que otro miligramo de adrenalina. Se impone la moñada de la historia y una visión poética de lo más pillada por los pelos.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de abril de 2022. Título original: Bubble. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Tetsuro Araki. Guion: Gen Urobuchi. Música: Hiroyuki Sawano. Reparto principal (doblaje original): Tasuku Hatanaka, Alice Hirose, Marina Inouse, Yûki Kaji, Shin’ichirô Miki, Mamoru Miyano, Sayaka Senbongi, Jun Shison. Producción: Wit Studio. Distribución: Netflix. Género: animación, romance, ciencia ficción. Web oficial:https://wwws.warnerbros.co.jp/bubble-moviejp/
El trabajo más maduro de Ansel Elgort hasta la fecha
El próximo 8 de abril llega a HBO Max ‘Tokyo Vice’. Una serie de 10 episodios creada por J.T. Rogers (‘Oslo’) que consiste en una historia de suspense con tintes policiales y periodísticos. Pero da visibilidad a una parte debilitada de la historia e incluso de la tradición de Japón, la de la mafia. Esos matones que tanto ha retratado Takeshi Kitano vuelven a nuestras pantallas, pero vistos de una manera diferente, menos caricaturizada y más realista. Este Max Original no proviene del imaginario del director que presentaba ‘Humor Amarillo’, sino de las experiencias descritas en el libro del reportero Jake Adelstein.
Ansel Elgort se mete en la piel de un joven judío occidental que vive en el Japón del 99. Allí enseña inglés y aplica para trabajar en un periódico. Pronto se ver frente a una historia criminal y esto le sumerge en lo más bajo de Tokio. Su intención es escribir sobre el Tokio que no muestran las películas y para ello ha de convertirse en un ciudadano más. ‘Tokyo Vice’ es un viaje que va desde la cotidianidad hasta lo más suburbano, llevándonos hasta las entrañas de la yakuza. La serie está llena de costumbrismo nipón pero también de una gran carga de intriga.
El piloto está dirigido por Michael Mann. Y se nota pues esta serie navega por corruptelas, violencia y mafiosos contemporáneos, pero sobre todo se patea las calles de la urbe. ‘Tokyo Vice’ es una historia oscura, nocturna pero que a la vez está llena de luz y color, pues las estrechas calles de Tokio están repletas de fluorescentes de colores y carteles luminosos.
A pesar de lo excelente que fue ‘Baby Driver’ y de haber actuado en ‘El jilguero’ creo que este es por fin el trabajo más maduro de Ansel Elgort. Aunuqe seguimos a algún personaje más, Elgort tiene toda la carga del protagonismo y el reto de tener que aprender a hablar mucho en japonés, de hecho más de la mitad de la serie está subtitulada porque tiene más texto en japonés que en inglés. Con él observamos el choque cultural pero también la pugna por abrirse paso en dos mundos, uno tan exigente como es el laboral en Japón y otro peligroso, como el yakuza de los noventa.
Igual de hostil es el ambiente para la mujer en Japón. Y más hace treinta años, cuando no estaban tan integradas en el trabajo o en los puestos de poder, cosa en la que aún tiene el país asiático una gran oportunidad de mejora. Esa faceta se explora con el papel de Rinko Kikuchi ‘Pacific Rim’.
Además hay un discurso paternalista o sobre el adoctrinamiento sobre la marcha, pues entra en escena el siempre impecable Ken Watanabe. Él interpreta a un detective experimentado que le lleva de la mano. Sin duda esa relación es la materialización de la propia experiencia del equipo de rodaje que ha tenido que enfrentarse, no solo la burocracia nipona o al parón por el COVID-19, sino también al conflicto que supone para los japoneses dejar que los norteamericanos entren hasta la cocina para hablar de un tema tan delicado y atemorizante como el de los mafiosos, para muchos símbolo y para otros vergüenza para el sol naciente.
El próximo 29 de abril, se estrena en cines ‘The Deer King’, de la mano de SelectaVisión. Se trata de la primera película dirigida por Masashi Ando, uno de los directores de animación japonés más populares, conocido especialmente por su trabajo en títulos como ‘La princesa Mononoke’ (Hayao Miyazaki, 1997), ‘El viaje de Chihiro’ (Hayao Miyazaki, 2001), ‘Your Name’ (Makoto Shinkai, 2016), ‘Mary y la flor de la bruja’ (Hiromasa Yonebayashi, 2017) o ‘El tiempo contigo’ (Makoto Shinkai, 2019).
La película tuvo su premiere en la última edición del Festival de Sitges (donde pudimos verla y daros opinión) y participó en la Sección Oficial del prestigioso festival de animación de Annecy, así como en el Fantasia International Film Festival de Montreal y el Animation Is Film Festival de Los Ángeles.
La película ha sido producida por el estudio japonés Production I.G. responsable de animes tan populares como Ghost in the Shell, Neon Genesis Evangelion, Psycho-Pass o Haikyū!! y está basada en la serie de novelas de fantasía The Deer King de Nahoko Uehashi.
Masashi Ando formó parte del equipo de Studio Ghibli junto a Hayao Miyazaki en diversos proyectos y colaboró con Makoto Shinkai en sus dos últimas películas. Ambas figuras representan dos de los nombres más influyentes dentro de la industria de la animación japonesa actual. En ‘The Deer King’, Ando ha adaptado muchas de las características tanto narrativas como formales de estos autores para construir su propio relato.
Sinopsis oficial:
Tras defender sus tierras contra un poderoso imperio, el soldado Van es tomado como esclavo y enviado a las minas de sal. Una noche, una manada de extraños perros ataca la mina y comienza a propagarse una misteriosa enfermedad. Van encuentra a una niña llamada Yuna, y como únicos supervivientes de la peste, inician juntos un viaje como padre e hija sin lazos de sangre.
No nos perdemos ninguna edición es por ello que acabamos de volver de la Japan Weekend Madrid 2022 y podemos decir que es buena noticia que se sigan haciendo diversos eventos fan en Madrid organizados además por diferentes organismos. Pero la noticia aún mejor es que, a falta de cifras oficiales, estos están recibiendo un número altísimo de visitantes. En el caso de esta edición celebrada del 12 al 13 de febrero en IFEMA la sensación ha sido la de antes de la pandemia y a causa de la dificulta para caminar en algunas zonas hemos llegado hasta sentirnos agobiados o poco seguros. Nos ha sucedido por ejemplo en la zona de stands comerciales, la distancia de seguridad brillaba por su ausencia. Esta sensación no la vivimos en septiembre de 2021 pues vimos una organización de aforo y accesos impecable.
Para muestra un botón. Hemos elaborado un vídeo (incrustado al pie de esta entrada) en el que podéis ver además que no nos ha faltado entretenimiento para llenar el día, aunque también hay que decir que las actividades del domingo han sido flojas y los invitados carentes de interés o repetidos. Japan Weekend Madrid 2022 ha sido un gran centro comercial con multitud de merchandising y una apabullante zona de artesanos o artistas alojados en el área de stands no comerciales que hacen que la visita se amenice entre compras, descubrimientos y generación de nuevos contactos.
La comida siempre es el talón de Aquiles en estos eventos de IFEMA pues al margen del precio el problema han sido colas de hasta una hora para poder hacer un pedido. Lo que da gusto es ver el ambiente amigable que se genera entre los asistentes, entre los cuales el número de cosplayers era alto a pesar de que el concurso había sido el sábado y el domingo había quedado reservado para el concurso Idol o el de Drag Queens.
Esperamos que en la siguiente edición veamos más manga o invitados diferentes, pero sobre todo esperamos poder volver a encontramos con los amigos de siempre pues estos eventos siempre sirven de punto de contacto para mantener o generar nuevas sinergias.
Dirigida por Junichi Satō y Yū Kamatani se ha gestado la película que trae de vuelta a Magical Doremi. ‘Buscando a la mágica Doremi’ es un largometraje que SelectaVisión pondrá en salas a partir del 14 de enero de este 2022. El ilme ya fue estrenado en 2020 en Japón.
La serie anime ‘Magical Doremi’ es un clásico que sirve de fuente para esta, su primera película que sirve además para celebrar su 20 aniversario. El éxito de Toei Animation comenzó a emitirse en televisión en 1999 y estuvo vivo hasta 2003, llegando a un total de 201 episodios en 4 temporadas. En España se pudo ver a través de los canales autonómicos, teniendo especial éxito en Andalucía, Extremadura y Cataluña, además de Nickelodeon.
Dirigida por Junichi Sato (Sailor Moon, Romeo x Juliet) y Yu Kamatami (Precure) y ganadora del premio a Mejor Película de Animación en el Mainichi Film Concours 2021, se estrenará en versión original subtitulada al castellano, así como doblada al castellano y catalán. Para ello cuenta con las voces originales de la serie, tanto en su versión original, como en las dobladas, participando en ellas Blanca Rada en el doblaje español y Eva M. Lluch en el catalán.
Sinopsis oficial:
Tres mujeres que crecieron viendo la serie “La mágica Do-Re-Mi” se embarcan juntas en un viaje mágico que cambiará sus vidas.
Sora de Nagoya, Mire de Tokio y Reika de Onomichi son tres mujeres que aparentemente no tienen nada en común, ni edad ni ocupación ni personalidad. Lo único que las une es que se sienten desconcertadas por una vida que no les está yendo tal y como la imaginaban y que crecieron viendo la serie “La mágica Do-Re-Mi”. Las aprendices de brujas solían reunirse en la tienda Maho-do, inspirada en un edificio de Kamakura. A partir de un encuentro predestinado en ese lugar, el trío realiza un recorrido por todos los lugares asociados con la serie. Sora, Mire y Reika ríen, lloran, se apoyan mutuamente y pasan un valioso tiempo juntas mientras comprenden que Doremi y sus amigos siempre han estado a su lado… El importante mensaje que las aprendices de bruja les enseñaron les brinda un suave empujón que las lleva a dar un nuevo paso adelante.
La película de Netflix ‘Asakusa Kid’, basada en las memorias de Takeshi Kitano, bebe de la auténtica y conmovedora historia del legendario artista; un relato de sueños, fracasos, amor y lealtad protagonizado por Kitano y su mentor, Senzaburo Fukami.
Crítica
‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés
Que Takeshi Kitano mezcla muy bien lo tradicionalmente japonés con lo moderno no lo duda nadie. Que su sentido del humor es muy distinto al que suelen tener en su país también ha quedado patente a lo largo de su gran carrera. Pero que sus orígenes estaban en el espectáculo de variedades o que representa un relevo generacional muy drástico es menos conocido.
Siempre tiene algo de dramático el hecho de que el aprendiz supere al maestro. Pero si a ello le sumamos el sorpasso de un formato como el televisivo que se comió en su día al teatral tenemos un drama tragicómico muy propio de la filmografía del director de ‘El verano de Kikujiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Zatoichi’. Y para más ende la película nos habla de la transformación y decadencia de todo un barrio, el de Asakusa, que fue desde el Japón feudal todo un distrito de entretenimiento. Pero ante tanto infortunio la película aplica varias capas de respeto y candidez que suavizan la historia, convirtiéndose más en un tributo que en un biopic meticuloso.
Desde que estrenó en España ‘Outrage 3’ estamos en sequía de Takeshi, no nos llegan cosas suyas a estas costas desde 2017. ‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés. En parte porque nos arroja algunos datos sobre sus orígenes artísticos y en parte porque todo procede de sus memorias manuscritas. La película abre con un plano de Yûya Yagira muy bien maquillado, con mucho parecido a Takeshi, pero ese maquillaje solo es para recordarnos la imagen más conocida del director pues todo transcurre años atrás, empezando en el 74.
Beat Takeshi en España es más conocido por el público general por presentar ‘El castillo de Takeshi’ o como dice su nombre más popularizado, ‘Humor amarillo’. Ahí le veíamos disfrazado de señor feudal, pero los que le han visto actuar en películas o han visionado entrevistas reconocerán aquí sus gestos. Yagira imita muy bien sus tics, su boca ladeada al hablar, las nada poco habituales manos en los bolsillos, su menuda estatura… incluso aparecen algunos destellos de su mala leche. Lo que más destaca en ‘El chico de Asakusa’ es su gusto por el jazz. Y la verdad es que viendo este vídeo parece justificado tanto taconeo. Aún así ‘El chico de Asakusa’ se rellena con demasiado bailoteo y canto.
Relleno era la comedia en el establecimiento en el que él aprendía de su maestro a hacer reír. Un local donde solo había llenos cuando había estriptis. Takeshi fue un amago de ingeniero que dejó rapidísimamente sus estudios para usar su ingenio en pro de la comedia y la ficción. En este filme se rinde homenaje a quien fue su mentor. Es un renovarse o morir. Ante ese dilema vemos como Takeshi, en su constante capacidad para adaptarse al medio usó su estilo propio y se enfrentó ante el control que ejerce la televisión sobre sus artistas. Es por eso que el filme emplea humor satírico y negro, que es lo que le hizo destacar en el Japón de los 80.
‘El chico de Asakusa’ no toca sus conflictos de juventud, posible germen de sus historias de mafiosos. También pone al cineasta todo lo bien que se pone a una persona que es tildada de genio en su país. Compro esa adulación, pero me habría gustado una película más realista que preciosista. Pero como cortesía a los maestros que hemos tenido en la vida me parece muy elegante.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2021. Título original: Asakusa Kid. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Hitori Gekidan. Guion: Hitori Gekidan. Reparto principal: Mugi Kadowaki, Morio Kazama, Hiroyuke Onoue, Honami Suzuki, Nobuyuki Tsuchiya, Yûya Yagira, Yo Oizumi. Producción: Django Film, Nikkatsu. Distribución: Netflix. Género: biográfico, drama. Web oficial:ver en Netflix.
La Muestra SYFY ha vuelto y lo ha hecho con una propuesta terrorífica el día que se celebraba la noche de muertos. Halloween ha supuesto el retorno del último festival al que pudimos acudir antes de declararse presente oficialmente la pandemia en España y se decretase el confinamiento.
Con sumo gusto hemos retornado a la sala del Palacio de la Prensa en Madrid para disfrutar con el público habitual distintas películas, que si bien ya habíamos visto hace poco en el festival de Sitges pudimos experimentar de un modo distinto ya que en la Muestra SYFY el ambiente siempre es más animado y festivo.
Una de las responsables de esos momentos tan divertidos han sido Leticia Dolera y su jugueteo con el público. Un divertimento que con los años ha desarrollados sus propios códigos y claves. Algo propio de una gran familia que ama el género fantástico y sabe divertirse viéndolo en grupo.
Como todos los años hemos recibido de regalo unos cereales, algo que atesoramos pues nos facilitaron el desayuno durante una buena parte del confinamiento. El evento además contaba con un añadido, un concurso de disfraces de terror que tenía como premio para dos ganadores un abono para la muestra del año que viene, a si es que podemos dar por confirmado que en 2022 volverá la clásica Muestra SYFY con una edición número 18. Además tenemos fecha, del 3 al 6 de marzo.
‘Agárrame esos fantasmas’
Una obra de terror que vino a confirmar lo buen director que es Peter Jackson y no solo eso, el buen gusto que tiene a la hora de utilizar referencias. Una historia original, divertida pero que tiene muchos momentos de puro terror noventero.
Hay vida más allá, al menos la hay para Michael J. Fox. Más allá de ‘Regreso al futuro’ que es la saga por la que le conoce casi todo el mundo, si haber visto otros trabajos suyos como ‘Mars Attacks’ o ‘Spin city’. El siempre joven actor se movió a las mil maravillas por esta historia que le hizo correr por un delirante horror que mezclaba una trama fantasmagórica con el género slasher.
Demencial propuesta con efectos especiales a los ‘Casper’ o ‘Ghost’, bastante buenos para la época. Casi veinte años después de su estreno podemos decir que ha envejecido mucho mejor su guión que sus imágenes generadas por ordenador pero igualmente se disfruta.
‘Last night in Soho’
Edgar Wright vuelve a la gran pantalla. Tras la magnífica ‘Babay driver’ nos vuelve a abordar con una historia repleta de música y ritmo y con ello una imagen muy bien acompasada. Terrorífica, elegante e inteligente, así es ‘Last night in Soho’
Este filme, con un potente atractivo visual nos lleva a Londres, tanto en la actualidad como en los sesenta. Y en ambos momentos de la cronología nos pinta a la city como un lugar baboso para las mujeres. Aborda el mundo falocentrista tipo Weinstein y lo hace a través de una conexión fantástica, la que se da en la ficción y la que tienen Anya Taylor-Joy y ThomasinMcKenzie. Suelo disfrutar mucho de Taylor-Joy pero he de reconocer que es McKenzie quien capitanea la película.
El filme es muy Wright en cuanto vemos cuán british y musical es, también con sus toques de terror e incluso con algo de su humor. La apuesta es clara en cuanto vemos que está alineada con el #MeToo pero lo que me ha gustado es el cómo coge un elemento clásico de la historia de Londres (mencionarlo sería spoiler) y le da la vuelta. Quizá esta es de las veces que veo más de lo que realmente hay, pero el director de ‘Zombies party’ y ‘Bienvenidos al fin del mundo’ coge ese peligroso pasado de Londres y lo usa a favor de la causa.
Es la película menos cómica del cineasta y uno se da cuenta al final del filme que la temática lo requería. Como hacía el fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta emplea el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia pero no de manera gratuita, sino con intencionalidad.
Dos minutos es lo que puede aventajar a los acontecimientos un empleado de un restaurante al descubrir que se ve a sí mismo en el futuro a través de la pantalla de su ordenador y dos en el pasado a través de un monitor de su establecimiento. La verdad es que cuando los japoneses se comen el coco para ser originales y divertidos con algún elemento complejo son insuperables. En concreto aquí juegan con las paradojas temporales y consiguen una narración muy loca que podría formar parte de un anime disparatado.
Se une a películas tipo ‘Frequency’, ‘Dejavu’, ‘Los cronocrímenes’ ‘Next’… pero como he comentado con el humor como herramienta. Simpatiquísima película que nos conquista con una duración más que modesta y moderada, una hora y diez minutos que de haberse alargado quizá habría peligrado de caer en errores. Estupendo control del racord y del tiempo fílmico, pero sobre todo de la coreografía. Y es que además para rizar el rizo, emulando a sus compatriotas, también tremendamente ingeniosos de ‘One cut of the dead’, juguetean cámara en mano con planos secuencias. Todo encaja sin que percibamos ni un solo artificio, como una obra de teatro ensayada una y otra y otra vez hasta alcanzar la perseguida cuadratura del círculo. El trabajo de planificación de movimiento de cámara y el de generación de vídeos para las pantallas es tremendo.
¿Qué te dirías a ti mismo si pudieses enviarte un consejo dos minutos antes o dos minutos después del instante en el que vives? Aquí te dan unas cuantas ideas muy locas que van más allá de decirte qué saldrá en el próximo boleto de la lotería.
‘The medium’
Dicen las habladurías que en oriente ha tenido que proyectarse esta película con la luz encendida del miedo que daba. Pues siento ser yo quien os baje el hype ante toda la expectativa de esta película, pero… no da nada de miedo. ‘The medium’ es una película que nos venden como documental pero que en cuanto vemos lo bien que están microfonados los extras, el cómo se reproducen los cámaras como esporas para grabar lo que les pasa a los otros cámaras o el cómo se comportan los personajes ya nos damos cuenta de que todo es una farsa. Y ya ni te digo con los textos de los carteles que nos van apareciendo durante el metraje.
Larga, muy larga historia sobre la herencia y el folclore tailandés. Ojalá esa mezcla de tradiciones y transmisión generacional nos hubiese llevado a un filme como ‘Hereditary’, pero este filme evoca a otras producciones y lo hace de un modo bastante amateur. Podemos extraer dos o tres escenas que si están logradas, el resto es llevar a los presupuestos y maneras de la región películas como ‘Paranormal activity’, ‘El exorcista’, ‘[REC]’… Títulos que son buenos referentes pero que hay que saber cómo imitar.
Quizá para las gentes de Tailandia, Corea o dónde se haya proyectado lo que se muestra en pantalla da miedo, probablemente por como conecta con sus raíces. No dudo que en aquellas culturas se lleven a cabo rituales como los aquí mostrados, pero me niego categóricamente a creer que algunas de las escenas aquí montadas sean ciertas.
‘Prisoners of the ghostland’
XYZ es una productora que hasta ahora me gustaba por las propuestas que nos hacía llegar, hasta ahora. La precursora de películas como ‘Color out of space‘, ‘Synchronic’ o ‘La invitación’ me ha causado la mayor decepción hasta la fecha. También me lo merezco por esperar algo potable de la alianza entre dos excéntricos artistas como Sion Sono y Nicolas Cage.
Aquí Cage interpreta a un prófugo o ladrón que recibe el encargo de encontrar a la nieta de un gobernador ricachón. Hasta ahí todo suena bien. El problema no es ni siquiera la horterada de mal gusto que es el diseño de producción. Es tanto la trama como las interpretaciones. El arte del filme, por llamarlo de alguna manera, es de mal gusto, muy acorde al sinsentido plagado de actuaciones más dignas de una película de primerizos publicada en YouTube. Parece un excéntrico anuncio japonés, de esos que hicieron en su día Schwarzenegger, Madona o el propio Cage.
Ni sus giros ni sus revelaciones tienen nada de sorprendente. Con todo lo rara que es consigue ser de lo más común. Es una película postapocalíptica que mezcla sin sentido vaqueros, geishas, luces de neon… Todo ello en unos escenarios multitudinarios que parecen sacados de la peor pesadilla de Terry Gilliam. Ejemplo de ello es el establecimiento bancario blanco inmaculado iluminado con antorchas, dotado de una máquina de bolas de chicle (que son pelotas) y gente vestida de fichas de parchís. Tras verla me quedo con que he visto algo a la altura de ‘Samurai Cop 2’. Que Nicolas Cage haga esto ya no es raro, pero no sabía que SofiaBoutella estaba tan desesperada.
‘Day of the Dead’
El universo Zombie de George A. Romero es el germen de esta serie. Jed Elinoff y ScottThomas son los creadores de esta nueva propuesta no muerta que nos cuenta como seis extraños se unen e intentan sobrevivir las primeras 24 horas de una invasión de muertos vivientes. Planteamiento básico que parece que va a salirse de la norma comenzando directamente con la infección asolando el pueblo de los protagonistas pero decepciona volviendo al pasado y sentando una historia de orígenes. No obstante, tiene su misterio y promete darnos detalles diferentes.
Las técnicas modernas hacen que esta sea mejor que muchas de las películas derivadas de ‘La noche de los muertos vivientes’. Pero, al menos en este primer episodio, no aprovecha para desarrollarse de una manera superior. Serie de héroes torpes que se dejan atrapar por zombies que caminan con momentos un poco insípidos o carentes de emoción. Por lo menos el director de este primer episodio es StevenKostanski (‘El vacío’, ‘Psycho goreman’) y se tira bastante de humor negro.
Es un SYFY Original que podréis ver en el canal a partir del próximo 7 de noviembre.
El dueño de un café descubre que el televisor muestra de repente imágenes del futuro, pero solo dos minutos en el futuro.
Crítica
Un disfrute ingenioso y cómico
El festival de Sitges nos ha descubierto películas impresionantes, sobre todo cuando se gestan con presupuestos modestos. Son títulos como ‘Más allá de los dos minutos infinitos’ los que nos hacen recomendar ferozmente que os acerquéis al cine independiente, indiferentemente de su nacionalidad o género. El ejemplo más manifiesto por calidad y proximidad es el de ‘One cut of the dead’ (crítica aquí). ‘Más allá de los dos minutos infinitos’ no llega a la genialidad de la película de Shinichirô Ueda que además va a tener remake francés, pero nos maravilla de un modo similar con una propuesta ingeniosa.
No es de extrañar que el público del festival catalán le diese un premio a esta película. Un filme de 70 minutos que al igual que la otra obra japonesa que he mencionado nos habla en lenguaje fantástico y cierra su trama en solo 70 minutos. Igual que la película de zombies que incluimos en nuestro artículo de cine sobre hacer cine, se compone a partir de la técnica del plano secuencia. En esta ocasión se supone que es un solo plano, pero se nota en ciertos momentos el artificio para empalmar varios.
Igualmente el trabajo de planificación de esta película es de premio. Es como si gritase, ¡mira Nolan, se puede hacer ciencia ficción rallante en solo hora y diez, con pocas pelas y sin CGI! Y todo esto a través de momentos muy cómicos que hacen que los 70 minutos nos parezcan 20. Y hay que hablar de planificación porque, aunque haya cortes camuflados se juguetea con muchos personajes mezclados en hasta tres pantallas dentro de un solo plano.
La trama nos habla del dueño de una modesta cafetería de Japón que reside sobre su establecimiento. Al subir a su piso y mirar su iMac se encuentra con que allí está él, pero es una imagen de dos minutos en el futuro. Siguiendo sus propias instrucciones baja a su local y mira una pantalla que allí tiene, descubriendo con asombro que también está él, pero dos minutos en el pasado. Empieza ahí el jugueteo, las pruebas y el desconcierto. El término “paradoja” está presente constantemente en la película, pero “posibilidades” es el que manejan más los protagonistas que nos muestran cómo de divertido o fructífero puede ser este extraño fenómeno.
‘Más allá de los dos minutos infinitos’ llega a alcanzar momentos la mar de hilarantes. Es una obra perfectamente coreografiada y sin errores de racord, lo cual no es nada fácil. Un filme trasladable al teatro pues está realizado en solo dos escenarios y no me cabe duda de que tiene tras de sí horas y horas de ensayos. Podría decir que me da pena que no llegue a cines (aunque estará en la Muestra SYFY de este Halloween) pero Movistar+ la va a traer a España y el hecho de tenerla en una plataforma digital nos permitirá repetir su visionado siempre que queramos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de noviembre de 2022. Título original: Droste no hate de bokura (Beyond the infinite two minutes). Duración: 70 min. País: Japón. Dirección: Junta Yamaguchi. Guion: Makoto Ueda. Música: Koji Yamaguchi. Fotografía: Junta Yamaguchi. Reparto principal: Aki Asakura, Riko Fujitani, Gota Ishida, Yoshifumi Sakai, Kazunari Tosa. Producción: Tollywood. Distribución: Movistar+. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial:http://www.europe-kikaku.com/droste/
Disfrutando a lo grande con ‘Barbeque’, ‘Más allá de los dos minutos infinitos’, ‘Lamb’ y ‘Where is Anne Frank’
Muy buenas sorpresas en el día de hoy. Lo bueno de la jornada han sido las expectativas cumplidas por parte de ‘Lamb’ y la preciosa película de animación ‘Where is Anne Frank’. También se ha verificado la buena salud del cine japonés en lo que se refiere a mezclar argumentos fantásticos y humor, como fue el caso de ‘One cut of the dead’ también en Sitges. Igual que sumamos otra comedia francesa para recomendaros, la francesa y sangrienta ‘Barbaque’. Y nos llevamos otra bajo el brazo para recomendaros pues nos ha entusiasmado ‘The execution’, un thriller ruso que comentamos junto a las demás vistas durante el día de hoy.
En el apartado de películas que no nos han suscitado mucha euforia está la nueva entrega de la saga ‘Halloween’ o el documental ‘Users’. Un poco más entusiasmados hemos terminado de ver ‘The boy behind the door’. Desde luego no os recomendamos ‘Knocking’.
‘Halloween kills’
En 2018 se estreno uno de los regresos más esperados para los fans del terror y es que ‘LanochedeHalloween’ volvió a la gran pantalla junto a sus protagonistas.
Con ‘HalloweenKills’ nos encontramos ante la secuela de ésta parte, la cual, justo comienza después de todo lo sucedido en ‘La noche de Halloween’. A parte de llevarnos al pasado y contarnos un poco más de la historia de Haddonfield con su leyenda del “hombre del saco”. He de reconocer que estos saltos al pasado me han gustado bastante, están muy entretenidos y también dan más chicha a la historia.
Pese a que no me entusiasmo demasiado ‘La noche de Halloween’, si que tuvo momentos buenos. Esta me ha convencido mucho más. Más violenta y sangrienta. La película nos da muertes muy divertidas. Pero, si que es cierto, que tiene muchos ratos absurdos y la hay partes de la película que pierde bastante.
Nos intentan mostrar lo que puede hacer el miedo, como puede crear un caos innecesario y convertirnos en verdaderos borregos, hasta el punto de llegar al asesinato.
Pero termino quedándome con lo bueno, lo entretenida que es, las muertes salvajes que vemos y también lo divertido de sus diálogos absurdos. Pronto tendréis la crítica extensa de esta película en nuestra web.
El nombre de la película me ha recordado a La lambada, aquel baile movido, pegajoso y animado que se hizo famoso en el 89. La película de Valdimar Johannsson es todo lo contrario. En vez de una fiesta supone un relato sobre el duelo que mantiene un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason. Un filme pausado, tranquilo, solitario, sin jolgorio. Pero todo esto que puede sonar aburrido está compensado con el contenido, pues la película y su simbolismo transmiten mensajes valiosos. La paternidad y la aflicción son el eje del filme.
Casi sin diálogos, hemos de entender a los protagonistas de igual modo que comprendemos a los animales, a través de sus actos. Y esto me lleva también a lo excelentemente bien que está reducida la película a lo básico. Con poco le basta a este filme para contar lo que pasa. También nos lleva a un lugar que usa de pasada algún componente religioso (María, el cordero, el nacimiento…) pero que tiene un objetivo que se puede asociar más a un sentido de la realidad que viene a decirnos que no somos nada ante la evolución de la vida y los designios de la naturaleza.
Para contarnos todo esto se recurre a la excentricidad de ver a una niña con cabeza de cordero. Pero esto tiene su sentido, no como sucede por ejemplo con la también proyectada en Sitges, ‘Titane’. Este es un filme que por mucho que parezca fantasioso o surrealista tiene bastante de naturalista. Y la historia además está acompañada de un marco incomparable, que no funciona solo por el hecho de estar localizado en la siempre imponente Islandia. La composición de planos respalda la traslación al mundo campestre, que pese a ser bonito muchas veces es crudo y duro, en el caso de ‘Lamb’ también desconcertante y cómico.
Es un curioso cuento con apabullantes paisajes. Dispone de algunos planos excesivamente largos pero son pocos y su discurso está tan bien desarrollado que nos aportan. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.
En la casa-museo de Anne Frank se encuentra su famoso diario. De él, en una noche tormentosa, sale Kitty, su amiga imaginaria y a la cual le relata su vida. Kitty, quiere conocer el destino de su amiga y porque en casa no se encuentra nadie de la familia.
A través de los ojos de esta niña vamos conociendo parte de la historia de Anne Frank. Como les iban quitan libertades a los judíos, toques de queda y hasta la obligación de abandonar sus hogares cuando a ellos les pareciese. Como tuvo que huir y vivir en un escondite durante años para que no les llevasen a un campo de concentración. Pero no solo vemos lo malo, también vemos a una niña crecer, de una manera distinta, pero si que con las mismas ganas. Sus peleas con sus padres, la rebeldía según avanza en edad, su primer amor y también la tristeza de no poder salir.
Es una manera muy bonita de adentrar a los más jóvenes en esta historia que todos los niños deberían de leer. Pero tiene mucho más, explicándonos la vida y sentimientos de Anne, conocemos que en la actualidad hay niños que son obligados a salir de sus países por las guerras y al final terminan siendo refugiados en los distintos países, “estorbando”. Una gran lección para nuestros pequeños y que vean que el mundo no es solo color de rosa.
Si sois de lagrima fácil, os aseguro que os va a salir, porque la verdad que aunque todos conozcamos el desenlace de Anne, la película es muy emotiva.
Dos minutos es lo que puede aventajar a los acontecimientos un empleado de un restaurante al descubrir que se ve a sí mismo en el futuro a través de la pantalla de su ordenador y dos en el pasado a través de un monitor de su establecimiento. La verdad es que cuando los japoneses se comen el coco para ser originales y divertidos con algún elemento complejo son insuperables. En concreto aquí juegan con las paradojas temporales y consiguen una narración muy loca que podría formar parte de un anime disparatado.
Se une a películas tipo ‘Frequency’, ‘Dejavu’, ‘Los cronocrímenes’ ‘Next’… pero como he comentado con el humor como herramienta. Simpatiquísima película que nos conquista con una duración más que modesta y moderada, una hora y diez minutos que de haberse alargado quizá habría pecado en errores. Estupendo control del racord y del tiempo fílmico, pero sobre todo de la coreografía. Y es que además para rizar el rizo, emulando a sus compatriotas, también tremendamente ingeniosos de ‘One cut of the dead’, juguetean cámara en mano con planos secuencias. Toda encaja sin que percibamos ni un solo artificio, como una obra de teatro ensayada una y otra y otra vez hasta alcanzar la perseguida cuadratura del círculo. El trabajo de planificación de movimiento de cámara y el de generación de vídeos para las pantallas es tremendo.
¿Qué te dirías a ti mismo si pudieses enviarte un consejo dos minutos antes o dos minutos después del instante en el que vives? Aquí te dan unas cuantas ideas muy locas que van más allá de decirte qué saldrá en el próximo boleto de la lotería.
‘Barbaque’, una película de la que no me esperaba absolutamente nada y me ha alegrado el día. Un matrimonio en horas bajas, que trabaja en una carnicería, en horas mucho más bajas, consigue una nueva carne que va a volver loco a todo el pueblo en el que viven.
Qué maravilla, con un humor bastante negro, vamos viendo las peripecias de estos dos personajes que nada tienen que perder en su vida y que de repente han encontrado algo que les da vida y dinero.
Solo espero que la estrenen pronto en salas, porque aunque sea de género, esta sí que es una de las comedias francesas del año.
Los personajes son muy turbios y a la vez entrañables, llegas a cogerle bastante cariño, pese que sabes que lo que están haciendo está mal.
Dirigida por Fabrice Eboué y también protagonizada por él y por Marina Föis. Hacen una pareja increíble en pantalla y os van hacer reír un montón.
Solo os puedo decir que vais a salir con mucha hambre, todos los platos que cocinan tienen una pinta tremenda, siempre y cuando no seáis veganos claro.
Suecia nos ofrece un drama de suspense, de esos psicológicos que buscan ejemplificar lo que pasa por la mente de una persona con problemas de salud mental. Y el filme consigue hacerse a la idea y que nos hagamos a la idea de qué es lo que sucede en la cabeza de alguien que sale de un psiquiátrico e intenta reinsertarse.
Más allá de eso pretende generar una historia en la que pasa algo desconcertante: que la protagonista oye ruidos en su piso nuevo, pero nadie más los oye o reconoce ser el artífice. No hay spoiler alguno en decir todo esto pues es lo que nos plantean nada más empezar, es el punto de partida. No hay intriga alguna y eso provoca que, aunque haya juegos interesantes de sonido y cámara la película aburra. El título alude a los ruidos que desquician a la protagonista interpretada por Cecilia Milococo pero también a esa llamada a la puerta o retorno de los recuerdos, dolor u obsesiones. Muy buena idea, pero excesivamente estirada.
Desde Rusia nos llega una película de esas que podríamos decir que emulan los grandes éxitos detectivescos de Hollywood, pero quizá por cercanía o por lo fan que soy de esa saga, me ha recordado más a ‘Los casos del departamento Q’.
El filme de Lado Kvataniya es de esos que entran dentro de un festival de cine de terror por el miedo que dan sus personajes, psicológicamente dañados. Este thriller es de esos que tienen mucha demencia, que vienen cargados de gritos de locura y desesperación.
Es un filme de investigación oscuro, sucio, que se va hasta el punto de lo personal. Una historia bien desarrollada a lo largo de diez años (del 81 al 91) en la que no hay que atrapar, sino desquiciar a un asesino en serie para poder demostrar su culpabilidad. Un criminal con sus ritos, crueldades y taras mentales.
La película refleja bien el toma y daca entre el asesino y los detectives, así como el desgaste que causa en ellos. Todo para desembocarnos a un trágico final, no innovador, pero si bien ejecutado.
El otro día reflexionaba con mi pareja sobre como ponemos nuestra vida en manos de las máquinas día a día al subirnos a un ascensor, montar en un coche o avión, comiéndonos productos envasados por robots… La Influencia de las tecnologías en la vida de los seres humanos es el foco de ‘Users’. Me parece muy apropiado que para la proyección de esta película hubiese una zona en el cine destinada solo a estudiantes.
Espacio para documental, para la parte predictiva que tantas películas de ciencia ficción tienen. Reflexión sobre cómo nos puede beneficiar la tecnología optimizando nuestro entorno y actividades pero también como altera el planeta que nos vio nacer. Como si fuese una advertencia para que no lleguemos a los extremos del Los Ángeles de ‘Blade Runner’, el Coruscant de ‘Star wars’ o los desiertos de chatarra de ‘Wall•e’. Todo suena a esas películas distópicas que muestran que somos usuarios de un planeta y que a veces el alcanzar mayor cantidad de comodidades hace que seamos menos humanos.
La película de la mexicana Natalia Almada cuenta cosas que son vox populi: nacimientos a la carta, un negocio de petróleo que agoniza, kilómetros de datos digitales atravesando océanos… Pero aunque suena a sermón repetido marca la diferencia aplicando un estilo más contemplativo. Almada es también fotógrafa y se regodea en sus imágenes tanto tiempo que parece que ha hecho el filme con Iñárritu. Hay que reconocerle buenos símiles, como el que enlaza el white noise con el oleaje del mar o el que llama úteros a las máquinas que conservan óvulos fecundados artificialmente durante 5 días. Quizá esa hechura sea la que le valió un premio en el último festival de Sundance.
Un niño secuestrado es el protagonista de esta película. Pero ojo que a pesar de tener un protagonista infantil la cinta no se anda con chiquitas ni para sus giros ni para su violencia. Se dice mucho eso de que los niños de ahora están muy insensibilizados por culpa de la violencia de los videojuegos y la televisión pero esta película aboga por una apuesta diferente. Esta es la historia de unos buenos muchachos que tienen que convertirse en algo que jamás deberían ser, supervivientes.
Hay dinero para destrozar una puerta haciendo un guiño a ‘El resplandor’ pero el presupuesto es inversamente proporcional al ritmo que tiene. Película sencilla que nos lleva con mucha agilidad por la desventura de este muchacho que intenta escapar de sus captores. Chapó por el niño protagonista (Lonnie Chavis) en un papel la mar de atípico y truculento para su edad.
Cuando eres un niño ¿qué te puede dar más miedo que quedarte solo en un sitio desconocido, a merced de unos adultos también desconocidos y encima sin poder salir corriendo porque dejas atrás a un amigo? Os contado que el protagonista intenta huir pero hay otro muchacho encerrado que no tiene la suerte que ha tenido él al encontrar una oportunidad escape. La película se basa en el subterfugio y en el objetivo de que ambos chiquillos puedan salir ilesos. Los directores hacen que sufras por ellos y más aún si tenéis, hijos sobrinos…
El próximo 5 de noviembreCaramel Films estrenará estrenaremos en cines ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’, la nueva y delicada fábula del director japonés Ryûsuke Hamaguchi. Tras su exitoso paso por la útima Berlinale, donde se alzó con el OSO DE PLATA- Gran Premio del Jurado, Hamaguchi presentará la película en el próximo Festival de Cine de San Sebastián .
El director de ‘Happy hour’ y ‘Asako I & II’, que ya participó en la sección oficial del Festival de Cannes 2018, presenta en ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ su tríptico sobre la magia del azar en una propuesta llena de imaginación desbordante.
‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ está protagonizada por Kotone Furukawa, Kiyohiko Shibukawa y Hyunri (‘La mujer del espía’).
Sinopsis oficial:
Tres historias impulsadas por el azar y la imaginación en las que las vidas de los personajes femeninos se ven marcadas por sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro surgido de un malentendido, forman un tríptico de cuentos unidos por la memoria, el engaño y el destino.
Adaptación de la obra que ya tuvo live action en 2003
El próximo 10 de septiembre el anime vuelve a los cines con ‘Josee, el Tigre y los Peces’. La nueva y mágica propuesta del estudio de animación BONES (‘My Hero Academia’) podrá disfrutarse con doblaje castellano, catalán y VOSE.
La dirección de la película está a cargo de Kotaro Tamura, (‘Noragami’ y ‘Noragami Aragoto’), así como los diseños son del ilustrador loundraw (‘Quiero comerme tu páncreas’) y la BSO corre por cuenta de Evan Call (‘Violet Evergarden’). Detrás de este importante equipo están también los productores de ‘A Silent Voice’ y ‘El Verano de Coo’.
La cinta, cuyo título original es ‘Josee to Tora to Sakana-tachi’, cuenta una historia de superación y emociones desde el punto de vista de Josee y Tsuneo, ambos encerrados en su propio mundo hasta que la casualidad les lleva a encontrarse y cambiar todos sus esquemas.
‘Josee, el tigre y los peces’ está basada en la obra maestra de la escritora ganadora del premio literario Akutagawa Seiko Tanabe, que fue adaptada como película de imagen real protagonizada por Satoshi Tsumabuki y Chizuru Ikewaki en 2003, finalmente se estrena como película de animación. Las imágenes y la historia rebosan con el resplandor del día a día, el descubrimiento del amor y la chispa de la vida combinando realismo e imaginación como únicamente puede hacer la animación.
Sinopsis oficial:
El encuentro casual entre un universitario que persigue sus sueños y una chica en silla de ruedas que no se atreve a soñar cambiará sus vidas para siempre.
Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México. Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella. Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.
Netflix está cumpliendo con creces su promesa de publicar animes de calidad. Desde aquí os recomendamos títulos como ‘Dorohedoro’, ‘De yakuza a amo de casa’, ‘Edén’ y por supuesto las cuatro temporadas de ‘Castlevania’. Desde el pasado 11 de junioestá disponible en el catálogo español la primera producción original de Netflix en Filipinas, ‘Trese’.
Este anime de seis episodios de media hora surge a partir de un cómic filipino de Budjette Tan y Kajo Baldisimo que ha cosechado éxito allá a donde ha ido, con crítica y premios a su favor. Y por varias razones me ha venido a la cabeza Constantine, el protagonista de ‘Hellblazer’. Lo primero es su ocupación. ‘Trese’ nos muestra el día a día de Alexandra Trese, una detective de Manila cuya especialidad son los casos paranormales.
Ella es puente entre dos planos, el de los vivos y el de los muertos, repleto de fantasmas y demonios. Le viene de familia y es conocido por todos que tiene capacidades sobrenaturales, la policía recurre a ella. Es un Lakan, una protectora que tiene que mantener el equilibrio entre nuestra realidad y el inframundo. Esta es una historia llena de leyendas y magia, también con mucho simbolismo y metodología similar a la de Constantine. La protagonista tiene sus informantes, sus acompañantes, sus objetos de poder, sus traumas del pasado… El simple hecho de poder invocar a San Telmo con su móvil nos remonta a las peculiares armas y poderes del mago creado por Alan Moore y Stephen R. Bissette.
Y aunque esta serie tiene mucha más acción y Trese es más acrobática hemos de decir que en otra faceta visual se parece a John Constantine. El dibujo. Para ello debemos remarcar que el productor, supervisor y director de dos de los episodios es Jay Oliva quien ha hecho otros trabajos animados, en concreto para DC como ‘Batman: El regreso del Caballero Oscuro’ o ‘La Joven Liga de la Justicia’. Y junto a él otros directores como Mel Zwyer, David Hartman y Tim Divar quienes forman parte de ‘Batman: la broma asesina’, ‘Godzilla: The Series’ o ‘Star Wars Rebels’. Con todo esto ya nos podemos hacer una idea de la moderna estética de esta serie que mezcla animación tipo tradicional con efectos modernos generados por ordenador, sobre todo para recrear tanta magia. Y esto es posible y ya marca que nos hace reconocer a su estudio de animación, Tiger animation partícipes de la ‘Liga de la Justicia Oscura’, ‘Castlevania’ o ‘Berserk’.
La historia está bien, es rica en elementos. Para durar seis episodios nos cuentan bastante, aunque expone tantos componentes que nos da la impresión de que daría para más. Pese a que el folclore Filipino de tintes hispánicos funcionan muy bien nos quedamos con la impresión de que podría haber sido aún mejor y más diferenciada. Y es que ‘Trese’ tiene 5 episodios la mar de entretenidos pero tiene dos fallos grandes. Falla en el último episodio aburriéndonos con una cascada de charlatanería y peca en caer en lo típico, en otorgarle a la protagonista el carácter de elegida o parte de la profecía, como le pasa a personajes también cazademonios y también destinados a acabar con el mundo en el que se quieren integrar como Hellboy. Llegamos al cierre de la serie aburridos de tanto flashback, algo que suele pasar en el cine oriental, pero por lo menos ‘Trese’ es conclusiva.
No obstante nos deja una escena post-créditos que o bien es un guiño para los lectores del cómic o bien clama por una segunda temporada. La construcción de este universo, el diseño de personajes que ha heredado del cómic y las grandes estampas animadas que nos deja tapan determinados momentos mal animados y ese tedioso final. Con todo esto yo quiero volver a este sombrío y endemoniado Manila.
Al principio parece que ‘Trese’ omite mostrar la violencia extrema que sugiere. Pero luego vemos descuartizamientos, desmembramientos… Sus escenas de magia y combate atraerán a cualquier espectador ávido de historias fantásticas. Pero también atraerá su trama ya que se han esforzado en esbozar rápidamente todo lo que ya han desarrollado los cómics. Se rescata la frase de Virgilio que reza “sic itur ad astra (así se va a las estrellas)” para acompañar el camino de dolor y sacrificio que sufren los personajes. Sin duda este puede haber sido un trabajo arduo y exigente en cuanto a dedicación, pero para el espectador es un trayecto que se pasa rápido y sin esfuerzos.
El universo de J.R.R. Tolkien contará con una nueva película
Ambientada muchos años antes de los sucesos de la Tercera Edad tendremos un anime que contará la historia del rey Helm Hammerhand y la mismísima historia del Abismo de Helm, plaza que defendió la Compañía del Anillo en ‘Las Dos Torres’, 250 años después según la cronología de Tolkien. El título para esta serie sería ‘La guerra de los Rohirrim’.
Esto es lo que confirma Deadline en su web indicando que Peter Jackson no está (al menos de momento) en el proyecto. Pero se dan nombres. El director de esta precuela sería KenjiKamiyama (‘Ghost in the Shell’, ‘Ultraman’) y la guionista ni más ni menos que Philippa Boyens quien ya firmó el libreto de la trilogía de películas junto a Fran Walsh. Este último detalle nos pasaría la noticia al cajón de las buenas si no fuese esta escritora la autora de ‘Mortal Engines’ y la trilogía de ‘El Hobbit’.
Sola Entertainment es quien desarrolla la animación. Este estudio es el autor de títulos como ‘Blade Runner: black lotus’, ‘Ultraman’, ‘Saint Seya’, ‘Harlock’ o ‘Starship Troopers: traitor of Mars’. El mismo estudio nos da la confirmación de la película pues tiene en su web oficial ya el primer póster con el título de la película, como decíamos ‘La guerra de los Rohirrim’.
Además en Deadline citan unas declaraciones de Carolyn Blackwood, directora de operaciones de Warner Bros. Pictures Group, y Richard Brener, presidente y director creativo de New Line Cinema: “Todos en New Line sentimos una profunda afinidad por el mundo extraordinario que creó J.R.R. Tolkien, por lo que La oportunidad de volver a la Tierra Media con el equipo de Warner Bros. Animation es un sueño hecho realidad. Los fans conocen El Abismo de Helm como el escenario de una de las batallas más grandes jamás filmadas y, con muchos de los mismos visionarios creativos involucrados y el brillante Kenji Kamiyama al timón, no podríamos estar más emocionados de ofrecer una nueva visión de su historia que invitará a las audiencias de todo el mundo a experimentar la rica y compleja saga de la Tierra Media de una forma nueva y emocionante «.
Earwig, una niña de 10 años, tiene la habilidad de manipular a los demás para que todos hagan lo que quiera. Huérfana desde bebé, lleva una vida agradable y muy feliz en un hogar para niños donde todos atienden a sus caprichos.
Un buen día, un hombre y una mujer de aspecto extraño la adoptan. “Mi nombre es Bella Yaga. Soy una bruja”, le dice su nueva madrastra a Earwig. “Te he traído a mi casa porque quiero que seas mi ayudante”. Por su parte, el hombre extraño solo aparece para almorzar. Está siempre de mal humor y tiene la costumbre de decir “No me molestéis”.
Por primera vez en su vida, Earwig se topará con unas personas que no se rinden ante sus deseos. Vivirá una serie de aventuras y situaciones que harán que descubra el enorme potencial que siempre ha guardado en su interior.
Crítica
Una mancha en una historia de embrujos animados
Efectivamente, ‘Earwig y la bruja‘ ha supuesto toda una decepción. Hablar de Ghibli es hablar de historias cautivadoras, que embrujan al espectador, tanto a nivel narrativo como en su aspecto visual. La nueva película realizada por el estudio cofundado por Hayao Miyazaki viene con alguna aportación del mítico director, pero es su hijo, Goro Miyazaki, el que ha puesto la mayoría del trabajo, como ya sucedió en ‘Cuentos de Terramar’.
Cabía esperar que la película supusiese una obra mejor que el filme que dirigió el sucesor de Miyazaki en el 2006 ya que el célebre cineasta ha contribuido esbozando las líneas generales de la historia a partir de otra obra de Diana Wynne Jones (‘El castillo ambulante’). Pero ha sido precisamente lo contrario. ‘Earwig y la bruja no cuenta apenas nada, es un cuento sin sustancia, sin una trama interesante que seguir y lo que es aún peor, sin un final mínimamente concreto.
La trama sigue a una niña que ha sido abandonada por una bruja en un orfanato cuando era bebé. Crece y se convierte en una chicuela respondona, pilla, con coletas cornúpetas y carácter mandón. Acaba siendo adoptada precisamente por otra bruja y es lo suficiente descarada y osada como para asimilar rápidamente el uso de la magia. Ese temperamento que tiene la niña es lo único gracioso de la película, lo único que a pesar de ser arquetípico engancha. En líneas generales esto es una especie de versión de ‘Una serie de catastróficas desdichas’ o de ‘Harry Potter’ en el que la magia no la tiene el protagonista, sino sus tutores.
La animación en 3D era lo que más miedo me daba. Ese cambio de aires o incorporación de nuevas corrientes para el estudio es lo que más temía. Ya hemos experimentado fiascos como la nueva versión de ‘Caballeros del Zodíaco’ en Netflix y en ese aspecto debo admitir que he sentido un alivio. Los dibujos son menos torpes de lo que esperaba y aunque las caras no son todo lo expresivas que deberían en estos personajes que parecen muñecos chibi en movimiento hay un gran trabajo de iluminación y color.
La historia se ambienta en lugares coloridos, tanto en sus escenas luminosas como en sus momentos nocturnos o narrativamente más oscuros. Las ubicaciones parecen inspiradas en esa Europa de mediados del siglo XIX que tanto les gusta a los japoneses. En cuanto a los personajes, Ghibli siempre se ha caracterizado en generar bichejos icónicos. Esa es otra falla de la película, no nos quedamos con ninguno de sus monstruitos grabados en la retina.
Imaginación tampoco le falta a la historia. Es ocurrente en cuanto a los detalles, pero no en cuanto a hilar una trama que te acabe dejando sabor a cuento o fábula. Da la impresión de que ‘Earwig y la bruja’ está pensada como una introducción a una futura serie, a una de esas que parecen hechas al peso y que emiten en canales infantiles. El guión es pobre, anodino, sin objeto alguno. Natillas, uno de los personajes secundarios, lee en una escena el libro ‘Red planet’ de Robert Heinen mientras que Earwig lee ‘El perro de Baskerville’. Pues bien, ‘Earwig y la bruja’ no hace honor al ingenio de Conan Doyle ni nos hace viajar como Heinen.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Âya to Majo. Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Goro Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki, Keiko Niwa, Emi Gunji. Música: Satoshi Takebe. Reparto principal (doblaje original): Shinobu Terajima, Etsushi Toyokawa, Gaku Hamada, Kokoro Hirasawa, Sherina Munaf. Producción: NHK, Studio Ghibli. Distribución: Vértigo Films. Género: animación, fantasía. Web oficial:https://www.aya-and-the-witch.jp/
Tatsu el Dragón Inmortal es un exyakuza que pasa sus días como amo de casa, es el jodido jefe de su hogar, así, tan mal como suena. Sin dejar sus maneras chungas de comportarse o su lenguaje, Tatsu aplica los códigos de la yakuza a su nueva vida cotidiana y de pareja donde el gato ocupa el tercer puesto en su jerarquía. Le queda muy cuco el mandil con su ropa negra de mafioso.
Esta serie es cachondísima. Es hilarante ese tono fatal de matón hablando de cosas hogareñas como preparar la fiambrera de la comida, las instrucciones para hacer bricolaje, el poner en marcha la aspiradora automática, ir a comprar el merchandising de las ‘Policías brujitas’ para su novia… Suena ridículo pero él se lo toma todo como una misión a superar, es como si todo fuesen negocios, nada personal. Recuerda a Robert de Niro en ‘Una terapia peligrosa’. Da la impresión de que esto lo ha hecho algún seguidor de la trilogía ‘Outrage’ de Takeshi Kitano con el cerebro frito de ver ‘Bobobo’.
Desde el 9 de abril podéis ver en Netflix esta miniserie sobre este temido mafioso que dedica su día a día a cocinar (divinamente), a hacer fotos a sus platos y a descubrir cosas como las clases gratis de yoga. ¿Qué se quiere comprar un coche con su novia? Pues mira si en el maletero entra un cadáver o si el cristal es a prueba de balas. ¿Qué le visita un comercial de cuchillos? Lo primero, eso no son cubiertos, los llama armas y por supuesto los maneja con la maestría de un asesino ninja. ¿Qué hay rebajas? Pues le toca hacer un mercadillo callejero con las compras compulsivas que ha hecho.
Las confusiones con la jerga están servidas. Para él los perros es la policía y cantar es chivarse. Esta es una serie llena de malentendidos y momentos épico-cotidianos. No es raro que se confunda la salsa de tomate con sangre o que una cucaracha en el salón sea vista como un rival en territorio prohibido.
‘De yakuza a amo de casa’ consta de 5 episodios cortos de unos 20 minutos que se dividen a su vez en otros más pequeños, en unos 6 por capítulo. Realmente lo que hace la serie es juntar las tiras cómicas lanzadas en la revista Kurage Bunch. Una obra de Kōsuke Ōno que posteriormente ha sido recopilada en tomos manga y que en España edita Ivrea.
Se nota que ya estamos recuperando el funcionamiento de la industria pues la serie está estupendamente doblada al castellano. Gran trabajo en versión doblada por parte de Marc Zanni, Irene Mirás, Nerea Alfonso, Luis Gustems… Un síntoma contrario, quizá de ahorro de recursos, podría ser la animación de la serie que no es nada del otro mundo. Peca de falta de dinamismo, de hecho tiene muchos cortes o saltos en los movimientos de los personajes. Eso no le aporta mucha agilidad al estilo visual pero la serie es tan viñetera que no le hace falta, no pierde continuidad en sus escenas.
‘De yakuza a amo de casa’ no tiene desperdicio, ni siquiera los sketches del gato Gin. Los quehaceres caseros son mucho más épicos desde el punto de vista de un yakuza. No voy a extenderme más con mis comentarios, que al final vais a tardar más en leer la crítica que en ver la serie. Vedla ahora mismo u os bajaré puestos en la jerarquía del fan del anime. Yo mientras me voy a buscar la serie de acción real que se llama igual que el manga, Gokushufudo.
Estreno en cines del anime que ha reventado la taquilla japonesa
El día 23 de abril, SelectaVisión estrena en cines la película de animación ‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’. Una adaptación a anime basada en el manga número 1 en ventas en España. Podrá verse en pantalla grande tanto en versión doblada al castellano, como en catalán, en VOSE y VOSC.
El estreno de ‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’ en Japón el pasado mes de octubre fue todo un éxito. Con una recaudación de más de 380 millones de dólares, en diciembre se convirtió en la película más taquillera de la historia del país, por encima de superproducciones estadounidenses como ‘Frozen’ y ‘Titanic’, y de ‘Your Name’ de Makoto Shinkai y ‘El viaje de Chihiro’ de Hayao Miyazaki.
‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’ se ha convertido en la película más rentable estrenada en cines durante la pandemia, obtuvo una nominación a Mejor Película de Animación en los prestigiosos Satellite Awards y fue pre-seleccionada por la Academia Japonesa para el Oscar a la mejor película de animación.
Dirigida por el debutante Haruo Sotozaki, que ya se ha alzado con el Tokyo Anime Award al mejor director y producida por Aniplex (‘Naturo’, ‘Los siete pecados capitales’) y TOHO (‘Akira’, ‘My Hero Academia’), la película ha sido galardonada con el premio a la Mejor Película de animación, a la Mejor Banda Sonora y a la Película más popular por la Academia Japonesa de cine.
Sinopsis oficial:
Tras completar el entrenamiento en la Mansión de la Mariposa, Tanjiro y sus compañeros se dirigen a su siguiente misión, hacer frente al demonio a bordo del Tren del Infinito, donde más de 40 personas han desaparecido en un periodo muy corto de tiempo.
Tanjiro y Nezuko, acompañados por Zenitsu e Inosuke, se unen a uno de los espadachines más poderosos entre los miembros del Cuerpo de Matademonios, el actual Pilar de las Llamas Kyojuro Rengoku, con el propósito de hacer frente al demonio a bordo del Tren del Infinito. Lo que desconocen es que se están adentrando en una mortífera trampa tendida por Enmu, Demonio del Sueño y una de las 12 Lunas Demoníacas, en un tren con destino a la desesperación…
Las leyendas chocan en ‘Godzilla vs. Kong’ cuando estos míticos adversarios se dan cita en un titánico combate para todas las edades, mientras el destino del mundo pende de un hilo. Kong y sus protectores se embarcan en una peligrosa misión para encontrar su verdadero hogar, y van acompañados de Jia, una joven huérfana con la que ha creado un vínculo muy especial. Pero de repente se cruzan con un Godzilla enfurecido, que va dejando a su paso una estela de destrucción en todo el mundo. El épico choque entre los dos titanes, instigado por fuerzas invisibles, solo es el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades de la Tierra.
Fantásticamente desmelenada
Hemos llegado a la película cumbre o clímax de una saga que tiene mucha historia detrás. Aunque las películas de Godzilla y Kong no se caracterizan precisamente por tener guiones muy ricos si que es cierto que poco a poco han ido conformando un universo propio y casi siempre consiguen entretener edulcorando sus escenas de gigantesca destrucción con tramas más o menos distintas en cada entrega. En ese sentido pienso que los seguidores de las películas de la Toho van a encontrar en este filme un buen regalo. Los remakes modernos confluyen por fin en este prometido crossover que hará las delicias de los fans de los kaijus en general, al menos a quien os escribe estas líneas le ha engatusado.
Debemos remontarnos hasta 1963 para tener un referente similar. En ese año se estrenó ‘King Kong contra Godzilla’. Una película en la que las criaturas estaban materializadas a través de actores disfrazados que iban destruyendo maquetas que bien podríamos haber comprado nosotros en la tienda de trenecitos de nuestro barrio. Eran los medios de una época en la que también la política hizo que se rodasen dos finales, uno para satisfacer al público norteamericano y otro para el japonés. Se llegó a ese filme habiendo solo dos películas de cada uno de los titanes y en ninguna se había visto a Godzilla como un ser salvador o bueno. En 2021 la cosa ha cambiado.
Salvados los escollos sociopolíticos y con una calidad gráfica o visual intachable disfrutamos de una nueva visión de estas colosales criaturas que ha tenido el detalle de imitar algunas escenas originales. Arrancamos con Kong controlado al estilo ‘El Show de Truman’ y con Godzilla atacando a la humanidad y dejando de ser el salvador de la última entrega. Por avatares de la trama ambos acaban enfrentándose Y por suerte en ‘Godzilla vs Kong’ no se pelean en plan lucha libre como en la original, algo que me temía que pudiese pasar ya que el proyecto ha sido llevado a cabo por Adam Wingard, un director que despierta en mi desconfianza tras haber visto su ‘Death Note’ y su ‘Blair Witch’. Hay que reconocer que por fin vuelve a la senda o al cine que le adjudicó el adjetivo de prometedor cineasta.
No merece la pena ponerse en plan académico para comentar una película sustentada por el caos y la devastación gratuíta. Basta decir que para marcar la diferencia ambas criaturas están cargadas casi más que nunca de atributos humanos, de una conciencia y objetivo más elaborados. Y sobre todo os he de advertir que literalmente se han flipado, que hay que asimilar muchas cosas. La factura en luces de neon debe haber sido millonaria (si habéis ido a Cyberdog en Londres será como retornar a esa tienda) y si uno no está acostumbrado a digerir los argumentos clásicos de este género no va a disfrutar de toda la ciencia ficción o los detalles a lo Julio Verne que se han incorporado.
Ya nos adelantaban en los carteles que este Monsterverso tendría un ganador. No soy yo quien os destripe ese resultado, solo puedo decir que el desenlace tiene sorpresa y varias satisfacciones, tanto para fans como para meros espectadores que se acerquen a ver una película de destrucción. En mi humilde opinión el marcador refleja un catenaccio o un juego que se acota demasiado a las modas actuales.
Diría que ‘Godzilla vs Kong’ tiene más metraje de Kong que de Godzilla, dejando por suerte sensaciones más próximas a ‘Kong: La Isla Calavera’ que a ‘Rey de los monstruos’. Igualmente ambos animales pierden horas en pantalla para cedérselas a las tramas de los actores de carne y hueso o de los millones de personas que matan en su contienda y que ni se tienen en cuenta. Toda esta fiesta de edificios derruidos, barcos explotando y aviones derribados está acompañada de uno de los elencos actorales más corales que se haya visto en una película de estos kaijus. En ‘Godzilla vs Kong’ trabajan Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler, Lance Reddick… Precisamente la más pequeña de todas ellas, Kaylee Hottle es la que tiene el personaje más útil para la trama y que se vincula con elementos clásicos de Kong.
En esta producción se han desmelenado y han dado rienda suelta a los argumentos más fantásticos. Hay que pasar por un aro mucho más grande que el propio Godzilla para concebir todo lo que nos van descubriendo y cómo los personajes lo van asimilando. Pero son dos horas que tienen acción, humor, ternura, teorías de la conspiración e incluso misticismo que también gracias a la música de Junkie XL se recorren a zancadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Godzilla vs. Kong. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Wingard. Guion: Eric Pearson, Max Borenstein. Música: Junkie XL. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: acción, crossover. Web oficial:https://www.instagram.com/godzillavskong/
Comentamos las adaptaciones de manga y anime que más nos gustan
Afrontar una adaptación de un manga o un anime a acción real no es nada fácil. Hacer live actions es una tarea que no conlleva solo gestar una buena películas si no también una obra que satisfaga a los lectores o espectadores del material original. A lo largo de las últimas décadas han surgido muchas versiones que tienen incluso remakes sobre títulos ya míticos.
En este nuevo vídeo en directo en el que contamos con Brook (ConCdeCultura y Ramen Para Dos) y Lara Noguera (Elengy Cine) os recomendamos algunos títulos que merecen la pena y hablamos de futuros proyectos así como de los mayores desastres del género.
Hablamos de live actions como ‘Ghost in the shell’, ‘Ace attorney’, ‘Dragon Ball’, ‘Gantz’, ‘Basilisk’, ‘Death Note’, ‘Full Metal Alchemist’, ‘Battle Royale’, ‘Old boy’, ‘Uzumaki’, ‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’, ‘La espada del inmortal’…
Reposición del clásico de Kurosawa a partir del 10 de julio
Una película de Kurosawa volverá a mostrarse en pantalla grande debido al regreso de la actividad de los cines. ‘Dersu Uzala’, ganadora del Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa en la edición de 1975 podrá verse en algunos cines a partir del 10 de julio. Una película que trata el respeto y la comprensión entre etnias además de mostrar como la civilización acaba con la sencilla vida en el bosque.
Un clásico de Kurosawa que junto a ‘Los siete samuráis’, ‘Roshomon’, ‘Yojimbo’ o ‘Vivir’ es un título imprescindible para comprender la filmografía de tan mítico director. Una oportunidad única de disfrutar de manera única ‘Dersu Uzala’.
Está basada en las memorias escritas en 1923 por el explorador Vladimir Arseniev sobre Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen que acompañó a los hombres de Arseniev durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín en Rusia, está protagonizada por Yury Solomin (‘La tienda roja’) y Maksim Munzuk (‘Valentina’).
Sinopsis.
El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que el capitán se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida.
Surgida de un manga creado por Q Hayashida (editado en España por ECC) tenemos ya en Netflixla serie de doce episodios de veinticinco minutos ‘Dorohedoro’. Un anime que os digo desde ya que tenéis que ver si sois consumidores habituales de anime y añoráis las series de los años noventa. También os gustará si os va el estilo directo, el humor macabro y los argumentos estrafalarios y fantásticos. Me ha encantado por ser capaz de devolverme al estilo sin tapujos de hace más de veinte años acompañado además de un dibujo similar al de aquella época e incorporando algunos movimientos y detalles que claro está, son debidos a las técnicas actuales.
Yûichirô Hayashi (‘Batman: Gotham Knight’, ‘Kakeguri’) dirige con algún que otro director de apoyo y Hiroshi Seko (‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’) escribe. Este mundo en el que el estudio Mappa y Netflix nos invitan a entrar está ambientado en la ciudad de Hole (Agujero). Un lugar sucio y se podría decir que futurista desde el que pasamos a otro mundo mágico. Es ahí donde el protagonista es víctima de un experimento de un mago que le deja convertido en un hombre con cabeza de reptil, que además pasa a ser inmune a la magia. Eso despierta el interés de otros magos que empiezan a perseguirle mientras él añora recuperar su memoria y su rostro.
Caiman es un personaje con cabeza sauria que podría haber salido perfectamente de la película de ‘Super Mario Bros.’, por su dibujo y por su carácter. Es un tontorrón y osado protagonista que sigue casi los mismos esquemas de los personajes principales de series como ‘Golden Boy’, ‘Trigun’ o ‘Louie, el guerrero de las runas’. Es osado, a veces inconsciente, algo pardillo y muy glotón. Te partes con él aunque se encuentre embadurnado en sangre en plena pelea.
Se topa con una compañera de armas (Nikaidō) que le ayuda en su búsqueda gracias a sus habilidades y su cocina. Juntos se tienen que enfrentar a todo tipo de magos, con especialidades muy variopintas. Dos de ellos me recuerdan mucho a los personajes Hazel y Cha Cha de ‘The Umbrella Academy’ y también a Travolta y Jackson en ‘Pulp Fiction’. Ningún personaje en esta serie está en sus cabales, todos tienen alguna rareza y eso la hace muy divertida y versátil.
La trama lleva a Caiman a momentos cada vez más peligrosos, según va desentrañando su pasado. Algunas teorías apuntan a que ‘Dorohedoro’ viene de traducir el título por partes: barro (doro) y lodo (hedoro). Podemos aprovechar muy convenientemente la expresión “de aquellos barros estos lodos” para aplicarla a lo que le pasa a Caiman y a las consecuencias derivadas de lo que ha hecho en su pasado.
¿Cómo investiga? Matando y metiendo la cabeza de los magos a los que se enfrenta en sus fauces, para que el hombre que tiene dentro vea si les reconoce y averiguar así si alguno de ellos es el causante de su mágica mutación. Hay mucha sangre y magia entremezclada en este anime. Si la acotamos hay que introducirla en las series de tipo seinen, para adultos. Es un disfrute de momentos ridículos con amputaciones y despellejamientos de caras.
También cabe señalar que es muy rarita. Los magos realizan su magia a través de un humo que exhalan. Y esto pueden hacerlo a través de su boca o mediante heridas autoinfligidas en los dedos, por ejemplo. No solo experimentan poniendo cabezas de pulpo o loro a las personas, también les convierten en kafkianas criaturas como una cucaracha gigante o en setas comestibles. Los magos, por cierto, llevan todos máscaras, algunas de ellas con formas tan excéntricas como un corazón humano o un pavo (si, a lo Friends).
Me ha encantado ese capítulo en el que unos monjes recorren la ciudad cual Moza de Ánimas en La Alberca y luego todo desemboca en una cacería anual de muertos vivientes. Hechiceros, zombies, demonios, mutantes, tecnología ciberpunkarra… Enganchado a ‘Dorohedoro’. Quedo a la espera de ver si os gusta tanto como a mi y si llegan a España las seis OVA’s que van a lanzarse a parte de esta serie, creo que en futuros lanzamientos en formato Blu-ray, porque de ellos va a depender el desenlace de esta historia que por desgracia se ha quedado colgada.
En el programa especial sobre cine basado en cómics que subimos a nuestro canal de Youtube ya os hablamos de la que es la primera película de la franquicia. Los personajes ya han pasado por el formato del manga y el anime (serie) y ahora aterriza en España el filme ‘My Hero Academia: Dos Héroes’.
Su estreno tendrá lugar a partir del 22 de mayo plataformas digitales y Home Video. Podrá adquirirse en iTunes, Google Play, PSN, Filmin, Movistar, Vodafone y Rakuten, además del clásico formato físico DVD y Blu-ray este verano de 2020.
La duración del filme es de 96 minutos y su director ha sido Kenji Nagasaki quien ha dirigido también la serie y la segunda entrega que está por venir.
Mientras que esta primera películaya estaba contemplada por la distribuidora SelectaVisión para lanzarse directamente en formato Home Video, la segunda película de la franquicia ‘My Hero Academia: El Despertar de los Héroes’ se estrenará en cines de toda España tan pronto como la situación sanitaria lo permita, tal como estaba previsto.
Por dentro no tiene el mismo alma y por fuera no es eficiente
Es curioso que el último episodio, el doce, de esta nueva serie sobre ‘Ghost in the Shell’ se llame ‘Nostalgia’. Ya podían aplicarse el ejemplo de su trama, pasar página y dejar el pasado atrás. Porque uno ya no sabe como tomarse el que se retome una y otra vez una historia tan mítica, clásica y referente de la ciencia ficción cyberpunkarra como esta. Todo partió del manga de Masamune Shirow y desde entonces hemos tenido serie de anime, varias películas de animación, videojuegos, el live action con Scarlett Johansson y Takeshi Kitano (crítica aquí)… Ahora Netflix mete mano a este producto y publica ‘Ghost in the Shell SAC_2045’.
Con el tiempo se ha ido perdiendo el toque original de ‘Ghost in the Shell’ y esta ya es una versión desdibujada de lo que debería ser, ya os diré más abajo porqué además esto tiene un sentido literal. Lo que más se nota tras acabar la serie es que no hay una meditación cavilada y desarrollada en esta serie. No es capaz de generar reflexiones como anteriormente. Y aburre. No por sus superficiales divagaciones si no porque se evade mucho de la trama principal o la aborda demasiado desde la diplomacia. Se va a temas como la economía global, el acoso infantil, la crueldad de la gente en la red… pero en momentos puntuales, sin profundizar.
Esta es una nueva historia muy política, algo detectivesca y militar que sucede unos catorce años después de que se disolviese la Sección 9. Por supuesto tiene acción pero es más escasa y vibrante que de a menudo. Al menos la tecnología está constantemente presente y la serie vuelve a sorprendernos con algunos diseños de artefactos muy originales.
El caso es que desde el principio a mi me ha perdido. Y es que no comparto este estilo de animación que se está usando tanto en Japón. Es una estética similar a la que se ha empleado en series como ‘Ultraman’, ‘Los Caballeros del Zodíaco’ o juegos de ‘Dragon Ball’. Y no la veo para nada eficiente salvo por el hecho de que se parece a un dibujo manga al que le han aplicado directamente volumen. Las nuevas versiones de los personajes no cuadran con el paisaje, esto se nota de una manera mayúscula en el último episodio donde tenemos una aldea y un bosque estupendamente realizados y son recorridos por vehículos e individuos hechos pobremente. Los directores de esta serie son Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, ambos directores de ‘Ultraman’. Parece que uno ha estado a cargo de la animación de los elementos móviles tales como vehículos, robots y humanos y otro al mando de los escenarios. Y nadie al timón del doblaje, porque (y hablo de la versión original que es la que está disponible) está fatalmente doblada, con mucho desfase con las bocas que ya de por si tienen un movimiento muy torpe. O bien ‘Ghost in the Shell SAC_2045’ es parca en detalles ahorrando en texturas o bien usa elementos casi realistas, muy contradictorio. Por lo menos las luces están bien trabajadas.
En algunos aspectos procura ser adelantada a su tiempo, como hace con el planteamiento de las llamadas «Guerras sostenibles» o con los movimientos que hace con las monedas a nivel internacional. Usa esto como herramientas junto a una nueva amenaza para volver a reunir una vez más a los miembros de la Sección 9, que acaban por hacer lo mismo de siempre a pesar de comenzar ubicados en un ambiente bien diferente.
Regresan por lo tanto la Mayor Motoko Kusanagi, como siempre algo sexualizada, Saito, Bato, Aramaki, Togusa… Por supuesto se han añadido nuevos personajes, bastante carentes de carisma y que sirven sobre todo a esa trama de politiqueo. A parte están los «posthumanos» que vienen acompañados en sus momentos clave del ridículo sonido de una tecla de piano que no es para nada eficiente.
Si el incidente de «El hombre que ríe» tenía paralelismos con ‘El guardián entre el centeno’ en esta nueva etapa se ha querido enlazar con el ‘1984’ de Orwell, como se ha hecho tropecientas veces. Pero esto sucede prácticamente solo en su tramo final y además de un modo que parece casi superfluo. Si consigues llegar hasta el último capítulo acostumbrándote a los inexpresivos rostros, la trama política presente en exceso y las poco dinámicas peleas comprobarás que encima tras doce episodios nos dejan con un final excesivamente inconcluso. Creo que se logra una cinemática más elaborada con este tipo de animación pero no es tan fluida, se pierden muchos detalles, se transmiten menos sensaciones e incluso se pierde espectacularidad, el precio no vale la pena.
Leo, un joven boxeador que atraviesa una mala racha, conoce a su ‘primer amor’, Monica, una chica que conserva su inocencia a pesar de ser prostituta y drogadicta. Lo que no sabe es que Monica se ha visto envuelta sin querer en una trama de tráfico de drogas, y los dos son perseguidos a lo largo de la noche por un policía corrupto, un yakuza, su némesis y una asesina enviada por las tríadas chinas. Todos sus destinos de entrecruzan.
Crítica
Una oportunidad de 10 para enamorarse de un director de más de100 películas
El rollo de Takashi Miike Se asemeja mucho de Tarantino o al de Ritchie, en cuanto a estilo de guión, número de personajes, violencia… podéis comprobarlo ahora que está ‘The Gentlemen’ en cines. Porque a lo que es en número de películas Miike golea a ambos directores incluso aunque ambos sumen sus títulos. El director japonés tiene un estilo muy definido y reconocible, salvo en ocasiones en las que adapta mangas que limitan su narrativa y a veces hasta con esas. Así que podemos decir que esta es una de sus tramas clásicas en las que tenemos cruces de caminos, golpes de suerte, daños colaterales… y por supuesto sangre y locura. No es un peliculón pero si es una buena ocasión para conocer a uno de los directores más famosos de Japón con una película de características bastante menos «extremas».
‘First love’ es un ya me da igual, un cuando nada vale nada para el protagonista, un boxeador que recibe una fatal noticia y se cruza con una chica que es perseguida por unos yakuzas. Ambos se ven metidos en una persecución con drogas e intrigas de bandas de por medio en la que la locura y la codicia son la nota predominante. En una película normal de Miike ya os digo que os llevarías las manos a la cabeza, pero lo que veis en ‘First love’ está bastante contenido, por raro que parezca.
Y hay que apreciar que Miike vuelve a manifestarse como un esquirol de los sentimientos cuando parece que lo único que nos llega desde Japón son películas intimistas o sensibles, sean estas románticas, dramáticas o fantásticas. No cae en las escenas sensibleras, se mantiene fiel a su estilo dejando notas de surrealismo, de ese que de repente abandona el método de la narración hasta ahora empleado para descolocarnos. Y regresa a sus derroteros más sangrientos y vulgares con decapitaciones y amputaciones tras llevar un tiempo adaptando entorno a una decena de mangas y novelas como ‘Jojo’s’, ‘Los protectores’, ‘La espada del inmortal’ o ‘Terraformars’, que lo suyo tenían también de encarnizadas. Solo él podría tener a un tipo que guarda sus katanas en fundas de ganchillo o haber llevado a cabo ese largo clímax del filme en una ferretería, nada que ver con el de ‘The Equalizer’? ‘First love’ es un filme que apenas para y tiene bastante desenfreno.
Miike no necesita que le pidamos correcciones tipo etalonaje, ya tiene su estilo definido y sabe que gama cromática emplear, de eso no peca. La imagen nos devuelve a esos tonos de luz nocturnos vistos en películas suyas como ‘Ichi The Killer’, con ambientes amarillentos y verdosos. No llegamos tampoco a esos puntos de gore pero la cinta también es sucia y a veces asquerosita.
Los personajes de Miike vuelven a reflejar a un director con humor negro, algún que otro cable cruzado y un gran gusto por la acción. No es su película más autoral, quizá por eso pueda llegar al público más general, es una buena oportunidad para que aquellos que no le conozcan sientan un primer flechazo por su cine, irónicamente cuando sobrepasa los cien largometrajes dirigidos.
Ficha de la película
Estreno en España:13 de marzo 10 julio de 2020. Título original: Hatsukoi. Duración: 108 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Masa Nakamura. Música: Koji Endo. Fotografía: Nobuyashu Kita. Reparto principal: Masataka Kubota, Sakurako Konishi, Becky, Jun Murakami, Nao Ohmori. Producción: Recorded Picture Company (RPC), Oriental Light and Magic (OLM), Toei. Distribución: Barton Films. Género: thriller. Web oficial:https://hatsukoi-movie.jp/
Cierre oriental con ventriloquía moñeca y chaquetera
La mañana del último día ha servido para homenajear uno de los clásicos indispensables de la ciencia ficción, ‘Regreso al futuro’. Para eso y para que muchos niños lo vean por primera vez en su vida, por lo menos en pantalla grande. Y se ha disfrutado gozando todos los momentos míticos de la película de Zemeckis y Gale: el beso del baile del instituto, el puñetazo de George, los acelerones del Delorean, los piques de Marty, la hiperactividad de Doc…
En el momento extremo de la jornada, en el cierre, nos iban a poner una pieza exclusiva de ‘Un lugar tranquilo 2’ pero por problemas técnicos no ha sido posible. De hecho nos ha tocado incluso cambiar de sala para poder acabar con la proyección de la película de clausura. Para amenizar el retraso de una hora una espontánea nos animó a jugar a Spoilers, el juego de mesa.
Por no romper la racha seguimos teniendo perros. No solo Einstein, el tierno canino de ‘Regreso al futuro’, también otros robóticos en ‘Human lost’ y ‘First love’, y un pastor alemán en ‘The boy 2’, que por supuesto han acabado fatalmente para colmo y mofa de los espectadores, porque lo de esta muestra ha sido la repanocha. Nueve perros muertos en diecisiete películas.
Hasta aquí nuestras reseñas de la edición 2020 de la Muestra SYFY. Nos vemos el próximo lunes 16 a las 22h en nuestro Facebook, día en el que realizaremos nuestro habitual directo para hablar de todo lo que ha sido este evento junto a los amigos de Holocausto Zinéfago.
‘Regreso al futuro’
35 tacos cumple la saga realizada por Robert Zemeckis. Algunos hemos crecido con ella, viéndola una y otra vez. La cuestión no es saber si ‘Regreso al futuro’ es una película buena o mala, eso no tiene discusión. El debate es ¿con cuál de las tres te quedas? Pero… ¿es que se pueden separar? Es una trilogía tan homogénea que funciona casi como una sola película que encaja a la perfección.
Cuesta imaginarse a Michael J. Fox y a Christopher Lloyd fuera de un papel que no sea el de Marty McFly y el de Doc. Dos iconos de la ciencia ficción junto al mítico Delorean. Nos han puesto esta película en la muestra y ahora habrá que verse las otras dos entregas, porque con esta han encendido la mecha, o mejor dicho el condensador de flujo.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas, muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Puedo decir que es una de las películas más raras y que más me ha gustado de toda la muestra.
Dirigida por QuentinDupieux, la película nos presenta a un Georges, un hombre con mucho estilo, que junto a su chaqueta de ante con flecos, comienza a filmar una extraña película.
JeanDujardin, es el protagonista de la cinta, «embrujado» por su chaqueta, es capaz de todo para conseguir que ésta sea la única chaqueta del mundo y así poder hacerla feliz.
Si, como he dicho, la película es bastante peculiar y pese a que no tiene apenas acción, no puedes dejar de atender todos los sucesos ya que te engancha desde el principio.
Una buena película y muy divertida que nos deja con las ganas de haber visto el montaje final que de la película que estaba grabando el protagonista.
Takashi Miike vuelve a los tonos de color de algunas de sus películas anteriores como ‘Ichi The Killer’. Retorna también a elementos que son familiares en su cine como los yakuza y los bajos fondos. No abandona tampoco su peculiar sentido del humor, más propio de un manga, con sus detalles surrealistas que de repente se salen totalmente de lo que está pasando en la película.
Obviamente no falta su sentido de la acción y la sangre gratuita. El director japonés brinda momentos retorcidos y algo asquerositos, también habituales en muchas de sus cintas. Muertes colaterales fruto de un cruce fortuito entorno a una historia de amor que desemboca en un clímax dentro de una ferretería llena de tiros y machetazos. Esta descripción solo pueden encajarla con estilo y salir airosos directores de la talla de Miike.
Terminamos la Muestra SYFY con la segunda parte de ‘The Boy’ en donde un muñeco bastante inquietante se convierte en la peor pesadilla de una familia que está intentando superar su propio trauma.
Con el mismo equipo de dirección y guionista llega esta segunda parte llena de tópicos, sustos fáciles que al menos a mi me han funcionado bastante.
Si os dan miedo o grima los muñecos de porcelana, no podréis evitar que Brahms os de bastante mal rollo. Las actuaciones funcionan, KetieHonlmes está bastante bien en su papel de madre preocupada y el niño nos da una buena ración de inquietantes situaciones.
Sí que es cierto, que aunque digo que me ha funcionado en general la película, el final es bastante flojo, terminando muy precipitadamente y sin ningún tipo de sorpresa. A partir del 9 de abril podréis verla y sufrirla en las salas de cine.
Dirigido por Marc Webb (‘Amazing Spider-Man (1 y 2)’
Se va a estrenar ‘Bloodshot’ y se acaba de lanzar en cines también ‘Fansasy Island’ y ambas tienen en común que el guionista es Eric Heisserer. Este escritor es el artífice de títulos como ‘La llegada’ pero también de ‘A ciegas (Bird box)’ o ‘Nunca apagues la luz’ a si es que no sabemos si agradecerle o no su próxima empresa. Y es que está metido en la labor de llevar a cabo el remake de acción real de ‘Your name’ la más que exitosa película anime de Makoto Shinkai.
Marc Webb es quién dirigirá esta película de acción real. El director de otras adaptaciones como ‘Amazing Spider-Man (1 y 2)’ y una futura versión de Blancanieves es quién pondrá su toque a esta película que consiguió superar récords establecidos por películas tan míticas como ‘El viaje de Chihiro’. Tal es así que su recaudación la convirtió en el anime más vendido de la historia.
Ojo porque tras la producción se encuentran Paramount Pictures y Bad Robot (J.J. Abrams). Esta información ha llegado tras una entrevista a Genki Kawamura (productor de la original) al medio Estadounidense Collider. «Como vimos en ‘(500) Días juntos’, Marc tiene un gran talento para contar grandes historias de amor y del mismo modo que los cinéfilos quedaron cautivados por la película original, estamos seguros de que Marc atraerá a los fans del público original y a los nuevos al hermoso viaje de estos personajes» dicen las palabras de Kawamura.
Tras entrar en la universidad, la joven Hinako se muda a una ciudad costera. Le encanta surfear y cuando cabalga las olas no tiene miedo de nada, aunque aún se siente insegura acerca de su futuro. Un día, un incendio siembra el caos en la ciudad y la joven surfista conoce a un bombero llamado Minato. Conforme surfean y pasan tiempo juntos, Hinako se siente atraída por el joven, que vive entregado a ayudar a los demás. Por desgracia, una inesperada tragedia arrebata la vida a Minato dejando a la muchacha completamente devastada. Incapaz incluso de mirar a su querido mar, un día, Hinako canta la canción de ambos y Minato se le aparece en forma de agua. Hinako está feliz de volver a tenerlo a su lado, pero, ¿podrán permanecer así juntos para siempre?
Crítica
Pasteleo, más tragedia, más pasteleo fantástico
Desde Japón nos están llegando últimamente muchos largometrajes de animación y reitero como dije hace poco con la crítica de ‘Los niños del mar’, muchas historias con un toque fantástico, poético y mucho potencial a la hora de mezclar la animación tradicional con las técnicas digitales. En el caso de ‘El amor está en el agua’ tenemos entre manos a la ganadora a mejor película de animación de la última edición del festival de Sitges. Yo no tengo dudas de que habría elegido otros títulos para ese reconocimiento, tanto por el guión como por su calidad visual. Pero de lo que no cabe duda es que es todo un acierto estrenarla en estas fechas, en San Valentín.
La historia de ‘El amor está en el agua’ habla de dos personajes muy relacionados con el H2O, nos habla de una joven surfera que es rescatada por un bombero. Entre ambos surge una historia de amor que es sesgada por una tragedia pero posteriormente suavizada por un giro bastante fantasioso. Se establece un enlace eterno entre ambos enamorados que se mantiene por una canción que ambos cantan juntos y por algo más que se desvela como giro final.
Esta es una película con bastante pasteleo y triángulo amoroso incluido. Si te gustan las historias tipo dorama estarás encantado con esta propuesta ya que es un romance muy desenfadado. Pero aún así acabas bastante harto de oír una y otra vez la canción que cantan los protagonistas. Si no eres capaz de soportar moñadas del tipo «tenemos fundas de móvil que se complementan» no es tu filme. La guionista Reijo Yoshida estuvo más comedida en su adaptación del manga romántico ‘A silent voice’. En este caso emplea las olas del mar como una metáfora, como un símil que nos habla de pasar página. También ejemplifica el cómo los japoneses llevan al extremo las heroicidades y el agradecimiento. Si el filme hubiese explotado más el toque chiflado de su protagonista y no tanto su amorío empalagoso estaríamos ante una película más simpática y llevadera.
El director Masaaki Yuasa creó su propio estudio de animación y ya ha tenido buenos éxitos como el de ‘Lu over the wall’, donde también hay una historia muy relacionada con el agua. Su estilo es muy sencillo, conserva bastante relación con la estética tradicional japonesa aunque sabe buscar nuevos ángulos y enfoques que explotan las posibilidades de la animación digital. No obstante la animación de sus películas no va por los derroteros de lo espectacular sino más bien por conseguir bastante dinamismo en sus escenas y en los movimientos de cámara ya que sus personajes suelen ser algo locuelos.
Me gustaría remarcar la fijación por el agua y los fuegos artificiales en casi todas las películas japonesas que nos están llegando a las carteleras. Es como si estuviesen compitiendo por ver quién recrea mejor este tipo de elementos y artificios. Tanto en ese aspecto como en otros muchos no creo que ‘El amor está en el agua’ sea de lo mejor que nos ha llegado desde el país nipón últimamente, pero no obstante si uno busca romance tiene una buena película.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de febrero de 2020. Título original: Kimi to, Nami ni Noretara. Duración: 94 min. País: Japón. Dirección: Masaaki Yuasa. Guion: Reiko Yoshida. Música: Michiru Ohshima. Fotografía: Toru Fukushi. Reparto principal (doblaje original): Rina Kawaei, Rôta Katayose, Honoka Matsumoto, Kentarô Itô. Producción: Science SARU, Fuji TV, KDDI Corporation, Lawson Entertainment , Shogakukan-Shueisha Productions, Toho. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, romance, fantástico. Web oficial:https://kimi-nami.com/
Ruka, una estudiante de secundaria a la que le cuesta expresar sus sentimientos, visita el acuario donde trabaja su padre y ve a dos jóvenes misteriosos nadando entre las ballenas. Se trata de Umi (Mar) y su hermano Sora (Cielo), que fueron criados por dugongos y parecen escuchar la misma extraña llamada del océano que ella. Este encuentro entre los tres parece activar una serie de fenómenos sobrenaturales como la caída de un meteorito en el océano o el hecho de que toda la vida marina del planeta comience a converger hacia Japón. Pero los hay que saben que estos sucesos están relacionados con Umi (Mar) y Sora (Cielo) y tratarán de utilizarlos en su propio beneficio. ¿Serán capaces los seres humanos de dejar de lado sus diferencias para resolver el misterio de la vida?
Crítica
Un precioso océano la mar de aburrido
¿Alguna vez habéis visto a esos artistas callejeros que con una plantilla y un bote de spray realizan oníricas ilustraciones en un momento? Imágenes cargadas de color, con océanos, grandes planetas, delfines saltando, el yin-yang… Esa y un buen chute de gases CFC pueden haber sido perfectamente la inspiración para ‘Los niños del mar’.
‘Los niños del mar’ cuenta realmente la historia de una sola niña llamada Ruka. Tiene problemas para exteriorizar lo que siente y necesita también sentirse comprendida. Justo en este preciso momento hace se hace amiga de unos extraños niños (Umi y Sora) que han sido criados por dugongos, una criatura marina parecida a los manatíes. Con ellos puede oír una extraña llamada marina tras la que van algunos oceanógrafos y que acaba convirtiéndose en un festival de luces y color que ni un videoclip de Björk y Mike Oldfield juntos.
Nos continúan llegando películas desde Japón que mezclan lo poético y lo fantástico. Recientemente hemos hablado de ‘Weathering with you (El tiempo contigo)’ en la que también veíamos como el agua recreaba la forma de los animales que la habitan. En este caso tenemos una película mucho más metafórica y menos explicativa. Es curioso tener que decir esto cuando se percibe en ella una intencionalidad más científica en el momento de establecer una conexión entre el mar (Umi) y el cielo (Sora), entre la teoría evolutiva (todos venimos de microorganismos del mar) e hipótesis sobre los meteoritos del espacio (posiblemente todos somos extraterrestres). Es en la progresión de la protagonista donde no se percibe la razón de ser del clímax ni del vínculo que se establece. Y mucho menos de la inexplicable escena post-créditos. Se intuyen varias explicaciones pero cogidas bastante con pinzas de cangrejo o retorcidas como la soga de un nudo marino.
Todo surge de un manga de Daisuke Igarashi. Quizá en la obra en viñetas se desarrolle mejor la explicación de la película o le sea más fácil al receptor asimilar el mensaje. Pero no es exagerado decir que aunque el océano que nos rodea es precioso el paseo es la mar de aburrido. Son incesantes los chapuzones que no nos acaban de indicar hacia dónde nos sumerge el largometraje. Y cuando explota todo en su apogeo se convierte en un remolino de filosofeo que para ser comprendido o bien hay que estar muy en sintonía con la cultura japonesa o tener una mente místicamente abierta.
Ténicamente es por done se le pueden buscar las alabanzas a ‘Los niños del mar’. Tiene puntos en común con Studio Ghibli. Igarashi, el autor del material original, siempre ha buscado su inspiración en la naturaleza, como bien se percibe en la inmensa mayoría de obras de Ghibli. Eso a nivel visual llama muchísimo la atención. Además artistas como Shinji Kimura o Ken’ichi Konishi vienen de participar en el departamento animado de títulos como ‘El castillo ambulante’, ‘Mi vecino Totoro’ o ‘El viaje de Chihiro’. Si queremos ir más allá, ampliando nuestros sentidos, la banda sonora ha corrido a cargo de un compositor llamado Joe Hisaishi que ha compuesto la música de grandes títulos como ‘Porco Rosso’, ‘El viaje de Chihiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Mi vecino Totoro’, ahí es nada.
Su diseño está a caballo entre lo tradicional y lo moderno, frase muy clásica cuando lo que tenemos entre manos viene desde Japón. El dibujo realmente tiene un trazo impreciso, incluso a veces se podría decir que parece garabateado. Los personajes poseen rostros que en ocasiones están desfigurados, con facciones exageradas, con frentes, ojos o manos muy grandes. Aún así la belleza de las imágenes de ‘Los niños del mar’ es innegable. Nada más ver el primer fotograma o sus fondos que parecen sacados de algún óleo de un museo nos damos cuenta del potencial artístico del filme. Se nota el artificio digital cuando juega con sus luces o emplea giros de cámara imposibles o muy laboriosos para la animación tradicional. Pero las técnicas de ahora aportan para bien, en el sentido de que nos ofrecen perspectivas más ricas.
Armas no le faltan a esta película que quizá ha pagado el pato de contar con un director (Ayumu Watanabe) y un guionista (Hanasaki Kino) que se enfrentan a su primer largometraje animado. Quizá para la siguiente pulan la manera de narrar su historia o de ser menos crípticos.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2020. Título original: Kaijû no kodomo. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Ayumu Watanabe. Guion: Hanasaki Kino. Música: Joe Hisaishi. Reparto principal (doblaje original): Mana Ashida, Hiiro Ishibashi, Seishû Uragami, Win Morisaki, Yû Aoi, Sumiko Fuji, Gorô Inagaki, Min Tanaka, Tôru Watanabe. Producción: Studio 4ºC. Distribución: Selecta Visión. Género: aventuras, fantástico, animación. Web oficial:https://www.kaijunokodomo.com/
Netflix anunció hoy que, a partir del 1 de febrero, traerá una colección de 21 películas de Studio Ghibli, el estudio de cine del autor japonés ganador del Óscar, para los miembros de todo el mundo (excepto EE. UU., Canadá y Japón) a través de su socio de distribución Wild Bunch International, como parte del esfuerzo continuo por ampliar el catálogo de películas de animación de gran calidad.
Por primera vez, el creciente catálogo de Studio Ghibli contará con subtítulos en 28 idiomas y 20 en doblaje. Esta asociación permitirá que los seguidores en Asia-Pacífico, Europa, Medio Oriente, África y Latinoamérica disfruten en su idioma de aclamados clásicos como el ganador del Óscar ‘El viaje de Chihiro’, ‘La princesa Mononoke’, ‘Arrietty y el mundo de los diminutos’, ‘Nicky, el aprendiz de bruja’, ‘Mi vecino Totoro’ y ‘El cuento de la princesa Kaguya’, entre otros.
El productor Toshio Suzuki de Studio Ghibli explicó: “Hoy en día se puede llegar al público de muchas, y grandiosas, formas. Escuchamos a nuestros fans y tomamos la decisión de que el catálogo llegue al streaming. Esperamos que, con esta experiencia, todo el mundo descubra el universo de Studio Ghibli”.
Vincent Maraval, CEO de Wild Bunch International, dijo: “Tras encontrar al mejor socio digital para Studio Ghibli, nuestros colaboradores más valiosos y leales en los últimos 20 años, el equipo de Netflix nos convenció con su amor y energía de buscar las mejores formas de promocionar en todo el mundo este increíble catálogo respetando la filosofía de Studio Ghibli”.
Aram Yacoubian, director de Animación Original en Netflix, comentó: “Studio Ghibli es conocido en el mundo por crear películas animadas originales de gran impacto visual que conquistaron al público durante más de 35 años. Nos entusiasma y enorgullece facilitar el descubrimiento de este catálogo, y creemos que estas obras de arte resonarán en todo el mundo ahora que están disponibles en más idiomas. Esperamos con ansia presentar los mundos y protagonistas mágicos creados por los artistas de Studio Ghibli a una nueva generación de fans”.
Las películas de Studio Ghibli se estrenarán en Netflix en las siguientes fechas:
1 de febrero de 2020
El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Nicky, la aprendiz de bruja (1989), Recuerdos del ayer (1991), Porco Rosso (1992), Puedo escuchar el mar (1993), Cuentos de Terramar (2006).
1 de marzo de 2020
Nausicaä del Valle del Viento (1984), La princesa Mononoke (1997), Mis vecinos los Yamada (1999), El viaje de Chihiro (2001), Haru en el reino de los gatos (2002), Arrietty y el mundo de los diminutos (2010), El cuento de la princesa Kaguya (2013).
1 de abril de 2020
Pompoko (1994), Susurros del corazón (1995), El castillo ambulante (2004), Ponyo en el acantilado (2008), La colina de las amapolas (2011), El viento se levanta (2013), El recuerdo de Marnie (2014).
Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder. «Oye, todo se despejará ahora». Poco a poco, la lluvia se detiene y el paisaje urbano emite un hermoso resplandor. Hina tiene el poder de despejar el cielo simplemente rezando…
Crítica
MakotoShinkai se consolida como un poeta de lo visual y de lo fantástico
MakotoShinkai fue el director del gran éxito de animación japonesa ‘Your name’. Ahora bajo el sello de la misma productora, CoMix Wave Films, estrena nueva película en España tras pasar por varios festivales permaneciendo muy en la línea de su último trabajo. ‘El tiempo contigo’ supone una historia de amor con mucho toque fantástico que además rinde homenaje a aquellos que aman lo misterioso y lo desconocido.
A parte de ‘Your name’ (algunos personajes de esta se cruzan con los de ‘El tiempo contigo’) va muy en sintonía con películas modernas como ‘A silent voice’, ‘Quiero comerme tu páncreas’, ‘Mirai’ o ‘Fireworks’. Simulación de amplios movimientos de cámara, ambientes realistas, argumentos con protagonistas adolescentes, muy vivarachos y casi siempre, no en todos los casos, con un componente de ciencia ficción que les une. Pero sobretodo es la gran capacidad visual de los estudios nipones la que hace que estemos ante una nueva generación de portentos animados. En concreto en ‘El tiempo contigo’ se ha hecho un espectacular trabajo con la ciudad de Tokio, las nubes y con elementos como el agua o la luz. Son muchas las escenas en las que el líquido elemento está muy presente, constantemente diría yo, pero hay otros espectáculos como los fuegos artificiales, que últimamente aparecen en casi todos los animes.
Esta película que Japón quiere poner en los Oscars 2020 se ambienta en un extraño verano de aguaceros y tormentas. La lluvia no cesa mientras conocemos a un huidizo chiquillo, un reportero de lo insólito que trabaja con su sobrina y una joven que es capaz de detener la lluvia por unos instantes en la zona en la que se halla. La concepción de los personajes está bastante estilizada y siempre están rodeados de ricas texturas y de una alta cantidad de detalles. Los japoneses son considerados por películas así como maestros de la animación.
Reconozco que me trago todo tipo de cine, pero en concreto en el anime me ganan más con una narración tipo Seinen o Shōnen. Está claro que el género al que pertenece ‘El tiempo conmigo’ no es mi género, está más cerca del anime del tipo Shojo con una historia de amor como hilo central. El título no habla solo de la capacidad de la protagonista para parar la lluvia, también habla del periplo de tiempo que pasan los protagonistas juntos y que sirve para desarrollar un amorío. El filme tiene también un ligero toque de los animes Ecchi, por el carácter tontorrón y a veces mirón de su protagonista masculino. Es un anime que puede parecer para adolescentes pero tiene toques muy adultos . Shinkai ha logrado moverse bien en estos parámetros generando un interés continuo, no aburre, no llega a ser pasteloso, del tipo Shojo i josei.
El director ha vuelto a emplear una banda sonora realizada por Radwimps. No es que yo tienda a disfrutar los temas pop pero al menos los de este filme no te sacan de la historia y no se abusa de ellos. En lo que se refiere al resto de canciones que componen la música de la película me parece muy correctos, acompañan a la poesía visual que domina el filme.
No sé si llegará a los Oscar, desde luego de hacerlo no creo que se imponga a películas como ‘Parásitos’. Pero al menos ya ostenta el logro de ser la primera película anime estrenada de un modo oficial en cines de la India, alguna tenía que conseguirlo y esta no es moco de pavo.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Tenki no ko (Weathering With You). Duración: 112 min. País: japón. Dirección: Makoto Shinkai. Guion: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Ryôsuke Tsuda. Producción: CoMix Wave Films. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, drama, fantasía. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/prensa/post/el-tiempo-contigo
El 15 de mayo llegará a los cines españoles la película más esperada de Lupin III, el ladrón más elegante que se ha convertido en un icono a nivel internacional. Basada en el famoso manga de Monkey Punch, Lupin III y su banda se embarcan en una nueva aventura, por primera vez en animación 3D y bajo la dirección de Takashi Yamazaki (‘Doraemon: Stand by Me’ y ‘Friends’).
Su distribuidora, Selecta Visión ya nos ha hecho llegar un póster.
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
Seguimos el camino de Aaron Paul para finalizar el festival
Aaron Paul ha demostrado hoy en Sitges ser todo un profesional. Tras un día viajando y enterarse al llegar a su hotel de la muerte de su compañero Robert Foster ha sido capaz no solo de asistir a todos los eventos de su programa si no de mostrarse divertido y abierto a todo tipo de preguntas o peticiones. Aún así tuvo palabras muy afectuosas para el recién fallecido actor.
Su película ‘El camino’ se estrenó justo el día antes y ha marcado el regreso a su archiconocido personaje de ‘Breaking Bad’, Jesse Pinkman. Sobre esto ha declarado que «Vince Guilligan no tiene que hacer nada para convencerme. Era algo que él tenía planeado. Hace dos año me lo sugirió y le dije que le seguiría basta el fondo de un abismo, me ha dado una carrera y le confiaría mi vida». A esto añadió que no tengo ni idea de cómo conseguimos mantener el proyecto en secreto dado que rodábamos en el exterior. Nos ayudo que hacía tiempo que se había acabado la serie. Mis conocidos me preguntaban que estaba grabando y yo decía, nada in proyecto indie, personal… Al final pudimos decir que la habíamos colado».
«Hay muchos personajes que me gustaría que apareciesen pero confiaba en Vince, el sabe lo que hace y no iba a meter a nadie con calzador o que no fuese necesario» dijo sobre el elenco que aparece en la película de Netflix. «Este es el fin para Jesse Pinkman, es un regalo para la audiencia. El propósito era clausurar su historia. El final de la serie es precioso, tengo una opinión obviamente sesgada pero lo pienso así» añadió.
«No tengo ni idea de que va a ser de mi carrera. Espero que me sigan llevando trabajos que me lleven a otros límites. Espero tener otra hija y viajar por todo el mundo» comentó tras este punto final para su personaje. Añadió después que «voy a hacer una serie para Apple con Octavia Spencer, es mi primer trabajo original. Estoy también en la tercera temporada de Westworld, fue un rodaje de locura».
Sobre la serie que co-protagonizó y que a tantos nos ha gustado desveló que «cuando leí el piloto pensaba que conocía al personaje. Pero después de muchos episodios vimos como se habían formado capas en él. Yo había comido y bebido al personaje, me forcé a crear un contexto, pero con la película hemos entrado en un capitulo que me ha ayudado a comprender el infierno que ha vivido». Además le preguntamos sobre cómo es trabajar con Bryan Cranston con quien lanzará una bebida (Dos hombres) próximamente: «Ese tipo fue mi mentor y le amaré hasta morir. Es la persona más inmadura al trabajar que conoceré en mi vida pero también de las más profesionales. Trabajar con él fue como estar en un continuo taller de interpretación».
Por sorpresa y a pesar de estar visiblemente afectado en su salud, se ha plantado Dario Argento en Sitges. El maestro del terror italiano ha estado acompañado de AntoniaLava para presentar un teaser y hablar de uno de sus próximos trabajos. «Hemos hecho un teaser que es un regalo a Sitges, a su público» dijo Lava. El vídeo que hemos visto dura 27 segundos y Dario Argento se partía de risa al verlo en la sala.
La serie que va a realizar junto a Lava es una co-producción italiano y española. «Voy a rodar en Barcelona, habrá un director español y técnicos de aquí, por eso me parecía buena idea venir a presentarlo al festival. Aunque mi idea sería que más que un español fuesen dos y que se encargasen de la parte final que es la más difícil» afirmó el mítico director italiano.
La pregunta era fácil que surgiese ¿qué es el Giallo para ti? «Es una especie de thriller, en el que no se sabe quién es el asesino. Es elegante, bello, con mucha atención especial a las mujeres. Colores bellos. Ha habido muchas interpretaciones de giallo en Estados Unidos pero es eso» respondió. Actualmente está surgiendo muchas películas que imitan el género italiano. «Estamos viviendo un renacer del giallo y por eso me persiguen para hacer una película. Pero yo quiero hacer algo que realmente me interese» dijo rotúndamente.
También se ha dado a conocer en esta jornada el palmarés de la 52ª edición, podéis consultarlo aquí. Seguidamente podéis leer las últimas películas que hemos visto des este Sitges 2019.
Un epílogo que cierra una serie que fue cerrada de manera elegante y con una especie de cliffhanger. ‘El camino’ es una perla para aquellos que aman ‘Breaking Bad’ o tienen frescos sus detalles ya que rescata varios elementos que vimos durante sus 5 temporadas.
Aaron Paul demuestra de nuevo lo buen actor que es y nos remonta con una joven nostalgia al personaje de Jesse Pinkman. La película de Vince Gilligan funciona a pesar de la pérdida de Heisenberg (Bryan Cranston) y se mantiene esa sensación de que Jesse no era el lumbreras de la asociación pero sí que como un perro acorralado sabe salir de sus embrollos. No es un título esencial para comprender la que se considera una de las mejores series de la historia pero si funciona como bálsamo para el intenso final que mantuvo en vilo a millones de personas.
Estas reglas son las que deben respetar las dos protagonistas de ‘Braid’ si quieren salir con vida de la casa donde su extraña amiga de la infancia vive y donde van a refugiarse al estar buscadas por la policía.
A partir de entrar en la casa nuestras protagonistas tienen que enfrentarse a diferentes juegos que inventa Daphne, llegando a ser torturadas y llevadas a la locura. Esta locura se termina convirtiendo en la gran protagonista de la cinta dando imágenes y situaciones bastante absurdas y muy llamativas. Eso sí, todas ellas llenas de sangre, muertes y con una gran puesta en escena.
Las tres protagonistas son MadelineBrewer (‘El cuento de la criada’), ImogenWaterhouse (‘Animales nocturnos’) y SarahHay (‘9-1-1’). La película se deja ver, quizás no sea de lo mejor que he visto en el Festival, pero sinceramente me la esperaba mucho peor.
Vuelve la Familia tan querida (sobre todo por los mayores) a las grandes salas, esta vez en formato película de animación.
Dirigida por GregTiernan y ConradVernon (‘La fiesta de las salchichas’) esta Familia Addams deja mucho que desear, al menos para los que tenemos en el recuerdo las dos cintas de los años 90. Han intentado mostrar en todas las imágenes escenas un tanto macabras, pero no logran dar ese toque siniestro a esta historia que está más pensada para un público demasiado infantil.
En su versión original escuchamos las voces de CharlizeTheron, que está maravillosa hasta doblando, OscarIsaac o Chloë Grace Moretz, sin duda el personaje peor interpretado. Y ya lo de la música de SnoopDogg es otra manera de vender la película que más bien pega para un ‘Hotel Transilvania’.
SABU nos ha demostrado a aquellos que no habíamos visto sus películas que es un portentoso director. Tras divertirnos con la rareza que es ‘Dancing Mary’ hemos podido comprobar con ‘JAM’ que sabe hacer diversos tipos de historias. En concreto esta consiste en una de esas difíciles narraciones que cruza los caminos de distintos personajes.
El filme está tremendamente bien montado y su guión no deja fleco alguno. Observamos el destino de tres jóvenes que tienen diferentes problemas pero múltiples nexos en común. ‘JAM’ nos muestra unos saltos de trama a lo ‘Pulp Fiction’ para después guiarnos por una venganza a martillazos como en ‘Old boy’ y seguir contándonos una historia a lo ‘Misery’, pero no se queda ahí.
Tres visiones diferentes de Japón con pellizcos de humor y golpes de acción. Una idea que da para más y que próximamente hemos podido saber que SABU continuará explotando. Lo deseamos y lo veremos.
Las sectas y los sueños entran en juego en este filme ruso dirigido por el debutante PavelSidorov. Pero lo que más se impone son los miedos y el trauma, sobre todo en el trasfondo de la protagonista que bien poco nos ayuda a sentir su situación dada su actuación falta de expresividad y espontaneidad.
Buena puesta en escena es la que nos regala ‘Quiet comes the down’ no obstante resulta demasiado esclarecedora, da excesivas pistas y se huele el pastel tremendamente pronto. Una pena pues la historia de partida es muy atractiva y original, es como un ‘Inception’ versión terror con una mitología propia tras ella.
La niña de ‘The ring’ (versión japonesa) continúa sus andanzas en el cine y tras varias entregas y un enfrentamiento contra Kayako (el fantasma de ‘El grito’) tiene porfin una película con su nombre. Un filme que ha dirigido el director de las primeras partes (Hideo Nakata)
Está muy lejos de lo que fue a finales de siglo esta niña melenuda y de lo que a principios conseguía su director con películas como ‘Dark water’. La película es tan poco coherente con las «normas» del fantasma que nos descoloca. A parte de tener fallos de guión las actuaciones son de muy bajo nivel . Llega a ser incoherente y a repetir los pasos de entregas anteriores eliminando así cualquier factor sorpresa o giro de guión que aporte algo de riqueza a esta saga.
Ni siquiera incorporando elementos tan modernos como la profesión de youtuber logra ser ingeniosa o novedosa. Aunque hay que admitir que la única secuencia salvable es la del vídeo viral que filma uno de los personajes.
Esta nueva película de supuesto terror adapta la última novela de la saga de Koji Suzuki. Esperemos que sea la última y dejen descansar a Sadako en paz.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
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