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Crítica: ‘Pig’

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En ‘Pig’, Rob ha dejado su pasado atrás. Ahora vive en los salvajes bosques de Oregón, junto a un pequeño cerdo cazador de trufas. Juntos llevan una vida de lo más rutinaria y normal, salen al bosque, encuentran trufas y viven alejados del mundanal ruido en una pequeña cabaña. Sin embargo, un día Rob es atacado y cuando despierta se da cuenta de que se han llevado a su cerdo.

Crítica

Ver a este Nicolas Cage tan tierno y contenido es tan fortuito y afortunado como encontrar una trufa por el bosque

Si recurro a vuestra memoria para que rescatéis mentalmente la trilogía tailandesa ‘Ong-Bak’ o las películas paralelas llamadas ‘Thai Dragon’ tendréis en mente el cariño que le tenían esos jóvenes protagonistas a su elefante o al Buda de su aldea. El argumento o punto de partida de esos repetitivos filmes de Tony Jaa es casi calcado al de ‘Pig’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage. La inmensa diferencia reside en que aquí no tenemos acción, a si es que no esperéis una búsqueda tipo cruzada de Liam Neeson en ‘Venganza’, ni una parodia involuntaria como terminan siendo los filmes de este Coppola. Este es un sentido thriller con un objetivo bastante desmoralizador.

Nicolas Cage se convierte en un ermitaño que vive en el bosque junto a su cerdo trufero. Con una vida reducida al mínimo y sin complicaciones ambos cohabitan plácidamente una destartalada cabaña. Hasta que, como si hubiese entrado un zorro en un gallinero, el cerdo es secuestrado por la noche. La trama de ‘Pig’ consiste en mantener el suspense, en ir tirando del hilo para descubrir dos cosas. La primera una obvia, quién tiene al gorrino. La segunda es desentrañar la identidad y el pasado del protagonista.

En ‘Pig’ tenemos al Nicolas Cage más serio y contenido de los últimos años, más aún que en ‘Color out of space’, sobre todo porque no hay componente fantástico. Contenido en el sentido de que interpreta a un personaje solitario y silencioso, con un comportamiento taciturno y calmado. El hombre que tiene que esbozar deja poco margen para las extravagancias del actor, de hecho modula muy bien su voz. Además, vive en continua complicidad con su cerdo trufero, el cual, además de ser una herramienta de trabajo es una fiel compañía. Ahí entra en escena una ternura inusitada para el actor. A si es que ‘Pig’ es una película para entretenerse con Nicolas Cage pero de un modo muy distinto al que nos tiene acostumbrados.

El otro aliciente de esta película es el de tener un primer affaire con el director que prepara la tercera parte de la ya saga ‘Un lugar tranquilo’. Michael Sarnoski es el nombre a recordar para cuando hablemos del relevo de las películas del nuevo Sr. Fantástico, John Krasinski. El toque sucio, campestre, oscuro y deprimente que tiene ‘Pig’ podría encajar con esas películas post-apocalípticas. También lo silencioso que está Cage (algo que sin duda favorece su interpretación). Conseguir que el actor no use sus ademanes habituales me parece todo un logro en la dirección.

Por último, otro incentivo para ver este filme es la inclusión de Alex Wolff en el reparto como escudero de Cage, como su Sancho Panza. Es uno de los protagonistas de ‘Hereditary’ que además ha estado trabajando en buenos títulos desde la película de Ari Aster, como ‘Tiempo’ o ‘Jumanji: siguiente nivel’. El interés en ver cómo progresa en su carrera radica en que le veremos dentro de poco en la próxima película de Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’. Y promete tener papeles protagónicos importantes en un corto espacio de tiempo.

‘Pig’ es una triste historia enmarcada en una Norteamérica decadente. Cada capítulo lleva títulos de suculentos platos y cada episodio va aderezado con alguna escena de lo más deprimente. Es muy bueno el cara a cara que tiene Cage con el cocinero Derek interpretado por David Knell. En resumidas cuentas, este filme tiene una profunda reflexión y no es otra que todos elegimos vivir una realidad u otra, todo depende de qué pensamos que nos hará felices. Sobre todo nos habla de los falsos sueños que nos hacen vivir vidas falsas. Toda una sorpresa pues muy pocos esperarán algún tipo de argumento meditabundo en una película con Nicolas Cage.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Pig. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Vanessa Block, Michael Sarnoski. Música: Alexis Grapsas, Philip Klein. Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Nina Belforte, Gretchen Corbett, Dalene Young, Julia Bray, Darius Pierce. Producción: Al-Film, Altitude Film, BlockBox Entertainment, Endeavor Content, Escape Artists, Hungry Bull Productions, Pulse Films, Saturn Films, Sweet Tomato Films, Valparaiso Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/pig 

Crítica: ‘Detective Conan: La novia de Halloween’

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La historia gira en torno a la boda de los Detectives Sato y Takagi, la cual se ve interrumpida por un asalto del que acaba llevándose lo peor este último. Mientras tanto, se produce una fuga de cárcel en la que está involucrando el perpetrador de un atentado, y Rei Furuya se cruza con una misteriosa persona disfrazada que acaba poniéndole un collar explosivo. A medida que Conan y los suyos empiezan a investigar todos los hechos, se convierten en el objetivo de un grupo muy peculiar.

Crítica

Continuando con las peripecias de un personaje ya imprescindible del anime

Vuelve el detective shōnen, si es que se ha ido alguna vez este exitoso personaje. El pequeño, pero adulto investigador, sigue con sus pesquisas cerrando casos y usando el nombre prestado del creador de Sherlock Holmes para intentar escudriñar quienes son los Hombres de Negro, aquellos que devolvieron su cuerpo a como era cuando tenía siete años.

Decía que este personaje no ha llegado a irse porque ya son más de veinticinco películas y un anime, además de videojuegos, basados en el manga de Gōshō Aoyama. La animación se ha modernizado y se mantienen los trazos clásicos y los colores habituales, sin propasarse con efectos 3D o excesivos artificios digitales e incluyendo detalles de todo tipo, como las bandas sonoras para personas invidentes y demás arquitectura nipona actual, incluida la estatua de Hachiko. Aunque se ve un acabado actual y el director ha animado películas como ‘El tiempo contigo’ el sabor que perciben nuestros ojos es el de siempre.

La historia también se sigue manteniendo igual de divertida, con los mismos elementos, al fin y al cabo el segundo director es el propio Gōshō Aoyama. Sigue funcionando este detective noventero que usa artilugios tipo Batman y se sirve de sus amigos, aunque no todos conozcan su verdadera identidad. Bien es cierto que hay que saber bien cuál es el rollo de esta serie para que sea un buen entretenimiento para todas las edades y además dada la época en la que se enmarca quizá habría sido un estreno más apto para finales de octubre.

Este es un episodio más en las aventuras del Detective Conan. No aparecen los Hombre de negro que le envenenaron e involuntariamente le encogieron a si es que su trama no avanza en ese sentido. Es un detalle raro el que ha hecho que el protagonista tenga el aspecto de siete años pero con eso me refería con que hay que saber lo que hay para disfrutar la película ya que como es obvio la película tiene momentos propios de las extravagancias del anime, pero no os perderéis. De hecho en los títulos de crédito iniciales se hace una breve introducción para neófitos.

“La verdad… siempre se acaba sabiendo” dice el Detective Conan, una frase también propia de Poirot. De manera similar este pequeño tiene imán para los asesinatos y los misterios. La trama tiene sentido del suspense o del misterio sembrando pistas y sospechosos. Quizá cautive a los más pequeños si estos no se pierden entre todos los personajes, en el caso de los adultos es una lástima que el título sea excesivamente revelador. Además comienza con un cliffhanger que tarda en ser recuperado e incorporado a la vida del Detective Conan.

No es un anime lleno de acción, efectos o gags cómicos por lo que se encuentra mucho más ceñido al estilo de los noventa que al actual. Considero que es no es malo, pues puede ser un entretenimiento más enriquecedor para los pequeños que se están adentrando en la animación japonesa que otros títulos más vacíos y ruidosos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Meitantei Conan: Halloween no Hanayome. Duración: 111 min. País: Japón. Dirección: Susumu Mitsunaka. Guion: Takahiro Ōkura. Reparto principal (doblaje original): Minami Takayama, Chafûrin, Tôru Furuya, Megumi Hayashibara, Kazuhiko Inoue, Yukiko Iwai, Rikiya Koyama, Naoko Matsui, Shin’ichirô Miki, Wataru Takagi, Ikue Ôtani, Wakana Yamazaki. Producción: TMS Entertainment. Distribución: Alfa Pictures. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://www.conan-movie.jp/

Crítica: ‘La noche más larga’

Buscando una nueva casa de papel han conseguido un remake, del remake, del remake…

Esta nueva producción española llamada ‘La noche más larga’ se define como una miniserie, por tener solo seis episodios, pero no podemos considerarla como tal pues la trama no se cierra en esos seis capítulos. Es un duelo de bandos en una prisión que queda abierto para segunda temporada. Netflix lanzará esta primera temporada el 8 de julio y ni la plataforma ni los showrunners lo reconocerán nunca, pero este es un clarísimo caso de intentar crear un nuevo fenómeno como el de ‘La casa de papel’, pero les ha salido una versión estirada de ‘Asalto al distrito 13’.

‘Asalto al distrito 13′ es una película de 2005 que versionaba un filme de 1976 llamado ‘Asalto a la comisaría del distrito 13′, dirigido nada más y nada menos que por John Carpenter. Ese título a su vez provenía de un clásico de Hawks, ‘Río Bravo’ que el propio cineasta ya se encargó de repetir con algunos cambios en ‘El Dorado’. Los guisonistas Guionista Xosé Morais y Victoriano Sierra Ferreiro, autores de ‘Néboa’, calcan la fórmula y ya pueden innovar para la segunda parte, porque esta ni destaca entre tanto remake ni se ha distanciado lo suficiente con la obra de Álex Pina como para resultar fresca.

En ‘La noche más larga’ un asesino en serie famoso, perteneciente a una organización, no se resiste a su detención y va a la cárcel. El arresto de “El Caimán”, que así se llama, pone en jaque a ciertas personas y hace que se ejecute un plan. Comienza así un thriller que transcurre en una noche, la de Navidad. En medio de este conflicto está el director que estaba a punto de celebrar la nochebuena con sus hijos. Lo que parece iba a convertirse en una versión española de ‘Jungla de cristal’ sigue el mismísimo esquema de los remakes que he comentado. Si tenemos en cuenta que a lo ya contado le sumamos la típica tensión entre internos y funcionarios y además componentes externos interesados en el recién apresado vemos que esto es muy similar a la película de Jean-François Richet o Carpenter. Incluso mantiene el dilema para el protagonista que se ve dividido por una doble moral, por lo personal y lo profesional, por el valor de una vida u otra.

El director Oscar Pedraza (‘Sky rojo’, ‘Patria’) se mueve bien por los escenarios recreados para dar vida a la Prisión Psiquiátrica Monte Baruca. La historia refleja bien la presión del protagonista que tiene que dirigir un manicomio y además cuidar a sus hijos en Navidad durante de la vorágine que se genera. Esta es una situación de esas de planes rotos, de improvisaciones y de muchos intereses e interesados. Cuando mejor funciona la historia es cuando se mueve entre presos, guardias y demás personajes “secundarios”, irónicamente no es cuando se centra en los dos protagonistas interpretados por Alberto Ammann y Luis Callejo. No es por ellos, sino por que es mucho más interesantes el arco del resto de protagonistas. No obstante, cabe señalar que lo de Luis Callejo como villano sin escrúpulos es dar en la diana. Da el perfil de psicópata y sociópata de película frío y calculador. También es remarcable el papel de Daniel Albaladejo como Cherokee y el de Xabier Deive como uno de los guardias más veteranos de Baruca.

Lo que más me ha decepcionado no es ni su falta de originalidad ni su descarado intento por convertirse en fenómeno de masas. Es el hecho de que peque en no darse cuenta de que más es menos. Se introducen demasiados componentes, se intenta rizar el rizo y estirar el chicle. ‘La noche más larga’ está repleta de coincidencias convenientes que hacen que la trama se alargue con giros y más giros, de los ya clásicos detalles de diversidad e inclusión de Netflix, los típicos romances de las series españolas… No es una copia pues en vez de transcurrir en una comisaría se ubica en una prisión/manicomio o en vez de localizarse en nochevieja sucede en nochebuena. Sutiles cambios que, al menos para mí, no son suficientes.

Crítica: ‘La batalla del lago Changjin’

Sinopsis

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Invierno de 1950. En la gélida región del lago Changjin de Corea del Norte, comienza una sangrienta batalla entre Estados Unidos y China. Pese a las condiciones climatológicas extremas, la falta de alimento y la gran diferencia de armamento, las tropas chinas avanzan con espíritu intrépido y voluntad de hierro en la que fue una de las batallas más violentas de la Guerra de Corea.

Crítica

Un ‘Pearl Harbour’, ‘Enemigo a las puertas’ o ‘Bandera de nuestros padres’ made in China

Con ‘La batalla del lago Changjin’ estamos hablando de la que se considera una de las contiendas que definieron el desenlace de la Guerra de Corea. En 1950, cuando la guerra llevaba seis meses, en el embalse de Chosin se libró un enfrentamiento a bajas temperaturas que se prolongó durante diecisiete días. Aquello terminó con muchas bajas chinas y con los Estados Unidos y sus aliados de la ONU poniendo pies en polvorosa viendo su intento de reunificar Corea frustrado. A eso es a lo que los historiadores (occidentales) llamaron «el mayor movimiento de evacuación por mar de la historia militar de EE.UU.», como una especie de Dunkerque.

¿Es propaganda? Por supuesto. Esta película es todo un ensalzamiento de una nación, de hecho, ha formado parte de la celebración de los cien años del Partido Comunista de China. Pero llevamos tragando esto por parte de los yankees durante décadas, si ellos pueden… ahora les toca ser vistos como los villanos. No soy experto en la Guerra de Corea y tampoco había que ser experto en la de Vietnam o las Guerras Mundiales para darse cuenta de que lo que nos están narrando es la versión sesgada del país que protagoniza y produce la película. Salvo contadas excepciones casi nunca hay autocrítica en estos largometrajes. Y cualquiera se atreve en la China de las reprimendas a poner en entredicho este episodio histórico. Al margen de la intención propagandística y del lavado de cara está otra cuestión. Si hay un síntoma de que la China Comunista ya no es la China Comunista que promovió Mao es este. China está volcada en la comercialización y el hecho de que lance a nivel mundial este tipo de superproducciones, siguiendo el ejemplo de USA, supone una gota que cae en un vaso ya colmado. China es autoritaria, sí, pero de comunista ya tiene más bien poco.

¿Y se ve ese autoritarismo en el filme? Que va. Como decía no hay crítica en esta cinta, se ve clarísimamente que estamos viendo unos hechos reales maquillados. En la era de Internet y con la documentación que hay es difícil cambiar la imagen de lo que ha pasado en una guerra, que se lo digan a Putin con lo inútiles que son sus comunicados que quedan desmentidos en cuanto vemos lo que nos llega sobre Ucrania desde los smartphones de los que están a pie de campo. Pero también es cierto que hablamos de una batalla entre dos países muy cerrados al mundo, sobre todo en esa época.

‘La batalla del lago Changjin’ es la película china más taquillera de la historia con más 900 millones de dólares recaudados. También es la más cara, probablemente debido al número de extras y efectos especiales. Debe ser que los que aparecen en el filme no han decidido trabajar gratis, en plan todo por su patria. Así si debieron avanzar las victoriosas tropas Chinas que tal y como cuenta la historia, la que venden en el bando yankee, eran innumerables. Las bajas alcanzaron la friolera de 40.000 chinos frente a casi 10.500 aliados. Por muy épico que se pinte el aspaviento que se dio al bloque unionista, el sacrificio por saturación se antoja excesivo.

Es propaganda sí, pero, ¿qué tal como película? Pues de entrada dura 175 minutos, casi tres horas y encima cuenta ya con una secuela ‘Water Gate Bridge’. Claro, porque esto no fue una batalla, fue toda una campaña militar. Y como tal el despliegue de medios es tan apabullante que te dan ganas de ver los extras sobre el rodaje. Desde el acabado que dan las tarjetas gráficas chinas renderizando a tope efectos de postproducción, pasando por los tiros de cámara, la innumerable cantidad de extras y sus vestuarios… Recuerda (copiando incluso planos) a las producciones como ‘Los cañones de Navarone’ o ‘El puente sobre el rio Kwai’ (de hecho la secuela trata sobre un puente que es vital para la huida de los norteamericanos) pero con los medios de ahora. Hasta el cartel recuerda a los clásicos bélicos. Hay películas recientes, como ‘Midway’, que también tienen batallas aéreas y navales que podrían considerarse en la misma línea, de hecho, Emmerich sonó para dirigir ‘La batalla del lago Changjin’. Y como pasa con muchas películas del director que está empeñado en destruir el mundo, cansa lo alargada que está la acción.

Otro dato relevante y que no puedo dejar de señalar. Evidentemente para ponerle cara al ejército “invasor” hacían falta rostros occidentales. Todos los actores que interpretan soldados norteamericanos únicamente han rodado películas chinas en su carrera. Y otra curiosidad es que el filme tiene cinco directores, uno de los cuales es el artífice de la película sobre Mao y el establecimiento de la República Popular China. Me he acordado mucho de la ridiculización que se hacía con el personaje de Daniel Brühl en ‘Malditos bastardos’, intentando crear héroes para el pueblo.

En resumen. ‘La batalla del lago Changjin’ (la película) puede servir como síntoma de que China ha cedido a la filosofía capitalista siendo uno de los motores del consumismo, es irónico que al mismo tiempo pinten como villanos al máximo exponente del mercantilismo. O bien puede funcionar (el hecho histórico) como conveniente advertencia a la OTAN ahora que el país asiático está reafirmando su postura tras la Cumbre de Madrid. Si las películas sobre las grandes guerras servían para que Estados Unidos pusiese su miembro viril sobre la mesa ante sus derrotados, esta gran apuesta sirve para ver esos envites, recordando una dolorosa derrota más para occidente.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Chang jin hu. Duración: 175 min. País: China. Dirección: Chen Kaige, Dante Lam, Tsui Hark. Guion: Huang Jianxin, Xiaolong Lan. Música: Elliot Leung, Wang Zhiyi. Fotografía: Luo Pan, Peter Pau. Reparto principal: Wu Jing, Jackson Yee, Duan Yihong. Producción: Alibaba Pictures, August 1st Film Studio, Beijing Dengfeng International Culture Communications Company, Bona Film Group, China Film Group Corporation (CFGC), Huaxia Film Distribution, Shanghai Film Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: bélico, hechos reales. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-battle-at-lake-changjin

Sorteo de un DVD de ‘Licorice Pizza’

Llévate a casa el último éxito de Paul Thomas Anderson

Tenemos entre manos el último estreno de Paul Thomas Anderson, ‘Licorice Pizza’. Poseemos un DVD de la película (análisis aquí) que se estrenó en cines el pasado 11 de febrero de la mani de Universal Pictures y cuya crítica tenéis aquí. El filme estuvo cerca de llevarse varios Oscars y logró un BAFTA, entre otros premios. Protagonizada por Alana Haim y Cooper Hoffman es un relato de amor y generaciones que rinde tributo indirectamente a los años setenta.

Si queréis optar a ganar esta unidad que nos ha cedido Arvi Licensing podéis hacerlo a través de Facebook siguiendo estas normas:

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¡Mucha suerte a tod@s!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 15 de julio a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 16 de julio de 2022. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Análisis del DVD de ‘Licorice Pizza’

La joven pareja dirigida por Anderson llega a nuestras casas

El último título que ha estrenado en cines Paul Thomas Anderson, el director que hace cuatro años cargó contra el doblaje en España, fue ‘Licorice Pizza’. El autor de películas como ‘Pozos de ambición’ o ‘El hilo invisible’ realizó una película románticamente nostálgica con dos jóvenes protagonistas interpretados por Alana Haim (hermana de Danielle Haim, con quien Anderson ha trabajado mucho) y Cooper Hoffman (hijo del fallecido Phillip Seymour Hoffman).

‘Licorice Pizza’ (crítica aquí) nos cuenta como dos jóvenes se encuentran en los setenta. Una historia de encuentros y desencuentros con toques naturalistas y juveniles que sirve también de retrato de la Norteamérica de hace cincuenta años. Un filme que ya está en tiendas en DVD y Blu-ray desde este 29 de junio.

La película estuvo nominada al Oscar a mejor película, director y guión original y a los Globos de Oro a mejor película comedia, actor, actriz y guión. En esta categoría si consiguió alzarse con un BAFTA. Los críticos norteamericanos decidieron que esta fue la mejor comedia del año pasado.

El menú del DVD está disponible en inglés, francés, alemán, castellano, holandés y checo. Una vez accedemos a él tenemos los clásicos iconos para seleccionar idiomas, subtítulos y directamente ya vemos una vista previa de los extras. Todo ello acompañado de una imagen que parece el tablón de corcho que todos hemos tenido en nuestras casas y en el que hemos colgado siempre recuerdos y trofeos, en este caso lo adornan fotografías con fotogramas del filme.

El audio de la película está disponible solo en inglés, francés, alemán e inglés con audiodescripción. Quizá el doblaje al castellano no se ha incluido en esta versión por la aversión del director hacia él. Lo oficial es que esto se debe a una decisión de Universal Pictures. Los subtítulos pueden elegirse en los siguientes idiomas: inglés, francés, alemán, castellano, holandés o checo.

Extras (17 min. aprox.)

Camera test (4:05 min.)

Distintos planos, pruebas de cámara de varias escenas del filme con todos y cada uno de los protagonistas. Ensayos y tiros de cámara que no han llegado a salir en la película, con los actores con diferentes peinados y como viene siendo costumbre por desgracia con los EPIs necesarios para rodar en época COVID.

The handman scene (2:15 min.)

Alana Haim (Alana) y Cooper Hoffman (Gary) tienen una discusión en el coche que ella conduce. Una escena no vista en la película.

Fat Bernie’s commercial (0:57 min.)

Gary y Alana se montan una empresa de colchones de agua llamada Fat Bernie’s. El espíritu empresarial de Gary le lleva hasta a rodar un spot para la televisión que podemos ver fuera del largometraje en este pequeño bonus.

Behind the scenes (10:38 min.)

Fotografías, ensayos, tomas falsas, construcción del set, maquillaje, pruebas de luz… los entresijos del rodaje de este filme que se presentan como algo aún más interesante que la propia película. Casi la totalidad de las imágenes son con el equipo técnico y los actores Haim y Hoffman, apenas aparecen Sean Penn, Bradley Cooper o Tom Waits.

Crítica: ‘Westworld’ T4

Lo mismo de siempre, pero con otra fachada

El próximo 27 de junio, sin haber hecho mucho ruido previo, se produce el regreso de ‘Westworld’. Una vuelta que a muchos ha sorprendido pues no eran pocos los que daban por cancelada la serie que re-imagina la película de 1973. Pues para bien o para mal en este inicio de verano tendremos nueva temporada que llegará a tener ocho episodios de los que hemos podido ver cuatro.

Jonathan Nolan y Lisa Joy siguen con su serie, la cual ya estaba fuera de rumbo. Siguen con el tema de los seres sintientes, ya sean humanos o máquinas dotadas de una inteligencia artificial avanzada. Además están ya totalmente alejados del guión que Michael Crichton escribió para la película original. Mantienen su apuesta por el debate existencialista y la guerra de especies o entidades que es algo de lo que personalmente ya estoy cansado y creo que no da más de sí. Es por eso que la serie me cansa ya tanto y junto a ‘El cuento de la criada’ creo que es un de las cancelaciones/finalizaciones que HBO está tardando en ejecutar. Para mi está agotada la idea y el discurso y ni con todos los giros o vueltas de tuerca que se van inventando recuperan mi interés, ni siquiera como serie de acción. Mucho tendrían que hacer en los cuatro últimos episodios.

Otro de esos giros es un nuevo parque, cosa que tampoco ha sido nunca original pues la película también incluía otros parques temáticos inspirados en otras épocas, como la de la Roma clásica o el medieval. Se rumoreó que HBO fundiría esta serie con ‘Juego de Tronos’ y lo único que vimos fue a uno de los dragones de Daenerys. Esta vez toca movernos a los felices años 20, como indica el título del tercer episodio. Los títulos de los cuatro primeros episodios son ‘Los augurios’, ‘Bien solo’, ‘Annes Folles’ y ‘Generación perdida’. Si esto os parece spoiler ya os aseguro que no es nada comparado con lo que se muestra en el tráiler.

La temporada cuatro repite bastantes elementos, por mucho que se pinten con otra pátina y por mucho que en vez de versionar a Guns N’ Roses versionen a Metallica. Mantiene los personajes de Evan Rachel Wood, Thandiwe Newton, Ed Harris, Jeffrey Wright, Tessa Thompson, Luke Hemsworth, Aaron Paul, Angela Sarafyan y James Marsden. Además se suman intérpretes como Oscar Ariana DeBose, Aurora Perrineau y Daniel Wu. La filosofía es la misma y la serie sigue con su arquitectura y trajes futuristas (incluyendo unos ridículos cascos de obra) lejos ya del western en todos los sentidos. También se mantiene ubicándonos en distintas localizaciones siguiendo distintas tramas a la vez. Aaron Paul y Thandiwe Newton repiten la misma escena tres o cuatro veces y eso sin estar en un bucle como el de Dolores (Rachel Wood). Y de nuevo sucede que la serie es más entretenida cuando está con cualquier personaje que no sea el de Dolores, que sigue erre que erre con lo mismo. Al fin y al cabo todo se resume en tener a las maquinas infiltradas a modo de ultracuerpos en una invasión silenciosa. Es decir, se podría haber hecho ya en la tercera temporada y hacer un poco de síntesis.

Crítica: ‘El hombre de Toronto’

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Un desastrado asesor de ventas y el asesino más letal del mundo —conocido como el Hombre de Toronto— son víctimas de una confusión de identidad tras coincidir en una cabaña de alquiler.

Crítica

Canónica pero solvente buddy movie

Kevin Hart y Woody Harrelson protagonizan la nueva buddy movie de Netflix, ‘El hombre de Toronto’. En ella uno interpreta a un hombre de ideas inútiles y el otro a uno que solo tiene salidas retorcidas. Son un emprendedor desastre y por ende fracasado y un asesino eficiente afamado entre los bajos fondos. A uno le salen los planes y al otro no. Por casualidades producidas por la inutilidad del uno acaban confundiendo su identidad por la del otro, como si fuese un héroe por accidente, aunque más bien se mete en los pantalones del villano. El filme de Patrick Hughes es una comedia de confusión de identidades, pero no os preocupéis que esto no es ‘García y García’. Es una película con un civil en el papel de un agente infiltrado, si acaso es más similar a lo que sucede a Nicolas Cage en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ o a lo que le pasa a Chris Rock en ‘9 días’, si ya se puede citar algo de Chris Rock sin que te caigan varapalos en las redes.

Kevin Hart ya había hecho varias películas similares a esta con Dwayne Johnson (en ‘Un espía y medio’ o en ‘Jumanji’) y con Ice Cube (en ‘Vaya patrulla’). En ambas hace de un tipo más o menos pardillo que tiene que sobrevivir bajo el paraguas del cachas o tipo duro de turno. El actor de Filadelfia corre el riesgo de encasillarse. También había hecho una película con Kaley Cuoco, ‘El gurú de las bodas’, empieza a repetirse. ¿La otra estrella? Es Woody Harrelson que está en estas lides mucho mejor que en su última aparición cinematográfica como villano en ‘Venom 2: habrá matanza’. Sin duda el rol de tipo irascible pero cómico lo tiene mejor controlado, un ejemplo de ello son papeles anteriores como los de ‘Zombieland’ o ‘Vaya par de idiotas’, en ambas casualmente también hace de mentor. Y le tenemos aquí de rebote porque su papel lo iba a interpretar Jason Statham, lo cual no es de extrañar viendo el carácter del filme.

Bien es cierto que la comedia le pega más a Harrelson, pero esta es una película con mucha acción. De hecho tiene una última secuencia de lucha multitudinaria a diez minutos del final que es un falso plano secuencia muy trepidante y divertido. Acción te tiros, de aviones cayendo, de explosiones, de coches derrapando… ‘El hombre de Toronto’ tiene unas coreografías muy parecidas a las de ‘Los mercenarios’, pero con resultados humorísticos. El director intenta continuar con la onda expansiva de sus últimos y explosivos éxitos, me refiero a ‘El otro guardaespaldas 2’ y ‘Los mercenarios 3’. En esas películas los tipos duros caminan erguidos y con calma mientras dejan atrás una inmensa bola de fuego. En ‘El hombre de Toronto’ dan gritos ridículos de miedo y suspiros de hartazgo. El público, o por lo menos yo, el sonido que hace es de carcajadas, a pesar de ser un filme con el esquema más clásico de las películas de compañeros accidentales casi antagonistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Man from Toronto. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Hughes. Guion: Robbie Fox, Chris Bremner. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kevin Hart, Woody Harrelson, Kaley Cuoco, Jasmine Mathews, Lela Loren, Pierson Fode, Jencarlos Canela, Ellen Barkin, Melanie Liburd, Natallia Poliveanii. Producción: BRON Studios, Columbia Pictures, Escape Artists, Hartbeat Productions, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Llenos de gracia’

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Marina, una monja muy atípica, llega en el verano de 1994 a El Parral, un colegio amenazado de cierre.

A pesar de que los internos, chicos sin familia, la reciben con mil trastadas, Marina tiene una idea que cambiará todo: formar un equipo de fútbol. Con la ayuda de dos monjas: Angelines, inocente y frágil, y Tatiana, bruta y bondadosa, creará algo parecido a una familia de verdad.

Años más tarde, Valdo, uno de los chicos, debutará en el primer equipo del Real Madrid.

Crítica

‘Ted Lasso’ más ‘Sister Act’ con el inigualable toque de Carmen Machi

La mecánica de ‘Llenos de gracia’ es la misma que utilizaron películas como ‘Mentes peligrosas’, ‘Sister act’, ‘Somos los mejores’, ‘Campeones’, ‘Ted Lasso’ o ‘El profesor de violín’. Llega al centro educativo un docente o tutor que se encuentra allí fuera de lugar y se topa con barreras que impiden el buen ejercicio de sus funciones. En esas películas el reto a superar suele ser un comportamiento conflictivo de unos jóvenes problemáticos (con un trasfondo u otro) lo que supone todo un dolor de cabeza para el protagonista. En este caso las barreras que debe superar la religiosa interpretada por Carmen Machi son literalmente las que se colocan delante del balón a la hora de lanzarse una falta. La fórmula es igualmente buena si las variables dispuestas nos ofrecen un entretenimiento distinto. Ese es el caso de la película de Roberto Bueso que es desternillante a la par que emotiva.

El director de ‘La banda’ nos cuenta la historia real de un futbolista (Valdo) y de su colegio, que amenaza el cierre. A ese orfanato llega una monja muy diferente a las que han trabajado allí hasta el momento. Es una mujer divertida, que está blindada contra las gamberradas y viene con ideas frescas. Básicamente es tan chunga y barullera como los niños quieren aparentar ser. El éxito en el fútbol es el vehículo empleado para conseguir el enlace entre unas generaciones muy distanciadas entre sí.

El carisma y la soltura del docente protagonista es siempre clave en estas películas. Cual Robin Williams en ‘El club de los poetas muertos’, Machi se hace con las riendas de la historia hasta tener su “oh capitán mi capitán”. El matiz que aporta la actriz madrileña es el de una madre, pero no el de una madre superiora, sino el que tienen esas progenitoras “enrolladas” y modernas que consiguen ganarse el cariño de los pequeños más revoltosos. Madre siempre, lo dije hace nada hablando de otra película que actualmente está en carteleras, ‘La voluntaria’. Machi derrocha humanidad y un cuidado de los personajes y actores que la rodean que solo se puede definir como candoroso.

Pero si en la película de Nely Reguera vimos a la Machi de los dramas y el apego ahora toca la dicharachera. El filme no está exento de sensibilidad y ternura, pero ‘Llenos de gracia’ se apoya en lo que nos hacen reír unos niños que más que huérfanos parecen borrokas o sucesores de El Vaquilla. El reparto infantil, muy bien escogido y dirigido, hace que rompamos a carcajadas. Literalmente es una película llena de gracias. Y con esa panda de pillos está todo un elenco actoral (Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo) entregado a una comedia de gags blancos destinada a desmontar muchos estereotipos.

Pese al carácter familiar los adultos, e incluso aquellos nacidos en la década de los noventa que ya sean padres, vivirán un viaje a los últimos años del siglo XX. La infancia de antes no es como la de ahora, eso lo capta excelentemente el director. De manera decorativa están elementos como la Super Nintendo, los walkmans, las pegatinas de Toi, el “desesperada” de Marta Sánchez, el codazo de Italia a Luis Enrique, lo robos de logos de coches… Si habéis vivido vuestra infancia entre esos elementos, ‘Llenos de gracia’ os gustará.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: Llenos de gracia. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Roberto Bueso. Guion: Roberto Bueso, Óscar Díaz. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Víctor Entrecanales. Reparto principal: Carmen Machi, Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo. Producción: Mod Producciones, Misent Producciones, RTVE, À Punt Media. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, hechos reales. Web oficial: https://www.modproducciones.es/llenos-de-gracia

Crítica: ‘Black Phone’

Sinopsis

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Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

Crítica

Uno de los mejores papeles de Ethan Hawke en mucho tiempo

Que gozada de película. Una cinta donde los terrores mas sencillos y un humor un tanto exagerado se aúnan para regalarnos una mezcla que sin duda, no gustará a todos, pero a mi me funciona de maravilla.

Scott Derrickson regresa al terror con ‘Black Phone’, basada en un relato corto de Joe Hill, que aparece en su libro ‘Fantasmas: El pasado no está muerto, ni siquiera es pasado…’. Scott Derrickson no solo ha dirigido, sino que también ha sido el encargado junto a C. Robert Cargill de adaptar el relato.

Nos vamos a un pueblo de Estados Unidos, donde la violencia está en todas partes. Allí, de la noche a la mañana, comienzan a desaparecer niños. A través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, ya que Finney termina siendo una de las víctimas. En su celda encontrará un teléfono negro que le hará bastante compañía.

La verdad que no he indagado demasiado si es de los primeros relatos de Joe Hill, pero vemos perfectamente en él su inspiración en las historias de su padre, Stephen King. Esto lo aprovecha Scott Derrickson, con una atmósfera oscura y llena de personajes macabros. Globos, desapariciones de niños, un pueblo en el que todo el mundo parece odiarse y por supuesto un personaje tenebroso lleno de traumas infantiles.

Me parece tremendo el trabajo de Ethan Hawke (‘El hombre del norte‘) que vuelve a trabajar con Derrickson. Realiza un trabajo muy bueno con su cuerpo, pues no le vemos la cara. Y solo con sus posturas sentimos si está relajado o lleno de ira y por supuesto el uso de su voz. Además se le añaden las diferentes máscaras que tiene su personaje. Esto es gracias al trabajo del equipo de Tom Savini.

En el reparto encontramos caras como la de Jeremy Davies o James Ransone, que hace un pequeño homenaje a su personaje en ‘Sinister’. Este bastante más cómico.

En el reparto infantil tenemos a Mason Thames, el encargado de dar vida a Finney. Se nota mucho el trabajo físico que ha realizado, pues no hacen más que ponerle pruebas en la película. Y la verdad que se desenvuelve muy bien en el terror.

Pero sin duda la estrella de la película es Madeleine McGraw, que hace un papel lleno de ternura, odio y mucha mala leche. Las escenas en las que se pone a rezar son tremendas.

Como he dicho, una de las cosas que no gustarán de la película es el humor que introduce. Para mi ha sido todo un acierto. Después de tanta tensión un golpe fuerte de humor siempre viene bien. Descoloca al espectador y a la vez hace la película más amena.

Poco más os puedo añadir, que vayáis a disfrutarla a partir del 24 de junio en las salas de cine, pues merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Black Phone. Duración: 102 min. País: EE. UU. Dirección: Scott Derrickson. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Crooked Highway. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/theblackphonemovie/

Crítica: ‘El insoportable peso de un talento descomunal’

Sinopsis

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El ganador de Oscar® Nicolas Cage se interpreta a sí mismo en esta loca comedia de acción en la que comparte cartel con Paco León. La versión ficticia de Cage es un actor sin blanca que se ve obligado a aceptar una oferta de un millón de dólares para asistir al cumpleaños de un excéntrico multimillonario (Pedro Pascal) muy fan de su trabajo. Pero la situación da un giro inesperado cuando Cage es reclutado por una agente de la CIA (Tiffany Haddish) y obligado a estar a la altura de su propia leyenda para salvarse a sí mismo y a sus seres queridos. Con una carrera construida para este preciso momento, el actor ganador de premios debe asumir el papel de su vida: Nicolas Cage.

Crítica

La película que hará que quieras ver ‘Paddington 2’

Sin duda Tom Gormican y Kevin Etten son verdaderos fans de Nicolas Cage y es que con ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ tenemos un homenaje tan bonito al actor que dan ganas de comenzar a ver toda su filmografía, además, como he dicho en el titular de la crítica, de descubrir ‘Paddington 2’, cuando veáis la película me entenderéis.

Es cierto que quizás no soy demasiado objetiva en este tema, me encanta Nicolas Cage. Se que no es perfecto, para nada, pero me gusta y no puedo negarlo. Solo os puedo decir que ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ es una película muy entretenida, con acción, comedia y por supuesto con historia familiar.

El dúo que hacen Nicolas Cage y Pedro Pascal me parece lo más, espero que vuelvan a trabajar juntos próximamente, porque tienen una química maravillosa.

La película comienza con un Nicolas Cage bastante abatido al no conseguir papeles, se ve obligado por su agente a aceptar un millón de dólares a cambio de asistir al cumpleaños de un millonario fan de su trabajo. Pero la situación da un giro inesperado cuando Nicolas es reclutado por una agente de la CIA que le obliga a investigar a ese millonario.

Tampoco voy a contar más, creo que esto es suficiente para llamar vuestra atención. Y es que como he dicho, es una película homenaje a Nicolas Cage, en donde le vemos dar vida hasta a tres personajes diferentes. Uno de ellos, su yo joven sacado de la cinta ‘Corazón salvaje’ que es completamente fruto de su imaginación e intenta que el Nicolas Cage real no deje de luchar y siga actuando. Este personaje fue uno de los motivos que llevó a Cage a entrar en la película. El otro personaje al que interpreta os lo dejo para descubrirlo durante el visionado.

Pero el homenaje a Nicolas Cage no se queda ahí, durante toda la cinta se nombran películas suyas, sobre todo ‘Cara a cara’. No se si es la favorita de los autores o del propio actor, pero seguro que os la volvéis a ver ese mismo día al salir del cine. El personaje de Pedro Pascal tiene un verdadero altar al actor con un montón de material de sus películas y vemos reproducida alguna escena idéntica que hemos visto en alguna película suya.

Hablando de caras, dentro del reparto encontramos rostros bastante conocidos en nuestro cine. Parte de la película está rodada en España y podemos ver a Manuel Tallafé o Enrique Martínez en una pequeña aparición. Pero tenemos que nombrar, sin lugar a dudas, a Paco León y su gran incursión en Hollywood. El actor español se planta ante estos dos monstruos sin miedo alguno y la verdad que está genial.

Dentro del reparto también encontramos a Neil Patrick Harris, Sharon Horgan, Jacob Scipio o Tiffany Haddish y también un cameo de Demi Moore. En un principio se comentó que Quentin Tarantino iba también ha realizar un pequeño papel, pero con el tema de los atrasos de rodaje por la situación que hemos vivido estos años, supongo que las agendas se complicaron.

Pero no solo actores españoles están metidos en esta cinta, sino que el vestuario viene de la mano de Paco Delgado. Un diseñador que sabe perfectamente lo que es ganar un Oscar y vestir a las grandes estrellas de Hollywood. Hace poco tuvimos la ocasión de escucharle en una charla en la presentación de ‘Muerte en el Nilo’ y la verdad que es impresionante todo el trabajo que realiza. Aquí se nota que ha estudiado mucho a Nicolas Cage, pues no dudas ni un momento en que esa ropa la podría llevar el actor en su día a día, lo comprobamos al conocerle en vivo y en directo en Sitges.

Poco más que añadir. Es una película que sin duda va a gustar a los fans de Nicolas Cage, como yo, pero que también creo que a los que no les entusiasma tanto el actor también le va a calar hondo.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2022. Título original: The Unbearable Weight of Massive Talent. Duración: 105 min. País: EE. UU. Dirección: Tom Gormican. Guion: Kevin Etten, Tom Gormican. Música: Mark Isham. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Nicolas Cage, Pedro Pascal, Tiffany Haddish, Neil Patrick Harris, Demi Moore, Sharon Horgan, Jacob Scipio, Alessandra Mastronardi, Paco León, Nick Wittman, Caroline Boulton. Producción: Burr! Productions, Embassy Films, Lionsgate, Staurn Films. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.nickcage.movie/

Crítica de ‘Locomía’

¿Conocéis la canción Loco Vox? Pues nada que ver con el partido político

Hombreras, faldas, abanicos gigantes… la imagen de los Loco mía es inolvidable, digna de haber salido en ‘El quinto elemento’, pero cayeron en el olvido, como tantos otros grupos que suenan en la radio durante una época sin parar. Yo era un preadolescente cuando tuvieron éxito, llegaron al número uno y súbitamente cayeron. No he tenido nunca curiosidad de saber qué había sido de ellos, pero lo que he descubierto con el documental que también podréis ver vosotros a partir del 22 de junio en Movistar Plus+ es mayúsculo, cargado de giros inimaginables, no le falta nada. Si hay una serie de la que es mejor que no te hagan spoilers, es esta.

Nuevo documental relacionado con la música española, con mucho más salseo, que el último estrenado por Movistar Plus+, ‘Raphaelismo’. En tres episodios dirigidos por Jorge Lapace, quien quizá os suene por ser el guionista de ‘100 días con la Tata’, nos hablan de aquel grupo que con descaro se coló en todas nuestras radios y televisores. Según ellos mismos afirman eran un grupo tan exitoso que de haber seguido hoy en día estarían en el top de la música mundial. Llegaron con una estética que rompía con lo que imperaba en España, conquistando sobre todo al público femenino. Les gustaba provocar, llamar la atención o ser el centro de atención como alguno de ellos reconoce. Con un toque muy kitsch crearon toda una tribu urbana, una marca, un modo de vida. Pero tras esa fachada habría muchos otros motivos velados y multitud de lances que os van a asombrar sin duda.

El productor de Alaska, Bosé, Carrá, Perales… José Luis Gil cogió a esos hombres de moda en Ibiza para convertirles una boy band. ‘Locomía’ es él contra Xavier Font, el cabeza del grupo que se refiere a sí mismo como patriarca, flautista de Hamelin, creador, conquistador de almas, “para celebritie yo”, “yo no me muero sin un Grammy”… Pero su propio hermano le define como “el Darth Vader de Loco mía”. Básicamente todo se resume en un duelo de prioridades, en el enfrentamiento entre un marketing totalmente desapegado de la calidad vocal o lo personal contra la libertad estética, conceptual e incluso sexual.

A través de estos capítulos les vemos como personas endiosasdas, quemadas, dolidas, arrepentidas… Pero en sus orígenes solo eran jóvenes con ganas de pasárselo bien y lucir una personalidad diferente y cohibida por las mentalidades tradicionales. Se juntaron por afinidad estética o sexual, pero cada uno descubrió con el tiempo que tenían ideas diferentes y la cosa acabó como el rosario de la aurora. Por la droga, por los conflictos amorosos, por la intervención de terceros, por las envidias, por la comercialización, debido a las limitaciones por contrato, a raíz de un rencor sin mesura… La historia es de telenovela, de esas de pasión y cuchilladas.

‘Locomía’ deja al margen los egos y la trayectoria artística, los éxitos musicales con Loco Vox o Loco mía… Eso es casi lo de menos en este documental. En el centro está la retrógrada mentalidad de España, la que existía fuera de las fronteras de la movida madrileña y que aún necesitaba una transición mayor que la de la democracia. La música sirvió una vez más como vehículo para ejercer de palanca de cambio y de apertura a una sociedad mínimamente progresista, que por fin podría sentirse Europea en casi todos los sentidos.

Todos tenemos en mente un grupo de cuatro integrantes pero por la formación llegaron a desfilar muchos nombres: Xavier Font, Manuel Arjona, Gard Passchier, Luis Font, Juan Antonio Fuentes, Francesc Picas, Carlos Armas o Santos Blanco López. Y eso sin contar al segundo Loco Mía. El grupo, perdón, los grupos desaparecieron y ya no los vemos en televisión ni sacan nuevos temas, eso sí, su web oficial con su tienda de merchandising sigue en activo. Parece que los Loco mía estarán algún día de nuevo en nuestras listas de Spotify, quien sabe cuáles serán sus caras.

Crítica: ‘Comuneros’

Sinopsis

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Largometraje documental que narra los hechos acontecidos en la Corona de Castilla en torno al año de 1.521 conocidos como La Guerra de las Comunidades, y la influencia que ejercieron estos hechos a lo largo de la historia posterior.

Crítica

Un minuto y resultado objetivo y detallado del levantamiento de los comuneros 

El tema de los Comuneros puede verse relacionado con el independentismo, sobre todo en los virreinatos de América. Desde la Guerra de las Comunidades se les ha invocado para una u otra razón. Es un ejemplo similar al de los separatistas de Cataluña que están intentando hacer valer ciertos hechos antiguos como base para sus fines. Pero más allá de eso, que es respetable pues puede hablar de una identidad, lo que hay que poner sobre la balanza no es algo del pasado, sino las influencias en la actualidad o el pragmatismo de pertenecer a un estado o no. ‘Comuneros’ empieza con una frase de Joseph Pérez que afirma que la imposición de la ciencia sobre la historia desmitifica a esta segunda. Yo creo que los Comuneros están bastante mitificados, pero son harto desconocidos entre la opinión popular a pesar de estar presentes hasta en nuestra actual constitución.

Nos alucina cuando vemos en películas de Hollywood que los estadounidenses realizan recreaciones masivas de las batallas de su Guerra de Independencia o de la de Secesión. Pero aquí en España también se representan esas contiendas que podrían haber dado forma al mapa político actual, como se hacía en Arapiles. Parece que esta película clama por que demos más importancia a nuestra extensísima historia, que muchas veces ha servido de telonera o de ensayo para acontecimientos ocurridos en el resto de Europa o del mundo. Y lo hace con multitud de entrevistas que se suman en el plano visual a las ilustraciones Sandra Rilova, la animación de Elora Post House y una insuperable fotografía de Víctor Hugo Martín Caballero. Nos hacen recorrer los campos de Castilla, las bóvedas de sus antiguos edificios, al son del romance Los Comuneros de Luis López Álvarez. A Machado se le pondría la piel de gallina.

La película nos hace retroceder a la época de Carlos I de España y V de Alemania. Tras el reinado de un estandarte de la hispanidad como son los Reyes Católicos, un extranjero gobernaba tierra desconocida, algo pronto que levantó ampollas entre el pueblo y que encendió la mecha, sobre todo en cuanto se supo que el rey quería incluir a Castilla y sus tesorerías en el Sacro Imperio Romano Germánico. Además los comunes, el pueblo no privilegiado, demandaba más presencia en la política. Y para colmo los realistas quemaron Medina del Campo. Este fue un coctel que demostró que no se estaba gobernando para el pueblo, lo cual, desembocó en la Guerra de las Comunidades. Época interesante la de Carlos I, con su amante madre Juana apartada del poder y con el descubrimiento de Elcano y Magallanes asombrando al mundo (tenéis nuestra crítica de ‘Sin límites’ relacionada con esto).

Bravo, Padilla y Maldonado son los nombres clave de esta revuelta que podría haber cambiado nuestro país, alejándonos del centralismo y el absolutismo. Imponer peticiones al rey, no suplicárselas, demandaban las Comunidades y movimientos inspiradas en ellas posteriormente. Del pueblo y para el pueblo, no para chupar del pueblo, no para tener un rey casi absolutamente omnipotente e intocable, esto fue en siglo XVI y seguimos igual, solo que ahora estamos adormilados y la institución maquillada. Pero más allá de ese tipo de conflictos sobre la corona ‘Comuneros’ no se alza como una película antimonárquica, nos habla más de la definición o del concepto de comunidades y lo que es más importante, de ciudadano representado. El documental no se basa en la visión politizada de hoy en día, sino que establece la base histórica y analiza todos los matices o detalles que hicieron posible que el pueblo se sintiese con poder y capacidad de tomar decisiones sobre la tierra que trabajaban.

No se consiguió esa visión de España no imperialista, lo contrario, se asentó el absolutismo. En el mundo se nos ve como conquistadores, pero a estos españoles aún les quedaban por conquistar sus propias libertades. Tiempo después llegó el despotismo ilustrado y el manoseo de la palabra libertad. Muchas veces debemos retroceder y recordar el pasado, no para guardar rencor, sino para tener contexto y observar la causa-efecto. Este es un minuto y resultado del levantamiento de los comuneros capaz de ser objetivo y detallado.

Rebelión y revuelta comunera, pero no revolución, porque no cambió la historia de manera inmediata, pero sí dejó una semilla por toda España pues cuestionaron la autoridad. El documental no deja claro si fue una cosa o la otra, sino que ofrece distintas opiniones, al igual que hace todas las caras de esta historia que tocan muy bien Pablo García Sanz, Carlos Belloso y Nerea Mugüerza. Llegando incluso hasta plantear cuál fue el color de los Comuneros, si el rojo carmesí o el morado que se incorporó a la bandera republicana y que supuso que los franquistas estigmatizaran de nuevo a estos castellanos. Esta obra nos habla de un pueblo español que no quería vivir bajo la arbitrariedad de las decisiones de los que están en el poder. Básicamente el documental nos apunta que el eco de los Comuneros ha de ser escuchado pues llega hasta nuestros días.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de junio de 2022. Título original: Comuneros. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Pablo García Sanz. Guion: Pablo García Sanz, Carlos Belloso, Nerea Mugüerza. Fotografía: Víctor Hugo Martín Caballero. Música: El Naán. Reparto principal: Luís López Álvarez, Sara Rivero, Fernando Martínez Gil, Salvador Rus Rufino, Luis Antonio Ribot García, Cristina Borreguero Beltrán, Carlos Belloso Martín, Geoffrey Parker, Claudia Möller Recondo, Beatriz Majo Tomé, M. Guadalupe de Marcelo Rodao, Hipólito Rafael Oliva Herrer, Mª Isabel del Val Valdivieso, José Álvarez Junco, Ramón Peralta Martínez, Máximo Diago Hernando, Miguel Martínez, Bethany Aram, Enrique Berzal de la Rosa, Julia Rodríguez de Diego, Ángela Cruz Plata. Producción: Plan Secreto, Visual Creative Producción Audiovisual. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: https://conunpack.com/catalogo/comuneros/

Crítica: ‘Jurassic World: Dominion’

Sinopsis

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Este verano llega a los cines el épico final de la era Jurassic al juntarse por primera vez dos generaciones. Chris Pratt y Bryce Dallas Howard se unen a la oscarizada Laura Dern, Jeff Goldblum y Sam Neill en ‘Jurassic World: Dominion’, una nueva, atrevida y asombrosa aventura que recorrerá todo el planeta.

Dirigida por Colin Trevorrow, el guionista de la saga de Jurassic World, esta nueva entrega transcurre cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar. Ahora, los dinosaurios conviven – y cazan – con los seres humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio cambiará el futuro y decidirá, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán en la cúspide de los depredadores en un planeta que comparten con los animales más temibles de la creación.

Crítica

Los nuevos dinosaurios vienen para comerse las salas de cine

Aunque Colin Trevorrow no nos trae nada nuevo ni sorprendente, si puedo decir, que el resultado final de ‘Jurassic World: Dominion’ me ha sido satisfactorio. Tiene sus peros, sin embargo, en tu totalidad termina funcionando.

Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, volvemos a reencontrarnos con los protagonistas de la saga de ‘Jurassic World’ en un mundo en el que humanos y dinosaurios deben convivir.

Nuestros protagonistas, Owen y Claire están escondidos en una cabaña para poder proteger a Maisie. Pero como no todo es felicidad y menos en un mundo en el que hay dinosaurios, su paz es trastocada cuando se llevan a Maisie y a Beta, la hija de Blue.

A partir de aquí, con varias tramas que se van uniendo entre sí, volvemos a ver al Dr. Grant, a la Dr. Ellie Sattler, Ian Malcolm, el Dr. Henry Wu o incluso a Lewis Dodgson.

Está claro que esta película es un homenaje a los fans de ‘Jurassic Park’, hay escenas clavadas a la primera película y detalles, como alguna muerte de algún personaje que es idéntica. Admito que no me molesta, pero tampoco lo necesitaba. Hablo como fan de la saga y sobre todo de la primera película que casi me sé de memoria.

Para mí ese es el gran pero de la película que en el fondo ha querido contentar a los fans sin complicarse, después de que ‘Jurassic World: El reino caído’ no gustase demasiado al fandom. Bueno y el otro de los peros que le encontré a la película fue el tema de levantar la mano para que los dinosaurios se calmen y no te coman, ya me parece demasiadas las veces que lo utilizan. Pero como he dicho, tiene sus cosas buenas.

‘Jurassic World: Dominion’ está dividida en dos partes, una hasta que llegan al recinto de BioSyn y la otra ya en el propio recinto. La primera parte está llena de acción muy bien rodada. Hay una persecución que creo que se puede ver en el tráiler, en la que Owen es acosado por unos Atrociraptor a la que no le ponen absolutamente nada de música y la verdad que impresiona escuchar el motor, las pisadas de los dinosaurios y las dentelladas mientras miles de trastos que hay en la calle caen a su alrededor.

Las escenas ya en el centro de BioSyn, nos descubren lugares pantanosos con dinosaurios bastante curiosos, entre ellos un Therizinosaurus cheloniformis que logrará crear una de las escenas más tenebrosas de la película. Pero aquí también encontraremos viejos amigos como los Dilophosaurus que no se lo van a poner fácil a nuestros protagonistas.

Una de las cosas que también me ha gustado bastante ha sido que se adentran con profundidad en el tema del ADN, si, tampoco es algo nuevo, pero creo que a Michael Crichton le hubiese gustado mucho hacia donde llevan este aspecto. No voy a contar demasiado, pues he visto que justo lo que pasa no aparece en el tráiler, pero es obvio que jugar con el ADN nunca les sale bien.

Antes de terminar comentar el CGI de la cinta, donde volvemos a tener animatrónica y CGI unido algo que se agradece bastante a la hora del visionado. Parece todo más real y no como en las anteriores cintas. Han realizado un gran trabajo dada la complejidad de alguno de los nuevos dinosaurios que han introducido en la cinta.

‘Jurassic World: Dominion’ finaliza una saga con la que muchos hemos crecido y a la cual hemos adorado desde el principio, lo hace de la mejor manera, con todos sus protagonistas y nuevos dinosaurios para dejarnos por otro lado con la boca abierta.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: Jurassic World: Dominion. Duración: 146 min. País: EE. UU. Dirección: Colin Trevorrow. Guion: Emily Carmichael, Derek Connolly, Colin Trevorrow. Música: Michael Giacchino. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Chris Pratt, Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Bryce Dallas Howard, Omar Sy, Campbell Scott, Mamoudou Athie, BD Wong, Justice Smith, Daniella Pineda, Scott Haze, Kristoffer Polaha. Producción: Amblin Entertainment, Latina Pictures, Perfect World Pictures, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/jurassicworld/

Crítica: ‘Sin límites’

Sin reparar en gastos a través del globo terráqueo y de la historia

Volvemos a la época de Carlos I, el mismo del que hablamos en nuestra crítica de la película ‘Comuneros’ que podréis leer aquí. Mientras en el Reino de Castilla se producía el levantamiento de los comuneros, a finales del renacimiento, tenía lugar una expedición que cambió la manera de ver el mundo y supuso el dominio comercial del imperio español durante varias décadas más. La gesta de Elcano y Magallanes fue de esas que transformaron la historiade la humanidad.

Rodrigo Santoro ya se ha metido en la piel de otros personajes históricos, como Jerjes o Jesucristo. El brasileño ejerce en ‘Sin límites’ de Magallanes. Como el Aquiles de Brad Pitt va en busca de gloria, de escribir su nombre a fuego en la historia. Por otro lado Juan Sebastián Elcano está interpretado por Álvaro Morte. El reto de ambos navegantes era encontrar una ruta más corta a las Indias y conseguir las preciadas especias esquivando a los portugueses. Una gesta siguiendo la estela de Colón. Fueron tres años que como todos sabemos culminaron no solo en el descubrimiento de una nueva ruta sino que supusieron un zasca a los terraplanistas de ayer y de hoy, antes incluso de la formulación matemática de la teoría heliocéntrica.

‘Sin límites’ son seis episodios de unos cuarenta minutos cada uno que están tan bien hechos que se pasan en un abrir y cerrar de ojos. Cuentan con guión de Patxi Amezcua (‘La sombra de la ley’, ‘Séptimo’) de quien hablábamos hace poco cuando os contábamos qué tal estaba otra serie de Prime Video basada en una gesta marina, ‘Operación Marea Negra’. Pero sobre todo dispone del espíritu aventurero del director Simon West. El director de ‘Con Air’, ‘Los mercenarios 2’ o ‘Lara Croft: Tomb Raider’ nos cuenta los pormenores de la corte, los gajes de oficio, las dificultades del mar, los desacuerdos de la tripulación, los peligros de adentrarse en tierra ajena… ‘Sin límites’ tiene todos esos elementos que hicieron populares las películas de corsarios o las de aventuras en búsqueda de gloria y riquezas.

Años de penurias, de revueltas, de conspiraciones, de recelos y de descubrimientos. La desesperanza y el desconocimiento de la época produjeron más de un altercado, algo que refleja bien ‘Sin límites’. Los imperios se han construido históricamente sobre riesgos y golpes de suerte, sin estos osados descubridores que imaginaban que otro mundo era posible a saber cómo sería nuestro mapa político hoy en día. Todos sabemos cómo acabó esta historia, el valor de la serie reside en el entretenimiento que ofrece y en los detalles que narra, que muchos espectadores ni los habrán buscado en Wikipedia.

La historia nos dice que Magallanes empezó liderando esta empresa pero murió en combate en Filipinas y el que decidió completar la gesta y verificar la teoría recién descubierta de la vuelta al mundo fue Juan Sebastián Elcano. El mismo que hoy en día sigue teniendo un barco con su nombre. No obstante fue Magallanes el que recibió el honor de tener el nuevo paso descubierto a su nombre. Quizá los más patriotas de los espectadores se retuerzan en su butaca cuando vean la visión de Elcano pues aunque es visto como hombre de honor y carisma se le pinta como borracho y endeudado. Sin embargo al final se perfila como el corazón de la expedición mientras que Magallanes es esbozado como el cerebro, uno calculador y tozudo.

Conoceréis detalles como la salida de Sevilla, la inclusión de Juan de Santander, las zancadillas del celoso rey de Portugal, los textos del cronista Antonio Pigafetta los cuales en buena parte han hecho posible que esta historia pueda contarse con detalle. Por supuesto hay licencias y lances que favorecen la acción. Pero la fidelidad y labor divulgativa está fuera de duda. Además la serie hace uso de una gran riqueza de escenarios que aún hoy en día se conservan, como el castillo de Olite. Y plató con croma. Como curiosidad, a veces nos pasan capítulos con algunas escenas sin terminar. Hay a quien no le gusta pero a mí me permite ver cuán colosal es el trabajo de postproducción para recrear con verosimilitud localizaciones remotas o que encarecerían o alargarían la producción. Vais a notar también en ese sentido lo bien que está hecha ‘Sin límites’.

La serie está rodada en portugués y castellano para ganar fidelidad. Gran dupla cultural y excelente elección de protagonistas. La serie es un acierto en el plano técnico y en el artístico. Y además de ser una elección correcta supone una inversión de gran calado. Correcta en cuanto a la calidad que dan ambos protagonistas, aunque no tengan un gran parecido físico con los originales. Completan el reparto los actores Sergio Peris-Mencheta (Capitán Cartagena), Adrián Lastra (Capitán Mendoza), Carlos Cuevas (Martino), Pepón Nieto (Padre Bartolomé), Raúl Tejón (Gómez de Espinosa), Gonçalo Diniz (Duarte Barbosa), Manuel Morón (Cardenal Fonseca) y Bárbara Goenaga (Beatriz). Les podréis ver a todos a partir del 10 de junio en Prime Video.

Crítica: ‘La voluntaria’

Sinopsis

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Marisa (Carmen Machi), una doctora recién jubilada, decide viajar como voluntaria a un campo de refugiados griego donde, a su parecer, necesitan a gente exactamente como ella. Al llegar allí, se hace evidente que no tiene nada que ver con los demás. Cuando conoce al pequeño Ahmed, los límites entre la necesidad de cuidar y de sentirse útil empiezan a desdibujarse…

Crítica

Muy acertada la mirada de Reguera

Ver una película con Carmen Machi siempre es un gustazo. Es una de las actrices más polifacéticas de nuestro país y yo la verdad es que la disfruto más en comedias, pero creo que es porque cuando se trata de dramas me deja apabullado, demolido. En ‘La voluntaria’ toca esto segundo, sobre todo al final. Nely Reguera, directora de historias con tintes cómicos como las de ‘Valeria’, ‘María (y los demás)’ o la exitosa ‘Benvinguts a la familia’ la ha fichado para este drama sobre las crisis migratorias y los refugiados que también indaga sobre la necesidad de sentirse útil. En ella tenemos a una doctora que acaba de terminar su carrera y viaja a un campo de refugiados para aportar su granito de arena, es igual dónde esté ubicada esa instalación, la historia es extrapolable a cualquier región.

‘La voluntaria’ es un drama amable, ligero. Siempre que se introduce el elemento infantil es más fácil excitar nuestro lagrimal, pero la película es una historia maternal, de amistad y humanidad que logra tocar muchos temas sin necesidad de regodearse en la tragedia. En todos ese torbellino de sentimientos que pueden abrumar a alguien que se acerca a la realidad a pie de tierra se plantea una cuestión importante. ¿Estás ahí para ayudar a alguien que está necesitado o tú necesitas ayuda? Está la situación del inmigrante y desamparado pero también la de la jubilada que se ve aparcada e inane, que no sabe qué hacer con el tiempo libre que tiene ahora.

Da igual qué papel haga Carmen Machi que siempre deja la impresión de ser una madraza. En esta ocasión una que se ve obstaculizada por la burocracia y las nuevas técnicas educativas, encarnadas entre otros por Itsaso Arana, un verdadero grano en el culo, refiriéndome al personaje por supuesto. Es una doctora que ya no ejerce pero que no ha perdido su vocación de ayudar, de estar disponible para los heridos. Hablamos de vocación pero también hay que hablar de necesidad mutua. Hay quienes viven con carencias pero en el otro lado hay personas que necesitan cual oxígeno aportar algo, sentirse productivos o contribuir a mejorar el mundo. El ánimo de lucro suele impedir que seamos una civilización mejor y por eso hacen falta voluntarios, pero claro, para eso hace falta una educación que promueva el altruismo y en la sociedad de consumo y narcisismo que vivimos no se ve mucho. Ahí llega otra de las lecciones del filme: por mucho que un ciudadano de a pie quiera ser real y efectivamente solidario suele tener las manos atadas.

‘La voluntaria’ es más eficiente en sus primeros actos. Y queriendo o sin querer nos habla de afrontar los problemas. De como en el “primer mundo” rehusamos enfrentarnos a las minucias de nuestra realidad diaria mientras que en los países necesitados han de convivir con las mayores de las penurias sin posibilidad de evasión. Muchos de esos calvarios no desaparecen pero reciben paños calientes con la salida que les ofrecen los voluntarios. Con esto vemos que más allá de necesitar cobijo, comida o trabajo a estas personas les hace falta un estímulo psicológico que les haga sentirse alguien, que les de un proyecto de futuro. Esto parece una reflexión que he aprovechado a meter en este texto pero realmente es algo a lo que induce a pensar el filme. Muy acertada la mirada de Reguera. Pero ‘La voluntaria’ también toca otras realidades como la de los menas, la sanidad, los choques culturales… Merece la pena que os paséis a verla y extraigáis vuestras propias conclusiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: La voluntaria. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Nely Reguera. Guion: Nely Reguera, Eduard Solà, Valentina Viso. Música: Javier Rodero. Fotografía: Aitor Echevarría. Reparto principal: Carmen Machi, Itsaso Arana, Dèlia Brufau, Arnau Comas, Yohan Lévy, Henrietta Rauth. Producción: Fasten Films, BTeam Pictures, RTVE, Movistar+, TV3. Distribución: BTeam. Género: drama. Web oficial: https://fastenfilms.com/producciones/pPEatbtsRBIZgMQrGT5z

Crítica: ‘Mr. Wain’

Sinopsis

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Inglaterra, 1888. Louis Wain es un insólito artista e inventor cuyos grandes logros atraen a las principales publicaciones del momento. Mientras intenta compaginar su creatividad con el cuidado de sus cinco hermanas pequeñas y su madre, dos acontecimientos cambiarán su futuro: conocer a Emily, que será el amor de su vida; y adoptar a Peter, la mascota que inspirará su arte. La increíble historia de amor de un héroe mundialmente famoso.

Crítica

Si hay una película capaz de dar luz la época victoriana esa es ‘Mr. Wain’

El título original de ‘Mr. Wain’ es ‘The Electrical Life of Louis Wain’. Hace alusión a la peculiar visión de la electricidad que tenía este dibujante del Londres de finales del siglo XIX y principios del XX. Alguien extravagante, inconsciente, hiperactivo y sensible que se decía ducho en muchos campos. Puede recordar mucho a Tesla pues aún siendo un talento y un adelantado a su tiempo fracasaba en el ámbito de los negocios. Curiosamente Benedict Cumberbatch interpreta a Wain pero encarnó al rival de Tesla en ‘La guerra de las corrientes’.

Otro genio al que encarna Cumberbatch y otra interpretación memorable. Conocidos son sus papeles como Sherlock, Turing, Doctor Strange o Hawking (quizá este último no tanto) y el actor aun así es capaz de que veamos a otro personaje distinto, no como sucede con actores tipo Nicolas Cage o De Niro, con los que siempre vemos más al actor que al personaje. Cara de bobalicón, rostro quebrado por el dolor y ojos siempre en constante observación, esas son sus herramientas. ‘Mr. Wain’ nos narra un biopic sobre la diferencia de clases y los amores desmañados e incomprendidos. Para ello el guión va acompañado de un humor encantador, giros demoledores y un reparto en el que encontramos a Claire Foy y Andrea Riseborough como máximos soportes o réplicas para el protagonista.

¿Creéis que tras intentar llevar a cabo patentes eléctricas, obras de teatro u otras empresas fallidas le deprimió haber triunfado con unos dibujos de gatos? Nada más lejos de la realidad. En una época oscura, a las puertas de la I Guerra Mundial, donde los gatos eran vistos como símbolo pagano o cazadores de roedores él los dibujó antropomórficos y en situaciones cómicas y los metió en todas y cada una de las casas londinenses, llegando hasta conseguir el favor de lores o de personas relevantes como H.G. Wells. ¿Pero creéis que él buscaba renombre? También eso está alejado de la realidad. Para él, según ‘Mr. Wain’, era una vía de escape, una manera de no sentirse solo, un fin para alegrar los tristes corazones de una civilización condenada al hundimiento. Si hay una película capaz de dar luz la época victoriana esa es ‘Mr. Wain’. Es un filme cargado de electricidad, pero no de esa que transporta electrones, sino otra más extraña compuesta de protones, energía positiva.

Esto me lleva a relacionar de nuevo este filme con Nikola Tesla. El ingeniero descubridor de la corriente alterna dijo una vez “no hay duda de que, de todas las resistencias de fricción, la que más retarda el movimiento humano es la ignorancia, lo que Buda llamó el mayor mal del mundo”. La ignorancia que detecta Louis Wain a través de la interpretación de Benedict Cumberbatch es la de los infelices, la de aquellos incapaces de vivir el presente para poder recordarlo mejor en el futuro. Es una gran lección que además viene dada con dosis de una preciosa fotografía obra de Erik Wilson autor de coloridas (y también trágicas) obras como la serie ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ o de otras igualmente british como las dos partes de ‘Paddington’. El estilo impreso a esta película es preciosista, muy pocas veces usado para ilustrar esta época en concreto. A través de planos tanto cerrados como abiertos, tanto oscuros como contrariamente luminosos, nos habla de la psique de un personaje que no tengo controlado, pero que si fue realmente como le pinta la película, sería necesario en tiempos tan oscuros como el que vivimos.

Louis Wein, un hombre que pintado así (válgame el chiste fácil) parecía de cuento. Quizá eso ha intentado hacer el director Will Sharpe con la inclusión de la voz en off anónima que nos va narrando la película. Un personaje desconocido que lleva la voz de Olivia Colman. Curiosamente el director dobló a uno de los gatos de ‘La casa’ y dirigió ‘Flowers’ donde también conocemos a una excéntrica familia que vive con su madre. Vaya manera tan bonita de cerrar el círculo.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2022. Título original: The Electrical Life of Louis Wain. Duración: 111 min. País: Reino Unido. Dirección: Will Sharpe. Guion: Will Sharpe. Música: Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, Claire Foy, Andrea Riseborough, Toby Jones, Sofia Di Martino, Stacy Martin, Aimee Lou Wood, Olivia Colman, Hayley Squires, Taika Waititi. Producción: Amazon Studios, Film 4, Shoebox Films, StudioCanal, SunnyMarch. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.instagram.com/sunnymarch_prod/

Crítica: ‘The Boys’ T3

Uno nunca acaba de acostumbrarse al nivel de atrevimiento de ‘The Boys’

Uno de los grandes retrasos derivados de la pandemia que aún persiste es ‘The Boys’ T3. Al menos tuvimos hace poco ‘The Boys: Diabolical’ que nos sirvió como pequeña dosis para ir calentando motores y mantener viva la serie inspirada en los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson. Ese retraso ha hecho que tengamos que decir que en ‘The Boys’ T3 hay una escena muy a lo ‘El Escuadrón Suicida’ y no al revés. Pero como es de imaginar la serie mantiene su esencia y hemos de dar gracias a que va todavía más allá.

‘The Boys’ T3 son ocho nuevos episodios, de los cuales hemos podido ver seis, que llegarán el próximo 3 de junio a Prime Video con un estreno de triple episodio, después tendremos uno semanal. Blasfema, antisistema, antipatriótica, con personajes homosexuales, con mujeres empoderadas e incluso se mofa de las armas en esta tercera temporada. Dudo que haya votantes de VOX viendo esta serie, aunque pudiera ser pues muchos de ellos son una contradicción en sí misma. Hay que prepararse por que desde el minuto cero hay drogas, sexo y por supuesto más carnicería aún. ‘The Boys’ T3 no deja de ser una de las adaptaciones de cómic más loca y sin tapujos, libertina dirían algunos, tanto que no se dedica a ser solo una trama de héroes con mallas, también lanza sus críticas, a uno y otro lado. Un ejemplo es la zona del parque de atracciones de Vought dedicada a la inclusividad o el cómo Patriota se cansa de pedir disculpas por ser un heterosexual con capacidades claramente superiores.

El primer episodio empieza en un punto que ni las películas de DC de Snyder, de hecho hay un guiño a su ‘Dawn of justice’ y por otro lado a Marvel Studios. ‘The Boys’ va a cuchillo con las otras casas y con la ya a la vista obsolescencia del mercado comiquero en el audiovisual. En la anterior temporada ya se lanzaba más de un dardo al respecto. Además ese arranque cuenta con un cameo de alguien que hemos tenido y tendremos más presente en el mundo superheróico. Y no es el único cameo de la serie, hay muchos más en esta nueva remesa de episodios. Puedo adelantaros que los dos primeros episodios empiezan en esa línea, muy a lo inicio de ‘Tropic Thunder’, con un tráiler o escena de una ficción dentro de la ficción, imaginando nuevas series o películas, muy burlesco.

Durante estos nuevos capítulos Hughie está más fuera de la lucha ya que luce pública y abiertamente su relación con la súper Starlight. La heroína también se mantiene muy presente en esta temporada con novedades que no conviene que os cuente. Por el contrario Maeve está más ausente que nunca. Como también está más alejado de la acción Leche Materna que busca recuperar el tiempo perdido con su hija.

Carnicero y el resto por supuesto continúan su cruzada contra Vought y sobre todo contra Patriota. Para ello su nuevo objetivo es encontrar a anunciado Soldier Boy que está interpretado por Jensen Ackles. En ese camino deberán permitir que la hipocresía y crudeza de Carnicero se imponga más que nunca y con ello descubrimos una nueva faceta del personaje interpretado pro Karl Urban. Mientras tanto Patriota como siempre va a lo suyo, intentando recuperar su popularidad mientras lidia con las opiniones contrarias de sus compañeros. Obviamente intenta recuperar a su hijo y Antony Starr nos brinda otra pedazo de actuación. Al igual que destaco la de Ackles que poco a poco gana presencia. Muy bueno el casting de esta temporada, incluso por los actores que han escogido para interpretar a Grace Mallory (Laila Robins) y Stan Edgar (Giancarlo Esposito) de jóvenes.

En esta temporada os aguarda sexo con hombres menguantes, re-apariciones en Los Siete, evolución para personajes como Kimiko (Karen Fukuhara), nuevos personajes con nuevos poderes y muchas más cosas que no estaría bien que os adelantase. Si podemos hablar de la nueva posibilidad de que los humanos normales puedan tener poderes, como hemos visto en el tráiler. Eso no solo nos da momentazos cuando los personajes adquieren poderes, sino una nueva dimensión a la serie pues es ir un paso más allá en el negocio de los súper que ven amenazada su profesión pues cualquiera podría ejercer su rol. Aunque este no es el eje de la temporada si que abre nuevas posibilidades, sobre todo a la acción.

Acudimos a la premiere de ‘Jurassic World: Dominion’

Una semana antes de su estreno se muestra en Madrid

El próximo 9 de junio llegará a los cines la última entrega de la franquicia ‘Jurassic World’ que se titula ‘Jurassic World: Dominion’. Una tercera película de esta nueva etapa que cerrará la historia y que reúne en el mismo filme a las dos generaciones, los nuevos protagonistas y los que encabezaron el reparto de ‘Jurassic Park’. Veremos a Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y Omar Sy huyendo de las dinosaurias por todo el mundo.

Igualmente, por todo el mundo, está Universal Pictures mostrando el filme de manera anticipada. En la noche de este 1 de junio unos pocos afortunados pudieron ver el nuevo largometraje en la premiere celebrada en los Cines Callao de Madrid. Un evento que no contó con la presencia de nadie de la película. Bueno si, corregimos, acudió una actriz española que figura en el reparto de la película como «farmer Pérez», ella es Teresa Cendon-García.

Al evento si que se quisieron acercar otras muchas personalidades y celebrities. Posaron antes de entrar a ver ‘Jurassic World: Dominion’ conocidos como Alaska, Santiago Segura, Bely Basarte, Eva Hache, Diego Matamoros,, Alberto Chicote, Javier Botet, Diego Arjona, Arturo Valls, Pablo Carbonell, Lucas Vidal, Paula Cariatydes, Rafa Mora y Macarena Millán, Koldo Serra, Aless Gibaja, Carlos Areces, Sara Fructuoso, Félix Sabroso y Jau Fornés, Marta López Álamo, Inés de León, Ramón Aranguena, Ángela Marmol, Jennifer Ortiz, Elena Huelva, Victoria Caro, Claudia García, Rodri Fuertes, Marta Soriano, Fracesc Gascó (Pakozoico), Andrea Tivadar… Les tenéis a todos en la siguiente galería.

Crítica: ‘Marmaduke’

Sinopsis

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Marmaduke es un adorable «Gran Danés», pero por mucho que sus dueños lo intentan, no pueden evitar que se meta en problemas. Un famoso adiestrador de perros acepta el desafío de convertir a Marmaduke en el ganador del Campeonato Mundial. Así comienza una gran aventura.

Crítica

Casi que mejor nos quedamos con las tiras cómicas

Quizá al ver el cartel veáis parecido con Scooby-Doo pues también es un Gran Danés de color marrón, pero no olvidemos que el original es este perro que nació en forma de tiras cómicas en el cincuenta y cuatro de la mano de Brad Anderson, así es que esta vez tocaría ponerse en contra de Hanna-Barbera a la hora de hablar de originalidad. Ya hubo una película de Marmaduke que mezclaba animación con imagen real en 2010 con la voz de Owen Wilson. Superar aquello no era difícil y este nuevo estreno no consigue ese sencillo reto. En esta ocasión es Pete Davison quien dobla al torpón perro y el filme cuenta además con las voces de J. K. Simmons o David Koechner. ¿Quién les manda meterse en este jardín?

Se han cogido algunos de los gags para entremezclarlos con la historia ideada para el nuevo largometraje. Marmaduke hace gala de sus torpezas y su sinvergonzonería y se mete en líos constantemente. Un entrenador de perros descubre al protagonista y se propone hacer de él un campeón del mundo, una mascota adiestrada y obediente. Pero Marmaduke no se lo pondrá nada fácil, ni queriendo ni sin querer.

Antiguos animadores o realizadores de FX de películas como ‘Robocop’ (2014), ‘Silent Hill: revelation 3D’, ‘Fivel va al oeste’ o ‘El gran Stan’ son quienes han orquestado esta película. El currículum no auguraba nada bueno. Youngki Lee, Matt Philip Whelan y Phil Nibbelink codirigen el filme con el director de ‘Spawn’, Mark A.Z. Dippé, que se ha reconvertido tras darse más batacazos dentro del terror y ahora vemos que está volcado en la animación infantil con películas de Garfield o ‘The Boxcar Children’, que es algo así como ‘El club de los cinco’ con una animación bastante básica. Aunque este largometraje tiene un acabado un poco más detallado que esos títulos, hoy en día es más frecuente ver este tipo de animación 3D en series que tienen menos tiempo para dedicar al diseño, no se acerca ni de lejos al de películas recientes como ‘Los tipos malos’ u otros estrenos tipo Disney o Dreamworks, más bien está al nivel de los ‘Oceanix’. De hecho, están más logrados los escenarios que los personajes. Visualmente es pobre, los niños tampoco le pondrán mucha objeción a esto pues es un filme lleno de humor físico y travieso destinado entretenerles y a hacer una mínima labor didáctica, sin más.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Marmaduke. Duración: 90 min. País: EE. UU. Dirección: Mark A.Z. Dippé, Matt Philip Whelan. Guion: Byron Kavanagh. Música: Nicholas Schnier. Reparto principal (doblaje original): Pete Davison, J.K. Simmons, David Koechner, Mary Hart, Julie Nathanson, Terri Douglas, Erin Firzgerald. Producción: One Cool Animation, Andrews McMeel Entertainment, Legacy Classics, StoryBerry. Distribución: Big Picture Film. Género: animación, comedia. Web oficial: http://bigpicture.es/

18 Muestra SYFY. Día 29

La muestra de los niños pasándolas canutos y de los torpones

Para empezar el día de clausura de la 18 Muestra SYFY hemos visto como el público se llevaba un enorme regalo que también fue entregado en la mañana del sábado. Dinosaurios enormes fabricados por Mattel y LEGO a colación del estreno de ‘Jurassic World: Dominion’. Obsequios para niños y adultos que han sido todo un detalle.

Pero al margen de los detalles con los canijos esta ha sido una última jornada que nos ha demostrado de nuevo que el leitmotiv de la 18 Muestra SYFY es los niños sufriendo. Ya sea por la trama de ‘Night Raiders’ o por lo mala que es ‘Marmaduke’. Y también por ese perro y por otros muchos personajes es la edición de los torpones.

El momento del día se dio con el productor de la última película, un confuso y divertido encuentro uruguayo que nos dejó desconcertados. Un cierre por todo lo alto pero que estuvo precedido por la justa protesta de Leticia Dolera que cargó contra la Ley General de Comunicación Audiovisual que amenaza nuestras producciones independientes.

‘Marmaduke’

Quizá al ver el cartel veáis parecido con Scooby-Doo pues también es un Gran Danés de color marrón, pero no olvidemos que el original es este perro que nació en forma de tiras cómicas en el cincuenta y cuatro de la mano de Brad Anderson, así es que esta vez tocaría ponerse en contra de Hanna-Barbera a la hora de hablar de originalidad. Ya hubo una película de Marmaduke que mezclaba animación con imagen real en 2010 con la voz de Owen Wilson. En esta ocasión es Pete Davison quien dobla al torpón perro y el filme cuenta además con las voces de J. K. Simmons o David Koechner. ¿Quién les manda meterse en este jardín?

Antiguos animadores o realizadores de FX de películas como ‘Robocop’ (2014), ‘Silent Hill: revelation 3D’, ‘Fivel va al oeste’ o ‘El gran Stan’ son quienes han orquestado esta película. Youngki Lee, Matt Philip Whelan y Phil Nibbelink co-dirigen el filme con el director de ‘Spawn’, Mark A.Z. Dippé, que se ha reconvertido tras otros batacazos de terror y ahora vemos que está volcado en la animación infantil con películas de Garfield o ‘The Boxcar Children’, que es algo así como ‘El club de los cinco’ con una animación bastante básica. Aunque este largometraje tiene un acabado un poco más detallado que esos títulos, hoy en día es más frecuente ver este tipo de animación 3D en series que tienen menos tiempo para dedicar al diseño, no se acerca ni de lejos al de películas recientes como ‘Los tipos malos’ u otros estrenos tipo Disney o Dreamworks, más bien está al nivel de ‘Oceanix’. De hecho, están más logrados los escenarios que los personajes. Visualmente es pobre, los niños tampoco le pondrán mucha objeción a esto pues es un filme lleno de humor físico y travieso destinado entretenerles y a hacer una mínima labor didáctica, sin más. Para una película de la muestra en la que aparece un perro y no muere me doy por conforme.

Comentado por Furanu.

‘Night raiders’

Los niños son el bien más preciado en este futuro post-apocalíptico. Tanto que se les considera propiedad del estado y es ilegal no declarar su existencia. El gobierno los quiere para sus propios intereses y para mantener una república inestable que busca sobreponerse a un virus que deja los cadáveres de sus infectados con lesiones casualmente parecidas a las de la viruela del mono.

La película pasa de ser algo parecido a ‘The road’, con las dos protagonistas, una madre y una hija, viajando como vagabundas a casi ser como ‘Logan’, un viaje para salvar a unos niños encontrando un lugar idílico y seguro. Pero que va, ni de lejos es tan aventurera.

Hay un muro tipo México que separa por clases como en ‘In time’, aquella película olvidable con Justin Timberlake y Amanda Seyfried. Pero tampoco tiene relevancia. Más importantes son los drones y la extraña capacidad de la protagonista, la cual no tiene explicación.

Al filme le cuesta progresar y marea la perdiz. Se sumerge en exceso en la vida de una tribu que sobrevive fuera del radar de la ley y con una jerga que ni en las Tres Mil Viviendas. Y todo para resolverse sin conflicto ni dificultad para los protagonistas. Se convierte en otra mancha en la carrera de Taika Waititi pues figura como productor ejecutivo.

Comentado por Furanu.

‘The boy behind the door’

Un niño secuestrado es el protagonista de esta película. Pero ojo que a pesar de tener un protagonista infantil la cinta no se anda con chiquitas ni para sus giros ni para su violencia. Se dice mucho eso de que los niños de ahora están muy insensibilizados por culpa de la violencia de los videojuegos y la televisión pero esta película aboga por una apuesta diferente. Esta es la historia de unos buenos muchachos que tienen que convertirse en algo que jamás deberían ser, supervivientes.

Hay dinero para destrozar una puerta haciendo un guiño a ‘El resplandor’ pero el presupuesto es inversamente proporcional al ritmo que tiene. Película sencilla que nos lleva con mucha agilidad por la desventura de este muchacho que intenta escapar de sus captores. Chapó por el niño protagonista (Lonnie Chavis) en un papel la mar de atípico y truculento para su edad.

Cuando eres un niño ¿qué te puede dar más miedo que quedarte solo en un sitio desconocido, a merced de unos adultos también desconocidos y encima sin poder salir corriendo porque dejas atrás a un amigo? Os he contado que el protagonista intenta huir pero hay otro muchacho encerrado que no tiene la suerte que ha tenido él al encontrar una oportunidad escape. La película se basa en el subterfugio y en el objetivo de que ambos chiquillos puedan salir ilesos. Los directores hacen que sufras por ellos y más aún si tenéis, hijos sobrinos…

Comentado por Furanu.

‘The cellar’

Basada en el corto ‘The Ten Steps’ dirigido por el mismo director, Brendan Muldowney, nos presenta a una familia bastante disfuncional que se muda a una mansión que les ha costado demasiado barata. Keira y Brian, volcados en el trabajo hacen caso omiso a las preocupaciones de su hija la cual desaparece sin dejar rastro después de una extraña conversación por teléfono con su madre. A partir de aquí descubriremos junto a Keira los horrores de su nuevo hogar.

Típica película de casa encantada, en donde encontraremos símbolos extraños, ruidos en el sótano y donde los protagonistas son bastante más tontos de lo normal. Pero también hay hueco para situaciones bastante ridículas, como revelar varias veces el mismo acertijo o que un profesor de universidad te cuente que es inteligente gracias a un accidente de coche., que por cierto, no viene a cuento y no sirve para nada en la trama.

Creo que verla en la Muestra SYFY es lo mejor que nos podía haber pasado y es que las bromas se formaban solas gracias a unos personajes que terminas odiando bastante y estás deseando que los maten. Protagonistas que tienen cero en cultura y no saben nada acerca del bestiario universal.

Encontramos a un reparto curioso como Elisha Cuthbert, Eoin Macken, Dylan Fitzmaurice o Abby Fitz, los encargados de representar a esta familia disfuncional y tan odiosa. Esta película es un ejemplo más de que alargar un corto no es siempre buena opción.

Comentado por Vicky Carras.

‘La luz’ (corto)

El último cortometraje de la 18 Muestra SYFY ha sido este escueto y oscuro filme que está muy bien hecho. Tirando de esas tradiciones rurales que hacen famosos pueblos como La Alberca o similares se crea un escenario de terror. En una sola y oscura instancia una familia es amedrentada por un horror ancestral que las mentes más jóvenes cuestionan o desafían pagando un alto precio.

‘Virus 32’

Para cerrar la 18 Muestra SYFY ha tocado producción uruguayo argentina. Un brazo escayolado, unas bengalas, un monopatín, una historia de la infancia… la película introduce en su primera secuencia de manera muy obvia las que van a ser las herramientas con las que va a progresar la historia. Una manera de presentarse muy típica. Y aunque la protagonista sea una guardia de seguridad bastante miedica luego sí que consigue sobreponerse y es original con la manera en cómo actúan sus infectados. Se trata de unos violentos ciudadanos que al contraer el virus necesitan imperiosamente matar, ejercer la violencia. Con la peculiaridad de que tras ello pasan un lapso de treinta y dos segundos de quietud y calma. Otra peculiaridad de estos atacantes es que conservan la consciencia y razonan, por lo que son más peligrosos que los típicos zombies o infectados.

Toda la acción sucede en un club deportivo con sus canchas de fútbol, piscinas, salas de mantenimiento…. Son muy emocionantes y terroríficas las escenas en la piscina vacía o el vestuario. Con tiros de cámara e incluso música casi calcados a ‘28 días después’ o a ‘Silent Hill’ este es un home invasion cargado de violencia y amor maternal. Me habría gustado que ofreciese alguna explicación o fundamento.

Comentado por Furanu.

18 Muestra SYFY. Día 28

Buen gore y ciencia ficción nos han acompañado en la jornada de hoy

Tercer día de la Muestra SYFY que no ha podido comenzar de mejor manera que con ‘E.T. el Extraterrestre’. Hoy hemos disfrutado bastante con películas llenas de gore, tiburones pilotados por zombies nazis o un calendario de adviento que cumple el mayor de deseo de su dueña.

Una jornada en la que Gorka Otxoa nos ha mandado un audio al público de la Muestra prometiendo que si el año que viene no tiene impedimento se acercará a saludarnos. Y muchas más situaciones locas que como todos los años en la Muestra SYFY se repiten sin parar.

‘E.T: el extraterrestre’

¿Cuántas veces han sido versionada las escenas de esta película de Steven Spielberg? Incluso en la propia 18 Muestra SYFY ha habido algún guiño. Sin duda no hay mejor piropo para una película que es todo un clásico de los ochenta y de la ciencia ficción. Un filme que nos descubrió a Drew Barrymore y a Henry Thomas, cuya carrera ha sido relanzada por sus trabajos con Flanagan. Cuarenta años han pasado desde que se estrenó y si bien los efectos han envejecido de aquella manera el guión y el mensaje sigue calando, más aún ahora que se habla tanto de crisis migratorias y de intolerancia.

Comentado por Furanu

‘Apps’

‘Edén’, ‘Manada’, ‘OnFire’, ‘Frecuencia’ y ‘Date Freak’ son los cinco cortos que están recopilados en Apps. Cortos de terror y ciencia ficción que nos dejan buenos momentos durante esta Muestra SYFY.

El punto de partida de cada corto es que una Apps es la encargada de introducir el terror en la vida de nuestros protagonistas, de una manera u otra.

Es una pena que el sonido en alguno de ellos no esté bien introducido o que sus protagonistas no sean capaces de vocalizar bien, porque en el caso de ‘Manada’, me ha parecido una chulada, pero casi me he tenido que imaginar de que iba gracias a la situación, porque no se les entendía absolutamente nada de lo que decían.

En el caso de ‘OnFire’, que es el otro que más me ha gustado, pasa algo por el estilo, pero este al menos ha sido bastante divertido y macabro.

Sandra Arriagada, Camilo León, Lucio A. Rojas, José Miguel Zuñiga y Samot Marquez son los directores de estos cortos que os recomiendo.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sky Sharks’

Un laboratorio en la Antartida repleto de Nazis mejorados y zombieficados que pilotan tiburones voladores. Si lees esto, sabes que no vas a ver una película que te haga pensar, sino que vas a ver a tiburones voladores comiéndose a gente sin parar y a unos nazis mejorados intentando recuperar el Mundo.

No la pudimos ver en su día en el Festival de Sitges, donde no nos hablaron muy allá de ella y gracias a la Muestra SYFY hemos podido asistir a su visionado. Una película cutre, con efectos especiales que dan penita, pero una cinta que es un disfrute de principio a fin.

Acción, gore, sexo y conspiraciones por todos lados. Además de que las muertes son bastante originales y el poco maquillaje que se ve, está bastante bien trabajado. Sin duda me quedo con las conversaciones poco pacíficas entre los distintos mandatarios mundiales por intentar solucionar el problema nazi.

Actores como Tony Todd (‘Candyman’), Cary–Hiroyuki Tagawa (‘Mortal Kombat’), Barbara Nedeljakova (‘Hostel’), Robert LaSardo (‘Mula’), entre muchos otros, se dejan ver en esta aventura que no dejará indiferente a nadie.

Comentado por Vicky Carras.

‘El Purgatorio’ corto

¿Es la tercera edad un purgatorio? Eso es lo que parece querer decirnos David Baquero con esta película en la que una mujer de avanzada edad decide quitarse la vida. El objetivo de dicho suicidio es el de no pasar el resto de sus días con penurias, en una especie de purgatorio esperando pasar a otro plano de existencia. Todo esto lo expone en un diálogo con su maquillador en la fría mesa de la sala de tanatopraxia.

Silvia Tortosa, actriz que trabajó en ‘Pánico en el Transiberiano’ o ‘Estudio 1’, es la protagonista del corto junto a Álvaro Prados. Buen duo en esta funesta sesión de psicología.

El director parece tener una obsesión o curiosidad con los muertos y sus instantes previos al enterramiento pues en 2017 presentó ‘La última cita’ también con una mujer conversando en estado cadavérico. De hecho en el corto que nos ha presentado en esta 18 Muestra SYFY podemos ver el poster de ese anterior trabajo.

Comentado por Furanu.

‘The Advent Calendar’

Una chica le trae de Alemania un armarito a su mejor amiga. Un mueble que consiste en una serie de cajones tipo calendario de adviento con unas sorpresas que no me explico cómo puede haber pasado la aduana. Con una serie de reglas la protagonista, una bailarina resignada vivir en silla de ruedas, debe ir comiendo los bombones día tras día. Cada uno se reserva un secreto, un deseo, un milagro. Regalos de doble filo como los de la zarpa del mono.

Aunque es una obra de terror el filme tiene un humor negro digno de Quentin Dupiex. Los personajes que se van cruzando en la vida de la protagonista no pierden ocasión para restregarle por la cara que es minusválida.

Patrick Ridremont acostumbra a hacer más de actor pero no se le da mal este tipo de terror de medio broma. La protagonista está interpretada por Eugénie Derouand, puede que la hayáis visto en ‘El mundo en llamas’. Esta película que han hecho juntos es un Jumanji, un ‘Siete deseos’, en el que jugar vale la vida a tus seres queridos y no jugar es la muerte.

Comentado por Furanu.

‘Slumber party massacre’

Al igual que E.T. estamos hablando de un cuarenta aniversario. Pero la fama y la calidad ya son otra cosa, típico de Roger Corman. Este es un remake sudafricano rodado en dieciocho días de la película original de la directora Amy Holden Jones. Se recuperan los elementos del slasher de los ochenta que tan empleados están ahora en otras producciones y también se ha procurado que esto sea algo con y de lo que reírse, como con la saga original. Por supuesto el asesino también va acosando a sus inocentes objetivos con un taladro. Cine de vísceras gratuito y mentes calenturientas. Para quienes digan que es una obra machista, toda la saga está escrita y dirigida por mujeres y en esta nueva versión se ha optado por no introducir desnudos femeninos. La original tenía un contador de muertes que alcanzaba las doce víctimas, esta nueva… haberla ido a ver.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Todo a la vez en todas partes’

Sinopsis

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Cuando una ruptura interdimensional altera la realidad, Evelyn (Michelle Yeoh), una inmigrante china en Estados Unidos, se ve envuelta en una aventura salvaje en la que solo ella puede salvar el mundo. Perdida en los mundos infinitos del multiverso, esta heroína inesperada, debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros del multiverso mientras el destino del mundo pende de un hilo.

Crítica

Una chifladura valiente y maravillosa

Dentro del mundo del cine podemos hablar muchas veces de modas. Tenemos épocas en las que nos llegan películas de vampiros, otras de fantasía medieval, otras de zombies… parece que el tema de los universos paralelos es lo que últimamente se cotiza más en el mundo fantástico. El máximo exponente o quien ha conseguido venderse mejor dentro de esta temática es Marvel Studios, pero hay otras historias muy a tener en cuenta como ‘El único’ o ‘Fringe’ u otras que comentamos en este otro artículo sobre el tema. ‘Todo a la vez en todas partes’ también cuenta con la participación de los hermanos Russo, pero Los máximos responsables de las famosas frases marvelitas no son las personas a destacar precisamente.

Que en Estados Unidos haya sido avalada por la distribuidora A24 ya dice mucho de este filme. Pero debéis tener aún más en cuenta que los conocidos como “los Daniels” son los directores de esta película. No han sido pocas las veces las que os hemos recomendado desde aquí que veáis ‘Swiss Army Man’, una propuesta muy loca en la que Paul Dano usa el cadáver de Daniel Radcliffe como navaja suiza en una isla desierta. Alejándose del tono soez e incluso escatológico que tenía esa película la propuesta de ‘Todo a la vez en todas partes’ es una chifladura maravillosa. Una nueva visión y manera de entender el multiverso que está repleta de acción, comedia y sensibilidad. Se agradece que haya propuestas así de locas y por lo tanto así de valientes. No es fácil implicar a un equipo a hacer una comedia disparatada y juguetona como esta.

El otro gran valor de la película reside en su protagonista. ‘Todo a la vez en todas partes’ cuenta para su papel principal con Michelle Yeoh, una actriz que tiene a los espectadores del fantástico entusiasmados. La historia nos habla de una agobiada madre de familia migrante que lleva un servicio de lavandería que está siendo auditado. Y en medio de la debacle y caos que experimenta su vida personal aparece una figura que le descubre que existen mundos paralelos. Si además tenemos en cuenta que su marido está interpretado por Ke Huy Quan (el “Data” de ‘Los Goonies’, el acompañante de Indiana Jones en ‘El templo maldito’), que el papel de su padre ha recaído en James Hong de ‘Golpe en la pequeña China’ y que la auditora que le han asignado es Jamie Lee Curtis… como para no estar desquiciada o ser disfuncional.

El largometraje nos gana con su propuesta, con su montaje y con su reparto. Yeoh sabe manejarse en tan confusa trama haciendo personajes distintos que a la vez son el mismo. No es la primera vez que se relaciona con “yoes alternativos” pues nos sorprendió y mucho con sus Emperadores Philippa Georgiou de ‘Star Trek: Discovery’. Es altamente divertida la relación con sus maridos ficticios con los que tiene una relación Neo y Morfeo. La verdad es que esta película tiene bastante de ‘The Matrix’ pero me niego a considerar a la película de las hermanas Wachowski como una obra del multiverso, porque la considero más una realidad distópica. Y no me quiero dejar sin tocar el papel de la hija pues además de estar bien interpretando es parte vital del filme. Stephanie Hsu aparecía en ‘Shang-Chi’, con lo que cerramos otro nodo con el universo de Marvel Studios pues además podemos decir que no es la única ya que también intervienen, mucho, extras como Brian Le y Andy Le.

La verdad es que el personaje que le ha tocado a Curtis parece sacado de La Hora Chanante (Muchachada Niu para los más tardíos). Por eso es divertida, por ver a actores consagrados rendidos al humor absurdo. pero como decía, esta película es algo más que un montón de peleas, persecuciones y momentos ridículos, también tiene su apartado emotivo. A la protagonista de ‘Todo a la vez en todas partes’ se le ha pasado la vida volando, tenía otros sueños. Y pasa de ese estado de mediocridad a verse inmersa en una lucha contra el caos del multiverso, la cual, le encamina a una catarsis. Todo ello salpicado de una infinidad de imágenes que nos llevan desde el colorido más burlesco a escenas de puro neo noir. Obviamente como trata de universos paralelos, de realidades alternativas, juega con el efecto mariposa, las variaciones y las consecuencias de las decisiones, a todos los niveles, incluyendo el visual. Solo de pensar en la cantidad de horas en croma, escenarios y maquillaje para hacer la película me da vértigo, sobre todo sabiendo que los efectos del filme los han hecho entre unos cuantos a base de lo aprendido en tutoriales de Internet.

Es difícil que leyendo lo que he descrito os pueda encajar todo con cierta coherencia, pero lo hace y de una manera épica. Me he acordado mucho del episodio ‘The Fansworth Paradox’ de ‘Futurama’. Para que los millenial y los marvelitas lo entiendan esta película es cono meterse en la mente del Doctor Strange de ‘Infinity War’. La única pega que le pongo es que se hace un poco larga aunque culmine con un guiño que me ha recordado a ‘El último gran héroe’.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Everything Everywhere All at Once. Duración: 132 min. País: EE. UU. Dirección: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Guion: Dan Kwan, Daniel Scheinert, Daniels. Música: Son Lux. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Jamie Lee Curtis, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum Jr. Producción: AGBO, Hotdog Hands, Ley Line Entertainment, Year of The Rat. Distribución: Youplanet Pictures. Género: acción, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/everything-everywhere-all-at-once

18 Muestra SYFY. Día 27

Sangre y humor a borbotones

Hoy de nuevo hemos tenido una película que ha sumergido a una criatura de muy temprana edad en un ambiente hostil y violento. Si hace dos años lo que más vimos fueron muertes de perros, los niños ante el peligro parece ser el leitmotiv de esta 18 Muestra SYFY. Y habrá más pues en sucesivos días podemos adelantar que los protagonistas más pequeños las van a pasar canutas, y no nos referimos al pase de ‘E.T.’ que tendrá lugar en una de las mañanas.

Con casi todas las proyecciones en hora hemos empezado un día que ha ido de menos a más, de películas que más bien nos han adormilado a locuras vampíricas, freaks del siglo XX y slasher made in Spain.

‘Settlers’

Según la sinopsis que nos ha brindado la organización en esta película la Tierra ha sufrido una catástrofe ecológica (a la cual no se hace alusión alguna). Esa gran crisis ha provocado un éxodo a Marte, planeta que ha sido terraformado. Allí intenta sobrevivir una familia, cual Matt Damon, en una granja cultivando vegetales y criando un cerdo. Un porcino que posteriormente y sin explicación se convierte en otros cuatro y a los cuales se suman unas cuantas gallinas que parecen haber salido también de la nada. Suena ilógico, igual que todo lo que van haciendo los protagonistas que parecen casi carentes de motivación. Además el montaje no ayuda pues está lleno de huecos sin llenar y está falto de continuidad.

La película se convierte en un cautiverio sin acción y con planos alargados hasta la extenuación. ¿El mejor personaje? Un robot tipo rover pero con patas que no sabemos para qué es, que se mueve torpemente, pero que aporta el único giro dotado de algo de emoción.

Con ‘Prisioneros en Ghostland’ dije que muy desesperada debía estar Sofia Boutella, me reafirmo. Hablando del otro protagonista adulto, Ismael Cruz Cordova, el público de la sala ha mencionado mucho su parecido con el futbolista Dani Alves… es un actor de la serie ‘The Undoing’ y ahí se llama Fernando Alves.

Comentado por Furanu.

‘Inexorable’

Dirigida por Fabrice du Welz, ‘Inexorable’ nos cuenta una historia de obsesión e intento de usurpación.

La película nos habla de una familia que vuelve al hogar en el que creció Jeanne, la madre y mujer protectora que hará todo lo posible para que su familia esté perfectamente bien. Mientras su marido Marcel está ocupado en escribir su nueva novela. En toda esta mudanza, entra en sus vidas Gloria, una extraña muchacha que hará muy buenas migas con la hija de ambos.

Una cinta belga que no llega a entretener en ningún momento y que, aun así, tiene una de las mejores escenas que hemos visto hoy, una niña y su actuación en su cumpleaños. Es una pena lo desaprovechada que está, pues tiene buenas actuaciones y está bastante bien rodada, pero es aburrida desde el minuto uno.

Benoît Poelvoorde, Mélanie Doutey y Alba Gaïa Bellugi, son los tres principales protagonistas en este extraño triángulo que no sabes muy bien hacia donde se dirige.

Comentado por Vicky Carras.

‘Let the wrong on in’

Durante el Sitges de 2020 pudimos ver una película de vampiros, irlandesa y con toques de humor, se llamaba ‘Boys for county hell’. La 18 Muestra SYFY coge el testigo de todos esos ingredientes con esta película del director Conor McMahon que cuenta en su haber con ‘From the Dark’.

En esta comedia nos lleva a la Irlanda de ciudadanos malhablados y taciturnos donde nos presenta a Matt, un joven mozo de carga que se ve sumergido en una vacilación pues su hermano, que siempre le ha mangoneado y dado vergüenza ajena, se convierte en un vampiro. Tenemos a un típico irlandés que parece jugador de rugby y a otro que lleva el estilo de Joe Gilgun en ‘Misfits’. El rollo, la dinámica de la comedia, es muy ‘Zombies party’ solo que no existe una buena relación entre los protagonistas, pero si buena vis cómica. Además empieza con buen pie al ritmo de Franz Ferdinand.

Va de vampiros y aparece un miembro de la serie ‘Buffy’, Anthony Head que también hace aquí de mentor cruzado y se nota que se lo ha pasado de rechupete. Se disponen continuamente carcajadas a partir de los tópicos vampíricos incluidos los vómitos de sangre o los intentos de convivir con ello como algo normal, muy a ‘Lo que hacemos en las sombras’. Llegamos a tener vampiresas contra taxistas, dos redes que recorren la ciudad de noche dejándonos secos.

El título nos habla de la clásica regla que impide a un vampiro entrar en lugares donde no ha sido invitado y en paralelo leemos que el hermano le chupaba la sangre, incluso antes de ser un vampiro pues no le negaba nada y ya tenía mono, aunque no fuese de sangre. Pero sinceramente, prefiero dejar a parte la poca sensiblería que tiene el filme y me quedo con la comedia.

Comentado por Vicky Carras.

‘Freaks out’

El director de ‘Le llamaban Jeeg Robot’, Gabriele Mainetti pasa de ese filme de superhéroe de estar por casa a una historia de horrores: los de la II Guerra Mundial y los de las anomalías que sufren los miembros del circo de Israel. Así sería el clásico ‘Freaks’ de haberse ambientado en 1943 y rodado en Italia en clave de drama, humor y acción.

Entra por razones obvias dentro de los géneros que trata la Muestra. Un hombre que parece un licántropo, una eléctrica mujer, un escupe bichos, un enano magnético… Y de un modo que no os voy a adelantar, el futuro, nuestra realidad en el siglo XXI, también es un personaje más.

Película rara y bien rodada. Un galimatías que bien podría llamarse ‘La liga de los hombres estrafalarios’, tiene incluso a su villano a lo Moriarty. Y las ideas locas no hacen más que aparecer, por eso veréis un ejército de partisanos tullidos, un cubo de Rubik adornado con la esvástica o el símbolo nazi recreado por una tropa de cucarachas o en forma de confeti. Y esos son detalles poco raros, porque a veces pone un pie en ‘Malditos bastardos’ y otras en una película de orígenes de los X-Men.

Por momentos es épica y muy habitualmente grotesca. Bien podría haber sido un episodio de ‘Dr. Who’ o de ‘Doom Patrol’. No se puede negar que es una bizarrada, pero es lo que tiene Mainetti, que hace películas tan simpáticas y con una belleza oculta que son irresistibles. Un relato sobre los oprimidos y desplazados que os recomiendo.

Comentado por Furanu.

‘The Nanny’s Night’

Ignacio López, nos trae su primer largometraje en el que dirige y también escribe junto a Pedro Rivero. Película homenaje al cine terror de los años 80 y 90.

Nos lo hemos pasado bastante bien con esta cinta llena de pequeños guiños y detalles al cine de Tarantino. Con planos muy al estilo cine estadounidense. Nos llevan a un barrio en el que una joven va a trabajar como niñera para una de las familias más ricas de su ciudad. Pero no solo entra en sus planes ganar un dinero extra, sino que pretenden pasar una noche muy entretenida a costa de la niña a la que van a cuidar.

Sectas, conjuros, sangre, comedia negra es lo que encontraréis en ‘The Nanny´s Night’. En el reparto encontramos caras conocidas como a Diana Peñalver, Javier Bódalo, Ana Garberí, Juan Carlos Vellido o David Santana. Sin dudas las mejores Vivian Milkova y Almudena Salort.

No es una película para nada perfecta, tampoco creo que lo pretenda. A mi parecer el director quiere que nos lo pasemos bien y disfrutemos de las distintas situaciones a las que expone a sus personajes.

Ya ha pasado por varios festivales de cine y sigue su andadura aterrizando en la Muestra SYFY.

Comentado por Vicky Carras.

18 Muestra SYFY. Día 26

Joe Hill, una obra de Stephen King

Tras una edición que rozó el no poderse celebrar ya que concluyó casi el mismo día del confinamiento nacional de 2020 por fin la Muestra SYFY ha podido cumplir la mayoría de edad. Y por supuesto lo ha hecho en la que ha sido su casa en los últimos años, el Palacio de la Prensa ubicado en pleno centro de Madrid.

Y también por supuesto, el arranque de la 18 Muestra SYFY ha contado con obsequio en forma de cereales (promocionando la inminente nueva entrega de ‘Jurassic World’, recordemos que todo esto pertenece al conglomerado NBCUniversal) y con la presentación de la actriz y directora Leticia Dolera junto a Gorka Villar (Marketing Director EMEA de NBCUniversal Media).

Antes de ver ‘Black phone’, la película inaugural dirigida por Scott Derrickson (‘Sinister’, ‘Doctor Strange’) basada en la obra del hijo de Stephen King, Joe Hill (‘En la hierba alta’, ‘Horns’), Universal nos ha proyectado un vídeo con los protagonistas de ‘Jurassic World: dominion’ saludando y el tráiler en pantalla grande.

Aunque la película de inauguración ha contado con la atención del público este no ha podido evitar hacer gala del buen humor y los running gags en forma de chascarrillos que siempre amenizan la sala 1 de la muestra, la conocida como “sala de la mandanga”. La Muestra SYFY se celebrará desde este día 26 hasta el domingo 29, que siga así la cosa.

‘Black phone’

Scott Derrickson regresa al terror con ‘Black Phone’, basada en un cuento del mismo nombre de Joe Hill incluido en su libro ‘Fantasmas: El pasado no está muerto, ni siquiera es pasado…’, nos vamos a un pueblo de Estados Unidos en el que comienzan a desaparecer niños. Muy al estilo de las historias de su padre Stephen King, a través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, con el secuestro del propio Finney.

Ethan Hawke vuelve a trabajar junto a Derrickson, esta vez en un papel muy siniestro. Gracias al trabajo del equipo de Tom Savini con las curiosas máscaras que usa este diabólico personaje y al trabajo de voz que realiza el actor, logra un personaje de lo más terrible.

En el reparto encontramos caras bastante conocidas como Jeremy Davies o James Ransone, que hace un papel bastante cómico, pero a la vez eficaz, pues es uno de los únicos personajes que logra algo.

En el reparto infantil el actor protagonista Mason Thames, está bastante bien, sin duda el trabajo físico que ha tenido el chaval en la película me ha impresionado. Y es que le ves haciendo tantas cosas para intentar salir de su encierro que te llegas a cansar solo con verlo.

Pero sin duda tengo que mencionar a la joven Madeleine McGraw, que hace un papel estupendo, lleno de ternura, odio y mucha mala leche.

Sin duda os recomiendo esta cinta que llega el 24 de junio a nuestras salas, pronto os hablaremos de ella con más detalle.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Jujutsu Kaisen 0: la película’

Sinopsis

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Cuando eran niños, Rikka Orimoto murió en un accidente de tráfico ante los ojos de su mejor amigo, Yuta Okkotsu.

“Es una promesa. Cuando seamos mayores, nos vamos a casar”.

Rikka se convirtió en un espíritu y Yuta llegó a desear su propia muerte tras sufrir su maldición, pero el gran hechicero Gojo Satoru le dio la bienvenida a la Academia de Hechicería.

Allí Yuta conoce a sus compañeros: Maki Zen’in, Toge Inumaki y Panda, y por fin encuentra la determinación que le faltaba.

“¡Por fin tengo la confianza para decir que no es malo que siga viviendo!”.

“Estando en la Academia de Hechicería podré romper la maldición de Rikka ”.

Mientras tanto, el malvado usuario de maldiciones Suguru Geto, quien fue expulsado de la academia de hechicería por asesinar a inocentes, aparece ante Yuta y el resto.

“El próximo 24 de diciembre celebraremos el Desfile Nocturno de los Cien Demonios”.

Geto aspira a crear un paraíso exclusivo para hechiceros y decide liberar miles de maldiciones en Shinjuku y Kyoto para exterminar a todos los que no son hechiceros.

¿Podrá Yuta detener a Geto?

¿Y qué ocurrirá con lo de romper la maldición de Rikka?

Crítica

Amplía una historia de sangre y trazo manga sirviendo de punto de partida para algo prometedor

‘Jujutsu Kaisen 0’ es una película de Crunchyroll y Mappa, dos empresas bien conocidas por los amantes del anime que llega a España inaugurando una nueva relación con Sony Pictures. Los dueños de franquicias como ‘Spider-Man’, ‘Zombieland’ o ‘Los cazafantasmas’ incorporan ahora a su catálogo algunos títulos de Crunchyroll. Recordemos igualmente que esto nos dará anime dentro de la parrilla de estrenos de Sony, pero la productora seguirá desarrollando sus películas animadas de Miles Morales u ‘Hotel Transylvania’, entre otras.

Del manga a la televisión y de ahí al cine, hay que ver qué bien les funciona eso a los japoneses. El manga que en España edita Norma Editorial tuvo un volumen cero, un piloto que sirvió de globo sonda y que no ha llegado a nuestro país, por lo que tengo entendido. Este filme surge para narrar esa historia y servir tanto de precuela como de historia de orígenes para un personaje ubicado en el mismo universo y destinado a encontrarse algún día con la serie que ya tiene veinticuatro episodios.

La dinámica de esta nueva fantasía oscura es muy clásica dentro de los cánones del anime. Parafernalia fantástica, monstruos de todo tipo, gran diversidad de personajes, momentos épicos, flashbacks sensibleros, humor bobalicón… Recuerda a grandes obras japonesas como ‘Basilisk’, ‘Jojo’s Bizarre Adventure’ o ‘Naruto’. Y me cuesta distinguir para qué público está destinada porque tiene momentos de moraleja infantil y otros que parecen como si Junji Ito se hubiese puesto en plan superheróico. Esta historia dirigida por Seong-Hu Park inspirándose en el manga de Gege Akutami habla de épica, sacrificio o amistad, como todos esos títulos que he citado.

Si has llegado a este cuarto párrafo te mereces que te cuente un poco de qué va esta historia, sin destriparte nada. Cuando era solo un niño Yuta Okkotsu perdió al amor de su vida en un truculento accidente que sucedió ante sus ojos. La joven fallecida se adhirió al protagonista en forma de maldición y ahora una escuela de hechiceros de Tokio le va a enseñar a usar eso a su favor, terminando con otras maldiciones. Al enterarse de este poder un brujo intenta hacerse con él matando al joven. Esto es muy resumidamente de qué trata. La historia bien podría ser un espejo de ‘Harry Potter’ pero camina más por sendas como la de la recientemente estrenada en Netflix ‘Los archivos de la enfermera escolar’, de hecho está narrada como si fuese una especie de registro, informe o diario. Incluso podría dividirse en capítulos ya que parece que se han juntado misiones sueltas, como si se hubiesen empalmado distintas publicaciones de la Weekly Shonen Jump, revista donde nació el manga.

Como decía cumple muchos clásicos del anime, como tener a personajes que pasan de lo serio o todopoderoso a ser unos tontorrones, tipo Vash la Estampida. También como tantas otras está cimentada en tradiciones o leyendas del folclore nipón. Quizá por eso en Japón ha tenido un éxito tan abrumador. Imagino que por eso y porque aunque sea precuela ya presenta personajes aparecidos en el manga, sobre todo en su último tramo. También su diseño de personajes o estilo de dibujo es capaz de alinearse con el amante del anime más clásico pues a la hora de esbozar a sus monstruosidades (o maldiciones) y representar la energía que emana de ellos se utiliza un trazo irregular, más propio de las páginas realizadas por los mangakas.

Crunchyroll nombró anime del año a esta franquicia. Ahora la empresa estadounidense apuesta a lo grande por ella. Distribuyen títulos como ‘Blade Runner: black lotus’ u otras franquicias conocidas como ‘Naruto’ o ‘Jojo’s Bizarre Adventure’, quién sabe qué más animes podremos ver en cines gracias a ellos. De momento parece que más entregas de esta precuela pues la escena post-créditos así lo vaticina.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Título original: Gekijouban Jujutsu Kaisen 0. Duración: 105 min. País: Japón. Dirección: Sunghoo Park. Guion: Hiroshi Seko. Música: Arisa Okehazama, Hiroaki Tsutsumi. Fotografía: Teppei Ito. Reparto principal (voces originales): Chinatsu Akasaki, Aya Endô, Kana Hanazawa, Show Hayami, Yu Hayashi, Satoshi Hino, Marina Inoue, Shizuka Itô, Mitsuo Iwata, Subaru Kimura, Rie Kugimiya. Producción: TOHO Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: fantástico, aventura. Web oficial: https://jujutsukaisen-movie.jp/

Crítica: ‘Top Gun: Maverick’

Sinopsis

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Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchell (Tom Cruise) se encuentra dónde siempre quiso estar, sobrepasando los límites como un valiente piloto de prueba y esquivando el avance en su rango que lo emplazaría en tierra. Durante el entrenamiento a un destacamento de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se tropieza con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), distintivo: «Rooster», el hijo del difunto amigo de Maverick, y el Oficial de Intercepción de Radar, el teniente Nick Bradshaw, conocido como «Goose».

Enfrentándose a un futuro incierto y a los fantasmas de su pasado, Maverick se ve envuelto en una confrontación con sus miedos más profundos, culminando en una misión que exige el máximo sacrificio de aquellos que serán elegidos para volar.

Crítica

Si te gustó la primera, ‘Top Gun: Maverick’ no te defraudará, te entusiasmará

Corría el año 1986 cuando ‘Top Gun’ se estrenaba en los cines de todo el mundo. La producción era una especie de cocktail de película bélica de aviones, un anuncio de la marina estadounidense para alistarse y cierta estética videoclipera que triunfó en el público de todo el mundo y consagró a Tom Cruise como la estrella de cine que hoy en día sigue siendo… 36 años después (y ha llovido mucho desde entonces).

La fórmula era simple pero efectiva: Testosterona a base de bien, una historia de amistad, otra de amor, otra de rivalidad, escenas icónicas y acción en forma de combates aéreos. Muy resultón y el acabado final fue más que aceptable. Su director, el fallecido Tony Scott, al que le dedican esta secuela, le imprimió ese sello tan particular que tenía en su forma de rodar, y junto con una buena dirección de fotografía y aquel “Take my breath away” de la banda sonora hizo de la producción todo un éxito.

Casi cuatro décadas después llega ‘Top Gun: Maverick’ como una secuela que homenajea a aquella película, siguiendo la fórmula original, aunque dándole un toque de madurez inevitable y una vuelta de tuerca en lo que se refiere al rodaje de sus espectaculares escenas aéreas. Madurez quiero señalar que tanto para el personaje como para la propia Top Gun.

Aquí nuestro talentoso y rebelde protagonista ahora trabaja dentro de la marina en proyectos como piloto de pruebas hasta que llaman a su puerta para entrenar y enseñar a un grupo de élite de la academia Top Gun. En esos primeros minutos vemos que Maverick sigue teniendo muy presente a “Goose”, su gran amigo y compañero al que su muerte le marca de por vida. Luego también vemos que pese al tiempo transcurrido sigue teniendo ese punto de rebeldía como piloto y bueno…una nueva misión le pone a prueba de nuevo.

Porque ojo, el argumento es calcado a la primera película. Academia, instrucción, entrenamiento y combate aéreo. Entre medio, algo de humor, nostalgia, un poco de romance y constantes guiños al pasado. De lo que realmente va esto es de Maverick y sus conflictos internos, el sentimiento de culpa y ahora de responsabilidad por la vida de los jóvenes pilotos, y el choque entre su presente y su pasado. Tom Cruise es el protagonista absoluto en todo lo que se refiere a ‘Top Gun: Maverick’. En su nueva cruzada, hay sobre todo dos personajes que influyen en sus decisiones. El de Penny (trama romántica), interpretado por la fantástica Jennifer Conelly que vuelve a encontrarse con Maverick para la sorpresa de éste… y el de “Rooster”, el hijo de “Goose” ahora piloto, interpretado por un buen Miles Teller y su trama es la más importante en cuanto a desarrollo de ese conflicto ya que Maverick le afecta en lo personal.

Mención aparte para Val Kilmer (que siempre me ha parecido muy buen actor) actualmente luchando contra un cáncer de garganta, al que Cruise quería en la película sí o sí. El bueno de Val, el otro guaperas de la primera entrega que daba vida a Iceman, tiene su escena junto con Tom y para aquellos que pasan de los cuarenta verlos otra vez ahí 36 años después hace que incluso te emociones. Al fin y al cabo hemos seguido la carrera de estos dos durante décadas y nos regalan una entrañable escena.

Por si no lo sabéis ya, Tom Cruise aquí también es productor de ‘Top Gun: Maverick’. Verdadero motor y principal responsable de este proyecto e intervino en todas las decisiones importantes del rodaje. La inclusión de Val Kilmer no fue lo único en lo que insistió. También lo hizo para que todas las escenas aéreas con los F-18 se hicieran sin CGI (imágenes generadas por ordenador) así que todas las tomas son reales y los actores se tuvieron que preparar a fondo para soportar las fuerzas g en vuelo supersónico. Otro gran nombre como el de Ed Harris solo tiene un papel testimonial.

Porque cuando hablamos de acción, aquí es donde ‘Top Gun: Maverick’ supera a su predecesora gracias a lo que ha evolucionado la industria del cine y las técnicas para grabar desde cualquier ángulo hoy en día. Sencillamente espectacular y en un buen cine la experiencia de sonido hace que sea aún más inmersivo todo. Bien por Joseph Kosinski, el director que no fue pensado para esta secuela (siempre fue Tony Scott), pero que además de ser fiel a la primera y rendirle homenaje con planos y escenas similares (véase el portaviones, la playa o la motocicleta en el aeródromo) también imprime su sello personal cuando pone sus cámaras literalmente en el aire. Soy de la opinión de que no es fácil hacer una película bélica con aviones de combate modernos (apenas hay) y parte del probable éxito de taquilla de esta secuela será por lo espectacular de cada toma, plano y escena dentro de los F-18 y por supuesto por el gancho y la buena forma que sigue teniendo Tom Cruise con casi 60 años de edad (estoy deseando verlo en acción de nuevo en su próxima ‘Misión imposible’). Me quito el sombrero después de 40 años en la cima de la meca del cine. Pocos pueden presumir de ello.

No obstante no podemos dejar de pasar por alto que es un producto hecho para el disfrute y no se debe esperar cierta coherencia en el guión porque apenas la tiene para sostenerse por sí mismo. Los malos están ahí porque sí, tienen mejores aviones y sus motivaciones no son importantes porque solo están para complementar la acción, única protagonista en el último tramo de la película. Todo cogido con pinzas pero al final nos da un poco igual como ya pasaba en la primera. En todo caso pone de manifiesto el debate de que en un futuro no muy lejano el protagonismo pase a los aviones no tripulados, pero lo hace de pasada nada más.

Tienes que haber visto la primera (que por cierto, ha sobrevivido bastante bien a los años) si quieres entender mejor al menos ciertos conflictos entre los personajes. Si te gustó entonces ‘Top Gun: Maverick’ dudo mucho que te decepcione. Te hará pasar un rato agradable y preguntarte que después de 36 años tenga tanto sentido y funcione tan bien. Sé que he repetido varias veces los años que han pasado entre ambas pelis pero… es que no desentonan prácticamente nada.

Esta secuela, en resumen, es un producto de acción de primer nivel en cuanto se refiere a las secuencias aéreas, con una dosis grande de nostalgia que hará emocionarse a los más sensibles. Adolece de un buen guión aunque según pasa la peli te olvidas de ese detalle y recuerdas sus virtudes, tanto pasadas como presentes, para una secuela que, lo vuelvo a decir, 36 años después tiene sentido y que en su género, logrará (?) enganchar a otra generación como lo hizo la primera en los 80.

Buscad un buen cine, comprad palomitas aunque estén a precio de chuletón de Ávila y disfrutad del cine de entretenimiento por excelencia como es ‘Top Gun: Maverick’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2022. Título original: Top Gun Maverick. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Joseph Kosinski. Guion: Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer. Fotografía: Claudio Miranda. Reparto principal: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez, Greg Tarzan Davis, Ed Harris, Val Kilmer. Producción: Jerry Bruckheimer Films, Paramount Pictures, Skydance Productions, Tencent Pictures, Don Simpson/Jerry Bruckheimer Films, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.topgunmovie.com/

Crítica: ‘Toscana’

Sinopsis

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Con un bote lleno de esperma en el bolsillo y camino de la clínica donde le espera su mujer para hacer una in vitro, Santi -crítico culinario en plena crisis de los 40- choca en vespa con un vehículo cuya conductora se da a la fuga. Buscando ayuda, queda atrapado en el restaurante Toscana donde, a punta de escopeta, un excocinero reclama el finiquito a su propietario.

Crítica

Aunque me atiendan a punta de escopeta recomiendo ir al Toscana, además admiten ticket restaurant

Parece mentira que viendo como veo del orden de una media de cinco o seis películas a la semana Pau Durà se me haya estado escapando estos últimos años. Y eso que me gustó en ‘El jugador de ajedrez’ y en ‘La zona’. También me perdí su primera película como director estrenada en cines, ‘Formentera Lady’, y ahora me entran ganas de verla. Él es el director, escritor y protagonista de ‘Toscana’.

‘Toscana’ es una sencilla y eficaz comedia. Haciendo alarde de muy buen gusto humorístico, sin necesidad de panfletos protesta, ni chascarrillos soeces, ni diálogos sesudos, la historia nos saca una sonrisa. Es una comedia de enredos y vidas cruzadas que transcurre en un corto espacio de tiempo fílmico, y real, pues solo necesita 82 minutos para contar su historia. Y prácticamente un solo escenario, un restaurante italiano ubicado en tierras horchateras que da título al filme y en el que coinciden, entre otros, un crítico culinario, un ex-empleado descontento y el endeudado dueño del establecimiento. Personajes entre los que tenemos que decir que el más inocente puede ser el más culpable. En la más que aplaudida ‘Merlí’ Durà ya trabajaba con Francesc Orellá, el cual interpreta al regente del restaurante. El empleado despedido es Edu Soto y también entra en la receta Malena Alterio con un papel que se impone que no desvele.

No sé si la película surge de una obra de teatro pero es perfectamente exportable a ese formato. Simpleza de escenarios, diálogo constante, running gags, entuerto en bucle… El teatro suele ser más costoso que el cine y pagaría con gusto ver de nuevo esta historia sobre las tablas, ahí lanzo la idea. Me es igual que el ajuste de sonido permita la impresión de estar re-doblada o de oírse algún ruido tras el corte en sus takes. Me ha divertido y eso es decir mucho más que otras propuestas millonarias lanzadas en streaming.

Crisis de los cuarenta, crisis económico laboral, crisis de pareja… ‘Toscana’ es una comedia pero no esconde que quiere hablar sobre los miedos adultos, sobre los pavores de la mediana edad en aquellos que siguen ese orden pre-establecido. Puede que incluso abra debate entre las parejas o grupos de espectadores, pero no creo que sea el principal objetivo del guión. En lugar de ello la intención que percibo es la de hacernos reír, sin ponerse intensito con el mensaje. Eso sí, a partir de ahora seguro que tendréis cuidado al tirar un petardo, no sea que haya cerca alguien de dedo nervioso posado en un gatillo.

Un gruñón, una cobarde, un bala perdida armado con cartuchos de perdigones y un pobrecito que pasaba por allí son la receta del plato principal de ‘Toscana’. Un restaurante que aunque te atienda encañonándote con un arma de fuego recomiendo que visitéis, además, admite ticket restaurant.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Título original: Toscana. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Pau Durà. Guion: Pau Durà. Música: Magalí Datzira. Fotografía: Miguel Llorens. Reparto principal: Eduard Soto, Malena Alterio, Pau Durà, Francesc Orella, Vanessa Cano, Xavi Mira, Ivana Miño. Producción: FoscaFilms, Good Machine Films, Institut Català de les Empreses Culturals, IVAC, TV3, True Films, À Punt Media. Distribución: Alfa Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/toscana/

Comentamos los episodios de ‘Love, death & robots’ 3

Mejorando la segunda temporada y recuperando el nivel de la primera

La segunda temporada de ‘Love, death & robots’ seguía teniendo magníficos cortometrajes pero se percibió una ligera bajada de calidad, además de cantidad. Ahora que tenemos una nueva tanda de episodios en Netflix recuperamos las sensaciones del primer lote de cortos, esta antología es impresionante y nos queda por lo menos una temporada más.

Se ha sumado algún director de renombre al proyecto pero también se mantienen algunos anteriores en esta gran creación de Tim Miller (‘Deadpool’). El talento que reúne en esta antología es de quitarse el sombrero, sobre todo cuando consigue innovar visualmente y cuando expone argumentos la mar de imaginativos. Y también teniendo en cuenta que son todo historias originales, nada de remakes, spin-off y demás.

Volvemos a tener un trabajo de Alberto Mielgo que cierra la temporada, recordemos que estuvo presente en la primera temporada de ‘Love, death & robots’ con ‘La testigo’. El español hizo este corto antes de recibir el Oscar, claro está, pues una animación como la que han desarrollado no se hace en dos días, al contrario, el trabajo tiene que haber sido colosal.

Dado que es una antología y que este formato tuvo buena acogida con la anterior temporada procedo a comentar cada episodio por separado indicando los detalles más reseñables.

Tres robots: estrategias de escape (10 min.)

El hilo conductor de la serie. Estos robots ya han sido vistos en la primera temporada, en ‘La ventaja de Sonnie’ y vuelven para reírse del apocalipsis humano. Un apocalipsis a lo ‘Terminator’ (hay un guiño a la escena de la valla y la explosión nuclear) en la que hemos sido barridos tras una rebelión de las máquinas. Con su humor y sarcasmo lo que nos viene a decir es que nos condenamos a nosotros mismos por delegar en las máquinas y discriminar a la clase media trabajadora. En esta ocasión la desigualdad de clases es el centro de atención. Un episodio que ha sido orquestado por Patrick Osborne, animador en Big Hero 6.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia, ciencia ficción

Mal viaje (21 min)

David Fincher es un maestro del suspense y en esta, la que creo que es su primera obra animada, se yergue como un apabullante narrador de terror. En esta historia nos embarca a bordo de un buque de piratas o marineros, de esos rastreros que a la mínima te clavan un puñal por la espalda. Pero el mayor peligro no es la tripulación sino un cangrejo gigante que se sube cual polizón. Con una metodología parecida a la de los aliens de ‘Independence day’ se comunica con uno de los navegantes y se produce así una historia de traiciones o terror muy al estilo Lovecraft. Mientras consumimos los minutos la historia va, literalmente, consumiendo a sus protagonistas. Una fábula horripilante con tintes clásicos.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelebte
  • Género: terror, suspense

El propio pulso de la máquina (17 min)

Para mí este es el episodio más flojo de la temporada. Tanto por mensaje como por calidad de animación me ha transmitido poco. En el satélite Io unas exploradoras sufren un accidente y comienza así un calvario que se torna en onirismo y psicodelia. Emily Dean parece intentar transmitir una reflexión pero se queda en ese tipo de propuestas que son más cosas raras por que sí. Además, intenta ser muy científica pero luego tiene movimientos muy poco racionales.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 2D
  • Calidad de animación: Media
  • Género: ciencia ficción

La noche de los minimuertos (7 min)

Aplaudo a los directores, uno de los cuales fue animador en ‘Zombieland’. Este episodio y el de Fincher se disputan el título de mejor de la temporada. Un sacrilegio fruto de un calentón ido de madre da paso a un apocalipsis zombie. Un holocausto de no-muertos que vemos en formato stop motion, tilt-shift, con maquetas y en plano casi cenital. Simpatiquísima y frenética historia que nos habla de la USA de las armas y del cada vez más posible enfrentamiento nuclear que al resto del universo le va a traer sin cuidado. Polvo eres, en polvo te convertirás y por un polvo morirás.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: stop motion, tilt-shift
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia

Equipo mortal (13 min)

Si el oso de la Puerta del Sol se revelase y empezase a matar turistas la carnicería sería como la de este capítulo. Un episodio que bien podría estar en el mismo universo de ‘Predador’ o ‘Alien’. Unos soldados se enfrentan a un letal y apabullante asesino que ni avanzados robots a lo Boston Dynamics pueden detener. Para los amantes de la acción, las burradas y la consecución de palabrotas. Parece mentira que esté realizado por alguien que ha hecho películas infantiles (además de la serie ‘Spawn’) como Jennifer Yuh Nelson, la cual desarrollo ‘Respuesta evolutiva’ en la temporada dos. Prestan sus veces Joel McHale, Seth Green o Gabriel Luna, entre otros.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 2D
  • Calidad de animación: buena
  • Género: comedia, acción

El enjambre (17 min)

Tim Miller ha creado esta serie y en cada temporada dirige un episodio. En este caso deja la comedia y la acción a un lado para hablar de biología espacial. Una comunidad de alienígenas vive en simbiosis y unos investigadores se sumergen en su territorio, que tiene la misma estructura que una colmena o un hormiguero, con la salvedad de que está ubicada en el ingrávido espacio. Tiene las características de esas novelas clásicas de ciencia ficción que mezclaban filosofía con curiosidad científica. Nos habla de nuestra soberbia y de lo perniciosos que somos ante la armonía de la naturaleza. Si os gustan las obras de Orson Scott Card os gustará mucho.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: ciencia ficción

Las ratas de Mason (10 min)

Un granjero escocés tiene ratas en su granero. Pero no son unas ratas cualquiera pues van armadas hasta los dientes para defender el que han convertido en su territorio. Humanidad, animalismo y tecnología se mezclan en un episodio que, aunque acaba siendo muy reconciliador es bastante cruel con los animales, pero oye, esto es animación y ficción. ¿Lo mejor? Una escena que recuerda al desembarco de ‘Salvar al soldado Ryan’. Este corto de Carlos Stevens cuenta con solo dos voces, las de Dan Stevens y Craig Ferguson.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: Muy buena
  • Género: comedia, acción

Sepultados en salas abovedadas (15 min)

Joe Manganiello, Christian Serratos y Jay Courthney prestan sus voces y rostros a esta historia que está tan bien recreada que uno se pregunta por qué no la han hecho en formato real. Hasta que uno llega al final y se explica el horror cósmico que había que reproducir. Unos marines se meten en unas cuevas donde son atacados por unas criaturas que me han recordado a las Hadas de los dientes de ‘Hellboy 2’. Una aventura que también recuerda al ‘Starship Troopers’ de Verhoeven. El aspecto visual nos lo explicamos cuando vemos que el director es Jerome Chen, quien ha trabajado en ‘Godzilla’ o ‘Beowulf’.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? No
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: acción terror

Jíbaro (17 min)

Alberto Mielgo ha realizado una obra loquísima, literalmente demencial. Con frenesí y pasión nos lleva a la América de los conquistadores. Usando la sordera como metáfora, esa es mi interpretación, nos cuenta como los españoles se inmiscuyeron en el medio natural de los nativos y les contagiaron su fiebre del oro. Los cantos de sirena, las leyendas, llevan de nuevo al hombre a su perdición. La animación se confunde con la realidad en un corto rítmico, sensual e hipnótico. La primera escena es magnífica.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión? Si
  • Tipo de animación: 3D realista
  • Calidad de animación: Excelente
  • Género: fantástico

 

Crítica: ‘Juego de asesinos’

Sinopsis

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Una comisaría de policía de un pequeño pueblo se convierte en el campo de batalla entre un asesino a sueldo profesional (Gerard Butler), una inteligente policía novata (Alexis Louder) y un estafador (Frank Grillo), que busca refugio tras las rejas sin ningún otro lugar al que huir.

Crítica

Acción que nos atrapa desde el principio

Esta semana hemos tenido la oportunidad de ver una pequeña sorpresa en forma de película de acción. Simple y sencilla pero con tres protagonistas con una química tremenda y con unos secundarios que darán mucho que hablar.

Nos presentan a Teddy Muretto, un estafador que está huyendo y se termina refugiando tras las rejas de una pequeña comisaría. Bob Viddick un asesino a sueldo profesional logra entrar para lograr atraparle, entre los dos se encuentra Valerie una inteligente policía novata que se ve envuelta en una trifulca que le puede costar la vida.

Joe Carnahan dirige de maravilla esta cinta con mucha acción y diálogos tan mordaces que sacan bastantes risas durante la proyección.

Gerard Butler, Frank Grillo y Alexis Louder son los tres protagonistas de ‘Juego de asesinos’. Los tres nos demuestran un gran talento a la hora de crear unos personajes irónicos e inteligentes que se van a batir en un duelo a tres para poder sobrevivir.

Tanto Gerard Butler como Frank Grillo ya nos han demostrado mas de una vez sus grandes dotes para la acción. Pero la que me ha sorprendido mucho ha sido Alexis Louder, la cual está estupenda y no desentona nada con estos dos veteranos.

En el resto de reparto encontramos a Toby Huss, Chad L. Coleman, Ryan O’Nan, Jose Pablo Cantillo, Kaiwi Lyman o Robert Walker Branchaud. Con papeles muy simples, nos dejan ver la realidad de una pequeña comisaría perdida en la que de repente de no ocurrir nunca nada, tienen una situación insostenible.

Una de las cosas que mas me ha gustado de ‘Juego de asesinos’, es su toque a los años 70, es mas comienza con el tema de Magnum Force, película que protagoniza Clint Eastwood y además Joe Carnahan, le pidió a la actriz Alexis Louder, que se viese películas del actor, pues quería que cogiese inspiración en él. Al final el papel de Valerie es el de una pistolera

Además mencionar al director de fotografía, el español Juan Miguel Azpiroz. Que trabajó en ‘Xtremo’ o ‘Muere otra vez’

Poco más que añadir, desde hoy en todas las salas podéis ver y disfrutar de ‘Juego de asesinos‘, que quizás no estará en lo mejor del año, pero sin duda es un gran divertimento que merece la pena su visionado.

 Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: Copshop. Duración: 108 min. País: EE. UU. Dirección: Joe Carnahan. Guion: Kurt McLeod, Joe Carnahan. Música: Clinton Shorter. Fotografía: Juan Miguel Azpiroz. Reparto principal: Gerard Butler, Frank Grillo, Toby Huss, Ryan O’Nan, Tait Fletcher, Keith Jardine, Vanita Kalra, Robert Walker Branchaud, Kaiwi Lyman, Yvette Fazio-Delaney, Alexis Louder, David Vaughn, Armida Lopez. Producción: Sculptor Media, Zero Gravity Management, G-Base, WarParty Films, Raven Capital Management. Distribución: Diamons Films. Género: acción. Web oficial: https://www.copshopmovie.com/

Crítica: ‘Firestarter’

Sinopsis

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En una nueva adaptación del clásico thriller de Stephen King de los productores de ‘El hombre invisible’, una niña con extraordinarios poderes piroquinéticos lucha por proteger a su familia y a sí misma de unas fuerzas siniestras que pretenden capturarla y controlarla.

Crítica

Mucho fuego y poca chispa

Hoy vamos a hablar de ‘Firestarter’, quizá no os suene el nombre. Si digo ‘Ojos de fuego’ tal vez si que se os desbloquee un recuerdo. A muchos ese nombre les remontará a 1984, año en el que se adaptó la novela de Stephen King de la mano de Mark L. Lester (‘Comando’). Casi cuarenta años después de ese estreno y solo algún año más tarde del lanzamiento de la novela original tenemos una nueva película, que sin tener muchas razones para existir, ha realizado Keith Thomas (‘The Vigil’).

Precisamente por el director me he animado a ir al cine a ver este largometraje. Me gustó mucho ‘The Vigil’ pero este cambio de tercio ha aplastado mis expectativas por el cineasta norteamericano. Sin duda se le da mejor el terror tenebroso y pausado que el espectacular y fantasioso. Con ‘Firestarter’ pasa de un velatorio a un crematorio. Nos cuenta la historia de una niña que posee poderes mentales, poderes que no controla y que casi siempre acaban con un incendio. Ese poder está cotizado por ciertas organizaciones secretas y tanto ella como sus padres llevan una vida de huidas y marginación social.

Drew Barrymore fue la que encarnó a la poderosa niña en un segundo papel infantil y fantástico que cuajó mucho menos que el que había hecho solo dos años, ‘E.T.’. Ryan Kiera Armstrong no supera a Barrymore y tampoco los pequeños papeles en los que ya le (‘La guerra del mañana’, ‘Viuda negra’ o ‘American Horror Story’). Del mismo modo, aún más irrisorias, son las actuaciones de Zac Efron y Sydney Lemmon, si se quieren quitar el estigma de “la cara bonita” se lo van a tener que currar más.

Ni he leído la obra ni he visto la adaptación del ochenta y cuatro. Como adaptación no lo sé, pero como película no tiene ninguna relevancia más allá de lo bien maquilladas que están las quemaduras y lo bien que está controlado el fuego, ya sea con CGI, ya sea con efectos prácticos. Es decir, la técnica de hoy en día está a la altura, pero el guión y las interpretaciones se han quedado atrás. Si definimos chispa a aquello que tiene el carisma o la originalidad suficientes como para sorprender o grabarse en el espectador, ‘Firestarter’ carece completamente de ella.

Aparecen elementos muy de King como ‘The Shop’, los niños traumatizados o con poderes y esas capacidades enigmáticas tipo “resplandor” que tanto han atemorizado a la región de Maine. Pero la película está muy lejos de acercarse a lo mejor del maestro del terror. De hecho se mete casi de lleno en lo peor de lo que produce Blumhouse. Mucho mejor habría estado orientada si hubiese cogido lecciones de ‘El hijo’ o si no hubiese parecido un episodio largo de ‘Héroes’. Si no nos hubiesen mostrado de dónde vienen los poderes por lo menos habría un halo de misterio. Pero lo hacen. Nos explican por qué la niña tiene esas capacidades incendiarias y queda totalmente fuera de juego el toque romántico o enigmático que tenían otras adaptaciones de Stephen King. Me queda claro que a la hora de digerir las historias del mítico escritor es mejor quedarnos con la semilla de la duda que intentar esclarecer todo. No queda bien en pantalla cuando se desenredan sus enigmas o terrores.

Antes decía que el título podría remontaros a los ochenta, a los títulos originales de esta película. A mi ‘Firestarter’ me lleva al noventa y seis. Por entonces sonaba la canción homónima de Prodigy. Ojalá ese espíritu destructivo, psicópata e incendiario se hubiese empleado en esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2022. Título original: Firestarter. Duración: 94 min. País: EE. UU. Dirección: Keith Thomas. Guion: Scott Teems. Música: John Carpenter, Cody Carpenter, Daniel A. Davies. Fotografía: Karim Hussain. Reparto principal: Ryan Kiera Armstrong, Zac Efron, Sydney Lemmon, Gloria Reuben, Michael Greyeyes, Tina Jung, Lanette Ware, Neven Pajkic, Danny Waugh. Producción: Blumhouse Productions, Universal Pictures, Angry Adam Productions, BoulderLight Pictures, Weed Road Pictures, Night Platform. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.firestartermovie.com/

Crítica: ‘Cinco lobitos’

Sinopsis

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Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre y se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. Al ausentarse su pareja por trabajo unas semanas, decide volver a casa de sus padres, en un bonito pueblo costero del País Vasco y así compartir la responsabilidad de cuidar a su bebé. Lo que no sabe Amaia es que, aunque ahora sea madre, no dejará de ser hija.

Crítica

Este naturalismo me lo guardo para los documentales

Estoy por hacer una película sobre cualquier tipo de cotidianidad porque parece que solo con eso uno ya tiene un alto porcentaje de ganar un premio en el Festival de Málaga. ‘Cinco libitos’ es la máxima ganadora del certamen de cine español y se ha sumado a otros títulos como ‘Las niñas’, ‘Los días que vendrán’, ‘Verano 1993’ o ‘Las distancias’ que nos vienen a decir que el gafapastismo español prefiere que le hablen de lo mundano sin ningún tipo de filigrana narrativa o visual antes que de cualquier otra cosa, ahí está como ejemplo también ‘Alcarrás’.

Todos esos filmes vienen cortados por el mismo patrón y la verdad es que más que aburrir la historia que transmiten aburre la manera de contarlo. Seguimos a protagonistas de a pie, personas normales y corrientes enfrentándose a problemas de la vida, es decir, lo que vemos en nuestro día a día y yo al cine voy a ver historias que me sorprendan, me descubran facetas desconocidas o estén narradas con un ritmo diferente al de la pura realidad. Valoro la dirección de Alauda Ruiz de Azúa en esta su primera película en formato largometraje pues no es sencillo mover a un elenco que gira en torno a un bebé recién nacido que no atiende a órdenes o a marcas. Pero este tipo de naturalismo me lo guardo para los documentales.

De ‘Cinco lobitos’ aprecio sobre todo la actuación de Susi Sánchez que tras sus trabajazos en la ‘trilogía del Baztán’ se hace con el protagonismo cuando a priori se supone que está centrado en el personaje de Laia Costa. Esta mujer Almodóvar realiza una drástica transición con su protagonista pero manteniendo el carácter de esta inalterable, cosa nada fácil.

En resumidas cuentas ‘Cinco lobitos’ habla sobre que quien es madre lo es para siempre y quien es hija lo es desde que nació. La maternidad de antes y de ahora se entremezclan en una transferencia de conocimientos de lo más normal. De algo estoy seguro con este filme y es que muchos padres y madres se van a sentir identificados, mayormente si son de esos que pensaron que tener hijos era seguir el camino natural de las cosas, que no absorbe las energías de los progenitores y que todo sería un camino de rosas. También se verán reflejados aquellos que delegan en los abuelos las labores de canguro, intuyo que es un inmenso porcentaje de los que han tenido descendencia en la última década.

Otro foco de ‘Cinco lobitos’, que no se si es intencionado o no, es el de mostrar a los hombres de ahora como completos inútiles en las labores del hogar. Seres ausentes en la vida cotidiana pero sumisos ante las reprimendas de sus parejas. Me parece una visión nada acorde a la realidad e injustamente generalizada. En el cuarenta y cinco Ladislao Vajda estrenó otra película que también se titulaba ‘Cinco lobitos’ y en ella se mostraba una visión mucho mejor orientada a demostrar la capacidad de la mujer poniéndola al mismo nivel que la del hombre.

Estoy casi seguro de que las grandes dificultades a salvar a la hora de desarrollar ‘Cinco lobitos’ han residido en poder improvisar con el bebé o en equilibrar el guión para que no termine siendo un melodrama. Pero habría sido una película más rica o crítica si el foco hubiese estado puesto con más hincapié en ese retrato de una generación actual que se ve forzada más que nunca a vivir para trabajar.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: Cinco lobitos. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Alauda Ruiz de Azúa. Guion: Alauda Ruiz de Azúa. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, Amber Williams, Lorena López. Producción: Encanta Films, Sayaka Producciones Audiovisuales, Buena Pinta Media, RTVE. Distribución: Bteam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/cinco-lobitos/

Crítica: ‘JFK: caso revisado’

Sinopsis

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Treinta años después del primer examen del asesinato de JFK por parte del director Oliver Stone, este vuelve a acercarse al horrible evento que moldeó a una generación. Usando nuevo metraje desclasificado y reexaminado, Stone pone sobre la mesa el hecho de que las teorías de la conspiración sobre la muerte del presidente son, en realidad, “hechos de la conspiración”.

Crítica

Leña para el fuego de los conspiranoicos

Todos hemos visto la cruda película del estadounidense de origen ruso Abraham Zapruder en la que la cabeza de John F. Kennedy vuela por los aires y Jackie gatea desesperada por el maletero del coche. Ese pequeño pero eternamente reproducido instante se convirtió en la obsesión de muchos norteamericanos, sean amantes de las conspiraciones o no. Para Oliver Stone parece que también pues hizo la película de 1991 (‘JFK: caso abierto’). En ella ya nos hablaba de muchos encubrimientos y secretos que hoy en día han pasado a formar parte de uno de los mayores misterios contemporáneos, que seguro seguirá dando que hablar durante generaciones y que probablemente quedará para la historia junto con la muerte de Marilyn Monroe, la de Bruce Lee u otras desapariciones inexplicables o nubladas por la incredulidad de los seguidores de dichas figuras o las leyendas negras que les rodeaban.

Se han estudiado los tiempos entre disparos, el recorrido de Oswald, los ángulos, las balas encontradas, las heridas, las autopsias… Se le ha dado tantas vueltas que la verdad ya está nublada. El documental intenta hacer un juicio objetivo y minucioso de los hechos, pero sin dejar de lado todos los factores humanos que se vieron involucrados. Cortinas de humo, intereses, encubrimientos… casi que siembra más dudas de las que despeja. Treinta años después de la película de Stone y casi sesenta de la muerte de Kennedy, ‘JFK: caso revisado’ es leña para el fuego de los conspiranoicos.

‘JFK: caso revisado’ pone en tela de juicio todo lo que tiene que ver con la comisión Warren. Expone mucho material desclasificado y con lo que ya se conocía hace un ejercicio de revisión, teniendo en cuenta la perspectiva del tiempo y el contexto que aportan los nuevos datos. También aprovecha para entrevistar a muchos de los relacionados con el caso que aún viven o están cerca de las pruebas o documentos. El testimonio más relevante me parece el del sobrino de JFK. Pero con todo y con eso este parece un cuento de nunca acabar. Es de esos casos que solo se pueden resolver o bien cuando estaban en caliente o bien sin la intervención de intereses ocultos.

Basándose en el libro de James DiEugenio ‘JFK: caso revisado’ es una radiografía de los hechos anteriores y posteriores al magnicidio con todo lujo de detalles y documentos. Errores, encubrimientos, huecos en la historia… Con numerosas infografías se reconstruye el crimen y todo lo sucedido al rededor en los siguientes instantes. Una historia que se vio rápidamente enturbiada, ya sea por todos los factores previos o por la presión e histeria a la que se sometió a todos sus intervinientes.

JFK era muy progresista, tenía tantos proyectos y prometía tantos cambios radicales y fundamentales que se le tiene casi santificado. Aunque de familia adinerada era tan transgresor que parecía destinado a ser derrocado de un modo u otro, al fin y al cabo, es lo que les pasa a los que llegan para incomodar a las élites o a los beneficiados del régimen establecido en el que vivimos. No sé de qué me suena esto. Teniendo en cuenta todo lo dicho no me extraña tanta controversia y misterio con el tema de la “bala mágica”.

Castro, el telón de acero, la ultraderecha norteamericana, la CIA, mafiosos, colonialistas… a esta historia solo le faltan los Illuminati. Os animo a buscar información sobre algunos de los componentes de la historia como la Operación Northwoods, pero os advierto de que quizá os convirtáis en unos partidarios más de la teoría del complot.

Por supuesto ‘JFK: caso revisado’ termina sin dejar claro quién le mató o los motivos de este magnicidio, lo cual es lo único que hoy en día podría tener algo de utilidad o relevancia. Pero sí da teorías de por qué se culpó a unos u a otros o por qué Oswald fue asesinado de una manera tan a la desesperada o apresurada. No voy a desvelaros aquí las conclusiones a las que llega ‘JKF: caso revisado’, si queréis saberlo solo tenéis que pagar una entrada de cine. Este documental no son pesquisas para saber quién asesinó a Kennedy, sino para dejar claro que con todas las incongruencias halladas hay realmente una conspiración. Lo que dice Stone aquí es como lo que dice Enrique de Vicente “no digo que sea una conspiración… pero es una conspiración”.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Título original: JFK Revisited: Through the Looking Glass. Duración: 115 min. País: EE. UU. Dirección: Oliver Stone. Guion: James DiEugenio. Música: Jeff Beal. Fotografía: Robert Richardson. Producción: Ingenious Media, Ixtlan Productions, Pantagruel Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: https://www.sho.com/titles/3507963/jfk-revisited-through-the-looking-glass

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