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Crítica: ‘La noche del fin de los tiempos’

En qué plataforma ver La noche del fin de los tiempos

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Esta historia empieza cuando un joven ambicioso roba el conocimiento de una planta sagrada. Pronto sucumbirá a las oscuras tentaciones del poder y, al hacerlo, desencadenará años de sufrimiento para la humanidad. A medida que su poder aumenta, un grupo de héroes de diferentes culturas y procedencias intentarán detener el mal a cualquier precio.

Crítica

Un baño de misticismo salvaje y vistoso

La técnica de la rotoscopia vuelve a nosotros en plena era digital. Lo que nos ofrece ‘La noche del fin del mundo’ es visualmente retro y nos devuelve las antiguas películas animadas, como el largometraje que se hizo de ‘El Señor de los Anillos. La comunidad del anillo’, es indudable que los diresctores Philip Gelatt y Morgan Galen King siguen la escuela de Ralph Bakshi.

En su día la obra de Bakshi causó cierta polémoca. Y es que muchos pusieron sus dibujos a un público infantil, para el cual todo era chocante o confuso. Este largo, cuya técnica ya usaron sus autores en ‘Exordium’ es obviamente para adultos. Porque además del tipo de animación llama la atención como principal arma que posee mucha fantasía y mucha violencia, hasta límites extremos.

‘La noche del fin de los tiempos’ es una historia de magia, poderes y venganza. En ella una reina hechicera busca respuestas en una antigua montaña. Ese personaje sirve como narrador de esta cruenta historia. Una narración de capa y espada, de nigromancia y dioses, de sangre y fuego. Nos recuerda horrores a los mundos de Red Sonja o Conan. No es de extrañar por lo tanto que tengamos en el reparto de voces a Lucy Lawless, la mítica actriz de Xena. Además de ella en versión original podemos encontrar a Richard E. Grant o Joe Manganiello. No obstante, el doblaje al castellano es magnífico.

‘La noche del fin de los tiempos’ es un baño de misticismo salvaje y vistoso. Está llena de horrores cósmicos o de visiones del inframundo. La muerte está omnipresente en esta historia que fragua su mitología de un modo estupendo y que nos entretiene con su mundo fantástico de igual modo que lo hacen las novelas de Tolkien o una partida de rol al antiguo RuneQuest.

En ocasiones el dibujo es burdo, sencillo, parco en detalles, refiriéndome a lo son los personajes, pero tiene un dinamismo y unos tonos que nos llevan a épocas pasadas, lo cual favorece a la narrativa. Sin embargo la magia y los fondos o escenarios por los que se mueve la historia es otro cantar. Vamos por lugares que parecen sacados de las primeras versiones de ‘Dungeons & Dragons’ o de los pinceles de Cary Nord.

Este es un regalo para aquellos que quieran un sabor cinematográfico vintage y las sensaciones fantasiosas de las aventuras mágico-medievales. El guión es preciosista y no excesivamente intrincado, está más enfocado a proporcionar subidones a aquellos que busquen sensaciones tipo R.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de diciembre de 2021. Título original: The spine of night. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Philip Gelatt, Morgan Galen King. Guion: Philip Gelatt, Morgan Galen King. Música: Peter Scartabello. Reparto principal (doblaje original): Lucy Lawless, Richard E. Grant, Patton Oswalt, Betty Gabriel, Joe Manganiello, Patrick Breen, Larry Fessenden, Jason Gore, Tom Lipinski, Nina Lisandrello. Producción: Gorgonaut, Reno Productions. Distribución: Filmin. Género: fantástico. Web oficial: https://www.gorgonaut.net/

Netflix nos invitó a una charla científico cinéfila sobre ‘No mires arriba’

“El cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo”, Pedro Duque

Pensábamos que no íbamos a tener más que contaros sobre ‘No mires arriba’ tras publicar una crítica aquí en la web y otra en nuestro canal de Youtube. Pero tenemos más que aportaros para animaros a ver la última obra de Adam McKay. Netflix nos invitó ayer a un estelar encuentro. Con motivo del estreno de ‘No mires arriba’ nos ha reunido en el Domo 360 de Madrid donde nos hemos encontrado con Pedro Duque (astronauta y exministro de Ciencia e Innovación), José Luis Crespo (físico, Quantum Fracture), Laura Parro (investigadora en Ciencias Planetarias) y Andrea G. Bermejo (redactora, Cinemanía). Un acto presentado por Eduardo Sáenz (Órbita Laika).

Con ellos hemos charlado sobre lo que sucede en ‘No mires arriba’, que es en resumen que un asteroide va a chocar contra la Tierra con el 100% de probabilidades. En esa película juega un papel muy importante la comunicación y la divulgación, algo que dado el carácter de los invitados, fue el eje que vertebró la charla.

Sobre el acto de hablar de ciencia en público y hacer entender a todo el mundo lo que dices Pedro Duque señaló que “hay que estructurar la información de modo que tenga contenido capaz de captar la atención. Es difícil en el poco tiempo que solemos tener, se ve eso en la película”. Yendo más allá Crespo apuntó que “uno tiene que entender que aunque las cosas no se vean hay que conocer las consecuencias”. Y es que la película aunque trate sobre un meteorito tiene muchas similitudes con la pandemia que vivimos, y eso que McKay escribió el guión mucho antes de 2020. Como os habréis dado cuenta y como también destacó Bermejo citando películas como ‘Contagio’, “la ciencia es uno de los motores de cambio de la humanidad. El cine se ha nutrido de sus dilemas”. Por último Parro, que está en un proceso para convertirse en astronauta de la ESA dijo que “Necesitas una preparación para llevar todo a un terreno que se pueda entender. Lo hemos visto con la pandemia. Con todo este panorama se nos va haciendo más caso a los científicos”.

Hemos citado ‘Contagio’ pero con tanto científico antes o después se habló de cuan acertadas científicamente son las películas. Parro coincide con nosotros en destacar a ‘Marte (The martian)’ “a mí la que me gusta es ‘The martian’, está muy bien llevada, con solo alguna cosa a criticar. Mucha gente me ha preguntado qué tiene de verdad”. Crespo también acertó al apreciar que “siempre hay pequeñas ideas en las películas que hacen “inception» en tu cabeza y se quedan”. Y Pedro Duque desde su experiencia espacial y las películas que ha visto estaba en posición de afirmar que “el cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo. Cuando se va a lo individual es cuando se equivoca, no se puede hacer todo eso en solitario. Pero sin duda tiene el valor único de poder generar interés”.

Sobre si es veraz todo eso que vemos en las películas de librarnos de una roca enorme que se dirija a la Tierra José Luis Crespo indicó “reventarlo con bombas es la peor idea. Se podría fragmentar en muchas partes y ese sería un problema más difícil”. El trabajo de Parro está muy relacionado con este tipo de problemáticas: “estamos intentando estar preparados. Queremos tener un comprobador de que en caso de necesitarlo podemos desviar un asteroide” anunció.

Las películas catastrofistas muchas veces no son solo espectáculo, como es el caso de ‘No mires arriba’. Andrea G. Bermejo bien lo ejemplificó al decir que “lo interesante es que más allá de querer hacer un entretenimiento hay un retrato de la sociedad del momento. ‘No mires arriba’ es un retrato tan ácido y escéptico que viene a decir que no merece la pena que lo intentemos”. Y es que incluso los políticos están bien retratados. Pedro Duque desde su reciente experiencia dijo que “hay que darles primero el eslogan y luego la explicación. Eso puede pasar, lo he aprendido también […] Obviamente funcionaría tener un asesor científico que le explique la situación al político de turno”.

Nosotros en concreto preguntamos sobre la parte corporativa de la película, que se mete bastante con los CEOs de las grandes tecnológicas. Pedro Duque también nos dijo “obviamente las corporaciones ya nos están influyendo, en las campañas electorales por ejemplo”. Bermejo aclaró que “hay una crítica a las tecnológicas” a lo que Crespo aportó “Bezos ha sugerido controlar el clima con un aerosol dispersado por la atmósfera. Terraformar. Eso da miedo”.

La charla tuvo muchos momentos educativos y muy bien explicados. Agradecemos a Netflix esta invitación y os invitamos una vez más a ver ‘No mires arriba’ que ya está en cines y a partir del 24 estará subida a la plataforma.

Crítica: ‘Spider-Man: No Way Home’

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Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un Súper Héroe. Cuando pide ayuda a Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser Spider-Man.

Crítica

Un borrón y cuenta nueva que aún así unifica de un modo épico

Voy a intentar exponer mi opinión con la menor cantidad de pistas y spoilers posibles, que a pesar de que me parecen ridículos los extremos a los que se llega, sé que es un tema sensible. Y os lo dice alguien cuyo primer cómic norteamericano fue sobre Spider-Man. ‘Spider-Man: no way home’ es para mi la mejor de la trilogía de Tom Holland. En parte porque creo qué como seguidor he picado en el llamado fanservice y porque como lector he reconocido muchos puntos de cómics que Forum trajo a España en el siglo pasado.

Si es la información que buscabais os puedo decir también que hay dos escenas post-créditos, que nos dejan con unas ganas locas de ver más. Estaba justificado el hype, la expectativa, porque ya está desatado el crossover con las franquicias que controla Disney, por ser el segundo Spider-Man en llegar a tres películas y por los posibles cameos de los participantes en las otras secuelas. Seguro que en las cabezas de los fans más fantasiosos esta película podría haber sido aún más meta pero este spiderverso es eso, un multiverso que ha tejido bien su telaraña y seguirá jugueteando con sus posibilidades o consecuencias. ¿Lo llamamos fanservice? ¡Caramba! Es que las secuelas se hacen para los espectadores más fieles. Pero es que esta nueva aventura tiene además su justificación, con motivación y redención para todos los personajes.

Es un reencuentro con las otras franquicias que se cancelaron y a la vez un borrón y cuenta nueva que se suma al que se hizo en ‘Avengers: endgame’. Probablemente Warner/DC se tiren de los pelos porque se les han adelantado y llegarán tarde con su evento “flashpoint” al cine (no siendo así en la TV), creo que ‘Spider-Man: no way home’ se burla un poco del tema. Esta es una reconciliación con lo ya estrenado que tiene varios giros y sorpresas que podrían haberse mostrado en formato serie con finales cliffhanger incluidos. ¿Pero… se parece solo a los cómics o es otra película más tipo Marvel Studios/Disney? Probablemente este sea el personaje qué más se está conservando de una manera próxima a su esencia. No obstante no olvidemos quién pone aquí el dinero y eventos como la guerra contra Thanos, las escenas humorísticas o los cameos están omnipresentes.

¿Lo que más me ha gustado a mi? Quizá sea porque siempre he sido más de monstruos que de héroes por lo que lo mejor de esta película para mí es la manera en cómo interactúan los villanos entre sí. Aunque llegamos a tenerlos expuestos en lo que parece la galería de “El coleccionista” de ‘Los Simpson’, están mejor entremezclados que en la tercera entrega de Sam Raimi. Además algunos cogen de soslayo el aspecto de los cómics clásicos que las precuelas les negó. Las peleas y las conversaciones me recuerdan a tebeos como ‘Los enemigos mortales de Spiderman’ o ‘Los enemigos letales de Spiderman’. Viñetas que nos acostumbraron a ver al intrépido neoyorkino rodeado de mil peligros, con el sentido arácnido constantemente disparado. Eran aventuras sin descanso, repletas de villanos, de alianzas y de intrahistoria. Todo esto ayuda a sobrellevar la duración pues además cada enemigo conserva el carácter que tuvo en su película anterior e incluso gana nuevos matices. Pero vale ya, Jamie Foxx, ponte el traje de Spawn de una vez.

Después de ver los primeros tráilers tenía miedo en el sentido de si Disney no había tomado nota de los errores históricos de Marvel Comics. Pero no ha sido así. No me habría sorprendido si Doctor Strange se hubiese marcado un Mefistazo. Pero no hay un evento tan clamoroso. Roza el larguero pero al fin y al cabo ‘Spider-Man: no way home’ supone una re-escritura en la historia de Peter Parker, siguiendo muy de cerca la senda iniciada por ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Sin embargo hay pegas.

No me funcionan los momentos dramáticos en los que nos quieren sacar la lagrimilla, en parte porque ya hemos pasado por eso y en parte porque se quedan cortos. Y otra cosa en la que Marvel no consigue acabar de ganarme es con su manía de hacer casi todos los trajes a través de imágenes generadas por ordenador. Hay ocasiones que es obligatorio, pero se nota muchas veces la diferencia de movimiento entre cuerpo y cabeza, como ha pasado tanto con los exoesqueletos de Iron Man.

En resumen. Es amazing, amazing, amazing. Como película ‘Spider-Man: no way home’ es tan épica que se pasa rápido, cómo extensión del UCM está totalmente coherente tras los eventos de las gemas del infinito y como adaptación del personaje original de Stan Lee y Steve Ditko se recupera bastante de la esencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2021. Título original: Spider-Man: No Way Home. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jamie Foxx, Willem Dafoe, Tony Revolori, J.K. Simmons, Angourie Rice, Alfred Molina, Jacob Batalon, Jon Favreau, Harry Holland, Christopher Cocke, J.B. Smoove, Hannibal Buress, Martin Starr. Producción: Columbia Pictures, Pascal Pictures, Marvel Studios, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.spidermannowayhome.movie/

Crítica: ‘El chico de Asakusa’

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La película de Netflix ‘Asakusa Kid’, basada en las memorias de Takeshi Kitano, bebe de la auténtica y conmovedora historia del legendario artista; un relato de sueños, fracasos, amor y lealtad protagonizado por Kitano y su mentor, Senzaburo Fukami.

Crítica

‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés

Que Takeshi Kitano mezcla muy bien lo tradicionalmente japonés con lo moderno no lo duda nadie. Que su sentido del humor es muy distinto al que suelen tener en su país también ha quedado patente a lo largo de su gran carrera. Pero que sus orígenes estaban en el espectáculo de variedades o que representa un relevo generacional muy drástico es menos conocido.

Siempre tiene algo de dramático el hecho de que el aprendiz supere al maestro. Pero si a ello le sumamos el sorpasso de un formato como el televisivo que se comió en su día al teatral tenemos un drama tragicómico muy propio de la filmografía del director de ‘El verano de Kikujiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Zatoichi’. Y para más ende la película nos habla de la transformación y decadencia de todo un barrio, el de Asakusa, que fue desde el Japón feudal todo un distrito de entretenimiento. Pero ante tanto infortunio la película aplica varias capas de respeto y candidez que suavizan la historia, convirtiéndose más en un tributo que en un biopic meticuloso.

Desde que estrenó en España ‘Outrage 3’ estamos en sequía de Takeshi, no nos llegan cosas suyas a estas costas desde 2017. ‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés. En parte porque nos arroja algunos datos sobre sus orígenes artísticos y en parte porque todo procede de sus memorias manuscritas. La película abre con un plano de Yûya Yagira muy bien maquillado, con mucho parecido a Takeshi, pero ese maquillaje solo es para recordarnos la imagen más conocida del director pues todo transcurre años atrás, empezando en el 74.

Beat Takeshi en España es más conocido por el público general por presentar ‘El castillo de Takeshi’ o como dice su nombre más popularizado, ‘Humor amarillo’. Ahí le veíamos disfrazado de señor feudal, pero los que le han visto actuar en películas o han visionado entrevistas reconocerán aquí sus gestos. Yagira imita muy bien sus tics, su boca ladeada al hablar, las nada poco habituales manos en los bolsillos, su menuda estatura… incluso aparecen algunos destellos de su mala leche. Lo que más destaca en ‘El chico de Asakusa’ es su gusto por el jazz. Y la verdad es que viendo este vídeo parece justificado tanto taconeo. Aún así ‘El chico de Asakusa’ se rellena con demasiado bailoteo y canto.

Relleno era la comedia en el establecimiento en el que él aprendía de su maestro a hacer reír. Un local donde solo había llenos cuando había estriptis. Takeshi fue un amago de ingeniero que dejó rapidísimamente sus estudios para usar su ingenio en pro de la comedia y la ficción. En este filme se rinde homenaje a quien fue su mentor. Es un renovarse o morir. Ante ese dilema vemos como Takeshi, en su constante capacidad para adaptarse al medio usó su estilo propio y se enfrentó ante el control que ejerce la televisión sobre sus artistas. Es por eso que el filme emplea humor satírico y negro, que es lo que le hizo destacar en el Japón de los 80.

‘El chico de Asakusa’ no toca sus conflictos de juventud, posible germen de sus historias de mafiosos. También pone al cineasta todo lo bien que se pone a una persona que es tildada de genio en su país. Compro esa adulación, pero me habría gustado una película más realista que preciosista. Pero como cortesía a los maestros que hemos tenido en la vida me parece muy elegante.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2021. Título original: Asakusa Kid. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Hitori Gekidan. Guion: Hitori Gekidan. Reparto principal: Mugi Kadowaki, Morio Kazama, Hiroyuke Onoue, Honami Suzuki, Nobuyuki Tsuchiya, Yûya Yagira, Yo Oizumi. Producción: Django Film, Nikkatsu. Distribución: Netflix. Género: biográfico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘No mires arriba’

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Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!

Crítica

Muy lúcida, muy punk, muy McKay

Pese al aspecto comercial de sus películas promovidas por grandes productoras y repletas de actores de gran caché, las últimas películas de Adam McKay han conseguido ser tanto o más punzantes que los documentales de Michael Moore. ‘La gran apuesta’ y ‘El vicio del poder’ han supuesto viento fresco para un ambiente podrido. Ahora el director vuelve con crítica y sátira estrenando ‘No mires arriba’ y no es que no defraude es que supera cualquier expectativa. Si sus anteriores películas tenían cierto grado de complejidad por su agilidad, los tecnicismos que utilizaba o los detalles más dirigidos al público estadounidense, conocedor de la política local, en esta ocasión ha hecho una obra la mar de sencilla, que no deja títere con cabeza y que a la vez resulta la mar de lúcida.

Soy de los que piensan que tanto el terror como la comedia son herramientas magníficas ora transmitir algo serio, pero solo unos pocos saben usarlas correctamente. En este caso McKay llega hasta una burla obvia y el terror que nos infunde es el que nos deja patente que estamos en un mundo tan estúpido que merecemos una extinción como la que borró del mapa a los dinosaurios. En ‘No mires arriba’ nos cuenta la historia de dos astrónomos que detectan un meteorito e intentan concienciar a la opinión pública y a las autoridades de que va a chocar contra la Tierra. Ni con una certeza del 100% consiguen la alarma que se merece tal descubrimiento. Ese punto apocalíptico que nos parece surrealista es el que se desarrolla y creedme, os vais a ver retratados. Es como si a Roland Emmerich le hubiese dado un ataque de sátira inteligente.

‘No mires arriba’ son 145 minutos de reír y reír con una bajona final (ojo que tiene post-créditos) en la que hemos de reconocer que tenemos lo que nos merecemos. Que no os asuste su duración porque de verdad que no paras de tener comedia en forma de sátira, crítica, parodia, surrealismo… se emplean chistes visuales y gags continuamente. McKay saca su lado más cómico para reírse del negacionismo, la frivolidad innata del ser humano, la escasa empatía que tenemos, el hambre de las corporaciones, el cómo bromeamos hasta con la muerte o trivializamos con sorna aquello que evitamos asumir como inevitable. ‘No mires arriba’ se ríe inteligentemente hasta del pin de la Agenda 2030 o de los conspiranoicos de QAnon (sobre los cuales ya produjo el documental que comentamos aquí). Se mete contra aquellos inútiles que nos gobiernan o están desperdiciando y desprestigiando posiciones de poder así mismo como a esos votantes que niegan verdades absolutas o se suman a ridículos retos en redes sociales. “No son tan inteligentes como para tener ese nivel de maldad” dice uno de los personajes cuando se refiere a los poderosos. Es por todo esto que trata y por lo directa que es, que me ha parecido de lo más punk.

El filme comenzó su andadura en febrero de 2020 pero ya que se ha rodado tras la pandemia y ha de recrear una roca en medio del espacio, cohetes, masas de gente… este es el trabajo que tiene más imágenes generadas por ordenador de toda la filmografía de McKay. Entre eso y el repartazo que luce intuyo que esta será su película más cara. Y ha merecido la pena pues el resultado es de 10, da de lleno en el clavo. ‘No mires arriba’ es la película que necesitamos como especie y que tras la presión o el desgaste emocional que llevamos nos levanta el ánimo.

Capitanean el filme Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como esos descubridores que llevan con un alto nivel de angustia y estrés toda la situación. Os van a encantar en los momentos más límite. Pero otros actores, encargados de la parte más paródica os llamarán más la atención. Como Mark Rylance en la piel de un ominoso CEO, la presidenta conservadora y oportunista de Meryl Streep, el retrógrado astronauta de Ron Perlman, el político enchufado de Jonah Hill, la vividora presentadora de Cate Blanchett… por personajes que no sea.

El tagline de la película dice “basada en hechos posibles” y la verdad es que muchos ya están pasando. Nos negamos la verdad y la eludimos voluntariamente a través de los datos y el entretenimiento que nos arrojan las pantallas de los móviles. Metemos ahí la cabeza cual borrico aislado de lo que le rodea por sus anteojeras. ‘No mires arriba’ nos anima a levantar la cabeza y a disfrutar de la vida, del impresionante planeta que aún tenemos. Si no os queda claro con lo sencilla que es y lo abiertamente que se expone haced por lo menos un poco de análisis de la última cena que se muestra en pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021 (24 de diciembre Netflix). Título original: Don’t look up. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Brittel. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Leonardo Dicaprio, Meryl Streep, Rob Morgan, Tyler Perry, Cate Blanchett, Mark Rylance, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis , Tomer Sisley. Producción: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘El lodo’

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Una fuerte sequía castiga las vastas extensiones de arrozales en el Levante. Ricardo, un prestigioso biólogo, después de viajar por todo el mundo, tiene la oportunidad de volver a sus raíces para cumplir una misión, proteger el paraje natural donde vivía de niño. Las medidas que debe tomar le enfrentarán radicalmente a los lugareños, que ven atacada su forma de vida y subsistencia, un enfrentamiento que tendrá consecuencias inesperadas.

Crítica

Pese al reparto protagónico, me quedo con los secundarios

El primer largometraje como director de Iñaki Sánchez Arrieta fue ‘ZERØ’ y pudimos verlo el año pasado. Ese filme, transcurrido en un desierto, nos enganchó y nos gustó por cómo poco a poco su secreto se fue desgranando. Solo un año después el director nos asalta de nuevo en carteleras con otra de suspense, ‘El lodo’.

Cambiamos de escenario y nos vamos a un humedal del Levante. Hasta allí se muda una pareja con el objetivo de lidiar con una sequía que amenaza a la larga con acabar con el modo de vida de los lugareños y amenazar la seguridad de un ave protegida. El protagonista interpretado por Raúl Arévalo es original de esa zona, pero lleva tanto tiempo fuera que se le considera un extraño. Por esas y otras razones el ambiente es cada vez más violento.

‘El lodo’ es una película de rencor, odio y desconfianza. La cerrazón de los herméticos lugareños se enfrenta a la lógica de un forastero que solo busca ayudar. Ayudarles a ellos y de paso así mismo pues la familia busca ir a mejor. “De aquellos fangos estos lodos” dice la expresión y viene como anillo al dedo. Y es que el pasado acaba atrapando a los protagonistas de tal modo que todo explota.

Los flashbacks que empleó el director en ‘ZERØ’ me resultaron más efectivos. Algunas tramas aparecen precipitadas o poco argumentadas. Por ejemplo, en esta película hay algún trasunto que no queda del todo bien gestionado, como es el comportamiento de la niñera y las reacciones del personaje de Paz Vega hacia ella.

El filme cuenta con dos buenas primeras espadas como Paz Vega y Raúl Arévalo, que una vez más demuestra lo bien que navega por los thrillers, está claro que sabe encañonar y ser encañonado. Pero este es uno de esos filmes en los que me quedo más con el trabajo de los secundarios. Destacando a Joaquín Climent, quien ejecuta un difícil papel, de esos que se encuentran entre dos tierras, con el corazón empujando hacia un lado y el cerebro hacia otro. Su interpretación de un hombre sencillo y machacado es lo más verosímil del filme. De igual manera me ha gustado Susi Sánchez quien, apareciendo pocos minutos, llena toda la pantalla con su buen hacer.

El guión de ‘El lodo’ no es algo excesivamente revelador, de hecho, te cansas de oír “mi amor” o “hijo de puta”. Pero si tiene la capacidad de ir con su tensión in crescendo. Esta es una de esas películas donde un forastero llega con entusiasmo y se ha de enfrentar a lo taciturno y tosco de manera brusca. Argumentos ecológicos enfrentados al día a día de tradicionales agricultores o cazadores. Dos mundos que chocan y solo uno puede persistir. No es mal enfrentamiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021. Título original: El lodo. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Iñaki Sánchez Arrieta. Guion: Iñaki Sánchez Arrieta. Música: Amadeo Moscardó, Xema Fuertes. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Raúl Arévalo, Paz Vega, Joaquín Climent, Roberto Álamo, Susi Sánchez, Daniela Casas. Producción: Sunrise Pictures, El Lodo la película A.I.E., Vértice Cine. Distribución: Vértice Cine. Género: thriller. Web oficial: https://vertice360.com/ficha/1494/0/el-lodo-

Crítica: ‘Tierra de leche y miel’

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En Sarajevo, Mirsada y su hija Vanesa sobreviven, después de 25 años, en el centro colectivo de Hrasnica, esperando una solución habitacional definitiva que nunca llega.

En Georgia, Bela, a sus 78 años, lucha cada día por recuperar los cuerpos de los desaparecidos en las guerras de Abjasia. A su vez, cientos de desplazados provocados por el conflicto comienzan a adquirir en Tblisi las prometidas viviendas gubernamentales. Sin embargo, a Dani, Gio y Vika, de 11 años, les cuesta asumir que tendrán que separarse y abandonar el barrio en el que han crecido. Y, en Grecia, Alia y Hussein, que huyeron de la guerra en Siria, esperan con anhelo la reunificación familiar y el reencuentro con su hija Zozan desde Polykastro, un limbo del que no es sencillo salir.

¿Qué conexiones pueden darse entre personas que habitan espacios separados por grandes distancias geográficas pero que comparten una misma herida: el exilio provocado por la guerra? La película profundiza en esta cuestión, asistiendo al día a día cotidiano de los protagonistas, personas desplazadas por las guerras de los Balcanes, Siria y Abjasia que, aunque sea en medio de ninguna parte, de un no lugar, comparten una grande y firme determinación de seguir buscando.

Crítica

Tan cerca del meollo de la cuestión, pero lejos de aportar datos

El documental ‘Tierra de leche y miel’ se ha quedado a las puertas de las nominaciones a los Goya y esta semana la película de Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes y Gonzalo Recio llega a cines de España. El largometraje ganador del premio DOC España en la anterior SEMINCI intenta ser una especie de ‘Babel’ procurando conectar tres regiones distantes entre sí pero que comparten un drama parecido, el de la pérdida de seres queridos y de la patria.

A caballo entre Grecia, Bosnia y Georgia, ‘Tierra de leche y miel’ nos cuenta la historia de personas que buscan encontrar el cuerpo de sus fallecidos o de reencontrarse con sus seres queridos. También de aquellas víctimas de crisis migratorias que van rebotando por Europa cual bola de pinball y desesperan por tener un hogar digno en el que hacer vida. El gran problema de esta película no es su temática sino su manera de contar estas historias.

Para lo cerca que se sitúa la cámara a la película le faltan datos. Se intenta contar la difícil situación de sus protagonistas pero a través de lo contemplativo y de lo costumbrista, la película muestra con tedio la cotidianidad de quienes pone frente a su cámara. Ya nos adelanta su prólogo de quince minutos que lo que hacemos con esta película es a asomarnos a una ventana a través de la que no se lanzan preguntas, solo miradas. Vislumbramos los quehaceres del día a día, comidas campestres, momentos con los nietos… Son momentos entrañables que retratan el modo en que tienen que vivir muchos europeos pero que no arrojan luz a la raíz del problema. Son escasas las imágenes de archivo que si nos dan alguna dimensión del lugar del que parten estas vidas.

Solo hay que ver las noticias para darse cuenta de que hace tiempo que el viejo continente dejó de ser una tierra de oportunidades, mal sitio para migrar, explotado hasta la saciedad, ya no da más de sí. Mal lugar para los protagonistas de este largometraje, gentes con aspiraciones amorosas, profesionales, domésticas… Nuestra Europa es una zona agotada y hastiada por viejas guerras que no han dado frutos aprovechables para las nuevas generaciones. Viendo ‘Tierra de leche y miel’ me da la impresión de que sí, hay un problema migratorio que quiere tratar el documental, pero también de que hay algo más de fondo que desconozco y que la película no acierta a destacar. Quizá aquellos más familiarizados en profundidad con la historia reciente de estos países saquen más partido al visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de diciembre de 2021. Título original: Tierra de leche y miel. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio. Guion: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio. Fotografía: Gonzalo Recio. Reparto principal: Bela, Daniel, Gio, Vika, Mirsada, Vanesa, Alia, Hussein. Producción: Zerkalo Films. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial: https://www.zerkalofilms.com/work/tierra-de-leche-y-miel/

Crítica: ‘El amor en su lugar’

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Enero de 1942, 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un estrecho gueto en mitad de la ciudad. Fuera del muro, la vida sigue adelante. Dentro, sus habitantes luchan por sobrevivir. Sin embargo, el alto muro de ladrillos no consigue parar la creación de un grupo de actores judíos que, en una helada noche invernal, interpreta una comedia musical en el teatro Fémina. Los espectadores ríen y se emocionan ante una historia de amor, olvidando por un momento su difícil situación. Entre bambalinas, los actores se enfrentan a un dilema de vida o muerte ante la posibilidad de llevar a cabo una fuga después de la función.

Crítica

Rodrigo Cortes vuelve a mostrarnos su talento detrás de la cámara

‘El amor en su lugar’ es un drama basado en hechos reales que se desarrolla en el gueto de Varsovia en 1942 donde los judíos llevaban más de un año confinados por el régimen nazi.

La dirige y coescribe Rodrigo Cortés, un cineasta que ya nos dio muestras de su talento en ‘Buried’ (Enterrado) allá por el año 2010. Una película en la que manejaba su cámara en un espacio muy pequeño y nos conseguía mantener la tensión en todo momento.

En este caso, el cineasta nos traslada a las calles de Varsovia y lo primero que me sorprende al empezar la película es la facilidad que tiene para mostrarnos la miseria, el horror, la crueldad y en definitiva, la situación angustiosa que se vivía en el gueto. Y lo hace todo en un plano secuencia acompañando a los títulos de créditos iniciales. Una vez más aunque no de forma tan extrema, Cortés se maneja en un escenario bastante reducido con brillantez. El director español maximiza la expresión de “Una imagen vale más que mil palabras” y en apenas dos minutos ya nos pone en situación con ese plano secuencia introductorio que te sumerge en el conflicto y hace sentir al espectador cuán dura era la vida dentro del gueto y a qué condiciones estaban expuestos sus habitantes ahí recluidos.

A partir de ahí, el resto de ‘El amor en su lugar’ se desarrolla prácticamente en un teatro donde un grupo de sufridos actores intentan hacer que su público se evada de la angustiosa situación que todos están viviendo ahí con un musical de comedia romántica. El punto de inflexión llega cuando a nuestra protagonista, Stefcia, se le presenta la oportunidad de huir esa misma noche después de la función. A partir de ahí, empezamos a conocer un poco a los protagonistas en las idas y venidas al escenario y sus conversaciones entre bambalinas, entre escena y escena o incluso en el mismo escenario.

La película es tan dinámica que te hace sentir esa sensación de premura, esa urgencia de quien se está jugando la vida y nos mantiene en esa incertidumbre de cómo se resolverá la historia mientras Cortés se gusta en cada plano, a veces con cámara en mano para transmitirnos más realidad en algunas escenas, otras veces con primeros planos para ver el alma de sus personajes, mientras te sumerge más y más en el conflicto.

Decir que la ambientación está muy bien conseguida, con un buen diseño de producción, los actores todos están a la altura, aunque me gustaría destacar a Clara Rugaard (Stefcia) que es el personaje alrededor del cual gira todo lo demás y nos hace vivir su historia de principio a fin.

Una historia más dentro de la historia de la Segunda Guerra Mundial que te invita a la reflexión y te muestra los dos lados del ser humano. El más oscuro reflejado en los soldados nazis y lo que tienen que hacer por sobrevivir los propios judíos, y el más esperanzador reflejado en el amor de los personajes principales y las decisiones que tienen que tomar. En medio de esta carrera por la vida, esta lucha por la supervivencia, unos actores siguen representando su obra pese a todas las adversidades que se suceden esperando que su público les aplauda.

Rodrigo Cortés me ha conquistado de nuevo por llevarnos de la mano con su cámara y hacernos partícipes de cada momento con cada secuencia de esta película. Por reflejar de nuevo los horrores de la guerra y compartir esta historia con los espectadores.

‘El amor en su lugar’ es carne de premios, es carne de cine, de buen cine hecho con talento en todo su conjunto, y desde aquí y en mi humilde opinión, os recomiendo que vayáis a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Love Gets a Room. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés, David Safier. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://nostromopictures.com/es/film-detail/el-amor-en-su-lugar-proximamente

Crítica: ‘Black box’

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¿Qué pasó a bordo del vuelo Dubai-París antes de que se estrellara en los Alpes? Mathieu Vasseu, un técnico de la BEA, la autoridad responsable de las investigaciones de seguridad en la aviación civil, es el investigador jefe en este desastre aéreo sin precedentes. ¿Error del piloto? ¿Fallo técnico? ¿Acto terrorista? El cuidadoso análisis de las cajas negras empujará a Mathieu a realizar su propia investigación en secreto. Aún no sabe hasta dónde le llevará su búsqueda de la verdad.

Crítica

‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio

La mayoría de la gente ignora qué esconde realmente una de esas mal llamadas cajas negras, porque de entrada actualmente son naranjas. Para los más desconocedores basta con indicar que son unas cajas metálicas del tamaño aproximado al de una caja de zapatos que permiten esclarecer causas de fallos o accidentes ya que tienen una gran resistencia a líquidos, impactos o fuego y en su interior se registran datos, tan funestos como los últimos audios de la cabina o su telemetría. Una de las virtudes de ‘Black box’ no solo reside en mostrar muy visualmente el cómo son o la manera en cómo se manipulan esos dispositivos, si no el revelar que en ellos hay un pequeño circuito y que su localización tras un accidente habilita llevar a cabo una minuciosa investigación.

La trama de ‘Black box’ se centra en un talentoso analizador de audios y datos que trabaja para la BEA, siglas en francés para “Oficina de Investigación y Análisis para la Seguridad de la Aviación Civil”. A él se le asigna el caso de un accidente sucedido en un vuelo Dubai-París del que no sobrevive nadie. Un caso de muchísima importancia que haría que cualquiera sucumbiese a la presión. Y eso es lo que tiene la cuarta película de Yann Gozlan, una presión que hace que el ambiente se tense más y más según avanza la trama.

Pierre Niney repite protagonismo con el director y se encarga de transmitirnos ese nerviosismo, esa intriga que para mí es el punto fuerte de ‘Black box’. Pero más allá de la buena interpretación del actor francés está el rodaje que nos plantan en la pantalla grande. El montaje y los recursos visuales empleados contribuyen a meternos en la piel del protagonista. La celeridad con que maneja sus herramientas, el ritmo al que aumentan sus sospechas, el cada vez más elevado tono de las conversaciones. ‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio. Durante la mitad del filme nos tiene intrigados con un par de MacGuffins y posteriormente se convierte en una historia de conspiraciones, pesquisas y paranoias la mar de vibrante.

Pero no todos son virtudes. La resolución de la película, aunque factible, cae en los tópicos de las películas de investigaciones y complots. Ya no solo por la solución que nos dan si no por cómo se acaba descubriendo y desvelando. Sin embargo ese final tan manido y más propio de películas de espías no mancha este largometraje que además de mostrar los intríngulis posteriores a un accidente aéreo pone en relevancia que tras cada crítico o inspector casi siempre hay una profesión frustrada.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Boîte noire. Duración: 129 min. País: Francia. Dirección: Yann Gozlan. Guion: Nicolas Bouvet, Yann Gozlan, Jérémie Guez, Simon Moutairou. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Yann Gozlan. Reparto principal: Pierre Niney, Lou de Laâge, André dossollier. Producción: Wy Productions, 2425 Films, StudioCanal, France 2 Cinema, Panache Productions, La Compaigne Cinématographique. Distribución: VerCine. Género: suspense. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/467-black-box-2021/

Crítica: ‘Nido de víboras’

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Los destinos de un mediocre grupo de desgraciados comienzan a converger a medida que se desmoronan. Joong Man lucha por llegar a fin de mes trabajando en una sauna mientras cuida de su madre enferma, pero un día se encuentra una bolsa llena de dinero en los vestuarios. Tae Young intenta arreglar que su novia se haya dado a la fuga con el dinero que él había pedido a un prestamista. Poco después, un cadáver aparece misteriosamente. Mi Ran, acorralada entre las agresiones de su marido y su trabajo sin futuro como chica de alterne, encuentra a un joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja. Así arranca este juego despiadado que solo puede ganar el más fuerte.

Crítica

Alimentando aún más el éxito de las producciones coreanas

Más allá de necesitar ser reivindicado, el cine coreano y su ficción televisiva han llegado por fin al punto de convertirse en populares e incluso mainstream, prueba de ello es el reciente éxito de Netflix, ‘El juego del calamar’. Sobre gustos no hay nada escrito y predecir qué producción va a ser la siguiente en convertirse en viral o en éxito mundial es imposible. Pero sí que es cierto que en los últimos años se percibe al cine coreano como una apuesta casi segura, una nueva opción de calidad a tener en cuenta.

‘Nido de víboras’ confirma esa tendencia que alimenta aún más nuestra buena percepción del cine que sale de Corea del Sur. Es una película de enredos, de cruce de caminos con muchos personajes y una trama repleta de puñaladas. Kim Yong-hoon emula a su estilo a los Coen y nos propone una historia coral y fatal pero a su vez con humor negro. Un thriller que bien podría competir con ‘La casa torcida’, ‘Pulp Fiction’, ‘Puñales por la espalda’ y similares. Entorno a un mundo criminal se mueve un abanico de personajes variopinto, diverso, de tal modo que las reacciones y resultados son imprevisibles. Y el guion se va enrevesado hasta tal punto que al final acaba haciendo hasta gracia.

Sobra decir que la calidad de ‘Nido de víboras’ no alcanza a mitos como la película de Tarantino o las mejores obras de los autores de ‘Ladykillers’ o ‘Fargo’, pero el puzle que compone no tiene nada que envidiar. Todo parte del libro de Keisuke Sone y ciertamente el sabor es muy novelesco. Los participantes de esta historia son una prostituta, una madame, un funcionario, mafiosos, un portero de discoteca, un detective al más puro estilo Colombo, el empleado de una sauna… Sobre el papel no se sabe cómo podrían confluir todos estos “desgraciados” y cuando arranca el filme seguimos sin saberlo. Es a mitad de la historia y en su mismo desenlace cuando se cierra el círculo de tal modo que uno acaba creyendo en el karma.

La acción transcurre en muchos escenarios diferentes, pero casi siempre en interiores o cuando nos movemos al aire libre es siempre a la luz de la luna o de las frías luces de la ciudad. Kim Yong-hoon emplea en su debut un marcado estilo visual que me ha recordado a películas como ‘I saw the devil’, ‘El lago del ganso salvaje’ o ‘Sympathy for Lady Vengeance’ por mencionar otras asiáticas que también aprovecho a recomendar.

La violencia y el destino son partes fundamentales de ‘Nido de víboras’. Una película de traiciones y buscavidas, de míseros y miserables. Aunque hay muchas historias que seguir el filme no se hace lioso, exige menos atención de la que a priori parece demandar y además deja todas las tramas cerradas, cosa que se agradece.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Beasts That Cling to the Straw. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Yong-hoon. Guion: Kim Yong-hoon. Música: Nene Kang. Fotografía: Kim Tae-Soo. Reparto principal: Jeon Do Yeon, Jung Woo Sung, Bae Sung-woo, Youn Yuh Jung. Producción: Megabox Plus M. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: http://klockworx-asia.com/warasuga/

Entrevista a Kim Yong-hoon director de ‘Nido de víboras’

«Los personajes que se ven abocados a un sistema capitalista»

El 3 de diciembre llega a cines otra película coreana llamada a conquistar a los espectadores. ‘Nido de víboras’ (crítica aquí) está dirigida por Kim Yong-hoon y es un filme coral, con personajes miserables. Un largometraje mitad comedia negra mitad suspense con un entramado muy criminal y a merced del azar o las malas decisiones. En esta historia una bolsa de dinero aparece ante un modesto trabajador de un pequeño establecimiento. Todo gira en torno a ese botín y a aquellos que lo buscan o se cruzan en su camino.

El debutante Kim Yong-hoon es también el guionista de esta obra que surge de la novela de Keisuke Sone. Hemos tenido oportunidad de hablar con él y preguntarle por este nuevo estreno que nos acerca Festival Films.

¿Qué te atrajo de la novela para convertirla en la que además es tu primera película?

Era interesante que los personajes en situaciones desesperadas se vieran sacudidos por la codicia de un momento y se convirtieran en bestias, y que se resolvieran en una estructura no lineal que no seguía el orden cronológico.

Los personajes de la historia son del tipo oportunista y perdedor. ¿Cómo puede sobrevivir alguien a un nido de víboras como este?

Los personajes eran gente corriente en el pasado, y se encontraban en un estado en el que los cimientos de la vida no estaban rotos. Sin embargo, debido a sus propios defectos o a las circunstancias, se convirtieron en personas dispuestas a agarrarse a un clavo ardiendo después de haber caído al suelo y haberse visto obligadas a arrinconarse. Cuando estos personajes se convierten en bestias por la codicia del momento, creo que funciona la ley de la selva, que es el principio básico del mundo de las bestias. Creo que en el mundo de las bestias sobrevive el depredador más feroz.

Tu película tiene cierto grado de violencia, háblame de cómo está vista la violencia cinematográfica en Corea.

En Corea, la reacción estuvo dividida. Hubo gente que pensó que había menos violencia de la esperada y para algunos, era demasiado violenta y se sentían incómodos. Personalmente, pensé que era necesaria para desarrollar la historia. Es que no considero esta película como una película que sólo muestra violencia.

El cine coreano siempre nos ha traído buenas obras, pero… ¿por qué cree que ahora tiene tanto éxito fuera de sus fronteras?

Creo que es una combinación de varios factores. Corea comenzó a formar el sistema de la industria cuando el capital de las grandes empresas se apresuró a entrar, y gracias a esto, la buena mano de obra está entrando en la industria. Además, se han producido constantemente películas de bajo presupuesto que persiguen la originalidad, lo que ha contribuido a crear grandes cineastas.

En especial, creo que directores como BONG Joon-ho (‘Parásitos’), PARK Chan-wook (‘Old boy’), KIM Ki-duk (‘Hierro 3’), KIM Ji-woon (‘Dos hermanas’) y HONG Sang-soo (‘Ahora sí, antes no’), que han construido su propio mundo y estilo, han influido mucho en el cine coreano desde principios del 2000.

¿Crees que la buena acogida internacional de esta película guarda relación con otros éxitos violentos o llenos de miseria como ‘Old boy’, ‘Parásitos’ o ‘El juego del calamar’?

Parecen tener similitudes en cuanto al tratamiento de personajes que se ven abocados a un sistema capitalista.

Viendo la película me han venido a la cabeza películas como ‘Pulp Fiction’ y ‘Quemar después de leer’. ¿Son Tarantino y los Coen referentes para ti?

Personalmente, son directores que admiro. Creo que ver sus películas una y otra vez me afectó de alguna manera y salió en la película.

¿Ha servido la bolsa de dinero como objeto metafórico del sueño de ser director que sientes tú mismo?

Si consideras la bolsa de dinero como el medio de querer agarrarte a un clavo ardiendo, puede que lo veas así. Pero yo no me lo planteé desde esa razón mientras hacía la película.

Muchas gracias a Kim Yong-hoon por una película que nos a agradado tanto y por su tiempo al responder a estas preguntas.

Crítica: ‘Cazafantasmas: más allá’

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Del director Jason Reitman y el productor Ivan Reitman, llega un nuevo capítulo del universo original de ‘Cazafantasmas’. En ‘Cazafantasmas: más allá’, una madre soltera y sus dos hijos se mudan a un pequeño pueblo donde descubrirán su conexión con los orígenes de los cazafantasmas y el legado secreto que su abuelo les ha dejado. La película está escrita por Jason Reitman y Gil Kenan.

Crítica

Un bonito homenaje para ‘Los Cazafantasmas’ y sus fans

Hemos tenido la oportunidad de poder ver con antelación ‘Cazafantasmas: más allá’. Antes de comenzar el visionado tuvimos un pequeño mensaje de Jason Reitman, pidiéndonos por favor no estropear la magia de la película con spoilers y que dejemos disfrutar de ésta a los futuros espectadores.

Así que sin spoilers y con mucha ilusión os comienzo a hablar de ‘Cazafantasmas: más allá’. Una madre soltera debe marcharse a una cabaña abandonada en el fin del mundo con sus dos hijos, al estar con el agua hasta el cuello de deudas. Así comenzamos la película y así vamos descubriendo poco a poco el por qué deben marcharse hasta allí y por qué al final no todo es tan malo.

Antes de comenzar a adentrarme mucho en la cinta, he de decir que mis ilusiones hacia esta película han ido como una montaña rusa. Es decir, veía imágenes y me volvía loca de alegría. Vi uno de los tráilers y dije «¿Pero qué es esto por favor?» indignada hasta más no poder. Al pase fui totalmente indiferente y sin apenas expectación. Qué buena cosa, porque la verdad salí encantada y me divertí un montón con el sorpresón de película que encontré.

Además de que comienza sin miramientos, presentándonos a esta familia tan complicada. Una niña que es un genio, un hermano mayor con las hormonas alteradas que no es tan listo, pero siempre está dispuesto a todo. Y una madre un tanto desastre, que está intentando sobrevivir con lo que tiene. Añadimos a esto a un profesor que es un fanático de los Cazafantasmas y a un niño que recuerda mucho al personaje de Tapón en ‘Indinana Jones: El templo maldito’.

‘Cazafantasmas: más allá’ es un homenaje a las dos primeras cintas de la saga, sobre todo a la primera. Una cinta nostálgica que quiere revivir ese mundo que tantas horas de entretenimiento nos han dado a muchos gracias a los repetidos visionados de las películas. Además es un homenaje a ese cine de los años 80 que, para que vamos a engañarnos, tanto echamos de menos.

Aventuras, valores, amor y también inocencia, ese cine que nos enseñaba mucho con una película de aventuras. A valorar la amistad y a creer en nosotros mismos, pese a quizás ser un poco más raritos de lo que supuestamente era ser normal.

Además otra de las maravillas que me he encontrado en la película ha sido el tema de efectos especiales. Que disfrute, han mimetizado el CGI con animatrónica de una manera espectacular. Dándonos imágenes del pasado sin modernizarlas pero sí mucho mejor realizadas.

Jason Reitman, pese a ser un gran director, lo tenía bastante difícil con esta película y creo que sin duda ha hecho un gran trabajo.

En el reparto nos encontramos con Mckenna Grace, os lo he dicho mil veces, pero esta chica apunta maneras y lo demuestra en cada nuevo trabajo que realiza. Está estupenda en su papel, muy al estilo Sheldon Cooper, sin llegar a ser tan pedante. Finn Wolfhard, vuelve a meterse en un traje de Cazafantasmas después de lucirlo en ‘Stranger Things’, y sin duda hace un papel bastante currado. Logan Kim, que maravilla de personaje le han dado a este muchacho y que bien lo hace. Muchos cogeréis cariño a Podcast y disfrutaréis un montón con sus tonterías. Carrie Coon y Paul Rudd son los encargados de dar vida a la parte adulta, tampoco demasiado, de la película y cumplen con su cometido perfectamente.

Por lo demás, como he dicho que no quiero desvelar sorpresas, porque merecen mucho la pena disfrutadlas, id a verla, id a disfrutar y a dejaros llevar por esta nueva aventura de los Cazafantasmas. Un homenaje a estos Cazafantasmas que tanto adoramos, un homenaje a los fans y sobre todo un precioso homenaje a Harold Ramis al que está dedicada la película y que además es uno de los guionistas de la misma.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Ghostbusters: Afterlife. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Gil Kenan. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Paul Rud, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Mckeenna Grace, Sigourney Weaver, Celeste O’Connor, Logan Kim, Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine, Oliver Cooper. Producción: Columbia Pictures, BRON Studios, Ghostcorps, Sony Pictures, The Montecito Pictures Company. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/ghostbusters/

Crítica: ‘La casa de Gucci’

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Inspirada en la impactante historia real del emporio familiar tras la legendaria firma de moda italiana, ‘La casa de Gucci’ nos descubre, a lo largo de tres décadas de amor, traición, decadencia, venganza y, en último término, asesinato, el verdadero significado de un apellido, su valor y lo lejos que puede llegar una familia para hacerse con su control.

Crítica

‘Falcon Crest’ en plan caro

Ridley Scott vuelve a salirse de la ciencia ficción y la fantasía y nos cuenta una historia real como ya hizo en ‘Todo el dinero del mundo’. Me temía que al ser una historia llena de ostentación y extravagancia cayese en los errores de aquella aberración que se llamó ‘El consejero’ pero en ‘La casa de Gucci’ domina más la elegancia.

Mauricio Gucci y Parrizia Reggiani son los protagonistas de la historia de un imperio devorado por elegantes hienas con alma de camorrista. Una guerra que se alarga a hoy en día pues la esposa y verdugo de Mauricio está disputándose el legado contra sus propias hijas. La historia de ‘La casa de Gucci’ parece de telenovela pero ocurrió así. Las traiciones, desamores o acciones emprendidas por los personajes de la película tuvieron lugar en la realidad. Una familia tipo ‘Dinastía’, con sus abuelos, tíos y parejas se disputan un multimillonario patrimonio, haciendo lo que sea para no caer en la miseria.

Igual de multimillonario es el reparto y por desgracia ahí vienen los problemas del filme. La película es más bien una herramienta divulgativa, no tiene enjundia ni es punzante. Personalmente solo me parece interesante cuando nos alejamos del salseo sentimental y el filme se inclina a lo meramente empresarial. Y me imagino que para poder poner ahí el logo de Gucci han tenido que llegar a un acuerdo comercial, y claro, no puedes morder la mano que te da de comer. Una prueba de ello son los anuncios que Jared Leto ha hecho para la marca. Sin duda esta producción en manos independientes habría tenido más mordiente y realismo.

Ciertamente la película tiene mucho sabor italiano y más que habría tenido de haberse rodado con actores del país con firma de bota. Si la hubiese hecho Scorsese probablemente estaríamos hablando de una cinta mucho más centrada en las maneras de la vieja escuela de la que viene Gucci y también en lo delictivo además de que sería más larga, aún más. Ese sabor a la Italia de la Toscana nos lo da sobre todo Lady Gaga. La cantante hace una interpretación para nominaciones. No me la imaginaba convertida en toda una señorona italiana de los ochenta. Pero además se alza como la gran villana de ‘La casa de Gucci’. Si no conoces la historia real piensas con sentimiento de culpa y prejuicios que es una buscona o una lagarta que tiene un clarísimo plan en mente. Pero tanto el largometraje como los hechos reales que se han dado en los últimos años te dan la razón.

Otro que igualmente está para lanzarle estatuillas sin parar es Leto. También con un trabajazo de acento y aún más de maquillaje interpreta al excéntrico Paolo Gucci. Un papel de lo más raro y complejo que le viene como anillo al dedo y tras el que se esconde sin ser reconocido, a no ser que leas su nombre en los créditos. Con ese personaje vivimos otras de las incongruencias de ‘La casa de Gucci’. ¿Es un biopic serio o es paródico? Me parecen ridículas algunas de las escenas de Paolo y toda la parte de Salma Hayek, pero claro, son indispensables en esta historia que si tiene momentazos o frases a recordar, la mayoría de las mejores para Pacino. A veces da la impresión de que Scott solo quiere reírse de este clan indispensable en la moda del siglo XX pero en otras parece que quiere mantener un hermetismo excesivamente respetuoso.

Obviamente Adam Driver acapara mucha parte de la película, si no el que más. Su personaje aboga por una vida sencilla, no sé si sería así realmente, pero acaba defendiendo su herencia como un perro acorralado. Aunque no se le parece el actor tiene la elegancia y el porte que pide tan sofisticado apellido.

La película a veces tiene esa distinción del imperio italiano y quizá por eso su mayoría guarda demasiado las formas. Tiene trapos sucios, intrigas, manipulación, pero como comentaba son más propias de ‘Falcon Crest’ o ‘Dinastía’. La película no tiene méritos cinematográficos más allá de las interpretaciones que he comentado, alguna escena como el primer cara a cara entre Irons y Pacino y el diseño de vestuario que se postula frente a ‘Spencer’ como uno de los candidatos al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: House of Gucci. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Al Pacino, Jeremy Irons, Salma Hayek, Jack Huston, Reeve Carney, Camille Cottin, Youssef Kerkour, Madalina Ghenea. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Scott Free Productions, Bron Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/house-of-gucci/

Crítica: ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’

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Volviendo a los orígenes de la tremendamente popular franquicia ‘Resident Evil’, Johannes Roberts, fan y cineasta, vuelve a dar vida a los juegos para una completa nueva generación de seguidores. En ‘Resident Evil: bienvenidos a raccoon city’, la que fue una pujante ciudad sede del gigante farmacéutico Umbrella Corporation, Raccoon City, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo la superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.

Crítica

Mucho mejor ambientada, pero muy atropellada

Johannes Roberts es el director de esta nueva versión cinematográfica de ‘Resident Evil’ que fue anunciada cuando aún estábamos viendo en cines ‘Resident Evil: El capítulo final’. Podríamos decir que este es un reboot pero la verdad es que las adaptaciones de la saga de videojuegos ‘Resident Evil’ se han estado orientando por otros derroteros desde el mundo de la animación. Esas películas con dibujos hechos por ordenador son mucho más canonicas que todas las que han surgido de acción real, incluida esta última.

El director de ’47 meters down’ o ‘Los extraños: cacería nocturna’ es el encargado de intentar lograr mayor similitud con los videojuegos. Y en parte lo consigue, pero no del todo. Me imagino a los directores de casting y los miembros de las productoras partiéndose la caja con la decisión de no escoger actores parecidos a los personajes del juego y el marketing viral que se les hace solo en las redes. Pero tendrían que haber pensado si el reparto va a cumplir con cierto nivel, que aunque esto sea la adaptación de un juego de matar zombies hay cierto fandom al que satisfacer y espectadores que respetar. Hay aciertos en el casting como Robbie Amell en la piel de Chris Redfield, Lily Gao como Ada Wong, la caracterización de Lisa Trevor e incluso compro a Tom Hopper como Wesker (muy apropiado pasando de ‘The Umbrella Academy’ a las filas de Umbrella). Pero tiene incongruencias grandes para con los juegos como Avan Jogia en el rol de Leon, no solo por su inexistente parecido, más bien por el carácter de pardillo que le ponen cuando él es de los más eficientes cuando estás con el mando en las manos.

La ambientación si que está mucho más conseguida que en las películas de Paul W.S. Anderson. Reconocemos la Mansión Spencer y la comisaría de la primera y segunda entrega respectivamente. Agradezco que la película no se centre en encerrar a los personajes en una sola localización pues habría pecado de demasiado típica, para eso ya tenemos ‘Amanecer de los muertos’ o ‘Train to Busan’. Lo que sucede es que aunque los jugadores quedamos congratulados con la escenografía y con la gran cantidad de detalles del juego que hay (como algunos nombres e incluso puzles), estos pasan demasiado rápido y la historia se diluye, no tenemos el suficiente trasfondo. Un background que además agradecerían los profanos de la franquicia de Capcom pues verán en ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’ una película más de zombies, como un episodio caro de ‘The Walking Dead’.

De igual manera que el elenco de protagonistas ha quedado demasiado apelotonado y precipitado en un mismo sitio, como si esto fuese ‘Friends the reunion’, aparecen las bestias del juego. Desde los típicos zombies hasta los famosos Lickers y dobermans. El Boss, pues es el Birkin del segundo juego interpretado por Neal McDonough, pero se lo ventilan en un pis pas. Por lo menos en este caso no tenemos algo tan calamitoso como lo de su Bison en ‘Street fighter’ pues fue calamitoso.

Tales han sido las ganas de meter personajes que se han tergiversado bastante sus trasfondos individuales. Pero en líneas generales si tenemos la historia de esa corporación que es Umbrella, omnipresente, malvada y falible. La empresa del logo rojiblanco envenena a la ciudad y surge el estallido zombie de 1998. Hay algún que otro fallo, como que el boss final se dedique a llamar a Chris Redfield sin saber que estaba en la misma estancia, pero al menos la historia tiene mucha acción y una pizca, solo una pizca, de terror.

Hay que reconocer que esos juegos que cogían el testigo del ‘Alone in the dark’ daban miedo o nerviosismo por esa mezcla de neoclásico y revival gótico. Pero sobre todo por la interfaz para cambiar armas y la torpeza de movimiento de los jugadores, equiparable a la de un zombie. Era la época. La música también inquietaba y en este caso Mark Korven (‘El faro’, ‘La bruja’, ‘Cube’) consigue algunos momentos dignos, aunque la cancioncilla infantil que se repite de fondo queda ridícula. Aquí solo hay un par de escenas para tenernos atemorizados. Se nota en esos momentos que Johannes Roberts quiere hacernos pasar miedo con buenos planos, en ocasiones con unos movimientos de cámara, zooms y colores que nos recuerdan al horror de los ochenta, sobre todo de Carpenter.

Se clavan instantes como el primer encuentro con zombies del juego o el recuerdo de Alexia y Alfred Ashford. ‘Residente Evil: bienvenidos a Raccoon City’ tiene muchos regalos para el recuerdo de los gamers y emociones para los no jugadores. Sería una película más de zombies si no fuese por esos huevos de pascua. Quedaos a los post-créditos porque parece que quieren seguir con esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Resident Evil: Welcome to Raccoon City. Duración: País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Johannes Roberts. Música: Mark Korven. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Chad Rook, Lily Gao, Nathan Dales, Stephannie Hawkins, Josh Cruddas, Marina Mazepa. Producción: Constantin Film, David Films. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, acción, terror. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/residentevilwelcometoraccooncity

Crítica: ‘La hija’

Sinopsis

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Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.

Crítica

Mucho talento y poca chicha

El reparto de ‘La hija’ incluye a dos grandes actores de nuestro panorama actual, Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz. Junto a ellos, ya que este es un filme de protagonismo repartido a tres bandas, está Irene Virgüez. Los dos primeros interpretan a un matrimonio que vive aislado en parajes jienenses y que acoge en su casa a una quinceañera conflictiva que está embarazada. Al poco de empezar el filme ya sabes qué intenciones tienen unos y otros y en ese momento es en parte cuando me han perdido.

Quizá mi opinión de esta película sea impopular, el tiempo y la audiencia dirán. Quizá pase como cuando digo que tampoco me gusta Vetusta Morla, que interpreta el tema principal de la película. Yo lo siento pero no entro en esas películas que alargan sus secuencias y planos de manera innecesaria, sin que estos aporten matices a la trama. Sobre todo cuando no cabe aguardar más giros o cuando he podido predecir el juego y “sorpresas”. No me voy a hacer el listo pues el ultimísimo giro no me lo esperaba. Es un remate que estaba entre lo poco probable y aunque este llegue tarde le da algo de emoción a los últimos minutos.

La otra parte en la que me han perdido es con la elección de Irene Virgüez. No me he podido creer su personaje al no parecerme natural. Casi siempre y casi para cada frase que tiene luce una sonrisa impostada que impide que parezca esa muchacha que está en un momento crucial y ha sido castigada por la vida. Su guión no es fácil pues ejecuta a alguien con un profundo dilema. Pero le pasa factura la falta de tablas, tanto actoralmente como por edad.

‘La hija’ tiene cosas a rescatar. Es indudable el penetrante colorido de la naturaleza que explota el filme o el partido que le sacan a la fotografía cuando esta se tiñe de grises. Pero si hablamos de momentos contemplativos es López Arnaiz quien nos da algunas miradas en las que aguanta el plano transmitiéndonos mucho. Con los duelos entre ella y Virgüez nos llega un discurso moral importante, pero escasamente explorado.

Es una pena que con todo lo que me gustó ‘El autor’ la nueva película de su director me haya defraudado. Quizá tirar más de humor negro o de sátira se le dé mejor que el generar un thriller. En ‘La hija’ juega mucho con los deseos de sus personajes pero estira una idea que si hubiese tenido más sorpresas o se hubiese mojado con temas actuales habría tenido mucho más jugo que extraer. Como decía al principio, en el reparto hay talento, pero el guión no nos expone gran cosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: La hija. Duración: 122 min. País: España. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guion: Alejandro Hernández, Manuel Martín Cuenca. Música: Vetusta Morla. Fotografía: Marc Gómez del Mora. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez, Sofian Elben, Juan Carlos Villanueva, María Morales. Producción: La Loma Blanca PC, Mod Producciones, Movistar+, TVE, ICAA, Canal Sur Televisión. Distribución: Caramel Films. Género: suspense, drama. Web oficial: http://lalomablanca.com/la%20hija/

Crítica: ‘Lamb’

Sinopsis

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María e Ingvar viven aislados con su rebaño de corderos en una isla de Islandia. Cuando descubren un misterioso recién nacido, deciden quedárselo y criarlo como su propio hijo. Esta nueva perspectiva trae mucha felicidad a la pareja, pero la naturaleza les tiene reservada una última sorpresa…

Crítica

Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento

La última ganadora del Festival de Sitges no podía tardar más tiempo en llegar a cines. ‘Lamb’ es un filme de Valdimar Johannsson que pese a su “estilo nórdico” (como acuñamos en nuestro directo sobre la última edición del festival de cine fantástico) logra atraparnos e incentivar nuestra atención. Una película extraña, metafórica y cargada de mensaje.

Un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason vive en una granja viviendo de sus bovinos. Durante la Navidad dan a luz muchos de sus animales e insólitamente uno de ellos pare a un híbrido, una niña mitad humana mitad carnero. Todo esto sucede en un escenario que se nos muestra a veces con parsimonia, en los siempre impresionantes parajes de Islandia. ‘Lamb’ desarrolla a su ritmo y a su manera un discurso sobre la pérdida, la maternidad y la naturaleza. Los actores interpretan tan bien la aflicción que sienten que además de tener una película interesante por todas las cuestiones que planeta es una obra artísticamente rica.

El guión nos dispone situaciones escasas de diálogos, pero esta es una historia animalista, en varios sentidos, en lo que se refiere al método usado para contarnos la historia se refiere a que tenemos que entender a los personajes de igual manera que a nuestros animales, haciendo más caso a sus expresiones no verbalizadas.

El hecho de que todo suceda en Navidad, que la protagonista se llame María o que el cartel nos recuerde a alguna Virgen de las Rocas nos dice que puede haber un pequeño componente o símil religioso. Pero Jóhannsson nos proporciona una historia que pugna por la evolución, tanto humana como personal.

El componente fantástico de la película es una herramienta útil para desarrollar las pretensiones del director. Ese elemento raro, hay que reconocer que es muy raro, sirve para algo más que diferenciarse de otras historias tipo folk horror. Hay que echarle paciencia pues cuando llega su final, sus últimos cinco minutos, nos explota la cabeza y vais a oír más de un “¿paro qué…?”. Es un peculiar cuento bien desarrollado que terminará derrumbando todos los escepticismos que haya podido generar. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Lamb. Duración: 106 min. País: Islandia. Dirección: Valdimar Jóhannsson. Guion: Sjón Sigurdsson, Valdimar Jóhannsson. Música: Þórarinn Guðnason. Fotografía: Eli Arenson. Reparto principal: Noomi Rapace, Björn Hlynur Haraldsson, Hilmir Snær Guðnason, Ester Bibi. Producción: Black Spark Film & TV, Film I Väst, Go to Sheep, Madants. Distribución: Vértigo Films. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://a24films.com/films/lamb

Crítica: ‘Espíritu sagrado’

Sinopsis

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José Manuel y el resto de miembros de la asociación ufológica Ovni-Levante se reúnen semanalmente para intercambiar información sobre mensajes extraterrestres y abducciones. Julio, su líder, muere inesperadamente, dejando a José Manuel como el único conocedor del secreto cósmico que puede alterar el porvenir humano. Mientras tanto en España se busca a una niña que desapareció hace semanas.

Crítica

Para aquellos que disfrutan programas tipo Cuarto Milenio con ojos incrédulos

Cuando vi el primer material de la película de Chema García pensaba que iba a visionar una ficción tan burlesca como ‘Pirámides murcianas’ o algo tan excéntrico como ‘The Mystery of the Pink Flamingo’. Seguro que os suenan a títulos raros y desconocidos. Es que es así. ‘Espíritu sagrado’ se mete de lleno en el saco de esas películas sencillas y a la vez extrañas que consiguen dejarnos pizcuetos pero también mostrar pasión por algo y a la vez darnos una bofetada final.

Este es el primer largometraje de Chema García Ibarra tras trabajos como ‘Nebulosa-5’, ‘Protopartículas’, ‘Misterio’, ‘La disco resplandece’, ‘Leyenda dorada’ y ‘Uranes’. Títulos muy peculiares con los que ya ha recorrido festivales internacionales como la Quincena de Realizadores de Cannes. Su cine se acota siempre entre lo muy raro y muy levantino, sin que una cosa tenga que ver con la otra. Ha narrado el capítulo de un astronauta perdido en un barrio del levante español, el mensaje cósmico llegado a oídos de una trabajadora del calzado a través de la nuca de un chico poseído por la Virgen, un sólido drama familiar durante una invasión extraterrestre… sobra decir que originalidad no le falta y se nota pues le da de sí para los noventa y siete minutos de la película.

Puede que el propio largometraje o lo que yo he escrito hasta este párrafo eche para atrás a muchos. Pero os animo a seguir. Porque esta es ciencia ficción casera, mundana, misteriosa. Si te gusta Cuarto Milenio y lo ves con ojos incrédulos seguro que pasas un buen rato con ‘Espíritu Sagrado’. Se ambienta en la España del calzado, la horchata y el juguete. Allí la población está preocupada por la desaparición de una niña. Y mientras unos buscan a la chiquilla los miembros de la Asociación Ufológica OVNI Levante rastrean señales y pruebas de vida alienígenas. Por supuesto ambas historias confluyen, la “gracia” es ver de qué manera.

Además de con su misterio e insólita cotidianidad os enganchará con su muy abundante comedia negra. Los personajes protagonistas son inadaptados, un poco enajenados y conspiranoicos. Y se trata aparentemente sin sentimiento alguno con los dramas que viven así como con su realidad. Y es que ‘Espíritu sagrado’ es altamente naturalista, casi documental, pero sobre todo paródica y mundana. Cuenta con actores no profesionales. Se nota, recitan las frases muy de memoria, sin incorporarlas con naturalidad. Pero esto nos hace bajar a pie de calle.

A parte de con su sarcástico momento silencioso del final de vez en cuando suelta alguna que otra perla de critica actual o regional como a los trabajos caseros y en negro del mundo calzado, a las triquiñuelas de las inmobiliarias, a los prejuicios contra la gente del este… Sobra decir que el filme es un disparate, por eso nos encontramos a una periodista que habla cambiando las expresiones a lo borrachos de ‘Año Mariano’, anuncios de un recital de poesía cósmica, cuadros con pirámides despegando con propulsores, una versión techno rumbera del Zombie de Cranberries (Los Sobraos)… Debéis saber todo esto para evitar pensar que se están riendo de vosotros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Espíritu sagrado. Duración: 97 min. País: España, Francia Turquía. Dirección: Chema García Ibarra. Guion: Chema García Ibarra. Fotografía: Ion de Sosa. Reparto principal: Nacho Fernández, Llum Aques, Joanna Valverde, Rocío Ibáñez. Producción: Jaibo Films, Apellaniz y de Sosa, La Fábrica Nocturna CInéma, Teferruat Film. Distribución: La Aventura. Género: drama, suspense, comedia negra. Web oficial: https://laaventuracine.com/espiritu-sagrado/

Crítica: ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’

Sinopsis

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Después de una velada romántica, Emma (Megan Fox) se despierta esposada a su difunto esposo (Eoin Macken). Atrapada y aislada en pleno invierno, en su apartada casa del lago, Emma tendrá que luchar contra unos asesinos a sueldo para sobrevivir y escapar del retorcido plan de su marido.

Crítica

Festivalera, más entretenida de lo que parece

Por mucho que Megan Fox sea una actriz de poco talento interpretativo y por mucho que esta no sea una superproducción no vamos a decir que ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’ es una mala película. Bien es cierto que Fox lleva tiempo sin aparecer en una película de gran calado (por lo menos comercialmente hablando) y que está haciendo lo que va cogiendo aquí y allá. Pero la premisa de este filme de S.K. Dale es lo suficientemente atractiva como para acercarnos a él.

‘Till death’ (me niego a poner todo el título que le han puesto en España) la pifia en varias ocasiones. Ya de entrada, sin haber visto la película, adivinamos que el cartel muestra el final de esta historia. Y la trama también se hace un poco plomiza al principio, un poco empalagosa y frenada tras su primer giro sorprendente. Pero tiene instantes lo suficientemente “burros” como para que sigamos esperando a ver cómo termina esta joven.

La historia nos cuenta el cómo una pareja en crisis intenta avivar las llamas del amor en medio de la nieve, en una romántica cabaña junto a un congelado lago. Lo que distingue a este filme es que aquí no hay un conflicto de pareja basado en discusiones e incluso maltrato para desarrollar la base de la ruptura. No, aquí la separación se busca a través de objetos cortantes y de arrastrar el uno del otro ya que la Emma (Megan Fox) se despierta una mañana en el brete de tener que cargar con el cadáver de la persona a la que está esposada, literalmente a él.

Tanto el personaje como la actriz intentan luchar contra su imagen de mujer objeto. Una lo consigue mejor que la otra, pero lo que yo agradezco en estas propuestas en una franca apuesta por el cine de género. ‘Till death’ es de esos títulos a los que se les atribuye el adjetivo de “festivalera”. Películas que por su carácter violento, surrealista o fantasioso suelen tener más vida y mejor acogida en circuitos de festivales de terror o acción.

En la historia van entrando en juego de manera muy oportuna distintos factores, pero sin aportarnos sorpresa alguna. La propuesta está limitada de escenarios y tal vez por eso se marea un poco la perdiz. Pero se agradece que lo violento se sobrepone a lo sentimentaloide y al final la sangre abunda en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: Till Death. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: S.K. Dale. Guion: Jason Carvey. Música: Walter Mair. Fotografía: Jamie Cairney. Reparto principal: Megan Fox, Lili Rich, Callan Mulvey, Eoin Macken, Jack Roth, Aml Ameen, Stefanie Rozhko, Teodora Djuric, Julian Balahurov. Producción: Brave Carrot, Campbell Grobman Films, Millenium Media. Distribución: Vértice Cine. Género: thriller. Web oficial: https://screenmediafilms.net/film/3313/Till-Death

Crítica de ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’

La inquisición en la Corea del siglo XXI

Viral es aquello que se convierte en mundialmente conocido por circular por las redes a toda velocidad tras ser compartido en masa. Los confinamientos de 2020 nos han hecho partícipes de muchos retos o momentos que se han transformado en virales, extendiendo su concepto. ‘The ring’ ya trataba ya en 1998 un fenómeno viral, el boca a boca hacia pasar la cinta maldita. El que le daba al play a su VHS veía un extraño vídeo y recibía la llamada de Sadako. A los días esta se le presentaba para matarle. Algo así pasa en ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’, donde unos coreanos comienzan a recibir la visita de un supuesto ángel y tiempo después unas despiadadas criaturas van a ajusticiarle.

La violencia es lo primero que llama la atención de esta historia. Cuando esta tiene lugar es bastante burra y sanguinolenta, aunque no llega al gore. Pero la misteriosa índole del fenómeno paranormal y asesino es el mayor aliciente para seguir con la serie que Netflix estrenó el 19 de noviembre. Sin seguir con su saga de zombies Yeon Sang-ho, el director de ‘Train to Busan’, nos resarce con más terror oriental tras la mala secuela que fue ‘Peninsula’. Nos da una nueva historia sangrienta y fantasiosa que como en otras de sus narraciones descarga su peso en conceptos como la redención o el sacrificio. La grandísima faena es que decepciona sin mucho progreso en la trama, hasta el punto de dejarnos sin explicación y abiertos a una segunda temporada, por la cual reconozco que tengo ya curiosidad pues la serie se cierra con un desconcertante cliffhanger. Ya tengo claro que lo de explicar el origen o fundamento de sus monstruos no es algo que se le dé bien a Sang-ho.

La historia tiene seis episodios y en sus tres primeros seguimos a unos policías. Ellos andan tras la pista de esas bestias pardas del infierno y para ello tienen que sumergirse en las entrañas de una nueva religión. El líder puede recordar a Light de ‘Death note’. De hecho el culto a la muerte que generaban los actos de los shinigamis en esa historia se percibe como una influencia en esta serie. También tienen varios giros de guión bastante… cabroncetes. No quiero llevar a equívocos, en ese aspecto se parece pero la historia es muy diferente. ‘Hellbound’ no tiene ese guión inteligente basado en estratagemas. De igual modo que se nota la influencia de las nuevas tecnologías como sucedió en ‘Llamada perdida’. Internet se convierte en una puerta a un martirio infernal retransmitido casi en streaming. Y como otras producciones que hemos visto juega con el peligro e histeria que a veces se genera en la red de redes.

El foco está en la locura religiosa y los cambios a conveniencia más dignos de la Edad Media, cuando la Iglesia católica tenía su brazo armado o cuando su inquisición actuaba impunemente impartiendo su “justicia divina”. Se produce un pacto de miedo y adoración casi inconsciente o ciego, como el que se le rinde al vampiro de ‘Misa de medianoche’ o como el que se tiene al dictador del país vecino. Pero ‘Rumbo al infierno’ se ríe de las religiones emergentes y falsas. Salvando las distancias no he podido evitar acordarme de la solución final del Dr. Manhattan de ‘Watchmen’. El miedo hace que la gente se comporte bien o caiga en la inacción a través del conocimiento de un ente superior que puede castigar de manera implacable.

Al fin y al cabo, como pasa en relatos como ‘La niebla’, todo trata a cerca de la interpretación de los hechos, en confundir la justicia divina con la humana. Queda claro también que la buena salud de las producciones coreanas le está abriendo las puertas por todo el mundo. Falta ver cuántos huevos de oro tiene en su interior esta nueva gallina audiovisual. Por lo pronto creo que no fallaré al decir que ‘Rumbo al infierno’ no alcanzará las cotas de éxito de ‘Train to Busan’ o el reciente bombazo de ‘El juego del calamar’.

Crítica del live action de ‘Cowboy Bebop’

Flipados y complacidos por cómo se parece

Netflix estrena el próximo el 19 de noviembre la serie de acción real inspirada en el anime ‘Cowboy Bebop’. Aunque decir inspirada es en este caso quedarse un poco corto. Por suerte los 10 episodios de esta nueva versión son una excepción a la norma y los norteamericanos han dado en el clavo. Mis sensaciones son como las que tuve con ‘Sin City’, una obra que adaptaba un cómic de los considerados sagrados y que acertó en su estilo visual, tratamiento de personajes, respeto a la trama original…

Para los que no conozcan esta historia. Es una serie que surgió de un manga, como suele ser habitual. Nos traslada a un futuro en el que la humanidad vive desperdigada por nuestro sistema solar. Para viajar por el espacio de manera muy rápida se utilizan unas puertas o relés de masa a lo ‘Mass Effect’ que nos teletransportan a las inmediaciones de otros planetas. Pero uno de esos portales provoca un accidente y como daño colateral se daña la Luna y se origina un cataclismo en la Tierra de proporciones tipo Emmerich o Bay. Comienza así una vida de peligros para los humanos, propia de aquellos que en su día exploraron y habitaron el far west.

El nombre de la serie viene en parte por la nave en la que viajan los protagonistas. La Bebop es el hogar de unos cazarrecompensas que viajan por el espacio al son de música jazz y el gruñir de sus hambrientos estómagos. Pero el nombre de la serie también es muy descriptivo en cuanto a su estilo narrativo. Cowboy hace referencia obvia a los vaqueros, a una trama propia del western con bandas y buscavidas. Be bop nos traslada a un estilo de jazz y eso hace que cada personaje vaya a su ritmo, posea en su superficie un estilo frívolo, improvisado, sin melodía, pero en ese caos se percibe una armonía fruto del trabajo en equipo. Así se reflejaba tal cual en el anime y ese es uno de los mayores aciertos del live action, calca el estilo.

‘Cowboy Bebop’ está lleno de espontaneidad, música y acciones muy locas por parte de los personajes. Me gustaría conocer la opinión del director original, Shinchiro Watanabe, pero no me quemaré si pongo la mano en el fuego afirmando que le va a gustar. Si hay alguien que adapta muy bien los manga/anime es Takashi Miike y puedo decir que la serie de Netflix es fruto de su escuela. No se comete el error de convertir a los actores en monigotes mal disfrazados al estilo cosplay cutre. Se ha acertado a la hora de hacer el casting o el vestuario, pero eso no ha impedido que la serie mantenga su humor propio de un chiflado, ni su carácter fatalista, propio del cine negro. Dicho esto es obvio decir que aparecen elementos tan locos como el noticiero de los cazarrecompensas con sus dos divertidos y eufórocos presentadores, Judy y Punch.

Es fantástico el cómo más allá del opening o los títulos de crédito, la música se ha respetado, algo que se antojaba casi obligatorio. Y a nivel visual los planos, casi siempre inclinados, mantienen la vertiginosidad de la serie, se clavan muchas tomas. Calca escenas míticas e incluso episodios casi completos. Los fans reconocerán momentos del pasado de Spike y por supuesto identificarán el interior de la Bebop. Los escenarios de ciencia ficción son apabullantes, muy elegantes a la par que caóticos. Se ha respetado hasta la tipografía del anime en todas las letras que aparecen. El tratamiento de color, a todos los niveles, ha sido vital para tan satisfactoria adaptación.

Era también algo imperativo que ‘Cowboy Bebop’ tuviese mucha acción. Y la tiene, con unas escenas vibrantes. Entre la gallardía y picardía de los protagonistas vuelan los tiros y las patadas. Los personajes son unos fuera de serie, pero en el fondo pringan siempre. Son héroes miserables y condenados constantemente al fracaso, incluso en sus momentos más épicos. Esto es porque son capaces de aparcar sus diferencias y bromas en los instantes más difíciles para entregarse a la acción o a su sentido de la justicia.

Esta adaptación se antoja un poco más adulta, con detalles que digamos que son más violentos y libertinos. Seguramente esto sea fruto de las políticas de Netflix o de satisfacer a una audiencia que desde el original ha crecido lo suyo, por no decir que nos han salido canas. Eso nos lleva también a corregir la tan criticada sexualización de vestuario que tenía Faye Valentine, se nota que los tiempos han cambiado la visión del personaje y el foco está en su personalidad, no en su físico.

Vais a reconocer perfectamente a los personajes de esta space opera. Spike (John Cho) se mantiene como el héroe pícaro y bravucón de bromas sin gracia y pasado oscuro. Jet Black (Mustafa Shakir) es el gruñón capitán con un perpetuo sentido de la responsabilidad. Valentine (Daniella Pineda) sigue siendo una bocazas metomentodo también con un pasado desconocido. Julia (Elena Satine) también se conserva con acierto como la mujer fatal de la historia. El único que no me ha convencido es Alex Hassell como Vicious, el final boss de esta serie. Y… no digo quién más aparece.

Se ha criticado mucho a Netflix por el doblaje en España, pero esta serie me la he visto en versión doblada ya que así fue como experimenté el anime. En cuanto he escuchado a Jet  Black con la misma voz del anime (Francesc Belda) me han conquistado. El resto de protagonistas tiene nuevas voces pero están totalmente acordes.

En Netflix se ha publicado también el anime original ‘Trigun’, otro de mis favoritos. Si os gusta esta mezcla, a veces cyberpunk, de naves espaciales con el estilo western echadle un vistazo. El nuevo ‘Cowboy Bebop’ tiene solo uno o dos episodios aburridos, como el 9 que me parece demasiado sobre-explicativo. Es ciencia ficción con reminiscencias a ‘Blade Runner’, tiroteos a lo spaghetti western e incluso bailes a lo ‘Banda aparte’ de Godard. Pronto descubriréis por qué ‘Cowboy bebop’ fue una serie de tanto éxito. Antes equiparaba el grado de éxito que va a tener esta serie a la adaptación cinematográfica de ‘Sin City’. La segunda parte de la obra de Frank Miller en forma de largometraje supuso un profundo chasco. Espero que no pase lo mismo con la más que probable segunda temporada de ‘Cowboy Bebop’. Hasta la vista cowboy del espacio.

Crítica: ‘Última noche en el Soho’

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Un nuevo thriller psicológico de Edgar Wright acerca de una joven que siente pasión por el diseño de moda y tiene la misteriosa capacidad de volver a los años sesenta, donde conoce a su ídolo, una deslumbrante aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que aparenta y el tiempo parece desmoronarse con unas nefastas consecuencias.

Crítica

Edgar Wright aparca la comedia para hacer una de sus mejores obras

Como digo en el titular, Edgar Wright se separa (espero que momentáneamente) de la comedia e incluso la acción de sus últimos títulos para meterse en una película terrorífica y dramática, con un pequeño toque de ciencia ficción. Y consigue una de sus mejores obras. A nivel fantástico es una idea la mar de interesante y a nivel técnico demuestra el gran conocimiento que tiene del medio y el buen hacer del que es capaz.

Muchas veces el hacer comedias con amiguetes como Simon Pegg y Nick Frost deja la sensación de estar creando una filmografía menor o para un grupo de culto. Pero con ‘Última noche en el Soho’ Wright demuestra que puede hacer lo que quiera y en el tono que le plazca. A través de dos jóvenes nos retrata la sociedad londinense en dos épocas diferentes, la actual y la de los sesenta. Una conexión entre dos mujeres se produce cuando una de ellas se muda a un piso en el Soho, en Londres. La historia nos lleva por el mundo actual de la moda y el pasado turbio de la City para contarnos una historia que acaba dándole la vuelta a un mito muy famoso, al menos a mi entender.

‘Última noche en el Soho’ nos pinta un ambiente empalagoso e irrespetuoso para las mujeres, lleno de sobones y mirones. Es una obra claramente alineada con movimientos como el #MeToo y enarbola sus argumentos de un modo inteligente y elegante. Varias de las secuencias os dejarán con la boca abierta y no me refiero solo al climax en el que se produce el gran giro de guión, también a momentos en los que las protagonistas se zambullen juntas en todo ese ambiente que he descrito y en el que la cámara se mueve de una manera magistral. El atractivo visual de esta película es indiscutible.

Casualidades del destino ‘Última noche en el Soho’ supone como última película una despedida para la actriz Diana Rigg. Una artista a la que últimamente se le ha conocido más por su papel como Olenna Tyrell en ‘Juego de Tronos’. También está dedicada a Margaret Nolan y se da con ello otra casualidad o costumbre del director, fichar a talentos que han trabajado en la franquicia de 007. Sus papeles no son episódicos y tienen momentos clave. Pero las protagonistas son Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie que demuestran una conexión brillante, una compenetración que han de ejecutar de un modo peculiar, pero que hace que eso las haga sobresalir aún más.

El filme rememora a otros éxitos, también de los 60, como ‘Repulsión’, de Polanski, una vez más Wright haciendo uso de buen gusto. El director realiza una brillante obra con mucho peso psicológico pero no puede esconder su vena british y musical, tampoco que es un fan del terror e incluso introducir unas migajas de su humor. En esta, su primera película con protagonista femenina sigue los pasos del fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta empleando el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia, pero no de manera gratuita, sino con acertada intencionalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2021. Título original: Last night in Soho. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Guion: Krysty Wilson-Cairns, Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Anya Taylor-Joy, Thomasin McKenzie, Matt Smith, Terence Stamp, Diana Rigg, Rita Tushingham- Producción: Complete Fiction, Film4, Focus Features International, Perfect World Pictures, Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: thriller, terror. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/last-night-in-soho

Crítica: ‘Un fallo en Matrix’

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¿Y si vivimos en una simulación y el mundo tal y como lo conocemos no es real? ¿Somos realmente dueños de nuestros comportamientos o meros personajes de alguien que nos vigila y tiene la capacidad de manipularnos?

Crítica

Nos hace navegar por dudas existencialistas y nos regala los dislates de Philip K. Dick

Con ‘Matrix’ y Philip K. Dick como referentes y punto de partida ‘Un fallo en matrix’ indaga acerca de si es posible considerar nuestra vida como parte de una simulación. Juguetea con la idea o pregunta a quienes lanzan hipótesis al respecto, tales como ¿estamos a merced de una civilización más avanzada?

Realmente puede parecer oportunista este documental ahora que se acerca la cuarta entrega de ‘The Matrix’ pero las alusiones tanto literarias como audiovisuales son muchas más. El material de las Wachowski es buen referente, pero todo parte de las palabras del autor de ‘Blade runner’. Aunque suenan a desvaríos o sinsentidos, si eres fan de la ciencia ficción apreciarás todas las teorías que ofreció Philip K. Dick en una charla y que aquí se muestran. Sin duda vais a buscar el “2-3-74” y las visiones anotadas en el ‘Exégesis’.

¿Nuestra civilización ha sido reseteada y probada con variaciones? ¿Están nuestras ideas inducidas y nuestro libre albedrío es una ilusión? ¿Somos NPC’s en el juego o el pasatiempo de alguien que está en otro plano de existencia? ¿Tenemos recuerdos erróneos en común como si nuestra mente estuviese conectada al mismo servidor? ¿Es el Efecto Mandela un fallo en Matrix? ¿Es la religión o la teoría de la simulación una excusa para buscar solución a nuestros problemas? El documental nos invita a reflexionar sobre todo esto y a buscar los bugs de nuestra realidad.

Plantea dudas existencialistas, analizando por encima desde cuándo viene inquietando esta idea del mundo falso o de existencia consciente hasta la perspectiva que nos han dado las tecnologías de la información y su capacidad de crear inteligencias artificiales o mundos como el de ‘Los Sims’, ‘Second life’ o ‘Minecraft’.

Me habría enterado mejor de la película si los subtítulos no hubiesen sido semitransparentes o blancos sobre fondo blanco cuando la pudimos ver en el último festival de Sitges. ¿Mi reflexión? Vivamos en un sueño profundo o en un mundo real tenemos la sensación de existir, sentir y morir, por lo tanto, disfrutemos de las variables que tenemos por delante.

Un trabajo de Rodney Ascher que además de no ponerse trabas o tabúes resulta exhaustivo. Me empuja a buscar otros documentales suyos, como el afamado ‘237’ en el cual interpreta el terror de Stanley Kubrick en ‘El resplandor’.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2021. Título original: A glitch in the Matrix. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Rodney Ascher. Guion: Rodney Ascher. Música: Jonathan Snipes. Fotografía: George Feucht. Reparto principal: Nick Bostrom, Joshua Cooke, Erik Davis, Philip K. Dick, Paul Gude, Alex LeVine. Producción: Campfire, Valparaiso Pictures. Distribución: Movistar+. Género: documental, ciencia ficción. Web oficial: https://www.facebook.com/glitchmatrixdoc

Crítica: ‘El poder del perro’

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Phil Burbank es un hacendado carismático que despierta temor y admiración en cuantos le rodean. Cuando su hermano vuelve a casa con una nueva esposa y el hijo de ésta, Phil se dedica a atormentarlos… hasta que la posibilidad de enamorarse se cierne sobre él.

Crítica

Campion pone sutilmente el western patas arriba

‘El poder del perro’ es una película ambientada en uno de los territorios más inhóspitos y salvajes de los Estados Unidos, Montana. En una época en la que los cuatreros, las diligencias, los tiroteos… comenzaban a extinguirse ante la aparición de los coches y las costumbres de higiene personal. El filme de Jane Campion refleja esos tiempos que olían a cambio de era, y aprovecha para revisionar un género a veces tan inamovible como el western.

John Wayne es uno de los grandes mitos varoniles del cine del oeste, el cual hizo muchas películas junto a John Ford. Pero contradiciendo esa legendaria y masculina relación siempre ha estado el tema de la homosexualidad. Lo que hace Campion es parecido y pone sutilmente patas arriba el western. Al fin y al cabo nos dice muchas veces que esto va sobre aquellos que ven las cosas de otra manera. ‘El poder del perro’ es una obra para leer entre líneas, dejando mucho a la libre interpretación o la imaginación.

Basándose en la novela de Thomas Savage nos narra la relación entre un áspero vaquero (de los que realmente trabajaban con vacas) y un joven amanerado, que se encuentra fuera de lugar viviendo en salvajes praderas. Junto a ellos están el civilizado hermano del cowboy y la compungida madre del chico. Ellos son Benedict Cumberbatch, Kodi Smit-McPhee, Jesse Plemons y Kirsten Dunst respectivamente. Un cuarteto en el que se gestan tensiones, respetos, rencores, secretos y muchísima represión. Represión aplicada a uno mismo y a los demás, de tal manera que no solo se desarrolla una trama sobre la homosexualidad, también sobre la sinceridad o la complicidad.

Cabe destacar entre todos a Cumberbatch (para variar) quien elimina su acento para amoldarlo al de un hombre sometido a las leyes de la supervivencia y las apariencias. Y también a una Kirsten Dunst casi irreconocible, que contiene un drama dentro de ella de tal manera que acongoja.

Decía que es una película sobre aquellos que miran diferente. Mención aparte a Ari Wegner (fotografía) quien en lugares solitarios y desolados extrae instantes apabullantes. Convierte muchos paisajes de Nueva Zelanda en Montana. Dese luego esta es una película para disfrutar en alta calidad y por supuesto en una pantalla que aproveche bien el formato panorámico.

‘El poder del perro’ no es un filme tipo ‘Call me by your name’, por mucho que siga códigos y tiempos similares. Tampoco es un ‘Brokeback mountain’ pues oculta mucho más sus intenciones. Sigue la temática de esas películas, pero la hila con personajes envenenados y a la vez tentados. Con leves gestos, que cada vez se hacen más evidentes, nos plasma un texto que nos hace mirar ciertos conceptos clásicos desde otro punto de vista.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre (1 de diciembre Netflix) Título original: The Power of the Dog. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Jane Campion. Guion: Jane Campion. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Ari Wegner. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee. Producción: See-Saw Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, Max Films International, Cross City Films. Distribución: Netflix. Género: drama, western. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Spencer’

Sinopsis

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Un deslumbrante e inspirador retrato de la princesa Diana. Lo que debería ser un maravilloso respiro navideño con sus hijos en la finca de Sandringham se convierte, en cambio, en una sucesión de obligaciones no deseadas. Mientras tanto, el Príncipe Carlos de Inglaterra está retozando abiertamente con Camilla Parker-Bowles, lo que obliga a Diana a interpretar el papel implacable de la amada y fiel esposa delante de los paparazzi que siguen cada uno de sus movimientos. ¿Aceptará su posición o se revelará y por fin vivirá su vida tal y como desea?

Pablo Larraín vuelve a poner el foco en una mujer icónica. Una a quien millones de personas admiraban, pero pocos conocían; el icono, la leyenda y la mujer: Diana.

Crítica

El “Keep calm and carry on” británico llevado al extremo

Reconozco que antes de ver ‘Spencer’ tenía muchas reticencias. No suelo encajar con las películas dirigidas por Larraín y nunca me ha convencido Kristen Stewart. Y más extraño me parecía ver en este proyecto a Steven Knight, que nos suele traer historias con más acción. Pues sigo sin entender por qué le dan papeles de tanto peso a Stewart. Aunque está muy bien el peinado y el vestuario que le han puesto ella no deja de mostrarse como la inexpresiva actriz de siempre. En esta ocasión repitiendo una vez tras otra posturitas de Lady Di y vomitando literalmente las frases sin transmitirnos nada.

Estrenar esto ahora es quedarse a la sombra de ‘The Crown’. Y podéis decir, bueno, es que eso es una serie y tienen espacio para desarrollar al personaje. Pero Larraín dedica toda una película a que Diana de Gales sea la protagonista en exclusiva y no logra ni causarnos interés, ni sorprendernos, ni innovar… con ‘Jackie’ lo hizo mejor. Eso sí, es una película que a su manera indirecta carga y va a incomodar a la realeza británica.

Este no es un filme sobre Diana de Gales, es sobre la locura de Lady Di. Derrumbe que vino por las presiones a la que se veía sometida y por las libertades que no tenía. Su intención es recrear el fin de semana que hizo que se produjese la consabida separación pero ‘Spencer’ solo acierta en reflejar como a Diana Frances Soencer le planificaban la vida, la desaprobaban o el cómo ella también les desafiaba. Y alimenta las sospechas y conspiraciones contra ella, es una de las razones por las que compro la comparativa con Ana Bolena. El poco interés en su salud y los evidentes escarceos de su esposo están más en segundo plano sin dejar de ser importantes. Y de ahí no sacas al filme. Está inmerso en un bucle tras otro repitiéndose sin giros más allá de los que da Diana por los corredores de Sandringham.

Aguanta Diana, aguanta espectador… El “Keep calm and carry on” británico se lleva aquí al extremo, pidiéndonos paciencia, pero sin premio. Saca de quicio la poca sangre que tienen los personajes. Ni pasión ni nervio. Ni siquiera Diana alza la voz, quizá machacada por años y años enjaulada en la encorsetada rutina palaciega. El ritmo del filme es altamente espeso. Lo único que te mantiene a la expectativa es el esperar a ver si explota de alguna manera. Pero ni el guión ni el inexistente talento de la protagonista lo permiten. Solo al final se produce un punto de inflexión pero está muy mal justificado y gestionado.

Ambiente cálido pero clima frío. Los tonos del filme son suaves, acogedores e incluso un poco más de foco se habría agradecido. Y frío es como te deja con la música de Jonny Greenwood. Una suerte de jazz improvisado que solo funciona en los momentos en los que la Princesa de Gales está más desquiciada, que son pocos y faltos de intensidad. Mal por el habitual de Paul Thomas Anderson o por quien ha montado sus temas.

‘Spencer’ es un desafío continuo. A las normas de la corona británica y a nuestra paciencia. A mí me ha perdido al ver lo marcados que estaban los gestos de Kirsten Stewart. Si el 90% de las tomas son con ella en el encuadre por lo menos tendría que haberse parecido más sin caer tanto en lo exagerado.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2021. Título original: Spencer. Duración: 111 min. País: Chile. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Steven Knight. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Claire Mathon. Reparto principal: Kristen Stewart, Jack Farthing, Timothy Spall, Sally Hawkins, Sean Harris, Richard Sammel, Amy Manson, Ryan Wichert, Michael Epp. Producción: Fabula, Komplizen Film, Shoebox Films, Filmnation Entertainment. Distribución: Diamond films. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://neonrated.com/films/spencer

Crítica: ‘Way down’

Sinopsis

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El Banco de España es completamente distinto a cualquier otra entidad financiera. Un banco absolutamente inexpugnable. Un banco que nadie ha podido robar, del que no hay planos, no hay datos, ni hay nadie vivo que sepa qué ingeniería faraónica se utilizó hace más de cien años para construir su cámara acorazada. Un auténtico misterio…

Pero ni las leyes de Estado ni las leyes de la física asustan a Thom Johnson (Freddie Highmore), el brillante y joven ingeniero reclutado para averiguar cómo quebrar el secreto para acceder a su interior.

El objetivo es un pequeño tesoro que va a estar depositado en el banco solo diez días. Diez días para descubrir el secreto de la caja, diez días para urdir un plan, diez días para preparar el asalto, diez días para aprovecharse de un plan de fuga irrepetible, cuando la esperada final del Mundial de Fútbol de Sudáfrica reúna a cientos de miles de aficionados a las puertas del mismísimo Banco de España… Diez días para alcanzar la gloria… o para acabar en prisión.

Crítica

No inventa nada nuevo pero robará vuestro interés

Cuando uno habla de Jaume Balagueró enseguida piensa en terror. Películas como ‘Los sin nombre’, ‘Darkness’ y por supuesto ‘[REC]’ le colocaron en lo más alto del género en España y exportaron su nombre más allá de nuestras fronteras. Pero bien es cierto que es raro verle alejado de las historias de terror, aunque una de sus mejores obras, ‘Mientras duermes’ es un drama intenso termina siendo algo terrorífico y estremecedor. Casi por primera vez, si olvidamos el documental sobre los triunfitos, el director se embarca en un thriller.

Una película de suspense y acción que tiene sabor hollywoodiense. No es solo por su reparto internacional, sino porque está muy bien rodada al estilo norteamericano. Los planos, el sentido del espectáculo, el ritmo, la música, la puesta en escena… En ese sentido la factura de ‘Way down’ no tiene nada que envidiar a películas como ‘La trampa’, ‘The italian job’ u ‘Ocean’s eleven’.

‘Way down’ es un filme que nos cuenta como unos cazatesoros intentan recuperar lo que creen que es suyo. Encuentran un tesoro en aguas españolas que les es requisado por las autoridades y piensan recuperarlo a toda costa. El problema es que ese descubrimiento queda bajo la custodia del infranqueable Banco de España. Más de ochenta años lleva sin ser violada la seguridad de este edificio, protegido al máximo y con un mecanismo acuático que podría ser fatal hasta para ladrones como el mismísimo Arsene Lupin. De ahí que en países angloparlantes se haya presentado con otro título en inglés, ‘The vault (La bóveda)’, haciendo alusión a la famosa cámara subterránea del céntrico edificio madrileño.

En poco tiempo varias han sido las ficciones que simulan un atraco a esta entidad. Es casi inevitable que esta película acabe siendo comparada con ‘La casa de papel’. Pero es también muy cierto que la verosimilitud o por lo menos la fidelidad de escenarios está mucho mejor lograda en ‘Way down’. Se emplean muy correctamente localizaciones de Madrid, contando por supuesto con sus calles más céntricas. Es muy reconocible el interior del Instituto Cervantes que por razones obvias ha tenido que servir para imaginarnos las entrañas del Banco de España.

Eliminamos por supuesto toda la parafernalia de nombres en clave, máscaras, metralletas… Este es un robo más sutil que no va tan a saco. Pero la verdad es que ciertos símiles con la serie de Netflix tiene. Personajes variados, un agente de la ley que les olfatea como un perro rabioso, discrepancias entre los miembros del equipo y un cerebro que saca el plan adelante. Al fin y al cabo son elementos comunes en las películas de ladrones.

‘Way down’ nos habla de pasiones. Pasión por los retos, pasión por el dinero, pasión por el subidón de adrenalina, pasión por la roja… Balagueró no duda nunca en lanzar sus dardos y mientras el pueblo disfruta de su opio mundialista él se cuela por debajo para robarnos. En unos tiempos en los que las tecnologías se antojan como la herramienta para solucionar cualquiera de nuestros problemas él y todo el equipo de guionistas de la película abogan por el ingenio y las sencillas ideas que hacen eficientes el resto de factores. “Las grandes cosas surgen de las pequeñas”, como dicen los propios personajes en latín.

Para mi este es el buen Balagueró. La historia es de lo más convencional y se resuelve también de un modo que no deja de ser un cliché. Pero el ritmo y la ambientación hacen de ‘Way down’ algo disfrutable. Eso y el reparto en el que nos encontramos como protagonistas a un Freddie Highmore del cual ya sabíamos que habla español, pero aquí, para sorpresa de muchos y de los propios personajes de la película demuestra tener mejor castellano que actores con raíces españolas, como Jean Reno. Junto a él Liam Cunningham, nuestro Davos, ejerciendo de nuevo de marinero buscavidas. Y actores españoles como Astrid Bergès-Frisbey, Luis Tosar, José Coronado o Emilio Gutiérrez Caba que cierran un gran reparto.

A muchos directores les cuesta salir de cierto tipo de cine en el que se ven cómodos, pero Balagueró ha demostrado saber capitanear cualquier tipo de barco y además en la marea que se le ponga por delante.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: Way down. Duración: 118 min. País: España. Dirección: Jaume Balagueró. Guion: Rowan Athale, Michel Gaztambide, Andrés Koppel, Rafa Martínez, Borja Glez. Santaolalla. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: Freddie Highmore, Astrid Bergès-Frisbey, José Coronado, Liam Cunningham, Luis Tosar, Famke Janssen, Sam Riley, Emilio Gutiérrez Caba, Axel Stein, Hunter Tremayne, Julius Cotter, James Giblin, Craig Stevenson, Daniel Holguín. Producción: Telecinco Cinema, Think Studio, Mediaset España, Movistar+. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.telecinco.es/t5cinema/way-down/12712/

‘Pau Gasol. Lo importante es el viaje’. Todo un acto de despedida

Repaso a la carrera pero sobre todo a la retirada de Pau Gasol

Amazon Prime Video continúa con su apuesta por dejar registrado el legado del deporte español en forma de documentales. Seguro que pronto sacan una colección en formato físico con todos los títulos estrenados pues están haciendo un repaso inigualable a todas nuestras leyendas. En concreto hoy toca hablar de baloncesto y esto tras haber tocado la revolución de ‘La Familia’. Pau Gasol es el objeto de estudio y repaso en ‘Pau Gasol. Lo importante es el viaje’.

Cuando un deportista alcanza tal grado de éxito que cualquier aficionado reconoce su valía es cuando hablamos de una leyenda. Cuando el alcance de un deportista traspasa la cancha los colores para los que juega dejan de tener importancia y se tasa su valor en la cantidad de veces que nos ha dejado boquiabiertos. Es muy difícil creer que un deportista que ha ganado tantos títulos y roto tantas barreras o récords prime la experiencia a los logros. Pero viendo este documental uno siente envidia sana y comprende que Gasol ha vivido una vida la mar de enriquecedora, más allá de las metas alcanzadas. Su éxito queda constatado por la adrenalina, la que ha segregado sobre el parqué y la que nos ha hecho producir como espectadores.

Oriol Bosch, quien ya documentó la carrera de otro culé ilustre como Iniesta en ‘Andrés Iniesta: El héroe inesperado’, es el responsable de organizar todos los recuerdos y momentos del ala-pivot. Desde sus inicios, pasando por sus primeros títulos o el palo de la muerte de Kobe Bryant, hasta su reciente retirada. El documental sigue los pasos y zancadas de este gran baloncestista, pero los cuatro episodios de unos cuarenta minutos que se estrenan el 12 de noviembre en Prime Video se centran en buena parte a su tiempo fuera de las canchas, el que pasó lesionado y el que va a pasar tras la difícil decisión de colgar las botas.

Bien es sabido que hay muchas cosas sobre las lesiones, la recuperación o el dolor de perderse un campeonato que nos podemos imaginar. Pero como suele decirse “ver es creer” y ‘Pau Gasol. Lo importante es el viaje’ ofrece otra dimensión. Era obvio que se iba a contar con familiares, compañeros, periodistas, médicos… para hablar sobre su físico, mente, imagen pública… Pero estoy seguro que vais a ver una imagen muy diferente de lo que pensáis que es una estrella de la NBA. Podríamos decir que este es un documental a puertas abiertas. Pau Gasol no se guarda nada y se abre ante la cámara desde su intimidad, siendo analítico y sincero, sobre todo consigo mismo.

Podríamos pensar que este es un reportaje que pugna por mantener a flote la figura de un Gasol recién retirado, con vistas a sus futuras ocupaciones, puro marketing a cerca de la imagen de marca que ya es el propio Pau Gasol en sí mismo, como lo llegó a ser Jordan o como lo es actualmente LeBron, con sus respectivos logotipos incluidos. Pero es que su huella merece una despedida como esta, que explique ampliamente por qué es mundialmente conocido y por qué su retirada llega precisamente ahora.

Queda claro que más allá de los logros prima la experiencia vivida, el gran número de subidones aportados por este gran jugador. También queda constancia de que Gasol ha hecho amigos, así como que vive con una esposa que se tiene el cielo ganado.

Crítica: ‘Cuidado con lo que deseas’

Sinopsis

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Miguel (Dani Rovira) y Tamara (Cecilia Suarez) deciden pasar las navidades, con sus hijos pequeños, en una cabaña en la montaña.

El abuelo Benigno (José Sacristán), dotado de poderes mágicos, finalmente no los puede acompañar, pero los niños le roban su bola mágica que concede deseos a quienes la poseen. Con sus deseos y la ayuda de la bola, los niños sin querer dan vida a unos muñecos de nieve, sembrando el caos en lo que iban a ser unas apacibles vacaciones familiares.

Crítica

Un cuento navideño que mezcla ‘La zarpa del mono’ con ‘Solo en casa’

A sus 75 años Fernando Colomo ni para ni pierde su sentido del humor. Es un cineasta que siempre se muestra pillo y algo picarón y en esta ocasión con ‘Cuidado con lo que deseas’ saca su lado más pueril pues nos plantea una sencilla comedia familiar. Con un toque bastante infantil narra un cuento navideño lleno de magia, ambientado en la actualidad.

Dani Rovira y Cecilia Suárez son dos padres modernos que tienen que lidiar con su “parejita”. Un hijo y una hija respondones interpretados por Eros Herrero (Oliver) y Patricia Franch (Luna). Él es un padre torpe y ninguneado. Ella una madre adherida al móvil y bastante transigente. Ambos se desautorizan entre ellos constantemente y juegan al poli bueno y poli malo. Es una madre tan concesiva y un padre tan desacreditado que los niños no reconocen autoridad ninguna. Es ponerle una alfombra roja a las trastadas y la desobediencia.

Y frente a este caótico y desestructurado plantel se sitúa el abuelo, un mago bastante desordenado que cuando visita a la familia hace las veces de Mary Poppins. Es la fuga que tienen los niños ante una cotidianidad llena de discusiones y normas. José Sacristán es ese abuelo pirata que además nos hace las veces de narrador. Se me ocurren muy pocos con tan buena voz, don de palabra y dicción.

El humor de ‘Cuidado con lo que deseas’ reside en las pillerías (de los niños y del abuelo) y de cómo sacan de quicio a quienes les rodean. Pero sobre todo en su mayor trastada, robar una bola mágica que concede deseos. Colomo y los guionistas David Marqués y Mireia Llinàs llevan al plano infantil una historia tipo ‘La zarpa del mono’. Los deseos se tornan en contra de los que los piden y la cosa se convierte en ‘Solo en casa’. En el buen sentido hay que decir que vaya tres patas para un banco que se han juntado para concebir este filme. Porque es una película para niños y la factura es sencilla o inocentona, que sino la cosa se podría haber desmadrado de un modo más salvaje. Pongo la mano en el fuego y afirmo que se les habrán pasado por la cabeza otras muchas ideas, porque con Colomo en el fondo nada es inocentón. No obstante se nos cruzan detalles adultos como los personajes de Rappel, Esteso y Guillermo Montesinos. Y el cameo habitual de Colomo, que siempre le gusta juguetear ante la cámara.

Surgiendo todo de un cuento de David Marqués era de suponer que la historia tendría moraleja además de comedia. Tal y como nos adelanta el título se nos aconseja poner en cuarentena, sopesar, lo que pensamos que queremos antes de desearlo. Hay que pagar el precio de las trastadas. Pero también queda ahí el mensaje para los padres que acompañen a sus hijos e hijas a ver esta película. Nos animan a no vivir cohibidos y aburridos por miedos o normas y también a saber desconectar del trabajo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: Cuidado con lo que deseas. Duración: 81 min. País: España. Dirección: Fernando Colomo. Guion: Mireia Llinàs, David Marqués. Música: Fernando Furones. Fotografía: Guillermo Navajo. Reparto principal: Dani Rovira, Cecilia Suárez, José Sacristán, Fernando Esteso, Willy Montesinos, Vicente Romero, Sonsoles Benedicto. Producción: Morena Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, fantastico. Web oficial: https://morenafilms.com/noticias/cuidado-con-lo-que-deseas-adelanta-su-fecha-de-estreno-al-12-de-noviembre/

Crítica: ‘Alerta Roja’

Sinopsis

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Cuando la Interpol envía una “Alerta roja” (el mayor nivel de alerta posible emitido para que los cuerpos de Policía de todo el mundo capturen a los criminales más buscados), uno de los mejores agentes del FBI, John Hartley (Dwayne Johnson), es asignado al caso. Esta persecución global lo sitúa en medio de un audaz atraco en el que se ve obligado a asociarse con el mayor ladrón de arte del mundo, Nolan Booth (Ryan Reynolds), para atrapar a la ladrona de arte más buscada del mundo (Gal Gadot). La aventura de altos vuelos llevará a este trío por todo el mundo, a través de una pista de baile, atrapados en una prisión aislada, o a través de la selva, y, para su desgracia, constantemente en compañía del otro. Al elenco de estrellas se unen Ritu Arya y Chris Diamantopolous.

Crítica

Acción y muchos giros, una cara aventura que va al estante junto a ‘La búsqueda’ o ‘Fast & Furious’

Rawson Marshall Thurber dirige y escribe ‘Alerta roja’ una película de Netflix que reúne a tres de los actores de acción más populares del momento. Trabaja por tercera vez con Dwayne Johnson y suma a su elenco a Gal Gadot y Ryan Reynolds. Esto ha hecho que esta sea la película más cara que Netflix ha llevado a cabo hasta la fecha. Normal que se llame ‘Alerta roja’, porque si no sale bien la producción el batacazo será de aúpa.

Pero dudo que esta segunda película de Reynolds con Netflix, tras ‘6 underground’, fracase. Como se dice vulgarmente solo con los nombres de los tres protagonistas por huevos va a hacer taquilla. E indiferentemente del boca a boca o su puesto en la parrilla del primer fin de semana estoy seguro de que posteriormente van a dispararse las visitas en la plataforma. Los tres han interpretado anteriormente a algún personaje de DC Comics pero no ha sido Warner quien les ha reunido, aunque me encantaría ver una película de Wonder Woman y Green Lantern contra Black Adam. Ha sido Netflix quien les ha agrupado en una historia que tiene poco de heroica. Porque lo que nos cuenta ‘Alerta roja’ es el cómo se intenta salvar la situación, pero también cómo cada uno tiene sus propios intereses.

Unos inventados huevos regalaros por Marco Antonio a Cleopatra son el codiciado objeto que todos ansían. Esta es una película de robos y persecuciones, de múltiples localizaciones. Los protagonistas interpretan roles casi arquetípicos. El cachas, el hábil, la seductora… Reynolds ejecuta una vez más el rol de bromista irresponsable, demostrando una vez más estar una época que amenaza con dejarle encasillado. Dwayne Johnson regresa por enésima vez a un personaje de acción cargado de sentido del honor. Gal Gadot es la que se sale más de lo acostumbrado, mostrando una faceta más divertida y… bueno, no quiero caer en spoilers. Sin que tenga que ver con el carácter y desenlace de su personaje si puedo decir que tira mucho de doble de acción.

Carreras, tiroteos, peleas sin sangre y muertes manejadas para que sea apta para casi todos los públicos. Si existiesen tantos videoclubs como antes esta película acabaría en la misma sección que ‘La búsqueda’ o ‘Indiana Jones’. Nos lleva a lo largo de todo el mundo al estilo ‘Dónde se esconde Carmen Sandiego’ o el anime ‘Lupin III’. Al margen de las nóminas de sus estrellas, esa variedad de escenarios con bastantes efectos digitales seguro que ha incrementado el coste de la producción. Lugares donde se llevan a cabo planeados robos que terminan desembocando en una acción muy fantasiosa, rozando otra saga que han tocado los tres protagonistas, ‘Fast & Furious’. Su resolución y su giro final terminan siendo tan disparatadas que definitivamente ‘Alerta roja’ está a la altura de ‘La búsqueda’. Y la película es consciente de ello como demuestra burlescamente en más de una ocasión Reynolds. Defendiendo como pocas veces a Nicolas Cage, no habría hecho falta gastarse tanto dinero para conseguir algo parecido.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de noviembre (12 de noviembre Netflix). Título original: Red notice. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Rawson Marshall Thurber. Guion: Rawson Marshall Thurber. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Markus Förderer. Reparto principal: Dawyne Johnson, Gal Gadot, Ryan Reynolds, Ritu Arya, Chris Diamantopolous. Producción: Bad Version, Flynn Picture Company, Legendary Entertainment, Netflix, Seven Bucks Productions. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Santos criminales’

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El joven Anthony Soprano crece en una de las épocas más tumultuosas de la historia de Newark, convirtiéndose en un hombre justo cuando los gánsteres rivales empiezan a alzarse y a desafiar el dominio de la todopoderosa familia criminal DiMeo sobre la ciudad, cada vez más desgarrada por las razas. El tío al que idolatra, Dickie Moltisanti, que lucha por gestionar sus responsabilidades profesionales y personales, y cuya influencia sobre su sobrino ayudará a convertir al impresionable adolescente en el todopoderoso jefe de la mafia que más tarde conoceremos, se ve atrapado en estos tiempos cambiantes: Tony Soprano.

Crítica

Un homenaje coherente que nos da ganas de retomar la serie

¿Cómo se creó el mito de Tony Soprano? Es una pregunta que a mi entender queda respondida con las seis temporadas de ‘Los Soprano’. La serie que nos dejó con aquel final interrumpido que hizo correr ríos de tinta crece ligeramente con esta nueva película, aunque no alcanza la excelencia de aquella producción mítica de HBO y no nos da datos sobre ese cierre.

Explicaciones. ‘Santos criminales’ nos da muchísimas explicaciones y cimientos. En este filme de Alan Taylor, que ya trabajó con ‘Los Soprano’ en 2006 y 2007, conocemos la versión joven de muchos de los legendarios mafiosos televisivos que hicieron de esta serie una de las más reputadas de la historia. Aquellos que aportaron su granito de arena para configurar la personalidad de Tony Soprano, los que realizaron actos que en el futuro fueron modélicos para el personaje. Esta no es una película de cómo el personaje que interpretó James Gandolfini llegó a ser jefe de los DiMeo, es el origen del cambio en un chiquillo otrora inocente, la apertura de ojos de aquel que se ha criado entre capos.

No debe haber sido difícil hilar un pasado para Tony con todo lo contado ya en la televisión, no obstante, el trabajo es sutil y agradecidamente coherente. Estas son las primeras “trastadas” de Anthony y su proceso de asimilación de la violencia, su transición a una vida dictada por sus propias normas. Esbozar el germen del personaje en una sola película con todo lo cosechado en la serie se antoja difícil. La película solo roza la complejidad del personaje, por no tener un guión tan elaborado y por dedicar casi todo su metraje al clima en que creció. Eso sí, aquellos que se quejaban de que ‘Los Soprano’ era una serie lenta no podrán objetar lo mismo de ‘Santos criminales’.

Retrocedemos a finales de los sesenta. La historia está narrada con una voz en off que aparece muy de guindas a brevas. Christopher Moltisanti, de nuevo interpretado por Michael Imperioli es quien nos cuenta en retrospectiva cómo eran aquellos días. Un personaje muerto en la serie, asesinado por su tío político Tony. Una historia contada por un muerto, un toque poético y fatídico que está a la altura. Lo que se hace con la “resurrección” de Moltisanti es completar un ciclo, explicar evocadoramente uno de los sucesos más importantes de ‘Los Soprano’ cuando el muerto aún ni había nacido. El joven mafioso murió a manos de su tío tras varios desencuentros y decepciones mutuas. Ambos mantenían una relación de amor odio, de mentor frustrado y aprendiz errado. En la película nos cuentan como Anthony Soprano crece siguiendo los pasos de su tío político, el padre de Christopher, Dickie Moltisanti (Alessandro Nivola). Dickie es realmente el protagonista de la película y se cierra así un círculo de adoración y decepciones mutuas, lo cual es un elegante detalle para la audiencia de ‘Los Soprano’.

Con la tumba de Moltisanti presente desde el principio volvemos a ese mundo de traiciones, viejas costumbres, fajos de billetes, rabia, palizas, tejemanejes, pasta y estupideces. La serie tenía las sutilezas de ‘El padrino’ y la violencia explosiva de ‘Scarface’. Con el filme sabemos por qué Tony pudo ser ese tipo tan retorcido. Heredó el pronto de su padre, la indecisión de su tío, es espejo de su pasado. La película coge un poco de esto y de aquello hace un buen homenaje, con bastante sentido. Un podría dar sus primeros pasos en la familia Soprano con este filme, aunque siempre recomendaré empezar con el estupendo piloto de la serie.

‘Santos criminales’ está repleta de detalles que rescatan momentos y personajes de todas las temporadas. Como película funciona pero es un obsequio para los auténticos fans o para aquellos que tienen la serie fresca, como sucedió con ‘Breaking bad’ y ‘El camino’. Quizá por eso algunos de los mafiosos están interpretados de un modo casi paródico. Solo así reconocemos a la familia de Tony compuesta por elementos como el tocanarices de Junior Soprano (Corey Stoll), el mítico e incontrolable Paulie Walnuts (un cambiadísimo Billy Magnussen), el siempre repeinado Silvio Dante (John Magaro) o la esposa de carácter singular Carmela Soprano (Lauren DiMario), aunque esta última aparece de pasada.

Cosas de antes y de ahora. Las mujeres siguen siendo un punto importante por mucho que lo que aquí se retrate sea un modelo arcaico de familia falocentrista. Ahí está la siempre presente madre de Tony, esta vez muy bien interpretada por Vera Farmiga. Más allá de querer criticar ese tipo de trato a la figura de la mujer en este tipo de clanes la película introduce otros temas actuales, como puede ser el Black lives matter.

Quizá el mayor homenaje de ‘Santos criminales’ sea el de haber contado con Michael Gandolfini para interpretar el papel que llevó a la cumbre a su padre. No aparece de repente en la escena interpretativa, ha hecho algunos papeles y tampoco está excesivamente presente en el filme, hasta la mitad no hace aparición y nunca es realmente el foco. M. Galdolfini no actúa como su padre pero los gestos los clava y hay que reconocer que el parecido tan grande ayuda. Creo que no me equivoco si digo que nadie esperaba volver a ver al genuino Tony Soprano, ya no solo por talento, sino porque lo que aquí se trata es de una etapa más temprana de ese líder juguetón y temperamental.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de noviembre de 2021. Título original: The many saints of Newark. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Alan Taylor. Guion: David Chase, Lawrence Konner. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Alessandro Nivola, Leslie Odom Jr., Jon Bernthal, Corey Stoll, Michael Gandolfini, Billy Magnussen, Michela De Rossi, John Magaro, Ray Liotta, Vera Farmiga. Producción: New Line Cinema, Warner Bros., Chase Films, HBO Max. Distribución: Warner Bros. Género: drama, precuela. Web oficial: https://www.themanysaintsofnewarkmovie.com/

Crítica: ‘Tres’

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Una diseñadora de sonido disfruta con su trabajo. Pasa muchas horas sola, grabando efectos sala, wild-tracks, editando, mezclando. El estudio es su último refugio: un lugar donde postergar las averiadas relaciones que mantiene con su expareja, con su anciana madre y con sus compañeros de trabajo. Aunque ella aún no lo sabe, C. está comenzando a desincronizarse. Como si fuera una película mal sonorizada, su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes.

De repente está curada, pero ya no es la misma. Su odisea sensorial la ha hecho madurar. Ahora dispone de una segunda oportunidad. Está en sus manos no dejarla escapar.

Crítica

Educa indirectamente al espectador

‘Tres’ es de esas propuestas que te sorprenden pues te esperas un sencillo drama y te encuentras con algo más. Un filme fantástico dentro de lo que me gusta llamar “ciencia ficción sentimental”. Su toque ficticio se utiliza para desarrollar el plano psicológico de la protagonista. Y aunque no tenemos espectacularidad si efectos especiales, aunque estos no se vean están ahí, porque son de sonido.

El director Juanjo Giménez acierta desde el principio arrancando la película con los retoques de una escena que va incorporando poco a poco el sonido, mostrando la consola de trabajo de la protagonista… De ese modo consigue que el espectador ponga su atención en lo que oye, algo que va a ser importante durante todo el visionado. Además así se hace un poco de justicia pues aquellos que se dedican a mezclar o editar lo que oímos en las películas permanecen siempre en el olvido, educa indirectamente al espectador.

Marta Nieto interpreta a una técnica de sonido que lleva tiempo acumulando errores, que no se encuentra bien por alguna razón. Su problema se acrecienta por una aberración sonora en la realidad. Comienza a recibir los sonidos más tarde, un tiempo después de ser emitidos, como nos sucede al escuchar el trueno fruto del rayo que acabamos de ver. Esto además afecta a su vida profesional pues se dedica a retocar el sonido de anuncios o películas. Ahora que está tan de moda hablar del bienestar emocional podemos decir que ‘Tres’ no puede llegar en mejor momento. El filme plantea un reto a Marta Nieto que tiene que actuar con desfase, como si fuese alguien lento de entendederas, pero muy consciente de lo que le está pasando. Nieto como siempre y en su película más fantasiosa cumple con creces.

‘Tres’ es una película que nos deja también escenas para el recuerdo. No se me va a olvidar el ingenio y la emotividad de la escena que arranca en la cafetería siguiendo los pasos de la voz de Miki Esparbé. Son momentos que refuerzan más mi apelativo de “ciencia ficción sentimental” pues la herramienta para esbozar el plano emotivo de la protagonista proviene de un evento fuera de toda lógica.

Bien es cierto que la película se queda estancada en algún momento y que me ha dado la sensación de haber visto algo similar, me pasa desde que la vi en Sitges y aún no he conseguido recordarlo. Pero no ensucia mi impresión de la película pues el guión además de ofrecer varios momentos que podrían clausurar el filme tiene el tino de ofrecernos una explicación.

A continuación y para terminar, escribo lo que considero que no es un spoiler, simplemente mi interpretación de lo que sucede en la película. Otro acierto del director es el vínculo que crea. Cuando creemos que estamos en paz es cuando sentimos cierta armonía en nuestra vida. Eso es lo que le pasa a la protagonista, que cuando no está en paz con su pasado o no ve claro su futuro se desincroniza con la realidad. El desfase de sonido es una manifestación de la incomodidad que siente la protagonista con su vida. Eso y que, como salimos diciendo muchos tras uno de los pases en Sitges, un buen polvo lo cura todo.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de noviembre de 2021. Título original: Tres. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Juanjo Giménez. Guion: Juanjo Giménez, Pere Altimira. Música: Domas Strupinskas. Fotografía: Javi Arrontes. Reparto principal: Marta Nieto, Miki Esparbé, Fran Lareu, Luisa Merelas, Cris Iglesias, Julius Cotter, Iria Paranda. Producción: Axencia Galega das Industrias Culturais, Canal+, Crea SGR, Frida Nadir, Manny Films. Distribución: Filmax. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/tres.233

Crítica: ‘Más allá de los dos minutos infinitos’

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El dueño de un café descubre que el televisor muestra de repente imágenes del futuro, pero solo dos minutos en el futuro.

Crítica

Un disfrute ingenioso y cómico

El festival de Sitges nos ha descubierto películas impresionantes, sobre todo cuando se gestan con presupuestos modestos. Son títulos como ‘Más allá de los dos minutos infinitos’ los que nos hacen recomendar ferozmente que os acerquéis al cine independiente, indiferentemente de su nacionalidad o género. El ejemplo más manifiesto por calidad y proximidad es el de ‘One cut of the dead’ (crítica aquí). ‘Más allá de los dos minutos infinitos’ no llega a la genialidad de la película de Shinichirô Ueda que además va a tener remake francés, pero nos maravilla de un modo similar con una propuesta ingeniosa.

No es de extrañar que el público del festival catalán le diese un premio a esta película. Un filme de 70 minutos que al igual que la otra obra japonesa que he mencionado nos habla en lenguaje fantástico y cierra su trama en solo 70 minutos. Igual que la película de zombies que incluimos en nuestro artículo de cine sobre hacer cine, se compone a partir de la técnica del plano secuencia. En esta ocasión se supone que es un solo plano, pero se nota en ciertos momentos el artificio para empalmar varios.

Igualmente el trabajo de planificación de esta película es de premio. Es como si gritase, ¡mira Nolan, se puede hacer ciencia ficción rallante en solo hora y diez, con pocas pelas y sin CGI! Y todo esto a través de momentos muy cómicos que hacen que los 70 minutos nos parezcan 20. Y hay que hablar de planificación porque, aunque haya cortes camuflados se juguetea con muchos personajes mezclados en hasta tres pantallas dentro de un solo plano.

La trama nos habla del dueño de una modesta cafetería de Japón que reside sobre su establecimiento. Al subir a su piso y mirar su iMac se encuentra con que allí está él, pero es una imagen de dos minutos en el futuro. Siguiendo sus propias instrucciones baja a su local y mira una pantalla que allí tiene, descubriendo con asombro que también está él, pero dos minutos en el pasado. Empieza ahí el jugueteo, las pruebas y el desconcierto. El término “paradoja” está presente constantemente en la película, pero “posibilidades” es el que manejan más los protagonistas que nos muestran cómo de divertido o fructífero puede ser este extraño fenómeno.

‘Más allá de los dos minutos infinitos’ llega a alcanzar momentos la mar de hilarantes. Es una obra perfectamente coreografiada y sin errores de racord, lo cual no es nada fácil. Un filme trasladable al teatro pues está realizado en solo dos escenarios y no me cabe duda de que tiene tras de sí horas y horas de ensayos. Podría decir que me da pena que no llegue a cines (aunque estará en la Muestra SYFY de este Halloween) pero Movistar+ la va a traer a España y el hecho de tenerla en una plataforma digital nos permitirá repetir su visionado siempre que queramos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de noviembre de 2022. Título original: Droste no hate de bokura (Beyond the infinite two minutes). Duración: 70 min. País: Japón. Dirección: Junta Yamaguchi. Guion: Makoto Ueda. Música: Koji Yamaguchi. Fotografía: Junta Yamaguchi. Reparto principal: Aki Asakura, Riko Fujitani, Gota Ishida, Yoshifumi Sakai, Kazunari Tosa. Producción: Tollywood. Distribución: Movistar+. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.europe-kikaku.com/droste/

Crítica: ‘Érase una vez en Euskadi’

Sinopsis

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Euskadi 1985. El colegio ha terminado, por fin llegan las ansiadas vacaciones. Marcos y sus 3 amigos, José Antonio, Paquito y Toni, reciben expectantes la llegada del verano, un verano prometedor sobre todo porque a sus doce años poco importa dónde, ni cuándo, ni cómo. Recorrerán las horas en el laberinto que la vida les ha deparado, en una Euskadi antigua, luchadora, convulsa. Un laberinto de paredes grafiteras, donde rebotan las pelotas de goma y los sueños de libertad; cubierto de un cielo gris prefabricado en cooperativas, donde la muerte y la vida ya no mantienen relaciones formales.

Crítica

La historia de esa identidad que se crea de manera casi involuntaria

La película de Manu Gómez es de esas que terminan de una manera tan anticlimática o poco eufórica que te dejan la sensación de haber tenido un coitus interruptus. Pero a posteriori lo que te genera es una serie de pensamientos y sensaciones que te remontan a tus primeros años de escapadas veraniegas, a tus primeros amores platónicos, a tus primeras cuadrillas de amigos.

No sé si está entre las pretensiones del director y guionista de ‘Érase una vez en Euskadi’ pero consigue meternos en una época y localización bastante convulsos sin que ese ambiente conflictivo sea el foco de la película. Y habría sido fácil caer en ello pues se cumplió la semana pasada el décimo aniversario del desarme de E.T.A. El filme en resumidas cuentas se puede resumir como el verano del 85 de un grupo de amigos. Mientras unos corríamos detrás de los gatos en busca de hacer alguna pillería o seguíamos los fichajes veraniegos de La Liga, los niños vascos se divertían con sus bicis teniendo de fondo los actos de la kale borroka o bromeaban con inocencia sobre lo que sucedía en una u otra “manifa”.

Era la época del “Jo ta ke” y la de los gritos de amnistía, la del SIDA y la guerra entre el VHS y el Betamax. Para los chiquillos de la película eran tiempos de descubrir una identidad propia y colectiva. Para mí ‘Érase una vez en Euskadi’ trata del desarrollo de los gustos, del nacimiento del criterio o de encontrar un norte o una brújula que seguir. Y conecta de una manera universal consiguiendo de este modo eliminar todo tipo de etiqueta sobre aquellos que se criaron en el norte.

Es por eso que más allá de invitarnos una vez más a aquel lugar en el que la muerte y la pérdida estaban a la orden del día, asumidas como que llovía casi cada día, nos relata una historia de hijos conflictivos y de padres sufridos. Y lo hace marcándose una pequeña España en Euskadi. Los protagonistas son unas familias andaluzas en un pueblecito de Euskadi, presentes en el conflicto, pero ajenas prácticamente a él. No estamos en una propuesta como la de ‘Patria’ o la de ‘La línea invisible’ que nos ofrecían visiones muy distintas del ambiente del independentismo o del terrorismo en el País Vasco. Lo que se consigue aquí es que sin mencionar a E.T.A. o sin que esta sea una película euskaldún nos ubiquemos los tiempos en los que la banda armada estaba activa y tenía muchos respaldos. Y yendo más allá logra conseguir transmitirnos que había otras preocupaciones para los protagonistas, sobre todo para los infantiles que solo querían satisfacer a sus padres, seguir los pasos de sus hermanos mayores, conquistar su primer amor…

En el reparto, bastante numeroso, encontramos caras conocidas como las de Luis Callejo, Marian Álvarez o Vicente Romero. Ellos hacen su labor, vital, para qué la historia logre esa traslación tan efectiva que he comentado. Pero es el reparto infantil compuesto por Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera o Hugo García el que consigue cerrar el círculo en todos los sentidos. Y junto a ellos una bien seleccionada banda sonora compuesta de canciones de grupos de la época que si bien no son cantadas en euskera como pueden ser las de grupos como Kortatu o Su ta gar, siempre han estado relacionadas a la cultura vasca. Entre la actitud de los niños y la idiosincrasia de los temas en filme consigue ser ligeramente macarra o bandarra.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de octubre de 2021. Título original: Érase una vez en Euskadi. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Manu Gómez. Guion: Manu Gómez. Música: diferentes bandas. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera, Hugo García, Luis Callejo, Marian Álvarez, Vicente Vergara, Pilar Gómez, Vicente Romero, María Isasi, María Alfonsa Rosso, Arón Piper, Yon González, Ruth Díaz, Josean Bengoetxea. Producción: La Canica Films. Distribución: eOne Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://lacanicafilms.com/work/erase-una-vez-euskadi/

Crítica: ‘Un segundo’

Sinopsis

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Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China, durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda que está desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Crítica

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’

La nueva película de Zhang Yimou seguro que aparece en todas las listas que reúnen films sobre hacer cine o sobre el amor al cine, como esta que podéis leer aquí. En el caso de ‘Un segundo’ se persigue un rollo de película con la mayor de las desesperaciones y diferentes motivaciones, pero es por la labor del proteccionista que creo que debería figurar entre las primeras posiciones de la temática.

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’. Con su proyeccionista, sus proyectores gastados, sus espectadores embelesados… Elabora con tremendo cariño una cinta que respira amor por el séptimo arte y a la vez desarrolla un curioso discurso sobre la humanidad y la amistad. Memorables son muchas de las tomas que ha configurado, en especial aquellas que suceden tras la pantalla de cine y en el desierto, donde la brisa llega a arañar a unos solitarios fotogramas.

Quizá es tan buena mi impresión porque iba con la expectativa baja. Baja tras el chasco que fue ‘La gran muralla’ o en parte ‘Sombra’. Siempre me ha gustado el Yimou medieval, despuntando en su currículo ‘La casa de las dagas voladoras’, pero a partir de ahora me abriré más a sus otras ambientaciones, como la próxima ‘Cliff Walkers’. Que la inquietud del personaje llamado “Don Películas” sea transmitir a la plana mayor del partido que no tiene sucesor suyo para el cine ya nos dice cuánto se preocupa el director por su legado y el relevo generacional.

‘Un segundo’ nos lleva a la China de los 60, la de los campos de trabajo, la limpieza de Mao y la Revolución Cultural. La política siempre está ahí como telón de fondo (no olvidemos el bloqueo que el gobierno Chino impuso a este filme) pero sin ser el centro de atención, es solo una consecuencia de la estructuración social que experimentaban en provincias del país asiático. En un desértico escenario sometido a esas normas se mueven los dos protagonistas, un prófugo y una huérfana que se disputan un celuloide. Una relación que se desarrolla de manera plausible y que es capaz de enternecernos como las películas de antes.

‘Un segundo’ rebosa humor, pillería y romanticismo analógico. Siendo Zhang Yimou un director tan reconocido en China y laureado internacionalmente, es aún mayor agrado decir que esta es una de sus películas más humildes. Es un filme muy sencillo, que no necesita mayores artificios. De hecho con tres o cuatro localizaciones el director nos cuenta la historia. Aprovecha muy bien la escenografía para darnos una pequeña clase magistral de exhibición cinematográfica.

Sin tener relación y puede que tampoco conocimiento del cine de Berlanga y Cuerda, esta película de Yimou tiene mucho del entrañable ruralismo de películas como ‘Así en el Cielo como en la Tierra’ o ‘La vaquilla’. Desborda detalles campechanos y momentos simpáticos hasta tal punto que sus remembranzas y anhelos por la experiencia en la sala de cine sabe a puro recuerdo.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre. Título original: Yi miao zhong (One second). Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou. Música: Loudboy. Fotografía: Xiaoding Zhao. Reparto principal: Zhang Yi, Fan Wei, Chang Haijun, Li Xiaochuan, Li Yan, Liu Haocun, Liu Yunlong. Producción: Huanxi Media Group, Edko Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.huanximedia.com/en#recent-works

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