Tatsu el Dragón Inmortal es un exyakuza que pasa sus días como amo de casa, es el jodido jefe de su hogar, así, tan mal como suena. Sin dejar sus maneras chungas de comportarse o su lenguaje, Tatsu aplica los códigos de la yakuza a su nueva vida cotidiana y de pareja donde el gato ocupa el tercer puesto en su jerarquía. Le queda muy cuco el mandil con su ropa negra de mafioso.
Esta serie es cachondísima. Es hilarante ese tono fatal de matón hablando de cosas hogareñas como preparar la fiambrera de la comida, las instrucciones para hacer bricolaje, el poner en marcha la aspiradora automática, ir a comprar el merchandising de las ‘Policías brujitas’ para su novia… Suena ridículo pero él se lo toma todo como una misión a superar, es como si todo fuesen negocios, nada personal. Recuerda a Robert de Niro en ‘Una terapia peligrosa’. Da la impresión de que esto lo ha hecho algún seguidor de la trilogía ‘Outrage’ de Takeshi Kitano con el cerebro frito de ver ‘Bobobo’.
Desde el 9 de abril podéis ver en Netflix esta miniserie sobre este temido mafioso que dedica su día a día a cocinar (divinamente), a hacer fotos a sus platos y a descubrir cosas como las clases gratis de yoga. ¿Qué se quiere comprar un coche con su novia? Pues mira si en el maletero entra un cadáver o si el cristal es a prueba de balas. ¿Qué le visita un comercial de cuchillos? Lo primero, eso no son cubiertos, los llama armas y por supuesto los maneja con la maestría de un asesino ninja. ¿Qué hay rebajas? Pues le toca hacer un mercadillo callejero con las compras compulsivas que ha hecho.
Las confusiones con la jerga están servidas. Para él los perros es la policía y cantar es chivarse. Esta es una serie llena de malentendidos y momentos épico-cotidianos. No es raro que se confunda la salsa de tomate con sangre o que una cucaracha en el salón sea vista como un rival en territorio prohibido.
‘De yakuza a amo de casa’ consta de 5 episodios cortos de unos 20 minutos que se dividen a su vez en otros más pequeños, en unos 6 por capítulo. Realmente lo que hace la serie es juntar las tiras cómicas lanzadas en la revista Kurage Bunch. Una obra de Kōsuke Ōno que posteriormente ha sido recopilada en tomos manga y que en España edita Ivrea.
Se nota que ya estamos recuperando el funcionamiento de la industria pues la serie está estupendamente doblada al castellano. Gran trabajo en versión doblada por parte de Marc Zanni, Irene Mirás, Nerea Alfonso, Luis Gustems… Un síntoma contrario, quizá de ahorro de recursos, podría ser la animación de la serie que no es nada del otro mundo. Peca de falta de dinamismo, de hecho tiene muchos cortes o saltos en los movimientos de los personajes. Eso no le aporta mucha agilidad al estilo visual pero la serie es tan viñetera que no le hace falta, no pierde continuidad en sus escenas.
‘De yakuza a amo de casa’ no tiene desperdicio, ni siquiera los sketches del gato Gin. Los quehaceres caseros son mucho más épicos desde el punto de vista de un yakuza. No voy a extenderme más con mis comentarios, que al final vais a tardar más en leer la crítica que en ver la serie. Vedla ahora mismo u os bajaré puestos en la jerarquía del fan del anime. Yo mientras me voy a buscar la serie de acción real que se llama igual que el manga, Gokushufudo.
Estreno en cines del anime que ha reventado la taquilla japonesa
El día 23 de abril, SelectaVisión estrena en cines la película de animación ‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’. Una adaptación a anime basada en el manga número 1 en ventas en España. Podrá verse en pantalla grande tanto en versión doblada al castellano, como en catalán, en VOSE y VOSC.
El estreno de ‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’ en Japón el pasado mes de octubre fue todo un éxito. Con una recaudación de más de 380 millones de dólares, en diciembre se convirtió en la película más taquillera de la historia del país, por encima de superproducciones estadounidenses como ‘Frozen’ y ‘Titanic’, y de ‘Your Name’ de Makoto Shinkai y ‘El viaje de Chihiro’ de Hayao Miyazaki.
‘Guardianes de la noche – Kimetsu no yaiba – La película: Tren infinito’ se ha convertido en la película más rentable estrenada en cines durante la pandemia, obtuvo una nominación a Mejor Película de Animación en los prestigiosos Satellite Awards y fue pre-seleccionada por la Academia Japonesa para el Oscar a la mejor película de animación.
Dirigida por el debutante Haruo Sotozaki, que ya se ha alzado con el Tokyo Anime Award al mejor director y producida por Aniplex (‘Naturo’, ‘Los siete pecados capitales’) y TOHO (‘Akira’, ‘My Hero Academia’), la película ha sido galardonada con el premio a la Mejor Película de animación, a la Mejor Banda Sonora y a la Película más popular por la Academia Japonesa de cine.
Sinopsis oficial:
Tras completar el entrenamiento en la Mansión de la Mariposa, Tanjiro y sus compañeros se dirigen a su siguiente misión, hacer frente al demonio a bordo del Tren del Infinito, donde más de 40 personas han desaparecido en un periodo muy corto de tiempo.
Tanjiro y Nezuko, acompañados por Zenitsu e Inosuke, se unen a uno de los espadachines más poderosos entre los miembros del Cuerpo de Matademonios, el actual Pilar de las Llamas Kyojuro Rengoku, con el propósito de hacer frente al demonio a bordo del Tren del Infinito. Lo que desconocen es que se están adentrando en una mortífera trampa tendida por Enmu, Demonio del Sueño y una de las 12 Lunas Demoníacas, en un tren con destino a la desesperación…
Estará escrita por el guionista de ‘John Wick’ y desarrollada por Amazon Studios
Los amantes del anime clásico están de enhorabuena, o no, todo depende de cómo saldrá este proyecto. El caso es que según cuenta el medio digital Deadline, se está preparando una versión de acción real de ‘Hellsing’ y estaría escrito por Derek Kolstad, el guionista de ‘John Wick’.
Amazon Studios es quien está preparando esta adaptación de un manga creado por KōtaHirano que ya tuvo serie de animación y OVAs. No sabemos si el autor del manga está involucrado en el proyecto pero
“Desde que mi hermano me mostró el manga y el anime ‘Hellsing’ hace algunos años, he estado obsesionado con adaptarlo”, ha dicho Kolstad. «Y cuando Mike Callaghan y su equipo lograron asegurar los derechos para luego asociarnos con Brian Kavanaugh-Jones y Amazon, quiero decir, maldita sea, esto es un sueño».
«Siempre me ha gustado el género de vampiros, especialmente cuando un creador puede darle su propio giro único, así que cuando Derek me presentó a Alucard y la Organización Hellsing, supe que teníamos algo especial en esa tradición», dijo Callaghan. “La reinvención gonzo de Kouta Hirano de la mitología Drácula-Van Helsing es una mezcla excitante y peculiar de acción y horror que no se parece a nada que hayamos visto antes. Estamos increíblemente emocionados de asociarnos con Brian y Fred en Automatik y de que Amazon esté a bordo para ayudarnos a dar vida al ingenio y la locura de ‘Hellsing’ en la pantalla «.
‘Hellsing’ es una visión aún más macabra y sangrienta del personaje de Drácula, con mucha más acción. En él la bisnieta de Van Hellsing capitanea una organización que protege a Inglaterra usando a Alucard (Drácula) como su principal arma.
¿Se os ocurren actores y actrices para los papeles de Alucard, Integra o Seras Victoria?
Lupin y Leticia, una joven amante de la arqueología, se enfrentan al desafío del Bresson Diary que ni tan siquiera el Arsene Lupin original pudo resolver.
Crítica
Un gran entretenimiento tan necesario para estos tiempos
Después de su estreno en el Festival de Sitges, llega a los cines ‘Lupin III: The first’. Una nueva aventura de este personaje que tantas correrías nos ha dado durante nuestra infancia. Lupin III basado en las novelas de MauriceLeblanc, vuelve en este ya, noveno largometraje sobre este personaje. Como curiosidad ‘El castillo de Cagliostro’ , uno de estos primeros largometrajes, fue la primera película del gran HayaoMiyazaki, que ya trabajó en la serie de este personaje.
En esta nueva aventura, rodada en 3D, volvemos a tener a nuestro ladrón de guante blanco favorito. Junto a sus secuaces, Daisuke, Ishikawa, Fujiko Mine y a su enemigo (amado) Inspector Koichi Zenigata, jefe de la interpol. Todos ellos tendrán que ayudar a una joven arqueóloga a descubrir los secretos de un extraño diario. Con esta investigación, no solo conocerán un gran arma sino que también una conspiración nazi.
Está claro que la trama es de lo más. La película no pierde la frescura a la que nos tenía acostumbrado el anime, quizás sea algo menos violenta. Pero no es algo que me haya molestado la verdad. Esta bastante cerca de ser una aventura de Indiana Jones.
La animación es bastante curiosa. Sobre todo los paisajes que tenemos de fondo son bastante reales. Y la manera de utilizar la luz, algo que tiene que ser realmente difícil. Los metales también están muy bien trabajados al igual que el tema de las texturas. La ropa por ejemplo, vemos perfectamente de que material está hecha, ya sea cuero o el ante. Están tremendamente elaborados los distintos tejidos.
Se que con esta animación, los personajes pierden algo de expresión en la cara, pero no en los gestos. Lupin sigue siendo ese ladrón encorvado larguirucho que no para quieto en ningún momento. Y el resto de personajes lo mismo, cada uno sigue con sus peculiaridades.
Me ha encantado volver a reencontrarme con este personaje. Tengo que decir que este mes parece el mes de Lupin, pues hace poco os pude hablar de la nueva serie de Netflix, también basada en este personaje. Pero no os voy a mentir, Lupin III siempre ha sido de mis personajes favoritos y poder verle de nuevo en la gran pantalla y que me siga entreteniendo igual que cuando era pequeña, es un lujazo.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de enero de 2021. Título original: Lupin III: The First. Duración: 93 min. País: Japón. Dirección: Takashi Yamazaki. Guión: Takashi Yamazaki. (Manga: Monkey Punch) Música: Yûji Ôno. Producción: Toho. Distribución: Selecta Visión. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/
Un joven adolescente se ve inmerso en una depresión cuando todo a su alrededor comienza a agitarse, cuando el mundo, o por lo menos su país (Corea del Sur) se ve asolado por una extraña pandemia que convierte a la gente en aberrantes criaturas. ¿La razón? Ya la iréis viendo, pero anticipo que es original. El protagonista de esta serie de terror disponible en Netflix es ese chico del que poco a poco vamos descubriendo cosas, pero realmente hay que afirmar que ‘Sweet home’ está protagonizada por muchos personajes.
Al igual que en otros mangas o animes esta serie de acción real añade una cantidad grande de protagonistas y los usa para desarrollar su acción. Tenemos por lo tanto una comunidad de desconocidos guiada por varios héroes. Un grupo variopinto y heterogéneo que como en historias tipo ‘Gantz’ ha de aprender nuevas habilidades sociales y de combate que les ayuden a sobrevivir a los monstruos que les acechan.
‘Sweet home’ dispone de un héroe al más puro estilo ‘Prototype’ y da mucho protagonismo a las mujeres de este edificio que se ve obligado a confinarse ante la amenaza externa. Incluso incluye un personaje que se gana el calificativo de cruel y calculador, al más puro estilo Light Yagami. Lo que quiero decir con todo esto es que todo aquel que le dé al play va a encontrar en ‘Sweet home’ un personaje con el que sentir apego, como nos ha pasado con series tipo ‘Lost’.
Hablemos de la trama. ‘Sweet home’ adapta un cómic distribuido de manera online, en lo que en Corea han llamado webtoon. Empieza recordando a ‘#Alive’ y poco a poco la acción y el terror se hacen con el protagonismo. La serie está la mar de entretenida siempre que introduce escenas con monstruos de todo tipo que parecen inspirados en los jefes del ‘Resident Evil’. Pero esa presencia va desapareciendo y da paso a momentos de relaciones entre personajes que se agradecen para enriquecer la serie pero que se apoderan en exceso del metraje.
Lee Eung-bok es el artífice de la serie y se nota que es experto en K-Drama, por todo lo que os acabo de contar y por cómo le gusta ver llorar a sus actores. No obstante ‘Sweet home’ es una serie que recomiendo sobre todo por su primera mitad que está repleta de acción y de proezas. Aunque abuse en exceso de un tema de Imagine Dragons (irónicamente la productora que ha realizado la serie se llama Studio Dragon) consigue momentos épicos y emotivos.
Y se puede disfrutar de la historia a pesar de que hay algunos saltos en los que han cambiado o aportado detalles que no nos explican. Sin duda lo mejor de ‘Sweet home’ son los diseños de las criaturas y la interpretación de alguno de sus actores, como Jin-wook Lee y Si-Young Lee. Es una producción que deja buen sabor de boca a pesar de disponer de un final abierto.
Comentamos las adaptaciones de manga y anime que más nos gustan
Afrontar una adaptación de un manga o un anime a acción real no es nada fácil. Hacer live actions es una tarea que no conlleva solo gestar una buena películas si no también una obra que satisfaga a los lectores o espectadores del material original. A lo largo de las últimas décadas han surgido muchas versiones que tienen incluso remakes sobre títulos ya míticos.
En este nuevo vídeo en directo en el que contamos con Brook (ConCdeCultura y Ramen Para Dos) y Lara Noguera (Elengy Cine) os recomendamos algunos títulos que merecen la pena y hablamos de futuros proyectos así como de los mayores desastres del género.
Hablamos de live actions como ‘Ghost in the shell’, ‘Ace attorney’, ‘Dragon Ball’, ‘Gantz’, ‘Basilisk’, ‘Death Note’, ‘Full Metal Alchemist’, ‘Battle Royale’, ‘Old boy’, ‘Uzumaki’, ‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’, ‘La espada del inmortal’…
Una fría noche de invierno, en medio de la nieve, algo despierta silenciosamente y abandona la zona en la que se enfrentan los héroes y la Alianza de Villanos… Mientras tanto, Izuku y los otros estudiantes de la Escuela UA son enviados a trabajar como héroes a una cálida isla en el sur de Japón en la que también encuentran tiempo para relajarse. Sin embargo, esa calma pronto se ve perturbada por la aparición de un grupo de villanos que comienza a destruir las instalaciones de la isla una tras otra. El que los lidera es Nine, cuyo extraordinario don le confiere un poder inimaginable. Pero, ¿por qué Nine ataca esa pacífica isla? ¿Serán capaces Izuku, Bakugo y los otros alumnos de Primero A de proteger a los habitantes de la isla y combinar sus poderes para derrotar a Nine?
Crítica
No sabía de la potencia de esta franquicia, me alegra descubrirla
La segunda película de ‘My hero academia’ ha sido mi primer contacto con la franquicia que se originó a partir de la obra de Kôhei Horikoshi. No he leído el manga ni visto la serie, llego a esta película con curiosidad y con el objetivo de hablaros de otra película infantil que se coloca en nuestras carteleras. También buscando tener más conocimiento sobre personajes que son utilizados por muchos cosplayers en los salones de cómic.
En primer lugar lo que uno se encuentra es un elenco enorme de personajes. Por supuesto hay que haber seguido el material anterior para estar totalmente al día cuando se llega a ‘My hero academia: el despertar de los héroes’. Pero no es una información necesaria para seguir la trama y además en los primeros compases te hacen una puesta al día muy rápida en la que ya sabes que los protagonistas pertenecen a una academia de héroes en un mundo en el que el 80% de la población tiene poderes o lo que aquí llaman “dones”. Ahora el conjunto de amigos que pertenece a la misma clase debe enfrentarse al reto de ser los vigilantes de una pequeña isla para conseguir así ser unos héroes hechos y derechos.
En esos dones y en la gran cantidad de personajes veo uno de los puntos fuertes de esta saga. Solo hay que ver el cartel para darse cuenta de que esta historia no va corta en cuanto a diversidad. Todos tienen habilidades y formas variadas, como podemos haber visto en ‘Naruto’, ‘Berserk’ o ‘Bobobo’. Esto hace que ocurra algo que seguro que habéis observado que hacíamos con series míticas cuando éramos pequeños: cada uno se pedía al suyo para jugar o para tener el juguete de turno. Es un gancho eficiente para el público infantil y a las escenas o al argumento le da mucha versatilidad.
La mecánica engancha y también sigue los patrones de otros animes. El héroe protagonista aspira a más y más en pro de la justicia y el bien. Para ello va superando pruebas que crecen en dificultad. Si este chico llamado Izuku Midoriya tiene como referente al poderoso All Might es fácil que los niños/as que disfruten de esta serie/película delante de la pantalla encuentren con quién verse reflejado. También he visto un jugueteo con los dos chicos más carismáticos, imitando la dinámica que siempre han mantenido Goku y Vegeta o la que tenía Oliver Atom con Mark Lenders, es decir, este segundo tiene un complejo de inferioridad, queriendo ser siempre el mejor pero manteniéndose a la sombra del protagonista. Incluso en el villano también he visto un patrón conocido pues a lo Sylar (‘Héroes’) busca hacerse con los poderes de todos.
A parte de la consabida historia de crecimiento personal y de lucha contra el mal hay pequeñas moralejas repartidas por el filme. Como que la avaricia rompe el saco o la que extraíamos cuando nos leían el cuento ‘El pastorcito mentiroso’, a si es que bien también en ese sentido.
Lo otro que me ha impresionado de la película es su calidad visual. El dibujo es muy dinámico y sólido. Sobre todo se percibe un gran trabajo en cuanto al tratamiento de luces y recreación de “energías”. No se detecta ningún toque artificial más allá de la animación ni se incluyen artificios en 3D que impidan tener una uniformidad en el diseño de las imágenes. Es de los animes que hacen afición por el género.
¿Esta segunda película de la franquicia podría suponer el final de la saga? Que va, lo que aquí se narra podría pasar entre temporadas de la serie y aún está abierta a más historias, sobre todo con su final en el que dejan entrever la llegada de sangre nueva. Me alegra que aún se sigan haciendo series así.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: My Hero Academia The Movie – Heroes: Rising. Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Kenji Nagasaki. Guion: Yôsuke Koruda. Música: Yuki Hayashi. Fotografía: Mayuko Furumoto. Reparto principal (doblaje original): Daiki Yamashita, Nobuhiko Okamoto, Yuka Terasaki, Tomoyo Kurosawa, Yûki Kaji, Kaito Ishikawa, Yoshio Inoue, Kenta Miyake. Producción: Bones, Dentsu, Movic, Nippon Television Network, Shueisha, Sonic Music Entertainment, Toho, Yomiuri-TV Enterprise. Distribución: Selecta Visión. Género: anime, ciencia ficción. Web oficial:https://heroaca-movie.com/
‘My Hero Academia: el Despertar de los Héroes’ es el nuevo largometraje extraído de la saga ‘My Hero Academia’. Esta película consiguió en su estreno en Japón reunir a 1.390.000 espectadores y estuvo en el TOP2 de taquilla, solo por detrás de ‘Frozen 2’. También ha cosechado grandes éxitos a nivel internacional: ‘My Hero Academia: el Despertar de los Héroes’ fue la más vista el día de su estreno en las salas cinematográficas de Estados Unidos, con una recaudación de más de 1,5 millones de dólares.
Un manga que ha vendido más de 25 millones de ejemplares y que estará de nuevo en nuestros cines a partir del 11 de septiembre.
Además os hacemos saber que Selecta Visión ha organizado un sorteo de dos entradas de cine y un pack edición coleccionista con la primera temporada. Para participar tenéis que ir a su Instagram. El plazo final para participar es el lunes 7 de septiembre.
‘Los Siete Pecados Capitales’ es una serie que tras aparecer en 2014 ha cosechado un éxito innegable consiguiendo colarse en casa de todo tipo de fans del anime, sea cual sea su edad. Tiene merchandising y vemos cosplays de sus personajes en todos los salones de cómic, por supuesto podemos encontrar sus mangas (iniciados en 2012 y ya finalizados) en las estanterías de las tiendas. ¿Cuál es el secreto de ‘Nanatsu no Taizai’? Se podría decir que esta serie coge el testigo de clásicos como ‘Dragon Ball’ o ‘Caballeros del Zodíaco’. Aunque muchos elegirán a otras como ‘Naruto’ o ‘One Punch-Man’ como las herederas de esos clásicos (yo metería a Bobobo en la ecuación). Y pertenece a este grupo de series ya que trata de ir cada vez a más, haciendo que sus personajes nunca tengan límites, poniendo nombre a sus ataques y por supuesto rodeando todo de epicidad y humor.
Tenemos 24 nuevos episodios en Netflix con la nueva temporada de ‘Los Siete Pecados Capitales’ que lleva como tagline ‘Imperial wrath of gods’, algo así como ‘La ira imperial de los dioses’, si mi pobre inglés no me falla. El grupo de héroes, a veces villanos, conocido como Los Siete Pecados Capitales tiene que continuar con la batalla que dejó en la anterior temporada contra los poderosos Diez Mandamientos. Si hay algo a lo que uno debe estar dispuesto a esperar durante esta serie es a conocer a nuevos personajes y a incorporar giros y más giros a todas y cada una de las tramas que abren estos individuos.
Usando elementos religiosos y de la mitología artúrica ‘Los Siete Pecados Capitales’ lleva a cabo una historia que más que coral o grupal ha de denominarse multitudinaria. Son muchísimos los caballeros, magos, demonios… que interactúan con la historia haciéndola muy interesante, aunque a veces con factores excesivamente cogidos con pinzas. Porque además así se desarrolla un trasfondo abundante para cada uno de ellos y también con ello se potencia y enriquece todo el universo que transcurre en las islas británicas. Incluso se agradece que en ese gran número de historias que contar encontremos diversidad. Darían para llenar temporadas y temporadas o algún que otro spin-off. Es interesante esta temporada no solo por el nivel que alcanzan algunos protagonistas si no también por lo que se revela de su pasado, en especial sobre Gowther, Meliodas y Elizabeth.
Reinos, poderes mágicos, caballeresca, leyendas… Sobre todo hay muchas peleas, amor y aunque veamos mutilaciones o palabrotas el humor no deja de ser infantiloide. También a veces un tono que más que pícaro es salido. En esta cuarta temporada los gags están algo menos presentes y no se cosifica tanto a los personajes femeninos, ni con sus trajes ni con lo libidinoso de ciertos protagonistas.
Se mantiene el estilo de dibujo clásico que obviamente tiene arreglos hechos con ordenador. El diseño también sigue los estándares habituales del anime, encontrándonos con algunos personajes como Meliodas, Arturo y Zeldris que se parecen bastante entre ellos. Eso si, se han solucionado algunos problemas que fueron criticados en la animación de la temporada tres. Bien por Studio DEEN.
Tras varias temporadas y OVA’s la serie pasa de ser una aventura caballeresca en la que hay que defender a una dama y un reino hasta tener que librar al mundo del dominio de los demonios (todo esto sin contar con el objetivo particular de cada miembro del grupo). Muchos fans se pueden enfadar pues esta temporada no es la definitiva, su final es inconcluso y eso que ya está anunciada una serie que contará con Tristan, el hijo de Meliodas como protagonista, niño que aparece al final del manga. Lo que decía antes, muy al estilo ‘Dragon Ball’.
Mientras los dos Zen’ô deciden qué hacer con el exceso de universos que existen, Goku se presenta en su palacio para recordarles que hace tiempo les propuso la organización de un torneo de lucha. Así, los 12 dioses de la destrucción son convocados, se les informa ¡y empieza un battle royale entre ellos!
Reseña
Next level
Es muy de agradecer que Akira Toriyama haya ampliado el universo ‘Dragon Ball’ hasta un punto que no podamos con concebir sus límites (un poco como nos pasa en el universo real en el que vivimos). Son Goku ya no es el más fuerte, ni siquiera está en las primeras posiciones. Y no han tenido que convertirlo en un niño como en ‘Dragon Ball GT’.
‘Dragon Ball’ corría el riesgo de quemarse de la misma manera que ‘Caballeros del Zodiaco’ (‘Saint Seiya’ en su versión original) daba igual que tuviera un reparto coral con personajes interesantes. Al final todo el peso recaía en el protagonista. ‘Naruto’ consiguió evadir ese espinoso problema solo para meterse en un fango narrativo con decenas de personajes sin una focalización definida.
En realidad, lo que vemos en este número y en el anime es algo que sabíamos desde el minuto 1 de ‘Dragon Ball Super’. Desde el primer combate que vimos. La primera vez que vimos este combate no fue en el manga ni en el anime si no fue en la película ‘La batalla de los dioses’. Al final de dicha película el rival de Son Goku le revelaba un secreto que nos rompió los esquemas a todos los fans de la serie.
La mejor decisión del creador de ‘Dragon Ball Super’ ha sido desarrollar poco a poco este concepto sin prisa, pero sin pausa. Y ahora el manga se ha desmarcado del anime de manera complementaria. Hay cosas del anime que no aparecen en el manga y viceversa, pero con el mismo mimo por los detalles.
¿Qué nos deparará este nuevo nivel? Ahora os lo desvelaremos sin spoilers.
En esta ocasión os hablaré del número 26 de ‘Dragon Ball Super’ (el 237 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. Al final del manga podremos ver la portada del siguiente y curiosamente es una ilustración de este número.
GUION
A nivel argumental esta entrega está dividida en dos partes. Terminamos el novedoso combate exclusivo del manga en el que podremos seguir disfrutando de nuevas técnicas con personajes nunca vistos hasta ahora. Un combate en el que Son Goku no tiene nada que ver, es un mero espectador y alucina en colores tanto como el lector.
La segunda parte de este manga es un combate de Son Goku contra otro personaje nuevo muy al estilo Toriyama, con un físico que engaña a la hora de combatir. Como es un combate de exhibición podemos disfrutar de todas las transformaciones de Son Goku.
Y la última página nos deja con el corazón en un puño cuando un personaje le revela a Son Goku (y al lector) que aún queda un nivel nuevo por descubrir que cambiará para siempre el universo ‘Dragon Ball’
DIBUJO
Como en todas las entregas Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, alterna modernidad y tradición. El primer combate está dibujado de una manera formal (no podríamos distinguirlo de Akira Toriyama) y curiosamente el segundo combate, el que está protagonizado por Son Goku, está dibujado de una manera novedosa, sobre todo al mostrar las transformaciones Super Saiyan de Son Goku. Que como Toyotarô es un fan, no pierde la oportunidad de mostrar el Super Saiyan Nivel 3 cada vez que puede. Porque con los nuevos niveles de poder divinos, se había quedado un poco en tierra de nadie.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Hay diferencias entre los acontecimientos relatados, que provocan que el anime y manga sean exclusivos y complementarios como si fueran dos universos paralelos. Esperemos algún día que hagan un anime cómic de este arco argumental porque merece la pena.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
Después de la victoria contra Zamasu, Goku y los demás viven un período de paz, aunque Vegeta sigue entrenándose con Whis y el mismísimo Beerus. Pero cuando a Goku le entra el gusanillo de los combates, se pone en contacto con Whis y se entera de que su rival está con él, resulta que el príncipe de los saiyanos tiene que volver a la Tierra… ¡para ser padre!
Reseña
it’s showtime!
En este número nos preparamos para el MAYOR espectáculo de toda la historia de ‘Dragon Ball’.
Se acabaron los combates de exhibición. Se acabó la nostalgia y cerrar cabos sueltos. Empieza el espectáculo. A todos los niveles. Algo se ha cocido desde el primer combate de ‘Dragon Ball Super’ y por fin eclosiona. ¿Queréis personajes y mundos nuevos? ¡Pues ahí tenéis decenas de ellos! Personajes con sus propias historias que contar y por supuesto que combatir.
La explosión de personajes nuevos presentados a la vez es muy parecida a otros mangas actuales como ‘Naruto’ o ‘Bleach’. Esto no había pasado nunca en ‘Dragon Ball’. Una saga completamente nueva y una forma de combatir que tampoco habíamos visto hasta ahora…donde todo puede ocurrir.
En esta ocasión os hablaré del número 25 de ‘Dragon Ball Super’ (el 236 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver uno de los momentos culminantes del número que tenemos en las manos, mostrando a muchos personajes (que queríamos conocer desde el principio de ‘Dragon Ball Super’) sorprendidos por el anuncio del evento que cambiará para siempre este manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Una entrega muy cargadita de novedades a nivel argumental.
Al igual que en el principio de ‘Dragon Ball Super’ se nos dan pistas de futuros arcos argumentales, dejándose caer en conversaciones como si tal cosa. Algo muy del estilo Toriyama. Lo que quiere el maestro es que nos centremos en el ahora.
También Toriyama concibe el destino con mucho humor, fruto del azar casi. Existe una ambigüedad en torno a lo que sucede antes en una determinada situación que no vamos a desvelar ¿que fue antes el huevo o la gallina? algo muy divertido y propio del humor made in Toriyama.
Conocemos un montón de personajes y mundos nuevos. Y es solo un aperitivo porque faltan por presentar casi 80 personajes nuevos. No exageramos. No podemos explicar más porque ya entraríamos en el terreno de spoiler.
En la primera gran reunión de personajes nuevos el lector se siente como un niño en la mañana de navidad, revisando todas las viñetas intentándose quedar con todas las caras nuevas y que nos podrán aportar en la historia. Digamos que Son Goku está tan asombrado como el lector.
Aunque como se nos presenta una situación que se les ha ido de las manos totalmente a nuestros protagonistas, todos los personajes nuevos que se presentan (que son increíblemente más poderosos que Son Goku y Vegeta) también están totalmente desconcertados por esta nueva situación.
Un número lleno de humor (siguiendo la tradición, los nombres de los nuevos personajes están basados en bebidas alcohólicas) y sobre todo acción, con unos combates exclusivos del manga que elevarán vuestras expectativas hasta niveles insospechados.
Y como bonus track, de regalo, capítulo especial que resuelve cabos sueltos del anterior arco argumental. Algo que es una costumbre ya en ‘Dragon Ball Super’, pero cuidado, que no se han llevado todos los capítulos especiales al manga de la serie roja y la editorial se ha reservado alguno para los tomos recopilatorios.
Ya sabéis, nos quieren arruinar.
DIBUJO
Toyotarô demuestra que está sobradamente preparado para esta prueba de fuego. Se desenvuelve con soltura dibujando escenarios y recreándose en los detalles. A veces hay que releer otra vez las viñetas para darse cuenta de la complejidad de las estructuras que dibuja. En esos momentos nos damos cuenta de que Toyotarô imita al maestro porque los lectores queremos. En realidad, ya lo hemos comentado en varias reseñas de ‘Dragon Ball Super’, a los fans no nos gustan mucho los cambios.
Páginas repletas de personajes nuevos que harán las delicias de los otakus e incluso también de los fans de Marvel, acostumbrados a páginas completas llenas de héroes y villanos. Presenciamos un tipo de combate totalmente nuevo, tanto en lo referente a los personajes, técnicas especiales, perspectivas, ritmo narrativo…
Un pequeño apunte sin spoilers. Encontrareis un homenaje visual a ‘Dragon Ball GT’ con respecto al diseño de un personaje. En ‘Dragon Ball Super’ no dan puntada sin hilo, porque este arco argumental predijo el regreso de un personaje muy querido y se convirtió en canon. Así que creemos que ‘Dragon Ball GT’ llegará a convertirse en canon, contado de una manera mejor. Curiosamente la película ‘Dragon Ball Super: Broly’ resuelve las incongruencias de los niveles de poder entre ‘Super’ y ‘GT’ y de una manera indirecta nos indican el camino que llevarán a los acontecimientos de ‘Dragon Ball GT’
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Ahora mismo son universos ligeramente paralelos, pero igual de espectaculares. Me explico. Normalmente el manga de ‘Dragon Ball’ es superior al anime, porque en el anime solo se diferencia del manga por episodios de relleno y ningún argumento original exclusivo. (La única excepción fue el torneo de las artes marciales del otro mundo organizado por el Gran Kaio después de la saga de Célula y a raíz de su éxito entre los fans, tuvo su repercusión en la película ’Fusión’)
En ‘Dragon Ball Super’ tanto el manga como el anime tiene contenidos exclusivos. Y este número contiene un combate que a día de hoy no hemos visto en versión animada. Y en el anime el combate es diferente, por un lado potenciando personajes secundarios de ‘Dragon Ball’ que en el manga tendrán su momento de gloria en arcos argumentales posteriores y con unos rivales que en el manga tendrán posterior relevancia.
El manga y anime de ‘Dragon Ball Super’ son (ligeramente) diferentes y complementarios. Cada uno adaptado a las exigencias del medio en el que los acontecimientos son narrados.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
Una multitud de Zamasu rodea a los protagonistas, que no saben qué hacer para derrotar a este temible enemigo, hasta que a Goku se le ocurre llamar al Zen’ô de este universo, que puede acabar con el enemigo en un momento y permitir que el grupo se reúna y celebre la victoria, que por otro lado supone la desaparición del futuro de Trunks y Mai.
Reseña
Cosas de casa
¿Qué es lo mejor de ‘Dragon Ball’? ¿los combates sin fin? ¿los niveles de poder ilimitados?
Pues no.
Eso te lo puede dar cualquier manga Shonen. Para los neófitos en el manga, el Shonen (como ‘Dragon Ball’) es un género de manga y anime enfocado al público adolescente y su origen es un término por parte de los editores definido como “comic para chicos” (aunque también pueda interesar a las chicas) por tener grandes dosis de acción y protagonistas masculinos. Pero de la misma manera que los editores crearon el Shojo, dirigido al público femenino, con el paso de los años se difuminaron las líneas entre géneros.
En el caso concreto de ‘Dragon Ball’, si nos ponemos a investigar e identificar la magia que hace que sea un manga único, (dejando aparte sus múltiples y variados villanos, los poderes ilimitados y los combates) ‘Dragon Ball’ destaca por su rica mitología y referencias culturales, pero creo que lo que realmente logra que se diferencie de los demás mangas son sus situaciones cotidianas.
Esto puede parecer un poco contradictorio, lo sabemos, pero esto es algo que ha explorado Akira Toriyama desde sus inicios en ‘Dr Slump’: la vida cotidiana con toques del fantástico y por supuesto mezclado con mucho humor. Nos identificamos con sus personajes y les cogemos cariño. ¿Quién no ha tenido en su grupo de amigos alguien tan serio como Vegeta o Piccolo? Y seguro que tenéis amigos tan inclasificables como el maestro Mutenroshi que os avergüenzan todo el tiempo, pero vuestra vida sería más aburrida sin ellos.
Eso consigue que ‘Dragon Ball Super’ mantenga fresca la franquicia. ‘Dragon Ball GT’ fue concebida con una intención similar en su día, pero enseguida fue sepultada esa idea bajo una lluvia de combates y niveles de poder. Y la fórmula se quemó enseguida. Aunque si es verdad que los pesos pesados siguen siendo Goku y Vegeta, han recibido bastantes humillaciones, ya no son los más fuertes ni de lejos. Vuelven a ser aprendices. Y el reparto vuelve a ser mucho más coral (incluso en los combates) dándole mucha importancia al humor.
Por eso en este número disfrutamos de lo lindo con la vida cotidiana de nuestros guerreros favoritos. Tienen responsabilidades, trabajos, cuidar de una familia… el referente Marvel más cercano podría ser Spiderman, salvo que en el caso del humor no es tan absurdo (aunque ‘Spiderman: un nuevo universo’ se acerca mucho al sentido del humor de Toriyama…)
En esta ocasión os hablaré del número 24 de ‘Dragon Ball Super’ (el 235 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al nuevo elenco de personajes de ‘Dragon Ball Super’ que va a revolucionar nuestro concepto de ‘Dragon Ball’ (y a dos personajes que ya lo han revolucionado)
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de series parecidas manga de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente en el que podremos comprobar que nuestros héroes no van a tener mucho descanso y se va a liar parda sí o sí.
GUION
Disfrutamos de ‘Dragon Ball’ sin prisa, pero sin pausa, con la vida cotidiana de nuestros personajes favoritos. Si en el anterior número acompañábamos a Son Goku, en esta nueva entrega podemos cotillear la vida privada de Vegeta, tanto en su entrenamiento con los dioses, como en su vida casera en la tierra.
El interludio cómico de viñeta a página completa, que ya es un clásico en los últimos números y mata dos pájaros de un tiro. Por un lado, muestra la madurez de un personaje y es muy cómico porque además corrige cualquiera duda de que ‘Dragon Ball’ sea solo un cómic para chicos o que transmita un mensaje machista.
Y por supuesto no podía faltar un pedazo combate en el cual se demuestra que el protagonista no es solo Son Goku (al contrario que el anime y podemos creerlo normal por el marketing) a pesar de que es un combate de entrenamiento se vuelve un combate muy serio. Como siempre se les van de las manos las situaciones a nuestros personajes.
Y por último, hablando de situaciones que se van de las manos, se comete la mayor burrada del universo ‘Dragon Ball’. O no. Uno de nuestros protagonistas toma una decisión inocente acorde a su personalidad y la lía pardisima ¿o es otra forma de salvar el universo con humor? Con Toriyama nunca se sabe. Ambigüedad y sentido del humor absurdo son las señas de identidad del maestro.
DIBUJO
Toyotarô combina los diseños cómicos made in Toriyama y escenarios increíbles (tanto celestiales como los urbanos) En los combates el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ destaca con un trazo propio, perspectivas dinámicas, personajes estilizados, a la par de detallados logrando que para el ojo exigente se pueda observar una evolución del dibujo de esta franquicia.
Es un cambio muy sutil pero necesario, de la misma manera que el maestro creador, Akira Toriyama, fue pasando de un estilo más redondeado tirando a simple, a un estilo más anguloso con las sombras, detalles de la ropa o músculos muy bien definidos. Quizás la saga de Célula fue el momento más exagerado de Toriyama y en la saga del monstruo Bu se estableció unas proporciones más adecuadas que ha respetado el discípulo para la mayoría de las escenas cotidianas y con personajes conocidos, evolucionando en los nuevos personajes y en las escenas de combate.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No muchas, aunque el manga es más fluido que en el anime narrativamente hablando, en ‘Dragon Ball Super’ se puede presumir de que hay muy pocos (casi nada) episodios de relleno y todos cuentan algo. Nada que ver con ‘Dragon Ball’ y ‘Dragon Ball Z’ con molestos episodios de relleno. Tantos que se tuvo que hacer ‘Dragon Ball Kai’ (reedición remasterizada del anime de ‘Dragon Ball Z’) para quitarlos. Alguien tenía que decirlo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Tras ver como Zamasu intentaba utilizar a Mai para dejar indefenso a Goku, y aprovechando que su unión Pothara se ha deshecho, Trunks le ataca con su espada y parece que lo vence. Sin embargo, las apariencias engañan y el enemigo vuelve más fuerte e invencible que nunca…
Reseña
Su propio ritmo
El manga de ‘Dragon Ball Super’ empezó muy apresuradamente y a medida que fue teniendo su propio ritmo poco a poco se fueron viendo diferencias con el anime debido a que el manga tenía que innovar en algún aspecto. Actualmente el manga ha ido cogiendo la delantera con el parón del anime (que ha sido sustituido por ‘Dragon Ball Héroes’ para los que necesitan anime dragonbolero en vena). Por eso este arco argumental se termina con un epílogo tranquilo y no hay prisa por entrar de lleno en la siguiente búsqueda de las bolas de Dragón.
En esta ocasión os hablaré del número 23 de ‘Dragon Ball Super’ (el 234 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku y Vegeta con sus uniformes de combate de toda la vida, el mejor cebo para los fans.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y otros mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente, en el que podremos intuir las consecuencias del último arco argumental.
GUION
A nivel de guion la primera mitad del manga es el epílogo del último arco argumental donde se explica tranquilamente todos los cabos sueltos (aunque un par de temas se quedan en el aire, pero es algo que ignoran los personajes principales y esas eran las dudas de las que os hablamos en la reseña anterior) por un lado tenemos soluciones improvisadas que encajan con el espíritu despreocupado de ‘Dragon Ball’ (ya nos preocuparemos mañana de las consecuencias). Por otro lado, tenemos decisiones meditadas por parte de algunos de nuestros personajes más queridos, que esperamos volver a verlos en el futuro. Y humor, mucho humor, que es lo que hace que, en el fondo, ‘Dragon Ball’ que haya calado tanto en la cultura popular.
La última viñeta de este arco argumental es precisamente el interludio cómico plasmado en una viñeta a página completa, protagonizada por uno de los personajes secundarios fundadores de ‘Dragon Ball’.
En la segunda mitad de este número podemos cotillear en la vida cotidiana de los personajes más queridos de ‘Dragon Ball’, aderezados con combates cómicos entre personajes en los que hay una diferencia de poder abismal. Toriyama no se olvida que a los fans nos gustan las emociones fuertes y nos muestra algún combate de entrenamiento un poco más serio.
DIBUJO
Curiosamente el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, destaca en este número mucho más que en las batallas encarnizadas de entregas anteriores. Seguimos disfrutando por su gusto por los detalles, ya sean escenarios urbanos, rurales u otros mundos.
Y aunque solo se producen un par de combates, (y tampoco es que sean muy serios) Toyotarô sabe plasmar muy bien la velocidad de luchadores. Un dibujante que nos ha demostrado todo lo que nos tenía que demostrar en los combates épicos y que no se relaja en lo que respecta al diseño de personajes, aunque sean simples terrícolas.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Aquí empiezan las diferencias gordas entre anime y manga. Y nos referimos a un concepto de ‘falso relleno’. No es que el manga sea más directo que el anime, sino que se nos insinuó un gran acontecimiento y como seguíamos el anime semana a semana se nos hizo eterno…
Por eso decía Einstein que el tiempo es relativo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Zamasu ofrecen un espectacular combate de lo más igualado. Aun así, el cuerpo del saiyano acusa el cansancio de luchar a un nivel tan alto, y Zamasu se lo pone más difícil recurriendo a argucias. Sin embargo, también su unión Pothara se deshace al cabo de una hora…
Reseña
The End Is the Beginning Is the End
‘Dragon Ball’ es un manga muy importante para unas cuantas generaciones, sobre todo para la que creció en los 90. Por eso este número me recuerda a cierta canción de los ‘Smashing Pumpkins’ (o como diría Homer Simpson, Machaca-punkies) ‘The End Is the Beginning Is the End’, una canción que formó parte de la banda sonora de ‘Batman y Robin’, quizás la peor película de superhéroes de la historia. Pero la canción es buena y resume en gran parte el espíritu de los 90. No hay que confundirla con su otra versión, ‘The Beginning Is the End Is the Beginning’ que alcanzó bastante notoriedad unos años después al ser incluida en el trailer de la adaptación cinematográfica de ‘Watchmen’ de Zack Snyder. Pero de Zack Snyder ya hablaremos otro día.
‘The End Is the Beginning Is the End’ es una canción que me viene a la cabeza porque llegamos a un punto en el que, a partir de aquí, atravesamos lo desconocido en ‘Dragon Ball’. Este número es el fin, pero también es el principio. En fin, voy a explicarme como buenamente pueda.
Hasta ahora ‘Dragon Ball’ se movía entorno a unas reglas conocidas. Teóricamente conocíamos todo de ese universo y aunque ‘Dragon Ball Super’ nos había dejado entrever un poco más allá de esas fronteras desconocidas, todo estaba bajo control.
Pero el final de este arco argumental es bastante desconcertante, además de comenzar un nuevo arco argumental. Llega un mundo nuevo, nuevas reglas (desconocidas) una nueva forma de entender el universo que les rodea y.… realmente todo puede pasar. Pero como Akira Toriyama se lo toma con humor, no parece que vaya a pasar gran cosa.
Pero a partir de ahora, los peligros son muy reales. Nada que ver con lo que habíamos visto hasta ahora. Esto ya no es un juego y nuestros héroes ya no pueden presumir de su fuerza.
En esta ocasión os hablaré del número 22 de ‘Dragon Ball Super’ (el 233 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a al villano dibujado al estilo Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ y no recuerda al del maestro Akira Toriyama. El ángulo, la perspectiva y trazo son propios de Toyotarô, pero no traiciona el espíritu de ‘Dragon Ball’. Esta portada recuerda al esfuerzo de otros dibujantes como Masashi Kishimoto en mangas como ‘Naruto’ para transmitir una personalidad propia a pesar de declarar su amor por el legado de Toriyama.
Como curiosidad tenemos una portada de uno de los tomos recopilatorios y en el tomo es una ilustración mucho más completa (aquí solo han elegido al villano). La otra parte de la ilustración la podremos encontrar en el interior y veréis a Son Goku en la página característica de cualquier inicio de manga: ‘resumen de lo publicado’. En ‘Dragon Ball Super’ serie roja es una costumbre reutilizar fragmentos de portadas en estas secciones del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente que promete mucho.
GUION
Este manga te deja con el corazón en un puño.
Al principio sueltas eso de ‘¿pero es que no se va a morir nunca el villano?’. Frase mítica en ‘Dragon Ball Z’ en los combates de Son Goku y compañía contra Vegeta, Freezer, Célula y el monstruo Bu. Reconocedlo, hay un momento siempre en los combates finales de ‘Dragon Ball’ en el que nos mosqueamos y pensamos que no es normal que un villano aguante tanto. Porque en esta saga lo vuelven a conseguir: los poderes del villano principal vuelven a aumentar y nos mostrará técnicas nuevas y omnipotentes.
Una nueva entrega con claros contrastes: homenajes a momentos clímax de ‘Dragon Ball Z’ por parte del sensei Toriyama intercalados con interludios cómicos plasmados en viñetas a página completa.
Si en el anterior número conocíamos un nuevo ataque especial de Son Goku, esta vez le toca el turno a Vegeta de lucirse con una poderosísima nueva técnica que deja al ‘Final flash’ en un petardo de feria.
A destacar un diálogo entre Vegeta y Son Goku que demuestra que son una de las parejas justicieras más carismáticas. Como en la gran tradición de las ‘buddy movies’ o películas de colegas (‘Arma letal’, ‘Limite 48 horas’, etc).
Terminamos un arco argumental de una manera bastante sorprendente y que nos genera muchas dudas. Suponemos que las soluciones nos las proporcionará el sensei Toriyama en el futuro. En todo caso este final es desconcertante a la par de humorístico, algo que es marca Toriyama desde los inicios de su primera obra, ‘Dr Slump’. Al final, aunque la situación parece bastante desesperada como dicen en ‘Star Wars’ ‘siempre hay un pez más grande’ (sabiduría jedi de Qui-Gon Jinn)
Y no. No es ni Son Goku ni Vegeta. Ni siquiera Trunks.
¿Que quien es? ahhhhh.
Lo descubrireis leyendo este manga. Pero sí que podemos adelantar que es un personaje nuevo muy de la marca de la casa, lleno de humor.
DIBUJO
Si hay una frase que puede resumir este número a nivel gráfico es: amor por los detalles. Los uniformes de combate destrozados, las sombras, las técnicas de combate, las heridas, ataques especiales, los escenarios apocalípticos ….
Toyotarô se ha esforzado regalándonos ilustraciones espectaculares a página completa, con los interludios cómicos.
Es capaz de imprimir una fuerza arrolladora en los momentos clímax de la batalla y aportar ese aire de cotidianidad que le gusta a Akira Toriyama, sobre todo en el epílogo.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En el anime, el villano en su forma final es bastante más abstracto que en el manga. No le encontramos una explicación salvo la de resultar más amenazador. No podemos decir nada más porque entraríamos en el terreno spoiler. Como siempre tenéis nuestras vías de contacto por si queréis que os resolvamos alguna duda en privado o si queréis algún especial de ‘Dragon Ball Super’ donde tratemos este tipo de cuestiones.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: septiembre de 2019. Precio: 2,95€.
La unión con los pendientes Pothara se deshace, pero Vegeta reconoce que Goku tiene más posibilidades que él de derrotar a Zamasu si lucha en plenas condiciones, así que le pide a Trunks que cure a su viejo rival y este, por fin, ¡pone a Zamasu en un aprieto!
Reseña
Pasado y futuro
Los fans de ‘Dragon Ball’, al igual que los de ‘Star Wars’, demandan cosas nuevas, pero… sin que se salgan del molde.
Dejando aparte polémicas como la nueva trilogía de ‘Star Wars’, los creadores de ‘Dragon Ball Super’ han sido prudentes con un ritmo adecuado, lo que ha parecido un aprovechamiento de la nostalgia, pero ha servido para cerrar cabos sueltos antes de llegar al primer gran villano de la serie.
Un villano omnipotente que pone contra las cuerdas a nuestros protagonistas. Y no solo con fuerza bruta si no con un plan bien elaborado. Aunque sabemos que Son Goku y compañía siempre salen victoriosos, la emoción radica en el suspense. ¿Cómo van a salir airosos de esta situación tan peliaguda?
En esta ocasión os hablaré del número 21 de ‘Dragon Ball Super’ (el 232 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku luchando contra el villano de la saga, homenajeando a uno de los combates clásicos de ‘Dragon Ball Z’.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y como esto es un no parar, al final del número podremos ver la portada del siguiente para recordarnos (o hurgar en la herida de la espera) de comprar la siguiente entrega.
GUION
Es un número enteramente dedicado a los combates contra el villano principal y todopoderoso. Entramos en rounds desesperados. Se intenta ganar tiempo. Se acaban las opciones, surgen giros de guion y un final de infarto.
Akira Toriyama habrá disfrutado configurando las habilidades del villano y dándole toda clase de poderes y técnicas nuevas que hasta ahora no habíamos visto en combates de ‘Dragon Ball’.
También vemos los diversos usos que se le pueden hacer al nuevo nivel de poder presentado en ‘Dragon Ball Super’ (no, no os lo vamos a decir, para no fastidiaros el suspense) sobre todo aplicándolo a una nueva técnica.
Además de eso, Son Goku nos muestra otra poderosísima nueva técnica.
Y no, no es el Kame-Hame- Ha.
Lo más impactante de este número es el momento cumbre, el golpe final resuelto con un triple giro de guion. Aunque os recuerde a un combate mítico de ‘Dragon Ball Z’, Toriyama le ha dado una vuelta de tuerca y un desarrollo inesperado.
Y el final. El impresionante final. Os recordará a otro momento clásico de ‘Dragon Ball’, pero no por ello dejaréis de aplaudir.
DIBUJO
Volvemos al debate sobre si Toyotarô es un buen sucesor para seguir con la obra de Akira Toriyama ya que en este número homenajea a dos momentos míticos de ‘Dragon Ball Z’
¿Homenajea? ¿copia descaradamente? ¿falta de identidad propia? Si Toyotarô tuviera mucha identidad propia no hubiera sido elegido para ser el sucesor que dibujase ‘Dragon Ball Super’, dejemos claro ese primer punto. Porque lo que quiere ver todo el mundo (incluyendo un servidor, me declaro culpable) es el estilo Toriyama. Y ya si eso, poco a poco ir evolucionando el estilo, como hizo Akira Toriyama en su día (no tienen nada que ver los diseños del primer Vegeta al del final de la saga del monstruo Bu)
Nuestro veredicto es que Toyotarô tiene estilo e identidad propia tiene a toneladas, pero es un dibujante muy prudente. Si, incluye un par de homenajes en momentos cumbres del número, pero durante el resto del combate, Toyotarô dibuja las nuevas técnicas y los movimientos del villano con una fuerza y un dinamismo que, siendo sinceros, al maestro Toriyama no le veíamos desde la época de Freezer.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Sobre todo, en el protagonismo de Trunks, que en el anime tiene un papel más luchador, pero allí su nivel de poder alcanzado es absurdo, no se explica de manera racional. Aun así, es uno de los mejores momentos del anime y mantiene una tendencia en la serie de mezclar niveles de poder, lo cual es muy divertido, porque eso en el manga no se hace tanto.
En el manga se intenta explicar la evolución de sus poderes, que no tienen nada que ver con la fuerza bruta.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta deciden unirse también ellos con los Pothara y hacer que Vegerot renazca, ahora combinándolo con el supersaiyano Blue. Con esta forma acorralan a la unión de los dos Zamasu, pero… ¡la unión solo dura una hora!
Reseña
Retroceder nunca, rendirse jamás
Un clásico de ‘Dragon Ball’ son los combates en los que nuestros héroes, aunque estén en apuros no se rinden nunca. El lector al final de este número se sentirá orgulloso de nuestros guerreros protagonistas porque nunca se rinden sea cual sea la circunstancia. Y eso le da un plus de emoción.
Nada tiene que ver ‘Dragon Ball Super’ a cuando empezó. Al principio Toriyama sabía que iba a contar la misma historia por tercera vez, después de ‘La batalla de los dioses’ y que la serie de anime ampliara con capítulos de relleno lo que no dio tiempo a contar en la película. La narración iba a toda prisa, incluido los combates. Se agradecía, pero era un efecto raro.
El segundo arco argumental (‘La resurrección de Freezer’) ni se llegó a mostrar en el manga haciendo solo una referencia verbal y fue a partir del tercer arco en el que el manga encontró su propio ritmo diferenciándose en pequeños detalles del anime. En esta última saga nos encontramos en un momento en el que hemos presenciado muchos combates, pero aún queda mucho por contar. Akira Toriyama no tiene prisa, como en los mejores momentos de ‘Dragon Ball Z’ y la pelea final contra Freezer.
Quizás Toriyama se lo puede permitir porque tiene a su ayudante dibujando, Toyotarô. Y cumple las expectativas con creces.
En esta ocasión os hablaré del número 20 de ‘Dragon Ball Super’ (el 231 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al villano de este arco argumental y el retorno de un personaje muy poderoso (y querido por los fans).
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’, por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (como siempre) con la miel en los labios.
GUION
Otro número cargado de combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas y lo más importante: ante las adversidades nuestros protagonistas sacan lo mejor de sí mismos. Son Goku otra vez solo ante el peligro, pero nos vuelve a sorprender.
Y Vegeta vuelve a demostrar que es el guerrero más orgulloso del espacio, pero además hace gala de una sabiduría y templanza sin precedentes. Tanto en este número como en gran parte de esta saga. Sin duda es el cerebro estratega del grupo. Akira Toriyama he descrito muy bien su evolución psicológica, pero eso no sentimos que este combate es un ‘más de lo mismo’
Volvemos a ser testigos de un nuevo nivel de poder en ‘Dragon Ball Super’. Un perfeccionamiento de un nivel ya visto explicado coherentemente (algo que en el anime prefieren ignorar en favor de la espectacularidad)
DIBUJO
Akira Toriyama concede nuevos poderes y técnicas (nunca vistos antes en ‘Dragon Ball’) al villano y el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, se encarga de plasmarlo de la mejor manera posible dejando a los lectores con una sensación parecida a las escenas futuristas de la película ’X-Men: días del futuro pasado’
Toyotarô saca el máximo partido a las viñetas con sus particulares ángulos y perspectivas. Que, en ese sentido, Toriyama es más tradicional, incluso en sus últimos trabajos (como en ‘Jaco, el patrullero galáctico’)
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Como hemos mencionado un poco antes, el manga se preocupa de explicar más los estados de poder y el anime nubla nuestros sentidos mediante la espectacularidad. En el anime también se centra en otros personajes (no solo en Goku o Vegeta) a la hora de combatir, pero en el manga su papel, aunque no sea tan combativo, es igual de importante.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio de 2019. Precio: 2,95€.
Cuando parecía que Vegeta y Goku dominaban sus respectivos combates, Goku Black y Zamasu utilizan un último recurso para acorralar a los dos saiyanos… ¡la unión con los pendientes Pothara!
Reseña
Aprende Thanos
Llegamos a un momento que estábamos esperando desde que empezó ‘Dragon Ball Super’. Aunque Akira Toriyama está contando historias nuevas, tenemos la suerte de que esa transición hacia lo nuevo, ha sido lenta y gradualmente. Porque la primera gran batalla seria y épica de ‘Dragon Ball Super’ tira de la nostalgia del fan de toda la vida.
El actual arco argumental nos vuelve a traer esos momentos de poder absoluto en el que auténticas fuerzas cósmicas se enfrentan en un duelo que va a decidir el destino del universo. Aprende Thanos.
En esta ocasión os hablaré del número 19 de ‘Dragon Ball Super’ (el 230 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Volvemos a tener otra portada remix de dos momentos épicos con un Vegeta majestuoso.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. La verdad que se agradece bastante tener una guía en el propio manga (a pesar de contar en la actualidad con un acceso ilimitado a internet)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (otra vez) con la miel en los labios.
GUION
En este apartado tenemos dos puntos de vista enfrentados:
Falta de originalidad por volver a recurrir a un concepto de ‘Dragon Ball Z’.
Una actualización ingeniosa de uno de los momentos cumbres y más aclamados de ‘Dragon Ball Z’.
Ante el primer punto de vista hemos de aclarar que en ‘Dragon Ball Super’ se ha recurrido frecuentemente al pasado de ‘Dragon Ball’ no por falta de ideas, si no para cerrar cabos sueltos y desarrollar situaciones, personajes y elementos que, en su día por el ritmo del éxito de la franquicia, Toriyama no pudo profundizar en ellos. Finalizaba una saga y tenía que pasar rápidamente a la siguiente. Akira Toriyama cerró el manga por puro agotamiento (como en muchísimos otros casos).
Con respecto al segundo punto de vista solo podemos decir que en este número recurren a una técnica (no lo vamos a decir para que como siempre, disfrutéis vosotros de la experiencia) que nos gustó tanto en su día que se nos hizo muy corto y el desarrollo de los acontecimientos (hábilmente orquestado por el sensei Toriyama) han propiciado de manera natural que se pueda volver a producir esa técnica.
Ya no tenemos que volver a recurrir al fan art para ver lo que oficialmente se nos ha presentado en este manga. Y eso hará feliz a los fans más acérrimos de la franquicia.
Seguimos con toneladas de combates, mucho humor, técnicas y contratécnicas, poderes nuevos… y no uno, sino dos giros de guion al final de este número que nos da una esperanza inesperada (y un montón de posibilidades para desarrollar a uno de los personajes principales por una vía totalmente inusitada) y una emoción extra porque la victoria será mucho más difícil de lo que pensábamos.
DIBUJO
Volvemos al mismo debate que se vuelve más peliagudo y menos respetuoso en las redes sociales por tratarse del discípulo y no del maestro.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ ha demostrado hasta ahora que sabe manejar el difícil equilibrio entre modernidad y tradición. En este número hay homenajes visuales muy claros a las sagas de ‘Dragon Ball Z’ pero también ha aportado una fluidez del movimiento y una intensidad necesarias para no quedarse atrás si lo comparamos con la espectacularidad del anime actual.
Pero no solo de los combates vive el prestigio del dibujante. Podemos disfrutar de una condensación narrativa maravillosa en la que tenemos dos flasbacks enmarcados por el cuadro de diálogo de uno de los personajes. Se que es difícil imaginárselo sin spoilers, pero por eso os animamos desde Moviementarios a que lo comprobéis por vosotros mismos.
Y por supuesto, no podemos olvidar destacar las ilustraciones a página completa.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Este número del manga corresponde con otro de los episodios mejor valorados en cuando animación de la serie.
Entonces… ¿que es mejor? ¿Anime o manga? ¿Tomo o grapa? ¿Playa o montaña? Ya empezamos con los debates… intentaremos responderos de la manera más honesta posible.
En el anime el combate es más igualado y el villano obtiene una transformación que no vemos en el manga. En todo caso, la nueva transformación se asemeja a diseños de animes actuales, y sus movimientos en combate le da un aire actualizado, no tenemos la sensación de ver un anime del siglo pasado. Por último, uno de los personajes protagonistas puede terminar de lanzar un ataque que en el manga no le da tiempo a completar, asistiendo a uno de los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Super’ (gracias a las técnicas digitales) y de toda la historia de ‘Dragon Ball’
En el manga predomina el humor en dicho combate y el villano está en clara desventaja. Esto provoca una exaltación y un entusiasmo en el lector, porque después de tantas penalidades de nuestros protagonistas por fin le dan la vuelta a la tortilla.
Desde Moviementarios no consideramos que el manga sea mejor que el anime ni viceversa si no que son claramente medios totalmente complementarios.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: mayo de 2019. Precio: 2,95€.
Trunks, junto a Kaiôshin y Gowasu, sobrevive como puede ante Goku Black y Zamasu. Goku y Vegeta vuelven al futuro para enfrentarse de nuevo a sus enemigos, y Vegeta pone a Black en un aprieto… ¡al transformarse en dios supersaiyano!
Reseña
Hasta el infinito (de poder) y más allá
Estamos ante número en que la escalada de poder del villano no tiene límites y que pone en apuros a nuestros protagonistas como antes no se había visto.
Al leer esta saga el lector se siente como en los años 90 cuando apareció la saga del monstruo Bu. Daba igual lo que hicieran los guerreros Z, el monstruo Bu se hacía más fuerte. Cuando creíamos que la situación la tenían controlada, un nuevo giro de los acontecimientos.
Esto demuestra que Akira Toriyama sigue siendo un maestro de la narrativa épica. Tiene preferencia por el humor, y podemos atestiguarlo en los primeros arcos argumentales de ‘Dragon Ball Super’ pero cuando se pone serio…podéis poneros un disco de Linkin Park que le vendrá como anillo al dedo a una lectura dragonbolera.
En esta ocasión os hablaré del número 18 de ‘Dragon Ball Super’ (el 229 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada remix de dos momentos de este número cuyo resultado final es una composición muy original. La misma portada indica el momento complicado de la historia en el que no sabes que va a pasar.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas actuales de temática parecida.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos la miel en los labios.
GUION
Combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas, sorpresas, referencias clásicas… Todo lo que esperaríais de un buen combate lo tendréis aquí, y lo más importante que nos sabemos cómo va a acabar.
La primera batalla larga y seria de ‘Dragon Ball Super’ que los fans buscaban desde el principio.
Y como viene siendo norma hace unas cuantas entregas, también tendremos un final de infarto. Esto puede frustrar a más de uno, no solo por la ansiedad de saber que pasará en el siguiente número (algo parecido nos pasó en el combate contra Célula en la antigua serie roja) pero luego se compensa cuando completas la saga y puedes leer el combate de seguido.
DIBUJO
Grandes combates y, sobre todo, ilustraciones a página completa. A los que os guste dibujar, disfrutareis de lo lindo.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, se esfuerza en mostrarnos varios estados de poder, cada uno con su característica forma de luchar.
El villano también tiene un estilo propio en la lucha y está dibujado de una manera única. Recordemos que el nuevo villano es un personaje nuevo de ‘Dragon Ball Super’ y Toyotarô se siente libre de poder aportar pequeños detalles tanto en su trazo como en su forma de luchar.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En esta saga, existen diferencias que corresponden a la narrativa propia de cada medio: personajes secundarios, situaciones, lugares, etc. como estas diferencias se han desarrollado poco a poco es como si fueran dos versiones de una película. ¿Cuál es el montaje del director? el manga por supuesto. Allí encontraréis todas las explicaciones que en el anime se pasan por alto.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: abril de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta vuelven del futuro derrotados, y han tenido que dejar allí a Trunks. Mientras Goku planea aprender el mafûba para vencer a Goku Black, Trunks debe hacer frente al enemigo sin la ayuda de los otros saiyanos.
Reseña
Revancha Saiyan
Estamos ante uno de los números determinantes de todo ‘Dragon Ball Super’, los personajes se juegan el todo por el todo… y esto nos encanta.
Un manga que huele a revancha, después de los sucesos acaecidos en los números anteriores. Pero también os avisamos (sin spoilers) que, a partir de ahora, ‘Dragon Ball Super’ entra en modo “poderes ilimitados, giros de guion imprevisibles, batallas sin fin” que ha logrado que los fans nos hayamos quedado sin uñas con las últimas noticias del manga en Japón, que ha conseguido la distancia suficiente para poder ir mucho más adelantado que el anime.
Porque ‘Dragon Ball Super’ es una rareza debido a los continuos testeos del mercado: primero fueron las películas, luego el anime y por último el manga, que tuvo que diferenciarse con acontecimientos ligeramente diferentes dándole un valor complementario.
En esta ocasión os hablaré del número 17 de ‘Dragon Ball Super’ (el 228 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada de las mejores en lo que llevamos de publicación en España: una composición clásica con los dos imponentes villanos a página completa, mientras vemos los rostros enmarcados en viñetas de Goku y Vegeta en modo supersaiyan Dios rojo (que a todo color queda espectacular) y Trunks en estado normal.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ destacando una página a todo color del primer tomo recopilatorio de estos números de la serie roja.
Si, es más pequeño, más transportable, más barato e incluye a modo trampa para que se compre si o si, capítulos exclusivos que extienden la historia. Pero qué queréis que os diga, el eterno dilema… ¿Tomo o grapa?
Los dos. Grapa para disfrutar a lo grande en casa, tomo para viajar.
No me volváis a preguntar, que os arruino.
GUION
Muchos giros de guion y combates espectaculares, y sobre todo un final de infarto en este número. No sólo se apuesta por la fuerza bruta, mostrándonos un poder nuevo la mar de práctico. Aunque no sea una técnica de combate espectacular… es muy efectiva. Y lo mejor de todo es que proviene de los orígenes de ‘Dragon Ball’ (Goku era enano y con cola, con eso os lo digo todo…)
No todo va a ser Kame-Hame-Ha.
Por fin se hace justicia a uno de los personajes en ‘Dragon Ball Súper’ mostrando su astucia y potencia de combate. Ya no hace falta recurrir a los fan-art para poder ver este nuevo estado de poder. Y lo mejor de todo es que tiene una justificación para su uso.
DIBUJO
Toyotarô aprueba con nota no solo con los combates de este número (que por así decirlo estamos todavía en un primer round, y todavía no se han destrozado los uniformes de nuestros guerreros, para que os hagáis una idea) si no en un nuevo estado de poder que llevábamos tiempo deseando ver en el manga. Toriyama le ha dado una justificación y Toyotarô lo ha plasmado a lo grande.
También a destacar los entornos apocalípticos que están muy bien detallados. Le aporta un grado de espectacularidad extra a este número.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Bastantes, pero sospechamos que por decisión editorial. Mientras que en el manga se apuesta explicar, justificar y concretar los niveles de poder, en el anime se apuesta por la espectacularidad. Que no nos quejamos, pero el fan exigente puede encontrar algún momento absurdo en el anime de varios estados de poder que se mezclan sin sentido alguno (aunque quedan muy bonitos, sobre todo en figuras de resina).
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: marzo de 2019. Precio: 2,95€.
En el día en el que cumple 30 años SelectaVisión nos informa que ‘Record of Lodoss War’ va a estar disponible en formato físico. Eso será este otoño, en concreto en Noviembre.
‘Record of Lodoss War (Las crónicas de Lodoss)’ es un anime que como muchos otros surgió antes de una obra escrita. Ryō Mizuno escribió unas maravillosas novelas con toques medievales y fantasía que tenían como motivo dar trasfondo al juego de rol Forseia. Es una historia de caballería, elfos, enanos y magia en la que el protagonista busca restaurar el honor de su apellido. Mientras en la isla de Lodoss ha surgido un poder maligno que los protagonistas pueden derrotar.
Tras reencontrarnos en OVAs y videojuegos con sus personajes ahora podremos regresar al anime de los años 90. Constará de las 13 OVAs y los detalles de la edición se irán desvelando en las redes sociales de la distribuidora los próximos meses. Por el momento nos han contado que se mantendrá el formato 4:3, fiel a la obra original. Para ir preparándonos SelectaVisión nos ha preparado 5 datos sobre la serie.
1. Inspiración: aunque este anime está basado en las novelas de Ryō Mizuno, estas a su vez se inspiraron en los juegos de rol (Forsela) al estilo de ‘Dragones y Mazmorras’. Este tipo de novelas, bautizadas como «novelas replays» en muchas ocasiones desarrollaban universos de ficción que se hacían más famosos que el propio juego en el que se basaban. Este fenónemo se ha dado con Record of Lodoss War, que se ha popularizado más allá de los fans de juegos de rol.
2.Los personajes: cuentan con las distintas razas del mundo fantástico, personajes habituales en los juegos de rol. Así, el protagonista es el caballero Parn, acompañado por el clérigo sanador Etoh, la elfa Deedlit, el mago Slayn y el enano Ghim, entre otros. Por supuesto, también cuenta con un bando tenebroso de elfos oscuros, hechiceros y brujos.
3.Su autor: es destacable que esta obra se base en las novelas escritas por Ryō Mizuno, quien era un auténtico jugador de rol. Su pasión por el género puede verse reflejada en la riqueza y caracterización de las distintas razas dentro de ‘Record of Lodoss War’, con sus propias culturas, lenguajes y convicciones.
4. La animación: este anime de 1990 es uno de los primeros en realizarse en forma de OVAs de 30 minutos cada una y con una animación prodigiosa hasta nuestros días. Esta se lleva a cabo por el estudio Madhouse, responsable de otras obras de gran calidad como la filmografía de Satoshi Kon y de Mamoru Hosoda.
5. BSO: la música del anime ‘Record of Lodoss War’ también es mítica y memorable. Con melodías épicas de fantasía, se trata de una banda sonora muy característica del universo que describe.
Tras descubrir que Goku Black y Zamasu son dos versiones de la misma persona y que se han aliado, Vegeta y Goku se enfrentan a ellos, pero a pesar de lo trepidante del combate hay algo con lo que no contaban: Black se puede transformar en el supersaiyano Rosé…
Reseña
Adictos a lo imprevisible
Ahora mismo el mayor aliciente que tiene ‘Dragon Ball Super’ no son los combates ni los villanos ni los nuevos estados de poder… es su imprevisibilidad: no sabemos por dónde va a tirar la historia.
Sabemos que normalmente Goku y compañía acaban siempre ganando, pero con tantos giros de guion es emocionantísimo. Volvemos los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Z’ en las sagas de Freezer y Célula. El recreo se convertía en un debate del congreso otaku improvisado.
Pero estos niños han crecido. Ahora son adultos que charlan por teléfono en el viaje de vuelta a casa a la salida del trabajo con los amigos que aprovechan que los peques están haciendo la siesta en casa.
En esta ocasión os hablaré del número 16 de ‘Dragon Ball Super’ (el 227 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada que funciona a modo viñeta flashback de uno de los villanos de este arco argumental. Porque todos los villanos tienen un origen (o no han sido malos desde el principio) Al final del número (como ha pasado en otras veces) se nos adelantan la ilustración del siguiente para ponernos los dientes largos.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Guerreros heridos en su orgullo. No todo iba a ser tan fácil y los protagonistas se enfrentan a su primera derrota. Tienen que esforzarse más. Y, sobre todo, pensar una estrategia. Un número con mucho suspense porque no sabemos en qué dirección nos llevará el maestro Toriyama.
A destacar la personalidad y psicología de Vegeta. Toriyama le describe como en sus mejores tiempos, pero por una motivación extraída de su evolución personal. Tradición e innovación. Solo en Japón.
Pero no estamos hablando de que sea un número tranquilo. Varios personajes se han quedado en una situación muy delicada y tenemos el corazón en un puño debido a los giros de guion y momentos de infarto.
No es que Akira Toriyama haya escrito unos villanos poderosos. Si no que son muy inteligentes con todas las cartas en su poder, porque tienen un plan muy bien elaborado. Además, la narración ya no se centra en conseguir el siguiente estado de superguerrero para vencer. Entran en juego muchos más factores y gracias a un gran elenco de personajes de los de toda la vida y nuevos personajes de ‘Dragon Ball Super’ que intervienen en esta situación, se van encontrando soluciones y estableciendo giros de guion imprevisibles.
Y por supuesto terminamos este manga con una viñeta impactante que nos deja con muchas ganas de más para el siguiente número.
DIBUJO
En los últimos números se puede observar que Toyotarô, discípulo de Akira Toriyama y dibujante oficial de ‘Dragon Ball Súper’, alterna la modernidad y la tradición.
Curiosamente en todo lo referente a los personajes nuevos de esta saga (tanto héroes como villanos) aporta su propio enfoque. En cambio, en los momentos más clásicos de toda la vida Toyotarô prefiere homenajear y ser fiel al estilo Toriyama. Aunque esta situación acrecienta el Déjà vu y se han producido polémicas en Internet, cualquiera que lea detenidamente el manga se da cuenta que Toyotarô está siendo respetuoso con la obra original.
Podréis daros cuenta de homenajes visuales a las sagas clásicas y Toyotarô nos regala viñetas espectaculares. En 16 números ha demostrado ser un digno sucesor y ha aportado frescura sin perder la identidad. Los fans no se pueden quejar con el dragón Shenron.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No es que el manga vaya más al grano que el anime, sino que es menos lioso. Aunque debemos reconocer que eso ayudo a encender nuestros debates y discutir apasionadamente como si volviéramos a tener 13 años. Ya que el anime nos llegó a España antes que el manga y tal como se nos presentó generaba inquietudes y polémicas dignas de la última trilogía de ‘Star Wars’.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: febrero de 2019. Precio: 2,95€.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
Reseña
Sin dolor no hay gloria
Llegamos a un punto que los fans estábamos esperando, en el que nuestros protagonistas están totalmente desesperados y no saben qué hacer. Las peleas son más épicas, giros inesperados… un clásico de ‘Dragon Ball Z’.
Hemos tardado, pero se agradece la cocción a fuego lento. Si hubiéramos visto este arco argumental al principio de ‘Dragón Ball Super’ la sensación sería de un ‘más de lo mismo’ (y realmente eso pasó con ‘La resurrección de Freezer’) para llegar a la épica de antaño se necesitaba subir la emoción gradualmente y desde este punto hasta lo último publicado esto es un no parar.
En esta ocasión os hablaré del número 15 de ‘Dragon Ball Super’ (el 226 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada nos encontramos con un personaje fundamental en este arco argumental. No vamos a desvelar nada más porque en moviementarios nos gusta transmitir nuestras impresiones pero que podáis ser los primeros en descubrir las sorpresas del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios no sólo de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ si no también de todas las demás obras de Akira Toriyama.
GUION
Un numero lleno de combates, como en los viejos tiempos. La épica aumenta gradualmente, alcanzando su clímax en un doble combate en la que sus giros de guion y sorpresas son en gran medida gracias a unas ganas de innovación por parte del maestro Toriyama creando nuevas (y exclusivas) técnicas de los antagonistas.
Se cambian las tornas para nuestros protagonistas y llegamos a esos momentos de dificultad que tanto nos gustan. La emoción y el suspense alcanza los mejores momentos de ‘Dragon Ball’ y nuestros héroes acaban saliendo del aprieto (una batalla, no la guerra) recurriendo al pasado de la serie con astucia (no todo va a ser fuerza bruta) y terminamos el número con un momento de esos que nos dejan con el corazón en la garganta.
DIBUJO
Toyotarô está totalmente cómodo dibujando la saga siendo fiel al estilo tradicional con los personajes conocidos e innovando con los nuevos personajes antagonistas (ángulos, trazos, perspectivas). Es como si sintiese una libertad de hacer el dibujo más suyo cuando se trata de algo nuevo. Gracias a esto podremos disfrutar de verdaderos hallazgos visuales.
Y es impresionante que ni Toriyama en sus mejores tiempos ha dibujado un entorno tan detallado (también es verdad que tenía una presión enorme). En este caso nos referimos a un futuro postapocalíptico que os recordará a los buenos tiempos y hará disfrutar a los más exigentes.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
La versión del manga es buena, sobre todo recurriendo a una variedad de técnicas impresionante y no se hace nada aburrido. No te da la sensación de leer ‘otro combate más’, pero si es verdad que la versión de anime es más espectacular que el manga, ocupando todo un capítulo de la serie y calificados como uno de los mejores animados hasta ahora. Uno de los aspectos más curiosos es que en el anime se le da más importancia a Trunks a la hora de combatir, pero su papel en el manga es mucho más ingenioso.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2018. Precio: 2,95€.
En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.
Reseña
El fin del principio
El viaje del héroe nunca tiene fin. Escrito así parece que estamos refiriéndonos al marketing de Marvel y DC para estirar el chicle de la gallina de los huevos de oro. Pero en el caso de ‘Blame!’ a pesar de parecer una historia tan simple (un viaje, un pistolero silencioso y letal, una misión, un mundo desorientador y apocalíptico…) recuerda mucho a ‘La torre oscura’ (de la que os hemos hablado ampliamente en Moviementarios) abarcando muchísimos temas y cuestiones existenciales basándose en los simbolismos, las imágenes, la libre interpretación y en relecturas donde siempre se descubren cosas nuevas.
En este último tomo volvemos a la esencia de la obra que la hace tan hipnótica desde sus inicios. La conclusión final de ‘Blame!’ es que lo importante no es tanto el destino si no el viaje.
Estamos ante una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que son una parte fundamental de ‘Blame!’. Al ser mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, podremos disfrutar de la inmensidad del mundo que tiene que recorrer nuestro protagonista. Hay momentos en el que casi podréis sufrir agorafobia.
Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que podremos disfrutar del escenario, verdadero protagonista de ‘Blame!’.
A lo largo de las reseñas de este manga, he intentado dar muy pocos detalles de la obra (como mucho habré dado el nombre del protagonista) centrándome en las sensaciones que provoca esta historia, para que podáis disfrutar de ‘Blame!’ descubriendo todo vosotros solos, y por ser el último artículo no voy a romper esa regla, pero creo que es justo que os mencione una anécdota para que os hagáis una idea concreta de la escala épica de este viaje.
Para que veáis la inmensidad de este universo, en un momento dado del tomo, hacia la mitad, el protagonista entra en una habitación, hay una escalera. Y uno de los personajes que está con él le dice “es una escalera que tiene 3000 kilómetros”.
Cuando el protagonista llega al final de la escalera, descubre otro mundo (y sus peligros) y nosotros nos damos cuenta de que aún le queda muchísimo para llegar a su destino final.
El lector de ‘Blame!’ siempre acaba descubriendo que llegamos al fin… del principio.
GUION
Volvemos a los encuentros casuales de nuestro protagonista con diversos e inquietantes personajes. Y una trama paralela que como siempre, acaba descolocándonos del espacio y el tiempo.
Acabamos también una trama importante (relacionada con el objetivo del protagonista) que se inició hace unos cuantos tomos. Supondrá redenciones y evoluciones de personajes secundarios.
Conocemos nuevos mundos, sin rastro de tecnología y muy oníricos. También tenemos nuestra nota de humor con un secundario cómico que nos alegrará el camino y compensará el silencio del protagonista.
Y por último el final. El dichoso final.
Es un final que os puede romper la cabeza y que está a la altura de referentes cinematográficos que prefiero no mencionar ahora mismo porque seguramente os daría pistas. Pero, aun así, iniciareis un camino de búsqueda de las respuestas de ese final. Os enfadareis (como hice yo en su día) reflexionareis, buscareis en Internet… Si queréis respuestas después de este viaje podréis escribirnos a Moviementarios y en privado compartiremos conclusiones.
Solo os puedo adelantar que la última viñeta refleja el espíritu de este manga.
DIBUJO
Se nota que es el final y nuestro autor se ha esforzado en dibujar a los antagonistas más amenazadores que nunca. Y escenarios atemorizantes… que te hacen sentir muy pequeño. La inmensidad de los espacios puede provocar agorafobia. Avisados estáis.
A destacar los diseños del pequeño interludio onírico, una rareza en ‘Blame!’ que haría las delicias del director Tim Burton.
Y la última viñeta. Cumple su función. Impacta, desorienta y maravilla a partes iguales.
Ficha del cómic
Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 338 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación: abril de 2018. Precio: 20€.
En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.
Reseña
La ecuación más hermosa del mundo
Es indudable que las ecuaciones matemáticas son imprescindibles para entender las leyes que explican el funcionamiento del universo. Muchas son muy complejas y la belleza en las ecuaciones suele residir en su simplicidad y elegancia. Al igual que las respuestas que nos proporciona la filosofía a las preguntas existenciales que siempre han angustiado al ser humano.
En este tomo, Tsutomu Nihei, su autor, intenta abordar cuestiones existenciales de una forma sencilla y elegante, sin apoyarse en los diálogos ni en las explicaciones redundantes.
Gracias a que este manga se ha apoyado mucho más en las imágenes y el simbolismo es más fácil que esta historia triunfe donde han fallado otros mangas de ciencia ficción, como la continuación ‘Ghost in the Shell’ o ’Neon genesis evangelion’
La edición de lujo o Master Edition de gran tamaño ayuda a la intención del autor, no podréis evitar mirar embobados las grandes ilustraciones reflexionando sobre el mensaje de la obra.
Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en la que podremos disfrutar de un momento épico del combate entre nuestro protagonista Killy y la villana de ‘Blame!’.
GUION
Es un tomo cargado con mucha información sobre aspectos técnicos de este universo (que emocionará a los fanáticos de la informática) y nuevas incorporaciones que en muy pocas páginas se convierten en personajes tan carismáticos como nuestro protagonista Killy.
Finalizamos otro arco argumental más oscuro que el anterior en el que la acción, los combates y el peligro son constantes. Todo este cóctel explosivo está intercalado con momentos existenciales que finalizan en un clímax alucinante.
Y en el último tercio del tomo volvemos a simplificar la ecuación.
Nuevos misterios, mucha más oscuridad, nuevos personajes, nuevas preguntas, desorientación y nuestro protagonista contra el mundo, contra la inmensidad. El entorno postapocalípticamente cyberpunk que le rodea no le amedrenta en ningún momento. Y eso os dará la seguridad para seguir adelante y continuar leyendo las aventuras de nuestro protagonista, aunque no comprendáis lo que está pasando.
Parece que en la siguiente historia nuestro protagonista va un paso por detrás de su búsqueda, pero su distinguible seña de identidad (la perseverancia extrema) es un punto a su favor.
DIBUJO
Podemos notar una constante en la obra: en los clímax finales puede parecer el dibujo un poco farragoso, pero no va en detrimento de la espectacularidad o la narrativa. Al inicio del siguiente arco argumental volvemos a los escenarios oscuros y a la importancia en las grandes estructuras que dan un ambiente terrorífico, desolado, de pesadilla.
Podremos disfrutar de una multitud de combates diferentes con nuevas armas, diseños, antagonistas, transformaciones…siempre sorprendiéndonos, mostrando nuevos mundos a cada paso que dan los protagonistas.
Ficha del cómic
Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 352 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación: febrero de 2018. Precio: 20€.
En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.
Reseña
Más de lo que podemos imaginar
En cuestión de historias (y sobre todo las épicas) todo tiene un principio y un final, pero realmente, aunque muchos fans lo deseemos (las continuaciones) para lo que realmente no estamos preparados es ante la inmensidad, el infinito. Que algo no tenga principio ni final… para el ser humano es algo extraño. Por eso nos fascina quizás tanto el fin del mundo.
Como decían personalidades tan ilustres como el físico teórico Werner Heisenberg o el genetista y biólogo evolutivo J.B.S Haldane “no es que el universo sea más extraño de lo que imaginamos, es que es más extraño de lo que podemos imaginar”.
En ‘Blame!’ sucede algo parecido, su autor Tsutomu Nihei, está empeñado en demostrarnos que el universo es más extraño de lo que podemos imaginar. Y después de cerrar en este tomo un arco argumental muy claro y épico, nos devuelve casi al punto de partida, tanto al protagonista como al lector, ante la inmensidad de un espacio arquitectónico difícil de imaginar.
‘Blame!’ tiene muchos paralelismos con otra saga literaria con la que estoy obsesionado: ‘La torre oscura’ (de la que os he hablado ampliamente en Moviementarios). Sus protagonistas son unos pistoleros misteriosos que tienen un solo objetivo, van en busca de “algo” en un mundo que no parece tener ni principio ni fin.
Aunque al menos Stephen King hace un aviso importante a sus lectores cuando termina ‘La torre oscura’, porque les espera un epílogo que los va a llevar mucho más allá. O se pueden contentar con un final cerrado o arriesgarse a buscar la verdad hasta el final.
Por eso advierto a los que nos estén leyendo que si quieren parar después de terminar el arco argumental en el que se basa la adaptación de Netflix… que paren.
Lo que viene a continuación es la búsqueda de la verdad. Con mayúsculas.
Hay que reconocer que la edición de lujo (o Master Edition) no es la más adecuada para llevársela de viaje por su gran tamaño, pero es imprescindible para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que dibuja Tsutomu Nihei y sobre todo para sacarle partido a sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Su orden de lectura es de sentido japonés, al contrario que la primera edición que nos llegó a España hace muchos años.
Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que en el que vemos a los dos protagonistas de la historia.
GUION
Cerramos un arco argumental que supone un tercio de este tomo. Entre todos los personajes y facciones destaca una villana que ya ha dejado huella en este manga. Y volvemos al punto de partida. Volvemos a la oscuridad, a la búsqueda, a nuestro protagonista acompañado de un único personaje. En definitiva, a la fascinante desorientación espacial tan característica de este manga.
Otro aspecto bastante atractivo de ‘Blame!’ es la cabezonería de su protagonista por llegar a su objetivo a pesar de las adversidades. Recuerda mucho a ‘La torre oscura’ y a más de uno os servirá como fuente de inspiración ante cualquier reto que os hayáis planteado.
Conocemos nuevos personajes, tanto protagonistas como antagonistas, que son bien retratados en sus motivaciones.
DIBUJO
El maestro Nihei nos vuelve a sorprender con un estilo arquitectónico postapocalípticamente cyberpunk. El escenario es un personaje en sí mismo, con tramos pesadillescos y pasillos interminables por los que más de uno no le gustaría aventurarse.
Hay un curioso contraste, el dibujo cambia de un arco argumental a otro. Los combates son un poco más confusos al principio del tomo, pero eso no es un problema por el clímax emocional con tanto giro de guion (¿cómo acabará?).
En la siguiente mitad del tomo, aunque todo se vuelve mucho más oscuro y tétrico, los combates son más fáciles de seguir, con nuevos personajes y habilidades.
Ficha del cómic
Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 368págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación: noviembre de 2017. Precio: 20€.
En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.
Reseña
El prestigio
Arthur C Clarke, maestro de maestros de la literatura de ciencia ficción, escribió una vez “cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia”.
En ‘Blame!’ ocurre eso y como en ‘2001, odisea en el espacio’, es una historia que se apoya mucho en las imágenes, en la ambientación (su autor, Tsutomu Nihei, fue arquitecto) y menos en diálogos o en los personajes. Es una obra abierta a muchas interpretaciones… y ahí reside su encanto. Puedes leerlo una y otra vez que siempre te provocará sensaciones nuevas.
Y ya que mencionamos la magia, todo espectáculo de este tipo consta de tres actos: el primero es la presentación, el segundo es la actuación y el tercero es el prestigio.
En la presentación el mago (Tsutomu Nihei) nos muestra algo ordinario. En este caso un puñado de historias cortas con un único nexo en común, el viaje de su protagonista. Esto ejerce una fascinación en el lector, porque supone un reto ya que nos presenta unos escenarios, armas y enemigos espectaculares, pero no se detalla nada de la trama. Esto ocurrió en el primer tomo.
En el segundo acto, la Actuación o giro, el mago consigue hacer algo extraordinario, y nos presenta una estructura narrativa clara, concretando los diversos bandos que se mueven en ese universo, los objetivos de los personajes, hacia donde se dirige la historia… de repente todo empieza a cobrar sentido y el lector se siente poderoso. Ya sabe cómo irá la historia.
Es extraordinario, sí, pero aún no vemos la magia.
Y en el tercer acto que corresponde a este tercer tomo, viene la parte más complicada: el prestigio. El mago se juega su prestigio ante el público.
Cuando creíamos que sabíamos de qué iba ‘Blame!’ el autor nos hace un juego muy a lo Christopher Nolan. Os será difícil incluso situaros en el espacio y el tiempo. Como si ‘Origen’ e ‘Interstellar’ se hubieran fusionado con ‘Hellraiser’.
Es una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que se marca Nihei y es mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, con lo cual podremos disfrutar de sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Y un orden de lectura japonés (la primera edición era de sentido occidental).
Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición (una de sus antagonistas, en una misma ilustración desde diferentes perspectivas).
GUION
El tercer tomo abarca en gran parte la adaptación del anime de ‘Blame!’ que tenéis disponible en Netflix y a pesar de que estamos en un arco argumental bastante claro, en su segundo acto, Nihei lo vuelve a conseguir y nos vuelve a descolocar, aprovechando para beber de mil y una referencias pasadas por su filtro cyberpunk: las historias de caballería, la fantasía heroica, cultura cybergotica, la física cuántica…
También a destacar la complejidad de las facciones y organizaciones que se presentan en este rico universo, en contraste con los encuentros aleatorios de nuestro protagonista al principio de la historia.
DIBUJO
Tsutomu Nihei nos intenta compensar la desorientación argumental con grandes estructuras a doble página que hipnotizan y acongojan a partes iguales. La inmensidad es un concepto que este autor maneja muy bien y hace sentir al lector muy pequeño.
El autor sigue reinventándose en los diseños. Podemos ver variaciones y evoluciones ya vistos con anterioridad: androides, robots, maquinas, armas… y seguimos notando las claras influencias de H.R Giger y Clive Barker.
En cuanto a las escenas de acción podemos disfrutar de muchos enfrentamientos con más personajes, pero los momentos culminantes siguen siendo los de nuestro protagonista, Killy y su lanzador de partículas gravitacionales.
Ficha del cómic
Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 360 págs., tapa blanda, blanco y negro. Publicación: septiembre de 2017. Precio: 20€.
Surgida de un manga creado por Q Hayashida (editado en España por ECC) tenemos ya en Netflixla serie de doce episodios de veinticinco minutos ‘Dorohedoro’. Un anime que os digo desde ya que tenéis que ver si sois consumidores habituales de anime y añoráis las series de los años noventa. También os gustará si os va el estilo directo, el humor macabro y los argumentos estrafalarios y fantásticos. Me ha encantado por ser capaz de devolverme al estilo sin tapujos de hace más de veinte años acompañado además de un dibujo similar al de aquella época e incorporando algunos movimientos y detalles que claro está, son debidos a las técnicas actuales.
Yûichirô Hayashi (‘Batman: Gotham Knight’, ‘Kakeguri’) dirige con algún que otro director de apoyo y Hiroshi Seko (‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’) escribe. Este mundo en el que el estudio Mappa y Netflix nos invitan a entrar está ambientado en la ciudad de Hole (Agujero). Un lugar sucio y se podría decir que futurista desde el que pasamos a otro mundo mágico. Es ahí donde el protagonista es víctima de un experimento de un mago que le deja convertido en un hombre con cabeza de reptil, que además pasa a ser inmune a la magia. Eso despierta el interés de otros magos que empiezan a perseguirle mientras él añora recuperar su memoria y su rostro.
Caiman es un personaje con cabeza sauria que podría haber salido perfectamente de la película de ‘Super Mario Bros.’, por su dibujo y por su carácter. Es un tontorrón y osado protagonista que sigue casi los mismos esquemas de los personajes principales de series como ‘Golden Boy’, ‘Trigun’ o ‘Louie, el guerrero de las runas’. Es osado, a veces inconsciente, algo pardillo y muy glotón. Te partes con él aunque se encuentre embadurnado en sangre en plena pelea.
Se topa con una compañera de armas (Nikaidō) que le ayuda en su búsqueda gracias a sus habilidades y su cocina. Juntos se tienen que enfrentar a todo tipo de magos, con especialidades muy variopintas. Dos de ellos me recuerdan mucho a los personajes Hazel y Cha Cha de ‘The Umbrella Academy’ y también a Travolta y Jackson en ‘Pulp Fiction’. Ningún personaje en esta serie está en sus cabales, todos tienen alguna rareza y eso la hace muy divertida y versátil.
La trama lleva a Caiman a momentos cada vez más peligrosos, según va desentrañando su pasado. Algunas teorías apuntan a que ‘Dorohedoro’ viene de traducir el título por partes: barro (doro) y lodo (hedoro). Podemos aprovechar muy convenientemente la expresión “de aquellos barros estos lodos” para aplicarla a lo que le pasa a Caiman y a las consecuencias derivadas de lo que ha hecho en su pasado.
¿Cómo investiga? Matando y metiendo la cabeza de los magos a los que se enfrenta en sus fauces, para que el hombre que tiene dentro vea si les reconoce y averiguar así si alguno de ellos es el causante de su mágica mutación. Hay mucha sangre y magia entremezclada en este anime. Si la acotamos hay que introducirla en las series de tipo seinen, para adultos. Es un disfrute de momentos ridículos con amputaciones y despellejamientos de caras.
También cabe señalar que es muy rarita. Los magos realizan su magia a través de un humo que exhalan. Y esto pueden hacerlo a través de su boca o mediante heridas autoinfligidas en los dedos, por ejemplo. No solo experimentan poniendo cabezas de pulpo o loro a las personas, también les convierten en kafkianas criaturas como una cucaracha gigante o en setas comestibles. Los magos, por cierto, llevan todos máscaras, algunas de ellas con formas tan excéntricas como un corazón humano o un pavo (si, a lo Friends).
Me ha encantado ese capítulo en el que unos monjes recorren la ciudad cual Moza de Ánimas en La Alberca y luego todo desemboca en una cacería anual de muertos vivientes. Hechiceros, zombies, demonios, mutantes, tecnología ciberpunkarra… Enganchado a ‘Dorohedoro’. Quedo a la espera de ver si os gusta tanto como a mi y si llegan a España las seis OVA’s que van a lanzarse a parte de esta serie, creo que en futuros lanzamientos en formato Blu-ray, porque de ellos va a depender el desenlace de esta historia que por desgracia se ha quedado colgada.
En el programa especial sobre cine basado en cómics que subimos a nuestro canal de Youtube ya os hablamos de la que es la primera película de la franquicia. Los personajes ya han pasado por el formato del manga y el anime (serie) y ahora aterriza en España el filme ‘My Hero Academia: Dos Héroes’.
Su estreno tendrá lugar a partir del 22 de mayo plataformas digitales y Home Video. Podrá adquirirse en iTunes, Google Play, PSN, Filmin, Movistar, Vodafone y Rakuten, además del clásico formato físico DVD y Blu-ray este verano de 2020.
La duración del filme es de 96 minutos y su director ha sido Kenji Nagasaki quien ha dirigido también la serie y la segunda entrega que está por venir.
Mientras que esta primera películaya estaba contemplada por la distribuidora SelectaVisión para lanzarse directamente en formato Home Video, la segunda película de la franquicia ‘My Hero Academia: El Despertar de los Héroes’ se estrenará en cines de toda España tan pronto como la situación sanitaria lo permita, tal como estaba previsto.
Por dentro no tiene el mismo alma y por fuera no es eficiente
Es curioso que el último episodio, el doce, de esta nueva serie sobre ‘Ghost in the Shell’ se llame ‘Nostalgia’. Ya podían aplicarse el ejemplo de su trama, pasar página y dejar el pasado atrás. Porque uno ya no sabe como tomarse el que se retome una y otra vez una historia tan mítica, clásica y referente de la ciencia ficción cyberpunkarra como esta. Todo partió del manga de Masamune Shirow y desde entonces hemos tenido serie de anime, varias películas de animación, videojuegos, el live action con Scarlett Johansson y Takeshi Kitano (crítica aquí)… Ahora Netflix mete mano a este producto y publica ‘Ghost in the Shell SAC_2045’.
Con el tiempo se ha ido perdiendo el toque original de ‘Ghost in the Shell’ y esta ya es una versión desdibujada de lo que debería ser, ya os diré más abajo porqué además esto tiene un sentido literal. Lo que más se nota tras acabar la serie es que no hay una meditación cavilada y desarrollada en esta serie. No es capaz de generar reflexiones como anteriormente. Y aburre. No por sus superficiales divagaciones si no porque se evade mucho de la trama principal o la aborda demasiado desde la diplomacia. Se va a temas como la economía global, el acoso infantil, la crueldad de la gente en la red… pero en momentos puntuales, sin profundizar.
Esta es una nueva historia muy política, algo detectivesca y militar que sucede unos catorce años después de que se disolviese la Sección 9. Por supuesto tiene acción pero es más escasa y vibrante que de a menudo. Al menos la tecnología está constantemente presente y la serie vuelve a sorprendernos con algunos diseños de artefactos muy originales.
El caso es que desde el principio a mi me ha perdido. Y es que no comparto este estilo de animación que se está usando tanto en Japón. Es una estética similar a la que se ha empleado en series como ‘Ultraman’, ‘Los Caballeros del Zodíaco’ o juegos de ‘Dragon Ball’. Y no la veo para nada eficiente salvo por el hecho de que se parece a un dibujo manga al que le han aplicado directamente volumen. Las nuevas versiones de los personajes no cuadran con el paisaje, esto se nota de una manera mayúscula en el último episodio donde tenemos una aldea y un bosque estupendamente realizados y son recorridos por vehículos e individuos hechos pobremente. Los directores de esta serie son Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, ambos directores de ‘Ultraman’. Parece que uno ha estado a cargo de la animación de los elementos móviles tales como vehículos, robots y humanos y otro al mando de los escenarios. Y nadie al timón del doblaje, porque (y hablo de la versión original que es la que está disponible) está fatalmente doblada, con mucho desfase con las bocas que ya de por si tienen un movimiento muy torpe. O bien ‘Ghost in the Shell SAC_2045’ es parca en detalles ahorrando en texturas o bien usa elementos casi realistas, muy contradictorio. Por lo menos las luces están bien trabajadas.
En algunos aspectos procura ser adelantada a su tiempo, como hace con el planteamiento de las llamadas «Guerras sostenibles» o con los movimientos que hace con las monedas a nivel internacional. Usa esto como herramientas junto a una nueva amenaza para volver a reunir una vez más a los miembros de la Sección 9, que acaban por hacer lo mismo de siempre a pesar de comenzar ubicados en un ambiente bien diferente.
Regresan por lo tanto la Mayor Motoko Kusanagi, como siempre algo sexualizada, Saito, Bato, Aramaki, Togusa… Por supuesto se han añadido nuevos personajes, bastante carentes de carisma y que sirven sobre todo a esa trama de politiqueo. A parte están los «posthumanos» que vienen acompañados en sus momentos clave del ridículo sonido de una tecla de piano que no es para nada eficiente.
Si el incidente de «El hombre que ríe» tenía paralelismos con ‘El guardián entre el centeno’ en esta nueva etapa se ha querido enlazar con el ‘1984’ de Orwell, como se ha hecho tropecientas veces. Pero esto sucede prácticamente solo en su tramo final y además de un modo que parece casi superfluo. Si consigues llegar hasta el último capítulo acostumbrándote a los inexpresivos rostros, la trama política presente en exceso y las poco dinámicas peleas comprobarás que encima tras doce episodios nos dejan con un final excesivamente inconcluso. Creo que se logra una cinemática más elaborada con este tipo de animación pero no es tan fluida, se pierden muchos detalles, se transmiten menos sensaciones e incluso se pierde espectacularidad, el precio no vale la pena.
Repasamos los estrenos inspirados en cómics de 2020
Este 2020 nos quedan unas cuantas películas inspiradas en cómics y mangas por estrenar. Ya que por motivos de fuerza mayor como es la crisis del coronavirus estamos en un paréntesis cinematográfico en el que de momento se han aplazado casi todos los estrenos (si no van a alguna plataforma online) vamos a aprovechar para hacer recapitulación de todas esas películas que ya hemos visto y las que quedan por venir, como pueden ser ‘Wonder Woman’, ‘Viuda Negra’, ‘Los nuevos mutantes’, ‘The Kingsman’, ‘Eternals’, ‘Lupin III: The first’, ‘Morbius’ y muchas otras.
Para eso el equipo de Moviementarios hemos reunido a dos grandes expertos en cómics. Ellos son Juan Rodríguez de Cómic para Todos y Alberto Garrido de Tomos y Grapas. En la tertulia hablamos de nuevas fechas de estreno, recomendamos cómics, comentamos películas ya estrenadas como ‘Aves de Presa’ o ‘Bloodshot’, descubrimos curiosidades… Así os hacemos compañía en estos días de encierro y nos prepararnos para el resto del año.
El 15 de mayo llegará a los cines españoles la película más esperada de Lupin III, el ladrón más elegante que se ha convertido en un icono a nivel internacional. Basada en el famoso manga de Monkey Punch, Lupin III y su banda se embarcan en una nueva aventura, por primera vez en animación 3D y bajo la dirección de Takashi Yamazaki (‘Doraemon: Stand by Me’ y ‘Friends’).
Su distribuidora, Selecta Visión ya nos ha hecho llegar un póster.
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
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