Con Russell Crowe, Milo Ventimiglia y los hermanos Liam y Luke Hemsworth
El thriller bélico ‘Misión hostil’ reúne en su reparto a rostros del cine de acción como RussellCrowe, los hermanos Liam y Luke Hemsworth o Milo Ventimiglia. La película de William Eubank (‘La señal’, ‘Underwater’, ‘Paranormal Activity: Allegados’) llegará a los cines españoles el próximo 19 de abril1 de mayo a través e YouPlanet Pictures.
Sinopsis oficial:
Reaper (Russell Crowe) es un piloto de drones de la Fuerza Aérea que apoya una misión especial en el sur de Filipinas. Tras ver movimiento en la jungla durante su reconocimiento aéreo, la situación toma un vuelco inesperado. El equipo de tierra, en el que se encuentran el sargento Kinney (Liam Hemsworth) y sus compañeros, es atacado de manera fulminante y capturado por un grupo de insurgentes. Reaper tiene 48 horas para remediar lo que se ha convertido en una salvaje operación de rescate de alto riesgo.
De la noche a la mañana, Vincent empieza a ser atacado por personas desconocidas sin motivo aparente. Cuando las agresiones se descontrolan, se ve obligado a huir. Pero ¿a dónde?
Crítica
Capaz de desconcertar al espectador y al protagonista con su repentina violencia
Se acaba de estrenar ‘Dream Scenario’ con Nicolas Cage como protagonista. Una película de la cual se pueden extraer múltiples lecturas, una de ellas guarda una estrecha relación con ‘Vincent debe morir’. Y es que ambos protagonistas, así sin comerlo ni beberlo, empiezan a sufrir una ofensa en público. En ambos filmes podemos establecer una metáfora con nuestra actualidad, con nuestra realidad digital. Y es que muchas veces en las redes sociales se apalea verbalmente y se acosa a personas, por desgracia estamos acostumbrados a las ya popularmente llamadas “cancelaciones”. Muchas veces el disparador que da voz a los ofendiditos es algo a priori trivial, en otras las personas que son el foco del odio anónimo ni siquiera saben de dónde viene esa oleada de ataques. Todos sabemos que es muy fácil cargar contra una persona escondiéndose en el anonimato y el amparo de la turba. Por eso lo que ‘Vincent debe morir’ nos pide es que no cedamos ante esa especie de desahogos malsanos y procuremos antes conocer a las personas y la historia que hay detrás, fomentando así una sociedad más sana.
Stéphan Castang intenta transmitirnos eso y más a través de una historia de vertiente fantástica en la que el protagonista comienza a sufrir ataques esporádicos y violentos allá donde va. Metáfora, humor negro y algo acción que va muy lentamente in crescendo son las herramientas de esta incómoda y enigmática película. Vincent se encuentra rodeado de peligro por todas partes, a lo Keanu Reeves (perseguido por los asesinos de John Wick o por las múltiples posesiones de cuerpos del Agente Smith). Eso hace que nos transmitan que prácticamente no hay cobijo cuando todo se vuelve inexplicablemente en contra tuya. No es difícil ponerse en la piel del protagonista.
‘Vincent debe morir’ empieza rápido pero le cuesta mantener el ritmo, quizá porque intenta ser introspectiva y no ser otro filme postapocalíptico más. La espiral de odio aparece pronto y crece poco a poco pero no aprovecha la tensión acumulada o el impacto de algunas escenas duras y reales que injerta en el montaje. La agresividad es un recurso fácil y contagioso, por eso parece que ser un hater es cada vez algo más común y aceptado. Igual sucede con la violencia explícita que se reproduce gratuitamente en nuestros smartphones. Es algo que todos sabemos que está mal y nos parece incomprensible que suceda, ese mismo desconcierto siente Vincent. Es una película sencilla pero con medios bien empleados, si consigue transmitirte eso mismo digo yo que habría que considerarla por lo menos como una película que debería tener una buena vida en las salas de cine y no sufrir ningún escarnio como el que experimenta su protagonista, obligado a huir a lo más recóndito.
Eso sí, por muchas interpretaciones que le puedas dar ‘Vincent debe morir’ cierra sin ser implícita, se acota demasiado a al subtexto. Nos podemos quedar conque esto consiste en dotar de algo de comicidad negra a una reflexión sobre la violencia y la condición humana. Pero toda reflexión debe llevar a una conclusión, aquí no la vemos.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Vincent doit morir. Duración: 115 min. País: Francia. Dirección: Stéphan Castang. Guion: Mathiew Naert. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Jean-Rémi Chaize, Ulysse Genevrey, Karoline Rose Sun. Producción: Capricci Films, Bobi Lux, Gapbusters, Arte France Cinema, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial:https://laaventuracine.com/vincent-debe-morir/
A los seis meses de una solitaria misión de investigación en los confines del sistema solar, el astronauta Jakub (Adam Sandler) se desespera cuando se da cuenta de que su matrimonio quizá no aguante hasta su regreso a la Tierra. Pero en las entrañas de la nave anida un misterioso ser ancestral que lo ayudará a arreglar las cosas con su mujer, Lenka (Carey Mulligan). La criatura, llamada Hanuš (con la voz de Paul Dano en la versión original), repasa con Jakub los escollos de su relación antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Tediosa sesión de psicólogo pseudocientífico de una tristeza constante
‘Spaceman of Bohemia’, el libro de Jaroslav Kalfar, sirve de base para ‘El astronauta’. Para esta adaptación se ha mantenido el origen del protagonista, la República Checa, e incluso se le ha brindado un ambiente propio de la Checoslovaquia soviética. Es una obra donde el escritor volcó muchas inquietudes de su pasado y el director Johan Renck ha mantenido el toque intimista. La propuesta parece sobria y aburrida y el resultado es tal y como suena. Era de esperar la parsimonia que presenta el montaje, pues este director ha trabajado en series como ‘Breaking Bad’ o ‘Chernobyl’, pero lo que mata a ‘El astronauta’ es su continuo carácter meditabundo, filosófico, pseudocientífico y ante todo, triste.
A muchos les chocará ver a Adam Sandler en una película tan apesadumbrada, pero alguno de los últimos trabajos que ha hecho para Netflix, ‘Diamantes en bruto’ o ‘Garra’, ya auguraban que el actor se encuentra en la fase más “seria” de su carrera. En esta ocasión se mete en la piel de un cosmonauta checo que se haya en una misión por nuestro sistema solar. A bordo de la nave Jan Hus 1 viaja para investigar la nube Chopra, la cual ha aparecido en el firmamento de la Tierra y se haya más allá de Júpiter. Parece que el nombre de la nube hace alusión a los discursos del escritor indio Deepak Chopra, también creyente de la pseudociencia que tan presente está en ‘El astronauta’, pues todo gira en torno a la búsqueda del lugar donde empiezan los pensamientos, de a qué debemos prestar atención en la vida y de cómo nuestra mente puede sanarnos en todo los aspectos. Es un viaje tan lento y agotador que cuando termina nuestros pensamientos realmente ya se hayan en otra parte.
Metafóricamente o no el guía y psicólogo del protagonista está materializado por Hanuš, una araña gigante que parece hija de Ella-Laraña, con mejoras de CGI inherentes a los progresos de la tecnología. Se comunica a través telepatía y el doblaje de Paul Dano y con esto llego a lo que más me ha gustado de ‘El astronauta’, las voces. Desde el trabajado acento que emplea Sandler hasta la manera en cómo Paul Dano controla su tono con moderación, de un modo similar a lo que hizo con Acertijo en ‘The Batman’, los diálogos son lo mejor del filme. Y quizá es cosa de que pertenezco a una generación desengañada con el neoliberalismo y el capitalismo, pero otro acierto que se ve de respagilón es el mostrar como el ser humano es capaz de meter publicidad hasta en el espacio, aun cuando se trata de comunicarse con alguien que está completamente aislado a millones de kilómetros. Mostramos así más frialdad y vacío que el propio espacio, pero sobre todo egoísmo.
El egoísmo es un tema importante en la película. Las decisiones que hacen huir de los problemas, romper promesas y perder la confianza de los allegados a veces llegan de una manera premeditada. Ese tipo de contradicciones están voluntariamente plasmadas en el guion para desarrollar un discurso sobre el individualismo y el miedo. El diván cósmico sobre el que se tumba el protagonista junto a su arácnido acompañante durante su misión redentora hace surgir miedos subyacentes pero también nuestros bostezos. Y se abordan también los intereses propios cuando surge una ruptura por vídeomensaje a distancia y sin posibilidad de respuesta.
‘El astronauta’ puede recordarles a muchos algunos aspectos de películas como ‘Moon’ o ‘Ad Astra’. Es lenta, meditabunda e intimista a más no poder. Paul Dano ya se ha embarcado en introspecciones similares, como fue ‘Swiss army man’. Lástima que aquí no aparezca la gracia de los Daniels.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Spaceman. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Johan Renck. Guion: Colby Day. Música: Max Richter. Fotografía: Jakob Ihre. Reparto principal: Adam Sandler, Paul Dano, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini. Producción: Free Association, Stillking Films, Tango Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, romance. Web oficial:ver en Netflix.
¿Podría la escena en escala de grises responder a una explicación física?
La segunda parte del Dune de Denis Villeneuve está dejando a todos atónitos (crítica aquí). Una de las virtudes de esta película es su capacidad para desarrollar un mundo en el que los mayores extremos de la religión y la tecnología conviven en el mismo ambiente. Por supuesto también está ganándose a los adeptos a las novelas de Frank Herbert por su fidelidad para con el espíritu de la historia. Pero sin duda otra razón por la que nos ha cautivado a los que ya la hemos visto es su poder visual.
Entre desérticas escenas y futuristas escenarios Villeneuve nos ha colado una escena en blanco y negro. Muchos le atribuyen un sentido artístico o poético al más puro estilo Zack Snyder, que es algo que nadie puede negar. Pero otros le encuentran un sentido dentro de la “física de la ciencia ficción”. Y es que en dicha escena que transcurre en el planeta Giedi Prime, propiedad de los Harkonnen y donde el sol es negro, se ve todo en escala de grises. Ahí presenciamos una vibrante escena protagonizada por Austin Butler y Stellan Skarsgård al más puro estilo cine clásico de gladiadores, tan clásico que está en blanco y negro. Pero esto solo sucede cuando los personajes están al aire libre. Por el contrario, cuando en ese planeta se hayan en un interior, bajo la influencia de luz artificial, todo se ve en color. Por lo tanto hay algo en la luz solar, los materiales o la atmósfera que produce este efecto.
Partamos de lo básico. En la Tierra vemos el mundo a todo color gracias a la luz solar. El color real de nuestro astro rey es el blanco. Esa La luz blanca que emite es el resultado de la combinación o superposición de todos los colores, lo que llamamos el espectro visible. Cada color posee un rango de radiación magnética emitida con su característica longitud de onda. Sucede que podemos distinguir colores en los objetos debido a las longitudes de onda que rebotan en ese objeto. En otras palabras, los objetos absorben todas las longitudes (o colores) menos una. Ese color que no atrapan y que rebotan es el color que nuestro ojo capta. Si queréis saber más os lo explica en profundidad CuriosaMente.
Si aceptamos esto como una regla física presente en la saga Dune solo podría existir un mundo en escala de grises si considerásemos algunas remotas posibilidades. Una de ellas es que ese mundo estuviese hecho de materiales que absorban todas las longitudes de onda o ninguna. Habría que asumir que el material biológico, los minerales o los metales de ese planeta están compuestos de sustancias que rebotan toda la luz o que la absorben por completo. Por lo tanto sería un mundo en blanco y negro, no en escala de grises. La segunda hipótesis supondría que los rayos que emite el venerado sol negro de Giedi Prime no portasen el espectro de color dentro de ellos. Por lo tanto los objetos pueden tener propiedades que en otros ambientes emiten color, pero bajo la influencia de esos rayos solo pueden transmitir tonalidades blancas, negras o grisáceas. Podríamos atribuir este triste ambiente a algo más biológico y comprobable. Los encargados de recibir la luz en nuestro ojo son los fotorreceptores, que se dividen entre conos y bastones. Los conos se ocupan de transmitir la información del color, mientras que los bastones registran la intensidad. Si la luz del sol negro fuese capaz de anular nuestros conos solo podríamos distinguir la intensidad de los colores, pero no su tonalidad, veríamos en blanco y negro. Por último, está la opción de la atmósfera. Podría ser que los gases que componen la atmósfera de ese planeta repeliesen todo el espectro de color de nuevo al espacio dejando pasar hasta la superficie solo los tonos más oscuros y claros, hasta tal punto que todo se ve en tonalidades grisáceas. Teniendo en cuenta que en las novelas nos explican que ese planeta es industrial hasta el punto de haber acabado con casi toda la flora y fauna, se antoja como la opción más cercana a los libros. Quizá lo que hemos encontrado oculto en esta escena es un alegato ecologista.
Todo esto es evidentemente es una serie de postulaciones que solo cabe concebir dentro de un mundo de ciencia ficción. A día de hoy no se ha encontrado un mundo, una atmósfera o una luz con similares propiedades, pero no sería la primera vez que una película adelanta un descubrimiento científico ¿verdad?
La nueva película de Caroline Vignal protagonizada por Laure Calamy
La nueva comedia de Caroline Vignal, ‘Iris’, que pone en primer plano en el deseo femenino, competirá por el Premio del Público en el Festival de Cine de Málaga. Repite la receta del éxito con una Laure Calamy en pleno apogeo tras ganar el premio César a la Mejor Actriz por ‘Vacaciones contigo… y tu mujer’, primera película en la que trabajó con esta directora.
La cineasta francesa Caroline Vignal pone en el centro esta demanda colectiva de las mujeres maduras en el que es ya su tercer largometraje. Tras el éxito cosechado con ‘Vacaciones contigo… y tu mujer’, film que conquistó al público con más de 700.000 entradas vendidas, irrumpió con sorpresa en el Festival de Cine de Cannes y recibió ocho nominaciones a los Premios César.
A los cines españoles llegará el 19 de abril de 2024 de la mano de LAZONA, antes luchará por el Premio del Público en la ‘Sección Mosaico: Panorama Internacional’ de la 27 edición del Festival de Málaga.
Sinopsis oficial:
Iris lo tiene todo: un marido maravilloso, dos hijas perfectas, un negocio exitoso… pero nula vida sexual. ¿Cuándo fue la última vez que hizo el amor? Quizá haya llegado el momento de explorar…
Se adentrará en el viaje mítico de Paul Atreides cuando se une a Chani y a los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Tendrá que elegir entre el amor de su vida y el destino del universo conocido mientras lucha por evitar un horrible futuro que solo él puede prever.
Crítica
Más completa y espectacular que la primera y pidiendo tercera
Tenemos a un príncipe caído en desgracia al que se le abre un mundo que hasta entonces le era desconocido, la profecía de un elegido y una historia de amor más que pronosticable. Los pasos que sigue ‘Dune’ no dejan de ser arquetípicos y el libro, a mi gusto es más que mejorable. Estamos ante uno de esos casos en los que la película mejora el material original siendo mucho más dinámica, menos espesa y por otro lado mucho más espectacular de lo que podríamos ser capaces de imaginar a través de las líneas de la novela. No estamos hablando de que se amolde más a los gustos actuales, es que es una opinión más que extendida que la primera parte de ‘Dune’ (novela) se hace bola por lo poco que progresa y la narrativa que tiene. Otra razón por lo que esta película se antoja como uno de los mayores logros de DenisVilleneuve es lo beneficiada que sale con las comparativas con la película de David Lynch o la que iba a hacer Jodorowsky. Pero no olvidemos que estas películas no habrían sido lo mismo ni de lejos si no fuese por la música (o sonidos) de Hans Zimmer y la fotografía de Greig Fraser.
La aportación de Zimmer pesa más en la primera parte. En esta continuación el trabajo del compositor se hace notar pero no juguetea tanto con el sonido. Su banda sonora es reconocible completamente pues introduce sus famosos tic tacs y sus efectos sonoros pero la fotografía gana de calle en esta segunda parte. Y es que ‘Dune: parte 2’ tiene fotogramas que son un sueño húmedo para los fans de la ciencia ficción. Sobre todo al mostrar determinados escenarios y principalmente cuando los vehículos Harkonnen llenan la pantalla con formas que recuerdan a las de Giger. El diseño de armamento, atrezo, escenografía y vestuario son impresionantes. Por otro lado está la licencia artística que nos trae una secuencia en escala de grises que además de ser un gustazo estético responde a la hipotética existencia de un sol negro capaz de arrojar luz sin el colorido especto que conocemos, solo con las longitudes de onda blancas y negras. Hablando de estética, los tocados que luce Florence Pugh en el papel de la hija del Emperador recuerdan mucho al que lucía la Emperatriz infantil de ‘La Historia Interminable’, preciosos ambos.
Antes comentaba que esta película es más dinámica que la novela pero con todo y con eso tiene momentos en los que la trama se adormece o redunda en exceso sobre los mismos puntos. Villeneuve ha querido cimentar bien la guerra de guerrillas y toda la parte religiosa de la obra. Probablemente eso le traiga algunos de los pocos malos comentarios que va a tener este filme. En parte por lo que decía, el ritmo se ve perjudicado y en parte porque puede salir más de un islamófobo. Y es que esta es una historia de religión y fanatismos con muchas influencias de oriente medio. Gran parte de los lectores conoce el hecho de que la Revuelta Árabe pudo inspirar a Frank Herbert de igual modo que a R.R. Martin le sirvió de base ‘La Guerra de las Dos Rosas’.
Este filme se siente aún más parte de la saga de Herbert. No solo por todo lo que se desarrolla su parte mediática. También porque se distingue algo más la auténtica magnitud y profundidad. Es la antesala de una saga galáctica llena de personajes, familias y planetas y después de verla cruzo los dedos para que Warner de luz verde a la tercera entrega. Aunque con ‘Dune: parte 2’ se finiquita el primer libro, con unas cuantas licencias argumentales, nos entran ganas de ver una conclusión que cierre absolutamente del todo la trama. También por aprovechar algo más a los gusanos de arena, que al fin y al cabo son la marca de la franquicia.
Además de todo el poder técnico en esta segunda parte se agradece la irrupción de nuevos personajes. Casi todos los partícipes del filme han tenido que trabajar una buena evolución para sus personajes y eso está interesante pero hay aire fresco con incorporaciones como la ya mencionada Florence Pugh, el emperador que interpreta Christopher Walken y sobre todo Austin Butler. El actor ahora archiconocido por su papel como Elvis hace un papel tremendamente físico y además de esos en los que ha de parecer un psicópata, nada fácil. Como válvula de escape hemos tenido a un Bardem imponente que a veces parecía que estaba parafraseando ‘La Vida de Brian’ o las palabras del Walter Sánchez de Les Luthiers.
Como sorpresa ya destripada por las premieres, Anya Taylor-Joy aparece en esta película antes de figurar en otra desértica película de Warner como es ‘Furiosa’.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dune: part 2. Duración: 166 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Craig Mazin. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Souheila Yacoub, Alison Halstead. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Pictures, Villeneuve. Distribución: Waner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune-part-two
Historias de Tokio es un film sobre una de las ciudades más reconocidas mundialmente por su creatividad. La película cuenta las historias de los artistas y personas que han hecho Tokyo famosa por su impulso ilimitado por lo nuevo e innovador, haciendo de esta ciudad una de las más vibrantes e interesantes del planeta.
Crítica
Nos hace sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución
El Ashmolean Museum sirve como hilo conductor para ‘Historias de Tokio’. Más en concreto en la exposición de 2021 llamada Tokio: Arte y Fotografía. A través de esa exitosa muestra el documental recorre 400 años de historia artística, cubriendo todo tipo de ámbitos. Para conformar una idea completa de porqué Tokio es lo que es hoy en día hay que conocer grabados antiguos, xilografías, el manga, la fotografía, la decoración o el audiovisual contemporáneo. Esta película complementa dicha exposición y sirve de decálogo decálogo para todo aquel que diga que le gusta el arte japonés.
Exhibition on Screen es una productora que tiene como meta llevar el arte a todo el mundo, transportar a los espectadores a museos, exposiciones o muestras que no les son accesibles. Con ‘Historias de Tokio’ cumplen la doble función de mostrarnos cuán completa fue esa exposición celebrada en Oxford y a la vez crearnos una enorme necesidad de ir a Japón y absorber todos y cada uno de los matices que ha ido adquiriendo a lo largo de su historia. Todos hemos dicho siempre eso de “Japón combina muy bien tecnología y tradición” y es en su arte donde más se suele ver reflejado. Las calles de neon aún respiran el espíritu de los shogunatos, la arquitectura aún rezuma la poesía de antaño, el manga salta a la calle a través de la moda y viceversa… Desde los templos más antiguos hasta los edificios más cableados del mundo, este reportaje no se deja ningún rincón. Evidentemente este repaso sirve como clase de historia.
El documental salta por dos ubicaciones diferentes dividido por bloques temáticos. En su mayoría está rodado en la capital nipona pero retorna de vez en cuando a la exposición con diferentes planos y entrevistas para usarla como hilo conductor. Nos hablan las comisarias de dicha exposición Clare Pollard y LenaFritsch además del director del Ashmolean, Alexander Sturgis y por supuestos dichos artistas cuya obra ha sido allí expuesta. A partir de obras nuevas, tesoros de archivo e imágenes de obras clásicas se nos ofrece una amplísima visión. El documental se siente tan vibrante y cambiante como casi todos percibimos que es Tokio. El caos armonioso de la ciudad encuentra su orden a través de la exposición y el análisis de esta película.
A la exposición le costó llegar a mucho público debido a la pandemia, de hecho su celebración coincidió con la celebración retrasada de los Juegos Olímpicos de Tokio. A través de este documental tendrá su justa visualización. Además que durante este mes de febrero también se cumplen dos efemérides: el 11 de febrero fue el día de la Fundación Nacional de Japón y el 23 de febrero será el Día del Emperador. ‘Historias de Tokio’ llega en el momento oportuno para hacernos sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de febrero de 2024. Título original: Exhibition on Screen: Tokyo Stories. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Bickerstaff. Guion: David Bickerstaff, Phil Grabsky. Música: Asa Bennet. Fotografía: David Bickerstaff, Hugh Hood. Reparto principal: David Bickerstaff, Clare Pollard, Lena Fritsch, Alexander Sturgis, Moriyama Daido, Keiichi Tanaami, Mika Ninagawa, Enrico Isamu Oyama, Yuko Mohri. Producción: Seven Art Productions, Exhibition on Screen. Distribución: A Contracorriente films. Género: documental. Web oficial:https://acfeventos.com/historias-de-tokio/
En el museo Hermitage hay un escuadrón de felinos que protegen las obras de los roedores desde hace siglos. La casualidad lleva al gato Vincent hasta allí tras sufrir un accidente, pero no llega solo, ¡sino acompañado de un ratoncito llamado Maurice! Su pequeño amigo le ha salvado la vida, por lo que se ve envuelto en una encrucijada: los felinos del museo quieren acabar con él, pero Vincent está en deuda con su pequeño amigo, por lo que decide esconderlo, aun a sabiendas de que Maurice es un apasionado devorador de arte, literalmente… Todo se complica ante la llegada de una de las obras maestras más famosas de la historia, La Gioconda. Nadie sospecha que en realidad no es precisamente este ratón su mayor peligro, ¡alguien pretende robarla! ¿Qué hará Vincent para protegerla?
Crítica
Una historia de amistad que vende muy bien al Hermitage
El prestigioso museo ruso del Hermitage tiene unos curiosos custodios, unos gatos. Y es que ni esa prestigiosa institución está a salvo de una indeseada visita. No me refiero a la masificación de turistas armados con peligrosos palos selfie o a británicos beodos, sino a las ratas. La llegada de un ratón devorador de arte (literal) no es el mejor augurio para recibir una de las obras de arte más admiradas por el ser humano, La Gioconda. En la encrucijada de defender a su amigo ratón o de anteponer otro tipo de intereses se ve el gato protagonista de la película, que se llama Vincent, en homenaje a Van Gogh.
Sin duda esta es una película dirigida al público más joven. ‘Guardianes del museo’ es una obra sobre la amistad y la concordia que tiene como telón de fondo el arte pictórico y escultórico. Una fórmula que siempre ha funcionado bien, desde series como ‘Érase una vez… los inventores’ hasta películas como ‘Noche en el museo’. A través de la narración en primera persona con la voz en off del protagonista, varias rupturas de la cuarta pared y algo de acción mezclada con comedia consigue entretener moderadamente. Sin duda a espectadores infantiles puede encandilarles a través de su diversidad de simpaticones personajes, colores y el indudable encanto de los clásicos del arte. Los momentos de humor físico y aquellos en los que los cuadros cobran vida, a lo recortables de los Monty Python o Hogwarts, son los más divertidos.
El museo que sirvió de hogar a varias emperatrices de Rusia es ahora uno de los emplazamientos culturales más visitados del mundo. La película sirve de panfleto que le vende estupendamente, ahora que Rusia tiene tan mala fama a causa de la guerra que mantiene contra Ucrania. Evidentemente la película no esgrime ningún argumento relacionado con el conflicto armado. Pero si tiene que ver con la tolerancia a los que son distintos y lo irracional que es defender un territorio basándose en un pasado muerto y los prejuicios. Ojalá fuese profeta en su tierra. Además explota una curiosidad real, la presencia de gatos en el museo desde el siglo XVIII, para hacernos pasear por el arte de Amadeo Modigliani, Da Vinci, Aleksandr Pushkin, Gauguin…
‘Guardianes del museo’ cuenta con el guionista Gerry Swallow y el diseñador de personajes Robin Joseph. Entre ambos cubren títulos como ‘Ice Age 2’, ‘Mascotas’ o ‘Gru: mi villano favorito’. Pero han ido a parar a una producción gráficamente muy inferior a las que figuran en su currículum. El diseño de personajes es de serie de televisión o de película 3D de hace más de 20 años, de los tiempos de ‘Shrek’. Los gatos parecen peluches de supermercado y están mucho mejor elaborados los escenarios. Antes decía que el nombre del protagonista podía proviene de un homenaje al pintor impresionista pero también podría hacer alusión a Vicent Price. No lo digo por el terror, aunque bastante miedo puede darnos que un roedor devore obras magnas y tesoros históricos. Lo digo porque el actor solía hacer películas de bajo presupuesto y en este caso la calidad de la animación denota falta de recursos. Puede recordar a los primeros pasos de ‘La Patrulla Canina’, pero por supuesto no olvidemos que no se puede agraviar a un filme por la dimensión de su producción. Si uno es consciente de a qué público va dirigida ‘Guardianes del museo’ y los límites que tiene su animación no saldrá nada defraudado de pasar el rato en familia en el cine, sobre todo si aprecia los valores artísticos y fraternales que pretende inculcar.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de febrero de 2024. Título original: Koty Ermitazha. Duración: 80 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Elvira Bushtets, Fyodor Derevyanskiy, Vasiliy Rovenskiy, Gerry Swallow. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Roman Kurtsyn, Polina Gagarina, Pavel Priluchnyy, Diomid Vinogradov, Aleksandr Gavrilin, Anton Eldarov. Producción: Licensing Brands. Distribución: VerCine. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://fragmanizlesene.com/kediler-muzede-filmi/
‘Oppenheimer’ y ‘Pobres criaturas’ se reparten el pastel
El pasado 18 de febrero se celebró la 77ª edición de los Premios de las Artes Cinematográficas de la Academia Británica, los BAFTA. Con esta ceremonia se premian en Reino Unido las mejores obras, tanto nacionales como internacionales. La gala tuvo lugar en el Royal Festival Hall del Southbank Centre de Londres y estuvo presentada por David Tennant. Fue allí donde el público asistente pudo ser testigos de cómo ‘Oppenheimer’ y ‘Pobres criaturas’ se hacían con la mayoría de premios. En el caso de la primera fueron las principales categorías y en el caso del segundo título se llevó para casa el de Mejor Actriz y los premios técnicos. También salieron muy bien parada ‘La zona de interés’ y ‘Los que se quedan’ con varios BAFTA.
Mejor película
Anatomía de una caída. Marie-Ange Luciani, David Thion
Los que se quedan. Mark Johnson
Los asesinos de la luna. Dan Friedkin, Daniel Lupi, Martin Scorsese, Bradley Thomas
Oppenheimer. Christopher Nolan, Charles Roven, Emma Thomas
Pobres criaturas. Ed Guiney, Yorgos Lanthimos, Andrew Lowe, Emma Stone
Mejor película británica
Desconocidos. Andrew Haigh, Graham Broadbent, Pete Czernin, Sarah Harvey
How to have sex. Molly Manning Walker, Konstantinos Kontovrakis, Emily Leo, Ivana MacKinnon
Napoléon. Ridley Scott, Mark Huffam, Kevin J. Walsh, David Scarpa
El viejo roble. Ken Loach, Rebecca O’Brien, Paul Laverty
Pobres criaturas. Yorgos Lanthimos, Ed Guiney, Andrew Lowe, Emma Stone, Tony McNamara
Amor en Rye Lane. Raine Allen-Miller, Yvonne Isimeme Ibazebo, Damian Jones, Nathan Bryon, Tom Melia
Chicken Run. Amanecer de los nuggets. Sam Fell, Leyla Hobart, Steve Pegram
Elemental. Peter Sohn, Denise Ream
Spider-Man. Cruzando el multiverso. Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson, Avi Arad, Phil Lord, Christopher Miller, Amy Pascal, Christina Steinberg
Director
Desconocidos. Andrew Haigh
Anatomía de una caída. Justine Triet
Los que se quedan. Alexander Payne
Maestro. Bradley Cooper
Oppenheimer. Christopher Nolan
La zona de interés. Jonathan Glazer
Guion original
Anatomía de una caída. Justine Triet, Arthur Harari
Barbie. Greta Gerwig, Noah Baumbach
Los que se quedan. David Hemingson
Maestro. Bradley Cooper, Josh Singer
Vidas pasadas. Celine Song
Guion adaptado
Desconocidos. Andrew Haigh
American Fiction. Cord Jefferson
Oppenheimer. Christopher Nolan
Pobres criaturas. Tony McNamara
La zona de interés. Jonathan Glazer
Actriz protagonista
Fantasia Barrino. El color púrpura
Sandra Hüller. Anatomía de una caída
Carey Mulligan. Maestro
Vivian Oparah. Amor en Rye Lane
Margot Robbie. Barbie
Emma Stone. Pobres criaturas
Actor protagonista
Bradley Cooper. Maestro
Colman Domingo. Rustin
Paul Giamatti. Los que se quedan
Barry Keoghan. Saltburn
Cillian Murphy. Oppenheimer
Yoo Teo. Vidas pasadas
Actriz de reparto
Emily Blunt. Oppenheimer
Danielle Brooks. El color púrpura
Claire Foy. Desconocidos
Sandra Hüller. La zona de interés
Rosamund Pike. Saltburn
Da’Vine Joy Randolph. Los que se quedan
Actor de reparto
Robert De Niro. Los asesinos de la luna
Robert Downey Jr. Oppenheimer
Jacob Elordi. Saltburn
Ryan Gosling. Barbie
Paul Mescal. Desconocidos
Dominic Sessa. Los que se quedan
Banda sonora
Los asesinos de la luna. Robbie Robertson
Oppenheimer. Ludwig Göransson
Pobres criaturas. Jerskin Fendrix
Saltburn. Anthony Willis
Spider-Man. Cruzando el multiverso. Daniel Pemberton
Casting
Desconocidos. Kahleen Crawford
Anatomía de una caída. Cynthia Arra
Los que se quedan. Susan Shopmaker
How to have sex. Isabella Odoffin
Los asesinos de la luna. Ellen Lewis, Rene Haynes
Fotografía
Los asesinos de la luna. Rodrigo Prieto
Maestro. Matthew Libatique
Oppenheimer. Hoyte van Hoytema
Pobres criaturas. Robbie Ryan
La zona de interés. Łukasz Żal
Edición
Anatomía de una caída. Laurent Sénéchal
Los asesinos de la luna. Thelma Schoonmaker
Oppenheimer. Jennifer Lame
Pobres criaturas. Yorgos Mavropsaridis
La zona de interés. Paul Watts
Diseño de producción
Barbie. Sarah Greenwood, Katie Spencer
Los asesinos de la luna. Jack Fisk, Adam Willis
Oppenheimer. Ruth De Jong, Claire Kaufman
Pobres criaturas. Shona Heath, James Price, Zsuzsa Mihalek
La zona de interés. Chris Oddy, Joanna Maria Kuś, Katarzyna Sikora
Vestuario
Barbie. Jacqueline Durran
Los asesinos de la luna. Jacqueline West
Napoleón. Dave Crossman, Janty Yates
Oppenheimer. Ellen Mirojnick
Pobres criaturas. Holly Waddington
Maquillaje y peluquería
Los asesinos de la luna. Kay Georgiou, Thomas Nellen
Maestro. Sian Grigg, Kay Georgiou, Kazu Hiro, Lori McCoy-Bell
Napoléon. Jana Carboni, Francesco Pegoretti, Satinder Chumber, Julia Vernon
Oppenheimer. Luisa Abel, Jaime Leigh McIntosh, Jason Hamer, Ahou Mofid
Pobres criaturas. Nadia Stacey, Mark Coulier, Josh Weston
Sonido
Ferrari. Angelo Bonanni, Tony Lamberti, Andy Nelson, Lee Orloff, Bernard Weiser
Maestro. Richard King, Steve Morrow, Tom Ozanich, Jason Ruder, Dean Zupancic
Misión imposible. Sentencia mortal: parte 1. Chris Burdon, James H. Mather, Chris Munro, Mark Taylor
Oppenheimer. Willie Burton, Richard King, Kevin O’Connell, Gary A. Rizzo
La zona de interés. Johnnie Burn, Tarn Willers
Efectos visuales
The creator. Jonathan Bullock, Charmaine Chan, Ian Comley, Jay Cooper
Guardianes de la galaxia. Vol. 3. Theo Bialek, Stephane Ceretti, Alexis Wajsbrot, Guy Williams
Misión imposible. Sentencia mortal: parte 1. Neil Corbould, Simone Coco, Jeff Sutherland, Alex Wuttke
Napoleón. Henry Badgett, Neil Corbould, Charley Henley, Luc-Ewen Martin-Fenouillet
Pobres criaturas. Tim Barter, Simon Hughes, Dean Koonjul, Jane Paton
Corto británico de animación
Crab Day. Ross Stringer, Bartosz Stanislawek, Aleksandra Sykulak
Visible Mending. Samantha Moore, Tilley Bancroft
Wild Summon. Karni Arieli, Saul Freed, Jay Woolley
Corto británico
Festival of Slaps. Abdou Cissé, Cheri Darbon, George Telfer
Gorka. Joe Weiland, Alex Jefferson
Jellyfish and Lobster. Yasmin Afifi, Elizabeth Rufai
Such a Lovely Day. Simon Woods, Polly Stokes, Emma Norton, Kate Phibbs
Yellow. Elham Ehsas, Dina Mousawi, Azeem Bhati, Yiannis Manolopoulos
Siete años después de la redada en Vietnam, Ma Seok-do se une a un nuevo equipo para investigar un caso de asesinato. Pronto comienza a profundizar cuando descubre que el caso involucra una droga sintética y una banda de matones.
Crítica
La fórmula sigue funcionando
Ma Dong-seok (Don Lee) ya tiene una trilogía en su carrera. Con esta película una de las franquicias más rentables de Corea alcanza el estatus de trilogía pero vamos a aportar un poco de orden que ha habido mucho baile de títulos. En su versión original es conocida como ‘Beomjoidosi’, pero se ha llegado a distribuir como ‘The outlaws’ (primera parte) y ‘The roundup’ (segunda y tercera entrega). Y en el mercado hispanohablante las diferentes partes han llegado bajo títulos como ‘Ciudad sin ley’ (2017) o ‘Furia policial’ (2022) y esta ‘Fuerza bruta’ (2023). Si le dedico este espacio a esta saga es sencillamente porque disfruto tanto de la acción de Ma Dong-seok que me gustaría que llegase al máximo público de nuestro país.
Lee Sang-yong se encargó de la secuela y también ha llevado a cabo esta tercera parte. El director demuestra un dominio magistral de la tensión, llevando el suspense a un punto álgido antes de desencadenar escenas llenas de adrenalina que dejan al público al borde del asiento. ‘Fuerza bruta: sin salida’ es un regregso de un modo encumbrante y una trama nada compleja. Y es que esta historia policíaca no necesita tener una trama intrincada pues con su carga de acción y comedia nos entretiene. Ni que decir tiene que el carisma del protagonista es aliciente suficiente pues como creo haber escrito en anteriores ocasiones no tiene nada que envidiarles a los actores de Hollywood.
También he escrito esto en el pasado, pero por si es la primera vez que llegas a esta serie de películas que sepas que son las que demuestran que Dong-seok es sin duda “Bud Spencer coreano” (no cejaré unirme a aquellos que le llamamos por este apodo) ya que a parte de su corpulencia y vis cómica repite golpes y jugueteos que lucía el actor italiano en sus westerns y películas junto a Terence Hill. Peleas de bar, golpes demoledores, humor físico, un compañero de armas más estilizado que él… La fórmula sigue funcionando.
‘Fuerza Bruta: sin salida’ no es una película que brille por su dialéctica. El atractivo está en todo lo mencionado anteriormente y en la tarma de yakuzas que desarrolla. De Corea fuimos a Vietnam y ahora los maleantes son japoneses. Al contrario que muchas películas del país nipón el ritmo es ágil y todo avanza sin recesos. Sin duda en Corea del Sur han cogido bien la medida a esto del séptimo arte y saben qué es lo que funciona dentro de un género u otro. Son casi dos horas de enfrentamientos constantes, no les hace falta prácticamente sacar ninguna pistola.
Ya está anunciado, la escena final de este filme así lo adelantaba también, que habrá cuarta de Beomjoedosi. Pero cambiaremos director. La dirigirá Heo Myeong Haeng y con él se repetirá la jugada que tan bien le ha funcionado a ‘John Wick’ y o a ‘Deadpool 2’, que no es otra que coger a un actor especialista en ser doble de acción y colocarle en el rol de director. Veremos qué tal.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Beomjoedosi 3. Duración: 105 min. País: Corea. Dirección: Lee Sang-yong. Guion: Kim Min-sung. Música: Mok Young-jin. Reparto principal: Ma Dong-seok, Lee Jun-hyuk, Munetaka Aoki, Ahn Se-ho, Noo-Ri Bae, Lee Jun-hyuk. Producción: BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Films. Distribución: La Aventura. Género: acción. Web oficial:http://baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=67
Viernes 27 de diciembre de 1945. Cinco veteranos militares se reúnen en el ornamentado salón de una casa de piedra rojiza de Brooklyn. Mejores amigos desde la infancia, se han reunido para apoyar a su problemático anfitrión, pero cuando su invitación a tomar un cóctel se convierte en una sesión de espiritismo improvisada, los fantasmas metafóricos de su pasado se vuelven demasiado literales. Atrapados en el salón de su anfitrión, la Generación de los Grandes se enfrenta ahora a una última prueba, en la que su único camino hacia la libertad es un mayor derramamiento de sangre.
Crítica
Parece que va a ser tipicona pero se reserva unas cuantas sorpresas que la hacen fresca y original
Ted Geoghean sigue enciscado con el más allá. Tras títulos como ‘Satanic Panic’, ‘Todavía estamos aquí’ o ‘The Disco Exorcist’ nos traslada a una nueva historia de fantasmas y sangre ambientada esta vez en 1945, en las Navidades de ese año. ‘Brooklyn 45’ tiene mucho sabor a veterano de la Segunda Guerra Mundial y menos de lo esperado a navideño. Y digo esto porque la trama nos presenta a un grupo de excombatientes y amigos de toda la vida que se reúnen para consolar a uno de sus compañeros de armas, recientemente enviudado y empeñado en llevar a cabo una sesión de espiritismo. Todo esto transcurre un 27 de diciembre y la decoración navideña, aunque está presente, queda relegada a un plano olvidado.
La filmografía de este director está repleta de demonios y en este caso lo está por partida doble. La sesión consigue su objetivo pero se les va de las manos y ello hace que los fantasmas del pasado acechen a los protagonistas. Fantasmas que el guión plantea de manera tanto figurada y literal. Se palpa la tensión, los secretos y los traumas reprimidos desde el primer minuto y eso es lo que va explotando la película según progresa y según se alcanza el clímax sobrenatural. Lo de ‘Brooklyn 45’ es un flirteo con el otro lado que podría haber sido algo lovecraftiano o un tonteo de adolescentes como el de ‘Verónica’. Objeto personal, no cerrar el círculo, golpes en las paredes, la puerta se ha quedado abierta… Todo son elementos que nos suenan y están requeteutilizados. El libreto nos hace pensar que esta va a ser la típica sesión que se malogra, pero se reserva unas cuantas sorpresas para el público que hacen que ‘Brooklyn 45’ sea fresca y original.
Es de estas películas que son vapuleadas por los siempre cuestionables sistemas de notas de las bases de datos cinematográficas. Si has llegado hasta esta reseña espero haberla puesto lo suficientemente bien como para que te animes a verla pero a la vez sin elevarte excesivamente la expectativa. Probablemente tenga una calificación baja debido a su sencillísima propuesta, escasa en personajes y escenarios, como suele decirse, muy teatral. Pero a mi gusto está bien interpretada y es lo suficientemente truculenta como para conservar un buen recuerdo de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Brooklyn 45. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Ted Geoghegan. Guion: Ted Geoghegan. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Robert Patrick Stern. Reparto principal: Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe. Producción: Divide/Conquer, Hangar 18 Media, Raven Banner Entertainment, Shudder, Line Film Company. Distribución: por determinar. Género: terror, misterio. Web oficial:https://www.divideconquer.us/#/brooklyn-45/
Un vendedor ambulante de cuchillos se ve obligado a esperar en un área de descanso rural. De repente, se encuentra en medio de una violenta situación con rehenes a la llegada de dos atracadores de bancos que están huyendo.
Crítica
Película tensa con claves de western que se carga poco a poco y maneja muy bien sus ingredientes
En medio del desierto se juntan muchos desconocidos. Una gasolinera, un motel y una cafetería se convierten en el centro de la vida de estos viajeros que se quedan varados por la misma razón, no hay gasolina. En medio de todo esto la sombra de unos atracadores de bancos. Los ingredientes de ‘The Last Stop in Yuma County’ se van incorporando poco a poco hasta conformar una ensalada de sentimientos y una situación en la que cada uno es consciente del conflicto en diferente grado. Eso le da a la película un plus de interés, unas posibilidades de juego para el director muy versátiles. Si bien para llegar al punto más atractivo de la película hay que esperar pues se fragua muy poco a poco, se gestiona de camino con pequeñas dosis de humor y una tensión que crece a través de momentos muy bien fundamentados.
Una película que sabe cuándo explotar, que tiene giros bien armados y que maneja sobre todo elementos de western. Quizá no es la película más tensa o mejor filmada del festival de Sitges pero tiene buena factura y gestiona perfectamente sus recursos para no mostrar ninguna carencia. Por algo acabó premiada como la Mejor Película en la Sección Órbita.
Aunque la mayor parte de la película se desarrolla en una sola ubicación, la dinámica y variedad entre personajes la convierten en una obra itinerante. Se forma un microcosmos con gravedades atrayentes entre sí que es capaz de atraerte como un agujero negro. Además, con la crudeza de su argumento y la negrura de su humor, ‘The Last Stop y Tuma County’ se transmite como un tripi de emociones. Con todo esto, el toque western y lo que se adentra en la América profunda, la comparativa más evidente sería con el cine de los hermanos Coen, aunque también tiene cierto aroma a Tarantino.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de octubre de 2024. Título original: The Last Stop in Yuma County. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Galluppi. Guion: Francis Galluppi. Música: Matthew Compton. Fotografía: Mac Fisken. Reparto principal: Jim Cummings, Jocelin Donahue, Richard Brake, Nicholas Logan, Faizon Love, Michael Abbott Jr., Gene Jones, Robin Bartlett, Sierra McCormick, Connor Paolo, Ryan Masson. Producción: Local Bogeyman Productions, Carte Blanche, Random Lane Productions. Distribución: Yoda Films. Género: suspense. Web oficial:https://www.instagram.com/localboogeymanproductions/?hl=es
Érase una vez tres niños que intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta. Érase una vez una secta de cazadores furtivos que no paraban de discutir y una niña con un don élfico.
Crítica
Aventura impregnada de la sinvergonzonería de Pipi Calzaslargas
‘Riddle of Fire’ ilumina la pantalla con su fascinante historia de misterio, magia y aventura. Dirigida por el debutante en el largometraje Weston Razooli, esta encantadora película de fantasía lleva al público a un impresionante viaje por un mundo en el que chocan antiguas profecías y juegos infantiles. Una película tan carismática y entrañable que desde que la vimos en Sitges odio que sea comparada con ‘Stranger Things’ solo porque esté protagonizada por unos niños que van sobre ruedas.
Es un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. En ‘Riddle of fire’ unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.
Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.
Razooli es capaz de ofrecer una nueva visión de los tropos familiares al tiempo que brinda una narrativa atractiva y emocionante. Teje una narración absorbente, llena de giros, sorpresas y revelaciones inesperadas, además de extravagantes. La película explora temas como el poder de la amistad o el sentido de la aventura o la diversión. Se convertiría en un clásico instantáneo si recibiese la atención suficiente.
Admiro que se haya hecho una película así para niños que también puede entretener a adultos. Hoy en día todos los filmes dirigidos a audiencias infantiles vienen cargados de efectos y duraciones excesivas. ‘Riddle of fire’ es sencilla, campechana y llena de valores (aunque alguno de ellos llevará el cartel de “no hagas esto en casa”). Divierte, invita a salir a recuperar el espíritu de juego y en ocasiones conmueve. Para muchos este título quedará entre joyas desapercibidas o cine de culto, para nada como placer culpable. Desde luego sabe a clásico y no solo por el etalonaje.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Riddle of fire. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Weston Razooli. Guion: Weston Razooli. Fotografía: Jake L. Mitchell. Reparto principal: Charlie Stover, Skyler Peters, Lorelei Olivia Mote, Phoebe Ferro, Weston Razooli, Lio Tipton, Charles Halford. Producción: ANAXIA, FullDawa Films. Distribución: Flamingo Films. Género: aventuras, comedia. Web oficial:https://www.riddleoffirethemovie.com/
Detallamos las distintas referencias, cameos o conexiones de la nueva película del Spiderverso
Tras el live action en solitario de ‘Venom’, le llegó el turno al vampírico ‘Morbius’, dentro de no mucho nos iremos de caza con ‘Kraven’, pero de momento hemos de sumergirnos en la red de Cassandra Webb, a.k.a. Madame Web. Este personaje de nombre tan “original” llega para ampliar las adaptaciones de villanos de Sony/Marvel. Los enemigos de Spider-Man suman películas en solitario y muchos ya cuestionan si el proyecto no se seguirá pegando batacazos y les llegaremos a ver juntos luchando contra Peter Parker.
La película protagonizada por Dakota Johnson que se acaba de estrenar en cines puede parecerte aburrida, llena de incoherencias o ridiculeces, de product placement o de escenas en las que la actriz está más preocupada en no despeinarse que en representar el origen de un personaje vital para el Spiderverso. Pero lo que no tiene debate es que está llena de huevos de pascua (los famosos easter eggs) forzosamente introducidos.
Cada vez es más fina la barrera que separa el universo Marvel de Sony con el de Disney, a si es que atención que por razones obvias el siguiente listado puede considerarse spoiler.
1 La mítica frase
Cassandra Webb conoce a Santiago (José María Yazpik) el líder de los “Spider-people” amazónicos que asisten a su madre durante el parto. Él le dice que “cuando acepte la responsabilidad eso conllevará un gran poder”. Es la legendaria frase que el tío Ben le dice a Peter Parker poco antes de morir.
2 ¿Qué pasa tío?
Spider-Man quizá no sería quien es si no fuese por esa frase y la educación que recibió de su tío. En ‘Madame Web’ vemos por primera vez como fue el pasado del tío Ben pues está interpretado por Adam Scott. Además tiene una escena en la que sugiere que está saliendo ya con la tía May. La mera inclusión de este personaje ya es un huevo de pascua a la desesperada por intentar suscitar el interés en la película.
3 Cómo conocimos a su madre
Y si está el tío podían estar los padres. Efectivamente, aunque Richard Parker no aparece en la película Mary Parker, la madre de Peter si tiene escenas. De hecho, está embarazada y no hace falta decir de quién ¿verdad? Con esto tenemos que volver al primer huevo de pascua pues en el nacimiento Ben dice que le encanta ser tío pues le permitirá divertirse sin responsabilidades. Otra alusión redundante a la mítica frases.
4 Unos progenitores muy combatientes
Si Richard Parker no aparece es para hacer alusión a su desconocida profesión. Con esto Sony mantiene el misterio sobre la ocupación del padre de Spider-Man, que siempre estaba fuera de casa por trabajo. Quien sabe, a lo mejor le espera un spin-off para él solo. Por otro lado ‘Madame Web’ confirma que Ben Parker tenía formación militar.
5 Dando la nota
El compositor de ‘Madame Web’, Johan Söderqvist, no ha trabajado nunca antes en las películas de Spider-Man pero al menos se ha molestado en versionar ligeramente el tema musical de los filmes para introducirlos en los últimos compases de esta nueva película.
6 Alusiones muy verdes
El personaje de Mattie Franklin (Celeste O’Connor) advierte a las demás con la frase “no os gustaré cuando tenga hambre”. Esta es una clara alusión a lo que dice Bruce Banner a cerca de su alter ego: “No os gustaré cuando esté enfadado”.
7 Spider-Man no marcó tendencia
Este universo cambia las reglas de Spider-Man en varios aspectos. El villano de este filme corre por los edificios neoyorquinos luciendo un traje como el de Spider-Man, antes incluso de que este haya nacido. A si es que lo sentimos por el diseñador que Peter Parker lleva dentro pero el diseño del traje ya no es original suyo según este canon o este universo. Al menos los guionistas han intentado hacer que no se diga en ningún momento la palabra Spider-Man.
8 Peter el saltitos
Decíamos que ‘Madame Web’ está llena de referencias metidas con calzador y esta es otra más. La madre de Peter Parker, embarazada de él organiza una baby shower a la que acude Cassandra Webb. Allí dice que su bebé “no para de dar saltitos”. Un chiste muy vago sobre el futuro que le espera al trepamuros.
9 Web into the web
Igual de vagas son las alusiones a telarañas. Roturas en cristales, estructuras de metal, el papel de la pared, los patrones de los tejidos… Se intenta hacer tanta referencia visual que acaba cansando.
10 Ojos que no ven…
En ‘Madame Web’ la protagonista tiene intactos los ojos. El personaje siempre ha tenido los ojos vendados o luce unas opacas gafas que ocultan su ceguera física. La película se encarga en darle un origen y sentido a la pérdida de visión ocular.
Este fin de semana se estrena ‘Imaginary’. Una nueva película bajo el sello de la Blumhouse que aborda el mundo de los amigos imaginarios. Los artífices de ‘M3gan’ o ‘Five nigts at Freddy’s’ han desarrollado otra historia horripilante sobre un objeto a priori inanimado. Nos presentarán al oso Chauncey.
‘Imaginary’ está dirigida por Jeff Wadlow (‘Verdad o reto’). La idea es darle una vuelta de tuerca al tema de los amigos imaginarios jugando en si están en nuestra mente o forman parte de algo sobrenatural.
Protagonizan la cinta DeWanda Wise (‘Jurassic World: Dominion’), Tom Payne (‘The Walking Dead’), Taegan Burns (‘Somos los mejores: Una nueva era’) y la joven Pyper Braun (‘Superkitties’) como Alice, la niña que se encariña del oso Chauncey, en el que es su segundo papel en un largometraje. Verónica Falcón (‘La purga infinita’) y Betty Buckley (‘Múltiple’) completan el reparto.
‘Imaginary’ estará en carteleras de toda España a partir de este 15 de marzo de 2024 de la mano de Vértice 360.
Sinopsis oficial:
Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano.
En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, se volverán más siniestros y peligrosos.
A medida que el comportamiento de Alice se torna más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
La nueva película de Ethan Coen ha sido renombrada para su estreno en España como ‘Dos chicas a la fuga’. Su título original es ‘Drive-Away Dolls’ y nos contará la historia de dos jóvenes con ganas de pasar página y vivir un auténtico carpe diem. Una road movie escrita por Ethan Coen y Tricia Cooke, dirigida por el propio Coen sin contar con su hermano, con quien si dirigirá una película de terror que ya ha sido anunciada.
Las dos protagonistas están interpretadas por Margaret Qualley y Geraldine Viswanathan. El estreno está previsto para el 1 de marzo por parte de Universal Pictures.
Sinopsis oficial:
Esta comedia nos descubre a Jamie, una desinhibida joven de espíritu libre que acaba de sufrir su enésima ruptura sentimental con una chica, y a su tímida amiga Marian, que necesita desesperadamente desmelenarse. Con ganas de empezar de cero en otro lugar, ambas se embarcan en un improvisado viaje por carretera rumbo a Tallahassee, pero todo se tuerce rápidamente cuando se cruzan con un grupo de delincuentes muy poco profesionales.
Un criminal entra en casa de una mujer. Tras un forcejeo, consigue sedar a la mujer y le inserta unos cables en la cabeza para manipular sus recuerdos. Ha sido testigo de un asesinato. En las profundidades de su mente, descubre una verdad sobre sí mismo.
Crítica
Neo-noir melancólico
La ciencia ficción, el cine negro, el drama y el amor empapan ‘Psicario’, un corto de Daniel Padró Targarona que tiene en su pasaporte los sellos de multitud de festivales, en los cuales, ha cosechado muchos premios y aplausos. Es una historia neo-noir y futurista que habla sobre la culpa, la paz interior, el sacrificio y la redención.
El director es hijo de Mar Targarona y analista de guión en su productora, Rodar y Rodar Cine. Parece que la directora de ‘Secuestro’ y ‘El cuco’ le ha inculcado el buen sentido del drama y el suspense. ‘Psicario’ nos intriga por su vertiente fantástica pero aún más por la motivación de su personaje. Hay misterio en el protagonista y en esta historia que en poco espacio de tiempo es capaz de incorporar varios giros de guión sin que estos queden forzados. Además, nos acaba conquistando con su final. La verdad es que es de esos cortos que siembra tanto en tan poco tiempo que podrían dar para película.
Uno de los elementos más llamativos de ‘Psicario’ es su estilo visual. La dirección de fotografía de Rober C. Carrera nos sumerge en una atmósfera inquietantemente bella. Desde planos íntimos que captan el estado emocional de los personajes hasta momentos gráficamente evocadores. Hay mimo en el guión pero también en lo visual pues cada fotograma está meticulosamente elaborado para evocar una sensación de peligro y a la vez de extraña intimidad a pesar de tratarse de un home invasión. Una invasión que por avatares de la trama es tremendamente íntima, pero no me corresponde a mí desvelar ese detalle.
Precisamente Alain Hernández, quien actuó en otra película de Targarona (madre) como ‘El fotógrafo de Mauthausen’, es el protagonista de este corto. Su interpretación lleva al personaje desde lo impertérrito a lo quebradizo. Con él descubrimos cómo las herramientas tecnológicas pueden servir para emprender un camino de salvación y expiación. Sobre todo, con las escenas de Ariadna Cabrol como réplica, para dejarnos imbuidos en melancolía.
Ficha de la película
Estreno en España: octubre de 2022. Título original: Psicario. Duración: 14 min. 49 seg. País: España. Dirección: Daniel Padró Targarona. Guion: Daniel Padró Targarona. Música: Joan Vilà. Fotografía: Rober C. Carrera. Reparto principal: Alain Hernández, Ariadna Cabrol. Producción: Rodar y Rodar Cine S.L. Distribución: Distribution with Glasses. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:https://distributionwithglasses.com/psicario/?lang=en
Una mujer se despierta en medio del bosque. Desorientada e intentando encontrar el camino de vuelta a casa, se topa con un pequeño conejo de peluche parlanchín que le invita a tomar el té. La mujer acepta la invitación mientras trata de poner sus ideas en orden.
Crítica
Potente y resuelto, tocando un tema peliagudo y esquivo para la sociedad
Las casualidades en el mundo del cine existen. Llevaba tiempo teniendo como deberes pendientes ver el cortometraje ‘Bâba’ de Pablo Otero y ahora que he tenido espacio para ello resulta que entronca directamente con varios sucesos recientes o de actualidad. En primer lugar me ha hecho recordar el caso de la mujer esquizofrénica que tras ser puesta en libertad puso en jaque a El Molar durante unas horas empuñando un cuchillo. Por otro lado está el caso del crimen de Castro Urdiales cuyo móvil empieza a sonar que pudo haber sido un maltrato infantil no atendido a tiempo por la sociedad y las autoridades. Ambos son sucesos que nos han conmocionado y llenado de terror.
‘Bâba’ nos invita a tomar el té en medio del bosque en una mesa que bien podría ser la del Sombrerero Loco de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Locura hay en esta historia pues es de locos el mantener una conversación con un conejito de peluche. Este podría haber sido un guión más acertado para el live action ‘Winnie the Pooh: Miel y Sangre’ pues lo que sucede es que una mujer se despierta en medio del bosque y allí se encuentra al amigo imaginario o peluche de su infancia, con el que comienza a conversar. Con esta enajenadora historia volvemos de nuevo a recurrir a la actualidad pues está a punto de estrenarse ‘Imaginary’ y por poco acaba la cosa como en ‘La mesita del comedor’. Resuelto es el corto pues sin miedos y empleando un lenguaje como el terror y la fantasía se atreve a tocar un tema que por lo general es escabroso y casi nadie atina a abordar.
Si eres de los que piensa que un cortometraje es algo casero o con poca calidad, ‘Bâba’ va a hacer que cambies de opinión. Este trabajo nos sorprende con un personaje totalmente recreado por ordenador. Un conejito que nada tiene que envidiar a los animalillos hechos con CGI de las superproducciones que llegan a las carteleras. No es de extrañar tamaño nivel de calidad pues Pablo Otero es un 3D generalist que ha trabajado en producciones como ‘Ahsoka’, ‘Unwelcome’, ‘Alien Covenant’ o ‘Guardianes de la Galaxia Vol.2’ entre otras muchas. Quizá su trabajo más relacionado con ‘Bâba’ es ‘Christopher Robin’, pero desconozco si en ese proyecto participó recreando personajes. Lo que si que es que quien da voz a Bâba es Álvaro Ramos Toajas, un experimentado doblador habitual de James Scully o César Domboy que le da un empaque perfecto al cortometraje.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de julio de 2023. Título original: Bâba. Duración: 10 min. País: España. Dirección: Pablo Otero. Guion: Pablo Otero. Música: Álvaro Domínguez Vázquez. Fotografía: Jesús Perujo. Reparto principal: Carolina Castellano, Álvaro Ramos Toajas, Sebastián Haro, Lucía Hoyos. Producción: Evil Popcorn Films, TMK Estudios. Distribución: Antonio Rosa Lobo. Género: fantasía, drama.
Una edición en la que muchos fans han tenido respuesta
Anoche se celebró la final de uno de los deportes rey en Estados Unidos, la Super Bowl 2024. Se enfrentaron los Kansas City Chiefs frente a los San Francisco 49ers, saliendo triunfantes los primeros de ellos. Pero independientemente del resultado lo más esperado de la noche a nivel mundial eran los anuncios. La pausa del partido es de los momentos más cotizados del mundo del entretenimiento y este año ha habido muchas revelaciones para los fans. A continuación tenéis un amplio recopilatorio con todo aquello desvelado durante el descanso de la Super Bowl 2024.
‘The fall guy’
David Leitch dirige esta comedia de acción en la que Ryan Gosling es un doble de acción, valga la redundancia. Se sumerge en una trama de conspiraciones mientras intenta recuperar al amor de su vida que ha desaparecido. Esta última está interpretada por Emily Blunt, la cual podéis ver en otro tráiler de la Super Bowl más abajo.
‘The Thundermans Return’
La serie de 2013 vuelve en forma de película. Como podéis ver en el tráiler conserva bastante su aspecto de serie colorista y recupera a muchos de sus personajes.
‘Deadpool & Wolverine’
Como ya anunciaron Ryan Reynolds y Hugh Jackman la tercera película protagonizada por Deadpool tendrá doble protagonismo. Lobezno y Deadpool protagonizan uno de los tráilers más esperados de la Super Bowl 2024. De momento Jackman aparece bastante oculto, pero nos desvelan que Paradox tendrá un papel relevante en la película.
‘Twisters’
Vuelve ‘Twister’, vuelve la aventura de los cazadores de tormentas en una película remake. Las tecnologías actuales harán que todo luzca más espectacular, con mejores efectos generados por ordenador y tomas con cámaras de todo tipo. Pero… ¿estará a la altura del clásico?
‘Wicket’
Hablando de tornados. La bruja de El Mago de Oz tuvo su musical y este ahora se convierte en película. Volvemos al mundo de Oz para una historia de orígenes sobre Elphaba, la bruja del oeste.
‘Kung fu panda 4’
La cuarta parte de las aventuras de Po nos traerá nuevas criaturas pero también viejos enemigos. Vuelve el guerrero del dragón doblado de nuevo por Jack Black, Florentino Fernández en España.
‘Kingdom of the Planet of the Apes’
Si pensabais que con la tercera parte de las precuelas de ‘El planeta de los simios’ había acabado todo estabais equivocados. 20th Century Studios quieren seguir exprimiendo esta franquicia y nos presenta la fase en la que los simios, ya con los humanos derrotados, establecen su reino.
‘Monkey Man’
Dev Patel (‘Lion’, ‘Slumdog Millionaire’) debuta en la dirección de largometrajes con un thriller de acción sobre la búsqueda de venganza de un hombre contra los dirigentes corruptos que asesinaron a su madre y siguen victimizando sistemáticamente a los pobres e indefensos. Protagoniza él mismo y produce Jordan Peele.
‘Knuckles’
El universo de Sonic sigue expandiéndose. Hasta ahora solo habíamos visto carteles o imágenes promocionales pero la Super Bowl 2024 nos brinda el tráiler de la que sería la tercera parte del universo cinematográfico en formato live action de Sonic. El villano se convirtió en amigo y ahora toca ver qué tal vuela esta trilogía sin Jim Carrey.
‘Despicable Me 4’
‘Gru: mi villano favorito’ tendrá cuarta parte tras mucho tiempo y secuelas protagonizada por sus minions. Las inteligencias artificiales protagonizan el spot
‘If’
De nuevo con Ryan Reynolds, en este caso junto a John Krasinski. Una aventura infantil que a muchos recordará a ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’
‘Bob Marley: one love’
Ya podéis leer nuestra crítica de la película sobre Bob Marley. Durante la Super Bowl 2024 se ha exhibido un tráiler que seguro que le ha descubierto esta película a muchos.
‘Imaginary’
¿Amigo real o imaginario? La nueva pesadilla de Blumhouse nos trae a una niña y a su osito de peluche, el cual, no trama nada bueno. Encontrarse un juguete abandonado en un sótano no augura nada bueno.
Los anuncios más locos
Como siempre la Super Bowl tiene anuncios publicitarios de diversos productos que vienen encabezados por personalidades famosas. Aquí tenéis un recopilatorio con los más graciosos.
Una subida de nivel con más acción y aún mejor calidad gráfica
Ya se ha estrenado la segunda temporada de ‘Halo’ este 9 de febrero y hemos podido ver gracias a SkyShowtime los cuatro primeros episodios. Si la primera temporada nos ofrecía acción y ciencia ficción además de tratar de ser una historia de intrigas y debates sobre la humanidad y la identidad, en este segundo periodo de la serie de Paramount+ tenemos mucha más emoción y profundidad en los protagonistas.
La temporada dos de ‘Halo’ retoma el punto exacto donde acabamos la primera. Cortana ha poseído al jefe maestro, los Covenant han visto frustrada su búsqueda del Halo y la Doctora Halsey (Natascha McElhone) está en busca y captura. Muchas de esas cuestiones se resuelven pronto para introducirnos un nuevo misterio, que llega con el cliffhanger del primer capítulo y nos deja con el culo torcido.
Para los detractores de la primera temporada hay que decir que las diferencias con los juegos siguen presentes y sucede como con el Juez Dredd de Sylvester Stallone, vemos demasiado el rostro de Pablo Schreiber como Master Chief. Pero al menos nos hacen viajar a Reach, los jugadores pueden hacerse una idea de lo que va a pasar. Otra de las protestas de los fans hacia los primeros capítulos fue que la acción era escasa, que había capítulos prácticamente sin nada de batalla, escaramuzas o peleas, que al fin y al cabo era algo omnipresente en todos los Halos. En esta segunda temporada los personajes sudan más pues vemos más misiones y batallas. Aunque el episodio tres es mucha palabrería, casi todo relleno, en el cuarto tenemos la mejor contienda de la serie hasta el momento. Bien es cierto que no sucede exactamente como en el juego ‘Halo: Reach’ y no conocemos al spartan Noble 6, pero si tenemos unos instantes demoledores y abrumadores.
En mi caso estoy disfrutando mucho esta serie pues aunque no respeta el lore al pie de la letra es capaz de moverse por el mismo universo. Han tomado nota del feedback y la acción está mucho más presente. Además, uno de los cambios importantes, la violencia es mayor y eso casi siempre es un plus pues le da a esta historia de ciencia ficción cierto realismo y dramatismo. Otra señal de que esta serie realmente es una mezcla un tanto caprichosa del canon de los videojuegos ‘Halo’ es que se incorpora el personaje de James Ackerson (Joseph Morgan), que surge de los libros para alzarse como uno de los más interesantes en esta segunda temporada. Además entra en juego algún que otro nuevo personaje, como el equipo cobalto. Pero hay detalles que nos siguen haciendo hablar de huevos de pascua. Sabemos que el equipo omega es canon por detalles que podréis ver en el segundo episodio, por ejemplo.
Como curiosidades, si no habéis jugado al juego, os parecerá familiar el nombre de Cortana la IA que acompaña al Jefe Maestro. Es lógico que os suene pues Cortana se llama también el asistente de Windows y evidentemente ambas creaciones pertenecen a Microsoft. Lo que puede haber sido un homenaje que se repite es el parecido del casco de los marines de la serie con los de la película ‘Starship Troopers’. Bien es sabido que los cascos del largometraje de Paul Verhoeven han sido muy reutilizados pero también que sirvió de inspiración para la creación de los videojuegos. Ojalá esto significase que están en el mismo universo. También podría formar parte del mismo mundo la historia de ‘Altered Carbon’, pues las ciudades de la serie lucen como aquellas que vimos en la serie de Netflix. Con esa serie ‘Halo’ también comparte que la calidad de producción es brutal, pero el guión hace que se desmerezca pues pierde cuando se aleja de su protagonista intentando expandir el universo de la franquicia.
Uno de los elementos más destacados de la segunda temporada es su dedicación a la construcción del mundo, sus localizaciones y efectos generados por ordenador. Desde los sobrecogedores paisajes de emplazamientos como Sanctuary hasta las civilizaciones alienígenas de intrincado diseño, todos los aspectos del universo ‘Halo’ están meticulosamente elaborados y son envolventes. La atención al detalle da sus frutos en esta segunda temporada, creando una sensación de autenticidad que atrae a los espectadores hacia la historia. No notamos diferencia entre cuando la acción es estática y los protagonistas van ataviados con trajes reales de spartan a cuando estos están recreados por ordenador. Sin duda de momento la serie está siendo una continua subida de nivel.
Aline Ruby es una testaruda detective privada, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha ‘reencarnado’ en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar.
Crítica
Cautivadora aventura de ciencia ficción metafísica
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Con implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. ‘Mars Express’ es una cautivadora aventura de ciencia ficción que lleva al público a un emocionante viaje rumbo al planeta rojo. En este mundo cyberpunk la humanidad ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de escoltar a una prisionera y desentrañar a la vez una trama de conspiraciones y muertes.
‘Mars Express’ destaca de otras aventuras actuales dentro del género cyberpunk por su atención a la precisión científica y su descripción de los retos inherentes a la exploración espacial y humana. Desde los intrincados detalles del diseño de la nave espacial hasta la carga psicológica, la película sumerge al espectador en la realidad de la vida más allá de la Tierra. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt Red.
He arrancado esta reseña asimilándola a diversos animes pero el diseño es distinto que el de la animación japonesa. Esta es una producción europea, francesa en concreto, y detalles como el trazo de dibujo, los ojos o las texturas revelan su origen. No obstante hay influencias orientales, a si es que podríamos decir que esta película podría estar dentro del canon de universos como los de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick salen a la luz.
Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente. Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. Y es que donde brilla de verdad este largometraje de animación es en su exploración de la experiencia humana. A medida que avanza la trama se profundiza en temas como el sacrificio, la resistencia y el espíritu indomable de la exploración. Aunque a algunos les parezca que el ritmo de la película es lento a veces, sobre todo al centrarse en los entresijos de la misión, otros apreciarán la oportunidad de sumergirse en temas metafísicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 e mayo de 2024. Título original: Mars Express. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Jérémie Périn. Guion: Laurent Sarfati, Jérémie Périn. Música: Fred Avril, Philippe Monthaye. Reparto principal (doblaje original): Léa Drucker, Mathieu Amalric, Daniel Njo Lobé, Marie Bouvet, Sébastien Chassagne, Marthe Keller, Geneviève Doang, Producción: Everybody on the deck, Je Suis Bien Content, Ev. L Prod, Plume Fiance, France 3 Cinema, Shine Conseils, Gébéka Films, Amopix. Distribución: Flamingo Films. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://flamingofilms.es/film/mars-express/
Gabriel es un ex boxeador que vive en un pueblo alejado de la ciudad con su padre y su perro. Todos le conocen por el apodo de Tarado, que se ganó en su época de púgil y, aunque podría seguir boxeando, prefiere llevar una vida discreta.
Crítica
Sencilla, sincera, entregada, con buen humor… una propuesta que debería ser más frecuente
Comencemos haciendo alusión a Will Smith. No me refiero a su capacidad de dar bofetadas, que también podría ser. Más bien quiero retroceder a lo que decía en ‘Cocussion (La verdad duele)’, “que tantos golpes en la cabeza no son buenos”. Y es que el protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Es de esos personajes que por mucho que quieren llevar una vida más tranquila acaba abriéndose paso a base de romper huesos. Un patrón que hemos visto muchísimo en el cine norteamericano con personajes de Bud Spencer, Jason Statham o Bruce Willis y que con ‘Os reviento’ encuentra una traslación estupenda.
Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming o Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.
La de ‘Os reviento’ es una acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura, sin descanso, pues quizá también habría que decir que se percibe la influencia de directores como Guy Ritchie por sus continuas situaciones desconcertantes y esos personajes que filosofan mientras vomitan jerga callejera. Mario Mayo está estupendo como protagonista de ‘Os reviento’ siguiendo los pasos de actores acostumbrados a hacer papeles duros de pelar como Vinnie Jones, Frank Grillo o Scott Akins.
Una de las productoras de la película se llama A Man From Murcia, si eso no os habla del carácter rural, casero y cómico de la cinta… Es una cinta tan volcada en los mamporros que en su reparto figura aquel quien hizo de Jesús en ‘Fist of Jesus’, MarcVelasco. Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo ruego que me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Os reviento. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Kike Narcea. Guion: Kike Narcea. Música: Daniel Maldonado. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Mario Mayo, Diego París, Fabia Castro, Fernando Gil, Antonio Mayans, Raúl Jiménez, Lone Fleming, Ana Marquez, Javier Botet. Producción: JAR Producciones, The Other Side Films, Loniego Films, Gamera Studios, A Man From Murcia. Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial:https://www.youtube.com/c/amanfrommurcia
Un grupo de compañeros de trabajo de una agencia de publicidad empiezan a descubrir poco a poco que todos están atrapados en un bucle temporal de una semana de duración.
Crítica
Curioso que desde el país nipón nos llegue un alegato contra las rutinas laborales
El director debutante (Ryo Takebayashi) firma ‘Mondays’ como Take C. No sé si es un guiño a Takeshi Kitano por sonar parecido pronunciado en inglés o si simplemente hace alusión a la inexperiencia que tiene en el campo del largometraje indicando que no es alguien capaz de sacar el trabajo en una sola toma. Quizá para compensar esa falta de experiencia la película se reduce a algo sencillo escenográficamente. Se ambienta en un solo lugar, una oficina, y aunque hace referencia otras muchas películas del mismo subgénero intenta romper la rutina de este tipo de films. Hablamos de los bucles temporales y normalmente estos en el cine se muestran primero como un día normal y luego empieza la esperada repetitividad. Con ‘Mondays’ las víctimas de este día de la marmota arrancan conscientes y hartos de estar enfrascados en la repetitividad, es decir, no vivimos ese proceso de desconcierto y reiteración que ya henos visto en tropecientos largometrajes. Aquí directamente tenemos a un grupo de protagonistas, conscientes de estar viviendo una inexplicable rutina e intentando convencer al resto del fenómeno que sufren. Es una metáfora obvia sobre la monotonía semanal, la sensación de bucle que podemos tener al acudir todas las semanas al mismo lugar de trabajo, con la misma gente y ejerciendo la misma tarea. Está claro que lo de Take C también puede hacer alusión a la cantidad de intentos que necesitan los protagonistas para romper esa reiteración.
Rompiendo estereotipos llega ‘Mondays’ que nos muestra que hasta para los japoneses la rutina y la frialdad del trabajo puede ser deprimente. Insospechadamente desde el país nipón nos llega esta obra que aboga por romper la rutina que nos pone un grillete en la oficina y nos anima a mirar más allá de nuestro puesto de trabajo. ‘Mondays’ también nos empuja a no tener miedo a volar hacia otros proyectos a través de una paloma que se estrella constantemente junto a la trama de la protagonista que duda en abandonar su puesto. Dotada de muchas pequeñas historias consigue ser un entretenimiento simpático. Te gustará si disfrutaste de ‘Más allá de los dos minutos infinitos’.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Mondays: See You ‘This’ Week! Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Ryo Takebayashi. Guion: Ryo Takebayashi, Saeri Natsuo. Música: Takao Ogi. Fotografía: Tatsuyuki Kozen. Reparto principal: Ryô Ikeda, Wan Marui, Yûgo Mikawa, Koki Osamura, Momoi Shimada, Harumi Shuhama, Makita Sports, Haruki Takano, Kotaro Yagi. Producción: CHOCOLATE Inc. Distribución: Filmin. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial:https://mondays-cinema.com/
‘Bob Marley: one love’ es una celebración de la vida y la música de un icono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. Por primera vez en la gran pantalla, descubrimos la impactante historia de superación de la adversidad de Bob y la travesía que subyace a su música revolucionaria. Producida en colaboración con la familia Marley y protagonizada por Kingsley Ben-Adir en el papel del legendario músico y Lashana Lynch en el de su esposa Rita, ‘Bob Marley: one love’ llegará a los cines este San Valentín, 14 de febrero de 2024.
Crítica
Sorprenderá porque trata más el mensaje que el personaje
Vivimos una época en la que proliferan las producciones de carácter biográfico sobre cantantes o grupos musicales. Desde el éxito de ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘Blonde’, ‘Elvis’ hasta películas fracasadas como ‘Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody’ o ‘Judy’. En España este “fenómeno” sucede también con ‘Bosé’, ‘Camilo superstar’, ‘Luis Miguel’, ‘Dispararon al pianista’ y ahora acaba de anunciar Netflix que contará la vida de Julio Iglesias. Todas esas películas o series tienen algo en común, intentan ensalzar e incluso endiosar la figura de la persona que abordan. En el caso de ‘Bob Marley: One Love’, tenemos que agradecer que hay un enfoque diferente. En España tuvimos un caso parecido con el documental sobre Berri Txarrak, ‘Dardara’, el cual se centraba más en las sensaciones de los fans que la trayectoria del propio grupo.
Con ‘Bob Marley: One love’, el mensaje, la revolución que en parte llevaron a cabo Bob Marley & The Wailers son el centro de atención y el eje del guion. No es una película que santifique al cantante jamaicano, aunque algunos aspectos, como las drogas o su carácter menos pacifista, los trata poco. Tampoco es un filme centrado en cómo este artista popularizó el reggae, más bien desarrolla los argumentos del movimiento rastafari y sus vínculos bíblicos. Sin ser evidentemente una película religiosa hace uso de todas esas características que siempre han rodeado a la figura de Jesucristo y Bob Marley aparece como una figura reverenciada pero tremendamente falible.
Una de esas debilidades que tenía el cantante es la ausencia de la figura paternal. Su no relación con un padre tiene un paralelismo poético y metafórico con la conexión entre Jamaica y el Reino Unido, entre la búsqueda real de una madre patria y la figura de unos orígenes a los que sentirse vinculado. Al fin, y al cabo, la historia de Bob Marley, siempre ha sido una peregrinación o un llamamiento a volver a las raíces y vivir en unidad e igualdad. Esta faceta pacifista y unificadora nos la están recordando toda la película y nos la remarcan desde el mismísimo principio ya que el filme parte desde el momento más conflictivo de la historia de Jamaica, cuando la disputa entre dos partidos políticos puso al país en una escalada de violencia al borde de una guerra civil. Es por eso que esta historia, que transcurre principalmente en los setenta, encuentra alarmantes similitudes con la actualidad de cincuenta años después. Se convierte en una lección o voz de alerta necesaria en estos tiempos de malestar, desencuentro y división.
Quizá este enfoque nada artificioso y alejado de florituras visuales venga propiciado por el hecho de que la familia Marley (tuvo esposa, amantes y trece hijos) y Brad Pitt están tras la producción. También el hecho de que el director sea el mismo de ‘El método Williams’. Bien es cierto que se ha escogido a un actor más agraciado y menos consumido que Bob Marley como es Kingsley Ben-Adir y a pesar de las reticencias de aquellos que el cogieron tirria tras su trabajo en ‘Invasión secreta’ hay que decir que se mueve bien como este mítico músico, tanto en conciertos, como en las escenas dramáticas, como recreando entrevistas o momentos de archivo.
Desde el disparo a la cabeza de su esposa, pasando por su exilio a Londres, hasta sus conciertos por la paz o por África ‘Bob Marley: one love’ hace un recorrido que está muy bien traído el día de San Valentín, para intentar hacer que no olvidemos que “aquellos que intentan hacer de este mundo un lugar peor no se toman ningún día libre” y que tenemos que querernos más los unos a los otros.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Título original: Bob Marley: one love. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Umi Myers, Anthony Welsh, Nia Ashi, Aston Barrett Jr., Anna-Sharé Blake, Gawaine “J-Summa” Campbell, Naomi Cowan, Alexx A-Game, Michael Gandolfini. Producción: Paramount Pictures, Plan B. Entertainment, Tuff Gong Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: biográfico, drama. Web oficial:https://www.bobmarleyonelove.es/
Basada en el aclamado corto de 2014 de Rod Blackhurst y Bryce McGuire, la película cuenta con un reparto encabezado por Wyatt Russell en el papel de Ray Waller, una estrella del béisbol obligada a retirarse prematuramente a causa de una enfermedad degenerativa que se muda a una nueva casa con su esposa Eve, su hija adolescente Izzy y su hijo pequeño Elliot.
Con la esperanza secreta de recuperarse y volver al deporte profesional, Ray convence a Eve de que la fabulosa piscina del jardín de su nuevo hogar será divertida para los niños y le servirá a él como terapia física. Pero su oscuro secreto del pasado de la casa desatará una fuerza malévola que arrastrará a toda la familia a las insondables profundidades del terror más asfixiante.
Crítica
Aunque tiene ciertos elementos originales no se sale de los patrones habituales
Si eres de a los que le incomoda meterse en una piscina pública por el bullicio o por la mera idea de que casi todo el mundo se orina en ellas no te acerques a la nueva película gestada por el binomio, recientemente asociado, formado por James Wan y la Blumhouse. Los creadores de películas como ‘Insidious’ o uno de sus últimos éxitos, ‘M3gan’, nos proponen una nueva historia sobre objetos malditos, en este caso uno bastante grande, ‘La piscina’.
Se trata de una nueva historia de terror sobrenatural que pronto tendrá muchas asimilaciones con obras de Stephen King como ‘El resplandor’ o ‘Cementerio de animales’. Pero esta película, que tiene su germen de un cortometraje homónimo también dirigido por Bryce McGuire, para mi se ha parecido más a un episodio de ‘The Twilight Zone’. Evidentemente, dado quien produce la cinta, el terror es el género con el que más comulga ‘La piscina’ pero hay elementos que nos transportan a historias desconcertantes como las de la mítica serie e incluso a películas como ‘Cocoon’.
El punto fuerte de ‘La piscina’ reside en que durante más de la mitad del metraje desarrolla o parece que va a desarrollar una historia sobre el miedo a los cambios de vida, a los sacrificios o a dejar paso a prioridades de aquellos a los que amamos. Desafortunadamente poco antes del tercer acto nos damos cuenta de que lo que estamos viendo se ciñe al terror estándar y ya podemos ir prediciendo paso por paso lo que va a pasar. A los que espectadores que les guste el terror y sean más otakus se van a acordar de ‘Fullmetal Alchemist’ y su intercambio equivalente.
Le beneficia también al filme que tiene algunos recursos interesantes para intentar asustarnos o para darle explicación el fenómeno que aterroriza a la familia protagonista. Con los giros de cámara o las criaturas pútridas, usadas también por el director en ‘Baghead’ es donde percibimos la influencia de Wan y el valor artístico de la cinta. Pero también tiene algunas escenas que suenan a trillado como la que nos recuerda el juego Marco Polo o el hecho de que una vez más parezca que los estadounidenses son campeones de apnea.
En resumen ‘La piscina’ es una película de terror nada mediocre pero tampoco excesivamente fuera e la norma. Probablemente servirá para que los espectadores disfruten con determinadas escenas, para que el director engrose su currículum frente a proyectos mayores y para que la estrella WyattRussell consolide su carrera y comience a quitarse la etiqueta de “hijo de Kurt Russell”.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Night Swim. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bryce McGuire. Guion: Bryce McGuire y Rod Blackhurst. Música: Mark Korven. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Wyatt Russell, Kerry Condon, Amélie Hoeferle, Gavin Warren, Jodi Long, Nancy Lenehan, Eddie Martínez, Elijah J. Roberts, Rahnuma Panthaky. Producción: Blumhouse Productions, Atomic Monster, Witchcraft Motion Picture Company, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/la-piscina
Estará presente en la gala que tendrá lugar en Valladolid
La 38 edición de los Premios Goya, cuya gala se celebra el 10 de febrero en Valladolid, tendrá como invitada y premiada internacional a Sigourney Weaver. La actriz estadounidense es un icono del cine fantástico y un referente para las actrices que quieren romper la figura de las mujeres en las películas de acción o terror. No es habitual además que una persona tan dedicada al género reciba un reconocimiento a si es que es toda una celebración para los amantes de la ciencia ficción y el terror.
Tres veces ha sido nominada al Oscar y ha recibido premios como el BAFTA y del Globo de Oro. Los personajes de Sigourney Weaver son inconfundibles e inolvidables. Desde la Teniente Ripley en ‘Alien’ pasando por Dian Fossey en ‘Gorilas en la niebla’ o su imprescindible papel junto a los ‘Cazafantasmas’ hasta recientes trabajos como el de ‘Avatar’ la han aupado hasta lo más alto de Hollywood.
En 2016 esta actriz neoyorkina que todo espectador conoce fue reconocida en el Festival de San Sebastián. Ahora será la Academia de Cine quien la traiga de vuelta para rendirle homenaje.
El Festival de cine fantástico revela títulos e invitados para su primera edición multisede
Hace poco pudimos celebrar que un festival alargaba su sombra desde el sureste hasta el centro de la península. Sombra Murcia se convertía en un evento multisede al anunciar que tendría lugar simultáneamente en la misma ciudad en la que viene celebrándose desde hace más de una década y Madrid.
Ya sabíamos que el fantástico tomará esas dos ciudades del 8 al 17 de marzo de 2024 en murcia y del 13 al 17 en Madrid. También cuales serán sus carteles, que en ambas ciudades se celebraría el concierto de Claudio Simonetti, que estará el autor de cómics Peter Milligan incluso que ‘Os reviento’ se proyectaría gracias a que sus artífices nos lo desvelaron en la última edición de CutreCon. Ahora, tras la rueda de prensa celebrada en la sede de la SGAE en Madrid, podemos hablar de muchos más títulos y protagonistas que podrán verse en la capital.
La Universidad Complutense acogerá una sesión doble de cortometrajes de unas 3 horas, la proyección de ‘La Mesita Del Comedor‘ y podremos ver los dos cortos de Jaume Balagueró en sus inicios.
En la Sala Berlanga veremos ‘Tenebre’ de Argento, ‘We Are Zombies’, ‘Los Sin Nombre’, ‘Color Out Of Space‘, ‘El Retorno Del Hombre Lobo’ y ‘No Profanar El Sueño De Los Muertos’.
En los cines Paz se proyectará ‘Club Zero’, ‘The Uncle’ y ‘Sleep’. También veremos ‘UFO Sweeden‘, ‘Mars Express‘, ‘Hardware’ y ‘Os Reviento’.
De invitados estarán Richard Stanley junto a los artistas USER T38, Xavier Gens y por supuesto Simonetti para su concierto.
El premio del festival se va a llamar Nocturna y los primeros homenajeados por supuesto, son los antiguos gestores del festival.
El cómic estará presente como en anteriores ediciones con invitados como Daniel Acuña y Peter Milligan.
Verano de 1957. Detrás del espectáculo y el peligro de la Fórmula 1, el ex piloto Enzo Ferrari (Adam Driver) está en crisis. La quiebra acecha a la empresa que él y su esposa, Laura (Penélope Cruz), construyeron de la nada hace diez años. Su inestable matrimonio se ve aún más fracturado por el dolor de la muerte de su único hijo. Ferrari lucha contra el reconocimiento de su otro hijo con Lina Lardi. La pasión de sus pilotos por ganar les lleva al límite. Todos sus destinos convergen en una carrera, la que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la icónica Mille Miglia.
Crítica
Sensación tan agridulce como el vinagre de Módena
Módena es la región donde se establece la sede de Ferrari y también la zona del norte de Italia que da nombre al agridulce vinagre. No es avinagrado el sabor que nos deja la nueva película de Michael Mann pero si es agridulce pues nos brinda momentos estupendos y nos desvela facetas poco conocidas para los ajenos al mundo automovilístico, pero el guión marea la perdiz hasta tal punto que cuesta vislumbrar cuál ha sido la intención de rodar este fillme.
El principal problema que se atisba es que el foco no está nada definido o demasiado repartido. ‘Ferrari’ no es un biopic como tal. Siendo exactos habría que indicar que aunque siga constantemente a Enzo Ferrari (Adam Driver) es la narración de un momento concreto y crucial en la historia de Ferrari, con todo lo que le rodea. En esa locación el director nos plantea un escenario con un imperio empresarial, un matrimonio marcado por la tragedia y líos de faldas. El esquema es bastante reiterativo y redundante y aun así cuesta discernir el auténtico sino de la película. Quizá se comprenda mejor si se entiende como un drama palaciego. Haciendo similitudes con las grandes familias medievales descubrimos que hay un feudo comercial, dos socios reinando sobre él, batallas que ganar a base de carreras, amantes que surgen de la clase baja del reino y hasta un hijo bastardo.
Al comienzo pensaba que la película tenía un problema de enfoque, pero luego fui comprobando que se busca un realismo que nos hace cambiar de punto de vista constantemente, quizá eso está relacionado con la diversidad de focos que mencionaba. Mann nos somete a un exceso de split diopter, esa técnica óptica tan usada en el cine para lograr acercarse estrechamente al espectador pero conservando distintos puntos de foco. Cuando deja de abusar tanto de ese efecto nos mete en carreras que están muy bien rodadas. ‘Ferrari’ transmite el riesgo de manipular y conducir un coche de la época con planos cerrados, cortos y vibrantes. Está fuera de toda duda que Michael Mann sabe mover la cámara y lo que es decir más, sabe qué tipo de lente o técnica le viene bien a la historia. El problema de ’Ferrari’, como decía, no es la técnica sino el enfoque que se le da al proyecto. Es como si todo aquello de lo que adolece la película fuese una extensión de lo que le viene pasando en los últimos años al equipo de Formula 1.
Parece que el tema del parecido físico ha caído en el olvido. Recientemente hablábamos de ‘Griselda’ y lo poco que se parecía Sofía Vergara e incluso con Adam Driver estudiamos lo mismo cuando se estrenó ‘La casa Gucci’. Quizá habría sido mejor escoger al futbolista Mesut Özil para dar vida al creador de la marca de coches, quien sabe, a lo mejor habríamos descubierto un talento oculto. Pero nos habrían privado del buen hacer de Driver, quien además de parecer predestinado a hacer un papel automovilístico dado su apellido, es capaz de calcar ciertos momentos, gestos o carácter del magnate. Ni que decir tiene que Penélope Cruz y el resto del reparto de actores famosos tampoco guardan similitudes, ni siquiera lejanas, con las personas reales a las que devuelven a la vida. Al menos la actriz española puede decir que solo cuando ella le da la réplica al protagonista ‘Ferrari’ sube de nivel dramático e interpretativo.
Siendo un filme de 2021, con el que comparte protagonista y tocando un personaje clave para Italia la comparativa con ‘La casa Gucci’ va a ser inevitable. Yo me decanto más por esta película ya que al menos no da risa de comedia involuntaria ni es tan culebrón. Simplemente con el bofetón y la crudeza con la que nos sacude en una de las escenas finales ya merece más la pena.
Con lo entusiasmados que nos había dejado Mann tras su participación en la serie ‘Tokyo Vice’ hemos recibido un jarro de agua fría. Por momentos la película es aburrida y solo cuando tenemos carreras o se tocan momentos contrastables de la historia crece el interés. Intenta acercarse a ‘Le Mans ‘66’ pero está lejos de clásicos históricos como ‘Heat’, ‘El último mohicano’ o ‘Ali’.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de febrero de 2024. Título original: Ferrari. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Guion: Troy Kennedy-Martin, Michael Mann. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Daniel Pemberton. Reparto principal: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Patrick Dempsey, Jack O’Connell. Producción: Forward Pass, Storyteller Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.ferrari-film.com/
Kaleb está a punto de cumplir 30 años y nunca ha estado más solo. Está peleado con su hermana por un asunto de herencia y ha cortado los lazos con su mejor amigo. Apasionado por los animales exóticos, un día llega a casa con una araña muy venenosa que accidentalmente escapa. Estas rápidamente se reproducen y los habitantes del edificio intentarán sobrevivir a una plaga que se sale de control.
Crítica
Terrorífica. No apta si tienes miedo a las arañas
Este 2 de febrero llega a nuestras pantallas la ópera prima de Sébastien Vaniček, ‘Vermin: la plaga’. Lo sé, me dan miedo los bichos y me meto a ver una película sobre una plaga de arañas. ¿Qué os puedo decir?, pues que he pasado un miedo tremendo.
Pero no solo depende de que me den o no miedo los bichos, no, sino que ‘Vermin: la plaga’ está muy bien hecha, y tiene una dirección que logra que te mantengas en tensión desde el primer momento en el que conocemos a la araña.
La sinopsis es sencilla, un chaval, en un edificio de viviendas decide meter una araña exótica a su colección, esta se escapa y la lía.
Una de las cosas que me encantó viendo la película, es que estuvimos toda la sala de cine incómoda. Se escuchaban moverse todo el rato las butacas, mientras nos rascábamos sin parar. Me parece tremendo lo que logra Sébastien Vaniček con ‘Vermin: la plaga’. Agobia un montón, utiliza cada rincón del edificio para crear la sensación de claustrofobia y de trampa. Este punto me ha recordado mucho a ‘REC’, en la que el edificio es un personaje más.
La mayoría de las arañas, sobre todo, de la primera parte, son reales. Luego ya, se va metiendo un CGI perfecto, que logra crear unos bichos tan reales que te crees la historia que te están contando.
El reparto está compuesto por chavales bastante jóvenes y que se están abriendo paso en el mundo del cine. ThéoChristine, al que vimos en ‘Gran Turismo’, es el protagonista de esta cinta. Le acompañan, SofíaLesaffre, LisaNyarko, FinneganOldfield, Marie–PhilomèneNga, JerômeNiel o MahamadouSangaré. Entre muchos otros. Un gran acierto, la naturalidad de estos personajes. Gente de calle que te puedes encontrar entre tus amigos y una comunidad de vecinos gigantesca que tienen sus más y sus menos pero que logran crear una sensación de realidad para el espectador que es muy importante a la hora de ver la película.
‘Vermin: la plaga’ tiene un punto también de crítica social, estamos en los suburbios parisinos, abandonados por parte de todos. Pero es cierto que se toca muy bien, sin ser algo demasiado importante, pero lo dejan ahí. Otro punto de realidad para la película.
Así que ya sabéis, id al cine y disfrutar de la experiencia. Porque sin duda, hay que verla en pantalla grande, con un buen sonido para escuchar las patitas y con gente alrededor con la que sufrir juntos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Vermines. Duración: 106 min. País: Francia. Dirección: Sebastián Vaniček. Guion: Sébastien Vanicek. Música: Douglas Cavanna, Xavier Caux. Fotografía: Alexandre Jamin. Reparto principal: Théo Christine, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Lisa Nyarko, Finnegan Oldfield, Marie-Philoméne Nga, Ike Zacksongo-Joseph. Producción: My Box Productions, Tandem. Distribución: Adso Films. Género: Terror. Web oficial: https://adso.tv/ficha/vermin-la-plaga
Una moderna Clarice Starling, Eleanor (Shailene Woodley) es una joven investigadora de la policía que lucha contra los demonios de su pasado cuando es reclutada por el investigador jefe del FBI (Ben Mendelsohn) para ayudar a perfilar y rastrear el trabajo de un individuo perturbado. A medida que la policía y el FBI inician una persecución por todo el país, se ven frustrados a cada paso por el comportamiento sin precedentes del individuo. Dada su torturada psique, Eleanor puede ser la única persona capaz de comprender la mente de su agresor y llevarlo ante la justicia.
Crítica
Un disfrute intrigante
Misántropo es un término que puede definir a infinidad de héroes y heroínas de películas. Siendo estrictos es todo aquel que destaca por demostrar amor por sus semejantes y por las obras que realiza en favor de la comunidad. En este caso quien se lleva ese apelativo es el personaje de Shailene Woodley, el cual, es una agente que tiene sus propias cicatrices y pesadillas pero no duda en convertirlas en una herramienta para su trabajo.
Damián Szifron, el autor de la aplaudidísima ‘Relatos salvajes’, se sumerge en un relato acotado a menos personajes pero con un carácter internacional. Esta es una aventura para el director argentino que ha rodado en inglés un largometraje de suspense, persecución y psiques perturbadas. Realizar el perfil de un asesino nunca es fácil y siempre es una tarea crucial pues puede ser esencial para adelantarse a sus pasos y detenerle. La idea de ‘Misántropo’ es el emplear a alguien que ha sufrido en sus carnes una confrontación similar para de ese modo comprender al agresor. La misantropía en este caso consiste en un sacrificio por parte de la protagonista que sufre al revivir su propio pasado a cambio de evitarle el mal a otras personas. No es la primera vez que vemos algo similar, pero tanto el guión como la interpretación de la protagonista hacen de este un filme bien armado y con unas pretensiones que van más allá del thriller policíaco estándar.
Las dimensiones de ‘Misántropo’ son las mayores que haya abarcado el director en su carrera. El presupuesto, el elenco actoral, la puesta en escena… todo es un reto que el director maneja con muy buen criterio, con gran sentido del suspense. El arranque con ese francotirador tan calculador y retorcido podría ser perfectamente la persecución de un villano del Batman de Nolan, de hecho, el etalonaje es muy parecido. Planos con drones del skyline, tomas con enfoque profundo, shaky cameras tras los protagonistas… todo ello nos transmite una sensación de desconcierto y peligro que nos marca para todo el metraje. A partir de ahí todo es seguir con atención el esbozo de la protagonista y el asesino y ‘Misántropo’ se convierte en un disfrute intrigante.
‘Misántropo’ es interesante y cautivadora por su ritmo, por las motivaciones de su asesino y por las grandes interpretaciones de Shailene Woodley y Ben Mendelsohn. La actriz retoma la seriedad de papeles como los que interpretó en ‘The mauritanian’ o ‘Snowden’. Por su parte Mendelsohn vuelve a demostrar que interpretaciones mayúsculas como la que tuvo en ‘El visitante’ no son un caso aislado en su carrera. Aunque nos pone la miel en los labios arrancando con una acción trepidante para bajarnos luego a códigos más detectivescos, trabaja muy bien el trasfondo de sus personajes, por lo que es casi imposible perder el interés. Se supone que con ‘Relatos Salvajes’ Szifron ya había demostrado su buen hacer, a la altura de las expectativas hollywoodienses. No me cabe duda de que le seguirán lloviendo proyectos como este más allá de las fronteras de su país.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: To catch a killer. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Damián Szifron. Guion: Damián Szifron, Jonathan Wakeham. Música: Carter Burwell. Fotografía: Javier Juliá. Reparto principal: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo, Ralph Inesosn, Richard Zeman, Dusan Dukic, Jason Cavalier. Producción:Distribución: Vértigo Films. Género: suspense. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/misantropo/
‘La tierra prometida’ se sitúa en el Siglo XVIII. El rey danés Frederik V declara que los páramos salvajes de Jutlandia deberían ser colonizados y cultivados para que la civilización pudiera extenderse y generar nuevos impuestos para la Casa Real. Sin embargo, nadie se atreve a seguir el decreto del rey. Esa tierra significa muerte: un lugar lleno de lobos hambrientos y castigado por una naturaleza brutal e implacable. Pero a finales del verano de 1755, un soldado solitario llamado Ludvig Kahlen decide que esos páramos le proporcionarían la riqueza y el honor que había deseado siempre.
Crítica
Arcel traslada magníficamente los códigos del western al norte danés
Jutlandia, zona del norte de Dinamarca repleta de llanuras y temperaturas frías. Una tierra hostil, estéril, peligrosa e indomable que ha visto acontecimientos como las dos Guerras Mundiales. Pero hace unos trescientos años era aún más indómita pues en ella no había ni rastro de civilización. Este es el panorama que nos brinda ‘La tierra prometida’. Un escenario que nos pinta el norte danés como si fuese el mismísimo western, pero con mucha más humedad en el ambiente y un par de siglos antes del salvaje oeste americano.
Hasta allí se trasladaba gente buscando complacer al rey Frederik V creando nuevos y fructíferos dominios, pero también para hacer fortuna o gloria propia, fundando nuevos asentamientos enfrentándose a la naturaleza y a los maleantes oportunistas. El protagonista, interpretado por Mads Mikkelsen, es un soldado retirado de la guerra que quiere encontrar en esas tierras un futuro. El punto de partida podría recordar a ‘Sisu’ y como ese otro título los códigos son completamente los de las películas ambientadas en el far west, pero el tono y el género son diferentes.
Tenemos a un protagonista recio y combativo, una cabaña en un lugar desierto, fugitivos, bandoleros, terratenientes, un romance a contracorriente… los elementos de las películas de John Ford o Sergio Leone influencian la película de Nikolaj Arcel. Pero evidentemente nos encontramos con detalles daneses como el ambiente frío, los personajes calculadores y la alcurnia europea. También algunos elementos de suspense y de drama criminal. Todo es no es de extrañar pues el director es uno de los creadores de la saga de Los casos del departamento Q. Tenía ganas de ver a este director fuera de esa franquicia, a parte de su versión de ‘La torre oscura’, y no me ha decepcionado para nada. Está claro que al director le gustan los personajes torturados y las historias de llaneros solitarios.
Sobra decir porqué el título en castellano es ‘La tierra prometida’. El original es ‘The bastard’. El personaje de Mikkelsen es un bastardo, fruto de la violación normalizada (en esa época) de un señor a una cortesana. Estamos en el siglo XVIII y este drama de época parece que también sirve de herramienta para rodar una lucha de clases. Tenemos a cortesanos y pobres luchando por un trocito de páramo y por romper el estatus social. Y por debajo de esos colonos se encuentran otras clases aún más apartadas de la sociedad. Aunque ‘La tierra prometida’ es el viaje tortuoso de un personaje cuya evolución está muy bien trabajada, también deja entrever un clamor por la no distanciación entre ricos y pobres, cada vez más evidente hoy en día.
Hay que señalar también a título de curiosidad que la película está basada en la historia real de Ludvig Kahlen. Con mayor o menor rigor histórico está todo maquillado con intrigas palaciegas, refriegas en el bosque y demás. Por ejemplo, la música contribuye mucho a elevar la tensión y hay un par de escenas duras de ver, sobre todo si no soportas los gritos o el sufrimiento animal. Esto me lleva a cerrar con algo que me habría gustado que desarrollase mejor la película. Nos encontramos cerca de un caso casi de caos medieval. Se hace un discurso que enfrenta el concepto de civilización contra los caprichos de los aristócratas de la época. Si el guión se hubiese desarrollado más en ese sentido estaríamos ante una película que además de entretenernos con una curiosidad histórica y calidad cinematográfica nos habría dado que pensar.
Realmente me gustaría concluir la crítica con un elemento de trivia. Amanda Collin coprotagoniza gran parte de la película junto a Mads Mikkelsen. Su personaje plantea similitudes con el que interpretó en ‘Rised By Wolves’. Es una mujer que escapa a una región inhóspita, huyendo del látigo y se ve con la responsabilidad de tener que cuidar a una criatura. Acaba conviviendo sola en una casa por construir rodeada de peligro y con un hombre como único aliado… hasta aquí puedo leer pues hay algún que otro paralelismo más.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2024. Título original: Bastarden. Duración: 127 min. País: Dinamarca. Dirección: Nikolaj Arcel. Guion: Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen. Música: Dan Romer. Fotografía: Rasmus Videbæk. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Gustav Lindh, Kristine Kujath Thorp, Simon Bennebjerg, Melina Hagberg. Producción: Zentropa Entertainment, Film i Väst. Distribución: BTeam Pictures, Divisa. Género: suspense, drama. Web oficial:https://bteampictures.es/the-bastard-la-tierra-prometida/
Amanda Collin es conocida sobre todo por su papel como Madre en la serie tristemente cancelada, ‘Raised by Wolves’, pero ha sido vista también en títulos conocidos como ‘Redención: los casos del Departamento Q’. Ahora participa en ‘La tierra prometida’, una película danesa protagonizada por Mads Mikkelsen basada en hechos reales de la que os hablamos aquí. Si la serie de HBO Max no os es suficiente aliciente para conocer a esta artista deberíais saber que suena muy fuerte para otro título de la misma plataforma, ‘La casa del dragón’.
El estreno está programado para este 2 de febrero de 2024. La actriz tuvo el gesto de acercarse a España para hablarnos del filme y de su participación en él.
Panamá, Uruguay y España localizaciones del rodaje
El pasado 15 de enero comenzó en Panamá el rodaje de‘Papeles’, el nuevo largometraje del director, guionista, actor y productor panameño Arturo Montenegro, conocido por ‘Todos cambiamos’ y ‘Cumpleañero’, películas por las que ha recibido más de 20 premios internacionales además de haber sido las seleccionadas para representar a Panamá a la Mejor Película Internacional en las ediciones 92 y 95 de los Premios Óscar, respectivamente. El rodaje se prolongará durante seis semanas, hasta el 1 de marzo, en localizaciones de Panamá, Uruguay y España.
Protagonizada por Megan Montaner (‘30 monedas’, ‘La caza’, ‘Sin identidad’), Carlos Bardem (‘30 monedas’, ‘Celda 211’, ‘Alacrán enamorado’, ‘Adiós’), Antonio Dechent (‘Cerrar los ojos’, ‘Lobo feroz’, ‘A puerta fría’, ‘Hombre muerto no sabe vivir’) y Gustavo Bassani (‘Iosi, el espía arrepentido’, ‘Pasaporte a la libertad’, ‘Argentina, tierra de amor y venganza’), el reparto de ‘Papeles’ se completa con Jaime Newbal (‘Tumbadores’, ‘Sound of Freedom’, ‘Perdida’) y Nick Romano (‘Stars at Noon’, ‘Plaza Catedral’, ‘Jacob’s Trouble’). Estahistoria inspirada en sucesos reales recrea el escándalo mundial de los Papeles de Panamá, ocurrido en 2016 y considerado el mayor hackeo de la historia, con el filtrado de casi 12 millones de documentos.
Se hablaba de corrupción, evasión de impuestos, lavado de dinero, drogas, armas y un largo etcétera de gente muy poderosa en el planeta. «Panamá se convirtió de repente en una mala palabra ¿Por qué usar el nombre del país?”, se pregunta Arturo Montenegro, el cineasta istmeño que estuvo nominado a los Premios Forqué en 2022 y a los Globos de Oro con ‘Cumpleañero’. Y reconoce que ahora que Panamá ha sido incluida de nuevo en la lista negra de paraísos fiscales por la Unión Europea, ha llegado la hora de hablar de esta historia desde su lado. Confiesa que, con ‘Papeles’,«me gustaría ayudar a generar una reflexión sobre estos hechos. Algo que es un reto porque estamos hablando de cosas reales, de temas dolorosos que están ahí y aún siguen las heridas abiertas. Deseo hacerlo con el mayor respeto y honestidad posible porque es un caso que persiste y donde hay muchas personas afectadas”.
Y apunta que su propósito es contar la historia desde dentro del lado panameño: «Desde ese lugar que nos ayude a tener ganas de soñar otra vez y recuperarnos. Con verdad y sin parcialidad, de manera responsable. Pasando por aciertos, dudas y errores, como la vida de Ana y la de cada uno de nosotros”. Y, reconoce que Los Panama Papers afectaron a todos los panameños: «Es un tema que nos incumbe a todos porque mancharon nuestro apellido. Por eso, con el deseo profundo de desvincular el nombre de Panamá, quise llamar PAPELES a la película. Así… solo Papeles, como todo panameño hubiese querido que esa poderosa campaña se llamase”, concluye.
Por su parte, Patricia González, CEO y Productora Ejecutiva de El Sueño Eterno Pictures, explica qué le atrajo de esta historia: “Cuando se conoció el escándalo de los Papeles de Panamá, siempre me causó mucha curiosidad el lado B de la historia. La oportunidad de ver lo que se vivía desde dentro de la firma señalada por el mundo como la que ostentaba la exclusividad de la corrupción global siempre fue un factor de atracción. Esto es Papeles una historia de daños colaterales y de reputación».
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