Una película que se estrena el 19 de enero Actualización: HBO Max España comunicó por error el estreno de esta película. Nos haremos eco de su nueva fecha cuando se haga pública.
La serie ‘Metalocalypse’ impactó a más de uno, en buenos y malos sentidos. Algo propio de una producción animada de Adult Swim, la factoría de series como ‘Rick y Morty’ o ‘Robot chicken’. Ahora, la serie sobre el grupo de heavy metal que cuenta con voces y talentos del mundo del metal regresa con una nueva película.
Para quien no lo conozca ‘Metalocalypse’ trata sobre una banda de rock que se ha hecho tan famosa y rica que tiene su propia fortaleza, esbirros e incluso su PIB. ¡Ríete tú de The Beatles! Dethklok es como se llama este grupo de metaleros que hace firmar a sus fans descargos de responsabilidad antes de entrar a los conciertos por lo sangrientos y brutales que son.
‘Metalocalypse: army of the doomstar’ es como se llama este nuevo filme. En él podremos oír de nuevo las voces de músicos como Kirk Hammett o Scott Ian pero también de famosos como Mark Hamill, John Hamm o Malcolm McDowell. Por supuesto están los dobladores habituales de Murderface, Nathan Explosion y compañía.
El 19 de enero podremos ver la película en HBO Max, distribuidora habitual de otros contenidos de Adult Swim.
Sinopsis oficial:
¿Podrá Dethklok elegir entre sus egos y el bien mayor del mundo para embarcarse en una aventura llena de peligros que pondrá a prueba sus propias almas y escribir finalmente la canción que será su salvación?
Dos actores y una actriz se encuentran en plena actuación sobre el escenario de un teatro ante un público algo escaso cuando, de repente, un espectador se pone de pie e interrumpe la obra porque «no le está entreteniendo».
Crítica
Un acto de ridiculez subversiva
¿Alguna vez habéis oído eso de “tiene una puesta en escena muy teatral”? Pues Quentin Dupieux a.k.a. Mr. Oizo lo hace literal. ¿Habéis tenido alguna vez las ganas de levantaros en medio de una película u obra de teatro y exteriorizar vuestro descontento? Pues Dupieux lo hace también literalmente. ¿Habéis pensado alguna vez que a vosotros se os ocurriría mejor historia que a los guionistas? Nuevamente, Dupiex materializa esa posibilidad. Su última película estrenada en España, ‘Yannick’, no es un acto de provocación ni de apología por la falta de originalidad actual, pero si es un acto rebelde tan absurdo como como la vida misma.
A cualquier superproducción de esas que se realizan a base de talonario y superestrellas sin apenas guión se le puede tachar de poco inédita. Pero a las películas de Dupieux jamás se le puede atribuir esa falta. El director francés nos asalta de nuevo con su increíble capacidad de sorprendernos con situaciones cada vez más absurdas. En este caso se ciñe más a lo plausible y materialmente posible alejándose de lo fantástico de últimos títulos suyos como ‘Mandíbulas’, ‘Fumar provoca tos’ o ‘Increíble pero cierto’ y nos traslada a la platea de un teatro. Más que nunca el director se pone en la piel del espectador mostrando cuan exigentes podemos llegar a ser a cerca del entretenimiento que consumimos, evidentemente, haciendo uso de sus características situaciones desconcertantes.
¿Te crees con mejores ideas o talento que aquellos que producen historias? Pues como decía Edu Soto cuando interpretaba el personaje de David Mecha, “¡Hazlo tú! Parece que es lo que piensa el protagonista de la película, Yannick, interpretado magníficamente por RaphaëlQuenard. Nada fácil materializar a un tipo tan conflictivo, singular y a aparentemente inofensivo a la vez. Este individuo asiste a una obra de teatro pero se aburre tan soberanamente que decide interrumpirla. Por si es poco extraño e inaudito que esto ocurra, sucede que es un personaje que dice todo lo que le pasa por la cabeza, con lo que su interrupción se convierte en un acto de ridiculez subversiva.
La propuesta del filme cuadra perfectamente con las ideas locas que Dupieux pone habitualmente en marcha, desarrollando siempre con una duración corta, lo cual nunca se agradece lo suficiente. La de ‘Yannick’ podría ser perfectamente una película que esté completamente improvisada pero al final se revela un objetivo, quizá un intento por desvelar la falta de pasión en la profesión o quizá una manera de maximizar los anhelos del espectador por huir de la realidad.
Dicho así todo esto suena a drama profundo y meditabundo. Pero evidentemente hay mucha comedia aunque hay que advertir que con esta película hay que estar más versado que nunca en la obra del director, sobre todo para captar, no la broma, sino el estilo del chiste. Por que además este es uno de los títulos en los que se percibe más que nunca que tiene una habilidad incuestionable y admirable para alagar las escenas sin que se hagan pesadas. Al igual que sucede con los actos del protagonista, te hace rehén y partícipe de su historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero de 2024. Título original: Yannick. Duración: 67 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Raphaël Quenard, Pio Marmaï, Blanche Gardin, Sébastien Chassagne, Jean-Paul Solal, Mustapha Abourachid, Sava Lolov, Franck Lebreton, Félix Bossuet, Charlotte Laemmel, Agathe L’Huillier. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Atelier de Production, CNC. Distribución: Filmin. Género: comedia. Web oficial:https://diaphana.fr/film/yannick/
Del aclamado director Alexander Payne, ‘Los que se quedan’ nos descubre a un profesor cascarrabias (Paul Giamatti) de un prestigioso colegio americano que se ve obligado a permanecer en el campus durante las vacaciones de Navidad para velar por un puñado de estudiantes que no tienen a dónde ir. Contra todo pronóstico, la convivencia le llevará a forjar un insólito vínculo con uno de ellos, un inteligente y problemático muchacho con sus propios traumas (Dominic Sessa, debutando en la gran pantalla), y con la jefa de cocina de la escuela, que acaba de perder un hijo en Vietnam (Da’Vine Joy Randolph).
Crítica
Una invitación a ir más allá de las etiquetas
Este año en Sitges vimos una película titulada ‘The sacrifice game’, en la cual unos niños se tenían que quedar solos en su colegio durante las Navidades. La cosa derivaba en asalto con banda a lo Charles Manson con ritual satánico incluido. En ‘Los que se quedan’ tenemos una trama similar, solo que el diablo está presente en forma de profesor hueso, de esos que te hacen el curso imposible.
‘Los que se quedan’ cuenta las vacaciones de Navidad de unos jóvenes que estudian en un colegio elitista y que por distintos motivos han de quedarse allí sin poder irse a sus casas o a su estación de esquí preferida. Se quedan encerrados en su escuela bajo la tutela del profesor que más odian, el de historia antigua. Sometidos a la estricta mirada de su maestro han de pasar allí los últimos días de 1970.
La película de Alexander Payne ya se ha colado en alguna de las shortlist para los Oscars mientras escribo estas líneas. El director de ‘A propósito de Schmidt’ vuelve a retratar a un personaje riguroso e intelectual, pero falible y con una humanidad por descubrir. La historia de ‘Los que se quedan’ nos invita a que nos tomemos la molestia de intentar descubrir qué hay tras la fachada de aquellos a los que vemos bajo una etiqueta. De la figura de un estrábico que es objeto de las burlas y temores de sus alumnos y de las de esos colegiales que son un constante dolor de cabeza surgen humanos con todo tipo de dilemas y problemas.
Es una película navideña que se va a estrenar ligeramente tarde. Pero aún así hay que reconocer que la Navidad no es el tema central de la película. Ni siquiera la diferencia de clases en una época en la que los privilegiados seguían con su vida mientras los pobres iban a morir al Vietnam. Abrir los ojos a lo que sucede a nuestro alrededor, darle espacio a los demás para que se abran y ver más allá de los prejuicios o el orgullo propio es lo que maneja en su mayoría. “No nacemos solo para nosotros” dicen en una ocasión durante el filme citando a Cicerón y podría haber sido perfectamente el título. Entendimiento, camaradería y humanidad son valores que pone sobre la mesa con un estilo elegante, sutil y emotivo.
‘Los que se quedan’ es una película de personajes, con trasfondos estudiados y elaborados. Más allá de un cómico estrabismo o de las hormonas que emergen a borbotones hay traumas, miedos y sueños rotos. Todos hemos tenido momentos cruciales en nuestra vida en los que la influencia de otros ha cambiado nuestra manera de ver el mundo o afrontar las cosas. Por eso y porque seguro que os va a recordar a más de uno de vuestros maestros, ‘Los que se quedan’ es un título con el que es fácil empatizar. Una nostalgia que además va reforzada con un impostado estilo de imagen setentero.
Aunque Paul Giamatti forma la columna vertebral del relato realmente forma un trio protagonista junto a Dominic Sessa y Da’Vine Joy Randolph. Que no os extrañen todas las nominaciones que están recibiendo estos intérpretes y la película en general porque, aunque no nos encontremos ante una obra maestra si hablamos de uno de esos títulos que dejan huella indeleble.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de enero de 2024. Título original: The Holdovers. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Alexander Payne. Guion: David Hemingson. Música: Mark Orton. Fotografía: Eigil Bryld. Reparto principal: Paul Giamatti, Dominic Sessa, Da’Vine Joy Randolph, Carrie Preston, Brady Hepner, Ian Dolley, Jim Kaplan, Michael Provost, Andrew Garman, Naheem Garcia. Producción: Miramax, CAA Media Finance. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/the-holdovers/
Cailee Spaeny y Jacob Elordi protagonizan el nuevo largometraje de Sofía Coppola, ‘Priscilla’. Elastica Films y BTeam Pictures pondrán este título en cines a partir del 14 de febrero. Si hace poco vimos un filme sobre Elvis Presley ahora llega el turno para profundizar más en una de las personas que influyeron en su vida Priscilla Beaulieu, quien fue su esposa y protagonista en películas como ‘Agárralo como puedas’.
Jacob Elordi es quien se mete en la piel del mítico cantante pero realmente la protagonista es Priscilla y está interpretada por Calilee Spaeny. Esta última salió del Festival de Venecia con la Copa Volpi a la Mejor Actriz bajo el brazo.
‘Pirscilla’ está basada en la autobiografía ‘Elvis & Me’, evidentemente escrita por Priscilla Presley. El relato rememora el noviazgo y matrimonio con Elvis y abarca desde el momento en el que se conocieron en la base militar alemana hasta su convivencia en Graceland.
Sinopsis oficial:
Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu se encuentra con Elvis Presley en una fiesta, él ya es una meteórica superestrella del rock and roll. Su genuina conexión inicial les lleva a pensar que están hechos el uno para el otro, y así surge una gran amistad y un apasionante flechazo que dará lugar a una relación en la que ambos creen que ninguno volverá a sentirse solo.
Destacan títulos como ‘La mesita del comedor’ o ‘La espera’
Ayer se anunciaron los nominados a los Premios de Cine español Independiente Blogos de Oro 2024, de los cuales somos partícipes. Entre todos los títulos nominados destacan ‘La espera’, ‘La mesita del comedor’, ‘Amanece’ o ‘La función’.
El próximo 4 de febrero, una semana antes de los Goya, tendrá lugar la gala virtual a partir de las 17h en la que se anunciarán los ganadores definitivos.
Mejor Actor de reparto
Carlos Troya por ‘Las tierras del cielo’
Francesc Colomer por ‘Beach House’
Josep Riera por ‘La mesita del comedor’
Martí Atance por ‘Beach House’
Manuel Morón por ‘La espera’
Mejor Actriz de reparto
Mabel Carrión por ‘Sola’
Isabel Ampudia por ‘Amanece’
Núria Prims por ‘La función’
Ruth Díaz por ‘La espera’
Violeta Gil por ‘Las tierras del cielo’
Mejor Actor principal
Albert Carbó por ‘Beach House’
Carlos Olalla por ‘Nato 0’
David Pareja por ‘La mesita de comedor’
Luis Heras por ‘La función’
Víctor Clavijo por ‘La espera’
Mejor Actriz principal
Blanca Parés por ‘La función’
Estefanía de los Santos por ‘La mesita del comedor’
Iria del Río por ‘Amanece’
Laura Galán por ‘Una noche con Adela’
María Andrómeda por ‘Sola’
Mejor Guion
Caye Casas y Cristina Borobia por ‘La mesita del comedor’
F. Javier Gutiérrez por ‘La espera’
José Gasset por ‘La función’
Pablo García Canga por ‘Las tierras del cielo’
Paloma Zapata por ‘La singla’
Mejor Dirección
Caye Casas por ‘La mesita del comedor’
F. Javier Gutiérrez por ‘La espera’
Juan Francisco Viruega por ‘Amanece’
Juanma Sayalonga y David Sainz por ‘Eterna’
Paloma Zapata por ‘La singla’
Mejor Cortometraje
‘Alicia’ de Tony Morales
‘Antes de que se poña o sol’ de Nani Matos
‘Birdie’ de Jesús Plaza
‘De(s)amor’ de Alba Pino
‘El querer’ de Miguel Machetti
‘Hado’ de Rubi Rock
‘Normas de higiene’ de Amaia San Sebastián Larzabal
‘Tu tijera en mi oreja’ de Carlos Ruano
Mejor Película
‘Amanece’ de «Juan Francisco Viruega, Pilar Ruíz y Joaquín Hidalgo’
‘Eterna’ de Diffferent Entertainment
‘La espera’ de Spa Films S.L.
‘La función’ de San Pelicano
‘La mesita del comedor’ de Alhena Productions, La Charito Films y Apocalipsis
‘La singla’ de Paloma Zapata, Nadja Smith y Paola Sainz de Baranda
Pocas veces la ficción se queda corta para adaptar algo que ha sucedido en la realidad. La historia de ‘Oso vicioso’ (‘Cocaine bear’ en versión original) sucedió realmente hasta el punto de dar lugar a la disecación de un animal y su posterior exposición en un museo de Lexington, Kentucky. Pablo Eskobear fue como se bautizó a este animal que sufrió un triste percance con unos fardos de cocaína.
Elizabeth Banks adaptó en clave de comedia gore estos hechos en un filme que Arvi Licensing ha comercializado en distintos formatos (análisis del Blu-ray aquí). Si queréis conocer nuestras impresiones sobre esta película que cuenta con nombres como Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Kristofer Hivju y Ray Liotta, entre otros, solo tenéis que acceder a nuestra crítica. Si queréis vivir por vosotros mismos la experiencia del Oso vicioso participad en este sorteo.
Si queréis participar seguid estas normas para usuarios de Facebook:
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 7 de enero de 2024 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X, Threads o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!
Tras un aterrizaje forzoso en una luna en los confines del universo, Kora (Sofia Boutella), una extraña con un pasado misterioso, comienza una nueva vida entre un pacífico asentamiento de granjeros. Pero pronto se convierte en su única esperanza de supervivencia cuando el tiránico Regente Balisarius (Fra Fee) y su cruel emisario, el Almirante Noble (Ed Skrein), descubren que los granjeros han vendido sin saberlo sus cosechas a los Bloodaxes (Cleopatra Coleman y Ray Fisher), líderes de un feroz grupo de insurgentes perseguidos por el Mundo Madre. Encargados de encontrar luchadores que arriesguen sus vidas para defender a la gente de Veldt, Kora y Gunnar (Michiel Huisman), un granjero de corazón tierno e ingenuo en las realidades de la guerra, viajan a diferentes mundos en busca de los Bloodaxes, y reúnen a una pequeña banda de guerreros que comparten una necesidad común de redención en el camino: Kai (Charlie Hunnam), un piloto y pistolero a sueldo; el general Titus (Djimon Hounsou), un comandante legendario; Némesis (Doona Bae), una maestra espadachina; Tarak (Staz Nair), un cautivo con un pasado regio; y Milius (E. Duffy), un luchador de la resistencia. De vuelta en Veldt, Jimmy (al que pone voz Anthony Hopkins), un antiguo protector mecanizado que se esconde entre bastidores, despierta con un nuevo propósito. Pero los recién formados revolucionarios deben aprender a confiar los unos en los otros y a luchar como uno solo antes de que los ejércitos del Mundo Madre vengan a destruirlos a todos.
Crítica
El ‘Rogue One’ de Zack Snyder se percibe como el satélite de algo más grande
Zack Snyder continua su relación con Netflix (iniciada con ‘Ejército de los muertos’) gracias a ‘Rebel Moon’, un nuevo estreno que tendrá continuación enabril de 2024. Este nuevo idilio llega fruto del rechazo pues la historia que nos cuenta ‘Rebel Moon’ fue hace varias décadas presentada y rechazada a y por Lucasfilm. La idea era hacer algo en ese universo pero sin contar con los Skywalkers, es decir, tipo ‘Rogue One’. Lo que pudo ser parte del canon de ‘Star Wars’ ahora es una historia que inevitablemente recuerda en su mayoría a la saga de George Lucas, pero que bebe de otras muchas fuentes.
Es una space opera que sigue la senda de películas como ‘Los Siete Samuráis’, la cual, el director ha dicho en innumerables ocasiones que es una de sus preferidas. Y como evolución natural sobra decir que hay muchísimo western en este nuevo mundo. Todo esto no es nada de extrañar, pues son los mismos pasos que siguió ‘Star Wars’ en su día. Pero a parte de la canónica película de Kurosawa y la saga de Lucas están presentes otros referentes. Recorremos paisajes que recuerdan el norte vikingo, el Japón Feudal, la antigua Roma o caóticas urbes industrializadas atiborradas de neones. En ese sentido casi se le va la película a la ensaladilla que fue ‘Sucker Puch’. Pero el viaje estelar que recorremos es mucho más parecido al de ‘Las crónicas de Riddick’ o a una aventura de ‘Warhammer 40.000’. Quien sabe, quizá esto acabe pareciéndose a la venganza de Atreides.
Y es que la trama nos hace conocer a un imperio de dimensiones interplanetarias que somete y derrama sangre (de manera nada explícita) en nombre de su emperador. Las naves, los trajes o las instalaciones imperiales parecen fruto de un sueño megalómano. Es imposible no acordarse de Star Wars con esta película, sobre todo porque además del guión hay escenas, frases e imágenes que la aluden. Si acaso se distancia en el sentido de que los protagonistas son todos humanos y los extraterrestres y los robots (entre ellos uno con la voz de Anthony Hopkins) están relegados a un segundísimo plano. Parece que Snyder ha querido hacer esto deliberadamente para que no sea todo tan similar al mundo de los jedis. Lo que no se si es tan intencionado es el hecho de que falte introspección en los personajes. Incluso el remake de ‘Los Siete Magníficos’ esbozaba mejor a sus protagonistas. Entiendo que hay una razón dado el giro que sucede en el tercer acto, pero va todo excesivamente atropellado y poco justificado. Para Sofia Boutella tenemos un pequeño flashback que si nos marca un camino, aunque este se antoje escaso entre tanta acción. Nos dejan intuir qué sucede en su cabeza debido a su pasado, pero la impresión es que no es suficiente. Sobre todo en el caso del villano interpretado por Ed Skrein percibimos mucha más motivación y estilo.
En el plano visual es una pasada, pero como siempre hay que estar muy en línea con las cámaras lentas y el sentido de la epicidad fotográfica de Snyder que como habitualmente se ha encargado personalmente de la imagen. A veces esta parece una serie de SYFY, de hecho quizá es un producto que habría funcionado mejor serializado. Pero los mundos que imagina son lo suficientemente atractivos como para complacer momentaneamente a los fans de la ciencia ficción.
Aunque entretiene con épica y espectáculo ‘Rebel Moon’ es un producto incompleto, que depende de que se estrene en unos meses la segunda parte y como ya viene siendo tradición, el director’s cut de Zack Snyder. Es una película que presenta mucho y abre las puertas a hacer toda una saga de películas. Es evidente que nos faltan cosas con este primer título, sobre todo por su conclusión. Sin duda ‘Rebel Moon’ es el satélite de algo más grande. Esa sensación de obra inacabada no la convierte en una mala película, por eso creo deberíamos tenerla en cuenta para lo que venga.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre de 2023. Título original: Rebel Moon – Part One: A Child of Fire. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder. Guion: Shay Hatten, Kurt Johnstad, Zack Snyder. Música: Junkie XL. Fotografía: Zack Snyder. Reparto principal: Sofia Boutella, Djimon Hounsou, Ed Skrein, Michiel Huisman, Doona Bae, Ray Fisher, Charlie Hunnam, Anthony Hopkins, Staz Nair, Fra Fee, Cleopatra Coleman, Stuart Martin, Ingvar Eggert Sigurðsson, Alfonso Herrera, Cary Elwes, Rhian Rees, E. Duffy, Jena Malone, Sky Yang, Charlotte Maggi, Corey Stoll. Producción: Grand Electric, The Stone Quarry. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial:ver en Netflix.
Tras fracasar en su intento de derrotar a Aquaman la primera vez, Black Manta, que todavía siente la necesidad de vengar la muerte de su padre, no se detendrá ante nada para acabar con Aquaman de una vez por todas. Esta vez Black Manta es más temible que nunca, empuñando el poder del mítico Tridente Negro, que desata una fuerza antigua y malévola. Para derrotarlo, Aquaman recurrirá a su hermano encarcelado Orm, el antiguo Rey de Atlantis, para forjar una insólita alianza. Juntos, deberán dejar a un lado sus diferencias para proteger su reino y salvar a la familia de Aquaman y al mundo de una destrucción irreversible.
Crítica
Tanta parafernalia y fanfarria para tan escaso argumento…
‘Aquaman’ fue la película de DC Comics más taquillera de su generación y por supuesto tiene séquela. ‘Aquaman y el reino perdido’ es el título de la segunda película en solitario del superhéroe atlante interpretado por Jason Momoa. Su primera entrega, también dirigida por James Wan, tenía un toque a aventura de cazatesoros embadurnada de sal y superpoderes. Parecía que esta continuación, dado el título con el que nos ha llegado, también iba a seguir esa senda, pero no ha sido así. En esta nueva película, que probablemente sea uno de los últimos coletazos del Universo de Snyder y compañía, la dinámica cambia velozmente. Pasamos de un filme que bien puede recordar a una versión acuática de ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Valerian’, a una aventura entre hermanos tipo Thor y Loki, a una civilización cuya idea ya hemos quemado con Wakanda y a batallas que rememoran escenarios como el del Minas Morgul de Peter Jackson. Es tal la cantidad de localizaciones, personajes, criaturas y acción que cuesta empaparse de un tono concreto. De hecho al final parece que hemos visto una reimaginación de alguna novela de Julio Verne.
Desde luego, si te gusta ver gameplays pulsando el botón de 2x te puede gustar esta aventura de Aquaman. En resumidas cuentas ‘Aquaman y el reino perdido’ tiene un argumento muy sencillo. Para intentar suplir el guión tan estándar que han rodado se ha montado un filme basado en pequeñas interacciones entre protagonistas unidas por mucha acción. Pero se nota que esta película ha tenido cambios sobre la marcha. Además James Wan puebla todo el largometraje de monstruos para también arrollarnos con legiones de horrores. En esta ocasión el genio del terror nos deja sin conseguir una impresión terrorífica tan efectiva como la que logró con la escena de la fosa en la primera parte. Eso sí, se da el gustazo de introducir criaturas ataviadas con escafandras como la que aparece en el opening de su productora, Atomic Monster.
Para movernos entre tantos lugares de fantasía oceánica y dar vida a los engendros inspirados por las viñetas se ha hecho uso de muchísimo CGI. Sin llegar a los niveles de ‘Ant-Man y la Avispa: quantunmanía’ nos movemos por una película que está rodada sobre todo en escenarios con croma. A pesar de ello con ‘Aquaman y el reino perdido’ hay que celebrar que la calidad es alta. El presupuesto y las horas de postproducción han tenido que ser muchos para conseguir que todo luzca como lo vemos, aunque el frenesí de la acción puede ayudar a camuflar algunos detalles. Aquellos detractores de ‘Flash’ no encontrarán aquí nada al respecto a lo que agarrarse.
Se que será algo preguntado y comentado. Contra todo pronóstico y tras la polémica con Johnny Depp, Amber Heard está muchísimo más presente de lo esperado. Su presencia a veces es casi de atrezo y la cantidad de veces que la han recreado por ordenador delata que para ella había aún muchas más líneas de guión. Han tenido que arreglarlo todo en montaje porque hay algunas escenas que sin ella carecerían de continuidad. Es por el contrario Patrick Wilson quien está realmente presente y quien hace que se mueva la historia. En muchas ocasiones es quien dota de sentido al filme y quien con su carisma hace que no nos hundamos en la butaca.
Esta versión de Aquaman, que venía de rozar el ‘Hancock’ de Will Smith, parecía que iba a madurar con eso de que viene acompañada de bebé pero se ha ido por unos derroteros que terminan por no definir qué se busca con este personaje. Quizá ya no importe mucho pues ahora mismo parece que hace aguas su presencia dentro de los planes de James Gunn.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de diciembre de 2023. Título original: Aquaman and the lost kingdom. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Jason Momoa, Patrick Wilson, Yahya Abdul- Mateen II, Dolph Lundgren, Temuera Morrison, Nicole Kidman, Jani Zhao, Amber Heard, Vincent Regan, Pilou Asbæk, Randall Park, Indya Moore. Producción: Warner Bros., DC Entertainment, Atomic Monster, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/aquaman-and-lost-kingdom
Las vivencias de una pareja que no imaginarán que la compra de una mesita para el comedor se convertirá en la peor decisión de sus vidas.
Crítica
Si pensabas que estabas insensibilizado atrévete con este relato hardcore
El director Caye Casas, autor de ‘Matar a Dios’, ‘Asylum: Twisted Horror and Fantasy Tales’ o el estupendo cortometraje ‘RIP’, nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Y diréis… cómo una película con un nombre tan inocente que podría ser perfectamente el de un juguete infantil o de un programa vespertino de José Manuel Parada puede ser algo tan perturbador. Es que este nuevo título dramático más que una película es una experiencia.
El filme está hecho en pocos días y en una sola localización, contando con un reparto que es una mezcla de los trabajos que he mencionado anteriormente. Aunque suene a producción lowcost, teatral o de poco calado este es un proyecto que no se puede tomar como tal porque su repercusión en el espectador es demoledora. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.
Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real.
Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. No puedo dar detalles de la trama pues a poco que se diga se malogra la sorpresa y el golpe de efecto. Pero si puedo decir que no me extraña que no haya encontrado distribución, porque es una película para valientes y hoy en día las distribuidoras no arriesgan nada. Ojo, que hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.
Es un filme difícil de calificar dentro de un género pues en cada espectador, según la situación personal, causará un impacto diferente. Pero lo que si es seguro es que ‘La mesita del comedor’ impacta. Y sobre todo es por lo truculento de la situación, por la psicología que explora y por la angustia que transmite. Ostenta el logro de mantener la tensión en absolutamente todo el metraje sin darnos más respiro que algún brote de retorcida comedia, innata en Caye Casas. Y esto lo consigue a través de un gran trabajo de guión, de un montaje que va acompañado de acertados movimientos de cámara y de un increíble trabajo de racor emocional. Para que os hagáis una idea, podrá relacionarse esta película con una especie de visión hardcore de ‘El corazón delator’ de E.A. Poe pero a mi me ha recordado por el plano técnico más a ‘Hereditary’, como por ejemplo durante el climax del filme que tiene un paneo muy a lo Ari Aster.
La risa de Estefanía de los Santos, la insoportable e inoportuna insistencia de algunos personajes, las punzantes pesquisas del hermano interpretado por Josep Riera o los sudores contagiosos de David Pareja son elementos que como espectador te van a hacer sufrir. Es una película de sentimientos encontrados, de situaciones demoledoras y a priori ridículas, pero a la vez plausibles. Sin duda te pone a prueba. Es de las pocas veces que empatizando con el personaje estoy deseando que se quite la vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de diciembre de 2023. Título original: La mesita del comedor. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Caye Casas. Guion: Caye Casas, Cristina Borobia. Fotografía: Alberto Morago. Música: Bambikina. Reparto principal: David Pareja, Estefanía de los Santos, Josep Riera, Claudia Riera, Eduardo Antuña, Gala Flores, Critstina Dilla, Itziar Casrto, Emilio Gavira. Producción: Alhena Production, Apocalipsis Producciones S.L., La Charito Films, Pulsar Films. Distribución: Filmin. Género: drama, terror, comedia negra. Web oficial:https://lamesitadelcomedor.es/
Si la película te gustó, los extras te la van a enriquecer
Enfrentarse a patadas contra un escualo de dimensiones titánicas. La propuesta de Megalodón no puede ser más loca, quién diría que surge de una serie de novelas que tienen hasta ocho entregas, dos de ellas adaptadas al cine. Si la primera parte recaudó cinco veces más de lo que costó, que fueron más de 150 millones de dólares, y la segunda casi cuadruplicó en taquilla el que fue su presupuesto, es de imaginar que habrá tercera parte.
Desde luego que hay saga para rato y el reparto está entregadísimo a estas películas como podréis ver en los extras de este Blu-ray que ha editado Arvi Licensing. Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis son los protagonistas y a todos les podéis ver en el contenido adicional hablando de lo realmente bien que se lo han pasado rodando este filme que estamos seguros uqe no se quedará perdido en las profundidades, como su protagonista marino.
El director Ben Wheatley (‘In the earth’) fue el encargado de realizar esta locura que estrenó en cines Warner Bros. Pictures. Y lo hizo en sustitución de Jon Turtletaub (‘La búsqueda’) para llevar la historia a niveles aún más locos. Quizá la taquilla funcionó pero que con la primer parte, pero desde luego la opinión, de público y crítica, favorece a la secuela desmintiendo el dicho de “segundas partes nunca fueron buenas”.
Si os compráis este Blu-ray podréis verlo en versión original o con doblaje en castellano e italiano DTS HD Master Audio 5.1 o en Dolby Atmos True HD si se escoge en inglés (el cual viene con opción de audiodescripción). Los subtítulos están disponibles en castellano, sueco, noruego, finés, danés, coreano, cantonés y chino complejo. Para sordos solo está disponible en inglés e italiano. La película se proyecta en 1080p Alta Definición 16×9 2.39:1.
Extras ( 22 min. aprox.)
Making of de Megalodón 2: La fosa. (13:02 min.)
En este extra vemos a muchas de las personas del equipo hablando acerca de la película y del guion. Y de como esta cinta está realizada para ser disfrutada en el cine.
Vemos parte de los storyboards y la creación de todo este nuevo universo gracias a las grabaciones con croma.
Desde las profundidades: Aún más salvaje. ( 09:40 min.)
En su versión original, nos van presentando a las nuevas criaturas que vemos en la película. Los storyboards a todo color y como los crearon. Tanto los diseños como luego la creación en digital de cada una de las criaturas.
En un pueblo remoto, dos hermanos descubren a un hombre infectado por fuerzas malignas que está a punto de dar a luz a un demonio. Desesperados por evitar la entrada del Mal a su pacífico mundo, los hermanos descubrirán la terrible verdad: es demasiado tarde.
Crítica
Terror del bueno para comenzar el año nuevo
Allá en 2018, tuvimos la oportunidad de ver en el Festival de Sitges una de las películas más terroríficas de ese año ‘Aterrados’, (aquí os dejo el link a nuestro diario de ese año). Una cinta con un presupuesto bastante justo, pero que aun así lograba mantener la tensión y terror durante toda su duración. El pasado festival de Sitges, hemos disfrutado la nueva cinta de DemiánRugna, ‘Cuando acecha la maldad’, una película que ha llenado las salas del Festival y de todos los festivales a los que ha ido.
El 19 de enero llega a nuestras pantallas esta cinta, llena de terror, acción y unos poseídos con muchas ganas de terminar con el mundo conocido y capaces de crear el caos en un pueblo en muy poco tiempo.
‘Cuando acecha la maldad’ nos trae la historia de dos hermanos, los cuales, al encontrar en su pueblo a un embichado (poseído), comienzan a urdir un plan para sacarlo de allí. Con tan mala suerte que harán que se desate el mal en todo el mundo.
Es sin duda una de las mejores películas que he visto este año. La tensión que crea es tremenda. Tiene mucho ritmo y aunque da un bajón hacia el final, es algo necesario, en mi opinión se necesita poder asimilar todo lo que estamos viendo y de cómo va a terminar todo.
Sin duda se nota mucho que han confiado en Demián para esta película, pues el presupuesto se ve mucho más alto. El maquillaje de ElisabethGora (‘Argentina 1985’) es espectacular y desgarrador. Y el CGI es salvaje.
Decir que es una película con la que no se han cortado nada. El mal es para todos y hay escenas que vemos que son totalmente perturbadoras.
EzequielRodríguez y DemiánSalomón los encargados de dar vida a estos dos hermanos, están fantásticos. El trabajo que realizan me parece estupendo y sufres con ellos durante todo el metraje. Sufres sus errores y sus intentos de que todo salga bien y la desesperación al no lograrlo.
DemiánRugna, sabe perfectamente lograr que lo pasemos mal. ‘Cuando acecha la maldad’ me ha recordado mucho a ‘Fallen’, una cinta que, si no conocéis, os recomiendo mucho, está protagonizada por Denzel Washington y John Goodman y la verdad que en el fondo de la película recuerda mucho. Y es que se logra que llegue un momento que no sepas quien es el verdadero enemigo, la cara más inocente puede ser el mal.
Así que no dudéis en acercaros a sufrir con la ganadora del Festival de Sitges, que os hará sobresaltaros un montón de veces durante su proyección.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de enero de 2024. Título original: Cuando acecha la maldad. Duración: 99 min. País: Argentina. Dirección: Demián Rugna. Guion: Demián Rugna. Música: Pablo Fuu. Fotografía: Mariano Suárez. Reparto principal: Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Luis Ziembrowski, Silvina Sabater, Marcelo Michinaux, Emilio Vodanovich Federico Lixx, Paula Rubinsztein, Virginia Garófalo. Producción: Shudder, La Puerta Roja, Aramos Cine, Machaco Films. Distribución: Selecta Visión. Género: Terror. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/catalogos/cuando-acecha-la-maldad/
Movistar Plus+ y SkyShowtime han anunciado un nuevo acuerdo, que se extenderá a lo largo de los próximos años, y que traerá SkyShowtime a la oferta de televisión de Telefónica. Desde principios de 2024, la plataforma SkyShowtime, con su selección exclusiva de series internacionales y en español, y estrenos cinematográficos de Paramount y Universal, estará incluida en el paquete Ficción miMovistar.
Así, Movistar Plus+ se convierte en el primer operador español en lanzar SkyShowtime. El acceso al conjunto de contenidos de SkyShowtime se hará de manera integrada, como parte de la navegación principal de la plataforma y disponible bajo demanda. Además, se lanzará un nuevo canal lineal de SkyShowtime destacando sus novedades, cine y series.
Este acuerdo refuerza la posición de ambas compañías en el mercado español. Con esta alianza Movistar Plus+ reafirma su liderazgo en el mercado español y consolida su estrategia como agregador que ya reúne a operadores globales y nacionales. SkyShowtime gana nuevos suscriptores en la plataforma líder en España, ampliando significativamente su alcance e impacto.
Los clientes del paquete Ficción miMovistar podrán acceder a una atractiva oferta de entretenimiento que suma un gran número de películas de éxito y series originales de SkyShowtime, incluyendo contenido de las icónicas marcas de Universal Pictures, Paramount Pictures, Nickelodeon, DreamWorks Animation, Paramount+, SHOWTIME®, Sky Studios y Peacock, así como las series originales de SkyShowtime.
Cristina Burzako, CEO de Movistar Plus+, ha dicho: “Este acuerdo nos alegra de manera muy especial; por una parte damos la bienvenida a una plataforma internacional de alto valor y calidad en sus contenidos, con un gran número de títulos atractivos para nuestros clientes y que viene a sumarse a nuestra oferta integradora. Por otra parte, podremos hacer la incorporación de los nuevos contenidos de la forma más accesible e intuitiva para nuestros clientes”.
Monty Sarhan, CEO de SkyShowtime, ha declarado: “Este es un acuerdo trascendental tanto para Movistar Plus+ como para SkyShowtime, y estamos orgullosos de llevar nuestro increíble entretenimiento a todavía más suscriptores en España. Nuestro acuerdo demuestra la importancia y fortaleza de las asociaciones y cómo podemos trabajar juntos para generar valor para nuestros respectivos negocios”.
Entre los títulos que llegarán en 2024 a los clientes de Movistar Plus+ destacan las series Yellowstone, del nominado al Oscar® Taylor Sheridan, una serie protagonizada por el ganador del Oscar Kevin Costner, así como 1923, protagonizada por nominado al Oscar Harrison Ford y la ganadora del Oscar Helen Mirren, y Tulsa King, protagonizada por el nominado al Oscar Sylvester Stallone, junto a la nueva serie de Sheridan, Special Ops: Lioness, protagonizada por Zoe Saldaña, Laysla De Oliveira, Michael Kelly, y los ganadores del Oscar Morgan Freeman y Nicole Kidman.
Otras series que podrán verse en Movistar Plus+ a través de SkyShowtime son HALO, que se desarrolla en el universo que se dio a conocer en el exitoso videojuego de 2001, Star Trek: Strange New Worlds, la última entrega en la franquicia de Star Trek, que es una precuela de la serie original y se basa en los años en que el Capitán Christopher Pike comandó la U.S.S. Enterprise; y el triunfal regreso de la icónica comedia Frasier, protagonizada por Kelsey Grammer.
Raquel Berzosa, Directora General Regional de Iberia de SkyShowtime, ha declarado: “A solo nueve meses de nuestro lanzamiento en España, SkyShowtime cuenta con una impresionante selección de contenido de alta calidad y series originales locales. Estamos emocionados de llevar nuestro contenido a Movistar Plus+ y encantados de seguir construyendo nuestra alianza«.
Las series originales de SkyShowtime incluyen éxitos globales y producciones en español, como Poker Face, nominada al Emmy®, protagonizada por Natasha Lyonne, y Mentiras Pasajeras, la serie producida por Esther García junto a Agustín y Pedro Almodóvar, ganador del Oscar. Mentiras Pasajeras cuenta en su elenco con rostros muy conocidos como Elena Anaya, Pilar Castro, Hugo Silva, Quim Gutiérrez y Susi Sánchez, junto con una lista de estrellas invitadas de primera categoría, como María Botto, Pedro Casablanc, Estefanía de los Santos y María León. Otras series originales en español de SkyShowtime incluyen Bosé, Las invisibles, Los Enviados y Por H o por B.
La oferta de contenidos de SkyShowtime también incluye una selección de películas de estreno de la industria de Hollywood que se estrenarán exclusivamente en SkyShowtime después de su paso por las salas de cine como Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones y Transformers: el despertar de las bestias.
Una mirada cautivadora a la historia de Israel y un retrato íntimo de una mujer extraordinaria, Golda Meir (Helen Mirren), también conocida como la «Dama de Hierro de Israel». Una de las mujeres más destacadas de la política israelí del siglo XX, quien enfrentó responsabilidades y decisiones intensamente dramáticas y de alto riesgo durante la Guerra de Yom Kippur.
Crítica
Ni su estructura ni su intencionalidad se ganan la confianza del espectador
Golda Meir fue conocida por un apodo idéntico al de la Thatcher, la “dama de hierro”. El suyo es un dilema como el del huevo y la gallina, ¿qué fue antes, su férreo carácter o su estancia como embajadora del Estado de Israel en la Unión Soviética? Sea como fuere es un personaje que hizo brecha destacando como la primera israelí en un puesto de alto cargo. La película de Guy Nattiv se centra en sus últimos días como Primera Ministra de Israel, no es un biopic que parta desde los orígenes, ni su relación sentimental ni siquiera esa etapa que he comentado en la URSS.
El filme parece tener solo dos únicas metas: reflejar que fue la primera política en hacer que un país árabe reconociese a Israel a través de ese nombre y constatar que Golda fumaba como un carretero. El humo del tabaco sirve para hacer luz de gas y pasar completamente por alto nombres como Palestina o los atentados de las Olimpiadas de Múnich. Ahora que David se ha convertido en Goliat es imposible no detectar en esta película una grandísima hipocresía, un victimismo en el que el director, también israelí, se ha olvidado de que ambas partes atacan y apresan.
Pero más allá de politiqueos y paralelismos con la actualidad que nos demuestran una vez más que Estados Unidos ha alimentado durante años la máquina de guerra del sionismo, está el hecho de que esta es una película aburrida. Es de esos filmes capaces de enumerar muchos detalles y aún así no ser explícito o no saber explicarse con sentido de conjunto. El planteamiento, hilar la historia a partir de una comisión en 1974 para a partir de ahí ir soltando flashbacks, carece de sentido cuando toda la película es un completo flashback. Solo en un par de ocasiones volvemos a la silla del pleno y este recurso no aporta nada a la historia, ni dramatismo, ni punto de inflexión, ni apenas clímax.
Helen Mirren actúa magníficamente ayudada por un gran trabajo de caracterización e imágenes mezcladas con metraje de archivo. El problema de ‘Golda’ no es que el personaje esté mal interpretado, solo hay que buscar entrevistas y comparecencias de la época para comparar, es que a poco que uno conozca la historia se dará cuenta que hay un trabajo, voluntario o no, de suavizar o limpiar su reputación, con lo cual se pierde toda la fidelidad.
Liev Schreiber interpreta al fallecido Henry Kissinger. Un diplomático tan aplaudido como criticado por sus trabajos en secreto, sus alianzas cuestionables y sus logros políticos. Ejerció su llamada “diplomacia itinerante”. Se movió siempre por arenas movedizas, en conflictos peligrosos y delicados, de igual modo que lo hace este filme que llega cuando cada vez son más los que están convencidos del genocidio en Gaza. Curiosamente Golda se crio en Ucrania, a si es que incluso ya fallecida no puede estar más relacionada con las guerras y la actualidad. Nattiv desaprovecha esa oportunidad para hacer un filme que se siente más melodramático y adulador de lo que correspondía.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Golda. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Guy Nattiv. Guion: Nicholas Martin. Música: Dascha Dauenhauer. Fotografía: Jasper Wolf. Reparto principal: Helen Mirren, Liev Schreiber, Camille Cottin. Producción: Embankment Films, Hianlo, Maven Screen Media, New Native Pictures, Picadilly Pictures, Qwerty Films, ShivHans Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: biografico, drama. Web oficial:https://bleeckerstreetmedia.com/golda
El personaje de Seth MacFarlane pasa a la televisión
SkyShowtime ha anunciado hoy que ‘Ted’ estará disponible en todos sus mercados. Los 4 primeros episodios estarán disponibles en exclusiva en SkyShowtime a partir del jueves 22 de febrero y los 3 episodios restantes a partir del jueves 11 de abril.
Esta comedia, precuela de las películas de ‘Ted’, transcurre en el año 1993, cuando los días de gloria del oso Ted (Seth MacFarlane) han quedado atrás. Ahora vive en su localidad natal (Framingham, Massachusetts) con su mejor amigo de 16 años, John Bennett (Max Burkholder), los padres de este, Matty y Susan (Scott Grimes y Alanna Ubach) y su prima Blaire (GiorgiaWhigham). Puede que Ted sea una pésima influencia para John, pero también es un amigo fiel, siempre dispuesto a darlo todo.
Nota de Seth MacFarlane (productor ejecutivo, guionista, director y co-showrunner), Paul Corrigan y Brad Walsh (productores ejecutivos, guionistas y co-showrunners): Cada generación desarrolla su propio estilo artístico, su propia forma de ver el mundo. En los años veinte, usaban el subversivo lenguaje musical del jazz; en los cincuenta, las atrevidas pinceladas de los expresionistas abstractos. El arte único de nuestra generación consiste en crear contenido en streaming basado en propiedad intelectual que haya triunfado anteriormente.
Siguiendo esa tradición, nos complace presentaros Ted, una precuela de las películas de Ted. Tiene lugar en los noventa, pero se basa en la verdad atemporal de que ser adolescente es lo peor. Lo único que lo hace más llevadero es pasar el mal trago con un amigo, incluso si ese amigo es un osito de peluche mágico malhablado y proclive al consumo de drogas.
Nosotros tres fuimos adolescentes en los noventa y crecimos en Boston, donde se desarrolla la serie, así que muchas de estas historias son muy personales. Esto nos ha permitido hacer pasar a los personajes por las mismas humillaciones y los mismos hitos que nosotros vivimos en su momento, pero también nos hemos inventado cosas (porque hay que llenar muchas páginas y la vida real suele ser bastante aburrida).
Como si no se hubiese estrenado nada desde el verano las dos películas que más nominaciones acaparan para los Globos de Oro son ‘Barbie’ (9) y ‘Oppenheimer’ (8). Bien es cierto que en algunos países aún no se ha podido ver títulos como ‘Pobres criaturas’ o han tenido menos repercusión como es el caso de ‘Los asesinos de la luna’.
En el caso de la televisión títulos como ‘Successio’, ‘The Crown’ o ‘The last of us’ encabezan la parrilla, nada inesperado aunque se han echado en falta otras series más queridas por la audiencia.
Principales nominaciones de televisión
Mejor serie drama
‘1923’ (Paramount+)
‘The Crown’ (Netflix)
‘The Diplomat’ (Netflix)
‘The Last of Us’ (HBO)
‘The Morning Show’ (Apple TV+)
‘Succession’ (HBO)
Mejor actor – Serie TV drama
Brian Cox, Succession
Kieran Culkin, Succession
Gary Oldman, Slow Horses
Pedro Pascal, The Last of Us
Jeremy Strong, Succession
Dominic West, The Crown
Mejor actriz – Serie TV drama
Helen Mirren — ‘1923’
Bella Ramsey — ‘The Last of Us’
Keri Russell — ‘The Diplomat’
Sarah Snook — ‘Succession’
Imelda Staunton — ‘The Crown’
Emma Stone — ‘The Curse’
Mejor serie comedia o musical
‘The Bear’ (FX)
‘Ted Lasso’ (Apple TV+)
‘Abbott Elementary’ (ABC)
‘Jury Duty’ (Amazon Freevee)
‘Only Murders in the Building’ (Hulu)
‘Barry’ (HBO)
Mejor actriz serie en categoría comedia – musical
Ayo Edebiri — ‘The Bear’
Natasha Lyonne — ‘Poker Face’
Quinta Brunson — ‘Abbott Elementary’
Rachel Brosnahan — ‘The Marvelous Mrs. Maisel’
Selena Gomez — ‘Only Murders in the Building’
Elle Fanning – ‘The Great’
Mejor actor de comedia o serie en televisión
Bill Hader – ‘Barry’
Steve Martin – ‘Only Murders In The Building’
Jason Segel – ‘Shrinking’
Martin Short – ‘Only Murders In The Building’
Jason Sudeikis – ‘Ted Lasso’
Jeremy Allen White – ‘The Bear’
Principales nominaciones de cine
Mejor película de musical o comedia
‘Barbie’ (Warner Bros.)
‘Poor Things’ (Searchlight Pictures)
‘American Fiction’ (MGM)
‘The Holdovers’ (Focus Features)
‘May December’ (Netflix)
‘Air’ (Amazon MGM Studios)
Mejor actor categoría musical o comedia
Nicolas Cage — ‘Dream Scenario’
Timothée Chalamet — ‘Wonka’
Matt Damon — ‘Air’
Paul Giamatti — ‘The Holdovers’
Joaquin Phoenix — ‘Beau Is Afraid’
Jeffrey Wright — ‘American Fiction’
Mejor actriz película en categoría comedia – musical
Fantasia Barrino – ‘The Color Purple’
Jennifer Lawrence – ‘No Hard Feelings’
Natalie Portman – ‘May December’
Alma Pöysti – ‘Fallen Leaves’
Margot Robbie – ‘Barbie’
Emma Stone – ‘Poor Things’
Mejor película de Drama
‘Oppenheimer’ (Universal Pictures)
‘Killers of the Flower Moon’ (Apple Original Films/Paramount Pictures)
Tony tiene una característica única de nacimiento: ¡brilla! Pero pasa los días escondido en casa, en su búnker de mantas y soñando con tener a alguien con quien jugar. Los días antes de Navidad, una peculiar niña llamada Shelly se muda a su edificio y pone su mundo del revés. Juntos se embarcarán en una aventura mágica y descubrirán el fascinante misterio del edificio en el que viven.
Crítica
Un cuento repleto de encanto y sensibilidad
En el Festival de Sitges nos pegamos un atracón de películas tal que volvemos a casa saturados de cine y con muchas recomendaciones para vosotros. Este 2023 ha sido un año en el que la animación ha alcanzado un nivel enorme de calidad y aceptación entre el público. Pero aún con todo lo que hemos visto, y que podéis buscar en nuestros diarios, siempre hay algún título que se nos escapa. Hoy toca hablar de ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ pues se estrena el viernes en cines.
La película de Filip Pošivač salió el festival catalán como ganadora del premio al mejor largometraje de animación en la sección Anima’t. Además se llevó bajo el brazo el premio del jurado al mejor largometraje en Mi Primer Festival de Cine y obtuvo previamente en junio en el festival de animación de Annecy el Premio Contrechamp, que ya van siendo palabras mayores. Fue imperdonable no poder ver este filme en Sitges a si es que ahora no hay excusa.
Si además os decimos que es una película realizada en stop motion seguro que os llama más la atención. Hay artesanos del cine que se empeñan en rodar con esta laboriosa técnica, pero muchos de nosotros lo agradecemos pues el resultado es inconfundible y su magia inigualable. En el caso de ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ esta técnica juega a favor de sumergirnos en un precioso cuento que dado su diseño de producción nos puede recordar a historias como ‘Coraline’ o ‘ParaNorman’. Estamos ante una película plagada de detalles que construyen un mundo particular de fantasía y nos brinda imágenes imaginativas y preciosas. No se si tiene alguna base novelesca o surgida del folclore de Europa Central, pero lo que expone la película es todo un cuento repleto de encanto y sensibilidad.
Un niño especial, recluido en su casa por miedo al rechazo del mundo exterior y con toda una vida de experiencias por descubrir. Una especie de gusiluz sobreprotegido por sus padres y con una nueva amistad que le da la vida. Parece el argumento de ‘Eduardo Manostijeras’ y si no fuese porque no estamos ante una película del todo tétrica, tragicómica y de tintes meramente infantiles hablaríamos de una influencia claramente burtoniana. También hay algo de Pinocho en todo el viaje de madurez y aspiraciones del protagonista. Y a pesar de que este parece un entretenimiento para los pequeños de la casa hay metáforas pues es interesante las diferentes lecturas que cada espectador extraerá del estado luminoso del protagonista.
Con herramientas como la amistad o la imaginación ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ nos invita a superar nuestra cruda realidad, las malas vibraciones que rodean a nuestra comunidad. Es un relato donde se hace apología del amor y la aceptación de uno mismo, adecuado en los tiempos en los que los cánones de “normalidad” se hacen más estrictos y vacuos por culpa de herramientas como las redes sociales. Eludir la realidad no es sano, pero saber maquillarla de magia y aventuras es un don que nunca se nos debe olvidar. Gracias a ‘Tony, Shelly y la linterna mágica’ por recordárnoslo.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Tony, Shelly and the Magic Light. Duración: 80 min. País: Hungría, Chequia. Dirección: Filip Pošivač. Guion: Jana Šrámková. Música: Ádám Balázs. Reparto principal (doblaje original): Michael Polák, Antonie Baresová, Ivana Uhlírová, Matej Hádek, Jana Plodková, Pavel Nový, Jaroslav Ples, Sabina Remundová, Eva Holubová. Producción: Ceská Televize, Filmfabriq, Nutprodukce, Nutprodukcia, Rozhlas a televízia Slovenska. Distribución: Rita & Luca Films. Género: fantástico, infantil. Web oficial:https://nutprodukcia.sk/en/project/tony-shelly-and-the-magic-light/
Beckett vivió una vida de muchas etapas: alegre parisino, combatiente de la Resistencia en la II Guerra Mundial, dramaturgo ganador del Premio Nobel, marido mujeriego y recluso. Pero a pesar de toda la adulación que recibió, era un hombre muy consciente de sus propios defectos. En 1969, tras haber sido galardonado con el Premio Nobel de Literatura, un avergonzado Beckett simplemente quería deshacerse de él. Esta película gira en torno a este punto de inflexión, al debate interno de Beckett sobre qué personas de su vida merecen más ser las beneficiarias de su vergüenza.
Crítica
Un personaje muy interesante, pero con un guion algo flojo
“Baila primero, piensa después”, es una de las frases más famosas del Premio Nobel SamuelBeckett. El dramaturgo creador de Esperando a Godot, tuvo una vida muy intensa y aquí vemos parte de ella, a través de diversos episodios que vamos rememorando a través de los 100 minutos de duración de ‘Dance first’. La película dirigida por JamesMarsh (‘Un océano entre nosotros’) nos adentra en la mente de Beckett y de sus recuerdos gracias a GabrielBryrne que está espectacular dando vida al escritor.
La película comienza cuando va a recibir el Premio Nobel, a partir de ese momento vemos como “se escapa” y comienza un diálogo con su yo interior y en donde vemos sus distintas vivencias. De lo más interesante son sus largas conversaciones con su maestro y amigo James Joyce, que, aunque tuvieron sus más y sus menos, ambos se tenían bastante aprecio.
AidanGillen, interpreta al escritor de ‘Ulises’, el cual abre sus puertas al joven Beckett y le ofrece todo, hasta a su hija, una mujer enferma, la cual terminará encerrada en un psiquiátrico a los años. El actor sabe representar esa tranquilidad que transmiten las distintas fotografías del escritor.
La película es interesante, como todos los biopics, vas conociendo detalles de esos personajes que tanto nos gustan que desconocíamos. Pero, aun así, termina siendo un poco aburrida. No se si es la manera de contarla o simplemente que se alarga demasiado, llegó un momento en el que dejó de interesarme y es una pena. Porque la verdad que como digo, Samuel Beckett tuvo una vida bastante curiosa.
GabrielByrne, está estupendo, el parecido con el dramaturgo ayuda mucho, pero además su actuación es de diez. Esa arrogancia, que parecía tener Beckett, la muestra con los gestos, la mirada y por supuesto su manera de hablar.
En el reparto encontramos a SandrinePeak, MaxinePeacke, CarolBoulton, BarryO’Connor, RebeckaJohnston, RobertAramayo o CalebJohnston-Miller, entre otros muchos. Una mención aparte sería para FionnO’Shea, que es el encargado de interpretar a Beckett de joven, lleno de fuerzas y sueños. Y también para GráinneGood, que da vida a Lucia Joyce, una joven muy importante en la vida de Beckett. La actriz, le da una inocencia y dulzura al personaje que hace que realmente sufras con ella cuando sabes lo que le ocurre.
El color de la película y la fotografía me parece muy bonita. Los cambios del blanco y negro al color según las épocas de su vida, me parece un recurso muy bien utilizado. La música también acompaña de maravilla esta historia que, como comento, no me parece redonda, pero logra que tengamos interés por el autor y que después de verla, busquemos información sobre Samuel Beckett. Este próximo 15 de diciembre llega a nuestras pantallas gracias a WandaVision.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Dance First. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: James Marsh. Guion: Neil Forsyth. Música: Sarah Bridge. Fotografía: Antonio Paladino. Reparto principal: Gabriel Byrne, Aidan Gillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake, Fionn O’Shea, Carol Boulton, Barry O’Connor, Rebecka Johnston, Caleb Johnston-Miller. Producción: 2LE Media, Film Constellation, Proton Cinema, Sky Arts, Umedia. Distribución: Wanda Vision. Género: Drama. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/dance_first
Eladio, guarda de una finca, acepta el soborno de un cazador. Semanas después su vida entera se colapsa. Lo que parecía un vuelco favorable del destino se convertirá en un macabro descenso a los infiernos en el que Eladio verá puesta a prueba su cordura.
Crítica
Terror andaluz con un Víctor Clavijo enorme
Llega a nuestras pantallas ‘La espera’. Después de su estreno internacional en el Fantastic Fest de Austin y de poder verla en Sitges Film Festival. ‘La espera ha seguido su camino y ganando premios, como el que recibió en la Semana del Terror de San Sebastián, al Premio de la crítica.
F. Javier Gutiérrez, regresa a sus raíces con ‘La espera’. Nos adentramos en una acalorada Andalucía, tan luminosa y tenebrosa a la vez. La soledad es contemplada gracias a ese aire árido y lleno de una luz que no puede volvernos locos. Después de ‘3 días’ vuelve a repetir con Víctor Clavijo y se nota que saben trabajar juntos, pues el actor realiza un trabajo impecable.
En ‘La espera’ conocemos a Eladio, guarda de una finca, que acepta el soborno de un cazador. A partir de ese día, su vida colapsará y nada será igual que antes.
Pese a que ‘La espera’ tiene una gran manufactura técnica y actoral, el guion termina siendo fallido. En la cinta vemos una caída a los infiernos de un hombre que lo pierde todo, la culpa, la pena y el odio son sentimientos que se agolpan en su ser y hacen que poco a poco vaya perdiendo la cabeza. Pero para ser una cinta que vendían como cine fantástico, este factor entra demasiado tarde.
Pero, aun así, merece mucho la pena su visionado. El trabajo de Víctor Clavijo, pone los pelos de punta, según avanza la historia, vemos como su locura va in crescendo. Está claro que es uno de los mejores actores que tenemos en nuestro cine, pero aquí da una clase magistral de todo lo que sabe hacer.
En el reparto, encontramos también a Pedro Casablanc, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manuel Morón, Antonio Estrada, Nico Montoya, José Luis Rasero y Moisés Ruiz.
Visualmente la película me ha parecido una maravilla. Notas calor al verla, esa luz, esos colores que tiene. Está genial como a partir de la desgracia que le ocurre a Eladio, el calor parece incrementarse y hacer que éste sufra el triple. Todo esto es gracias a Miguel Ángel Mora, director de fotografía que ya trabajó con F. Javier Gutiérrez en ‘3 días’.
Continuando con el tema de la fotografía, comentaros, que además de estrenarse en su versión en color, ‘La espera’ llegará con copias limitadas, en blanco y negro a los cines españoles, gracias al trabajo del laboratorio Misterio Color Lab. Esto puede ser bastante interesante, porque la película, aunque en color merece mucho la pena, si que es cierto, que tiene unos contrastes muy acentuados, gracias a lo juego de luces y sombras que crean. A partir del 15 de diciembre, tendréis ‘La espera’ en cines gracias a MadAvenue Pr.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre. Título original: La espera. Duración: 100 min. País: España. Dirección: F. Javier Gutiérrez. Guion: F. Javier Gutiérrez. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Miguel Ángel Mora. Reparto principal: Víctor Clavijo, Luis Callejo, Pedro Casablanc, Ruth Díaz, Manuel Morón, Antonio Estrada, Nico Montoya, José Luis Rasero, Moisés Ruíz. Producción: Spal Films, Nostromo Pictures, Unfiled Films, Canal Sur, Junta de Andalucía. Distribución: MadAvenue Pr. Género: Thriller, folk horror. Web oficial:https://www.madavenue.es/project/la-espera/
‘No me llame Ternera’ presenta una entrevista exclusiva con una de las figuras clave de ETA: Josu Urrutikoetxea, más conocido como Josu Ternera. El documental, presentado por Jordi Évole, analiza la trayectoria de la banda terrorista y aborda algunos de sus momentos más significativos hasta su disolución en 2018. Esta conversación permite a una víctima resolver incógnitas del atentado que sufrió hace casi 50 años.
Crítica
Un incómodo careo para ambas partes
‘No me llame Ternera’ es una entrevista documental que parte de una dolorosa sorpresa. El reportaje inicia con una conversación con un antiguo policía y víctima del terrorismo, Francisco Ruíz Sánchez, al cual se le descubre con asombro detalles del día en que fue tiroteado, hace casi 50 años. El resto de la entrevista es un cara a cara a base de plano contraplano que, como es habitual en los trabajos de Jordi Évole, no tiene pelos en la lengua y toca más que nunca un tema conflictivo, una herida que aún hoy en día está abierta. Y lo hace haciendo un repaso cronológico y empleando por supuesto imágenes de archivo.
‘No me llame ternera’ es un careo incomodo para ambas partes. Muestra de ello es el mismo título que parte de la constante negación por parte de Josu Urrutikoetxea alias Ternera a ser referido por un apodo que, según relata él, no fue escogido y como tal nunca lo ha utilizado. A pesar de lo intimidatorio que pueden resultarse mutuamente uno exhibe sus planteamientos sin tapujos ni medias tintas y el otro midiendo mucho sus palabras, con un discurso que ha ido evolucionando e interiorizando con los años, propio de alguien que se ha equivocado prolongadamente en el tiempo de una manera calamitosa y aun así intenta reacondicionar su discurso para mantener su causa. Esta película nos muestra al terrorista evitando cuidadosamente decir ciertas cosas o emplear ciertos términos para ofrecer su versión, por supuesto, esquivando el hecho de mencionar a algunas personas. Para él los atentados eran acciones, por ejemplo. Por el contrario Évole formula las preguntas y las adecúa también en función del relato que ofrece el entrevistado para, sin ningún miedo, ponerle contra las cuerdas.
Es una entrevista con muchísimo valor histórico que a muchos puede indignar, pues puede parecer que está dando voz a un miembro de la extinta E.T.A. Pero en mi opinión Ternera se ha exhibido demasiado y se ha retratado como muchos realmente pensábamos que era. En sus intentos por zigzaguear por las distintas etapas de la historia que Évole va enumerando, el abertzale queda expuesto y desenmascarado. Se intenta mover por una zona gris en la que solo en escasísimas ocasiones tiene justificación. Le pilla en más de un renuncio, como cuando se habla de clasificar las víctimas o la comparativa con los yihadistas.
‘No me llame Ternera’ se mueve por tres caras de la misma cosa: la víctima, el entrevistador y el miembro de la banda. Tres visiones muy distintas y encontradas solo en ciertos puntos del relato que sirven también para mostrar que en España todos los participantes de la historia se han encontrado de un modo o de otro. Ahora que se habla tanto de amnistía, aquellos que estén flojos de memoria, verán todo aquello que hizo sobre todo el gobierno de Aznar y también todos los errores y aciertos que cometieron las distintas legislaturas del PSOE. No respalda para nada la trayectoria de Josu Tenera pero si se atisba una intención hacia el entendimiento, la conciliación y el diálogo. Es por eso que ‘No me llame Ternera’ se percibe como algo atrevido y controvertido. Aún más de lo que han sido obras como ‘Fe de etarras’, ‘La línea invisible’, ‘Maixabel’ o ‘Patria’. Ver el conflicto desde estas perspectivas quizá nos ayude a superarlo y a pasar página evolucionando como sociedad en paz y democracia.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: No me llame Ternera. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Jordi Évole, Màrius Sánchez. Guion: entrevista documental. Fotografía: Paco Amante. Reparto principal: Jordi Évole, Josu Urritikoetxea alias Ternera, Francisco Ruíz Sánchez. Producción: Producciones del Barrio. Distribución: Netflix. Género: documental. Web oficial:ver en Netflix.
Aardman, el estudio galardonado con varios premios Óscar y BAFTA (Creature Comforts, Wallace & Gromit y La oveja Shaun) y el director Sam Fell, nominado al Óscar y al BAFTA (por El alucinante mundo de Norman y Ratónpolis, respectivamente) presentan Chicken Run: Amanecer de los nuggets. Es la esperadísima secuela de Chicken Run: Evasión en la granja, la película de animación stop-motion más taquillera de la historia. Después de desafiar a la muerte en su fuga de la granja de Tweedy, Ginger por fin ha cumplido su sueño: vivir en una pacífica reserva isleña con toda la panda, lejos de los peligros del mundo humano. Cuando Rocky y ella tienen a su hijita Molly, el final feliz de Ginger parece definitivo. Pero, en el continente, el mundo gallináceo se enfrenta a una nueva y terrible amenaza. Esta vez, Ginger y sus amigos tendrán que perpetrar un allanamiento… aunque deban poner en peligro la libertad que tanto les costó conseguir.
Crítica
Un trabajo de artesanía titánico
Allá por el año 95 el Pixar de Steve Jobs estrenó la película más exitosa de ese año, ‘Toy Story’. El primer largometraje hecho completamente de manera digital nos planteaba ver nuestro mundo desde la mirada de unos seres inanimados que cobraban vida, los juguetes. Solo cinco años después Aardman, de la mano de uno de sus fundadores, Peter Lord, estrenaba una película que seguía la misma senda, cambiando juguetes por gallinas y manteniendo la tradición del stop motion. ‘Chicken Run’, conocida en LATAM como ‘Pollitos en fuga’ y en España como ‘Evasión en la granja’, tenía poco que ver con el clásico de George Orwell pero tuvo un éxito atroz. Ahora los tiempos han cambiado y sin ninguna oportunidad de causar una revolución estará brevemente en cines para pasar luego a Netflix la secuela ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’.
Con tanto que hemos visto ya en stop motion y tantas historias de animación que se estrenan durante el año no hay apenas espacio para la sorpresa. Pero al menos ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ ha conseguido colarse entre las 30 posibles candidatas a ser nominadas al Oscar 2024. Compite con ‘Robot Dreams’, ‘Deep Sea’, la segunda parte del Spider-Verso, ‘Unicorn Wars’, ‘Titina’, ‘Ninja Turtles: caos mutante’, ‘Dispararon al pianista’ y cómo no, los prefabricados Disney. Quizá se cuele por el encanto de su técnica animada o por hacer justicia histórica ya que su primera entrega no estuvo ni siquiera nominada. Desde luego se lo merecerían pues los de Aardman se han marcado otro hito en esto de dar vida a la plastilina.
Tras escapar de aquella granja que tenía ciertos paralelismos con un campo de concentración, las gallinas han prosperado. Residen en una isla en medio de un lago e incluso Rocky (ZacharyLevi) y Ginger (Thandiwe Newton) tienen una hija, Molly (Bella Ramsey). El conflicto, el disparador de una nueva aventura es el hecho de que la joven ave quiere ver más mundo. Una curiosidad incrementada por la irrupción del progreso humano y de un camión que luce una feliz gallina pintada en su lateral. ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ es una historia sobre la sobreprotección de esos padres que infunden sus propios miedos a los hijos. En este caso, sin darse cuenta, le privan de la libertad a su hija. Además toca de soslayo temas como el consumismo masivo o el atolondramiento que produce el entretenimiento baladí.
Aardman como siempre da una clase de maestría con el stop motion, sin escatimar en detalles. Detalles que llenan los fondos y que no están privados de movimiento y color por todas partes. ‘Chicken Run: Amanecer de los nuggets’ es un trabajo de artesanía titánico. La escena con el maíz, por poner un ejemplo, me resulta dificilísima de hacer.
Si antes hablaba de que la primera podía tener cierta similitud con los presidios nazis de la Segunda Guerra Mundial, esta va por otros derroteros. En las animaciones de Aarman siempre hay espacio para la parodia y las películas de ‘007’, ‘Misión Imposible’ y demás agentes que se enfrentan a supervillanos en fortalezas ultratecnológicas son las que más chascarrillos inspiran. Por supuesto se mantienen el humor blanco de la casa y la película es completamente infantil, al fin y al cabo Aardman siempre ha intentado inculcar buenos valores.
La única lástima de esta secuela, que a muchos pillará por sorpresa, es que no repite casi nadie en el doblaje original, a destacar Miranda Richardson en el papel de la villana. Habría estado bien recuperar a Mel Gibson (en V.O.) y a Ramón Langa (en castellano) para doblar a Rocky.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Chicken Run: Dawn of the Nugget. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: Sam Fell. Guion: Karey Kirkpatrick, John O’Farrell, Rachel Tunnard. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Charles Copping. Reparto principal (versión original): Thandiwe Newton, Zachary Levi, Bella Ramsay, Imelda Staunton, Lynn Ferguson, David Bradley, Jane Horrocks, Romesh Ranganathan, Nick Mohammed, Miranda Richardson, Daniel Mays, Peter Serafinowicz. Producción: Aardman Animations, Netflix, Pathé. Distribución: Netflix. Género: aventuras, comedia. Web oficial:ver en Netflix
Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir cuál es su papel en un mundo que se desmorona.
Crítica
Inquietante e hipnótica
Como acostumbro, he visto ‘Dejar el mundo atrás’ sin tener la mínima idea de lo que iba a ver. Y es que, tras la escapada de una familia a un lugar de relax, se convierte en una auténtica pesadilla al entrar en juego los dueños de la casa donde se alojan.
Lo que podría parecer un home invasión, tras esta descripción, se convierte en un thriller apocalíptico en el que todos tienen que trabajar juntos para entender todo lo que está ocurriendo.
‘Dejar el mundo atrás’ me ha parecido entretenidísima. Si que tiene mucha verborrea, que admito a mi me ha encantado, pero puede llegar a saturar. Conversaciones banales que parecen que no van a ningún lado, pero que son una herramienta de los protagonistas para intentar pensar en otra cosa que no sea todas las situaciones extrañas que están ocurriendo a su alrededor.
Los animales están raros, dientes que se caen solos, Teslas que comienzan a conducir solos y por supuesto, el ser humano egoísta intentando sobrevivir pisando al semejante. Lo que logra el miedo y el desconocimiento, se nos muestra en la cinta dirigida por Sam Esmail.
Me ha recordado a la también cinta de Netflix, ‘Ruido de fondo’, no por el argumento, sino la manera de hablar que tienen en la cinta. Esas conversaciones intensas es lo que me ha llevado a recordar la cinta dirigida por NoahBaumbach. Pero también, salvando las distancias, ‘Llaman a la puerta’ es otra de las películas que me han venido a la cabeza viendo ‘Dejar el mundo atrás’. Al final estamos ante un evento apocalíptico, pero si que es cierto, que está contado de otra manera y como he dicho al principio, el tema home invasion no existe.
El reparto de la película es tremendo, encontramos a JuliaRoberts, en un papel bastante comedido y muy bien dirigido. EthanHawke, CharlieEvans, FarrahMacKenzie, MahershalaAli y Myha’la. Todos ellos nos irán mostrando su visión acerca de todo lo que está ocurriendo. Una quería unas vacaciones tranquilas, otro simplemente hacer feliz a su mujer e hijos. Y otras simplemente quieren ver como terminó la relación de Rachel y Ross en ‘Friends’.
Al final también de eso trata la película, si el mundo se termina, ¿Qué es lo último que querríamos hacer?
‘Dejar el mundo atrás’ me ha parecido una gran película, distinta y muy bien realizada. Las escenas con CGI son bastante reales y la verdad que impresionan mucho. La película está basada en la novela de Rumaan Alam, la cual fue nominada al National Book Award. A partir del 8 de diciembre, se cuela en nuestras casas gracias a Netflix. No os la perdáis.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2023. Título original: Leave the World Behind. Duración: 138 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Esmail. Guion: Sam Esmail. Música:Fotografía: Tod Campbell. Reparto principal: Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la, Charlie Evans, Kevin Bacon, Farrah Mackenzie. Producción: Esmail Corp, Netflix, Red Om Films, Higher Ground Productions. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81314956
La película cuenta la maravillosa historia de cómo el inventor, mago y chocolatero más importante del mundo se convirtió en el popular Willy Wonka que conocemos hoy. Nos presenta a Willy Wonka, un joven repleto de ideas y decidido a cambiar el mundo bocado a bocado y a demostrar que lo mejor de la vida empieza con un sueño… si tienes la suerte de conocer a Willy Wonka, todo es posible.
Crítica
Entre Oliver Twist y Wes Anderson
Siempre he pensado que la historia de Wonka, de Charlie y de la fábrica de chocolate, debería contarla alguna vez Wes Anderson. La estética de las películas que hemos visto hasta ahora, de las parodias que se han hecho en distintas series y la parafernalia que tiene este cuento es ideal para ese director. De hecho los cortometrajes que acaba de sacar en Netflix adaptan también cuentos de Roald Dahl. Sin embargo Warner Bros. ha escogido a Paul King, autor de películas como ‘Paddington’ o ‘The Mighty Boosh’, como podéis ver, es alguien también muy versado en adaptar cuentos y en manejar a personajes estrambóticos. Y lo que le ha salido es un híbrido entre ‘Oliver Twist’ (por su ambiente y el tema de la orfandad) y precisamente el cine de Wes Anderson (con familias rotas, melancolía y un cuidado estético lleno de detalles estéticos anacrónicos).
Las versiones de 1971 (Mel Stuart, Gene Wilder) y 2005 (Tim Burton, Johnny Depp) se parecían en cierto sentido ya que una es remake de la otra. Se centraban en el momento en el Wonka escoge abrir su fábrica a los que han encontrado el billete dorado para elegir entre ellos a su heredero, es decir, en la propia novela de Dahl. Este nuevo live action le da rienda suelta a la imaginación e indaga más que nunca en los orígenes del extravagante maestro chocolatero que combina su ingenio y magia con el arte de crear uno de los mayores manjares del mundo. La original ni tocaba ese trasfondo y la de Burton nos brindó únicamente unas escenas, eso si, con un magnífico Christopher Lee. Ahora, intentando seguir la senda del contador de cuentos de Gales, ‘Wonka’ va por libre para plasmar los primeros pasos de este personaje que en esta ocasión encarna Timothée Chalamet. Una senda que está repleta de villanos, de gente pasando hambre (por comer chocolate), de un ambiente ennegrecido, de artilugios steampunk y de momentos surrealistas.
King retoma el formato musical y suenan, una vez más, las canciones clásicas. Encontramos acordes repartidos por el filme, sobre todo en el tramo final. Pero ‘Wonka’ tiene un nuevo repertorio de canciones y Chalamet se lo goza luciéndose. Esta precuela es un musical, no puro y duro, pero en un porcentaje alto, lo justo para convertirse en un cuento nada cargante y con muchísima magia y moraleja. En ambas películas y en el cuento, Charlie rechaza al final la recompensa de Wonka en pro de una decisión más adulta y humana. Por demostrar tanta bondad Wonka le recompensa aún más. El nuevo filme termina de un modo similar siendo de ese modo fiel al espíritu original. Acaba con eso y con un bailoteo de Hugh Grant al estilo Tom Cruise en ‘Tropic Thunder’ pero en miniatura. Una vez más el actor se presta a la fantasía y la comedia, como vimos en ‘Dungeons & Dragons’.
‘Wonka’ va por libre pero respetando la coherencia con el relato original. Y es que además hay algunos detalles que han quedado para siempre en el imaginario colectivo. Aunque en el libro no se describe realmente cómo son los Oompa Loompas, aquí lucen como en la película de 1971, que claramente sentó cátedra o canon como se dice tanto ahora. En vez de escoger a personas de baja estatura para interpretar a los minions de Willy Wonka se ha tirado de artificio digital. De ese modo tenemos a Hugh Grant en la película.
Willy Wonka se muestra aquí mucho más amigable que en la historia original, donde, aunque es un personaje con ganas de abrir su mundo, posee un recelo propio de un huraño. Es un personaje más risueño y confiado que nunca y eso hace que esta sea la interpretación más vivaracha en la carrera de Timothée Chalamet. El toque inglés le viene muy bien al personaje, que al fin y al cabo nos representa la lucha de un emprendedor en un mundo gris y monopolizado por unos pocos. El escenario principal, si no me equivoco, es el mismo que sirvió para la saga de Harry Potter, el londinense Mercado de Leadenhall. Allí sucede casi toda la historia y nos deja un sabor a magia y chocolate que… porque este es un medio digital, que sino ya estarías leyendo un papel manchado de cacao.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de diciembre de 2023. Título original: Wonka. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Paul King. Guion: Simon Farnaby, Paul King. Música: Joby Talbot. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Timothée Chalamet, Calah Lane, Keegan-Michael Key, Paterson Joseph, Matt Lucas, Mathew Baynton, Sally Hawkins, Rowan Atkinson, Jim Carter, Olivia Colman. Producción: Warner Bros., Heyday Films, Village Roadshow Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: fantasía, cuento, adaptación. Web oficial:https://www.wonka.entradaswb.com/
Como si Los Soprano hubiesen conocido a El señor de la guerra
Ya solo os queda esperar al 12 de diciembre para poder gozar de los 8 episodios de ‘Los Farad’ en Prime Video. La serie de Mariano Barroso y Alejando Hernández nos ha hecho disfrutar con una trama de suspense, corruptelas y aventuras que en ocasiones tienen un tono desenfadado y en otras nos producen un escalofrío acompañado de sudores fríos.
Acompañada de un título de crédito que nos recuerda al ‘GTA Vice City’ o a los de ‘Miami Vice’, ‘Los Farad’ nos introduce en un mundo de lo más ochentero, con todo lo hortera y rebelde que eso conlleva. La historia nos lleva a conocer a un joven de Aluche, ingenuo, modesto, sencillo, interpretado por Miguel Herrán. Por casualidades y temperamentos de la vida se ve dentro de una familia de alto standing que oculta algo tras las montañas de dinero que maneja y tras una vida de derroches y exclusividades en la floreciente Marbella de los ochenta. Su vida se somete a una constante prueba pues a lo que se dedican los Farad es al turbio y cuestionable negocio del tráfico de armas.
Esta es una familia que lucha tanto externa como internamente por el control de un negocio. En términos de argumento y trama es como si ‘Los Soprano’ hubiese conocido a ‘El señor de la guerra’. De hecho a parte de esos dos títulos van a veniros a la cabeza películas como ‘El padrino’, ‘Una historia del Bronx’, ‘Uno de los nuestros’… e incluso obras actuales como ‘Breaking Bad’, por motivos evidentes. Además podemos decir que tienen otro denominador común que va más allá del protagonista que se corrompe, los tejemanejes en la sombra, el mundo de los vicios… Y es que está narrada con voz en off al igual que ‘El señor de la guerra’ o ‘Historia del Bronx’. Gracias a ello y al recorrido que hace, aparte de ser la narración sobre una familia llena de puñaladas y podredumbre, es un retrato de una época de España y del mundo.
La Costa del Sol es el epicentro de esta historia, pero el viaje es más amplio. Sin tener realmente una base documental o real ‘Los Farad’ nos llevan por algunos de los grandes conflictos mundiales del último cuarto del siglo XX. Barroso ha escogido el campo de los traficantes y el de las luchas de bloques para recrear la cara belicosa de los ochenta y noventa. Esto va de empresas manchadas de sangre, de planes y de proyectos en la sombra, pero entre tanta artimaña y urdimbre también hay casualidad, encuentros fortuitos y lances del destino o la suerte. Y es que el azar ha hecho que este estreno surja cuando los titulares están llenos de detalles sobre guerras en Gaza y Ucrania. Uno se pregunta cuántos agentes gubernamentales, cuántos señores de la guerra o cuántos traficantes se están lucrando de estas masacres.
De jet set va la cosa y como si fuese una extensión del término podemos decir que todos actúan de lujo en ‘Los Farad’. Herrán, Abaitua y Casablanc es una alineación fastuosa que viene escoltada por Tejero, Navas y fichajes magníficos como el de Igal Naor. La combinación es tan explosiva como el napalm y se despliega tan dinámica como el aeróbic. Quizá no sea tan punzante como ‘La línea invisible’ o tan graciosa como ‘Todas las mujeres’, pero al menos al contario que sus personajes no peca de ambiciosa y a su vez si es capaz de desplegar un poder que atrapa y genera mono.
El ejercicio de reflexión y memoria histórica que necesitamos en este momento
Adaptando hechos reales y las novelas de Matthew Collins (‘Odio’ y ‘Terrorista nazi’) llega a Filmin ‘The Walk-in’. Una serie que narra la experiencia del propio Collins, quien fue en su día un activista y declarado neonazi, miembro del National Alliance. Posteriormente, arrepentido de sus convicciones, este hombre inició una vida de redención a través de artículos en la revista online Hope not Hate y charlas motivacionales creando así una especie de campaña de concienciación. Tal es así que la serie está dedicada a Jo Cox, la política asesinada por defender cómo todos venimos de inmigrantes y cómo la población que ha llegado de fuera del Reino Unido ha enriquecido su cultura.
Quien interpreta a Collins es Stephen Graham. Parece que Filmin está haciendo esfuerzos por acaparar todos los éxitos del actor inglés pues tras ‘The Virtues’ o ‘Hierve’, entre otras, nos trae un trabajo más de este actor que está en estado de gracia. ‘The Walk-In’ es una nueva perla interpretativa que yo he devorado muy rápidamente para poder escribir esta reseña pero que recomiendo que veáis detenidamente. Es para disfrutar cómo este actor trabaja las emociones y los acentos y para gozar también de una buena interpretación de Andrew Ellis. Aunque es corta es de esas series que dan para debate, que están abiertas a reflexión tras cada uno de sus visionados y ello es por el guión y por sus interpretaciones.
Los autores de ‘The Walk-In’ son Paul Andrew Williams (dirección) y Jeff Pope (guión). Han orquestado una serie con algunas imágenes fuertes pero más potente aún es el discurso que han elaborado. Ya solo la primera ponencia que vemos nada más pasar la secuencia de apertura es oro puro. Pero el retrato no se realiza solo a través de alegatos y discursos surgidos del protagonista, también de aquellos que promueven el odio y la segregación. Habla de esa ultraderecha conspiranoica que, por ejemplo, ha costado cientos de miles de vidas con su negacionismo o corrupción durante la pandemia e incluso a la hora de reconocer el holocausto. Esa corriente política que solo ve violadores o intrusos que nos roban trabajo cuando otros ven personas que huyen de catástrofes o guerras. Bien es cierto que atentados como los de 2017 no ayudan pero no han de pagar justos por pecadores. Esto me recuerda a otro estreno reciente, ‘El viejo roble’, y me demuestra una vez más que hay una preocupación generacional sustentada en acontecimientos recientes.
El 5 de diciembre está disponible esta serie de 5 episodios. No puede llegar en mejor momento ahora que la juventud observa el auge de la ultraderecha por todo el mundo, guerras genocidas e hipócritas como la que mantiene Israel o arrebatos de violencia en cualquier barrio o ciudad. No está nada mal este ejercicio de reflexión y memoria histórica. Puede causar el efecto que provocó en su día ‘American History X’ o ‘Imperium’, espero que al menos haga ver que los grupos extremistas se aprovechan del descontento de la ciudadanía, de miedos infundados o del ensalzamiento de tradiciones basadas en supuestos pasados gloriosos para crear su causa. En este caso hablamos de cómo se coge a alguien que no tiene o no sabe exponer su ideología o motivación y hacerle pensar que forma parte de algo más grande. La serie tiene a bien destapar este tipo de movimientos maquiavélicos. La única lástima es que esa exposición se agota rápido y la serie necesita sustentarse demasiado en su suspense criminal y judicial.
Vértice Films nos ha comunicado la fecha de estreno de la última película protagonizada por Aaron Eckhart. Será el 5 de enero del ya inminente 2024 cuando podamos ver este filme que estará en salas de cine con el título ‘Agente X: última misión’ (The Bricklayer).
‘Agnete X: última misión’ es un thriller de acción que cuenta la historia de un veterano que se ven inmiscuido en una trama conspiratoria en la que entra en juego la CIA. Es un filme dirigido por Renny Harlin (‘Ladrones de élite’, ‘Driven’) y producido por su amigo y compañero de reparto en otras películas Gerard Butler (‘Greenland: El último refugio’, ‘Objetivo: Washington D.C’).
Completan el reparto Nina Dobrev (‘¡Qué duro es el amor! Cuando apareciste tú’), Clifton Collins Jr. (‘El callejón de las almas perdidas’, ‘Westworld’), Tim Blake Nelson (‘La balada de Buster Scruggs’, ‘El increíble Hulk’) e Ilfenesh Hadera (‘Master of None’, ‘Billions’).
Sinopsis oficial:
La CIA está siendo chantajeada, alguien está asesinando periodistas extranjeros y haciendo que ellos parezcan los responsables. Mientras el mundo comienza a unir sus fuerzas contra EEUU, la CIA deberá atraer a su agente retirado más brillante y rebelde, forzándole a enfrentarse a su pasado y desenmascarar una conspiración internacional.
El trash y el diesel vuelven a protagonizar el cine de Miller
George Miller sigue empeñado en hacernos testigos de lo que sucede en su mundo post colapso. Y lo agradecemos pues la última entrega de ‘Mad Max’ fue apoteósica y nos presentó a un personaje nuevo que ahora es el protagonista de esta nueva entrega. La luchadora portadora de un brazo mecánico conocida como Furiosa e interpretada por Charlize Theron ahora llega encarnada por Anya Taylor-Joy.
Esta es la historia de orígenes de una de las protagonistas femeninas del cine de acción más exitosas de la última década. Y como tal merecía su propia historia de orígenes que como podréis ver en el tráiler está repleta de la parafernalia trash y diesel que siempre ha caracterizado la saga que en su día protagonizó Mel Gibson.
Además de Anya Taylor-Joy están en el reparto ChrisHemsworth, AlylaBrowne y Tom Burke e inclusive actores de la anterior película como Nathan Jones en el papel del imponente Rictus Erectus.
Warner Bros. Pictures pretenden estrenar el filme el 24 de mayo de 2024.
Eddy Murhpy protagoniza esta comedia navideña en la que un hombre tiene la misión de ganar el concurso anual de decoración navideña de su barrio. Después de que Chris (Eddie Murphy), sin darse cuenta, haga un trato con una traviesa elfa llamada Pepper (Jillian Bell) para mejorar sus posibilidades de ganar, ella lanza un hechizo mágico donde los 12 días de Navidad cobran vida y causan estragos en toda la ciudad. A riesgo de arruinar las fiestas para su familia, Chris, su esposa Carol (Tracee Ellis Ross) y sus tres hijos deben correr contrarreloj para romper el hechizo de Pepper, luchar contra retorcidos personajes mágicos y salvar la Navidad para todos.
Crítica
All I want for Christmas is tacos
¡Vuelve Eddie Murphy por navidad! Aunque no es que haya vuelto porque nunca se fue. Eddie Murphy no solo ha sido muy importante para la industria del entretenimiento sino para la lucha contra el racismo y la normalización de actores y actrices afroamericanos en las películas y series.
BillCosby, RichardPryor, SidneyPoitier, YaphetKotto, RichardRoundtree y PamGrier entre otros fueron los precedentes de Eddie Murphy en Hollywood. Aunque en su mayor parte estaban relegados a papeles secundarios, villanos o estaban encasillados dentro del género Blaxploitation.
Pero con Eddie Murphy todo cambió.
Su talento cómico pasó de los monólogos a formar parte de manera habitual en el programa ‘Saturday Night Live’ (uno de los programas más importantes de la televisión americana, que cumplirá el próximo año 5 décadas en antena) y de ahí a encadenar consecutivamente un éxito tras otro en taquilla en los 80 y principios de los 90. Fue la primera superestrella afroamericana, líder del reparto en películas cómicas, de acción, de aventura y fantasía. Su reinado facilitó la introducción de cómicos como ChrisRock, ChrisTucker, MartínLawrence y por supuesto su sucesor. El actor que terminó de normalizar el protagonismo afroamericano en una película: WillSmith.
Después de alcanzar la cima era normal (como todas las superestrellas de los 80) que con el cambio de milenio se diera el relevo a una nueva generación de actores y actrices afroamericanos. Desde entonces EddieMurphy ha ido alternando en su carrera comedias para adultos con cine familiar (fue la inolvidable voz en inglés del asno de la saga “Shrek”) y ha trabajado incansablemente en estos 20 últimos años en los cuales aunque no ha estado protagonizando blockbusters, ha intentado resucitar a su mítico Axel Foley de ‘Superdetective en Hollywood’ (ya no queda nada para ver la cuarta parte) y ha explorado el género dramático sorprendiendo a fans y a detractores desmontando el mito de que no solo es un eficaz comediante.
A sus 62 años parece que ha hecho un pacto mefistofélico porque no aparenta para nada su edad y precisamente de pactos va ‘Navidad en Candy Cane Lane’. Un padre de familia cuya obsesión es la navidad, quiere ganar el concurso a la mejor decoración de su barrio y encuentra una tienda situada en un entorno un poco tenebroso. Y como el mítico episodio de los Simpson, en el que Homer compra un juguete de Krusty para su hijo y le acaban ofreciendo “Yogulado” maldito, la compra de los accesorios navideños por parte de Eddie Murphy trae consecuencias mágicas y epicodecadentes para toda su familia.
Viendo esta película he tenido sentimientos encontrados. Es una película tan logarítmicamente perfecta como ‘Indiana Jones y el dial del destino’. Diseñada para ser correcta, tener todos los elementos necesarios y para parecer no tener defectos.
¿’Navidad en Candy Cane Lane’ es peor que las películas de los 80 y 90 sobre la navidad? No, pero sí que es verdad que en esa época las películas de navidad, como por ejemplo ‘Un padre en apuros’ de ArnoldSchwarzenegger te imbuía la sensación de estar salvando la navidad y el mundo, cuando el argumento simplemente parodiaba el delirio de las compras de navidad y como la gente se deja llevar.
¿’Navidad en Candy Cane Lane’ es una mala película de Eddie Murphy? Tampoco se puede decir eso porque vemos una faceta del actor un poco desconocida, ya que combina el drama y la comedia sin ser histriónico en ninguno de los sentidos. Logra transmitir la sensación de ser un padre de familia normal.
Si tuviéramos que ponerle una etiqueta a esta película, estaría más cercana a un episodio navideño de las míticas series como ‘Cosas de casa’ o ‘El príncipe de Bel-Air’ donde se conseguía (al igual que en esta película) no solo la inclusión de las minorías si no la universalización del arquetipo familiar representado por ellos y que todo el público empatizara con lo representado en pantalla, logrando una catarsis catódica, porque se demostraba que daba igual el credo, la raza, o el estatus social… En todas las familias suelen haber los mismos problemas y roces.
En ‘Navidad en Candy Cane Lane’ hay demasiada corrección. Hasta Eddie Murphy este contenido (para bien) pero por algún lado tiene que estallar el gamberrismo. Hay una subtrama con un informativo que os recordará un poco a Robocop en la cual hay mucho subtexto y chiste medio oculto que merece la pena.
Se desaprovecha un concepto Blaxploitation (pero ya sería una película gamberra y es para todos los públicos) pero si os quedáis con ganas de poder ver cómo sería un Eddie Murphy desatado en navidad, solo tenéis que esperar las tomas falsas después de los títulos de crédito.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de diciembre de 2023. Título original: Candy Cane Lane. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Reginald Hudlin. Guion: Kelly Younger. Música: Marcus Miller. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Eddie Murphy, Tracee Ellis Ross, Jillian Bell, Thaddeus J. Mixson, Ken Marino, Nick Offerman, Robin Thede, Chris Redd, Genneya Walton, Madison Thomas, Anjelah Johnson-Reyes, Lombardo Boyar, D.C. Young Fly, Danielle Pinnock, Timothy Simons, Riki Lindhome y Stephen Tobolowsky. Producción: Amazon Studios, Eddie Murphy Productions, Imagine Entertainment. Distribución: Prime Video. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://www.amazon.com/Candy-Cane-Lane-Eddie-Murphy/dp/B0CGNN63MH
Cuando un avión uruguayo se estrella en los Andes en 1972, cada uno de los superviviente se convierte en la mejor esperanza del otro. Una película de J.A. Bayona.
Crítica
Bayona lo vuelve hacer, un trabajo exquisito
‘La sociedad de la nieve’ llega a nuestros cines para hacernos sufrir, como bien sabe hacer Bayona. Y es que estamos ante una historia real, donde la supervivencia hizo que un grupo de jóvenes tuviesen que hacer cosas que jamás hubiesen pensado. Pero también tuvieron que lograr llevar una pequeña sociedad en la que todo se llevase a votación, en donde las decisiones se tomaban entre todos para no perder la vida.
En el año 1972, el equipo de rugby uruguayo Old Christians, alquiló el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya para llegar a Chile, lo que no esperaban es que este viaje terminase de la manera más terrible y fue estrellándose en medio de los Andes. Allí, pasando hambre, frío e intentando sobrevivir a las heridas causadas por tal desastre, intentan hacer lo posible por no perder la cabeza ni la vida.
EnzoVogrincic es el encargado de narrarnos esta historia, basada en el libro de PabloVierci (también productor de la película), el cual es amigo de la mayoría de los supervivientes y que logró entrevistarlos para que le contasen sus vivencias en aquellos días.
‘La sociedad de la nieve’ técnicamente es perfecta, es J.A. Bayona y sabe lo que se hace. La escena del accidente pone los pelos de punta. Y os aseguro que, si os da miedo volar, después de ver esta escena (que parece eterna) se os quitarán más las ganas. Digo lo de que parece eterna, no por nada malo, sino porque está tan bien rodada y realizada que solo quieres que se terminé para no ver lo que puede suceder cuando se tiene un accidente de aviación.
Además, otra de las maravillas del director, es lo perfeccionista que es. Y es que, buscando material de la historia real, te das cuenta de lo minucioso que es, pues las fotografías que vemos que pudieron hacer durante su estancia en los Andes, son completamente clavadas en la película. El lugar, las ropas, las posiciones hasta de las manos, calcadas y estudiadas al milímetro.
La fotografía a manos de Pedro Luque (‘No respires’) es perfecta, nos muestra la luz terrible que hace que al reflejarse en la nieve nuestros protagonistas vayan quemándose día a día más la piel. Pero también nos muestra la terrible oscuridad de la noche, que trae el inmenso frío de una montaña que parece querer acabar con ellos. Todo esto unido a la música de Michael Giacchino (‘The Batman’), hace que estemos ante una de las mejores películas del año.
Y otro punto y aparte es para los efectos especiales, con El Ranchito en cabeza, que impacta un montón el gran trabajo realizado. Y el maquillaje, que me parece tremendo la labor en la piel de los protagonistas, que poco a poco terminan con la piel cuarteada por el sol.
Pero, aunque como digo, técnicamente no puedo decir nada, lo que es a la hora de la narración termina siendo un poco repetitiva. Tiene que ser así, porque al final, no les ocurre apenas nada nuevo durante mucho tiempo, estamos hablando que esta gente se mantuvo 73 días abandonados en un paraje desolador donde fueron muriendo poco a poco. No obstante, aun así, se alarga demasiado. Entiendo que Bayona quiere y logra hacer un homenaje a estas personas y la verdad que me parece muy bonito su manera de hacerlo, pero si que es cierto, que al menos, a mí, me pareció algo cansado.
Pero lo dicho, no quita el valor de la cinta, con unas interpretaciones de 10, además que el casting está muy bien escogido. Enzo Vogrincic, Agustín Pardella, Matías Recalt, Esteban Bigliardi, Diego Vegezzi, Fernando Contigiani García, Esteban Kukuriczka, Rafael Federman, Francisco Romero, Valentino Alonso, Tomás Wolf, Agustín Della Corte, Felipe Otaño, Andy Pruss, Blas Polidori, Felipe Ramusio, Simón Hempe, Luciano Chattón, Rocco Posca, Paula Baldini, Emanuel Parga, Juan Caruso, Benjamín Segura, Santiago Vaca Narvaja, Fede Aznarez, Agustín Berrutti, Alfonsina Carrocio, Jaime James Louta, son parte de una historia que aunque ya se ha contado mas de una vez en el cine y en la televisión, sigue interesando igual.
Os recomiendo verla en las salas de cine, tiene unas imágenes, un sonido y banda sonora que tiene que verse en pantalla grande. Si no, a partir del 4 de enero estará en Netflix.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre 2023. Título original: La sociedad de la nieve. Duración: 144 min. País: España. Dirección: J.A. Bayona. Guion: J.A Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marqués y Nicolás Casariego. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Matías Recalt, Agustín Pardella, Enzo Vogrincic, Esteban Bigliardi, Diego Vegezzi, Fernando Contigiani, Esteban Kukuriczka, Rafael Federman, Francisco Romero, Valentino Alonso, Agustín Della Corte, Tomas Wolf, Felipe González Otaño, Andy Pruss, Felipe Ramusio Mora, Simón Hempe, Benjamín Segura, Paula Baldini, Alfonsina Carrocio, Juan Diego Eirea. Producción: Telecinco Cinema, Benegas Brothers Productions, Cimarrón Cine, El Arriero Films. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81268316
Nochebuena. Un padre atormentado (Joel Kinnaman) es testigo de la muerte de su hijo cuando éste queda atrapado en un fuego cruzado entre bandas. Roto de dolor y sin voz, debido a una herida profunda que afecta sus cuerdas vocales, decidirá someterse a un estricto entrenamiento para vengarle.
Crítica
Irregular y muy dramática
‘Noche de paz’ llega este próximo 1 de diciembre para estrenarlo de manera simultanea en todo el mundo. La nueva película del director John Woo, nos trae un gran drama familiar protagonizado por Joel Kinnaman.
La película comienza con una gran persecución que no acabará nada bien para un padre de familia, el cual acaba de perder a su hijo tras darle una bala perdida en una guerra de bandas. Éste además de su hijo, pierde la voz, al ser herido de gravedad durante esta guerra.
Durante una hora de película, vemos el accidente y como este hombre se prepara para vengar la vida de su hijo. Todo esto transcurre durante un año entero y quizás se alarga demasiado sin contarte nada nuevo.
Bueno, como apunte, decir, que en ‘Noche de paz’ escuchamos muy pocas palabras. Estamos ante un hombre que ha perdido el habla y por lo que parece todos empatizan con el y dejan de hablar. Algo que podría haber sido un buen recurso si la película hubiese tenido algo más de acción. Pero que termina cansando un poco al no haber motivo por el que el resto del reparto no hablen. Pues todo el mundo interactúa con el mediante el móvil o simplemente miradas intensas.
Si que es cierto que la banda sonora va acompañándonos durante las dos horas de duración de la cinta, y lo hace bien. Logra que no perdamos el interés en ‘Noche de paz’ pese a lo que os he comentado antes, a la poca acción que al final tiene.
No paro de repetir el tema de que peca de no tener demasiada acción y creo que esto ha sido culpa del tráiler, como le pasa a muchas películas, al final el tráiler tiene más chicha que la película en general. Y es una pena, porque como he repetido, tampoco me ha parecido terrible.
‘Noche de paz’ me ha gustado, pero cuando te la venden con los productores de John Wick, JohnWoo como director y con JoelKinnaman como actor principal, piensas que no vas a parar de ver grandes escenas de luchas y persecuciones. Y bueno, las tenemos, pero no todas las que esperábamos.
Creo que han desaprovechado mucho a Joel Kinnaman, que interpreta a un hombre que aunque se ha preparado durante un año para acabar con las bandas criminales que terminaron con la vida de su pequeño, se nos muestra torpe a la hora de las luchas cuerpo a cuerpo. Supongo que ha querido humanizarle y mostrarnos que al final es un hombre cualquiera que simplemente quiere venganza y no un superhéroe.
‘Noche de paz’ es bastante irregular. Pero merece la pena su visionado en el cine, hay escenas muy trabajadas, sobre todo las de automóviles por el centro de la ciudad.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de diciembre de 2023. Título original: Silent night. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: John Woo. Guion: Robert Archer Lynn. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Sharone Meir. Reparto principal: Joel Kinnaman, Catalina Sandino Moreno, Kid Cudi, Harold Torres, Vinny O’Brien, Yoko Hamamura. Producción: A Better Tomorrow Films, Capstone Studios, Thunder Road Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/silent_night
El señor Oda Nobunaga planea controlar Japón, donde los caudillos rivales se enfrentan librando una guerra contra varios clanes. Su vasallo Araki Murashige organiza una rebelión y desaparece rápidamente.
Crítica
Si no te interesa el japón feudal harás akubi (bostezo en japonés)
Takeshi Kitano, para muchos el cerebro de ‘Humor Amarillo’ y para otros autor de un filme premiado en Sitges como ‘Zatoichi’, vuelve con una historia del Japón feudal, ‘Kubi’. Una obra que dirige y en la que interpreta pero que no protagoniza en solitario ya que el elenco es muy coral, extremadamente coral. El reparto es tan grande que nos tiene que ir presentando uno a uno a todos los lords feudales que protagonizan la historia y ese puede ser uno de los grandes obstáculos que encuentren algunos de los espectadores.
‘Kubi’ trata a cerca de unos enfrentamientos entre señores, líderes de clanes que protagonizan reyertas y guerras. Pero también de una relación amorosa entre varios de ellos. En esta pelea por conseguir ser el siguiente Shogûn es fácil perderse. Las dimensiones del filme son vastas, pero la película queda lejos de la genialidad de este reverenciado director. Pero entretiene pues entre tantas intrigas hay derramamiento de sangre y momentos absurdos propios de la cinematografía de Takeshi. Ojalá este hubiese sido un filme que adaptase su show televisivo a modo de historia del siglo XVI, pero como historia para los amantes del cine oriental clásico es una producción magnífica. También para los que busquen conocer el pasado del país nipón, incluida la historia de Yasuke, el primer Samurai de raza negra.
Kubi significa cuello y efectivamente eso es lo que se juegan los protagonistas de este juego de tronos con base real que tanto ha estudiado Takeshi. Si no te gustan las películas sobre señores de la guerra puede que acabes diciendo akubi, que significa bostezo en japonés. Yo la he encontrado entretenida y aquellos a los que les gusten videojuegos como el ‘Ghost of Tsushima’ o el cine de Kurosawa también le encontrarán momentos disfrutables. Se hace desear, pero alcanza niveles épicos.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Kubi. Duración: 131 min. País: Japón. Dirección: Takeshi Kitano. Guion: Takeshi Kitano. Música: Tarô Iwashiro. Fotografía: Takeshi Hamada. Reparto principal: Takeshi Kitano, Ken Watanabe, Hidetoshi Nishijima, Tadanobu Asano, Ryo Kase. Producción: Kadokawa, Toho Company. Distribución: por determinar. Género: histórico, medieval. Web oficial:Kadokawa.
DOG es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot, un amigo. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los ochenta. Una noche de verano, Dog con gran pena, se ve obligado a abandonar a ROBOT en la playa. ¿Volverán a encontrarse?
Crítica
Precioso cuento moderno que nos deja igual de desolados que maravillados
Este año el premio a mejor película española de animación va a estar muy discutido. Parecía que con ‘Dispararon al pianista’ la cosa podía estar más o menos decantada hacia la película de Trueba y Mariscal, pero le ha salido un rival duro de roer, más que el hueso que mordisquean los perros para entretenerse. Precisamente un perro es el protagonista de ‘Robot Dreams’, la fábula moderna que va a reventar la taquilla seguro. Una preciosa película orquestada por Pablo Berger a partir de la novela gráfica de Sara Varon. Una obra merecedora de todos los premios y halagos que le puedan caer.
‘Robot Dreams’ llega para demostrar que este año la animación reclama protagonismo en el panorama cinematográfico actual, porque como dijo Del Toro, la animación no es un género, es una técnica más con todo lo que eso conlleva. Y lo hace dejando claro que no es un formato solo para el público infantil. Este largometraje es un precioso cuento moderno para todos los públicos con el que Pablo Berger nos deja igual de desolados que maravillados. Berger vuelve a mostrar una bellísima tristeza con algo de comedia y como siempre con toque fantástico.
La historia nos habla de amistad, de sueño, de sensibilidad. A través de un mundo con animales antropomórficos que consiguen amigos a través de robots comprados por correspondencia consigue alcanzar unas cotas de humanidad que nos enternecen. La trama narra como dos amigos, un solitario perro y su robot de compañía, se ven separados accidentalmente. Mientras uno busca desesperadamente encontrar al otro, su media naranja añora con toda su alma poder volver a sentir la complicidad de la mayor de las amistades. Además la película es completamente muda, salvo por algunas onomayopellas y tarareos, logrando ser completamente universal, funcionando para cualquier nacionalidad, cultura o edad.
Como pasa casi siempre (cercano está el ejemplo de ‘Nimona’) hay un cambio acentuado en cuanto al estilo de dibujo o la paleta de colores con respecto a la obra original. Pero el diseño de personajes se conserva a grandes rasgos. Los dibujos se presentan con trazos gruesos y colores planos, sin degradados, pero con muchísimos detalles y buen gusto. Pasamos de estampas recargadas al estilo ¿dónde está Wally? a ilustraciones que parecen sacadas de un libro infantil de colorear. La animación nos ofrece un fantástico viaje visual, sobre todo para los amantes de Nueva York, pero el guión, la sensibilidad de la película, es lo que importa y acaba pesando más. Al estilo del capítulo del perro de Fry en Futurama paseamos por la ciudad neoyorquina y descubrimos una relación entre seres de distinta índole la mar de tierna, de hecho, la historia cuenta con una especie de Bender candoroso. Como decía antes, sin establecer ni un solo diálogo (como ya hizo con ‘Blancanieves’) recorremos una narración casi episódica, algo heredado de la novela gráfica, que trata sobre la amistad y la soledad. Un filme que esboza tan bien el anhelo por formar parte de algo, sobre todo sobre el construir algo en compañía, que hace imposible no empatizar con él. Digno de ver con todos esos seres queridos a los que consideras un alma gemela.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de diciembre de 2023. Título original: Robot Dreams. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Pablo Berger. Guion: Sara Varon. Música: Alfonso de Vilallonga. Producción: Arcadia Motion Pictures, Noodles Production, Les Films du Worso, RTVE, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://bteampictures.es/robot-dreams/
La novela de Ian Reid es la base de ‘FOE’, un estreno cinematográfico que podremos ver próximamente en Prime Video. A partir del 5 de enero de 2024 llegará este título protagonizado por Saoirse Ronan (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’) y Paul Mescal (‘Normal People’, ‘Aftersun’).
Dirigida por Garth Davis (‘Lion’) nos contará una historia que se dedica a la exploración del matrimonio y la identidad protagonizada. Los protagonistas son Hen y Junior, los cuales, cultivan un trozo recóndito de tierra que ha sido propiedad de la familia de Junior durante generaciones, pero su tranquila vida sufre un vuelco cuando un extraño, interpretado por Aaron Pierre (‘El ferrocarril subterráneo’), aparece en su puerta inesperadamente con una inquietante proposición. ‘FOE’ nos promete un entretenimiento lleno de fotogramas fascinantes pero también de preguntas acerca de la naturaleza humana.
La película está producida por Kerry Kohansky-Roberts, Garth Davis, Emile Sherman, Iain Canning, con Dawn Olmstead, David Levine, Robert Walak, Samantha Lang y Reid en la producción ejecutiva.
Un crossover entre el Doctor Who Lore en la línea de los episodios clásicos
Sesenta años y unos quince actores y actrices para representar a uno de los personajes más míticos de la ciencia ficción británica, el Doctor Who. Tras veintiséis temporadas y un largo parón desde 1989 la serie regresó con su reboot de 2005 y desde entonces ha acumulado, con esta, catorce temporadas. Como todo en esta serie es un continuo reinicio podemos decir que salvo el lapso de tiempo entre sus dos etapas no ha parado, de hecho los fans la han mantenido siempre viva. Ahora que estamos en su sexagésimo cumpleaños la BBC prepara una serie de capítulos especiales que podremos ver en España a partir del 25 de noviembre a través de Disney+. El primero de ellos es este que nos atañe e irá sucedido por ‘Doctor Who: La salvaje lejanía azul’ (1 de diciembre) y ‘Doctor Who: La risa’ (8 de diciembre).
Los fans están divididos a la hora de escoger cuál ha sido para ellos el mejor Doctor Who de todos los tiempos, al igual que sucede con aquellos que debaten sobre James Bond. Pero no hay duda que si hay alguien que ha mantenido la franquicia a flote ese es David Tennant. La trama le recupera a la vez que plantea un misterio: cómo puede ser que el doctor haya recuperado uno de sus viejos rostros. Un enigma que da pie a otros que podréis ir descubriendo pues el episodio sigue la senda tradicional de la serie: misterio, aventuras, elementos fantásticos y comedia.
Russell T. Davies regresa como showrunner y ha escrito este episodio adaptando una vez más el cómic realizado por Mavel Comics a finales de los setenta, una obra que surgió de las manos de Pat Mills, John Wagner y Dave Gibbons. Este guionista ya ha trabajado en la serie, justo en la etapa de Tennat y sabe cómo manejar los elementos del pasado de su personaje, a si es que si sois fans podréis imaginar quién se puede cruzar en el camino del Doctor Who adaptando su aparición a la trama de dichas viñetas.
Por supuesto la TARDIS está presente en el Londres de Camdem Town que se enfrenta a una batalla contra una nave espacial que lo pone todo patas arriba. Tenemos guiños (incluso a otros títulos como E.T.) o huevos de pascua como el número de teléfono (07700-900461) usado en la serie anteriormente, el regreso de Beep the Meep y otros pormenores que nos hablan realmente de que este es un crossover entre temporadas. Los auténticos fans de la saga disfrutarán de todos esos pequeños regalos, pero también serán quienes comprendan o estén más preparados para el tercer acto. Intentar recuperar o mezclar tanto puede parecer una idea ambiciosa para unos simples episodios especiales, pero el guión maneja perfectamente todos los elementos del lore y nos sumerge en una aventura de lo más intensa, que va a toda mecha directa al grano. Y podemos decir aún más, el sabor de los capítulos recuerda al de los setenta, con la evidente mejora que implica la tecnología actual y un presupuesto marca Disney+. Cuando celebramos un cumpleaños buscamos rememorar tiempos pasados y reencontrarnos con celebración con elementos de nuestra vida. ‘Doctor Who: the star beast’ nos da todo eso y además celebra una excelente comunión con los tiempos que corren.
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