HBO Max estrena ‘Wolf’ el próximo 14 de Septiembre. Drama policíaco que nos llega desde Reino Unido con seis episodios que como mínimo os van a parecer incómodos de ver. Si sois lectores quizá ya conozcáis esta historia pues adapta las novelas de Mo Hayder en las que relata los casos que lleva el detective Jack Caffery, curiosamente se ha empezado por la última sobre este personaje. Megan Gallagher (‘Sospechosos’) es quien se ha encargado de trasladar a la televisión esta truculenta historia que bien podría estar inspirada por la obra de Michael Haneke.
El brillo y contraste, el etalonaje de la serie ya la enmarca directamente en el Reino Unido. Tiene las clásicas pigmentaciones de imagen que otras muchas series, como ‘Sherlock’, que es de los mismos productores aunque realmente los directores de fotografía han trabajado en otras producciones como ‘The capture’ o ‘Britannia’. Y ya ni que decir tiene de la mansión en la que sucede la acción, totalmente de campiña inglesa. Una casa en la que habitan los Anchor-Ferrers pero que pronto es escenario de un terror que romperá su cotidianidad para siempre. Se produce un home invasión que tiene mucho por ofrecernos, como una nueva interpretación brillante de Iwan Rheon. Ese incidente se cruza en la vida del detective Caffery cuando da con una pista de un caso no resuelto, cuando sospecha que un inocente ha sido encerrado. Precisamente este agente vive atormentado por el caso no resuelto de su hermano desaparecido allá por los noventa. Es un suceso que le marcó y obsesionó de por vida, que le cargó de culpa. ‘Wolf’ trata de psicópatas pero en segundo plano toca temas como la culpa o el sacrificio con un agradecido toque de humor negro.
La narrativa se sucede en dos tiempos diferentes, en dos ubicaciones distintas hasta que todo llega a confluir. En ambas tarmas se desarrolla un drama familiar y de parejas mientras está todo embadurnado de criminalística, de sucesos escabrosos y retorcidos. Y aunque todo se percibe crudo e incluso incómodo tengo entendido que se han puesto paños calientes y la novela es mucho más detallista con la violencia, por lo que esta serie sin duda intenta abarcar a mucho más público. Aún así hay giros inesperados y que te revuelven las tripas.
‘Wolf’ nos brinda una historia con del morbo de los crímenes pero también con una construcción de relaciones humanas compleja. El comportamiento oscuro de Jack Caffrey, bien interpretado por Ukweli Roach, da un tono sombrío a la historia que se suma a las lóbregas intenciones de los asesinos. El montaje y guión de la serie es lo suficientemente eficiente como para plasmar correctamente la psique de estos personajes que si bien están atormentados tienen una clara noción del bien y el mal. Eso sí, advierto, ‘Wolf’ no es apta para aquellos que no digieren bien las cosas cocinadas a fuego lento.
Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película.
Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra!
Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.
Crítica
Desde la ironía y el sometimiento Moretti se ríe de la actualidad cinematográfica
Pocas veces el cartel de una película representa exactamente lo que esta quiere contar. En el caso de ‘El sol del futuro’ el artista gráfico que ha realizado el poster ha dado en el clavo, al menos con aquello que a mi me ha transmitido la última película de Nanni Moretti.
En ‘El sol del futuro’ nos encontramos con un director inmerso en una agonía creativa. Se siente agobiado por tardar demasiado en rodar películas y tener todavía más historias que querer narrar. Por si no fuese suficiente el futuro le ha cogido de lleno y se siente completamente desencajado en una industria cinematográfica que ya no tiende. Él quiere rodar a su manera, con un estilo clásico, limpio y sencillo, con libertad creativa y sin ataduras o exigencias de todo aquello que es meramente comercial o estadístico. La película es obviamente meta y hace referencia a la propia vida del director italiano.
En la película hay un personaje de un productor que le llega a decir al director que su película es subversiva. Volvemos con el tema autoreferencial pues en varios sentidos con ‘El sol del futuro’ se dan coletazos rabiosos contra todo aquella “cultura” que alienta la audiencia general. Moretti se declara abiertamente anti cine industrial y nos invita a pensar y darle mil vueltas a las escenas. Me gusta esa lucha que hay entre el cine como arte con reflexión y sentido frente al producto fugaz y comercial, pero también como claudica ante una irremediable derrota. La reunión con Netflix es tronchante.
No se si Moretti es tan maniático y esclavo de sus propios ritos como Luciano, el director que interpreta en esta ficción. Pero a partir de esas “deficiencias” surge una comedia que tiene tanto de ácida como de inocentona por sencilla que es. Su personaje es un Melvin Udall que al mismo tiempo que se cree precursor de la perfección con sus antojos y minuciosidades está ciego ante las verdades y la realidad que tiene delante.
En esta película, Moretti nos invita a reflexionar con muchísima ironía sobre la industria del cine y su constante evolución. Es una tragicomedia personal pero también industrial. Tanto en lo íntimo como en lo universal manifiesta un amor incondicional, pero también un sometimiento a un destino fatal inevitable.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: Il sol dell’avvenire. Duración: 95 min. País: Italia. Dirección: Nanni Moretti. Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Nanni Moretti, Marguerita Buy, Mathew Amalric, Silvio Orlando. Producción: Sacher Film, Fandango, Rai Cinema, Le Pacte, France 3 Cinema, Canal+, Kinology. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.sacherfilm.eu/portfolio/il-sol-dellavvenire-di-nanni-moretti/
Este año, las vacaciones de Marc y Anna, embarazada de ocho meses, serán distintas. Han decidido intercambiar su casa con Hans y Olga, una pareja de jubilados alemanes que han conocido a través de una web. Pese a la aparente calma del principio, poco a poco, el intercambio de casas se convierte en una auténtica pesadilla para Marc y Anna cuando descubren que Hans y Olga tienen otros planes para ellos.
Crítica
Un home invasion elevado a varios niveles
Con el título de esta última película de Mar Targarona podemos intuir qué va a suceder en esta trama que mezcla terror, suspense y humor negro. Y aun teniendo una pista tan evidente podríamos decir que la película funciona mejor que ‘La abuela’ de Paco Plaza, filme con el que guarda buenas similitudes. Tras películas como ‘Dos’, ‘Secuestro’ o ‘El fotógrafo de Mauthausen’ creo que puedo decir que esta es la obra dirigida por Targarona que más me ha gustado.
Los humanos hemos inventado el subgénero “home invasión” dentro del cine de terror. Ese ese cine en el que la cotidianidad de un hogar se ve rota por la irrupción de un extraño. Pero los cucos llevan practicando el arte de invadir el espacio ajeno toda su existencia. Hace no mucho Lorcan Finnegan cogió esa idea y la plasmó en ‘Vivarium’ y es ahora Targarona quien le da una vuelta de tuerca y se monta una película de invasión doméstica por partida doble y además elevando el nivel.
La trama nos hace conocer a dos parejas. Una de ellas es una barcelonesa que está a punto de adentrarse en el mundo de la paternidad. Él es un desastre obsesionado con su trabajo, ella está sobrepasada y desquiciada al soportar todo el peso de la relación. “Unas buenas vacaciones lo arreglan todo”, suelen decir las parejas en crisis. Ese tópico es del que tiran y se atreven además con una experiencia de intercambio de hogares. Ahí es cuando conocemos a la otra pareja. Con ellos sentimos la misma extrañeza y desconcierto que los protagonistas. De inmediato comienza ese home invasión que mencionaba, que parte de romper de buenas a primeras el espacio personal. Algo nada infundado y que cobra mucho sentido al final del segundo acto.
Mientras se suceden tomas que emulan abiertamente a ‘El resplandor’ o a ‘Psicosis’ la trama se va retorciendo. El guión está bien armado y como espectadores no acabamos de lograr saber exactamente qué está pasando. Todo se llena de incógnitas que se resuelven y encajan correctamente, algo que no siempre nos encontramos en este tipo de películas que habitualmente dejan todo a la libre interpretación o a designios sobrenaturales. Solo es al final que comentaba en el segundo acto cuando se descubren las cartas a si es que os propongo dejaros llevar por todo el misterio de este viaje a la selva negra más desconcertante.
A partir de ese cierre del segundo tercio que comentaba entramos en un camino hacia el final que prácticamente cambia de género. La película arriesga a alargar su conclusión a costa de desbocarse en un corre que te pillo que alcanza un final que por lo menos es distinto a lo que vemos habitualmente. Quizá esa aceleración en el devenir de los acontecimientos, ese desmadre al que se entrega el largometraje no le guste a todos los espectadores. ‘El cuco’ es la película más de género que ha hecho Targarona y creo que se ha desinhibido por completo.
Aunque es una película narrada en pareja el protagonismo recae irremediablemente en Belén Cuesta. Como si fuese la Rosemary de Polanski o la embarazada de Maury y Bustillo defiende a toda costa a la criatura que lleva en su interior de aquello que la amenaza. Pero en este caso la defiende del futuro que me aguarda. ‘El cuco’ nos habla tanto de manera directa como indirecta de sacrificios. Algunos son evidentes, propios de la trama que sucede ante nosotros en primer plano, pero otras ofrendas, son menos evidentes y nos hablan de aquello a lo que estamos dispuestos a renunciar a la hora de proporcionar una vida mejor a los que queremos. El cuco es un pájaro que vilmente usurpa a el nido de otros, pero nadie ha pensado que también renuncia a un vínculo emocional, a la experiencia de la crianza y todo ello en aras de perpetuar su ADN en el tiempo. Quizá esta es una paja mental que me estoy montando, pero ese sentido frívolo de la supervivencia está en todos nosotros, aunque el remordimiento o los condicionante sociales nos impidan darle alas. ‘El cuco’ hace que reluzca la capacidad humana de sobrevivir, haciendo hincapié en que siempre hay un precio que pagar. Como espectador, después de verla, puedo decir que el precio de una entrada de cine para verla no es ningún sacrificio.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El cuco. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Alfred Pérez Fargas, Roger Danès. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Belén Cuesta, Jorge Suquet, Hildegard Schroedter, Rainer Reiners, Chacha Huang, David Selvas, Manel Dueso, Marina Gatell. Producción: Barry Films, Rodar y Rodar Cine y Televisión. Distribución: Filmax. Género: terror, suspense. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/el-cuco.255
Una edición para curiosos y coleccionistas zodiacales
Al menos no ha sido otro Dragonball Evolution. Esa es la frase más repetida por todos aquellos que acudieron a cines a ver el live action de ‘Los Caballeros del Zodiaco’. Una versión con actores de carne y hueso que se estrenó a inicios de este verano y que cosechó muy malas críticas, tanto entre el público como entre la opinión especializada, aquí la nuestra.
A su protagonista quizá le vaya mejor con el live action de ‘One Piece’. Sin embargo, aún recabó alguna crítica positiva y sus productores, en una acción que para muchos es kamikaze, ya adelantaron que habrá segunda parte independientemente de las opiniones vertidas en este filme y los resultados en taquilla.
La historia nos traslada a un mundo en el que unos caballeros portan armaduras y defienden sus ideas gracias a los poderes otorgados por una u otra constelación. Hasta ahí todo suena igual que el manga/anime. Pero la deriva de la historia, el diseño de producción e incluso las interpretaciones están muy lejos del nivel que exige adaptar una historia tan mítica. Quien sabe, quizá encontréis en estos Blu-rays un placer culpable.
Mackenyu fue quien encarnó a Seiya en esta película que ya ha salido a la venta en el mercado doméstico. La ediciones en formato físico de este largometraje de Los Caballeros del Zodiaco vienen acompañadas de extras, algo que empieza a ser raro en las últimas licencias que salen a la venta. El último bloque de este artículo está dedicado a describir el contenido adicional que Arvi Licensing ha grabado en estos discos. Una serie de contenidos que se antojan más interesantes que la propia película.
Como información técnica nos encontramos con una edición proyectada en alta definición con pantalla ancha a 2.00:1. En el caso del audio se presenta en castellano, inglés, francés y alemán DTS-HD Master 5.1. En cuanto a los subtítulos se han dispuesto en castellano, inglés, árabe, francés, alemán, portugués y turco.
Extras (21 min. aprox.)
Detrás de los personajes (4:57 min.)
Alman, Guraad, Sienna, Nero y por supuesto Seiya son los protagonistas escogidos para esta versión. Cada uno de los actores analiza qué ha extraído o interpretado de la fuente original.
Escenas eliminadas (7:50 min.)
Algunas escenas que no se montaron en la versión comercializada de la película. Algunas de ella si habrían aportado algo interesante, otras solo habrían alargado lo inevitable.
Animatic (0:57 min.)
Ensayos acompañados de pequeños efectos animados y algunos storyboards.
Arte conceptual (0:23 min.)
A veces el arte previo a la película que se realiza para tener una idea de lo que se está buscando es mejor que lo que finalmente se consigue plasmar. Aquí es donde vemos lo mucho que se han alejado pues las propias viñetas del manga de Masami Kurumada deberían haber servido de arte conceptual.
Un rodaje junto al equipo de especialistas de Andy Cheng (3:05 min.)
Sea cual sea el resultado de la película ha habido un equipo de extras y especialistas de todo tip otras la acción que finalmente ha llegado a la gran pantalla y a nuestras casas. Aquí vemos como se ha entrenado el equipo sobre el tatami y en los escenarios del filme.
Octagon previs (4:14 min.)
La secuencia del cuadrilátero callejero montada pero interpretada por el equipo de especialistas en su gimnasio.
Raymond Lee y Caitlin Bassettpresentan la serie que llega este mes a SYFY
Hace treinta años (en la realidad y en la ficción) que el Dr. Samuel Becket, interpretado por Scott Bakula, se perdió en el tiempo. Ahora la historia sigue con una secuela y son los personajes encarnados por los actores Raymond Lee y Caitlin Bassett los que viajan en el tiempo tras las pistas del creador del artefacto que permite dar saltos a través del pasado.
SYFY estrena este mes de septiembre ‘Quantum Leap’ (crítica aquí), la serie de 18 episodios que estará también a la carta en Universal+. Tuvimos la suerte de poder hablar con los protagonistas de esta continuación del clásico de ciencia ficción y aquí seguido podéis ver lo que nos contaron sobre ella.
Una propuesta que se antoja divertida si progresa proponiéndonos episodios más ingeniosos
‘Quantum Leap’ fue una serie sobre viajes en el tiempo que fue conocida en España como ‘A través del tiempo’. Estuvo co-protagonizada por Scott Bakula, quien os sonará de series como ‘NCIS’ o ‘Star Trek: Enterprise’. Ahora esta producción ha regresado y por fin se estrena en nuestro país. Septiembre (el día 18 a las 22h) será testigo de las aventuras intertemporales a través del Canal SYFY quien exhibirá los 18 episodios de la primera temporada (la segunda está ya confirmada) y posteriormente los espectadores podrán verlo a la carta en Universal+.
La máquina del tiempo de H. G. Wells ha suscitado la imaginación de muchos escritores de novelas y guionistas de todo tipo. En esta ocasión es sustituida por un acelerador de partículas cuánticas movido por un superordenador, algoritmos y demás parafernalia tecnológica que suele estar a merced de cualquier historia de ciencia ficción. Treinta años han pasado en la realidad y treinta años han pasado en la ficción. Los protagonistas van tras los pasos de los protagonistas de la serie original. Ellos son Un doctor en física cuántica (Raymond Lee) y su prometida y compañera de trabajo (CaitlinBassett) que se proyecta al tiempo en que se haya en forma de holograma. Le hace de guía por una aventura de lo más accidentada ya que este nuevo método de viajar al pasado mete su consciencia en el cuerpo de otra persona a través de un entrelazamiento cuántico que traspasa tiempo y espacio. La idea es original y el hecho de poder aparecer en un cuerpo, época y lugar diferente en cada episodio es la mejor baza para ‘Quantum Leap’.
El primer episodio nos adelanta que el protagonista está intentando mejorar la máquina que puso en marcha el Dr. Samuel «Sam» Beckett (Scott Bakula) hace treinta años. Por lo tanto sabemos que ‘Quantum Leap’ guarda relación directa con la serie original pero se nos presenta con un formato actual propio de las muchas series policíacas que nos llegan desde USA, es decir, está compuesta por un equipo variopinto y heterogéneo que trabaja para el gobierno, con su estricto jefe, sus integrantes raritos, sus instalaciones ultratecnológicas…
La máquina original funcionaba defectuosamente y a su antojo. Fue creada para corregir los errores del pasado. La nueva tiene algo de herencia de esa máquina y solo si el protagonista ayuda a alguien salta a otra época acercándose más a su regreso a casa. Parece ‘Me llamo Earl’ solo que en vez de estar a merced del karma el protagonista está sujeto a los designios de un algoritmo bonachón.
Aunque hay un tremendo descuido por los efectos mariposa y las realidades alternativas ‘Quantum Leap’ no se complica hasta este punto y con su simplismo resulta un soplo de aire fresco. Posee el mismo enganche que nos producían series similares como ‘El ministerio del tiempo’, ‘Sliders’, ‘Dr. Who’ o ‘Timeless’. Cada episodio es una época, una situación y un caso distinto, tiene casi carácter antológico. Los guiones tienen algo de suspense, algo de humor, algo de acción… Quizá es muy dispersa en cuanto al género al que quiere pertenecer pero eso la hace accesible al público televisivo en general. De calidad televisiva son también algunos cromas, pobres, sobre todo cuando Caitlin Bassett se mete en la máquina holográfica que tiene cierto parecido con el Cerebro de los ‘X-Men’.
Por supuesto el primer episodio de la serie está dedicado a Dean Stockwell, quien interpretaba al Almirante Albert Calavicci y a su vez al holograma que guiaba al protagonista por sus derivas temporales.
Gus, Sophie y Max, integrantes del equipo de la Fuerza de Protección Espacial que lucha contra el crimen en el universo, sufren un accidente en su nave microscópica y acaban en la Tierra, más concretamente la cabeza de Norman, de 16 años.
Estos alienígenas deben salvar al universo de los planes de Zolthard, un villano intergaláctico que ha asumido el control mental de la directora de su escuela, la Sra. Witherington. Para ello deben conseguir la ayuda de Norman, ¡tomando también el control de su cuerpo! Él, sus amigos y los alienígenas deben librar una lucha intergaláctica entre el bien y el mal sin que el instituto lo sepa. ¡Y entre tanto, siguen teniendo deberes que entregar!
Crítica
Una divertida cinta para amenizar la vuelta al cole de los más pequeños
PaulLouisMeyer y GerhardPainter nos traen su ópera prima después de trabajar juntos en el mundo de los efectos especiales. DanielBuckland y RonaldHenry, crearon esta entretenida historia hace unos años y los directores cogieron este guion abandonado y lo reescribieron cambiando algún detalle que otro.
‘Me he tragado a un extraterrestre’ nos trae la historia de Norman, un joven de 16 años que está obsesionado, junto con sus amigos, en la existencia de los extraterrestres. Y como no puede ser de otra manera, se le va a cumplir su deseo y va a descubrir que realmente existen. Pero no como todos pensamos, sino que son microscópicos y realmente pueden estar dentro de nosotros.
La película es una mezcla de ‘The Faculty’ y ‘El chip prodigioso’. Por supuesto, tenemos extraterrestres buenos, pero también tenemos al gran villano Zolthard, el cual puede recordar en su diseño a ‘Megamind’ y es él el que quiere invadir nuestro planeta.
LumaAnimation, un estudio sudafricano de animación que dirigen los dos creadores de esta película, nos trae esta cinta, que para ser su primer proyecto largo está muy bien realizado. Tiene unos personajes muy bien definidos y un diseño de estos muy trabajado. El color de la película es increíble, brillante y eso sí, lleno de tonos azules, sobre todo para los extraterrestres.
Nuestros protagonistas son adolescentes y la verdad que como he dicho están muy bien definidos. Con caracteres muy diferentes, nos muestran que se puede ser héroes sin ser perfectos. Personas torpes o poco sociables, son parte de estas personalidades y no pasa nada. Son gente normal que están dispuesto a arriesgarlo todo para salvar a la humanidad.
En el reparto de voces encontramos caras conocidas en el cine de Sudáfrica. Bonko Khoza, Zak Hendrikz, Nelisa Ngcobo, Jana Louw, James Cairns o Michelle du Plessis, son quienes dan vida a nuestros personajes.
‘Me he tragado un extraterrestre’ es una gran opción de llevar a nuestros pequeños a las grandes salas antes de volver al a realidad del colegio. Muy divertida para ellos y también para nosotros. El 1 de septiembre llega a nuestras salas de cine gracias a Vercine.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de septiembre de 2023. Título original: Headspace. Duración: 85 min. País: Sudáfrica. Dirección: Gerhard Painter, Paul Louis Meyer. Guion: Daniel Bluckland, Ronald Henry, Gerhard Painter y Paul Louis Meyer. Música: Benjamin Willem. Reparto principal: Bonko Khoza, Zak Hendrikz, Nelisa Ngcobo, Jana Louw, James Cairns, Michelle du Plessis, Roberto Pombo, Sparky Xulu, José Domingos, Dianne Simpson, Dineo du Toit, Chris van Rensburg. Producción: Luma Animation, The Ergo Company. Distribución: VerCine. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:https://www.vercine.org/ficha/es/718-me-he-tragado-un-extraterrestre/
El testimonio de un heredero y víctima de la farándula española
Movistar Plus+ estrena el 5 de septiembre la serie documental sobre Miguel Bosé. ‘Bosé renacido’ cuenta con la bendición y participación del cantante al igual que sucedió la producción que hace no mucho estrenó SkyShowtime, de hecho, en el apartado de curiosidades nos encontramos que aparece brevemente José Pastor, quien ha interpretado al cantante en dicha serie.
Bosé se convirtió en un ídolo de masas en el mismo momento en el que dio sus primeros pasos sobre los escenarios hace más de treinta años. Y así ha sido para mal o para bien desde que le vimos en ‘Suspiria’ hasta el lanzamiento de sus hits más descargados y sus declaraciones más polémicas. Esta miniserie documental se compone de entrevistas que se han grabado expresamente para ‘Bosé renacido’. Del mismo modo que se han recopilado numerosas imágenes de archivo oímos hablar a Bosé, a sus hermanas Lucía y Paola, su manager Rosa Lagarrigue y otras muchas personalidades como Alejandro Sanz, Ana Torroja, Mercedes Milá, Boris Izaguirre, Alaska, Lolita Flores, Laura Pausini, Tiziano Ferro, Juanes, Victoria Abril, Fernando Colomo, Manolo Caro, Alejandro González Iñarritu, José Luis García Berlanga, Patrice Calmette, Francis Montesinos, Nacho Duato, Bibiana Fernández, Malú o Pablo Alborán. Además aportan sus experiencias y percepciones periodistas como Santiago Alcanda, Rosa Villacastín y Rosana Torres. Todos ellos dan su visión de amigos, en ocasiones no siempre para cubrirle de rosas.
Lo que prepondera en esta docuserie es el testimonio del Bosé actual que se presenta con la voz tocada. Para contarnos su vida se ha estructurado todo en cuatro episodios de una hora cada uno que emplean sus distintas residencias como hilo conductor. Recorreremos sus anécdotas, experiencias, traumas y éxitos a través de la finca Villa Paz (Saelices, Cuenca), la casa familiar de Somosaguas (Madrid), la casa de Somosaguas que él re-construyó y la residencia de México, donde vive actualmente con sus hijos y donde acaban de sufrir un asalto. Cada casa representa un estilo de vida radicalmente diferente y llega el punto de parecerse esto a un programa de esos que se cuelan en casas despampanantes y las celebrities cuentan sus chascarrillos. Todas estas viviendas han albergado a grandes nombres de la época, con lo que ‘Bosé Renacido’ se convierte en un desfile de personalidades apabullante. Alguna de estas casas merece una serie para sí misma a lo ‘Arde Madrid’ porque es evidente que hay muchísimas historias que no se cuentan en el documental, por tiempo fílmico o por guardar secreto.
Indirectamente ‘Bosé Renacido’ conforma el retrato de una España retrasada que pese a la transición no se actualizó paulatinamente, sino que intentó dar un salto brusco hacia las tendencias europeas de la época. Muy acertadamente comenta Bosé que este es un país con una doble moral descarada que siempre ha estado presente. A pesar de verter más una declaración que levantará ampollas Miguel Bosé zigzaguea por algunos temas, como cuando declara que los culpables de todo lo que le ha pasado en su vida son sus padres o cuando llega el momento de tratar el cómo se produjo el nacimiento de sus hijos a través de la gestación subrogada, como se ha hablado tanto ahora con Ana Obregón, a la cual conoce bien. No es lo que personalmente me interese pues siempre he aborrecido esos detalles más propios de la prensa amarilla o de las hienas que se nutren del corazón. Pero esto deja en evidencia que es un reportaje hecho por amigos, sincero y sin tapujos pero también maquillado y adornado con escenas aduladoras, casi de videoclip. Aquí se cuenta lo que él ha querido y como él ha querido contarlo, con ese dramatismo que él tiene y que tanto ha usado en sus espectáculos, con esa vanidad que nos ha demostrado con el tiempo que no tiene abuela.
‘Bosé Renacido’ trata evidentemente su bisexualidad, su inclusión forzada o heredada en la farándula, del cambio referencial que supuso en el panorama artístico nacional, su odio visceral hacia ciertos sectores de la prensa, su faceta más paternal, la relación que tiene con el México de Iñárritu y todo LATAM, su constante lucha como negacionista… En resumen sus vicios y virtudes, sus logros y fracasos, aquello que le ha definido y lo que ha defendido. Aquellos que solo conozcáis su innegable éxito musical o que hayáis llegado a su figura a través de las portadas del corazón o de sus vídeos virales encontraréis momentos curiosos y reveladores. Hay episodios que parecen sacados de ‘Los Simpson’, como aquel en el que su padre le llevó a cazar para hacerle un hombre.
Algunas etapas del documental son más propias de un reportaje de un programa vespertino del corazón, otras son un retrato íntimo y el resto enumeran los pasos de un artista que hoy en día ha caído en la desgracia de la controversia. Los episodios que más pueden marcar a los espectadores son algunos momentos muy dramáticos de los que pocos detalles se conocían hasta ahora o aquellos más freaks que van adornados con personajes pintorescos como Marcelino, el enano bibliotecario.
SONAFILM, el Festival de Música de Cine Marina Alta, acogerá el concierto sinfónico “The Music Of Bond”, un ambicioso espectáculo donde se repasarán los más de 60 años de música de la prolífica saga “007” y que tendrá lugar el 26 de agosto a las 23:00 horas en la Plaza de Toros de Ondara (Alicante).
Será el concierto de clausura del festival y, como es tradición, correrá a cargo de la Universal Symphony Orchestra, la formación residente de SONAFILM, bajo la batuta del compositor y director de orquesta Diego Navarro (“El Fotógrafo de Mauthausen”, “Atrapa La Bandera”), invitado de honor del evento. Asimismo, participarán los cantantes Cristina Ramos, quien fuera ganadora de “Got Talent” España y “La Voz” México; y Fran León, curtido en musicales de éxito como “El Médico” o “33”.
“The Music Of Bond” se trata de una producción original de FIMUCITÉ, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, la cual, además de en Santa Cruz de Tenerife, se ha interpretado con éxito en ciudades como Cracovia y Poznán (Polonia), Arnhem (Países Bajos) o Nimega (Países Bajos), entre otras. Ahora llega a la región de Alicante en el que “será, sin lugar a dudas, uno de los mejores conciertos sinfónicos de música de cine que se hayan realizado en la zona”, aseguran desde SONAFILM. “Más de 70 músicos reunidos para recorrer las mejores piezas de seis décadas de historia de una de las sagas cinematográficas más conocidas”, añaden los responsables.
Durante más de dos horas, además del icónico “James Bond Theme” de Morty Norman y John Barry en sus diferentes versiones, el público podrá disfrutar de clásicos como “Goldfinger”, “Diamonds Are Forever”, “Goldeneye”, “Die Another Day” o “Skyfall”, entre otras muchas composiciones, adaptadas para la ocasión en formato sinfónico. “Será el perfecto broche de oro para la quinta edición de nuestro festival”, auguran los organizadores.
FESTIVAL DE MÚSICA DE CINE MARINA ALTA
SONAFILM, el Festival de Música de Cine Marina Alta, se desarrollará del 18 al 26 de agosto en 5 localidades de Alicante y su temática principal será la saga “James Bond”. Se trata de la edición más larga hasta la fecha, un crecimiento que ha sido posible gracias a la incorporación del municipio de Calp y de l’Auditori Teulada Moraira, que se suman a Dénia, El Verger y Ondara, así como al convenio alcanzado con el prestigioso Festival Internacional De Música De Cine De Tenerife, FIMUCITÉ, el evento en su género más antiguo del mundo.
El festival acogerá un total de 8 eventos completamente diferentes entre sí y que albergan un gran abanico de estilos musicales relacionados con el audiovisual, así como actividades didácticas. Desde la organización de SONAFILM también destacan y agradecen a las 17 empresas y entidades que este año apoyan el festival a través de patrocinios y colaboraciones y que han sido una parte clave, junto con los municipios participantes, para poner en marcha esta nueva edición.
ARTISTAS INVITADOS
Diego Navarro, director del festival de música de cine FIMUCITÉ -el más antiguo del mundo en su género- ha compuesto para exitosos títulos como “Atrapa la Bandera”, “El Fotógrafo de Mauthausen” o “El Páramo”, entre otros. Por sus últimos trabajos ha recibido nominaciones y premios nacionales e internacionales como la nominación a los prestigiosos “World Soundtrack Awards” (Premios Mundiales de la Música para el Cine) que otorga el Festival de Cine de Gante por su banda sonora para el drama “Pasaje al Amanecer», o la doble nominación a los IFMCA AWARDS (Premios de la Asociación Internacional de críticos de música para el cine) por “Atrapa la Bandera”. “El Fotógrafo de Mauthausen” obtuvo dos nominaciones a mejor partitura orquestal en los XI Premios Gaudí y en los II Premios de la Música para el Audiovisual Español.
Cristina Ramos es una cantante española conocida por su capacidad para cantar y combinar diferentes géneros como la ópera, el rock, el funky o los boleros. Saltó a la fama por su participación y victoria en ‘talent shows’ como “Got Talent” España y “La Voz” México, así como por ser la única cantante en el ‘top 5’ de “America´s Got Talent THE CHAMPIONS”, y “Golden Buzzer” de David Foster en GTW China.
Fran León se formó en artes escénicas en los centros y academias más reconocidas de Tenerife, como la Escuela de Actores de Canarias (EAC) o MMDanza, entre otros. Especializado en Teatro Musical, ha participado en el estreno mundial en español de “Sunset Boulevard”, junto a Paloma San Basilio y Gerónimo Rauch; así como en otros musicales de éxito como “33” o “El Médico”.
PROGRAMA DEL CONCIERTO
Primera Mitad
James Bond Theme (instrumental)
Goldfinger — Into Miami/Alpine Drive (instrumental)
Goldfinger — Shirley Bassey – (Esther Ovejero)
From Russia with Love — Matt Monro (Fran León)
All Time High — Rita Coolidge (Octopussy) (Cristina Ramos)
Thunderball — Tom Jones (Fran León)
You Only Live Twice — Nancy Sinatra (Esther Ovejero)
On Her Majesty’s Secret Service — Sky Chase (instrumental)
We Have All the Time in the World — Louis Armstrong (On Her Majesty’s Secret Service) (Fran Leon)
Diamonds Are Forever — Shirley Bassey (Esther Ovejero)
Live and Let Die— Paul McCartney & Wings (Fran León)
For Your Eyes Only — Sheena Easton (Cristina Ramos)
Segunda mitad
A View To a Kill – Duran Duran (Fran León)
Moonraker Suite James (instrumental) The Living Daylights — A-Ha (Fran León)
GoldenEye — Tina Turner (Esther Ovejero)
The World Is Not Enough — Ice Bandits (instrumental)
Tomorrow Never Dies — Sheryl Crow (Tomorrow Never Dies) (Cristina Ramos)
Die Another Day — Going Down Together (instrumental)
License to Kill — Gladys Knight (Esther Ovejero)
You Know My Name — Chris Cornell (Casino Royale) (Fran León)
Quantum of Solace — A Night at The Opera (instrumental)
Skyfall — Adele (Esther Ovejero)
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para el concierto “THE MUSIC OF BOND” que se celebrará el 26 de agosto a las 23:00 horas en la Plaza de Toros de Ondara, ya están a la venta en los enlaces habilitados en www.sonafilm.es.
La galaxia de Filoni será antigua y lejana, pero se entremezcla magníficamente
Muchos son los eventos que el universo expandido de Star Wars ha querido explotar. Pero pocos han funcionado tan bien como las historias ambientadas entorno a las Guerras Clon. Ese es el germen de Ahsoka Tano, un personaje que primero conocimos en la película que sirvió de piloto para la serie animada ‘Star Wars: The Clone Wars’ y que posteriormente ha sido parte de series de animación como ‘Star Wars Rebels’, relacionándose con los personajes de cómics como ‘Star Wars: Kanan’ (dibujados en gran parte por Pepe Larraz). Esa fue la etapa de Star Wars en la que descubrimos el pasado de personajes como Darth Vader, cuando solo era el padawan Anakin Skywalker. La serie ‘Ahsoka’, de ocho episodios, recupera el personaje favoreciendo el regreso de Hayden Christensen a la saga pues esta joven Togruta es la que fue aprendiz del que posteriormente se convertiría en el azote del Imperio Galáctico. Rosario Dawson la ha interpretado en pequeñas apariciones como la de ‘The Mandalorian’ y ahora, este 23 de agosto, se estrena su serie en solitario en Disney+.
Las series y cómics ya nos han mostrado gran parte del recorrido y maduración de este personaje. Ahora toca conocer a una Ahsoka que lucha contra la reciente amenaza que ha surgido tras la caída de Imperio Galáctico. Azul, amarillo, verde… Ahsoka ha manejado todos los colores de sable láser (salvo los morados de Windu) que la alinean con el bando de la luz. Llegó hasta el blanco que esgrime ahora en su propia serie como parte de su lucha pues son fruto de haber purificado la espada de luz roja de Sexto Hermano, un Inquisidor, uno de esos personajes que se dedicó a cazar niños jedi tras la Orden 66.
Por si no he sido claro esta serie se enmarca entre los episodios VI y VII. La amenaza es el Almirante Thrawn (Lars Mikkelsen). Mientras se intenta reducir a cenizas los últimos rescoldos del Imperio Galáctico hay una carrera a contrarreloj para impedir el resurgir de las fuerzas que fueron guiadas por los sith. Unos están escoltando a una miembro del Imperio Galáctico capturado por Ahsoka (Morgan Elsbeth, Diana Lee Inosanto). Otros están siguiendo los pasos del desaparecido Ezra Bridger (aprendiz de Kanan que interpreta Eman Esfandi), héroe rebelde que conoceréis si habéis seguido todo lo que rodea ‘Rebels’. Y no es el único nombre que aparece de ese mítico spin-off pues también nos topamos con Hera Syndulla interpretada por Mary Elizabeth Winstead o con Sabine Wren a quien encarna Natasha Liu Bordizzo. E incluso se utiliza la lanzadera Fantasma, que pertenecía a Ezra.
Por supuesto la serie empieza con unos breves párrafos surcando la galaxia y seguidos de una nave espacial navegando por el espacio rompiendo por la parte inferior de la pantalla. Ahsoka arranca recogiendo una esfera como si esto fuese la primera película de ‘Guardianes de la Galaxia’. Un lugar con puzles arqueológico-tecnológicos en el que podría haber estado Aphra, ains… cuándo veremos una serie sobre ella. Igualmente tenemos personajes con carisma, unos villanos compuestos por maestro y aprendiz oscuro que les pisan los talones, relaciones entre jedis y padawans, una búsqueda que se antoja vital y con lazos sentimentales, tiroteos y luchas con láser… Todo lo que pide una buena historiad Star Wars.
‘Ahsoka’ nos permite ver cómo fueron los momentos de la Nueva República formada por los triunfantes rebeldes antes de volver a sumirse en otra guerra, aquella que nos presentó a Kylo Ren. Como bien sabemos en España los viejos totalitarismos nunca mueren. El nivel de producción está a la altura. Ojalá aplicar los recursos de un proyecto así a Caballeros de la Antigua República, más allá de sus excelentes videojuegos. Pero como decía al principio todo está muy íntimamente relacionado con lo sucedido tres o cuatro películas atrás, cuando los rebeldes tuvieron que formar su alianza tras las Guerras Clon.
No es de extrañar que se estén respetando tanto los personajes e interrelacionando constantemente protagonista que ya conocíamos de antes. El creador de esta serie es Dave Filoni, el cerebro tras ‘The Mandalorian’, ‘La remesa mala’, ‘El libro de Boba Fett’ y lo que es más importante, ‘Star Wars Rebels’. Si la Fuerza está con vosotros seréis capaces de percibir que esto es ya un proyecto tipo “Fases Marvel”. Se huelen más crossovers más allá de los cameos o algún evento que reúna todo aquello que Filoni está creando. Otra muestra de ello es la calidad de lo que vemos, pues la producción está más lograda en cuanto a escenografía e imágenes generadas por ordenador que muchas de las películas de los marvelitas.
Por lo menos en los dos primeros episodios de ‘Ahsoka’, y con alguna que otra de sus series recientes, queda patente que Disney trabaja mejor cuando genera material nuevo de Star Wars sin tocar a los personajes míticos. Lo mejor de ‘Ahsoka’ es como conecta con ese aspecto místico tecnológico que tanta religión ha creado en torno a Star Wars. También en cómo es capaz de conectar las tres trilogías pero solo a partir de personajes fruto de los spin-off. Y a su vez y por último como sirve de homenaje al fallecido Ray Stevenson, quien interpreta aquí a Baylan Skoll. Una magnífica interpretación que queda sin extrañarnos en segundo plano ante un elenco femenino entregadísimo a sus personajes. Y antes de que los anti-woke se alcen en sus comentarios, casi todos estos personajes ya existían desde hace más de una década.
En un barrio humilde a las afueras de Barcelona, Dan (Óscar Casas) y sus dos amigos, Vio (Candela González) y Reno (Farid Bechara), viven sin pensar en el mañana, entre fiestas y dando palos a joyerías. Detrás de su apariencia de pequeño delincuente, Dan esconde un artista con talento, y una sensibilidad distinta al mundo que le rodea. La reaparición de su padre, tras salir de la cárcel, despierta los viejos demonios de Dan, sumergiéndolo en una espiral de violencia que le obliga a huir y pone a prueba la amistad entre los tres amigos. Empieza un viaje de descubrimiento sin retorno para Dan y Vio, donde tienen que dejar atrás los niños que fueron, cambiando sus vidas para siempre. ¿Podrán escapar de su destino por amor?
Crítica
Un Bonnie and Clyde de barriada que sorprenderá a más de uno
Tiempos de actores dando sus primeros pasos como directores. En la misma semana que se estrena la primera película dirigida por Itsaso Arana llega el primer largometraje dirigido por Mario Casas, ‘Mi soledad tiene alas’. Pero ambas películas son radicalmente diferentes y si queremos buscar un símil más cercano hemos irnos a ‘En los márgenes’. Aunque la trama es diferente tanto Mario Casas como Juan Diego Botto han querido irse a las barriadas para contar una historia de personajes acorralados.
‘Mi soledad tiene alas’, tras un título que podría parecer un post en un perfil social dirigido a emos, se esconde un tema ligerísimamente autobiográfico. Mario Casas hace alusión a una época en la que se sentía solo y en la que según él sacó alas para alzarse y salir victorioso. En este caso, es de suponer que no en la vida real, nos encontramos ante una trama de delincuencia, de personajes marginales, envenenados, supervivientes y un tanto asalvajados.
Mario Casas también firma el guión y lo hace junto a la actriz belga Déborah François, su pareja. Co-protagoniza su hermano Oscar Casas junto a Candela González. Nostromo Pictures produce, compañía con la que Casas ha hecho películas como ‘Bird Box Barcelona’, ‘Hogar’ o ‘Contratiempo’. No puede quedar todo más en familia. Viendo la película se nota que el equipo está cómodo y que trabaja en la misma dirección y por eso tiene esa homogeneidad y honestidad que le falta a las películas repletas de estrellas en las que cada uno quiere llevárselo todo a su terreno. Y aunque por fin puedo decir que he visto una cinta en la que Oscar Casas actúa correctamente, hay que admitir que como su hermano aún tiene que trabajar la interpretación vocal.
Ojo, aunque haya dicho lo anterior no me estoy refiriendo a la dicción o a la vocalización, sino a la entonación y a los distintos tipos de énfasis que podemos encontrar en cada escena, algo por lo que creo que siempre se acusa injustamente a Mario Casas y en general a todos los actores jóvenes españoles. De igual modo que a Mario Casas se le etiqueta siempre como el típico guaperas y para mí ha demostrado ya en numerosas veces que es mucho más que eso. Alejándose de esos tópicos en esta ópera prima ha creado una historia que podría ser perfectamente una más del cine quinqui de los setenta. Clase social baja, delincuencia juvenil, flirteo con las drogas, la Barcelona y el Madrid marginal, gitanos y mercheros, las malas influencias… Haya sido intencionado el hecho de que nos encontramos con todos estos elementos es innegable. Además ‘Mi soledad tiene alas’ termina siendo una historia de amor con un sabor a Bonnie and Clyde, al fin y al cabo Mario Casas sabe muy bien que le aupó a la fama y lo que le hizo conseguir tantos fans. Este romance enrabietado contará con los prejuicios y sesgos de las mentes cerradas pero estoy seguro de que sorprenderá a más de uno. Si aún no se ha hecho popular el hashtag #MSTA no tardará en hacerlo, como muy tarde cuando llegue a Netflix, que está metido en el ajo.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Mi soledad tiene alas. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Mario Casas. Guion: Mario Casas, Déborah François. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Edu Canet. Reparto principal: Óscar Casas, Candela González, Farid Bechara. Producción: ICAA, Netflix, Nostromo Pictures. Distribución: Warner Bros. Género: drama, romance. Web oficial:https://nostromopictures.com/movies/coming-soon/mi-soledad-tiene-alas
Peter, de ocho años, vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes provenientes del interior de la pared de su dormitorio. Sus padres insisten en que sólo están en su imaginación. A medida que el miedo de Peter se intensifica, empieza a creer que sus padres podrían estar escondiendo un terrible y peligroso secreto… y ¿Qué hay más aterrador para un niño que dejar de confiar en su familia?
Crítica
Mucho más cerca del terror estándar actual que de ‘Marianne’ o de Poe
Samuel Bodin sorprendió a la audiencia con la serie ‘Marianne’. En ella sembraba acertadísimamente una atmósfera tensa y truculenta que nos ponía los pelos de punta. Nos dejaba a punto de caramelo para sustos y terrores. Además esa producción funcionó por como enganchaba con la audiencia joven, aunque sus momentos de humor estuviesen muy mal injertados. Ahora este director nos propone una nueva historia de terror, en formato largometraje, que por desgracia difiere bastante de la serie de Netflix.
Difiere de su serie pero se parece a otras tantas películas de terror de los últimos años. Cuando encontramos símiles muy cercanos no suele ser buena señal o por lo menos ya partimos del hecho de sentir que estamos viendo algo repetido. En esta película un niño vive al margen de sus compañeros y lo hace por múltiples razones. Como en ‘Antlers: Criatura oscura’ el terror está en el día a día de la casa en la que vive y la tutora del colegio es la única que vislumbra el problema. Nos adentramos en una casa con demasiados detalles inquietantes entre los que se haya un diálogo muy a lo ‘Black Phone’ o ‘Déjame entrar’. Y haciendo alusión a esta última tenemos que decir que ‘No tengas miedo (Cobweb)’ también trata sobre los miedos nocturnos y el bullying (cuyo abusón está interpretado por Luke Sampson Busey, hijo de Gary Busey). Estas son sin duda cuestiones horripilantes que te atrapan como una telaraña, cuanto más te agitas más atraes a la fuente del problema.
Por desgracia, aunque pone sobre la mesa temas actuales o que pueden ser sensibles para algunos espectadores tira por tierra su idea. El planteamiento es curioso pues parece que el problema está en unos personajes, nos hacen pensar que es algo evidente. Pero el giro que sucede en el tercer acto para desmentir eso, cuando aún queda como un tercio del metraje, reduce todo a una solución tipo “hermano gemelo de Bart Simpson”. De lo que parecía que iba a ser una historia con fondo dramático y psicológico surge un survival horror de lo más convencional que nos da solo un par de imágenes curiosas. Giros de cámara a lo Kubrick, sustos predecibles, respuestas a los misterios vagas o insatisfactorias… ¿Que mola y es atrevido ver a un niño enfrentándose a situaciones altamente violentas? Si, pero como decía, esto ya se ha hecho.
Se supone que estábamos ante un relato fantástico, sobrenatural y de suspense capaz de sorprendernos. Y lo único que sorprende es que se supone que está basado en un relato de E.A. Poe, uno de los famosos, ‘El corazón delator’. Pero no hay ninguna similitud más allá de los golpecitos en la madera que tanto se oyen en los tráilers. Quizá Bodin no ha entendido que ese relato trata sobre la culpa y la paranoia. Aquí no vislumbramos ningún tipo de remordimiento o de alucinaciones fruto de la conciencia carcomida en absolutamente ninguno de los personajes.
Esta es la primera producción de Seth Rogen (Point Grey Pictures) en el campo del terror y por lo que a mí respecta prefiero que siga con la comedia, de hecho, le acabamos de vitorear por sus Tortugas Ninja. Para mi Samuel Bodin aún tiene que demostrar ser ese autor de terror llegado para cambiar nuestro concepto del género. Pero si algo demuestra es que le encanta retratar a madres desquiciadas (en este caso interpretada por Lizzy Caplan) y que tener a Antony Starr (el Patriota de ‘The Boys’) como padre no tiene buenas perspectivas de futuro.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Cobweb. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Samuel Bodin. Guion: Chris Thomas Devlin. Música: Sofia Hultquist. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Antony Starr, Lizzy Caplan, Woody Norman. Producción: Lionsgate, Media Capital Technologies, Point Grey Pictures, Vertigo Entertainment, Nu Boyana. Distribución: Vértice Cine. Género: terror. Web oficial:https://vertice360.com/es/ficha-prensa/no-tengas-miedo-cobweb
Un grupo de chicas se junta en una casa de campo durante una semana de verano para ensayar una obra de teatro. Mientras conviven, intercambian sus saberes sobre la amistad, la actuación, el amor, la orfandad y la muerte; con la secreta esperanza de que compartirnos nos hace mejores.
‘Las chicas están bien’ es un cuento de verano con princesas, caballos, sapos, un fuego, una fiesta, un río, muchas cartas, y hasta un príncipe despistado.
Crítica
Un ejercicio cargado de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación…
La nueva película protagonizada por Itsaso Arana viene escrita y dirigida, por primera vez, por la actriz tafallarra contando con la producción de su anteriormente director, Jonás Tueba(‘La virgen de agosto’, ‘Tenéis que venir a verla’). Por ella y por otras cuatro compañeras interpretadas por Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero y Helena Ezquerro. Aunque quizá habría que decir que aquí no hay personajes pues las actrices utilizan sus verdaderos nombres y por lo que se da a entender sus verdaderas pasiones, desasosiegos y amores. El argumento (que realmente no necesita introducción, nudo y desenlace) hace que Itsaso Arana las dirija guión en mano en la ficción pero irónicamente da la sensación de que en la realidad les ha dado manga ancha para expresarse. Como directora y guionista utiliza ‘Ellas están bien’ para homenajear a actrices que respeta o reverencia. Y lo hace creando un espacio cómodo en el que sentirse invitado a abrirse y estimulado para enfrentarse ante cualquier nueva idea de la vida o del arte.
La he experimentado como un juego y ensayo cinematográfico en el que a la vez las protagonistas vestidas de época y perdidas en una bucólica casa de campo, practican un guión y se esparcen veraniegamente. ‘Ellas están bien’ es un ejercicio de metacine que nos habla no solo de la condición humana o sentimental de sus actrices, también de cómo abarcan sus profesiones y exploran su talento. También está concebida con el ánimo de compartir experiencias, vivencias y sapiencias propias. Se siente, como bien ha declarado la propia directora, como “una película sobre la camaradería y la reconciliación entre mujeres”.
Sería muy fácil caer en los tópicos y quedarme en un comentario escueto y vago tal como “es una película feminista” o querer rizar el rizo diciendo que ‘Ellas están bien’ está inspirada por la obra de Louisa May Alcott. También sería muy pobre quedarse en comentarios como… “meh, son unas actrices rajando sobre sus movidas”. Superficialmente uno podría quedarse en eso. Pero yo prefiero decir que es un filosofeo, una sesión de ayuda en grupo, una especie de mesa redonda carda de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación… Y por supuesto en esa lista hay que incluir el nombre de la actriz y directora que ha firmado esta película tan personal.
‘Las chicas están bien’ es un recorrido de autodescubrimiento y/o aceptación. Esto puede sonar a algo meditabundo pero es un episodio veraniego que se hace divertido y sugerente. Todo el reparto se vacía y expone en cierto modo y eso se agradece, porque revelarse a favor de un arte como la interpretación o abrirse tan abiertamente hoy en día es deporte de riesgo. Cuando es algo realmente práctico como esta película os aseguro que vale la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Las chicas están bien. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Itsaso Arana. Guion: Itsaso Arana. Fotografía: Sara Gallego. Reparto principal: Itsaso Arana, Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero, Helena Ezquerro. Producción: Los Ilusos Fims. Distribución: Elástica Films, Fimin. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/las-chicas-estan-bien/
Después de pasar años apartados del mundo humano, los hermanos Tortuga se proponen ganarse el corazón de los habitantes de Nueva York y que les acepten como quinceañeros normales, llevando a cabo actos heroicos. Su nueva amiga April O’Neil les ayuda a enfrentarse a un misterioso sindicato del crimen, pero pronto se ven superados ante el ataque de un ejército de mutantes que se abalanza sobre ellos.
Crítica
Los garabatos trash más divertidos que he visto en pantalla grande
Se suele entender como garabato todo aquel dibujo irregular, impreciso o improvisado que se hace sobre un papel a mano alzada. Por lo general se consideran vagos o provisionales. Pero ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ consigue que unos dibujos pintarrajeados o caóticos e incluso de carácter trash sean la mar de divertidos, incluso visualmente impresionantes.
Si, efectivamente la animación puede recordar a la del Spiderverso. Pero la estética es marcadamente diferente. Dominan los colores sobre un ambiente nocturno y por lo tanto oscuro. Los personajes y las localizaciones distan mucho de ser preciosistas, estilizados o estéticamente agradables, de hecho son todos dignos del mayor vertedero que puedas imaginar. Y todo esto está muy bien traído para recordarnos que por muchas películas y series de animación y de acción real que hayamos visto las Tortugas Ninja proceden de los cómics. El estilo que de dibujo que han buscado desde Point Grey Pictures, la productora de Seth Rogen y Evan Goldberg, es más próximo que nunca al trazo de los cómics con los que Peter Laird y Kevin Eastman les dieron vida siguiendo muy de cerca lo aprendido de Frank Miller. Si no los habéis visto nunca ECC está sacando unas reediciones estupendas, incluidos sus crossovers con Batman, héroe al que mencionan varias veces en esta película y que por supuesto le debe también mucho a Frank Miller.
‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ es anarquía, gamberrismo, dinamismo. Está embadurnada del espíritu suburbano y grafitero del trash de los ochenta pero lo traslada al 2023. Y como tal transcurre entre lo más bajo de la sociedad, las alcantarillas. Colectores de residuos y basura que aun así no están exentas de frecuentes alusiones a la cultura popular. Y por supuesto mucho sentido del humor, tanto para adolescentes como para adultos. La marca de Rogen y Goldberg se hace notar con ciertos gags y con un evidente amor por estos personajes tan sinvergüenzas y pueriles, pero todo está bastante ajustado para que la película tenga una categoría para mayores de siete años, al fin y al cabo también están involucrados Nickelodeon y estudios de animación como el francés Mikros Animation junto a expertos en VFX como son Cinesite.
Bien es cierto que se pasan por el forro el canon más popular y por ejemplo Bebop y Rocksteady ya no tienen el mismo origen de punks mutados por Shredder, Splinter aprendió sus artes marciales de películas (muy bien referenciadas), April es afroamericana… Esto último cuadra más que nunca dado que Eastman le puso el nombre de una afroamericana que había conocido y ambos creadores discrepaban en su raza, con lo que llegaron a la conclusión de que era mestiza. Pero lo que más te engancha de la película, a parte obviamente del espectáculo de animación que nos brinda, es todo el elenco de mutantes que rescata de los cómics y de la serie de la primera serie animada. Son una panda de granujas que pese a dar bastante asquete se antojan adorables. Y todos ellos son doblados por famosos como John Cena (Rocksteady), Seth Rogen (Bebop), Natasia Demetriou (Wingnut), Jackie Chan (Splinter), Ice Cube (Superfly), Paul Rud (Mondo Gecko)… y la lista sigue. Ese es otro gran acierto del filme, el doblaje, por lo menos el original, ya que las tortugas son quinceañeras y están dobladas por niños de esa edad que han grabado sus takes juntos, no en pistas separadas.
‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ nos hace volver a conectar con esos mutantes que tanto nos han gustado siempre pero como aporte nos los muestra en su etapa más cándida. Al igual que el Hellboy de Guillermo del Toro son monstruos para la sociedad que añoran vivir bajo la luz del sol y tener la aceptación de sus vecinos. Esperemos que esta franquicia y no nos quedemos en ascuas como nos pasó con el personaje de Ron Perlman. Aunque habrá algunos que no soportarán el frenesí embrollado y casi epiléptico de las escenas de acción, sin duda ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ da para secuela, series, cómics o lo que les dé la gana. Las Tortugas Ninja no caducan y tal y como acaba este filme se puede explorar una faceta nunca vista de estas neoyorquinas, al menos así también nos lo deja ver la escena que se ha incluido a mitad de los créditos.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Rowe, Kyler Spears. Guion: Seth Rogen, Evan Goldberg, Jeff Rowe, Dan Hernandez, Benji Samit. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Reparto principal (doblaje original): Micah Abbey, Shamon Brown Jr., Hannibal Buress, Rose Byrne, Nicolas Cantu, John Cena, Jackie Chan, Ice Cube, Natasia Demetriou, Ayo Edebiri, Giancarlo Esposito, Post Malone, Brady Noon, Seth Rogen, Paul Rudd, Maya Rudolph. Producción: Nickelodeon Animation Studios, Point Grey Pictures, Image Comics, Nickelodeon Movies, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial:https://www.teenagemutantninjaturtlesmovie.com/
Jaime Reyes, recién graduado de la universidad, regresa a casa con muchos planes para su futuro, pero descubre que su casa no está exactamente como la dejó. Mientras Jaime busca encontrar su lugar en el mundo, el destino interviene y de repente tiene en sus manos una antigua reliquia de biotecnología alienígena: el Escarabajo. Cuando de repente el Escarabajo elige a Jaime como su anfitrión simbiótico, le dota
de una armadura increíble con poderes extraordinarios e impredecibles que van a cambiar para siempre su destino y le convertirán en el Superhéroe Blue Beetle.
Crítica
Un héroe familiar que puede que acabe formando parte de la nueva familia de DC
Llega un nuevo personaje de DC, nuevo para el público general, Jaime Reyes a.k.a. Blue Beetle. Warner ha escogido la tercera encarnación de este héroe para presentarle en cines. Este es un súperheroe cuyos poderes proceden de una civilización interestelar que otrora se enfrentaba a los Green Lanterns. Por desgracia y como una de las faltas que como lector le pongo al filme, no aparecen los Lantern Corps., ni siquiera Guy Gardner el personaje que interpretará Nathan Fillion y que recientemente fue anunciado por James Gunn. Pero al margen de eso podemos decir que ha llegado un superhéroe con papeletas para seguir en el nuevo DCEU. Todo dependerá de si encaja en los planes siempre gamberros y chiflados de James Gunn.
Gunn dio sus primeros pasos cinematográficos en una factoría tan chusca y deslenguada como la Troma, ahí está ‘Tromeo y Juliet’. Respondiendo a lo que muchos se preguntan, si esta película forma parte del nuevo universo o no, tendremos que decir que ya se verá. ‘Blue Beetle’ está narrada de tal manera que no se obvia en ella la existencia de superhéroes de la Liga de la Justicia (de hecho el protagonista ha estudiado en Gotham y hay un gag que pone a Bruce Wayne en la piel de Elon Musk), pero tampoco se cita ningún evento concreto de los hasta ahora mostrados en cines. A si es que el carácter juvenil y tontorrón de este Blue Beetle podría encajar en los futuros proyectos del nuevo amo y señor de DC en cines. Si en los inescrutables planes de Gunn no encaja este personaje, DC Studios habrá firmado una nueva película que podría progresar por su cuenta en un futuro, como el Batman de Pattinson o como parece de momento que hará Shazam a pesar de haberse relacionado con Amanda Waller y el mismísimo Superman en la post-créditos de ‘La furia de los dioses’.
Xolo Madridueña, a quién conoceréis de ‘Cobra Kai’, es el protagonista de esta cinta. Esta es una historia de orígenes que cumple absolutamente todos los esquemas del género. Partimos de contar con un personaje de orígenes humildes, en este caso hasta marginales. La comercialización alcanza su barrio deteriorando todo lo familiar y tradicional. El fantasma de la gentrificación ataca de nuevo. Es entonces cuando en la vida del protagonista se cruza un arma/traje, Kaji-Da y surge la ocasión de convertirse en un héroe para su familia y para aquellos con los que comparte raíces. Ahí está la oportunidad comercial que se explota aún más que con ‘Spider-Man: un nuevo universo’.
Inevitables van a ser las comparativas con Milles Morales, incluso con la etapa del Spider-Man de Tom Holland cuando este calza un traje ultratecnológico diseñado por Stark. Pero sin duda se dirá que esta es una mezcla entre Vemon y Iron Man. Blue Beetle está acompañado de una inteligencia caprichosa, igual que la que sufre Venom (incluso con su instinto asesino) o la capa de Doctor Strange (con sus mismos reflejos protectores). Los espectadores con la piel más fina saltarán como un resorte, por antes de hablar conviene ponerse en contexto, con información como la que leeréis más abajo. Pero oye, ante todo hay que considerar que nadie tiene el monopolio de ls ideas, ahí están también películas muy parecidas como ‘Upgrade’ que parten de algo muy parecido y generan una historia original y divertida.
Aunque con otros poderes y orígenes Blue Beetle lleva existiendo en las viñetas desde 1939. En este nuevo largometraje se las han apañado para relacionarlos, ya que, como decía al principio, esta no es la primera versión de este superhéroe. Toca hablar del tercer personaje que se pone su máscara, Jaime Reyes. Sin duda esa es una de las razones por las que el director ha sido el puertorriqueño Angel Manuel Soto. El gancho de este personaje es el mismo que el de Miles Morales (este Blue Beetle nació en los cómics en 2006 mientras que Brian Michael Bendis y Sara Pichelli parieron a Morales en 2011). Es un personaje muy joven e inexperto que tiene raíces latinas. Al igual que el Spider-Man del Spiderverso tiene un inconmensurable poder en sus manos, con lo que además de hacer match con la audiencia hispanohablante o la que simplemente busca espectáculo de ciencia ficción superheroica podrá conquistar a ese público juvenil que aún fantasean con el arquetipo de héroe casi todopoderoso. La película rinde culto a la cultura latina. Pero es un filme universal, como tantas otras. ‘Thor’ no era solo para público escandinavo ¿verdad? Pues esto es lo mismo.
La película nos da grandes momentos. En algunos el gancho mexicano juega a favor y en otros no funciona del todo. A muchos nos ha tocado la fibra endetalle del Chapulín Colorado pero no nos ha acabado de funcionar la vena revolucionaria. Igual que para otros tantos les parecerá excesiva la implementación de la nave tipo Batplane o vehículo del Búho Nocturno y a otros más comiqueros lestraerá recuerdos.
‘Blue Beetle’ peca de ser demasiado estándar, estamos ya un poco cansados de la típica historia de orígenes. Salvo por el toque latino esto es lo de siempre, tropezando incluso en lo que suelen fallar estas películas, los villanos. Falta carisma en un enemigo que entra dentro de la categoría villano de la semana, al menos no se han fusilado a un grande como pasó hace poco en los mundos de Marvel con la tercera de Ant-Man. Su enfrentamiento da pie a un par de combates que parecen incluso una contienda entre mechas japoneses. A eso y a enlazar con lo latino, pero sobre todo con el verdadero significado de la palabra “familia”, que es lo que espero que al menos cale en el público más joven.
PD: tiene dos escenas postcréditos. Una es un regalo para los lectores y otra para los espectadores de todo LATAM.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Blue Beetle. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Angel Manuel Soto. Guion: Gareth Dunnet-Alcocer. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Xolo Madridueña, Bruna Marquezine, Harvey Guillén, Susan Sarandon, Becky G, Yuli Zorrilla, Raoul Max Trujillo, Elpidia Carillo, Gabrilla Ortiz, George Lopez, Adriana Barraza, Belissa Escobedo, Damián Alcázar, Oshún Ramirez. Producción: Warner Bros., DC Entertainment, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial:https://www.dc.com/bluebeetle
Umberto Nobile, un ingeniero italiano de dirigibles, vive tranquilo junto a su perra Titina, a la que rescató de las calles de Roma. Un día, Umberto recibe un encargo del famoso explorador noruego Roald Amundsen, quien le pide que haga un dirigible para viajar al Polo Norte.
Crítica
Pedagógica pero triste historia en formato infantil
Los años veinte son conocidos como los felices años veinte. Por supuesto nos referimos a los del siglo XX ya que los del XXI se van a conocer de una manera bien distinta. Fue una época de bonanza, optimismo y crecimiento cultural. También de hitos históricos. Fue por entonces cuando RoaldAmundsen redondeó su hazaña y se convirtió en el primer hombre en haber conquistado el Polo Sur y el Polo Norte, irguiéndose así en todo un icono nacional para los noruegos. Pero no lo hizo sin ayuda ya que su logro fue compartido con el diseñador de dirigibles Umberto Nobile, el cual, tampoco lo habría conseguido sin el apoyo de su perra Titina.
Los pasos previos y sucesivos a la conquista de la cima del mundo son narrados en ‘Titina’. Una película que nos llega avalada por el premio de Excelencia en el Tokyo Anime Award y el premio a Mejor Película para Niños en el Zlín International Film Festival for Children and Youth. Y con eso resumo dos factores importantes del filme, es una película de animación para niños. Con lo cual nos explicamos también la única razón por la que el perro de uno de los exploradores es el eje del largometraje. Esta mascota con la que posó Nobile en casi todas sus fotos protagoniza la historia y nos ofrece su visión. Pero esto no se hace para ofrecer una perspectiva distinta de una conocida hazaña histórica, sino para suavizar lo que aconteció.
A pesar de que la conquista del Polo Norte fue más cómoda que la del Polo Sur no estuvo exenta de dificultades y momentos tensos. La relación entre Nobile y Amundsen se agrió paulatinamente y el dirigible tuvo que ser reparado más de lo que se muestra. No se ha disimulado el desencuentro entre ambos protagonistas pero como decía, el guión dulcifica lo que sucedió realmente. Y con todo y con ello tampoco disimula el triste final de esta historia que puede dejar en los espectadores un regusto de tristeza y aflicción.
La animación es digna de un libro de ilustración. Con trazos limpios, paleta de colores claros y no excesivos detalles nos muestran desde la Roma de hace un siglo hasta los confines helados del Ártico. El diseño de personajes es algo caricaturesco, recreando el rostro real de los que intervinieron en la gesta. Podrían ser perfectamente los dibujos de una aventura gráfica y su composición refleja perfectamente los instantes de una época en la que aún se filmaba en banco y negro. Dicho esto hay que señalar que se intercalan muchísimas fotografías y vídeos de archivo. Ahí quizá es donde está uno de los mayores valores de ‘Titina’. Rellena todo aquello que no se filmó por entonces, por supuesto imaginando la situación dentro del tono buscado, pero también sirviendo de gran instrumento divulgativo. Esta podría ser perfectamente una pieza para exponer en un museo relacionado con el tema.
Mi yo ecologista se apena porque se haya perdido una oportunidad con este filme. Al final de la película, bajo el retrato de Titina, se hace una llamada para detener las actividades humanas entorno a los casquetes polares, para que se mengüe su deshielo. Pero este llamamiento aparece en letras minúsculas y el largometraje no aborda en ningún momento esta materia.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Titina. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Kajsa Næss. Guion: Kajsa Næss, Per Schreiner. Música: Kajsa Næss, Per Schreiner. Reparto principal (doblaje original): Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, John F. Brungot, Ingar Helge Gimle, Thorbjørn Harr, Christian Skolmen, Silje Torp, Nader Khademi. Producción: Mikrofilm, Vivi Film. Distribución: Alfa Pictures. Género: aventuras, comedia, drama. Web oficial:https://www.mikrofilm.no/Titina
17 de octubre se estrena este original Movistar Plus+
Con el mar y el desierto de fondo, David Bisbal cuenta su propia historia en los días previos al concierto con el que celebró 20 años de carrera en su Almería natal. En una narración intimista dirigida por Alexis Morante (‘Sanz: Lo que fui es lo que soy’, ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’, ‘Camarón. Flamenco y revolución’), el cantante confiesa que el camino hasta llegar al éxito no ha sido fácil, ni ha estado exento de obstáculos.
El cantante desnuda su alma como nunca antes lo había hecho. Un relato lleno de emoción en el que descubriremos a un Bisbal íntimo y maduro, al músico, al padre, al hijo y al amigo que se oculta tras los focos. “Prefiero el éxito personal y el amor verdadero antes que mil condecoraciones musicales porque ese es el verdadero éxito. La esencia de la vida es eso”, David Bisbal.
‘Bisbal’ es un largometraje documental original Movistar Plus+ en colaboración con Dadá Films & Entertainment (‘Raphaelismo’, ‘Supergarcía’) y Universal Music Spain (GTS Entertainment). Ahora, con el nuevo Movistar Plus+, todo el mundo puede ver este documental sea del operador que sea.
Han pasado días desde que Netflix estrenó los tres últimos episodios de la tercera temporada de ‘The Witcher’, la última para Henry Cavill con este personaje, si nada cambia. He dejado un poco de espacio para asimilar precisamente ese hecho. A todos los que somos seguidores de esta historia y admiradores del antes Hombre de Acero nos cuesta digerir que un personaje tan bien interpretado vaya a desaparecer para ser sustituido por otro actor, el que sea.
Pero más allá de ver estos episodios desde la perspectiva de alguien que disfruta con el protagonista he intentado verla más objetivamente, analizándola como producto de entretenimiento. La primera tanda de episodios estrenados resultó bastante insípida, sin giros, sin emoción y además cortando en el momento álgido. El regreso, con el antepenúltimo episodio, estuvo mucho mejor. La purga en Aretusa era un momento esperado por los lectores y tiene escenas épicas, nadie discute que es lo mejor de esta temporada. Pero quien nos iba a decir que nos esperaría un penúltimo capítulo aburrido hasta el hastío, monótono, sin sustancia. Y ya ni hablar del final, que no tiene clímax, aunque tiene una pelea en una taberna que está mejor rodada que el resto de toda la temporada. Es una pena pues la calidad de la producción había mejorado mucho con respecto a la primera temporada, sobre todo en cuanto a diseño de escenarios. No que no ha mejorado es la calidad del doblaje en las canciones…
Aunque realmente no se sabe a qué altura de la producción el actor comunicó que terminaba con el personaje, da la sensación de que había más historia preparada y esto se ha quedado a medio camino. Porque si han orquestado estos episodios como una despedida o bien hay mucho resquemor hacia Cavill o bien no tienen amor ninguno por esta producción. Esta conclusión no tiene corazón, ni sentido de la métrica, ni del espectáculo.
Muy poco han progresado los personajes que están bastante estancados salvo por el hecho de que Ciri parece que por fin puede valerse por sí misma y que Geralt The Rivia va a salir de su neutralidad. Pero esto no se determina hasta el último episodio. Bien podría haber sido el episodio ocho el tercero o cuarto de esta T3 de ‘The Witcher’. También hay que admitir que quienes viven realmente un arco argumental que les hace evolucionar son algunos personajes secundarios como Vilgefortz, el príncipe Radovid o Tissaia.
Liam Hemsworth va a tener muy difícil igualar el papel de Cavill, por mucho que se inventen versiones multidimensionales o brujerías varias. La entrega del actor para con este personaje, tanto estéticamente como coreográficamente ha sido digna de alabanza, de las pocas cosas que para los lectores no tiene pega alguna. Pero superar la calidad de esta tercera temporada no le va a ser tan difícil, aunque eso va a ser realmente trabajo de los guionistas y directores, si Neflix no acaba cancelando estas adaptaciones. Esperemos que recuperen la senda correcta y se vuelvan a ceñir a los libros o recuperen a Cavill, por lo menos encuentren de nuevo el sentido del drama.
A partir de las misteriosas desapariciones de varios niños en un pequeño pueblo, un grupo de adolescentes descubre que la terrorífica leyenda de El Hombre del Saco es real…
Crítica
Spanish horror manteniendo vivo nuestro legendario
El Boogeyman, el Slenderman, el Grinch… La cultura norteamericana ha trasladado al cine a esas criaturas imaginarias o folclóricas que se usan para asustar a los más pequeños y hacer que se porten bien. Siempre nos han exportado ese tipo de productos basados en leyendas o cuentos chinos y a pesar de no llegar nunca a ser excelentes películas han salido airosas en taquilla o por lo menos han calado en el imaginario colectivo hispano. En España tenemos una amplísima tradición de historias negras y siempre han empapado o influido de un modo u otro nuestra en cultura. Pero es ahora cuando nos estamos atreviendo de manera más abierta a juguetear con nuestros terrores. Hace tiempo Paco Plaza se mojó con ‘Romasanta’, no hace mucho vimos ‘La Vampira de Barcelona’ tocando la figura de Enriqueta Martí. Ahora le ha llegado el turno a otro miedo infantil con base real, el Hombre del saco.
Aunque en muchas regiones se utiliza el pseudónimo del Hombre del Saco para amedrentar a los niños más trastos de la casa, la película de Ángel Gómez Hernández se basa en la versión conocida en la región de Almería, más en concreto en Gádor. Allí en 1910 vivió Francisco Leona Romero, un curandero que flirteaba con las malas artes y con mejunjes compuestos en parte de sangre y manteca de niños, lo cual, le llevó a cometer el crimen que finalmente le condenó a garrote vil. Desde entonces su nombre y apodo se usa para asustar a los niños que se portan mal.
Me parece bien que se usen nuestras leyendas locales y se intenten adaptar al cine con los esquemas o técnicas del cine del otro lado del charco. Pero hay un factor que puede jugar en contra de estos valientes y nada fáciles intentos. Al ser una historia circunscrita en nuestro territorio y al tener en España la mala costumbre de no valorar lo que tenemos se corre el riesgo de que el espectador ya vaya con una expectativa tóxica a ver el filme. En nuestro país tenemos la extraña afición de tirar por tierra todo aquello que generamos aquí si no se parece a lo de fuera o no es exactamente lo que esperamos. Eso es lo que va a suceder con el Hombre del Saco. Al no estar en la película ningún actor de esos que vemos por las alfombras rojas de Hollywood o el logotipo de un Disney o un Netflix ya parte con el rechazo de todos esos espectadores que lo único que están demostrando es tener una cultura bastante limitada.
Con todo esto no pretendo hacer de abogado del diablo. Haciendo uso de todo el respeto posible y el conocimiento de que sacar adelante estos proyectos no es nada fácil, he de decir que aunque me he entretenido con ‘El Hombre del Saco’ no puedo decir que vaya a pasar a formar parte de mis favoritas. Ángel Gómez Hernández me sorprendió con ‘Voces’, en la que ya trabajaba bastante con el tema infantil, pero en este caso eso precisamente le hace mella. Uno de los mayores problemas de esta película son las interpretaciones de los protagonistas, en su mayoría niños o adolescentes, salvándose pocos, como Lucas Blas que repite con el director. El otro factor que me descoloca es que les ha salido una aventura tipo ‘Los Goonies’ con tintes de terror y drama paternofilial tipo ‘IT’ o ‘Stranger Things’ además de una escena de motosierra a lo ‘Evil Dead’ y el tono contrasta mucho y se difumina bastante. Va a resultaros familiar el hecho de que el terrorífico ser tenga una pauta periódica como Pennywise o el Creeper y que el grupo de amigos esté compuesto por forasteros, vecinos y abusones que van sobre sus bicis. No pierde nunca de vista que es una película de terror fantástico con sus jumpscares y escenas nocturnas, pero los detalles que os he comentado, los momentos de comedia o la escasa aparición de la criatura hacen que no resulte eficiente.
Hay que valorar el esfuerzo por ir más allá de lo que nos han contado de generación en generación sobre el Hombre del Saco, que ha sido siempre más bien poco, y generar un trasfondo y reglas para este monstruo. Y más valorable aún es el estupendo maquillaje que una vez más convierte a Javier Botet en una criatura de pesadilla. El CV del actor manchego daría ya para crear un parque de atracciones solo con los engendros que ha encarnado. He de decir también que me ha gustado el uso que se hace del sintetizador para la música y de la arpillera, convirtiendo el saco en un arma más al servicio del terror similar a lo que se hacía con las vendas de la momia de Stephen Sommers.
Quién sabe si lo siguiente no será el Tren de la Bruja, el Sacamantecas o el Coco. Yo sigo animando a nuestros cineastas a seguir intentando mantener nuestro legendario vivo para que este no sobreviva solo a base de programas de Cuarto Milenio.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: El Hombre del Saco. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Ángel Gómez Hernández. Guion: Manuel Facal, Juma Fodde, Ignacio García Cucucovich, Ángel Gómez Hernández. Música: Jesús Díaz. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Javier Botet, Macarena Gómez, Manolo Solo, Lorca Prada, Claudia Placer, Iván Renedo, Carla Tous, Guillermo Novillo, Lucas de Blas. Producción: Esto También Pasará, Mother Superior Films, Bowfinger International Pictures, BTF Media, Atresmedia, Prime Video, Canal Sur, Crea SGR, INCAU, ANDE. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial:https://mothersuperior.tv/project/el-hombre-del-saco/
Cuando un grupo de amigos descubre cómo invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, se enganchan a esta nueva sensación hasta que uno de ellos va demasiado lejos y abre la puerta al mundo de los espíritus, obligándoles a elegir en quién confiar: en los muertos o en los vivos.
Crítica
Para tratar sobre una mano no esgrime métodos manidos
Unos jóvenes australianos se juntan en fiestas nocturnas para emborracharse y experimentar cosas. Surge en esas juergas un juego retorcido con una mano de lo más espeluznante que comienza a hacerse famoso en las redes sociales. A priori esta parece la típica película en la que todo sale mal tras hacerse viral o flirtear con un juego tipo ouija. Y si, la cosa va por ahí, pero ‘Háblame’ sorprende no por lo que plantea sino por cómo lo plantea.
El tráiler no hace justicia a esta película que se vende como una más de terror adolescente. El hecho de haber sido distribuida en Estados Unidos por A24 ya debería darnos una pista de que lo que nos espera es distinto. A priori tenemos a una protagonista que busca encajar y es por eso que se arriesga con la aterradora mano como cualquier otro chaval que teme decir que no cuando le ofrecen su primera calada o su primer sorbo de alcohol. Pero ese detalle que nos habla de los típicos protagonistas inadaptados o que sucumben ante el subidón o la presión de la mayoría, cede protagonismo a los traumas de dicha protagonista.
Sophie Wilde es quien interpreta con un dolor crudo y una existencia desesperada a esta joven castigada. El guión esboza muy bien todo el calvario que está pasando la protagonista y ella lo ha representado como si este fuese un drama al uso. Pero obivamente abdicando ante la parafernalia paranormal y desarrollando así una historia que en paralelo trata el dolor, la culpa y la desesperación.
Danny Philippou y Michael Philippou (del canal de Yutube RackaRacka) son dos creadores de vídeos paródicos muy violentos. Su esencia se mantiene ahora que han debutado con ‘Háblame’. Sus vídeos son locos, como hechos entre amigos para echarse unas risas y ser lo más macabros posible. Al fin y al cabo la trama de este largometraje va de unos chavales que se juntan y graban por los loles, lo cual, desencadena actos violentos. ‘Háblame’ no es la típica película de adolescentes que se meten en un lío por llamar repetidamente a Bloody Mary o al Candyman. No les tenemos todo el metraje corriendo de acá para allá buscando desentrañar las normas de un misterio paranormal mientras dan gritos y reciben sustos. El planteamiento ha sido más bien el establecer una historia inquietante y tensa. Además se desarrolla una iconografía, lo cual no siempre es fácil hoy en día que hemos visto tantas y tanas historias de terror. Mención especial a las escenas de posesiones y a la primera secuencia que arranca muy fuerte.
El hecho de hacer ‘Háblame’ supuso a estos directores el rechazar un proyecto de Warner para el DCEU. Pero aún con todo y con eso sus vídeos y parodias han valido la confianza de Capcom para poner en marcha un nuevo live action de ‘Street Figther’. Se han adaptado muy bien al terror evitando caer en los esquemas clásicos o en los sustos fáciles. A ver si a la tercera va la vencida con esta franquicia y su estilo y adaptabilidad hacen honor a tan mítica franquicia de videojuegos. Mientras tanto nos queda una película que sino se hace popular en la taquilla se convertirá en un fenómeno de culto que pasará de mano en mano de igual modo que lo hace la mano de la ficción, valga la redundancia.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Talk to me. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou. Guion: Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman, Daley Pearson. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Sophie Wilde, Joe Bird, Alexandra Jensen, Otis Dhanji, Miranda Otto. Producción: Bankside Films, Causeway Films, Head Gear Films, Metrol Technology, Screen Australia, Talk To Me Holdings, The South Australian Film Corporation. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial:https://www.bankside-films.com/films/talk-to-me
El eternamente joven y siempre elegante Vladimir el vampiro inmortal, no ha podido encontrar una novia durante trescientos años. Ha intimidado, secuestrado y convertido a varias princesas en ranas, pero eso no ha facilitado el cortejo para el príncipe de las tinieblas. Mientras tanto, todo lo que la bella doncella Bárbara la Valiente hace es luchar contra los posibles pretendientes en la arena, pretendientes que solo codician su dote. Pero el Rey Lenteja descubrió cómo llegar a Barbara y es también el punto débil de Vladimir. Aunque olvidó tener una cosa en cuenta: a pesar de que tiene la vida y el corazón de Vladimir en sus manos, todavía hay espacio en su corazón para que el amor cobre vida …
Crítica
Mix de cuentos a lo Shrek pero con un humor tosco
Coger a los monstruos clásicos de la Hammer y darles una perspectiva suavizada, infantil e incluso ridiculizada no es algo nuevo. Famosos son títulos como ‘La familia Addams’, ‘Monster Squad’, ‘Hotel Transylvania’ o ‘La pajarería de Transilvania’ (para los más nostálgicos). Incluso en España tuvimos ‘Buenas noches señor monstruo’. Ahora en Rusia se atreven con este subgénero y aunque se percibe que falta mucho que aprender a la hora de exportar un producto al mercado internacional, la cosa no va mal encaminada.
En España esta película ha recibido el nombre de ‘Vampiro al rescate’, en el mercado anglosajón el título escogido se traduce como ‘Cómo rescatar al inmortal’ pero si traducimos literalmente el título ruso significa algo así como ‘Koschey. secuestrador de novias’. ¿Quién acude al rescate de quién entonces? Vaya jaleo a la hora de interpretar la trama y el título. Koschey es un ser mitológico de rusia que atemoriza a las jóvenes, que en parte es lo que hace Drácula tras seducirlas. Seguro que os suena ese nombre si habéis leído los cómics de Hellboy o si habéis visto ‘Sisu’. Esa es la baza que juega este filme para generar un argumento en el que Vladimir Drybone (Koschey) no es capaz de encontrar una esposa a pesar de llevar varios siglos intentándolo. Y cuando parece que va a tirar la toalla surge un problema que le pone a él en peligro.
Aunque parezca un tanto increíble hay que decir que esta película rusa empodera a la mujer coprotagonista, aunque el título en España se empeñe en deshacer lo andado. El protagonista es evidentemente esta suerte de Drácula pero acaba compartiendo pantalla con una imbatible guerrera. Aquí es donde vemos algunos detalles de feminismo condescendiente que pierden peso en cuanto se imponen los estereotipos de los cuentos de “dama en apuros”. Al margen de esos detalles que denotan un leve esfuerzo por sumarse a las corrientes actuales podemos observar que en ocasiones ‘Vampiro al rescate’ muestra visos de ser como un cuento de los Grimm pero acaba siendo un mix de lo más vago. La película está repleta de recursos facilones como el nombre de los esbirros Stocker y Bram, Barbara the brave, un mago villano oriental llamado Jafar o caballeros como Sir Lancelot.
Tanto el tono como la calidad de la animación son bastante básicos para la época. Aunque en ambos casos procura introducir detalles acaba siendo tremendamente infantil y de segunda división. Si hacéis una comparativa parece que estamos ante unos dibujos de los tiempos de la primera de Shrek. De hecho tiene algunos esquemas e individuos parecidos, como el personaje cargante que acompaña al protagonista, la mezcolanza de cuentos de hadas y un panecillo llamado jengibre que tiene peores chistes que los M&M’s de los anuncios. Puede que la traducción y el doblaje (que siempre hay que diferenciarlos) habrán jugado una mala pasada a esta película a la hora de trasladar sus gags. Pero al margen de lo que digan los personajes, el largometraje hace mucho uso de un humor físico que a veces incluso es un poco tosco, lo cual, hace que estemos aunque una buena oportunidad de mejora.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Koshchey. Pokhititel nevest. Duración: 76 min. País: Rusia. Dirección: Roman Artemyev. Guion: Roman Artemyev, Genrikh Nebolsin. Música: Anton Silaev. Reparto principal (doblaje original): Viktor Dobronravov, Roman Artemyev, Elizaveta Boyarskaya, Anton Eldarov, Irina Savina, Nikita Kologrivyy, Elena Shulman, Vladimir Sychyov, Ekaterina Tarasova. Producción: CTB Films Company, KinoAtis. Distribución: Cinemaran. Género: comedia. Web oficial:https://ctbfilm.com/films/how-to-save-the-Immortal/
En ‘Megalodón 2: la fosa’ vivirás una inmersión en aguas desconocidas con Jason Statham y el ícono de acción global Wu Jing que encabezan un audaz equipo de investigación en una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo.
Crítica
Jason Statham regresa a base de patadas a tiburones gigantes y mucha acción
Cuando se estrenó ‘Megalodón’ (aquí nuestra crítica) mucha gente renegó de ella, yo admito que la disfruté. En el visionado de ‘Megalodón 2: la fosa’ he podido ver que, aunque había mucha gente renegando de la primera parte si que venían con ganas de pasárselo bien con esta nueva entrega.
Dirigida por BenWheatley (‘Turistas’), la película se va un poco más a la serie B, además de que no se toma para nada en serio. Con un guion muy flojo, pero con mucho dinero por delante nos dan unas buenas escenas de acción, con humor tonto y eso sí, poca sangre y muchas muertes.
Volvemos a adentrarnos en las profundidades de océano, donde esta vez el mal no está en estos gigantescos animales, sino que como de costumbre aparece el ser humano por encima de todo.
Nuestro héroe JonasTaylor, vuelve a ponerse en frente de una expedición que lleva todas las de perder, pero a través de grandes inventivas de los guionistas se irán salvando poco a poco.
Aunque esté diciendo que el guion es flojo y que hay muchas licencias por parte de los escritores de la historia, he de decir, que esto es lo bueno de ‘Megalodón 2: la fosa’ y es que como he comentado no quiere tomarse en serio y logra crear una película de entretenimiento puro. Llena de idas de olla, con un villano más rápido que el correcaminos y con un megalodón capaz de escapar del lugar más seguro del mundo, sin que salten las alarmas. Y los protagonistas van de ecologistas y están todo el rato matando a animales. Vale que son peligrosos y vienen a comérselos, pero quizás lo del ecologismo les sobraba un poco.
En el reparto encontramos caras conocidas de la anterior entrega, como, por supuesto, JasonStatham, CliffCurtis, ShuyaSophiaCai o PageKennedy, que es el que da la nota de más humor en la cinta, con su mochila al estilo Mary Poppins preparada para cualquier emergencia.
Pero también encontramos en el reparto a SiennaGuillory, SkylerSamuels, KiranSoniaSawar, MelissanthiMahut.
Mencionar a JingWu que acompaña a nuestro héroe y se vuelven un gran tándem en las luchas cuerpo a cuerpo. Y a SergioPeris-Mencheta, que nada tiene que envidiar en el físico de estos dos y nos muestra sus dotes de lucha en la película.
Como podéis ver he disfrutado como una niña con la película, de verdad, no es una maravilla, pero es lo que se espera de ella. Una obra con una historia muy típica que no necesita demasiada explicación, que simplemente ponen para meterte a tres megalodones, unos cuantos lagartos peligrosos y algún que otro monstruo más.
El CGI según que escena está mejor que otras. Si que es cierto que hemos visto la película en 2D y algunos planos son bastantes raros, ya que han hecho la película para verla en 3D, y son planos que seguramente con unas buenas gafas se disfruten bastante.
Poco más que decir de la película, como digo, si vais a verla al cine es que os gustó la primera y os puedo decir que os vais a divertir mucho más. Aunque haya cosas absurdas, da igual, al final estás viendo una película de tiburones extintos con los que los humanos se pelean a patadas, no puedes pedir algo demasiado serio de todo esto y es más, no quieres ver nada serio en ‘Megalodón 2: la fosa’, solo muertes y peleas con tiburones.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto de 2023. Título original: Meg 2: The Trench. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Wheatley. Guion: Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis. Producción: Apelles Entertainment, China Media Capital, Flagship Entertainment Group, Gravity Pictures, Maeday Productions, Warner Bros. Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial:http://www.themeg.movie/
Elaine, madre soltera perturbada por el comportamiento agresivo de su hijo Martin, visita a la familia distanciada de su difunto padre en la pequeña ciudad de Luxemburgo, que esconde una naturaleza mucho más oscura. Cuando se da cuenta de que Martin podría llegar a ser como ellos, Elaine se ve obligada a luchar desesperadamente por el futuro de su hijo.
Crítica
Una historia de licantropía diferente, circunscrita a los esquemas dramáticos
Jacques Molitor es el director de esta íntima y diferente historia de licantropía. Los protagonistas son una madre soltera (Louise Manteau) y su hijo (Victor Dieu), el cual se muestra introvertido, apagado y tiene impulsos violentos. Evidentemente la madre está preocupada ante los arrebatos agresivos de su hijo y para intentar resolverlo se refugian con los abuelos paternos, donde descubren una verdad que han de aceptar o combatir, de ahí que el título original de Wolfkin sea sea ‘Comunión’.
‘Wolfkin’ se circunscribe a los esquemas dramáticos europeos pero introduce detalles que nos van dando pistas de que esto va de cambiaformas (por si el título en inglés no era suficiente), de personas que tiene algo de canis lupus. Viene bien saber este detalle para así poder fijarse en todos los elementos que van apareciendo y los comportamientos que se manifiestan. Al final la cosa se pone más intensa y terrorífica, en algún momento retorcida, pero de manera bastante moderada.
Si en algún momento esta película llega al mercado español que no os tire para atrás el hecho de que sea de un país tan poco frecuente en nuestras carteleras como Luxemburgo. Utiliza el realismo de manera convincente, metafórica y ante todo original. El juego del filme es que los protagonistas no verbalizan en ningún momento cuál es el problema real que tienen entre manos, lo cual permite manejar dobles sentidos y un contexto más amplio de lo que parece.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Kommunioun. Duración: 90 min. País: Luxemburgo, Bélgica. Dirección: Jacques Molitor. Guion: Régine Abadia, Jacques Molitor, Magali Negroni. Música: Daniel Offermann. Fotografía: Amandine Klee. Reparto principal: Louise Manteau, Victor Dieu, Marja-Leena Junker, Jules Werner, Marco Lorenzini, Myriam Muller, Yulia Chernyshkova, Jean-Jacques Rausin, Charles Muller, Benjamin Ramon. Producción: Les Films Fauves, Novak Production. Distribución: por determinar. Género: fantástico, terror. Web oficial:https://www.lesfilmsfauves.com/filmdetail.php?n=WOLFKIN
Cuando los vecinos John y Levi presencian eventos sobrenaturales en su edificio de apartamentos de Los Ángeles, se dan cuenta de que documentar lo paranormal podría inyectar algo de fama y fortuna en sus vidas desperdiciadas.
Crítica
Desde lo sencillo y exiguo consigue llegar a lo complejo e incluso bello
Quizá ‘Something in the dirt’ es la mayor comida de coco y la película más críptica de Justin Benson y Aaron Moorhead, los autores de ‘Resolution’ y ‘The Endless’ que son más conocidos por haber dirigido capítulos de ‘Caballero Luna’ o ‘Archivo 81’.
Algo complejo rodado de manera sencilla y con medios escasos. Una película realizada con pocos recursos, fruto de los confinamientos vividos en 2020. Es un filme cuya fuerza radica en lo enigmática que es, dejando en el aire diversas preguntas, pero es de esos largos que no necesitan resolverse para captar al espectador. El recorrido de esta historia es casi inexplicable, extraño y complejo. A veces darle demasiadas vueltas a algo hace que lo elemental se vuelva enrevesado. Mezclando matemáticas o física con teorías conspiranoicas o fanatismos generan una historia entre dos vecinos que encarnan ellos mismos y que acaba de un modo quizá excesivamente abierto a la interpretación o sin haber hilado suficientemente las pistas.
El filme suma constantemente divagaciones y elementos como las líneas ley, las cuatro fuerzas fundamentales de la física, espirales de Fibonacci, masones, el MK Ultra, sectas de la antigua Grecia… Se conforma un puzle que yo solo he podido componer como una maquinación fanático-matemática. Está narrada en retrospectiva, navegando entre grabaciones, entrevistas y recuerdos, puede rememorar en determinados aspectos a ‘Archivo 81’. Tal vez haga falta que salga una segunda entrega para que cerremos el círculo o encontremos una explicación más minuciosa y detallada, al fin y al cabo, hicieron lo mismo con ‘Resolution’ y ‘The endless’. Ojalá esta sea la puerta a una nueva dimensión del universo que están orquestando con sus películas. Con las madejas cronológicas que se montan no me extraña que estén también involucrados en la nueva temporada de ‘Loki’.
Quizá también hay que decir que esta es la película con más ciencia ficción surrealista que han hecho hasta la fecha. Es como si fuese una versión casera de ‘Expediente X’ en la que dos vecinos ejercen de Mulder y Scully buscando no solo significado a fenómenos desconcertantes sino también a una vida repleta de contradicciones y contratiempos. En esa búsqueda arrojan pasión, comedia y filosofeo. Tal vez es la película más íntima de ambos directores, en la que se reflejan más a sí mismos, ya que los protagonistas parecen una extensión de sus yoes reales y del cine que siempre han demostrado querer hacer. Sea como sea la agudeza de esta película demuestra que no hace falta gastarse un dineral para crear ciencia ficción sugerente y con talento.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Something in the dirt. Duración: 115. País: EE.UU. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guion: Justin Benson. Música: Jimmy LaValle. Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Justin Benson, Aaron Moorhead, Sarah Adina Smith, Issa López, Vinny Curran, Jeremy Harlin, Guille Klabin. Producción: Rustic Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://www.xyzfilms.com/something-in-the-dirt
Unos sucesos escalofriantes llevan a un trío muy peculiar (Boyega, Foxx y Parris) a investigar una perversa conspiración gubernamental en esta aventura de misterio de estilo ‘pulp’.
Crítica
Una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes
Juel Taylor debuta con ‘El clon de Tyrone’. Uno de los muchos guionistas de la nueva entrega de ‘Space Jam’ ha creado una película a la que tampoco le faltan rarezas y locura pero para esta propuesta de Netflix se ha pasado a un tono mucho más adulto. Comedia, acción, suspense y ciencia ficción son algunos de los géneros a los que se puede acoger esta película que podríamos etiquetar como pulp del siglo XXI.
¿Recordáis aquella película en la que Schwarzenegger interpretaba a un piloto que descubre que un clon le está robando su vida? Eso es lo que le pasa al personaje de John Boyega. Él es un maleante, el líder de la gente chunga de su barrio y todo su tinglado se viene a bajo y se ve cuestionado cuando descubre que no es el único “yo”. Para desentrañar qué sucede se alía con una prostituta (Teyonah Parris) y su chulo (Jamie Foxx). La película se convierte en una locura cada vez más rara y a pesar de toda la parafernalia y acción termina mostrando un mensaje bastante sutil sobre la lucha de razas y la marginación social sistémica.
Antes lo pulp causaba rechazo, por extraño, extravagante y por ser considerado algo de nicho o de culto. Probablemente la cantidad de películas de todo tipo que ha visto la audiencia actual le ha predispuesto a asimilar mejor este tipo de propuestas. Apostaría a que las historias de realismo sucio de Bukowski, no su controvertida personalidad, habrían encajado mejor hoy en día. ‘El clon de Tyrone’ dispone de elementos de los bajos fondos mezclados con una ciencia ficción bastante desconcertante mientras todo transcurre en un ambiente de los setenta a lo Jackie Brown que sin embargo se enmarca en nuestra actualizad y con todo y con esto nos tropezamos con blancos con pelo afro. Es de esas películas en las que el más loco de todos tiene la razón. Si eres propenso a creerte todo tipo de complots sobre el control de masas mejor no la veas porque vas a volverte más conspiranoico. Tampoco te conviene si eres racista pues como decía la película se reserva un mensaje potente contra la supremacía blanca.
A mitad del filme llega el gran giro de guión. Un descubrimiento que en otros casos sería preludio del clímax, pero no es así. El largometraje incorpora en su meridiano a personajes como el de Kiefer Sutherland y consigue mantenerse durante las dos horas. Sin llegar a ser una obra maestra logra estirar la gracieta y llevarla más allá de manera que es mucho más efectiva que las últimas películas de Spike Lee. El carácter cómico se mantiene durante casi todos sus estadios, incluida la escena que se ha insertado en los créditos en la que por fin se pronuncia el nombre de Tyrone. Básicamente ‘El clon de Tyrone’ es una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes, desde los subtextos y la sátira es capaz de llegar al cine social.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: They Cloned Tyrone. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Juel Taylor. Guion: Tony Rettenmaier, Juel Taylor. Música: Pierre-Charles Audet, Desmond Murray, Antonio Malachi Wilson. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: John Boyega, Teyonah Parris, David Alan Grier, J. Alphonse Nicholson, Tamberla Perry, Eric Robinson Jr., Kiefer Sutherland, Jamie Foxx. Producción: Federal Films, MACRO, Made With Love Media. Distribución: Netflix. Género: suspense, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80996324/
Mantiene la química profana pero se desinfla con sus secundarios
Mucha ha sido la espera. Han pasado casi cuatro años desde que vimos ‘Good Omens’, esta divertidísima adaptación que sin tapujos se mueve entre lo celestial y lo infernal llevándoselo todo a lo más terrenal. Los fans pudieron disfrutar en mayor o menor medida de esta producción audiovisual que surge de aquello que hicieron juntos Neil Gaiman y Terry Pratchett. Gaiman sigue involucrado en este proyecto que ha procurado mantener el espíritu de su gran amigo y hace crecer a otra de sus adaptaciones. Ha habido muchas obras, que como ‘Stardust’ o ‘Coraline’, parten de material de este talentoso y adorado autor. Recientemente hubo un aprobado general para el ‘Sandman’ de Netflix o para la película ‘Cómo enamorar a una chica punk’. Si queréis conocer más tenéis este artículo recopilatorio y también os comentamos en su momento otra versión surgida de las páginas de Terry Pratchett como ‘La Guardia’, la cual, vimos a través de Movistar Plus+. Pero ahora partimos de material nuevo. Con guiones realizados junto a John Finnemore (‘Avenue 5’) seguimos con las aventuras de Crowley (David Tenant) y Aziraphale (Michael Sheen).
De nuevo esta temporada dispone de seis episodios y hemos podido ver cinco de ellos. La espera ha sido larga como recordaba al principio a si es que Prime Video se asegura que no haya quien tenga la malicia de Crowley y desvele el final a tan expectantes fans. Esta nueva temporada arranca casi olvidándose por completo de lo sucedido en la anterior en el sentido de que no continua con el resto de personajes, solo mantiene a los dos protagonistas. Con ellos arranca todo, en el mismísimo principio de todo.
‘Good Omens’ 2 mantiene algo que le da fuerza, comedia y a la vez tragedia, lo bien trabajada que está la personalidad de sus protagonistas. A lo largo del tiempo estos dos inusuales amigos han influido en uno en el otro, por encima de los designios sus dos señores supremos. Ya vimos en la primera parte cómo había sido su relación en el pasado, pero en esta ocasión los flashbacks se centran en cómo ambos seres sobrenaturales han ido moldeando su propia naturaleza convirtiéndose en auténticos jugadores de las zonas grises. Y de nuevo esos flashbacks se convierten en las partes más divertidas. Siempre es gracioso cuando ‘Good Omens’ retrocede a tiempos de antes de Cristo y parodia los hechos bíblicos. Ridiculizar los pasajes de los libros sagrados y los tejemanejes de Dios conecta con el ateo que llevamos dentro y con una sociedad que comienza a vivir lo que se percibe ya como el postcristianismo.
El eje de la historia no es solo la relación entre Aziraphale y Crowley, también su enfrentamiento directo con el Cielo y el Infierno. Sucede que el arcángel Gabriel ha desaparecido y se presenta sin recuerdo alguno en la puerta de la librería de Aziraphale. Ello propiciará que veamos a Jon Hamm con un gran paquete entre las piernas (ver para entender) y también que los adalides del bien y del mal comiencen una búsqueda llena de peculiares personajes. En ese sentido la serie pierde fuelle pues los secundarios no son tan eficientes o divertidos como los de la primera temporada. Además casi toda la acción transcurre en la librería o en sus aledaños, con un diseño de producción que nos remonta a esas producciones televisivas en las que todo es demasiado artificial y está atiborrado de viandantes.
Con pegas o sin ellas esta ‘Good Omens’ 2 vuelve a provocar ganas de maratón y de verse todo de corrido hasta que se haga de noche. Como reza una frase que vais a ver mucho “give me coffee or give me death”.
“Nimona refleja mis sentimientos y los de más gente que estuvo en mi situación”
En su día se convirtió en toda una sensación en Internet que posteriormente dio el salto al mundo editorial convirtiéndose en cómic. Posteriormente, tras varios cambios de productora, estudios, giones y directores llegó a convertirse en una película que Netflix ha distribuido a través de su plataforma y de la cual os hablamos aquí.
ND Stevenson habló en el Celsius 232, el festival finalizado en Avilés el pasado 22 de julio de este 2023, de lo que significa ‘Nimona’ en su vida. Nos habló del significado de su personaje, de las diferencias entre novela gráfica y película, de las dificultades a la hora de llevar a cabo la película, de la posibilidad de segundas partes… ¿Queréis descubrirlo todo? Dadle al play pues tenéis una estupenda charla traducida al castellano.
Agradecemos a Celsius 232 por traer como invitado a ND Stevenson y la estupenda traducción de Diego García Cruz.
Escrita y dirigida por Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’ es un épico thriller rodado en IMAX® que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja de un enigmático hombre que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.
Cillian Murphy como Julius Robert Oppenheimer y con Emily Blunt interpretando a su esposa, la bióloga y botánica Katherine Oppenheimer. El ganador de un Oscar® Matt Damon se convierte en el general Leslie Groves Jr., director del Proyecto Manhattan, y Robert Downey Jr. da vida a Lewis Strauss, un miembro fundador de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos.
Crítica
Un caramelo para los antibelicistas y los amantes de la ciencia
A pesar de su proximidad en el tiempo es muy probable que la historia de J. RobertOppenheimer nos haya llegado con detalles tergiversados, ya sea por la desinformación, por las campañas de descrédito o por el material clasificado. A pesar de que no han pasado aún ni cien años lo único verdaderamente fiable y contrastable a la hora de reproducir su vida serían sus logros científicos. Ante la imagen tan desdibujada o borrosa que la historia ha creado de este importantísimo científico Christopher Nolan ha decidido basar su primer biopic en ‘Prometeo americano’, el libro de Kai Bird y Martin J. Sherwin.
Primera película biográfica del autor de películas como ‘Origen’ o la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’. Es un director que siempre nos ofrece espectáculo o nos deja rallados. Cuesta creer que se haya pasado a los códigos de esas películas que narran la vida o la etapa de un personaje real y relevante. Pero Nolan es muy suyo y ha creado una comunión un tanto difícil de digerir. Para mí ‘Oppenheimer’ es una gran película que recrea detalles importantes de nuestra historia que hoy en día tienen mucho eco además de acercarnos a las figuras que estuvieron tras ello, pero el modus operandi de Nolan la convierten en un “mucho ruido y pocas nueces”.
Aunque me pese y mi amor por la ciencia se resienta habrá que decir que más allá de descubrir a este científico el atractivo de ‘Oppenheimer’ es el de recrear los hechos que hicieron a este neoyorquino citar la frase “ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos”. En el 45 se detonó la primera bomba atómica, en la prueba Trinity, como fruto del proyecto Manhattan en las instalaciones de Los Alamos. Hitler estaba muerto, pero aún había que derrocar a los japoneses. Para ello se hizo uso del triunfo en la mayor apuesta científica de la historia, la carrera armamentística de la bomba atómica. Gran parte del ruido o la promoción del filme ha sido el ver esa bomba que ha recreado Nolan con diversos efectos prácticos, nada de ordenador. Esto sucede a las dos horas de película y no es para tanto, aunque la escena está muy bien montada. Lo cual me lleva a la otra obsesión de la campaña de marketing. No veo tan necesario ver este filme en las específicas condiciones que pide el director a pesar de que su fotografía es magnífica y su edición de sonido hace que te tiemblen hasta las tripas con la vibración.
Está claro una vez más que a Nolan le chifla la ciencia. A mí me ha enganchado porque no es parca en detalles y nombres, ya faltaría con tres horas de duración. No se deja a casi ningún científico o hecho relevante, aunque la fase en la que Oppenheimer se dedicaba a la cuántica queda a un plano secundario por motivos obvios que la propia historia también se ha ocupado en tapar. No veréis por lo tanto cómo se saltaba cursos enteros o cómo llegó a formular la aproximación de Born-Oppenheimer. Pero si otros detalles como que fue quien importó la física cuántica a los Estados Unidos o su estrecha relación con Albert Einstein. Todo esto a partir de otro amor que tiene Nolan, el de sus amigos actores. El reparto podría arruinar a cualquier productora con su caché y a algunos de nosotros a base de pagar entradas de cine. Las actuaciones de Cillian Murphy y Robert Downey Jr. son laureables. Ambos lucen en pantalla como si fuesen estrellas del Hollywood dorado y son capaces de llevar a cabo un duelo interpretativo a pesar de que no comparten muchas escenas.
‘Oppenheimer’ está mejor armada, concebida o es más comprensible que ‘Tenet’. Aunque de nuevo, salvo en los compases iniciales y finales, Nolan descuida el ámbito emocional. ¿Será que Christopher Nolan está acusando no escribir junto a su hermano Jonathan? Recordemos que no lo hace desde ‘Interstellar’. Intenta suplirlo con una banda sonora que de nuevo a estado a cargo de un Ludwig Göransson que cada vez imita mejor a Hans Zimmer. Algo que también nos transmite el guión es una saturación de temas, lo cual hace que la película sea densa o dispersa al mismo tiempo. Toca el ámbito científico con la incursión de la física cuántica, los nuevos inventos cuando están al servicio de lo bélico (el hombre siempre pervierte el progreso, como nos recuerda Nolan al comienzo con el mito de Prometeo), es a todas luces un thriller político que incluye hasta la permisibilidad de USA en la Guerra Civil Española y el auge del fascismo, por supuesto funciona como biopic de un científico que a muy poco podría haber sido como ‘La Teoría del todo’ o ‘The imitation game’, también reflexiona el cómo cambió el mundo a partir de aquello y cómo lo comprobamos hoy en día que tenemos candente una guerra violenta que a la vez es fría… Para todo esto se ha dispuesto un montaje en tres tiempos fílmicos distintos. El mayor tiempo de metraje se dedica a cómo Oppenheimer progresó en el campo de la física dentro de determinados ámbitos académicos y a cómo se desarrolló su moral durante su etapa como director en el proyecto Manhattan. A parte de eso saltamos por una auditoría en la que fue martirizado y una comisión ante el Congreso. Son tres horas de concatenación de escenas que no llegan a superar los cinco minutos cada una y por eso agradezco que se pasa rápido. Pero el montaje podría considerarse intenso y agotador. En mi lugar habría recortado algunas escenas, como muchas en las que interviene Florence Pugh que están no solo fuera del tono del filme, también de lo que acostumbra a mostrar Nolan.
Aunque tiene muchas temáticas pienso que se centra la atención en la caza de brujas y el escarnio que sufrió Oppenheimer por parte de ciertos miembros de su propio país, lo cual fue desvelado tras la desclasificación en 2014 de los juicios que fueron llevados a cabo en su contra. Él era de opiniones progresistas, consideradas de izquierdas y tal y como se empeña en mostrar el filme, con lazos comunistas. En lo que coinciden los historiadores es sobre todo que su carácter era pacifista. De ahí su segunda temática principal. Esta película es la filmación de su camino hacia la culpa que sintió toda su vida, llegando a manifestar su propia vergüenza, la oposición al uso de su propio invento, tras lo que consideró un verdadero abuso de poder y una masacre. ‘Oppenheimer’ nos deja como último mensaje la constatación de que ya hemos puesto el último clavo en el ataúd de la humanidad con la invención de la bomba atómica. Su mensaje es sin duda melancólico y catastrofista, esperemos que eso no sea vaticinio de lo que les espera a las salas de cine tras la invención del streaming y las IAs.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de julio de 2023. Título original: Oppenheimer. Duración: 180 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Florence Pugh, Benny Safdie, Michael Angarano, Josh Hartnett, Rami Malek, Kenneth Branagh, Dane DeHaan, Dylan Arnold, David Krumholtz, Alden Ehrenreich, Matthew Modine. Producción: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Gadget Films, Syncopy. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía. Web oficial:https://www.instagram.com/oppenheimermovie/
Bull Run cuenta la historia de una directora de cine que, como tantos otros jóvenes, se engancha al trading de criptomonedas durante la pandemia (comprar barato, vender caro), y que para poder seguir haciendo trading sin que nadie le juzgue, decide hacer un documental sobre la fiebre de las criptomonedas.
Crítica
Con un sentido del humor analítico y autocrítico consigue ser accesible y nada criptica
‘Bull run’ hereda su título de la expresión usada en economía para describir una situación de fuerte alza en la cotización, en el caso concreto que trata este largometraje, en las criptomonedas. La directora (reconvertida en trader) Ana Ramón Rubio de quien os hemos hablado cuando comentamos su obra ‘Almost Ghosts’ ha elaborado este documental sobre la fiebre de los activos digitales adentrándose en ese mundo con la perspectiva de una persona joven que tras la pandemia intenta hacer dinero fácil comprando barato y vendiendo caro. ¿Os suena eso de la gente con ojos láser en las fotos de perfil? No os preocupéis que ‘Bull run’ os lo explica.
No os preocupéis si os suena a chino el primer párrafo porque ‘Bull run’ está tratado de un modo similar a ‘La gran apuesta’. El espíritu de Adam McKay parece presente en este largometraje que procura explicar punto por punto todo lo que sucede en nuestra actualidad con eso de los medios digitales de intercambio. Y para ello habría que citar su punto de partida, que es una fijación de la directora tras el confinamiento con este tipo de inversiones. Pero derivado de ello está un detalle más relevante y transgresor como es el hecho de que esta sea la primera película documental en formato largometraje en ser íntegramente tokenizada. Consiguió su financiación en menos de 24 horas como os contamos aquí en su día, hecho que se refleja también en el filme con una captura de nuestra web. Eso quiere decir que para llevarse acabo la representación digital del filme está dividida en tokens que pertenecen a aquellos que han creído en ella con su contribución. Una muestra más de que el blockchain está cambiando el mundo y cambiando las reglas a muchos niveles.
Aunque todo esto suene a clase aburrida de economía el tono de la película es cómico. Está narrada en primera persona, desde una perspectiva personal y moderna. ‘Bull run’ tiene muy buen sentido del humor, analítico y autocrítico. El prisma es el de obstinación que va más allá de una inquietud por algo que aún hoy en día sigue siendo un boom. El culmen de la burla sobre todo lo que vertebra el largometraje es un videoclip a tope de gusto kitsch con Lory Money orquestado por Javier Polo y con producción de Casabona Films, lo cual nos lleva a otros títulos interesantes y que se introducen en otros ámbitos de nuestra realidad como ‘The Mystery of the Pink Flamingos’ y ‘Una terapia de mierda’.
Con esta película nos planteamos si es momento para oportunistas y no rezagados o para estafados o víctimas de una burbuja ubicada en el mundo virtual. Desde luego es de estas cosas que cuando salen a la luz te quedas con ganas de haber sido parte de ella, te da rabia haber perdido el tren. Y es que aquellos que están en esta cresta de la ola pueden decir no estar influenciados por la inflación, eso que hace que suban los precios pero no los sueldos ni el valor del dinero que tienes en tu bolsillo o en tu cuenta corriente. Ahí es donde se resalta el devaneo con lo romántico. Es muy idílico o utópico poder decir que estás fuera de nuestro sistema controlado por los gobiernos o corporaciones, que vives sin ataduras e incluso sin depender del plano físico. Pero ‘Bull run’ tampoco es una apología por este tipo de inversiones, también previene de sus riesgos.
Vais a oír términos modernos como trading, Bitcoin, cripto, bear market, blockchain, tokenizar, sats, hodl, neoinversor… Y os vais a sentir como un boomer si no os suena ninguno. Pero hay mucho más allá de la visión o experiencia de la directora con toda esta nube de términos. Dado que esta película es en parte el retrato de una obsesión o de una situación tóxica el reparto está compuesto por la propia Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta) junto a los testimonios de expertos como Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Todos ellos traders, sociólogos, economistas o influencers del tema.
‘Bull run’ va desde el origen de las cripto al margen de gobiernos o ideologías hasta la inmensa cantidad de monedas virtuales actuales que han llevado a acontecimientos históricos como la oficialidad del Bitcoin en El Salvador. Advierto de nuevo, esta no es una guía sobre cómo invertir, solo es una muestra de una realidad que es cada día más evidente que tiene perspectiva de futuro pero que también es totalmente inestable.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Bull Run. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Lory Money, LolxdMafia y Daniel Bearoid (Sr. Flipante). Fotografía: Celia Riera, Nacho Toledo Roca. Reparto principal: Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta), Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Producción: Casabona Films. Distribución: Bienvenidos a la Calama. Género: documental, comedia. Web oficial:https://www.cosabonafilms.com/project/bull-run/
Rosario es una señora mayor que vive a las afueras de un pueblo manchego con Ofelio, su hijo discapacitado, su borrico y su cabra. Rosario recoge la sal de higuera de su laguna y se gana la vida vendiéndosela a los viejos, que conocen sus usos milenarios… y a los no tan viejos, mezclándola con tranquilizantesde farmacia y más ingredientes. El
pueblo está arruinado por la ludopatía de sus habitantes y sus gobernantes, que deciden
venderlo. Los habitantes se someten a la venta forzada y a la expulsión, pero la casa y la laguna de Rosario están en medio del término municipal. Ella se opone a esta venta, y organiza, en la medida de sus posibilidades, la resistencia.
Crítica
Tan heredera de Cuerda y Berlanga como nosotros del ADN de nuestros progenitores
La primera película orquestada por la actriz Liz Lobato es ‘Tierra de nuestras madres’ y nos hace recordar de buenas a primeras a ‘La vida de Brian’. Por motivos evidentes al ver a Saturnino García ataviado de vestido negro fúnebre y mandil nos acordamos de Terry Jones. Al igual que la madre de Brian, la anciana que interpreta intenta salir adelante día a día manteniendo una austera casa y a un hijo que no se entera de qué va la vida. Y también al igual que aquella madre que se acostaba con romanos esta madre tiene que hacer sus trapicheos mientras demuestra su afecto con una aspereza e irritabilidad que es marca de La Mancha.
‘Tierra de nuestras madres’ nos cuenta cómo una vieja mustia y solitaria tira de tocomocho y sobornos para sobrevivir en una aldea dejada de la mano de Dios. La laguna de sal que heredó de su familia es la única fuente de ganancias que tiene, pero la usa muy a conveniencia. Rosario es una zalamera que vive de la manera más mundana posible a pesar de estar rodeada de historias disparatadas y peculiares pueblerinos.
Que el surrealismo está presente como bandera en esta película es manifiesto en cuanto descubrimos cómo está caracterizado el personaje protagonista pero aún más cuando descubrimos que la narradora de la historia es la cabra Emilia, un animal que se dice de vocación escritora y que antes de pasar a ser propiedad de la protagonista ha sido cabra de la legión y pedigüeña de esas de ir con el gitano y la trompeta. Saturnino García, recientemente visto en ‘Vampus Horror Tales’, es un valiente de nuestro cine que tras vivir tropecientos rodajes aún se apunta a un bombardeo. Habiendo trabajado con Cuerda y Saura es de comprender el verle en este proyecto lleno de cabras y personajes como cabras.
Si creímos en la existencia de personajes tan raros y cómicos como las hermanas del baptisterio porque no confiar en lo que nos cuenta ‘Tierra de nuestras madres’, es igual de real. El hecho de tener a un hombre ejerciendo de anciana es solo una herramienta más al servicio del esperpento y el neorrealismo propios de Cuerda y Berlanga. Efectivamente este filme es heredero de esos dos maestros recordando a ‘Amanece que no es poco’ o a ‘Bienvenido Mr. Marshall’. Pero también hay que decir que aunque heredes o sigas una línea continuista con determinados predecesores no quiere decir que estés a su nivel. ‘Tierra de nuestras madres’ esconde mensaje entre sus casas encaladas y sus palabros castellanos, nos brinda un humor totalmente llano, pero a veces aburre con su redundancia.
Encima de vaciados, desconcertados y expropiados. Más allá de su humor absurdo y pintoresco está el mensaje contrainvasor, el desarraigo con el campo que podemos observar desde las cada vez más saturadas ciudades y lo desactualizado que puede llegar a estar el mundo rural. Tirando de hipérbole se habla de pueblos franquicia. Como si de un club deportivo se tratase lo que le sucede al pueblo de Rosario es que una potencia extranjera quiere comprar todas las propiedades, casas y terrenos incluidos. Hay un paralelismo que se mantiene como hilo conductor y es el de la época de la ocupación francesa. Es la invasión comercial que en su día se convirtió en la victoria que USA no pudo tener en Vietnam.
Antes hablaba de herencias y el que creo que es el mayor legado de ‘Tierra de nuestras madres’ es su honesto sentido del humor y la manera de afrontar la vida. Para Liz Lobato el estoicismo significa aguantar con imperturbabilidad pero también con la resignación de que todo aquello que puebla nuestra realidad forma parte a la vez de un surrealismo casi imperceptible y a la vez innegable. A su vez es un empujón para mirar hacia nuestros orígenes. Todo, desde nuestra civilización hasta la comida que compramos en grandes supermercados, parte del campo y como germen ineludible e indispensable no debemos descuidarlo, así como nunca olvidamos los sueños, aspiraciones y obras de aquellas que nos parieron.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: Tierra de nuestras madres. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Liz Lobato. Guion: Liz Lobato. Música: Luis Tejera, Jeremías Tejera. Fotografía: Ismael Blanco. Reparto principal: Saturnino García, José Luis Cruza. Producción: Miguelina Producciones, Por lo visto, Lunática Films, La bestia produce. Distribución: Melocreo. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/p/Cs_1uOfKzSZ/
Con un reparto compuesto por Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Anthony Welsh, Michael Gandolfini, Umi Myers y Nadine Marshall nos llegará a cines ‘Bob Marley: one love’. La película de Reinaldo Marcus Green(‘El método Williams’) se presentará en cines de 2024 de la mano de Paramount Pictures.
Ya podemos ver el primer tráiler de este biopic.
Además el también músico de reggae e hijo mayor de Bob Marley, Ziggy Marley, ha publicado el siguiente comunicado en redes sociales.
Sinopsis oficial:
‘Bob Marley: one love’ es una celebración de la vida y la música de un icono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. Por primera vez en la gran pantalla, descubrimos la impactante historia de superación de la adversidad de Bob y la travesía que subyace a su música revolucionaria. Producida en colaboración con la familia Marley y protagonizada por Kingsley Ben-Adir en el papel del legendario músico y Lashana Lynch en el de su esposa Rita, BOB MARLEY: ONE LOVE llegará a los cines en enero de 2024.
Los productores del fenómeno global ‘A ciegas’ presentan ‘Bird Box Barcelona’, una ampliación de la película que cautivó al público en 2018. Una fuerza misteriosa ha arrasado con la población del planeta, y Sebastián emprende un viaje por la supervivencia a través de las calles desiertas de Barcelona. Mientras forja alianzas incómodas con otros supervivientes e intentan salir de la ciudad, un peligro inesperado y aún más siniestro se cierne sobre ellos.
Crítica
Te deja con ganas de ver más sobre este universo
En 2018 llegó a nuestras casas ‘Bird Box’ película basada en la novela de Josh Malerman en la que acompañamos a una madre (SandraBullock) y sus dos hijos durante un apocalipsis en búsqueda de un refugio donde poder vivir. Algo está ocurriendo en la Tierra y es que una fuerza misteriosa es capaz de hacer que te suicides si la miras directamente.
En este mismo universo encontramos ‘Bird Box Barcelona’ que ya nada tiene que ver con la novela, simplemente la base. Aquí seguimos a Sebastián y su hija Anna, al igual que en la anterior, intentando buscar un refugio seguro para esconderse de aquellas fuerzas.
Dirigida por DavidPastor y ÁlexPastor (‘Hogar’), la historia da un giro bastante bueno, a mi parecer, y logra introducir más tensión a la cinta y bastante acción. Está muy bien rodada y el reparto logra que nos identifiquemos de una u otra manera con los distintos personajes.
Me ha parecido mucho más entretenida que su predecesora, que no terminaba de adentrarte en esa atmósfera de miedo que debería. Eso sí, hay detalles que se pierden en esta película, como los pájaros. Y es que en la novela las personas iban con una jaula con pájaros para que les avisen de la presencia de estos seres y aquí hay un guiño a ello, pero nada más.
Pero como os he comentado, introducen un giro en la historia bastante bueno para que esos detalles ni los recuerdes. Las reacciones de las distintas personas con las que se van encontrando nuestros protagonistas son muy reales. Vemos el miedo, el odio, la desconfianza, pero también vemos las ganas de encontrar supervivientes y entender que no estás solo. También están los personajes que piensan que esto es un castigo divino.
MarioCasas (‘El Inocente’) asume el gran peso de la película. En un papel con muchos matices que hace funcionar desde el principio. Además, que le vemos hablar en alemán e inglés sin ningún tipo de problema. Y como siempre, las escenas de acción las borda.
GeorginaCampbell, DiegoCalva, MichelleJenner, LeonardoSbaraglia, NailaSchuberth, PatrickCriado, LolaDueñas, AlejandraHoward, MireiaRey, GonzalodeCastro o CeliaFreijeiro son parte del elenco que acompaña a nuestro protagonista en este terrible apocalipsis.
El ambiente de la película me ha gustado mucho, está muy cuidado el vestuario y todos los decorados, donde vemos una ciudad devastada, con las ventanas tapiadas o pintadas para que no puedan adentrarse estas criaturas. La fotografía de Daniel Aranyó presta mucha atención a los grandes horizontes para que veamos Barcelona de la peor manera posible. Al igual que hizo con ‘Way Down‘ nos trae unas imágenes aéreas bastante buenos, sobre todo en el teleférico.
Este próximo 14 de julio llega a nuestras casas gracias a Netflix. Como aclaración, aunque esté ambientada en el mismo universo, no hace falta ver ‘Bird Box’, pues ‘Bird Box Barcelona’ funciona como película independiente. Pero como siempre, es bueno ver una versión diferente para poder comparar o simplemente disfrutar ambas por igual. Espero que hagan más películas sobre esta historia desde el punto de vista de otras ciudades. Pero también me gustaría ver una continuación de ésta, pues ese final, al menos a mí, deja con ganas de más.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Bird Box Barcelona. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Àlex Pastor, David Pastor. Guion: Àlex Pastor, David Pastor. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: Mario Casas, Georgina Campbell, Alejandra Howard, Naila Schuberth, Diego Calva, Patrick Criado, Lola Dueñas, Gonzalo de Castro, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia. Producción: Chris Morgan Productions, Dylan Clark Productions, Netflix Studios, Nostromo Pictures. Distribución: Netflix. Género: terorr, ciencia ficción. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81404810
Ha vuelto el decálogo del humor físico por excelencia
Mi yo de los ochenta y noventa pensaba que ‘La noche de los castillos’ y ‘El Gran Prix’ juntos no llegaban ni a la suela de los zapatos de ‘Humor Amarillo’. Tampoco programas extranjeros y posteriores como ‘Ninja Warrior’, ‘Gladiadores Americanos’ o ‘Wipeout’. Mi yo de 2023 sigue pensando eso con el regreso del programa que ahora conocemos como ‘El Castillo de Takeshi’. Para los nacidos en años posteriores al 2000, es un concurso que no tiene nada que envidiar a ‘El juego del calamar’.
Vuelve el battle royale más famoso de la televisión. El próximo 10 de julio en Prime Video podréis ver los 8 nuevos episodios de ‘El Castillo de Takeshi’. El concurso se presenta en un formato en el que cada dos episodios vemos a una tanda de concursantes intentando superar las pruebas que llevan hasta el gran Takeshi, es decir, dos episodios equivalen a un programa completo. Todo para intentar superar una prueba final atiborrada de leds que se antoja imposible.
No se puede hacer una crítica seria de esto. Es un concurso absurdo, puro caos basado en el humor splatstick y la broma fácil por parte de los narradores. Esta opinión va a estar muy condicionada en función del país desde el que la leas. Y es que la primera vez que se proyectó en España con una pareja de dobladores resultó la mar de divertido. Nunca nos ha preocupado qué dirían de verdad en el programa original ya que los nombres inventados o las voces que ponían ambos presentadores eran un acompañamiento ideal para los topetazos y zambullidas de los participantes que se ponían a merced de Takeshi. Un Takeshi que parece ahora en forma virtual durante toda la temporada, hasta que hace acto de presencia en los últimos episodios.
Las que si que están omnipresentes son algunas de las pruebas clásicas. Regresan Las Zamburguesas (ahora más largas e incluso con persecución), El Laberinto del Chinotauro (que ha cambiado de nombre y ya no están Juanito Calvicie y Paco Peluca), La Seta Asesina, Los cañones de Nakasone, Las Megapuertas del Pánico (con una extensión aún mayor)… Por mucho que se hayan introducido cambios o haya pruebas nuevas este ‘Castillo de Takeshi’ sigue recordando a aquel ‘Humor Amarillo’ en el que perecieron Gacela Thomson, el Chino Cudeiro y compañía. De hecho, hasta se recuperan concursantes de las temporadas originales, muy a lo ‘Saber y Ganar’.
Por supuesto hay hueco para la nueva chavalada e incluso para participantes españoles. En esta primera temporada de ‘El Castillo de Takeshi’ podréis ver a un colchonero gritando “¡al turrón!” antes de ser derribado por una salchicha gigante, un ingeniero que casi llega a la final y una cosplayer que se mete más de una toña.
Por supuesto, además de la retahíla de golpes que vemos la gracia de este concurso está en un doblaje que está más españolizado que series noventeras como ‘Sabrina’ o ‘El Príncipe de Bel-Air’. Con unos locutores muy a lo ‘El Informal’ nos echamos unas risas de las buenas. DaniRovira, Eva Soriano y Jorge Ponce son los “presentadores/dobladores” principales. Aunque yo habría preferido propuestas más profesionales y graciosas como El Korah hay que reconocer que ver el programa con ellos es como estar con unos amigos comentando la jugada y saben sacar jugo a toda la parafernalia que se ha montado en este regreso. No esperaba menos de un producto que nos ha llegado producido por David Broncano (Encofrados Encofrasa).
La pena es que Fernando Costilla y Paco Bravo (locutores clásicos del programa) hayan quedado relegados a un segundo plano haciendo de dos Pepe Livingstone rebautizados como “los Calatrava”. No se las circunstancias en las que se ha gestado esto, pero queda feo porque seguramente será por puro marketing. De todos modos puede que haya sido algo amistoso o de otra índole pues hace mofa del tema.
Realmente el gran fallo con el tema del doblaje es la presencia de Míster Jägger, horrible haciendo las veces del que sería un nuevo General Tani obsesionado con los 90. Al menos tenemos también al original chocheando como si fuese Biden. Y quienes también habrían sido prescindibles son los Venga Monjas. Si yo fuese directivo de Prime Video me daría coraje haberles pagado por unas canciones que dan vergüenza ajena, parecen sacadas de un botellón.
No ha estado nada mal este regreso que incorpora nuevos personajes como Los Autotunos, el recién divorciado, la familia Cudeiro, Espoilerman, el niño de la generación z… Tampoco hay un exceso de modernización y son pocas pero acertadas las incorporaciones de GIFs, memes o animaciones que amenizan las tremendas caídas. Dada la cantidad de pruebas e inversión que se percibe da la impresión de que hay mucho más de lo que hemos podido ver en estos ocho primeros episodios. Ojalá vengan más asaltos al Castillo de Takeshi.
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