Teresa espera paciente la llegada del Inquisidor para ser juzgada. De su visita y de sus palabras dependerá su futuro: libertad, cárcel o la hoguera.
Crítica
No nos hace llegar al éxtasis pero nos ofrece un gran duelo interpretativo
‘Teresa’ es la adaptación de la obra de teatro “La lengua en pedazos” de Juan Mayorga, que a su vez está inspirada en El libro de la Vida, de santa Teresa de Jesús.
La película está dirigida por la directora Paula Ortiz, autora en su corta carrera de otras dos adaptaciones teatrales que ha llevado a la gran pantalla. Nos referimos a ‘La novia’ (2015) adaptación de “Bodas de Sangre” de Lorca o ‘Al otro lado del río y entre los árboles’ (2022) de Hemingway.
Basada en la figura de Santa Teresa de Jesus (o Santa Teresa de Ávila), la película nos muestra pasajes de la vida de la santa dándonos a conocer algunas etapas de su infancia, su adolescencia y madurez. Todo a través de un diálogo entre ella y un supuesto inquisidor sin nombre, que pone a prueba su fe y sus convicciones a lo largo del todo el metraje en forma de interrogatorio.
Las tres versiones de Santa Teresa están interpretadas por Ainet Jounou (infancia), GretaFernandez (adolescencia) y Blanca Portillo como personaje principal ya en su madurez. Asier Etxeandia hace las veces de Inquisidor. Estos dos últimos personajes llevan toda la carga de la película en una sucesión de diálogos e imágenes de gran fuerza que pretenden potenciar y darle sentido a toda la historia.
Técnicamente Paula Ortiz hace un trabajo notable detrás de la cámara. Cada secuencia, cada plano, cada localización… todo me parece encajar sin fisuras dotando a la producción de brillantez a nivel técnico. Por otra parte las interpretaciones de Blanca Portillo y Asier Etxeandia, que monopolizan prácticamente toda la obra, son de gran nivel, mostrando por un lado la lucha interior de Teresa ante las afiladas preguntas del inquisidor, que por otra parte no es la típica figura de la inquisición, y su personaje fluctúa también entre la determinación, la duda y el deseo de comprender y salvar a la santa de sus supuestos pecados o herejías. El duelo interpretativo entre ambos es lo mejor de ‘Teresa’.
Luego está el encajar las piezas y entenderlas a través de un guión que no se extiende en explicar o nombrar algunos personajes que aparecen en escena como por ejemplo la benefactora Guiomar de Ulloa (en la piel de la gran Consuelo Trujillo). El enfrentamiento dialéctico, narrado en un “castellano medieval” y el conjunto de imágenes que nos muestran diferentes visiones de la santa, pueden llegar a crear confusión. Los diálogos pausados y la esencia mística de la película hacen de ‘Teresa’ una película inequívocamente lenta, pesada para muchos y aburrida para otros. No es una película para el gran público. Si no sabes algo de la vida de Teresa, y de lo que va el libreto de Juan Mayorga, es posible que el espectador se pierda y pierda interés.
Personal y subjetivamente, este que escribe, pese al gran trabajo actoral, de dirección y técnico en general, no consiguió llegar a sentir emoción en ningún momento. ‘Teresa’ pese a no ser para todos los públicos, sí nos deja detalles de calidad. Un presente y un futuro prometedor de Paula Ortiz y un duelo interpretativo de nivel entre Blanca Portillo y Asier Etxeandia es con lo que, en definitiva, me quedo.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2023. Título original: Teresa. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Paula Ortiz. Guion: Paula Ortiz, Javier García Arredondo. Música: Juanma Latorre. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Blanca Portillo, Asier Etxeandia, Greta Fernández, Ainet Jounou, Consuelo Trujillo, Luis Bermejo, Claudia Traisac, Urko Olazabal, Julia de Castro. Producción: La Lengua en Pedazos A.I.E., Bluebirds Films, Inicia Films, un Boyana. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://bteampictures.es/teresa/
‘La partitura’ llegará este invierno para aterrorizarnos
Ya tenemos fecha de estreno para ‘La partitura’, la última apuesta de terror de Millennium Media. Basada en el popular cuento ‘El flautista de Hamelín’, la película está escrita por el islandés Erlingur Thoroddsen, y llegará a nuestras salas de cine el próximo 6 de diciembre.
Protagonizada por el recientemente desaparecido Julian Sands (‘Una habitación con vistas’) quien interpreta al mentor y músico experimentado y Charlotte Hope (‘La monja’), la joven compositora que se encontrará ante la oportunidad de su vida, con sorpresa inesperada incluida.
Para la composición de la banda sonora de ‘La partitura’, algo fundamental al tratarse de la leyenda del misterioso flautista, la productora ha apostado por uno de los valores seguros, el experto Christopher Young (‘The Offering’), toda una eminencia en la composición de bandas sonoras de películas de terror.
El rodaje se desarrolló durante el verano de 2021 en los estudios Nu Boyana y en algunas localizaciones adicionales de la capital búlgara. Os dejamos algunas imágenes de la cinta a continuación, junto con su sinopsis.
Sinopsis
Basada en la fábula de Pied Piper (El flautista de Hamelín), la película se centra en una joven compositora que se encuentra frente a la oportunidad de su vida cuando recibe el encargo de componer el tercer movimiento de la partitura que su difunta mentora dejó incompleta al morir repentinamente. Pronto descubrirá que tocar esas notas conlleva repercusiones mortales, lo que la llevará a desenmascarar los orígenes perturbadores de la melodía y la malvada fuerza que ésta despierta.
La película comienza cuando Calvin Kipler espera la llegada del cometa Jesper tumbado en el césped junto a su padre… una idílica estampa familiar que, de pronto, se rompe. Diez años después, convertido en un adolescente obsesionado con la astronomía (y al que todo el mundo considera “rarito”), Calvin conoce a Itsy, una chica recién llegada al pueblo a la que convencen para convertir a Calvin en el protagonista de un artículo.
Crítica
Entrañable película para todos los públicos
Calvin es un chico, que, viendo el paso de un cometa, ve como sus padres son abducidos por unos extraterrestres cuando él era muy pequeño. Diez años después, aquel cometa vuelve a pasar y va a intentar contactar con ellos. Con la ayuda de Itsy, una joven que acaba de mudarse a su lado junto a su familia, intentará ver que pasó realmente con sus padres.
Dirigida por JakeVanWagoner, la película la vimos en el Festival de Sitges de 2023 y fue estrenada en el Festival de Sundance. Sin duda yo llevaba unas expectativas bastante diferentes, pues me esperaba una comedia algo alocada. Y me encontré una cinta familiar. Pero pese a que me esperaba otra cosa, el film tiene muchos valores.
La película es una historia para toda la familia, nos habla de la amistad, el amor hacia la familia y también de las traiciones y del sufrimiento que a veces hay que pasar cuando se va creciendo. Además de lo importante que es no humillar a la gente por ser el “rarito” de la clase, pues puedes hacer daño a buenas personas y no darles la oportunidad de darse a conocer.
‘Los alienígenas han abducido a mis padres’ está protagonizada por EmmaTremblay, JacobBuster, WillForte, ElizabethMitchell, MattBiedel, HaileySmith, KennethCummins, entre muchos otros.
Tiene buena manufactura, hasta que llega el final, la verdad que el diseño de los alienígenas es bastante pobre y dan un poco de risa. Lo achaco a que al final, como digo al principio, es una película para todos los públicos y los han hecho bastante amigables. Pero por lo demás la verdad que está muy bien.
La banda sonora también es bastante actual, llena de canciones motivadoras y bailables. Como digo, para que los más pequeños y jóvenes de la casa se sienten bien viendo la cinta. ‘Los alienígenes han abducido a mis padres’ llega este 14 de noviembre a nuestras casas gracias a Movistar+.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre 2023. Título original: Aliens abducted my parents and now I feel kinda left out. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jake Van Wagoner. Guion: Austin Everett. Música: Michael Lee Bishop. Fotografía: Jeremy Prusso. Reparto principal: Emma Tremblay, Jacob Buster, Will Forte, Elizabeth Mitchell, Matt Biedel, Hailey Smith, Landry Townsend, Kenneth Cummins, Thomas Cummins. Producción: Good Guys Productions, Kaleidoscope Pictures, Little Wagon Films. Distribución: Will Duck Productions. Género: Comedia. Web oficial:https://www.movistarplus.es/ficha/los-alienigenas-han-abducido-a-mis-padres?tipo=E&id=3072553
La película narra el futuro del último pub que queda, ‘El Viejo Roble (The Old Oak)’, en un pueblo del noreste de Inglaterra, donde la gente está abandonando la tierra a medida que se cierran las minas. Las casas son baratas y están disponibles, por lo que es un lugar ideal para los refugiados sirios.
Crítica
El ‘Gran Torino’ británico
Que las migraciones son uno de los grandes temas a tratar en este siglo XXI es indiscutible. KenLoach y Paul Laverty están siempre en la brecha y de nuevo abrazan un tema de candente actualidad, cerrando así su trilogía de la moderna Gran Bretaña, compuesta por ‘Yo, Daniel Blake’, ‘Sorry We Missed You’ y ‘El viejo roble’. Tras haber tratado temas como el empleo, la precariedad o la marginación social ahora acoge en su filmografía el tema de las grandes crisis migratorias, tocando de soslayo además la depresión que están produciendo todos esos otros temas que he citado en la Gran Bretaña actual, en concreto en la zona noreste de Inglaterra. Ahora que miles de personas huyen de Gaza, Afganistán o Ucrania, ahora que en España vemos como Juan García-Gallardo inicia cánticos al son de “esas lecheras, a la frontera”, no puede ser más oportuna esta película, sin duda nos retrata.
He citado al vicepresidente de Castilla y León, siempre tachado de racista por sus declaraciones, pero precisamente el mayor festival de cine de su comunidad le ha mandado un zasca. ‘El viejo roble’ ha ganado el premio del público y el de mejor actor en la última Seminci. Y no es de extrañar pues Dave Turner se marca una estupenda actuación y la película clama por luchar contra aquellos que desde el desconocimiento y la estrechez de miras enarbolan comportamientos racistas o xenófobos. Desde el minuto cero de ‘El viejo roble’ pone al descubierto sus cartas y demuestra que va a tratar sobre la irrupción de emigrantes en barrios tan tradicionales como los de la recóndita Inglaterra. Los parajes de cielo gris y rojizo ladrillo dan cabida una vez más a una historia sobre la concordia y la convivencia.
Podríamos decir que esta película es el ‘Gran Torino’ británico. La diferencia es que el protagonista si tiene sus brazos abiertos para los nuevos vecinos y que lo que defiende a capa y espada es su pub, no su Ford. Pero si se parece a la película de Eastwood, llevada a códigos british, es porque hay alguien que necesita quitarse el velo, y no me refiero a las mujeres sirias, sino a parte de la población que se niega a ver que aquellos que acaban de convertirse en sus vecinos tienen mucho en común con ellos.
De soslayo se tocan también temas como el intrusismo en el empleo o los nuevos modelos de alquiler de viviendas. Pero sin duda el tema de los refugiados y la inacción de occidente vertebra el guión de Laverty. “Quienes comen juntos, permanecen juntos” reza el eslogan que acaba siendo el mantra de los protagonistas. ‘El viejo roble’ nos recuerda que todos procedemos de migrantes y Loach nos subraya que donde caben dos caben tres. Aquí lo único que es perpetuo o sedentario desde tiempos inmemoriales son los negocios familiares o los árboles, como los robles que han visto pasar por sus tierras a diferentes civilizaciones y no les importa quienes coman las bellotas que dejan caer al suelo.
Probablemente esa sea una de las películas más optimistas del director en los últimos años, a pesar de que no se olvida tampoco de cargar contra el tacherismo. Pese a lo conflictivo de su temática o lo trágico de la situación que plantea, haya en su final un hueco para la esperanza y la emotividad. Con ello se alza de nuevo como uno de los mayores retratistas de la Gran Bretaña actual.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: The old oak. Duración: 110 min. País: Bélgica, Francia, Reino Unido. Dirección: Ken Loach. Guion: Paul Laverty. Música: George Fenton. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Dave Turner, Debbie Honeywood, Andy Dawson, Ebla Mari. Producción: Studio Canal UK, Sixteen Films, Why Not Productions, BBC Films, Les Films du Fleve. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/the-old-oak/
Alba regresa a su pueblo natal tras una ruptura sentimental. Allí se reencuentra con su hermana Candela. Las dos cerrarán heridas de la infancia, volverán a respirar juntas y acompañarán a su madre enferma en sus últimos días, con el desierto, el mar y la sal como testigos.
Crítica
Una dosis detox de rencores y cargos
‘Amanece’ es una propuesta con triple protagonismo femenino. Aura Garrido, Isabel Ampudia e Iria del Río protagonizan la primera película del director Juan Francisco Viruega. Candela, Alba y Aurora, los tres personajes con nombres de fenómenos luminosos que siempre nos han transmitido sensaciones bellas y melancólicas. Un filme en el que es anecdótico que sean todo mujeres pues la figura femenina aunque está omnipresente no es la principal temática y el foco está puesto en las relaciones y los sentimientos entre familiares y parejas.
Pulsar el reset para borrar los errores y las marcas del pasado. Eso parece querer hacer esta película que muestra cuán sinceros hemos de ser con nosotros mismos y con aquellos a los que queremos. “Hay demasiado exhibicionismo en el dolor” dice un personaje en el primer acto. Quizá sea por eso que el filme dedica casi todo su primer tercio a una ruptura de esas que causan mucho dolor. No obstante esta película no es porno dramático como se dice tanto hoy en día en foros coloquiales. Se divide en tres partes, dedicada cada una de ellas a una de las protagonistas, dos hermanas y una madre que tienen mucho que zanjar, entre ellas y con la vida.
‘Amanece’ puede conectar muy fácilmente con dos tipos de personas, los provincianos y aquellos cuyo frenesí de la rutina no les permite pararse a pensar en su vida. “Allí parece que estoy bien, pero es porque no hay nadie que me conozca bien”, dice Alba (Aura Garrido) en alusión a su vida en Madrid. Este largometraje es una recomendación a reconectar con nuestras raíces, con aquellos que conocen bien nuestra psique y aquellos que nos hacen recordar qué hemos buscado siempre en nuestra vida. Pero el tiempo y la distancia son capaces de cubrir la verdad con capas y capas de olvido y dejadez. En ocasiones limar asperezas entre nuestros consanguíneos puede ser precisamente eso, algo áspero. Esa sensación se ve reforzada en ‘Amanece’ a través de un recurso que a veces es casi subliminal, el paisaje. Las ariscas y solitarias localizaciones de Almería sirven de escenario y de punto de meditación para que veamos cómo, aunque hay cosas que mueren, siempre amanece un nuevo día.
“La obra está acabada cuando se agota la curiosidad”. Ya van tres frases que rescato de ‘Amanece’. No solo es que esta obra nos deje sentencias que nos abran puertas a la reflexión, es que sirve muy bien para cerrar este texto, cuando creo que he plasmado bien su identidad o aquello que creo que busca suscitar en nosotros. La acción transcurre en una tierra a priori intoxicada, por bombas del pasado y por viejos rencores. ‘Amanece’ no solo trata sobre aplacar la curiosidad que suscita cualquier relación interpersonal, también de estar en paz y de terminar nuestros días desintoxicados de todo rencor o cargo.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre. Título original: Amanece. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Francisco Viruega. Guion: Juan Francisco Viruega. Fotografía: Pepe de la Rosa. Reparto principal: Aura Garrido, Iria del Río, Isabel Ampudia. Producción: Factoría de Creación, Amanece Audiovisual AIE. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial:https://factoriadecreacion.com/amanece/
Emma quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en la ermita de su pueblo. Intenta convencer a Carol (Belén Rueda), una incrédula y falsa médium, para que le enseñe a hablar con fantasmas. Su ayuda será el único camino para seguir unida a su madre enferma cuando ella muera. Si Carol no la protege, la vida de Emma correrá peligro.
Crítica
El drama y la fantasía nos adentran en ‘La Ermita’
Después de conseguir grandes premios y alabanzas con ‘Cerdita’, CarlotaPereda regresa con su nueva película, ‘La ermita’. Muy diferente a su ópera prima, pero con alguna que otra semejanza a la hora de tratar las relaciones familiares.
La cinta nos arrastra al norte de España, en un pueblo donde todos los años celebran la apertura de una ermita donde eran encerrados los enfermos de la Peste. Aquí conocemos a Emma, una niña increíble que lo único que quiere es convertirse en médium y poder así hablar con su madre.
‘La Ermita’ es un drama sobrenatural, que trata sobre la familia y las relaciones entre madres e hijas, en este caso. Y de cómo el tiempo al final hace que estas relaciones se enfríen cada vez más. Esto es en lo que se me ha asemejado a ‘Cerdita’, pues recordemos que la relación con la madre, no era idílica.
La película me ha gustado bastante, entendiendo que no iba a pasar miedo, sino que iba a ver otra cosa y lo que he visto estaba bien rodado, bien contado y me ha parecido bastante interesante.
Nombrar a MaiaZaitegi, la joven actriz que da vida a Emma, que me ha parecido lo mejor de la película. Adoro a BelénRueda, pero es que Maia se la come en pantalla. Eso sí, el dúo que crean entre las dos está genial. Es divertido y a la vez muy peculiar por la manera de ser de los dos personajes. El personaje de Belén Rueda es bastante macarra y la verdad que sorprende verla en ese papel y termina siendo bastante convincente.
El guion está escrito a 3 manos, AlbertBertranBas, CarmeloViera y la propia directora, CarlotaPereda. Carlota se ha rodeado de un gran elenco de actores en el que destacamos caras tan conocidas como la de LoretoMauleón, lo bien que se le da a esta muchacha hacernos llorar. ElenaIrureta, XabierMatxain, JonOlivares, AnastasiaRusso o JoseanBengoetxea. También tenemos un pequeño cameo de LauraGalán, bastante divertido, por cierto.
Uno de los puntos buenos de la película, aparte de todas las localizaciones, la película ha sido rodada en Leizta y Artikutza y la ermita es la de Itxasperri. También sus efectos especiales están fenomenal y el buen trabajo de ambientación y decoración de todo el pueblo en el que nos encontramos.
La ermita llegará este 17 de noviembre a los cines en España de la mano de Filmax, tras su paso por el Festival de Sitges. Os la recomendamos mucho, no a todo el mundo gustó, y la verdad que son más las críticas negativas a las positivas sobre esta película, pero yo he de decir, que me ha gustado y aunque es muy triste es una historia muy bonita.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: La ermita. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Carlota Pereda. Guion: Albert Bertran Bas, Carmelo Viera y Carlota Pereda. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Rita Noriega AEC. Reparto principal: Maite Zaitegi, Belén Rueda, Josean Bengoetxea, Loreto Mauleón, Jon Olivares, Elena Irureta, Nagore Aranburu, Anastasia Russo. Producción: Filmax, Bixagu Entertainment. Distribución: Filmax. Género: Drama sobrenatural. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/la-ermita.270
Damián, un zahorí y padre de familia asfixiado por las deudas, recibe un encargo para encontrar agua que se convierte en su última oportunidad para mantener a flote a su familia. El padre bueno es un baile de fantasmas y presencias, de vida y muerte.
Crítica
Un poema narrativo y visual, eficaz con sus recursos
Jorge Cañada Escorihuela es un zaragozano residente en Londres, un artista experimentado en los Vfx (efectos visuales). Tras haber formado parte de proyectos como ‘The OA’, ‘Electric Dreams’, ‘The Crown’ o ‘Paddington’ ha podido trabajar en una escena de ‘Beau tiene miedo’ y con eso puede decir que se ha coronado. El mismísimo Ari Aster, director del último título que he citado o de películas como ‘Hereditary’ o ‘Midsommar’, le produce este cortometraje. Una buena carta de presentación, un aval que no viene nada mal, como comprobaréis cuando veáis ‘Dream Scenario’, pues ya empieza a ser sinónimo de calidad e innovación narrativa.
Que cuente con la participación de Ari Aster para muchos solo significará que ha creído en su proyecto y que, en parte, gracias a ello ha podido llevarlo a cabo. Pero algo debe haber visto el director norteamericano para invertir en esta película que también nos llega con el crédito del Festival de Málaga donde recibió un premio a Mejor Director y aspira a colarse entre los ganadores de los próximos Premios Goya. Nos sumergimos en una historia que, si tiene reminiscencias de Aster, sobre todo en lo misterioso, extraño y fantasmal, e incluso en lo rural. También podría ser una película de él en cuanto al tratamiento del drama, el duelo y el trauma.
David Lorente es este padre al que el título pone tan bien. Por tierras de Teruel busca agua, pero no la encuentra, ha perdido su toque zahorí. Está lleno de frustración y el dolor le ciega, es por eso que le cuesta hacer las paces consigo mismo. ‘El padre bueno’ desarrolla una metáfora en la que buscar agua es in intento desesperado por reencontrarse con la vida, porque perder un hijo es morir en vida.
‘El padre bueno’ se mueve por Interiores simétricos y muy estáticos, donde también reconoceréis el estilo de Aster. Pero esta es una película de Jorge Cañada y sobre todo se nota en la inclusión de efectos visuales trabajados en postproducción. Efectos que percibimos que están ahí poque hay una mezcla de elementos y paisajes que son imposibles, pero que se combinan de manera casi imperceptible y onírica. De esta manera la naturaleza sirve de figura retórica pero también de vehículo entre distintos planos de existencia. El filme nos mueve por los recuerdos, el pasado y el más allá de tal manera que es ineludible pensar en ella de una manera poética.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: El padre bueno. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Jorge Cañada Escorihuela. Guion: Jorge Cañada Escorihuela. Música: Olivier Arson. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: David Lorente, Almudena Ardit, Leo Céspedes, Ara Edo, Rubén Martínez. Producción: Tourmalet Films, Ari Aster. Distribución: Agencia Freak. Género: fantástico, drama. Web oficial:https://www.agenciafreak.com/archivo/el-padre-bueno/
Ambientada en un Panem postapocalíptico, la precuela de Los Juegos Del Hambre nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen.
Es la mañana de la cosecha que dará comienzo a los décimos Juegos del Hambre. En el Capitolio, Coriolanus Snow, de dieciocho años, se prepara para una oportunidad única: alcanzar la gloria como mentor de los Juegos. La casa de los Snow, antes tan influyente, atraviesa tiempos difíciles, y su destino depende de que Coriolanus consiga superar a sus compañeros en ingenio, estrategia y encanto como mentor del tributo que le sea adjudicado.
Todo está en su contra. Lo han humillado al asignarle a la tributo del empobrecido Distrito 12. Ahora, sus destinos están irremediablemente unidos…
Crítica
Hecha para que los fans gocen de los guiños y la concepción de los Juegos del Hambre
La obra de Suzanne Collins sigue cobrando vida. Llega el momento de retomar los Juegos del Hambre y ver en acción real todo lo sucedido en el libro ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’. Para los profanos en esta nueva entrega estamos hablando de una precuela lanzada hace pocos años y que como bien sabrán los lectores de la saga, no empalma directamente con la trilogía original. Tampoco trata acerca de Katniss Everdeen (JenniferLawrence) pero si sobre uno de los personajes principales de la trilogía que fue materializada también por el director Francis Lawrence.
Hay que reconocer que, te gusten o no ‘Los Juegos del Hambre’, la saga ha calado en el imaginario colectivo pues es habitual que cuando se produce una situación en la que muchos se disputan una sola cosa se dice aquello de “que comiencen Los Juegos del Hambre’. Pero a uno, que ya peina canas, no se le puede escapar el detalle de que esta sigue siendo una versión sentimentaloide de ‘Battle Royale’ que además conserva los mismos esquemas. Y más en esta entrega que al igual que en la versión japonesa vemos como los participantes aparecen en una sala de monitores de la que van siendo tachados cuando mueren, imposible no acordarse del personaje de Takeshi Kitano observando a sus alumnos. Además, si todo el logro cultural de la saga ha sido ese me parece bastante ínfimo.
Dicho esto ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ llega con la misión de ampliar el universo de Panem, en concreto de expandir la historia que llevó a las gentes de este mundo a recrearse con este macabro entretenimiento. Ahí tiene mucho que ver el que fue el villano de la anterior entrega. En su momento fue interpretado por Donald Sutherland. El presidente Coriolanus Snow es el protagonista y desde el seno de El Capitolio, el cual, nos cuenta cómo es la décima edición de Los Juegos del Hambre y cómo los cambió hasta llegar a ser lo que ya conocíamos, un espectáculo de castigo, muerte y lucha social. Esta vez está interpretado muy justitamente por Tom Blyth y con ello la saga mantiene su carácter juvenil.
Los fans de la franquicia gozarán de todos los guiños, aunque estos están metidos con calzador y de manera precipitada sobre todo en su extensísimo epílogo. También de la manera en cómo se plasman los primeros pasos de los Juegos del Hambre y de cómo ganan ese carácter de reality show televisivo. En las novelas y en las adaptaciones que arrancaron en 2012 tenemos como protagonista a un miembro pobre de los distritos. Aquí el eje que vertebra la historia es alguien que nace en El Capitolio pero que se relaciona con una persona de la clase marginal. Así tenemos de nuevo una historia de amor y de rebeldía que se antoja excesivamente larga para lo que te cuenta realmente.
Volvemos con los personajes vestidos de moda estrafalaria, con la violencia ligerísimamente explícita y con un mundo con ecos de la estética de la Alemania nazi con la de la Rusia soviética. Nos sumergimos en una academia en la que compiten alumnos al estilo de Harry Potter y tenemos un premio en disputa como si fuese el Cáliz de Fuego. Si hay una saga heredera de la obra de J. K. Rowling puede ser esta y su precuela probablemente cause las mismas sensaciones que ‘Animales fantásticos’, sobre todo a la hora de criticar el casting o la fidelidad del guión.
La duración es un lastre para este filme, no por estar mucho tiempo en una butaca pues eso hace que se rentabilice el alto precio de la entrada. Es por el relleno. Hay multitud de escenas que no nos cuentan nada o que están mal insertadas. En su mayoría las canciones, que no son pocas, aparecen sin causar el efecto pretendido. En busca del “¡oh capitán! ¡mi capitán!” nos provocan una sonrisilla de ridiculez ya que son inoportunas y no crean climax ni apoteosis. Viendo ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ uno se explica por qué Rachel Zegler va a ser la Blancanieves en el live action de Disney, canta muy bien pero no hay criterio ninguno a la hora de interpretar.
Lo mejor de esta película, para mí que tampoco soy fan de la saga, es Viola Davis que parecía que se iba a marcar un Oprah Winfrey en ‘Un pliegue en el tiempo’ pero sabe interpretar a un personaje demente sin que quede ridículo. Ella y Jason Schwartzman como Lucky Flickerman, que sin ser ni siquiera ser un secundario se marca una actuación carismática.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes. Duración: 157 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Lawrence. Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Reparto principal: Tom Blyth, Rachel Zegler, Viola Davis, Dexter Sol Ansell, Rosa Gotzer, Clemens Schick, Fionnula Flanagan, Hunter Schafer, Ashley Liao, Peter Dinklage. Producción: Color Force, Good Universe, Lions Gate Films. Distribución: Vértice Cine. Género: ciencia ficción. Web oficial:Vértice Cine.
Un enorme terremoto ha reducido el mundo a escombros. Si bien nadie sabe con certeza hasta dónde se extienden las ruinas, o cuál ha sido la causa del terremoto, en el corazón de Seúl tan solo queda un edificio de apartamentos en pie, el Hwang Gung Apartments.
Con el paso del tiempo y la llegada del frío, los forasteros comienzan a llegar a los apartamentos Hwang Gung para resguardarse del frío extremo. Ante la avalancha de nuevos inquilinos y la amenaza de su propia supervivencia los residentes del edificio promulgan una medida especial.
Crítica
Nos obliga de nuevo a revisionar el egoísmo y la solidaridad humana
Nueva película que nos plantea un escenario post-apocalíptico. En ‘Concrete Utopía’, un filme rodado por Um Tae-hwa, Corea del Sur sufre un devastador terremoto sin precedentes, haciendo que la propia tierra se ondule cual olas de mar en medio de una tempestad, destruyéndolo todo. En la región en la que vive el protagonista, la ciudad de Seúl, solo queda en pie un edificio. Con ese único lugar como resguardo ante la ruina y el frío los ciudadanos intentarán sobrevivir sin saber si habrá rescate o recursos suficientes.
La escena inicial y todas aquellas que reflejan el desastre que he mencionado son espectaculares. Pero la acción no transcurre por el país asiático. En lugar de ello se ubica únicamente en un bloque residencial que a aguantado en pie. No nos importa porqué ese seísmo ha sido tan salvaje sino el hecho de que allí tiene lugar la construcción de lo que parece que será la nueva sociedad. Si que es cierto que de vez en cuando ‘Concrete Utopia’ nos hace transitar por el desolado paisaje que está generado muy bien por ordenador y algún que otro decorado salpicado de seres humanos que hurgan en los escombros. Pero el foco del filme es mostrar cómo divididos entre propietarios ya residentes y refugiados de la catástrofe natural, los protagonistas representan a pequeña escala el drama de las diferentes crisis migratorias que asolan actualmente el planeta.
Evidentemente esa es una lectura que extraemos pero este no es un filme político o que busque ningún tipo de reivindicación. Es un drama como otros muchos en el que se ejemplifica una lucha por la supervivencia. Una vez más la especie humana es puesta a prueba y se imagina como sería nuestra solidaridad, avaricia o sacrificio. Spoiler, no tenemos muy buena percepción de nosotros mismos pues no hay lugar para culpa o remordimiento. Aunque he de decir que si en algo destaca este filme es en querer esbozar que hay una pequeña confianza hacia nuestra capacidad de trabajo en comunidad. Eso sí, aunque deja un rayo de esperanza, cae en lo que caen casi todas las historias postapocalípticas, casi todo el mundo usa las segundas oportunidades para ser peor aún de lo que era cuando todo iba bien.
Este tipo de propuestas se hace cada vez más frecuentes. Por todo el mundo crece la brecha entre ricos y pobres, también el miedo hacia un colapso. Es por eso que surgen películas como ‘El triángulo de la tristeza’ o ‘Vesper’. ‘Concrete Utopia’ sigue la estela de títulos como ‘Snowpiercer’, ‘28 semanas después’, ‘DMZ’ o ‘Estación once’. Es de esas películas que nos entrenan para un escenario del cual cada vez parece que estamos más convencidos que tendrá lugar antes o después. El director Tae-hwa Eom se lo imagina con personajes dubitativos, manipulables y temerosos. Mueve bien la cámara en escenas con muchos extras y caótica acción, también a la hora de realizar pequeñas introspecciones en sus personajes.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2023. Título original: Konkeuriteu yutopia. Duración: 130 min. País: Corea. Dirección: Um Tae-hwa. Guion: Um Tae-hwa, Kim Dong-gyun. Música: Kim Hae-Won. Fotografía: Cho Hyung-rae. Reparto principal: Lee Byung-hun, Park Seo-joon, Park Bo-young, Kim Sun-young, Park Ji-hu. Producción: Climax Studio, BH Entertainment Co. Ltd. Distribución: Vértice Cine. Género: fanntástico. Web oficial:Vértice Cine.
Una niña se adentra en el mundo de ensueño de las profundidades marinas. En lo más profundo del mar se esconden todos los secretos.
Crítica
Una saturación artística al nivel de los autores del postimpresionismo
Xiaopeng Tian debutó en la sección Aima’t del Festival de Sitges con esta sorprendente película. Antes ya habíamos sabido de él pues con ‘Monkey King: hero is back’ nos brindó una aventura con mucho sabor a tradición china. Ahora nos adentra en un mundo repleto de color y una imaginación exuberante.
Una niña es la protagonista de esta cinta. Una pequeña que echa de menos a su madre se cae por la borda cuando iba con su padre en un crucero recreativo. Un tifón es el responsable de ese accidente, pero también el punto de partida de una aventura que cual manga de agua revolucionará su vida a base de un torbellino de aventuras y vivencias. Como si esta fuese una revisión de la figura de Dorothy en el mundo de OZ descubre un universo de fantasía que le ayudará en su viaje personal, dotando al filme de un mensaje profundo. Incluso hace nuevos amigos que la incluyen en su búsqueda, pero son diferentes al espantapájaros, el león y el hombre de hojalata. No obstante, aunque la película me ha maravillado, cabe reconocer que tiene una estructura y un guión que hemos visto en multitud de ocasiones. También, por advertir a posibles detractores, puede llegar a marear como la saga de Spider-Man de Miles Morales.
Pero el auténtico protagonista, los protagonistas, son los animadores de este filme. Han hecho de este largometraje toda una experiencia. Es apabullante la calidad técnica de esta película. Es un desborde de formas, movimiento y pigmentos que nos dejan con síndrome de Florencia. Lo de ‘Deep Sea’ es una saturación artística al nivel de autores del postimpresionismo como Van Gogh, Seurat o Gauguin. Y es que realmente la película es surrealista y transcurre como si mostrase el subconsciente del artista, como una extensión de sus sentimientos. El diseño de entornos y personajes consigue ser muy realista, pero a la vez onírico, algo nada fácil de equilibrar. El nivel de detalle, con pelos, partículas flotando, luces, masas de agua… es de primer nivel, bravo por el estudio October Media. Dado su resultado estilístico habrá quien pensará que esta película está hecha con una IA, nada más lejos de la realidad, pero buena muestra de la fina línea que empieza a dividir el arte digital que vemos hoy en día.
Son casi dos horas de película que como decía sobrecargan nuestros sentidos. Si juntamos la calidad artística, la protagonista infantil, el cuento que narra… es lo más potente que he visto en lo que se refiere a todo aquello que haya podido seguir la senda de Ghibli, porque para mí esta películas son más Ghibli que todo lo que ha sacado últimamente el estudio de Miyazaki. No sería de extrañar el acabar viendo en España objetos promocionales de esta película tal como pijamas, figuras, cómics o libros de arte.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de mayo de 2024. Título original: Shen Hai. Duración: 105 min. País: China. Dirección: Tian Xiao Peng. Guion: Tian Xiao Peng. Música: Peng Dou. Producción: October Media. Distribución: Paycom Cinema. Género: fantasía, aventuras. Web oficial:October Media.
Tres años después de haber escapado del violento ataque contra su familia que dejó a su padre sin vida, la joven Becky trata de volver a la normalidad junto a la anciana Elena y su perro Diego. Pero cuando un grupo fascista irrumpe en su casa acabando con todo, las ansias de venganza de Becky afloran.
Crítica
Divertida y llena de grandes muertes salvajes.
¿Os acordáis de ‘Becky’ (crítica aquí)? Pues esta semana regresa con ‘La Ira de Becky’. Parece que a los malos no les entra en la cabeza que no hay que amenazar a ninguna persona secuestrando a su perro. Pues parecido a John Wick a nuestra Becky deciden quitarle al perrete y además matan a su única amiga, una mujer con la que vive en paz. Así comienza una de las cacerías más salvajes que veremos este año.
Con dos directores totalmente diferentes, Matt Angel y Suzanne Coote, que también se han encargado del guion, logran que la película siga el ritmo trepidante de la primera. Lulu Wilson vuelve años después a dar vida a esta muchacha con ciertos problemas de ira.
En la primera película, Becky sufre, intentan sobrevivir después de ver como su padre y ella son atacados salvajemente. En esta nueva parte, Becky disfruta. Sufre al ver que Diego (su perro) ha desaparecido, pero disfruta al ver que todo esto le da pie a poder soltar toda su ira y sus ganas de matar libremente sin tener que arrepentirse de nada.
En ningún momento se cortan a la hora de mostrarnos las muertes. Todas ellas imaginativas y llenas de grandes litros de sangre. Además, una de las cosas que vemos es que Becky se ha preparado físicamente para estar en forma.
Esta vez el malo malísimo es el personaje interpretado por Seann William Scott, un villano bastante razonable, pero que aun así, termina desquiciado con la cabezonería de esta joven que le va hacer la vida imposible hasta recuperar a su perro.
En el reparto encontramos también a Denise Burse, Jill Larson, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, hasta el propio director de la cinta, Matt Angel, hace un pequeño papel en la cinta.
‘La ira de Becky’ es una película muy divertida, llena de acción y como he dicho con mucha sangre en su haber. Sin duda una de las películas que más esperábamos en el Festival de Sitges y que no defraudó. Además, tiene un final bastante bueno y que esperemos que les de por hacer una tercera entrega viendo la siguiente etapa de la vida de Becky, pues se plantea interesante.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de noviembre de 2023. Título original: The wrath of Becky. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matt Angel, Suzanne Coote. Guion: Matt Angel. Música: Nima Fakhrara. Fotografía: Julia Swain. Reparto principal: Lulu Wilson, Seann William Scott, Denise Burse, Jill Larson, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, Matt Angel, Courtney Gains, Pac Williams, Alison Cimmet, Derek Gaines, Kate Siegel. Producción: BoulderLight Pictures, Fluffy Bear Studios, Media Finance Capital, RainMaker Films, Yale Productions, Post Film, Quiver Distribution. Distribución: Movistar. Género: Acción. Web oficial: https://ver.movistarplus.es/ficha?id=3127538&referrer=api
El aterrador y exitoso juego de miedo se convierte en un evento cinematográfico cuando Blumhouse, la productora de ‘M3GAN’, ‘Black Phone’ y ‘El hombre invisible’, lleva ‘Five nights at Freddy’s’ a la gran pantalla.
La película gira en torno a un atormentado guardia de seguridad que empieza a trabajar en Freddy Fazbear’s Pizza. En su primera noche de trabajo, se da cuenta de que no será nada fácil superar el turno de noche en la pizzería.
Crítica
Muchas subtramas para tan poco terror
‘Five Nights at Freddy’s’, el último bombazo de taquilla en los Estados Unidos, llega a España. Si el boca oreja no le hace mella, reunirá a aquellos que en su día jugaron al videojuego de Scott Cawthon. Sin duda su éxito se basa en la búsqueda por el reencuentro con las sensaciones conseguidas al jugar a un juego, en seguir el efecto llamada de todos aquellos streamers que en su día le dieron bombo a este videojuego que ya de por sí me parece bastante insulso. Probablemente en España su éxito, si lo tiene, llegue de manera más diluida.
Partimos de un juego muy apto para ninis, es decir, consta en estar sentado mirando una pantalla sin hacer nada. Te metes en el papel de un vigilante de una pizzería, que menudo presupuesto ha de tener para permitirse un guarda y todo un elenco de personajes animatrónicos. La cuestión es que en ‘Five Nights at Freddy’s’ tienes que pasar la noche en la garita mirando en tu pantalla las cámaras de seguridad mientras juegas una especie de escondite inglés con los personajes antropomórficos. Mucho presupuesto para tener un guardia de seguridad y unos robots que se tornan malignos, a lo Rascapiquilandia, pero luego la batería de las cámaras no te dura una noche. El juego no me atraía lo más mínimo, y eso que plantea un reto difícil dado que requiere concentración y velocidad con el ratón. La película tenía el objetivo de expandir su historia y respetar los elementos originales, que no daban para un filme. No consigue ni lo uno ni lo otro. Mira que ‘Tetris’ es un juego mucho más simplón y Jon S. Baird sacó oro. Aquí han querido sacarle chicha a algo que de por sí ya tiene poca sustancia y les ha salido una mezcolanza de elementos que se cuela entre las peores adaptaciones de un juego, por debajo de ‘Street Fighter’ o ‘Pixels’.
Se supone que hemos de esperar sustos a raíz de estos robots asesinos que beben muy mucho de historias como la de Chucky pero se diluye todo entre tanta trama extra que le dan al personaje de Josh Hutcherson. Niños desaparecidos a lo ‘Channel Cero’, una policía (ElizabethLail) que trabaja menos que Jefe Wiggum, una trama de trauma infantil y recuerdos bloqueados, una familia que anda como buitres tras el cobro de una pensión, unos encuentros somnolientos a lo Freddy Krueger, un villano que parece más que sacado de Scooby-Doo (entenderéis esto si miráis su reparto)… Todo para acabar resumiéndose en que el mundo es un pañuelo y los protagonistas se encuentran de casualidad. A mí se me ha quedado la misma cara de desconcierto o trastorno que la que pone todo el rato el abogado que aparece en el filme, que no tengo ni idea qué sentido tiene que se comporte como se comporta, ridículo.
La manera en cómo los protagonistas interactúan con los robots mascota acaba pareciéndose a Barrio Sésamo. Y para más inri se mueven bastante mal. Cuando están más estáticos son los aprendices de Jim Henson quienes mueven los hilos. Pero cuando el movimiento es más “animado” son personas las que interpretan a Chica, Bonnie y Freddy, notándose en exceso que hay una persona dentro. Se libra solo Foxy que al aparecer con el esqueleto metálico a la vista es realmente una marioneta.
Me ha dado por ver la película fanmade que hicieron unos adolescentes en 2017. Evidentemente es un filme amateur, casi de colegio pero que al menos recrea mejor la garita del vigilante. Aunque es una película hecha por cuatro amigos al menos tiene una trama más potable. Porque el argumento de ‘Five Nights at Freddy’s’, el videojuego, brilla por su ausencia y necesita algo de trasfondo, pero no tanto.
Desde luego es un taquillazo que a día de hoy casi ha cuadruplicado su presupuesto. Tenían intención de hacer trilogía y probablemente la hagan. Pero deberán devanarse más los sesos pues el efecto llamada perderá impulso cuando los espectadores vean que tira en exceso de algunos trucos típicos para sonsacar jump scares a partir de trillados juegos de luz. Y sobre todo cuando comprueben que la trama de secuestros infantiles y de trauma por desbloquear absorbe toda la atención. Por muy grandes que sean estos robots quedan relegados a un segundo plano. Se supone que este ha sido el mejor estreno de Blumhouse en su historia, por mí, aunque la película no me ha gustado, estupendo. Que hagan caja para hacer un buen ‘Spawn’.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de noviembre de 2023. Título original: Five Nights at Freddy’s. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Emma Tammi. Guion: Scott Cawthon, Seth Cuddeback, Emma Tammi. Música: Tyler Bates. Fotografía: Lyn Moncrief. Reparto principal: Josh Hutcherson, Matthew Lillard, Mary Stuart Masterson, Piper Rubio, Elizabeth Lair, Kat Conner Sterling. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, ScottGames. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/fnafmovie/
Muchos más superhéroes, aliens y momentos sanguinolentos
Qué larga ha sido la espera para poder seguir con la historia de ‘Invincible (Invencible)’. Hace dos años y medio se estrenó la serie animada que adapta los cómics de Robert Kirkman, Cory Walker y Ryan Ottley y por fin Prime Video nos muestra cómo continúa esta locura superheróica que está en la línea de otros productos suyos como ‘The Boys’, aunque dado su carácter juvenil y universitario cabría más asociarla a ‘Gen V’. Hemos podido ver los cuatro primeros capítulos de esta obra creada junto a Skybound Animation que el 3 de noviembre comenzará su emisión en la plataforma de Amazon.
Mark Grayson (Steven Yeun) continúa con su lucha por ascender al panteón de los superhéroes y ya de paso superar su difícil adolescencia. Como sabíamos de la primera temporada trabaja a la sombra de la figura de su padre, el superhéroe más importante de todos, Omni-Man (J.K. Simmons). Pero este mismo le traiciona pues oculta una verdad de lo más oscura. En ese punto retomamos la historia de este personaje que aún tiene pelusilla y no llega ni de lejos al bigote de su padre, pero que al menos es capaz de recibir tantas palizas como Kick-Ass.
‘Invincible’ sigue haciendo uso de la metáfora y el sarcasmo con su título. El protagonista no recibe más que derrotas pero permanece inaccesible al desaliento, al fin y al cabo es lo que tiene que mostrar un verdadero héroe. Pero lo que más nos muestra esta segunda temporada de ‘Invincible’ es sangre. Salvaje, brutal y casi gore era la primera parte y así lo es esta que además de continuar con la trama que parodia a grupos bizarros como La Liga de la Justicia o Los Vengadores ejecuta una crítica hacia las figuras idealizadas de nuestro mundo. Vuelve a ser un entretenimiento adulto que nos da momentos de auténtico goce sanguinolento pero también mucho que pensar con el desarrollo de su historia y de sus personajes. Aunque por supuesto tarta de expandir y hacer evolucionar la relación entre padre e hijo, dedica más tiempo a sus secundarios ya que como todos sabemos Prime Video tiene pensado expandir este universo, como se hace con Atom Eve.
De lo arquetípico a lo original. ‘Invincible’ luce personajes que son claro reflejo de iconos como el de Superman pero también muestra héroes y villanos completamente innovadores. Dentro del dinamismo de la serie, roto a veces por sus momentos más dramáticos, y del desarrollo de una historia de superhéroes hay un desglose de elementos originales. Tanto argumentalmente como en lo que se refiere a las habilidades de los protagonistas, la serie es capaz de sorprendernos con cosas nuevas. Ha merecido la pena la espera pues hay giros muy locos.
El reparto de voces continúa y cuenta en esta ocasión con Steven Yeun, Sandra Oh, Zazie Beethz, Grey DeLisle, Chris Diamantopoulos, Walton Goggins, Gillian Jacobs, Jason Mantzoukas, Ross Marquand, Khary Payton, Zachary Quinto, Andrew Rannells, Kevin Michael Richardson, Seth Rogen, J.K. Simmons… La lista de conocidos es larga.
Frasier mantiene intacta su vis cómica intelectual
Frasier regresa y esta vez podremos verle en SkyShowtime a partir del 3 de noviembre. Una vuelta que se produce tras dos aniversarios. Haciendo uso del perfeccionismo del Dr. Frasier Crane la cita tiene lugar con el cumplimiento redondo de dos onomásticas. Por un lado se cumplen treinta años desde el estreno de la serie en 1993 y por otro han pasado veinte desde que la serie concluyese un 11ª y última temporada en 2003.
Regresa prácticamente intacto el humor ágil e inteligente del personaje interpretado por Kelsey Grammer. Esta sigue siendo la confrontación de este psiquiatra contra el mundo. Mientras él quiere moverse por un mundo dominado por la sutileza y la razón no hace más que encontrarse con la irracionalidad de los sentimientos y lo burdo de nuestra sociedad.
Muy rápidamente nos ponen en situación tras el largo tiempo sin encontrarnos con este mítico personaje. Su padre ha muerto y está de paso por Boston para dar una sorpresa a su hijo. Le acompaña su sobrino y le acuede a recibir su fiel amigo Alan. Aunque no tenemos al reparto original los personajes siguen presentes. No solo a modo de referencia o con su descendencia, también ofreciendo las réplicas que hacen de esta serie un producto tan gracioso.
Inmediatamente nada más arrancar el primer episodio comprobamos que el sobrino de Frasier (interpretado por Anders Keith) es la viva imagen de su padre, con las mismas manías remilgadas e hipocondríacas. Se podría decir que Sheldon Cooper tiene bastante inspiración en este Crane. Él saca de quicio al protagonista pero también le extrae confesiones y momentos trascendentales. Por otro lado, en el contraste entre intelectualismo y brusquedad sarcástica está el amigo interpretado por Nicholas Lyndhurst. Su papel es similar al del fallecido JohnMahoney, ironizar con todo lo que sucede en escena y llevarlo con pragmatismo y resignación. La otra parte del rol que ejercía el personaje del padre, la que nos sacaba de cualquier argumento docto, la ejerce quien hace aquí las veces de hijo de Frasier. En vez de policía, bombero, Jack Cutmore-Scott es un contrapunto interesante.
Sin su clásico programa de consultas pero con un nuevo libro en ciernes, Frasier Crane se enfrenta a muchos retos nuevos. Entre ellos el de recuperar la sintonía de antaño (de hecho se ha grabado a la vieja usanza, con público en directo) y agradar a público nuevo. La serie sigue siendo lo suficientemente pícara y dinámica como para mantenerse durante varias temporadas. Mantiene todos los ingredientes que le funcionaron en el pasado, de hecho, está repleta de citas hacia la original. Todo el primer episodio es un resumen del devenir del personaje tras todos estos años y principalmente sirve de homenaje a John Mahoney, quien interpretaba al padre de Frasier y para muchos el personaje preferido. Además, hay un in memoriam hacia Gabrielle James (supervisora de guión en la serie original) y Archie Lyndhurst (hijo de Nicholas Lyndhurst, amigo de Frasier en la ficción).
Tráiler de ‘Manolo Kabezabolo (Si todavía te kedan dientes es ke no estuviste ahí)’
Tras su estreno a nivel mundial en la 21ª edición del Festival In-Edit de Barcelona, llega a ZINEBI el film protagonizado por el icono contracultural Manolo Kabezabolo. La cinta programada dentro de la sección Panorama Nacional, se proyectará el 3 de noviembre y el 4 de noviembre en las salas Mooby Aribau.
Dirigido por J. Alberto Andrés Lacasta, el largometraje documental ‘Manolo Kabezabolo (Si todavía te kedan dientes es ke no estuviste ahí)’ está producido por la productora aragonesa Du Cardelin Sudio. La película se ha programada dentro de la sección Bertoko Begiradak. Miradas desde Euskadi, con la que el Festival renueva su compromiso anual con el cine vasco más reciente.
‘Manolo Kabezabolo (Si todavía te kedan dientes es ke no estuviste ahí)’ nos presenta a Manuel Méndez, más conocido como Manolo Kabezabolo. Un artista punk que de manera un tanto inverosímil ha traspasado el tiempo, el espacio y las modas, sin renunciar a sus esencias y principios, para convertirse en un icono contracultural. Naiel Ibarrola es el responsable de la animación. Josu Trocaola se ocupa de los VFX y el etalonaje. Daniel Peña firma la edición de sonido y Manuel Méndez Lozano, Naiel Ibarrola y MarinaBarredo, la BSO. Manuel Morales, Ana Ara, MuboxSL y Jorge Yetano son los productores asociados. Leonor Villaluenga y Carmen Pérez se encargarán de la coordinación de producción. Ana Ara y Carmen Pérez son las productoras ejecutivas.
Al protagonista de esta historia, Manuel Méndez Lozano (Manolo Kabezabolo), le acompañan en la cinta Albert Plá (cantante), Kutxi Romero (cantante de Marea), Evaristo Páramos (cantante), Cristina Morales (escritora), Santi Ric (exapoderado), Kike Turrón (músico y cronista musical), Kike Babas (cantante y escritor), Nacho Tajahuerce (poeta), Rakel Winchester (cantante), Manolo Monzón (exmánager), Jaume AOS Sanuy (ex road manager), Jaume Esteve (exmánager), Rafa Trigos (ex-apoderado), Pilar Albiac (road manager), Fernando Madina (cantante de Reincidentes).
Os dejamos el tráiler que han compartido en las redes sociales.
¡¡QUE PASA PEÑA!!
Dejamos por aquí en exclusiva, una pincelada del documental que se estrena el 3 y 4 de noviembre en el festival internacional IN-EDIThttps://t.co/Rs4lthTMQtpic.twitter.com/TaXIDPmkgm
El director de la cinta admite que “Manolo Kabezabolo forma parte indisoluble de mi juventud, crecí escuchándolo asistiendo a sus restallantes conciertos, me sabía todas sus leyendas urbanas, sus desmanes y también toda su poesía, y esto era lo que me convirtió para siempre, y hasta hoy, en uno de los suyos. Reencontrarme con él después de casi treinta años y compartir confidencias mirando al futuro sigue siendo una experiencia salvaje.
Nuestra cámara permanece pegada a él y la forma de enhebrar su relato ha partido desde la desnudez y la falta de asideros y referentes, lo cual hace que el discurso de Manolo adquiera una naturalidad y autenticidad desarmante. A esto unimos por un lado el testimonio de algunas de las personas más significadas que han formado parte de su vida desde niño, el tratamiento particular que hemos dado a su enfermedad mental desde la animación; así como un ímprobo rescate de imágenes de archivo restauradas absolutamente inéditas, casi todas fruto de grabaciones de sus músicos y seguidores en conciertos, camerinos”.
Años 60. María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (Chile). El momento más especial de la semana es el domingo, cuando todos van al cine a disfrutar de las historias que les llevan a otros mundos. Los padres de la niña pronto se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial, una habilidad casi asombrosa para contar películas. El extraordinario talento de la niña se extenderá por todo el pueblo, cambiando la suerte de su familia al mismo tiempo que el país se transforma para siempre.
Crítica
Logra que los personajes y los espectadores sientan el cine como herramienta terapéutica
La danesa Lone Scherfig llegó por última vez a nuestros cines a través de su largometraje ‘Su mejor historia’ (2016), ya que ‘La amabilidad de los extraños’ (2019) se estrenó directamente en plataformas. El título de 2016, protagonizado por Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston y Bill Nighy consiguió encandilarnos a través de una historia que emanaba mucho cine. En esta ocasión, con ‘La contadora de películas’, vuelve a tirar del metalenguaje y nos transporta al Chile empobrecido, recóndito y desértico de los años 60.
Los protagonistas de esta nueva y emotiva película son Sara Becker, AlondraValenzuela, Antonio de la Torre, BéréniceBejo y Daniel Brühl. Juntos nos cuentan la historia de una niña con una capacidad conmovedora y transportadora de narrar las pocas películas que ha podido ver en el cine de la villa creada por la empresa extractora de salitre para la que trabaja su padre. Pronto la empiezan a conocer como La Contadora de Películas y esa habilidad se convierte en una fuente de dinero. Eso de “libre de spoilers” no es un concepto que se pueda permitir ya que sus oyentes buscan conocer el devenir de las películas a través de sus narraciones.
Es evidente que esta película puede recordar a ‘Cinema Paradiso’, ‘Los Fabelman’ o ‘Un segundo’. Todas ellas son historias que emplean el cine como bálsamo para sus protagonistas, como medio de evasión o instrumento que sirve para exteriorizar las penas o temores. La protagonista lo utiliza como negocio y como manera de compartir una pasión, pero también como terapia para aquellos que no pueden acceder a una entrada de cine, para los que están atrapados en su realidad o para dar vida a los sueños de los que ven inaccesibles otros mundos. Hace poco descubrí que hay gente que se gana la vida leyendo libros a otros a domicilio, ella hace algo similar. Es precioso como la niña establece paralelismos entre las películas que le llegan a Atacama con la sencilla realidad que le rodea. En lugar de una lucha de clases, un amor a tres bandas o un drama familiar ella solo ve cómo los humanos somos la viva imagen de las películas, no al revés. Es la manera que tiene para sobrevivir.
La ficción se desmorona y el drama toma el control de tan soñadora película cuando descubrimos que mientras que todos anhelan conocer las historias proyectadas en el celuloide y que no han podido ver, la protagonista solo quiere descubrir la verdad que le ha sido negada y ser capaz de enfrentarse a su propia historia. Scherfig nos cuenta de esta manera una historia emotiva y entrañable que usa la luz de gas al estilo de ‘La vida es bella’. Y ya de paso, al igual que la película de Benigni, toca un pedazo de la historia de uno de los países subyugados por otro de los grandes dictadores del siglo pasado, curiosamente relacionado con otro de los grandes títulos españoles de la actualidad, ‘Dispararon al pianista’. Buen momento para el hermanamiento entre Chile y España.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: La contadora de películas. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Lone Scherfig. Guion: Walter Salles, Rafa Russo, Isabel Coixet. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto principal:Producción: Selenium Films, A Contracorriente Films, Altiro Films, Contadora Films, Euskaltel-Telecable, HBO Max, Latido Films, Programa Ibermedia, RTVE, Televisió de Catalunya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-movie-teller
Este año prepárate para una reunión familiar plagada de acción, estrellas y una familia de todos los colores del arcoíris con el nuevo capítulo de la superexitosa saga musical de DreamWorks Animation: Trolls 3: todos juntos.
Crítica
La vuelta de las criaturas abanderadas de la concordia, el jolgorio y la diversión
Vuelve el baño de colores y música que haría las delicias de los consumidores de psicotrópicos asistentes a Woodstock. Llega a cines ‘Trolls 3 todos juntos’. Hoy en día usamos la palabra “trolls” para referirnos a aquellos individuos que en la red o en la vida real se dedican a dinamitar las cosas o a fustigar la vida de los demás, pero esta saga hace lo contrario. Estas criaturas son de carácter alegre, casi empalagoso, claras herederas de los Osos Amorosos y abanderadas de la concordia, el jolgorio y la diversión.
‘Trolls 3’ trae una nueva historia de amistad, familia, compañerismo y hermandad. Por supuesto para desarrollar y agrandar el universo iniciado en 2016, que dio vida a los juguetes que se comercializaron en 1959, se han creado nuevos personajes (que incurrirán en nuevos muñequitos) y sobre todo nuevas canciones. Te guste o no la historia de Trolls o estés o no en sintonía con sus valores y colores hay que reconocer que en cuanto al merchandising y a lo musical esta saga es un éxito. Ahí está el tema de Justin Timberlake que tanto suena aún siete años después, dando vida y sentido a su título “Can’t Stop the Feeling!”.
La trilogía ha tenido siempre dos directores. Uno de ellos ha ido cambiando pero la constante ha sido siempre Walt Dohrn (‘Shrek 2’). La saga sigue fresca, alegre, dinámica… Es de esos productos de consumo familiar que van en piloto automático lo dirija quien lo dirija. La fórmula en este tipo de películas suele variar poco. El truco suele ser el generar suficientes personajes como para que cada uno de los niños y niñas que ven la película se sientan identificados y tengan ya un juguete apuntado para su carta de Navidad. Se parte siempre de una situación de armonía, se genera un conflicto, se suman nuevos personajes y a partir de ahí nos podemos imaginar como terminará la aventura. Casi todas las sagas infantiles animadas de hoy en día siguen esta pauta. En la anterior entrega, que tuvo que lidiar con su estreno pegado a los confinamientos en todo el mundo, se introdujo el concepto de la guerra de bandas entre diferentes géneros musicales. Ahora se toca el tema de los duetos musicales y sobre todo de las Boy bands. En la dos no me gustó que se remarcase lo mismo de siempre, que los rockeros son los malos, pero al menos en ‘Trolls 3’ se inculcan mejores valores.
DreamWorks se asegura su continuidad con películas como esta, se habían hecho demasiado dependientes de los minions. Estoy seguro que de con esta nueva entrega, que probablemente habría funcionado mejor con unas vacaciones navideñas de por medio, van a recuperarse del varapalo sufrido con ‘Ruby: aventuras de una kraken adolescente’.
Ahora más que nunca se nota que el productor es Justin Timberlake, porque la trama parece un clamor porque NSYNC vuelvan a reunirse, como pasó en los últimos MTV Video Music Awards. Y como decía el argumento de ‘Trolls 3’ sigue esquemas habituales pero por lo menos aporta de una manera más correcta valores de identidad y fraternidad. Además, entre tanto color, fieltro y la recientemente prohibida purpurina exhibe el diseño de dos nuevos villanos que parecen sacados del videojuego Cuphead. Estoy seguro que van a estar en la estantería de muchos pequeños pero no me queda tan claro si va a calar el mensaje de qué la fama a cualquier precio no merece la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Trolls Band Together. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Heitz, Walt Dohrn. Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Elizabeth Tippet. Música: Theodore Shapiro.:Reparto principal (doblaje original): Anna Kendrick, Justin Timberlake, Troye Sivan, Eric André, Daveed Diggs, Kid Cudi, Emmy Amy Schumer, Tony, Andrew Rannells. Producción: Dreamworks. Distribución: Universal Pictures.
En la Valencia de finales de los 80, un grupo de amigos de barrio se sumerge en las interminables noches de fiesta de las discotecas de la Ruta del Bakalao, donde la fiesta y sus riesgos amenazan su amistad y hasta sus vidas. Una película que revive el inicio de aquella legendaria “movida valenciana”
Las localizaciones de la película, en míticas discotecas como Spook y Masia han sido fundamentales en la película. Rodada íntegramente en escenarios de la Comunidad Valenciana, como en el valenciano barrio del Cabanyal, y con una banda sonora repleta de clásicos de la electrónica de la Ruta del Bakalao de grupos como Anne Clark, Inmaculate Fools, The Chameleons, Comité Cisne, Megabeat, Double Vision y The Molestones.
Crítica
No es una película sobre la movida valenciana, pero está claro que es hija de ella
‘Quan no acaba la nit’, es la primera película del director debutante Óscar Montón, la cual nos cuenta las vivencias a lo largo de los años de un grupo de amigos con la “movida valenciana” como telón de fondo.
Confieso que me dispongo a ver la película con alguna idea preconcebida en cuanto a todo lo que se refiere a la Ruta del bakalao y su música “makinera”. De hecho pertenezco a ese grupo de edad que vivió en sus carnes la propia Ruta o sus influencias, la cual estuvo muy presente en el panorama nocturno español desde finales de los 80. La música tecno reinaba en Valencia y Chimo Bayo la hizo masiva con su ‘Así me gusta a mí’, un tema legendario que traspasó nuestras fronteras.
Pero vayamos al lío que me pierdo entre la nostalgia. Me encuentro en las primeras secuencias con el grupo de 5 amigos, cada uno con sus vidas y sus conflictos, con diferentes situaciones, pero que disfrutan de la noche para abstraerse de sus problemas con el alcohol, las drogas y la música tecno como elementos catalizadores.
A poco que pasan los minutos ya me voy dando cuenta de que la Ruta es tan solo el hilo conductor de un drama más serio, donde las consecuencias de algunas decisiones van a marcar el devenir de la película.
Tres son los chicos protagonistas, cada cual con sus diferentes orígenes y en común los fines de semana y su amistad. Se produce un lapso de tiempo y vemos cómo han evolucionado, cómo la noche ha dejado huella en algunos de ellos y no para bien precisamente. Dos son las chicas de la foto del grupo, de las cuales una tiene un peso más específico en el filme y algo más de desarrollo de personaje, mientras que de la otra apenas se cuenta mucho y pasa a un segundo plano.
Mención aparte para el pequeño papel de Chimo Bayo, que hace su debut como actor en ‘Cuando la noche no termina’ siendo sus momentos los que tienen más humor, ya que la película los tiene contados. Su personaje, “El Holandes” me gusta y a él se le siente cómodo con él y se nota en el resultado. Un acierto para la película sin duda aunque sea poco más que un cameo.
Observo que el filme se hace más oscuro a medida que pasan los minutos, donde los sueños del personaje más importante para mí, que es Fran (Sergio Castillo), empiezan a demandar un precio muy alto para verse cumplidos, afectando en mayor o menor medida al resto del grupo. Todo se va complicando poniendo a prueba la confianza y las lealtades de cada uno de ellos hasta que llega el desenlace.
Me quedo con ganas de profundizar más en los personajes, que pese que quedan más o menos claras las circunstancias de casi todos, no terminan de tocarme la fibra en prácticamente ningún momento. Los actores están correctos, y quizás algo maniatados por un guión que podía aportar algo más de lo que aporta. Tengo la sensación de que se quiere meter La Ruta, un triángulo amoroso, una historia del hampa, otra de adicción, otra de amistad… y falta metraje para poder dar fuerza a todo eso o falta pulir mejor el trabajo. Tanto ingrediente, si no está bien aderezado, pierde fuerza y su sabor se diluye.
En parte esta sensación se confirma con el final, medio resuelto pero adoleciendo de cierta inconsistencia tal y como iban los acontecimientos, que lo parecían llevar a un drama potente pero que en definitiva para mí se queda en algo más liviano como conclusión. A mí no me convence.
‘Cuando la noche no termina’ es una historia principalmente de amistad, con el trasfondo de La Ruta del Bakalao y los peligros (y consecuencias) que venían de la mano de la misma: drogas, mafias y todo el espectro de personajes que trae la noche de fiesta consigo. No es una película en mi opinión de lo que fue la movida valenciana, pero tengo claro que es hija de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Quan no acaba la nit. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Óscar Montón. Guion: Tirso Calero, Begoña Soler, Óscar Montón. Música: Javier Contreras, Mª Elena García Ferrandez. Fotografía: David Monton. Reparto principal: Roberto Hoyo, Carla Pascual, Sergio Castillo, Álex Monterde, Alex Peral. Producción: Audiovisuales Morvedre, Dacsa Produccions, À Punt. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: drama. Web oficial:https://conunpack.com/portfolio-items/quan-no-acaba-la-nit-cuando-la-noche-no-termina/
Decidido a encontrar a su hija desaparecida, el detective Danny Rourke (Ben Affleck) se ve inmerso en un laberinto mientras investiga una serie de asaltos a bancos que desafían la realidad y que le harán cuestionarse sobre todo y todos los que le rodean. Con la ayuda de Diana Cruz, una vidente superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija. Pero acabará descubriendo mucho más de lo que esperaba.
Crítica
Rodriguez se pone nolaniano y casi le sale bien
Robert Rodriguez vuelve con otro título de ciencia ficción tras su saga de los niños espías y los episodios dirigidos en la serie de Boba Fett o el mandaloriano. Alejado ya de sus historias de marcado sabor mexicano o de las adaptaciones de cómic o manga ha escrito un guión que se ciñe a los esquemas de las películas fantasiosas que van edulcoradas de conspiraciones y tramas supuestamente engorrosas o laberínticas. Una propuesta que parece tener intención de convertir en saga pues hay escena post-créditos que así lo hace pensar.
‘Hypnotic’ trata sobre un hombre que busca a su hija. Pero lo que le sucede es tan desconcertante que Rodriguez ha procurado transmitirnos esa sensación hasta con las lentes usadas en sus cámaras. A través de objetivos anamórficos busca crear imágenes distorsionadas, deformadas, como si nos quisiese decir que la realidad del protagonista está mareantemente trastocada. Y de eso va el filme, de realidades o de motivaciones modificadas. Regresiones, juegos laberínticos, habilidades casi de jedi… En resumidas cuentas es una historia detectivesca que podría haber sido perfectamente un episodio de ‘Fringe’ o una escena en la que The Matrix toma el control de los ciudadanos para atrapar al protagonista. El factor fantástico lo ponen unos personajes capaces de controlar la mente, lo cual, nos lleva a elementos muy nolanianos pero también a asemejarla a un título estrenado hace tan solo unas semanas, ‘Awareness’. Lástima que el guión o las reglas que se inventa no sean tan potentes como el poder que usan sus personajes.
El misterio de la desaparición de la niña es lo que nos mantiene enganchados a la trama. Eso y algunas de las muertes o de las imágenes psicotrópicas que ofrece la cinta, muy a lo ‘Origen’. La historia de ‘Hypnotic’ es disfrutable si entras en su juego o si vas predispuesto a someterte a una serie de normas muy fantasiosas o a giros de guión que dan un golpe de timón casi tramposo al argumento. De lo contrario la película puede parecerte ligeramente ridícula, dentro de su pretendida seriedad a veces luce como la idea para un videojuego juvenil.
Si no me equivoco es la primera vez que Ben Affleck trabaja con Rodriguez. No han extraído ninguna interpretación fuera de lo que ya le hemos visto anteriormente al actor. Pero aún así el trabajo del anteriormente conocido como Batfleck no es de las cosas que descartaría de la cinta. Sin embargo, para mí, lo mejor es William Fichtner como el villano inescrutable y misterioso de la historia que se desvela como tal desde el mismo inicio de ‘’Hypnotic’. Eso y que valoro que Rodriguez se ha salido de su cine habitual. Aunque no le haya quedado algo grandilocuente para mí sí que logra entretenernos de un modo mínimamente original.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Hypnotic. Duración:País: EE.UU. Dirección: Robert Rodrígue. Guion: Robert Rodríguez, Max Borenstein. Música: Rebel Rodriguez. Fotografía: Pablo Berron, Robert Rodriguez. Reparto principal: Ben Affleck, Alice Braga, JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey, Jackie Earl Haley, William Fichtner. Producción: Blue Rider Pictures, Double R Productions, Hoosegow Productions, Ingenious Media, Solstice Studios, Studio 8. Distribución: Diamond Films. Género: thriller, acción, ciencia ficción. Web oficial:https://blueriderpictures.com/hypnotic-2023/
En la España de la posguerra, Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales, llega a un antiguo convento, ahora colegio para niñas, para incorporarse como maestra. Conforme pasan los días, los extraños acontecimientos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan, terminarán por conducirla a desentrañar la terrible madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus habitantes.
Crítica
Paco Plaza regresa de la mejor manera al cine de terror
Este próximo 27 de octubre llega a nuestras pantallas de casa ‘Hermana Muerte’. Aquí conoceremos el pasado del personaje que ya vimos en ‘Verónica’, ambas películas dirigidas por PacoPlaza.
Este spin off nos lleva a la posguerra española. Donde una joven novicia, Narcisa, se adentra en un convento en su nueva aventura como maestra de niñas. Aquí, conocerá a través de los diferentes sucesos paranormales que le van ocurriendo, los oscuros secretos de este lugar.
‘Hermana Muerte’ nos adentra a través de la cámara en un convento muerto en vida. Un convento triste y que solo quiere intentar rejuvenecerse y llenarse de nueva vida. Un convento que vamos descubriendo con luz natural y con las luces de las velas. Es impresionante el trabajo de iluminación de la película y la fotografía tan bonita y cuidada que tiene.
Paco Plaza es capaz de crear una atmósfera terrorífica en cualquier lugar y momento. Además, aunque hay ciertos sucesos que te ves venir, incluidos algunos sustos que son previsibles, el director, consigue sorprendernos. Admito que PacoPlaza me encanta y disfruto mucho con su cine, logra mantener la tensión siempre y además contar una buena historia. La dirección me parece impecable y tienen imágenes muy potentes, el final es tremendo, con una figura terrorífica que hará las delicias de muchos.
La fotografía de DanielFernándezAbelló, como he comentado, es preciosa, bastante minimalista y con el blanco como color predominante en esta cinta.
El tema del vestuario junto con las localizaciones, me han parecido perfectos. Y es que, aunque el vestuario tampoco tenga nada de original, VinyetEscobar, logra crear atuendos asfixiantes y a la par llenos de paz. Además, que las manchas de sangre con ese color destacan mucho más.
En el reparto encontramos a AriaBedmar, encargada de dar vida a la Hermana Narcisa, no conocía a esta actriz y la verdad que está de maravilla. Con una cara angelical y una voz muy dulce logra que nos creamos de verdad que estamos ante una novicia. Eso sí, sus escalofriantes gritos os pondrán la piel de gallina.
Junto a ella encontramos a AlmudenaAmor, MaruValdivieso, LuisaMerelas o CheloVivares entre otras. Tengo que dar un pequeño apunte y es que otra de las cosas que me han sorprendido para bien en ‘Hermana Muerte’ es lo bien que se escuchan las voces en la película y lo bien que vocalizan todas las actrices. Es un gustazo escucharlas.
El filme nos adentra en parte de nuestra historia, de esa historia negra de nuestro país y de también parte de la religiosa, pues vemos una recreación de aquellas niñas que vieron a la Virgen en Garabandal, mientras entraban en trance delante de todo el mundo. He puesto este ejemplo, pues buscando fotografías de aquel evento, es al que más me han recordado las imágenes que vemos en ‘Hermana Muerte’.
La película está rodada en Valencia y como he comentado, este viernes llega a la plataforma de Netflix. Mejor plan para Halloween no puede haber, pues podéis veros ‘Hermana Muerte’ para luego pasar a ‘Verónica’.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Hermana muerte. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Paco Plaza. Música:Fotografía: Daniel Fernández Abelló. Reparto principal: Aria Bedmar, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Almudena Amor, Chelo Vivares, Sara Roch, Olimpia Roch, Adriana Camarena, Martina Delgado, Claudia Fernandez Arroyo, Consuelo Trujillo, Sandra Escacena. Producción: El Estudio, Netflix. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81478662
Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.
Crítica
Hayao Miyazaki nos hace soñar y reflexionar con ‘El chico y la garza’
De Sitges nos llevamos una de las películas más esperadas del año. La nueva película de Hayao Miyazaki. Su última película, o eso dicen, aunque sí que parece una especie de despedida de su mundo.
Mahito, un joven que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Vamos conociendo diferentes realidades a través de un mundo onírico lleno de caras conocidas y con diferentes papeles.
Miyazaki a sus 82 años aún no ha perdido ni su magia ni imaginación. En ‘El chico y la garza’ nos devuelve sus paisajes fantásticos y sus personajes tan extraños y tan dispares como el solo sabe hacer.
Si que es cierto, que a mi parecer es una película bastante amarga, triste e incluso demasiado filosófica. Se que Miyazaki ya nos tiene acostumbrados a todo esto, pero, aun así, me parece mucho más llena de nostalgia y de tristeza.
El director ya contó que es una de sus películas más personales. Donde nos habla de una manera fantástica, sobre la preocupación de su marcha de Ghibli, de que no encuentra a quien dejar su gran imperio. Y si a quien se lo deje, va a ser lo suficientemente bueno para poder quedarse tranquilo durante su jubilación.
En ‘El chico y la garza’ vemos todo esto reflejado en uno de sus protagonistas, que está sufriendo por encontrar un heredero digno de su legado.
Pero también, nos habla de la familia y por supuesto de la amistad. También de manera bastante personal. Es más, la película lleva el título en japonés de ‘Kimitachi wa Do Ikiruka’ que significa literalmente ‘¿Cómo vives?’, y está tomado de la novela homónima de Genzaburo Yoshino, libro que le regaló su madre al cineasta en su juventud y del que cogió ciertas ideas, además de sus propias vivencias de juventud.
Esta película comenzó a hacerse en 2016. Esto deja ver el cariño y trabajo duro que realiza el director para sus películas. La animación al estilo tradicional se fusiona con la animación digital dando la bienvenida a las nuevas tecnologías, pero sin perder el espíritu Ghibli.
Sus dibujos como siempre, son especiales, buscando movimientos a veces imposibles, sacados de sueños. Además de sus criaturas y esas caras tan grotescas con expresiones tan marcadas.
La película me ha gustado bastante, sí que no soy el público de Ghibli, pero en esta ocasión he de decir que me adentré de lleno en la película y la disfruté. El próximo viernes 27 de octubre llega a nuestras salas gracias a Vértigo Films.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2024. Título original: Kimitachi wa Do Ikiruka. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Hayao Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Atsushi Okui. Reparto principal: Soma Santoki, Masaki Suda, Tayuka Kimura, Aimyon, Kô Shibasaki, Yoshino Kimura, Shohei Hino, Jun Kunimura, Kaoru Kobayashi, Keiko Takeshita, Karen Takizawa. Producción: Studio Ghibli. Distribución: Vertigo Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/el-chico-y-la-garza/
Enmascarado como el monstruo del libro ilustrado ‘Lumberjack the monster’ alguien comete una serie de extraños asesinatos en los que el asesino se lleva cerebros humanos. El nombre del único hombre al que el asesino no ha conseguido matar, el abogado Akira Ninomiya, surge en la línea de investigación. De hecho, Ninomiya es un psicópata despiadado y de sangre fría que incluso está dispuesto a matar para conseguir su objetivo. La policía utiliza ahora todos sus recursos para investigar el caso, Ninomiya pretende devolver el golpe al asesino. ¿Quién llegará primero a la verdad? Psicópata contra asesino en serie… ¡La locura no se detendrá hasta la impactante conclusión! ¡El más loco sobrevive!
Crítica
Interesante trama psicópata con un Miike contenido
Con ‘Lumberjack the monster’ Takashi Miike, el prolífico y adaptable director japonés, vuelve con una historia que conserva su sello, pero que exhibe una contención pocas veces vista en su filmografía. Su currículo está repleto de extravagancias y baños hemoglobínicos, que aquí no faltan, pero nos reduce la dosis. Los chorros de sangre van de más a menos y en su lugar nos brinda una trama policial. ‘Lumberjack the monster’ es la persecución de un asesino psicópata, de varios de hecho, aunque procura no olvidarse de sus personajes extraños.
‘Lumberjack the monster’ sigue un juego entre detectives y sociópatas como el de ‘Death Note’. Tenemos a un villano con cierto sentido impopular de la justicia, el cual, flirtea con el peligro mientras la policía le pisa los talones. A su vez hay otra fuerza enemiga en el tablero pero esta tiene una identidad desconocida. Incluso se plantea un debate similar sobre el castigo a los supuestos enemigos de la sociedad o lo justificado que puede estar el tomarse la justicia por cuenta propia, no os va a costar acordaros de L y de Light Yagami. A la trama le falta la ultraviolencia de Miike pero por el contrario se vuelve muy interesante con el duelo a tres bandos que plantea. El director demuestra que tras más de cien películas no está estancado con el mismo cine. Se disponen suficientes giros de guión como para aguantar la duración del filme y la dinámica que hace que cada vez haya menos acción. Aunque he de reconocer que usar la solución del Dr. Bacterio para arreglar los cachivaches a golpecitos me parece un poco vaga. Quizá los actores ejecutan sus papeles con excesivo dramatismo, pero no deja de ser algo propio del cine nipón. Con ‘Lumberjack the monster’ prima el guión, un libreto que es lo suficientemente entramado como para que la sangre y el componente fantástico quede relegado a un segundo plano y no perdamos la atención.
Miike ha escogido una buena base para este nuevo filme, la novela de Mayusule Kurai. Además se ha asociado con alguien también muy acostumbrado a adaptar animes o mangas a la acción real como Hiroyoshi Koiwai. Se hecha de menos su sentido del humor pero es un gustazo ver que sigue en forma y trabajando con jóvenes talentos como Kazuya Kamenashi.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de junio de 2024. Título original: Lumberjack the Monster. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Hiroyoshi Koiwai. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Reparto principal: Kazuya Kamenashi, Nanao, Riho Yoshioka, Shôta Sometani, Shido Nakamura. Producción: Oriental Light and Magic, Warner Bros. Pictures Japan. Distribución: Netflix. Género: suspense. Web oficial:https://wwws.warnerbros.co.jp/kaibutsunokikorijp/index.html
Cuando la directora de vídeos para internet Hiroko Kurasawa visita la casa de su antiguo colega Naoto Ihara, quien ha perdido a su esposa, ve a su hijo Haruto recitando un extraño hechizo en dirección a un montículo de tierra en su jardín. Un encantamiento misterioso, la cola de un lagarto, un dedo, una sombra pálida, un montón de tierra ondulante y una casa sellada… Alrededor de Hiroko comienzan a producirse fenómenos extraños y lo que comenzó como el deseo inocente de un niño se convierte en una maldad desatada.
Crítica
Con mucho más de dorama que de J-Horror
Nos reencontramos con el director japonés Hideo Nakata pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’ y sus secuelas y remakes. ‘Juego prohibido’ es una película que intenta recuperar los elementos del J-Horror de principios de siglo pero que se queda en agua de borrajas a la hora de actualizarse. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.
Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. ‘Juego prohibido’ es en su mayoría un culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.
La trama es tan desconcertante como absurda. Al principio o si nos quedamos solo con los elementos más desconcertantes, podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). La tarma de los cazademonios a lo ‘JujutsuKaisen’ se sale completamente del tono terrorífico que parecía que buscaba el director. Ni los momentos de comedia, ni tampoco el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ parece un dorama que surge de la novela de Shimizu Karma y su título hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de octubre de 2023. Título original: Kinjirareta asobi. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Hideo Nakata. Guion: Noriaki Sugihara. Reparto principal: Kanna Hashimoto, Daiki Shigeoka, Mayu Hotta, Yuki Kura. Producción: Dub, Toei Company. Distribución: Selecta Visión. Género: suspense, terror. Web oficial:https://kinjirareta-asobi.jp/index.html
Tras ver al completo la segunda temporada de ‘30 monedas’, al margen de poder corroborar que esto queda para la ya anunciada tercera parte, podemos decir que ha sido un glorioso viaje de dimensiones infernales. Con épica, con comedia, con todo tipo de detalles macabros y por supuesto fantásticos.
Ya no estamos encerrados en el pueblo segoviano de Pedraza. El final de la primera temporada acababa con caos y así ha arrancado este segundo periplo de la serie de Álex de la Iglesia. El enredo ha desperdigado a los protagonistas de esta historia por todo el mundo y por su inframundo, el infierno. Ha sido un viaje tan divertido que podemos afirmar de nuevo que pagaríamos más de treinta monedas por repetirlo, de la divisa que sea.
Que a Álex de la Iglesia y a Jorge Gerrikaetxebarria les gustan las historias satánicas, los juegos de rol y las escaladas de violencia o locura es algo que ya sabíamos. Pero en ‘30 monedas’ se junta absolutamente todo eso, lo cual, sumado a que estamos ante una producción de HBO Max eleva el nivel, aunque hay muchos detalles de imágenes generadas por ordenador que son francamente mejorables. Si la primera temporada nos pareció un espectáculo rural, imaginativo y desatado, como si Berlanga fuese fan del fantástico más diabólico, en esta disfrutamos como un gamer con consola nueva. ¡Tenemos nueva partida!
La primera temporada de ’30 monedas’ se asimiló mucho a una partida de rol inspirada en las obras de Lovecraft o al ‘Dark Souls’, por mucho que De la Iglesia se haya hartado a decir que no lo ha jugado. Ahora en el plano estético están presentes Hellraiser (y Hellblazer) por motivos que tocaré después, pero adelanto que el mayor deleite es ver recreadas las extrañas figuras que El Bosco introducía en cuadros tan impresionantes como El Jardín de las Delicias. En lo que se refiere a la trama la serie sigue con ese toque coral que por momentos se asemeja a un episodio españolizado de ‘Supernatural’, a ‘La búsqueda’, ‘El Código Da Vinci’ e incluso a varias entregas de ‘Indiana Jones’. Y por supuesto entre tanta referencia a la cultura pop también hay espacio para hacer una especie de burla hacia la cienciología, los Iluminati y similares. En resumen, es una mezcla de la hostia consagrada. Yo por lo menos quiero que me digan dónde comprar ese manual de Apocalipsis para Dummies que no atina a ver el personaje de Pepón Nieto.
Videoclip de heavy metal es una similitud que también se acopla bien a esta segunda temporada. Como decía al principio y como se veía en el tráiler nos llevan al infierno y estas escenas, que no son pocas, se llevan la palma. Se percibe una influencia de la arquitectura italiana del renacimiento mezclada con criaturas como sacadas de los cómics de ‘El Batman que ríe’ (algunos encarnados por Javier Botet). El diseño de criaturas, no anda corta en monstruos, y del infierno cuyos pasajes tienen un marcado estilo neoclásico ya que se ha rodado en el Palacio de Fernán Núñez, es acertadísimo. Muchas son las representaciones que el arte ha hecho del infierno, desde literales hasta metafóricas. Álex de la Iglesia da la suya y se manifiesta como un lugar por el que se puede transitar, elegante pero a la vez macabro. Es tanta la parafernalia que se ha dispuesto que a uno le gustaría conocer la función de cada sala y cada demonio, de hecho, nos obsequian con más detalles de los esperados. Es una locura de divertido ver eso y a los dos curas (Eduard Fernández y Manolo Solo) maquillándose a lo villano de ‘The Strain’.
Hablando del infierno, ha surgido un tercer bando entre cielo e infierno, como ya se hizo por ejemplo en los cómics de Spawn, pero ese es el tipo de nuevos ingredientes que vais a ir descubriendo. Gracias a esto continúa el suspense macabro de esta serie que juguetea muy acertadamente con toda la parafernalia religiosa, mística y misteriosa. Es una carrera por objetos de poder, de esos que tanto se han tocado en Cuarto Milenio o en tropecientas películas yankees. Por supuesto hay terror y acción, no solo intrigas paranormales y sectarias. Es un gustazo ver al padre Vergara (Eduard Fernández) repartir hostias, de las de a puño cerrado en medio del averno. Pero no es el único que hace derramar la sangre pues el conteo de muertes crece capítulo a capítulo, quizá es otra aportación de HBO (por eso de ‘Juego de Tronos’). Los fatalities de esta temporada son brutales.
Al contrario de lo que sucede con algunas series que simplemente quieren ofrecer un show fantástico se percibe que hay un desarrollo de personajes. Está interesantísimo el juego que le han sacado a los protagonistas y las motivaciones que les han escrito. Ya ni que decir tiene la manera que han encontrado para juntarles. Ha habido una escisión y el que no está encerrado está oculto o está del lado del mal. A ellos se incorporan fichajes de excepción como Paul Giamatti o Najwa Nimri como una influencer que visita la zona cero de la anterior temporada. Álex de la Iglesia sube un nuevo escalón en su imaginario con estos fichajes que además demuestran de nuevo que se mantiene actualizado. Aquellos que se quejan siempre de como desmadra este director que ni le den al play porque esta serie es un follón continuo. El 23 de octubre podréis comprobar como la expresión “noche toledana” adquiere un carácter fantástico.
Por suerte este año hemos podido estar en la mayoría de películas que han salido escogidas como lo mejor en el palmarés de este Sitges 2023. Podéis consultar nuestras opiniones en nuestros diarios y comprobar que con casi todas estamos de acuerdo. Como adelanto os podemos decir que el jurado (luego están los premios del público, la crítica…) han escogido a ‘Cuando acecha la maldad’, ‘Stopmotion’ y ‘Vermin’ como los mejores títulos.
Al margen de los ganadores hoy en Sitges hemos podido presenciar como Hideo Nakata (‘The ring’) y Brad Anderson (‘El maquinista’) recibían los últimos Premios Màquina del Temps El festival ha clausurado con ‘Dream scenario’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage y la organización nos transmite que esta ha sido de nuevo una edición con récord en la asistencia de público.
‘Dream Scenario’
Sitges recibe a Nicolas Cage en una producción de Ari Aster. Dos artistas acostumbrados a sorprendernos y desconcertarnos, aunque de maneras muy diferentes. El director y guionista es KristofferBorgli, quien atraviesa de nuevo nuestras fronteras tras ‘Sick of myself’. Además esta es una producción de la siempre interesante A24. La combinación no puede ser más inaudita y prometedoramente demencial. Por supuesto cumple nuestras expectativas. Como creación de Borgli vuelve a criticar a la sociedad, como obra de Aster nos descoloca y como trabajo de Cage es una bizarrada de aúpa.
Se expande el pánico y el desconcierto cuando la gente pone en común sus sueños y resulta que todo el mundo está soñando con el mismo tipo, el profesor universitario que interpreta Cage. ‘Dream scenario’ toca lo sobrevalorado que está el hacerse viral y lo infravaloradas que tenemos a las personas anodinas. El protagonista sale de su vida mundana de una manera terrorífica, como si se tratase de una broma pesada. Cómica resulta la película, pero no deja de haber algo de drama y terror. ‘Dream scenario’ se antoja como un alegato hacia los impopulares. El cine tiene multitud de películas sobre los raros, los marginados y los inadaptados. Pero ¿qué pasa con aquellos que en silencio hacen girar los engranajes de este mundo? ¿Es la popularidad un escenario de ensueño para ellos? Parece que la película quiere reflexionar sobre algo así. Funciona como metáfora de todo lo viral o como reflejo de la histeria colectiva que podemos experimentar ahora que más que nunca somos una aldea global. Gran advertencia para los que solo quieren ser influencers en la vida.
¿Nicolas Cage está bien en este filme? Es un si rotundo. Es de esas películas que se amoldan muy bien a sus… digamos maneras de actuar. Al igual que en ‘Color out of space’ la narración es lo bastante desconcertante como para que la manera de interpretar de Cage pase desapercibida. Es una locura que sin duda está hecha para él.
Becky ya nos demostró en su tierna infancia lo dura que era. Ahora en su adolescencia y después de haber sufrido aquel trauma que vimos todos en ‘Becky’, la vuelven a tocar las narices unos nazis llevándose a su perro y matando a su única amiga. No saben con quien se han metido, pues Becky va con todo.
Con dos directores totalmente diferentes y la misma protagonista, la película sigue el ritmo de la primera. En esa película original veíamos a Becky sufrir y aquí la vemos disfrutar de todo lo que hace. Preparada físicamente para entrar en una guerra, Becky hará trampas y luchará de manera tremenda.
Un gustazo ver películas de este estilo en las que da igual reventar cabezas y mostrar sangre de más. Apenas se atreven ya hacer este cine y más con gente joven como protagonistas.
‘The wrath of Becky’ nos ha gustado mucho a los asistentes a Sitges y la verdad que ojalá vuelvan hacer una tercera entrega con este mismo espíritu, es difícil, pero ya lo han conseguido una vez más.
Michelle Monaghan protagoniza esta película como cabeza de cartel. Pero realmente el joven Finlay Wojtak-Hissong es el protagonista de esta cinta que como tantas otras explora el miedo a que le pase algo a los más pequeños de la casa. Por supuesto nuestro fluido vital es el tercer protagonista de este drama de terror que como podíamos imaginar tiene un toque vampírico.
Tercera película de Brad Anderson, un director más acostumbrado a rodar capítulos de series, que nos ha brindado peliculones como ‘El maquinista’ o ‘Transsiberian’. Es un cuento oscuro, retorcido, en el que el amor protector de una madre alcanza límites extremos posesivos y malsanos o incluso enfermos del tipo ‘Mamá te quiere’. Destaca sobre todo por la creíble interpretación de Monaghan y por cómo el guión sabe contenerse sin caer en tópicos o en ceder al espectáculo sangriento.
Drama sobre custodia de hijos y una separación que se ve tensada por un incidente y un componente sobrenatural que se mantiene hasta la escena postcréditos. Aun así la película no es un festival de momentos de terror o fantasía, aunque alguno tiene. Está pensada como metáfora de un proceso de purga, de limpieza interior, de superación. Como historia sobre lo duro que es a veces empezar una nueva etapa o pasar página es solvente. Si buscas una película terrorífica no es tu título.
‘Aliens abducted my parents and now I feel kinda left out’
Calvin es un chico que ve como sus padres son abducidos por extraterrestres cuando él era muy pequeño. Diez años después va a intentar contactar con ellos. Con la ayuda de Itsy, una joven que se ha mudado a su lado junto con su familia, intentará ver que pasó realmente con sus padres.
La película no es nada del otro mundo, es entretenida y eso sí, le saco el valor de poder verla con niños, porque la verdad creo que ellos la valorarían mucho más. Es una historia al estilo las que podemos ver en Disney Channel.
Nos habla de la amistad, del amor hacia la familia y también de las traiciones y del sufrimiento que a veces hay que pasar para poder ir creciendo.
Una película sin más, que, sí que es cierto, tiene bastante buena manufactura. Aunque su final deja un poco que desear en cuanto maquillaje y vestuario.
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. Un mundo cyberpunk que ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de llevar a una prisionera y desentrañar una trama de conspiraciones y muertes. El diseño es distinto que el de la animación japonesa, como vemos en los ojos o en las texturas, pero esta película bien podría estar ambientada en el universo de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas.
Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick y el famoso anime salen a la luz. Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente.
Un asesino de prostitutas, un adivino con problemas mentales y un chaval que es un psicópata en potencia pero que aún no ha hecho nada, se cruzan para darnos una historia bastante floja e interminable. La cosa es que el adivino se empeña en salvar la vida a este futuro asesino y que no llegue nunca hacer el mal.
Una película en la que no paran de correr de un lado a otro por la ciudad, parecen espectadores del festival de Sitges. Y a la vez que corren van de un lado a otro chillado también. Gritan mucho en ‘Mad fate’ algo que hace que te aturulle bastante durante su visionado.
Está claro que no he entrado en la película, me he aburrido bastante y eso que realmente es un no parar, pero aun así, no me ha gustado nada. No sabía a donde iban muy bien todos los personajes y la verdad que no me ha interesado nada de lo que me han contado.
Pero como siempre digo, esta es mi opinión y ojalá me hubiese gustado como a otras personas que estaban en la sala.
Una joven se hace cargo del negocio familiar. Una herencia envenenada, como casi todas, por las divisiones en la familia y un desastre natural, uno de los famosos terremotos de Japón, que la pone en riesgo ya que se trata de una destilería de whisky artesanal japonés. Sobre el tema escribe un joven periodista novato que acabará ayudándole a recuperar sus raíces, el sabor de la receta original. Esto que suena a culebrón tipo ‘Falcon Crest’ es una película anime sobre las barreras que encuentra una persona joven a la hora de abrirse paso en el mercado laboral nipón. Era de imaginar que la película tendría este corte ya que es una producción de P.A. Works y ese estudio se centra en animes poco espectaculares y muy enfocados en temas sociales.
Esta historia, que podría haber sido inspirado por aquel capítulo de ‘Friends’ sobre la receta de las galletas de la abuela de Phoebe, nos habla de recuperar la esencia, de seguir tradiciones y de superar obstáculos. El filme podría haber sido un drama adulto e incluso un documental pero el director debutante Masayuki Yoshihara lo convierte en una historia juvenil, un coming-of-age que retrata a su generación y funciona de forma universal. Es un largometraje que busca realismo, no solo en sus argumentos, también en su animación que si bien luce como otros tantos animes actuales vistos en Sitges, huye de la tentación de buscar imágenes fantasiosas tipo Makoto Shinkai.
Como película fantástica, no tiene ningún aliciente. Como drama de acción funciona solventemente. Como western moderno, cumple todos los requisitos. Jericho Ridge es el nombre de una pequeña villa en la que trabaja una agente de la ley (Nikki Amuka-Bird) que además de caminar ayudada de una muleta tras una lesión tiene que lidiar con un hijo en la edad del pavo. Allí, aislada, en una pequeña comisaría, la situación se le complica aún más pues esta policía ha de enfrentarse a unos atacantes pertenecientes a un cartel. La premisa es muy ‘Asalto al distrito 13’.
Robos, una sheriff sola ante el peligro, códigos de honor, una contienda con poca probabilidad de éxito… Los ingredientes son evidentes y podemos saborear aquellos spaghetti western que se rodaron en Almería. De hecho cualquier seguidor de las películas del oeste reconocerá el último plano. Pero en este caso estamos en un pueblo de montaña, en plena nevada. Y lejos de dejarnos fríos ‘Jericho Ridge’ supone un enfrentamiento a contrarreloj que aporta emoción y dosis de acción constantes. Por ejemplo, tiene una escena al teléfono, con la protagonista viendo lo que les pasa a sus compañeros impotente a través de una pantalla cuyo nerviosismo se transmite al espectador. Es un filme que aprovecha bien sus escuetos recursos y saca oro sin tropezar demasiado.
¿Cuál fue la primera banda de metal? ¿Y la película favorita de nuestros grupos de metal más escuchados? Esto y muchas cosas más nos cuentan en ‘The History of Metal and Horror’. Uno de los documentales que hemos podido ver hoy en Sitges.
Nos vamos a un mundo siniestro en el que, a nuestro protagonista, le comienzan a contar un poco sobre la historia del terror y por supuesto del metal. MichaelBerryman se nos presenta en forma fantasmal siendo el narrador de esta historia.
Entre los entrevistados encontramos gente de la talla de RobZombie, AliceCooper, DoyleWolfgangvonFrankesntein, Gwar, JohnCarpenter, Tom Savini o DougBradley.
La verdad que es un documental bastante interesante, conociendo el cine favorito de grandes bandas y al revés, viendo los grupos de metal favoritos de grandes cineastas. Un gustazo escuchar a todos estos artistas. Además de conocer a grupos nuevos que en mi caso desconocía y que me he apuntado después de ver este documental.
Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres.
Un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos.
La sordidez sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final al más puro estilo Nolan/Zimmer que ha recibido aplausos en el Festival de Sitges.
Tras un divorcio, Jess, una joven enfermera, se muda con sus dos hijos a la granja de su tía. Su pequeño hijo Owen tiene el corazón roto cuando su perro desaparece en el bosque, asustado por algo. Cuando el animal regresa, trae un mal consigo y ataca al niño. Las heridas sanan, pero el estado de Owen empeora. A medida que pasan los días, Jess observa que el niño ha desarrollado una inexplicable sed de sangre y alimentarla es la única cura para su dolencia.
Crítica
Un cuento oscuro con una codependencia vampírica
‘Blood’ es la tercera película de Brad Anderson, un director más acostumbrado a rodar capítulos de series, que nos ha brindado peliculones como ‘El maquinista’ o ‘Transsiberian’. Con esta propuesta vuelve a sumergirnos en un mundo raro, fantástico y dramático. Se adentra en los territorios del vampirismo pero también de la codependencia. Explora a sus personajes desde un punto de vista en ocasiones arriesgado, lo cual probablemente ha supuesto un reto para los actores de la cinta. La crudeza de su relato y la calidad de las interpretaciones son el punto fuerte de este relato que bien podría haber salido de la imaginación de los hermanos Grimm.
Michelle Monaghan protagoniza esta película como cabeza de cartel. Pero realmente el joven Finlay Wojtak-Hissong es el protagonista de esta cinta que como tantas otras explora el miedo a que le pase algo a los más pequeños de la casa. Por supuesto nuestro fluido vital es el tercer protagonista de este drama de terror que como podíamos imaginar tiene un toque vampírico.
Es un cuento oscuro, retorcido, en el que el amor protector de una madre alcanza límites extremos, posesivos y malsanos o incluso enfermos del tipo ‘Mamá te quiere’. Es un cuento vampírico pero no solo por la sangre que vemos, si no por como cada uno de los personajes bebe de los otros, necesitándose de una manera vital. Destaca sobre todo por la creíble interpretación de Monaghan y por cómo el guión sabe contenerse sin caer en tópicos o en ceder al espectáculo sangriento.
Drama sobre custodia de hijos y una separación que se ve tensada por un incidente y un componente sobrenatural que se mantiene hasta la escena postcréditos. Aun así la película no es un festival de momentos de terror o fantasía, aunque alguno tiene. Está pensada como metáfora de un proceso de purga, de limpieza interior, de superación. Como historia sobre lo duro que es a veces empezar una nueva etapa o pasar página es solvente. Si buscas una película terrorífica o que roce el gore, este no es tu título.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Blood. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Brad Anderson. Guion: Will Honley. Música: Matthew Rogers. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Michelle Monagan, Finlay Wojtak-Hissong, Skylar Morgan Jones, Skeet Ulrich, June B. Wilde, Erik Athavale. Producción: H2L Media Group, Hercules Film Fund. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, drama. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/blood-11
Paul Matthews (Nicolas Cage), un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato, en esta comedia perversamente entretenida del escritor y director Kristoffer Borgli (Sick of Myself) y el productor Ari Aster.
Crítica
Uno de los mejores discursos sobre el valor de ser anónimo
La nueva película protagonizada por Nicolas Cage llega producida por Ari Aster. Son dos artistas acostumbrados a sorprendernos y desconcertarnos, aunque de maneras muy diferentes. La mezcla se antoja interesante cuanto menos, sobre todo cuando la premisa nos hace recordar a las historias de Freddy Krueger. El director y guionista es KristofferBorgli, quien atraviesa de nuevo nuestras fronteras tras ‘Sick of myself’. La combinación no puede ser más inaudita y prometedoramente demencial. Por supuesto cumple nuestras expectativas. Como creación de Borgli vuelve a criticar a la sociedad, como obra de Aster nos descoloca y como trabajo de Cage es una bizarrada de aúpa.
Pero más allá de la mezcla entre actor y productor para mí lo más interesante es que esta es la primera vez que Cage trabaja con A24. La prolífica y siempre original productora ha tardado en vincularse a este artista, tan querido como vilipendiado. Por exigencia de Ari Aster, Cage está en el proyecto. Tanto él como el resto del mundo comienzan a estar conectados y no precisamente por una red social. Se expande el pánico y el desconcierto cuando la gente pone en común sus sueños y resulta que todo el mundo está soñando con el mismo tipo, el profesor universitario que interpreta Cage. Él es una persona que vive frustrada porque sus alumnos no le hacen apenas caso y porque le han robado una idea de sus tiempos de estudiante. Es decir, pasa inadvertido. Ahora está aún más turbado por las miradas de todo el mundo que escudriña su rostro porque les es familiar.
‘Dream scenario’ toca lo sobrevalorado que está el hacerse viral y lo infravaloradas que tenemos a las personas anodinas. Cage, quien siempre se ha dicho que tiene pelo implantado y ha sido continuamente criticado por lo mal que le quedan las pelucas de sus personajes, sale calvo y es para reforzar su imagen de persona insignificante para aquellos que le rodean. Su salida del anonimato es lo que importa más que su aspecto estético. Sale de su vida mundana de una manera terrorífica, como salida de una broma pesada. Cómica resulta la película pero no deja de haber algo de drama y terror. ‘Dream scenario’ se antoja como un alegato a favor de los impopulares. El cine tiene multitud de películas sobre los raros, los marginados y los inadaptados. Pero ¿qué pasa con aquellos que en silencio hacen girar los engranajes de este mundo? ¿Es la popularidad un escenario de ensueño para ellos? Parece que la película quiere reflexionar sobre algo así. Y en sus últimos compases amplía el mensaje, pero ese último giro que nos lleva a la realidad del consumismo es lo único que me sobra de la película.
Una vez más y como pasa en ‘Joker’ está la cuestión de si hay monstruos en la sociedad o si la sociedad los crea (y cuánto les dura el fenómeno a las masas). Por otro lado ‘Dream scenario’ puede funcionar como una continua reflexión acerca de la presencia siempre enigmática de Cage en el panorama cinematográfico actual, como si se quisiese plantear cómo es posible que sea querido y odiado al mismo tiempo. Pero sobre todo funciona como metáfora de todo lo viral o como reflejo de la histeria colectiva que podemos experimentar ahora que más que nunca somos una aldea global. Nos plantea que ser viral puede no ser un sueño. Gran advertencia para los que solo quieren ser influencers en la vida. También para aquellos que andan siempre en busca de conflicto para poder sentirse parte de algo, protagonistas del momento, los llamados ofendiditos de hoy en día que tienen la piel muy fina pero que aún provocan el enfrentamiento.
¿Nicolas Cage está bien en este filme? Es un si rotundo. Es de esas películas que se amoldan muy bien a sus… digamos maneras de actuar. Es Cage en estado puero. Al igual que en ‘Color out of space’ la narración es lo bastante desconcertante como para que la manera de interpretar de Cage pase desapercibida. Es una locura que sin duda está hecha para él, de hecho el papel tiene algunas similitudes con el que hizo en ‘El hombre del tiempo’. Entiendo por qué Ari Aster exigió su presencia en el proyecto.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dream scenario. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Kristoffer Borgli. Guion: Kristoffer Borgli. Música:Fotografía: Benjamin Loeb. Reparto principal: Nicolas Cage, Lily Bird, Julianne Nicholson, Jessica Clement, Star Slade, David Klein, Liz Adjei, Dylan Baker, Tim Meadows, Marc Coppola. Producción: A24, Square Peg, Wilding Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia, drama. Web oficial:https://a24films.com/films/dream-scenario
El cine oriental y la vuelta de ‘The Toxic Avenger’ nos han arropado en el día de hoy
Estamos llegando al final del Festival De la 56ª edición de Sitges. Hoy se ha realizado la entrega de premios a LeeUnkrich, Premio Màquina del Temps y el último Gran Premio Honorífico para el gran Phil Tippett, que, con un extenso texto de agradecimiento, nos dio un masterclass antes del visionado de ‘Toxic Avenger’.
También tuvimos el honor de estar en la presencia de TakashiMiike, siempre agradecido de estar en Sitges y este año además ha traído la premiere mundial de ‘Lumberjack the monster’ su última película protagonizada pro KazuyaKamenashi, quien también estuvo con nosotros. Además de que quisieron hacerse una fotografía con todo el público que podéis ver a continuación. Y ya por fin se pusieron las películas que habrá en las maratones del domingo con sus horarios específicos.
Aquí os dejamos todas las críticas de las películas que hemos visto el día de hoy en el Festival de Sitges.
‘The Toxic Avenger’
Llega el remake de ‘El vengador tóxico’ y con ello la vuelta de la Troma a la gran pantalla. Una cinta a la que le falta, como se diría en la Muestra Syfy, mucha mandanga, pero en los momentos en los que hay fatalities, es buenísima; pero hay pocos momentos así. La película se centra mucho en el drama familiar del protagonista y en la destrucción de la tierra por culpa de la contaminación de fábricas.
El maquillaje es tremendo, está muy bien y PeterDinklage como Vengador tóxico está estupendo. La ambientación de la película, es también tremenda, parece sacada directamente del Springfield de Los Simpson.
En líneas generales, ‘Toxic Avenger’ tiene un tono bastante amable, sobre todo conociendo la película predecesora y todas las cintas de la Troma. Y es lo que nos ha dejado a todos un poco fríos. Es una pena, porque la verdad en los momentos excesivos es extrema y es realmente lo que todos queríamos ver, sangre y destrucción por todos lados.
Nos reencontramos con Hideo Nakata en Sitges pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.
Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. Culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.
La trama es tan desconcertante como absurda. Podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). Ni los momentos de comedia, ni siquiera el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.
Dividido en capítulos, en el documental de Simone Scafidi vamos conociendo el lado más personal de Dario Argento. Uno de los grandes directores del cine de terror. El propio Argento nos cuenta lo importante que fue para él el trabajo de fotógrafa de su madre, la cual, fotografío a grandes actrices. De ahí aprendió la mirada fuerte de las mujeres y a como contar historias para ellas.
También nos cuentan cómo hizo famosa su cara al salir en la televisión. ‘Dario Argento: pánico’, es un documental enfocado para gente especializada, de esa que no falta en el Festival de Sitges. Yo me he perdido en algunas ocasiones. Conozco al director, pero es cierto que no he visto toda su filmografía. Pero aun así lo he disfrutado mucho.
Un pintoresco cuento contemporáneo que no tiene reparos en mezclar géneros y argumentos. Unos críos intentan jugar a su nueva consola, la cual es robada, y para ello necesitan chantajear a su madre con un pastel de arándanos. En el proceso se sumergen en un road trip cargado de curiosos personajes. Con esa premisa no lo decimos todo pues la película se reserva aún más.
Aventura rodada en 16mm muy setenteros evocando el espíritu de antaño, no solo de hacer cine sino también de aquellos tiempos en los que era concebible jugar sin la necesidad de una pantalla de por medio. Sin darse cuenta de ello estos amigos evocan el espíritu desafiante de Pipi Calzaslargas enfrentándose sin reparos y jugueteando con el mundo adulto. Son unos trastos que cual Link de Zelda tienen una misión que los lleva a otras misiones secundarias escondidas en bosques y tabernas. Es como una aventura gráfica llena de sinvergonzonerías. Lástima que al final no cierre el mensaje que yo por lo menos he extraído y que tenga algunos momentos de bajón por recrearse en los secundarios, a los cuales, tampoco les da excesiva explicación.
Divertida película canadiense, con un humor muy sencillo y que arranca sonrisas durante sus 92 minutos de duración. Sasha no es una vampiresa normal, tiene un trauma desde pequeña que hace que sus colmillos no asomen. En su adolescencia la obligan a marcharse porque intenta alimentarse por sí misma. En sus noches conoce a Paul, un suicida que tiene un plan.
La película trata varios temas de manera un tanto cómica, como el suicidio, las reuniones para intentar no suicidarse y también el bullying. Sasha y Paul parecen sacados de la mente de Tim Burton, son personajes deprimidos, retraídos socialmente y con una ingenuidad que los hace ser dulces y frágiles. La verdad que me lo he pasado muy bien y me ha parecido una película bastante tierna.
Phil Tippet uno de los grandes en el ámbito de los efectos visuales, creó ‘Mad God’ en los años 80, durante mas de 30 años estuvo trabajando en ella, junto a voluntarios que le ayudaron a sacar el trabajo adelante.
‘Mad God’ es una película tenebrosa que ya pasó por el Festival de Sitges y que no dudamos en ver de nuevo. Llena de criaturas que parecen sacadas de pesadillas dantescas en un mundo apocalíptico, lleno de mugre, guerras y seres terribles. Seguimos a un personaje a través de todo este mundo. Realmente no sé qué me ha querido contar, en el Q&A que hemos tenido después del visionado él ha descrito ‘Mad God’ como un viaje de conversión religiosa.
Eso sí, la película me ha parecido tremenda visualmente, el trabajo de stop-motion, creación de criaturas y toda la ambientación es brutal. Además de la dirección. Tiene unos planos muy cuidados.
Del director de ‘El bueno, el malo y el raro’, Jee-woon Kim, llega esta larguísima película. Una obra igual de ágil y cómica en la que nos muestra la obsesión de un director por acabar su nueva película, aquella que intenta que le coloque por fin a la altura de su mentor. Pero la censura y los miedos de la época le frenan. La nostalgia se ha asentado en el cine coreano y volvemos a los setenta, como con ‘Smugglers’. Su industria ha madurado y crecido tanto que les ha llegado el momento de hacer cine sobre hacer cine. Esta película reflexiona sobre el pasado de la industria en el país oriental y a la vez hace un ejercicio de metacine.
Jee-woon se monta su propio ‘Birdman’, su ‘Ave, Cesar!’ en el que pone un circo y le crecen los enanos. Nos sumerge en el frenesí de un rodaje improvisado y casi clandestino. Notas de humor pueblan la película que se va enredando más y más. Doble intriga para el espectador pues hay dos narraciones en marcha, dos finales por resolver que, conociendo como suelen ser estas películas, sabemos que se solucionarán simultáneamente: el del trastabillado rodaje y la historia ficticia para la que hay que rodar un nuevo final. Quizá hay algo de historia personal en todo esto, pero huele a que el director ha querido seguir los pasos de otros filmes de Estados Unidos pero con los detalles de su país. Una manera de hacer un remake sin necesidad de pagar derechos y con la ventaja de la innovación allá en su tierra.
Takashi Miike, el prolífico y adaptable director japonés, vuelve a Sitges con una historia que conserva su sello, pero que exhibe una contención pocas veces vista en su filmografía. Su currículo está repleto de extravagancias y baños hemoglobínicos, que aquí no faltan, pero nos reduce la dosis. Los chorros de sangre van de más a menos y en su lugar nos brinda una trama policial. Es la persecución de un asesino psicópata, de varios de hecho, aunque procura no olvidarse de sus personajes extraños.
La película sigue el juego de duelos entre detectives y sociópatas como el de ‘Death Note’. El villano flirtea con la policía que le pisa los talones, mientras hay otra fuerza enemiga en el tablero. Incluso se plantea un debate similar sobre el castigo a los supuestos enemigos de la sociedad o lo justificado que puede estar el tomarse la justicia por cuenta propia. A la trama le falta la ultraviolencia de Miike pero por el contrario se vuelve muy interesante con el duelo a tres bandos que plantea.
Quizá los actores ejecutan sus papeles con excesivo dramatismo, pero no deja de ser algo propio del cine nipón. Miike ha escogido una buena base para este nuevo filme, la novela de Mayusule Kurai. Además se ha asociado con alguien también muy acostumbrado a adaptar animes o mangas a la acción real como Hiroyoshi Koiwai. Se hecha de menos su sentido del humor pero es un gustazo ver que sigue en forma y descubriendo nuevos talentos como Kazuya Kamenashi que tiene aquí su primer papel protagónico.
El director (Ryo Takebayashi) firma la película como Take C. No se si es un guiño a Takeshi Kitano por sonar parecido pronunciado en inglés o si simplemente hace alusión a la inexperiencia que tiene en el campo del largometraje indicando que no es alguien de sacar el trabajo en una sola toma. Para compensar esa falta de experiencia la película se ambienta en un solo lugar, una oficina, y aunque hace referencia otras muchas películas del mismo subgénero intenta romper la rutina de este tipo de films. Normalmente los bucles temporales en el cine se muestran primero como un día normal y luego empieza la repetitividad. Las víctimas de este día de la marmota arrancan conscientes y hartos de estar enfrascados en la repetitividad, intentando convencer al resto. Es una metáfora obvia sobre la rutina, la sensación de bucle que podemos tener al acudir todas las semanas al mismo lugar de trabajo, con la misma gente y la misma tarea.
Hasta para los japoneses la rutina y la frialdad del trabajo puede ser deprimente. Insospechadamente desde el país nipón nos llega esta obra que aboga por romper la rutina que nos pone un grillete en la oficina y nos anima a mirar más allá de nuestro puesto de trabajo. También por no tener miedo a volar hacia otros proyectos a través de una paloma que se estrella constantemente y la trama de la protagonista que duda en abandonar su puesto. Dotada de muchas pequeñas historias consigue ser un entretenimiento simpático
Encuentros con grandes artistas y de nuevo buenas películas en las salas de Sitges
Hoy hemos estado con grandes figuras del cine mundial. Una vez más hemos tenido un gran encuentro con el gran Takashi Miike, un habitual en el festival y que este año además vuelve a presentar película. De seguido, hemos estado con el gran Hideo Nakata, director de la estupenda ‘The Ring’ entre otras muchas. A la tarde, nos han dado una charla sobre animación el director de ‘Coco’, Lee Unkrich y Bill Kopp, uno de los animadores de ‘Los Simpsons’ en su primera época. Y para terminar el día, tuvimos la oportunidad de escuchar al gran Phil Tippett, creador de criaturas y un gran artista en los efectos visuales. Una gozada y un gran aprendizaje que nos han dado todos y cada uno de ellos. Os iremos dejaremos los encuentros en nuestro canal de youtube.
También en el día de hoy Jan Harlan ha recibido el Gran Premio Honorífico de la edición del Festival y LambertoBava es galardonado con el Premio Màquina del Temps.
El Festival de Sitges, también ha anunciado la que será la película sorpresa de este año y es ni mas ni menos que ‘V/H/S/85’. La última entrega de una de las grandes sagas de terror de culto de los últimos años.
Dirigida por David Bruckner, Scott Derrickson, Gigi Saul Guerrero, Natasha Kermani y Mike P. Nelson, la película nos cuenta: Un siniestro mixtape que mezcla imágenes snuff nunca vistas con noticiarios pesadillescos e inquietantes vídeos caseros para crear una analógica mezcla de tintes surrealistas de los olvidados años 80.
Aquí os dejamos las críticas de las películas que hemos podido visionar hoy.
‘Os reviento’
Ya lo decía Will Smith en ‘Cocussion’, que tantos golpes en la cabeza no son buenos. El protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming y Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.
Es de esa acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura pero quizá también habría que decir que se percibe influencia de Guy Ritchie por esos personajes que filosofean mientras vomitan jerga callejera y sus continuas situaciones confusas. Mario Mayo está estupendo como protagonista, pero ‘Os reviento’ podría estar perfectamente protagonizada por Vinnie Jones.
Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo pido porque me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.
Nueva película que nos plantea un escenario apocalíptico. Corea del sur sufre un devastador terremoto sin precedentes, haciendo que la propia tierra se ondule cual olas de mar en medio de una tempestad, destruyéndolo todo. En la región en la que vive el protagonista, la ciudad de Seúl, solo queda en pie un edificio. Con ese único lugar como resguardo ante la ruina y el frío los ciudadanos intentarán sobrevivir sin saber si habrá rescate o recursos suficientes.
La escena inicial y todas aquellas que reflejan el desastre son espectaculares. Por lo demás casi todo transcurre en un bloque residencial en el que comienza la construcción de lo que parece que será la nueva sociedad. De vez en cuando nos hace transitar por el desolado paisaje que está generado muy bien por ordenador y algún que otro decorado que está salpicado de seres humanos que hurgan en los escombros. Divididos entre propietarios ya residentes y refugiados, los protagonistas representan a pequeña escala el drama de las diferentes crisis migratorias que asolan actualmente el planeta. Evidentemente esa es una lectura que extraemos pero este no es un filme político o que busque ningún tipo de reivindicación. Es un drama como otros muchos en el que se ejemplifica una lucha por la supervivencia. Una vez más la especie humana es puesta a prueba y se imagina como sería nuestra solidaridad, avaricia o sacrificio. Spoiler, no tenemos muy buena percepción de nosotros mismos pues no hay lugar para culpa o remordimiento. Aunque he de decir que si en algo destaca este filme es en tener una pequeña esperanza a nuestro trabajo en comunidad. Eso sí, aunque deja un rayo de esperanza, cae en lo que caen casi todas las historias postapocalípticas, casi todo el mundo usa las segundas oportunidades para ser peor aún que cuando todo iba bien.
Sigue la estela de títulos como ‘Snowpiercer’, ‘28 semanas después’, ‘DMZ’ o ‘Estación once’. Es de esas películas que nos entrenan para un escenario del cual cada vez parece que estamos más convencidos que tendrá lugar antes o después. El director Tae-hwa Eom se lo imagina con personajes dubitativos, manipulables y temerosos. Mueve bien la cámara en escenas con muchos extras y caótica acción, también a la hora de realizar pequeñas introspecciones en sus personajes.
¿Veis esa gente que al morir pide que sus cenizas sean convertidas en un diamante o que se plante un árbol con ellas? Deseo cumplido gracias a esta película y además con gratificación social incluida. Los directores Tibor Bánóczki y Sarolta Szabó nos plantean un fin del mundo en el que los humanos donan su cuerpo, como muy tarde y de manera boligada a los 50 años, para convertirse en árboles y así garantizar que haya recursos para todo el planeta.
La premisa es interesante. Antes de ponerle al mundo una fecha de caducidad nos la ponemos a nosotros mismos. Una situación que se antoja tan distópica como utópicamente imposible dado el egoísmo que nos caracteriza como especie. Pero le sacan partido a este Budapest de 2123 que persiste bajo un techo artificial. Como en ‘In time’ los personajes llevan un reloj con lo que les queda de vida. Hay menos acción y más reflexión, aunque a veces transita por momentos similares a los de ‘La isla’. Dilemas filosóficos, amorosos y éticos ocupan casi todo el metraje que luce como una aventura ciberpunk. Al ser humano le han arrebatado las ansias de futuro, las ganas de vivir a cambio de tener un sitio donde al menos tener una determinada existencia. ¿Merece la pena? Se agradece cómo el guión busca respuestas para ello.
La animación mezcla 3D para sus escenarios, objetos y movimientos de cámara pero los personajes están dibujados de tal modo que pueden recordar ‘A Scanner Darkly’. El diseño de este nuevo mundo es imaginativo, lleno de sugerentes localizaciones, lo cual alimenta nuestra imaginación y sirve de respaldo a los argumentos que plantea.
F. Javier Gutiérrez es el director de este largometraje que protagoniza Víctor Clavijo, repitiendo una vez más la colaboración entre ambos. De nuevo esta dupla nos traslada a la España aislada, a las tierras más áridas y remotas de nuestro país. La historia se enmarca en un ambiente rural y soleado, en unas ásperas tierras sevillanas. Es la época de la Mobylette y las pesetas. Allí transcurre la dura vida del guarda de una finca y su familia. Una vida que por supuesto va a verse trastocada.
Pasa el tiempo en el filme y parece que nos hallamos en un drama costumbrista. Intento no olvidar que este es el director de ‘Rings’ y de ‘3 días’, uno de esos títulos desconocidos o que pasan desapercibidos pero que te atrapan y siempre recomiendas. Pero la siembra de este hombre de campo es demasiado lenta, progresa sin cosechar demasiados misterios. Si bien es cierto que hay una cierta similitud con ‘El corazón delator’ el terror se hace desear y el fantástico brilla por su ausencia.
Al final por supuesto el guión se precipita y se culmina la tragedia en lo que, haciendo uso de la manida expresión, es un descenso a los infiernos. Pero el filme es excesivamente sobrio y su narrativa se hace pesada. En el último tramo, bastante más allá de la mitad, aparecen algunas pistas, pero por desgracia ‘La espera’ termina siendo un folk horror fallido.
En un mundo azotado por una ola de mutaciones que transforman gradualmente a algunos humanos en animales, François hace todo lo posible por salvar a su esposa, afectada por esta misteriosa enfermedad. Mientras la sociedad se ve abocada a un nuevo orden, iniciará junto a Émile, su hijo de 16 años, una búsqueda que los cambiará para siempre.
Crítica
Una película con mucho corazón y buena historia
Una de las películas más esperadas este año en el Festival de Sitges, era ‘El reino animal’, dirigida por ThomasCailley, la película nos adentra en un futuro en el que un gen hace que ciertos humanos se vayan convirtiendo poco a poco en animales. Todos ellos diferentes y vamos viendo como pierden la humanidad que les queda.
Una película muy interesante, con una premisa parecida a ‘Sweet tooth’, la película nos muestra el miedo a lo diferente, el miedo a esas mutaciones que hacen que de repente todo cambie en la persona que convive en nuestras casas y que se conviertan en animales, sacando su lado más salvaje. Pero también nos muestran su lado más bondadoso. Esa bondad que en los seres humanos desaparece al sentir miedo hacia estas mutaciones.
Pero también la película nos habla de la familia. El protagonista, interpretado por un estupendo RomainDuris, nos muestra a un padre intentando recuperar a su mujer. Ella que ya está en fase de transformación, es llevada a un lugar en el que quieren dejar a todos estos seres. Apartados de la humanidad. Pero el no va a dejar de buscarla, junto con su hijo.
Vemos una sociedad que quiere esconder a estos seres, pero también se habla de lo que hacen otros países, en los que están intentando convivir con ellos.
‘El reino animal’ crea debate, de como nos transformamos cuando hay grandes cambios en la sociedad y de podemos ser más humanos o, todo lo contrario.
Aunque la película me ha gustado mucho, como trata todo el tema de la familia y la sociedad, si que me ha parecido un poco extensa en su duración. Creo que se para demasiado en ciertos detalles que tampoco hacían mucha falta. Pero sí que es cierto que no hace que la película sea mala, sino que un poco más pesada.
El CGI y maquillaje me parece tremendo. Un trabajo exquisito en el que vemos a hombres convirtiéndose en pájaros o en peces. Y todo ello realizado de una manera tremenda.
La película podría quedar para una segunda parte, no digo que la dejen totalmente abierta, pero si que daría para una. Este viernes 20 de octubre llega a nuestras pantallas ‘El reino animal’ gracias a Youplanet y la verdad si queréis ver una película diferente, merece la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de octubre de 2023. Título original: Le règne animal. Duración: 130 min. País: Francia. Dirección: Thomas Cailley. Guion: Thomas Cailley y Pauline Munier. Música:Fotografía: David Cailley. Reparto principal: Romain Duris, Paul Kircher, Adéle Exarchopoulos, Nathalie Richard, Nicolas Avinée, Jean Boronat. Producción: Nord-Ouest Films, Studiocanal. Distribución: Youplanet. Género: Drama. Web oficial:https://www.youplanetpictures.com/el-reino-animal/
Tras perder a una de sus alma mater la serie se mantiene en su línea
El próximo 15 de octubre (16 en España) el mundo vivirá un nuevo regreso de la familia más disfuncional de la animación. Disfuncional a múltiples niveles porque Rick y Morty tienen una relación totalmente anómala en infinidad de multiversos. Regresa la serie de Adult Swim a HBO Max con una séptima temporada que llegará a tener 10 episodios. También 10 son las temporadas que nos han anunciado que quieren que tenga esta rompedora producción que a todos nos ha volado la cabeza o nos ha hecho llorar de risa en más de una ocasión.
Solo hemos esperado un año y un mes para volver a vivir las insanas peripecias de los Smith y el abuelo Sánchez. La serie regresa en su versión original con nueva voz para varios personajes, entre ellos Rick y Morty, tras el despido del creador y doblador Justin Roiland. Y he de decir que los nuevos dobladores (Ian Cardoni para Rick y Harry Belden como Morty.) hacen que a penas se note el cambio. Donde si hay cambios, como siempre, es en el opening que viene salpicado de escenas nuevas que como habitualmente no sabemos si veremos durante los episodios de la temporada siete o si son absurdeces injertadas porque sí. Pero nos gustaría saber cómo acaba Jerry haciendo una apertura a lo Van Damme o a que se debe el bailoteo alienígena-cortesano.
HBO nos ha cedido visionados de los dos primeros episodios que llevan como título ‘How Poopy Got His Poop Back’ (traducido literalmente sería ‘Cómo Poopy recuperó su caca’) y ‘The Jerrick Trap’ (que sería algo así como ‘La trampra de Jerrick’). Uno de ellos es una intervención (esas reuniones por sorpresa que se hacen para cambiar el comportamiento de alguien) que agrupa a muchos personajes y por supuesto se les va de las manos. Y el otro es un intercambio de cuerpos, pero evidentemente no se parece para nada a las clásicas historias de cambio de cuerpos, de hecho, viola cualquier buen recuerdo que tengamos sobre ‘Los Caraconos’. Sobra decir que son capítulos cargadísimos de sorpresas y no vamos a destriparos ninguna. Pero si podemos poneros la miel en los labios avisándoos de que hay cameos, tanto de personas reales como de algún que otro personaje de ficción famoso.
Dan Harmon vuelve a demostrar con estos episodios que tiene una mente la mar de retorcida a la vez que genialmente intrincada. Sin necesidad de contar con su socio, o quizá ya tenían esto escrito, en solo dos episodios es capacaz de mostrarnos locuras tales como el fantasma de un robot, seres anatómicamente imposibles o un bar al que queremos ir a tomar algo, el “F#%k you”. Y estos son detalles minúsculos para lo que acabamos de ver. Y por descartado que hay escenas post-créditos, aún más locas o absurdas si cabe. La escena añadida en el primer capítulo es de las mejores que ha tenido la serie.
Comedia y terror a partes iguales mostrando el otro lado del showbusiness paranormal
Movistar Plus+ rehusó seguir con una serie que de manera, digamos indirecta, caricaturizaba la figura de las grandes figuras de los comentaristas deportivos, ‘Reyes de la noche’, creada por los mismos autores que la serie que nos atañe. Ahora le ha llegado el turno a otros periodistas, aquellos valientes que se han dedicado a la divulgación de temas misteriosos. Por desgracia hay que usar el término valientes, pues demos validez o no a los temas que manejan, son personas que no solo se arriesgan a emplear su tiempo en temas que pueden caer en saco roto, sino que también se exponen a ser tachados como locos o raritos. Iker Jiménez, Fernando Jiménez del Oso, Enrique de Vicente, Santiago Vázquez o el Grupo Hepta son objeto de esta parodia que desde el respeto protagoniza Berto Romero acompañado de Buenafuente y María Botto a los que se suman Eva Ugarte, Ramón Barea y Nacho Vigalondo, entre otros. Evidentemente esto está guionizado, pero la química, agilidad o espontaneidad de la pareja cómica está muy presente. También la buena sintonía con Ugarte mostrada en ‘Mira lo que has hecho’. Pero ‘El otro lado’ nos ofrece algo más.
Puede que lo que más llame la atención sea la competencia desleal entre colegas del gremio. Pero más allá de eso yo veo un enfrentamiento entre la vieja escuela contra las nuevas corrientes. Ganando una dimensión que transgrede al transitar por todo el mundo del misterio está la parte que habla la crisis de un profesional. Las maneras de difundir hoy en día se llevan por delante a muchos periodistas de profesión y vocación. En este caso la materia que trata el protagonista le deja aún más expuesto a este ostracismo en los medios. Para retratar el antes y el ahora, además de burlarse de los nuevos códigos impuestos por las herramientas digitales se recrean programas a la antigua, de un modo muy eficiente. Vais a pensar que estáis viendo recreaciones de imágenes de archivo de TVE de lo bien hecho que está. También ‘El otro lado’ reflexiona cómo la prensa muchas veces más que inmortalizar o difundir la noticia forma parte de ella o la genera malmetiéndose.
Pero no todo es sumergirse en una comedia al más puro estilo de Javier Ruiz Caldera y Albertode Toro, con la absurdez y patetismo que suelen enarbolar. También tenemos escenas de terror. Un miedo que sigue la senda y estilo de películas como ‘Poltergeist’ o ‘Verónica’ (de hecho se cita el caso Vallecas). Si, Berto y Buenafuente nos hacen recordar con sorna y crítica casos como los de Fátima o cualquiera de los muchos niños sanadores que han surgido a lo largo de nuestra historia, pero también nos someten con rigor a algunos momentos terroríficos. A su vez cómico y simultáneamente horripilante es ver el vituperio que se hace desde la distancia del tiempo. Con Buenafuente, comprobamos como existían de manera orgánica muchos comportamientos machistas o retrógrados, cómo nos persigue un pasado que ni las décadas han borrado.
Esta es una comedia que parodia nuestra televisión y a la comunidad conspiranoica. La mecánica es la de esas historias de fantasmas que acompañan al protagonista aconsejándole o siendo unos tocanarices. Os vais a acordar de ‘Un hombre lobo americano en Londres’ o ’Agárrame esos fantasmas’. De momento en el Festival de Sitges hemos visto los tres primeros episodios. ‘El otro lado’ se estrena el 23 de noviembre en Movistar Plus+ con dos episodios nuevos cada semana.
Entre las muchas películas que hemos visto hoy, hemos tenido castores, arañas, médiums, samuráis, kung-fu, animación y una divertida serie.
Hoy se han dado los Premios Méliès d’Or en el Sitges Festival, en esta ocasión, el galardón a la mejor película ha estado para ‘Lola’ de AndrewLegge. El premio al Mejor cortometraje ha sido para ‘Gnomes’. El jurado ha estado formado por FrancecsMiró, AntoniPeris y YleniaCañadas.
El MélièsCareer de este año, que reconoce la trayectoria de un nombre destacado de la industria, ha caído en manos de JorgeGuerricaechevarría, por toda su carrera en el mundo del género.
Hoy ha sido también día de invitados, entre los que destacan BertoRomero, AndreyBuenafuente y MaríaBotto, presentando ‘El otro lado’, aquí os dejamos el enlace a nuestro vídeo de youtube de la presentación. También han asistido JavierGutiérrez con parte del elenco de ‘La espera’ entre muchos otros.
Os dejamos nuestras críticas del día de hoy, que como podéis comprobar no son pocas y han tenido bastante calidad.
‘Kubi’
Takeshi Kitano, para muchos el cerebro de ‘Humor Amarillo’ y para otros autor de un filme premiado en Sitges como ‘Zatoichi’, vuelve con una historia del Japón feudal. Una obra que dirige y en la que interpreta pero que no protagoniza ya que el elenco es muy coral. El reparto es tan grande que nos tiene que ir presentando uno a uno a todos los lords feudales que protagonizan la historia.
Kubi trata a cerca de unos enfrentamientos entre señores, líderes de clanes que protagonizan reyertas y guerras. Pero también de una relación amorosa entre varios de ellos. En esta pelea por conseguir ser el siguiente Shogûn es fácil perderse. Pero entretiene pues entre tantas intrigas hay derramamiento de sangre y momentos absurdos propios de la cinematografía de Takeshi. Ojalá este hubiese sido un filme que adaptase su show televisivo a modo de historia del siglo XVI, pero como historia para los amantes del cine oriental clásico es una producción magnífica. También para los que busquen conocer el pasado del país nipón, incluida la historia de Yasuke, el primer Samurai de raza negra.
Las dimensiones del filme son vastas, pero la película queda lejos de la genialidad de este reverenciado director.
Kubi significa cuello y efectivamente eso es lo que se juegan los protagonistas de este juego de tronos con base real que tanto ha estudiado Takeshi. Si no te gustan las películas sobre señores de la guerra puede que acabes diciendo akubi, que significa bostezo en japonés. Yo la he encontrado entretenida y aquellos a los que les gusten videojuegos como el ‘Ghost of Tsushima’ o el cine de Kurosawa también le encontrarán momentos disfrutables. Se hace desear, pero alcanza niveles épicos.
DavidAllen, artistas de efectos especiales entre sus trabajos estaba ‘El secreto de la pirámide’, dirigió a principios de los 90 su proyecto soñado que llevaba años planificando. A su muerte, el film se quedó en pausa. Veinte años después de su perdida es recuperada y rodaron lo que faltaba.
La película es amor hacia el cine de los 60, 70, con un stop motion realizado con mucho detalle y dedicación. Es una especia de Viaje al centro de la Tierra, en donde veremos al gran yeti, un personaje creado con una gran expresividad y no solo eso, sino que veremos aliénigenas con una gran tecnología.
La película me ha divertido mucho, no aburre y la verdad que está muy bien tratada, esa ingenuidad del cine de antes se ve en todos lados de la película. Si que se nota que hay algún hueco en el montaje, al final es una película que han tenido que revivir y supongo que les ha sido bastante complicado. Pero aun así es muy disfrutable.
Esta es quizás la película que más me ha decepcionado hoy, y aun así no puedo ponerla mal. Simplemente tiene el gran fallo de ser demasiado larga. Y es que ‘Hundreds of Beavers’ nos trae la historia de un hombre que debe hacerse cazador de castores para sobrevivir y poder tener a su amada.
Película muda, rodada en blanco y negro y contada como si el coyote y el correcaminos estuviesen en pantalla.
Castores, conejos, lobos y mapaches de peluche, van muriendo terriblemente por este cazador, al principio muy torpe. Todo ello, con trampas imposibles que le fallan una y otra vez.
Es divertida, tiene unos gags muy ingeniosos, pero para hacerla de tan larga duración, al final se repite una y otra vez y como digo, es una pena, porque es super original. Y aunque efectos y tal son totalmente manuales, le da un toque divertido y no importa para nada.
Aun así, aunque diga que es una decepción, el día que se estrene, os animo a verla, porque la verdad que la idea es muy chula y merece una oportunidad.
Traducido literalmente el título significa contrabandistas. De estraperlo tienen que vivir unas mariscadoras que pescan en apnea. Tienen que cambiar su oficio por culpa de la contaminación en el mar. Esto que suena a titular de la época del Prestige es una película de acción ambientada en los años setenta que ha salido muy bien airada de la taquilla coreana.
Las protagonistas se convierten en unas Walter White, buenas personas sumergidas en una trama delictiva para poder sobrevivir. Y ello conlleva abrirse paso a base de carácter, orgullo y buen humor. Viene a decirnos que, si el sistema no castiga a las empresas que contaminan sin atenerse a normas, está justificado trampear al sistema, buscarse la vida como sea. En España, sobre todo en la costa mediterránea sabemos muy bien cómo va esto de los fardos en el mar. Aunque en las costas gallegas también saben lo que es ser conocido como la puerta de Europa para los narcos.
Tanto la ambientación como el estilo setentero están bien copiados y adaptados a la era del 4k. La película transcurre en una época de transición y encierro para el país asiático, unos tiempos en los que aún recibía donativos internacionales. Lo que ha hecho el director es maquillar aquellos tiempos a base de color, suspense y carisma. Hace uso de buenos recursos narrativos para empoderar a sus personajes hacer soportable los más de dos horas de duración.
Si, lo sé, me dan miedo los bichos y me meto a ver una película sobre una plaga de arañas. ¿Qué os puedo decir?, pues que he pasado un miedo tremendo.
Pero no solo depende de que me den o no miedo los bichos, no, sino que ‘Vermin: la plaga’ está muy bien hecha, y tiene una dirección que logra que te mantengas en tensión desde el primer momento en el que conocemos a la araña.
La sinopsis es sencilla, un chaval, en un edificio de viviendas decide meter una araña exótica a su colección, esta se escapa y la lía.
Con ‘Vermin: la plaga’ hemos estado toda la sala incómoda mientras nos picaba todo el cuerpo. Es alucinante lo que logra SébastienVanicek con la película, agobia un montón, utiliza cada rincón del edificio para crear la sensación de claustrofobia y de trampa.
Está demasiado bien hecha, las arañas, quitando por su tamaño, parecen reales y una de las cosas que más me ha gustado, es que las reacciones de los protagonistas son bastante reales, es decir, chillar como histéricos ante la vista de un bicho o quedarse petrificados como si de un Tiranosaurio rex se tratasen y las arañas no te fuesen a ver.
La recomiendo si no os dan miedo los arácnidos, si no, evitadla.
CarlotaPereda regresa a Sitges con ‘La ermita’ un drama sobrenatural bastante interesante y con unas localizaciones de lujo y el CGI que es bastante bueno, además del trabajo de maquillaje.
La cinta nos lleva al norte de España, a una celebración en la que se abre una ermita una vez al año donde eran encerrados los enfermos de la Peste. Aquí conocemos a Emma, que está obsesionada con la historia de una niña que murió allí.
La película no es la típica película de fantasmas, es algo más profundo, entre las relaciones de madres e hijas. Una historia bastante triste, pero que, según la ves, tienen algún toque de humor o al menos durante su visionado, el personaje de Emma con su ingenuidad, logra sacarnos más de una sonrisa.
El dúo que hacen MaiaZaitegi, la actriz que da vida a Emma, y el personaje de BelénRueda, es de lo mejor de la película. Dos personajes a los que les une el destino.
‘La ermita’ llega el próximo noviembre a nuestras salas de cine y la verdad que merece mucho la pena el visionado.
Película absurda, desatada, chanante, en la línea de títulos como ‘Fist of Jesus’ o ‘Apocalipsis Voodoo’ y si miramos más allá de nuestras fronteras ‘Kung Fury’. RainerSarnet nos trae desde Estonia una película de producción procedente de múltiples países que mezcla también multitud de géneros. Comedia, kung-fu, el macarrismo de los setenta, la cultura ortodoxa… Es un batiburrillo que se encaja de la manera más disparatada y desternillante. Con su estilo hortera de Europa del Este y su humor sin miedo al ridículo parece un videoclip de Little Big. Solo en una película como esta podríamos ver desinfectar una herida con Channel n°5 o lecciones de habilidad y disciplina con empanadillas sin freír.
Ambientada en la frontera entre la Unión Soviética y China nos cuenta la aventura de un fan de Black Sabbath para convertirse en un todopoderoso monje. Ves la película y parece que los subtítulos están modificados para animar la proyección, pero poco hace falta para darse cuenta de que responden a las chifladuras que vemos en la pantalla. UrselTilk está divertidísimo en un papel cómico nada sencillo de interpretar. Lástima que pierda ritmo y cadencia de gags a mitad de su metraje convirtiéndose en un drama eclesiástico bastante plomizo.
Xiaopeng Tian vuelve con una película de animación para su debut en Sitges. Con ‘Monkey King: hero is back’ nos brindó una aventura con mucho sabor a tradición china. Ahora nos adentra en un mundo repleto de color y una imaginación exuberante. Una niña es la protagonista de esta cinta. Una pequeña que echa de menos a su madre se cae por la borda cuando iba con su padre en un crucero recreativo. Un tifón es el responsable de ese accidente, pero también el punto de partida de una aventura que cual manga de agua revolucionará su vida. Como si esta fuese una revisión de la figura de Dorothy en el mundo de OZ descubre un universo de fantasía que le ayudará en su viaje personal, dotando al filme de un mensaje profundo. Incluso hace nuevos amigos que la incluyen en su búsqueda, pero son diferentes al espantapájaros, el león y el hombre de hojalata.
Pero el auténtico protagonista, los protagonistas, son los animadores de este filme. Han hecho de este largometraje toda una experiencia. Es apabullante la calidad técnica de esta película. Es un desborde de formas, movimiento y pigmentos que nos dejan con síndrome de Florencia. Una saturación artística al nivel de autores del postimpresionismo como Van Gogh, Seurat o Gauguin. Y es que realmente la película es surrealista y transcurre como si mostrase el subconsciente del artista, como una extensión de sus sentimientos. El diseño de entornos y personajes consigue ser muy realista, pero a la vez onírico, algo nada fácil de equilibrar. El nivel de detalle, con pelos, partículas flotando, luces, masas de agua… es de primer nivel, bravo por el estudio October Media.
Son casi dos horas de película que como decía sobrecargan nuestros sentidos. Si juntamos la calidad artística, la protagonista infantil, el cuento que narra… es lo más potente que he visto en lo que se refiere a todo aquello que haya podido seguir la senda de Ghibli. No sería de extrañar el acabar viendo en España objetos promocionales de esta película tal como pijamas, figuras, cómics o libros de arte.
Le ha llegado el turno de la parodia a periodistas que se han dedicado a la divulgación de temas misteriosos. Iker Jiménez y similares son objeto de esta ficción que desde el respeto protagoniza Berto Romero acompañado de Buenafuente y María Botto a los que se suman Eva Ugarte, Ramón Barea y Nacho Vigalondo, entre otros. Evidentemente esto está guionizado, pero la química, agilidad o espontaneidad de la pareja cómica está muy presente, pero ‘El otro lado’ nos ofrece algo más.
Puede que lo que más llame la atención sea la competencia desleal entre colegas del gremio. Pero más allá de eso yo veo un enfrentamiento entre la vieja escuela contra las nuevas corrientes. Y ganando una dimensión que transgrede al transitar por todo el mundo del misterio está la parte que habla la crisis de un profesional entrado en años. Para retratar el antes y el ahora, además de burlarse de los nuevos códigos impuestos por las herramientas digitales se recrean programas a la antigua, de un modo muy eficiente. También ‘El otro lado’ reflexiona cómo la prensa muchas veces más que inmortalizar o difundir la noticia forma parte de ella o la genera malmetiéndose.
Pero no todo es sumergirse en una comedia al más puro estilo de Javier RuizCaldera y Alberto de Toro, con la absurdez y patetismo que suelen enarbolar. También tenemos escenas de terror al estilo de películas como ‘Verónica’ o ‘Poltergeist’. Si, Berto y Buenafuente nos hacen recordar con sorna casos como los de Fátima o cualquiera de los muchos niños sanadores que han surgido a lo largo de nuestra historia, pero también nos someten con rigor a algunos momentos terroríficos. Esta es una comedia que parodia nuestra televisión y a la comunidad conspiranoica. Dada su dinámica os vais a acordar de ‘Un hombre lobo americano en Londres’ o ’Agárrame esos fantasmas’.
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