Crítica: ‘El Proyecto Adam’

Sinopsis

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Adam Reed es un piloto de caza que viaja en el tiempo. Cuando se estrella en el año 2022, conoce a su yo de 12 años y juntos emprenderán una misión para salvar el futuro.

Crítica

Infantilada llena de agujeros, de gusano y de guión

Shawn Levy, productor de ‘Stranger things’ y de ‘La llegada’ sigue con su apuesta por la ciencia ficción. En esta ocasión se la juega con su apuesta más familiar y casi infantil, ‘El Proyecto Adam’. Ryan Reynolds de nuevo protagoniza una película de Levy tras ‘Free guy’. El director de ‘Noche en el museo’ o de ‘Acero puro’ nos plantea una nueva película que gustará más a los pequeños de la casa.

Ryan Reynolds de nuevo en la piel de un piloto, como lo fue en ‘Green Lantern’. Viaja en el tiempo para encontrarse con alguien querido pero una persecución hace que acabe con él en 2022 en vez de en 2018. Allí se topa con su yo adolescente y juntos intentan resolver la situación.

¿Juega ‘El Proyecto Adam’ con la paradoja de Hitler? Sí, pero la esquiva de manera bastante vaga y se la ventila en una o dos frases tales como: el nuevo pasado que creamos influye al futuro, pero es solo cuando el viajero del futuro regresa a su tiempo cuando se reconstruye la línea temporal. Y luego utiliza esa premisa de un modo bastante caprichoso y repleto de fallos que quedan a merced del sentimentalismo.

‘El Proyecto Adam’ es de esos títulos que junta a un niño con un adulto y hace madurar al pequeño y enternecer al mayor. No es la primera película en la que un protagonista se encuentra consigo mismo o con sus padres, ahí están ‘Looper’, ‘Efecto mariposa’ o ‘Regreso al futuro’. Incluso el motel Pine Ridge que aparece en la película se antoja como un guiño al centro comercial Twin Pines o sigue una paradoja como la que se usó en ‘Men in Black 3’.

“Como estoy herido la nave no reconoce mi ADN”. Frases tan ilógicas como esas abundan. Pero si nos tomamos esta como una película de fantasía infantil obviamente se puede pasar por alto. Pero la trama se intenta sostener con esa excusa pues Reynolds está atrapado sin poder reparar su nave a causa del balazo que sufre.

‘La historia interminable’ ha venido a mi cabeza alguna vez, no porque se me haya hecho larga si no porque el coprotagonista es un niño (Walker Scobell) que se enfrenta a un abusón y que se topa con algo más allá de nuestra realidad. La diferencia es que este chico es respondón y bastante más valiente que el Bastian de Ende, me ha recordado mucho al papel de Jack Dylan Grazer en ‘¡Shazam!’. De hecho, es tan cotorra como otro personaje de Reynolds, Deadpool, y digo esto justo cuando se ha confirmado que Levy dirigirá la tercera parte del mercenario bocazas. Lo cual nos lleva al hecho de volver a comprobar que Reynolds está muy encasillado. Todos sus personajes se fundamentan en ser una especie de Woody Allen de acción, es decir, un cachas parlanchín, bromista, nervioso y neurótico. Está encasillado hasta el punto de que aquí, como en ‘Alerta roja’, también lleva el reloj heredado de su padre.

Los villanos tardan en aparecer y la trama también tarda en cobrar sentido, el poco que puede tener la historia. Al final se convierte en la mayor pesadilla de los creacionistas detractores del LHC, el cual por cierto, existía ya en 2018 y es no solo el acelerador más grande del mundo si no la máquina más grande construida por el ser humano, más incluso que el del filme. No les habría venido mal a los cuatro guionistas que tiene ‘Proyecto Adam’ un poco más de interés y documentación. Lo único que rescato de la película es la frase y el hecho que dice “a veces merece la pena ser un friki empollón”.

La película está repleta de momentos emotivos que nos dan o bien bajón o bien un respiro entre tanta charlatanería y humor fácil. Instantes con argumentos melosos que se enfrentan a las teorías espaciotemporales y que le quitan gracia al filme. Un amor que traspasa cualquier teoría de cuerdas o paradoja temporal, una pastelada bastante inconsistente. Además hay infinidad palabrería inventada e inconsistente que también nos dice el poco interés que se ha puesto en hacer que la historia tenga un mínimo de coherencia. Pero lo dicho, es más una película para preadolescentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de marzo de 2022. Título original: The Adam Proyect. Duración: País: EE.UU. Dirección: Shawn Levy. Guion: Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin, Jonathan Tropper. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Ryan Reynolds, Zoe Saldana, Catherine Keener, Jennifer Garner, Mark Ruffalo, Alex Mallari Jr., Milo Shandel. Producción: Skydance Productions, 21 Laps Entertainment, Maximum Effort. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81309354

Esto es lo nuevo de los creadores de ‘La que se avecina’

Netflix estrenará ‘Machos alfa’

Netflix ha anunciado el nuevo proyecto con Alberto y Laura Caballero (‘La que se avecina’, ‘El pueblo’), Machos Alfa, la nueva serie producida por Contubernio Films. Una comedia que explora las dificultades de salirse de los roles establecidos y adaptarse a los nuevos tiempos.

La abolición del patriarcado se acerca. En plena crisis de la masculinidad, cuatro amigos cuarentones están perdiendo su trono, privilegios e identidad. Años atrás habrían sido machos alfa al mando de sus relaciones, su trabajo y su vida. Pero les ha tocado vivir en la era de la igualdad, una sociedad con nuevas reglas que los golpea exponiendo su patetismo.

Se trata de la primera colaboración de los hermanos Laura y Alberto Caballero, fundadores de Contubernio Films, con Netflix. “Estamos felices de comenzar esta andadura con Netflix que nos permite abrirnos al mundo y volver al formato de media hora, que consideramos ideal para la comedia. Esperamos devolver con éxito todo el cariño y el respeto que estamos recibiendo con Machos Alfa” afirman los creadores.

Análisis del Blu-ray de ‘Los Mitchell contra las máquinas’

Con una película extra de Super Dog y una versión extendida de toda la película en modo storyboard

Cada día que pasa nuestras casas están más informatizadas, más automatizadas. La rebelión de las máquinas se antoja diferente a la que planteó James Cameron en el 84 con ‘Terminator’. Así lo demuestra la película ‘Los Mitchell contra las máquinas’. Un filme de animación que os comentamos en esta crítica y que desde el 4 de marzo está en tiendas en diferentes formatos gracias a Arvi Licensing.

La historia de ‘Los Mitchell contra las máquinas’ es la de cualquier familia. La hija mayor pasa a estudiar a la universidad y para tener una última conexión antes de tan trascendental etapa sus padres la quieren lleva a través del país en el coche familiar. Es la historia de cualquier otra familia hasta que las máquinas se rebelan y el mundo queda en jaque. Estaríamos tranquilos si no dependiese nuestro futuro de los Mitchell, una familia con miembros a cada cual más excéntricos.

‘Los Mitchell contra las máquinas’ es una película familiar con mensaje para todas las edades. Sus personajes nos envían moralejas de todo tipo pero sobre todo nos hacen reír con momentos la mar de locos. Y es que Katie (la hija mayor de los Mitchell) quiere ser cienasta y para ello se monta sus propias películas. Como las que protagoniza Monchi, el perro de la familia como Dog Cop. Y ahí es donde llega uno de los mejores extras de esta edición en Blu-ray que tiene un capítulo adicional y nunca visto de Dog Cop en formato mini-película.

La carátula de la caja tiene sencillamente el mismo cartel que se puso en la parrilla de Netflix para anunciar este bombazo de Sony Pictures Animation. En él vemos a toda la familia rodeada de dispositivos electrónicos que se han revelado. La sorpresa viene en el disco que está serigrafiado en blanco y negro con azul simula ser una carátula casera, de las que se hace Katie.

El disco puede reproducirse en alta definición en pantallas anchas 1.85:1. Está disponible con los siguientes idiomas de doblaje: castellano, inglés, francés DTS-HD master audio 5.1 y holandés dolby audio 5.1. En cuanto a los subtítulos podemos seleccionar en castellano, inglés, árabe, holandés, francés y hebreo.

El menú de la película está animando, como era de esperar en una película tan vistosa y que fomenta el cine casero. El portátil de Katie y su escritorio repleto de cosas nos dan paso a las distintas opciones que podemos escoger, incluso si estamos reproduciendo la película. Si esperáis un rato en el menú sin tocar nada veréis una sorpresa en la pantalla del portátil. Eso sí, el menú solo está en inglés.

Si os ubicáis en la sección “The movie (la película)” y pulsáis el cursor a la derecha podréis elegir entre ver la película tal y como se estrenó o una curiosa versión en formato storyboard que es la versión extendida según Katie. Llega a durar 1h y 52 min, tres o cuatro más que el corte que se estrenó. La sección “The Best features Ever!” da paso a los extras que describimos a continuación.

Extras (60 min. aprox.)

Escenas extras (25 min.)

8 escenas descartadas que de haberse puesto en la película habrían supuesto casi media hora más de metraje. Divertidos momentos con los robots en la carretera, más momentos padre e hija, la llegada de un tejón a la casa, más grabaciones de Katie… Todas las escenas están sin acabar, son bocetos mínimamente animados,

El gabinete de maravillas olvidadas de Katie (11:22 min.)

Lindsey Olivares (diseñadora de producción) nos cuenta cómo hicieron que funcionase la película con esa mezcla de dibujo 3D, animación 2D y onomatopeyas de cómic, al estilo de ‘Spider-Man: un nuevo universo’ pero más recargado. Michael Miranda (director y coguionista), Guillermo Martinez (jefe de historia), Toby Wilson (director de arte) y Mike Kasker (supervisor de VFX) nos muestran un primer corto mostrado a un público de prueba, los primeros storyboards,

Cinco apartados que llevan como nombre: Katie llamados: ‘Katie-Vision’, ‘Dumb Robots Trailer’, ‘The original Mitchells story pitch’, ‘The furby scene – How? Why?’ y ‘Pal’s world’.

‘Los Mitchell contra las máquinas’ o como un grupo de apasionados hizo una gran película (12:49 min.)

Los responsables de la película cuentan desde cómo surgió esta idea (con ejemplos sacados de la vida real) hasta como trabajaron a través de videollamadas con los animadores, dobladores…

Comentarios de los directores

Aquí podemos habilitar los típicos comentarios de los directores que durante el filme nos irán contando anécdotas.

Cómo hacer marionetas con calcetines o magdalenas con caras (3:39 min.)

Para hacer sus películas Katie cogía el material que tenía a mano, como sus calcetines. Este pequeño vídeo es una especie de Art Attack donde nos muestran cómo hacer nuestros propios personajes.

Mini-película. Dog Cop 7: el capítulo final (8:24 min.)

Uno de los trucos para el éxito de la saga ‘Ice Age’ son los cortos de Scrat que vamos viendo intercalados en cada película. ‘Los Mitchell contra las máquinas’ sigue esa estela y hace lo propio con otro simpático animal. Como añadido a la película el Blu-ray introduce una nueva aventura del Dog Cop protagonizado por Monchi. Y no está en formato animación, sino que mezcla imágenes reales con marionetas.

‘Las niñas de cristal’, la nueva película de Jota Linares

Será presentada en el Festival de Málaga y el 8 de abril en Netflix

Netflix anuncia la fecha de estreno de ‘Las niñas de cristal’, la nueva película del director Jota Linares (¿A quién te llevarías a una isla desierta?). Un drama psicológico en el que vuelve a contar con la actriz y bailarina María Pedraza como protagonista, quien interpreta a la gran estrella del Ballet Clásico Nacional bajo las órdenes del coreógrafo y Premio Nacional de Danza Antonio Ruz.

La película, que competirá por la Biznaga de Oro del Festival de Málaga, se estrenará mundialmente en Netflix el 8 de abril.

La cinta, escrita por el propio Jota Linares y Jorge Naranjo y producida por Juan Solá, Nacho Manubens, Toni Sevilla y Mark Albela de Federation Spain, completa su reparto principal con actrices de prestigio como Mona Martínez, Marta Hazas y Ana Wagener, nuevo talento como Olivia Baglivi y Juanjo Almeida y un elenco de bailarines profesionales que debutan en la interpretación, encabezado por Paula Losada.

Un reparto de lujo para el proyecto más personal del director, Jota Linares: “esta es mi película más honesta, habla a través de la ficción de todas mis obsesiones, sobre qué es el éxito y el fracaso y la frontera difusa que existe entre uno y otro”.

Sinopsis oficial:

Después de que la estrella del Ballet Clásico Nacional se suicide trágicamente, Irene es seleccionada para ocupar su lugar en la mayor producción de ballet de la compañía: Giselle. Ahora, siendo el blanco de todos los celos y la crueldad de sus compañeras, Irene encuentra una amiga en la nueva bailarina, Aurora, una solitaria adolescente dominada por su madre. Aisladas y presionadas por el sacrificio que supone triunfar en la danza, la relación de Irene y Aurora se vuelve cada vez más cercana, a la vez que obsesiva. Juntas emprenden una huida hacia adelante en busca de sí mismas.

Crítica de ‘¡La serie de Cuphead!’

Netflix se lo pasa pipa jugando con los aventureros con cabeza de taza

Desde el 18 de febrero se puede ver en Netflix ‘¡La serie de Cuphead!’ que adapta el juego de los canadienses StudioMDHR que en su día califiqué como “un Dark Souls a lo retro” en mi blog personal. Seguro que si habéis jugado a ese videojuego estáis de acuerdo conmigo en cuanto a su dificultad. Lo cierto es que es uno de los grandes videojuegos de los últimos años, todo un bombazo de los hermanos Chad Moldenhauer y Jared Moldenhauer.

Esta serie tiene 12 episodios de 15 minutos cada uno dirigidos en los impares por Adam Paloian y en los pares por Clay Morrow a partir de los guiones que han escrito junto a Deeki Deke, Cosmo Segurson y Dave Wasson. Este último es quien ha desarrollado la serie. Y no es de extrañar que Wasson haya estado implicado en el proyecto pues de 2013 a 2019 estuvo trabajando en los nuevos dibujos animados de Mickey Mouse, personaje y universo con el que los protagonistas conservan un cercanísimo estilo visual.

Por supuesto en ‘¡La serie de Cuphead!’ se ha conservado al estilo de los dibujos animados antiguos con todo lo que eso conlleva, títulos de crédito, escenarios, todo tipo de personajes antropomórficos, movimientos… Es un shoot ‘em up con movimiento en 2D lateral, pero para la serie obviamente se han incorporado técnicas modernas que sirven para la narrativa. Hay algunas veces que se realizan movimientos casi 3D en los que parece que se ha rodado con maquetas, unas que por cierto podrían ser de Tim Burton. El estilo es tan retro que entre los diversos personajes que aparecen en los episodios podrían figurar las versiones antiguas de Goofy, Mickey o el gato Félix y se integrarían de sobra. De hecho, hay un guiño a ‘Fantasía’ y Cuphead tiene el traje de Mickey en su armario.

¿De qué va ‘¡La serie de Cuphead!’? Básicamente de dos gamberretes y descerebrados aventureros que se meten en líos. Entre lance y lance vemos como van evitando que el Diablo se haga con el alma de Cuphead. Si te gustan los gameplays también te gustará esta serie pues al fin y al cabo es ver las travesuras y persecuciones de los dos hermanos con cabeza de taza. De hecho, aparecen muchísimos personajes del videojuego, predominando los jefes finales, a los cuales se les da algo de contexto e historia. En esta primera parte de la serie (si, estos son los 12 primeros de más episodios que habrá) están Ribby and Croaks, The Root Pack, King Dice y por supuesto The Devil entre otros muchos.

En esas aventuras se produce un ambiente bastante demencial. Miedo, angustia, conductas imitables y violencia es lo que rezan las advertencias que pone Nerflix junto a la categoría de edad. No obstante, se nota que la serie carece de cualquier tipo de crítica, es naif y si no fuese por ciertas groserías o momentos cafres podría ser apta para público infantil. Es un poco ‘Animaniacs’ o sigue las locuras de muchas series de Nickelodeon pero para espectadores un poco más creciditos, es decir, los que han podido jugar a videojuego. De todos modos mejor que unos niños no la vean y tengan ganas de jugarlo porque se pueden volver majaras con su dificultad.

Por supuesto la música, como en el juego, está omnipresente. La serie suena al blues, jazz y soul con el que se acompañaban los dibujos de principios del siglo XX. Dado el carácter liante de los hermanos (Cuphead es un buscalíos y Mugman la voz de la conciencia) y la música que tiene ‘¡La serie de Cuphead!’ podría llamarse ‘Granujas a todo ritmo’, como el filme de John Landis. Alude visual o musicalmente a muchos Blues Man históricos. De hecho cuando sale King Dice rememora totalmente al Minnie the Moocher de Cab Calloway.

Cabe señalar, aunque sea con un par de líneas, que las canciones están muy bien adaptadas al castellano, en traducción y en voz, al nivel de ‘Hora de aventuras’. Y el doblaje más de lo mismo. En el juego no tenemos las voces de los personajes y aquí se ha contado con Best Digital quien ha escogido a actores de doblaje como Rafael Romero, David Robles, Guillermo Romero o Carlos Ysbert (Homer Sipmson).

No se puede ser más audiovisualmente nostálgico que ‘¡La serie de Cuphead!’. Con este estilo Disney de los años 30 pero con su a veces toque un tanto macabro la serie me ha gustado. Aunque tenga un tono un tanto infantil nos divierte y devuelve a aquellos muñequitos de Mickey y sus amigos que nos tocaban en los huevos Kinder.

Teaser tráiler de ‘Garra’

Protagonizada por Adam Sandler, Queen Latifah, Ben Foster… y Juancho Hernangómez

Netflix publicó la semana pasada el teaser tráiler de ‘Garra (Hustle)’, dirigida por Jeremiah Zagar, escrita por Taylor Materne y Will Fetters y producida por Adam Sandler y LeBron James. Esta pelícla se estrenará en la plataforma de streaming el próximo 10 de junio.

Garra está protagonizada por Adam Sandler, Queen Latifah, Ben Foster, Kenny Smith, Ainhoa Pillet, Raul Castillo, Jordan Elizabeth Hull, Maria Botto, Heidi Gardner, Robert Duvall y el jugador de baloncesto español Juancho Hernangómez, en su primer papel protagonista.

Aunque el deporte está en el centro de la historia, la película es mucho más grande que el baloncesto. Se trata de un viaje emocional y triunfal de dos desvalidos que lo ponen todo en juego para perseguir sus sueños.

 

Sinopsis oficial:

Tras descubrir en el extranjero a un jugador único con un pasado rocambolesco (Juancho Hernangómez), un ojeador de baloncesto venido a menos (Adam Sandler) se encarga de traer al fenómeno a Estados Unidos sin la aprobación de su equipo. Contra todo pronóstico, tiene una última oportunidad para demostrar que tiene lo necesario para triunfar en la NBA.

Crítica: ‘La matanza de Texas’

Sinopsis

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Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Crítica

Retomando la primera, imitándola y sin aportar nada original

Leatherface (Cara de cuero) vuelve a hacer de las suyas. ‘La matanza de Texas’ se cuela esta vez en Netflix y el resultado es el mismo que el de otras muchas secuelas, insatisfactorio. La versión que ha dirigido David Blue Garcia para Legendary (productora que hizo también la de 2013) termina siendo igual de insulsa que otras muchas películas slasher del montón. Quizá tendría que haber visto antes que la historia está escrita por Fede Álvarez pues sus películas de terror nunca terminan de gustarme. No tenía mucha expectativa con esta película, con que me diese brutales muertes y alguna razón de ser para gastarse dinero en una novena entrega me valía. Los fatalities me los da y al principio aparecen dos factores que dan esperanzas, uno que intenta actualizar la saga con el tema de los influencers y otro que nos habla del eterno debate de las armas en USA. Pero ninguno de los dos están lo suficientemente bien desarrollados o por lo menos quedan a la sombra de los fallos típicos de los slashers menos carismáticos.

‘La matanza de Texas’ ya superó su estatus de trilogía con creces. Incluso se podría llamar triple trilogía si alguna de ellas fuese coherente con la anterior. Y es que tenemos numerosas secuelas, una de ellas directa de la primera, una tercera negando la segunda, una cuarta que si tiene “en cuenta” los hechos de la una y la dos, una en 3D que solo continúa la primera, otra que es un remake… con esta saga se ha hecho un batiburrillo digno de las escabechinas de la familia Sawyer y la historia está tan deformada como la cara de Leatherface. En esta ocasión se ha hecho una especie de secuela de la primera parte sacando del canon todas las anteriores y creando una nueva línea argumental, la cuarta o quinta que surge.

La historia empezó en el 74 siendo ambientada en 1973. Lo sucedido en esa película está presente y pesa como una sombra. A la remota población de Texas llegan unos influencers que obviamente se topan con Leatherface y se ganan a pulso el miedo que les mete en el cuerpo. Así te lo hace creer la película pues los influencers son del tipo irrespetuoso, moralista y pretencioso. Miran por encima del hombro y se piensan que pueden hacer lo que quieran en la despoblada villa de Harlow. Es un poco la onda que sigue ‘Blair Witch 2’, solo que los protagonistas acuden sin el conocimiento del terror que se vivió allí en el pasado.

Se hace entretenida y se puede festejar en compañía porque es la típica película de muertes sanguinolentas y dolorosas. Como decía, parecía que escondería mensaje o eso han intentado pero no nos engañemos, el atractivo de ‘La matanza de Texas’, de esta versión, es ver las salvajes, ensañadas y creativas muertes provocadas por Leatherface y su motosierra. Te ves venir los encontronazos, los sustos e incluso alguna de las muertes. Pero sobre todo lo que has de saber es que está llena de situaciones estúpidas escritas para forzar las muertes. Para muestra lo que hace el conductor del autobús, todo un WTF.

No sé si Tobe Hoper estaría contento con esta entrega que ha intentado meter muchos guiños, me quedo con la imagen de los post-créditos. Sigue los mismos patrones además procurando que haya una final girl, muertes a plena luz del día, todo transcurre en un ambiente amarillento y sucio, se repite el baile con la motosierra, el asesino acaba vistiéndose o maquillándose como su madre… A colación de la madre, también esta vuelve a ser el detonante que hace que se le crucen los cables a Cara de cuero.

Lo que no se repite es todo el tema del canibalismo que solo se sugiere muy por encima alguna vez y eso que es real food, que ahora está tan de moda. Será que Netflix quiere apoyar las causas veganas. Lo que tampoco se repite es la aparición de rostros famosos, aunque haciendo justicia los actores, ahora famosos, que aparecieron de jóvenes en la saga no eran famosos cuando estuvieron con las motosierra de Leatherface en sus entrañas. Recordando, en ‘La matanza de Texas’ han intervenido Renee Zellweger, Viggo Mortensen, Matthew McConaughey, Alesandra Dadario, Matt Bomer, Jessica Biel, Denis Hopper… La única cara reconocible o muy famosa es la de Alice Kirge o la de Olwen Fouéré. Fouéré se mete en el papel de Sally Hardesty pues la actriz original ya falleció. Con ello enlazamos con otra saga en pleno intento de re-despegue como es ‘Halloween’ pues con su personaje se intenta hacer algo muy similar a lo que se hizo con el de Jamie Lee Curtis, es decir, nada nuevo ni original.

Quizá la culpa es mía por exigirle algo o entusiasmarme al pensar que habría algo más de mensaje tras su arranque con los instagrames y todo el discurso de los tiroteos en institutos. Cara de cuero nunca ha tenido una continuidad estable. Es como si su historia estuviese tan desmembrada como sus víctimas y tan alborotada como su cabeza. ¿Será esa la intención? Sea como fuere es casi tradición en la saga ‘La matanza de Texas’ el reescribir la historia. ¿Podrá Netflix romper esa tendencia y hacer ecuelas directas y narrativamente coherentes con lo anterior? Dudo que haya muchas más. No solo por la calidad de esta entrega pues creo que ha quedado claro que me ha decepcionado, sino por la tendencia a la cancelación de la plataforma que convierte “sus sagas” en algo volátil o efímero.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Título original: Texas Chainsaw Massacre. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: David Blue Garcia. Guion: Chris Thomas Devlin. Música: Colin Stetson. Fotografía: Ricardo Diaz. Reparto principal: Elsie Fisher, Moe Dunford, Jacob Latimore, Sarah Yarkin, Olwen Fouere, John West Jr., Alice Krige, Nell Hudson, Mark Burnham, William Hope, Jessica Allain, Sam Douglas, Jolyon Coy. Producción: Legendary Pictures, Bad Hombre, Exurbia Films. Distribución: Netflix. Género: terror, remake, secuela, slasher. Web oficial: ver en Netflix.

‘Érase una vez… Pero ya no’ los cuentos clásicos en una serie musical

En Netflix el 11 de marzo

Ya no sabemos si hay algún día en el que no os hablamos de algo de Netflix que acabamos de ver o de algo que Netflix desvela o comienza a rodar. Es bueno que nos tengan entretenidos y es bueno que además nos confirmen que tienen más cosas que rodar en España. En concreto hoy os hablamos de ‘Érase una vez… Pero ya no’.

‘Érase una vez… Pero ya no’ es una serie de Manolo Caro (‘Alguien tiene que morir’, ‘La casa de las flores’) que ejerce como creador y director. Esta nueva idea es una comedia musical que apuesta por una reinvención de los cuentos de hadas clásicos. Para esta loca idea, que seguro que gusta a los fans de la serie live action que tenía un título similar, ha contado con el cantante y compositor colombiano Sebastián Yatra y las cantantes españolas, Mónica Maranillo (La Voz Kids) y Nia Correia (Operación Triunfo 2020).

Junto a ellos cierran el reparto Rossy de Palma (‘Los abrazos rotos’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’), Asier Etxeandia (‘Sky Rojo’, ‘Dolor y gloria’), Mariola Fuentes (‘Alguien tiene que morir’, ‘Los abrazos rotos’), Itziar Castro (‘Vis a Vis’, ‘Pieles’), la actriz chilena Daniela Vega (‘Una mujer fantástica’, ‘La visita’) y la mexicana Mariana Treviño (‘Club de Cuervos’, ‘La casa de las flores’) entre otros.

Manolo Caro afirma: “Este anti cuento de hadas creo que es lo más honesto que he hecho como autor. Por los tiempos que estamos viviendo tenía la necesidad de divertirme, enloquecer, cantar, bailar, reír y esto es lo que ‘Érase una vez… Pero ya no’ ofrece. Estoy muy contento de volver a la comedia hilarante que me ha dado tantas satisfacciones y creo que el público que ha seguido mi trabajo entenderá de lo que hablo en los primeros minutos de la serie”.

La serie está producida por Rafael Ley, María José Córdova, Andrea Toca y el propio Manolo Caro. ‘Érase una vez…Pero ya no’, es una producción de Noc Noc Cinema.

Sinopsis oficial.

Cuenta la historia de dos amantes que fueron separados trágicamente y que deben encontrarse en otra vida para romper el hechizo que cayó sobre el excéntrico pueblo que habitan. Ahora, en el presente, la llegada de dos turistas pondrá en riesgo la única posibilidad que tienen de romper el hechizo.

Crítica: ‘Bigbug’

Sinopsis

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En 2045, la inteligencia artificial es omnipresente; tanto, que la humanidad depende de ella para satisfacer todas sus necesidades y deseos… incluso los más íntimos y retorcidos.

En un tranquilo barrio residencial, cuatro robots domésticos deciden súbitamente secuestrar a sus dueños en su propia casa. Atrapados entre cuatro paredes, una familia no demasiado bien avenida, una vecina indiscreta y su eficiente androide sexual se ven obligados a soportarse en una situación cada vez más delirante. Mientras tanto, en el exterior, la generación más avanzada de robots —los Yonyx— intenta conquistar el mundo. Y pese a que la amenaza es cada vez más inminente, los humanos prefieren hacer oídos sordos, dejarse llevar por los celos y humillarse entre ellos ante la mirada perpleja de sus robots domésticos.

Tal vez sean los robots los que tengan alma. ¡O tal vez no!

Crítica

Divertida y futurista comedia francesa

Dirigida por Jean-Pierre Jeunet, director de la estupenda ‘Amelie’ llega a Netflix ‘Bigbug’ una extraña cinta en la que las máquinas se rebelan contra la humanidad.

Si, digo extraña, ya que el cine de Jean-Pierre Jeunet es bastante especial y realmente merece ese adjetivo. Aquí nos traslada al año 2045, donde la inteligencia artificial es omnipresente. La humanidad depende de ella para todo. En un barrio residencial, cuatro robots domésticos deciden súbitamente secuestrar a sus dueños en su propia casa.

¿Y por qué hacen esto? Pues fuera la generación avanzada de robots, los Yonyx, están intentando conquistar el mundo a base de nuevas normas y penas de cárcel para los humanos. E incluso, si se quieren librar de la cárcel, humillan a los humanos con un programa llamado Homo Ridiculus.

La película es del montón, no os vais ha encontrar una gran maravilla. Pero como digo, el cine de este director siempre nos da algo original y loco en sus historias. Al final la manera de contar todo, con diálogos veloces, situaciones cada vez más desesperantes, al final están conviviendo unas 8 personas en una misma casa de manera obligada.

Y los robots, cuatro seres artificiales que lo único que quieren es ayudar a sus humanos y hacerles comprender que lo están haciendo por su bien. Me gusta mucho como terminan siendo más humanos que los propios ocupantes de la casa.

En el reparto de ‘Bigbug’ encontramos a Elsa Zylberstein, con un papel muy divertido, una mujer divorciada en busca de una noche loca que nunca puede llegar a consumar. Isabelle Nanty, la vecina cotilla que termina encerrada con ellos, Claude Perron, encargada de dar vida a uno de los androides más humanizados o François Levantal, el encargado de dar rostro a los Yonyx. También tenemos la aparición de Dominique Pinon en la cinta.

Una de las cosas que más me ha gustado son los efectos especiales. Son bastante exagerados, algo que es muy del cine de Jean-Pierre Jeunet, admito que siempre que veo sus películas me viene a la mente Javier Fesser, pues tienen una forma muy parecida de trabajar o al menos, como os digo, a mi se me parecen mucho.

Aunque, en esta película también tiran mucho del maquillaje, el cual está bastante bien logrado. Y el diseño de las casas y el barrio futurista me parece muy original. Lleno de colores y grandes ventanales.

El 11 de febrero llega esta cinta a Netflix y como os digo, tampoco es la mejor película de su director, pero es un buen entretenimiento y seguro que os hace pasar un buen rato con unas palomitas en casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2022. Título original: BigBug. Duración: 109 min. País: Francia. Dirección: Jean-Pierre Jeunet. Guión: Jean-Pierre Jeunet, Guillaume Laurant. Música:  Raphaël Beau. Fotografía: Thomas Hardmeier. Reparto principal: Elsa Zylberstein, Alban Lenoir, Isabelle Nanty, Youssef Hajdi, Claire Chust, François Levantal, Claude Perron, Stéphane De Groodt, Dominique Pinon, Sébastien Gill, Guy Donald Koukissa. Producción: Eskwad, Gaumont. Distribución: Netflix. Género: Comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81158472

Tráiler y nuevas imágenes de ‘El proyecto Adam’

El 11 de marzo llega a Netflix ‘El proyecto Adam’

Dirigida Shawn Levy y protagonizada por Ryan Reynolds, Mark Ruffalo, Jennifer Garner, Walker Scobell, Catherine Keener y Zoe Saldana. La película mezcla ciencia ficción y cine de aventuras. ‘El proyecto Adam’ llegará a Netflix el próximo 11 de marzo de 2022.

¿Qué pasaría si pudieras volver atrás y hablar con tu yo de 12 años? Adam Reed (Ryan Reynolds) está a punto de descubrirlo en la nueva película de aventuras de Shawn Levy (‘Free Guy’).

Aquí os dejamos el tráiler, el cartel y algunas imágenes de la cinta que disfrutaremos dentro de poco en nuestras casas gracias a Netflix.

Sinopsis:

Dirigida por Shawn Levy, escrita por Jonathan Tropper, T.S. Nowlin, Jennifer Flackett y Mark Levin, producida por David Ellison, Dana Goldberg, Don Granger, Shawn Levy y el propio Ryan Reynolds, ‘El proyecto Adam’ narra la hisotria de Adam Reed, un viajero en el tiempo del año 2050. Se ha aventurado en una misión de rescate para buscar a Laura (Zoe Saldana), la mujer que ama y que se perdió en el continuo espacio-tiempo en circunstancias misteriosas. Cuando la nave de Adam se estropea es enviado en espiral al año 2022, y al único lugar que conoce de esta época de su vida: su casa.

 

Netflix rueda en Málaga la serie ‘La chica de la nieve’

Adaptando la novela de Javier Castillo

Netflix continua con sus producciones en España y hoy ha anunciado hoy el inicio de rodaje de La chica de nieve’, su nueva serie basada en el bestseller de Javier Castillo. Atípica Films produce para Netflix este thriller de seis episodios protagonizado por Milena Smit (‘Madres paralelas’, ‘No matarás’), Jose Coronado (‘El inocente’, ‘Tu hijo’), Aixa Villagrán (‘Vida perfecta’, ‘Loco por ella’), Tristán Ulloa (‘Fariña’, ‘Pudor’), Loreto Mauleón (‘Patria’, ‘Besos en el aire’), Julián Villagrán (‘Extraterrestre’, ‘Cuando los ángeles duermen’), Raúl Prieto (‘Antidisturbios’) y Cecilia Freire (‘Velvet’), entre otros.

Basada en la novela superventas de Javier Castillo, publicada por Penguin Random House Grupo Editorial y con más de un millón de ejemplares vendidos en España, ‘La chica de nieve’ está adaptada para la pantalla por Jesús Mesas y Javier Andrés Roig (‘Deudas’, ‘Estoy vivo’) y dirigida por David Ulloa (‘La caza. Monteperdido’) y Laura Alvea (‘Ánimas’).

La serie se rodará en Málaga y Madrid durante las próximas semanas.

Sinopsis oficial:

Málaga, 2010, cabalgata de los Reyes Magos. El momento más mágico del año se torna en pesadilla para la familia Martín cuando su hija Amaya desaparece entre la multitud.

Miren (Milena Smit), una periodista en prácticas, comienza una investigación paralela a la de la inspectora Millán (Aixa Villagrán) que despertará aspectos de su pasado que habría deseado olvidar. Con la ayuda de su colega periodista Eduardo (Jose Coronado), Miren no parará hasta encontrar a la niña. ¿Dónde está Amaya Martín?

Crítica: ‘Feria: La luz más oscura’

Un thriller fantástico que no defrauda

El 28 de enero llegó a Netflix ‘Feria: La luz más oscura’. Creada por Carlos Montero (‘El desorden que dejas’) y Agustín Martínez (‘La caza. Monteperdido’) nos traen una serie llena de misterios en la Andalucía profunda.

Dos hermanas se van a celebrar la noche de San Juan, mientras que sus padres marchan fuera de su casa. Al día siguiente 23 cuerpos aparecen muertos al lado de una mina.

Dirigidos por Jorge Dorado y Carles Torrents, tenemos 8 episodios de unos 41-58 minutos aproximadamente cada uno. En ellos vamos conociendo poco a poco el secreto de los padres de Eva y Sofía. Mientras tanto, ellas sufren del acoso del pueblo y también sus propios secretos.

No le tenía muchas ganas la verdad, he de admitir, que, aunque Paraíso logré verla y bueno, con sus fallas no me disgustó, si que se me quedó bastante floja y pensé que ‘Feria: La luz más oscura‘ iría por el mismo camino. Y que equivocada estaba. Pues ‘Feria: La Luz más oscura’ nos da algo distinto y una historia mejor contada.

Sin duda el punto fuerte son las dos protagonistas. Ana Tomero (‘La Templanza’) y Carla Campra (‘Verónica’) y es que su actuación le da credibilidad y mucha fuerza a la historia.

Pero no solo ellas, en general todo el reparto está estupendo. Desde Marta Nieto, Salva Reina, Ernest Villegas, Patricia López Arnaiz, Pablo GómezPando, Ángela Cremonte, Kandido Uranga hasta Manolo Caro.

Otro de los puntos fuertes es todo el diseño de producción. Un trabajo grandísimo, que hace que nos adentremos perfectamente en los años 90. Además de ir cambiando poco a poco la atmosfera de la serie para que veamos la evolución que está sufriendo el pueblo.

Los efectos especiales no están mal. Si que hay una criatura que aparece de vez en cuando que bueno, podría mejorarse. Esa criatura, por cierto, la manera en la que aparece me ha recordado a la serie de ‘Nuevo sabor a cereza’.

El final queda abierto, pero aun así, se puede dejar así perfectamente. Así que si tenéis oportunidad de verla, os la recomiendo.

Tenemos un adelanto de ‘Vikingos: Valhalla’

Nueva serie que se verá en Netflix de los productores de ‘Vikingos’

Netflix lanzó ayer un avance en forma de teaser de lo que será el tráiler de ‘Vikingos: Valhalla’. Esta nueva aventura en la que se combina la veracidad histórica y el drama con una acción sangrienta y trepidante que llegará el próximo 25 de febrero.

‘Vikingos: Valhalla’, ambientada hace más de mil años, a principios del siglo XI, narra las heroicas aventuras de algunos de los vikingos más famosos de la historia: desde el legendario explorador Leif Eriksson (Sam Corlett) o su apasionada y decidida hermana, Freydis Eriksdotter (Frida Gustavsson), hasta el ambicioso príncipe nórdico Harald Sigurdsson (Leo Suter).

La tensión entre los vikingos y la corona inglesa, culmina en un punto de inflexión sangriento. Mientras los vikingos se enfrentan por discrepancias religiosas entre cristianos y paganos, estos tres vikingos emprenden un viaje épico que les llevará por mares y campos de batalla, desde Kattegat a Inglaterra y más allá, en su lucha por la gloria y la supervivencia.

Esta nueva serie cuenta con Jeb Stuart como director y productor ejecutivo, también cuenta con la producción ejecutiva de Morgan O’Sullivan, Michael Hirst, Sheila Hockin, Steve Stark, James Flynn, John Weber, Sherry Marsh y Alan Gasmer, Paul Buccieri. Además, entre su reparto también destacan Bradley Freegard, Laura Berlin, David Oakes, Jóhannes Haukur Jóhannesson y la cantante Caroline Henderson.

Tráiler de ‘¿Quién es Anna?’

¿Es Anna la mayor estafadora de Nueva York o es simplemente el nuevo retrato del sueño americano?

Netflix ha lanzado la semana pasada el tráiler y el póster de ‘¿Quién es Anna?’, la nueva creación de Shondaland, que ha dirigido David Frankel, Tom Verica, Daisy Von Scherler Mayer, Ellen Kuras y Nzingha Stewart, y que protagoniza Julia Garner (‘Ozark’), entre otros. La serie se estrena el próximo 11 de febrero.

El reparto está encabezado por Julia Garner (Anna Delvey), Anna Chlumsky (Vivian), Arian Moayed (Todd), Alexis Floyd (Neff), Anders Holm (Jack), Terry Kinney (Barry), Katie Lowes (Rachel), Jeff Perry (Lou), Anna Deavere Smith (Maud) y Laverne Cox (Kacy).

En esta serie una periodista con mucho que demostrar, Vivian (Anna Chlumsky, ‘Veep’, ‘Mi chica’), investiga el caso de Anna Delvey (Julia Garner, ‘Ozark’, ‘The Assistant’), la legendaria heredera alemana y estrella de Instagram, que robó el corazón y el dinero de la élite de Nueva York.  Pero ¿es Anna la mayor estafadora de Nueva York o es simplemente el nuevo retrato del sueño americano?  Anna y la periodista forman una oscura y divertida relación de amor-odio mientras Anna espera ser juzgada y la reportera lucha a contrarreloj para responder a la mayor pregunta de la sociedad neoyorquina: ¿Quién es Anna Delvey? La serie está inspirada en el artículo del New York Magazine «How Anna Delvey Tricked New York’s Party People» de Jessica Pressler, que también ejerce como productora.

El equipo de guionistas de esta nueva ficción, está formado por Shonda Rhimes, Matt Byrne, Jess Brownell, Abby Ajayi y Nick Nardini y cuenta con Shonda Rhimes, Betsy Beers, David Frankel como productores ejecutivos.

Confirmadas la tercera y cuarta temporada de ‘Emily en París’

Netfíx seguirá produciendo la serie protagonizada por Lily Collins

La serie ‘Emily en París’ está protagonizada por Lily Collins y producida por Darren Star Productions y Jax Media. Tony Hernández y Lilly Burns de Jax Media junto a Andrew Fleming son los productores ejecutivos, además de Lily Collins también como productora de esta serie.

En esta historia conocemos a Emily, una ambiciosa ejecutiva de marketing de Chicago que consigue inesperadamente el trabajo de sus sueños en París cuando su empresa adquiere una compañía francesa de marketing de lujo, y se le encarga la renovación de su estrategia en las redes sociales. La nueva vida de Emily en París está llena de embriagadoras aventuras y sorprendentes desafíos, mientras hace malabares para ganarse a sus compañeros de trabajo, hacer amigos y navegar por nuevos romances.

En la segunda temporada, más asentada en París, Emily se desenvuelve cada vez mejor en la ciudad, aunque todavía está adaptándose a las costumbres francesas. Después de verse envuelta en un triángulo amoroso con su vecino y su primera amiga francesa, está decidida a centrarse en su trabajo, que cada día es más complicado. En clase de Francés, Emily conoce a un expatriado que le pone muy nerviosa, pero también despierta su curiosidad.

El galardonado creador y showrunner Darren Star vuelve a dirigir la segunda temporada de la serie nominada al Emmy, que se convirtió en la serie de comedia más vista de Netflix en 2020. Emily en París está producida por MTV Entertainment Studios, Darren Star Productions y Jax Media. ‘Emily en Paris’ está protagonizada por Lily Collins y está producida por MTV Entertainment Studios, Darren Star Productions y Jax Media. Además de Star, los productores ejecutivos adicionales son Tony Hernández (JAX Media), Lilly Burns (JAX Media) y Andrew Fleming. Raphaël Benoliel, Stephen Brown, Lily Collins, Shihan Fey y Jake Fuller son productores.

Crítica: ‘Riverdance: La ventura animada’

Sinopsis

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Tras sufrir una dura pérdida, un niño irlandés y su amiga española aprenden a superar el peligro y el dolor a través del baile gracias a una manada de ciervos mágicos.

Crítica

Que bonito cuento lleno de música y danza

Con una bonita danza irlandesa y flamenco nos adentramos en un cuento lleno de magia y música. ‘Riverdance: La aventura animada’, nos presenta a Keegan, un joven que perdió muy de niño a sus padres y que vivió con sus abuelos toda su vida. Su abuelo, un ser que adora y practica todas las tradiciones, es el farero de este pueblo. Gracias a él, el río puede seguir fluyendo. La leyenda cuenta que gracias a unos Megaloceros giganteus que bailan sin parar, el río fluye por todos lados. Sin la luz de ese faro, un malvado cazador vendría a por estas criaturas y todo terminaría.

Keegan y su amiga Moya, van en busca de estos seres. En este viaje Keegan aprenderá muchas cosas, entre ellas, que por muy moderno que se crea, muchas tradiciones deben seguir vivas.

Un cuento que nos enseña a crecer, a perder miedos. La importancia de la cultura, como he dicho, las tradiciones y la familia.

Vemos jugar al hurling, el verdor irlandés por todos lados, rincones irlandeses como la magnífica Calzada de los Gigantes y también a los enormes y extintos Megaloceros giganteus que hacen que bailemos a base de instrumentos de cuerda y sus preciosas voces. Y por supuesto celebraremos San Patricio con nuestros protagonistas.

Riverdance: La aventura animada’, está inspirada en la famosísima obra teatral y cuenta con nueva música por Bill Whelan, ganador de un premio Grammy.

Con las voces de Pierce Brosnan, Brendan Gleeson, Sam Hardy, John Kavanagh, Pauline McLynn, Jermaine Fowler o Lilly Singh. Los directores Eamonn Butler y Dave Rosenbaum nos adentran en la irlanda profunda.

Riverdance: La aventura animada’ es una cinta con la que disfrutaréis toda la familia. Una película con una historia muy bonita y donde los pequeños aprenderán a apreciar los valores familiares y culturales. Y pese a las modernidades con las que los pequeños nacen es importante conocer también nuestro pasado.

Así que ya sabéis, este viernes 14 de enero ya tenéis plan en casa gracias a Netflix. Disfrutadla y bailad al son de la música que nos brindan.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de enero de 2022. Título original: Riverdance: The Animated Adventure. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Eamonn Butler, David Rosenboum. Guión: David Rosenbaum y Tyler Werrin. Música: Bill Whelan. Fotografía: Animación. Reparto principal: Animación. Producción: Cinesite, River Production. Distribución: Netflix. Género: Fantasía. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81487903

Crítica: ‘La casa’

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‘La casa’ es una excéntrica comedia de humor negro sobre una casa y los tres relatos surrealistas de los individuos que la convirtieron en su hogar.

Crítica

Solo la calidad de la animación es suficiente incentivo para entrar en ‘La casa’

El próximo 14 de enero Netflix nos plantea una nueva antología. Esta vez en formato película, pero dividida en tres capítulos, el nombre escogido es ‘La casa’. Y es que este largometraje está compuesto por unas historias que tienen en común una peculiar y bonita casa. Además de eso su nexo es que están recreadas con la técnica del stop-motion y poseen una moraleja. Tres narraciones con tintes de fábula adulta y algo de humor negro. Los personajes cambian de un episodio a otro, la ubicación de la casa también pero básicamente, de un modo muy relacionado con el desquicie y la demencia, nos habla de la búsqueda de un hogar. Una temática muy oportuna, precisamente ahora, cuando la vivienda es uno de los problemas más preocupantes de nuestra sociedad.

Los episodios están dirigidos por personas familiarizadas con el stop-motion. Emma de Swaef y Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr y Paloma Baeza. De hecho, si habéis visto alguno de sus cortos comprobaréis que recuperan sus personajes para ubicarlos dentro de esta acogedora pero perturbadora vivienda. Nexus Studios es el estudio que les ha unido para plantearnos los dilemas de unos personajes que aunque sean animales o de otra época están muy relacionados con todos nosotros.

Se me ha quedado floja la fuerza de la moraleja de estas historias, podría haberse extraído algo más potente de esta idea. Pero funciona cuando vemos que la casa a veces es un símbolo de esperanza, otras es todo un tormento, otras una frustración, otras sueños rotos, otras un símil de una vida llena de negaciones… Es evidente que para que estas historias tan enigmáticas tengan sentido hay que buscarles el sentido metafórico. Aquel que esté buscando deshacerse de una herencia, construirse un hogar o pasar página en su vida va a encontrar lazos con los protagonistas.

La ambientación nos lleva desde la época victoriana hasta nuestra actualidad. El diseño de producción y los diálogos nos devuelven a las mejores épocas de Tim Burton. El humor apático y los personajes martirizados nos llevan a ese cine que tanta influencia tiene de Edgar Allan Poe. Las criaturas que se mueven por las estancias de la casa son como esos muñequitos de las casas de muñecas Sylvanian Families. Todos los detalles están muy logrados, desde la casa y el mobiliario hasta pequeños detalles como una chocolatina o el agua y el fuego.

Aunque son entretenidas hay que reconocer que los episodios son raros, sobre todo el primero. Pasamos de una trama inquietante, puede recordar un poco a ‘El Resplandor’ pero que acaba yendo por otros derroteros. El segunda pega un salto en el tiempo y podría haber sido como ‘Esta casa es una ruina’, pero también nos sorprende incluyendo hasta un número musical. El tercero tiene el cambio geográfico más significativo y es al que se le puede extraer un significado más trascendental.

Esta película, con personajes de fieltro tipo ‘Trolls’ de Dreamworks pero en deprimente y para adultos, tienen cosas que contarnos. La calidad con que son recreados directamente un incentivo para entrar en ‘La casa’ y acompañarles en sus penurias y alegrías.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de enero de 2022. Título original: La casa. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Emma de Swaef, Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr, Paloma Baeza. Guion: Enda Walsh. Música: Gustavo Santaolalla. Reparto principal (voces originales): Helena Bonham Carter, Matthew Goode, Claudie Blakley, Paul Kaye, Miranda Richardson, Mia Goth, Will Sharpe, Susan Wokoma, Mark Heap, Stephanie Cole. Producción: Nexus Studios. Distribución: Netflix. Género: comedia, drama, antología. Web oficial: https://nexusstudios.com/insight/the-house-official-trailer/

Crítica: ‘El páramo’

Sinopsis

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Lucía y su hijo viven alejados de la sociedad en un paraje llano en el que casi no hay vida. La pequeña unidad familiar que forman madre e hijo apenas recibe visitas y su meta es desarrollar una existencia tranquila. En un inicio lo consiguen, pero la aparición de una misteriosa y violenta criatura que empieza a acosar su pequeña casa pondrá a prueba la relación que los une.

Crítica

Un cuento siniestro rodeado de una perfecta atmósfera amenazadora

En el pasado festival de Sitges, tuvimos la oportunidad de ver bastante cine español y entre las cintas que tuvimos la suerte de ver en pantalla grande, fue ‘El páramo’. Dirigida por David Casademunt y protagonizada por Inma Cuesta, Roberto Álamo y Asier Flores.

Ellos tres junto a la atmósfera que encontramos en la cinta, logran introducirnos en un cuento de terror muy bien llevado y con unas imágenes espectaculares. Que nos hacen dudar bastante de si todo es una locura de la soledad o si de verdad hay algo paranormal.

Esta familia vive en medio de la nada, entre los tres van sacando para comer y vivir plácidamente. Hasta que un buen día, él padre tiene que marchar por algo que ocurre y una antigua leyenda regresa a sus vidas. Una criatura les acecha y si le tienes miedo esa criatura se acercará cada noche hasta que acabe contigo.

Como primer largometraje, David Casademunt, demuestra un gran trabajo de dirección. Además de rodearse de buenos artistas, ya sea en el tema de la actuación, como detrás de cámaras. Su director de fotografía Isaac Vila, del que hemos hablado bastantes veces en nuestra web, deja claro con cada trabajo, que es uno de los mejores en su campo. En trabajos como el corto de ‘Graffitti’ o la serie de ‘El desorden que dejas’ nos muestra una fotografía preciosista con unos paisajes tremendos. Y aquí no se queda atrás, creando esos paisajes desoladores llenos de espacios vacíos y a la vez, creándonos claustrofobia en las escenas dentro de la casa.

Pero no solo en los medios técnicos, sino que también logró conseguir una coach para ayudar a Asier Flores con su trabajo en la película. Y he de admitir que han realizado una buena labor, pues el chaval está genial y nos hace que nos metamos en la película de lleno. Y que sintamos su dolor y valentía.

El tándem que crean él e Inma Cuesta es buenísimo. El amor que se procesan como madre e hijo es perfecto y cómo van evolucionando los dos personajes es formidable. El estudio de personalidades me encanta y como la soledad les va degradando a ambos de distintas maneras es formidable.

Es una pena que ‘El páramo’ no llegue a la gran pantalla pues el trabajo visual de la cinta, la tensión que crea con solo unas imágenes, es tremendo. Pero bueno, aunque no sea posible, a partir del 6 de enero, la podréis disfrutar en Netflix. Eso sí, os recomiendo dejar la casa a oscuras y adentraros de llenos en esta experiencia que nos da David Casademunt.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de enero de 2022. Título original: El páramo. Duración: 96 min. País: España. Dirección: David Casademunt. Guión: David Casademunt, Fran Menchón y Martí Lucas. Música: Diego Navarro. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Roberto Álamo, Inma Cuesta, Asier Flores. Producción: Rodar y Rodar. Distribución: Netflix. Género: Terror. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81274959

Tráiler y cartel de ‘Feria: La luz más oscura’

Estreno el 28 de enero en Netflix

Tenemos novedades desde Netflix. Se ha publicado hoy el tráiler y el póster oficial de ‘Feria: La luz más oscura’, su nuevo e inquietante thriller de misterio creado por Agustín Martínez (‘La caza. Monteperdido’) y Carlos Montero (‘El desorden que dejas’). La serie contará con 8 episodios y llegará a Netflix el 28 de enero.

Los creadores de ‘Feria: La luz más oscura’ definen así su nueva apuesta: “Tienes 17 años, vives en Andalucía en los 90 y un día tu hermana y tú descubrís que vuestros padres han sido acusados de matar a más de veinte personas. Han desaparecido y os han dejado solas ante un pueblo que pide justicia y venganza. Así empieza esta historia terrorífica en la que también hay una secta, música grunge, unos seres fantásticos, el sol de Andalucía y una mina que parece un laberinto. Todo esto y mucho más es Feria: La luz más oscura. Un concepto ambicioso que necesitaba una plataforma como Netflix que se atreviera a producirlo. Y se subieron a bordo enseguida”.

Un inquietante thriller de misterio ambientado en un pequeño pueblo blanco de la sierra andaluza a mitad de los años noventa, donde sus habitantes no son tan ingenuos como aparentan y donde la realidad esconde un escalofriante universo fantástico. El reparto principal está encabezado por las jóvenes actrices Carla Campra (‘Señoras del (h)AMPA’, ‘Todos lo saben’) y Ana Tomeno (‘La isla mínima’) como las hermanas Eva y Sofía. Completan el reparto Isak Férriz (‘Gigantes’, ‘Las distancias’), Marta Nieto (‘Madre’, ‘Secretos de Estado’), Ángela Cremonte (‘Las chicas del cable’, ‘Mentiras’), Patricia López Arnaiz (‘Mientras dure la guerra’, ‘La otra mirada’) y Ernest Villegas (‘Nit i dia’, ‘Infidels’).

La serie ha sido producida por Filmax y dirigida por Jorge Dorado y Carles Torrens.

Sinopsis oficial:

¿Y si dos hermanas adolescentes descubren que sus padres son unos asesinos? Eva (Ana Tomeno) y Sofía (Carla Campra) tendrán que enfrentarse al horrible crimen que parece que han cometido sus padres, quienes, antes de desaparecer, han dejado atrás 23 víctimas. ¿Cómo van a sobrevivir estas hermanas en un pueblo que las odia? ¿Es posible que conocieran tan poco a sus padres, o existe algún motivo para que estuvieran implicados en este suceso? Este es el viaje que emprenderán Eva y Sofía en Feria, un pueblo donde la realidad esconde un universo fantástico.

Netflix nos invitó a una charla científico cinéfila sobre ‘No mires arriba’

“El cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo”, Pedro Duque

Pensábamos que no íbamos a tener más que contaros sobre ‘No mires arriba’ tras publicar una crítica aquí en la web y otra en nuestro canal de Youtube. Pero tenemos más que aportaros para animaros a ver la última obra de Adam McKay. Netflix nos invitó ayer a un estelar encuentro. Con motivo del estreno de ‘No mires arriba’ nos ha reunido en el Domo 360 de Madrid donde nos hemos encontrado con Pedro Duque (astronauta y exministro de Ciencia e Innovación), José Luis Crespo (físico, Quantum Fracture), Laura Parro (investigadora en Ciencias Planetarias) y Andrea G. Bermejo (redactora, Cinemanía). Un acto presentado por Eduardo Sáenz (Órbita Laika).

Con ellos hemos charlado sobre lo que sucede en ‘No mires arriba’, que es en resumen que un asteroide va a chocar contra la Tierra con el 100% de probabilidades. En esa película juega un papel muy importante la comunicación y la divulgación, algo que dado el carácter de los invitados, fue el eje que vertebró la charla.

Sobre el acto de hablar de ciencia en público y hacer entender a todo el mundo lo que dices Pedro Duque señaló que “hay que estructurar la información de modo que tenga contenido capaz de captar la atención. Es difícil en el poco tiempo que solemos tener, se ve eso en la película”. Yendo más allá Crespo apuntó que “uno tiene que entender que aunque las cosas no se vean hay que conocer las consecuencias”. Y es que la película aunque trate sobre un meteorito tiene muchas similitudes con la pandemia que vivimos, y eso que McKay escribió el guión mucho antes de 2020. Como os habréis dado cuenta y como también destacó Bermejo citando películas como ‘Contagio’, “la ciencia es uno de los motores de cambio de la humanidad. El cine se ha nutrido de sus dilemas”. Por último Parro, que está en un proceso para convertirse en astronauta de la ESA dijo que “Necesitas una preparación para llevar todo a un terreno que se pueda entender. Lo hemos visto con la pandemia. Con todo este panorama se nos va haciendo más caso a los científicos”.

Hemos citado ‘Contagio’ pero con tanto científico antes o después se habló de cuan acertadas científicamente son las películas. Parro coincide con nosotros en destacar a ‘Marte (The martian)’ “a mí la que me gusta es ‘The martian’, está muy bien llevada, con solo alguna cosa a criticar. Mucha gente me ha preguntado qué tiene de verdad”. Crespo también acertó al apreciar que “siempre hay pequeñas ideas en las películas que hacen “inception» en tu cabeza y se quedan”. Y Pedro Duque desde su experiencia espacial y las películas que ha visto estaba en posición de afirmar que “el cine acierta cuando nos muestra a los astronautas trabajando en equipo. Cuando se va a lo individual es cuando se equivoca, no se puede hacer todo eso en solitario. Pero sin duda tiene el valor único de poder generar interés”.

Sobre si es veraz todo eso que vemos en las películas de librarnos de una roca enorme que se dirija a la Tierra José Luis Crespo indicó “reventarlo con bombas es la peor idea. Se podría fragmentar en muchas partes y ese sería un problema más difícil”. El trabajo de Parro está muy relacionado con este tipo de problemáticas: “estamos intentando estar preparados. Queremos tener un comprobador de que en caso de necesitarlo podemos desviar un asteroide” anunció.

Las películas catastrofistas muchas veces no son solo espectáculo, como es el caso de ‘No mires arriba’. Andrea G. Bermejo bien lo ejemplificó al decir que “lo interesante es que más allá de querer hacer un entretenimiento hay un retrato de la sociedad del momento. ‘No mires arriba’ es un retrato tan ácido y escéptico que viene a decir que no merece la pena que lo intentemos”. Y es que incluso los políticos están bien retratados. Pedro Duque desde su reciente experiencia dijo que “hay que darles primero el eslogan y luego la explicación. Eso puede pasar, lo he aprendido también […] Obviamente funcionaría tener un asesor científico que le explique la situación al político de turno”.

Nosotros en concreto preguntamos sobre la parte corporativa de la película, que se mete bastante con los CEOs de las grandes tecnológicas. Pedro Duque también nos dijo “obviamente las corporaciones ya nos están influyendo, en las campañas electorales por ejemplo”. Bermejo aclaró que “hay una crítica a las tecnológicas” a lo que Crespo aportó “Bezos ha sugerido controlar el clima con un aerosol dispersado por la atmósfera. Terraformar. Eso da miedo”.

La charla tuvo muchos momentos educativos y muy bien explicados. Agradecemos a Netflix esta invitación y os invitamos una vez más a ver ‘No mires arriba’ que ya está en cines y a partir del 24 estará subida a la plataforma.

Hemos empezado la T2 de ‘The Witcher’ acompañados de Henry Cavill

La T2 comienza subsanando errores de la anterior

El Hombre de Acero, Sherlock Holmes, Teseo, Charles Brandon… desde que se convirtió en una estrella que venía de ‘Stardust’ Henry Cavill ha ido en franco ascenso. Con solo una treintena de películas se ha convertido en una superestrella, impulsada sin duda por la “S” de Superman. Pero sobre todo su simpatía y cercanía con el público más friki ha hecho que se gane un sitio especial en el corazón de la audiencia.

Esos modales tan próximos a los fans los ha demostrado en la premiere de la temporada 2 de ‘The Witcher’ que ha tenido lugar en Kinépolis Madrid. Tras una exhibición de Versus Madrid y una versión del “Toss a coin to your witcher”, Henry Cavill ha posado para nuestras cámaras y nos ha hablado de su trabajo. Posteriormente ha llegado la proyección del 2×01 que llegará a Netflix el 17 de diciembre.

A continuación, podéis ver de manera íntegra el Q&A que hemos podido tener con él, dirigido por Daniel Borrás de la revista GQ. Más abajo nuestra opinión del episodio.

Más allá de la emoción de contar con la presencia del actor que interpreta a Geralt de Rivia podemos decir de manera objetiva que la serie, por lo menos en el primer episodio, parece haberse decidido por un tono. La anterior temporada era muy dispar en cuanto a su género (aventura, género, drama, comedia). De un episodio a otro cambiaba la dinámica y ese aspecto hizo que muchos fans se descolgasen. Lo mismo pasaba con el diseño de producción, desigual en cuanto a calidad de unas localizaciones a otras, fallando sobre todo en interiores.

En el primer capítulo, dirigido por Stephen Surji (‘The Umbrella Academy’) se nota más inversión de tiempo o dinero y sobre todo se nota que se ha tomado nota del feedback de la audiencia. ‘A grain of truth’ es el nombre del episodio y adapta otro de los capítulos de la serie. En concreto los fans se van a encontrar con Nivellen (magníficamente realizado) y con su historia que adapta otro cuento clásico. Sigue esa relativa fidelidad con los libros, que para mí es el punto flaco a pulir. Basarse tanto en historias ya conocidas desluce una trama que tiene bastantes aspectos originales como para necesitar andar colgada de otras referencias. Pero eso estaba en los libros y seguirá estando en la serie.

La temporada retoma exactamente el mismo punto en que acabó la primera. Tenemos a una nueva bestia a derrotar mientras que Geralt y Ciri buscan a Yennefer. La guerra entre el norte y Nilfgaard vuelve a fraguarse tras la devastadora acción de Yennefer. El arranque es francamente violento en ciertos destellos. Aunque Henry Cavill afirmó hace poco que su personaje iba a ser menos malhablado el tono de la temporada se ha tornado más oscuro. Pese a ello la comedia sigue presente en ciertos momentos.

Sin haber visto aún toda la temporada 2, ni haberse estrenado siquiera, Netflx ya nos ha confirmado que habrá tercera. Lo cierto es que con el primer episodio parece que la cosa se ha reconducido, como ya auguraba la precuela animada ‘The Witcher: La pesadilla del lobo’, a cuyos hechos Geralt hace alusión en el 2×01.

Antes de todo este evento pudimos fotografiar a varios influencers que se acercaron al evento. Entre ellos estaban Loulogio, Keunam & Hermoti, Pascu y Rodri (Destripando la Historia) o Jota Castellano, el cual, aparece en varios episodios de la serie. Podéis ver aquí todo el photocall.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘No mires arriba’

Sinopsis

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Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!

Crítica

Muy lúcida, muy punk, muy McKay

Pese al aspecto comercial de sus películas promovidas por grandes productoras y repletas de actores de gran caché, las últimas películas de Adam McKay han conseguido ser tanto o más punzantes que los documentales de Michael Moore. ‘La gran apuesta’ y ‘El vicio del poder’ han supuesto viento fresco para un ambiente podrido. Ahora el director vuelve con crítica y sátira estrenando ‘No mires arriba’ y no es que no defraude es que supera cualquier expectativa. Si sus anteriores películas tenían cierto grado de complejidad por su agilidad, los tecnicismos que utilizaba o los detalles más dirigidos al público estadounidense, conocedor de la política local, en esta ocasión ha hecho una obra la mar de sencilla, que no deja títere con cabeza y que a la vez resulta la mar de lúcida.

Soy de los que piensan que tanto el terror como la comedia son herramientas magníficas ora transmitir algo serio, pero solo unos pocos saben usarlas correctamente. En este caso McKay llega hasta una burla obvia y el terror que nos infunde es el que nos deja patente que estamos en un mundo tan estúpido que merecemos una extinción como la que borró del mapa a los dinosaurios. En ‘No mires arriba’ nos cuenta la historia de dos astrónomos que detectan un meteorito e intentan concienciar a la opinión pública y a las autoridades de que va a chocar contra la Tierra. Ni con una certeza del 100% consiguen la alarma que se merece tal descubrimiento. Ese punto apocalíptico que nos parece surrealista es el que se desarrolla y creedme, os vais a ver retratados. Es como si a Roland Emmerich le hubiese dado un ataque de sátira inteligente.

‘No mires arriba’ son 145 minutos de reír y reír con una bajona final (ojo que tiene post-créditos) en la que hemos de reconocer que tenemos lo que nos merecemos. Que no os asuste su duración porque de verdad que no paras de tener comedia en forma de sátira, crítica, parodia, surrealismo… se emplean chistes visuales y gags continuamente. McKay saca su lado más cómico para reírse del negacionismo, la frivolidad innata del ser humano, la escasa empatía que tenemos, el hambre de las corporaciones, el cómo bromeamos hasta con la muerte o trivializamos con sorna aquello que evitamos asumir como inevitable. ‘No mires arriba’ se ríe inteligentemente hasta del pin de la Agenda 2030 o de los conspiranoicos de QAnon (sobre los cuales ya produjo el documental que comentamos aquí). Se mete contra aquellos inútiles que nos gobiernan o están desperdiciando y desprestigiando posiciones de poder así mismo como a esos votantes que niegan verdades absolutas o se suman a ridículos retos en redes sociales. “No son tan inteligentes como para tener ese nivel de maldad” dice uno de los personajes cuando se refiere a los poderosos. Es por todo esto que trata y por lo directa que es, que me ha parecido de lo más punk.

El filme comenzó su andadura en febrero de 2020 pero ya que se ha rodado tras la pandemia y ha de recrear una roca en medio del espacio, cohetes, masas de gente… este es el trabajo que tiene más imágenes generadas por ordenador de toda la filmografía de McKay. Entre eso y el repartazo que luce intuyo que esta será su película más cara. Y ha merecido la pena pues el resultado es de 10, da de lleno en el clavo. ‘No mires arriba’ es la película que necesitamos como especie y que tras la presión o el desgaste emocional que llevamos nos levanta el ánimo.

Capitanean el filme Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como esos descubridores que llevan con un alto nivel de angustia y estrés toda la situación. Os van a encantar en los momentos más límite. Pero otros actores, encargados de la parte más paródica os llamarán más la atención. Como Mark Rylance en la piel de un ominoso CEO, la presidenta conservadora y oportunista de Meryl Streep, el retrógrado astronauta de Ron Perlman, el político enchufado de Jonah Hill, la vividora presentadora de Cate Blanchett… por personajes que no sea.

El tagline de la película dice “basada en hechos posibles” y la verdad es que muchos ya están pasando. Nos negamos la verdad y la eludimos voluntariamente a través de los datos y el entretenimiento que nos arrojan las pantallas de los móviles. Metemos ahí la cabeza cual borrico aislado de lo que le rodea por sus anteojeras. ‘No mires arriba’ nos anima a levantar la cabeza y a disfrutar de la vida, del impresionante planeta que aún tenemos. Si no os queda claro con lo sencilla que es y lo abiertamente que se expone haced por lo menos un poco de análisis de la última cena que se muestra en pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021 (24 de diciembre Netflix). Título original: Don’t look up. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Brittel. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Leonardo Dicaprio, Meryl Streep, Rob Morgan, Tyler Perry, Cate Blanchett, Mark Rylance, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis , Tomer Sisley. Producción: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Los 9 true crime españoles que están causando furor

Los reportajes centrados en crímenes reales cada vez más demandados

No son pocas las propuestas que nos llegan desde diferentes plataformas para acercarnos o esclarecer los hechos acaecidos en España. Reportajes, investigaciones y documentales sobre sucesos criminales que han causado impacto en nuestra sociedad y que ahora, rescatados del recuerdo, cobran otra dimensión y perspectiva. Uno de los últimos que se han estrenado es ‘Lucía en la telaraña’ que se ha sumado a los diversos documentales sobre el caso Wanninkhof, los cuales os hemos relatado aquí.

A continuación os enumeramos 9 producciones que giran en torno a true crime españoles que satisfarán la curiosidad de los adeptos a este género en auge.

Lucía en la telaraña (RTVE Play)

Esta producción de RTVE, en colaboración con El Cañonazo y The Facto, reúne en sus cinco episodios muchos de los temas más recurrentes del true crime, en especial la corrupción y la violencia machista. Dirigida por el tres veces ganador de un Emmy, Tomás Ocaña, y subdirigida por el periodista Rafael González, la producción indaga en el asesinato de la malagueña Lucía Garrido en un caso que, incluso sin haber terminado su proceso judicial, ha destapado no sólo un posible crimen de violencia de género, sino también una compleja trama de corrupción policial. De ahí la telaraña que dio nombre tanto a la investigación como a la serie.

‘Lucía en la telaraña’ se conforma a través de una matrioska narrativa en la que los giros de guion los aporta la propia investigación del caso: del asesinato machista a la corrupción policial y política, pasando por el tráfico de armas, corrupción urbanística, narcotráfico e incluso venta ilegal de animales exóticos, en unas circunstancias que resultarán muy familiares a los fans de Tiger King (Netflix), otro de los máximos exponentes del género. La verdadera España dentro de España, situada en la malagueña localidad de Alhaurín de la Torre.

Este título se une a una lista que no deja de crecer en RTVE Play. La plataforma, una reformulación de la extinta RTVE A la carta, está haciendo una fuerte apuesta por los contenidos de no ficción de calidad para dotar a su catálogo de producción propia. Antes de ‘Lucía en la telaraña’ llegaron Edelweiss, sobre la secta que captó a miles de españoles entre los 70 y los 2000 y Ruiz-Mateos: el primer fenómeno viral, centrada en el mediático empresario.

 

El Pionero (HBO Max) Crítica aquí

En lo que a la combinación de corrupción y Costa del Sol se refiere, Lucía en la telaraña tiene una clara predecesora. Si hay tres letras que asociamos con la ciudad de Marbella entre los 90 y los 2000 son G.I.L., siglas del partido con el que Jesús Gil llegó a gobernar algunas de las ciudades más importantes de la provincia de Málaga.

‘El Pionero’ nos traslada a ese momento de nuestra historia en el que ser corrupto era un motivo de orgullo y ostentación. La marca España real de la que la Marca España oficial quiso huir: urbanizaciones de lujo en primera línea de playa, bronceados imposibles, modelos en biquini sexualizadas en prime time, folclóricas paseando de la mano de políticos y una premisa terrorífica: (casi) todo el mundo tiene un precio.

 

Nevenka (Netflix)

2021 ha sido un año fundamental en la lucha mediática contra la violencia de género. Dentro del género documental, dos títulos han resultado claves para entender cómo los medios de comunicación han sido cómplices de la violencia machista. El primero de ellos es ‘Nevenka’, en el que nos reencontramos con la protagonista del famoso caso de acoso sexual por parte de Ismael Álvarez, alcalde de Ponferrada, a su concejala y compañera de partido Nevenka Fernández.

Nevenka ha necesitado dos décadas para reaparecer tras haber sido denostada por los medios y por los vecinos de su ciudad, que salían a manifestarse con pancartas que la denigraban tras haber ganado el juicio por acoso sexual contra el alcalde. Mirando a cámara en primer plano, ‘Nevenka’ cuenta por primera vez el coste personal de haber sido una pionera y cómo gestionó esos años de acoso mediático, social y judicial.

 

Rocío, contar la verdad para seguir viva (Mitele)

Si hablamos de moda dentro de lo que son true crime españoles, sobre todo entre la prensa rosa, debemos ir a otro título que ha devuelto al debate público la lucha contra la violencia machista y el más relevante dada su dimensión social. Es el emitido por Telecinco durante la pasada primavera. Una de las mujeres más conocidas de la prensa rosa, hija de la gran estrella de la canción española, narrando por primera vez cómo los medios no solo han permitido, sino que han contribuido activamente a que su expareja ejerza distintos tipos de violencia contra ella durante más de dos décadas.

Durante sus doce episodios y posteriores charlas en directo junto a expertas en violencia de género, la serie documental ha popularizado conceptos hasta ahora reducidos a círculos académicos o especializados en la materia como la violencia vicaria, revictimización o violencia institucional. El aumento de llamadas al 016 o de búsquedas de términos relacionados en Google desde su primera emisión son ejemplo claro del valor de servicio público del proyecto. A través de Mitele se pueden ver los episodios independientes o junto a sus charlas posteriores.

 

Muerte en León (HBO Max) Crítica aquí

Quizá quien ha puesto en marcha la revolución de los true crime españoles es este reportaje. “Aquí murió una bicha”. Nunca una pintada callejera contó tantas cosas. Una líder política (Isabel Carrasco) con mucho poder en su partido (PP) y en su provincia (León, de la que era Presidenta), asesinada en plena calle y a plena luz del día. Por otra parte, una joven ambiciosa que solo reclamaba lo que había visto que les daban a otros; una madre coraje y una amiga con el peor timing de su vida. Las cuatro protagonizan uno de los true crimes más fascinantes de nuestra historia, que vuelve a girar en torno a la corrupción política y sus múltiples tentáculos.

A diferencia del resto, en ‘Muerte en León’ las mujeres siguen siendo las víctimas, pero también son los verdugos de la historia. O al menos lo son en el relato oficial: quién maneja los hilos del crimen y de la investigación es una de las incógnitas que se tratan de resolver sus cuatro episodios regulares y ‘Muerte en León: Caso cerrado’, el especial que indaga en algunos de los impactantes datos relevados en el episodio 4 de la serie.

 

El Palmar de Troya (Movistar +)

El fervor religioso también es muy agradecido para las docuseries. Uno de los grandes exponentes en nuestro país es esta producción sobre uno de los fenómenos más impactantes y, sorprendentemente, poco explorado de nuestra historia reciente: cómo una pequeña localidad del sur de España acaba teniendo su propia catedral, su propia religión y su propio Papa.

Milagros, fenómenos sobrenaturales, oscurantismo, abusos y delirios colectivos son los condimentos de una serie que, como buen true crime, nos regala un gran giro de guion próximo al final, a la altura de los grandes true crime españoles.

 

El caso Alcàsser (Netflix)

Muchos sitúan el nacimiento de la telebasura en España con el momento en el que las televisiones experimentaban grandes aumentos de audiencia cubriendo la desaparición y posterior crimen de las adolescentes Miriam, Toñi y Desirée en el municipio valenciano de Alcàsser. Dos décadas después, asistimos con horror al relato de los hechos, a sus consecuencias para toda una generación de mujeres e incluso a la reescritura del propio relato oficial en los años 90. Tal es el impacto social que la publicación en Netflix ha desembocado en la aparición de nuevas pruebas.

Las secuelas del caso se extendieron desde el interior cualquier hogar donde vivieran mujeres adolescentes hasta los platós de televisión, pasando por los juzgados donde veíamos desfilar a Antonio Anglés y Miguel Ricart, los condenados por el terrible crimen. La serie navega entre los dos tiempos, enfrentando a sus protagonistas al papel que jugaron en su día, y no muchos muestran arrepentimiento.

 

Dolores. La Verdad Sobre El Caso Wanninkhof (HBO Max) Crítica aquí

Las niñas de Alcásser fueron las primeras y después vinieron otras muchas. Sin embargo, el caso del asesinato de Rocío Wanninkhof tiene un componente que le diferencia del resto. Es lo que la activista y escritora Beatriz Gimeno denomina “la construcción de la lesbiana perversa”. Una mujer inocente acaba en la cárcel sin que existan pruebas de su participación en el crimen solo porque se construye el falso relato de que odiaba a esa niña.

Dolores Vázquez se convirtió en el blanco perfecto: señalada por los medios y su propia pareja como evidente culpable, no había impedimentos morales para sacar la homofobia a pasear. Tras pasar varios años en la cárcel antes de que se demostrara su inocencia, Dolores ha permanecido alejada del foco mediático hasta el presente. Sentada frente a la periodista Toñi Moreno, por primera vez la voz de la protagonista es la que cuenta su historia.

El Estado contra Pablo Ibar (HBO Max)

Pablo Ibar comparte con Dolores Vázquez una sentencia condenatoria por un crimen que no ha sido probado. Sin embargo, el sistema judicial en Florida, el lugar donde fue detenido, y la condena a pena de muerte que le impuso la primera sentencia dificultan una resolución parecida.

De cómo el hijo de un pelotari vasco acaba siendo detenido por un triple asesinato, la debilidad de las pruebas que se presentan en el tribunal, las presiones que recibe el jurado popular y cómo se consigue repetir el juicio 16 años después trata esta serie de 6 episodios contemporánea de ‘En el corredor de la muerte’, la miniserie de ficción protagonizada por Miguel Ángel Silvestre sobre el mismo caso.

Crítica de ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’

La inquisición en la Corea del siglo XXI

Viral es aquello que se convierte en mundialmente conocido por circular por las redes a toda velocidad tras ser compartido en masa. Los confinamientos de 2020 nos han hecho partícipes de muchos retos o momentos que se han transformado en virales, extendiendo su concepto. ‘The ring’ ya trataba ya en 1998 un fenómeno viral, el boca a boca hacia pasar la cinta maldita. El que le daba al play a su VHS veía un extraño vídeo y recibía la llamada de Sadako. A los días esta se le presentaba para matarle. Algo así pasa en ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’, donde unos coreanos comienzan a recibir la visita de un supuesto ángel y tiempo después unas despiadadas criaturas van a ajusticiarle.

La violencia es lo primero que llama la atención de esta historia. Cuando esta tiene lugar es bastante burra y sanguinolenta, aunque no llega al gore. Pero la misteriosa índole del fenómeno paranormal y asesino es el mayor aliciente para seguir con la serie que Netflix estrenó el 19 de noviembre. Sin seguir con su saga de zombies Yeon Sang-ho, el director de ‘Train to Busan’, nos resarce con más terror oriental tras la mala secuela que fue ‘Peninsula’. Nos da una nueva historia sangrienta y fantasiosa que como en otras de sus narraciones descarga su peso en conceptos como la redención o el sacrificio. La grandísima faena es que decepciona sin mucho progreso en la trama, hasta el punto de dejarnos sin explicación y abiertos a una segunda temporada, por la cual reconozco que tengo ya curiosidad pues la serie se cierra con un desconcertante cliffhanger. Ya tengo claro que lo de explicar el origen o fundamento de sus monstruos no es algo que se le dé bien a Sang-ho.

La historia tiene seis episodios y en sus tres primeros seguimos a unos policías. Ellos andan tras la pista de esas bestias pardas del infierno y para ello tienen que sumergirse en las entrañas de una nueva religión. El líder puede recordar a Light de ‘Death note’. De hecho el culto a la muerte que generaban los actos de los shinigamis en esa historia se percibe como una influencia en esta serie. También tienen varios giros de guión bastante… cabroncetes. No quiero llevar a equívocos, en ese aspecto se parece pero la historia es muy diferente. ‘Hellbound’ no tiene ese guión inteligente basado en estratagemas. De igual modo que se nota la influencia de las nuevas tecnologías como sucedió en ‘Llamada perdida’. Internet se convierte en una puerta a un martirio infernal retransmitido casi en streaming. Y como otras producciones que hemos visto juega con el peligro e histeria que a veces se genera en la red de redes.

El foco está en la locura religiosa y los cambios a conveniencia más dignos de la Edad Media, cuando la Iglesia católica tenía su brazo armado o cuando su inquisición actuaba impunemente impartiendo su “justicia divina”. Se produce un pacto de miedo y adoración casi inconsciente o ciego, como el que se le rinde al vampiro de ‘Misa de medianoche’ o como el que se tiene al dictador del país vecino. Pero ‘Rumbo al infierno’ se ríe de las religiones emergentes y falsas. Salvando las distancias no he podido evitar acordarme de la solución final del Dr. Manhattan de ‘Watchmen’. El miedo hace que la gente se comporte bien o caiga en la inacción a través del conocimiento de un ente superior que puede castigar de manera implacable.

Al fin y al cabo, como pasa en relatos como ‘La niebla’, todo trata a cerca de la interpretación de los hechos, en confundir la justicia divina con la humana. Queda claro también que la buena salud de las producciones coreanas le está abriendo las puertas por todo el mundo. Falta ver cuántos huevos de oro tiene en su interior esta nueva gallina audiovisual. Por lo pronto creo que no fallaré al decir que ‘Rumbo al infierno’ no alcanzará las cotas de éxito de ‘Train to Busan’ o el reciente bombazo de ‘El juego del calamar’.

Nuevo cartel y vídeo de ‘La casa de papel’

Últimos episodios el 3 de diciembre

Ya no queda nada para enfilar el desenlace de ‘La casa de papel’ (3 de diciembre) con la última parte de la temporada 5. Netflix va calentando motores con vídeos como el que se lanzó ayer. En él los protagonistas arrojan sus impresiones sobre lo último que han rodado, el cómo lo han vivido y el qué pensaron al leer sus guiones.

Para Álvaro Morte, la quinta entrega de ‘La casa de papel’ es una temporada “repleta de una tensión absoluta”. Rodrigo de la Serna asegura que se viene algo muy potente que “no va a defraudar a los fanáticos de la serie”. Jaime Lorente se pregunta “¿Cómo se cierra algo tan grande” y Úrsula Corberó confiesa cómo le gustaría volver…

La casa de papel se ha convertido en una de las series de habla no inglesa más populares de Netflix. Tal y como se anunció ayer en Top10.Netflix.com las temporadas 3, 4 y 5 están entre las posiciones más altas del Top 10.

El reparto del volumen 2 está compuesto por Álvaro Morte, Itziar Ituño, Pedro Alonso, Miguel Herrán, Jaime Lorente, Esther Acebo, Enrique Arce, Darko Peric, Hovik Keuchkerian, Luka Peros, Belén Cuesta, Rodrigo de la Serna y Najwa Nimri, entre otros.

Sinopsis oficial:

En los cinco últimos episodios, Tokio (Úrsula Corberó) ha muerto y el enemigo, herido y más temible que nunca, sigue dentro del Banco de España. En las horas más oscuras, la banda afrontará los mayores retos: sacar el oro con un plan lleno de incertidumbre, y tratar de salir del Banco de España, rodeado por el Ejército y con los ojos del mundo puestos en él. Todo sería más fácil si, al menos, el Profesor no cometiese el gran error de su vida.

Nuevo tráiler de ‘No mires arriba’

En cines el 10 de diciembre y en Netflix el 24

Lo primero que llama la atención de ‘No mires arriba’ es su pedazo de reparto. En esta película de Netflix tenemos a Jennifer Lawrence,  Leonardo Dicaprio, Meryl Streep, Rob Morgan, Tyler Perry, Cate Blanchett, Mark Rylance, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis y Tomer Sisley.

No es de extrañar esta confluencia de estrellas teniendo en cuenta que ‘No mires arriba’ está dirigida por Adam McKay (‘La gran apuesta’, ‘El vicio del poder’). Para variar los adjetivos que describen a esta película desde su productora es ácida, inteligente y divertida. En esta ocasión McKay se va un poco hacia el lado de la ciencia ficción y nos cuenta la historia de dos astrónomos que emprenden una gira mediática para avisar a la humanidad de la llegada de un cometa que va a destruir la Tierra.

¡Dentro tráiler!

Sinopsis oficial:

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!

Crítica: ‘El poder del perro’

Sinopsis

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Phil Burbank es un hacendado carismático que despierta temor y admiración en cuantos le rodean. Cuando su hermano vuelve a casa con una nueva esposa y el hijo de ésta, Phil se dedica a atormentarlos… hasta que la posibilidad de enamorarse se cierne sobre él.

Crítica

Campion pone sutilmente el western patas arriba

‘El poder del perro’ es una película ambientada en uno de los territorios más inhóspitos y salvajes de los Estados Unidos, Montana. En una época en la que los cuatreros, las diligencias, los tiroteos… comenzaban a extinguirse ante la aparición de los coches y las costumbres de higiene personal. El filme de Jane Campion refleja esos tiempos que olían a cambio de era, y aprovecha para revisionar un género a veces tan inamovible como el western.

John Wayne es uno de los grandes mitos varoniles del cine del oeste, el cual hizo muchas películas junto a John Ford. Pero contradiciendo esa legendaria y masculina relación siempre ha estado el tema de la homosexualidad. Lo que hace Campion es parecido y pone sutilmente patas arriba el western. Al fin y al cabo nos dice muchas veces que esto va sobre aquellos que ven las cosas de otra manera. ‘El poder del perro’ es una obra para leer entre líneas, dejando mucho a la libre interpretación o la imaginación.

Basándose en la novela de Thomas Savage nos narra la relación entre un áspero vaquero (de los que realmente trabajaban con vacas) y un joven amanerado, que se encuentra fuera de lugar viviendo en salvajes praderas. Junto a ellos están el civilizado hermano del cowboy y la compungida madre del chico. Ellos son Benedict Cumberbatch, Kodi Smit-McPhee, Jesse Plemons y Kirsten Dunst respectivamente. Un cuarteto en el que se gestan tensiones, respetos, rencores, secretos y muchísima represión. Represión aplicada a uno mismo y a los demás, de tal manera que no solo se desarrolla una trama sobre la homosexualidad, también sobre la sinceridad o la complicidad.

Cabe destacar entre todos a Cumberbatch (para variar) quien elimina su acento para amoldarlo al de un hombre sometido a las leyes de la supervivencia y las apariencias. Y también a una Kirsten Dunst casi irreconocible, que contiene un drama dentro de ella de tal manera que acongoja.

Decía que es una película sobre aquellos que miran diferente. Mención aparte a Ari Wegner (fotografía) quien en lugares solitarios y desolados extrae instantes apabullantes. Convierte muchos paisajes de Nueva Zelanda en Montana. Dese luego esta es una película para disfrutar en alta calidad y por supuesto en una pantalla que aproveche bien el formato panorámico.

‘El poder del perro’ no es un filme tipo ‘Call me by your name’, por mucho que siga códigos y tiempos similares. Tampoco es un ‘Brokeback mountain’ pues oculta mucho más sus intenciones. Sigue la temática de esas películas, pero la hila con personajes envenenados y a la vez tentados. Con leves gestos, que cada vez se hacen más evidentes, nos plasma un texto que nos hace mirar ciertos conceptos clásicos desde otro punto de vista.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre (1 de diciembre Netflix) Título original: The Power of the Dog. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Jane Campion. Guion: Jane Campion. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Ari Wegner. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee. Producción: See-Saw Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, Max Films International, Cross City Films. Distribución: Netflix. Género: drama, western. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘tick, tick… Boom!’

Sinopsis

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Un prometedor compositor teatral a punto de cumplir 30 años lidia con el amor, la amistad y la presión de crear algo fantástico antes de quedarse sin tiempo.

Crítica

Emotivo, actual y con un Andrew Garfield espectacular

El próximo 19 de noviembre de 2021 llega a nuestras casas un nuevo musical en Netflix. Dirigido por LinManuel Miranda y protagonizado por Andrew Garfield.

La historia está basada en un monólogo que se convirtió en musical de Broadway. Creada por Jonathan Larson. ‘tick tick… Boom!’ es una autobiografía pensada para ser un monólogo con un solo actor y que terminó siendo una obra de tres actores. En esta cinta tiene un reparto bastante más grande, pero con sus tres protagonistas principales.

La historia nos lleva a la crisis de los 30 años de Jonathan Larson, creador de ‘Rent’ mientras está intentando terminar su obra ‘Superbia’.

Iba con mucha reticencia hacia esta cinta. Me encantan los musicales pero no me preguntéis por qué, no termino de congeniar con el Lin-Manuel Miranda. Pero para mi sorpresa, después de un comienzo apabullante, lleno de movimiento, parloteo y nerviosismo, la película me ha parecido una maravilla. Plasma de maravilla ese excitación de salir a un escenario.

Encajas perfectamente  con los personajes, con sus tristezas y pensamientos. Ese desasosiego que te encuentras al no tener la vida que supuestamente deberías. Esa en la que con 30 años debes tener un trabajo fijo, ser un ganador, tener familia y casa. Mientras que la realidad y los proyectos son otros bastante mas bajos.

Creo que la película es muy actual, esos sentimientos de fracaso aun se tienen al pensar que con 30 años el mundo es tuyo. Una de las cosas que más me ha gustado de ‘tick, tick… Boom!’ son sus altibajos y si, no lo digo de manera despectiva. Todo lo contrario, porque los personajes necesitan esos altibajos y como espectador me ha parecido una buena manera de hacer que sientas lo mismo que ellos. Sus tristezas, alegrías, fracasos y también el ver que la vida pasa y que tienes que vivirla.

Andrew Garfield está apoteósico como Jonathan Larson. Lo da todo, no solo su voz, sino un cuerpo y alma. Le ves como va rompiéndose según avanza la cinta. Como de repente se levanta para terminar dándose cuenta de que la vida no es como la cuentan.

En el resto del reparto encontramos a Alexandra Shipp, Robin de Jesus, Vanessa Hudgens, Joshua Henry, Jonathan Marc Sherman, Ben Ross o Bradley Whitford entre otros.

Lin-Manuel Miranda nos invita a conocer a esta figura tan importante de los musicales, pese a que solo llegó a crear dos obras en su vida, pues Jonathan Larson tuvo una muerte muy prematura. Disfrutadla, pues merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2021. Título original: tick, tick… Boom! Duración: 115 min. País: Estados Unidos. Dirección: Lin-Manuel Miranda. Guión: Steven Levenson. Música: Jonathan Larsson Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesus, Vanessa Hudgens, Joshua Henry, Bradley Whitford, Judith Light, Jordan Fisher, David Iacono, Joanna Adler, Alex D. Jennings, Marie Rose Baramo. Producción: 5000 Broadway Productions, Image Entertainment. Distribución: Netflix Género: Musical, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81149184

Crítica: ‘Alerta Roja’

Sinopsis

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Cuando la Interpol envía una “Alerta roja” (el mayor nivel de alerta posible emitido para que los cuerpos de Policía de todo el mundo capturen a los criminales más buscados), uno de los mejores agentes del FBI, John Hartley (Dwayne Johnson), es asignado al caso. Esta persecución global lo sitúa en medio de un audaz atraco en el que se ve obligado a asociarse con el mayor ladrón de arte del mundo, Nolan Booth (Ryan Reynolds), para atrapar a la ladrona de arte más buscada del mundo (Gal Gadot). La aventura de altos vuelos llevará a este trío por todo el mundo, a través de una pista de baile, atrapados en una prisión aislada, o a través de la selva, y, para su desgracia, constantemente en compañía del otro. Al elenco de estrellas se unen Ritu Arya y Chris Diamantopolous.

Crítica

Acción y muchos giros, una cara aventura que va al estante junto a ‘La búsqueda’ o ‘Fast & Furious’

Rawson Marshall Thurber dirige y escribe ‘Alerta roja’ una película de Netflix que reúne a tres de los actores de acción más populares del momento. Trabaja por tercera vez con Dwayne Johnson y suma a su elenco a Gal Gadot y Ryan Reynolds. Esto ha hecho que esta sea la película más cara que Netflix ha llevado a cabo hasta la fecha. Normal que se llame ‘Alerta roja’, porque si no sale bien la producción el batacazo será de aúpa.

Pero dudo que esta segunda película de Reynolds con Netflix, tras ‘6 underground’, fracase. Como se dice vulgarmente solo con los nombres de los tres protagonistas por huevos va a hacer taquilla. E indiferentemente del boca a boca o su puesto en la parrilla del primer fin de semana estoy seguro de que posteriormente van a dispararse las visitas en la plataforma. Los tres han interpretado anteriormente a algún personaje de DC Comics pero no ha sido Warner quien les ha reunido, aunque me encantaría ver una película de Wonder Woman y Green Lantern contra Black Adam. Ha sido Netflix quien les ha agrupado en una historia que tiene poco de heroica. Porque lo que nos cuenta ‘Alerta roja’ es el cómo se intenta salvar la situación, pero también cómo cada uno tiene sus propios intereses.

Unos inventados huevos regalaros por Marco Antonio a Cleopatra son el codiciado objeto que todos ansían. Esta es una película de robos y persecuciones, de múltiples localizaciones. Los protagonistas interpretan roles casi arquetípicos. El cachas, el hábil, la seductora… Reynolds ejecuta una vez más el rol de bromista irresponsable, demostrando una vez más estar una época que amenaza con dejarle encasillado. Dwayne Johnson regresa por enésima vez a un personaje de acción cargado de sentido del honor. Gal Gadot es la que se sale más de lo acostumbrado, mostrando una faceta más divertida y… bueno, no quiero caer en spoilers. Sin que tenga que ver con el carácter y desenlace de su personaje si puedo decir que tira mucho de doble de acción.

Carreras, tiroteos, peleas sin sangre y muertes manejadas para que sea apta para casi todos los públicos. Si existiesen tantos videoclubs como antes esta película acabaría en la misma sección que ‘La búsqueda’ o ‘Indiana Jones’. Nos lleva a lo largo de todo el mundo al estilo ‘Dónde se esconde Carmen Sandiego’ o el anime ‘Lupin III’. Al margen de las nóminas de sus estrellas, esa variedad de escenarios con bastantes efectos digitales seguro que ha incrementado el coste de la producción. Lugares donde se llevan a cabo planeados robos que terminan desembocando en una acción muy fantasiosa, rozando otra saga que han tocado los tres protagonistas, ‘Fast & Furious’. Su resolución y su giro final terminan siendo tan disparatadas que definitivamente ‘Alerta roja’ está a la altura de ‘La búsqueda’. Y la película es consciente de ello como demuestra burlescamente en más de una ocasión Reynolds. Defendiendo como pocas veces a Nicolas Cage, no habría hecho falta gastarse tanto dinero para conseguir algo parecido.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de noviembre (12 de noviembre Netflix). Título original: Red notice. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Rawson Marshall Thurber. Guion: Rawson Marshall Thurber. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Markus Förderer. Reparto principal: Dawyne Johnson, Gal Gadot, Ryan Reynolds, Ritu Arya, Chris Diamantopolous. Producción: Bad Version, Flynn Picture Company, Legendary Entertainment, Netflix, Seven Bucks Productions. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial: ver en Netflix.

Tráiler de la última parte de la última temporada de ‘La casa de papel’

Estreno el 3 de diciembre

El próximo 3 de diciembre veremos en Netflix el desenlace final de la serie española más vista de Netflix a nivel mundial. ‘La casa de papel’, LCDP como también se conoce, quedará finalmente cerrada, eso esperamos, con esta segunda parte del volumen 5. No vamos a desvelar qué aparece en esta pieza sobre la aventura de El profesor y su banda pues el tema spoilers es delicado a estas alturas.

Simplemente enumeramos quiénes están en esta recta final. El reparto del Volumen 2 está compuesto por Álvaro Morte, Itziar Ituño, Pedro Alonso, Miguel Herrán, Jaime Lorente, Esther Acebo, Enrique Arce, Darko Peric, Hovik Keuchkerian, Luka Peros, Belén Cuesta, Rodrigo de la Serna y Najwa Nimri, entre otros.

Se viene el crossover entre ‘Riverdale’ y ‘Sabrina’

El 17 de noviembre en Movistar

Con el título ‘Bienvenidos a Rivervale’, nos llegará el primer episodio de la sexta temporada de ‘Riverdale’, que se estrena el miércoles 17 de noviembre en Movistar+, pegado a EE UU. Cada miércoles, se lanzará un nuevo episodio hasta completar los 5 episodios evento, que serán de mayor duración. En 2022, la temporada continuará con episodios regulares. Todas las temporadas están disponibles bajo demanda en la plataforma española.

Sinopsis de la sexta temporada

Con Hiram Lodge desterrado y el futuro de Riverdale en manos de un consejo popular, la ciudad por fin parece salir de su vórtice de oscuridad. Pero, como bien sabe Cheryl, Riverdale esconde una maldición en sus cimientos que se remonta siglos atrás y que amenaza con desatar un poder ancestral como nunca antes han conocido. Además, Hiram no se ha ido de la ciudad sin dejar una última sorpresa que puede haber cambiado la vida del pueblo para siempre. ¿Cómo han conseguido escapar Archie y Betty de la bomba que Hiram colocó en su habitación? ¿Conseguirán Veronica y Reggie convencer al consejo de abrir su ambicioso casino? ¿Podrá Cheryl vengar el legado maldito de sus antepasados Blossom? Se avecina una guerra y Riverdale, definitivamente, nunca volverá a ser lo mismo.

El crossover con Sabrina, las brujas y el diablo

Casi un año después del final de las cuatro temporadas de ‘Las escalofriantes aventuras de Sabrina’ (disponible en Movistar+ a través de Netflix), Kiernan Shipka retoma su papel en ‘Riverdale’, donde aparecerá en el cuarto episodio, ‘La hora de las brujas’. El creador de la serie, Roberto Aguirre-Sacasa, ha comentado que es una idea que le rondaba por la cabeza desde la primera temporada. De hecho, en ‘Las escalofriantes aventuras de Sabrina’ ya hubo una conexión con el universo de ‘Riverdale’, cuando Sabrina fue tras un artefacto que vinculaba a un antepasado de la familia Blossom con prácticas de brujería.

Cheryl Blossom (Madelaine Petsch) descubrió al final de la quinta temporada que Abigail, una antepasada suya, había sido quemada en la hoguera, lo que le llevaba a aislarse de sus amigos y reclamar venganza para los suyos. Se avecina una guerra ancestral y la bruja Sabrina tendrá algo que ver en este nuevo giro de la sexta temporada, mucho más oscura y adulta que las anteriores.

Además, según adelanta también el tráiler oficial de la temporada, Archie Andrews (K. J. Apa) y Betty Cooper (Lili Reinhart) se dan una nueva oportunidad y Betty es capaz de confesar que quiere tener un hijo. Mientras, Veronica Lodge (Camila Mendes), tras enfrentarse a su padre Hiram (Mark Consuelos), y su nueva pareja Reggie Mantle (Charles Melton) se pondrán en guardia ante un tipo que dice ser el mismísimo diablo.

Tráiler de la temporada 2 de ‘The Witcher’

Estreno el 17 de diciembre

Netflix ha publicado el nuevo tráiler y cartel oficial que nos adelantan la segunda temporada de ‘The Witcher’. Una segunda parte que llegará a la plataforma a nivel global el próximo 17 de diciembre.

Durante un panel celebrado hoy en la convención Lucca Comics & Games (celebrada en Italia), en el que han participado la directora de la serie, Lauren Schmidt Hissrich, diferentes miembros del reparto como Joey Batey (Jaskier) y Kim Bodnia (Vesemir), junto al diseñador de producción Andrew Laws y la diseñadora de vestuario Lucinda Wright; los fans han podido ver por sorpresa el esperado tráiler oficial, el cartel y nuevas imágenes de la segunda temporada de la serie.

En los nuevos capítulos regresan al reparto Henry Cavill, Anya Chalotra, Freya Allan, Joey Batey, MyAnna Buring, Tom Canton, Lilly Cooper, Jeremy Crawford, Eamon Farren, Mahesh Jadu, Terence Maynard, Lars Mikkelsen, Mimî M Khayisa, Royce Pierreson, Wilson Mbomio, Anna Shaffer y Therica Wilson-Read. Además, se unen otros como Adjoa Andoh como Nenneke, Cassandra Clare interpretando a Philippa Eilhart, Liz Carr como Fenn, Graham McTavish en el papel de Dijkstra, Kevin Doyle como Ba’lian, Simon Callow da vida a Codringher, Chris Fulton como Rience, Yasen Atour como Coen, Agnes Born como Vereena, Paul Bullion como Lambert, Basil Eidenbenz como Eskel, Aisha Fabienne Ross interpreta a Lydia, Kristofer Hivju como Nivellen, Mecia Simson como Francesca y Kim Bodnia en el papel de Vesemir.

Esta segunda temporada de The Witcher cuenta de nuevo con Lauren Schmidt Hissrich como directora y productora ejecutiva. Además Tomasz Bagiński, Jason F. Brown, Sean Daniel, Mike Ostrowski, Steve Gaub y Jarosław Sawko también son los productores ejecutivos. Los nuevos capítulos serán dirigidos por Stephen Surjik (‘The Umbrella Academy’), Sarah O’Gorman (‘Maldita’), Ed Bazalgette (‘El Último Reino’) y Louise Hooper (‘Engaño’).

Un español recibe el Emmy de Ingeniería

Marcos Fajardo ha co-desarrollado un innovador software de efectos visuales digitales

La Academia de Televisión de Hollywood en su 73 edición de los premios Emmy de Ingeniería entregó una estatuilla EMMY a Marcos Fajardo, Alan King y Thiago Ize por su contribución a la industria audiovisual con su Arnold Global Illumination Rendering System.

Arnold es un software renderizador de trazado de rayos estocástico, fotorrealista y muy utilizado por los estudios de animación y efectos visuales de todo el mundo. Diseñado para ser muy fácil de usar para los artistas digitales, Arnold simula fiel e interactivamente las ecuaciones físicas del transporte de luz, sin depender de engorrosos métodos de precálculo en varias etapas. Esto hace más fácil una integración impecable de los elementos 3D con planos de rodaje. Se requirió una extensa investigación científica, así como también optimizaciones matemáticas, algorítmicas y de sistemas para reducir el uso de la memoria y el tiempo de computación. Sus imágenes de alta calidad y su facilidad de uso han dado como resultado su amplio uso y popularidad para las producciones de televisión.

Según ha comentado Fajardo, “este premio no hubiera sido posible sin el trabajo duro de todo el equipo de Solid Angle y Autodesk”. También dio las gracias a los clientes, amigos y a los innumerables investigadores de los que han aprendido tanto a lo largo de los años.

Marcos Fajardo y su Arnold compartieron premios con otras grandes compañías y personas de esta industria que han aportado importantes y revolucionarias mejoras a los aspectos técnicos de las producciones audiovisuales como Reed Hastings (CEO de Netflix al que le conceden el premio “Lifetime Achievement Award”), Dolby Digital, ARRI SkyPanel, Cedar Studio, Golaem Crowd, Massive, y otros.

Tras ganar el Oscar Científico y de Ingeniería en 2017, Fajardo ha diversificado su carrera y participado en distintas producciones como productor.

Algunos proyectos recientes de TV/streaming donde se ha usado Arnold son ‘Westworld’, ‘Gambito de Dama’, ‘Love Death & Robots’, ‘The Mandalorian’, ‘Perdidos en el espacio’, ‘Juego de Tronos’, ‘Carnival Row’, ‘For All Mankind’, ‘Tom Clancy’s Jack Ryan’, ‘Sombra y hueso’, ‘Territorio Lovecraft’, etc.

Este software lo utilizan las principales productoras de cine, TV y plataformas de streaming como Netflix, HBO, Apple TV+, Amazon y Disney+ para dar vida a sus efectos visuales digitales.

Además de en cine y TV, Arnold se usa habitualmente en producciones de alto presupuesto para publicidad (SuperBowl, anuncios de coches, anuncios de Navidad de grandes almacenes como John Lewis, etc), introducciones cinemáticas en videojuegos, y en videos musicales como “Wide Open” de The Chemical Brothers:

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