El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.
Crítica
Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar
‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.
Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.
Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.
Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado
La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la obra de ballet más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará una mítica obra. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única diadema que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin la diadema, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función al son de la música del gran Georges Bizet.
Crítica
Un noble recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en la animación y la cultura popular actual
A comienzos de año llegó desde Rusia a nuestros cines la película ‘Guardianes del museo’. Sin que hayamos terminado este 2024 tenemos un nuevo título del mismo director, VasiliyRovenskiy, que supone una especie de secuela espiritual. De gatos pasamos a perros, de San Petersburgo a Nueva York, de una pinacoteca a la ópera. ‘Guardianes en la ópera’ viene a contar con el mismo presupuesto pero se nota que hay más cantidad de personajes y escenarios. Aun así, dudo mucho que quienes vayan a ver este título se paren a analizar esos pormenores de la producción.
Con una trama menos museística pero que igualmente apuesta por cultivar el arte, conocemos a una tropa de perros con complejo de Robin Hood en los años en los que Ford ponía en marcha los primeros coches y aún se estilaban artes como el ballet o la ópera. Parece que el filme quiere hacer honor a eso de “servir y proteger” pues los protagonistas velan por la seguridad del resto de animales del barrio y también se convierten en todo unos opera buffs (melómanos de la ópera). Si bien ‘Guardianes en la ópera’ no destaca por su producción de alto presupuesto ni por una animación visualmente impresionante, logra transmitir un mensaje genuino y valioso. En un momento en el que la animación suele enfocarse en historias de ritmo rápido, humor inmediato y sobrecarga de texturas, esta película rusa se distingue por su enfoque en temas clásicos y un sincero amor por las artes.
En términos técnicos, ‘Guardianes en la ópera’ está lejos de las pulidas producciones de estudios como Disney o DreamWorks, de hecho podría decirse que el estilo es similar al de muchos anuncios de juguetes. La animación es más simple, con menor fluidez en los movimientos y un nivel de detalle en los personajes y escenarios que, para una audiencia acostumbrada a las producciones de Hollywood, puede parecer modesto. Sin embargo, estas limitaciones técnicas son compensadas por la esencia de su mensaje. Comparada con películas de animales parlantes como ‘Madagascar’ o ‘Sing’, ‘Guardianes en la ópera’ se aparta del humor rápido y la acción para proponer una narrativa más serena y gags más propios de un show circense.
La película sigue a un grupo de animales que, en lugar de embarcarse en aventuras modernas o extravagantes, se embarcan en la misión de rescatar una valiosa joya y de paso evitarle un problema a uno de ellos. Esto la acerca a otros filmes animalísticos que promueven valores profundos, como ‘Ratatouille’, que explora la pasión por la cocina, o ‘Spirit: El corcel indomable’, que resalta la libertad y la conexión con la naturaleza. En este largometraje, sin embargo, el enfoque en una forma de arte menos popular en el cine infantil, como la ópera, es un recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en el corazón de la animación y de la cultura popular actual.
Lo más destacable de esta película es que, a pesar de sus limitaciones visuales, transmite un profundo respeto por las artes. Al representar la ópera y la música clásica como algo digno de proteger y preservar, hace una llamada a las nuevas generaciones a apreciar un mundo de expresiones artísticas que pueden parecer distantes en un contexto de entretenimiento rápido y de fácil acceso. Este mensaje podría no impactar tanto a los niños como a los padres y educadores, pero su intención es noble y ofrece una lección valiosa sobre la importancia de valorar la belleza y complejidad de las artes que se disfrutan mejor presencialmente y que valoran la destreza con nuestros cuerpos, sin artificios tecnológicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Velikolepnaya pyaterka. Duración: 75 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Vasiliy Rovenskiy. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Anna Starshenbaum, Diomid Vinogradov, Garik Kharlamov, Pavel Priluchnyy, Aleksandr Gavrilin, Filipp Lebedev, Irina Kireeva, Anastasiya Portnaya, Anton Eldarov, Anastasiya Sorokina. Producción: Kinofirma, Nashe Kino. Distribución: VerCine. Género: aventuras. Web oficial:https://www.vercine.org/ficha/es/734-guardianes-en-la-opera/
Aunque parece que la moda fue pasajera y que ha caído en el olvido ‘El juego del calamar’ sigue vivo. Mientras aguardamos por su segunda temporada llega una experiencia que nos devolverá en nuestras propias carnes a lo que fue aquel macabro juego que a muchos nos rememoró a ‘Battle Royale’. Se ha anunciado que tras su paso por Nueva York ‘El juego del calamar: The Experience’ abrirá sus puertas el 24 de octubre en Espacio Ibercaja Delicias de Madrid.
Netflix se ha asociado con LETSGO para ofrecer vivencias en primera persona. La adrenalina brotará a borbotones en los fans que se sometan a prueba como Luz Roja, Luz Verde, bajo la atenta mirada de la muñeca Young-hee. Pero no todo serán pruebas. También se ha dispuesto una zona de restauración con productos coreanos donde comentar las jugadas y las sensaciones vividas tras sobrevivir a ‘El juego del calamar: The Experience’.
Quienes tengan más ganas de ponerse a prueba podrán apuntarse a la preventa de esta experiencia en eljuegodelcalamarexperience.com. La venta general de entradas se abrirá en la misma web a partir del próximo 11 de septiembre.
Lillian, una joven estudiante de instituto, se escapa durante una excursión escolar. En este picaresco viaje que nos recuerda a un cuento de hadas o a una gamberra Alicia en el País de las Maravillas, la joven descubrirá un mundo sorprendente. ¡Bienvenidos a América!
Crítica
Un retrato norteamericano embadurnado del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia
Punks a lo Sid Vicious con ganas de disturbios, escolares de excursión haciendo travesuras, yihadistas fans del eurodance retirados en el monte, ultraderechistas a lo QAnon de picnic, cineastas petulantes hasta arriba de entusiasmo, una breve aparición de Andy Milonakis relacionándose con el pizzagate… ‘The Sweet East’ es una película intrigante que presenta una narrativa multifacética, ofreciendo una mirada penetrante a la América contemporánea a través de los ojos de su protagonista, Lillian, una joven de secundaria interpretada por Talia Ryder. Dirigida por el debutante Sean Price Williams, la película se destaca por su estilo visual distintivo y una dirección que combina elementos de realismo y surrealismo, proporcionando una experiencia cinematográfica sugerente y rica para aquellos capaces de extraer de ella algún tipo de moralina.
Básicamente parece un film hecho por alguien patriota que está profundamente preocupado por lo que pasa en su país, solo así se puede entender todo lo que plantea y que desemboca en un dramático y enigmático final. Entre sus muchas divagaciones cuesta ver si es una película compleja o si simplemente es enrevesadamente disparatada. Una de las características más notables de ‘The Sweet East’ es su enfoque en la exploración de la identidad y el autodescubrimiento en un contexto moderno y fragmentado. Lillian es una protagonista que atraviesa una serie de encuentros y experiencias que desafían su comprensión del mundo y de sí misma. La actuación de Ryder es particularmente destacable, su interpretación logra capturar la vulnerabilidad y la resiliencia de su personaje, haciendo que el público se sienta profundamente conectado con su viaje. Es por todo esto que se compara a este filme con ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Pero más que un peregrinaje interior, lo que yo creo que consigue Pierce Williams es una radiografía de un país que está repleto de extremos surrealistas. El guion, escrito por Nick Pinkerton, es una mezcla de episodios que oscilan entre lo travieso, lo absurdo y lo trágico. Estamos en un mundo caótico y eso refleja tanto el montaje como el vagabundear de la protagonista. La sátira está más que presente, embadurnada del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia.
El término aesthetic se emplea mucho hoy en día en las redes sociales, sobre todo por los más jóvenes. Suele entenderse como la búsqueda de un estilo visual que no entiende de épocas ni de esquemas predefinidos. Visualmente, ‘The Sweet East’ sigue esa tendencia. Mientras que los protagonistas visten como en los setenta, las imágenes están tomadas en 16mm, se comunican con smartphones y suena el Mr. Vain de los 90. Sean Price Williams, conocido por su trabajo como director de fotografía en películas independientes, aporta su distintivo estilo visual a la dirección de esta película. La cinematografía es rica y evocadora, utilizando la luz y el color de manera efectiva para crear atmósferas que reflejan el estado emocional de Lillian. Cada escena está cuidadosamente compuesta, y la cámara a menudo actúa como un observador silencioso, capturando momentos de belleza y crudeza con igual sensibilidad. A veces parece que estamos viendo una historia ambientada en el Camden londinense y otras de puro gótico americano.
Sin embargo, ‘The Sweet East’ no está exenta de riesgos o desaciertos. La estructura episódica de la narrativa puede resultar casi inconexa para algunos espectadores, dificultando la inmersión completa en la historia, que puede dar la impresión de ser una sucesión de cosas raras porque sí. Además, la película aborda una amplia gama de temas y, en ocasiones, parece abarcar más de lo que puede manejar de manera coherente. Esto puede llevar a que ciertos elementos se sientan subdesarrollados o tratados de manera superficial. A pesar de esos puntos débiles, ‘The Sweet East’ puede considerarse una película valiente y original, cuanto menos provocadora y consciente de lo que le rodea.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: The Sweet East. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Sean Price Williams. Guion: Nick Pinkerton. Música: Paul Grimstad. Fotografía: Sean Price Williams. Reparto principal: Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Ayo Edebiri, Jeremy O. Harris, Jacob Elordi, Rish Shah. Producción: Marathon Films, Base 12 Productions. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/catalogo/the-sweet-east/
Un thriller lleno de drama con un increíble Benedict Cumberbatch
Quién no ha visto alguna vez en su vida a ‘Los Teleñecos’, esas marionetas llenas de vida que nos han enseñado tantas cosas, los números, las letras, las distancias o simplemente los sentimientos. Estas marionetas estaban llevadas por personas que las manejaban y que les daban esa energía que hacía que todos los niños disfrutásemos de tantas aventuras.
Todo este mundillo de debajo de las marionetas, lo vemos en Eric. Un drama y thriller que nos muestra un lado muy oscuro del mundo. La desaparición de un niño, unos padres amargados que no hacen más que discutir y destruir la felicidad del día a día de su hijo. Un padre que se siente totalmente culpable de la desaparición de su hijo, por ello, decide coger los dibujos de éste e intentarlos llevar a su programa, Eric, un monstruo enorme, para que su hijo lo vea y vuelva con ellos. ¿Pero que le ha pasado a Edgar? Ha huido, se ha perdido, le han secuestrado o algo mucho peor, ha muerto…
‘Eric’ es una serie muy amarga, con muchas idas y venidas que logran engañar al espectador de mil maneras, no deja de sorprenderte y de hacértelo pasar regulero. Me ha gustado bastante, hay ratos que dejan un mal sabor de boca y otros que pese a que son algo tristes, te muestran la inocencia desde los ojos de un niño.
Muy bien dirigida, nos adentra en el Nueva York de los años 80, esos años oscuros y a la vez llenos de esperanza. Esos años en los que los buenos policías no eran bien vistos. Lucy Forbes, logra traernos a nuestras pantallas el guion de AbiMorgan, un guion como digo, amargo y triste. Además del gran trabajo de los actores.
Benedict Cumberbatch (‘Patrick Melrose’), está fabuloso, siempre se le dieron bien este tipo de papeles. Almas en pena que se autodestruyen según pasa el tiempo. Nos da una interpretación notable, con un personaje lleno de altibajos con los que el actor juega a su gusto y logra que le odies y a la vez, sientas compasión.
Junto a el encontramos a Gaby Hoffmann, Ivan Morris Howe (en su primer papel), Bamar Kane, José Pimentao, Jeff Hephner, Erika Soto, Donald Sage MacKay o David Denman, entre otros.
Pero también quiero destacar el gran trabajo de McKinley BelcherIII, como el policía legal que tiene que luchar contra todos sus compañeros. Y Dan Fogler, que acostumbrados a verle en la saga de ‘Animales fantásticos’ como secundario simpaticón. Aquí muestra una cara bastante diferente, llena de contrastes e incógnitas.
‘Eric’, llega a nuestras pantallas el próximo 30 de mayo. La podréis ver en Netflix. Esta miniserie de 6 episodios, ha sido sin duda una de las mejores que he visto en lo que llevamos de año. Deja mucho poso, aunque sea agrio, pero es de estas series que dan para hablar después de verla.
Los asistentes a la presentación de Amazon en Nueva York fueron transportados a la Tierra Media cuando Prime Video desveló las primeras imágenes de la inminente segunda temporada de la serie ‘El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder’. La primera temporada fue un éxito mundial sin precedentes y una de las series más exitosas de Prime Video, vista por más de 100 millones de espectadores en todo el mundo y resultando en más suscripciones a Prime a nivel mundial durante su lanzamiento que cualquier otro contenido hasta la fecha.
Además de lanzarse en ese evento un teaser tráiler se ha desvelado que la segunda temporada se estrenará el 29 de agosto de 2024. Además, también se ha desvelado hoy el póster, que muestra el regreso de Charlie Vickers como Sauron, uno de los mayores villanos de la literatura, en una nueva forma que le ayudará a la hora de engañar a los habitantes de la Tierra Media.
El teaser trailer lleva a los espectadores por un viaje lleno de acción de vuelta a la Segunda Edad de J.R.R. Tolkien, y enseña la creciente presencia maligna de Sauron mientras continúa con su misión de venganza por el poder absoluto. Con el espectacular esplendor por el que es conocida la serie y anunciando el regreso de muchos de los personajes favoritos de los fans, incluidos Galadriel, Elrond, el príncipe Durin IV, Arondir y Celebrimbor, este primer vistazo revela la muy esperada creación de más Anillos.
En la segunda temporada de ‘Los Anillos de Poder’, Sauron regresa. Expulsado por Galadriel, sin ejército ni aliados, el Señor Oscuro en ascenso ahora solo depende de su propio ingenio para reconstruir su poder y supervisar la creación de los Anillos de Poder, que le permitirán someter a todos los pueblos de la Tierra Media a su siniestra voluntad. Construida a partir del épico recorrido y la ambición de la primera temporada, la nueva entrega sumerge incluso a sus más queridos y vulnerables personajes en una marea creciente de oscuridad, desafiando a cada uno a encontrar su sitio en un mundo que está cada vez más al borde de la desgracia. Elfos y enanos, orcos y hombres, hechiceros y pelosos… mientras hay amistades que empiezan a torcerse y reinos se fracturan, las fuerzas del bien lucharán aún más valientemente por conservar lo que más les importa… ellos y sus seres queridos.
Viernes 27 de diciembre de 1945. Cinco veteranos militares se reúnen en el ornamentado salón de una casa de piedra rojiza de Brooklyn. Mejores amigos desde la infancia, se han reunido para apoyar a su problemático anfitrión, pero cuando su invitación a tomar un cóctel se convierte en una sesión de espiritismo improvisada, los fantasmas metafóricos de su pasado se vuelven demasiado literales. Atrapados en el salón de su anfitrión, la Generación de los Grandes se enfrenta ahora a una última prueba, en la que su único camino hacia la libertad es un mayor derramamiento de sangre.
Crítica
Parece que va a ser tipicona pero se reserva unas cuantas sorpresas que la hacen fresca y original
Ted Geoghean sigue enciscado con el más allá. Tras títulos como ‘Satanic Panic’, ‘Todavía estamos aquí’ o ‘The Disco Exorcist’ nos traslada a una nueva historia de fantasmas y sangre ambientada esta vez en 1945, en las Navidades de ese año. ‘Brooklyn 45’ tiene mucho sabor a veterano de la Segunda Guerra Mundial y menos de lo esperado a navideño. Y digo esto porque la trama nos presenta a un grupo de excombatientes y amigos de toda la vida que se reúnen para consolar a uno de sus compañeros de armas, recientemente enviudado y empeñado en llevar a cabo una sesión de espiritismo. Todo esto transcurre un 27 de diciembre y la decoración navideña, aunque está presente, queda relegada a un plano olvidado.
La filmografía de este director está repleta de demonios y en este caso lo está por partida doble. La sesión consigue su objetivo pero se les va de las manos y ello hace que los fantasmas del pasado acechen a los protagonistas. Fantasmas que el guión plantea de manera tanto figurada y literal. Se palpa la tensión, los secretos y los traumas reprimidos desde el primer minuto y eso es lo que va explotando la película según progresa y según se alcanza el clímax sobrenatural. Lo de ‘Brooklyn 45’ es un flirteo con el otro lado que podría haber sido algo lovecraftiano o un tonteo de adolescentes como el de ‘Verónica’. Objeto personal, no cerrar el círculo, golpes en las paredes, la puerta se ha quedado abierta… Todo son elementos que nos suenan y están requeteutilizados. El libreto nos hace pensar que esta va a ser la típica sesión que se malogra, pero se reserva unas cuantas sorpresas para el público que hacen que ‘Brooklyn 45’ sea fresca y original.
Es de estas películas que son vapuleadas por los siempre cuestionables sistemas de notas de las bases de datos cinematográficas. Si has llegado hasta esta reseña espero haberla puesto lo suficientemente bien como para que te animes a verla pero a la vez sin elevarte excesivamente la expectativa. Probablemente tenga una calificación baja debido a su sencillísima propuesta, escasa en personajes y escenarios, como suele decirse, muy teatral. Pero a mi gusto está bien interpretada y es lo suficientemente truculenta como para conservar un buen recuerdo de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Brooklyn 45. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Ted Geoghegan. Guion: Ted Geoghegan. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Robert Patrick Stern. Reparto principal: Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe. Producción: Divide/Conquer, Hangar 18 Media, Raven Banner Entertainment, Shudder, Line Film Company. Distribución: por determinar. Género: terror, misterio. Web oficial:https://www.divideconquer.us/#/brooklyn-45/
DOG es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot, un amigo. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los ochenta. Una noche de verano, Dog con gran pena, se ve obligado a abandonar a ROBOT en la playa. ¿Volverán a encontrarse?
Crítica
Precioso cuento moderno que nos deja igual de desolados que maravillados
Este año el premio a mejor película española de animación va a estar muy discutido. Parecía que con ‘Dispararon al pianista’ la cosa podía estar más o menos decantada hacia la película de Trueba y Mariscal, pero le ha salido un rival duro de roer, más que el hueso que mordisquean los perros para entretenerse. Precisamente un perro es el protagonista de ‘Robot Dreams’, la fábula moderna que va a reventar la taquilla seguro. Una preciosa película orquestada por Pablo Berger a partir de la novela gráfica de Sara Varon. Una obra merecedora de todos los premios y halagos que le puedan caer.
‘Robot Dreams’ llega para demostrar que este año la animación reclama protagonismo en el panorama cinematográfico actual, porque como dijo Del Toro, la animación no es un género, es una técnica más con todo lo que eso conlleva. Y lo hace dejando claro que no es un formato solo para el público infantil. Este largometraje es un precioso cuento moderno para todos los públicos con el que Pablo Berger nos deja igual de desolados que maravillados. Berger vuelve a mostrar una bellísima tristeza con algo de comedia y como siempre con toque fantástico.
La historia nos habla de amistad, de sueño, de sensibilidad. A través de un mundo con animales antropomórficos que consiguen amigos a través de robots comprados por correspondencia consigue alcanzar unas cotas de humanidad que nos enternecen. La trama narra como dos amigos, un solitario perro y su robot de compañía, se ven separados accidentalmente. Mientras uno busca desesperadamente encontrar al otro, su media naranja añora con toda su alma poder volver a sentir la complicidad de la mayor de las amistades. Además la película es completamente muda, salvo por algunas onomayopellas y tarareos, logrando ser completamente universal, funcionando para cualquier nacionalidad, cultura o edad.
Como pasa casi siempre (cercano está el ejemplo de ‘Nimona’) hay un cambio acentuado en cuanto al estilo de dibujo o la paleta de colores con respecto a la obra original. Pero el diseño de personajes se conserva a grandes rasgos. Los dibujos se presentan con trazos gruesos y colores planos, sin degradados, pero con muchísimos detalles y buen gusto. Pasamos de estampas recargadas al estilo ¿dónde está Wally? a ilustraciones que parecen sacadas de un libro infantil de colorear. La animación nos ofrece un fantástico viaje visual, sobre todo para los amantes de Nueva York, pero el guión, la sensibilidad de la película, es lo que importa y acaba pesando más. Al estilo del capítulo del perro de Fry en Futurama paseamos por la ciudad neoyorquina y descubrimos una relación entre seres de distinta índole la mar de tierna, de hecho, la historia cuenta con una especie de Bender candoroso. Como decía antes, sin establecer ni un solo diálogo (como ya hizo con ‘Blancanieves’) recorremos una narración casi episódica, algo heredado de la novela gráfica, que trata sobre la amistad y la soledad. Un filme que esboza tan bien el anhelo por formar parte de algo, sobre todo sobre el construir algo en compañía, que hace imposible no empatizar con él. Digno de ver con todos esos seres queridos a los que consideras un alma gemela.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de diciembre de 2023. Título original: Robot Dreams. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Pablo Berger. Guion: Sara Varon. Música: Alfonso de Vilallonga. Producción: Arcadia Motion Pictures, Noodles Production, Les Films du Worso, RTVE, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://bteampictures.es/robot-dreams/
La enigmática heroína de Marvel interpretada por Dakota Johnson nos trae su tráiler y su primera imagen. ‘Madame Web’ está dirigida por SJ Clarkson (‘Anatomía de un escándalo’) y llegará a nuestras pantallas el próximo 14 de febrero en exclusiva a los cines de toda España.
Emma Roberts, Isabela Merced, Sydney Sweeney, AdamScott, Celeste O’Connor, Jill Hennessy o Tahar Rahim son parte del reparto de la nueva cinta sobre este personaje que nos trae Sony Pictures a nuestras pantallas.
Aquí os dejamos el tráiler en su versión doblada al castellano.
Sinopsis
Mientras tanto en otro universo… Con un giro dentro del clásico género, Madame Web cuenta la excepcional historia del origen de una de las heroínas más enigmáticas de Marvel. Un thriller de suspense protagonizado por Dakota Johnson en el papel de Cassandra Webb, una paramédica en Manhattan que podría tener habilidades clarividentes. Obligada a enfrentarse a sucesos que se han revelado de su pasado, crea una relación con tres jóvenes destinadas a tener un futuro poderoso… si consiguen sobrevivir a un presente mortal.
Frasier mantiene intacta su vis cómica intelectual
Frasier regresa y esta vez podremos verle en SkyShowtime a partir del 3 de noviembre. Una vuelta que se produce tras dos aniversarios. Haciendo uso del perfeccionismo del Dr. Frasier Crane la cita tiene lugar con el cumplimiento redondo de dos onomásticas. Por un lado se cumplen treinta años desde el estreno de la serie en 1993 y por otro han pasado veinte desde que la serie concluyese un 11ª y última temporada en 2003.
Regresa prácticamente intacto el humor ágil e inteligente del personaje interpretado por Kelsey Grammer. Esta sigue siendo la confrontación de este psiquiatra contra el mundo. Mientras él quiere moverse por un mundo dominado por la sutileza y la razón no hace más que encontrarse con la irracionalidad de los sentimientos y lo burdo de nuestra sociedad.
Muy rápidamente nos ponen en situación tras el largo tiempo sin encontrarnos con este mítico personaje. Su padre ha muerto y está de paso por Boston para dar una sorpresa a su hijo. Le acompaña su sobrino y le acuede a recibir su fiel amigo Alan. Aunque no tenemos al reparto original los personajes siguen presentes. No solo a modo de referencia o con su descendencia, también ofreciendo las réplicas que hacen de esta serie un producto tan gracioso.
Inmediatamente nada más arrancar el primer episodio comprobamos que el sobrino de Frasier (interpretado por Anders Keith) es la viva imagen de su padre, con las mismas manías remilgadas e hipocondríacas. Se podría decir que Sheldon Cooper tiene bastante inspiración en este Crane. Él saca de quicio al protagonista pero también le extrae confesiones y momentos trascendentales. Por otro lado, en el contraste entre intelectualismo y brusquedad sarcástica está el amigo interpretado por Nicholas Lyndhurst. Su papel es similar al del fallecido JohnMahoney, ironizar con todo lo que sucede en escena y llevarlo con pragmatismo y resignación. La otra parte del rol que ejercía el personaje del padre, la que nos sacaba de cualquier argumento docto, la ejerce quien hace aquí las veces de hijo de Frasier. En vez de policía, bombero, Jack Cutmore-Scott es un contrapunto interesante.
Sin su clásico programa de consultas pero con un nuevo libro en ciernes, Frasier Crane se enfrenta a muchos retos nuevos. Entre ellos el de recuperar la sintonía de antaño (de hecho se ha grabado a la vieja usanza, con público en directo) y agradar a público nuevo. La serie sigue siendo lo suficientemente pícara y dinámica como para mantenerse durante varias temporadas. Mantiene todos los ingredientes que le funcionaron en el pasado, de hecho, está repleta de citas hacia la original. Todo el primer episodio es un resumen del devenir del personaje tras todos estos años y principalmente sirve de homenaje a John Mahoney, quien interpretaba al padre de Frasier y para muchos el personaje preferido. Además, hay un in memoriam hacia Gabrielle James (supervisora de guión en la serie original) y Archie Lyndhurst (hijo de Nicholas Lyndhurst, amigo de Frasier en la ficción).
En la década de los 60’s y 70’s, repleta de libertad creativa y donde se inició el movimiento musical latinoamericano de éxito planetario: la Bossa Nova, un periodista musical de Nueva York comienza una trepidante investigación detrás de la misteriosa desaparición del pianista brasileño, Tenorio Jr, habitual de Vinicius de Moraes, entre otros. Este thriller de animación al ritmo de jazz y bossa-nova supone un punto de inflexión justo antes de que el continente latinoamericano fuera envuelto por regímenes totalitarios.
Crítica
Nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica
Fernando Trueba vuelve a aliarse con Javier Mariscal, el mismo que diseñó a Cobi, la mascota de las olimpiadas de Barcelona 92, para hacer otra película de animación, ‘Dispararon al pianista’. De nuevo el aroma a club de jazz underground y el misterio embadurnan un proyecto realizado con mucha clase y estilo.
El hilo de la película lo marca un periodista musical (con la voz de Jeff Goldblum) que acaba de rebote indagando sobre la sospechosa o misteriosa desaparición del pianista brasileño Francisco Tenório Júnior, un personaje nada ficticio que resultó relevante y muy querido en la escena del jazz y la samba del Brasil de los 70. De hecho, es considerado por muchos el “eslabón perdido de la modernidad artística” ya que la última vez que se supo de él tenía 34 años y un solo álbum. ‘Dispararon al pianista’ nos traslada a un mundo marcadamente latino y agradecidamente musical, de hecho no es escasa la presencia de músicos reseñables con lo que la película se alza como una masterclass. Pero también hay un carácter político en el filme pues todo lo sucedido en los últimos días de este músico acaeció en el marco de las dictaduras de Sudamérica, lo cual nos lleva a la Operación Cóndor.
La historia es interesante y está bien narrada. Pero evidentemente llama mucho la atención su animación. Está hecha como por capas con todos los personajes como vectorizados y parcos en detalles. Estéticamente nos consigue llevar al Brasil de los setenta o a nuestros años recientes ya que en los planos generales sí que se recrean. Pero el movimiento es lo que le juega una mala pasada. Faltan frames, no hay fluidez y todo va a trabones. La sensación es de una animación torpe pero cabe señalar que se le da más importancia a los parecidos y al detalle de cada fotograma. Creo que este proyecto se ha hecho con consciencia de cómo se iban a mover los personajes de Mariscal, entre los que se mueve algún que otro perro con forma de Cobi. Con todo y con esto es como estar viendo un cómic en movimiento, de hecho, quizá sea más disfrutable el tomo con sus fotogramas plasmados en viñetas.
La película aporta mucha información sobre esta curiosa aunque trágica historia. Está repleta de detalles reales como las últimas palabras de Tenorio, «Voy a salir a comer un sándwich y a comprar un remedio. Ya vuelvo». Con ello quiero decir que ‘Dispararon al pianista’ funciona mejor como documental que como novela negra. Es nostálgica y dolorosa a la par que pedagógica. Cuenta con nombres como Vinicius de Moraes, João Gilberto o Caetano Veloso a si es que es un regalo para los melómanos en el sentido que he remarcado en la anterior frase.
‘Dispararon al pianosta’ te puede gustar si te gustó ‘Chico y Rita’ o ‘Black is Beltza’. Desde la animación bucea por la historia del otro lado del charco buscando perspectivas nuevas y descubriendo aquellas crónicas más olvidadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de octubre de 2023. Título original: Dispararon al pianista. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Guion: Fernando Trueba y Javier Mariscal. Música: Joao Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Paulo Moura. Reparto principal: Jeff Goldblum. Producción: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, Constellation Productions, Gao Shan Pictures, Les Films d’lci Méditerranée, Prima Linea Productions, Submarine. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://bteampictures.es/they-shot-the-piano-player/
Fanny (Lou de Laâge) y Jean (Melvil Poupaud) parecen el matrimonio ideal: ambos tienen éxito en su trabajo, viven en un piso precioso en un exclusivo barrio de París y parecen estar tan enamorados como cuando se conocieron. Pero cuando Fanny se topa accidentalmente con Alain (Niels Schneider), un antiguo compañero de instituto, se vuelve loca de amor. No tardan en volver a verse y cada vez intiman más…
Crítica
Woody Allen demuestra que aún tiene retos
Las películas de Woody Allen siempre llaman la atención y reúnen multitudes. No es de los que, como reza su último título, necesiten un golpe de suerte para hacer taquilla. Su demostrado talento se ha sobrepuesto a polémicas, pandemias y problemas personales y casi continúa con su tendencia de sacar una película al año.
No soy fan acérrimo de Woody Allen pero reconozco que cuando hace películas sencillas como esta es cuando mejor reluce su sentido de la comedia y el drama. Con ‘Golpe de suerte’ demuestra que más que tener talento aún le quedan retos por aceptar, a pesar de que llegada su película 50 haya decidido dejar de dirigir para tan solo escribir. El reto en esta ocasión ha sido rodar en francés y aún con todo y con eso el largometraje no está exento de las incesantes conversaciones y charlatanerías del director. Y como reto también está tocar una temática que con todo lo que ha llovido en su vida podría considerarse atrevida o arriesgada.
Lou de Laâge, Valérie Lemercier y Niels Schneider son aquellos que tienen que poner en práctica en francés toda la maraña que ha tejido el neoyorquino en su guión. Estamos ante una película que funciona a medio camino entre los géneros del suspense, el romance y la comedia. Es una historia criminal en resumidas cuentas con algo de absurdo y de tragicomedia. Es capaz de sorprendernos con sus negras ocurrencias y con más de uno de sus gags.
Allen demuestra que aún tiene historias con las que hacernos disfrutar, pero también de estar lejos su mejor talento. Este filme podría haber sido una comedia cualquiera hecho por encargo o contrato para una productora, no se percibe como fruto de una genial ocurrencia.
Las comparativas con ‘Match Point’ o con ‘Delitos y faltas’ están servidas, de hecho el director ya dijo que quería hacer algo por el estilo. Tenemos de nuevo un triángulo amoroso en el que las casualidades juegan un importante papel y todo sabe a jazz, a improvisación y a algo de Nueva York. Pero el guión se estanca y no tiene el mismo carisma. Remarca correctamente el carácter de sus personajes mostrando al marido celoso y a la mujer que se siente atrapada en un matrimonio que se mueve por las clases más elitistas de la sociedad, pero es incapaz de ir más allá y solo la influencia de alguno de los secundarios es capaz de romper ese anquilosamiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2023. Título original: Coup of chance. Duración: 96 min. País: Francia, Estados Unidos. Dirección: Woody Allen. Guion: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Lou de Laâge, Melvil Poupaud, Valérie Lemercier, Niels Schneider. Producción: Gravier Productions, Dippermouth, Perdido Productions, Petite Fleur Productions. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/golpe_de_suerte
Una feminista que construyó un imperio basado en el deseo
La plataforma de contenido en streaming, Filmin, estrena el próximo jueves 25 de mayo el documental ‘La Reina del Porno’ (‘Queen of the Deuce’ según su título original), dirigido por Valerie Kontakos. La película mezcla imágenes de archivo, secuencias de animación y entrevistas para rescatar del olvido a una de las figuras más apasionantes de la contracultura neoyorquina, la empresaria de origen griego Chelly Wilson, cabeza visible y promotora del apogeo de la industria del porno en los años 70. Fundadora de la productora Chellee Films y propietaria de, entre otras, la sala The Cameo (que programaba cine X de lunes a viernes y películas familiares los fines de semana), Wilson tuvo una vida fascinante que este documental pretende dar a conocer al gran público.
La directora Valerie Kontakos la conoció de cerca, ya que con apenas 16 años trabajó como taquillera en The Cameo en las sesiones familiares de los domingos. “Estaba fascinada con ella en aquella época, me encantaba verla interactuar con las personas del negocio. Yo soñaba con ser una mujer fuerte e independiente, y Chelly personificaba todo aquello que yo quería llegar a ser como mujer”, recuerda. En el contexto del auge del feminismo, la revolución sexual y el orgullo gay de los años 70, Wilson fue una feminista poco convencional que se convirtió en la reina de The Deuce, la zona de salas de cine porno y teatros en la Calle 42 de Times Square que David Simon recreó en la conocida serie del mismo nombre.
La animadora canadiense-india Abhilasha Dewan ha sido la encargada de dar vida a la versión animada de Chelly Wilson. “Quería que Chelly fuese un personaje vivo en la película, y la animación nos lo permitía. El montador, Rob Ruzic, ha hecho un trabajo estupendo al mezclar el archivo de audio del que disponíamos con la imagen animada, de tal manera que Chelly ha cobrado vida”, explica la directora. A pesar de que la abundancia de material permitía hacer una película de ficción o incluso una serie, Kontakos tenía claro que no quería abordar la figura de Wilson desde los mecanismos del biopic clásico: “Simplemente quería que la gente la viera como yo la vi y transmitir lo que significó para mí y lo que aprecié de ella”, concluye.
‘La reina del porno’ llega a Filmin.
Una feminista que construyó un imperio basado en el deseo. pic.twitter.com/WekWzU8uNr
Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. En Scream VI, Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
Crítica
Recuela, sí, pero dedicada especialmente a auténticos fans de la franquicia
Consciencia de lo que vas a ver. Es muy importante tener meridianamente claro qué es lo que te espera cuando vas a ver una película slasher. Pero es aún más conveniente que sepas a lo que te atienes cuando te acercas a ver la sexta parte de una franquicia. Al igual que la saga ‘Halloween’ las películas de ‘Scream’ se han convertido de manera autoconsciente en recuela (mitad secuela mitad remake), de un modo además mucho más evidente puesto que en ‘Scream’ siempre hay un personaje que lo analiza todo a través del prisma de un fan del terror. ‘Scream VI’ cumple con esa norma y con muchas otras. Esta última entrega, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett (‘Noche de bodas’, de ahí la presencia de Samara Weaving) se despreocupa totalmente de ser mínimamente realista, de tomarse en serio o de ser incluso inverosímil (acordaos de esto cuando se mencionen los prostéticos). Es decir, está hecha para los fans de la saga que conocen todos los detalles o trasfondo y que saben perfectamente qué dinámica va a seguir la trama o que es normal que los protagonistas bajen la guardia hasta cuando están en la misma boca del lobo. Alguien que no tenga en mente las cinco entregas anteriores o que no esté acostumbrado a este tipo de terror encontrará cosas que disfrutar, pero su entretenimiento no podrá estar del todo completo.
La presencia de una final girl, personajes que sobreviven todo tipo de heridas, un villano que es capaz de estar en dos sitios a la vez, un nuevo y sospechoso amor, personajes de relleno que sabes de antemano que van a morir… Todo esto son tópicos de las películas de terror tipo slasher que se cumplen de nuevo. Pero con el tiempo ‘Scream’ ha desarrollado sus propias reglas y ‘Scream VI’ las cumple. A saber, la importancia de la familia o el pasado, la intimidación al teléfono, la sangre cada vez más presente, los regresos de personajes, las muertes principalmente a cuchillo, el villano que vuelve y vuelve y vuelve… Y el siempre clásico revelador monólogo donde el/los asesino/a desvela todo el pastel. El sobrexplicativo discurso final es cada vez más enrevesado y eso le hace perder fuerza a la resolución de esta nueva entrega. También tenemos la sensación de que la chistera de la que se sacan los nuevos personajes y los consecuentes giros empieza a estar vacía.
Un año ha pasado desde el estreno de la última película de Ghostface y un año ha pasado también en la ficción. La acción transcurre ahora en otra localización y a Ghostface y a las hermanas Carpenter (apellidadas así en otro de los muchos guiños meta de la saga) les ha venido bien la mudanza de Woodsboro a Nueva York. Los escenarios son diferentes y dan pie a escenas en las que parece incluso que la cosa se va a desatar a lo loco. Lo que no le ha venido tan bien es el enmarcarse en un escenario típico del cine de terror, la semana de Halloween. ‘Scream VI’ cae en otro carnaval de guiños a otras películas de terror pero sobre todo en más tópicos aún si cabe. No obstante consigue escenas muy buenas y eficientes como una sucedida en una licorería u otra que transcurre en los vagones que recorren el subsuelo de Manhattan. ‘Scream’ se hace así mucho más urbanita, algo que ya habían hecho otras franquicias como ‘Viernes 13’, con menos éxito.
Ya hemos pasado por el aro y admitido que aquí todo el mundo sobrevive a más heridas que Rambo y John McClane juntos. Ahora, ¿está bien rodada? ‘Scream VI’ obtiene buenos planos de la ciudad de los rascacielos y nos hace correr con ritmo y tensión. Pero lo que atraerá a más curiosos es el saber que se ha hecho más explícita. Cada entrega se hace más sangrienta, aún sin alcanzar el gore, pero si mostrando con más definición las sanguinolentas, salvajes y ensañadas muertes. Y por si fuese poco introduce un par de sorpresas inéditas para la saga.
El relevo está dado y el peso de la serie de películas ya ha recaído definitivamente MelissaBarrera y Jenna Ortega, ambas muy bien metidas en la dinámica del género. Pero no deja de estar presente todo lo visto anteriormente, de hecho llega el punto en el que parece un repaso hecho por un fan o para un museo. ‘Scream VI’ es meta a más no poder. Eso es lo que explota durante todo el filme y lo hace desde una secuencia de apertura que es capaz de romper con lo que hasta ahora era lo típico. La máscara de Michael Myers se agrietó con el tiempo y la trilogía de ‘Halloween’ acabó siendo todo un desfile desatinos. La máscara de Ghostface también se muestra desgastada en esta recuela. Esperemos que la franquicia continúe, porque esta entrega va a funcionar y va a haber más títulos, pero con viento fresco y más rupturas de lo preestablecido.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de marzo de 2023. Título original: Scream VI. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: James Vanderbilt, Guy Busick. Música: Sven Faulconer, Brian Tyler. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Melissa Barrera, Jenna Ortega, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding, Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Dermot Mulroney, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra, Samara Weaving, Hayden Panettiere, Courteney Cox. Producción: Paramount Pictures, Project X Entertainment, Radio Silence Productions, Spyglass Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: terror, slasher. Web oficial:https://www.screammovie.com/
La asignación del detective James Knight para trabajar durante el Día de la Independencia se convierte en una carrera contrarreloj para evitar que una ambulancia ponga en peligro los actos festivos de la ciudad. El delincuente, que juega a ser policía con un arma y un uniforme robados, tiene como objetivo un banco situado peligrosamente cerca de la casa de Knight.
Crítica
Camuflando sin éxito las carencias de la producción y de los actores
La última entrega de la trilogía del detective Knight de Bruce Willis llega por sorpresa, casi de manera repentina, sin hacer justicia a este actor y a tan legendaria carrera. Es una pena que los penúltimos títulos que filmó Willis nos lleguen de este modo tan atropellado y casi sin hacer ruido. Noviembre, enero y marzo. Tres películas estrenadas en un lapso de cinco meses, esto tiene pocos precedentes.
Como dije en las críticas de las otras dos entregas. He aguantado el llegar hasta aquí por el mero hecho de ver en este cierre al hijo de Val Kilmer, Jack Kilmer, cuyo padre tuvo también una especie de despedida cinematográfica hace poco con ‘Top Gun: Maverick’. Porque ver a Bruce Willis decir las palabras justas, notar como se juega con el montaje para que no se noten las dificultades del habla, tirar siempre de plano contraplano, recorrer la película y notar que tiene escasos minutos de pantalla pese a ser el protagonista, que le han metido en último lugar en la ficha de IMDB de este filme… se me hace duro.
También se hace duro ver como esta estrella del blockbuster ha acabado haciendo películas menores, que si no fuesen por su nombre serían producto directo a televisión o al fondo de catálogo de cualquier plataforma de streaming. Son películas de acción con poco criterio cinematográfico a la hora de imprimir un ritmo o extraer buenas interpretaciones. La trilogía va justa de recursos por mucho que se perciba amor por el género policíaco y de tiroteos. Porque está bien que arranque directamente con un atraco en modo videojuego en primera persona e incluso que se citen frases de ‘Arma letal’, pero desmerece mucho el pobre vestuario del filme, los fogonazos digitales en cada disparo o que incluso la sangre esté mal hecha.
De manera parecida a otras sagas Edward Drake se ha montado cada película en una festividad yankee. La primera transcurría en Halloween, la segunda en Navidad y la tercera en el Día de la Independencia Norteamericana. Sobre todo en ‘Detective Knight: última misión’ intenta pintar USA como si fuese aún un western salvaje y peligroso. Un lugar donde solo algunos héroes se atreven a tomar medidas arriesgadas, de esas que están fuera de la ley de los ricos o los poderosos. Ese es el dilema que intenta esgrimir tanto para el héroe como para el villano. Pero Willis, quien ejerce de paladín de la justicia, no está para estos trotes y Kilmer, quien es una especie de monstruo de la sociedad a lo Joker, está aún tremendamente verde.
Lo dicho, si queréis ver como es el principio de la recta final de la carrera de Bruce Willis (falta por estrenarse en España ‘Assassin’ y ‘Paradise City’) o el inicio de la del retoño de Kilmer como verdadero protagonista, ved ‘Detective Knight: última misión’. Por lo demás, ofrece pocos alicientes para los fans del cine de acción y ni que decir tiene que su mensaje está más que trillado.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2023. Título original: Detective Knight: Independence. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake, Corey Large. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Lochlyn Munro, Willow Shields, Jack Kilmer, Jimmy Jean-Louis, Lorenzo Antonucci, Francis Cronin, Cesar Miramontes. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: a Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-independence
Bajo custodia en una cárcel de Nueva York, el detective James Knight se encuentra en medio de una fuga dirigida por The Christmas Bomber, un fanático cuyos discípulos de Santa Claus están aterrorizando a la ciudad. Con la prometida devolución de su placa a cambio de acabar con los terroristas, el detective Knight repartirá misericordia a los justos… y justicia despiadada para todos los demás.
Crítica
Mejora ligeramente pero sigue siendo un loable y tristemente fracasado intento
Volvemos con Detective Knight (Detective Caballero), menos mal que en España han mantenido el nombre y no se ha hecho una de esas horribles traducciones. ‘Detective Knight: redención’ es la segunda parte de la última trilogía de Bruce Willis. La primera era una película protagonizada por el mítico actor en la que casi ni aparecía. Por lo menos en esta meten a los villanos en el cartel, que son quienes realmente llevan el peso del filme. Me gustaría creer que estos largometrajes de Edward Drake han servido para engrosar las arcas de la estrella y enfrentarse a los gastos médicos derivados de su afasia, pero sinceramente, viendo el resultado les habría salido mejor un crowdfunding. Loable pero tristemente fracasado intento.
Esta película está una pizca más interesante y al menos está mejor gestionado el hecho de que Willis tenga problemas para hablar haciendo que su personaje tire más de más juegos de miradas, parezca que tiene una especie de depresión, se lleve mal con todos los que le rodean… Su afasia se ha tornado en una especie de acogida a la quinta enmienda durante ‘Detective Knight: redención’. Hay que reconocer que La primera secuencia ya es mejor que casi toda la primera entrega y aún así no es buena. No hay ritmo y se perciben varios fallos de guón, sino hubiese variedad de planos diría que está a la altura de un serial televisivo de bajo presupuesto. La iluminación en interiores, los discursos, prefabricados, la música de base de datos… es un producto muy pobre, pero bueno, si mejora en la tercera a lo mejor estaremos hablando de algo potable.
Con ‘Detective Knight: redención’ se apuntan a la Navidad y al género carcelario manteniendo el de atracos como principal eje. Nos presentan a unos villanos que bien podrían haber surgido de un cómic de Batman. Van enmascarados de manera grotesca, por su mente pasa toda clase de parafernalias lunáticas y sueltan un discurso caótico, sociópata y antisistema. De nuevo volvemos a tener la evidente influencia de ‘Le llamaban Bodhi’ pero de nuevo se pierde por su repetitividad y por su cansino y poco carismático discurso.
Es duro ver como Willis encabeza el cartel y ni tiene presencia, ni puede pronunciar sus famosas frases lapidarias. Aguantaré a la entrega de cierre igual que he aguantado a la escena post-créditos aunque sea por afán completista y por ver actuar a Jack Kilmer, hijo de Val Kilmer.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Detective Knight: Redemption. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Paul Johansson, Lochlyn Munro, Miranda Edwards, Jimmy Jean-Louis, Mitchell Baker, Corey Large. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-redemption
¿Es Anna la mayor estafadora de Nueva York o es simplemente el nuevo retrato del sueño americano?
Netflix ha lanzado la semana pasada el tráiler y el póster de ‘¿Quién es Anna?’, la nueva creación de Shondaland, que ha dirigido David Frankel, Tom Verica, Daisy Von Scherler Mayer, Ellen Kuras y Nzingha Stewart, y que protagoniza Julia Garner (‘Ozark’), entre otros. La serie se estrena el próximo 11 de febrero.
El reparto está encabezado por Julia Garner (Anna Delvey), Anna Chlumsky (Vivian), Arian Moayed (Todd), Alexis Floyd (Neff), Anders Holm (Jack), Terry Kinney (Barry), Katie Lowes (Rachel), Jeff Perry (Lou), Anna Deavere Smith (Maud) y Laverne Cox (Kacy).
En esta serie una periodista con mucho que demostrar, Vivian (Anna Chlumsky, ‘Veep’, ‘Mi chica’), investiga el caso de Anna Delvey (Julia Garner, ‘Ozark’, ‘The Assistant’), la legendaria heredera alemana y estrella de Instagram, que robó el corazón y el dinero de la élite de Nueva York. Pero ¿es Anna la mayor estafadora de Nueva York o es simplemente el nuevo retrato del sueño americano? Anna y la periodista forman una oscura y divertida relación de amor-odio mientras Anna espera ser juzgada y la reportera lucha a contrarreloj para responder a la mayor pregunta de la sociedad neoyorquina: ¿Quién es Anna Delvey? La serie está inspirada en el artículo del New York Magazine «How Anna Delvey Tricked New York’s Party People» de Jessica Pressler, que también ejerce como productora.
El equipo de guionistas de esta nueva ficción, está formado por Shonda Rhimes, Matt Byrne, Jess Brownell, Abby Ajayi y Nick Nardini y cuenta con Shonda Rhimes, Betsy Beers, David Frankel como productores ejecutivos.
La poesía del escritor a través de dos vidas paralelas separadas en el tiempo
Ha comenzado a desarrollarse ‘Lorca en Nueva York’. Una producción de Buendía Estudios en forma de miniserie de seis capítulos que rendirán tributo al poeta a través de la mirada de una joven que explora y busca su espacio en la ciudad que nunca duerme. Descubriremos como era la gran ciudad en los años 20 y está servirá de nexo entre Federico García Lorca y Elena, la protagonista.
La fascinación y a la vez el vértigo que produce la ciudad a Lorca sirve demedio empático al que la joven se agarra. Desde 1929 transcurre esta historia que llega a nuestros días con el jazz o la literatura como canales para expresar los sentimientos de ambas personas.
En ‘Lorca en Nueva York’ Elena es una joven doctorada de Granada, que viaja por primera vez a Nueva York para completar sus estudios sobre Federico García Lorca en la Universidad de Columbia, donde el poeta pasó varios meses de su vida. La llegada no es fácil. A la adaptación a la gigantesca urbe se le une la nostalgia por lo que ha dejado en España y la dificultad de enfrentarse a una parte desconocida de la vida del poeta que resulta críptica e inaccesible. Hasta que descubre las cartas que Lorca escribió a su familia.
A través de estas dos vidas paralelas, descubriremos el Nueva York actual de Elena y el de 1929 en el que se sumergió Federico, y que a pesar de separarse en casi cien años, comparten la magia y la asfixia que hoy día definen a las grandes ciudades del mundo.
Nueva York, años 90. Joanna es una joven que aspira a ser una gran escritora que consigue trabajo en una agencia literaria como ayudante de Margaret, la agente literaria de J.D. Salinger. Entre otras tareas, Joanna debe responder las numerosas cartas que envían los fans de todo el mundo al autor de ‘El guardián entre el centeno’. Apartándose del protocolo, Joanna empieza a personalizar las respuestas. Mientras usa la voz de un gran escritor comenzará a descubrir la suya.
Crítica
Una historia interesante sin riesgos ni fascinación
Un compañero de otro medio de comunicación ya me dijo que esta película tenía un esquema similar al de ‘El diablo viste de Prada’ y tras ver ‘Sueños de una escritora en Nueva York’ no se lo puedo negar. Los mimbres que conforman esta película se mueven por derroteros similares. Una aprendiz entra a formar parte de una prestigiosa firma, en este caso no es una revista de moda, es una agencia que gestiona el trabajo de clientes como J.D. Salinger. La narración nos muestra como la protagonista se ve sometida a la rigidez de su jefa, como el trabajo se entremezcla con su relación sentimental o como la propia protagonista traiciona sus propios principios para prosperar en el mundillo.
La relación con los compañeros, con las celebrities del oficio e incluso su final se parecen a la película de David Frankel, pero el tono es muy diferente. ‘Sueños de una escritora en Nueva York’ está desprovista de crítica e incluso de mordiente, cae en estilos más “encantadores”. Esta es una película mucho más amable y no por ello tiene que considerarse mala, aunque si he de decir que de menor calidad, parece que cuando hay mala leche (y mejor reparto) todo cala mejor. El filme se mueve dentro del mundo editorial, abrazando el amor por la literatura, sobre todo la contemporánea. Al tratar sobre el sueño de dedicarse a escribir, al basarse además en una biografía o al plantear personas que necesitan volcar sus sentimientos en el reflejo de unos personajes ficticios el director, Philippe Falardeau, podría haberse puesto fácilmente profundo o pomposo. Pero la película sabe moderarse en ese sentido y no cae en diálogos o soliloquios rimbombantes, aunque a veces si un poco pastelosos.
Para hacer ‘Sueños de una escritora en Nueva York’, titulada originalmente como ‘My Salinger year’, Falardeau se basó en la autobiografía de Joanna Rakoff quien dando sus primeros pasos en el ámbito editorial acabó trabajando casi directamente con J. D. Salinger. Tenía que responder a las cartas de los fans que el reservado autor no quería atender pues era abrumadora la respuesta de sus lectores, en número y en impacto. Tengamos en cuenta que su obra culmen, ‘El guardián entre el centeno’ se convirtió en un clásico en todos los Estados Unidos y su leyenda se engrandeció con detalles como ser el libro que portaba el asesino de Lennon. “Los sentimientos de anonimato y oscuridad de un escritor constituyen la segunda propiedad más valiosa que le es concedida” dijo él y la película conserva ese ostracismo autoimpuesto y esa recóndita personalidad evitando con todos los trucos de cámara posibles mostrar el rostro del actor que le interpreta, un detalle muy elegante por parte de la película.
Al igual que ‘El guardián entre el centeno’ la película también está narrada en primera persona y el papel de Rakoff, el protagónico, ha recaído en Margaret Qualley, la chica que sedujo a Brad Pitt en ‘Érase una vez en… Hollywood’ para ir al rancho de los Manson o que trajo de cabeza a Russell Crowe y a Ryan Gosling en ‘Dos buenos tipos’. Su personaje ha de enfrentarse a la endiosada jefa que tiene, a la figura de un autor con el que muchos sueñan hablar, a sentimientos encontrados y a las inquietudes de las personas cuyas cartas ha de responder. Su trabajo funciona mejor, o es más creíble, cuando su personaje presenta una faceta más pilla que intelectual. No adolece de estar a la sombra de una Sigourney Weaver que hace tiempo que asumió papeles de mentora, en este caso, contenidamente cascarrabias y anticuada.
‘Sueños de una escritora en Nueva York’ tiene sus tópicos pero por otro lado sabe por dónde caminar a la hora de mover algo tan mítico como las reacciones a ‘El guardián entre el centeno’ o el mito de Salinger. Aunque las anécdotas de esta escritora y poetisa son interesantes Falardeau ni se embarra ni se expone, es bastante conservador con sus argumentos y como todos sabemos el que no arriesga no gana. El filme se queda un poco en tierra de nadie y nos cuenta cómo uno no ha de traicionar sus principios y como no hay que crecer a la sombra de nadie. Eso y que a nadie le viene mal dedicar quince minutos al día a la escritura, de algo creativo, no de mensajes de texto.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de junio de 2021. Título original: My Salinger Year. Duración: 101 min. País: Canadá. Dirección: Philippe Falardeau. Guion: Philippe Falardeau. Música: Martin León. Fotografía: Sara Mishara. Reparto principal: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Seána Kerslake, Brian F. O’Byrne, Colm Feore, Yanic Truesdale, Leni Parker, Tim Post. Producción: micro_scope, Parallel Film Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: adaptación. Web oficial:https://www.ifcfilms.com/films/my-salinger-year
Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?
Crítica
Reclama toda la atención como buen efecto óptico
Una pareja se va de vacaciones con la imperiosa necesidad de dejar de discutir, de tomarse un respiro, de imitar el plan que tiempo atrás unos amigos disfrutaron. Pero su sensación es rara, ¿están en Nueva York o están en un sitio como Burgos? Están más perdidos que Tony Leblanc en ‘El astronauta’ y la situación poco a poco se torna más absurda.
Según la Wikipedia una ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la visión que nos lleva a percibir la realidad de varias formas. Puede ser de carácter fisiológico, asociada a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro o de carácter cognitivo, en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Teniendo en clara esa definición puede ser más fácil escudriñar la maraña que teje Juan Cavestany en esta comedia con mucho de metáfora y bastante de desconcertante.
Las situaciones que viven Carmen Machi y Pepón Nieto nos dejan tan perplejos como los mayores desvaríos de ‘Amanece que no es poco’. Ellos dos hacen con sus actuaciones que todo esto sea la mar de gracioso, pero no nos podemos despistar de los detalles que a nada que bajamos la guardia la historia da un giro y se reescribe en nuestras cabezas y en la pantalla. La sucesión de eventos inauditos que desembocan en la confusión que sufren los propios protagonistas es contagiosa.
Diría que esta es una película sencilla por eso de que se basa solo en dos personajes pero es compleja. Incluso al principio puede parecer de poca monta porque al principio Cavestany parece que está haciendo malabares para recrear sus escenarios, cabriolas con los planos y los desenfoques que camuflan lo que hay de fondo, pero luego te sacude y te cambia el chip. Puede ser una película de bajo presupuesto pero está claro que ‘Un efecto óptico’ no está falta de medios.
Tengo algunas teorías acerca de lo que representan todas las desconcertantes escenas que vemos pero no quiero destriparlas ya que tanto Cavestany (entrevista aquí) como Carmen Machi y Pepón Nieto (entrevista aquí) me las han confirmado. Si puedo decir que el concepto de déjà vu está ahí, pero hay algo más.
La película cuenta con el respaldo de Javier Gutiérrez y Álvaro Fernández-Armero, asociación que conoceréis por ‘Vergüenza’. Cavestany ha demostrado ser muy bueno con el absurdo con series como esa o como con ‘Vota Juan’, la cual escribió. En este caso no tenemos personajes tan ridículos. Más bien están desorientados y por otro lado tienen una inquietud que les carcome y eso es lo que pienso que Cavestany quiere que resolvamos con las migas de pan que va dejando.
‘Un efecto óptico’ es una serie de marcianadas en la que quizá la música es lo peor. Un imaginativo y rallante viaje. Está lleno de running gags que te los puedes tomar como chistes o como indicaciones, pero desde luego no puedes despreciar ninguno ya que Cavestany no da puntada sin hilo. La película tiene hasta momento ‘Joker’ que algunos sabrán identificar. Una curiosidad para una película bastante peculiar.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Un efecto óptico. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Cavestany. Guion: Juan Cavestany. Música: Nick Powell. Fotografía: Javier López Bermejo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Luis Bermejo, Lucía Juárez. Producción: Cuidado con el perro. Distribución: por determinar. Género: comedia. Web oficial: blog de Filmin
Hablamos con Juan Cavestany director de esta desconcertante película
Os acabamos de hablar en nuestro diario de Sitges 2020 de ‘Un efecto óptico’, la nueva película surgida de la disparatada mente de Juan Cavestany (‘Vergüenza’). En ella Pepón Nieto y Carmen Machi coinciden de nuevo en un filme y en esta ocasión hacen de un matrimonio burgalés que se va de viaje. Pero este viaje pronto se convierte tanto para ellos como para los espectadores en algo totalmente extraño, muy difícil de describir con palabras.
A continuación tenéis el audio de nuestra conversación telefónica con Juan Cavestany, que podréis oír tanto aquí como en nuestro canal de Youtube.
El querido superintendente del distrito escolar de Roslyn en Nueva York y su personal, amigos y familiares se convierten en los principales sospechosos en el desarrollo del mayor escándalo de malversación de fondos de la escuela pública en la historia de Estados Unidos.
Crítica
Hugh Jackman ha percibido a la perfección la falsedad de un verdadero personaje
El director de ‘La estafa’ es Cory Finley (‘Purasangre’). En su segunda película ha pasado de dirigir a jóvenes como el fallecido Anton Yelchin o las emergentes Olivia Cooke y Anya Taylor-Joy a contar con una superestrella como Hugh Jackman. Aquí nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la «venganza» de uno de los estafados.
Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de uno de los institutos. Es una buena manera de mostrar que ‘La estafa’ se basa en el artículo que posteriormente se publicó en el New York Magazine redactado por Robert Koller y que podéis leer aquí.
Todo gira en torno a Frank Tassone, interpretado por Hugh Jackman que vuelve a encarnar un personaje real y carismático vapuleado por su entorno, como en ‘El candidato’. Un superinterdente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas les llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa murió hace treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa. Yo considero que Jackman interpreta a un personaje humano y muy bien calado.
No he podido evitar ver ‘La estafa’ y establecer numerosos paralelismos con la corrupción vivida en España. Casos que han puesto en boca de todos términos como empresa ficticia, enchufes, manipulación de datos, caja en B, tarjetas black… Seguro que os suena. Y os indignará saber (se indica al final del filme) que aquellos que trabajaban en la administración de Tassone (entre ellos el personaje de Allison Janney) y él mismo siguen cobrando anualmente un sueldo, una pensión que en el caso de Tassone asciende a 173,495.04 dólares. Colocaron a gran parte de sus estudiantes en grandes universidades, pero voluntaria o involuntariamente se han burlado del sistema y de los contribuyentes.
El parecido de Hug Jackman con Tassone es inexistente. Pero la película es muy detallista a la hora de conseguir el mismo efecto que causa la historia real y en su manera de enlazar con pormenores verídicos. Brilla ahí la mano de Finley que además ha sabido buscar en sus actores el rostro adecuado al final de cada escena clave, una especie de cara en standby.
A parte de contar una historia real que le ha servido al guionista para hablar de su ciudad la película tiene varios discursos que mostrar, lo cual hace que ‘La estafa’ tenga más empaque. Se explora bien el concepto de ética. Desde el docente que estafa, el policía que emplea detalles personales para arrinconar a su interrogado hasta la periodista que publicando la verdad puede sesgar el futuro de muchos inocentes que dependen del apoyo de ese sistema. También habla del ostracismo y cosificación de los profesores, que no se en USA pero yo me acuerdo bien de aquellos que me han ido enseñando toda mi vida, para bien o para mal.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Bad education. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Cory Finley. Guion: Mike Makowsky. Música: Michael Abels. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Hugh Jackman, Allison Janney, Geraldine Viswanathan, Annaleigh Ashford, Ray Romano, Alex Wolff, Ray Abruzzo, Rafael Casal, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Kathrine Narducci. Producción: HBO Films, Automatik Entertainment, Sight Unseen Pictures, Slater Hall Pictures. Distribución: HBO España. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.hbo.com/movies/bad-education
El próximo 5 de junio se estrena ‘La estafa (Bad Education)’. Podremos verla en HBO España y está protagonizada por Hugh Jackman (‘El gran showman’, ‘Los Miserables’); y Allison Janney (‘Yo, Tonya’, ‘Mom’); la película está dirigida por Cory Finley (‘Purasangre’) y escrita por Mike Makowsky (‘¿Estamos solos?’).
Inspirada en la historia real que conmocionó a la ciudad de Roslyn (Nueva York) en 2004, y que centró la atención de todos los medios norteamericanos, ‘La estafa (Bad Education)’ se centra en el impresionante impacto y las secuelas que dejó un sofisticado entramado de malversación de fondos multimillonario. La película, repleta de humor negro, saca a la luz las deficiencias del sistema de educación pública de EE.UU. al mismo tiempo que explora todos los sistemas que fomentan la codicia, la corrupción y la falta de responsabilidad en las instituciones norteamericanas.
Rodada en su mayoría en los alrededores de la ciudad de Roslyn en Long Island, quince años después de que saliera a la luz el escándalo, la película, tal como la realizó el director Finley y el escritor Makowsky, es una comedia dramática cuidadosamente orquestada, ya que se centra en la dicotomía de Frank Tassone (Jackman), un apasionado y popular profesor cuya pasión es ver a sus alumnos triunfar, y un experto manipulador dispuesto a robar a las mismas personas que tanto ansia ayudar. La película usa hábilmente la historia de un pueblo pequeño para examinar los fallos del sistema que permitieron que esta estafa ocurriera. Allison Janney interpreta a Pam Gluckin, la alcaldesa de Roslyn y mano derecha de la Dra. Tassone, la gerente comercial del distrito escolar de Roslyn que se abrió camino con su concienzuda y apasionada personalidad.
‘La estafa (Bad Education)’ muestra a una comunidad seducida por un carismático superintendente y enamorada del éxito de la escuela y el impacto económico derivado de ello. También es una celebración de la comunidad de Roslyn High: una comunidad capaz de exponer ese episodio oscuro en la historia de la escuela y continuar concienzudamente para seguir siendo una de las mejores escuelas de los Estados Unidos en la actualidad.
Este fue un viaje personal para el escritor Mike Makowsky, que regresó a su ciudad natal para la historia de este guión. Reflejando con honestidad y respeto la esencia de la historia, utiliza los hechos históricos para explorar la moralidad de un comportamiento humano complicado a la par que fascinante. Al crecer en Roslyn, pasaron varios años antes de que Makowsky entendiera completamente las implicaciones del caso o descubriera que fueron los reporteros estudiantiles del periódico The Beacon de su instituto los que realmente contaron la historia. Irónicamente, el New York Times no informó de este caso de malversación de fondos, supuestamente el más grande en la historia de las escuelas públicas estadounidenses, hasta que uno de sus escritores vio la copia de The Beacon que su hijo había traído a casa de la escuela. Lo que comenzó como un pequeño artículo centrado en un periódico de la escuela secundaria encendió un frenesí mediático que condujo a más investigaciones y un acalorado caso abierto entre los involucrados.
«El guión de Mike era único, con un tono cómico preciso», dice Finley. «Los hechos de la historia están exagerados de una forma que se presta a la comedia negra, pero también mantienen el tono de la auténtica tragedia. Siempre me atrae contar historias que caminan por esa fina línea, y que transcurren en zonas grises de lo moral. Quería hacer una película sobre un momento, un lugar y una cultura muy específicos, y al hacerlo, plantear grandes preguntas sobre la cultura estadounidense: cómo nos forma nuestro sistema económico y qué estamos dispuestos a aceptar de los que están en el poder cuando está en nuestro propio interés».
«Cory entendió exactamente lo que yo buscaba en el guión», dice Makowsky. «Logró no solo ejecutar, sino también amplificar esas ideas de forma sorprendente, mucho mejor de lo que nunca hubiera imaginado».
‘La estafa (Bad Education)’ es una presentación de HBO Films, dirigida por Cory Finley; escrita por Mike Makowsky, basada en un artículo de la revista New York de Robert Kolker; producida por Fred Berger y Brian Kavanaugh-Jones para Automatik; Edward Vaisman, Julia Lebedev y Oren Moverman para Sight Unseen Pictures; Mike Makowsky para Slater Hall; y producida por Leonid Lebedev y Caroline Jacko.
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