Mary Lennox tiene 9 años y vive con sus padres en la India donde su padre trabaja para el gobierno inglés. Cuando los padres mueren a causa del cólera, Mary es enviada a vivir a una inmensa mansión con su malhumorado y solitario tío (Colin Firth) y su estricta ama de llaves (Julie Walters). Allí la niña se encontrará sola en una mansión con más de cien puertas (la mayoría cerradas) y un jardín amurallado donde con la ayuda de la fantasía y en compañía de su enfermizo primo y un joven del pueblo, emprenderán una maravillosa aventura.
Crítica
A la vista es correcta, pero cuando te acercas a husmear no desprende aroma
La actriz Julie Walters, el director Marc Munden y el guionista Jack Thorne ya coincidieron en ‘National Treasure’ pero ni esta es una película del mismo corte ni Walters es la protagonista. En ‘El jardín secreto’ ella es algo así como el ama de llaves de la casa en la que reside ColinFirth y a la que es destinada su sobrina interpretada Dixie Egerickx.
De nuevo vuelve a interpretarse la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’, que ha tenido hasta películas animadas. Por mucho que contemos esta vez con Walters y de nuevo con Firth (ya hizo de Colin en la adaptación de 1987) realmente la niña y otros personajes son los protagonistas. El peso recae en Egerickx cuyo personaje se mueve por un terreno poco afable para intentar dar rienda suelta a sus juegos e imaginaciones.
En el marco de la guerra indo-pakistaní los padres de Mary (Egerickx) desaparecen. Ella es devuelta a Inglaterra donde tiene que alojarse en una casa rodeada de un feo páramo y entre paredes que crepitan y transportan el sonido de llantos. Allí ha de intentar ser feliz, en el lugar donde entre la melancolía y lo mustio encuentra el color.
Esta es una película cuyo punto de partida o mecánica puede recordar a ‘El laberinto del fauno’ o a ‘La casa del reloj en la pared’. Pero ni es tan intensa como la primera ni tan mágica como la segunda. Munden ha hecho la que probablemente es su película más infantil y también la más metafórica. Todo el filme es un relato que busca relacionar la tristeza con la enfermedad y la alegría con la vida. La capacidad de curar aquí va de la mano a la capacidad de creer y de querer sobreponerse a la tragedia.
Al margen lo que buenamente quiere transmitir es un relato bastante insípido, sobre todo porque no tiene una moraleja elaborada ni trabaja lo más mínimo la emoción. Si nos adentra en un contraste de lugares que nos lleva a un despliegue de color a través de un vergel, pero no consigue que empaticemos con unos personajes que de entrada son bastante apáticos. La protagonista sin ir más lejos tiene un carácter extremadamente repelente que evoluciona poco o nada.
‘El jardín secreto’ es una película fantasiosa que para mi se aleja del término fantástico. Si hubiese conseguido materializar un ambiente aún más de cuento y exprimido el potencial de sus actores seguramente estaríamos hablando de una película capaz de tocar la fibra.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: The secret garden. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Marc Munden. Guion: Jack Thorne. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Colin Firth, Julie Walters, Dixie Egerickx, Edan Hayhurst, Maeve Dermody, Isis Davis, Amir Wilson. Producción: STX Films, StudioCanal, Heyday Films, Fundamental Films, Canal+, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, fantasía. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/el_jardin_secreto
Hace mucho tiempo, en una tierra maldita, una niña y su hermano pequeños e ven obligados a abandonar su hogar familiar en busca de comida y trabajo. A pesar de la ayuda que les presta un noble cazador, se desorientan y acaban perdidos en un profundo y oscuro bosque.
Al encontrarse con una cabaña mágica, habitada por una anciana de amable apariencia, Gretel y Hansel creen haber hallado un refugio seguro. Pero los inagotables banquetes que la mujer celebra en tiempos de hambruna, y los extraños murmullos de niños perdidos y las apariciones mágicas que alberga su hogar, sugieren que las cosas podrían no ser lo que parecen.
¿Podrá Gretel proteger a su hermano pequeño, o sucumbirá a las tentaciones que surgen en su interior? Algo malvado acecha en esta oscura reinvención del clásico cuento de hadas.
Crítica
Sin migas de pan y queriendo meter más miga
Nos vamos a Alemania, a una sucia Baviera en una oscura y sufrida época. Allí es donde se ambienta una vez más la historia de ‘Gretel y Hansel’. Oz Perkins vuelve a embadurnar una película de misterio y thriller, no tanto de terror. En su tercera obra como director reinventa el cuento clásico de los hermanos Grimm dotándole de menos candidez y aproximándolo más a la obra original.
Entiendo el cambio de orden en el título ya que realmente la película pone su foco en Gretel. De nuevo Perkins ha hecho un largometraje con protagonista femenina. Gretel es sensiblemente más mayor que su hermano Hansel (16 años frente a 8) y tiene siempre la iniciativa. Se ha desarrollado un personaje con más inquietudes que el del cuento y se muestra que tiene que enfrentarse a penurias de la época que van más allá que la falta de alimento. Esta es una historia sobre el crecimiento y las transformaciones sufridas en uno mismo. No es la primera vez que se usa el terror o lo fantástico para narrar el paso a la madurez, para mostrar los cambios que vive una mujer en una etapa tan trascendental. Véase por ejemplo ‘Verónica’.
‘Hansel y Gretel’ siempre ha sido un cuento para prevenir a los niños, para mostrar que no todo lo que parece bueno es necesariamente así. Y más allá es un relato que habla sobre refrenarse ante los impulsos y las ambiciones, que puede ser lo que la casa suponía o lo que la bruja quería perpetrar, su carnicería de niños. Aquí las tentaciones y los anhelos también están muy presentes, la bruja se encarga de satisfacer sus deseos, más allá incluso del de saciar su apetito.
Sophia Lilis, una de las protagonistas de ‘IT’ es quien encarna a Gretel. Pasa del terror basado en la espectacularidad y los sustos a uno más psicológico. Sigue sumando buenas actuaciones la joven actriz de Brookly. En esta ocasión está tan ligada a su hermano ficticio como si fuese su gemelo (lo cual no es nuevo para ella pues realmente tiene un gemelo en la vida real). Hace las veces de joven inconsciente y de madre a la vez, una hermana mayor creíble y con una interpretación nada exagerada.
Para mí hay otras virtudes mejores en esta película que no obstante me ha dejado algo frío al no tratar algo excesivamente novedoso. Por eso digo que este es un ‘Gretel y Hansel’ sin migas de pan y queriendo meter más miga. Me ha gustado el inquietante papel de Alice Krige que repite como bruja (‘The calling’, 2000). Su rostro arrugado y a veces como enajenado es de lo poco que da algo de miedo. Si la intención que tenían era la de rayarnos o perturbarnos con ella lo consiguen, además que le han dado una buena vuelta de tuerca a su concepción.
No hay migas de pan por el bosque y no hay casa de pan de jengibre. En su lugar tenemos una cabaña moderna que parece una de estas casas rurales de diseño que están tan de moda. Las formas picudas están por todas partes: en el tejado, los sombreros, las estrellas (aparece tanto la de David como el pentagrama invertido). Esto es porque el interesante diseño de producción nos quiere imponer, intenta constantemente hacernos sentir pequeños o amedrentarnos con sus imágenes. Y es que otra de las estrellas del filme es Galo Olivares, el director de fotografía. El que fue cámara y colaborador en la fotografía de la ‘Roma’ de Cuarón ha realizado una gran composición de escenas que buscan simetría, profundidad y vértigo horizontal. Desde luego está claro que le gustan las perspectivas con punto de fuga. Me gusta mucho el contraste de luces y sus colores otoñales que hacen que aunque haya pigmentación en la imagen esta se sienta gris y oscura.
Hay alguna referencia sutil a otros cuentos de los Grimm e incluso al simbolismo religioso que empleaban en algunas de sus escenas. No está mal el intento de hacer este cuento de fantasía terrenal y contenida, pero sus creadores tendrían que haber dado más rienda suelta a sus pretensiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Grete & Hansel. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Rob Hayes. Música: Robin Coudert. Fotografía: Galo Olivares. Reparto principal: Sophia Lilis, Alice Krige, Sammy Leakey, Charles Babalola, Jessica de Gouw. Producción: Automatik Entertainment, Orion Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Vértice Cine, Amazon Prime Video. Género: terror, thriller. Web oficial:https://gretelandhanselthemovie.com/
‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.
Crítica
Hanna-Barbera is back
Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.
La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.
Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.
La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.
Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.
Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género:Web oficial:https://www.scoob.movie/
Adaptación de la novela ‘Mi verano extraordinario con Tess’
Desde Rita&Luca Films nos informan del estreno de ‘Mi semana extraordinaria con Tess’. Un filme que tendrá algunos pases en Barcelona y que llega el 31 de julio a plataformas de vídeo bajo demanda como Filmin, Rakuten, iTunes y Google Play.
La película de Steven Wouterlood dura algo más de ochenta minutos y ha pasado por festivales como la Berlinale o el New York Film Festival. Adapta la novela titulada ‘Mi verano extraordinario con Tess’, de Anna Woltz. Los pequeños SonnyCoops y JosephineArendsen son los dos protagonistas de este cuento infantil que se centra en nuestras primeras experiencias
Sinopsis oficial.
Sam es un niño de 11 años que está de vacaciones de verano con su familia. A lo largo de la semana conocerá a Tess, una niña aventurera y misteriosa que le hará reflexionar sobre el valor de la amistad y la familia.
La película que transcurre durante las vacaciones de verano de un joven de 11 años, propone una reflexión sobre la vida y la muerte, los vínculos con la familia y la amistad, desde la mirada de un niño en la etapa de transformación hacia la adolescencia.
Un filme solidario que recaudó más de 3 millones de euros
La película española ‘Lo Que De Verdad Importa’ se ha colocado en el número 1 de la lista de os más vistos en la versión norteamericana de Netflix. Paco Arango (‘El inquilino’, ‘Los Rodríguez y el Más Allá’) es el director de este filme que consiguió más de 3 millones de espectadores en todo el mundo. Una película solidaria e independiente protagonizada por Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington y Jonathan Pryce.
El dinero recaudado se destinó, en cada uno de los países en los que se estrenó, a ONGs y asociaciones que dedican todo su esfuerzo a los niños enfermos o más desfavorecidos en el mundo. Además, la película que se ha estrenado en cines de dieciséis países, ha sido embajadora de la causa infantil y ha dado voz a todas esas organizaciones que, de forma silenciosa, se esfuerza cada día en mejorar la calidad de vida de estos niños.
Los espectadores de Netflix en EEUU han elegido, de forma inusualmente masiva, elegir ver esta emotiva comedia, que cuenta la historia de Alec, un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner en orden su vida. Cuando su tienda de reparación de aparatos electrónicos está a punto de quebrar, un familiar que nunca supo que tenía se ofrece a solucionar sus problemas a cambio de que se traslade un año a Nueva Escocia (Canadá), el lugar de origen de sus antepasados, donde sucederán las cosas más incomprensibles.
“Hay veces en que los milagros sí ocurren. Una película que había hecho tanto bien por muchos países, ahora conquista el corazón de los americanos en un momento en el que se necesitan historias mágicas y optimistas. Paul Newman, a cuya ONG especializada en niños enfermos de cáncer han ido una parte de los ingresos, estará muy orgulloso ahí arriba.. y vamos a por más!”, ha declarado Paco Arango tras conocer esta noticia.
Lo Que De Verdad Importa es una producción de Producciones CALCON y ESP-62 Productions.
Tras una exitosa pasada edición con más de 19.000 espectadores, el festival para niños y niñas de entre 2 y 12 años se despliega por igual en Madrid y en Barcelona, aumentando el número de sesiones, actividades e invitados, en la que será su edición más ambiciosa. Mi Primer Festival de Cine presenta una cuidada selección de cerca de un centenar de películas dirigidas a niñas y niños de 2 a 12 años, divididas en 8 secciones. Largometrajes y cortometrajes a competición, Rusia como país invitado, clases magistrales, artistas invitados, talleres, cine-conciertos y muchas más sorpresas completan esta edición.
Este año, además, Mi Primer Festival de Cine estrena, en colaboración con el Festival Márgenes, una sección especial dedicada al talento de los animadores españoles. Una programación para degustar desde trabajos artesanales en stop-motion, cortos al estilo cartoon más clásico, o la animación 3D más actual. La cineasta María Pérez presentará esta sesión en Cineteca Madrid. Más información sobre la sección ‘Talento Km 0’ haciendo clic aquíy sobre el evento este otro enlace.
INAUGURACIÓN EN MADRID:
Minimatch de animación (+2 años). Sábado 9 de noviembre,12:00 h. (Mk2 Palacio de Hielo).
INAUGURACIÓN EN BARCELONA:
‘Solán & Eri. Misión a la luna’ (+5 años). Sábado 9 de noviembre, 11.30 h. (Multicines Bosque).
Dirigida por Andy Fickman, director de ‘Kevin puede esperar’ y ‘La extraña pareja’ nos llega el primer tráiler de la película ‘Jugando con fuego’, un largometraje que próximamente Paramount Pictures pondrá en nuestras carteleras. Su reparto es de lo más peculiar. Protagonizan la cinta nada más y nada menos que John Cena (‘Bumblebee’)BriannaHildebrand (‘Deadpool 2’), Judy Greer (‘Ant-Man y la Avispa’), Keegan – Michael Key (‘Predator’) y John Leguizamo (‘John Wick: pacto de sangre’).
Sinopsis oficial:
Cuando el jefe de bomberos Jake Carson (John Cena) y su equipo de élite (Keegan-Michael Key, John Leguizamo y Tyler Mane) llegan a un incendio en medio del bosque y rescatan a tres hermanos: (Brianna Hildebrand, Christian Convery y Finley Rose Slater), se dan cuenta rápidamente de que ningún entrenamiento podría prepararlos para su trabajo más desafiante hasta ahora: hacer de niñeros. Incapaces de localizar a los padres de los niños, los bomberos tienen sus vidas, trabajos e incluso su estación de bomberos revolucionadas y aprenden rápidamente que los niños, al igual que los incendios, son salvajes e impredecibles…
Denis Rovira acompañado de Emma Suárez, Manuela Vellés y Alain Hernández
Sony Pictures nos trae a partir del 21 de junio una nueva película de terror de factura española. ‘La influencia’ (crítica aquí) es una película realizada en nuestro país pero que surge de una novela de Ramsey Campbell, al igual que lo hizo en su día la cinta de Jaume Balagueró ‘Los sin nombre’. Y el director de esta nueva adaptación es el debutante Denis Rovira quién tras haber encandilado con su trilogía de cortos ‘El grifo’, ‘Lazarus Taxon’ y ‘Ángel’ llega rodeado de un gran elenco de actores.
Protagoniza el filme precisamente una actriz que viene de trabajar con Balagueró en uno de sus últimos trabajos ‘Musa’. Manuela Vellés junto a Alain Hernández, Maggie Civantos, EmmaSuárez y Claudia Placer forman el equipo principal de ‘La influencia’. Con casi todos ellos hemos podido estar y preguntarles a cerca de la película.
En los siguientes vídeos podéis ver sus respuestas. Al igual que en nuestra crítica el contenido de la película no se desvela pues la trama esconde varios secretos.
‘Parchís: El documental’,estreno el próximo 10 de julio
La infancia de muchos de nosotros estuvo animada por el colorido grupo Parchís. ¿Quién no ha soplado las velas de cumpleaños con su canción de fondo? Ahora Yolanda, David, Tino, Gemma y Frank, componentes del grupo, dan testimonio de aquellos años en los que saltaron a la fama y se convirtieron en ídolos infantiles haciendo toda clase de giras o espectáculos. Cuarenta años después conoceremos detalles muy específicos de Parchís.
De la mano de los integrantes y también de los responsables de la banda se realiza un análisis de aquella exitosa etapa. “Se trata de un proyecto centrado en una historia humana, con una mirada sincera que aspira a hacer un ejercicio de empatía con el espectador para que logre entender lo que supuso ser protagonista de un éxito tan descomunal, prematuro y sorpresivo”, señala Daniel Arasanz, director del documental.
‘Parchís: El documental’ estará disponible en Netflix a nivel mundial el próximo 10 de julio.
Parchís fue algo más que el grupo infantil más popular en España entre 1979 y 1985. El suyo fue un auténtico fenómeno, cuyo éxito se tradujo en ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que todavía hoy siguen enganchando a las nuevas generaciones. Pero, ¿cómo lo experimentaron desde dentro sus protagonistas? ¿Cómo vivieron el paso de la niñez a la adolescencia y a la vida adulta? ¿Fue Parchís una oportunidad para desarrollarse personal y profesionalmente o una carga que les acompañaría para siempre? ‘Parchís: El documental’ busca las respuestas desde el testimonio directo de sus componentes, así como de otras personas que participaron activamente en la construcción y desarrollo de su carrera.
En un año insólito para la humanidad nacieron 43 niños “extraordinarios”. Todos de madres solteras, sin aparentes muestras de embarazo y en los lugares más extraños. Solo 7 de esos niños fueron salvados de su fatal destino y educados por el magnate Sir Reginald Hargreeves para controlar sus peculiares poderes. Su objetivo: SALVAR EL MUNDO.
Reseña
Hermanastros extraordinarios con problemas ordinarios
A través de tres volúmenes divididos en seis partes descubriréis la historia de The Umbrella Academy. En este cómic descubrimos como de repente más de cuarenta mujeres dan a luz a la vez a lo largo del ancho y largo del globo terráqueo. Lo insólito es que esas madres no estaban embarazadas. Un multimillonario de misteriosa identidad consigue hacerse con siete de esas criaturas recién nacidas para criarlas. Otorgándoles como nombre un simple número monta un grupo de superhéroes, porque por si toda la historia era poco extraña los siete hermanastros tienen habilidades especiales.
Cada protagonista posee un variopinto aspecto, tiene peculiaridades y carisma suficiente como para ganarse sus fans. Y no me refiero solo a los miembros importantes de The Umbrella Academy. En estas viñetas os encontrareis, monos parlanchines, maniquís vivientes, agencias secretas, villanos estrafalarios… Hay que reconocer que la historia es rara con ganas, pero se ha convertido en referente y sabe además emplear buenas referencias.
Al guión no le faltan giros, extravagancia y trasfondo, aparte de su particular análisis de la humanidad. Funciona bien sin necesidad de precuela o flashacks. Ayuda que cada segmento viene introducido por unas anotaciones acerca de los protagonistas y va acompañado de algunas entradas enciclopédicas sobre esta realidad alternativa. Las desventuras y detalles de los protagonistas nos traen varios McGuffins dentro de un argumento en el que el calificativo de raro se queda corto. Hay cosas muy desconcertantes, algunas tienen explicación y otras no. Simplemente se resuelven aquellas esenciales para la resolución de la trama, las otras directamente tenemos que admitir que son así de extrañas para meternos en un mundo cambiado e inaudito.
El gran atractivo se genera a través de los poderes, apariencia y aventuras de los miembros de esta familia, pero el acierto es que todo transcurre a través de unos dramas o traumas de lo más mundanos. Complejos de inferioridad, dependencia de otros, adicciones, búsqueda de normalidad… Las viñetas de estos cómics tienen tantas aristas por las que escalar como personajes.
El dibujo no queda en segundo plano pero si con menos relevancia que el argumento del cómic. El trazo de Babriel Bá es muy poligonal, al igual que las sombras y luces de Dave Stewart que dan color a los personajes y localizaciones. Aunque no vais a ver ni un solo degradado de color la escala cromática si es amplia. Tampoco veréis rostros u objetos con gran detalle pero todo es perfectamente reconocible. En realidad su dibujo recuerda, con algo más de complejidad, al de Hellboy.
Y por si había pocas sorpresas queda entrar en detalles acerca del guionista de la obra. Es alguien conocido para los entendidos en música contemporánea o alternativa ya que es el cantante de la extinta banda My Chemical Romance. El vocalista Gerard Way, que actualmente trabaja para DC Comics con su sello Young Animal, es el autor de esta locura.
No es de extrañar que este divertido y estrambótico cómic que ya posee el Premio Eisner haya sido adquirido por Netflix. Aunque en principio se iba a hacer una película con Universal Pictures lo que veremos es una serie que será lanzada a nivel global el 15 de febrero con 10 episodios. En Moviementarios ya la hemos visto y tenéis una reseña sobre los primeros siete episodios (sin spoilers). Si leéis el cómic y comprobáis el reparto en IMDB veréis que se han inventado algunos cambios que intuyo que son para que dé más sensación de que los niños provienen de todo el mundo o puede que simplemente sirvan a razones de corrección política.
En su país original el cómic está editado por Dark Horse Comics. En España se puede comprar los volúmenes en un solo tomo. La colección en concreto consta de tres series limitadas y aparte las historias paralelas tituladas ‘Dallas’ y ‘Hotel Oblivion’. Podéis buscar ‘The Umbrella Academy’ en Normal Editorial.
Ficha del cómic
Guion: Gerard Way. Dibujo: Gabriel Bá. Color: Dave Stewart. Portada: Gabriel Bá. Editorial: Norma. Datos técnicos: 216 págs., color, cartoné con camisa, 17×26 cm. Publicación: noviembre de 2011 (en EE.UU 2007). Precio: 22€.
Últimas monerías para empezar a sufrir el mono hasta 2020
Triste es para nosotros tener que escribir siempre las últimas líneas de una edición de CutreCon. Un año donde ha habido pocas películas de castigo y el público con su gran sentido del humor ha castigado a las películas expuestas. Sorpresas como las de ‘Best F(r)iends’, ‘America 3000’ o ‘Commando Ninja’ nos dejan un buen recuerdo y la necesidad de ver más.
Pero hay que hablar para terminar de las últimas películas vistas. En la mañana se celebró la sección Documentrash donde pudimos ver dos documentales a cerca de películas de serie B o adaptaciones desastrosas. Tuvimos un saludo del director y del productor de ‘Fuck you all’, la obra sobre Uwe Boll y Timon Singh nos ofreció un adelanto de su próximo documental ‘The last action heros’. Además este último se ofreció a responder a preguntas del público y demostró lo mucho que sabe sobre cine y héroes de acción, a si es que seguro que veremos y apoyaremos su documental.
Por la tarde nos desplazamos al Palacio de la Prensa. En su Sala 0 tuvo lugar la fiesta de despedida en forma de maratón. Por supuesto el Leitmotiv de las películas eran los simios, eje de esta edición. En este artículo podéis leer en qué consistieron las películas.
Pero antes de cerrar el festival se anunció la temática para la edición número nueve que tendrá lugar en enero de 2020. Serán los monstruos marinos los que rodeen a los espectadores de CutreCon. Esperamos que el nivel de las películas sobre criaturas acuáticas sea «tan bueno» como el de las de monos que hemos visto estos días ya que han dado para muchas gracias. Nosotros encantados de seguir formando parte de la familia del festival cerramos el diario recomendándoos acudir a los espectáculos VHZ que organizan sus presentadores para calmar el mono de cine cutre.
‘La última película de Jess Franco’
Pedro Temboury (‘Kárate a muerte en Torremolinos’ rinde homenaje a su mentor, el prolífico director. productor y actor Jess Franco. Franco escribió y dirigió un par de centenares de películas y a través de una ficción protagonizada por un detective nos las descubren.
Por supuesto el documental sigue el estilo marcado por el fallecido cineasta y reúne nombres como Lina Romay, Antonio Mayans, Emilio Estévez, Robert Forster, Brigitte Lahaie, Jack Taylor o incluso Roger Corman.
No podía faltar este documental que ovaciona a un director que ponen nombre a un premio del festival.
Si el director de CutreCon se ha peleado en un ring con Uwe Boll cómo no iba a ser proyectado este documental que repasa la carrera del director de películas tan fracasadas como ‘Alone in the dark’, ‘Postal’, ‘En el nombre del rey’, ‘House of the dead’, ‘Bloodrayne’… Gran parte de su trabajo se centra en adaptar videojuegos y por eso se ha ganado detractores entre cinéfilos y gamers. Pero con este documental podemos ver que adaptar juegos no es lo que le motiva.
A través de entrevistas y de su podcast podemos oír testimonios de Uwe Boll y de muchos que han estado en sus proyectos y han salido vivos. Es un director y productor que recauda millones y millones solo por la gente que va a ver lo mal que hace las películas. Es como si antiguamente la gente fuese a ver como alguien fabrica mal alpargatas, solo por el morbo del dolor que van a causar. La diferencia es que Uwe Boll te puede insultar o incluso pegar. El documental no solo repasa su cine, también se adentra en la vida y persona de Boll mostrando una faceta apacible y racional que no se suele ver en sus intervenciones más famosas.
Yo he descubierto que hizo 3 películas en 16 días en Croacia solo para aprovechar los sets: ‘Bloodrayne 3’, ‘Blubberella’ y ‘Auschwitz’. A algunos eso les puede parecer una proeza de productividad, a otros nos parece una majadería que obviamente produjo un calcado resultado fallido.
El documental es algo largo y entra un poco en bucle volviendo continuamente a los mismos asuntos. Nos revela que Bowl realmente sabe de cine, gusta de buen cine y realmente necesita hacer cine, pero con él sucede como con un heroinómano. Le gusta la heroína, sabe de droga, necesita su dosis pero hay que ayudarle a dejarla si su adición nos va a seguir perturbando a los demás. Ahora se dedica a la restauración y la verdad que me gustaría probar algo de sus Bauhaus porque dicen que son buenos.
Versión feminista de ‘King Kong’ introducida por una canción al más puro estilo british. Un equipo de mujeres capitaneado por una directora ficha a un joven para irse a un África sin personas de raza negra a grabar una película. Allí les ataca Queen Kong. Se intercambian los papeles entre hombres y mujeres con respecto a la historia clásica y se toman con humor las cuestiones de género.
Canciones por la liberación de la mujer, tiburones con los labios pintados y pancartas, una África occidentalizada, plantas prehistóricas con forma de gaita… Conste que no lo digo por el alegato feminista, pero es una película con tantas majaderías que es obvio que no se ha hecho para tomarla en serio. Es como una clásica película de los Zucker.
Remake Coreano del King Kong de John Guillermin. Desmadre sobre todo de proporciones y perspectivas. El gorila de pronto es tontorrón y se pone a bailar como que destroza la ciudad. Seguimos de manera paralela la relación entre una actriz y un periodista que la sigue y rescata allá por donde va sugiriendo constantemente verse por la noche para acostarse.
Para ser una versión copiada hace muchas referencias al verdadero King Kong y es muy inocentona en sus escenas. Aunque tengan delante al gorila gigante los personajes no lo ven hasta que no lo tienen a escasos centímetros o ven una de sus huellas. A vosotros os recomiendo ver por lo menos la escena en la que la criatura hace un corte de mangas con peineta.
Tiene personajes que se pasan toda la película al teléfono, secuencias interminables, escenas repetidas cuatro o cinco veces. Es bastante insufrible, pero si quieres hacer una película barata pero larga busca aquí el truco.
Película de la india con mucho folclore y religión, por supuesto también con mucha musicalidad. Una afrenta a un templo sagrado del Dios Mono provoca la llegada de este para proteger a los ciudadanos. No pasan ni 5 minutos entre una muestra de CGI del malo y otra. También tiene exageradas peleas artificiosas con la reproducción acelerada, movimientos imposibles y golpes desproporcionados.
Predominan las broncas y trifulcas entre los vecinos de la aldea y eso la ha convertido en la película de castigo.
Surge de una serie japonesa de cincuenta episodios que montaron como una sola película. Cero linealidad argumental, personajes que van y vienen sin ser presentados o despedidos, conversaciones de las que no tenemos precedentes, protagonistas japoneses con nombres norteamericanos… Pero no todos, también está una niña mono llamada Pepe. Elementos como estos se dan lugar en esta historia en la que unos niños y un adulto son criogenizados por accidente y despiertan tiempo después, cuando la tierra la domina una civilización de simios. Entra en juego más tarde un platillo volante pero no os diré a cuento de que por si os atrevéis a verla.
De hombres extraños: yetis, sasquatch y Tommy Wiseau
La penúltima jornada de CutreCon transcurrió entre la animación más ortopédica, el 3D menos eficiente de la historia, bigfoots sentimentaloides, guiños a clásicos de cine y la sorpresa de la última película de Wiseau. El cuarto día del festival nos deparó sorpresas con sus tráilers en tres dimensiones pasando por la película de castigo (‘Suburban Sasquatch’) hasta dejarnos con la boca abierta con ‘Best F(r)iends’.
El Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj volvió a llenarse hasta la bandera. Este año la organización fue previsora, pues el año pasado literalmente cientos de personas se quedaron sin poder acceder y ha habilitado la Cineteca como sala alternativa. Allí con algo de desfase se proyectaron las mismas películas y también se consiguió una afluencia de público enorme.
Con el show VHZ o Cinecutre en vivo repasamos las peores películas de monos o recordamos nombres tan míticos como Ed Wood. Un espectáculo que se puede ver a lo largo del año y en el que nos encontramos muchos chistes sobre el cine y las mil maneras de hacerlo mal. Y precisamente los chistes ayudaron a superar algunas de las películas de ayer pues el público estuvo especialmente ingenioso y se creó ese ambiente que tanto distingue a este festival.
Pero como adelantábamos la película protagonizada por Tommy Wiseau y Greg Sestero fue la sorpresa de día. A continuación podéis leer nuestras impresiones de todos los títulos proyectados, incluido ‘Best F(r)iends’ pero en poco tiempo os brindaremos una crítica para que sepáis porque salimos satisfechos de un filme que contaba en su reparto con Tommy Wiseau y porqué una sala casi llena a las 12 de la madrugada no se quedó dormida viéndola. Por cierto que también tuvimos sorpresa ya que Greg Sestero mandó un saludo al público de CutreCon deseando poder visitarnos algún día y que además fuésemos capaces de sobrevivir la película que ha escrito él.
‘La leyenda del Rey León’
Si no es por los comentarios del publico la película sería infumable. Una versión de dibujos animados proveniente de Alemania en la que cualquier niño vería los fallos.
Planos re-aprovechados, animales cortados, frases salidas de contexto… un guión que parece aleccionador, que te quiere vender descaradamente algunas ideas políticas. Una desfachatez de intrigas entre animales que acaba hasta por tener sobornos con ordenadores de sobremesa.
Unos extraterrestres mandan a Ro-Man a destruir a la raza humana. Esa criatura consiste en un gorila con escafandra de astronauta y voz de radiofonista. Este clásico de la ciencia ficción estrenado en los años cincuenta puede resultar de lo más inocentón, pero cuidado que con sus ideas pseudocientíficas os puede dejar con el culo torcido.
Una sesión que patrocinamos con sumo gusto en Moviementarios ya que somos muy aficionados al fantástico y plantea una buena pregunta. ¿Cómo se ve en 3D una película que está rodada en blanco y negro? Pues echando imaginación y haciendo flipar a los espectadores con un argumento y actuaciones de lo más disparatadas.
Desde Francia, tras los pasos del éxito de ‘Kung Fury’ y distribuida por Youtube esta película que entremezcla muchos éxitos del siblo XXI, sobre todo de los 80. ‘Platoon’, ‘Los inmortales’, ‘Terminator’, ‘Turbo kid’, ‘Predator’, ‘Mad Max’, ‘Regreso al futuro’, ‘Solo en casa’… Todos esos títulos son referentes para este largometraje fan que acaba teniendo ninjas, dinosaurios, Super Nintendos, viajes en el tiemp, bazokas, chorizo a la plancha, Garfield…
Un trabajo muy retro que lo tiene todo para generar el apoteosis entre el público. No para de tener tiroteos, muertes descabelladas, explosiones, casquería colgandera… Desde queda claro que buena parte del dinero obtenido en su Kickstarter se empleó en maquillaje y efectos digitales. Un tributo fan muy bestia que además nos brinda una escena post-créditos a lo Cadillacs and Dinosaurs.
Incluso a pesar de tener que soportar una música bastante mediocre y una pelea innecesariamente larga podemos decir que cumple con la función de darnos un título que se suma a la banda sonora del festival. ‘Comando Ninja’ nos brinda un nuevo tema que tararear por pegadizo.
Siguiendo la explotación de películas de King Kong surgió esta versión china. Un título que mezcla distintas películas de manera chistosa, no solo por su trama si no por la humorística cara del gorila gigante.
Aldeanos que de repente tienen catapultas, maquetas de poca monta y animales reales que probablemente no lo pasaron nada bien mientras se rodó. Surge una historia de amor entre un explorador y una especie de mujer Tarzan que tiene más importancia que la presencia del gorila gigante.
Más que un yeti, parece que un «bear» de Chueca se ha escapado por Italia. Tanto el maquillaje del gigante como la interpretación del actor son de risa sobre todo si tenemos en cuenta que esta película pretendía ser seria y que se parece a El Puma. Musicalmente también tiene su pecado ya que usa sin pudor bandas sonoras conocidas e incluso las versiona a ritmo de samba.
Un humanoide que se despierta tras permanecer congelado siglos comienza a atemorizar a los científicos y ciudadanos de Canadá. Está de muy mala uva, tal vez porque se le ha roto la cadena del frío, porque otra explicación no le dan. Luego si que le salen enemigos y la cosa es que acaba siendo la imagen de una línea de productos de una manera bastante miserable.
Pero lo peor de todo son los problemas que tiene con las proporciones, las expresiones del actor que hace de Yeti y algunas escenas que solo se pueden describir como asquerosas o ridículas.
Un bigfoot con poderes mágicos masacra a toda la población de un pueblo. Película de principiante hecha como para amigos. El disfraz parece comprado por AliEexpress y esto no es una broma, es una suposición en firme. Me parece alucinante que una distribuidora cogiese este título para venderlo en formato físico, la raza humana no tiene perdón.
Al principio pensaba que no sería la película de castigo porque tiene tantas chorradas y despropósitos que te partes. Muchas de las soluciones son muy propias del cine de Wakaliwood. Más que una película es una serie de vídeos con muertes sanguinolentas con miembros volando por todas partes y dos protagonistas: uno intentando escribir un artículo y la otra disparando flechas hechas con CGI. Pero su segunda mitad es soporífera. Por favor si alguien puede que piense que lo más importante sería decirle al director lo que es el y que se deje de discursos existencialistas.
Hace años os hablábamos de ‘The Room’ y os sonaba a chino. ‘The Disaster Artist’ dio a conocer ese fenómeno de culto y eso ha hecho que haya consecuencias. Le hemos dado alas a Tommy Wiseau y a Greg Sestero para que saquen una «oda a la amistad». Pero he de reconocer que tengo que tragarme mis propias palabras porque el título que ha escrito el propio Sestero y dirigido Justin MacGregor es bastante intrigante.
Este es un thriller en el que los actores tienen roles muy acordes a su manera de actuar, sobre todo en el caso de Wiseau que interpreta a un excéntrico maquillador de cadáveres. La cuestión es que para ambos protagonistas hay misterios sin resolver y nos introducen detalles sobre ellos de una manera muy correcta.
La película tiene mucho mejor factura que ‘The Room’, está bastante bien rodada aunque su música parece salida de una tienda de ropa.
Me deja varias dudas. Una de ellas es qué demonios pasa con estos personajes, lo cual dice mucho para bien a cerca del guión, aunque hay muchas frases de traca, las cuales no me extrañaría que sean obra de Wiseau. La otra duda es si Wiseau se comporta como un personaje que le ha dado fama o sencillamente es que es incapaz de aprender a actuar bien. Puede que lo que suceda sean ambas cosas. Desde luego Tommy Wiseau parece decidido a seguir explotando el fenómeno que ha generado porque guiños a ‘The Room’ no faltan en ‘Best F(r)iends’ (aunque han evitado introducir ninguna cuchara).
La producción local es la protagonista para este año
A partir del 28 de septiembre, la producción local será la protagonista de la programación de Disney Channel, que desplegará sus historias a través de las múltiples plataformas que conforman su ecosistema. Estos innovadores formatos permiten ampliar la experiencia televisiva y crear una narrativa transmedia diferente que conecta de una manera más directa con el público haciéndole partícipe de su contenido.
“Tenemos muy claro que nos dirigimos a una audiencia conectada a múltiples dispositivos y muy exigente en cuanto a la calidad de los contenidos. Nuestra responsabilidad es seguir ofreciendo contenidos relevantes y que responden a esa necesidad de nuestro público” ha aseguró Vincent Sourdeau, vicepresidente y director general de los canales Disney en España, Portugal e Italia. “Creemos en nuestra misión de innovación creando contenidos novedosos e interactivos para añadir valor a la experiencia de la televisión tal y como la conocemos” continúa Sourdeau.
Entre las grandes apuestas de la nueva temporada, Disney Channel estrenará el próximo 1 de octubre ‘Mickey Mouse Squad’, un programa diario de formato magazine dedicado al público infantil e inspirado en el primer programa que creó el propio Walt Disney, ‘The Mickey Mouse Club’, pero completamente actualizado. ‘Mickey Mouse Squad’ se lanza junto a la ‘MSquad Trivia’, una App de segunda pantalla que tendrá contenido interactivo y relevante para la emisión del programa diario. Las demás series que se han presentado son nuevas temporadas de series que triunfaron la pasada temporada como ‘Club Houdini’, ‘JAJA Show SuperLOL’ (Disney Channel), y ‘C.R.A.K.S.’ (Disney XD).
El ecosistema Disney Channel lo conforman: ofertas de pago que generan mensualmente más de 4.5 millones de visionados bajo demanda; el canal en abierto que contacta diariamente con unos 2 millones de niños de entre 4 a 12 años; la app de Disney Channel, que congrega a más 350.000 usuarios únicos; y 10 millones de visionados en Youtube a través de los canales de Disney Channel y Disney Junior.
‘Mickey Mouse Squad’
SINOPSIS
‘Mickey Mouse Squad’ es un programa magazine diario dedicado al público infantil de entre 5 y 9 años que comparte algunos de los contenidos de mayor éxito en internet. En cada programa, la MickeyMouseSquad se reúne para completar divertidas actividades junto a un nuevo invitado cada semana.
DETALLES DEL PROGRAMA
Durante el programa se comparten una batería de retos, denominados Retos Squad, que varían de episodio a episodio. Entre las pruebas se encuentran:
– Unboxings sorpresa – con los que los invitados tendrán que adivinar lo que se esconde dentro de unas cajas utilizando sólo el tacto.
– Patio challenge – retos de habilidad física que los espectadores pueden emular.
– La clavas o la lías (Art Hacks) – pequeños experimentos, trucos de magia y manualidades
– Ponle las velas a la tarta de Mickey – Prueba de habilidad donde se compite por parejas. Unidos por una banda elástica, los dos participantes se ubican espalda con espalda. Cada uno tiene frente a sí una tarta de cumpleaños para Mickey. Los dos participantes tienen que tratar de colocar el mayor número de velas posibles en la tarta que tienen delante.
‘Club Houdini’
SINOPSIS
En la segunda temporada, el ‘Club Houdini’ vuelve a la aventura en busca de un tesoro tan poderoso que puede cambiar el mundo. Se reencontrarán con el mago Houdini y conseguirán descifrar un antiguo poema que habla de tres misteriosas llaves… Uno de los lugares más impresionantes de esta segunda temporada es el castillo de Manzanares. Allí vivirán una serie de divertidas aventuras y resolverán un montón de misterios para continuar con la búsqueda del tesoro.
EL FORMATO
La segunda temporada está compuesta por 11 episodios de 11 minutos de duración. Como complemento, la serie contará con diversos contenidos con los que la audiencia podrá interactuar con la serie fuera del horario de emisión. Estos contenidos incluirán 10 vídeos en YouTube que desvelarán distintas pistas para que la audiencia pueda ir resolviendo los enigmas que plantea la trama. Además, a través de la App Disney Channel los usuarios podrán encontrar un resumen de las piezas del enigma y descubrir más pistas para facilitar a la audiencia la resolución de la prueba.
‘JAJA Show Super LOL’
SINOPSIS
‘Jaja Show Super LOL’ es un programa de entretenimiento en el que se repasan los vídeos más divertidos de la red. El target se centra en niños de 5 a 9 años. La nueva temporada cuenta con Youtubers e Influencers muy conocidos entre el público familiar y nuevos juegos, además de los sketches de varios temas que consiguen que las noches en familia sean más divertidas. Para no perder nada de lo que pasa en plató y por si sucediese algo gracioso en cualquier momento, la JAJA CAM graba directamente a sus compañeros mientras “trabajan”.
EL FORMATO
La serie contará con contenidos adicionales que se sumarán al ecosistema Disney Channel. A través de la App Disney Channel, los usuarios podrán acceder Jaap Jaap Show, 12 retos conducidos por diferentes influencers con los que se lo pasarán en grande. En YouTube, los vídeos No te rías y Se busca ofrecerán nuevos avances exclusivos. Entre los contenidos adicionales se incluye JAJA Lab, dedicado a niños de entre 7 y 11 años, un apartado que incluye muchos juegos y retos tanto para YouTube como la App en los que los usuarios tienen que competir entre ellos, encontrar objetos, adivinar acertijos, etc.
‘C.R.A.K.S.’
SINOPSIS
‘C.R.A.K.S.’ es una iniciativa de Disney XD realizada de la mano de Movistar+. Este proyecto se enmarca dentro de la estrategia general de los canales de ofrecer a su audiencia un ecosistema televisivo que responda a su nueva forma de consumir televisión. Los niños reclaman cada vez más contenidos multiplataforma, adaptados a todos los dispositivos móviles y C.R.A.K.S. puede ofrecerles todo eso.
En esta segunda temporada, tras recuperar a Carlinhos, Carlos y Martín deciden usar el chaleco para devolverle de una vez por todas al videojuego. Pero durante el proceso se produce un nuevo fallo que provoca un inesperado intercambio de habilidades: Carlos se convierte en un crack del fútbol y Carlinhos se convierte en un experto jugador de C.R.A.K.S. En un primer momento Carlos está encantado con esta nueva situación, porque ya no necesitará a Carlinhos para ser la estrella del equipo e impresionar a Daniela. Pero todo cambia cuando el director Romerales anuncia la disolución del equipo de fútbol para crear una escuadra de e-sports. Carlos deberá usar de nuevo a Carlinhos, que ahora posee sus habilidades de gamer, para entrar en los Forest Rabbits junto a Daniela y conquistar al fin su corazón.
Tras haber sido durante muchos años ayudante de dirección de Javier Rebollo, Alberto Rodriguez o Javier Fesser, entre otros, AdriánOrr se ha enfrentado a su primer largometraje en solitario como director. ‘Niñato’ (crítica aquí) es un documental que os recomendamos ver y en el que nos habla de un joven cantante de Hip-hop que se hace cargo de tres niños mientras que intenta sacar adelante su carrera musical.
En la siguiente entrevista nos habla no solo de cómo lo rodó si no del porqué.
Tengo entendido que David, Niñato, es amigo tuyo. ¿Cuándo y por qué decidiste filmar una película tan real y cercana con él?
En todos mis cortos he filmado gente cercana, amigos del barrio o de entornos similares a los que he crecido. Siempre he tratado de representar en la pantalla una realidad que conocía antes de filmar. Querer grabar a David y a su familia ha sido una evolución natural. Empezamos con el cortometraje “Buenos días Resistencia”. Después de estrenarlo en 2013 sentí que había posibilidad de hacer otra película con ellos. Había otras ideas que no estaban en el corto o qué apenas estaban esbozadas. Profundizar más en Niñato, en sus retos y contradicciones como padre jóven, en su relación con los niños, los roles dentro de su familia. David se convirtió en padre muy joven, a pesar de adquir grandes responsabilidadesc omo adulto no abandonó la idea de lo que él quería ser desde adolescente. Siempre me ha fascinado como año tras año ha mantenido intacta su passion por la música, por el Hip-hop, y creo que esa es la misma pasión que tiene cuando está con los niños. Esa dicotomía entre mantener una vida como padre adulto, responsable de 3 niños y ser músico independiente que no abandona su sueño aunque sabe que no se va a materializar de la manera que había imaginado, me parecía un punto de incio muy bueno para la película.
Si no me equivoco han sido cuatro años rodando esta película. Cómo ha sido el proceso de gestación.
Quería ver como ellos y sus relaciones podían transformarse a través del tiempo, explorar como representar esos cambios cinematográficamente. Por eso organicé el rodaje en varios años, no sabía cuantos iban a ser; Al final han sido casi 6 (los 2 del corto más otros 4 más).Pensamos la estructura temporal de forma que el espectador sintiera el tiempo de dos formas distintas pero complementarias. Por un lado el tiempo de Niñato, el tiempo de los adultos, que pasa en presente continuo, un tiempo que difícilmente podemos medir. Por eso era importante rodar solo en otoño e invierno. Mantener a través de los años una aparente continuidad de luz, de atmosfera, de vestimenta, etc. Y por otro, el tiempo de los niños, que lentamente va avanzando y gracias a sus cambios sentimos el paso del tiempo y su peso en los adultos. Por otro lado. acotar el rodaje a los meses de fríonos ayudaba,en las fases de montaje, a organizar el material y pensar por donde podía ir la película. Cada etapa me daba guías de qué y cómo rodar en la siguiente.
Eres una persona conocida para la familia. ¿Eso te ha ayudado a que se desarrolle todo de manera más natural? ¿Qué diferencias te has topado con otros rodajes en los que has tenido un set de rodaje y no una casa real?
Ha sido fundamental mi relacción previa con ellos, tanto para que aceptaran hacer la película como para que me dejarán filmar de la manera que lo he hecho. Hemos compartido mucho tiempo juntos. Compartir ese tiempo con o sin cámara, me ha ayudado a conseguir representar en la película esa intimidad única.
La forma en que he rodado la película es completamente diferente a cómo se rueda una película dentro de la industria. Hay muchas diferencias: no existia un guión, ellos no son actores interprentado, y yo era el único técnico que estaba en rodaje, con mi cámara y con el sonido, sin nadie más. Busqué reducir las necesidades técnicas a lo imprescindible e intenté sacarles el máximo de partido siempre dando prioridad a las personas que quería filmar. Por ejemplo, para hacer la escena con los niños durmiendo, lo hablabamos antes y lo oranizabamos para filmar a la hora en la que los niños estaban durmiendo de verdad, no recreaba eso a otra hora para que cuadrase mejor en el horarioni colocaba lueces extra, como se haría en un rodaje al uso.
Me gusta que no he visto una película ni politizada ni social. ¿Tu intención era hacer una película fiel a la realidad de la clase media española? ¿Buscas por ejemplo plantear lo difícil que es inculcar valores por el arte, además por un arte tan minoritario como el hip hop, desde una posición de desempleo para más inri?
Me interesan las películas que sugieren y dejan al espectador su espacio para reflexionar sobre lo que ven. No me interesa mostrar ideas preconcebidas o tesis cerradas sobre mis personajes. Hacer una película es política. Por otro lado,me cuesta pensar en la familia de “Niñato” como clase media. Hoy en día se ha difuminado el sentimiento de clase y se engloba todo en clase media. Todo el mundo se siente clase media. Para mi, la familia de Niñato es clase trabajadora, una familia obrera como es la mía. He mirado a los persanajes de igual a igual, sin condescendencia de clase.Que Niñato y yo nos hayamos criado en el mismo barrio hace que eso salga de forma natural, sin impostar una mirada o una propuesta estética.
Ver cómo un joven aprende a ser padre y aprende a trasmitir sus valores a los niños, es uno de los temas centrales de la película. La música esta siempre presente en la casa de Niñato y nosotros decidimos usarla como vehículo para contar ese proceso de aprendizaje mutuo. Fue en el proceso de montaje donde las escenas de Hip-hopcogieron más peso y las estructuramos para mostrar su evolución y consolidar así los vinculos entre David y Oro (el niño pequeño).
Al igual que le sucedió a nuestros abuelos en la post-guerra estamos viviendo cambios y vivimos una época en la que hay gente que pasa necesidades. ¿Es Niñato el retrato de lo que dentro de unas décadas conoceremos como un grupo de «supervivientes» o » luchadores» de una fase en la que hubo que renovar conceptos y valores?
No sé, me cuesta imaginar cómo nos pensaremos en el futuro. Esta claro que son años muy duros para muchas familias. Durante esta gran crisis, que más que superada me parece crónica, se han imaginado muchos cambios que nohan acabado de consolidarse. Han surgido movimientos sociales que nos enseñan que las cosas se pueden hacer de otra manera, renovando ideas y valores. La familia de Niñato ha encontrado su manera de organizarse también desde esa reformulación de sus roles y prioridades; desde la empatía y el sentimiento de comunidad. Son esos valores, que se transmiten con pequeños detalles, los que he intentado representar en la pantalla.
A pesar de la decisión de vivir con sus padres y el apodo de David ¿Demuestra tu película que es posible que un padre madure junto con sus hijos?
Creo que Niñato tiene una habilidad muy especial para estar con los niños. Les habla de una manera muy cercana y les enseña a ser cada vez más autonomos, a tener curiosidad y pensar por si mismos. Niñato enseña autonomia, y lo hace bien , incluso cuando élno tiene toda la autonomia que se le podría presuponer. La película muestra que todos vivimos llenos de contradicciones.
Has trabajado con Alberto Rodríguez, Fesser, Santi Amodeo, Javier Rebollo o Montxo Armendáriz. Obviamente tienes tu estilo y has tenido el control diría que total de la película, pero ¿crees que hay alguna influencia tras estos años en ti que se vea reflejada en Niñato?
Lo bueno de trabajar con diferentes directores es que participas de distintas formas de pensar el cine y aprendes de ellas. Con los que he trabajado en más ocasiones y de manera más cercana, como Javier Rebollo o Alberto Rodríguez por ejemplo, los vínculos se incrementan. Directa o indirectamente seguro que hay algo de ellos en Niñato, aunque solo sea su amor por el cine y su tenacidad para poder terminar la película.
Muchísimas gracias Adrián por tu tiempo, por la película y por responder a nuestras preguntas.
David, alias Niñato, es un padre joven y soltero que pasa la mayor parte del día al cuidado de 3 niños pequeños. Aunque no tiene trabajo y vive en casa de sus padres, la pasión y esperanza que despierta en él la música Hip-hop fortalece su dedicación a la educación de los niños. En la intimidad de su vida diaria, a través de pequeños gestos y silencios, la importancia de la unidad familiar se va revelando. Oro, el niño más pequeño, poco motivado en los estudios, reclama cada vez más atención. Niñato, enfrentado a nuevas dificultades, se esforzará por inculcarles la autonomía necesaria para afrontar un nuevo presente.
Crítica
Un ciudadano de a pie y sin adornos educando a su familia.
La opera prima de Arián Orr amplía su cortometraje documental ‘Buenos días resistencia’. El largometraje ‘Niñato’ es una visita muy cercana, tanto en sus encuadres como en sus argumentos a una familia española en la que un padre soltero se hace cargo de su hija y sus sobrinos. Pero a su vez, desde una situación de desempleo mantiene su afán por sacar adelante su carrera como músico de hip hop. Y en realidad lo que hace Adrián Orr en ‘Niñato’ no difiere mucho del de ese género musical. Mezcla con ritmo género y estilo, es un documental montado, a veces cámara en mano a veces con cámara estática. Se acerca sin temor a la realidad, trayendo a la gran pantalla sin ningún filtro las intimidades del día a día del barrio. Dominan los planos secuencia largos con escenas de situaciones mundanales y costumbristas.
Imagino la dificultad de rodar con tres niños en un espacio tan reducido, sobre todo con un terremoto como Oro. Una criatura con problemas de disciplina o concentración que le da dolores de cabeza a su padre y hermanas, pero que a su vez se hace mucho de querer. En el filme Orr nos expone como desde su postura su padre les intenta educar, imbuir responsabilidades y crear herramientas para valerse por sí mismos. Porque si bien David alias «Niñato» lucha por defender su vocación musical, a la vez ha de inculcar valores de responsabilidad a sus hijos.
Al fin y al cabo la película es una yuxtaposición. Ver juntos a Niñato y a Oro es ver dos caras de la misma moneda, como pasado y presente o presente y futuro. A veces Orr intercala planos entre Oro y Niñato, como si uno fuese reflejo del otro, como si mutuamente se estuviesen enseñando también el uno al otro. Impulsa este argumento el contraste que vemos cuando va por los conciertos y vendiendo sus discos a cuando pasa directamente a hacer camas y recoger a los niños a la hora de comer para no tener que pagar el comedor y a su vez poder disfrutar de momentos en familia. En la película vislumbramos un proceso de crecimiento, de Niñato como padre y de los niños en su vida familiar y escolar.
‘Niñato’ es un relato lineal en el que se aprecian discontinuidades temporales pero que aún así nos narra una historia ininterrumpida y cotidiana. No es una película de cine social en cuanto a crítica política, aunque sí que tenga alguna escena en la que se hable de la precariedad actual o la dificultad para salir adelante en el mercado laboral. Es más bien el reflejo de un modo de vida llevado a cabo por alguien que quiere ser coherente con sus pasiones y con la coyuntura del momento que le ha tocado vivir.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de mayo de 2018. Título original: Niñato. Duración: 72 min. País: España. Dirección: Adrián Orr. Guion: Adrián Orr. Fotografía: Adrián Orr. Reparto principal: David, Oro, Mia, Luna Rasanz, Aurea Reyes, Ester Blanco. Producción: New Folder Studio. Distribución: Márgenes Distribución. Género: documental, drama. Web oficial:www.niñato.com
Va configurándose el reparto de Los Perdedores en la adultez.
Estaba bastante claro que Jessica Chastain iba a formar parte del reparto adulto de la secuela de ‘It’ y ya está confirmada para interpretar a Beverly Marsh. Estaba en todas las quinielas dado que ya había trabajado con Andy Muschietti en ‘Mama’. Por lo menos en la encuesta que tenemos aún abierta figuraba como gran favorita. Quien también suena para interpretar a algún personaje es James McAvoy, actor muy de moda y que podría interpretar a Bill Denbrough (el protagonista tartamudo) ya que Warner Bros. se encuentra sentado en la mesa de negociaciones con él. La misma Jessica Chastain ha puesto un tuit haciendo comedia al respecto.
Bill Hader también está negociando su entrada en la segunda parte de la adaptación de la novela de Stephen King. Interpretará a Richie Tozier, el personaje que encarnó FinnWolfhard (‘Stranger Things’).
Los Perdedores se hacen adultos en la segunda parte de ‘It’ y alguien tiene que interpretarles. ¿Quiénes son tus actores preferidos? Puedes votarles en nuestra encuesta y sugerir a quien quieras. La secuela llegará a nuestros cines el 18 de junio de 2019.
Basada en una historia real. Durante la ocupación nazi en Francia, Maurice y Joseph Joffo son dos hermanos judíos que deben separarse de su familia para evitar su deportación a campos de concentración. Haciendo muestra de gran astucia, coraje e ingenio, intentarán sortear a los soldados alemanes para llegar a la zona libre del sur de Francia y reunirse con los suyos.
Crítica
Recuerdos de una infancia truncada por la guerra narrados con delicadeza.
Los franceses haciendo alarde de su clásica sensibilidad y finura a la hora de desarrollar un drama nos acercan a una nueva historia ambientada en la época de la Segunda Guerra Mundial. Irónicamente, Christian Duguay, el director de ‘El arte de la guerra’, ha construido un discurso en contra de todo aquello que rompe la paz de una familia. ‘Una bolsa de canicas’ sigue los pasos de un clan que se ve dispersado por el país galo por culpa de la invasión alemana en los años cuarenta, como si se tratase de un conjunto de canicas golpeadas al jugar a la troya.
Según vas viendo la película da la impresión de que está dividida en muchas etapas, en excesivas. Los protagonistas pasan por continuas huídas, sufren sucesivos infortunios que nos abren muchos capítulos que parece que están pensados para cebarse en la desgracia y en el sufrimiento, para crear una historia cada vez más desdichada. Pero al final, al principio si vais a verla con esta crítica leída, descubres que está basada en una historia real. Entonces dices ¡vaya! es fascinante que unos chiquillos se antepusiesen de verdad a todas esas adversidades. Admiras más el trajín de viajes y mentiras que tuvieron que manejar durante unos años estos judíos, sobre todo los dos niños protagonistas que es en quien se centra el largometraje.
Porque esta película está fundamentada en la novela escrita por Joseph Joffo, escritor francés que en su infancia sufrió el acoso de los nazis y que en la película está interpretado por el pequeño Dorian Le Clech. Él y su familia tuvieron que dejar París y como muchos otros judíos viajar al sur de Francia para huir de la guerra. Al tratarse del relato de un adulto sobre lo que le sucedió cuando era niño tenemos una perspectiva un tanto diferente a las hasta ahora vistas. Es decir, si, es una película más sobre los nazis pero con la con la salvedad de tener un punto de vista más candoroso, mucho más enfatizado en recuerdos familiares y en pequeños detalles, de un modo casi tan eficiente como en ‘La vida es bella’.
Al igual que la película de Benigni busca tocarnos la fibra de la manera más tierna posible. Busca la complicidad y sensibilidad del espectador a través de continuos reencuentros y unos niños que las pasan canutas. De ahí que el título tenga también un sentido metafórico, es decir, los protagonistas experimentan una madurez forzada por unos tiempos durísimos y muy distintos a los que vive ahora el país galo. Una bolsa de canicas deja de ser lo más importante en la vida de nuestro protagonista principal.
A parte de todo esto hay que apreciar la buena ambientación, con un diseño de producción risueño y bello, lejos de la suciedad y la oscuridad que suele predominar en películas sobre el holocausto. También podría parecer obligatorio mencionar la presencia de Christian Clavier en uno de los momentos clave del filme, pero lo cierto es que me ha parecido muy escueta y comedida.
‘Una bolsa de canicas’ no nos abre ninguna cuestión que no hayamos debatido ya ni nos pone de manifiesto ninguna verdad que no haya salido antes a la luz. Pero si es un relato familiar, no para toda la familia, emotivo y con muy buenos planos rodados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: Un sac de billes. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Christian Duguay. Guión: Jonathan Allouche, Christian Duguay, Alexandra Geismar, Benoît Guichard. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, Christian Clavier, César Domboy, Ilian Bergala, Kev Adams, Lucas Prisor, Bernard Campan. Producción: Quad Productions, Main Journey, Forecast Pictures, Gaumont, Okko Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, adaptación, hechos reales. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/751/una-bolsa-de-canicas/
María tiene seis años, acaba de llegar a un nuevo colegio, pero algunos de sus compañeros han decidido amargarle la llegada. Le han puesto un mote y no la dejan en paz. Victoria tiene 14 años, pasó demasiado tiempo sufriendo todo tipo de vejaciones en su centro escolar, el resultado fue que padeció durante años un cuadro de estrés postraumático. Mario tiene ocho años, en el cole le llamaban gordo, tres niños de su clase le pegaban a diario. Perdió por completo su autoestima y comenzó a tartamudear. Emma tiene diez años, el protocolo de acoso escolar la convirtió en la niña señalada de su escuela, se quedó sin amigos.
Crítica
A veces la solución está en romper la barrera del silencio.
Quebrar la barrera que impide el diálogo con un abusón, conseguir abrir la puerta que nos abra a las inquietudes de un niño, lograr que un adulto ponga la mano en el fuego y diga basta… Son metas difíciles pero para las cuales existen vehículos y caminos a las que llegar. Piluca Baquero (‘Madrid, Above the Moon’) nos los enseña en su primer documental como directora tras haber trabajado en varias decenas de películas como productora.
A la directora y guionista no la hace falta decir una sola palabra, no necesita plasmar un solo dato en pantalla, son los protagonistas los que por sí mismos arrojando sus testimonios retratan la situación actual. Con esto es más que suficiente para hilar el documental y denunciar un problema de urgente atención. Algo que está sucediendo, no solo en países al otro lado del mundo, si no en los patios de nuestras escuelas, en la habitación que tenemos al lado, en la mente de nuestros hijos.
El reportaje es muy útil y creíble pues oímos a auténticas víctimas, pero no les vemos pues su identidad ha sido protegida. Niñas y niños contando sus casos tras la máscara de unos dibujos a animados creados por la mano del artista Javier de Juan. Sucesos que seguro que os suenan por haber vivido en el patio de vuestro colegio. Son ellos quienes nos enseñan. El largo rompe el silencio de los niños para enseñarnos a identificar y lidiar con una situación de abuso además de aprender los diferentes tipos de casos que existen: físicos, digitales, psicológicos… Hablan también profesores, especialistas… pero además va más allá y nos enseña que este tipo de conflictos pasan desapercibidos pues son tapados, a veces de manera refleja y otras por evitar un problema administrativo.
‘El silencio roto’ está todo basado en entrevistas y es muy divulgativo e ilustrativo. Por supuesto su creación está más que justificada y el tono en que trata el asunto me parece del todo correcto, ya que no es alarmista pero si incide en la urgencia de tomar cartas en el asunto. También es un acierto que ofrezca la opinión de varios representantes de partidos para no pecar de politizado, pues este es un tema del que los políticos huyen pues temen que produzca alarma social pero por el contrario si lo usan para hacer campaña.
El género documental no es solo tecnología y naturaleza, también es sociología. Por eso es importante no dejar al margen este tipo de documentos, en mayor medida si tratan sobre temas que afecten tanto psicológica como físicamente a los niños. Esta no es una lucha solo por hacerse oír, sino también contra un cambio de mentalidad y contra nuestro sistema, tanto legal como educativo. Estamos en una selva donde hay que pisarse para sobresalir. Hay que acabar con esa pugna y hay que disolver el miedo a romper el silencio y no temer represalias, consecuencias o el qué dirán. Sobre todo hay que enseñar a los jóvenes que de nada sirve el acoso, de nada sirve crearse enemigos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2017. Título original: El silencio roto. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Piluca Baquero. Guión: Piluca Baquero. Música: Martín Carlés. Fotografía: Hermes Marco, en color. Reparto principal: María José Fernández, Mar Valdeita, Coral Cabezas. Producción: Azotea Films. Género: documental, entrevistas, animación.
¿Os acordáis de ‘Los Increíbles?, pues parece que vuelven.
Sí, os va a doler, pero hace ya 14 años que se estrenó la primera parte de esta cinta de Pixar. Vuelve esta familia de superhéroes, pero que para nada tiene nada que envidiar a las familias normales, todo lo contrario, además de tener que proteger al mundo de los malos, ellos tienen sus problemas familiares, crisis de los 40, la adolescencia, un bebé que no les deja parar…
Y por fin después de tantos años nos llegan noticias de la secuela de esta cinta que tanto sorprendió y es que el 15 de junio de 2018 podremos ver ‘Los Increíbles 2‘ en cine.
Escrita y dirigida por Brad Bird, autor de la primera entrega, vuelve a contar con las mismas voces, Craig T. Nelson, Holly Hunter, Sarah Vowell, Huck Milner y Samuel L. Jackson.
Este año el gran estreno parece ser que es ‘Coco’, pero el año que viene Disney-Pixar nos atacan con nostalgia y por supuesto con unos personajes que hicieron las delicias de miles de personas.
Sin más, os dejamos el tráiler doblado al castellano, realmente no cuenta nada que no sepamos pero siempre está bien poder ver nuevo material de una cinta tan esperada.
Nos ha llegado desde Hawkins una sensación extraña… Netflix nos informa de que hay un portal que continúa abierto en pleno centro de Madrid. Nos convoca a descubrirlo, a todos, a fans, a profesionales de las series, a curiosos… A partir de mañana día 10 de noviembre podremos acudir a investigar y a sumergirnos en la localidad de los niños de ‘Stranger Things’ y a aventurarnos en el Upside Down (Mundo del revés). Tan misteriosa como esa dimensión es esta convocatoria que descubriremos todos juntos.
Esta experiencia inmersiva está ubicada en la C/ Velarde, 14, Madrid. Se podrá acceder a ella los días 10, 11 y 12 de noviembre en horario de 12h a 22h.
Colmenar Viejo nos prepara un Halloween terrorífico.
Los días 27, 28, 29 y 31 de octubre tendremos la oportunidad de descubrir el Túnel del Terror en el túnel anexo de la estación de tren de Colmenar Viejo. De 18:00h a 00:00h, podremos ver una escenificación realizada por Víctor Matellano y cuyo efectos especiales vienen de la mano del gran Colin Arthur, creador de las criaturas de ‘La historia interminable’. Y veremos a Saturnino García, ganador de un premio Goya, que representará al personaje de ‘El Ladrón de Cadáveres’.
Este año la atracción se llamará Túnel del Terror. Alicia, haciendo alusión a una leyenda urbana en torno al lugar: » En 1967 unos vampiros aparecían en la estación de ferrocarril de Colmenar Viejo, una línea de tren aún por inaugurar. Se trataba del rodaje de la película ‘La marca del hombre lobo’ con PaulNaschy, un clásico del cine de terror… 50 años después, El Ladrón de Cadáveres vuelve a presentar el Túnel del Terror en la misma estación… Tanto en aquella ocasión como en esta, el equipo de la película como el del Túnel del terror, aseguran haber visto merodeando por la estación una extraña niña, Alicia.. Una niña que años antes había desaparecido en un accidente…»
Otra novedad que traen este año, es la creación de un pasaje del terror específico para niños y niñas, dentro del área Halloween Park de atracción y restauración, que girará alrededor de una divertida familia de monstruos.
Para más información os dejamos el enlace a la web aquí: Túnel del Terror.
Se tiene que rodar la segunda parte de la nueva versión de ‘IT’ (crítica aquí) y para ello necesitamos un reparto de adultos. Tanto en la novela como en la película que esté por venir Los Perdedores crecen casi treinta años y tienen que volver a hacer frente a Eso. La popularidad de muchos actores puede darnos pistas sobre quién puede estar entre los elegidos, pero son muchos los factores a tener en cuenta. ¿Nos aventuramos a hacer un pronóstico? Si hay alguno que tengáis en mente y no aparece en la lista no dudéis en sugerirlo.
Sin pensar en presupuestos, vamos a fondo perdido, es igual que la configuración final de un resultado multimillonario de reparto. La cuestión es que los actores puedan dar el registro de sus personajes y a su vez sean creíbles físicamente como la versión adulta de los niños que a tantos ya nos tienen encandilados.
¡Vamos allá! Los siguientes candidatos para el rito de Chüd son…
Paco Plaza estrenó ayer su nueva película y estuvimos en su premiere en Kinépolis.
Tuvimos la oportunidad de estar en la presentación de ‘Verónica’, basada en el terrorífico Expediente de Vallecas. Gozamos del placer de acompañar a su director PacoPlaza y al reparto de esta estupenda película (aquí la crítica), SandraEscacena, AnaTorrent, LeticiaDolera, IvánChavero, BrunaGonzález o ClaudiaPlacer.
También asistieron a la premiere JuanCarlosLibrado «Nene«, NachoVigalondo, Manuel Burque, SalvadorCalvo, JuanaAcosta, VekiVelilla, Anna Castillo, MontxoArmendáriz… y algún invitado que otro pudimos hacerles algunas preguntas.
Verónica nos cuenta como tras hacer una Ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por peligrosas presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. Inspirado en aterradores archivos policiales nunca resueltos.
Aquí os dejamos el vídeo del photocall y con las fotografías.
El vídeo ha sido realizado porFrancisco J. Tejeda White.Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
Nuevo tráiler gracias a los MTV Movie Awards 2017, esta vez el segundo tráiler de ‘It‘.
Esta vez no vemos el lado tenebroso de la película, que también, pero el tráiler se centra más en la relación de los niños entre sí, sus bromas y aventuras.
Andrés Muschietti es el encargado de traernos esta adaptación con Bill Skarsgård como el malvado payaso.
‘IT‘ nos cuenta como una fuerza malévola está amenazando un pequeño pueblo de los Estados Unidos tras la máscara de un payaso. Unas misteriosas muertes han comenzado a sucederse provocando el pánico… hasta que una pandilla de siete niños deciden enfrentarse a dicho mal con el fin de destruirlo.
Aquí os dejamos el tráiler en su versión original.
‘Transformers: El último caballero’ contará con un reparto muy infantil.
Las películas partieron de unos juguetes para niños y los niños protagonizan por fin algo en la saga. Al menos tienen su parte en estos tráilers que acaban de publicarse en diversos canales de Youtube. A Mark Wahlberg, Anthony Hopkins,Lura Haddock, Stanley Tucci,John Goodman,John Turturro,Josh Duhamel,Jean Dujardin,Ken Watanabe y Tyrese Gibson se les unen estos jóvenes protagonistas.
Con estos documentos audiovisuales podemos ver que se conserva el tono catastrófico de Michael Bay pero parece que se ubica la cinta más dentro de los cánones del público adolescente. Podéis ver ambos adelantos al final de esta entrada. En los dos vídeos los niños intentan sobrevivir en el mundo que ya vimos que estaba dominado por los robots alienígenas. Otra cosa no, pero espectacularidad no le va a faltar a la cinta… y dinobots tampoco.
El 28 de julio comprobaremos si lo que se pretende es emular el truco de éxitos recientes como ‘Stranger Things’.
‘Annabelle 2’ es la continuación del spin-off de ‘The Conjuring (Expediente Warren)’ y ya tiene tráiler. Su primera parte estuvo dirigida por John R. Leonetti (‘El efecto mariposa 2’) pero esta segunda entrega ha estado a cargo de David F. Sanderg (‘Nunca apagues la luz’). Lo que sí que comparten es el guionista Gary Dauberman (‘It’) y el productor James Wan (‘The Conjuring 2’). Entre los protagonistas encontramos a Miranda Otto, Anthony LaPaglia, Stephanie Sigman y Alicia Vela-Bailey.
¿De qué va esta segunda parte? Años después del trágico fallecimiento de su hijita, un fabricante de muñecas y su mujer acogen en su hogar a una monja y varias niñas procedentes de un orfanato clausurado, quienes pronto se convierten en el objetivo de la poseída creación del fabricante de muñecas, Annabelle. En 2017 llega ‘Annabelle 2’ a los cines de nuestro país.
Legion 501 visit Pediatric Hospital ’12 De Octubre’ on May 04, 2016 in Madrid, Spain. (Photo by Pablo Cuadra for Walt Disney Studios/Getty Images).
Ayer, 4 de mayo se celebró por todo el mundo el Día de Star Wars. Como muchos sabéis se celebra en esta fecha ya que pronunciada en inglés suena a la famosa frase de la saga galáctica: may the fourth Be With You (realmente es: may the force be with you, que la fuerza te acompañe).
En 1979 se hizo por primera vez este juego de palabras. Lo utilizaron los miembros del Partido Conservador inglés para felicitar a Margaret Thatcher por su éxito al alcanzar el puesto de primera ministra del Reino Unido. Pero no fue hasta 2011 cuando se empleó este día para homenajear a Star Wars en Toronto. Desde entonces hasta ahora los fans de la creación de George Lucas han empleado este día para mostrar su afinidad con la fuerza y los comercios aprovechan para hacer su agosto.
Unos sacan a relucir sus camisetas o incluso disfraces, otros hace maratones de toda la saga, vemos descuentos, sorteos y promociones por todas partes… Pero hay gente que también se dedica a alegarle el día a los más desfavorecidos. Como es el caso de la Legión 501 Spanish Garrison que ha pasado por hasta 16 hospitales y sus alas de pediatría repartiendo sonrisas y regalos. También hemos podido ver crossovers divertidos como el cartel de “Sharknado” customizado a lo Star Wars.
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