La serie terminará en esta segunda tanda de episodios
‘Vida Perfecta’ T2 ya tiene fecha de estreno, el viernes 19 de noviembre llegará en exclusiva a Movistar+completa bajo demanda. La serie, creada por Leticia Dolera, tendrá su premier hoy, 27 de septiembre, en la inauguración del festival Iberseries Platino Industria (IPI), en la sección Capítulo Uno.
‘Vida Perfecta’ T2 está creada y dirigida por Leticia Dolera, que también firma el guion junto a Manuel Burque. En esta segunda temporada las directoras Lucía Alemany (‘La inocencia’, dos nominaciones al Goya) e Irene Moray (‘Suc de síndria’, Goya al cortometraje de ficción) dirigen sendos episodios.
El trío femenino protagonista de la serie, formado por Dolera junto a Celia Freijeiro y Aixa Villagrán, está acompañado por un elenco en el que destacan los nombres de Enric Auquer, Goya al mejor actor revelación en 2020 y reconocido con el Premio Feroz y el Premio Ondas por su interpretación de Gari en la serie, repite su personaje en esta segunda temporada, Manuel Burque, Font García, Carmen Machi, Fernando Colomo y Míriam Iscla entre otros.
La primera temporada de ‘Vida Perfecta’ consiguió un gran reconocimiento por parte de la audiencia, la crítica y festivales como CANNESERIES, que la encumbró como Mejor Serie y reconoció a las tres protagonistas con el Premio de Interpretación. Además, ‘Vida Perfecta’ ha ganado el Fotogramas de Plata a la mejor serie española según los lectores, dos Premios Feroz, a la mejor serie de comedia y al mejor actor de reparto para Enric Auquer, que también se hizo con el Premio Ondas.
Esta temporada final de 6 episodios de 25 minutos de duración se estrenará el 19 de noviembre de 2021 en exclusiva en Movistar+.
¿Cuánto dura una crisis? ¿Qué viene después de una catarsis?
A María, Cris y Esther la vida les dio la vuelta en la primera temporada de Vida Perfecta empujándolas a lo inesperado, al vértigo y vieron como las fichas del tablero de su vida daban volteretas por el aire y se desordenaban, pero ¿qué ocurre luego? ¿Cómo recolocas todas esas piezas que se desordenaron en un momento de tu vida? ¿Cómo te recolocas tú?
Nuestras tres protagonistas van a transitar «lo que viene justo después del volantazo», después de un embarazo, de una crisis de pareja, de una crisis laboral, personal, vital… Tendrán que tomar decisiones, madurar y aprender que la vida es así y que quizás no es que la vida te vaya a dar la vuelta una vez, quizás la vida esté girando todo el tiempo.
‘Vida Perfecta’ T1 (crítica aquí) está disponible completa en el servicio bajo demanda de Movistar+.
Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad
Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.
El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.
Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.
Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.
Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.
No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.
La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.
Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.
También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.
Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.
Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.
En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.
Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.
‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.
A finales del siglo XV, con una plaga asolando la tierra, Benedetta Carlini se une como novicia al convento de Pescia en la Toscana. Benedetta, que desde muy joven ha tenido la capacidad de realizar milagros, llega a la comunidad y su impacto será inmediato y trascendental.
Crítica
Me río yo (y Verhoeven) de los éxtasis de Santa Teresa
La provocación es un acto de rebeldía o de búsqueda de reacción que está muy bien cuando esta tiene algún objeto concreto o por lo menos cuando se utiliza de manera diferente o novedosa. Que Paul Verhoeven es un provocador lo sabemos y lo disfrutamos la mayoría de las veces. Cual antítesis de Instagram nunca se ha cortado a la hora de mostrar un pezón e incluso más, como los tripechos de ‘Desafío total’. El director holandés se regodea en sus más oscuras ideas y nos lleva a una lasciva Italia del siglo XV.
¿Recordáis aquellas películas o ministeries de sábado por la tarde en Telecinco que venían anunciadas como “grandes relatos”? Ese es el sabor que me deja a mi ‘Benedetta’. Un drama histórico con romance y giros melodramáticos. Con el añadido de tener de manera gratuita y por reiteración algunas escenas de cama que van a escandalizar a más de un puritano.
La historia nos habla de una joven que es internada en un convento. O más que internada casi habría que decir vendida y cambiada cual tocomocho a la avariciosa y usurera iglesia de la época. Esa joven comienza a destacar entre sus “hermanas” por la devoción que siente y que ve recompensada. No hay nada de especial en esta historia que se basa en un libro de Judith C. Brown que a su vez se inspiró en el mito de Benedetta Carlini.
No veo epifanía u obra maestra en este filme. Lo único que saca a esta historia de otras narraciones católicas es el hecho de que la monja era lesbiana. Y en esas interpretaciones lésbicas obviamente la atención se centra en una más que exagerada Virginie Efira. Quizá nadie se ha atrevido a hacer antes esta adaptación por el choque se podría suponer para la sociedad cristiana, pero precisamente eso es lo que pide este filme, haberse estrenado hace treinta años o más.
El único logro de ‘Benedetta’ es el mantenernos en vilo entre tres posibilidades, dejando además cualquiera de las tres abiertas en el cierre y a la libre interpretación del espectador. Deambulamos entre escenas que nos indican que la protagonista es una timadora o aprovechada, entre momentos que nos hablan de puro evento místico y también de instantes en los que parece que de lo que habla el filme es de que algunos locos se creen sus propias mentiras.
No se si Verhoeven es religioso o no pero forma parte de un seminario que estudia los hechos reales de Jesús. Si demuestran que Cristo iba por ahí partiendo cabezas a mandoblazos como en el filme yo me hago monaguillo. La verdad es que parece que el director se ríe de la construcción de los Santos hasta tal punto que deja los éxtasis de Santa Teresa en un mal colocón.
Que si, que mete una vez más su violencia explícita. Pero si ‘Benedetta’ hubiese tenido un conflicto tan bien trabajado como el que tenía ‘El tercer milagro’ de Agnieszka Holland o suscitase un debate como ‘Amarás al prójimo’ de Malgorzata Szumowska quizá hubiese alcanzado el tono correcto.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Benedetta. Duración: 127 min. País: Francia. Dirección: Paul Verhoeven. Guion: David Birke, Paul Verhoeven. Música: Anne Dudley. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Reparto principal: Virginie Efira, Charlotte Rampling, Lambert Wilson, Daphne Patakia, Olivier Rabourdin. Producción: SBS Productions, Pathé, Belga Films Found, Canal+, France 2 Cinema, Indéfilms7, Topaki Films. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial:http://www.sbs-distribution.fr/distribution-france-benedetta
La película está protagonizada por Eastwood en el papel de Mike Milo, que en sus buenos tiempos fue una estrella del rodeo además de dedicarse a la cría de caballos. En 1979 acepta el trabajo de un antiguo jefe para traer a casa a su hijo pequeño que está en México. Esta extraña pareja se ve obligada a viajar por carreteras secundarias para volver a Texas y se enfrenta a un periplo repleto de dificultades imprevistas. Durante el viaje, el jinete, de vuelta de todo, tendrá encuentros inesperados y encontrará su propia redención.
Crítica
Gran Torino versión latino y road trip
De nuevo volvemos a tener a Clint Eastwood como protagonista y director de un filme. En este caso retrocedemos a 1979, época en la que el rubio de ‘El bueno, el feo y el malo’ interpretaba sus papeles más rudos. Pero época en la que también exploraba papeles más simpáticos, como el que representó en ‘Duro de pelar’ junto a su orangután.
La ficción nos lleva al 79 y principios de los ochenta, pero la realidad nos recuerda que Eastwood ya tiene 91 años. Y sin disimular su edad el californiano nos cuenta la historia de un cowboy retirado, más bien despedido. Acepta a regañadientes un encargo que le hace su jefe, el cual vuelve a él con el rabo entre las piernas. Ha de traer con cualquier método a su alcance a un chico (Eduardo Minett) que presumiblemente no está teniendo una buena vida en México.
En la actualidad vemos muchos casos de madres o padres que se llevan a sus hijos a otra ciudad o país sin el consentimiento de la otra parte. En ocasiones esos casos nos llevan hasta episodios de violencia de género y otras hasta auténticos problemas de salud mental. ‘Cry macho’ toca por lo tanto un tema escabroso. No obstante el guión inspirado en la novela de N. Richard Nash nos pinta tal escenario que es muy fácil posicionarse. Al fin y al cabo planeta un mal escenario desde ambas partes, llegando a hablarnos de intereses y de padres que eluden responsabilidades o dan por perdidos a sus descendientes.
Pese a su edad Eastwood conserva gran parte de su energía y de su mala uva. Sabe cómo colocar la cámara para destacar que aún tiene presencia, pero tampoco intenta disimular que no está ni para perseguir a un gallo. Macho, de hecho, es el nombre del gallo que atesora el chico que le acompaña toda la película. Lo cual me lleva a que todo el filme tiene un poco de comicidad, sobre todo cuando vemos al texano recortando silueta junto al chico y el ave. También cuando intuímos que es evidente que usa un doble y trucos de cámara para hacer de tejano a lomos de un caballo salvaje. Y también cuando vemos su faceta más adorable o entrañable. No es fácil ver a Clint sonreír y esta es una de sus extrañas excepciones, creo que la última vez que le vi como en esta película fue en uno de los carteles de ‘Space cowboys’.
Hablar de un envejecido Eatswood emparejado con un joven extranjero problemático es recordar irremediablemente ‘Gran Torino’. Tiene cosas en común, pero aparte de ser encuentro de generaciones, ‘Cry macho’ es un western moderno. Un road trip fronterizo que se desmarca del resto de producciones actuales similares al no recabar en menesteres políticos heredades de la administración Trump. Y no por esa razón uno acaba sintiendo que es una buddy movie que podemos considerar menor en la carrera de este cineasta como director.
Interpreta a un vaquero actual, genuino, digno de un anuncio de Marlboro, de esos que tienen su rancho, camioneta Chevrolet en vez de caballo y escuchan el country que cae en la radio. ‘Cry macho’ persigue recuperar con mayor parsimonia al cowboy con ética de héroe, buscavidas, pero con escrúpulos que tantas veces ha interpretado Eastwood. Y lo consigue, pero con excesiva sobriedad y falta de riesgo o reflexión.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Título original: Cry macho. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Música: Mark Mancina. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Dwight Yoakam, Howard Polk, Fernanda Urrejola, Horacio García-Rojas. Producción: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Daniel Grodnik Productions, QED International. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.crymachofilm.com/
Madison está paralizada por causa de visiones impactantes de asesinatos espeluznantes. Su tormento empeora cuando descubre que estos sueños de vigilia son, de hecho, realidades aterradoras.
Crítica
Wan sorprende saliéndose por la tangente
En primer lugar, he de decir a quienes se hayan sorprendido durante la película, que no les entiendo. Me refiero a los sorprendidos por el tono del filme. ¡Si ya la escena introductoria marca cuál va a ser el rollo a seguir! Es pura serie B, cosa que siempre nos hace gozar. Pero es más, de sobra es sabido que ese es un género que a James Wan le encanta, solo hay que ver la secuencia del logo de su productora Atomic Monster. Antes o después caería una película así con su firma.
Aunque sus primeras imágenes sean de auténtica locura, después nos mete en un drama de pareja. Pero eso dura poco. Casi de manera inmediatamente comienza una historia de esas que de verdad son “una montaña rusa”. Un filme que nos recuerda a otros largometrajes demenciales tales como ‘Rabid’ o ‘Martyrs’.
Si nos quedamos solo con la banda sonora o las líneas generales de la trama de ‘Maligno’ debemos admitir su simpleza. Pero es compleja y original. Por mucho que esta no sea una historia fina o elegante se nota que hay dinero invertido, tanto que el sabor de boca es mucho más agradecido que el que dejan esas producciones low cost que suelen tirar de sangre y casquería. Incluso en cuanto a la música se ven detalles magníficos, como la versión del ‘Where is my mind’ de Pixies que es estremecedora.
Pudiera ser que ‘Maligno’ haya surgido de una idea modesta, sacada de un cajón desastre y que Wan ha aprovechado a hacer en un hueco entre tanto que produce. Da la impresión de que al igual que Tarantino quiso hacer su Western moderno él se ha quitado la espinita con el giallo, un giallo moderno pero al fin y al cabo cargado de rojo, luz y gritos.
Por ejemplo, reconocemos que es de tintes actuales porque dispone sustos de esos que se producen por que el peligro aparece y desaparece de repente, acompañado de algún sonido estridente. Pero nadie negará que Wan se las ingenia para hacerlo de otra manera.
Quizá es porque una de las protagonistas tiene el mismo coche que yo, pero me ha parecido que la película está muy bien conducida. Dirigida a seguir una senda muy obvia, que parece que no exige mucho a los actores. Pero para nada, el guión es más exigente de lo que se preveía. Y no es fácil moverse ante la cámara de Wan, sobre todo por las tomas que hace. Desde esa secuencia en plano cenital que se adelantó en el tráiler pasando por planos cerrados en ángulos incómodos, travellings y giros bastante pronunciados. Nos mete en la película, nos mantiene visualmente enganchados.
El retorcido y violento Gabriel se une a la tropa de Freddy, Jason, The Collector, Michael Myers y compañía. Tortura a la protagonista más que la muerte a Devon Sawa en Destino Final al hacerlo en riguroso directo y sin capacidad de actuar.
‘Maligno’ no es lo que esperábamos, tampoco nos habían prometido que sería lo de siempre. Una lección de cómo no hay que hacerse pajas mentales y de cómo se disfruta con las de otros. Muchos lo han intentado y fracasado, otro logro de Wan. Eso sí, Los Simpson ya lo hicieron.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Malignant. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Annabelle Wallis, Maddie Hasson, George Young, Michole Briana White, Jacqueline McKenzie, Jake Abel, Ingrid Bisu. Producción: Atomic Monster, Boom Entertainment, Boom! Studios, New Line Cinema, Starlight Culture Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial:https://www.malignantmovie.net/
Confundir el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas de la fe
El nombre de Mike Flanagan se popularizó tras la impactante y exitosa ‘La maldición de Hill House’. El director nacido en Salem está dejando su impronta en la historia del cine de terror norteamericano y no hace mucho dividió opiniones con su adaptación de ‘Doctor Sueño’. Ahora vuelve a retomar su estilo, ese pausado y bien construido con ‘Misa de medianoche’, una obra original que se estrena en Netflix el próximo 24 de septiembre.
Esta serie de siete episodios nos lleva hasta Crockett Island, en donde tan solo 127 habitantes viven a la espera de la vuelta de su anciano párroco. Un lugar muy católico que recibe la visita de un sustituto para sus misas. También regresa un joven hijo pródigo que llevaba fuera años tras estar encarcelado. A partir de entonces y de menos a más las cosas raras van sucediendo. Lo que al principio me ha recordado un poco a ‘El tercer día’ después se ha convertido en una especie de ‘Cocoon’ malvado. Se acaba inclinando más y más hacia el terror, como era de esperar siendo una serie de Flanagan y también, como cabía imaginar, se divide entre las batallas personales de cada uno y lo fantástico o misterioso.
La mezcla de drama, religión y fantástico terrorífico recuerda un poco a Stephen King, a quien ya versionó Flanagan en 2019 como he mencionado antes. La serie nos deja intuir ya en su segundo capítulo de qué trata y en el tercero lo desvela abiertamente, aunque con constantes tabúes. Entonces diréis, si se descubren las cartas en el tercero, ¿luego qué? Posteriormente la serie mantiene nuestro interés porque ‘Misa de medianoche’ reescribe uno de los mitos del terror más clásicos y lo hace de un modo creativo e interesante. Empuña una idea que usa el poder aterrador de Dios, un discurso aplastante y nuevo que se agradece, hace que merezca la pena todo lo que tarda en arrancar. Algunas charlas y momentos como el final del episodio cinco son prueba de ello. De hecho ese quinto capítulo podría funcionar como una película por si sola que nos asalta con un final desolador. A partir de ese momento ya se desata la cosa.
Como es de imaginar la nota religiosa domina la serie. Partamos del hecho de que se llama ‘Misa de medianoche’ y sus episodios llevan nombres de libros de la Biblia tales como Génesis, Salmos, Proverbios, Evangelio… Todo el discurso de esta inteligente producción se fundamenta y adorna con la parafernalia católica. Estos argumentos no solo se desarrollan con una relación fantástica, también cogen fuerza con dos grandes interpretaciones, la de HamishLinklater en la piel de un joven cura que resulta tan reconfortante como eufórico y la de Samantha Sloyan que lleva a cabo un papel que recuerda al de Marcia Gay Harden en ‘La niebla’ de Frank Darabont, una católica remilgada y soberbia a la que le coges manía desde su primera escena.
Fe y culpa. El magnetismo de la palabra y obra de Dios frente al raciocinio que ve que Dios permite sufrimiento y horrores en su misterioso e inescrutable plan. Abundan los discursos que mutan muy convenientemente según se suceden los hechos. ‘Misa de medianoche’ lleva hasta el extremo el que muchos confundan el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas y las vendas que la fe pone a aquellos que son fundamentalistas.
Además de esos dos protagonistas aparecen otros habituales de Flanagan como su esposa Kate Siegel o Henry Thomas. Algunos de ellos aparecen muy maquillados, envejecidos. Esto también hace que te veas venir que más adelante conoceremos una versión más jóvenes de ellos, pues de lo contrario el casting incluiría a actores más mayores que se les pareciesen. Y cuando descubres que eso tiene su utilidad y sentido te vuelve a pasar lo mismo que cuando descubres el pastel en el segundo episodio, que se mantiene el interés. El trabajo de maquillaje es muy importante, está bien ejecutado, como no lo estuvo en ‘Tiempo’ y eso que ahí era igual de necesario.
‘Misa de medianoche’ tiene tomas que ya reconocemos como propias de Flanagan. Vemos secuencias aéreas como las que usó en ‘Doctor Sueño’ o planos americanos muy al estilo de aquellos que nos inquietaban en ‘La maldición de Hill House’. Esta serie se aleja de esa propuesta pues el argumento es muy diferente, no obstante también nos pide una paciencia que acaba siendo recompensada.
El próximo 22 de septiembre se estrena en Netflix una nueva producción española. ‘Jaguar’ llega con 6 episodios llenos de acción y emoción, algo ya típico en las producciones de quienes la han creado Ramón Campos y Gema R. Neira (‘Fariña’, ‘Velvet’, ‘Instinto’).
Partiendo de un hecho que fue real, que muchos nazis pasaron por España para continuar su huida hacia el otro lado del charco, ‘Jaguar’ nos propone una cacería. Un título que se va a unir a otros ya vistos como ‘Malditos bastardos’ o ‘Hunters’. En esta película también tenemos a un grupo que busca atrapar a antiguos miembros del partido alemán y quiere darles caza para ponerlos ante la justicia. Sin el carisma de ‘Hunters’ o la violencia de la película de Tarantino consigue engancharnos.
Esta especie de Equipo A sesentero está liderado por un elegante Iván Marcos que luce tanto músculo como en ‘Malasaña’. Pero la protagonista real es Blanca Suárez quien ejecuta el que probablemente será el papel con más acción de su carrera. Junto a ellos están FrancescGarrido, Oscar Casas y Adrián Lastra. Este último suele tener papeles más charlatanes y aquí os va a sorprender.
‘Jaguar’ nos traslada a 1962 y allí unos españoles que consiguieron sobrevivir a los campos de concentración nazis buscan su venganza. Este es un busca y captura sin redes sociales o móviles, a base de jugársela con vigilancias e incursiones. Pero sobre todo es una serie de ideales. No me refiero a que esté todo lleno de rojo y gualda, aguiluchos o yugos y flechas, me refiero a ideales humanos, a principios morales y a la ejecución de una justicia, de esas que nunca llegan o que ninguna ley de memoria histórica puede alcanzar a satisfacer.
Probablemente surja una vez más la discusión entre nacionales y republicanos, de hecho, hoy en día por desgracia está cada vez más en auge. La serie azuza ese conflicto y aunque la trama le obligue a arrimarse a la izquierda de las Brigadas Internacionales o de la CNT la finalidad no se percibe orientada a la política.
Es como si esta fuese una apuesta más por la naziexplotaition pero a la española, ‘Jaguar’ pretende mostrar a un equipo enrabietado por lo que ha sufrido, pero a su vez controlado por sus conflictos morales, tales como la fe en un Dios que permite el holocausto, la línea que se puede atravesar al matar a alguien, el resultado que pueden tener sus actos para la historia… Todos los personajes sufren de alguna manera pero es sobre todo el de Blanca Suárez quien tiene que debatirse entre su ira y su dolor al mismo tiempo.
Bien es cierto que a veces la ambientación parece demasiado moderna, que las peleas se disimulan con mucho movimiento de cámara o que la actuación de Oscar Casas deslucen la historia. Pero ‘Jaguar’ tiene intriga, y curiosidades ya que introduce alguna que otra cosa real. Bien es sabido de la red Odessa y del amiguismo que había entre la esvástica y el águila de San Juan.
Referencias históricas hay. Desde los paseos por El Prado hasta las calles de Madrid cuyos edificios han cambiado de función para dar cobijo a fiestas o sedes de los años sesenta. Pero también las hay culturales. Por ejemplo el opening animado viene acompañado de la versión de “Vientos del pueblo” realizada por Ebri Knight. Os va a recordar a los carteles de José Bardasano o Josep Renau, lo cual es lógico pues pone música al poema de Miguel Hernández Gilabert. Quizá pase con esta canción como con el “Bella ciao” de ‘La casa de papel’, espero que al menos la curiosidad haga que los espectadores descubran su verdadero origen. También suenan temas como el “Adiós a España” de Antonio Molina, la “Tómbola” de Marisol, “El emigrante” de Juanito Valderrama e incluso el himno nazi.
‘El ángel exterminador’ de Buñuel es otro huevo de pascua que vemos en uno de los episodios. La serie está relacionada con esa película pues aquí también nos adentramos en la clase alta de la época para descubrir que los lujos y los buenos ademanes esconden intenciones repugnantes y un pasado reprobable. Muy buena esa analogía que además viene acompañada de mucho ritmo.
Una tragedia impensable empuja a Superman a una nueva y peligrosa mentalidad, que acaba enfrentando a los miembros de la Liga de la Justicia. Es una manera de resumir el evento tan significativo que resultó ser ‘Injustice’ para el mundo de DC.
Videojuegos multiplataforma de lucha y cómics que contaron una historia que tergiversa y lleva más allá a todos los miembros de la Liga de la Justicia. ‘Injustice: Dioses y entre nosotros’ fue un proyecto en el que trabajó el español Bruno Redondo y que ahora tendrá película de animación, para muchos, las mejores adaptaciones de DC Comics.
Producido por Warner Bros. Animation, DC y Warner Bros. Home Entertainment, el largometraje de animación se lanzará en 4K Ultra HD Blu-ray Combo Pack (EE.UU. $39.99 SRP; Canadá $44.98SRP), Blu-ray (EE.UU. $29.98 SRP; Canadá $39.99 SRP) y Digital el 19 de octubre de 2021.
Matt Peters es el director de esta película tras haber llevado a la pantalla otros clásicos de los cómics como ‘Batman: la broma asesina’, ‘Superman: hijo rojo’ o ‘Vengadores’, casi siempre en los departamentos de arte.
‘Kamikaze’ es la emocionante nueva serie dramática de HBO Max. La historia sigue a la feroz y encantadora Julie (Marie Reuther) de 18 años en un viaje de redescubrimiento, después de perder a sus padres y a su hermano en un accidente de avión. De repente, se encuentra sola en una gran mansión con coches caros en el garaje y, en teoría, todo con lo que la mayoría de la gente solo sueña: juventud, belleza y dinero, mucho dinero, pero las posesiones materiales ya no tienen valor para Julie y se ve obligada a buscar una razón para continuar. Se embarca en un viaje salvaje y turbulento que la lleva desde su Dinamarca natal a los rincones más lejanos del mundo. La serie está basada en la novela ‘Muleum’ de Erlend Loe.
‘Kamikaze’ también está protagonizada por Charlotte Munck (Astrid, la madre de Julie), JohanRheborg (Thomas, el padre de Julie), Mads Reuther (Tom, el hermano de Julie), AleksandrKuznetsov (Krysztof), Carla Philip Røder (Constance), Vidhi Kastebo (Sofia), Casper Kjær Jensen (Micke) y Anders Matthesen (Psyko-Bo).
‘Kamikaze’, compuesta por ocho capítulos de treinta minutos, es el primer Max Original encargado en Dinamarca y está producido por Ditte Milsted de la productora Profile Pictures. La serie está escrita y adaptada por la guionista Johanne Algren, conceptualizada por Annette K. Olesen y dirigida por Kaspar Munk. Los productores ejecutivos de HBO Max son Camilla Curtis, Hanne Palmquist, Christian Wikander, Steve Matthews y Antony Root.
‘Kamikaze’ ha sido producida con el apoyo del Danish Film Institute (Public Service Fund) y desarrollado con el apoyo del Programa Creative Europe MEDIA de la Unión Europea.
Docuserie siguiendo el trabajo del Grupo Especial de Operaciones
Amazon Prime Video ha anunciado que estrenará el próximo 15 7 de octubre la nueva docuserie española Amazon Original ‘G.E.O. Más allá del límite’. Además, ha presentado el tráiler oficial y el póster de la producción que estará disponible en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.
‘G.E.O. Más allá del límite’ es la primera serie documental que mostrará desde dentro los entresijos de uno de los cuerpos policiales de élite más prestigiosos del mundo: el Grupo Especial de Operaciones o G.E.O. Por primera vez en su historia, un equipo de cámaras tiene acceso exclusivo al duro y exigente proceso de selección de los nuevos miembros, que se extiende durante más de 7 meses. Cientos de aspirantes comienzan y solo unos pocos terminarán pasando las pruebas necesarias para convertirse en miembros del G.E.O.
En cada capítulo se seguirán los progresos de este grupo de aspirantes profundizando en su historia personal, sus reacciones ante las duras pruebas y su transformación a lo largo de un proceso que pondrá al límite sus capacidades físicas y mentales. Sometidos a un estrés extremo, privados de sueño y expuestos a condiciones inaguantables, los aspirantes tendrán que superar sus peores miedos para estar preparados para lo que pueda estar por venir.
Los 8 episodios de 50 minutos de ‘G.E.O. Más allá del límite’ están producidos por Buendía Estudios. Los productores ejecutivos del proyecto son Jorge Pérez Vega e Ignacio Corrales y el director es David Miralles.
Unas cañas con David Marqués, Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado
Juntarse con amigos entorno a una mesa de un bar o ir al cine a ver una buena comedia es algo que poco a poco vamos recuperando con mucha felicidad. Las carteleras vuelven a llenarse de buena oferta de películas y los colegas vuelven a llamar para quedar. Esas dos cosas son las que fomenta ‘El club del paro’, llamándonos para ir a los cines, comentar en corrillos y volver a vivir esas charlas de bar que tanto se echan de menos.
La nueva película escrita y dirigida por David Marqués (‘Campeones’) es ‘El club del paro’ (crítica aquí en texto y aquí en vídeo). En ella cuenta como unos amigos se juntan todos los días para tomar unas cañas mientras divagan sobre su día a día y, como hacemos todos los españoles, para solucionar los problemas del país.
Una comedia rápida, ágil, corta y sencilla con la que muchos seguro que os sentís identificados, por lo menos con alguno de sus personajes. Tuvimos la ocasión de hablar con el director y con tres de sus cuatro protagonistas: Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado. Nos faltó el cuarto, Fernando Tejero, que no pudo estar presente.
Disney+ y Marvel Studios han estrenado las primeras imágenes de ‘Ojo de Halcón’, una nueva serie ambientada en Nueva York después del Lapso. El ex-Vengador Clint Barton tiene una misión aparentemente simple: reunirse con su familia en Navidad. Pero, ¿lo conseguirá? Tal vez con ayuda de Kate Bishop, una arquera de 22 años que sueña con convertirse en una súper heroína. Ambos se ven obligados a trabajar juntos cuando una presencia del pasado de Barton amenaza con echar a perder mucho más que el espíritu navideño.
‘Ojo de Halcón’ está protagonizada por Jeremy Renner como Clint Barton/Ojo de Halcón y Hailee Steinfeld como Kate Bishop. La serie además cuenta con Vera Farmiga, Fra Fee, TonyDalton, Zahn McClarnon, Brian d’Arcy James y la debutante Alaqua Cox como Maya Lopez. ‘Ojo de Halcón’ está dirigida por Rhys Thomas y el dúo de directores Bert y Bertie.
La serie estará disponible a partir del 24 de noviembre de 2021 en exclusiva en Disney+.
‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.
Crítica
¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine
Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de DenisVilleneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.
Basada en la novela de FrankHerbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.
Después de una adaptación bastante fallida de DavidLynch y un intento por parte de AlejandroJodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.
Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.
Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.
Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, GreigFraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, HansZimmer. Demos gracias que dejó tirado a ChristopherNolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.
Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.
Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde OscarIsaac, pasando por RebeccaFerguson, JasonMomoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, DaveBautista, JoshBrolin, Zendaya, JavierBardem, Stellan Skarsgard, CharlotteRampling, ChenChang, entre muchos otros.
Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.
Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en ‘El Escuadrón Suicida‘, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.
Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.
Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.
Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune
En un viaje a una pequeña isla volcánica, Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres?
Crítica
Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos
Una madre viuda (Juana Acosta) convive con su padre (Alfredo Castro) y su hija (MaríaRomanillos). Pero también vive con el dolor y el trauma del accidente de submarinismo que la dejó sin esposo. Claudia Pinto nos ofrece una historia de familia, raíces, cicatrización y expiación.
Esta película, dedicada al diseñador de producción Floris Vos y a la asistente de producción Lucia Blasco, nos habla de la repercusión de contener el dolor, de callarse secretos o por el contrario las consecuencias de inmiscuirse en el pasado o mente de nuestros allegados. Cuando hablamos de los efectos trascendentales de aquello que hacemos (o no hacemos) es fácil arribar en relatos muy dramáticos. Este en concreto es de los ariscos, taciturnos e incluso turbios.
Dicho esto, hay que admitir que ‘Las consecuencias’ tiene un gran trabajo de dirección y guión. Se percibe cuando se descubre que la historia y los actores nos están contando muchas cosas pero sin exteriorizarlas, simplemente con miradas, gestos y contenciones. Al final la película explota en revelaciones verbalizadas y tiene incluso varios momentos en los que Claudia Pinto podría haber clausurado el filme. Peca de explicativa, ya iba sobrada con las insinuaciones que ha ido dejando caer.
Y si he llamado arisco al filme no es solo por el carácter de las relaciones que tienen entre si los personajes. También es por su paisaje. Las islas de La Gomera y La Palma tienen un gran panfleto turístico en ‘Las consecuencias’. Sus paisajes más abruptos sirven de escenario para llevarnos a localizaciones remotas, apartadas de toda civilización. En ese oasis isleño es donde Pinto nos aparta y dónde desarrolla una historia de reconciliación y conflictos.
Podría decirse que el protagonismo recae en Juana Acosta, la cual hace una buena interpretación, a veces nada sencilla. Pero delega buena parte del peso de la película en María Romanillos, quien ejerce de su hija, aquella que sufre las consecuencias del comportamiento de su madre. Un personaje que tanto en la ficción como en la realidad demanda nuestra atención.
Hace poco en ‘Worth’ oía una frase que decía algo así como “derribaron el puente por el que luchabas, no a ti”. Pues algo así sucede en esta película. A la protagonista se le ha muerto el marido, pero su familia demanda que ellos siguen ahí y que ella si está viva. Ese abandono familiar al que se somete el personaje de Juana Acosta tiene repercusiones que tanto actriz como directora plasman muy bien. Cual exploradores dirigiéndose a la Isla Calavera la protagonista se aísla encaminándose a un enfrentamiento con miedos de carácter monstruoso. Claudia Pinto ha sabido manejar muy bien la prisión que supone nuestra propia mente cuando se niega a aceptar lo sucedido.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Las consecuencias. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Claudia Pinto Emperador. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Reparto principal: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio. Producción: N279 Entertainment, Potemkino, Radio Televisión Española, Sin Rodeos Films España. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, misterio. Web oficial:http://www.sinrodeosfilms.com/las-consecuencias/
Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.
Crítica
Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro
Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.
La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.
Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.
Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.
Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.
Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.
Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original:Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial:https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/
Ya podemos ver el teaser tráiler de ‘Dolores: la verdad sobre el caso Wanninkhof’, la miniserie true crime que da voz a Dolores Vázquez, protagonista de uno de los errores judiciales más graves de nuestra historia reciente, más de 20 años después de su exilio voluntario.
En septiembre de 2000, Dolores Vázquez fue detenida como principal sospechosa del asesinato de la joven Rocío Wanninkhof, hija de su expareja. El caso desató un frenesí mediático en España que conmocionó al público y presionó a la policía para que encontrara respuestas rápidamente. En la prensa, Dolores fue estigmatizada por su sexualidad, su carácter y su aparente indiferencia hacia el caso, y fue descrita como una asesina fría, calculadora e inteligente. Todo esto se vio agravado por la reacción de la madre de Rocío, quien se convirtió en una invitada frecuente en televisión, culpando a su expareja por la muerte de su hija y destruyendo la percepción que el público tenía de Dolores. Las consecuencias cambiarían la vida de Dolores para siempre: fue encarcelada y pasó 519 días en prisión por un crimen que nunca cometió.
Ahora, tras más de veinte años de silencio y exilio en Inglaterra, Dolores Vázquez, Loli, habla por primera vez frente a una cámara para contar todo lo que ha permanecido oculto hasta ahora: su verdad. ‘Dolores: la verdad sobre el caso Wanninkhof’ busca reconstruir la historia desde todos los puntos de vista, utilizando imágenes de archivo, entrevistas con los protagonistas clave y una reconstrucción ficticia precisa de los hechos.
Xelo Montesinos, fundadora y CEO de Unicorn Content, comenta: “Por primera vez en 20 años, Dolores Vázquez, Loli, habla públicamente para contar su versión de los hechos en este caso tan mediático, uno de los errores judiciales más graves de la historia en España. La historia se ha contado muchas veces, pero nunca ha estado completa, siempre han faltado protagonistas. Esta vez vamos a contar la historia completa. La realidad siempre supera la ficción, y en este caso se pone más de manifiesto que nunca. Es un thriller cargado de giros inesperados y una historia personal controvertida y apasionante».
Miguel Salvat, productor ejecutivo de HBO Max, añade: “El caso Wanninkhof mantuvo a todo un país y sus medios en vilo. Veinte años después vamos a mostrarlo desde un punto de vista totalmente diferente. Dolores Vázquez habla con franqueza, contando su historia, cruda y dolorosa, con el beneficio del paso del tiempo. Para aquellos que piensan que esto no podría suceder hoy, les pregunto por qué sucedió entonces».
Miguel Salvat y Hanka Kasteliková son productores ejecutivos de HBO Max. Xelo Montesinos, Víctor García Martín y Toñi Moreno son los productores ejecutivos de Unicorn Content. Los servicios de producción de la serie son de Unicorn para HBO Max.
Serie de ficción tras la pista de los nazis refugiados en España
Netflix ha desvelado hoy el tráiler oficial de ‘Jaguar’, la nueva serie producida por Bambú Producciones con Ramón Campos y Teresa Fernández- Valdés como productores ejecutivos que se estrena el próximo 22 de septiembre en todo el mundo.
Quedan muy pocos días para descubrir la historia de Isabel Garrido (Blanca Suárez), una joven española que logró sobrevivir al campo de exterminio de Mauthausen y que ahora está tras la pista de Otto Bachmann, conocido como el hombre más peligroso de Europa. Isabel, a lo largo de la historia, descubrirá que no está sola en su misión, y se unirá a un grupo de agentes en busca de justicia oculta tras un nombre en clave: “Jaguar”.
La propia Blanca Suárez ha reconocido que “El rodaje de ‘Jaguar’ ha sido uno de los más intensos que he hecho hasta ahora, tanto a nivel físico como psicológico. Ponerme en la piel de Isabel, supone intentar entender lo que podía sentir alguien con un pasado tan difícil. Hay muchísima acción y ha sido un gran reto para todos. Tener la oportunidad de hacer una serie de este tipo, contar historias tan relevantes y a la vez tan poco conocidas, como lo que vivieron tantos españoles en los campos de concentración nazis, es importante y enriquecedor, como actriz y como persona. Haber podido formar parte de esta banda con actores tan diferentes, pero que hemos encajado tan bien, ha sido una suerte».
Junto a Blanca Suárez (‘Las chicas del cable’, ‘El verano que vivimos’) se unen Iván Marcos (‘45 revoluciones’, ‘Fariña’) como Lucena, Francesc Garrido (‘Días de Navidad’, ‘Sé quien eres’) interpretando a Marsé, Adrián Lastra (‘Primos’, ‘Velvet’) como Sordo y Óscar Casas (‘Siempre Bruja’, ‘Xtremo’) como Castro. Todos descubrirán que hay algo demasiado fuerte que les une y que se necesitan más de lo que creen en una España en los años 60, convertida en refugio de cientos de nazis tras la Segunda Guerra Mundial.
‘Jaguar’ está creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, escrita por ellos junto con: David Orea, Salvador S. Molina y Moisés Gómez y dirigida por Carlos Sedes y Jacobo Martínez.
Ya nos anunciaron que a través de esta web podríamos ver hoy el tráiler de la nueva y cuarta entrega de la saga Matrix y así ha sido. Warner Bros. ha liberado el primer vídeo oficial del retorno de Neo, Trinity y compañía.
En la web ya nos ofrecían algunas imágenes entrecortadas donde podíamos ver que ‘The Matrix resurrections’ tendrá las famosas cabriolas imposibles y momentos de ciencia ficción pura y dura. Dos vídeos diferentes que variaban según si elegíamos la cruda verdad (pastilla roja) o la feliz ignorancia (pastilla azul).
Ahora sí que hemos podido ver un avance más largo y revelador de la película deLana Wachowski. En el tráiler vemos como la trama nos lleva hasta un Neo atiborrado a pastillas azules, pensando que está loco por creer que es una alucinación todo lo sucedido en las anteriores películas. Pero la trama se repite aunque los roles parece que los asumen otros actores.
De nuevo llegan las similitudes con ‘Alicia a través del espejo’, incluída la canción White Rabbit de Jefferson Airplane. Y de nuevo vuelven las escenas en las que el señor Anderson debe abrir su mente, despertar y entrenarse como el elegido. Pero llegan con distintos actores para los roles míticos de Morfeo y Trinity. Ya descubriremos a qué se debe esa mascarada, probablemente un artificio del Arquitecto, ellos de jóvenes o un Deja Vu, un fallo en Matrix.
Ya se sabía, pero ahora podemos verificar que obviamente están Keanu Reeves y Carrie-Anne Moss en ‘The Matrix resurrections’. Y además estrellas como Christina Ricci, Yahya Abdul-Mateen II, Ellen Hollman,NeilPatrick Harris, Priyanka Chopra Jonas, Lambert Wilson…
Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México.
Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella.
Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.
Crítica
Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa
Una chica en silla de ruedas que vive con su abuela y un chico que trabaja en una tienda de buceo para costearse sus futuros estudios en México. Estos son los dos protagonistas de ‘Josee, el tigre y los peces’. Un cuento moderno que a priori podría parecer un mero romance o una historia sobre la accesibilidad en la gran ciudad, pero que tiene algo más que contarnos.
El relato corto de Seiko Tanabe cuenta ya con una versión de acción real que data de 2003 y es ahora la de animación la que llega a nuestros cines. ‘Josee, el tigre y los peces’ cuenta la historia de dos jóvenes cuyas vidas se cruzan fortuitamente. Él le salva la vida a ella (cosas que peca de reiterar el filme) y desde ese momento comienza una historia de descubrimiento, tanto personal como social.
Si conocéis la reciente película ‘A silent voice’ ya podéis haceros a la idea de qué tono lleva la historia de Kotaro Tamura. Es un filme melodramático con bastante jugo. En el caso de ‘Josee, el tigre y los peces’ sucede igual pero se aligera el toque romanticón, aunque hay un predecible triángulo amoroso, incorporando algo más de comedia al más puro estilo japonés.
La película abrió Annecy y la academia japonesa la nominó a mejor película de animación en 2020 y sabiendo el nivel que tienen allí ya es un gran mérito. Iba a ver el filme conociendo estos detalles por lo que la expectativa era alta. Y la verdad es que he visto otros animes recientes mejores, pero no me ha defraudado. Cierto es también que para que para disfrutar la película tienes que estar acostumbrado tanto a los animes japoneses como a los romances. Pero este no es un caso excesivamente tradicional en cuanto al estilo nipón ni llega a ser un romance empalagoso.
Su animación no se percibe tan digital como estrenos recientes del tipo ‘El tiempo contigo’ o ‘Promare’. La animación tiene toques muy tradicionales y se asemeja más a obras de los noventa. No obstante vemos en ella artificios realizados por ordenador, como muchos movimientos que simulan un travelling o un desplazamiento de grúa que aportan cierto dinamismo, sobre todo en un par de escenas que requieren acelerar un poco el ritmo. Tiene un trazo fino y suave, con colores casi pastel y a veces líneas difusas para darnos una imagen la mar de amable a la vista.
Como decía esta película va de algo más que el plantearnos una pastelosa historia de amor o de mostrarnos cuántas dificultades tiene una persona con movilidad reducida en su casa o a la hora de enfrentarse a la configuración arquitectónica de su entorno. ‘Josee, el tigre y los peces’ intenta abrazar la ruptura de barreras y con esto no me refiero a un bordillo excesivamente alto. Cada cual se pone impedimentos a su progreso o se haya encorsetado por rutinas. La película de Kotaro Tamura, imagino que también el relato de Tanabe también, nos empuja a dejar nuestra tópicamente llamada zona de confort y de lanzarnos a hacer aquello que pensamos que nos hará felices.
‘Josee, el tigre y los peces’ no es un título únicamente para amantes de la animación oriental. Puede entretener a todo tipo de públicos e incluso tal vez tocarles la fibra a aquellos más escépticos. Aunque se perciba a veces egoísmo en alguno de sus personajes es indiscutible que nos anima a levantarnos del asiento y alcanzar nuestros sueños.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Josee to Tora to Sakana-tachi. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Kotaro Tamura. Guion: Sayaka Kuwamura. Música: Evan Call. Canción: Eve. Reparto principal (doblaje original): Kaya Kiyohara, Taishi Nakagawa, Matsutera Chiemi, Kengo Kawanishi, Lynn, Yume Miyamoto, Kazuyuki Okitsu. Producción: BONES, Shôchiku, Kadokawa. Distribución: SelectaVisión. Género: adaptación, drama. Web oficial:https://www.funimationfilms.com/movie/josee-the-tiger-and-the-fish/
Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?
Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.
Crítica
Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia
Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.
Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.
El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.
La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.
El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.
No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.
Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.
Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth
Tras las deprimentes bambalinas de un matrimonio en crisis
La miniserie ‘Secretos de un matrimonio’ viene a unirse al catálogo de HBO a partir del próximo 13 de septiembre. Cuidado con no confundir con ‘Historia de un matrimonio’ que es la de Netflix y aunque tienen cosas en común tanto su tratamiento como su historia son bastante diferentes.
‘Secretos de un matrimonio’ surge de una obra de Ingmar Bergman, de hecho su hijo Daniel Bergman figura como productor ejecutivo de la serie. Pero más que una adaptación diría que esta es una actualización de la obra que lanzó para televisión el famoso cineasta sueco en 1974. No he tenido oportunidad de verla pues no está disponible en ninguna plataforma pero me consta que en la original dos personas comienzan a cuestionarse su relación tras ver a una pareja de amigos discutir en una cena. Como poco esta serie introduce una referencia a eso en uno de los episodios.
Vida ordinaria, normalidad, común. Son adjetivos que le pegan a esta serie. Y es que la trama nos lleva a la historia de una pareja que se está desmoronando. Aunque más adelante repetiré que me ha aburrido soberanamente hay que reconocer que está bien hecha si lo que se pretende es ponernos en la piel de alguien que espía a dos personas mientras estas se encuentran en un bucle de complicidad, cariños, tensiones, discusiones, peleas y sexo y vuelta a empezar.
‘Secretos de un matrimonio’ habla mucho de la ruptura del techo de cristal bajo el que se encuentran a menudo las mujeres. Se hace hincapié en que en la pareja que interpretan Jessica Chastain y Oscar Isaac ella es la que trabaja más y lleva más dinero a casa. Pero más allá de eso sirve como manual para aquellas parejas que apenas hablan. Y es que la serie son charlas y más charlas, discusiones y más discusiones. Es totalmente conversacional y apenas tiene momentos que dependan de la acción. ¿Por qué digo que es como un manual? Pues porque a menudo descubrimos que en las relaciones no se habla, básicamente la gente se guarda sentimientos, pensamientos y secretos. Y así ha sucedido, que tras el confinamiento aumentaron las rupturas, aunque un buen dato es que los divorcios consensuados son más frecuentes.
No es la primera vez que el israelí Hagai Levi, creador de la serie, se mete en una historia de parejas o terapias. Es indudable que ha adoptado un sobrio estilo sueco y aunque no nos abrace con un drama existencialista si nos plantea como puede estar maquillada o tolerada una profunda crisis. Los protagonistas son dos cuarentones que se convierten en padres y se replantean su convivencia. La historia nos lleva por distintas etapas de ese conflicto sin apenas artificios visuales, lo cual hace de ‘Secretos de un matrimonio’ algo aún más monótono y en consecuencia realista.
El único mérito narrativo de esta serie es el que revela que ha sido rodada en época COVID. Así lo descubrimos pues cada episodio empieza mostrando al equipo de rodaje trabajando tras bambalinas, entre asistentes, técnicos, dobles de iluminación… Todos con mascarilla. Una manera de empezar con un plano secuencia estupendo que nos indica que nos vamos a colar en las bambalinas de una pareja, pero que después queda deslucido.
Soy de los que piensan en que la risa es más poderosa y que es mucho más difícil hacer reír que llorar. Por eso soy de los que llegan hasta a aborrecer las historias lacrimógenas. Por mucho que se edulcore o maquille el final es el caso de ‘Secretos de un matrimonio’. Que si, que está muy bien interpretada pero que tiene poco más objetivo que dejar un reguero de lágrimas, deprimente.
Otoño de 1989: mientras el muro está a punto de caer en Berlín, la policía secreta vigila a cientos de miles de personas en Suiza. Viktor, un policía de buen comportamiento, es infiltrado de incógnito en el Schauspielhaus de Zúrich por su superior Marogg para recabar información sobre la gente de izquierdas del teatro.
Cuando se enamora de la actriz Odile, la persona a la que debe observar, no hay vuelta atrás: debe decidir entre su misión y su corazón.
Crítica
‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada
Este viernes 10 de septiembre llega a nuestras salas ‘Misfuncionessecretas’. Una divertida comedia sobre espionaje que nos ha gustado bastante.
Viktor es un policía en Suiza, correcto y que vive por y para su trabajo. Estamos en otoño de 1989 y mientras el muro está a punto de caer en Berlín. Suiza se encuentra en plena crisis social y se dedican a investigar a aquellos que tienen a favor de Moscú y el Pacto de Varsovia.
Aquí es cuando el superior de Viktor le manda infiltrarse en una obra de teatro como figurante, pues creen que alguno de los actores tienen intención de cometer algún atentado.
A partir de aquí, tendremos un serie de situaciones de las que nuestro protagonista tendrá que usar toda su inteligencia para poder salir airoso de ellas.
La película es divertida y sencilla, no trata de ser una película pretenciosa y eso es bastante bueno. Logra divertir y a la vez mostrarnos una crítica hacía esta época de desconfianza de los ciudadanos entre unos y otros.
Me ha encantado la manera de comparar el trabajo de espía con el de actor. A la vez de como vemos crecer a Viktor como persona. Se da cuenta de que la vida no es solo servir y trabajar, sino que hay mucho más fuera.
Dirigida por MichaLewinsky y con guion de PlinioBachmann, BarbaraSommer y el propio director, la película nos trae un reparto encabezado por EvaBay, PhilippeGraber, Peter Jecklin, SaladinDellers, ThomasDouglas, VeraFlück, UrsJucker o KamilKrejcí, entre muchos otros. Todos ellos están en perfecta armonía en la película. Dando sintonía y realidad a la compañía de teatro que vemos en ella.
Si queréis ver algo para distraeros y pasar un buen rato sin necesidad de grandes efectos especiales ‘Mis funciones secretas’ es vuestra película. Con un guion ligero logra mantenernos pegados a la pantalla y disfrutar de las desventuras de Viktor.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Moskau Einfach! (One-way to Moscow). Duración: 99 min. País: Suiza. Dirección: Micha Lewinsky, Guion: Plinio Bachmann, Micha Lewinsky, Barbara Sommer. Música: Ephrem Lüchinger. Fotografía: Tobias Dengler. Reparto principal: Philippe Graber, Miriam Stein, Mike Müller. Producción: Langfilm. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia, romance. Web oficial:https://moskaueinfach.ch/
Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.
Crítica
Una sorpresa de viaje
Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.
Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.
La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, AnaPolvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.
‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.
‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.
Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.
Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas
Tras ser envenenada durante su último trabajo en Tokio, una despiadada asesina tiene menos de 24h para averiguar quién ordenó su muerte y vengarse.
Crítica
Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton
Cedric Nicolas-Troyan vuelve a nuestras pantallas y lo hace a través de Netflix. El autor de desatinos como ‘Las crónicas de Blancanieves’, realizador también de efectos especiales en muchos títulos, ha orquestado un estupendo filme de acción a pesar de contar un libreto nada elaborado y poco intrincado.
¿Por qué me ha gustado Kate? Básicamente es una película de acción, pero es de las que gustan por ser sincera en sus pretensiones y además por añadir otra heroína más. En ‘Kate’ nos encontramos a un experimentado Woody Harrelson que ha de ejercer de mentor de la asesina que interpreta Mary Elizabeth Winstead, la cual es la protagonista absoluta de la cinta. Ciertamente nos encontramos con la paradoja de tener dos películas de acción con protagonismo femenino en la misma semana ya que en cines españoles se estrena también ‘Gunpowder milkshake’. En ambas propuestas la protagonista ha sido entrenada para matar desde que era una niña y en ambas también alguien se la juega y acaba compartiendo aventura con una joven a la cual ha trastocado la vida.
El punto de ‘Kate’ es que empieza rápido como una carrera de venganza a contrarreloj, a lo ‘Crank’, también con mucha acción pero sin el carácter soez de la película de Jason Statham. Como dije con ‘Altered Carbon’ y como acabo de mencionar en mi publicación sobre ‘Gunpowder milkshake’, lo que nos rodea aquí son los neones y los complementos cuquis rodeados de tiros y sangre.
Mary Elizabeth Winstead mola y punto. Es una actriz habitual del género fantástico y de acción, una de las responsables (junto a Samara Weaving, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz y demás) de que vayamos viendo diversidad de historias y de géneros en el cine. El papel que interpreta aquí podría haberlo hecho tanto una mujer como un hombre, como ocurre en las otras películas que he citado en esta crítica. A aquellos que están anclados en los 80 descubrirán con asombro que mujeres como Karen Gillan, Blake Lively, Michelle Rodríguez o Mary Elizabeth Winstead en este caso, pelean, se manchan de sangre… Puede que muchos consideren que estas son películas de acción del montón, pero al fin y al cabo con títulos así se han forjado otros héroes de acción a lo Van Damme o Norris. Creo que con estos estrenos se está sembrando la semilla que hará que dentro de unos años hablemos de las heroínas de acción del primer cuarto del siglo XXI, aquellas sucesoras de Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Aunque la trama sea la mar de arquetípica, si te gustan los clásicos de acción te gustará ‘Kate’, no por ser condescendiente o igualitario, sino por que Winstead realmente vale como heroína de acción.
Y a parte de la acción trepidante y abiertamente violenta podemos disfrutar de otro factor, el visual. Se percibe cierto amor por la cultura japonesa por parte de Nicolas-Troyan. Por todas partes nos tropezamos con detalles otakus o escuchamos J-pop. La puesta en escena puede antojarse friki pero nos da momentos muy intensos y efectivos como la persecución en coche o la pelea entre los shōjis, la cual tiene tantos destrozos como el enfrentamiento del baño de ‘Misión Imposible – Fallout’.
Ese provecho visual que se le saca a la ciudad nipona es lógicamente obra del director de fotografía Lyle Vincent, el cual ha hecho trabajos como ‘Amor carnal’ o ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, títulos que te entretengan o no consiguen grabarse en tu retina. Nos hace pasear por el Tokio más moderno y oculto, ese que está repleto de luces, suciedad y entretenimiento. Si esta película tuviese cyberpunk podríamos decir que Winstead está interpretando a la Mayor Kusanagi de ‘Ghost in the shell’ en una sencilla misión de asesinato.
Como decía antes, las características de este filme son las mismas que han forjado a grandes estrellas del cine blockbuster. Un villano escondido tras un ejército de secuaces, una historia de venganza, una protagonista dura de pelar y una acompañante del tipo “dolor de cabeza”. Una aporta el “drama” y el músculo y la otra pone la comedia, el contraste habitual de las buddy movies.
Os animo a acercaros a Kate, una mujer que está vendida pero que no deja de ser letal. Animo también, desde este tremendamente modesto texto, a las productoras a seguir haciendo películas de acción como esta, sangrientas, bien coreografiadas y si puede ser, con algo más de historia o sorpresa.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Kate. Duración: 106 min. País: EE.U. Dirección: Cedric Nicolas-Troyan. Guion: Umair Aleem. Música: Nathan Barr. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Jun Kunimura, Woody Harrelson, Tadanobu Asano, Miyavi, Michiel Huisman, Miku Martineau. Producción: 87 North, Screen Arcade. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial:ver en Netflix
Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.
Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).
Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.
Crítica
Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo
Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.
Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.
Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.
Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.
Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…
Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.
Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial:https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/
Nuestros vampiros favoritos se ven en una posición que nunca imaginaron
Desde este viernes 3 de septiembre podemos disfrutar en España de la tercera temporada de ‘Lo que hacemos en las sombras’ que se ha estrenado con doble episodio. Tanto la primera como la segunda supusieron una prolongación magnífica de la película de Jemaine Clement y Taika Waititi estrenada en 2014. La segunda incluso podemos decir que tuvo mejor acogida pues además de confirmar lo estupenda que es esta comedia vino a animar nuestros confinamientos.
Tras dos temporadas hilarantes no se puede decir mucho más. He de declararme fan de esta serie y con esto también puedo reconocer que con ella pierdo casi toda mi objetividad. A si es que si escribo esta crítica es por recalcar que han vuelto estos patéticos vampiros y por reincidir en mi recomendación de que veáis ‘Lo que hacemos en las sombras’.
Patetismo y absurdo. La dinámica de ‘Lo que hacemos en las sombras’ temporada 3 sigue siendo la misma. Las historias incoherentes siempre cuesta mantenerlas o finalizarlas. Pero Jemaine Clement está sabiendo desarrollar su locura, siempre se le ocurre algo para seguir con ella. Ya de por si contar con la premisa de unos torpes vampiros, socialmente nulos y conviviendo juntos parece disparatada. Pero la serie va siempre un paso más allá y nos han posicionado en tal punto de ilógica que está preparada para que cualquier cosa valga.
Y aún con todo esto no nos esperamos nunca lo que va a suceder. En la temporada dos Guillermo (Harvey Guillén) montaba una escabechina vampírica a raíz de sus genes heredados de los Van Hellsing. Si esta fuese una serie al uso imaginaríamos que nos espera un enfrentamiento entre los vampiros y el hasta ahora su fiel familiar. Pero la cosa no va por ahí. Nandor, Laszlo, Nadja y Colin Robinson se ven en una posición en la que jamás pensarían que estarían. Un lugar que les abre todo un mundo de posibilidades, que nos hace conocer más este mundo vampírico y que por supuesto consigue que nos partamos de risa, ya sabéis lo habitual con Taika Waititi.
Tras el gran número de cameos de las otras temporadas cabía esperar que en esta hubiese nuevas apariciones. Hay nuevos personajes y por supuesto cameos. En uno de los dos primeros episodios ya tenemos uno que a los fans de la película original va a encantar. Y se intuye que con cierto personaje oculto hay aguardándonos una cara conocida.
En resumen. Continúa el humor negro y ridículo con el que nació esta franquicia. Vemos más que nunca que los vampiros dependen de Guillermo pero a la vez que le tienen miedo. Y lo vemos como siempre, en forma de falso documental, cámara en mano y con entrevistas tipo confesionario. Visto lo visto, no me entra en la cabeza que ‘Lo que hacemos en las sombras’ pueda disgustarme, ni con un cambio de tónica ni eliminando a alguno de estos queridos personajes. Os recomiendo que le hinquéis el diente pues es una inyección de oxígeno.
Rememorando el salto de El niño que vivió a la gran pantalla
En noviembre se cumplen veinte años desde que El niño que vivió debutó en la gran pantalla en ‘Harry Potter y la piedra filosofal’. La película batió récords de taquilla con el mejor fin de semana de estreno de todos los tiempos y hoy se considera un hito en la historia del cine.
Dos décadas después, Harry Potter se ha convertido en un fenómeno de la cultura popular y desde entonces la película ha inspirado a millones de personas en todo el mundo que se han enamorado del Wizarding World. A día de hoy, el club de fans oficial de Harry Potter tiene más de 37 millones de miembros y sigue sumando todos los días generaciones de nuevos fans.
Para rendir homenaje a este aniversario tan especial, entre septiembre y diciembre, el Wizarding World invita a la comunidad de fans a celebrar los 20 años de Magia de ‘Harry Potter y la piedra filosofal’, comenzando con un evento digital en directo el 1 de septiembre que celebra el Día del Regreso a Hogwarts. Más de 1.100.000 fans de todo el mundo sintonizaron el año pasado, y se espera que la celebración de 2021 será aún más espectacular.
El Club de Fans de Harry Potter presenta la “Celebración Mundial de Fans ‘Regreso a Hogwarts’ | 20 años de Magia de Harry Potter” que contará con la presentación de Yinka Bokinni, famoso DJ y superfan declarado de Harry Potter, y con la aparición especial de Tom Felton (Draco Malfoy). Yinka guiará a los fans a través de una celebración interactiva de 20 años de fandom y compartirá las últimas noticias y novedades que los fans de Harry Potter no querrán perderse.
Sintoniza su canal FB de Harry Potter desde las 11.30 am (CEST) el 1 de septiembre para verlo en directo o bajo demanda. No olvides participar en el evento en las redes sociales con el hashtag #20AñosdeMagia.
Los fans también podrán descubrir qué experimentan emprendiendo sus propios viajes a Hogwarts probando el nuevo Filtro de Instagram del Andén 9 ¾, disponible en el canal FB de Harry Potter desde el 1 de septiembre. En palabras de Molly Weasley:»¡Si estás nervioso corre un poco!”
El Wizarding World tiene algo especial para cada fan, desde perderse en las novelas originales de Harry Potter de J.K Rowling, reviviendo la magia de un cine intemporal, hasta vivir experiencias inmersivas en las tiendas y disfrutar de eventos únicos en directo que dan vida a la magia.
Para obtener más información, consulta la página del 20 Aniversario en WizardingWorld.com: www.HarryPotterMovie20.com
Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.
Crítica
Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo
Mathieu Turi no es un nombre muy conocido aún en España, pero pronto lo será. El director, que ha sido mucho tiempo asistente de grandes directores como Tarantino, inició hace no mucho una carrera en el campo de los largometrajes de terror y la calidad de sus trabajos está yendo a más. En esta web os hablamos de ‘Hostille’, un título donde una chica trataba de salir de un coche que era asediado por las inclemencias de un peligroso desierto y las criaturas que lo habitan. Con ‘El tubo’ se pone aún más claustrofóbico si cabe.
En este filme lo que sucede es que tras montarse en el coche de un peligroso desconocido despierta en un tubo. Intentará escapar de él, pero la situación se vuelve cada vez más y más extraña. Con esta premisa sobra decir que ‘El tubo’ recuerda a títulos como ‘Cube’, ‘Buried’ o las recientes ‘Tin Can’ u ‘Oxígeno’, de su compatriota Alexandre Aja. No esperéis trampas a lo ‘Cube’, las hay pero no tan sesudas o sanguinolentas. La protagonista interpretada por Gaia Weiss tiene un recorrido más arduo que el más difícil de nuestros lunes, pero el verdadero valor de esta película es su interpretación y las molestias que se han tomado en contar una historia.
Es fácil encerrar a una protagonista y hacérselas pasar canutas porque sí. Originalmente ‘Cube’ era algo por el estilo, más adelante con sus secuelas se desarrolló su discurso. Contaros la intencionalidad oculta de este filme sería romperos su gracia. Lo único que puedo decir es que a partir de determinado giro todos llegamos a una interpretación más o menos idéntica. Es innegable que ‘El tubo’ despierta curiosidad e intriga. Es enigmática, metafórica, a veces parece que un poco caprichosa con sus elementos, pero explicada al fin y al cabo. Donde causará más discrepancia de opiniones es con su ultimísima y desconcertante escena.
Y cuando me refiero en que se han tomado molestias en contar una historia también me refiero a la fotografía y el diseño de producción. Mathiew Turi ha contado con parte de su equipo habitual como el compositor Frédéric Poirier, pero para la historia es aún más importante la búsqueda de imágenes por parte del camarógrafo Alain Duplantier. El estudio de la escenografía planteada por el director es algo magnífico. Consiguen muy buenas tomas y agobiantes imágenes. La iluminación, que parte casi únicamente del brazalete implantado en la muñeca de la chica atrapada, esta logradísima.
Gratuita podría ser esta película por alguna escena ligeramente gore que tiene, con unos protésicos bastante conseguidos hasta el punto de dar nauseas. Pero ‘El tubo’ plantea situaciones más difíciles para la protagonista como esquinazos y meandros casi imposibles de salvar, por algo su título original es ‘Méandre’. Ahí es donde se percibe un gran trabajo físico de la protagonista, Gaia Weiss. Conocidas son sus interpretaciones en la serie ‘Vikingos’ y aquí no se queda atrás. Pero son aún mejores sus movimientos, casi de contorsionista.
‘El tubo’ se cuela en esas películas «tipo escape room” que tienen algo que aportar y que además nos habla de carreras en sentido ascendente. Prácticamente no tiene diálogos as si es que no dudéis en verla en versión original, apreciaréis más el sufrimiento de la protagonista, por morboso que suene.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Méandre. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guion: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poirier. Fotografía: Alain Duplantier. Reparto principal: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti. Producción: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equiltime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynns Interactive. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial:https://fulltime.studio/meandre
Un terrible accidente deja atrapados a numerosos mineros en una mina de diamantes, situada en un remoto extremo de Canadá. Su única esperanza es Mike (Liam Neeson) un conductor de camiones de gran tonelaje, que tendrá que atravesar un país cubierto de nieve, en el que sólo se puede transitar por las traicioneras “ice roads”: carreteras de hielo que transcurren sobre ríos, lagos o incluso océanos congelados. Mike tendrá que enfrentarse a una imposible carrera contrarreloj, llena de inesperados peligros y traiciones.
Crítica
Un escenario distinto pero otra del montón
¿Conocéis esos programas de televisión donde un equipo de cámaras sigue a unos camioneros? En el canal Historia emitían uno llamado ‘Ice road truckers’. En él se montaban en la cabina de unos camioneros que debían seguir rutas peligrosas por Alaska o Canadá. Su recorrido incluía carreteras de hielo de solo un metro de espesor sobre el agua. Pues la nueva película protagonizada por Liam Neeson parece un episodio más de ese programa.
Obviamente el filme tiene un ingrediente delictivo y dramático que no tenían esos episodios, pero básicamente es lo mismo. Tanto los problemas que se van encontrando como las soluciones que han de aplicar parece que han sido sacadas de ese reality. Por lo tanto, podemos percibir algunos detalles de la cinta como meras curiosidades reales, pero su transcurso no puede ser más clásico.
En ‘Ice road’ unos mineros quedan atrapados en un derrumbe por una explosión de metano. El problema es que la solución de su rescate pasa por conseguir transportar una pieza enorme y no hay lugar para que aterrice un avión con él de manera inmediata. A si es que recurren a aguerridos camioneros necesitados de encargos y dinero. Pero todo se tuerce cuando la cosa pasa de ser un negocio a algo personal o familiar y ya sabemos que eso con Neeson nunca acaba bien.
Si Los 33 de Chile hubiesen contado con Liam Neeson otro gallo habría cantado. Pero es que encima el filme se toma su tiempo. Para ser una situación urgente y a contrarreloj se toman muchas molestias a la hora de reclutar a quienes van a ir por la carretera helada. Y es que la situación no requiere aguantar horas mientras se agota el oxígeno, también supone hacerlo bajo el permafrost. El escenario es curioso pero helados nos deja el filme que ni se moja con sus argumentos ni se esfuerza en marcar la diferencia.
Ya no es solo por lo que me gustan las películas de Neeson o incluso las de Laurence Fishburne que me duele decir todo esto. Es también por el director Jonathan Hensleigh. Me gustaron trabajos suyos como los guiones de ‘El santo’, ‘Jumanji’, ‘La jungla 3’ o ‘Armageddon’. Incluso me declaro fan de su Castigador. Sabe escoger escenarios y situaciones. Pero a veces, como en esta ocasión, no desarrolla bien a sus personajes o no se esfuerza en demasía por salirse de los tópicos del género, como le sucedió con ‘Matar al irlandés’. Compro sus majaderías, como la música country, la relación entre los hermanos, su hámster o los cabezones pegados en el salpicadero, pero me gusta que cuando paso por ese aro el filme se decante por un tono más cómico.
Ya no sé si es por gusto o por necesidad que Liam Neeson ha caído en repetirse tanto con sus películas, me da lástima pues tiene en su haber cintas e interpretaciones históricas. Y eso que con ‘Venganza bajo cero’, otra en la que aseguraba dejar la acción, no salió del todo mal parado. La calidad de estas baja y baja, se percibe hasta en la factura técnica. En ‘Ice road’ los efectos digitales son de nivel de película para la televisión. Como decía al comienzo de la crítica, esto parece más una propuesta televisiva, de esas que se producen al peso, más que una aventura de acción con verdadera intención de sorprender.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: The ice road. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Hensleigh. Guion: Jonathan Hensleigh. Música: Max Aruj. Fotografía: Marcus James, Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Benjamin Walker, Amber Midthunder, Marcus Thomas, Holt McCallany, Martin Senmeier. Producción: Code Entertainment, ShivHans Pictures, Envision Media Arts, Solution Entertainment Group, Aperture Media Partners, Manitoba Film & Music. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial:https://www.codeentertainment.com/the-ice-road-film
Pixar vuelve a nosotros en formato serie gracias a ‘Dug y Carl’. Podrá verse en Disney+ en exclusiva a partir del 1 de septiembre de 2021 y días antes de ese estreno hemos podido ver el tráiler. Se trata de una nueva serie de cinco cortos que cuenta las divertidas desventuras de Dug, el adorable perro de ‘Up’, la película de Disney y Pixar ganadora del Oscar® a la mejor película animada, y cuyo collar de alta tecnología traduce sus pensamientos en palabras.
Bob Peterson, la voz de Dug en su versión original, entonces y ahora, ha escrito y dirigido los nuevos cortometrajes. Kim Collins es el productor. Peterson, que fue guionista y codirector de ‘Up’, conoce de primera mano el contenido y sabe por qué a los fans les gusta tanto este personaje. “Dug tiene un corazón puro, es un trozo de pan. Creo que a la gente le encanta esa faceta de Dug”, dice Peterson. “Además, la gente adora a sus perros. Hemos hecho todo lo posible para reproducir el auténtico comportamiento de estos compañeros para que Dug sea un reflejo de todos».
Proponer nuevas aventuras para Dug no fue ningún problema para Peterson, que tuvo muy presente que esta era la primera salida de Dug de Paradise Falls. “Todo es nuevo para él y está muy contento”, dice. “Pero Dug se distrae con las cosas más pequeñas y no digamos con una ardilla de verdad”.
La película narra la historia de Henry, un comediante con un sentido del humor excepcional, y Ann, una cantante de renombre internacional. Delante de las cámaras, forman una pareja feliz y llena de encanto. El nacimiento de su primera hija, Annette, una niña misteriosa, cambiará sus vidas.
Crítica
‘Annette’ me ha dejado sin habla, simplemente increíble
Tenía muchas ganas de ver ‘Annette’, desde su estreno en Cannes y las críticas tan dispares que tuvo, la curiosidad se apoderó de mí. El 20 de agosto se estrenó en nuestras salas de cine y el 26 de noviembre la podremos disfrutar en Filmin.
‘Annette’ no es una película para todos los públicos. Una ópera-rock que puede aturullar a muchos si no entran en la película, pero que puede hipnotizar a los que sí se adentren en este cuento moderno.
Jugando con las luces y las imágenes, LeosCarax nos introduce dentro de esta historia de amor a través de la música de ‘Sparks’. Me parece increíble el trabajo técnico de esta cinta. El como según distintos tonos de las canciones las imágenes se ven distorsionadas o más nítidas. El comienzo es una auténtica maravilla técnica.
Luego están los colores, Ann, esa mujer perfecta, con sus colores vivos, su pelo rojo y su apariencia indefensa. Mientras que tenemos a Henry, con sus verdes oscuros y sus apariencia fuerte e inquietante.
Luego por supuesto está Annette. Qué gran trabajo han realizado con ella. En la película, se nos muestra a Annette como una marioneta, no es algo que llegue a importar, sabemos que es de madera, pero logran darle tanta expresión, que en ningún momento dudas de ella. Sufres a su lado las consecuencias de los adultos. Sus insultos, sus peleas y ella sin poder hacer nada. Solo es una niña a la que le ha tocado esa vida, llena de fama y a la vez tristeza.
Hay escenas muy potentes durante la cinta. Imágenes que duelen, imágenes que enamoran y otras que simplemente ponen los pelos de punta. Una crítica hacia muchas cosas, el ser famoso, sus consecuencias al quedarse sin libertad, también a las consecuencias.
En los agradecimientos Carax nombra a Edgar Allan Poe y es que bien podría ser una de sus historias trágicas oscuras y llenas de muertes. Todo ello mezclado con alguna de las obras de Magritte o incluso Klimt.
Las interpretaciones de Adam Driver, que no se cómo todavía no tiene un Oscar en sus manos, Marion Cotillard, que está como siempre perfecta con todos sus cambios de looks y Simon Helberg, que fuera de la comedia se desenvuelve estupendamente, hacen que ‘Annette’ sea real.
Creo que, como he dicho anteriormente, no es una película para todo el mundo, pero si que es una experiencia a la que recomiendo acercarse. Su música, sus imágenes y su historia hace que de una manera u otra entres en este extraño cuento.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Annette. Duración: 140 min. País: Francia. Dirección: Leos Carax. Guion: Ron Mael, Russell Mael. Música: Ron Mael, Russell Mael. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Hilberg. Producción: CG Cinéma, ARTE, BE TV, Barnstormer Productions, Canal+. Distribución: Elastica Films, Filmin. Género: musical, drama. Web oficial:http://cgcinema.eu/films/titre
Nick Bannister (Jackman), un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Vive a orillas de la costa de Miami que se encuentra sumergida en gran parte bajo el mar. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae (Ferguson), una nueva clienta. Aunque Mae solo acude a su consulta para encontrar un objeto perdido, se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración y, al final, deberá responder a la gran pregunta: ¿Hasta dónde llegarías para aferrarte a tus seres queridos?
Crítica
Efectivamente, nos recuerda a cosas vistas pero las narra con gran estilo
Tengo que reconocer que Lisa Joy no está entre mis favoritas sobre todo desde que no me convenció con el desarrollo de ‘Westworld’. Pero tras ver ‘Reminiscencia’, su primer largometraje, he decir que me ha encandilado.
Y eso que este thriller romántico de ciencia ficción bebe muchísimo de las películas de su cuñado y de su marido. Parece que pasar a formar parte de la familia de los Nolan te hace desarrollar historias fantasiosas ambientadas en la mente humana. A lo que más recuerda ‘Reminiscencia’ es a ‘Origen’. Y no es solo por sus imágenes, también por su trama. Tenemos a un protagonista atormentado por sus recuerdos, que se gana la vida introduciéndose en la mente de otros y de repente se ve inmerso en algo más grande de lo que puede abarcar y más personal de lo que nunca estaría dispuesto admitir.
En esta película nos transportan a un mundo totalmente inundado. La historia transcurre entre Miami y Luisiana, ambas convertidas en Venecias sin encanto, repletas de luces y rascacielos decadentes. En ese escenario apocalíptico se gana la vida el personaje protagonista interpretado por Hugh Jackman. Tanto él como su compañera son excombatientes de una gran guerra con un negocio capaz de hacer que la gente se sumerja literalmente en recuerdos. Asimismo la justicia muchas veces les reclama para usar su técnica en interrogatorios. Este modo de vida se ve alterado cuando en la vida de estos colegas excombatientes aparece una femme fatale interpretada por Rebecca Ferguson.
Es como si la directora (y también guionista) hubiese cogido ‘Inception’ y la hubiese llevado adecuadamente a los códigos del cine negro. Estamos rodeados de miseria y autodestrucción. El protagonista es un héroe entre la calaña que busca sin descanso a la mujer que sabe que probablemente será la causa de su perdición. La película está narrada en primera persona y tiene un montaje también muy nolaniano, haciéndonos bucear entre presente, pasado y reminiscencias. Llegamos a tener recuerdos de los recuerdos, otra matrioshka narrativa. De este modo también nos recuerda un poco a ‘Desafío total’. Pero ‘Reminiscencia’ no tiene ni la épica de ‘Origen’ ni la acción de las versiones cinematográficas de la novela de Philip K. Dick. Al fin y al cabo el cine negro siempre nos lleva a caminos más fatídicos, perdidos entre las sombras.
El filme está muy bien realizado sobre el papel. La historia está correctamente hilada pero hay que permitirle algunas licencias. Por ejemplo, si lo que vemos son recuerdos extraídos de la mente de un sujeto deberían estar en primera persona, no en tercera con todo lujo de planos. Supongo que siendo conscientes de esto han querido darle al filme un toque más romántico o artístico. Lo que si considero un fallo es que en esas reminiscencias proyectadas holográficamente, a lo ‘Minority Report’, se encuentren cosas que el sujeto no ha visto ni presenció.
Si te gustan las películas cargadas de texto ‘Reminiscencia’ es para ti, algo que también tuvimos de sobra en ‘Westworld’. Pero para tener tanta narración podrían haber empleado algo más de metáfora. Si bien es verdad que aunque falte ese simbolismo narrativo el filme nos deja algunas frases extrapolables al ámbito de la industria del entretenimiento o incluso de la sociedad actual: “La nostalgia nunca pasa de moda” y “La nostalgia como modo de vida” son dos sentencias muy descriptivas que harán que nos miremos al ombligo y pensemos hasta qué punto dependemos de nuestros recuerdos.
Hugh Jackman y Rebecca Ferguson juntos de nuevo en un espectáculo «romántico-visual» pero con un toque muy distinto al de ‘El gran showman’, como era de imaginar. Ambos impecables. Además Lisa Joy se ha arropado de conocidas como Thandie Newton o Angela Sarafyan con quienes ya trabajó en su serie de vaqueros robóticos. Incluso Jackman ya había trabajado con el clan de los Nolan pues protagonizó ‘El truco final’. Todo queda en familia.
‘Reminiscencia’ nos devuelve a historias fantasiosas vistas hace no mucho pero también nos hace retroceder al cine de ratas, justicieros y amor de John Huston o Billy Wilder. Películas así quizá queden en nuestra memoria, no están de más.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: Reminiscence. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Lisa Joy. Guion: Lisa Joy. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Hugh Jackman, Rebecca Ferguson, Thandie Newton, Daniel Wu, Angela Sarafyan, Marina de Tavira, Cliff Curtis, Natalie Martinez, Teri Wyble, Sam Medina, Sue-Lynn Ansari, Mojean Aria, Demi Castro. Producción: FilmNation Entertainment, Kilter Films, Michael Da Luca Productions. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, acción, suspense. Web oficial:https://www.filmnation.com/library/reminiscence
Año 2000. Pepo, Roge, Costa y Juan Luis, cuatro veinteañeros, emprenden el viaje soñado: el interrail. Pero en su primera parada en París, la aventura, y de paso su amistad, acaban de manera abrupta.
Crítica
Una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’
Unos amigos intentan a sus veinte años hacerse una ruta en el archiconocido interrail. La cosa acaba tremendamente mal entre ellos por culpa de que nada más empezar el viaje tienen un percance del cual se culpan los unos a los otros. Veinte años después uno de ellos fallece y les deja en herencia a los otros tres 600.000 € y la última voluntad de que terminen ese inacabado viaje.
‘Descarrilados’ es una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’. Un viaje a contrarreloj a cambio de una recompensa y mientras tanto hay borracheras, colocones y accidentes. Una película fiestera, alocada y por supuesto cómica. El film de Fernando García-Ruiz tiene muchos momentos absurdos, como el que desconcertantemente sucede en Rumanía, y se acerca a la tónica chanante que tanto éxito le ha dado a dos de los protagonistas. Y precisamente ese es el rollo de la película, algo divertido, llamativo, que sin ser extraordinario ni extremadamente hilarante consigue hacernos pasar un buen rato.
Diría incluso que el film es consciente de lo cutrecillo que puede ser a veces con detalles como esos delatadores cromas que se han usado para mostrar que los protagonistas van recorriendo Europa. Al fin y al cabo simplemente pretenden plantar a unos cuarentones y fracasados en unas situaciones desesperadas y desfasadas, tan surrealistas como las aventuras que tus amigos te cuentan al volver de interrail y que cada año te repiten pintándolas más y más extremas. Dicho esto no hace falta decir que es un viaje lleno de droga y malentendidos.
Lo mejor del filme es la sintonía entre los tres protagonistas. Unos estandartes del humor absurdo en España como son Julián López, Arturo Valls y Ernesto Sevilla. En la película son el perfecto paranoias, el ligón pegajoso y el nini cuarentón. Conocemos a esta cuadrilla desde jóvenes y descubrimos su historia de amistad, pero sobre todo cuán perdedores son. Hay una frase que define muy bien a los personajes y que sirve oportunamente como crítica para quien la quiera coger: “no es retrasado, solo es español”. Una puya que levantará ampollas entre los patriotas más recalcitrantes, pero que sin duda refleja la imagen que dejamos cuando viajamos al extranjero inventándonos el idioma local, arrasando con los bufetes de los hoteles, creyéndonos los más avispados de Europa…
Lo mejor que se extrae de ‘Descarrilados’ es esa pulla a nuestro comportamiento más allá de nuestras fronteras. Hay momentos divertidos como la secuencia inicial (una auténtica putada) o la escena del pinball. ¿Podría haber sido más divertida o haber sacado más partido a sus personajes secundarios? Pues sí. Pero para ser el primer largometraje de Fernando García-Ruiz lo veo correcto. Y si estás en sintonía con el humor de Valls, López y Sevilla, la disfrutarás un poco más.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Descarrilados. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz. Guion: David Marqués. Música:Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Julián López, Ernesto Sevilla, Arturo Valls, Dafne Fernández, Ana Millán. Producción: Mono Pictures, Sony Pictures International Productions, Kilima Media, Amazon Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://www.sonypictures.es/peliculas/desacarrilados
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