Movistar+ pondrá a disposición de los espectadores de Seriesmanía la serie documental ‘Amor fraudulento’. Un “true crime” que el 27 de noviembre será despejado con 4 episodios (dos el día del estreno y dos más el 4 de diciembre). La serie sigue a un hombre que estafó online a un grupo de mujeres.
‘Amor fraudulento’ está desarrollada por las dos documentalistas Heidi Ewing y Rachel Grady, responsables de documentales de éxito como ‘Jesus Camp’ (candidato al Oscar) o ‘One of Us’.
Sinopsis oficial:
A lo largo de dos décadas, Richard Scott Smith se ha servido de los portales de citas en Internet y de sus dudosos encantos para conseguir un objetivo: seducir a mujeres inocentes con la promesa de un matrimonio de película y finalmente estafarlas, arrebatándoles todo su dinero y su dignidad de un plumazo. Abandonadas a su suerte por un sistema policial y judicial fallido, un grupo de las víctimas de Smith decide que la mejor manera de curar su corazón roto es tomarse la justicia por su mano y buscar venganza. Para ello, recurren a la ayuda desinteresada de una curtida cazarrecompensas llamada Carla, víctima de violencia machista.
Una mujer ve pasar las horas junto a las maletas de su examante (que vendrá a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no entiende que su amo le haya abandonado. Durante los tres días de espera, la mujer solo ha bajado una vez a la calle, para comprar un hacha y una lata de gasolina. La voz humana es una lección moral sobre el deseo, no importa que su protagonista esté al borde del abismo. El riesgo es parte esencial en la aventura de vivir y de amar.
Crítica
Una mujer (internacional) al borde de un ataque de nervios
Esta no es una versión de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ de hecho el cortomertaje surge a partir de un relato de Jean Cocteau. Pero su protagonista, interpretada por TildaSwinton, si está atacada, a punto de estallar.
Tras la laureada ‘Dolor y Gloria’ nos llega un cortometraje de Pedro Almodóvar que nace adaptando una obra teatral. Y para ello emplea una nave que parece vacía pero que vemos rápidamente que aloja una casa. Un hogar sin techo. Un plató que sirve como jaula para la angustia que siempre produce la espera prolongada. El personaje sin nombre de Swinton se aloja en una casa que bien podría ser una zona de Ikea, en la que de poco sirven los objetos materiales ante la falta de un ser que ya no está y que solo ha dejado buenos recuerdos. Escenificación del vacío interior.
Nostalgia y despecho, pero no descomposición. Está muy bien el discurso del filme. Un carpe diem en retrospectiva. Aboga por atesorar los mejores momentos, por usarlos como bálsamo a la hora de pasar página y no derrumbarse. Pero ‘La voz humana’ también se deja llevar por el deseo y los impulsos. Y es que el corazón siempre traiciona.
Ella coloca con inquietud una buena colección de películas desperdigadas sobre su mesita, apila maletas y objetos que aguarda entregar a aquella persona con la que antes compartía espacio vital. Pero esta no llega, no da señales de vida y eso la tiene en un sinvivir. Tampoco ayuda mucho a la tranquilidad de esta ahora solitaria mujer los ladridos y quejidos melancólicos del perro de su expareja.
En ‘La voz humana’ solo tenemos una protagonista femenina. Y como secundarios un perro y el vendedor de la ferretería que visita en su única salida y que está interpretado por Agustín Almodóvar. A ellos les acompaña una atípica música en lo que se refiere a las melodías de Alberto Iglesias. Tonos misteriosos que también transmiten tristeza y algo de locura.
Hay mucha nitidez (6k), colorido y riqueza de formas en este corto que en un principio parecía que iba a ser casi mudo, una tímida incursión de Almodóvar en los rodajes en inglés. Pero la conversación posterior es bastante abundante y contundente. En ella vemos la fuerza y el talento tanto de quien lo ha adaptado como del texto original. Talento pero no genialidad. Una capacidad innegable para sacar partido a las emociones más humanas, de mano de la puesta en escena del director y de la actriz que sin nada a lo que amarrarse despliega una gran interpretación.
Swinton se despide en ‘La voz humana’ de alguien famoso que además de grandes instantes para la memoria le ha dejado un perro. Sería precioso que el corto sirviese como una apasionada carta de despedida a su amigo David Bowie. Lo cual hace que vuelva a preguntándome cuando Swinton aceptará hacer el biopic sobre Ziggy Stardust.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de octubre de 2020. Título original: The human voice. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: José Luis Alcaine. Reparto principal: Tilda Swinton, Agustín Almodóvar. Producción: El Deseo, Filmnation Entertainment. Distribución: Wanda Visión, Avalon D.A. Género: drama, cortometraje. Web oficial:http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/la-voz-humana
Basado en el libro más vendido de 2006, The Secret, un fenómeno global que permitió a millones de personas llevar una vida más feliz y plena, “El Secreto” se centra en Miranda Wells (Katie Holmes), una joven viuda trabajadora que lucha por criar sola a sus tres hijos. Una tormenta poderosa trae un desafío devastador y un hombre misterioso, Bray Johnson (Josh Lucas), a su vida. En solo unos pocos días, la presencia de Bray vuelve a encender el espíritu de la familia, pero él lleva un secreto, y ese secreto podría cambiarlo todo.
El innovador libro de Rhonda Byrne ha vendido más de 34 millones de copias en todo el mundo, ha sido traducido a 50 idiomas y apareció en la lista de los más vendidos del New York Times durante 190 semanas consecutivas.
Crítica
Carece de la ambición y el atrevimiento que demanda su fenómeno
‘El secreto’ es la adaptación del famoso libro de autoayuda o de crecimiento personal que se convirtió en 2006 en un éxito superventas y que ya tiene una película homónima en DVD con sus enseñanzas. No es de extrañar que un libro así llegue a venderse tanto si tenemos en cuenta que Oprah Winfrey lo promociono en su programa. Tampoco de extrañar que llegase a mucha gente cuando es un libro que puede hacer que veamos las penurias de otra manera incluso a muchas personas les puede dar un enfoque distinto de la vida.
En mi caso no he leído el libro pero se que lo que le ha hecho famoso es que es una obra aleccionadora y esperanzadora. Creado por Rhonda Byrne se centra en autoimponerse un positivismo que cada vez está más de moda. Cada vez más de moda y también más criticado ya que esta corriente de pensamiento suele venir acompañada de pseudociencia y acostumbra a implicar la evasión de los problemas reales. Creo que se nota que no soy partícipe de su llamada Ley de la atracción. Y es que por mucho que uno piense en algo que quiere esto no va a acabar llegando a ti.
Al fin y al cabo todo esto se parece mucho al concepto del karma y lo que vimos que sucedió en la película ‘Cadena de favores’. Es decir, haz cosas buenas y te pasarán cosas buenas o alcanzarás el éxito. Pero esto no tiene garantía ni base científica. Como todos sabemos la cosa no siempre es así, es más, casi nunca.
A todo lo que sucede en el libro se le ha dado una historia en la gran pantalla. ‘El secreto’ me recuerda mucho a la serie de Michael Landon, ‘Autopista hacia el cielo’. Un desconocido irrumpe en la vida de una familia que está traumatizada y que parece gafada. Ese desconocido trae el secreto que da título a la película y también trae una nueva manera de afrontar las situaciones o problemas que la familia le viene de perlas.
Compro la influencia de una filosofía optimista en la vida de alguien, sobre todo si esa persona se está viendo metida en un pozo sin fondo. Pero usar sistemáticamente el método que se predica en el libro me parece que evita que se manifiesten sentimientos que son necesarios y que además sirven como catarsis. Hay que tener cuidado con no confundir optimismo con resignación o pensar que las cosas vienen solas, que no hay una causalidad explicable.
Al margen de lo que yo pueda pensar sobre este tipo de “filosofía” hay que reconocer que la película está contada correctamente y con buen gusto. Creo que se agitó bastante el panorama en su momento por todo el tema del libro, y si lo que buscan es un personaje como el de Josh Lucas no me parece algo excesivamente preocupante ni pernicioso, es más, es buen ejemplo de persona. Al fin y al cabo la cosa va de asesorar y el director Andy Tennant, que es quien ha realizado este filme, atinó también en su día con ‘Hitch’, con un asesor más cómico, claro está.
Los protagonistas de esta película son Katie Holmes y Josh Lucas. Visitarles a ellos es también llegar a la conclusión de que ‘El secreto’ es más un título casi romántico que un filme que pretenda lucir una corriente de pensamiento. Es por ese tono y por su acabado visual que parece más una película televisiva, bien rodada como decía, pero que carece de ambición y del atrevimiento a mostrar realmente sus cartas.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de octubre. Título original: The Secret: Dare to Dream. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Andy Tenant. Guion: Bekah Brunstetter, Rick Parks, Andy Tennant. Música: George Fenton. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Katie Holmes, Josh Lucas, Jerry O`Connell, Celia Weston. Producción: TRI G, Savvy Media Holdings, Covert Media, Illumination Productions, Robert Cort Productions, Shine Box Media Group. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/el-secreto/
Hemos acabado Sitges 2020 con una gran recopilación de películas, para terminar con un buen sabor de boca. Tras haber visto unas 40 películas (más casi veinte cortometrajes) nos hemos hecho una lista de sorpresas, favoritas, decepciones… que comentaremos mañana 18 de octubre en directo a las 18h en nuestro canal de Youtube, el mismo sitio en el que como aquí hemos realizado un diario completo.
Como no podría ser de otra manera nos hemos hecho eco del palmarés de este año en el que han destacado ‘Possessor’, ‘Relic’, ‘La nuée’ o ‘Mandibules’. No podríamos daros detalles de la inmensa mayoría de los premiados ya que desde el acceso online (con acreditación o comprando) no se han podido ver.
Pese a las limitaciones que nos han creado nuestra imposibilidad de ir al festival hemos de agradecer a la organización las facilidades dadas y a todos vosotros, lectores y espectadores, el apoyo mostrado. ¡El año que viene más, mejor y en persona!
‘Benny loves you’
Si nos dicen que hay una película de un muñeco simpático pero asesino, podemos pensar que estamos hablando de Chucky. Si nos dicen que además mata a otros muñecos se nos puede venir a la cabeza ‘¿Quién está matando a los moñecos?’. Pero si hace todo eso es que es Benny. Karl Holt es el director y guionista de esta película en la que un muñeco muy similar a los Happy Tree Friends lucha a muerte por el amor de su dueño.
La película es muy irregular pero tiene un sentido del humor muy bueno. Se atreve no solo con la violencia y la casquería, sino también a la hora de hacer humor abofeteando a un niño o con el SIDA. Destaca sobre todo el carácter destroyer del juguete.
Los actores sobreactúan, la iluminación es mala, la música plana y el sonido en algunas escenas es excesivamente artificial. Pero sus continuos gags y lo macabra o dementemente simpático que es el peluche nos mantiene en la película.
Claramente hay un tono paródico en todo esto. Por eso no importa que se note que el peluche va dando saltitos por ahí sin nada de fluidez en sus movimientos. No me esperaba ver tantas imágenes generadas por ordenador. Benny parece casi real y no es el único juguete recreado.
El filme se olvida de retomar su mecánica en la cual el protagonista nos sirve de narrador. Incluso hay varios fallos de rácord. Pero como he dicho este es un filme muy chorra con la intención de entretenernos con sus desvaríos.
Basada en la novela de AmélieNothomb, la nueva película de KikeMaillo nos trae una historia muy profunda y llena de misterio.
Un hombre termina de dar una gran charla, de vuelta a casa, una muchacha le pide compartir el taxi para ir al aeropuerto. Ambos pierden el vuelo y a partir de ahí todo se empieza a torcer bastante.
Me ha fascinado. A través de tres historias contadas por Texter, la chica que casi que le acosa, vamos enterándonos de la historia. Me parece una maravilla la manera de contar la historia. No he leído el libro y no puedo compararla, pero sin duda gracias a la película es de las próximas novelas que tendré en mi poder.
TomaszKot y AthenaStrates se pillan casi toda la película dialogando entre ellos y no puedes dejar de escucharles. Otro punto importante en la historia es el personaje que interpreta MartaNieto.
Otra película que espero que llegue pronto a las salas porque quiero que la vea todo el mundo.
La Unión Soviética esconde un laboratorio a doce kilómetros de distancia bajo el suelo del Circulo Polar Ártico. Allí debe acudir una científica (Milena Radulovic) para resolver un misterio que ha obligado a cerrar las instalaciones. Obviamente pronto se da cuenta de que la cosa es peor de lo que imaginaba.
La película de Arseny Syuhin arranca bien y a los diez minutos nos ofrece una escena intrigante y con una tensión bien gestionada, en esa escena. El resto del filme os va a recordar a películas de rescates en los que entra en juego un componente fantástico, véase ‘Alien’ o ‘Resident Evil’. Con mucha menos acción que esos títulos que he citado y con unos últimos compases más parecidos a ‘La cosa’ la historia nos lleva por una trama donde como siempre entra el juego el belicismo de los rusos.
En líneas muy generales el filme está bien y tiene una ambientación lograda. Su actriz protagonista supone un descubrimiento. Pero faltan por moldear mejor algunas escenas para mantener la tensión inicial. Por ejemplo, todas las secuencias sobre los descensos y ascensos en esos ascensores de largo recorrido, son ineficientes, necesitan más intensidad. También es bueno saber que doce kilómetros y una espesa capa de permafrost con una barrera estupenda para una contención, pero no sirve de nada si los personajes se saltan a la torera las normas básicas de aislamiento, típico. Aún con todo esto no nos dejan tan fríos como el ice bucket challenge y merece la pena que la veáis, aunque sea por la criatura final que se intuye entre las oscuras imágenes.
LucianodeAzevedo, creada a partir de 3 cortos del director, ‘Cabrito’, ‘Rosalía’ y ‘Released from love’. Donde la familia, el hambre y la sangre son los protagonistas.
Es una película muy retorcida, con imágenes muy duras y bastante soez. Terminas odiando a todos los personajes, no coges cariño a ninguno y la verdad llega un momento que deja de interesar y estás deseando que acabe la película.
En la casa en la que estamos, vemos las paredes llenas de sangre, con miembros de cuerpos por todos lados. Como he dicho, es todo muy desagradable y con imágenes bastante inconexas que hacen un poco lioso toda la narración.
La película nos adentra en la soledad y lo mala que es. Las alucinaciones que logran crear y todo el sufrimiento que da. Poco más que decir, la verdad que no me ha entusiasmado nada.
‘The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film’
Documental sobre el cine de terror generado en Canadá. Cumpliendo el tópico de que ese es un país muy pacífico no podría concebirse otro tipo de revolución que no sea una tranquila. Desde los años 60 las tensiones sociales generadas por la religión o el independentismo, amén de otros asuntos, desembocaron en una corriente cinematográfica patente hoy en día en ciudades como Vancouver o Toronto. Pero todo este impacto social arrancó en la zona de Quebec.
Hablar de progresos en el cine casi siempre suele implicar censuras, importaciones, doblajes, sistemas de impuestos… Pero el documental prefiere centrarse en cineastas. Por eso acapara casi toda la atención la productora Cinépix o David Cronenberg y sus inicios con ‘Shivers’, ‘Rabid’, ‘The brood’ y por supuesto ‘Scaners’. Pero también aparecen nombres como Lionsgate o Vincenzo Natali.
El documental de Xavier Mendik reúne nombres relevantes en la industria del país de América del Norte y cita películas a las que podéis echar el guante. Véase ‘Valérie’, ‘Cannibal girls’, ‘Death weekend’, ‘Elevated’, ‘American Mary’ y por su puesto ‘Cube’. Pero sobre todo deja claro el calado social que tuvo toda esta corriente cinematográfica.
Hoy en día se ruedan en Canadá excelentes películas y series de terror o ciencia ficción como ‘Tucker and Daley VS Evil’ o ‘Fringe’. Acercaos sin dudarlo a este documental y a su cine.
Hoy os hablo de esta curiosa cinta que bueno, muchos han dicho que no saben qué pinta en Sitges y si, es cierto, no tiene nada de fantástico, pero me alegro mucho que la hayan escogido.
Una guionista tiene una crisis de creatividad y decide marcharse a una cabaña perdida en el bosque donde la acogen un matrimonio que no está en su mejor momento.
A partir de este momento, Alison, comienza a meterse en un berenjenal de líos amorosos, celos e historias inventadas. Durante esa primera noche ocurre algo y pasamos a una segunda parte de la película. Sorpresa, aquí toda la historia cambia y entramos en una especie de espejo narrativo donde todo es distinto.
AubreyPlaza, SarahGadon y ChristopherAbbott, son los tres protagonistas de esta cinta y sin ellos esta película sería aburridísima. Están perfectos, tienen una química perfecta entre todos para lo bueno y lo malo.
Sin duda una película que espero que llegue a los cines porque merece mucho la pena. Historias sobre el amor, sobre el cine y la falta de creatividad son los temas principales en esta película.
Establecer paralelismos con lo que estamos viviendo es inevitable. Sobre todo al comienzo de esta película en la que la humanidad está en una carrera por encontrar la cura a un parásito que enferma todo el planeta. Mascarillas, laboratorios, escasez de médicos… todo nos suena hasta que la protagonista, una parasitóloga, se queda encerrada en una cámara.
A partir de ahí la película se aproxima más a los títulos en los que el personaje principal está siempre encerrado. Hasta que a mitad de la cinta sucede algo. Pero ni ese punto de inflexión ni todo lo posterior consigue aliviar el hastío que levanta este filme con modos muy sesenteros. ‘Tin Can’ es tremendamente estática y muestra realmente poco. Aunque busca variar los ángulos y los planos para no aburrir tiene un ritmo soporífero.
Reconoceréis a la protagonista interpretada por Ana Hopkins si habéis visto ‘Arrow’ o ‘The Flash’ al igual que identificaréis a un habitual del fantástico como Michael Ironside. Pero el papel de este último es tan pequeño que resulta una mera curiosidad. Tampoco ayuda a animar el cotarro la movilidad de unos seres cubiertos de oro a lo C3PO. Hasta el androide de Star Wars resulta más entretenido.
Penúltimo día de Sitges 2020 para nosotros, el 18 lo reservamos para nuestro recopilatorio especial. Hoy os brindamos tres críticas más pero no os preocupéis que no hemos desfallecido. Para el día de mañana os espera una traca final bastante copiosa. No obstante para hoy tenemos unas películas en las que tanto nosotros como los protagonistas flipamos en colores.
‘Fried Barry’
Aunque ‘Fried Barry’ avisa de antemano de su violencia y escenas de sexo ese aviso se queda corto. No es que haya que calificar esta película como X, con la categoría R es más que suficiente, pero es que se ceba y regodea constantemente en lo mismo. Aquí todo el mundo está salido e inexplicablemente ve atractivo a Barry. La primera mitad de la película es una noche en la que el protagonista es poseído por un alienígena que parece haber venido a la Tierra simplemente a desfasar. Parece graciosa la premisa pero es una concatenación de escenas soeces y burdas que además no van a ninguna parte.
Si que es cierto que la segunda parte del filme, claramente reconocible por un letrero de “intermission” es más divertida. Pero igualmente la película de Ryan Kruger nos deja con la sensación de haber visto un episodio de algo que podría haber contado más. Se nota ahí que el director está avezado en hacer videoclips. Tiene secuencias que visualmente funcionan de lujo pero su narrativa es pobre.
No cabe duda que este es un tripi visual con sexo, drogas y sangre a la altura de películas como ‘Mandy’, visualmente digo. La interpretación del protagonista es plana, más allá de lo que le pide su condición de poseído por un extraterrestre, antes de darse ese suceso ya actuaba igual. Este filme es sudafricano y la verdad es que su protagonista encajaría también con los músicos sudafricanos Die Antwoord que conocimos en ‘Chappie’. Y el resto del reparto tampoco dice mucho actoralmente.
Es como ver deformado el realismo sucio de Bukowski desprendido de alma alguna. Hay un momento en el que una porra se convierte en metralleta, diciéndonos que aquí cada loco puede tener su visión de este E.T. vicioso. En vez de llamarlo una película hay que definirlo de manera diferente, como dice su director en los títulos de crédito, “una cosa de Ryan Kruger”, hay que agradecerle su sinceridad.
Estamos ante una serie online de 4 episodios, que se han ensamblado para crear una película de 97 minutos.
En ella vemos 4 historias de terror bastante distintas unas de otras. Viene bastante curioso el cine Taiwanes y sin duda esta película o historias están muy bien dirigidas.
Fantasmas, monstruos y mucho más es lo que vais a ver en esta película en la que los protagonistas van a sufrir de una manera u otras. Pero también tenemos algún episodio bastante sentimental.
La fotografía, el montaje de sonido y toda la puesta en escena es digna de admirar. Edificios abandonados, edificios que no están abandonados pero lo parece, casas de lujo encantadas, infinidad de detalles que harán que disfrutemos mucho con estas cortas historias.
Como detalle, hay actores que repiten en algún que otro episodio, pero no con los mismos personajes por supuesto.
Dirigida por Christopher Alender y escrita por Marcos Gabriel (‘Más Muppets que nunca’). En el reparto encontramos a Brigitte Kali Canales, Andrea Cortés, Julia Vera, Sal Lopez y AJ Bowen. Hay mucho sabor latino, tanto por los intérpretes como por toda la iconografía que usa la historia.
Es un retorno a las raíces y a las creencias ancestrales. Una reportera viaja a su región natal para hacer un reportaje sobre brujería y acaba siendo secuestrada por supuestamente estar poseída. El filme es una especie de escape room donde la protagonista se ve forzada a pasar extrañas y esotéricas pruebas. Todo ello mientras se droga para evadirse.
Esta es una historia de creencias, familia y sobre todo de convicciones. No solo de lo seguros que están los personajes acerca de lo que creen o no si no de lo que son y de lo que recuerdan. Todo esto le da una dimensión dramática al filme que no está de más.
La imagen está muy bien tratada, introduce algún que otro jump scare, tira a veces de efectos digitales y sobre todo de mucha casquería. El último tramo está de más y se va a una especie de ‘El exorcista’ a lo mexicano.
Sin ánimo de peloteo, estos son noventa buenos minutos brindados por una distribuidora con tan buen ojo como XYZ.
La nueva película de Fesser primero se verá en la plataforma
Amazon Prime Video ha comunicado que la nueva película de Javier Fesser, ‘Historias lamentables’ se estrenará a nivel mundial (en más de 200 países y territorios) en exclusiva en su plataforma. Según nos informa Amazon esto será durante este 2020. Actualización: la fecha de estreno en Prime video es el 19 de noviembre.
Tras triunfar con ‘Campeones’ Fesser vuelve con una compilación de cuatro relatos en clave de humor. Para ello ha contado con un reparto compuesto por Chani Martín, Laura Gómez-La Cueva, Janick, Alberto Castrillo-Ferrer, Pol López y Fernando San Segundo.
“Historias Lamentables es una selección de cuentos llenos de humor, ternura, mala leche y emoción”, ha comentado Javier Fesser, director de la película. “Son relatos independientes pero conectados entre sí en donde el espectador va a contemplar, con una sonrisa de oreja a oreja, muchas de las cosas que ‘cree’ que nunca le van a suceder a él. Pobrecito mío”.
Y añade: “en línea con lo que ha sido nuestra trayectoria de ser pioneros en investigar nuevas vías para poner a disposición del público nuestras producciones, el estrenar de la mano de Amazon Prime Video esta nueva película abre un nuevo camino que ofrece la posibilidad de invertir el orden de las ventanas de exhibición que se están viendo tan afectadas a causa del COVID. Esto permitirá a los espectadores de todo el mundo que puedan ver la película en sus casas, y a todos aquellos que prefieran la experiencia en pantalla grande, la oportunidad de verla en cines más tarde. No se me ocurre mejor socio que Amazon Prime Video para poner Historias Lamentables a disposición de la gente, no solo de España sino de más de 200 países y territorios en todo el mundo”.
“Javier Fesser es uno de los directores españoles más relevantes en la actualidad y estamos encantados de poder estrenar en exclusiva una película tan extraordinaria como Historias Lamentables para nuestros miembros Prime”, declaró Ricardo Cabornero, Director de contenidos de Prime Video en España. “Nos sentimos honrados de poder dar apoyo a los creadores españoles y ofrecerle a sus historias un hogar en Prime Video”.
Ramón, un joven apocado a punto de heredar el imperio levantado por su riguroso y hermético padre; Bermejo, un veraneante metódico enfermizo del orden y enemigo de la improvisación; Ayoub, un africano sin papeles que persigue su sueño acompañado por una mujer insoportable que parece haberlos perdido todos y Alipio, un pequeño empresario sumido en el pozo de la ludopatía y la desesperación, protagonizan esta comedia, muy Fesser, formada por cuatro historias de humor interconectadas que nos llevan a la conclusión de que nada es tan divertido como la desgracia ajena y que cuanto peor lo pasen los protagonistas mejor lo pasará el espectador.
La película, dirigida por Javier Fesser, está producida por Películas Pendelton y Morena Films y cuenta con la participación de TVE y de Amazon Prime Video, así como con el apoyo del ICAA. Firman el guion Javier Fesser y Claro García.
Siempre nos da pena despedirnos del Festival de Sitges y eso es lo que va a pasar en unos días pues tras esta jornada toca afrontar su último fin de semana que culminaremos con un directo en nuestro canal de Youtube, como otros años junto a los podcasters de Holocausto Zinéfago. Ya tenéis el enlace disponible aquí.
Las películas que hemos visto hoy son bastante modestas, pero no por ello exentas de curiosidades y no dejan de ser entretenidas. ¡Vamos alla!
‘Historia de lo oculto’
Thriller político argentino con toques paranormales. Sectas satánicas, extrañas sombras, drogas alucinógenas y un programa a lo Cuarto Milenio. Un cóctel explosivo en blanco y negro y rodado en 4:3.
Comenzamos en la última emisión de «60 minutos antes de la medianoche», el programa periodístico más visto de la televisión, aquí se van a disponer a destapar los vínculos del presidente del gobierno con el satanismo.
Un extraño ritual que hace que la gente desaparezca y quede olvidada para siempre. Sombras en las paredes que no deparan nada bueno. Brujos en la televisión intentando salvar el pescuezo, es lo que vamos a encontrar en la cinta.
CristianPonce nos trae una investigación periodística llena de misterios paranormales. Contamos con un reparto bastante novel en el que sobresale un veterano GermanBaudino (‘Abrakadabra’). En el resto del reparto podemos ver a NadiaLozano, HéctorOstrofsky, Agustín Recondo, LucíaArreche, IvanEzquerré, CasperUncal o LucianoGuglielmino, entre otros.
Desde Dinamarca y de la mano del director y guionista Jens Dahl nos llega una historia de cautiverio que no cautiva en exceso. Se hace pesada sobre todo porque tiene un primer acto muy largo en el que solo tenemos un drama de pareja. Cuando empieza a suceder todo el conflicto, la protagonista descubre una trama de secuestros, es cuando se pone algo interesante.
“Breeder” significa “criadora” y es que hay una compañía que experimenta con mujeres secuestradas para extraer de sus bebés un fármaco para conseguir el rejuvenecimiento. Tampoco es que se haga una crítica exhaustiva al corporativismo o los métodos de las farmacéuticas, este es más bien un thriller violento.
Aunque los personajes son excesivamente sumisos se puede valorar que la película tenga escenas bastante crudas y crueles. Además en varios sentidos puede considerarse asquerosa. Sucia por la cantidad de mugre, orina y sangre que tiene y por la mala praxis de la compañía de productos de belleza. En su plano estético me ha recordado al ‘Hostel’ de Eli Roth.
Consigue alargar su duración como otras películas de miedo en las que el villano vuelve una y otra vez, le tienen que matar varias veces hasta conseguir en una apoteósica escena que no vuelva a correr sangre por sus venas. Ciertamente es una historia que se podría haber recortado algo e incluir algo de mensaje, pero no resulta aburrida casi en su totalidad.
Hoy hemos visto la remasterización de ‘Viy’ un cuento donde un joven sacerdote es obligado a presidir el velatorio de una bruja en una pequeña y antigua iglesia de madera de una aldea remota. Esto implica pasar tres noches frente al cadáver con la fe como su única protección.
Estamos hablando de una cinta de 1967, es decir, las actuaciones quizás nos sean los más veraces que podaos ver. Pero es graciosa. Basado en un cuento de NikolayGogol, esta cinta es bastante resuelta pese a estar estrenada hace tanto.
Los efectos especiales, evidentemente no son los mejores, pero sí que vemos todo el trabajo realizado para que todo parezca real. Está muy bien rodada. Las escenas en la iglesia realmente están muy estudiadas, con distintos planos para introducir el movimiento o incluso que veamos la tensión del joven sacerdote.
Aparecen distintas criaturas, lo dicho, no tenemos un maquillaje impresionante, pero sí cuidado.
Me ha gustado bastante, si que pensaba que me iba a aburrir un montón, no se prejuicios por películas de ese corte quizás. Pero me ha gustado un montón. La película es de la época de la Unión Soviética y está dirigida por KonstantinErshov y GeorgiyKropachyov.
Grojo es el director de este corto que cuenta con Nancho Novo y con las voces de Javier Mejía (en el rodaje) y Javier Dotú, el doblador de Pacino del que se rescatan aquí varias frases. Este es un trabajo futurista en el que un director/escritor quiere hacer un guión que trate sobre cómo será la vida a veinte años vista. Un robot dorato de IA es el asistente que le han recomendado para generar una trama original.
Aborda la evolución intelectual del ser humano, curiosamente Novo lleva años con el monólogo ‘El Cavernícola’. Tiene como referentes ‘Black Mirror’ o ‘Blade runner’, entre otros. Está muy bien ejemplificado el funcionamiento de una IA como ente diseñado para aprender a hacer algo, no al que se le ha enseñado directamente a hacer las cosas.
La inspiración versus el análisis basado en datos enciclopédicos.
De la jungla indonesia a una feria, pasando por… sitios raros
Regresamos con nuestro diario de Sitges, ya quedan pocos días. Para esta recta final hemos escogido tres películas, a cada cual más rara. Un poco de terror asiático, un título con mucha potencia y también excentricidad y un drama psicológico feriante. Ya podéis leer o escuchar nuestras opiniones.
‘Impetigore’
Joko Anwar es un director indonesio que ya lleva una buena cantidad de películas y cortometrajes entre los cuales cada vez reina más el género de terror. En este caso la idea surge de pesadillas que el cineasta ha tenido y posteriormente ha escrito. Y aunque esas pesadillas bien pueden haber sido producidas por influencias de películas clásicas de terror ‘Impetigore’ ha resultado ser un filme muy bien elaborado.
Shudder, la plataforma de vídeo bajo demanda de EE.UU., está relacionada con este filme y nos podemos fiar de su criterio a la hora de decidir qué distribuye. Es una película con las clásicas apariciones y sustos, con cementerios y pasados ocultos en el pueblo natal. Y con una constante huida de unos aldeanos fanáticos que habitan una villa con una tasa de fertilidad enorme por lo que vais a poder comprobar.
Una aldea aislada en indonesia parece la excusa perfecta para la típica falta de cobertura, ¡pero los móviles tienen señal! Se resuelve bien esta película con algo de gore y quizá una ensoñación excesivamente larga. Tiene una buena fotografía e instantes la mar de interesantes. No le falta la sangre y encima culmina con el himno de la alegría, no me veo en la necesidad de pedirle más.
No sé qué decir de esta película, me ha dejado totalmente sin palabras, no porque me parezca la mayor maravilla, pero sí que entre tanta metáfora creo que se me ha ido toda la historia que me quería contar.
Con JoshHartnett, JohnMalkovich, BéréniceMarlohe, KeirDullea o JohnRhys–Davis, entre otros. Nos vamos a Utah, un futuro quizás no muy lejano, nos muestra que todo aquello que tierra próspera, está ocupada por una ciudad futurista. El hombre más rico del mundo, Wes Tauros, quiere hacer minas y sacar el uranio de debajo, por supuesto los indígenas no van a dejar que esto pase.
Todo esto se ve en la película a través de extrañas metáforas y con una fotografía de infarto de la que se encargan LechMajewski y PawelTybora. Es impresionante, tanto los exteriores a mano de dron, como los interiores, muchos de ellos sacados de las mejores obras de arte eurpeo.
Una película demasiado onírica para mí, pero que sin duda no puedo decir que me haya aburrido, sus dos horas y media de duración se me han pasado como una exhalación, entre intentar descifrar lo que me estaban contando y ver tanta maravilla en la pantalla, logran que te extraigas de toda realidad.
En Moviementarios hemos visto películas en las que los protagonistas se enamoran de su nave, de una IA, de un T-Rex y hasta de una nevera. Para seguir sumando objetos tenemos ahora una atracción giratoria de feria llamada Jumbo. Eso es lo que se le ha ocurrido a Zoé Wittock, directora y guionista que ha sido directora de segunda unidad en películas como ‘Red 2’. Lo que hace en este nuevo filme es aún más extraño que todo lo que figura en su filmografía.
Extraña pero metida por los pelos dentro del género fantástico. Depende de como lo interprete cada uno. Una joven está desde muy pequeña vinculada al parque de atracciones en el que ahora trabaja. Normalmente las atracciones necesitan engrase, piezas, pruebas… pero ella les da amor. Sobretodo a la última adquisición del parque. Si queremos pensar que esa nueva máquina tiene consciencia estaremos interpretando esto como algo fantástico evidentemente.
Pero yo me inclino a que esto es algo totalmente psicológico que nos quiere contar como los padres a veces han de adaptarse a los gustos y rarezas de sus hijos. También como una lucha por conservar una identidad con una sexualidad algo diferente. Su pugna por mostrarse rebelde no acaba de fraguar y pierde el pulso ante lo apático.
Lo mejor de este filme son sus escenas oníricas, por su simbolismo y su carácter visual. Lo peor es que parte de una idea original y bien planteada, pero su desarrollo no está a la altura, incluso parece que no acaba de contar nada.
No paramos, la semana para nosotros comenzó ayer pese al día festivo y seguimos con nuestras críticas. Rompiendo la superstición sobre el martes 13 esta jornada nos ha brindado películas que nos han gustado, aunque alguna hay que ha defraudado. Como en días anteriores tenéis disponible ya nuestro vídeo y mini-críticas. Las películas más destacadas del día han sido ‘No matarás’ y ‘Post Mortem’, de ahí nuestro titular.
‘No matarás’
DavidVictori nos lleva a una mala noche, pero mala de verdad. Nuestro protagonista Dani (MarioCasas) acaba de perder a su padre y decide cenar tranquilamente solo antes de emprender el viaje de su vida. Para su desgracia Mila aparece y todo se le trastoca en pocas horas.
Locura y desenfreno es lo que nos da este director al que ya le vimos dirigiendo en ‘El Pacto’. Los neones y la música son el punto central para lograr el cometido de esta cinta, mantenernos en constante tensión.
MarioCasas cada día me sorprende más. MilenaSmit está estupenda, es su primer papel en una película y lo borda.
Poco más que decir, os la recomiendo mucho y además ya tenéis la crítica en la web y os la dejo enlazada para que leáis todos los detalles.
Esta película estonia no es para niños. Casi siempre pensamos que la animación es algo para el público infantil pero este no es el caso. Es una de esas películas que como ‘La fiesta de las salchichas’ está concebida para adultos y que basa casi todo su humor en las connotaciones sexuales.
Al principio pensé que lo que iba sucediendo solo era campo de cultivo para mentes sucias, malentendidos que podrían generarse por eso de que no consiste en otra cosa que en salpicar a todos de leche. Pero la película está repleta de escenas con doble sentido. Yo pensaba que esta era una historia para menores (culpa mía por no informarme antes) pero en cuanto entran en un sitio oscuro, con un viejo jadeando, explotando al grito de ¡no puedo controlar la leche!, salpicando a sus nietos…
Me gustan estas películas que sacan un punto cómico y adulto a partir de dibujos o animación. Pero en este caso se ceba en lo soez y se repite. Le hacen el amor a un árbol con un tractor, solo tengo que decir eso.
El caso es que pese a que los personajes humanos no tienen movimientos en sus caras está bien animada. Los animales están bien hechos y la escenografía (luces, ambientes, maquetas…) tiene buen trabajo. El cerdo pedorro y el gallo intimidante son lo mejor. Eso sí, las cabezas de las personas que se han creado son muy feas. He tenido sensaciones parecidas a cuando vi la película checa ‘Laika’ hace dos años en el festival.
Thomas, un fotógrafo de cadáveres se ve envuelto en una trama de fantasmas bastante violentos en un pueblo de Hungría.
Las sombras, los ruidos y los ataques salvajes suceden durante toda la cinta. Anna, una niña, acompaña a nuestro protagonista en esta siniestra aventura.
El maquillaje de la cinta está muy trabajado, al igual que los efectos de movimiento de los objetos e incluso de las personas. Falla un poco más quizás en algunos efectos visuales, que no todos. Las sombras en las paredes son un poco menos complejas y termina notándose mucho que no están ahí de verdad. En cambio hay otros añadidos digitales que realmente hay que aplaudir.
Otra cosa que tampoco me ha terminado de convencer son las actuaciones de ViktorKlem (Tomas) y FruzsinaHais (Anna) en las escenas de tensión. Es decir, tienen como más de diez cadáveres volando a su alrededor. Sombras atacándoles y apenas se inmutan. Una cosa es que ya sepas que hay fantasmas y lo aceptes y otra muy distinta es que ni te asustes un poquito.
Pese a eso, tiene una buena historia que se toma su tiempo para contar, pero que no aburre y la hacen muy interesante. PéterBergendy nos trae una cinta llena de terror y aventuras.
Es frecuente y por desgracia normal que grandes películas independientes no lleguen a la audiencia. Con grandes me refiero a buenas historias rodadas con calidad que aunque tengan buenas críticas no aparecen en las carteleras copadas por las majors. Precisamente las grandes distribuidoras son las que han reculado en estos tiempos de COVID, dejando espacio a películas de menor presupuesto que pueden alcanzar más o menos sus objetivos. Se ha presentado una oportunidad para que los espectadores se abran a otro cine y para dar un respiro a trabajadores que normalmente sueñan con ver su cartel en cines.
Algo así es lo que trata la película de Justin McConnell. Él es un cineasta que sueña con sacar adelante sus propias películas, mientras trabaja como programador en los certámenes Little Terrors y Toronto After Dark. Gracias a este filme vais a ver cómo sacar una película adelante es mucho más difícil de lo que parece. Con las tecnologías de hoy en día es relativamente fácil hacer un largometraje. Pero lo difícil es distribuirla de tal modo que se gane dinero con ella.
Por si alguno no lo sabe o se lo cuestiona ahí es donde ejercen un papel vital los festivales. Son un foro de debate y encuentro para dar el pistoletazo real de una producción. Y es el escaparate de películas que aún busca quién les distribuya. Por si otros no lo saben no siempre que se empieza a hacer un filme hay quien lo vaya repartir por los cines o por Internet.
La experiencia manda y este documental cuenta con las palabras de Guillermo del Toro, MickGarris, Romero, Sam Firstenberg, Don Mancini, Tom Holland, Savini… Y también con la opinión de muchos productores, directores o técnicos que están tras títulos indispensables como Justin Benson, Aaron Moorhead, Anne-Marie Gélinas, Richard Stanley, Steven Kostanski…
Es un documental poco alentador de la mano de un soñador con los pies en la tierra. Tiene sus altibajos con las oportunidades que vienen y se esfuman. ¿Habrá conseguido lanzar alguna de sus ideas entre la competencia brutal de hoy en día? Con el documental descubriréis la respuesta y el camino, además de la función del Karaoke en todo esto.
El sol se quedó blanco por unos segundos un verano de 2020. Ese día la humanidad tuvo una visión fugaz del futuro. Ya sea un futuro inmediato o un futuro muy lejano. En este corto de 16 minutos conoceremos algunas de esas historias.
PabloHernando uno de los directores de ‘Esa sensación’. Este detalle hace que entienda un poco más el corto y lo bien que se le da a este director manejar las sensaciones sin necesidad de mostrar nada.
Con imágenes de archivo y algunas actuaciones en situaciones bastante cotidianas nos relata una narración de ciencia ficción. Acompañado de las voces y algunos rostros famosos.
IngridGarcía–Jonsson, EvaLlorach, VitoSanz, CarlosVermut, DavidZamora, o JuliánGénisson entre otros.
No os lo perdáis, además de que da para darle vueltas y comentarlo con los amigos, este corto tiene un final que os va a dejar KO.
Justin Daering fue asistente de dirección en ‘El contable’, una película muy solvente que os recomiendo ver. Igual que os recomiendo ver este corto que más bien podría pertenecer a una serie. En él la humanidad parece estar subyugada a una raza a la que consideran superior. Luchan por ascender en el escalafón y por ser portadores, que no es ni más ni menos que estar embarazados, en masculino, porque son los hombres los que gestan a los bebés.
El maquillaje es lo más importante en este corto que tiene algún momento asquerosillo. Ojalá progrese y tengamos una serie o un largo a partir de él.
El año que viene si será en la capital de Islandia
Los 33 Premios de Cine Europeo (EFA, European Film Awards) tendrán lugar como una ceremonia virtual sin público, retransmitida en directo desde la sede de European Film Academy, Berlin, el sábado 12 de diciembre de 2020.
La European Film Academy (EFA), el Alcalde de Reykjavik y el Ministerio Islandés de Educación Ciencia y Cultura, han decidido cancelar el evento en la capital islandesa en diciembre de 2020, pero están felices de anunciar que la 35ª ceremonia de los Premios de Cine Europeo se realizará en Reykjavik en diciembre de 2022. Siguiendo su ritmo habitual, los 34º Premios EFA se celebrarán en Berlin en 2021.
La decisión reconoce el deterioro de la situación debido a la pandemia de COVID-19 en un creciente número de países europeos y en Islandia. La pandemia afectará a todos los eventos que suelen tener lugar durance el fin de semana de los premios. European Film Academy y su productora, EFA Productions están trabajando actualmente en un nuevo concepto de Semana EFA con nuevos eventos online para involucrar a sus partners y miembros, incluida la Asamblea General anual.
El procedimiento de los premios continuará siendo el mismo, por ejemplo, muchos de los premios serán votados directamente por los más de 3,800 miembros de EFA. Debido a la pandemia, las nominaciones también se anunciarán online el martes 10 de noviembre en livestream junto al Festival de Sevilla, partner habitual de EFA.
El Presidente de EFA Mike Downey comenta: “La decisión no ha sido fácil pero se ha tomado con responsabilidad y pensando en el cuidado de nuestros invitados. Nadie está más decepcionado que nuestros amigos islandeses y nosotros en EFA por no podernos reunir en Reykjavik este año. Se ha puesto una enorme creatividad, pasión y energía desde todas las partes para organizar el fin de semana de EFA y nos hemos convertido en un gran equipo. La buena noticia es que todo ello se puede mantener y nuestra inspiradora cooperación continuará con el objetivo de crear una incluso más emocionante celebración del cine europeo en Islandia en diciembre de 2022, cuando el mundo ojalá haya vencido al COVID-19. Y mientras tanto el bosque EFA en Heiðmörk, que plantamos en julio con la Reykjavik Forest Association y la ayuda de la comunidad del cine en Islandia, continúa creciendo. Los 3,750 árboles prosperarán en un aire incluso ahora menos contaminado y esperarán nuestro regreso en dos años”.
Lilja Alfreðsdóttir, Ministro de Educación, Ciencia y Cultura, señala: Es un gran placer y un honor que Islandia acoja los Premios de Cine Europeo en 2022. Estamos deseando recibir a nuestros invitados europeos en Islandia para celebrar la estrecha colaboración en la creación fílmica. Desafortunadamente, un pico global en la pandemia COVID ha alterado nuestros planes. Nos mantenemos optimistas y emocionados por trabajar con European Film Academy planeando la ceremonia de premios de 2022 y esperamos veros a todos en Reykjavik en dos años!”.
Dagur B. Eggertsson, Alcalde de Reykjavik: “Estábamos deseando mostrar a nuestros invitados lo mejor de Reykjavík, así como todo lo que el cine y las industrias creativas islandesas pueden ofrecer. Pero esta es la única decision sensata posible este año. Esperamos que en dos años hayamos superado al virus y será todavía más emocionante celebrar este evento en Harpa, nuestro precioso centro de conferencias y conciertos. Nos vemos en Reykjavík en 2022!”.
Efectivamente, hoy ha sido un día en el que hemos visto títulos muy divertidos o potentes, a la altura del festival. Películas que ya sea por su carácter dramático, terrorífico o disparatado están al nivel esperado en Sitges. Pero además películas que son un homenaje a artistas que no deberían pasar nunca desapercibidos. Nos os perdáis nuestras críticas (aquí os podéis suscribir a nuestro canal o buscadnos en cualquier red social). A continuación sabréis por qué decimos que algunas dan la talla literalmente.
‘Relic’
Casi podría decirse que la primera película de Natalie Erika James es en algunos aspectos la ‘Hereditary’ de esta edición, de hecho empieza también con lentos paneos y zooms. Yo la metería dentro de ese grupo de películas contemporáneas que se consideran de “terror elevado”. Se cocina a fuego lento, se pasa rápido y tiene un significado que hay que saber leer o intuir, pistas no le faltan. Eso o se hace a posta petulantemente enigmática. Pero al fin y al cabo es terror. Inquieta y siembra nerviosismo que destroza con algunos sustos.
Emily Mortimer, Bella Heathcote y Robyn Nevin forman parte de un trío familiar que nos hace ir muy bien también por un triángulo de drama, suspense y terror.
Mi interpretación del significado de la película a continuación, hay que verlo haciendo clic para evitar spoilers. Si coincidís conmigo hacédmelo saber a partir del 30 de octubre que se estrena en cines.
A mi modo de verlo trata sobre el siempre contagioso miedo a la muerte y lo que a veces es peor, a envejecer. Y también a asimilar esa gran verdad siendo conscientes de que a nosotros nos va a tocar y que puede ser algo que afecte a los que nos rodean. Es un sentimiento de ser una reliquia y que todos los recuerdos que te rodean se han hecho añejos como tú. Refleja el sufrimiento de acompañar a alguien hasta la muerte. La vejez acecha.
Un pantalón que se ajusta perfectamente a cualquier cuerpo, tengas la talla que tengas. ¿Quién no quiere algo así? La tienda de ropa Cotton Clothiers tiene esta tecnología en su tienda y va hacer la presentación más espectacular en mucho tiempo.
Pero, ¿qué pasa si esos pantalones están vivos y además son unos asesinos?
Elza Kephart nos trae esta premisa con bastante humor pero también mucha crítica hacia las grandes compañías textiles que utilizan mano barata e incluso niños en sus plantaciones de algodón.
La película pide justicia para esas manos olvidadas gracias a las cuales sería imposible vestir a «la moda». Además de una crítica al tema de estar siempre perfectos y por supuesto estar a la moda de lo último que se ha vendido.
Así que estos pantalones piden justicia por todo esto, asesinando e incluso bailando a lo Bollywood.
La propuesta del ucraniano Eugene Kotlyarenko es un viaje a lo ‘Stuber Express’ con un maniático a lo ‘American Psycho’. Como en ‘La chaqueta de piel de ciervo’ un asesino graba sus asesinatos. La diferencia es que en este caso es en directo y el tono no es absurdo sino más bien simpaticón dentro de lo malicioso. Un chico quiere convertirse en influencer, está enganchado a recibir likes y lo que se le ocurre es grabar sus asesinatos y colgarlos. Para escoger sus víctimas solo espera a ver quién se sube a su VTC.
Joe Keery (el chico de los helados de ‘Stranger Things’) es Kurt o como quiere ser más conocido… @KurtsWorld96. En esta película lanza una crítica a la falsedad de las estrellas de las redes y a la función de jueces que ejercemos todos inmediatamente al reproducir algo en nuestros dispositivos. Como herramienta imita los reality shows ubicados en coches y además se cuenta con comediantes como Sasheer Zamata o Kyle Mooney (‘Brigsby Bear’), ambos de la escuela de Saturday Night Live o un rostro más famoso como el de David Arquette.
La película imita muy bien los ya clásicos videotutoriales de Youtube y a los insolentes influencers que con cuatro tonterías hacen legiones de adeptos. Me imagino esta película como una trama para un próximo GTA y me gusta la idea, pero me dan escalofríos de lo próxima que está a la realidad con la sociopatía que muestra o con la duda que siembra. ¿Este tipo de fenómenos se hacen a sí mismos o los creamos entre todos?
Walter Bencini, especialista en documentales, ha dirigido esta preciosidad honrando a RenatoCasaro uno de los grandes cartelistas del mundo.
En este documental, Renato, nos abre su estudio y su casa para mostrarnos su colección personal, recuerdos y muchas anécdotas sobre las distintas películas en las que ha trabajado. Al fin y al cabo ha logrado llevar a mucha gente a las salas gracias a sus bellos carteles publicitarios.
En el documental vemos a grandes personajes del 7º arte, como Dario Argento, Aurelio de Laurentis, Terence Hill o Carlo Verdone. Y por supuesto al autor.
Le vemos trabajar, su tranquilidad y facilidad en el trazo y su hiperrealismo en sus obras es algo que logra mantenernos con la boca abierta durante todo el documental.
Es un hombre que sabe de cine, muchísimo y que sin duda ha podido ver miles de películas gracias a su trabajo, el cual adora. Eso es algo que nos cuenta desde el principio, que el cine es su hobby y se convirtió en trabajo. Algo que no podía hacerle más feliz.
Sin duda un documental que espero podamos ver pronto en las salas de cine para disfrutar de estas obras en gran formato. Una delicia.
Que corto más duro y complicado. Un padre entra en bancarrota, su mujer le abandona y accidentalmente asesina a su hija y decide introducirla en una maleta.
A partir de ahí le ocurre de todo. La actuación de Mo Tzu-Yi es fabulosa, ves su dolor, su desesperación y el no saber qué hacer con nada en general. Creo que recordar que hace unos años se encontró a un hombre con una maleta en la que estaba el cadáver de una niña, no sé si el director se habrá basado en esa historia. Pero sin duda el corto es bastante duro como al final al padre se le va la cabeza.
Buen maquillaje, vestuario e incluso coreografías de lucha. Sobre todo podemos extraer una preciosas estampas con sus fotogramas. Una historia medieval y céltica sobre una dura despedida. Un corto neozelandés de Matt Inns.
El corto dirigido por Roh Jin, es bastante simple, una historia curiosa pero que tampoco nos dice demasiado.
Un transportista de paquetes de China a Corea, se da cuenta de la mercancía que tiene en su furgoneta y del peligro que atañe para su vida. Mientras tanto, Unzo, va recordando una antigua maldición que le contó su tío cuando él era niño.
Un corto muy oscuro y con mafias en el que algo de acción veremos.
Algo que hemos visto en las viñetas o en la serie de ‘Locke and key’. Nuestra cabeza vista como un archivador en el que podemos meter o sacar información. Luego están las consecuencias tanto buenas como malas de estas elecciones. Buena puesta en escena, falta algo más de resolución.
Unos granjeros reciben una extraña visita en su casa y no les gusta nada. Este corto belga bien podría haber sacado su inspiración en aquel episodio de ‘Los Simpsons’ donde el señor Burns no hacía más que traer paz.
Divertido y bastante gañán, este corto de 15 minutos nos demuestra que la paz no es para nosotros y que sin duda nos puede más el miedo que otra cosa.
Un corto del venezolano Victor Velasco. Algo desconcertante, casi tanto como la aparición de un objeto volante. El caso es que el objeto en este caso si es identificado. Al igual que la demencia o el Alzheimer es algo difícil de asimilar. Muy bueno para ponerse en la piel de nuestros mayores o enfermos.
Aunque no los hemos visto aún hoy toca empezar hablando de dos trabajos españoles que además están capitaneados por dos directores consagrados y con bastantes seguidores. Hablamos del ‘Baby’ de Juanma Bajo Ulloa y de ’30 monedas’ de Álex de la Iglesia. Ambos proyectos están presentes en este Sitges 2020 y han tenido rueda de prensa.
‘Baby’, la nueva y muda película de Bajo Ulloa estuvo presentada por su director, Natalia Tena, Mafalda Carbonell y Ferrán Tomás, productor. El director declaró que «confiamos en los elementos puramente cinematográficos, eso son la luz, los decorados, el vestuario, la composición de los personajes, las miradas de las actrices, el sonido, el silencio, la música. Que son los elementos puramente del cine, que a veces noto que se han perdido».
Por su parte Natalia contó que «yo vi a mi personaje como un perro maltratado. Cuando los perros tienen la cola dentro, que están mal, que tienen miedo». Mientras que la joven Mafalda dijo que » yo no me base en nadie. un día hacía de una cosa y otro día de otra cosa, no quería centrarme mucho en un personaje porque si no me iba a liar mucho. Yo cuando iba Juanma y me decía, tienes que ponerte más así, yo decía, vale».
Se preguntó a Bajo Ulloa por esta apuesta tan gótica. «Estamos hablando de un cuento, es un cuento, me interesa en cuanto a las historias de referencia más el gótico que el barroco, por ejemplo, aunque sí que la película es algo barroca en elementos. Pero me interesa el gótico, la madre muerta está bastante presente en este ambiente un poco gótico, de cuento gótico. Y en cuanto al decorado y la casa que es un trabajo excepcional del equipo de decoración, la casa existe, pero está desnuda, está vacía y ellos consiguieron todo este trabajo de jardinería y de ambientación creando estas humedades. Se trataba que la casa estuviese fagocitada por la naturaleza, entonces da la sensación de que se la ha comido la naturaleza. De hecho, es lo que hace la naturaleza, te come. Tú te quedas en el campo y aparte de que te mueres te fagocita».
Y en el caso de ’30 monedas’ la rueda de prensa en un principio había comenzado la emisión pero se ha eliminado, parece ser que por problemas de sonido. Álex de la Iglesia ha dicho sobre esta serie para HBO que “hemos tenido libertad total en este proyecto”. Los comentarios que nos llegan de compañeros que han podido verla hablan de una auténtica pasada de serie. Actualización: Se ha subido la rueda a Youtube con el audio en buena calidad.
Como el resto de días a continuación tenéis nuestros comentarios de más películas en vídeo y en mini-crítica.
‘Boys from County Hell’
Son tantos los pueblos de España que dice que por allí estuvo Cervantes que ya pierde interés ese reclamo. Lo mismo sucede en Six Mile Hill, una villa irlandesa que se vende como el lugar donde Bram Stoker pasó una noche y por eso le han dedicado hasta un pub. Verdad o no en ese lugar también hay un túmulo que se dice que oculta el cuerpo del vampiro original, Abhartach (el cuál pertenece al folclore real de Irlanda) y algo que sucede le despierta y hace peligrar la vida tanto de los protagonistas como del pueblo.
La historia de Chris Baugh tiene terror pero también drama y comedia. Los personajes se llevan a matar y como es obvio tienen que aunar esfuerzos para sobrevivir al día siguiente. En esas relaciones es donde más se ceba la película llevándonos casi siempre al drama. De hecho la primera media hora se cimienta en lloriqueos de autocompasión del protagonista y en las miserias del pueblo.
Tarda en brotar la sangre (que está muy bien hecha) y no acaba de lanzarse la comedia. Y eso que empieza con una escena muy potente. El filme se inclina más a lo oscuro, literalmente pues algunas escenas hay que desentrañarlas entre las tinieblas y la falta de luz. Aunque tiene un final bastante salvaje te deja huérfano de un climáx más potente.
Un buen hombre, que cuida a su madre con demencia, vive en el sótano de su casa de toda la vida y lo único que hace es ver vídeos que un servicio de citas le ofrece para conseguir a su pareja ideal. Allí conoce el vídeo de Andy, un hombre que quiere ser su amigo.
JonStevenson, técnico y director de fotografía nos ofrece su ópera prima, una cinta llena de tensión, tristeza y mucha comprensión.
El personaje de David, increíblemente interpretado por BrianLandis, es un pobre hombre que vive para su madre, se ha olvidado lo que es ser una persona, es decir, por mucho que intente buscar pareja, sabe que tiene que estar al 100% en su casa.
En su vida entra Andy, interpretado por WillWheaton, un personaje que quiere ser su amigo. Pero, ¿Qué es real y que no lo es? ¿A quién tiene que hacer caso David?. El actor logra que de verdad pasemos un poquito de tensión con este curioso personaje que simplemente se encuentra en el televisor.
Este juego dura toda la cinta y realmente juega muy bien, si que es cierto que el final es bastante convencional y no han arriesgado demasiado, pero sigue siendo un buen entretenimiento.
¿Qué puede haber peor que quedarse encerrado en un parlamento con un montón de políticos? Pues que estos intenten devorarte y contagiarte de un virus zombie. ¿Recordáis aquellos vídeos de los parlamentarios ucranianos peleándose? Pues esto lo eleva a la máxima potencia. Eso es lo que pasa en esta comedia divertida y disparatada. Un virus inicia una crisis zombie y esta cepa surge de una planta que una diputada quiere tumbar para recuperar su hogar.
I.-Fan Wang es el director de esta cinta y también presenta este año en el festival el cortometraje titulado ‘Temple of Devilbuster’. Es un joven autor taiwanés que demuestra con este filme tener una visión paródica y muy alocada.
La película es de acción real pero es totalmente anime. Pero ojo que con esto no quiero decir que sea amable pues tiene violencia. Es porque está llena de color, de onomatopeyas dibujadas, de música, de mafiosos e incluso cuenta con un personaje al que le sangra la nariz, cosa que los amantes de ese tipo de animación comprenderán.
La película es muy graciosa y tiene movimientos de cámara y técnicas bastante atractivas. Pero hay que estar predispuesto a una película de tintes asiáticos, es decir, a actuaciones muy exageradas. Si estáis acostumbrados a ver ‘La que se avecina’ seguramente podréis también con el constante griterío de esta película que a veces viene hasta con megáfono.
LarsDamoiseaux, dirige su ópera prima después de contar con unos 7 cortos en su carrera. Tengo que decir que me lo he pasado de maravilla con ‘Yummy’, una película de estas para no pensar y simplemente divertirte con las salpicaduras de sangre que vemos en pantalla.
Acompañamos a una familia que se dirige a una clínica de operaciones estéticas en medio de la nada, para que tanto Sylvia (AnnickChristiaens) y Alison (MaaikeNeuville), madre e hija, se hagan distintas operaciones que ambas desean. Todo esto muy a pesar del novio de Alson, Michael (BartHollanders)
En la clínica les espera el Dr. K. (EricGodon ) un médico un tanto extraño que esconde demasiadas cosas en su clínica, que está perdida en un bosque.
Todo parece idílico y como podéis imaginar todo se echará a perder en un segundo. Infectados, sangre y mucho humor negro.
Otra cosa no, encontramos grandes persecuciones por el hospital. No nos da nada nuevo, pero no hace falta, pues es divertida y nos lleva a las películas de los años de los 80. El maquillaje está muy bien y las localizaciones no pueden ser mejores para una infección con zombies.
Gracias a Doré en casa, durante la época de nuestro confinamiento, pudimos ver la mejor adaptación, al menos que he podido ver yo, del libro, ‘Soy leyenda’ y es un corto de más de 30 minutos dirigido por MarioGómezMartín en el año 1967.
El pesimismo se deja ver en cada uno de los fotogramas de este corto. Para quien no conozca la historia de ‘Soy leyenda’ nos cuenta la historia de Neville, el último hombre que no está contagiado en la tierra de una extraña afección que convierte a la gente en vampiros.
Una historia de vampiros que el cine ha maltratado y que sin duda Mario Gómez Martín logra plasmar perfectamente.
La novela de Matheson fue publicada en 1954 y a España llegó en 1960. Robert Neville tiene como única actividad la de investigar en su refugio en busca de una cura para el virus durante la noche y hacer incursiones mientras los vampiros duermen durante el día.
Una de las cosas que más pone de los nervios de la novela, es que a la noche, los vampiros se dirigen a su casa y le acosan llamándole e incitándole a salir para poder convertirle. Esto se deja ver perfectamente en este corto, la desesperación de Neville, sus ojeras, sus arrugas y su nerviosismo se deja ver en los movimientos del actor.
Sin duda una maravilla poder tener el placer de poder ver este corto y disfrutar de una de las mejores adaptaciones de ‘Soy leyenda’.
Del director de ‘Get the Hell Out!’ repite este año en Sitges con este corto de 24 minutos que nos cuenta la historia de Tai-Bao, reencarnación de la Estrella del Demonio y a A-queen, la persona que está destinada a cargar con sus pecados.
En el submundo criminal encontramos mucha violencia, sexo, violaciones y terribles muertes que harán de este corto un sinfín de acción y sangre por todos lados.
Un corto que si decide alargarlo y crear una película sería maravillosa.
Dos niños juegan en el campo y un extraño les promete llevarles a los fuegos artificiales a los que se dirigen. No sorprende, pasa lo que te temes, obviamente ese extraño no tiene buenas intenciones.
Son un niño y una niña y la verdad es que el niño es bastante problemático, cuesta creer porqué son amigos con la guerra que da. Es un corto sencillo y breve que no aporta gran cosa.
He flipado un poco con este corto que es bastante extraño y muy desconcertante.
Conocemos a una pareja, nos van mostrando el día a día de ambos, lo que se quieren, cortes de pelo en casa, comer fuera, salir a pasear, hacer el amor, cosas cotidianas en una relación. Hasta que van a comer a un pequeño restaurante y el novio comienza a comer algas sin parar, aquí es cuando ocurre algo que sin duda al menos a mí, me ha dejado de piedra.
Los efectos especiales son bastante malos y el maquillaje más bien parece de disfraz de carnaval, una pena porque está muy bien rodado.
‘El sueño de la razón engendra monstruos’, FranciscodeGoya, así comienza ‘Moires’.
Una escritora está agobiada con el fracaso de su libro y deja de trabajar con su editor. A partir de aquí algo extraño ocurre en la casa y en la vida de pareja.
Corto curioso y bien rodado. En 20 minutos vemos planos bastante típicos del género pero que siguen siendo efectivos, a la vez que juega muy bien con las luces y sombras.
Muy curioso, los efectos especiales son bastante buenos y tiene una escena muy trabajada en la que un cuadro se pinta solo que me ha parecido maravilloso. La historia, sencillita, un demonio se pasea tranquilamente por una casa.
La atmósfera es muy romántica, típica casa antigua con un montón de detalles por todos lados, además de sus lujos. Una enfermedad hará que todo se vuelva una locura y un demonio decida aparecer para trastocar las vidas de dos enamorados.
Corto de 7 minutos en el que encontramos a una mujer ensangrentada y una extraña criatura en su pecho.
Nos llevan a una sala forense, con dos científicos ataviados con todo el material específico para no contagiarse de nada. Muy bien rodado nos introduce en una atmósfera bastante inquietante. Con un poco de humor conocemos a la curiosa criatura que han descubierto.
Hoy han acudido los premiados por Sitges a la habitual rueda de prensa. Najwa Nimri, OriolTarragó y ManueldeBlas son algunos de los elegidos este año para recibir los reconocimientos del festival. En el caso de Nimri se le ha otorgado el Gran Premio Honorífico. En el plano técnico (de sonido en este caso) Tarragó se ha alzado con la María Honorífica. De Blas por su parte recoge el premio Nosferatu de la sección Brigadoon por su gran presencia en el fantástico.
De Blas nos ha contado como trabajó con Boris Karloff en sus inicios, cuando no era consciente de la importancia de ello, “con el tiempo lo he valorado más” dijo. “Tenía una voz impresionante. Te hablaba como si sonase en estéreo” añadió. Por su parte Nimri respondió a una pregunta sobre la frecuencia en la que interpreta personajes villanos o en dramas. “Me toca hacer los papeles que son más favorables para mi físico”. También comentó que le gustaría hacer una comedia. “comedia, época y el biopic de alguien, esos son los retos que tengo que hacer” declaró. Tarragó, que en el festival también está presente con ‘Malnazidos’, se mostró agradecido y generalizando reconoció “
El equipo de ‘No matarás’ también ha tenido un espacio de preguntas y respuestas con la prensa. El director David Victori anunció que “es una película en la que tratamos que el público tenga un papel muy activo”. Mario Casas, el protagonista lleva unos cuantos thrillers estrenados en los últimos años. “Las películas que he ido haciendo han sido de manera intuitiva. Me importa poco un género específico. Me han atrapado los personajes y los directores”.
Hemos tenido un par de películas con alienígenas o algo parecido… Os lo explicamos en el vídeo y en las reseñas.
‘PG: Psycho Goreman’
Dirigida por StevenKostanski (‘El vacío’) llega ‘Psycho Goreman (PG)’, una película que me ha encantado, pero que sin duda no me esperaba para nada así.
Conocemos a un extraterrestre que ha sido enterrado en nuestro planeta como castigo por intentar destruir su mundo. Psycho Goreman (PG) es despertado y «secuestrado» por dos niños que sinceramente están bastante locos.
Una guerra galáctica va a llegar a la Tierra y deben de ver si confiar realmente en Psycho Goreman o acabar con él.
¿Por qué no me esperaba esta película? Pues ya que me esperaba una cinta llena de sangre y bastante más seria. En cuanto a la sangre, os aseguro que ésta cinta la tiene, por todos lados, pero lo que es la seriedad. Para mi gran sorpresa me he encontrado con una comedia muy bien hecha y que os puedo asegurar, me hubiese encantado ver de pequeña, con la sangre incluida.
Técnicamente la película es muy cutre, sí, esa es la palabra, pero sin duda muy efectivo y no importa para nada. Algunos personajes son muy japoneses en plan mechas e incluso alguna bruja que aparece también puede recordar al estilo oriental. El resto de personajes, en general, son muy al estilo heavy metal, para explicároslo mejor, deciros que podrían ser miembros perfectamente de la banda de Lordi.
A veces cuando ves una película te encuentras con sentimientos encontrados y con elementos inexplicables. Eso es lo que me ha pasado con ‘Hosts’, una película que con interpretaciones muy básicas e intensitas y un argumento ya trillado se me ha pasado irónicamente en un santiamén.
Inexplicable es también su fundamento o resolución ya que no se llega a dar explicación a lo que está pasando en la casa donde sucede todo o en el mundo en general. Hay un poco de ‘Funny Games’, pero solo un poco ya que a capricho y sin que sepamos por qué al final del filme, los villanos juguetean o ponen a prueba a determinados protagonistas. Sí que es verdad que con algunas imágenes o frases se entiende un subtexto religioso, pero no se llega a ser explícito con lo que la película quiere exponer. Quizá la primera escena y las palabras de la presentadora del telediario sean las notas más concretas sobre lo que se quiere contar.
Está fuera de lugar la manera en como los personajes llegan tan pronto a un punto extremo de desesperación o cómo no intentan hacer nada para defenderse. Eso está fuera de cualquier instinto de supervivencia. Este es un trasunto de ‘La invasión de los ultracuerpos’ en el que lo más atractivo son los estallidos de violencia, bastante gráficos y con mucho regodeo en la sangre. Los directores Adam Leader y Richard Oakes también se cuelgan una medalla con el buen partido que sacan al brillo de los ojos que caracteriza a estos asesinos que son huéspedes en la casa de sus vecinos y en los cuerpos de otros.
Espero que al menos esta película llegue a los cines, sobre todo si coincide con la Navidad, para que por lo menos cale el mensaje del tipo de “Navidades paganas” que celebramos en estos tiempos.
Una familia es acosada por un persistente conductor de furgoneta. Lo primero que se me vino a la cabeza al leer sobre esta película o con sus primeros compases fue ‘El diablo sobre ruedas’ la segunda película de Spielberg. Pero esa sensación se disipó repentinamente en cuanto vi que el carácter de los protagonistas perseguidos es diferente y que además resultaba bastante más incoherente.
Haciendo uso muy de vez en cuando de algo de comedia negra la película de Lodewijk Crijns cae más de una vez en absurdos que ojalá estuviesen introducidos para continuar con la comedia, pero no, son errores que colocan a las víctimas en un punto limítrofe con la estupidez. Solo así se entiende que no cuenten con la policía o que se obcequen irracionalmente en llamar con el móvil cuando están rodeados de personas que les pueden auxiliar.
Quizá el carácter frío de la cultura de los Países Bajos hace que el proceder de estos personajes sea como lo vemos, no obstante se aleja de lo sensato demasiadas veces. Si que está mejor concebido el implacable villano que escoge sus víctimas entre aquellos que se saltan las normas sin dar ni un milímetro de respiro. Con él se ha planteado alguna que otra situación tensa.
Dicen que es una película estresante, pero a mí me han puesto más de los nervios los primeros minutos que todo lo demás, incluido su supuesto clímax.
Lucía Forner Segarra nos trae un corto de metraje. Una mujer sobrevive a un intento de violación y a partir de ahí se toma la justicia por su mano. A lo Batman, con ayudante y usando métodos cuestionables se convierte en toda una justiciera.
Thaïs Blume reparte leña muy bien y usa mascarilla. Aunque por motivos muy distintos a los que las usamos todos ahora.
A grandes males grandes remedios. Una historia para mostrar como puede empezar una causa o como alguien puede servir de faro, aunque sea con métodos extremos.
De momento el corto más flojito de los que he visto, con 17 minutos en su duración nos muestran como se conoce una pareja a través de una app de citas y entre ellos enseguida se crea una relación bastante cómplice.
El título lo dice todo, pero no voy desvelar hacia quien se dirige esa hacha.
La ubicación no puede ser más idílica, una casa súper moderna acristalada por todos lados, con un precioso paisaje nevado y un jacuzzi en el jardín. Que más puedes pedir para una primera cita.
El corto se mueve por el thriller y hay muchos secretos que descubrir. Donde encuentro el fallo es en las actuaciones, bastante forzadas, sobre todo ReidPrebenda que se le nota bastante tenso y no es por qué su personaje lo pida.
De la mano de Alex Kahuam y con dos actores conocidos en el fantástico como Ted Raimi y Brian Krause tenemos la desventura de unos descarados jóvenes que son secuestrados.
¿Cuán crueles somos? ¿Hacemos algo por los demás? Esa es la alerta roja que nos lanza este corto que entiendo que en su última escena esconde algún tipo de metáfora. Se entienda o no ese cierre se capta el mensaje.
Corto no recomendado para personas con pánico al dolor de los dientes. Yo lo he pasado fatal viendo a los niños quitándose dientes sin parar y es que os cuento. Felipe Vargas nos introduce en un orfanato que se sume en el caos cuando un niño descubre una siniestra criatura que recoge los dientes de los infantes a cambio de algo…
Muy bien rodado, apenas nos enseñan nada y aun así con lo poco que vemos a la criatura da bastante grima.
En cuanto al dolor de dientes, me parece bastante bestia, soy capaz de ver cortar a gente por la mitad o sacar los corazones sin que se me encojan los ojos, pero el tema de los dientes yo lo llevo fatal y sin duda este corto ha logrado que lo pase fatal.
Un extraño, una captora y criaturas en un bosque. El corto de Juan Pablo Arias Muñoz es el más corto que he visto de esta tanda. Prometía algo interesante con su primer e inquietante tramo pero luego se ha quedado en algo demasiado libre a la interpretación.
No entiendo por qué saltan así del español al inglés y tampoco a qué viene tan petulante título.
Un padre viudo pierde a su única hija en un accidente automovilístico, aquí empieza una espiral de dolor.
Me encanta hacia donde se dirige el corto, la manera de canalizar el dolor que tiene el padre es violenta y fantástica.
Dirigido por EnriqueMedrano el corto tiene una duración de 22 minutos y nos muestra muy bien la agonía, la fatiga, la desesperación de un padre que no sabe ya que hacer y no tiene absolutamente nada que perder.
Muy bien dirigido, muy bien introducido el tema fantástico y con una muy buena interpretación de MarioEnriqueSiliézar, quien sin apenas palabras logra transmitir mucho.
En el segundo día además de las películas de las que os hablamos en este artículo y en el vídeo-diario hemos asistido a la rueda de prensa emitida en el perfil de Facebook del festival con el equipo de ‘La vampira de Barcelona’, la película de Lluís Danés que da vida a la apodada como la “Vampira del Raval”, interpretada por Nora Navas.
Estaban presentes el director, la actriz, el protagonista Roger Casamajor, Bruna Cusí y Francesc Orella, entre otros. Ante todo Navas a defendido que ella ha interpretado a Enriqueta no ha hecho de “la vampira”. Y es que la película está hecha para mostrar cómo “se creaban monstruos para tapar monstruos”. Danés afirmó´que “no puedo decir que era una santa pero tampoco analizarla con la visión actual. Esta es una historia hinchada hasta límites grotescos. En todas las ciudades les gusta decir que tenían un Jack el Destripador y a Enriqueta la convirtieron en eso.
Cuando veáis la película comprobaréis que visualmente tiene una estética muy trabajada. A nivel estilístico han contado que buscaron tonos de thriller, cuento clásico e incluso de cine negro. Sobre las inspiraciones el director comentó “Tengo muchos referentes. Al final vivo de lo que veo. Fellini me metió las ganas de hacer cine”. La película tiene 3 texturas de color y nos lo explican en el vídeo en el vídeo que hemos enlazado en el primer párrafo.
Cortometraje ‘Rutina: La prohibición’
Del director de ‘Pos eso’, Sam, nos trae un corto de unos 8 minutos muy pesimista y lleno de oscuridad, en los que una sociedad está aplastada por el tirano y las fuertes leyes que este les pone.
Con una estética muy chula, la técnica del stop motion es impecable. Ya demostró en ‘Pos eso’ el gran trabajo con la plastilina, pero aquí va mucho más allá. Grandes texturas y difíciles movimientos es lo que vemos en pantalla. Unos personajes muy bien diseñados que sin duda os darán mucha pena.
QuentinDupieux (‘La chaqueta de piel de ciervo’) nos vuelve a sorprender con su nueva película ‘Mandibules’. Un road trip con dos personajes bastante tontos y a la vez entrañables que se encuentran una mosca gigante a la que quieren amaestrar.
En su viaje se encuentran con un grupo de amigas que les invitan a la casa de una de estas e intentan esconder a Dominique (la mosca). El humor y las situaciones absurdas que crea Dupieux me parecen genialidades, no he visto toda su filmografía y lo descubrí gracias a Sitges, pero cada día tengo más claro que es un director que no decepciona.
Con una banda sonora muy tierna y unas imágenes muy luminosas quizás es la película más simpática que he visto del director que siempre termina liándola en los finales de sus películas.
Una película muy recomendable que pronto veremos en pantalla grande gracias a Karma Films.
Cavestany vuelve a aliarse con rostros conocidos del cine español para llevar a cabo una de sus chifladuras. Película absurda que pide ser desentrañada constantemente y que reclama la permanente atención del espectador.
Carmen Machi y Pepón Nieto interpretan a una pareja que se va de viaje. Pero el viaje se torna cada vez más raro y cómico a los ojos del espectador. Lo que sí que comparten tanto los que están en las butacas como los que están en la pantalla es la cara de perplejidad ante el innumerable desfile de desvaríos que van sucediendo.
Esta no es una película de personajes que dan vergüenza ajena pero si mantiene la línea del director en cuanto a dejarnos desconcertados. Quedaos bien con sus pistas y sus running gags que al final vais a tener que reunirlos para comprender este simpático filme que se muestra fragmentado.
Enriqueta Martí, conocida como la Vampira del Raval, fue una supuesta asesina en serie española. Especialista en secuestrar a niños de los que además de prostituirles, les asesinaba y aprovechaba todo de ellos, desde la grasa, la sangre, los cabellos e incluso los huesos.
LluísDanés nos trae su historia desde el punto de vista periodístico. Seguimos a Sebastià Comas en una red de prostitución y pederastia que ni el mismo podrá controlar. Entre medias aparece Enriqueta Martí, una mujer que ha sido encarcelada y que según Sebastià hay demasiadas dudas.
El director juega con las actuales teorías de que simplemente Enriqueta fuese una víctima, una mujer con problemas mentales a la que lograron inculpar para tapar otras historias más cruentas.
La cinta va perdiendo fuelle según avanza, aburre un poco su historia pero he de decir que visualmente es preciosa. La fotografía mezclando blanco y negro y colores específicos me parece un recurso muy llamativo y que funciona perfectamente. Al igual que el montaje de la película que está muy cuidado.
En el reparto encontramos a SergiLópez, FrancescOrella, BrunaCusí, NoraNavas y RogerCasamajor.
Esta película de una hora sirve para engrandecer la figura de un director cuya obra y carácter ya le dejaron el panteón de los ilustres. Arranca con la muerte del cineasta y después sigue con testimonios de artistas que estuvieron relacionados con él, pero sobre todo con palabras del propio Kubrick acompañadas de recreaciones de sus escenarios, de fotografías y secuencias rescatadas. Así da testimonio de su legado artístico.
Su propia voz y las experiencias relatadas por aquellos que trabajaron en sus películas también hablan sobre la personalidad de un director que podía volver locos a sus compañeros o a sus empleados con su perfeccionismo. También de alguien que era controlador de su obra hasta el punto de gestionar sus películas con el material que tenía en su propia casa y rodando lo más próximo a esta que podía.
Es más original e introspectiva la entrevista recreada en ‘2001 destellos en la oscuridad’ pero en este caso al partir de las propias palabras grabadas de Kubrick, extraídas de conversaciones sobre cada una de sus películas, tal vez encontréis motivaciones o mensajes de algunos títulos en los que nunca antes habíais caído. Como el hecho de que ‘La naranja mecánica’ sirva para demostrar como de ineficientes o incluso inútiles son las autoridades y gobiernos.
Repasa las técnicas y las obras que a lo mejor vais a descubrir con asombro, siempre realizó a partir de novelas (salvo en su primer filme).
Abre con una cita de Allan Poe, por lo que se espera algo macabro, íntimo, tremebundo, psicológico o personal. Pero lo único que tiene esta película en común con Poe es la tragedia y que aparecen cuervos. Está protagonizada por dos hermanos marcados por un suceso doloroso pero separados por su manera de ser. Se ven juntos de nuevo y tras un malogrado atraco acaban en un pueblo llamado Potemkin en el que solo hay mujeres.
Como en ‘En tiempo de brujas’ los protagonistas se ven escoltando a una bruja, pero en esta ocasión desconocen su naturaleza. No tardan mucho en salir a la luz estas siervas del diablo con nariz de bruja piruja. Pronto veréis que el ataque de estas brujas churruscadas es una versión low cost de ‘Abierto hasta el amanecer’.
Tiene guiños a los Dalton o a tomas famosas de Leone. Mucho postureo de manual y sangre, en ese sentido hará las delicias de los que gocen la serie B. Esto habría ganado más con un toque a lo S. Craig Zahler o si hubiese tomado las lecciones adecuadas de Tarantino.
La música cansa y hay más de una conversación absurda. Y lo peor es el montaje y los recursos tan pobres que emplea para intentar generar inquietud o recrear la acción, no funciona. En casi todas las secuencias tenemos planos muy cerrados o partes cortadas para evitar tener que usar algún tipo de efecto especial o simplemente para no tener que mostrar al completo una escena de sexo. Cuando luego es una película capaz de ostentar maquillajes a cuerpo completo o tiros en la cabeza. Es un quiero y no puedo. Era de esperar teniendo en cuenta que el productor es la mente que ideó Bubba Ho-Tep.
Diez años después de que la Tierra haya sido sometida por una fuerza extraterrestre, la sociedad humana se divide en disidentes y colaboracionistas. En la ciudad de Chicago un grupo de jóvenes busca sobrevivir y recuperar su identidad, pero no lo tendrá fácil.
Crítica
A pesar de ponernos en la mierda, cautiva
Aún me acuerdo cuando era pequeño y en mi casa seguíamos ‘V’, la serie de alienígenas come ratas. Con el tiempo, tras ver y comparar con multitud de películas sobre invasiones uno ha aprendido a valorar más esa serie que ya por entonces rompió moldes. Y es remarcable por haber sido pura ciencia ficción y por toda esa etapa de resistencia prolongada en el tiempo en la que basó su argumento, algo que hemos visto más últimamente. No es que quiera comparar o poner a ‘Nación cautiva’ a la altura de tan entrañable serie pero si que puedo asegurar que os va a recordar a aquella idea de Kenneth Johnson, autor también de ‘Cortocircuito’ y de ‘Steel’.
‘Nación cautiva’ abarca los tiempos de una postguerra. Una contienda que se salvó con el éxito de los alienígenas y la subyugación de la humanidad. Es de esas narraciones que mandan al carajo todo ese optimismo, patriotismo y virtuosismo de películas como ‘Independence Day’ o ‘Invasión a la tierra’. Directamente arranca en un punto derrotista y destructivo en el que Rupert Wyatt, director de ‘El origen del Planeta de los Simios’, vuelve a meternos en las cloacas y a sacar el lado oscuro de la humanidad.
Con un trabajo inferior al remake de la película simiesca Wyatt vuelve a pintar un futuro muy aciago para la humanidad. Al igual que la serie ‘Colony’ arranca directamente en el punto en el que llevamos años bajo el mando alienígena, o tal vez debería decir sobre porque estos son unos extraterrestres que se nos acomodan bajo tierra, en plan locust. En ese punto de partida se antoja interesante pues nos hace deambular por una trama suburbana y con asuntos de familia, que no falten en las producciones de Amblin y DreamWorks.
Donde hay invasores siempre surgen oportunistas y colaboracionistas. Por supuesto y por suerte ante situaciones así siempre nos amparamos en la clásica resistencia. Lo que vemos en ‘Nación cautiva’ se amolda a los esquemas de un gran hermano y un estado fascista. La película nos pone en situación rápidamente con una secuencia introductoria a base de noticiarios. Irónicamente durante el filme no cunde esa agilidad alargándose excesivamente con algunas secuencias que podrían haberse resumido. Pero igualmente consigue dar acción y plantear una narración y una disposición de personajes con los que es fácil simpatizar.
En líneas generales esta es una película que se deja ver muy bien, sobre todo porque se gusta con los planos amplios, con lugares colosales. También porque se reserva algún giro y tiene ciertos toques de originalidad. Me ha encantado el diseño de los alienígenas y de sus trajes, sobre todo porque no me esperaba verlos en pantalla, pensaba que iban a estar ocultos siempre manteniendo el suspense. Tampoco me extraña la calidad de estos seres, aunque sus escenas son algo confusas, ya que Greg Nicotero los ha recreado e incluso interpreta a uno.
Tener a John Goodman, que ha hecho en su carrera casi el mismo número de personajes adorables como viles, ayuda mucho. Eso lo habrá aprendido el director tras contar con él en ‘El jugador’. Aporta un alto grado de suspense pero no le considero exactamente el protagonista, aunque su rol me ha recordado mucho a lo que está planificado para Jeremy Reiner en ‘Spawn’, si se llega a rodar. Los protagonistas son Jonathan Majors (‘Territorio Lovecraft’) y Ashton Sanders (‘Moonligth’), pese a que la película se olvida de este último durante casi todo un acto. Son dos actores que me parece que tienen mucho futuro, que en esta película no tienen fallos pero tampoco se les ve brillar en exceso. Aún más inexplicable es el desaprovechamiento de Vera Farmiga que pasará por muy poco los cinco minutos en pantalla.
‘Nación cautiva’ está por encima de otras producciones de ciencia ficción que parece que se hacen por cumplir una cuota. Puede sorprender a espectadores más tiernos, sobre todo si se desarrolla con alguna secuela ya que esta parece un punto de partida que no acaba de formarse como un análisis exhaustivo de algo concreto, quizá tampoco lo pretenda. ‘Nación cautiva’ llega tarde y a tiempo. Tarde porque tenemos un desfase de más de un año y medio con respecto a su estreno en otros países. A tiempo porque es un buen entretenimiento, lo suficientemente cautivador como para que nos merezca la pena el paseo hasta el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: Captive state. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Rupert Wyatt. Guion: Erica Beeney, Rupert Wyatt. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Alex Disenhof. Reparto principal: John Goodman, Ashton Sanders, Jonathan Majors, Vera Farmiga, Kevin Dunn, James Ransone, Alan Ruck, Madeline Brewer. Producción: DreamWorks, Amblin Partners, Lightfuse & Gettaway, Participant. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/captivestate/
Un arranque divertido y no exento de terror ni de zombie walk
Ya ha arrancado la 53 edición del Festival de Sitges y como en años anteriores empezamos nuestro diario en el que iremos publicando pequeñas críticas de todo lo que vayamos viendo. Este año dada las circunstancias cubriremos el festival en su modalidad online a si es que el contenido lo tenemos más limitado aunque no por ello va a ser escaso.
Hoy hemos arrancado con el cortometraje de Paul Urkijo Alijo, que ya participó en Sitges con la espléndida ‘Errementari’. Seguido de ese corto se ha proyectado ‘Malnazidos’, la cual pese a no estar disponible en el catálogo online pudimos ver gracias a un pase de prensa realizado por Sony Pictues, la distribuidora que lanzará el filme en cines en enero de 2021. Podéis leer nuestra crítica en este enlace o nuestra opinión en este diario.
Hemos visto la rueda de prensa de ‘Malnazidos’ que además estaba celebrando su estreno mundial. En ella se habló del tipo de zombies o localizaciones que se plantearon, entre otras cosas. Dado que es una película ambientada en la Guerra Civil Española se preguntó acerca del carácter del filme, a lo que Alberto de Toro contestó “Quien quiera sacar lecturas son bienvenidas, pero están en vuestras cabezas […] Si hay cosas son más morales que políticas”.
También hemos visto la canadiense ‘Vicious Fun’ (muy divertida) y ‘Last Words’ de Jonathan Nossiter. Nos hemos aventurado además con la película de Romola Garai, ‘Amulet’. De todos estos títulos os hablamos en el canal de Youtube y con más detalle en las siguientes minicríticas.
Cortometraje: ‘Dar-Dar’
PaulUrkijo ya nos sorprendió en la 50ª edición de Sitges con el estreno de su ópera prima ‘Errementari‘. Este año vuelve para inaugurar su nuevo corto que nos regresa a esas leyendas de Euskadi que tanto le gusta mostrarnos y que aprendamos.
Dar-Dar, es un demonio que se alimenta de dedos y cuando aparece dice así «Dar, dar, dar, dame tu dedo para cenar. Si no me los das, por la noche me verás y con tu alma pagarás».
Son 10 minutos de cine mudo, en blanco y negro con una preciosa y tenebrosa fotografía de la mano de Gorka Gómez Andreu, con el que ya trabajó también en ‘Errementari’.
Al igual que en su ópera prima, vemos que Paul no tienen ningún miedo a rodar con niños y sin duda es algo que se le da muy bien. UdaneElosegi nos muestra el terror con su mirada y movimientos y eso es algo que se logra con confianza y mucho trabajo.
El reparto lo completan AlmudenaCid y EliasGarcía, ambos muy bien en sus distintos papeles.
En 2005 apareció el ‘Resident Evil 4’ basando su ambientación en España. ¿Y si se hubiese hecho la precuela en forma de película? El filme de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro podría hacer las veces, pero obviamente no cuadraría con la franquicia de Capcom. Lo que vemos en esta película si que recuerda bastante a ‘Wolfenstein’ o a ‘Overlord’ (otra película que pasó por Sitges en 2018).
Esta no es una película encarnizada, incluso la sangre de los zombies se muestra en forma de polvo por motivos de la trama. Pero si tiene lo suyo de acción y algo de gore plastificado con referencias a clásicos incluidas. Podría haber sido también una película punzante teniendo en cuenta que todo sucede en un valle donde los caídos se levantan. En lugar de eso tira más bien hacia lo ridículo, lo gracioso y nos carga de tópicos. Tal vez esta película se haga con el récord por ser será la cinta en la que se dice “facha” más veces.
La adaptación de la novela ‘Noche de difuntos del 38’ cuenta con un protagonista interpretado por Miki Esparbé. Él hace de un buscavidas y aprovechaoportunidades que maneja bien. Le rodean actores como Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Aura Garrido, María Boto, Francisco Reyes, Sergio Torrico, Asia Ortega… No falta talento y tampoco los apodos que parecen sacados de ‘Historias de la puta mili’.
Me lo he pasado bien con ‘Malnazidos’, sobre todo cuando arranca su continua persecución y siguiendo el juego de algunos guiños y burlas. Me quedo con esa parodia que entiendo que hace justicia ante la farsa de alguien tan simbólico como Robert Capa.
La primera película de Romola Garai viene con carga. La actriz se estrena como directora en un título que se maneja con pocos personajes y un giro potente. Entre las protagonistas está la que interpreta Imelda Staunton, la Dolores Umbridge de las películas de ‘Harry Potter’. Seguro que cogisteis manía a su personaje en la saga del mago y en esta película puede que empecéis también con ese sentimiento. Pero ‘Amulet’ le dará la vuelta.
Este es un filme que basa gran parte de su metraje en sembrar atmósfera. Posteriormente tiene alguna que otra escena repelente, pero sobre todo es su ambiente el que os va a atrapar. También mantendrá vuestro interés con los sueños o recuerdos que tiene el protagonista y por el amuleto que aparece de vez en cuando.
Esta es una historia que sigue la senda de lo inquietante y lo desesperante. También es una narración un tanto asfixiante con toques de feminismo, redención y venganza. Acierta mucho con el plano técnico que mantiene con uniformidad un toque sucio y generando además su propia mitología. A pesar de su gran cambio de rumbo en el último acto ya hemos visto cosas parecidas anteriormente, no sorprende con su propuesta y su resolución. Mucho sembrar para obtener frutos ya probados.
Estamos en 2085, el mundo se está acabando y la raza humana está desapareciendo. Conocemos a un joven que pierde a su hermana en un París destruido y se dirige hacia Bolonia en la búsqueda de un deseo. Allí conoce a Shakespeare un hombre que le descubre el cine. Desde allí deciden viajar a Atenas y mostrar las películas que tienen a quien logren encontrarse.
Película muy luminosa y a la vez pesimista. Estamos en un mundo desértico donde todos intentan sobrevivir como pueden. La gente nace sin conocer el pasado y la iniciativa de Shakespeare es que puedan construir una cámara para poder filmar y que el mundo tal cual es en su actualidad quede registrado.
Basada en la novela de SantiagoAmigorena, la película nos muestra un mundo triste, sin apenas vida y de la que cada vez queda menos tierra pues está siendo comida por las inundaciones.
También vemos los típicos problemas que entran en estas historias. Caníbales, salvajes e incluso gente que no sabe ni siquiera hablar, la civilización se ha ido perdiendo para dejar paso a la supervivencia y a no convivir con nadie.
Dirigidos todos por JohathanNossiter, en el reparto encontramos caras bastante conocidas como NickNolte, Charlotte Rampling o StellanSkarsgard. Gracias a ellos vamos viendo el paso de la humanidad, la alegría y esperanza finalizando en la tristeza y desesperación.
Se ríe abiertamente del género desde un punto de vista fan. Cody Calahan homenajea el género slasher con guiños (incluso a su propia filmografía), comedia y tirando de villanos arquetípicos. Precisamente el tener un elenco variopinto de asesinos es lo que la hace más divertida. Está el que masacra brutalmente, el que mide cada uno de sus pasos, el caníbal y hasta el meticuloso tipo Christian Bale en ‘American Psycho’. Todos ellos contra un protagonista bobalicón que no carga y resulta simpático.
A pesar de contar con un personaje principal miedica y torpe este se considera sabio dentro del género de terror y se dedica a escribir reseñas en una revista especializada llamada ‘Vicious Fanatics’. Por casualidad y por mezucón se ve metido en una reunión de asesinos. Una situación peliaguda y escalofriante para él pero divertida para nosotros.
Todo acaba siendo una reunión para los que se lo pasan de vicio viendo terror o causándolo. Podríamos pensar que al tener a un crítico de cine enfrentado a unos asesinos preconfigurados este se dedicaría a usar sus conocimientos para salir del atolladero. Pero la película pierde esa oportunidad y se soluciona por otras vías. Podríamos dividir la película en dos encierros que se rompen por el asalto de los psicópatas, uno de ellos un tanto al estilo de ‘Asalto al distrito 13’.
Rememora mucho al cine de los 80. ‘Falcon Crest’, las luces de neon, la música de sintetizador y hasta un reloj calculadora dan cuenta de ello. No tiene super-estrellas pero su elenco protagonista incluye caras conocidas como Evan Marsh, Amber Goldfarb, David Koechner, Robert Maillet…
Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.
Crítica
Va de malnacidos pero está bien traída
‘Malnazidos’ llega para llenar de sangre una época que de por si fue sangrienta. La Guerra Civil Española sirve de marco para una historia de zombies muy simpática y con algo de gamberrismo. Hermanos contra hermanos, reunidos de nuevo para matar también a aquellos a los que conocen, pero esta vez más que nunca el motivo es la supervivencia.
Evitar ser comidos es la misión primordial de los contendientes de esta guerra en cuyo frente ha surgido un mal que amenaza a todo el mundo. Igual que en el ‘Resident Evil 4’ en un pueblo español surge un brote zombie que arrasa con todo lo que toca o más bien muerde. ‘Malnazidos’ es una obra de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro (‘Superlópez’, ‘Anacleto agente secreto’) ambos acostumbrados a manejar la comedia y eso han hecho de nuevo en esta película que tiene poco de terror y mucho de humor y carnicería.
‘Malnazidos’ ya ostenta el privilegio de haber sido la película de inauguración del festival de Sitges. Le pega mucho un festival fantástico como ese ya que su trama es totalmente fantasiosa y paródica. Además se agradece que aunque es burlona y paródica, no busca hacer leña del árbol caído. Creedme cuando os digo que podría haberse puesto a lanzar muchas más indirectas o se podría haber concebido como algo más explícito y rencoroso. Pese a transcurrir en un valle donde los caídos se levantan y piden guerra no se dedica al discurso político. Pero también es cierto que nos colma de tópicos y palabrería relacionada con los años de lucha fratricida, que por desgracia hoy en día seguimos oyendo. Reparte a diestro y siniestro y lo que mejor he interpretado que hace es desmentir iconos a veces malamente idolatrados como Robert Capa.
Obviamente no es una película infantil ni para aquellos que no aguanten la casquería. De hecho deja alguna perla referencial para los fans del género. El entusiasta reparto encabezado por Miki Espabé, Aura Garrido, Luis Callejo o Álvaro Cervantes, entre otros, parece que se lo ha pasado en grande y por lo menos consigue divertirnos a nosotros también. Si no consigue éxito rotundo en taquilla por lo menos se meterá entre esas películas amadas por unos cuantos o como se dice, de culto.
Lo que no se decir es si está a la altura de ‘Noche de difuntos del 38’, la novela de Manuel Martín de la que surge toda esta historia llena de malnacidos. Si me decís que sus persecuciones y tiroteos están tan graciosos y que su violencia no tiene tampoco pelos en la lengua me la leeré. Y si también me recomendáis una hojaldrinas las compraré para acompañar.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de marzo de 2022. Título original: Malnazidos. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera, Alberto de Toro. Guion: Jaime Marqués Olarreaga, Alberto Fernández Arregui, Cristian Conti. Música: Javier Rodero. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Manel Llunell, Mouad Ghazouan, Dafnis Balduz, Sergio Torrico. Producción: Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, Malnazidos AIE, La Terraza Films, Ikiru Films. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, terror, comedia. Web oficial:https://www.ikirufilms.com/portfolio_page/malnazidos/
Desde la plataforma Filmarket Hub hemos sabido que han abierto la convocatoria de proyectos para Madrid Online Pitchbox, su evento virtual de pitching enfocado a largometrajes y series españolas en fase de desarrollo. Una iniciativa de matchmaking para descubrir los mejores proyectos de ficción del mercado y conectarlos con las principales empresas de la industria española.
Los proyectos interesados en participar podrán inscribirse hasta el 12 de noviembre a través del mercado online de Filmarket Hub. En total se seleccionarán siete largometrajes y siete series. Los responsables de los proyectos seleccionados tendrán la oportunidad de hacer un pitch de venta y posteriormente tener reuniones one to one con las empresas participantes. El evento tendrá lugar los días 17 y 18 de diciembre, el primer día dedicado a largometrajes y el segundo a series.
La jornada de series volverá a contar con la participación de Alejandro Rojas, director de analítica aplicada de Parrot Analytics, la prestigiosa empresa especializada en medir demanda de audiencia para contenidos a nivel internacional. Alejandro abrirá la jornada con una charla titulada «Valorizando oportunidades de inversión en contenidos españoles». Adicionalmente, Parrot Analytics evaluará la potencial demanda de mercado de las siete series seleccionadas, cuyos responsables podrán presentar los resultados en el evento.
El evento también volverá a contar con el apoyo de la Universidad Carlos III de Madrid. Gracias a esta alianza, los proyectos de los dos mejores estudiantes de su Máster en Guion de Cine y TV con ALMA Guionistas serán destacados con una mención especial, para que los ejecutivos puedan descubrirlos a través del mercado online de Filmarket Hub.
Madrid Online Pitchbox será el cuarto evento Pitchbox que Filmarket Hub adapta a este nuevo formato virtual en 2020. Hasta la fecha se han celebrado con éxito UK Online Pitchbox y Latam Online Pitchbox, enfocados a proyectos británicos y latinoamericanos respectivamente, que han contado con la participación de empresas como Amazon Prime Video, BBC, Buena Vista (Disney), eOne, Film4, NBCUniversal, Sony Pictures o Turner. Por otro lado, estos días tiene lugar Sitges Pitchbox, en colaboración con el Festival de Sitges y enfocado a proyectos internacionales de género.
Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.
Crítica
Ozon destroza la idealización en el amor
François Ozon vuelve a nuestras carteleras tras la muy bien recibida ‘Gracias a Dios’. Y de nuevo la propuesta que nos ofrece consigue ser cómoda e incómoda a la vez. Ozon es muy bueno con sus planteamientos y siempre nos remueve, nos invita a pensar y demuestra ser cineasta de inquietudes.
En ‘Verano del 85’ nos presenta a dos amigos. Esta es la crónica de una muerte anunciada (coger solo el título no conserva similitudes con la novela de García Márquez). Desde el principio nos indican que hay un personaje que ha muerto y desde la obsesión por la muerte de uno de los protagonistas y las pesquisas que se realizan en torno a él se nos narra todo este verano del 85.
Si es verdad que esta película tiene algo de Guadagnino. Pero aunque este filme tiene una importante carga erótica y aborda la homosexualidad para mí más que parecerse a ‘Call me by your name’ como ya he oído se me asemeja a ‘We are who we are’ o a ‘Las niñas’, por relacionarla con títulos recientes. Lo que quiero decir no es que esté influenciada por esos trabajos que han sido estrenados hace poco, sino que se está generando una corriente que intenta inmortalizar de alguna manera cómo ha crecido determinada generación o a qué inquietudes se ha enfrentado.
‘Verano del 85’ es un ensayo sobre cómo nosotros mismos escribimos o re-interpretamos nuestra propia historia. Me gusta su exposición de cómo somos capaces de encandilarnos de una idea y puede llegar a sorprender la lucidez de determinados personajes jóvenes con respecto al tema. Ozon nos expone claramente y desde distintos ángulos cómo a veces lo que amamos es lo que nos imaginamos, no lo que realmente hay. Incluso me atrevo a decir que nos lanza un dardo a todos aquellos que recordamos con anhelo y nostalgia los años 80. ¿Fue realmente una época para enmarcar o nos vendemos una idea idílica de ella?
Muy pocos pondrán también en entredicho que Ozon tanto como guionista o como director sabe construir personajes. En este caso nos pone delante a dos muchachos movidos por pulsiones. Uno en plenas vacaciones (Félix Lefebvre) y el otro materializando el duelo por una pérdida (Benjamin Voisin). Se influyen mutuamente hasta el punto de forzar la relación que surge entre ellos. De manera inconsciente o no, comienzan algo que les marca de por vida. Que uno vaya en un barco con nombre de la enamoradiza Calypso y el otro en uno cuyo significado es “bofetada culo” lo dice todo. Me funciona muy bien el cómo Voisin parece sacado de ‘The Warriors’ con sus pintas, sus maneras y su peine retráctil, atrapando arrolladoramente a Lafebvre, que es un niño más bien discreto. Y también es muy buena tanto la interpretación como la concepción de esa madre compungida y trastornada encarnada por Valeria Bruni Tedeschi.
Vais a extraer buenas escenas de esta película cuando os pongáis a recordarla. Su arranque es muy potente y tiene intensos momentos, como el de la discoteca o el de la trastienda. Quizá no es la mejor película de Ozon pues se hace aburrida en algunas escenas muy extendidas, pero es un filme que traerá recuerdos a muchos y que a otros les hará cavilar.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: Été 85. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Jean-Benoît Dunckel. Fotografía: Hichame Alaouie. Reparto principal: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Isabelle Nanty, Melvil Poupaud, Valeria Bruni-Tedeschi. Producción: Mandarin Productions, FOZ, France 2 cinema, Playtime Production, Scope Pictures, Radio Télévision Belge Francophone, Canal+, OCS, France Télévisions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:https://www.golem.es/distribucion/peliculas/verano-del-85/
Del 6 a 18 de octubre y de manera presencial y online con su apuesta por el cine emergente más pujante
El Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR) arranca ya su edición número 29, del 6 al 18 de octubre de 2020. Una cita comprometida con el cine emergente español promovida por la Plataforma de Nuevos Realizadores (PNR), que este año se adapta a las circunstancias de la crisis sanitaria y que tendrá lugar de forma híbirda: presencial y online. “Quédate con nuestro cine” es el eslogan de esta edición. Una clara apuesta por nuestro cine, y una decidida puesta en valor del cine español.
El Festival de cine de Madrid (FCM-PNR) homenajearáa Ana Belén por su trayectoria como artista polifacética capaz de destacar en diversos ámbitos. La entrega del Premio Homenaje Nacional del Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR) tendrá lugar el martes 6 de octubre en la sede de Filmoteca Española, sala en la que también, y dentro del Festival de cine de Madrid,se proyectarán distintas obras en las que Ana Belén es intérprete, directora o productora.
Una edición muy completa, que aúna una cuidada programación con opciones para todos los públicos, y lugar para el encuentro y el debate, además de sinergias nacionales e internacionales, materializadas en la Sección Internacional en alianza con FICUNAM (México) y en CINE MOLÓN, de la mano del Certamen de Cortos de Soria.
Cineteca, Sala Berlanga, Cine Doré (sede de la Filmoteca Española), Academia de Cine y Sala Equis acogerán las proyecciones presenciales, que tendrán lugar en Madrid. La web del festival será la sede online, accesible desde todo el territorio nacional y se podrá ver gracias a la plataforma Festhome.
Cinco son las Secciones Oficiales a concurso: Largo Nacional, Corto Nacional, Corto PNR, Largo PNR y Cine Sordo. Para competir en ellas, este año la PNR ha recibido más de 500 películas, de las que 68 cortos y 10 largos han resultado seleccionados. Además otras 30 obras participarán en secciones paralelas y optarán a los premios del público. Los títulos que concurren en las secciones a competición (Corto Oficial, Largo Oficial, Corto PNR, Largo PNR, y Cine Sordo) ya han sido anunciados anteriormente y están disponibles en la web del festival www.festivalcinemadrid.es.
Toda la programación (excepto Homenaje Nacional y Cine Sordo) se podrá ver online del 6 al 18 de octubre. www.festivalcinemadrid.es, con opción de ver el festival completo con un abono único de 5 euros. También se puede disfrutar de un Cortometraje suelto por 1€, o de Largometrajes sueltos por 2€ cada uno.
Sección Oficial de Corto
Un reflejo de los mejores trabajos del circuito de cortometrajes del año, lo que unido a las obras de los socios de la PNR conforma un escenario de alta calidad y variedad en las propuestas de este 29º festival. Todas ellas son obras calificadas.
16, de Ana Lambarri Tellaeche, 2020.
#Yomequedoencasa, de Carlos Polo, 2020.
A quién dices amar, de Inés Pintor y Pablo Santidrián, 2020.
Acto reflejo, de Alfonso Díaz, 2020.
Alimezher, de Liteo Pedregal, 2020.
All I need is a ball, de Elena Molina, 2020.
Beef, de Ingride Santos, 2019.
Biografía del cadáver de una mujer, de Mabel Lozano, 2020.
Black bass, de Rakesh Narwani, 2019.
Candela, de Marc Riba y Anna Solanas, 2019.
Carne, de Camila Kater, 2019.
Colrun, de Jorge Sarria de Vicente, 2020.
Cómplices, de Rubén Guindo Nova, 2020
Eco, de Aitor de Miguel, 2019.
El árbol de las almas perdidas, de Laura Zamora, 2019.
El guardián en el espejo, Josep Rodglá, 2019.
El infierno, de Raúl de la Fuente, 2019.
Els que callen, de Albert Folk, 2020.
Era yo, de Andrea Casaseca, 2019.
Fernández Pratsch, de Emiliano Spampinato, 2020.
Ferrotipos, de Nüll García, 2020.
Fronteras, de Violeta Barca-Fontana, 2020
Human Trash, de Aitor Almuedo, 2020.
Influencer, de Rubén Barbosa, 2020.
Inocencia, de Paco Sepúlveda,
Julieteta, de Alejandro de Vega y Alvaro Moriano, 2020.
La guacha, de Pepe Puertas y David Cervera, 2020.
La piel fina, de Lucía Guerro, 2020.
Lo efímero, de Jorge Muriel, 2020.
Loca, de María Salgado Gispert, 2020
Los destellos de la memoria, de Arturo Dueñas Herrero, 2020
Madrid 2120, de José Luis Quirós y Paco Sáez, 2019.
María, de Paco Ruiz, 2019.
Mateoren ama, de Aitor Arrgui y José Mari Goenaga, 2019
Nunca es tarde, de Mario San Román, 2020.
Pentimento, de José Manuel Carrasco, 2020.
Piccolino, de Giovanni Maccelli, 2020.
Polvotrón 500, de Silvia Conesa, 2020.
Reflejo, de Juan Carlos Mostaza, 2020.
Saber perder, de Sergio Milán, 2019.
Salvo el crepúsculo, de Mario Hernández, 2019.
Sin Filtro, de Manu Montejo, 2020.
Sòl, de Clàudia Munuera, 2019.
Solsticio de verano, de Carlota González-Adrio, 2019.
Sonrisas, de Javier Chavanel, 2019.
Spyglass, de Javi Prada, 2020.
Su rider , de Alberto Utrera, 2020.
Todo el mundo tiene porno en casa, de Alberto Rodríguez de la Fuente,2020.
Un viaje inesperado, de María Guerra, 2019.
Victoria , de Daniel Toledo, 2019.
Vive, baila, posa, de Valentina Riveiro Moreira, 2020.
Woman, de Raúl de la Fuente Calle, 2019.
Sección oficial de Largometraje
Una selección arriesgada, emotiva y transgresora, en forma y contenido. En esta edición se abarca un espectro muy amplio de la cinematografía emergente de nuestro país, con jóvenes propuestas narrativas, nuevas formas de contar, impregnadas de un altísimo nivel de calidad.
Regreso a casa Ros, de Ian Ingelmo Ros, 2020.
Una vez más, de Guillermo Rojas, 2019.
Mathius Marvellous Shop, de Paola Álvarez y Manuel Escorihuela, 2019.
This film is about me, de Alexis Delgado, 2019.
Pessoas: El camino más corto, de Arturo Dueñas Herrero, 2019.
Sección Corto PNR
Una muestra de trabajos de los socios y socias de la Plataforma Nuevos Realizadores que competirán en el Festival optando a varios premios PNR.
Anna, de Iván Cerdán Bermúdez, 2019.
Calamity Jane 1882, de Enrique Novials, 2020
Dajla Cine y olvido, de Arturo Dueñas Herrero, 2020.
El camino. 45 minutos, de Montserrat Bodas Sánchez,
Es el progreso, estúpida, de Patricia de Luna, 2020.
La mujer del siglo XXI, de Eduardo Ovejero, 2020.
Naranjas, naranjas, de Lázaro Contreras. 2019
Primer Acto, de Alex Ygoa, 2020.
Una pareja como ninguna, Anzony Blanco, 2019.
Sección largo PNR
Una selección de largometrajes de los socios y socias de la Plataforma Nuevos Realizadores que competirán en el Festival optando a varios premios PNR.
¿Me regalas un cuadro?, de Ainhoa Urgoitia y Enrique Rey, 2020.
¿Por qué tan pocas?, de Carlota Coronado, 2019.
Canción sin nombre, de Melina León, 2019.
Estándar, de Fernando González, 2020.
Nisaah, de Melissa Silva Franco , 2020.
Sección de Cine Sordo
Una selección que regresa al Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR). Se ha convertido en una de las más multitudinarias y demandadas dentro del Festival, y las películas presentadas optan a premio.
¡Esto es el colmo!, de Edgar Murillo, 2019.
Akea, de Manuel Guereca, 2018.
El despertar de una mariposa, de Domingo Pisón, 2014.
Hope, de David Ellington, 2019.
La filosofía de les quatre potes, de Eduard Aligué. 2019
La Paz, de Aitziber Uriarte, 2017.
LOVEAPP, de Ramón V. Cervera. 2010
Jurado y Premios
Lo que no se había desvelado aún son los Premios a los que optan los títulos en Sección Oficial, y quiénes son los miembros de los distintos jurados.
En esta edición las personalidades encargadas de ejercer de jurado de las secciones oficiales son:
Corto Oficial: Irene Blecua, Pilar GE, Samuel Rdez
Largo Oficial: Alfonso Albacete, Fernando Colomo y Verónica Forqué
Crítica Largo Oficial: Rosa Pérez, Nieves Maroto, Roger Casas.
Secciones corto y largo PNR: Nata Moreno, Julio Mas, y Eva Saiz.
Cine Sordo: Manuel Colinas, Ángel Rojo y Teresa Azcona.
Los premios que se otorgarán son:
Premios a Sección Oficial de Cortometrajes
Mejor Cortometraje, patrocinado por MUNDO ESCENA, Madrid8 TV y EFTI.
Mejor Guion de cortometraje, patrocinado por Alma y ESPACIO CREA CINE.
Mejor Dirección de cortometraje, patrocinado por WELAB.
Mejor Fotografía de cortometraje, patrocinado por RC SERVICE
Mejor Montaje de cortometraje, patrocinado por la Asociación de Montadores de Cine AMAE y la ECAM.
Mejor Sonido de cortometraje, patrocinado por ISOLÉ Division Sonora.
Mejor Música de cortometraje, patrocinado por MUSIC LIBRARY.
Mejor Interpretación Femenina de cortometraje, patrocinado por CENTRAL DE CINE y DNI-MAKE UP.
Mejor Interpretación Masculina de cortometraje, patrocinado por CENTRAL DE CINE y DNI-MAKE UP.
PREMIO DEL PÚBLICO MEJOR CORTO, patrocinado por CIUDAD DE MADRID FILM OFFICE.
PREMIO ESPECIAL Goya a cortometraje de ficción
PREMIO ESPECIAL Goya a cortometraje documental
Premios Sección oficial largometrajes
Mejor Largometraje, patrocinado por MUNDO ESCENA.
Mejor Dirección de Largometraje, patrocinado por WELAB.
Premio Especial Mejor Dirección, patrocinado por asociación ACCION.
Premio de la Crítica a Mejor Largometraje, patrocinado por SALA EQUIS.
Premio Del Público Mejor Largo, patrocinado por CIUDAD DE MADRID FILM OFFICE.
Premios PNR
Mejor Cortometraje PNR, patrocinado por Madrid8 TV.
Mención Especial Cortometraje PNR.
Mejor Lartometraje PNR.
Premio Especial a largometraje oficial y largometraje PNR
Premio especial a la labor técnica Fila Efe, Patrocinado por Fila Efe y el Palomitrón
Premio cine sordo
Mejor Cortometraje Cine Sordo , patrocinado por ASM (Asociacón Sordos de Madrid)
Secciones paralelas
Sección HECHO EN MADRID: Patrocinada por Ciudad de Madrid Film Office, y con obras que muestran el potencial cinematográfico de las calles y paisajes de la capital. La sección podrá disfrutarse en En Sala Berlanga, Sala Equis, y online. Contará con la sesión inaugural del Festival, un pase de cortometrajes y actividades para los más pequeños.
Unos vienen otros se van. 2019. 4´. Ficción. España.
El emperador desnudo. 2019. 64´. Documental. España
La sesión, que inaugurará el Festival el 6 de octubre, irá acompañada de un encuentro con los directores y Ciudad de Madrid Film Office.
Sección FEMMES: Dedicada al cine y los trabajos realizados por mujeres. Incluye una sesión de cortometrajes, la presentación del nuevo libro de Juan Antonio Moreno “Directoras en la historia del cortometraje español” dedicado a mujeres cortometrajistas de nuestro país, y un encuentro con mujeres gestoras y programadoras de cine españolas y extranjeras. Los títulos programados que podrán disfrutarse en Cineteca y online son:
Algo en lo que creer, de Fany de la Chica (Jaén), 2019.
Cuando no estás, de Lorena Chinchilla y Chevy Ojanco (Jaén), 2020
Cuando no esté Lola, de Cristina R. Orosa (Málaga), 2020.
No podrás volver nunca, de Mónica Mateo, 2020.
There will be monsters , de Carlota Pereda (producción madrileña), 2020.
SHORTS&SPANISH SHOTS: Pequeñas joyas, pertenecientes a nuestro cine, que preceden a los largometrajes, y que conforman una sección en sí misma que podrá verse en Cineteca y online.
Casa, de Alberto Evangelio, 2019.
Cielo e infierno, de Diego Lodeiros, 2019.
Denise , de Guillermo Rivera Moyano, 2019.
Judoka, de Daniel Belenguer Guerrero, 2019-2020.
Las grietas, de Victor R. Sandoli, 2019.
Marionetas, de Nacho Clemente, 2019.
Moda, de Imanol Ortiz, 2020.
Oyendo águilas, de Marco Lledó Escartín, 2018.
Wifi, de Javier Prada, 2019.
Yo también quiero te, de Javier Valenzuela Alamán, 2019.
Sección INTERNACIONAL FICUNAM: Una sección que se lleva a cabo gracias al convenio firmado con el festival de cine FICUNAM de México, y que este año es fuera de concurso. Una programación diseñada por el director hispano-mexicano Enrique Rivero, quien junto a Michel Lipkes, director de FICUNAM, ha elaborado un completo programa bajo la mirada del Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR). Lo componen películas internacionales, tanto largometrajes como cortometrajes, del panorama contemporáneo que han pasado por este festival, y algunas inéditas en España. La Sección Internacional contará además con encuentros y mesas redondas con personalidades del sector cinematográfico a nivel internacional. Las películas que se podrán ver en Sala Equis y online son:
2020. 75´. Ficción. México-Japón. (EE)
Todo lo cercano se aleja. 2019. 12´. Ficción. España-Argentina. (ES)
Fiebre austral. 2019. 21´. Ficción. Chile. (EM)
2020. 26´. Ficción. México. (EW)
Alrededor de copacabana. 2019. 18´. Ficción. Brasil. (EE)
Capital retour. 201 9. 70´. Ficción. Francia. (EM).
2019. 90´. Ficción. México. (ES).
Sección CINE MOLÓN: Para disfrutar en familia. Los trabajos proyectados este año estarán fuera de concurso. Habrá varias sesiones de cortometrajes y mesas redondas que ahondarán en la importancia de la introducción del corto en las aulas como herramienta y recurso didáctico. Se llevará a cabo con la colaboración del Certamen Internacional de Cortos de Soria, iniciativa con la que el Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR) viene trabajando estrechamente y todo un referente en cine familiar. Además de 2 masterclass muy divertidas de creación pictórica y animación que van a ser impartidas por Isabel Leal, Carlota Coronado y Giovanni Maccelli. Los títulos seleccionados, que se podrán ver en la Sala Berlanga y online, son:
In love with cinema. 2017. 10´. Ficción. Kyrgyzstan
Between the lines. 2017. 4´. Animación. Rusia.
Dam! the story of kit the beaver. 2017. 12´. Animación. Canadá.
El Festival de Cine de Madrid (FCM-PNR) está organizado por la Plataforma de Nuevos Realizadoras, y es posible gracias al apoyo de instituciones, patrocinadores y colaboradores. Subvencionan el ICAA- Ministerio de Cultura y Deporte y el Ayuntamiento de Madrid. Certifican la AIC y los Premios Goya. Patrocinan Ciudad de Madrid Film Office, Alma Sindicato de Guionistas, AMAE Asociación de Montadores Audiovisuales de España, Acción Asociación de Directoraes, WELAB Professional Equipment, EGEDA, Music Library&SFX, RC Service, ECAM, Isolé División Sonora, Mundo Escena, EFTI Centro Internacional de Fotografía y Cine, ESPACIO CREA CINE, CENTRAL DE CINE, Franelas, FlixOlé, FUN&MONEY by Carrillo, DNI MAKE UP. Colaboran CINETECA, Madrid Destino, SALA BERLANGA, Filmoteca Española, Fundación Academia de Cine, Casa de México en España, SALA EQUIS, SGAE, Fundación SGAE, FestHomeTV, FICUNAM, SOIFF Soria International Film Festival, MESTIZO LAB, EL CAÑONAZO TRANSMEDIA, MERCURY FILMS, HOTEL GRAN LEGAZPI MADRID, Leonardo Hotels, ILIADA FILMS. Maquillador oficial: DNI SCHOOL International School of makeup and image consulting. Medios y agencias oficiales: Telemadrid, LaOtra, El Palomitrón, Fila EFE, 8 Madrid TV, Madrid es noticia, Contarlo Proyectos de Comunicación.
El pasado mes de agosto supimos de la incorporación de ‘Gangs of London’ al catálogo de Starzplay. Ahora la plataforma nos comunica que la serie estará disponible el 15 de noviembre. Con este anuncio podemos mostraros le tráiler de la serie protagonizada por JoeCole (‘Peaky Blinders’, ‘Pure’, ‘Black Mirror’), Sope Dìrísù (‘Humans’, ‘Black Mirror’), ColmMeaney (‘Star Trek’, ‘Hell on Wheels’, ‘Layer Cake’), Lucian Msamati (‘His Dark Materials,’ ‘Black Earth Rising,’ ‘Kiri’), Michelle Fairley (‘Game of Thrones,’ ‘The White Princess,’ ‘Fortitude’), Paapa Essiedu (‘Press’, ‘Kiri’) y Pippa Bennett-Warner (‘MotherFatherSon,’ ‘Harlots,’ ‘Sick Note’).
‘Gangs of London’ está creada por el galardonado cineasta Gareth Evans (en su haber la franquicia de películas ‘The Raid’) y su socio creativo Matt Flannery. Thomas Benski es productor ejecutivo por Pulse Films junto con Jane Featherstone por SISTER.
Sinopsis oficial:
Durante 20 años, Finn Wallace (Colm Meaney) fue el criminal más poderoso de Londres. Miles de millones de libras fluyeron a través de su organización cada año. Pero ahora está muerto y nadie sabe quién ordenó el golpe. Con rivales por todas partes, le toca al impulsivo Sean Wallace (Joe Cole), con la ayuda de la familia Dumani encabezada por Ed Dumani (Lucian Msamati), tomar el lugar de su padre. Si la situación no era ya suficientemente peligrosa, la toma de poder de Sean repercute en el mundo del crimen internacional. Tal vez el único hombre que podría ayudarlo y ser su aliado es Elliot Finch (Sope Dirsù), quien hasta la fecha ha sido un simple perdedor, un esbirro de la organización criminal con un misterioso interés en la familia Wallace. En este contexto turbulento, Elliot se verá transportado al interior de la mayor organización criminal de Londres.
Nos comunican desde El Deseo y por parte de las distribuidoras Wanda Visión y Avalon D.A. que ‘La voz humana’ será estrenado en cines el 21 de octubre de 2020. Esta película en formato cortometraje dirigida por Pedro Almodóvar y protagonizada por Tilda Swinton saldrá con 70 copias en España y a precio reducido. Fue presentada en la 77 edición del Festival de Venecia y estará en el Festival de Cine de Nueva York. Es la primera incursión angloparlante del director manchego.
Además nos muestran la versión definitiva del cartel.
Sinopsis oficial:
Una mujer ve pasar las horas junto a las maletas de su examante (que vendrá a recogerlas, pero nunca llega) y un perro inquieto que no entiende que su amo le haya abandonado. Durante los tres días de espera, la mujer solo ha bajado una vez a la calle, para comprar un hacha y una lata de gasolina.
‘La voz humana’ es una lección moral sobre el deseo, no importa que su protagonista esté al borde del abismo. El riesgo es parte esencial en la aventura de vivir y de amar.
Lo que iba a ser una protesta pacífica durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 se convirtió en una violenta batalla campal con la Policía y la Guardia Nacional. Los organizadores de la protesta —entre los que figuraban Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden y Bobby Seale— fueron acusados de conspiración para incitar una revuelta, y el juicio posterior fue uno de los más notorios de la historia de Estados Unidos.
Crítica
Sorkin dirige de nuevo y su juicio no es fallido
Aaron Sorkin siempre se las apaña para encontrar nuevos hechos reales que analizar y adaptar a la gran pantalla. En su segunda película como director vuelve a remontarnos al pasado. Títulos suyos como ‘Molly’s game’, ‘La red social’, ‘El ala oeste de la casa blanca’, ‘The newsroom’… han dejado más que demostrado que es una persona crítica y mordaz. Con ‘El juicio de los 7 de Chicago’ trae otra obra que sigue la línea de su filmografía. Es decir, a través de un tono sarcástico y un ritmo rápido juzga la condición humana, la sociedad y los estamentos.
En esta ocasión rescata de la memoria el notorio juicio celebrado a finales de los sesenta en Estados Unidos a raíz de unos altercados violentos producidos tras un intento de manifestación pacífica contra la guerra de Vietnam. Se puede resumir la película y aquello que sucedió como un enfrentamiento entre los pacifistas y el gobierno de Estados Unidos. Un juicio político.
Bien es cierto que la película empieza de una manera muy ágil, muy vivaz. Para ello se dedica a charlatanear con réplicas ingeniosas y running gags. Ese ritmo se va perdiendo muy poco a poco y si que es cierto que con el toma y daca de la sala del tribunal intenta recuperarlo pero en ningún momento vuelve a poner el pie sobre el acelerador. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es buena, entretiene e informa además de hacer pensar. Pero al fin y al cabo termina cumpliendo los mismos esquemas que todas las películas sobre procesos judiciales: abusos de autoridad, posicionamiento catastrófico, giro a favor de “los buenos”, nuevo revés y fallo del jurado… que obviamente no diré cuál es aunque esta sea una historia real. Lo que quiero decir es que este tipo de películas siempre se me hacen largas por cumplir patrones tan monótonos.
Si que hay que atribuirle el mérito de llevar con gracia la historia. El juicio fue bastante variopinto, un circo mediático convertido en jaula de grillos. Esto es sobre todo porque tenemos a un juez en la sala que está bastante senil. A Frank Langella le vais a coger más tirria con este magistrado que con el Skeletor que hizo en 1987. Pero también es una película sugestiva por el reparto coral que tiene y los acusados tan diversos que presenta. Y no lo digo solo por las payasadas y lucideces que puedan soltar Sacha Baron Cohen y Jeremy Stong o la sencilla simpatía de Mark Rylance. Lo digo por la identificación de facciones de izquierdas exhibida y que solo en contados momentos se manifiesta de forma explícita. En España, que en la última década hemos vivido como la izquierda se identificaba más diversa que nunca, podemos sentirnos más que identificados con el grupo de manifestantes que rema en la misma dirección, pero en distintos botes. También me ha rememorado a los tiempos del “No a la guerra”, aquellos en los que se pedía a gritos el no ir a Irak.
Obviamente esta no es una película de las mismas características que ‘Algunos hombres buenos’, aunque si consigue alejarse de cualquier polarización absoluta en las ideologías y pensamientos de sus personajes. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ nos hace reír, recordar y pensar, no obstante habría sido más interesante si hubiese explorado más el mencionado tema de las facciones. Pero con su agilidad y su retrato de la incompetencia institucional nos cautiva. Esto último más que un pero es un aliciente que siempre nos trae de vuelta a un gran Sorkin, no el mejor pero si uno necesario.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020 (cines). 16 de octubre de 2020 (Netflix). Título original: The trial of the Chicago 7. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guion: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Mark Rylance, Michael Keaton, Alex Sharp, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Yahya Abdul-Mateen II, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Frank Langella, Noah Robbins, Danny Flaherty, John Doman, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, Max Adler. Producción: DreamWorks, Amblin, CAA Media Fiance, Cross Creek Pictures, Double Infinity Productions, MadRiver Pictures, Marc Platt Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Rocket Science, ShivHans Pictures. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81043755
John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos, Mónica, en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen / Sverrir Gudnason) un granjero tradicional y conservador, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse.
Crítica
Viggo Mortensen se consagra como artista total
A todos aquellos a los que Viggo Mortensen ya ha cautivado previamente con sus interpretaciones, ‘Falling’ va a afianzar ese idilio cinematográfico. Esta película constituye la consagración del actor como artista total ya que ha elaborado un espléndido trabajo en el plano actoral pero también como director, guionista e incluso a los mandos de la banda sonora.
No suelo confiar mucho en películas en las que un actor se dirige e incluso se escribe a sí mismo. Eso ayuda al compromiso del artista pero juega en contra a la hora de corregir defectos. Pero ‘Falling’ resulta totalmente auténtica. Además en ella Mortensen supera dos retos difíciles: dirigir a niños y capitanear a un actor con tantas tablas como Lance Henriksen. Domar las maneras de los jóvenes intérpretes que aparecen en la película puede ser difícil. Pero se me antoja más complicado orientar hacia sus propios propósitos a aquel que se ha enfrentado a aliens, cenobitas y Van Dammes. Incluso tiene el detalle de dar un cameo a un director como David Cronenberg con quien guarda una estrecha relación artística e imagino que también personal.
En ‘Falling’ Mortensen actúa como el hijo de un padre que me gustaría calificar como peculiar pero lo cierto es que aún abundan. El personaje que interpretan igual de bien Henriksen y Sverrir Gudnason es un hombre retrógrado y agorero. Solo así se definir a un hombre que cuando saluda al bebé que es su hijo le dice por primera vez “siento haberte traído a este mundo, porque luego querrás morir”. Está chapadísimo a la antigua y sin afán de dañar u ofender provoca constantemente vergüenza ajena. Tiene cosas muy entrañables e incluso admirables pero sus valores están muy desfasados. Si a eso le sumamos que su mente sufre los achaques de la edad se convierte en una persona muy difícil de manejar. En ese tumulto de relación nos introduce la película.
El título puede hacer alusión al ocaso que sufre este hombre. Es el otoño con el que todos asociamos la vejez. Pero creo que la película trata mucho sobre las novedades que han incorporado las últimas generaciones y que nuestros ancianos han tenido que asimilar. Me refiero a esos cambios radicales que toda descendencia introduce. Véase la tolerancia por otras razas, el rechazo por el tabaco, la comida saludable, el respeto por los animales, el matrimonio homosexual… Características contemporáneas que alguien ultraconservador o tradicional no acaba de digerir.
Para muchos Mortensen apareció en escena por primera vez en ‘El Señor de los Anillos’ (por cierto que su primera escena era en la posada de Bree, nombre que ha usado para un caballo del filme) y espero que esta película les obligue a buscar títulos anteriores en los que ha trabajado, que tiene muchos y muy buenos. En ‘Falling’ nos llena de rencores y afectos a base de sembrar multitud de detalles. También de herencias y de miedos, todo ello apoyado de un buen montaje. Y es que no siempre es fácil hilar con efectividad una película que va de pasado a presente constantemente. Porque ‘Falling’ se circunscribe mucho en las jugarretas de los recuerdos.
Me ha encantado que haya mostrado una manera diferente y actual de educar, como también hacía en ‘Captain Fantastic’. También ayuda mucho a seguir el hilo de la película que esté sembrada de momentos cómicos, con un poco de humor negro, pero del cordial.
Esta es mi humilde interpretación de ‘Falling’. Lo que sí que puedo aventurar con objetividad es que esta película va a gustar en masa.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Falling. Duración: 112 min. País: Canadá, Reino Unido. Dirección: Viggo Mortensen. Guion: Viggo Mortensen. Música: Viggo Mortensen. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason, Laura Linney, Hannah Gross, Terry Chen, David Cronenberg. Producción: Parceval Pictures, Baral Waley Productions, Scythia Films, Zephyr Films, Achille Productions, Ingenious Media. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/falling
‘Explota explota’ cuenta la historia de María (Ingrid García-Jonsson), una bailarina joven, divertida y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Tras dejar a su novio plantado en el altar de una iglesia en Roma, María viaja a Madrid para descubrir qué quiere hacer con su vida y cumplir su sueño de ser bailarina. Junto a su inseparable amiga Amparo (Verónica Echegui), María consigue poco a poco abrirse paso en el mundo de la televisión y pasa a ser parte del cuerpo de baile del programa de más éxito del momento: “Las noches de Rosa”, protagonizado por la gran Rosa (Natalia Millán) y dirigido por Chimo (Fernando Tejero), un hombre con cierta tendencia a “intimar” con cualquier chica que se le ponga por delante y supervisado por Celedonio, censor de la televisión (Pedro Casablanc).
Allí se enamora de Pablo (Fernando Guallar) un trabajador de la cadena con quien empieza una maravillosa relación, pero quien no le cuenta toda la verdad sobre su trabajo. Pablo se enfrenta a su padre y junto a María deberán decidir si merece la pena romper las reglas establecidas y hacer un cambio radical en sus vidas.
Crítica
Explota y revienta la moral retrógrada
No es una película con Raffaella Carrà, no es una película sobre Raffaella Carrà pero tiene mucha Rafaella Carrà. ‘Explota explota’ es una comedia musical que refleja a sus personajes y momentos con canciones de La Carrà pero que además consigue derrochar simpatía y sencillez, como lo hacía la artista con sus programas y actuaciones. Además pasa por la Roma que la vio nacer artísticamente, muestra una sensualidad inusitada para la época y centra su trama en una bailarina, arte en el que ella destacó en televisión.
Es muy buena combinación el introducir los hits de la cantante italiana con la música de Roque Baños. En su primera película Nacho Álvarez rinde homenaje a una cantante que está en la historia de nuestra televisión y cuyas canciones permanecen en nuestras cabezas, tan pegadizas como las de Georgie Dann o Queen. ‘Explota explota’ es un musical con todas las de la ley, con sus actuaciones y sus flashmobs. Las coreografías están bien buscadas para parecerse a las de la época y además los actores las ejecutan bien.
‘Explota explota’ consigue recrear la época de los setenta sin ser oscura o política. No solo logra eso por transportarnos con su vestuario o localizaciones como la conservada estación de Chamberí. Además lo hace captando el humor ingenuo de una época cuya gente está a punto de explotar de reprimidos que están. Y ahí viene la otra parte buena del filme. Es un enfrentamiento entre modernidad y censura, o lo que otros muchos aún consideran como decoro. Se enfrenta a esa traba histórica con bastante optimismo, cosa que también era propio de La Carrà. Es una victoria conseguida centímetro a centímetro, literalmente.
No solo consigue ser una buena comedia musical con su guión y sus artífices tras las cámaras. También buena parte del buen rollo que deja es gracias a Ingrid García-Jonsson. Con su personaje bobalicón y risueño, aunque descarado, hace que las pasiones dejen de estar reprimidas. La actriz se reencuentra aquí con su buena vertiente cómica. Para mí ha sido también un descubrimiento grato el de Fernando Guallar, no había visto hasta ahora ningún trabajo suyo y estoy esperando volver a encontrarme con él en ‘Patria’.
La pega, no es una película redonda, es que las canciones están reinterpretadas con poca fuerza y a veces mal playback. No es algo clamoroso pues si la has vivido en cuanto oyes la música en tu mente suena realmente Rafaella. No hay voces brillantes entre el reparto pero tampoco desafinan. El problema es que falta potencia y la letra gran parte de las veces queda tapada por la melodía. Además de eso, teniendo que ver también con la voz, está la interpretación de Verónica Echegui con un acento andaluz extremadamente estereotipado.
‘Explota explota’ va de romper las reglas y de igual manera que era imposible odiar a Raffaella Carrà se os hará difícil rechazar esta película.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Explota explota. Duración: 114 min. País: España. Dirección: Nacho Álvarez. Guion: Eduardo Navarro, David Esteban Cubero, Nacho Álvarez. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Ingrid García-Jonsson, Verónica Echegui, Fernando Guallar, Pedro Casablanc, Fernando Tejero, Natalia Millán, Carlos Hipólito. Producción: El Sustituto Producciones, Indigo Film, RTVE, Tornasol Films. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, comedia, romance. Web oficial:Explota Explota en RTVE
Cuando el mundo se entera de que el asteroide más grande de la historia va a impactar en la Tierra y aniquilar todo rastro de vida, los gobiernos de todo el mundo realizan un sorteo en el cual los afortunados podrán sobrevivir en refugios secretos. Esta decisión desata un caos a nivel mundial. Jeff (Gerard Butler) y su familia emprenderán un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza, lo que les obligará a encontrar la manera de mantenerse unidos mientras encuentran la forma de sobrevivir.
Crítica
Una de catástrofes que entretiene en estos tiempos catastróficos
Ric Roman Waugh, cuya carrera está repleta de títulos en los que ha trabajado como doble de riesgo y que ha sumado ya casi una decena de películas como director estrena nuevo filme, ‘Geenland’. Su última obra fue la tercera entrega de la “Saga objetivo”, estrenada en España como ‘Objetivo: Washington D.C.’, para mí la peor de toda la trilogía. Pero ese encuentro con Gerard Butler ha dado a luz a esta película y a otra que veremos en un futuro bajo el título ‘Kandahar’. Pero es aún más acicate para ver esta cinta el encontrarnos con Morena Baccarin, una actriz que para mí ya es una musa del fantástico, a si es que ni tan mal.
Este largometraje que con su premisa recuerda mucho al cine de Emmerich pudo haber sido una obra de Neill Blomkamp protagonizada por Chris Evans, pero al final la dupla actor y director es la que os he mencionado. Como en ‘2012’ el guionista Chris Sparling (‘Buried’) ha elaborado una carrera en familia contra el reloj del apocalipsis. En familia, pero no familiar. Está catalogada para mayores de doce años pero si tiene alguna que otra escena que o bien por intensa o bien por violenta debería considerarse para unos espectadores unos años mayores.
‘Greenland’ está protagonizada por dos actores muy queridos por la audiencia, artistas que ya tienen trabajos míticos en su currículum. Solo con eso parte con un aprobado y captando además el interés delos fans del cine sobre el fin del mundo. Y efectivamente el envoltorio de la película es parecido al de otros títulos ya clásicos como ‘Deep Impact’ o ‘2020’. Pero eso sucede solo en algunos estadios del filme y como contenedor para una historia de suspense y drama. Aunque sea una película con una tremenda catástrofe lucha por intentar ser realista, sobre todo se percibe así ahora que podemos establecer paralelismos tan cercanos con el caos actual.
Me ha agradado ‘Greenland’ con su mezcla de acción y thriller pero si que es verdad que los tráilers me la habían vendido diferente, más inclinada a la espectacularidad del cataclismo. Sorprende que no tira tanto de espectáculo aunque para pantalla grande tiene muchas imágenes colosales. Es casi serie B de la que busca “comprometerse” con una leve crítica al sistema y que tiene algunos detalles a pulir. Solo enfocándola así se entiende que se ubique el “último refugio” en un lugar tan remoto e inaccesible como Greenland (Groenlandia), como decía la canción de los Zombies, “yo te buscaré Groenlandia”. También es de esperar que se note a veces el artificio digital para recrear fuego.
Con una separación tensa y el punto de vista de los que han tenido la suerte de recibir el mensaje de un refugio asignado vemos algo diferente rodeado de bastante acción, de esa que hace que se resuelva todo in extremis. Es un filme que nos lleva de la comodidad a lo peor, a ese momento en el que se enmarca la serie ‘El colapso’, pero sin llegar a tan acertado rodaje y análisis profético.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de septiembre de 2020. Título original: Greenland. Duración: 119 min. País:Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Chris Sparling. Música: David Buckley. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Scott Glenn, Brandon Quinn. Producción: G-Base, Anton, Riverstone Pictures, STX Films, Thunder Road Pictures, Truenorth Productions. Distribución: Diamond Films. Género: acción, thriller, aventuras. Web oficial:https://www.greenlandmovie.com/
Enola Holmes, una intrépida joven busca a su madre, utiliza su brillante instinto investigador para superar a su hermano Sherlock y ayudar a un lord en su fuga.
Crítica
Quiere parecer guay pero Enola no mola
La primera de las seis novelas de Nancy Springer en las que narra las aventuras y logros de la hermana de Sherlock Holmes ya se ha convertido en película. Enola Holmes es la hermana menor del famoso detective inventada por Springer y en este título de Harry Bradbeer nos cuentan sus primeros pasos y se dibuja muy bien su carácter.
No sé cómo será la novela pero si puedo decir que la película sigue la línea de otros trabajos de Bradbeer. Tenemos a una protagonista que se sale de los cánones femeninos establecidos. Además el carácter que se le quiere imprimir tanto a ella como al resto del filme es muy insolente y respondón. Este tipo de películas se suelen hacer ágiles y se pasan rápido, se agradece la apuesta. Pero hay varios puntos de los que adolece.
‘Enola Holmes’ está protagonizada en solitario por Millie Bobby Brown y seguramente con el rebufo de ‘Stranger Things’ la película tendrá muchos adeptos. Pero en mi opinión sigo pensando que le falta gancho y carisma, por mucho que aquí reparta leña y tire de ruptura de la cuarta pared. Lleva bien el papel arquetípico de alguien que ha leído una cantidad ingente de libros en tan poco tiempo de vida, de alguien impetuoso y arrollador pero le falta credibilidad.
Los papeles de Sherlock, Mycroft y la señora Holmes son parte importante de la trama pero realmente son secundarios. Obviamente estamos más familiarizados con Sherlock y el de Henry Cavill es marcadamente fornido aunque se intente disimular con distinguidas poses y trajes. Pero no es mal Sherlock, conserva sus ademanes y su imperiosa necesidad de usar la lógica. En el caso de Mycroft se le muestra como un hombre anticuado, petulante y estricto, puede cuadrar esta visión. Lo que os va a pillar más de nuevas es la inclusión de la madre interpretada por Helena Bonham Carter pero por lo que representa el personaje, no por ver a esta actriz en una película de época ya que parece que va a por algún tipo de récord. Por lo menos se sale de sus papeles depresivos más clásicos.
El público objetivo de esta película es el juvenil. El humor y la narrativa que tiene encaja más en ese margen de espectadores. Pero también puede gustar a todo aquel al que le interesen las películas tipo ‘La búsqueda’. Enola va como Marco buscando a su madre y cual Lara Croft repleta de dinero viviendo aventuras y peleas. Pero sobre todo va resolviendo puzles y enigmas. El problema es que tampoco son acertijos muy elaborados o complejos. Efectivamente la mecánica es parecida a la de las películas de Jon Turteltaub.
También deja bastante que desear el doblaje en castellano, sobre todo el de Millie Bobby Brown. Y la resolución del caso podría haber tenido algo más de agilidad en su escena del pasillo, es bastante torpe con imitación a Leone incluida. Además durante la película te vas encontrando alguna que otra contradicción. Como en la que cae la profesora afroamericana de Jiu-jitsu que primero dice la protagonista se desenvuelve bien sola y unas frases después dice que necesita ayuda. O dice también que Bobby Brown es la viva imagen de Bonham Carter, no...
Aunque el Londres del siglo XIX está bien realizado, los creadores de la película han optado por recrear trenes, explosiones o edificios con gráficos por ordenador y se notan demasiado artificiales. Aunque hay un regalo visual para los amantes de Harry Potter que va más allá de contar con varios actores de la saga.
Está muy bien incluido el tema del feminismo y el cambio social de la época. Ya no solo por las distintas frases que oímos o por la importancia de la lucha por los derechos en la trama, sino porque durante todo el filme es la chica es la que salva al chico. Esto va acorde al tono burlón que se mantiene durante toda la película.
‘Enola Holmes’ es un buen entretenimiento pero no destaca por encima de otras aventuras juveniles ni sobre otros filmes en los que aparece Sherlock. Nos pongamos como nos pongamos, ‘El secreto de la pirámide’ sigue siendo la mejor película con Holmes.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre. Título original: Enola Holmes. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Harry Bradbeer. Guion: Jack Thorne. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Adam Bosman. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Sam Claflin, Helena Boham Carter, Louis Partridge, Bum Gorman, Adeel Akhtar, Susan Wokoma, Frances de la Tour, Fiona Shaw. Producción: EH Productions, Legendary Entertainment, PCMA Productions, Warner Bros. Distribución: Netflix. Género: adaptación, aventuras, acción. Web oficial:ver en Netflix.
El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.
Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.
Crítica
Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad
El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.
Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.
También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.
Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.
El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.
Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial:https://www.hanwayfilms.com/pinocchio
Esta es la historia de siete personas diagnosticadas con enfermedad mental grave y duradera, del taller de teatro en el que se encuentran, de los retratos fotográficos que una de ellas decide hacerles, de las relaciones que poco a poco se van estableciendo entre ellos, sus confesiones, sueños e inquietudes. Pero, sobretodo, lo es de su particular catarsis a través de la propia filmación del documental; para algunos, una manera de hacer las paces con su pasado; para otros, el descubrimiento de nuevos amigos; y para otros, una manera de afrontar los fantasmas de su niñez. En definitiva, una experiencia que marcará un punto de giro en sus vidas para siempre.
Crítica
La película de Berned hace un buen esfuerzo para terminar con un sistemático e injusto trato
La guionista Rosa Berned se presenta en nuestras pantallas con ‘Monumental’. Es una realizadora que ya ha hecho trabajos como el cortometraje ‘En la orilla’. Pero esta película no trata sobre la cineasta. Se circunscribe dentro del tema de las enfermedades mentales. Y tampoco abarca, no es su intención, a todo el colectivo de personas que tiene ese tipo de trastornos. ‘Monumental’ está centrada en siete personas que os van a encandilar seguro.
Siete personas y siete historias que ahora confluyen día a día en lugares como el Centro de Rehabilitación Laboral de Usera. Una de las lecciones que muestra este documental relatado por ellos mismos es que no se puede generalizar. Las personas con enfermedades mentales son eso, personas, y como tal son diferentes entre ellas, con mucho o casi todo en común con nosotros. Es más, ‘Monumental’ saca a la superficie tal honestidad y nobleza que uno piensa que estas personas serían mejores políticos que los que están al mando de nuestras vidas. Uno piensa que a ellos sí que habría que ponerles un monumento. Por su fortaleza o por saber abrirse con esa franqueza, estando en una posición tan difícil y aun así velar por los demás.
Son personas que a pesar de haber sufrido por parte de la sociedad o incluso de sus familias, que tras haber tenido momentos tan drásticos como intentos de suicidio o marginación en sus círculos más íntimos, que saben que han cometido errores y son capaces de mostrar una sonrisa. Se les llama locos pero ya quisiéramos nosotros a veces tener esa locura para poder mirar el mundo como lo ven ellos. A estas personas se les juzga más rápido de lo que lo hace el Juez Dredd y son conscientes de ello. Quieren acabar con esos prejuicios y con los tabúes que les rodean. La película de Berned hace un buen esfuerzo terminar con un sistemático e injusto trato.
Al margen de lo que enamoran estas personas por si mismas está el enfoque que las realizadoras del filme han buscado al montar la película. A través de testimonios y momentos sinceros se consiguen instantes con humor y también con mucha tristeza. Más que un diario de siete vidas esta es una composición de detalles importantes en la vida de aquellos que quieren demostrar que son autosuficientes, creativos, cultos y capaces de enamorarse, al fin y al cabo, válidos como cualquier otro.
María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez y Julia Vera. Merece la pena mencionar sus nombres, aunque sea realmente Julia la que acapare más minutos y sirva además como narradora de estas historias. “En el mundo hay millones de personas buenas, si no las encuentras, sé tú una”. Esto es lo que dice uno de ellos y tanto esta como otras verdades que pone sobre la mesa merecen ser integradas en todas las “mentes sanas”.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de septiembre. Título original: Monumental. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Rosa Berned. Guion: Amaya Villar Novascués, Rosa Berned. Música: Salvador Romero Núñez. Fotografía: Ana Fuentes, Jose María Serrano. Reparto principal: María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez, Julia Vera. Producción: Así es la vida, RTVE. Distribución: Artistic Metropol. Género: documental. Web oficial:https://produccionesasieslavida.es/
Una fría noche de invierno, en medio de la nieve, algo despierta silenciosamente y abandona la zona en la que se enfrentan los héroes y la Alianza de Villanos… Mientras tanto, Izuku y los otros estudiantes de la Escuela UA son enviados a trabajar como héroes a una cálida isla en el sur de Japón en la que también encuentran tiempo para relajarse. Sin embargo, esa calma pronto se ve perturbada por la aparición de un grupo de villanos que comienza a destruir las instalaciones de la isla una tras otra. El que los lidera es Nine, cuyo extraordinario don le confiere un poder inimaginable. Pero, ¿por qué Nine ataca esa pacífica isla? ¿Serán capaces Izuku, Bakugo y los otros alumnos de Primero A de proteger a los habitantes de la isla y combinar sus poderes para derrotar a Nine?
Crítica
No sabía de la potencia de esta franquicia, me alegra descubrirla
La segunda película de ‘My hero academia’ ha sido mi primer contacto con la franquicia que se originó a partir de la obra de Kôhei Horikoshi. No he leído el manga ni visto la serie, llego a esta película con curiosidad y con el objetivo de hablaros de otra película infantil que se coloca en nuestras carteleras. También buscando tener más conocimiento sobre personajes que son utilizados por muchos cosplayers en los salones de cómic.
En primer lugar lo que uno se encuentra es un elenco enorme de personajes. Por supuesto hay que haber seguido el material anterior para estar totalmente al día cuando se llega a ‘My hero academia: el despertar de los héroes’. Pero no es una información necesaria para seguir la trama y además en los primeros compases te hacen una puesta al día muy rápida en la que ya sabes que los protagonistas pertenecen a una academia de héroes en un mundo en el que el 80% de la población tiene poderes o lo que aquí llaman “dones”. Ahora el conjunto de amigos que pertenece a la misma clase debe enfrentarse al reto de ser los vigilantes de una pequeña isla para conseguir así ser unos héroes hechos y derechos.
En esos dones y en la gran cantidad de personajes veo uno de los puntos fuertes de esta saga. Solo hay que ver el cartel para darse cuenta de que esta historia no va corta en cuanto a diversidad. Todos tienen habilidades y formas variadas, como podemos haber visto en ‘Naruto’, ‘Berserk’ o ‘Bobobo’. Esto hace que ocurra algo que seguro que habéis observado que hacíamos con series míticas cuando éramos pequeños: cada uno se pedía al suyo para jugar o para tener el juguete de turno. Es un gancho eficiente para el público infantil y a las escenas o al argumento le da mucha versatilidad.
La mecánica engancha y también sigue los patrones de otros animes. El héroe protagonista aspira a más y más en pro de la justicia y el bien. Para ello va superando pruebas que crecen en dificultad. Si este chico llamado Izuku Midoriya tiene como referente al poderoso All Might es fácil que los niños/as que disfruten de esta serie/película delante de la pantalla encuentren con quién verse reflejado. También he visto un jugueteo con los dos chicos más carismáticos, imitando la dinámica que siempre han mantenido Goku y Vegeta o la que tenía Oliver Atom con Mark Lenders, es decir, este segundo tiene un complejo de inferioridad, queriendo ser siempre el mejor pero manteniéndose a la sombra del protagonista. Incluso en el villano también he visto un patrón conocido pues a lo Sylar (‘Héroes’) busca hacerse con los poderes de todos.
A parte de la consabida historia de crecimiento personal y de lucha contra el mal hay pequeñas moralejas repartidas por el filme. Como que la avaricia rompe el saco o la que extraíamos cuando nos leían el cuento ‘El pastorcito mentiroso’, a si es que bien también en ese sentido.
Lo otro que me ha impresionado de la película es su calidad visual. El dibujo es muy dinámico y sólido. Sobre todo se percibe un gran trabajo en cuanto al tratamiento de luces y recreación de “energías”. No se detecta ningún toque artificial más allá de la animación ni se incluyen artificios en 3D que impidan tener una uniformidad en el diseño de las imágenes. Es de los animes que hacen afición por el género.
¿Esta segunda película de la franquicia podría suponer el final de la saga? Que va, lo que aquí se narra podría pasar entre temporadas de la serie y aún está abierta a más historias, sobre todo con su final en el que dejan entrever la llegada de sangre nueva. Me alegra que aún se sigan haciendo series así.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: My Hero Academia The Movie – Heroes: Rising. Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Kenji Nagasaki. Guion: Yôsuke Koruda. Música: Yuki Hayashi. Fotografía: Mayuko Furumoto. Reparto principal (doblaje original): Daiki Yamashita, Nobuhiko Okamoto, Yuka Terasaki, Tomoyo Kurosawa, Yûki Kaji, Kaito Ishikawa, Yoshio Inoue, Kenta Miyake. Producción: Bones, Dentsu, Movic, Nippon Television Network, Shueisha, Sonic Music Entertainment, Toho, Yomiuri-TV Enterprise. Distribución: Selecta Visión. Género: anime, ciencia ficción. Web oficial:https://heroaca-movie.com/
Tras una primera convocatoria del DC Fandome donde tuvimos unos cuantos adelantos, que repasamos aquí, Warner Bros. vuelve a citarnos mañana. Durante todo el 12 de septiembre de este 2020 podemos acceder a más de 100 horas de contenido bajo demanda sobre televisión, cine, cómics, juegos y más, destacando el trabajo de más de 500 talentos, artistas y escritores de todo el mundo.
Todo el contenido de los “Verses” anterior se puede consultar exclusivamente en DCFanDome.com y está disponible a nivel mundial, en ordenadores de sobremesa y dispositivos móviles, y en 9 idiomas.
A continuación podéis ver un adelanto de este nuevo DC Fandome y seguidamente os describimos cada sección para que no perdáis ni un minuto y vayáis a lo que más os interesa.
WatchVerse: Los paneles incluyen la presentación oficial de Batwoman de WBTV, así como Superman & Lois, Legends of Tomorrow, Stargirl, Black Lightning, versiones ampliadas de The Flash (TV) y paneles de Titans que se presentaron durante Hall of Heroes, etc. mucho más. Además, esté atento a las últimas noticias durante el día.
InsiderVerse: en InsiderVerse, los fanáticos pueden asomarse detrás de escena con los artesanos que dan vida a DC en todas sus formas, desde cómics hasta juegos, TV, películas, parques temáticos, productos de consumo y más.
Blerd & Boujee: La programación de Blerd & Boujee celebra la cultura Blerd (también conocida como «Black nerd») y su impacto en todo el mundo, presentando diversos artistas, voces, músicos y contenido.
FunVerse: La diversión es la protagonista en FunVerse, y un lugar perfecto para compartir tu maestría en DC. Lee cientos de cómics digitales gratuitos, posa en la estación de selfies, explora el Joker Escape Room y mucho más.
YouVerse: donde los fans son los protagonistas. Echa un vistazo a más de 17.000 presentaciones de fan art, cosplay y contenido generado por usuarios de todo el mundo, y no olvides votar por tus favoritos.
Además, no te pierdas, también el 12 de septiembre, hay algo divertido para toda la familia, ya que DC Kids FanDome (www.DCKidsFanDome.com) también estará disponible solo durante 24 horas.
Un horrible virus arrasa una ciudad. Mientras tanto, un joven atrincherado en su apartamento y aislado del mundo digital busca desesperadamente una salida.
Crítica
Un rato distraído con una más de zombies
Matt Naylor escribió ‘Alone’ en 2019 y ahora Netflix ha materializado la película que nos llega con el título de ‘#Alive’ contando con él y siendo dirigida por Il Cho. Una nueva película de zombies que llega desde Corea del Sur conservando muchas similitudes con ‘La noche devora el mundo’ y siendo incluso más entretenida, aunque nada innovadora.
Un joven gamer se ve confinado en su casa. Atrincherado para que no entren zombies en su hogar, en el cual estaba solo mientras sus padres estaban fuera. Nos lo pintan como un nini que solo duerme y juega y por eso es plausible que no se haya percatado del estallido de un virus que convierte a los infectados rápidamente en zombies hasta que lo tiene justo en su vecindario. Sin haber hecho la compra se ve en la problemática de tener que sobrevivir solo.
Las únicas habilidades que posee este chico son las que le proporcionan las tecnologías: su móvil, su dron, su televisión… Con esos recursos intenta no ser devorado y ahí el filme puede tener un par de recursos curiosos. También consigue intrigarnos en determinado momento con eso de que estos cadáveres andantes (que son del tipo zombie que corre) pueden tener cierto grado de inteligencia o conservar recuerdos. Pero este último detalle solo se aprovecha una o dos veces con lo que al final la película se mantiene como un título más de no-muertos.
‘#Alive’ tiene buen ritmo y muy pocos actores (salvo los extras que dan vida a la horda de zombies). Ah-In Yoo, protagonista de ‘Burning’ (otra película que tal vez queráis ver) es el chico que se queda encerrado. Lo que nos mantiene expectantes son diversos componentes de suspense que se incorporan y algunas escenas emocionantes. Y ni su videodiario ni su desesperación son atractivos, es más seductor ver como un chico tan pánfilo va logrando salir adelante. Por lo demás cumple todos los tópicos: la desconfianza en los que han sido mordidos, los que se quieren suicidar antes de vivir como muertos vivientes…
Pues ya está, otra película más de zombies y otro título que se suma a los que pueden ver aquellos que se están enganchando al cine coreano a partir de películas contemporáneas como ‘Train to Busan’ o ‘Parásitos’. ‘#Alive’ es una película entretenida que seguramente os hará conversar a cerca de qué habríais hecho vosotros si en lugar de confinarnos por el COVID-19 nos hubiese rodeado una infección con devoradores de carne.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de septiembre de 2020. Título original: #Saraitda. Duración: 98 min. País: Corea del Sur. Dirección: Il Cho. Guion: Il Cho, Matt Naylor. Música: Tae-seong Kim. Fotografía: Son Won-ho. Reparto principal: Ah-In Yoo, Shin-Hye Park, Bae-soo Jeon, Hye-Won Oh, Hyun-Wook Lee. Producción: Zip Cinema, Perspective Pictures. Distribución:Netflix. Género: terror. Web oficial:https://www.perspective-us.com/alone-1
Hoy en día está muy en entredicho en futuro de los cines. Parte del público había perdido la costumbre de ir a salas de proyecciones y las plataformas online han restado afluencia. Para más inri la crisis del COVID-19 y el bajo número de estrenos veraniegos ha agravado la situación, aunque poco a poco crecen los espectadores. Irónicamente una plataforma online como Filmin (que tiene un inmenso catálogo) ha anunciado el estreno de ocho filmes durante los seis próximos meses en salas de exhibición, demostrando así que el cine sigue vivito y coleando.
Antes de poder ver estas películas en Filmin se proyectarán en salas para poder disfrutarse en pantalla grande. Esto es también debido a que previamente la plataforma ha estrenado otras películas en cines obteniendo buenos resultados. Son el caso de ‘Fin de siglo’, ‘Steve Bannon, el gran manipulador’, ‘Under the Skin’ o ‘Clímax’ (las dos últimas, en colaboración con Avalon).
Los títulos a estrenar son…
‘Cunningam’ (16 de octubre de 2020)
Experiencia cinematográfica única, inspirada en la vida y obra de la leyenda de la danza Merce Cunningham. Formó parte de la Sección Oficial del BCN Film Fest 2020.
‘She dies tomorrow’ (30 de octubre de 2020)
Amy Seimetz («Sun Don’t Shine») firma una de las grandes sensaciones del cine fantástico de la temporada. Amy se obsesiona con la posibilidad de morir de manera inminente. Lo peor es que su miedo es contagioso. Sección Oficial en el Festival de Sitges 2020.
‘A stormy night’ (27 de noviembre de 2020)
Película de clausura del D’A Film Fest 2020 y recientemente proyectada en el Festival de Málaga, la ópera prima de David Moragas reflexiona sobre las relaciones humanas durante una noche de tormenta en Nueva York.
‘Josep’ (4 de diciembre de 2020)
La historia del exiliado republicano Josep Bartolí y su experiencia en un campo de concentración francés es la base de este biopic de animación que cuenta con el Sello del Festival de Cannes y las voces de Sergi López y Sílvia Pérez Cruz.
‘La pintora y el ladrón’ (18 de diciembre de 2020)
Premio del Público en Atlàntida Film Fest 2020. La sorprendente relación de amistad entre una pintora y el ladrón que robó dos de sus obras más valiosas ilumina uno de los grandes documentales del año.
‘Surge’ (8 de enero de 2021)
Una obra feroz e incendiaria en la que Ben Whishaw interpreta a un introvertido empleado de aeropuerto que tras una serie de incidentes se embarca en una desquiciada y frenética aventura por las calles de Londres. Clausura la sección Noves Visions en Sitges 2020.
‘Cuidado con los niños’ (5 de febrero de 2020)
Un desgraciado accidente en el patio de un colegio acaba con la muerte de un niño. Así arranca esta ardua exploración de la culpa, el duelo y los problemas de comunicación que fue una de las joyas del Atlàntida Film Fest 2020.
‘Spaceship earth’ (marzo de 2021)
Tras su paso por los festivales de Sundance y Sitges llegará a los cines este documental bigger than life sobre Biosfera 2, el ecosistema artificial en el que, en 1991, se encerraron 8 científicos para estudiar los efectos del cambio climático. No creerás todo lo que les ocurrió allí.
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