Crítica: ‘Tres mil años esperándote’

Sinopsis

Clic para mostrar

La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad.

En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que les sorprenderá a ambos.

Crítica

El poder terapéutico de la imaginación y las historias nos llena de optimismo

George Miller es el artífice de ‘Mad Max’, ‘Happy Feet’, ‘Babe el cerdito valiente’, una parte de la película de ‘Twilight Zone’… No pretendo rellenar esta crítica de ‘Tres mil años esperándote’ desde su principio enumerando o citando su currículo, sino remarcar que está claro que el director australiano es de hacer películas nada convencionales. Pero sobre todo con él vuela siempre la imaginación y nos quedamos con la sensación de vivir cuentos con toques de tragedia e ingenuidad, siempre con un halo de luz al final. ‘Tres mil años esperándote’ es la undécima película de ficción que dirige y se alza como su propuesta más romántica, mágica, colorida y fantasiosa, si no sueles estar en sintonía con sus filmes más parabólicos o luminosos, dudo mucho que captes el significado o intención de este.

Teñir la vida de fantasía como si se tratase de un cuento de hadas siempre ha funcionado en el cine. En esta ocasión la metáfora se sirve en la línea de los relatos de ‘Las mil y una noches’ o la ‘Biblia’. En forma de fábulas antiquísimas Miller, un hombre capaz de sacar de su retiro dos veces a un director de fotografía como John Seale, nos narra una preciosa historia de deseos y amor, que visualmente es cautivadora y grotesca a la vez. El cine se convierte así de nuevo en esa magia de vivir en menos de dos horas toda una vida que en esta ocasión recorre varios siglos. Todo un viaje mágico para remarcar el poder o significado de las historias en nuestras culturas. Miller vuelve a su cara más optimista y casi hace un canto a la historia que escribimos como especie, pero sobre todo a nuestra capacidad de amar. Pero hay más interpretaciones pues en la soledad de su protagonista nos remonta a aquello con lo que “la nada” amenazaba el mundo de ‘La historia interminable’, “solo existimos si somos reales para los demás” dice Idris Elba en su papel de djinn. Y yendo aún más allá, está el poder terapéutico de la imaginación que nos hace capaces de sentirnos acompañados y en un mundo mejor.

Casi todo el metraje de ‘Tres mil años esperándote’ transcurre en una habitación, lugar habitual para escuchar cuentos. En este caso la de un hotel de Estambul, en concreto la 333. Juguetea así Miller con su historia y con los clásicos tres deseos que puede conceder el clásico genio de la lámpara. Un genio imponente y tiernamente interpretado por Idris Elba. Tres mil años de encierro ha sufrido este ser de fuego que ansía escuchar historias. Por suerte va a parar a manos de una narratóloga (he tenido que buscar si existía esa profesión). Quién mejor para saciar y comprender su necesidad de alimentarse de relatos y vivencias. Tilda Swinton está ideal, clava este personaje tan raro, estirado, intelectual y analítico.

Es obvio que lo que vive la estudiosa de ‘Tres mil años esperándote’ es algo totalmente increíble. Pero si algo nos ha enseñado el 2020 es que casi todo puede pasar. De hecho el director no oculta las mascarillas que han estado presentes en estos dos últimos años, más propios de una distopía pre-apocalíptica que de un mundo preparado para enfrentarse civilizadamente a una emergencia global. Si esta cinta hubiese tenido un componente de ciencia ficción podríamos imaginar que está sacada de un texto de Ted Chiang. Aunque también es cierto que el ruido de nuestro mundo aparece en el filme como heraldo del fin de todo lo mitológico o místico, podría ser una de sus ideas. Hay a quien le parecerá una majadería esta película por no ver su romanticismo o su simbología. Como decía al principio, si no sabes a lo que te vas a exponer cuando empieza una película de Miller, mejor no entres.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2022. Título original: Three Thousand Years of Longing. Duración: 108 min. País: Australia. Dirección: George Miller. Guion: George Miller. Música: Junkie XL. Fotografía: John Seale. Reparto principal: Idris Elba, Tilda Swinton, Pia Thunderbolt, Berk Ozturk, Anthony Moisset, Alyla Browne. Producción: Kennedy Miller Mitchell, Metro-Goldwyn-Mayer, FilmNation Entertainment, CAA Media Fiance, Elevate Production Fiance. Distribución: DeAPlaneta. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/three-thousand-years-of-longing

Crítica: ‘El test’

Sinopsis

Clic para mostrar

¿Qué escogerías, cien mil euros ahora o un millón dentro de diez años?

La premisa parece sencilla. Héctor y Paula, un matrimonio con serios problemas económicos serán puestos a prueba por Toni, su amigo rico de la universidad; pero primero deben ponerse de acuerdo sobre su elección. Héctor quiere 100.000€ para intentar renovar su bar poco rentable y convertirlo en negocio de éxito, pero Paula prefiere esperar diez años al gran premio. Lo que empieza como un mero juego y una suposición, pronto irá revelando las verdaderas personalidades y los pensamientos más profundos de los protagonistas. Esto les hará poner un precio a sus principios e incluso a tomar decisiones que pueden cambiar sus vidas.

Crítica

Dani de la Orden sale airoso con una nueva versión. Suma y sigue para mantenerse en el top de la comedia española

Comienza con una especie de jazz. A eso se asimila la banda sonora con la que el compositor Fernando Velázquez (trilogía del Baztán) decide iniciar ‘El test’. Una película donde al igual que en ese estilo musical los personajes improvisan y se guían por instintos o impulsos. Las pulsiones y las necesidades se ponen a prueba en esta adaptación de la obra teatro que han llegado a protagonizar Luis Merlo, Antonio Molero, Marta Belenguer y Marina San José.

En esta ocasión son Alberto San Juan, Miren Ibarguren, Blanca Suárez y Carlos Santos los principales protagonistas, a los cuales se han sumado un par más de rostros conocidos como los de Antonio Resines y Luna Fulgencio. La idea es sencilla y no se ha ampliado en esta traslación al cine: un ricachón (o especulador) pone en un brete a una pareja de amigos que van a cenar a su casa: coger cien mil euros en el momento o esperar a recibir un millón dentro de diez años.

La idea puede sonar a la proposición indecente que en su día le hizo Robert Redford a la pareja formada por Woody Harrelson y Demi Moore. Y la verdad es que en algún momento se acerca a eso y se pone sobre la mesa la dignidad y el respeto a las personas, el hecho de si todos tenemos un precio. Este filme de Dani de la Orden juega igualmente con el espectador y es capaz de generar exactamente el mismo debate que se experimenta en la película. La gracia quizá esté más en los corrillos posteriores que en la película misma. Con un espléndido Carlos Santos, un San Juan haciendo un papel similar al de Ernesto Alterio en ‘Perfectos desconocidos’, una Miren Ibarguren eco-friendly solidaria y una comedidísima Blanca Suárez se dispone un reparto que abre unas posibilidades graciosísimas. Pero cabría esperar más desmadre. Y se intenta, pero los muchos enredos y bucles llegan a un punto en que se hacen no previsibles, pero si trillados.

Dani de la Orden sale airoso con una nueva versión y suma y sigue para mantenerse en el top de la comedia española. Esta vez no ha elaborado un remake, sino como ya he comentado, ha rodado una traslación del teatro al cine, algo que también había hecho ya con su ‘Litus’. Escrita por Jordi Vallejo el autor de la obra vista sobre las tablas alcanza cotas de surrealismo y dispone una buena montaña rusa de emociones. ‘El test’ tiene menos hilaridad y se desmadra a menor nivel que ‘Mamá o papá’, ‘Hasta que la boda nos separe’ o ‘Loco por ella’, en parte porque los gags son menos descabellados y en parte por varias sacudidas dramáticas que nos tiene preparadas. El mensaje nos habla del autocontrol, la hipocresía o la dignidad, también puede que indirectamente de la especulación y la venta de humo. Aunque esta sea una propuesta humorística hay materia de la que sacar jugo.

Eso sí, pese a que me he divertido y no me esperaba sus giros trágicos he de poner una pega. No sé si la obra de teatro tiene el mismo final, pero del de la película puedo decir que roza la incoherencia con los personajes y sus principios, con lo ético o lo decente. Sin que se haya rodado algo escandaloso, quiero que se me entienda bien, el estado en el que acaban algunos personajes no tiene cabida en la mente de alguien que quiera vivir con la cabeza alta o manteniendo un mínimo de orgullo propio. Va más allá del perdón u el olvido lo que nos dan a entender en el epílogo.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2022. Título original: El test. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Dani de la Orden. Guion: Jordi Vallejo. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Pau Muñoz. Reparto principal: Alberto San Juan, Miren Ibarguren, Blanca Suárez, Carlos Santos, Antonio Resines, Luna Fulgencio. Producción: Atresmedia Cine, Movistar Plus+, Warner Bros., Álamo Audiovisual. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/el-test

Análisis del Blu-ray de ‘El hombre del norte’

En verano, en invierno, en la edad de piedra, ahora… esta historia es atemporal

Espectacular. Así es como a casi todo el mundo define la última película de Robert Eggers, ‘El hombre del norte’. Saliéndose de su estilo visual y rodando en exteriores como hasta ahora nunca había hecho el director de ‘La bruja’ o ‘El faro’ se marcó una pedazo de epopeya a la antigua usanza pero con el impacto que la tecnología actual puede brindarle a nuestros ojos. De ahí que os recomendemos haceros con alguna de las ediciones que desde el 26 de agosto Arvi Licensing ha puesto a la venta en tiendas.

La leyenda que inspiró a Shakespeare cobra vida con mayor fidelidad que nunca. Las grandes interpretaciones de un reparto compuesto por Alexander Skarsgård, Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Nicole Kidman, Ethan Hawke y Willem Dafoe permitieron que hablamos de cine con mayúsculas. Y el final… ¡qué final!

Un joven príncipe tiene que huir cuando su padre es asesinado y el trono es usurpado por su tío. Con su mundo patas arriba comienza una dura vida en el exilio en la que la venganza nunca es olvidada. Esta es una historia antiquísima ambientada en tierras nórdicas y hablada en lenguas olvidadas.

En la portada tenemos todo el reparto mencionado y al protagonista recortando en silueta y plantando cara a barcos que se aproximan a sus tierras. Idem para el disco que también viene serigrafiado. El menú tiene la misma imagen a contraluz y acompaña la música de tambores e instrumentos folclóricos de la banda sonora de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough.

El Blu-ray nos da opción de escuchar el filme en inglés Dolby Atmos, castellano, español latino y checo. Los subtítulos están en castellano, inglés para sordos, cantonés, mandarín complejo, checo, danés, finés, coreano, español, latino, noruego, sueco y polaco.

Extras (no tiene)

Análisis del blu-ray de ‘Ambulance. Plan de huida’

Llamas al 112 y te viene a casa Michael Bay

La última ocurrencia de Michael Bay incluyó menos explosiones y menos ciencia ficción pero eso no impidió que tuviese éxito, por lo menos entre sus fans. Desde el 26 de agosto puede comprarse en tiendas en formato físico ‘Ambulance. Plan de huida’ (crítica aquí’) editada por Arvi Licensing para Universal Pictures.

La historia es un remake más espectacular y patriótica que el producto original, como cabría esperar. En esta película dos hermanos (Jake GyllenhaalYahya Abdul-Mateen II) ponen en marcha un atraco que sale malogrado. Para huir secuestran una ambulancia con la que trabaja una joven y talentosa enfermera interpretada por Eiza González. Con la rehén empieza una persecución por las calles de Los Ángeles que no tiene muchos boletos para acabar bien.

Este remake americano ha sido publicado en España con la portada que vimos en cines y el propio disco tiene un sencillo diseño en el que vemos la susodicha ambulancia perseguida por un gran elenco de cuerpos de seguridad del estado. Lo mismo sucede con el menú en el cual podemos seleccionar, idiomas, escenas o extras.

En cuanto a idiomas el audio está disponible en inglés Dolby Atmos, castellano, portugués, brasileño, español (latino), tailandés dolby Digital Plus 7.1, checho Dolby Digital 5.1. En cuanto a los subtítulos se pueden seleccionar en castellano, inglés para sordos, portugués brasileño, cantonés, mandarín complejo, mandarín simplificado, checo, coreano, español latino, polaco, portugués y tailandés.

Extras (37 min. aprox.)

Buscando una ambulancia (5:34 min.)

‘Heat’ + ‘Speed’. Así definen esta película en esta sección de los extras y por eso el proyecto acabó cayendo en Michael Bay. El director cambió el guión origial para meter más escenas con las ambulancias y llevarlas por otras partes. 45 minutos de la película transcurren dentro de la ambulancia.

El caos de Bay (6:14 min.)

Rodar con Bay es como meterse en un campo de batalla. Todo el elenco coincide en que meterse en este proyecto ha sido una emocionante aventura y todos creemos que aunque se metiese en un drama al uso acabaría siendo algo vertiginoso igualmente.

A todo gas (9:34 min.)

Cierto es que esta película podría ser el ‘Fast & Furious’ de Michael Bay. Coches no le faltan, tampoco matones, persecuciones… Ahí es donde vemos cómo se ha modificado el material original llevándolo al más puro estilo norteamericano. Para conseguirlo se han realizado trucos de cámara, modificaciones en los vehículos… en este reportaje podéis ver cómo se rueda en este sentido.

Capital mundial de las persecuciones (3:58 min.)

Los Ángeles es uno de los lugares donde más persecuciones hay en EE.UU. Todos hemos visto esas imágenes de televisión rodadas con cámaras en los coches policiales o en los helicópteros de los informativos. Eso es lo que emula ‘Ambulance. Plan de huída’.

Ataque aéreo (5:08 min.)

Con esta película queda claro que Bay ha descubierto las virtudes de los drones. Para emular la vista de los helicópteros que persiguen a los ladrones o para poder sumergirnos a toda mecha entre el tráfico se ha contado con Alex Vanover un joven y talentosísimo piloto de trones.

Homenaje a los servicios de emergencia (6: 54 min.)

Bomberos, policías… y por supuesto sanitarios. En la película vemos todo tipo de servicios de atención al ciudadano. Entre explosiones, tiros y neumáticos reventados Bay ha intentado meter un homenaje a esos profesionales que nos han cuidado en tiempos de pandemia y lo siguen haciendo día a día. Aquí conocemos por ejemplo a una sanitaria que les asesoró, Dannie Wurtz, de ambulancias Falck, las más antiguas de USA.

Crítica: ‘Samaritan’

Sinopsis

Clic para mostrar

Sam Cleary (Javon «Wanna» Walton), un joven de 13 años, sospecha que su misterioso y solitario vecino, el Sr. Smith (Sylvester Stallone), es en realidad un personaje legendario que se esconde a plena vista. Hace 20 años, el vigilante superpoderoso de Granite City, Samaritan, fue declarado muerto tras una batalla en un almacén con su rival, Némesis. La gente cree que Samaritan falleció en el incendio, pero algunos ciudadanos como Sam tienen la esperanza de que siga vivo. Con la delincuencia en aumento y la ciudad al borde del caos, Sam se propone sacar a su vecino de su escondite para salvar la ciudad de la ruina.

Crítica

Parece que esto ya lo hemos visto y… efectivamente, lo hemos visto

El nuevo y esperado estreno de Prime Video es ‘Samaritan’ (con el permiso de ‘Los anillos de poder’) y viene de la mano de Julius Avery, el artífice de ‘Overlord’. Un niño y unas animaciones durante los créditos nos ponen en situación, nos cuentan qué tipo de superhéroe tiene esta nueva realidad cinematográfica. Nueva ciudad ficticia (recreada en Atlanta) y nuevos protagonistas comiqueros (no busquéis base en papel porque esta es una “idea original”). Llegamos a este universo en un punto en el que los ciudadanos piensan que tanto su héroe como su antagonista han acabado sus días. Pero un niño obsesionado con la figura del justiciero piensa haberlo encontrado, ¡en su vecindario!

Javon “Wanna” Walton, a quien habréis conocido en la última temporada de ‘The Umbrella Academy’, es el protagonista casi en solitario en los primeros compases, por lo menos en la primera media hora de filme. El rol que ejerce es el de un niño con ideales loables pero intentando sobrevivir en un entorno duro. Experimenta la trillada infancia hostigada por abusones y malotes. En ese sentido Moises Arias repite el mismo papel que interpretaba en ‘El juego de Ender’. Por supuesto el otro protagonista, que se va haciendo poco a poco con la presencia en cámara, es Sylvester Stallone. Él es un hombre hermético y de parcas palabras, así como de pasado desconocido.

‘Samaritan’ tiene tintes de comic indie de superhéroes tipo Image o Dark Horse y juega con esa ilusión que podríamos tener de niños al encontrarnos con nuestro héroe preferido. Al ser este un drama de acción podemos sospechar cuál es el verdadero secreto que esconde el basurero encarnado por Sylvester Stallone, no obstante la relación que mantienen tanto adulto como niño se hace interesante, arquetípica y vista en otras muchas películas, pero funciona. Es un filme urbano con bandas y peleas que nos entretienen como otras tantas.

‘Old man logan’, ‘Hancock’, ‘El Protegido’ (en lo que se refiere a la relación de Bruce Willis y el personaje que hace de su hijo) son películas que probablemente se puedan meter en el mismo saco. Sobre todo me estoy refiriendo en el modo en el que se contagian entre los protagonistas. El entusiasmo del niño revive al héroe y la sabiduría del héroe retirado enriquece al joven, ambos ganan algo. ‘Descubriendo a Forrester’ ha venido por un momento a mi memoria. Encuentra así Sly una manera de mantenerse en la palestra del cine de acción aunque el cuerpo no esté ya para tantos trotes.

¿La sociedad crea héroes o villanos? Esa es la dicotomía en la que parecía que se iba a convertir ‘Samaritan’ pero que no se explora con suficiente valor. De igual modo cabe señalar que no es un debate nuevo y tampoco nos guarda muchas sorpresas pues con el comienzo del filme podemos intuir qué nos espera. Lo que sí es ligerísimamente distinto es el carácter del personaje de Stallone. Ha hecho de héroe de acción muchas veces e incluso se ha emparejado bastante con la ciencia ficción y los cómics como en ‘Demolition man’, ‘Juez Dredd’ o ‘Guardianes de la galaxia’. Pero en esta ocasión su protagonista tiene una vertiente más… digamos depresiva.

‘Samaritan’ tiene un reparto desconocido en su mayoría, muy al contrario que ‘Los mercenarios’ u otras películas de la gran estrella de Hollywood. Aunque el villano está interpretado por un actor conocido y ya acostumbrado a ser el tipo repelente de la historia, Pilou Asbæk, el resto del elenco es mucho más ajeno al público. Se intenta con esto que la cinta cuente un lance en un lugar ordinario pero de tintes extraordinarios. Imitando la dinámica de algunos villanos enmascarados de Batman, se camufla a un delincuente como un héroe para el pueblo, instigando a las masas a la revolución o al alzamiento. Un detalle que al igual que el mencionaba en el párrafo anterior, queda en algo anecdótico.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2022. Título original: Samaritan. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Avery. Guion: Bragi F. Schut. Música: Kevin Kiner, Jed Kurzel. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Sylvester Stallone, Javon “Wanna” Walton, Martin Starr, Pilou Asbæk, Moises Arias, Dascha Polanco, Michael Aaron Milligan, Joe Knezevich, Olaolu Winfunke. Producción: Balboa Producciones, Metro-Goldwyn-Meyer. Distribución: Prime Video. Género: acción, ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.instagram.com/balboa_productions/

Crítica: ‘Tadeo Jones 3. La tabla esmeralda’

Sinopsis

Clic para mostrar

A Tadeo le encantaría que sus colegas arqueólogos le aceptasen como a uno más, pero siempre acaba liándola: destroza un sarcófago y desata un conjuro que pone en peligro la vida de sus amigos, Momia, Jeff y Belzoni. Con todos en contra y solo ayudado por Sara, Tadeo emprenderá una huida llena de aventuras, que le llevará de México a Chicago y de París a Egipto, para encontrar la manera de acabar con la maldición de la momia.

Crítica

Prefiero llamarle “Jaleo” Jones, un jaleo muy divertido

Soy de los que se alegraron muchísimo al ver que la calidad de la animación de la primera a la segunda parte de ‘Tadeo Jones’ mejoró notablemente. Esa fue la principal virtud que encontré en una película que me sobrecargo de tanto folclore español. Ahora con la “Marca España” bien grabada a fuego se estrena una tercera parte que me ha entretenido hasta el punto de haberla llegado a disfrutar realmente. ‘Tadeo Jones 3. La tabla esmeralda’ es una parodia que sigue los pasos de otros dibujos españoles como el Superlópez de Jan. El nombre de Ra-Amon-Ah podría ser obra del berciano. El protagonista sigue siendo un estadounidense que rememora con mofa los tópicos del cine de búsqueda de tesoros pero en esta ocasión no pisa nuestro país, no obstante no faltan guiños, oímos por ejemplo ‘Los coches chocones’ de Los Desgraciaus.

Al protagonista prefiero llamarle “Jaleo” Jones, un jaleo muy divertido. Sigue siendo un personaje torpón, con cara de Carlos Sobera y amigos aún más liantes que él. En esta nueva aventura también se sumerge en los lugares más antiguos del planeta. La cita con Tadeo vuelve a ser una búsqueda de un artefacto escondido tras capas y capas de pistas que el protagonista va descubriendo prácticamente de manera fortuita y que al igual que en las películas de Indiana Jones atraen a diversos villanos. En esta ocasión se encuentra con un misterio esotérico que le lleva a relacionarse con el ocultismo. Estos os pueden parecer términos más propios de un programa de Iker Jiménez que de una película infantil, pero obviamente es una comedia y podemos decir además que el propio presentador hace acto de presencia riéndose de los tópicos que siempre se le atribuyen. El punto de partida de esta nueva cinta es el hallazgo de una momia egipcia en una pirámide precolombina, estaba servido en bandeja.

Esta tercera entrega además de tener más desastres tiene más mala leche. Tiemblan literalmente diferentes pirámides, Notre Dame, la Mona Lisa, el Tour de Franca… Cual Tintín, Tadeo viaja por el globo terráqueo acompañado de su perro (o perro-loro en esta ocasión) pero alejado de la sutileza del personaje de Hergé la creación de Enrique Gato va causando estragos en las maravillas del planeta. Y esto lo hace sin parar ni un momento de cometer torpezas. Si hay otra cosa que le reconocía la segunda entrega es el buen ritmo que tiene y en ‘Tadeo Jones 3’ no han perdido esa cadencia. Entre guiños al Joker, a El Nota o a ‘Star Trek’, en compañía de los distintos personajes, entre los que se hayan nuevas incorporaciones, tenemos multitud de gags del tipo humor físico y aventurero.

Jadeo Jones podríamos llamar también a este personaje que llega siempre con la lengua fuera a sus objetivos. Vale, ya paro con los juegos de palabras que tampoco es exactamente el rollo de la película. La que si que va sobrada es la calidad visual, alcanzando el nivel de lo que nos llega desde las américas. Como decía, la animación ha mejorado desde el estreno de la primera parte de Tadeo Jones en 2012 o el primer corto de 2004. Lo podemos notar sobre todo cuando vemos flotar partículas de arena, salpicar el agua, reflejos de luces o texturas más realistas (dentro del estilo que se le ha querido imprimir a esta saga). Acompañado esto del doblaje habitual (al que se han sumado más voces conocidas) tenemos una factura digna de pagar una entrada de cine a la que no dan ganas de quitarle el IVA.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2022. Título original: Tadeo Jones 3. La tabla esmeralda. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Enrique Gato. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell. Música: Zacarías M. de la Riva. Reparto principal (doblaje original): Óscar Barberán, Luis Posada, Michelle Jenner, Anuska Alborg, Alexandra Jiménez, Tito Valverde, Cecilia Suárez, Berta Cortés, Pablo Gómez, José Corbacho, Manuel Burque, Marcel Navarro, Ben Cura, Claudio Serrano. Producción: Ikiru Films, Lightbox Animation Studios, Telecinco Cinema. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, animación. Web oficial: http://www.ikirufilms.com/portfolio_page/tadeo-jones-3-la-tabla-esmeralda/

Crítica: ‘Dios mío, ¿Pero qué nos has hecho?’

Sinopsis

Clic para mostrar

Pronto se cumplen 40 años del matrimonio entre Claude y Marie Verneuil. Para esta ocasión, sus cuatro hijas deciden organizar una gran fiesta sorpresa en la casa familiar de Chinon e invitar a los padres de cada uno de los yernos a pasar allí unos días. Claude y Marie tendrán que acoger bajo su techo a los padres de Rachid, David, Chao y Charles. Esta estancia en «familia» promete estar llena de acontecimientos.

Crítica

Aún con gracia pero la fórmula ha perdido mucha potencia

Continúan las películas de la saga ‘Dios mío’. El mismo equipo técnico y actoral nos sigue contando las peripecias de los Verneuil y sus yernos. Todo el reparto repite menos Julia Piaton que es la única que no regresa en esta tercera entrega por temas de agenda, nada que ver con el escándalo reciente que ha rodeado a Ary Abittan (su pareja en esta ficción).

La historia transcurre tres años después de lo sucedido en Chinon en la segunda parte. Recordemos. Al final de la secuela Claude y Marie Verneuil (Christian Clavier y Chantal Lauby) consiguieron que sus hijas y sus maridos no se mudasen a países extranjeros y yendo aún más allá, que viviesen en su pueblo de origen. Eso ahora le pasa factura a Claude que vive literalmente esquivando familiares políticos. Ya conocimos a los padres del yerno marfileño y ahora toca acoger a todos los otros extranjeros en su nada humilde morada. Una debacle para el matrimonio aburguesado que tendrá que compartir con ellos la celebración de su 40 aniversario.

El personaje de Clavier sigue siendo un intolerante retrógrado y esa se mantiene como la principal palanca de la comedia. Chistes culturales, regionales y raciales, este es el ‘Ocho apellidos vascos’ francés, aunque para ser justos ‘Ocho apellidos vascos’ era el ‘Bienvenidos al norte’ español. Entre nietos, yernos, consuegros… esto parece un casting de Netflix cumpliendo su cuota de diversidad. El humor roza lo incorrecto pero como siempre se las apañan para blanquearlo, sin que esto sea un chiste negro. Incluso van más allá con el conflicto israelí-palestino. El esquema de ‘Dios mío, ¿Pero qué nos has hecho?’ es calcado al de las otras dos películas y eso hace que nos veamos venir todo lo que sucede.

Salvo por algún que otro gag y la trama que se nos planeta la fórmula acaba cansando. El título ya alude a que los protagonistas piensan que lo hacen todo bien pero que es Dios el que la tiene tomada con ellos. Philippe de Chauveron consigue buena química entre sus actores habituales, pero no aporta nada fresco, es más, los nuevos miembros saturan la historia y eso que aparecen a mitad de la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2022. Título original: Qu’est-ce qu’on a tous fait au Bon Dieu? Duración: 98 min. País: Francia. Dirección: Philippe de Chauveron. Guion: Guy Laurent, Philippe de Chauveron. Música: Matthieu Gonet. Fotografía: Christian Abomnes. Reparto principal: Christian Clavier, Chantal Lauby, Jochen Hägele, Pascal Nzonzi, Bing Yin, Ary Abittan, Medi Sadoun, Frédéric Chau, Noom Diawara, Frédérique Bel, Élodie Fontan, Daniel Russo, Amélie Prevot. Producción: Les films du premier, Les films du 24, TF1 Films Production. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/serial-bad-weddings-3

Crítica: ‘Todo el mundo odia a Johan’

Sinopsis

Clic para mostrar

Johan es un excéntrico e inadaptado habitante de una pequeña aldea noruega. Huérfano desde niño y aficionado a los explosivos, Johan intenta conquistar el  corazón de su vecina Solvor, a quien voló por los aires accidentalmente de pequeños.

Crítica

Los personajes odian a Johan, los espectadores le cogerán cariño

Me he acordado hoy de la serie ‘Todo el mundo odia a Chris’. No es que haya vuelto a ver la bofetada a Chris Rock en los Oscar, es que su personaje de esa serie me ha recordado al Johan de esta película. Era alguien de carácter más o menos inocente que tenía tan poca fortuna que al final se metía en tales líos que se ganaba la animadversión de todos. Lo mismo le pasa al protagonista de esta película noruega, es bonachón y sin malicia, pero si hablasen de él en las noticias parecería alguien a quien encerrar.

La cara más conocida de ‘Todo el mundo odia a Johan’ es la de Ingrid Bolsø Berdal. Aunque la actriz de ‘Westworld’ o ‘Hercules’ tiene peso en el filme no es la protagonista. Obviamente la trama se centra en los actores que interpretan a Johan en las distintas etapas de su vida, sobre todo en la adulta que es cuando le encarna el actor Pål Sverre Hagen. Y no es de extrañar que se lleve toda la atención pues al margen del título de la película hay que tener en cuenta su metro noventa y siete de altura, tampoco es de extrañar que el actor haya hecho ya de vikingo.

Grande es el actor y Grande es el apellido de la familia que protagoniza ‘Todo el mundo odia a Johan’, que bien podría haberse titulado ‘Todo el mundo odia a los Grande’. Una pequeña familia de padre, madre e hijo a los que les gusta hacer explotar cosas. La historia comienza durante la ocupación nazi de Noruega en Titran, momento en el que los Grande vuelan puentes como parte de la resistencia. Llevan a cabo unas voladuras que se llevarían el diez en Aruseros y que fueron cruciales en la guerra. Pero por la mala suerte que suelen tener sucede que no se les reconoce su heroicidad. Posteriormente a eso el filme va dando saltos en el tiempo hasta nuestros mismísimos días, tiempo en el que Johan busca salvar su apellido, tanto en el sentido honorable como en el sucesorio. Johan se llama el protagonista como su padre y tiene un caballo que se llama como su madre, un detalle cómico que simplemente se suma al peculiar sentido del humor de los nórdicos que tanto se aplica aquí.

Comedia negra pero también tan funesta que nos da más de un revés dramático que nos deja machacados. La historia de Johan es trágica, triste, es un amor literalmente volado por los aires. Es de esos personajes de cine que están rodeados de penurias, que parecen haber nacido con mala estrella (en este caso también fruto de una terrible imprudencia y negligencia patológica). Pero a pesar de llevar una vida que haría que cualquiera se cortase las venas esos protagonistas poseen una personalidad y viven momentos tan curiosos que se les coge cariño. Es por eso que además de disparatada e infausta ‘Todo el mundo odia a Johan’ es tierna. Se crea un personaje tipo Forrest Gump o Simon Birch que nos conquista por una gran capacidad de amar y de perdonar.

No he visto nunca nada del director Hallvar Witzø ni del guionista Erlend Loe. Pero si os puedo decir que esta comedia es similar a ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’ o ‘Un hombre llamado Ove’. Humor frío, personajes taciturnos e irritables, ambiente hostil, convivencia con la tragedia… La pena es que la cadencia de gags o la chispa de estos no es tan fuerte como los brazos de Johan.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2022. Título original: Alle hater Johan. Duración: 93 min. País: Noruega. Dirección: Hallvar Witzø. Guion: Erlend Loe. Música: Jørund Fluge Samuelsen. Fotografía: Karl Erik Brøndbo. Reparto principal: Pål Sverre Hagen, Ingrid Bolsø Berdal. Producción: Film in Norway, Nodisk Film Distribution. Distribución: Avalon Films. Género: Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/todo-el-mundo-odia-a-johan

Crítica: ‘NOP’

Sinopsis

Clic para mostrar

“¿Qué es un mal milagro?”

El oscarizado Jordan Peele perturbó y redefinió el moderno género de terror, primero con ‘Déjame salir’ y luego con ‘Nosotros’. Y ahora reimagina la película del verano con una nueva pesadilla pop: la épica odisea de terror ¡NOP!

Crítica

En su mayor incursión en la ciencia ficción amplía su terrorífica iconografía

Vale, si, Jordan Peele ya había estado en la ciencia ficción con su versión de ‘The Twilight Zone’, pero para mí es como si no existiese pues no me gustó ningún episodio y me pareció todo tan evidente y argumentalmente repetitivo como ‘Déjame salir’. Sin haber visto aún ‘Us’ podría decir que ‘NOP’ es la película que más me ha gustado del director, no solo porque se amolde a los territorios y estéticas del western moderno, sino porque se aleja de lo que es su estilo y diatribas más clásicas y reiterativas.

Western, drama familiar y un misterio desconcertante propio de la ciencia ficción. Este podría ser un episodio más de ‘Outer range’, la serie de Josh Brolin que os comentaba hace poco, en abril. Jordan Peele se mantiene dentro de la corriente del terror moderno, de la cual es uno de los máximos exponentes, pero se acerca más que nunca a los imaginarios de la sci-fi, guiño a ‘Akira’ incluido. Juega mucho con el sembrar inquietud, con narrar a medias y con mostrar a medias. Finalmente y como de costumbre, es explícito, sin duda ‘NOP’ es la película en la que más muestra sus cartas. Sin embargo se deja unas cuantas escenas a las que yo por lo menos no lo he encontrado explicación o tienen una muy justa justificación. Peele se ha querido marcar una especie de versión de ‘Señales’ y entre flashbacks y momentos enigmáticos nos deja un poco pensativos. Se intuye que hay algo de paralelismo en todo lo que expone, pero quizá la espectacularidad de su final hace que eso pierda peso o no se emplee el metraje necesario en la explicación.

Como indicaba, es una de las películas en las que menos se acota a su estilo, en las que emplea menos técnicas de montaje o imagen fuera de las tradicionales, en las que no vemos esa música o imágenes entrecortadas que tanto le gustan. Eso no es impedimento para que tengamos más de un flash o sobresalto o para que visualmente sea muy original y posea instantes que se convierten instantáneamente en algo iconográfico. ‘NOP’ se autodenominada con el apelativo de “pesadilla pop”. Es terror con elementos modernos, del imaginario de nuestro siglo. De hecho trata de homenajear a los que hacen cine desde muy detrás de las cámaras y de mostrar como las generaciones de ahora solo creen lo que ven en imágenes. Supongo que su título procede también de la manera en cómo los protagonistas se niegan a afrontar a veces el terror que les acecha, cual nope trooper. En inglés el título es ‘NOPE’ y hay explicación para él si las interpretamos como unas siglas que no quiero escribir por no destripar nada, al contrario que hacen los tráilers.

Partiendo de un desconcertante y violento cliffhanger ‘NOP’ desarrolla una trama tensa y a la vez rememora a otros clásicos de los encuentros en la tercera fase. El rancho en el que transcurre la acción da pie a multitud de momentos enigmáticos y carismáticos. El público pasará terror mientras intenta extraer sus propias conclusiones y admira los paisajes.

Sin que me parezca mal el 99,99% de la obra de Jordan Peele gira en torno al racismo, se postula a ser el Spike Lee de este principio de siglo. En ese sentido ‘NOP’ es también una excepción. Por supuesto deja caer más de una fase o imagen relacionada, pero la trama no está supeditada a ello, a no ser que, atención spoiler, la criatura con forma de platillo volante haga ascos a los negros y por eso no se los coma.

Una película emocionante e intrigante, aunque me habría gustado que un poco más esclarecedora, como por ejemplo con la zapatilla en vertical, ya entenderéis esto. A los fans acérrimos de Peele les puede disgustar pues como he remarcado no se amolda a su inconfundible estilo. A los que disfruten de las historias de suspense, terror y elementos extraños, similares a Stephen King, seguramente les guste más. Con películas como esta o ‘Men’ o ‘Last night in Soho’ podemos decir que el género de terror goza de buena salud además de estar reinventándose.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2022. Título original: NOPE. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Jordan Peele. Guion: Jordan Peele. Música: Michael Abels. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Steven Yeun, Michael Wincott, Brandon Perea. Producción: Monkeypaw Productions, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/nopemovie/

Crítica: ‘Voy a pasármelo bien’

Sinopsis

Clic para mostrar

Valladolid. Septiembre de 1989.

David y Layla acaban de empezar octavo de E.G.B. y les gusta mucho Hombres G. También se gustan mucho entre ellos, pero como a David le aconsejan tan mal sus amigos, todas las cosas que hace para conquistarla terminan siempre siendo un fracaso. A pesar de todo, los dos se hacen inseparables y se meten en líos cada vez más grandes, e incluso a veces, cuando están juntos, el impulso de cantar y de bailar las canciones de su grupo favorito es tan fuerte que se ponen a hacerlo en mitad de la calle. Y eso es porque se lo están pasando bien. Muy bien.

Valladolid. Poco más de treinta años después.

David y Layla no se han vuelto a ver desde finales de los ochenta, pero nunca se han olvidado el uno del otro. A Layla las cosas, al menos en lo profesional, no le han podido ir mejor: es directora de cine y ha ganado un Oscar. La vida de David, en cambio, ha sido más normal y ni es famoso ni ha ganado ningún premio. Layla vuelve a la ciudad para recibir un homenaje y los dos pasarán juntos una semana. Durante esos días ya no cantarán y bailarán por la calle, pero se darán cuenta de que los niños que fueron no han desaparecido del todo.

En 1989 y en 2022, los protagonistas de esta historia lucharán con todas sus fuerzas por no dejar ir a su primer amor.

Y por pasárselo bien.

Crítica

Con los Hombres G y el rollo de Parchís o Regaliz rememoramos los ochenta

A finales de los ochenta pegaban fuerte en la radio y entre aquellos niños bien que querían parecer macarrillas los Hombres G. Ya hubo dos películas protagonizadas por la banda de pop rock que estuvieron dirigidas por Manuel Summers, padre del cantante del grupo. Esos filmes contaban una historia juvenil y granuja hilada con los temas más famosos, por las canciones que muchos tarareaban por entonces. Si vivisteis esa época seguro que habéis dicho eso de “la cagaste… Burt Lancaster”. La idea de ‘Voy a pasármelo bien’ es hacer lo mismo pero con un elenco infantil y otro más adulto, abrazando generaciones por debajo y por encima y dejando otros dichos pegadizos en nuestra memoria, como “te sales minerales”.

Película de Davides. David Summers es el famoso cantante, David se llama el protagonista interpretado por Izan Fernández y David Serrano es el director de esta cinta. Serrano ya había hecho comedias como ‘Días de fútbol’ o ‘Vota Juan’ y para este título de carácter musical y familiar ha contado con Luz Cipriota como co-autora del guión. Si bien la idea es retomar el espíritu ochentero de los gamberros de postureo de los Hombres G, se asemeja mucho más a las películas de grupos infantiles como Parchís o Regaliz. Tenemos dos tramas a seguir, una infantil (1989) y otra más adulta (2019). El gancho de ‘Voy a pasármelo bien’ está en la historia de los niños que viven una época de rebeldía y primeros amores haciéndonos rememorar los ochenta y los hits del grupo español.

Es curioso que los trabajos previos de Izan Fernández hayan sido de doblaje porque una de las cosas que flaquean en la película es la fuerza de su voz al cantar frente a la versión orquestada de las canciones de Hombres G. Por el contrario el baile lo borda, sin duda su escuela en el musical de ‘El rey león’ se hace notar. La película está llena de flashmobs (menos de los que imaginaba que tendría) y las coreografías están muy bien trabajadas. La historia puede recordar un poco a ‘La, la, land’. Personajes con morriña por un amor que no se llega a consumar y por sus sueños frustrados, mientras se multiplican los bailes por las calles de la ciudad, en este caso Valladolid.

El fillme tiene un ligero toque meta y queriendo o sin querer destaca varias veces el hecho de que al fin y al cabo por muy juerguistas, desvergonzados o inconformistas que quisiesen parecer los miembros de la banda de Summers solo eran unos niños acomodados (o pijos) y no cambia esa imagen por mucho que se haga burla de ello. Pero eso no es lo más importante de ‘Voy a pasármelo bien’. Es una trama de amistad y pillerías de carácter nostálgico y feelgood que tocará la fibra de los mayores seguidores de Hombres G o de los musicales. Entre carteles de Mirinda, Galerías Preciados y cintas de casete, hay temas pegadizos y valores simpaticones o entrañables.

Durante ‘Voy a pasármelo bien’ hay apariciones de distintos actores famosos e incluso del productor pero es en los créditos cuando aparecen los verdaderos músicos. Si esperabais cameo tendréis que verla hasta el final.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Título original: Voy a pasármelo bien. Duración: 108 min. País: España. Dirección: David Serrano. Guion: Luz Cipriota, David Serrano. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Raúl Arévalo, Karla Souza, Izan Fernández, Renata Hermida Richards, Dani Rovira, Raúl Jiménez, Jorge Usón, Michel Herráiz. Producción: El Estudio, Apache Films, Les Parapluies Rochefort, Paraíso Torres, Radio Televisión Española, Valladolid Film Office. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, romance, musical. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/voy-pasarmelo-bien

Crítica: ‘Por los pelos’

Sinopsis

Clic para mostrar

Quedarse calvo sigue siendo un trauma para muchos hombres. A nadie le gusta perder el cabello, especialmente en un mundo en el que la superficialidad, la imagen y el marketing son tendencia. Juanjo es un pusilánime cuarentón, casado con una mujer aficionada a los retoques estéticos. Sebas es un hombre encerrado en “el armario” de los calvos, cuyo peluquín tiene que competir con el “pelazo” de la nueva pareja de su ex, a las que sus hijas empiezan a llamar papá. Y Rayco es un joven cantante de reggaetón cuyo problema capilar se traduce en menos seguidores y menos conciertos.

La solución a la alopecia, que era algo prohibitivo para muchos, Turquía lo convirtió en accesible para todos con su turismo capilar low cost. Hasta allí viajarán Juanjo, Sebas y Rayco, embarcándose en una aventura en la que descubrirán que su problema no está tanto encima de su cabeza, como dentro de ella.

Crítica

Una mofa de los problemas del primer mundo, del homo digitalis y de las modas healthy

Chistes de calvos. Por los pelos parece hacer uso del leitmotiv de un programa de televisión de los noventa en el que participan Arévalo, Barragán o Chiquito de la Calzada. En esa línea va ‘Por los pelos’ y no lo digo a malas pues a lo que quiero aludir es a una época en la que no se criminalizaba el humor sin límites. No me mal interpretéis, esta no es una película faltona, ni irrespetuosa, ni con chistes negros, es una comedia con la que se puede reír uno de y con los prejuicios o los cánones sociales. La superficialidad se pone en tela de juicio y los tópicos son explotados a más no poder.

Metáforas, alegorías, juegos de palabras fáciles, refranes populares… Cada dos por tres tenemos un “te podrás soltar la melena” o “no tiene pelos en la lengua”, y la verdad es que a pesar de tanto tópico la película no carga. En buena parte es porque hay una buena cadencia de gags de todo tipo y también porque casi todo el reparto está gracioso, sobre todo en los casos de Nené (que me sigue pareciendo todo un descubrimiento), Leo Harlem (en su línea) o Antonio Pagudo (que le veo en un momento dulce) y con la excepción de Eva Ugarte que no acaba de engatusarme, me pasó igual con su trabajo en ‘El juego de las llaves’. Mención especial al manager despiadado y tiburón interpretado por Jesús Vidal.

‘Por los pelos’ va de tres hombres que por un motivo u otro viajan a las famosas clínicas turcas de implante capilar. “Si hay gente que se pone pechos porque no vamos a hacer nosotros esto” dice acertadamente el personaje de Tomy Aguilera. Pero la fachada es solo la antesala de una serie de temas que afectan a la autoestima de cada uno. Esta comedia plantea tres personajes con tres problemáticas distintas a las de tener más entradas que un macrofestival veraniego. Está el que vive supeditado a la opinión de sus followers reggetoneros, el que se ve apartado de la vida de sus hijas y el que está sometido a los deseos o anhelos de su esposa. Más allá de una crisis de los cuarenta o de un estigma social están tres asuntos que deben resolver y eso también da pie a la comedia pues pone en tela de juicio esos pequeños problemas que nos creamos en el primer mundo al dar tanta importancia a las redes sociales o a las calorías de la comida, por ejemplo.

Picasso, Churchill, Góngora, Dwayne Johnson, Darwin, Sócrates… Calvos ilustres sin complejos y con un gran alarde de autoestima. El hábito no hace al monje y el cliché se puede romper con suma facilidad. “Love is in the hair” podría decir una versión de la canción de John Paul Young, pero esta película clama porque con o sin pelo podamos ver a la misma persona.

A ‘Por los pelos’ le juega una mala pasada enredarse tanto al final. En su cierre pierde algo de gracia ya que además se pone moña, como casi todas las comedias de manual, introduciendo su final dulce, aunque aviso que hay algún que otro revés al respecto. Es agradable que durante la película, pese a que no se perciba acidez ninguna, se haga una parodia del mundo del reggaetón o de la cultura del envase, como acierta también a decir el personaje de Leo Harlem, que al igual que en sus monólogos hace una defensa por los valores tradicionales y sin complejos.

El maquillaje, pese a estar bien realizado nos hace ver un poco “caraconos” a los tres protagonistas. No obstante nos terminamos fijando poco porque como decía hay buen ritmo de gracietas y la trama va saltando de un personaje a otro. Esto es habitual en la filmografía Nacho G. Velilla autor de ‘Villaviciosa de al Lado’, ‘7 vidas’, ‘Aida’, ‘Feos’ o ‘Perdiendo el norte’. Me sorprende no haber tenido aquí a alguno de sus habituales como Javier Cámara o Carmen Machi, será cosa de agenda.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2022. Título original: Por los pelos. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Nacho G. Velilla. Guion: Nacho G. Velilla. Fotografía: David Omedes. Reparto principal: Carlos Librado “Nene”, Antonio Pagudo, Tomy Aguilera, Amaia Salamanca, Eva Ugarte, Alba Planas, María Hervás, Leo Harlem, Jesús Vidal. Producción: Atresmedia Cine, Atresmedia, Buendía Estudios, Crea SGR, Felicitas Media, Microinjerto Producciones, Movistar Plus+, Producciones Aparte. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/por-los-pelos-una-historia-de-autoestima

Crítica: ‘Bullet Train’

Sinopsis

Clic para mostrar

En Bullet Train, Brad Pitt protagoniza como Ladybug, un asesino con mala suerte decidido a llevar a cabo sus cometidos de manera pacífica tras demasiados “trabajos” que han descarrilado. El destino, en cualquier caso, tiene otros planes para él al colocarle en su última misión en una vía de colisión con adversarios letales venidos de alrededor del planeta – todos con objetivos conectados, a la vez que enfrentados – en el tren más rápido del mundo… e intentando averiguar cómo bajarse de él. Del director de Deadpool 2, David Leitch, el final es solo el principio de un salvaje y trepidante viaje a través del Japón más moderno.

Crítica

Un ejercicio de acción naif y nihilista la mar de divertido

La aparición de Brad Pitt en ‘La ciudad perdida’ ya nos adelantaba su retorno al cine de acción y a las comedias desenfrenadas. Además con ‘Bullet train’ cierra un círculo pues si en ese filme él tenía un papel secundario, los protagonistas de la película de los hermanos Nee (Sandra Bullock y Channing Tatum) hacen un cameo en este nuevo estreno. Cabe señalar que fueron Bullock y Tatum los que invitaron a Pitt al rodaje de la película que ha acabado estrenándose antes. Y no son los únicos pues el director David Leitch (‘Deadpool 2’, ‘Atómica’, ‘Fast & Furious’) incorpora a otros famosos actores en su reparto, tanto entre los protagonistas como en los cameos. Se nota que hay sintonía y amiguismo en este filme que ha orquestado quien ejercía antaño como doble del ex de Angelina Jolie.

Esta película está producida por 87North que es la productora que el propio Leitch fundó en 2014 junto a Kelly McCormick y Chad Stahelski, el responsable de ‘John Wick’. En las coreografías de las peleas que suceden en este vertiginoso tren se percibe ese sabor a las películas de Keanu Reeves pero también a las de ‘Equalizer’ ya que en esos filmes Denzel Washington también mataba a sus enemigos con lo primero que cogía a su alrededor. No es casualidad pues Antoine Fuqua está en la producción de ‘Bullet Train’.

Estos amantes de la acción moderna y divertida se han reunido para dar vida a la novela de Kotaro Isaka. Esta es una historia de mafiosos, venganza y casualidades con mucho sabor japonés. Los personajes de esta película son, en su mayoría, igual de letales que de tontorrones. El negocio de la muerte se ve como algo trivial, cómico, de ahí que esta sea una película de acción naif y nihilista, como lo es por ejemplo ‘Deadpool’. En este caso el eje del filme, además de las estaciones que va recorriendo el tren bala, es la mala suerte, el destino o el karma. Y es que Brad Pitt interpreta a un sicario que se queja de su constante mal fario y acepta un encargo en Japón que presumiblemente va a hacer sin despeinarse. Por supuesto lo que parece sencillo se convierte en toda una odisea, es normal que suene el ‘Stayin’ Alive’ (Sobreviviendo).

Pitt protagoniza estupendamente esta película. Es un gran actor pero reconozcámoslo, papeles tontorrones como este son los que hacen que le veamos como un tipo cercano y dispuesto a todo. Sus trabajos similares con los Coen o Ritchie son memorables y en este caso su personaje de Ladybug no va a ser menos, por lo menos se va a colar entre las mejores películas de acción o comedia del año. El estilo moderno, que va de guay y mantiene un alto body count enganchará a los fans de las películas desenfadadas y con carisma.

‘Bullet train’ va a toda mecha y cada vagón supone un reto (o varios) para el protagonista, sumándose a otras aventuras sobre raíles como ‘Snowpiercer’ o ‘Train to busan’. Es un vehículo de alta velocidad con escenas a cámara lenta, a la altura del Quicksilver descartado por Mavel. Qué planta y qué bien está aquí Aaron Taylor-Johnson en un dueto la mar de simpático junto a Brian Tyree Henry. Ambos interpretan a unos asesinos parlanchines que se esconden tras apodos, muy a lo Tarantino, de hecho también hay un Sr. Lobo. Por el contrario me han engañado pues pensaba que Masi Oka y Karen Fukuhara pintarían algo en la película. Menos mal que Hiroyuki Sanada mantiene alto el pabellón de los japoneses, qué estilazo tiene este señor.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2022. Título original: Bullet Train. Duración: 152 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Zak Olkewicz. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Zazie Beetz, Andrew Koji, Brian Tyree Henry, Michael Shannon, Logan Lerman, Sandra Bullock, Masi Oka, Hiroyuki Sanada, Miraj Grbic, Bad Bunny, Johanna Watts, Pasha D. Lychnikoff, Karen Fukuhara. Producción: 87North, CTB Inc, Fuqua Films, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribución: Sony Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.bullettrain-movie.jp/ 

Crítica: ‘Trece vidas’

Sinopsis

Clic para mostrar

Basada en hechos reales narra la historia del esfuerzo internacional que se realizó para rescatar a un equipo de fútbol tailandés que quedó atrapado en la cueva Tham Luang durante una inesperada tormenta. El equipo de buzos más hábil y experimentado del mundo se enfrentó con una capacidad única para navegar por el laberinto de túneles estrechos e inundados de la cueva a numerosas dificultades casi insuperables, uniéndose a las fuerzas policiales y militares tailandesas y a más de 10.000 voluntarios para lograr el angustioso rescate de los doce deportistas y su entrenador. Con mucho en juego y el mundo entero observando, los rescatadores se embarcaron en su inmersión más desafiante hasta la fecha mientras demostraban que el espíritu de supervivencia humano no tiene límites.

Crítica

Una historia de impotencia y desesperanza

Siempre que tenemos una historia basada en hechos reales (y recientes) y un reparto de famosos potente nos encontramos ante una propuesta con visos de tener mucha repercusión y calidad. Ron Howard no es experto en narraciones con base real, pese a que tiene unas cuantas, pero si es conocedor de que esa fórmula funciona la mar de bien. Además sabe extraer mucho potencial de historias que a priori podrían contarse en poco tiempo y en ‘Trece vidas’, aunque va directo al grano, logra extenderse casi dos horas y media sin que nos aburramos.

Tampoco es la primera película que intenta causarnos pavor, suspense y claustrofobia a partir de un encierro en una cueva. ‘The descent’, ‘La cueva’, ‘A 47 metros’, ‘Beneath’… daría para un monográfico. En este caso una chiquillada, una aventura, una tradición, da paso a la tragedia pues una inesperada lluvia torrencial hace que un equipo de fútbol infantil se quede encerrado en una caverna de Tailandia. Por suerte iban acompañados de su entrenador que como alguien responsable los acompañó. Y por suerte o por desgracia lo sucedido trascendió las fronteras del país asiático y hubo una repercusión tal que la comunidad internacional se volcó (por lo menos hasta que dejó de ser noticia) sin librarse de una desafortunada polémica con Elon Musk.

Los Jabatos Salvajes se llamaba el equipo de fútbol de estos jóvenes de 11 a 16 años que tal cual dice su nombre lucharon durante casi tres semanas en ese encierro rodeados de humedad y oscuridad. Howard narra de manera lineal esta historia que obviamente no voy a contar cómo acabó, por si no sabéis de este suceso o de su resolución. El centro de este thriller son los niños pero el protagonismo es para aquellos que se encargaron de la logística y la acción de este rescate. Los principales nombres son Viggo Mortensen y Colin Farrell, quienes entregados a esta historia bucean por si mismos y sin dobles.

‘Trece vidas’ está contada mucho en tailandés pero obviamente el reparto occidental hace uso del inglés, con un marcado acento británico. Howard por su parte el lenguaje que utiliza es el de los planos cerrados y algunos gráficos que nos muestran la longitud y lo angosto del sistema de cuevas de Tham Luang. Si eres claustrofóbico no veas esta película pues tiene escenas que agobian y se suman a la incertidumbre por la seguridad de los niños y a la sofocante sensación de impotencia de los rescatadores. La historia ya es agónica y larga de por sí, fueron unas semanas de dificultades, escasez de medios, supersticiones, dudas… Pero además se añade algún que otro evento más que intenta hacer todo más difícil o emocionante. Por si bucear durante horas en una cueva medio derruida fuese poco.  No obstante se capta el respeto pues se impone lo humano y no aparece lo espectacular.

Quizá lo más curioso es el ingenio y el riesgo del que tuvieron que hacer uso. ‘Trece vidas’ atraerá por ser una historia altamente documentada al ser reciente, por eso imita diálogos, fotos y vídeos. Para mí es una obra con elementos muy comunes: reyertas entre culturas o equipos internacionales, familiares con el corazón en un puño, esperanzas pendientes de un hilo… Tiene todos los elementos que necesitan las historias conmovedoras. ‘Trece vidas’ es un filme potente, que ensalza esa sensación de que todos somos humanos, reforzada sin duda por unas interpretaciones brillantes.

Ficha de la película

 Estreno en España: 5 de agosto de 2022. Título original: Thirteen lives. Duración: 147 min. País: Reino Unido. Dirección: Ron Howard. Guion: William Nicholson. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Viggo Mortensen, Colin Farrell, Joel Edgerton, Tom Bateman, Paul Gleeson, Pattrakorn Tungsupakul, Tui Thiraphat Sajakul, James Teeradon Supapunpinyo, Sahajak Boonthanakit, Weir Sukollawat Kanaros. Producción: Storyteller Productions, Magnolia Mae Films, Imagine Entertainment, BRON Studios, Metro-Goldwyn-Mayer, Xm2 Pursuit. Distribución: Prime Video. Género: drama, suspense, hechos reales. Web oficial: https://imagine-entertainment.com/film/thirteen-lives/

Crítica de ‘Paper Girls’, la serie inspirada en los cómics

Trata bien sus personajes, pero fatal su ciencia ficción

El próximo viernes 29 de julio llega una de las adaptaciones de cómic a serie más esperadas dentro del panorama indie. ‘Paper Girls’ estrena su primera temporada intentando dar vida a la serie de Image Comics creada por Brian K. Vaughan, Cliff Chiang y Matt Wilson. En este primer acercamiento, creado por la guionista de ‘Toy Story 4’ o ‘Los anillos de poder’, Stephany Folsom, se han aproximado a la idea original en solo algunos aspectos, pero quedado muy cortos en otros.

Son ocho episodios que muestran el gran guión de los cómics totalmente de manera alborotada y cortada. Todo lo que sucede en la historia original (reseña aquí) es muy difícil condensar en una sola temporada. Y así es, tras los ocho capítulos de la serie ‘Paper Girls’ nos quedamos en vilo para una nueva tanda de episodios. Pero esto se debe no solo a la complejidad y extensión de la historia, también al ritmo que se ha empleado. La serie de Prime Video me ha aburrido en casi la totalidad de sus episodios. Le sobra charlatanería y le falta ciencia ficción. Ya no es mi frustración como lector al ver que la historia está totalmente desordenada, sino mi hastío como espectador al ver que la aventura progresa a trompicones y dedica la mayoría de su espacio a charlas triviales. Dije que en la reseña que si lo hacían bien sería el nuevo ‘Stranger things’ pero es que además falta gracia, carisma, gancho o como lo queramos llamar.

El que la serie esté repleta de palabrería y muy poca acción se debe a un claro intento de ahorro. Si se hubiese hecho todo tal cual sucede en los cómics la cantidad de efectos especiales necesarios habría encarecido este producto. Eso hace que apenas se perciba que estamos en una historia de ciencia ficción. Se ha modificado la manera en cómo se topan las protagonistas con todos los misterios e incluso se han reducido la cantidad de personajes y eventos extraños, lo cual le quita mucha gracia y emoción. Estos cambios han trastocado el camino de descubrimiento y las correrías tan bien escritas e hiladas por Brian K. Vaughan en las viñetas. El último episodio es el único que tiene el ritmo, la idiosincrasia y el fantástico que hace justicia al cómic.

A este ‘Paper Girls’ le han quitado toda la espectacularidad y la complejidad en cuanto a las paradojas temporales se refiere. Además, han sesgado todo aquello que le puede parecer más extravagante al público más “normal” o comercial. Está tan cambiado que incluso cuestiona el determinismo de la serie de cómics y se perciben muchos menos argumentos de empoderamiento de la mujer. Está más centrada en el paso a la madurez y el autodescubrimiento tan peculiar que plantea esta idea, pero dice casi adiós al feminismo y a la lucha entre generaciones.

Si sois lectores de estos cómics estoy seguro que os va a desencantar el no ver ni los dinosaurios, ni los tardígrados, ni la cápsula del tiempo, ni la catedral, ni esos sueños tan inquietantes… La decisión es arriesgada. Si tardan en incorporar a la serie todos sus elementos fantásticos van a perder a la mayoría de audiencia. Por no hablar de otro factor, que es al que se han tenido que enfrentar como buenamente han podido los artífices de ‘Stranger things’ o ‘Juego de tronos’. No es otro que el del crecimiento de sus protagonistas que muy pronto dejarán de tener aspecto de niñas de doce años.

La música no ayuda nada a darle vidilla a esta visión (que no versión) de ‘Paper Girls’, el poco sentido del suspense de los episodios dirigidos por Georgi Banks-Davies tampoco. Encontrarnos con algún que otro fallo también nos saca de la historia o nos habla del poco cuidado que se ha puesto. No me refiero a lo cutre que aparece el título en cada episodio o a la ausencia del logo de Apple en la historia, algo que entenderán también los lectores y supongo que se debe a un tema de derechos. Hablo de particularidades como el traductor automático. Se supone que unos personajes hablan en otro idioma y gracias a un invento su voz suena en nuestra lengua. Pero no se han percatado al rodarla que los labios de los actores se mueven realmente como si vocalizasen directamente en nuestro idioma. Esa poca atención por los detalles hará que la serie se acabe precipitando al olvido. No entiendo como Vaughan ha dado su «ok», por lo menos el casting de protagonistas se parece a las que dibujó Cliff Chiang.

Crítica: ‘DC Liga de Supermascotas’

Sinopsis

Clic para mostrar

En ‘DC Liga de Supermascotas’, Krypto el Superperro y Superman son amigos inseparables, comparten los mismos superpoderes y luchan codo con codo contra el crimen en Metrópolis. Cuando secuestran a Superman y al resto de la Liga de la Justicia, Krypto debe convencer a una pandilla callejera de lo más heterogénea (Ace el Bati-sabueso, CV la Cerdita Vietnamita, Merton la Tortuga y Chip la Ardilla) para que dominen sus propios poderes que acaba de descubrir y rescaten a los superhéroes.

Crítica

Buen material para que los personajes de DC vayan permeando en las nuevas generaciones

Aprovechar al máximo una licencia es el mantra de las productoras cinematográficas. La cantidad de estrenos que se anuncian cada año sobre las historietas de los cómics de DC o Marvel es apabullante. A la mayoría del público adulto o adolescente ya nos tienen enganchados o expectantes, pero los planes de marketing de las majors van a largo plazo y por eso incluyen también a los más pequeños de la casa. Es por eso que surgen títulos como ‘DC Liga de Supermascotas’.

Sin duda ese objetivo comercial incluye traspasar la gran pantalla y vender todo el merchandising posible. Por supuesto que ‘DC Liga de Supermascotas’ genera una nueva troupe de dicharacheros personajes que seguro que tendrán muñecos y camisetas en todas nuestras tiendas. Pero al margen de eso puedo decir que este es buen material por otras muchas razones. La primera de ellas es que se ha velado por que este no sea un mero escaparate. Las aventuras de este nuevo Krypto y compañía son entretenidas, divertidas y dinámicas. Hay humor sano y aventuras sin cesar.

La historia nos habla de una amistad fuera de nuestras órbitas, la que tiene Superman con el único kryptoniano que le queda, su fiel perro. Pero el Hombre de Acero tiene novia y colegas como los de la Liga de la Justicia, sin embargo, Krypto solo se debe a su dueño. El filme transmite un mensaje sobre la amistad y la heroicidad. Es más héroe quien sabe reconocer los verdaderos valores de la camaradería por encima de cualquier otro superpoder.

Por supuesto esta es una comedia. Los superhéroes mantienen su idiosincrasia pero son vistos como verdaderos bufones, muy al estilo a lo que se hizo en ‘Batman la LEGO película’. De hecho comparte el mismo guionista (Jared Stern) que ahora también ejerce de director junto a Sam Levine, animador de películas como ‘Gnomeo y Julieta’ o ‘Bolt’. Al igual que en esas historias la animación 3D sirve de atractivo para un mundo lleno de tecnología y momentos slapstick.

Lo que nos proponen en ‘DC Liga de Supermascotas’ no es del todo nuevo. Se basa en ‘La Legión de Supermascotas’ donde ya veíamos a Krypto ejerciendo de plan B para Superman y compañía. La alineación de animales era distinta pero la idea era muy similar. Actuar en un ámbito distinto al que los grandes héroes de DC no pueden acceder. No habría estado bien ver a Superman en una película infantil pegarle una soberana paliza a una pequeña cobaya, ¿no? Aún con esa referencia de los sesenta el origen de Krypto se ha modificado. En los cómics ha sido perro de pruebas tipo Laika o bien ha aparecido rescatado de otra Tierra tras la Crisis en Tierras Infinitas. Aquí su fidelidad a Kal-El hace que nunca se haya separado de él, difiriendo también de la serie de 2005, ‘Krypto, el superperro’.

He mencionado que la alineación de mascotas es distinta, pero los protagonistas también tienen su origen en los cómics. La ardilla Chip (nada que ver con Chip y Dale) también tiene su origen en las viñetas pues es una clara nueva versión de la Green Lantern conocida como Ch’p. De igual modo podemos decir que la tortuga existía también en los cómics, aunque también su origen e incluso sexo sea distinto. Todo esto se incluye en la parte que más gozarán los adultos, la que nos remonta a lo ya disfrutado antes en cine y cómics. Por ejemplo, Steve Jablonsky ha velado por incluir notas de la famosa música de John Williams. También tenemos otros guiños a las películas de Donner, como la nave creada por Jor-El. Y para los fans de las versiones más modernas hay peleas entre rascacielos al más puro estilo ‘Man of Steel’.

Antes podíamos ver en una sola imagen los trajes que ha vestido Batman en el cine o las series, ahora daría para un mural. Tenemos nuevos aspectos para los superhéroes (probablemente también nuevos muñequitos) y nuevas voces que les dan vida. Aunque esta sea también una producción de Warner Bros. no se ha contado con los actores de ‘Liga de la Justicia’, se ha orquestado un casting de voces también de famosos, por lo que esto debe ser otro movimiento de marketing y agendas. Es ya la quinta colaboración cinematográfica entre Dwayne Johnson y Kevin Hart (Krypto y Ace respectivamente). Es increíble que hayan contado con nombres como Vanessa Bayer, Natasha Lyonne, Diego Luna, John Krasinski, Kate McKinnon, Jemaine Clement, Daveed Diggs, Olivia Wilde, Keanu Reeves… Por desgracia en castellano he acabado harto de las cargantes voces de Damián Mollá y Nachter (¿no sabe Warner que este individuo se ha grajeado su fama a partir de copiar gags de otros?). Menos mal que ahí estaba Claudio Serrano para ser nuestro Batman y Miquel Fernández (‘Litus’) para sorprendernos con la voz del protagonista.

Conclusión. ‘DC Liga de Supermascotas’ evita el batacazo de otras películas similares como ‘Monstruos VS Aliens’ o ‘Green Lantern’. Es una propuesta divertida para todos con su humor y sus versiones paródicas cargadas de guiños comiqueros. Por cierto, también tiene un par de segundos con dos lesbianas queriéndose, ¿habrá polémica?

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2022. Título original: DC League of Super-Pets. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Jared Stern, Sam Levine. Guion: John Whittington, Jared Stern. Música: Steve Jablonsky. Reparto principal (doblaje original): Dwayne Johnson, Kevin Hart, Vanessa Bayer, Natasha Lyonne, Diego Luna, John Krasinski, Marc Maron, Kate McKinnon, Keanu Reeves, Dascha Polanco, Ben Schwartz, Jemaine Clement, Daveed Diggs, John Early, Olivia Wilde, Jameela Jamil, David Pressman. Producción: Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, acción, comedia. Web oficial: https://dcleagueofsuperpets.net/

Crítica: ‘Héroes de barrio’

Sinopsis

Clic para mostrar

Paula tiene 9 años y sueña con ser futbolista. Cuando el equipo en que juega pasa por apuros económicos, su padre Luis le promete hablar con su buen amigo, el jugador del Betis Joaquín, para que apadrine el equipo. Solo hay un pequeño problema: Luis realmente no conoce al jugador, se lo ha inventado para ganarse la simpatía del barrio. Ahora que el sueño de Paula está en juego, tendrá que hacer lo imposible para no defraudar a su hija.

Crítica

Estos héroes de barrio nos enseñan que soñar es gratis y no luchar por los sueños con honestidad se paga caro

Ahora que hay vacaciones y podemos disfrutar con más calma de las calles que rodean nuestro hogar llega ‘Héroes de barrio’. Una película española protagonizada por Antonio Pagudo y Luna Fulgencio. Al primero seguro que le tenéis presente por ‘La que se avecina’ o estrenos muy próximos como ‘Por los pelos’, la segunda es una de las más destacadas de la trilogía ‘Padre no hay más que uno’.

‘Héroes de barrio’ es una película que aboga por la gente de a pie. Personajes humildes de barriadas de Sevilla protagonizan esta obra en la que una niña fan del Betis quiere jugar en la Selección Española de Fútbol, casi al estilo de ‘Quiero ser como Beckham’. Mientras ella persigue ese sueño su padre intenta mantener a flote el bar familiar. Antes he mencionado ‘Padre no hay más que uno’, al igual que en la tercera entrega de esa saga nos proponen en pleno verano una película ambientada en las fiestas de invierno. Se pierde el gancho con esta desincronización temporal pero el mensaje es atemporal y nada navideño.

Esta es una comedia ligera y familiar, muy bienintencionada y con humor blanco. Es la lucha de un padre por hacer feliz a una hija que le tiene muy en estima y a un abuelo que está decepcionado. Va de frustraciones derivadas de talentos desaprovechados y de objetivos no conseguidos. Las personas de esta película sueñan y fantasean por encima de sus posibilidades y eso no les impide vivir el día a día entre chistes. Más o menos lo que nos transmite el filme es que soñar es gratis y que no es tan malo aceptar la mediocridad, que los auténticos héroes no entienden de idolatría de masas sino de honradez u honestidad.

De todo el reparto de héroes de barrio obviamente destacan los protagonistas que interpretan al padre y la hija de la historia, pero también se ganan presencia por su propio talento actores como Antonio Dechent o Alex O’Dogherty. La directora Ángeles Reiné extrae de ellos un marcado acento andaluz y la cercanía que puede tener cualquiera de nuestros propios vecinos. Con esta nueva película consigue ser mucho más eficiente y veraz que con ‘Salir del ropero’.

La banda sonora de ‘Héroes de barrio’ está compuesta por temas de música rap, para darle más sabor de historia callejera. Desde el humilde bar de un sencillo distrito de Sevilla se inicia una odisea por llegar a Joaquín, el chistoso jugador del Betis, pero eso no es más que simbolismo para hablarnos de lo duro que se lucha día a día en las calles más modestas de nuestras ciudades. No obstante no os decepcionéis pues Joaquín y sus chistes están mucho más presentes de lo que esperábamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2022. Título original: Héroes de barrio. Duración: 86 min. País: España. Dirección: Ángeles Reiné. Guion: Antonio Prieto, Ángeles Reiné. Música: Alfonso Casado. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Antonio Pagudo, Luna Fulgencio, Antonio Dechent, Álex O’Dogherty, Lisi Linder, Jesús Olmedo, Ken Appledorn, Adrián Pino, Joaquín, Sergio Reifs, Carolina Bassecourt, Carla Reifs. Producción: Spal Films, Álamo Producciones Audiovisuales, Galdo Media, Canal Sur. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/heroes-de-barrio

Crítica: ‘La memoria de un asesino’

Sinopsis

Clic para mostrar

Alex Lewis (Liam Neeson) es un asesino profesional de gran reputación y discreción. Cuando se niega a completar un trabajo que viola su código moral, debe cazar y matar rápidamente a las personas que lo contrataron antes de que ellos y el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) lo encuentren primero. Alex está hecho para la venganza, pero, con una memoria que comienza a fallar, se ve obligado a cuestionar cada una de sus acciones, desdibujando la línea entre el bien y el mal.

Crítica

Liam Neeson explotando su edad y aumentando su kill count

Liam Neeson, respóndeme por favor. ¡¿No ibas a dejar la acción?! Me preocupa que a tus setenta años un día nos des un susto pero… gracias por seguir partiendo crismas en pantalla grande. Aunque la trama difiere en algunos puntos de tus últimos y repetitivos trabajos ya va tocando ir más allá y que nos regales una comedia como la que le pedías a Gervais en ‘Life’s too short’. Creo que la verdadera broma, la comedia, estuvo en cuando dijiste que ibas a dejar la acción y te reíste de todos vendiendo titulares y regresos.

Basándose en la novela de Jef Geeraerts, que ya fue adaptada en Bélgica bajo el título homónimo ‘De zaak alzheimer’, ‘La memoria de un asesino’ cuenta cómo un sicario intenta retirarse a causa de su Alzheimer, es obvio que el título original era más revelador. También es obvio que a este asesino no le van a dejar abandonar el negocio con baja por enfermedad y ha de enfrentarse a sus compinches mientras lidia con sus remordimientos y sus escurridizos recuerdos.

Un villano pintado como bueno. ¿Un asesino con moral es bueno? ¿Y si lo que pasa no es que tenga principios, sino que le embargan las lagunas mentales? ‘La memoria de un asesino’ juega con la doble moral, como tantas otras películas, para poder hacer uso de un protagonista despiadado e incluso deleznable pero hacia el cual podamos sentir un mínimo de simpatía. Alex Lewis (así se llama Neeson en el filme) ha de escoger si seguir trabajando para el cártel que siempre le ha dado objetivos y dinero o proteger a la niña que está a punto de desenmascarar a ese mafioso haciendo justicia por una vez en su vida. Una crisis de avanzada edad inclina la balanza en este caso y este es un thriller de esos en los que nadie confía en nadie, ni siquiera el protagonista de sí mismo.

Trama de villanos repulsivos, investigadores chocándose contra el muro de la corrupción (y de México), algún tiroteo sin demasiada confrontación física para Neeson, algún doble de acción y película de criminales con estructura piramidal montada. A la estrella irlandesa se le notan los años y puede que por eso haya escogido hacer esta película, más basada en el suspense que en la acción y descansando más de lo habitual en las subtramas de otros personajes, interpretados por Guy Pearce, Taj Atwal o Monica Bellucci. Por lo menos ‘La memoria de un asesino’ no es la clásica película de venganza, se asemeja más a las aventuras de El Castigador, con quien encontramos dos relaciones curiosas. Por un lado tenemos a Dario Scardapane (guionista de la serie protagonizada por Jon Bernthal) y por otro la aparición de Ray Stevenson (‘Punisher 2: Warzone).

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de julio de 2022. Título original: Memory. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Campbell. Guion: Dario Scardapane, Carl Joos, Erik Van Looy. Música: Rupert Parkes. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Liam Neeson, Guy Pearce, Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson. Producción: Black Bear Pictures, Welle Entertainment, Arthur Sarkissian Productions, Camera Hogs, Signature Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: https://blackbearpictures.com/film/memory/

Crítica: ‘El agente invisible’

Sinopsis

Clic para mostrar

El agente invisible es el agente de la CIA Court Gentry (Ryan Gosling), alias Sierra Seis. Sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton), Gentry fue en su día un mercader de la muerte altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo, perseguido por todo el mundo por Lloyd Hansen (Chris Evans), un antiguo compañero de la CIA que no se detendrá ante nada para acabar con él. La agente Dani Miranda (Ana de Armas) le cubre las espaldas. La necesitará.

Crítica

Acción y diversión a partes iguales

Desde el 14 de julio tenéis en cines El agente invisible. Este viernes 22 de julio la podéis ver en vuestros hogares gracias a Netflix. Una cinta llena de acción y caras muy conocidas. Ana de Armas, Ryan Gostling, Chris Evans y Billy Bob Thorton, son los protagonistas de la nueva cinta de los hermanos Russo.

Anthony Russo y Joe Russo nos traen un thriller en el que un misterioso agente de la CIA descubre trapos sucios de la Agencia y es acechado por un excompañero desquiciado, el cual pone precio a su cabeza y lo persigue por todo el mundo.

‘El agente invisible’ se ha convertido en la cinta más cara de Netflix en la actualidad. Y es que ya solo con los artífices de la historia, el reparto y la cantidad de localizaciones, es normal que el prepuesto engorde.

Pero al igual que me ocurrió con Alerta Rojaque hasta hace poco también era la más cara de Netflix, por mucho prepuesto que tenga, el guion me ha parecido algo flojo. Admito que me ha gustado más que la anteriormente mencionada, pero sigue siendo una historia con mucha acción y poco mas.

Pero no significa que sea algo malo, es bastante entretenida y como digo el trabajo físico de los actores se nota mucho. La acción está muy bien rodada y las coreografías muy bien realizadas. Los actores dejan ver todo su músculo y sus movimientos, incluida Ana de Armas que parece estar animada a este tipo de cine. Ya la hemos visto darlo todo en la última película de 007 y la veremos pronto en el spin off de ‘John Wick’, ‘Ballerina’.

Otra de las cosas que se notan cuidadas; es la fotografía. Con la que juegan cuando hay acción, sobre todo en los interiores, donde seguimos a nuestros protagonistas. O con las luces en las escenas del principio, dándonos bastante información a través de las sombras que vamos viendo. Stephen F. Windon es el encargado de logar todo esto y es que es un director de fotografía que se conoce bien las películas de acción, pues ha trabajado en unas cuantas de ‘Fast & Furious’.

Ya os he nombrado al reparto, y como os he comentado están genial en la acción. Chris Evans en su papel antagonista nos da una interpretación bastante divertida. Al igual que Ryan Gostling. Que, aunque siempre parezca que tiene la misma expresión, logra mostrarnos sentimientos. De hecho, en una de las peleas en las que ambos se enfrentan, en el doblaje al castellano le nombran como “Muñeco Kent”, ya sabemos que interpretará en breve al juguete de Mattel.

‘El agente invisible’ es una película muy entretenida, como he dicho, sencillita, sin complicaciones en la trama, pero muy bien realizada por todo el equipo. No sabemos si harán trilogía o no, pero os podemos decir que la película está basada en las novelas de Mark Greaney. Si deciden hacerlas, bienvenidas son. 

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2022. Título original: The Gray Man. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Anthony Russo, Joe Russo. Guion: Joe Russo, Joe Shrapnel, Christopher Markus, Stephen McFeely, Anna Waterhouse. Música: Henry Jackman. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura. Producción: AGBO, Netflix, Roth Films, Roth/Kirschenbaum Films, Stillking Films. Distribución: Netflix. Género: acción, suspense, adaptación. Web oficial: https://www.agbo.com/project/the-gray-man#all

Crítica: ‘Men’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros.

Crítica

Garland vuelve al terror y realiza su filme más comprometido

Avalada por A24, como su primera película dirigida (Ex_Machina), Alex Garland retorna al terror. Recordemos que era el guionista de ’28 días después’ y tras haber brillado en la ciencia ficción con otro filme (‘Aniquilación’) y una serie (‘Devs’) vuelve al terror, pero de un modo diferente al de su película de infectados que corren. Los textos de Garland se han vuelto extremadamente intelectuales, siempre es críptico pero descifrable, eso no ha dejado de ser así en esta reflexiva vuelta que lo que si mantiene es un marcadísimo acento británico. Dado que esta obra se fundamenta en un profundo drama y no se basa en sustos fáciles, sino en una atmósfera agobiante y un ambiente desconcertante, podemos enmarcarla dentro del llamado “elevated horror”. No obstante, también tiene su momento persecución “tipo slasher”, sus instantes gore y algún que otro elemento tecnológico que falla.

Me encantan los filmes que te hacen pensar, que plantean debate y que además lo hacen de un modo diferente al convencional. Con las primeras escenas (y el título) de ‘Men’ ya sabes de qué va el tema, además de dejarte bastante descolocado. Violencia de género, chantaje emocional, masculinidad tóxica, micromachismos… Toca absolutamente todo eso. Pero lo interesante es que se nos muestra la visión y calvario de una mujer (Jessie Buckley) en una situación específica, que es la de muchas otras, pero no la de todas. Podría parecer que esta película estigmatiza a todos los hombres, pero realmente mi opinión es que intenta mostrar la manera en cómo se altera la percepción de una persona hacia el género que le ha maltratado o que le ha tenido en una relación destructiva. Y además de eso pretende mostrar el cómo la sociedad desprotege sistémicamente hasta el punto de volver las tornas e incluso inculcar un injusto y alarmante sentimiento de culpa.

El diente de león tiene propiedades depurativas o desintoxicantes, quizá es por eso que aparece tanto en el filme. También puede deberse a la capacidad reproductiva de esa planta, que hace que salgan todos iguales. Tal vez os parece una explicación enrevesada pero el director londinense suele ser así de detallista, rebuscado o minucioso. Si os fijáis bien en el cartel veréis que esconde una calavera y una piel de serpiente. Y es que Garland utiliza su propio lenguaje para indicarnos como generación tras generación o como independientemente del lugar o profesión, hay una naturaleza en algunos hombres que no cambia. Aun así, tira del simbolismo católico y pagano, más que por cimentar el filme en elementos de la fe, por indicar cuál es el germen o la influencia de los comportamientos a cambiar. Esto se ve expuesto por todos y cada uno de los personajes que encarna Rory Kinnear en otra magistral muestra de talento interpretativo. Hay veces que ‘Men’ es tan visualmente turbadora que parece un episodio de multiversos de ‘Rick y Morty’ o a una escena de ‘Cómo ser John Malkovich’, pero en esa rareza radica la llamada de atención de la película.

Si ves que una mujer da alertas de tener un problema de violencia de género, si ves que una mujer tuerce el gesto cuando haces un cumplido fruto de un tópico anticuado, si ves que el sistema falla a la hora de poner a distancia a un individuo peligroso… Si ves todo eso y no haces nada estarás demostrando que todos somos iguales. Para mí eso es ‘Men’. Garland abandona el existencialismo para subirse al carro del feminismo. Funciona igualmente con este largometraje sobre el terror emocional y de hecho esta es su película más comprometida. Es tan extraña, turbadora y agobiante como ‘madre!’.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de julio de 2022. Título original: Men. Duración: 100 min. País: EE. UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Jessie Buckley, Rory Kinnear, Paapa Essiedu, Gayle Rankin, Zak Rothera-Oxley, Sonoya Mizuno. Producción: DNA Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror. Web oficial: https://a24films.com/films/men

 

Ganador del DVD de ‘Licorice Pizza’

Tenemos un nuevo amigo para Paul Thomas Anderson

Durante las últimas semanas hemos estado sorteando un DVD de ‘Licorice Pizza’. Esta licencia sacada al mercado por Arvi Licensing tiene unos minutos de extras que gustarán a aquellos que disfrutaron en cines de este viaje a los setenta. Quien podrá vivir de nuevo ese nostálgico viaje tantas veces como quiera es el ganador de nuestro sorteo:

@borjaespada

¡Enhorabuena! Nos pondremos en mensaje por mensaje privado a través de su red social para solicitar los datos de envío. En caso de no responder podremos declarar desierta esta convocatoria o elegir una nueva persona destinataria.

Agradecemos a todos los que habéis participado por sumaros a nuestra comunidad. ¡Atentos a nuestro próximo sorteo! Nos espera un verano de cine.

Crítica: ‘Entre la vida y la muerte’

Sinopsis

Clic para mostrar

Leo Castaneda (Antonio de la Torre) es un español afincado en Bruselas que trabaja como conductor de metro. Una noche presencia el suicidio de Hugo, su hijo, del que llevaba más de dos años sin saber nada. Tras lo sucedido, Leo empieza a indagar en las causas de su muerte y descubre que estuvo implicado en un atraco. La búsqueda de respuestas lo conducirá a una peligrosa investigación y a enfrentarse a su propio pasado.

Crítica

Un thriller y un protagonista realistas y absorbentes

Que Antonio de la Torre es un grandísimo actor es salgo súper demostrado. Aunque el criterio de los Goya se cuestione en los últimos años, el hecho de que esté prácticamente siempre entre los nominados nos demuestra la unanimidad de la opinión tanto pública como académica hacia su calidad actoral. Algo que quizá es responsable de ello es el hecho de que una de sus especialidades sea el género de suspense. Donde lo ha demostrado más recientemente es en ‘La trinchera infinita’, pero si queremos que el tiro esté más afinado y nos acerquemos a lo que vemos en ‘Entre la vida y la muerte’ deberíamos hablar de cómo nos engancha con títulos como ‘La isla mínima’ o ‘Tarde para la ira’.

En este thriller interpreta a un español que vive en Bruselas conduciendo vagones de metro. Su vida se ve zarandeada por un evento de esos que te marcan para siempre. A partir de ahí comienza una narración cada vez más turbia, cada vez más repleta de secretos y giros. ‘Entre la vida y la muerte’ arranca con dos suicidios y parece que está desvelando demasiado pronto sus cartas, pero tiene unos cuantos ases bajo la manga que, a mi personalmente me han enganchado enormemente.

El esquema y la tonalidad del filme de Giordano Gederlini ha sumergido al actor español en un drama criminal de estilo europeo, con un ambiente de lo más cosmopolita. Probablemente conozcáis a este guionista si habéis visto otro éxito escrito por él como es ‘Los miserables’. En este último filme que he citado la intencionalidad estaba clara, en ‘Entre la vida y la muerte’ la motivación del protagonista está mucho más difusa e incluso oculta, lo cual es un gancho potentísimo. Está claro que a este director le gustan las historias con acción inmersas en los bajos fondos, también con algo de justicia ciudadana o callejera. Hasta el punto en el que Antonio de la Torre tiene que batirse el cobre con una versión chunga de Mahershala Ali.

Algo que nos ayuda a empatizar con los personajes de De la Torre, a parte de lo bien que explota los guiones que pasan por sus manos, es su aspecto de hombre común. El malagueño no es un adonis ni le vemos anunciando ropa para El Corte Inglés, es alguien normal y corriente que interpreta a personajes que se salen de la norma, por eso creo que es capaz de hacernos viajar por historias realistas y a la par peliculeras. Algo muy similar es lo que sucede con actores como Jean Reno o Willem Dafoe.

Hablando de esos actores extranjeros que son muy queridos en Europa. Hay que ver cómo se defiende De la Torre en francés, idioma en el que se ha grabado el filme. No se si ya lo hablaba o si incluso ha realizado algún trabajo antes en ese idioma pero su personaje, aunque poco hablador, está tremendamente creíble. Obviamente su acento y su mutismo favorece al retrato de un hombre en tierra extranjera y con algún que otro secreto. Ese carácter inescrutable le convierte en un elemento estupendo para el suspense y el aire criminal. Casualmente esta semana en la que se estrena ‘Entre la vida y la muerte’ hemos oído hablar de unos atracadores en Cuarto Milenio, “Los asesinos de Brabante”. Esta misteriosa película podría servir como resolución a esos irresolutos asesinatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Entre la vie et la mort. Duración: 100 min. País: Bélgica. Dirección: Giordano Gederlini. Guion: Giordano Gederlini. Música: Laurent Garnier. Fotografía: Christophe Nuyens. Reparto principal: Antonio de la Torre, Marine Vacth, Olivier Gourmet, Tibo Vandenborre, Fabrice Adde, Nessbeal, Alexandre Bouyer, Lila Jonas, Marie Papillon, Noé Englebert, Christophe Seureau, Vadiel Gonzalez Lardued, Wim Willaert. Producción: Frakas Productions, Noodles Production, Eyeworks, Fasten Films, Le Pacte, RTBF (Télévision Belge), Canal+, Proximus. Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial: https://fastenfilms.com/producciones/dAGh8QVxePNxzTZp5nWe

Crítica: ‘The execution’

Sinopsis

Clic para mostrar

El thriller se inspira en el caso de un infame asesino en serie de la era soviética que eludió a la policía durante una década.

Crítica

Un thriller que da miedo por la psique de sus personajes

Muchas veces la lista de premiados de los festivales de cine provoca discusión e incluso indignación. En la pasada edición del Festival de Sitges no hubo mucho revuelo y predominó la unanimidad. Hoy en concreto voy a hablaros de ‘The Executión’, que compartió el premio a Mejor Ópera Prima con ‘The blazing world’.

‘The execution’ narra una historia muy inspirada en hechos reales pero que no busca plasmar exactamente lo sucedido. Se basa en varios asesinos, en su mayoría en el caso real del Carnicero de Rostov. Como hemos visto en otras películas, unos policías tienen que atrapar a un asesino en serie e incluso contar con otros maleantes para poder conseguir su objetivo. La cuestión y la diferenciación de este filme ruso es que atrapan a ese individuo pero el conflicto reside en que aun así no son capaces de demostrar su culpabilidad.

Un potente, aunque no innovador final, más una construcción muy bien urdida son los puntos fuertes de ‘The execution’. La trama nos lleva por varias épocas para tejer el entramado de esta historia. Capta mucho nuestra atención y más le valía hacerlo porque dispone de muchos personajes. Es un filme de estar atento a los detalles y de reconocer a cada uno de los protagonistas en sus diferentes épocas porque de lo contrario te puedes quedar fuera de juego. Eso dice mucho de la complejidad del guión.

Complejidad que se traslada también a la caracterización de algunos de los intervinientes en la historia. La película crea mentes que dan miedo de lo perdidas o retorcidas que están. Son personajes fríos y sucios en diversos aspectos. Con ellos y con la ambientación que le da la foto del filme nos trasladamos a un largometraje que nos recuerda a ‘Los casos del departamento Q’, ‘I saw the devil’, ‘Seven’ y similares.

La trama transcurre a lo largo de diez años. Un periodo largo de tiempo que también se trata con un metraje bastante extendido. Esa es quizá la única pega de la película, su amplia duración. Pero ese tiempo es indispensable para reflejar el desgaste de los protagonistas que participan en este toma y daca. Pero no solo eso, también para retratar una vez más al sistema soviético y sus métodos o prioridades. Una película violenta que busca agitar a esa Rusia anclada en tiempos pasados.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2022. Título original: Казнь (The execution). Duración: 130 min. País: Rusia. Dirección: Lado Kvataniya. Guion: Lado Kvataniya, Olga Gorodetskaya. Fotografía: Denis Firstov. Reparto principal: Niko Tavadze, Daniil Spivakovsky, Yulia Snigir. Producción: Hype Film. Distribución: Filmin. Género: thriller.

Crítica: ‘Pig’

Sinopsis

Clic para mostrar

En ‘Pig’, Rob ha dejado su pasado atrás. Ahora vive en los salvajes bosques de Oregón, junto a un pequeño cerdo cazador de trufas. Juntos llevan una vida de lo más rutinaria y normal, salen al bosque, encuentran trufas y viven alejados del mundanal ruido en una pequeña cabaña. Sin embargo, un día Rob es atacado y cuando despierta se da cuenta de que se han llevado a su cerdo.

Crítica

Ver a este Nicolas Cage tan tierno y contenido es tan fortuito y afortunado como encontrar una trufa por el bosque

Si recurro a vuestra memoria para que rescatéis mentalmente la trilogía tailandesa ‘Ong-Bak’ o las películas paralelas llamadas ‘Thai Dragon’ tendréis en mente el cariño que le tenían esos jóvenes protagonistas a su elefante o al Buda de su aldea. El argumento o punto de partida de esos repetitivos filmes de Tony Jaa es casi calcado al de ‘Pig’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage. La inmensa diferencia reside en que aquí no tenemos acción, a si es que no esperéis una búsqueda tipo cruzada de Liam Neeson en ‘Venganza’, ni una parodia involuntaria como terminan siendo los filmes de este Coppola. Este es un sentido thriller con un objetivo bastante desmoralizador.

Nicolas Cage se convierte en un ermitaño que vive en el bosque junto a su cerdo trufero. Con una vida reducida al mínimo y sin complicaciones ambos cohabitan plácidamente una destartalada cabaña. Hasta que, como si hubiese entrado un zorro en un gallinero, el cerdo es secuestrado por la noche. La trama de ‘Pig’ consiste en mantener el suspense, en ir tirando del hilo para descubrir dos cosas. La primera una obvia, quién tiene al gorrino. La segunda es desentrañar la identidad y el pasado del protagonista.

En ‘Pig’ tenemos al Nicolas Cage más serio y contenido de los últimos años, más aún que en ‘Color out of space’, sobre todo porque no hay componente fantástico. Contenido en el sentido de que interpreta a un personaje solitario y silencioso, con un comportamiento taciturno y calmado. El hombre que tiene que esbozar deja poco margen para las extravagancias del actor, de hecho modula muy bien su voz. Además, vive en continua complicidad con su cerdo trufero, el cual, además de ser una herramienta de trabajo es una fiel compañía. Ahí entra en escena una ternura inusitada para el actor. A si es que ‘Pig’ es una película para entretenerse con Nicolas Cage pero de un modo muy distinto al que nos tiene acostumbrados.

El otro aliciente de esta película es el de tener un primer affaire con el director que prepara la tercera parte de la ya saga ‘Un lugar tranquilo’. Michael Sarnoski es el nombre a recordar para cuando hablemos del relevo de las películas del nuevo Sr. Fantástico, John Krasinski. El toque sucio, campestre, oscuro y deprimente que tiene ‘Pig’ podría encajar con esas películas post-apocalípticas. También lo silencioso que está Cage (algo que sin duda favorece su interpretación). Conseguir que el actor no use sus ademanes habituales me parece todo un logro en la dirección.

Por último, otro incentivo para ver este filme es la inclusión de Alex Wolff en el reparto como escudero de Cage, como su Sancho Panza. Es uno de los protagonistas de ‘Hereditary’ que además ha estado trabajando en buenos títulos desde la película de Ari Aster, como ‘Tiempo’ o ‘Jumanji: siguiente nivel’. El interés en ver cómo progresa en su carrera radica en que le veremos dentro de poco en la próxima película de Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’. Y promete tener papeles protagónicos importantes en un corto espacio de tiempo.

‘Pig’ es una triste historia enmarcada en una Norteamérica decadente. Cada capítulo lleva títulos de suculentos platos y cada episodio va aderezado con alguna escena de lo más deprimente. Es muy bueno el cara a cara que tiene Cage con el cocinero Derek interpretado por David Knell. En resumidas cuentas, este filme tiene una profunda reflexión y no es otra que todos elegimos vivir una realidad u otra, todo depende de qué pensamos que nos hará felices. Sobre todo nos habla de los falsos sueños que nos hacen vivir vidas falsas. Toda una sorpresa pues muy pocos esperarán algún tipo de argumento meditabundo en una película con Nicolas Cage.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2022. Título original: Pig. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Vanessa Block, Michael Sarnoski. Música: Alexis Grapsas, Philip Klein. Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Nina Belforte, Gretchen Corbett, Dalene Young, Julia Bray, Darius Pierce. Producción: Al-Film, Altitude Film, BlockBox Entertainment, Endeavor Content, Escape Artists, Hungry Bull Productions, Pulse Films, Saturn Films, Sweet Tomato Films, Valparaiso Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/pig 

Crítica: ‘Detective Conan: La novia de Halloween’

                                                                                 Sinopsis

Clic para mostrar

La historia gira en torno a la boda de los Detectives Sato y Takagi, la cual se ve interrumpida por un asalto del que acaba llevándose lo peor este último. Mientras tanto, se produce una fuga de cárcel en la que está involucrando el perpetrador de un atentado, y Rei Furuya se cruza con una misteriosa persona disfrazada que acaba poniéndole un collar explosivo. A medida que Conan y los suyos empiezan a investigar todos los hechos, se convierten en el objetivo de un grupo muy peculiar.

Crítica

Continuando con las peripecias de un personaje ya imprescindible del anime

Vuelve el detective shōnen, si es que se ha ido alguna vez este exitoso personaje. El pequeño, pero adulto investigador, sigue con sus pesquisas cerrando casos y usando el nombre prestado del creador de Sherlock Holmes para intentar escudriñar quienes son los Hombres de Negro, aquellos que devolvieron su cuerpo a como era cuando tenía siete años.

Decía que este personaje no ha llegado a irse porque ya son más de veinticinco películas y un anime, además de videojuegos, basados en el manga de Gōshō Aoyama. La animación se ha modernizado y se mantienen los trazos clásicos y los colores habituales, sin propasarse con efectos 3D o excesivos artificios digitales e incluyendo detalles de todo tipo, como las bandas sonoras para personas invidentes y demás arquitectura nipona actual, incluida la estatua de Hachiko. Aunque se ve un acabado actual y el director ha animado películas como ‘El tiempo contigo’ el sabor que perciben nuestros ojos es el de siempre.

La historia también se sigue manteniendo igual de divertida, con los mismos elementos, al fin y al cabo el segundo director es el propio Gōshō Aoyama. Sigue funcionando este detective noventero que usa artilugios tipo Batman y se sirve de sus amigos, aunque no todos conozcan su verdadera identidad. Bien es cierto que hay que saber bien cuál es el rollo de esta serie para que sea un buen entretenimiento para todas las edades y además dada la época en la que se enmarca quizá habría sido un estreno más apto para finales de octubre.

Este es un episodio más en las aventuras del Detective Conan. No aparecen los Hombre de negro que le envenenaron e involuntariamente le encogieron a si es que su trama no avanza en ese sentido. Es un detalle raro el que ha hecho que el protagonista tenga el aspecto de siete años pero con eso me refería con que hay que saber lo que hay para disfrutar la película ya que como es obvio la película tiene momentos propios de las extravagancias del anime, pero no os perderéis. De hecho en los títulos de crédito iniciales se hace una breve introducción para neófitos.

“La verdad… siempre se acaba sabiendo” dice el Detective Conan, una frase también propia de Poirot. De manera similar este pequeño tiene imán para los asesinatos y los misterios. La trama tiene sentido del suspense o del misterio sembrando pistas y sospechosos. Quizá cautive a los más pequeños si estos no se pierden entre todos los personajes, en el caso de los adultos es una lástima que el título sea excesivamente revelador. Además comienza con un cliffhanger que tarda en ser recuperado e incorporado a la vida del Detective Conan.

No es un anime lleno de acción, efectos o gags cómicos por lo que se encuentra mucho más ceñido al estilo de los noventa que al actual. Considero que es no es malo, pues puede ser un entretenimiento más enriquecedor para los pequeños que se están adentrando en la animación japonesa que otros títulos más vacíos y ruidosos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Meitantei Conan: Halloween no Hanayome. Duración: 111 min. País: Japón. Dirección: Susumu Mitsunaka. Guion: Takahiro Ōkura. Reparto principal (doblaje original): Minami Takayama, Chafûrin, Tôru Furuya, Megumi Hayashibara, Kazuhiko Inoue, Yukiko Iwai, Rikiya Koyama, Naoko Matsui, Shin’ichirô Miki, Wataru Takagi, Ikue Ôtani, Wakana Yamazaki. Producción: TMS Entertainment. Distribución: Alfa Pictures. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://www.conan-movie.jp/

Reseña: ‘Paper Girls’

Argumento

Clic para mostrar

Unas horas después de la noche de Halloween de 1988, cuatro repartidoras de periódicos de doce años descubren la historia más importante de todos los tiempos.

La vida en la periferia y el suspense sobrenatural se dan cita en esta exitosa serie sobre la nostalgia, el primer trabajo y los últimos coletazos de la infancia.

Reseña

El cómic que podría dar origen al próximo ‘Stranger Things’

En ‘Paper Girls’ acompañamos a unas repartidoras de periódicos de doce años que están distribuyendo el diario local por su barrio la mañana después de Halloween, mientras algunos rezagados disfrazados están aún volviendo a casa o haciendo trastadas. Pero eso no es lo único atemorizante o extraño que se encuentran ese día de 1988 mientras pedalean sobre sus BMX, una jornada que cambiará su futuro… y su pasado.

El barrio de Stony Stream es el centro de esta historia. Un vecindario de clase media estadounidense cuyo significado literal es “arrollo pedregoso”. Precisamente así es la trama del cómic, un flujo, una línea del tiempo inamovible con obstáculos para las protagonistas en la que la dinámica de la corriente determinista se impone. Este cómic indie de Image Comics (editado en España por Planeta Cómic) pertenece a la familia de la ciencia ficción, del tipo contemporáneo, desconcertante y llena de componentes que enrevesan la historia sin hacerla compleja o incomprensible. Aunque hay que decir, sin que con ello estropee ninguna sorpresa, que pasan por él mechas, cavernícolas, armas futurísticas, catedrales voladoras, dinosaurios… Un poco más y se convierte en una ida de olla como la que tuvo Oku Hiroya a la hora de cerrar ‘Gantz’.

El tener a unas protagonistas tan jóvenes es un arma de doble filo de cuyo revés más desfavorecedor hablaré más abajo. No se puede negar que ‘Paper Girls’ es una obra moderna. Los treinta números conclusivos que comenzaron a publicarse en 2015 desarrollan un discurso generacional, LGTBI y sobre todo feminista. Esta es una historia fantástica con mucha rebeldía contra los adultos, no se puede negar tampoco que hay algo de Peter Pan en todo esto. Pero los distintos personajes femeninos, de distintas edades y características nos muestran que la intención del guión es esgrimir argumentos de empoderamiento femenino. Ya desde el comienzo vemos que las cuatro niñas de estas viñetas se abren paso siendo las primeras repartidoras de su ciudad, las primeras monaguillas, las primeras en fumar prematuramente…

Brian K. Vaughan, Cliff Chiang y Matt Wilson son los artífices de esta serie de cómics, que no novela gráfica. Vaughan es bien conocido por tener otro cómic también bastante apocalíptico y bastante feminista, ‘Y, el último hombre’, de cuya adaptación prefiero no hablar. Por supuesto es muy famosa su colección ‘Saga’ o ‘The Runaways’, donde también hay mucho protagonismo de mujeres adolescentes. Al final va a ser un referente en ambas vertientes ya que maneja muy bien las distintas personalidades de sus personajes. A parte de eso el cómic es visualmente original, impactante, cautivador. Es capaz de ser preciosista y grotesco a la vez.

El titular de esta crítica se refiere no solo a lo juvenil del reparto y la propuesta tan fantasiosa que se pone sobre la mesa con ‘Paper Girls’. Transcurre a finales de los ochenta y partiendo de ahí consigue ser nostálgico para varias generaciones. Todas las entregas se abren con una cita, “La nostalgia es muerte”, es la que abre el segundo número. Hay multitud de guiños visuales y referencias a la cultura pop pero la trama no depende de ello para cautivarnos, se moderan bastante al respecto.

Otra virtud que os dejará buen sabor de boca es que cuadran bien todo este galimatías temporal, cosa que satisface siempre a los fans de las historias de viajes en el tiempo. Vais a ver que hay un poco de ‘Dark’, un poco de ‘Regreso al futuro’, de ‘Project Almanac’… Todo ello debido a que es indudablemente una obra juvenil y con enredos o paradojas. No es de extrañar que esta serie tenga tres premios Eisner, uno a su escritura y dos al color.

Si hay que ponerle una pega a ‘Paper Girls’ es la que tienen tantas historias de la infancia que pretenden exponer grandes argumentos. Se acaba ubicando en personajes de muy tierna edad discursos, palabras e ideas demasiado complejas o profundas, lo cual lo hace menos creíble. Películas como ‘Los Goonies’ manejaban mejor la edad de sus protagonistas. No obstante lo que nos quieren mostrar aquí son niñas avanzadas a los suyos, con un grado de madurez por encima de los de su edad y una mentalidad más progresista que la de su época. Están destinadas a romper barreras y literalmente lo hacen gracias a los eventos de ciencia ficción que les suceden.

Con todo y con esto queda claro por qué su adaptación a serie por parte de Amazon Prime Video está llamada a convertirse en el nuevo fenómeno tipo ‘Stranger Things’, si lo hacen bien, claro está. El 29 de julio lo sabremos.

Ficha del cómic

Guion: Brian K. Vaughan. Dibujo: Cliff Chiang. Color: Matt Wilson. Editorial: Image Comics (Planeta Cómic). Datos técnicos: 456 págs., color y blanco y negro, 18,3 x 27,6 cm. Publicación: octubre de 2015. Precio: varía según formato.

Crítica: ‘La noche más larga’

Buscando una nueva casa de papel han conseguido un remake, del remake, del remake…

Esta nueva producción española llamada ‘La noche más larga’ se define como una miniserie, por tener solo seis episodios, pero no podemos considerarla como tal pues la trama no se cierra en esos seis capítulos. Es un duelo de bandos en una prisión que queda abierto para segunda temporada. Netflix lanzará esta primera temporada el 8 de julio y ni la plataforma ni los showrunners lo reconocerán nunca, pero este es un clarísimo caso de intentar crear un nuevo fenómeno como el de ‘La casa de papel’, pero les ha salido una versión estirada de ‘Asalto al distrito 13’.

‘Asalto al distrito 13′ es una película de 2005 que versionaba un filme de 1976 llamado ‘Asalto a la comisaría del distrito 13′, dirigido nada más y nada menos que por John Carpenter. Ese título a su vez provenía de un clásico de Hawks, ‘Río Bravo’ que el propio cineasta ya se encargó de repetir con algunos cambios en ‘El Dorado’. Los guisonistas Guionista Xosé Morais y Victoriano Sierra Ferreiro, autores de ‘Néboa’, calcan la fórmula y ya pueden innovar para la segunda parte, porque esta ni destaca entre tanto remake ni se ha distanciado lo suficiente con la obra de Álex Pina como para resultar fresca.

En ‘La noche más larga’ un asesino en serie famoso, perteneciente a una organización, no se resiste a su detención y va a la cárcel. El arresto de “El Caimán”, que así se llama, pone en jaque a ciertas personas y hace que se ejecute un plan. Comienza así un thriller que transcurre en una noche, la de Navidad. En medio de este conflicto está el director que estaba a punto de celebrar la nochebuena con sus hijos. Lo que parece iba a convertirse en una versión española de ‘Jungla de cristal’ sigue el mismísimo esquema de los remakes que he comentado. Si tenemos en cuenta que a lo ya contado le sumamos la típica tensión entre internos y funcionarios y además componentes externos interesados en el recién apresado vemos que esto es muy similar a la película de Jean-François Richet o Carpenter. Incluso mantiene el dilema para el protagonista que se ve dividido por una doble moral, por lo personal y lo profesional, por el valor de una vida u otra.

El director Oscar Pedraza (‘Sky rojo’, ‘Patria’) se mueve bien por los escenarios recreados para dar vida a la Prisión Psiquiátrica Monte Baruca. La historia refleja bien la presión del protagonista que tiene que dirigir un manicomio y además cuidar a sus hijos en Navidad durante de la vorágine que se genera. Esta es una situación de esas de planes rotos, de improvisaciones y de muchos intereses e interesados. Cuando mejor funciona la historia es cuando se mueve entre presos, guardias y demás personajes “secundarios”, irónicamente no es cuando se centra en los dos protagonistas interpretados por Alberto Ammann y Luis Callejo. No es por ellos, sino por que es mucho más interesantes el arco del resto de protagonistas. No obstante, cabe señalar que lo de Luis Callejo como villano sin escrúpulos es dar en la diana. Da el perfil de psicópata y sociópata de película frío y calculador. También es remarcable el papel de Daniel Albaladejo como Cherokee y el de Xabier Deive como uno de los guardias más veteranos de Baruca.

Lo que más me ha decepcionado no es ni su falta de originalidad ni su descarado intento por convertirse en fenómeno de masas. Es el hecho de que peque en no darse cuenta de que más es menos. Se introducen demasiados componentes, se intenta rizar el rizo y estirar el chicle. ‘La noche más larga’ está repleta de coincidencias convenientes que hacen que la trama se alargue con giros y más giros, de los ya clásicos detalles de diversidad e inclusión de Netflix, los típicos romances de las series españolas… No es una copia pues en vez de transcurrir en una comisaría se ubica en una prisión/manicomio o en vez de localizarse en nochevieja sucede en nochebuena. Sutiles cambios que, al menos para mí, no son suficientes.

Crítica: ‘La batalla del lago Changjin’

Sinopsis

Clic para mostrar

Invierno de 1950. En la gélida región del lago Changjin de Corea del Norte, comienza una sangrienta batalla entre Estados Unidos y China. Pese a las condiciones climatológicas extremas, la falta de alimento y la gran diferencia de armamento, las tropas chinas avanzan con espíritu intrépido y voluntad de hierro en la que fue una de las batallas más violentas de la Guerra de Corea.

Crítica

Un ‘Pearl Harbour’, ‘Enemigo a las puertas’ o ‘Bandera de nuestros padres’ made in China

Con ‘La batalla del lago Changjin’ estamos hablando de la que se considera una de las contiendas que definieron el desenlace de la Guerra de Corea. En 1950, cuando la guerra llevaba seis meses, en el embalse de Chosin se libró un enfrentamiento a bajas temperaturas que se prolongó durante diecisiete días. Aquello terminó con muchas bajas chinas y con los Estados Unidos y sus aliados de la ONU poniendo pies en polvorosa viendo su intento de reunificar Corea frustrado. A eso es a lo que los historiadores (occidentales) llamaron «el mayor movimiento de evacuación por mar de la historia militar de EE.UU.», como una especie de Dunkerque.

¿Es propaganda? Por supuesto. Esta película es todo un ensalzamiento de una nación, de hecho, ha formado parte de la celebración de los cien años del Partido Comunista de China. Pero llevamos tragando esto por parte de los yankees durante décadas, si ellos pueden… ahora les toca ser vistos como los villanos. No soy experto en la Guerra de Corea y tampoco había que ser experto en la de Vietnam o las Guerras Mundiales para darse cuenta de que lo que nos están narrando es la versión sesgada del país que protagoniza y produce la película. Salvo contadas excepciones casi nunca hay autocrítica en estos largometrajes. Y cualquiera se atreve en la China de las reprimendas a poner en entredicho este episodio histórico. Al margen de la intención propagandística y del lavado de cara está otra cuestión. Si hay un síntoma de que la China Comunista ya no es la China Comunista que promovió Mao es este. China está volcada en la comercialización y el hecho de que lance a nivel mundial este tipo de superproducciones, siguiendo el ejemplo de USA, supone una gota que cae en un vaso ya colmado. China es autoritaria, sí, pero de comunista ya tiene más bien poco.

¿Y se ve ese autoritarismo en el filme? Que va. Como decía no hay crítica en esta cinta, se ve clarísimamente que estamos viendo unos hechos reales maquillados. En la era de Internet y con la documentación que hay es difícil cambiar la imagen de lo que ha pasado en una guerra, que se lo digan a Putin con lo inútiles que son sus comunicados que quedan desmentidos en cuanto vemos lo que nos llega sobre Ucrania desde los smartphones de los que están a pie de campo. Pero también es cierto que hablamos de una batalla entre dos países muy cerrados al mundo, sobre todo en esa época.

‘La batalla del lago Changjin’ es la película china más taquillera de la historia con más 900 millones de dólares recaudados. También es la más cara, probablemente debido al número de extras y efectos especiales. Debe ser que los que aparecen en el filme no han decidido trabajar gratis, en plan todo por su patria. Así si debieron avanzar las victoriosas tropas Chinas que tal y como cuenta la historia, la que venden en el bando yankee, eran innumerables. Las bajas alcanzaron la friolera de 40.000 chinos frente a casi 10.500 aliados. Por muy épico que se pinte el aspaviento que se dio al bloque unionista, el sacrificio por saturación se antoja excesivo.

Es propaganda sí, pero, ¿qué tal como película? Pues de entrada dura 175 minutos, casi tres horas y encima cuenta ya con una secuela ‘Water Gate Bridge’. Claro, porque esto no fue una batalla, fue toda una campaña militar. Y como tal el despliegue de medios es tan apabullante que te dan ganas de ver los extras sobre el rodaje. Desde el acabado que dan las tarjetas gráficas chinas renderizando a tope efectos de postproducción, pasando por los tiros de cámara, la innumerable cantidad de extras y sus vestuarios… Recuerda (copiando incluso planos) a las producciones como ‘Los cañones de Navarone’ o ‘El puente sobre el rio Kwai’ (de hecho la secuela trata sobre un puente que es vital para la huida de los norteamericanos) pero con los medios de ahora. Hasta el cartel recuerda a los clásicos bélicos. Hay películas recientes, como ‘Midway’, que también tienen batallas aéreas y navales que podrían considerarse en la misma línea, de hecho, Emmerich sonó para dirigir ‘La batalla del lago Changjin’. Y como pasa con muchas películas del director que está empeñado en destruir el mundo, cansa lo alargada que está la acción.

Otro dato relevante y que no puedo dejar de señalar. Evidentemente para ponerle cara al ejército “invasor” hacían falta rostros occidentales. Todos los actores que interpretan soldados norteamericanos únicamente han rodado películas chinas en su carrera. Y otra curiosidad es que el filme tiene cinco directores, uno de los cuales es el artífice de la película sobre Mao y el establecimiento de la República Popular China. Me he acordado mucho de la ridiculización que se hacía con el personaje de Daniel Brühl en ‘Malditos bastardos’, intentando crear héroes para el pueblo.

En resumen. ‘La batalla del lago Changjin’ (la película) puede servir como síntoma de que China ha cedido a la filosofía capitalista siendo uno de los motores del consumismo, es irónico que al mismo tiempo pinten como villanos al máximo exponente del mercantilismo. O bien puede funcionar (el hecho histórico) como conveniente advertencia a la OTAN ahora que el país asiático está reafirmando su postura tras la Cumbre de Madrid. Si las películas sobre las grandes guerras servían para que Estados Unidos pusiese su miembro viril sobre la mesa ante sus derrotados, esta gran apuesta sirve para ver esos envites, recordando una dolorosa derrota más para occidente.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de julio de 2022. Título original: Chang jin hu. Duración: 175 min. País: China. Dirección: Chen Kaige, Dante Lam, Tsui Hark. Guion: Huang Jianxin, Xiaolong Lan. Música: Elliot Leung, Wang Zhiyi. Fotografía: Luo Pan, Peter Pau. Reparto principal: Wu Jing, Jackson Yee, Duan Yihong. Producción: Alibaba Pictures, August 1st Film Studio, Beijing Dengfeng International Culture Communications Company, Bona Film Group, China Film Group Corporation (CFGC), Huaxia Film Distribution, Shanghai Film Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: bélico, hechos reales. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-battle-at-lake-changjin

Sorteo de un DVD de ‘Licorice Pizza’

Llévate a casa el último éxito de Paul Thomas Anderson

Tenemos entre manos el último estreno de Paul Thomas Anderson, ‘Licorice Pizza’. Poseemos un DVD de la película (análisis aquí) que se estrenó en cines el pasado 11 de febrero de la mani de Universal Pictures y cuya crítica tenéis aquí. El filme estuvo cerca de llevarse varios Oscars y logró un BAFTA, entre otros premios. Protagonizada por Alana Haim y Cooper Hoffman es un relato de amor y generaciones que rinde tributo indirectamente a los años setenta.

Si queréis optar a ganar esta unidad que nos ha cedido Arvi Licensing podéis hacerlo a través de Facebook siguiendo estas normas:

  1. Haz me gusta a la página de Facebook de Moviementarios
  2. Comenta la fotografía del sorteo en Facebook etiquetando a dos amigos
  3. Comparte la foto (de manera pública para que podamos comprobarlo)

O mediante Instagram.

  1. Sigue el perfil de Instagram de Moviementarios
  2. Comparte la foto de Instagram en tu stories etiquetando a Moviementarios

O yendo a nuestro perfil de Twitter

  1. Sigue a Moviementarios
  2. Haz retuit y me gusta a la fotografía en Twitter

¡Mucha suerte a tod@s!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 15 de julio a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 16 de julio de 2022. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Análisis del DVD de ‘Licorice Pizza’

La joven pareja dirigida por Anderson llega a nuestras casas

El último título que ha estrenado en cines Paul Thomas Anderson, el director que hace cuatro años cargó contra el doblaje en España, fue ‘Licorice Pizza’. El autor de películas como ‘Pozos de ambición’ o ‘El hilo invisible’ realizó una película románticamente nostálgica con dos jóvenes protagonistas interpretados por Alana Haim (hermana de Danielle Haim, con quien Anderson ha trabajado mucho) y Cooper Hoffman (hijo del fallecido Phillip Seymour Hoffman).

‘Licorice Pizza’ (crítica aquí) nos cuenta como dos jóvenes se encuentran en los setenta. Una historia de encuentros y desencuentros con toques naturalistas y juveniles que sirve también de retrato de la Norteamérica de hace cincuenta años. Un filme que ya está en tiendas en DVD y Blu-ray desde este 29 de junio.

La película estuvo nominada al Oscar a mejor película, director y guión original y a los Globos de Oro a mejor película comedia, actor, actriz y guión. En esta categoría si consiguió alzarse con un BAFTA. Los críticos norteamericanos decidieron que esta fue la mejor comedia del año pasado.

El menú del DVD está disponible en inglés, francés, alemán, castellano, holandés y checo. Una vez accedemos a él tenemos los clásicos iconos para seleccionar idiomas, subtítulos y directamente ya vemos una vista previa de los extras. Todo ello acompañado de una imagen que parece el tablón de corcho que todos hemos tenido en nuestras casas y en el que hemos colgado siempre recuerdos y trofeos, en este caso lo adornan fotografías con fotogramas del filme.

El audio de la película está disponible solo en inglés, francés, alemán e inglés con audiodescripción. Quizá el doblaje al castellano no se ha incluido en esta versión por la aversión del director hacia él. Lo oficial es que esto se debe a una decisión de Universal Pictures. Los subtítulos pueden elegirse en los siguientes idiomas: inglés, francés, alemán, castellano, holandés o checo.

Extras (17 min. aprox.)

Camera test (4:05 min.)

Distintos planos, pruebas de cámara de varias escenas del filme con todos y cada uno de los protagonistas. Ensayos y tiros de cámara que no han llegado a salir en la película, con los actores con diferentes peinados y como viene siendo costumbre por desgracia con los EPIs necesarios para rodar en época COVID.

The handman scene (2:15 min.)

Alana Haim (Alana) y Cooper Hoffman (Gary) tienen una discusión en el coche que ella conduce. Una escena no vista en la película.

Fat Bernie’s commercial (0:57 min.)

Gary y Alana se montan una empresa de colchones de agua llamada Fat Bernie’s. El espíritu empresarial de Gary le lleva hasta a rodar un spot para la televisión que podemos ver fuera del largometraje en este pequeño bonus.

Behind the scenes (10:38 min.)

Fotografías, ensayos, tomas falsas, construcción del set, maquillaje, pruebas de luz… los entresijos del rodaje de este filme que se presentan como algo aún más interesante que la propia película. Casi la totalidad de las imágenes son con el equipo técnico y los actores Haim y Hoffman, apenas aparecen Sean Penn, Bradley Cooper o Tom Waits.

Crítica: ‘Westworld’ T4

Lo mismo de siempre, pero con otra fachada

El próximo 27 de junio, sin haber hecho mucho ruido previo, se produce el regreso de ‘Westworld’. Una vuelta que a muchos ha sorprendido pues no eran pocos los que daban por cancelada la serie que re-imagina la película de 1973. Pues para bien o para mal en este inicio de verano tendremos nueva temporada que llegará a tener ocho episodios de los que hemos podido ver cuatro.

Jonathan Nolan y Lisa Joy siguen con su serie, la cual ya estaba fuera de rumbo. Siguen con el tema de los seres sintientes, ya sean humanos o máquinas dotadas de una inteligencia artificial avanzada. Además están ya totalmente alejados del guión que Michael Crichton escribió para la película original. Mantienen su apuesta por el debate existencialista y la guerra de especies o entidades que es algo de lo que personalmente ya estoy cansado y creo que no da más de sí. Es por eso que la serie me cansa ya tanto y junto a ‘El cuento de la criada’ creo que es un de las cancelaciones/finalizaciones que HBO está tardando en ejecutar. Para mi está agotada la idea y el discurso y ni con todos los giros o vueltas de tuerca que se van inventando recuperan mi interés, ni siquiera como serie de acción. Mucho tendrían que hacer en los cuatro últimos episodios.

Otro de esos giros es un nuevo parque, cosa que tampoco ha sido nunca original pues la película también incluía otros parques temáticos inspirados en otras épocas, como la de la Roma clásica o el medieval. Se rumoreó que HBO fundiría esta serie con ‘Juego de Tronos’ y lo único que vimos fue a uno de los dragones de Daenerys. Esta vez toca movernos a los felices años 20, como indica el título del tercer episodio. Los títulos de los cuatro primeros episodios son ‘Los augurios’, ‘Bien solo’, ‘Annes Folles’ y ‘Generación perdida’. Si esto os parece spoiler ya os aseguro que no es nada comparado con lo que se muestra en el tráiler.

La temporada cuatro repite bastantes elementos, por mucho que se pinten con otra pátina y por mucho que en vez de versionar a Guns N’ Roses versionen a Metallica. Mantiene los personajes de Evan Rachel Wood, Thandiwe Newton, Ed Harris, Jeffrey Wright, Tessa Thompson, Luke Hemsworth, Aaron Paul, Angela Sarafyan y James Marsden. Además se suman intérpretes como Oscar Ariana DeBose, Aurora Perrineau y Daniel Wu. La filosofía es la misma y la serie sigue con su arquitectura y trajes futuristas (incluyendo unos ridículos cascos de obra) lejos ya del western en todos los sentidos. También se mantiene ubicándonos en distintas localizaciones siguiendo distintas tramas a la vez. Aaron Paul y Thandiwe Newton repiten la misma escena tres o cuatro veces y eso sin estar en un bucle como el de Dolores (Rachel Wood). Y de nuevo sucede que la serie es más entretenida cuando está con cualquier personaje que no sea el de Dolores, que sigue erre que erre con lo mismo. Al fin y al cabo todo se resume en tener a las maquinas infiltradas a modo de ultracuerpos en una invasión silenciosa. Es decir, se podría haber hecho ya en la tercera temporada y hacer un poco de síntesis.

Crítica: ‘El hombre de Toronto’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un desastrado asesor de ventas y el asesino más letal del mundo —conocido como el Hombre de Toronto— son víctimas de una confusión de identidad tras coincidir en una cabaña de alquiler.

Crítica

Canónica pero solvente buddy movie

Kevin Hart y Woody Harrelson protagonizan la nueva buddy movie de Netflix, ‘El hombre de Toronto’. En ella uno interpreta a un hombre de ideas inútiles y el otro a uno que solo tiene salidas retorcidas. Son un emprendedor desastre y por ende fracasado y un asesino eficiente afamado entre los bajos fondos. A uno le salen los planes y al otro no. Por casualidades producidas por la inutilidad del uno acaban confundiendo su identidad por la del otro, como si fuese un héroe por accidente, aunque más bien se mete en los pantalones del villano. El filme de Patrick Hughes es una comedia de confusión de identidades, pero no os preocupéis que esto no es ‘García y García’. Es una película con un civil en el papel de un agente infiltrado, si acaso es más similar a lo que sucede a Nicolas Cage en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ o a lo que le pasa a Chris Rock en ‘9 días’, si ya se puede citar algo de Chris Rock sin que te caigan varapalos en las redes.

Kevin Hart ya había hecho varias películas similares a esta con Dwayne Johnson (en ‘Un espía y medio’ o en ‘Jumanji’) y con Ice Cube (en ‘Vaya patrulla’). En ambas hace de un tipo más o menos pardillo que tiene que sobrevivir bajo el paraguas del cachas o tipo duro de turno. El actor de Filadelfia corre el riesgo de encasillarse. También había hecho una película con Kaley Cuoco, ‘El gurú de las bodas’, empieza a repetirse. ¿La otra estrella? Es Woody Harrelson que está en estas lides mucho mejor que en su última aparición cinematográfica como villano en ‘Venom 2: habrá matanza’. Sin duda el rol de tipo irascible pero cómico lo tiene mejor controlado, un ejemplo de ello son papeles anteriores como los de ‘Zombieland’ o ‘Vaya par de idiotas’, en ambas casualmente también hace de mentor. Y le tenemos aquí de rebote porque su papel lo iba a interpretar Jason Statham, lo cual no es de extrañar viendo el carácter del filme.

Bien es cierto que la comedia le pega más a Harrelson, pero esta es una película con mucha acción. De hecho tiene una última secuencia de lucha multitudinaria a diez minutos del final que es un falso plano secuencia muy trepidante y divertido. Acción te tiros, de aviones cayendo, de explosiones, de coches derrapando… ‘El hombre de Toronto’ tiene unas coreografías muy parecidas a las de ‘Los mercenarios’, pero con resultados humorísticos. El director intenta continuar con la onda expansiva de sus últimos y explosivos éxitos, me refiero a ‘El otro guardaespaldas 2’ y ‘Los mercenarios 3’. En esas películas los tipos duros caminan erguidos y con calma mientras dejan atrás una inmensa bola de fuego. En ‘El hombre de Toronto’ dan gritos ridículos de miedo y suspiros de hartazgo. El público, o por lo menos yo, el sonido que hace es de carcajadas, a pesar de ser un filme con el esquema más clásico de las películas de compañeros accidentales casi antagonistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Man from Toronto. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Hughes. Guion: Robbie Fox, Chris Bremner. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kevin Hart, Woody Harrelson, Kaley Cuoco, Jasmine Mathews, Lela Loren, Pierson Fode, Jencarlos Canela, Ellen Barkin, Melanie Liburd, Natallia Poliveanii. Producción: BRON Studios, Columbia Pictures, Escape Artists, Hartbeat Productions, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Llenos de gracia’

Sinopsis

Clic para mostrar

Marina, una monja muy atípica, llega en el verano de 1994 a El Parral, un colegio amenazado de cierre.

A pesar de que los internos, chicos sin familia, la reciben con mil trastadas, Marina tiene una idea que cambiará todo: formar un equipo de fútbol. Con la ayuda de dos monjas: Angelines, inocente y frágil, y Tatiana, bruta y bondadosa, creará algo parecido a una familia de verdad.

Años más tarde, Valdo, uno de los chicos, debutará en el primer equipo del Real Madrid.

Crítica

‘Ted Lasso’ más ‘Sister Act’ con el inigualable toque de Carmen Machi

La mecánica de ‘Llenos de gracia’ es la misma que utilizaron películas como ‘Mentes peligrosas’, ‘Sister act’, ‘Somos los mejores’, ‘Campeones’, ‘Ted Lasso’ o ‘El profesor de violín’. Llega al centro educativo un docente o tutor que se encuentra allí fuera de lugar y se topa con barreras que impiden el buen ejercicio de sus funciones. En esas películas el reto a superar suele ser un comportamiento conflictivo de unos jóvenes problemáticos (con un trasfondo u otro) lo que supone todo un dolor de cabeza para el protagonista. En este caso las barreras que debe superar la religiosa interpretada por Carmen Machi son literalmente las que se colocan delante del balón a la hora de lanzarse una falta. La fórmula es igualmente buena si las variables dispuestas nos ofrecen un entretenimiento distinto. Ese es el caso de la película de Roberto Bueso que es desternillante a la par que emotiva.

El director de ‘La banda’ nos cuenta la historia real de un futbolista (Valdo) y de su colegio, que amenaza el cierre. A ese orfanato llega una monja muy diferente a las que han trabajado allí hasta el momento. Es una mujer divertida, que está blindada contra las gamberradas y viene con ideas frescas. Básicamente es tan chunga y barullera como los niños quieren aparentar ser. El éxito en el fútbol es el vehículo empleado para conseguir el enlace entre unas generaciones muy distanciadas entre sí.

El carisma y la soltura del docente protagonista es siempre clave en estas películas. Cual Robin Williams en ‘El club de los poetas muertos’, Machi se hace con las riendas de la historia hasta tener su “oh capitán mi capitán”. El matiz que aporta la actriz madrileña es el de una madre, pero no el de una madre superiora, sino el que tienen esas progenitoras “enrolladas” y modernas que consiguen ganarse el cariño de los pequeños más revoltosos. Madre siempre, lo dije hace nada hablando de otra película que actualmente está en carteleras, ‘La voluntaria’. Machi derrocha humanidad y un cuidado de los personajes y actores que la rodean que solo se puede definir como candoroso.

Pero si en la película de Nely Reguera vimos a la Machi de los dramas y el apego ahora toca la dicharachera. El filme no está exento de sensibilidad y ternura, pero ‘Llenos de gracia’ se apoya en lo que nos hacen reír unos niños que más que huérfanos parecen borrokas o sucesores de El Vaquilla. El reparto infantil, muy bien escogido y dirigido, hace que rompamos a carcajadas. Literalmente es una película llena de gracias. Y con esa panda de pillos está todo un elenco actoral (Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo) entregado a una comedia de gags blancos destinada a desmontar muchos estereotipos.

Pese al carácter familiar los adultos, e incluso aquellos nacidos en la década de los noventa que ya sean padres, vivirán un viaje a los últimos años del siglo XX. La infancia de antes no es como la de ahora, eso lo capta excelentemente el director. De manera decorativa están elementos como la Super Nintendo, los walkmans, las pegatinas de Toi, el “desesperada” de Marta Sánchez, el codazo de Italia a Luis Enrique, lo robos de logos de coches… Si habéis vivido vuestra infancia entre esos elementos, ‘Llenos de gracia’ os gustará.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: Llenos de gracia. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Roberto Bueso. Guion: Roberto Bueso, Óscar Díaz. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Víctor Entrecanales. Reparto principal: Carmen Machi, Paula Usero, Pablo Chiapella, Nuria González, Anis Doroftei, Manolo Solo. Producción: Mod Producciones, Misent Producciones, RTVE, À Punt Media. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, hechos reales. Web oficial: https://www.modproducciones.es/llenos-de-gracia

Crítica: ‘Black Phone’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

Crítica

Uno de los mejores papeles de Ethan Hawke en mucho tiempo

Que gozada de película. Una cinta donde los terrores mas sencillos y un humor un tanto exagerado se aúnan para regalarnos una mezcla que sin duda, no gustará a todos, pero a mi me funciona de maravilla.

Scott Derrickson regresa al terror con ‘Black Phone’, basada en un relato corto de Joe Hill, que aparece en su libro ‘Fantasmas: El pasado no está muerto, ni siquiera es pasado…’. Scott Derrickson no solo ha dirigido, sino que también ha sido el encargado junto a C. Robert Cargill de adaptar el relato.

Nos vamos a un pueblo de Estados Unidos, donde la violencia está en todas partes. Allí, de la noche a la mañana, comienzan a desaparecer niños. A través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, ya que Finney termina siendo una de las víctimas. En su celda encontrará un teléfono negro que le hará bastante compañía.

La verdad que no he indagado demasiado si es de los primeros relatos de Joe Hill, pero vemos perfectamente en él su inspiración en las historias de su padre, Stephen King. Esto lo aprovecha Scott Derrickson, con una atmósfera oscura y llena de personajes macabros. Globos, desapariciones de niños, un pueblo en el que todo el mundo parece odiarse y por supuesto un personaje tenebroso lleno de traumas infantiles.

Me parece tremendo el trabajo de Ethan Hawke (El hombre del norte‘) que vuelve a trabajar con Derrickson. Realiza un trabajo muy bueno con su cuerpo, pues no le vemos la cara. Y solo con sus posturas sentimos si está relajado o lleno de ira y por supuesto el uso de su voz. Además se le añaden las diferentes máscaras que tiene su personaje. Esto es gracias al trabajo del equipo de Tom Savini.

En el reparto encontramos caras como la de Jeremy Davies o James Ransone, que hace un pequeño homenaje a su personaje en ‘Sinister’. Este bastante más cómico.

En el reparto infantil tenemos a Mason Thames, el encargado de dar vida a Finney. Se nota mucho el trabajo físico que ha realizado, pues no hacen más que ponerle pruebas en la película. Y la verdad que se desenvuelve muy bien en el terror.

Pero sin duda la estrella de la película es Madeleine McGraw, que hace un papel lleno de ternura, odio y mucha mala leche. Las escenas en las que se pone a rezar son tremendas.

Como he dicho, una de las cosas que no gustarán de la película es el humor que introduce. Para mi ha sido todo un acierto. Después de tanta tensión un golpe fuerte de humor siempre viene bien. Descoloca al espectador y a la vez hace la película más amena.

Poco más os puedo añadir, que vayáis a disfrutarla a partir del 24 de junio en las salas de cine, pues merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Black Phone. Duración: 102 min. País: EE. UU. Dirección: Scott Derrickson. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Crooked Highway. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/theblackphonemovie/

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil