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Crítica: ‘Veneciafrenia’

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En la naturaleza existe un vínculo indisoluble entre la belleza y la muerte. El ser humano, deudor de su entorno, imita lo que observa. Como mosquitos atraídos por el faro más brillante, los turistas están apagando la luz de una ciudad prodigiosa, eterna candidata a Octava Maravilla del Mundo. La agonía de las últimas décadas ha desatado la ira entre los venecianos. Para frenar la invasión, algunos se han organizado, dando rienda suelta a su instinto de supervivencia. Nuestros protagonistas, un sencillo grupo de turistas españoles, viajan a Venecia con la intención de divertirse, ajenos a los problemas que les rodean. Allí se verán obligados a luchar por salvar sus propias vidas.

Crítica

Flojo pistoletazo de salida para The Fear Collection

Para los que estén menos puestos en temas de terror hay que señalar que ‘Veneciafrenia’ es parte de un valiente proyecto que pretende impulsar y exportar el spanish horror actual. ‘The ABC’s of Death’, ‘V/H/S’, ‘Creepshow’… son reputadas y conocidas antologías del género. En nuestro país hace poco se ha resucitado la mítica ‘Historias para no dormir’ y hace más de quince años vimos ‘Películas para no dormir’, también avalada por Chicho Ibáñez Serrador. Ahora uno de los partícipes de ese proyecto, Álex de la Iglesia, inicia su propio sello, The Fear Collection, en una nueva colaboración con Sony Pictures y Prime Video. ‘Veneciafrenia’ es un flojo pistoletazo de salida de una colección que Jaume Balagueró empezará a completar con ‘Venus’ y que esperamos tendrá mejor envergadura.

Cuando vi el primer tráiler pensé que esta iba a ser una versión actualizada del ‘Hostel’ de Eli Roth. Y aunque no sea ese el referente o el propósito en muy buena parte así es. ‘Veneciafrenia’ va de unos turistas que buscan desfase y acaban encontrando la muerte y el rechazo por parte de los lugareños. El filme respira la misma repulsión hacia los forasteros y el mismo secretismo violento. Lo que no tiene es tanta cosificación de la mujer, gore explícito y obviamente el discurso es diferente. El alegato de De la Iglesia y Guerricaechevarría va en contra del turismo masivo o irrespetuoso. No se enfrenta a la enquistada gentrificación de las grandes ciudades. En su lugar carga contra el grosero flujo de turistas, de esos que hacen de la ciudad visitada su campo de juegos sin pensar en consecuencias o en el trastorno de la cotidianidad de los vecinos. Los hosteleros del centro de Madrid sabrán de lo que hablo, sobretodo en época de despedidas de soltero, los de Magaluf ya ni te digo. El símil con las ratas que llegaban en los barcos en la época de la peste es de lo más acertado. El símil que se hace con organizaciones tipo Anonymous también.

¿Por qué me ha parecido floja? Truman Capote dijo una vez “Venecia es como comer una caja entera de licores de chocolate de una sola vez”. ‘Veneciafrenia’ es como comer uno de esos bombones con alcohol sin que te avisen del relleno. La marca te sienta una buena expectativa, pinta exquisito y cuando lo muerdes encuentras una sorpresa aguada, amarga y empalagosa. No es todo lo delicioso que esperabas, pero tiene su jugo. La película protagonizada por Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Nicolás Illoro y Alberto Bang no parece obra de alguien con la experiencia y sabiduría cinematográfica de De la Iglesia. Me ha quedado la impresión de que todas las escenas en exteriores están grabadas cámara en mano para camuflar dificultades del entorno o posibles carencias. A parte de eso abusa de ciertos detalles como las escenas en las que el público graba mientras está sucediendo algo atroz, por mucho que eso esté extraído de la más grotesca realidad. Como también sobra el arco del novio ubicado en Londres. Esos y otros pormenores me han hecho pesada la historia. Además, que se ha mantenido en montaje alguna escena que se perciben bastante mal interpretada.

Pese a las pegas que le podamos encontrar al filme hay que reconocerle el mérito de rodar en una ciudad tan difícil y poco accesible en muchos sentidos. Rodar en Venecia nunca es fácil pues toda la acción implica moverse por el agua o por calles angostas. Sumémosle a eso todas las dificultades derivadas del COVID-19. Con todos mis respetos he de decir que esta no es la mejor película de Álex de la Iglesia, pero también con todos mis respetos hacia los compañeros de prensa que la habían visto antes que yo y me la habían planteado como algo horrible he de decir que no llevan la razón. Esta es una versión bastante contenida del director en el sentido de que no cae en sus típicos desenfrenos finales, que a mí me gustan. Dedica más tiempo a clausurar con calma el filme, pero su locura y sus momentos frenéticos siguen estando ahí.

Me da la impresión de que con ‘Veneciafrenia’ se ha cumplido un sueño personal, que vendría a ser rodar un giallo moderno en la mismísima Italia. Este es un slasher (con unas máscaras que dan ganas de coleccionar) en el que desde los mismos títulos de crédito o el fundido a rojo del final se evoca a maestros como Argento o Bava. Otra muestra de ello es el romanticismo con el que cierra la historia. Ese romanticismo rompe con la inquietud turística planteada que en nuestra propia cotidianidad se percibe a punto de reventar. Se agradece el compromiso.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2022. Título original: Veneciafrenia. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Álex de la Iglesia. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia. Música: Roque Baños. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Nicolás Illoro, Alberto Bang, Cosimo Fusco, Caterina Murino, Enrico Lo Verso, Nico Romero, Armando de Razza. Producción: The Fear Collection, Pokeepsie Films, Sony Pictures España, Amazon Studios, Eliofilm, TLM The Last Monkey. Distribución: Sony Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://pokeepsiefilms.com/the-fear-collection/

Crítica: ‘El hombre del norte’

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‘El hombre del norte’ es un thriller épico de venganza que sigue a un príncipe vikingo en su búsqueda de justicia por el asesinato de su padre.

Crítica

Trágica y primigenia. Tres de tres éxitos para Eggers

‘El hombre del norte’ es la nueva película de Robert Eggers, el autor de ‘El faro’ y ‘La bruja’, dos películas de reconocidísima calidad pero que el público acogió con opiniones muy dispares. Probablemente esta tercera propuesta del director de New Hampshire corra la misma suerte polarizada. Nos remonta a una clásica historia, pero a su origen. Quizá por eso la mayoría de los detractores que tenga encuentren su argumento en que es una narración con pasos ya conocidos, pero el hecho de que nos lleve a una época más simple, ritualista y salvaje hace de esta una visión diferente que a mí me ha entusiasmado.

‘El hombre del norte’ nos transporta a Europa del norte en el 895 d.C. Aunque nos la ubique en una época en la que ya existía el cristianismo nos cuenta la historia Amleth, la que se supone que transcurrió en la Edad de Hierro y fue precursora o inspiración del ‘Hamlet’ de Shakespeare. De hecho, el nombre es un anagrama en el que solo se cambia la “H” poniéndola al principio. Reconoceréis la historia. Un príncipe que quiere vengar la muerte de su padre quien fue asesinado por su tío. La archiconocida narración de Shakespeare nos habla de traiciones, odio, venganza, muerte, amor, locura… Todo eso está en ‘El hombre de norte’ pero Eggers potencia la historia original transportándonos a un pasado más básico, lleno de mitología y detalles nórdicos. Pormenores que han sido aportados por el guionista Sjón Sigurdsson (‘Lamb’) y asesores expertos en mitología escandinava como el arqueólogo Neil Price o la autora Johanna Katrin Fridriksdottir. Está presente Odin, las valkirias, los cuervos, las runas, la naturaleza y otros factores del imaginario escandinavo de un modo muy bien plasmado.

Hay que decir que esta es la película con mejor reparto de las tres que ha hecho Eggers. Bien es cierto que en ‘El faro’ solo tenía dos protagonistas y uno de ellos repite aquí, Willem Dafoe (que ha trabajado con casi todo el reparto en películas anteriores). Como también repiten los protagonistas de ‘La bruja’, Anya Taylor-Joy y Ralph Ineson. Otro dato curioso es la aparición de Björk que llevaba más de quince años sin aparecer en un largometraje. Pero el protagonista es Alexander Skarsgård como Amleth. De hecho se le atribuye a Skarsgård la idea de esta película que incluso iba a protagonizar con uno de sus hermanos (Bill) pero el COVID lo impidió. El físico de Skarsgård está claro que aporta mucho al personaje pero hay que ir más allá y es de valorar la dificultad de muchas de las escenas que ha rodado. Igual de salvajes, interpretativamente hablando, están Taylor-Joy y Nicole Kidman.

Quizá es el filme en el que menos reconozco el estilo de rodaje tan personal de este director. No abandona sus eructos y sus pedos pero se aleja del ritmo calmado de sus dos obras anteriores y de la exploración psicológica de los personajes. Igualmente conserva una cuidada fotografía, de nuevo obra de Jarin Blaschke que además de haber trabajado en las dos películas del director ha firmado las estampas de ‘Blackwood’ o ‘Servant’. El tono lúgubre está ahí, es oscura y sucia pero a la vez colorida. Eggers siempre tiene cierto toque de realismo mezclado con onirismo, en este caso con carices legendarios o divinos. Además hay que tener en cuenta que es el filme con más acción de todos los que ha hecho. Acción en cuanto a cambios de escenario o actividad de sus personajes y acción en cuanto a violencia explícita. Advierto que a veces es visualmente impactante.

Eggers fue productor teatral y efectivamente la película tiene también esa influencia. Los diálogos y el esquema son clásicos del mundo de la escena sobre tablas. Pero el filme tiene elementos que os remontarán a películas como ‘Conan’, ‘Gladiator’, ‘Beowulf’ e incluso obviamente ‘El rey león’. Eggers abandona sus escenarios claustrofóbicos y sale al mundo abierto de un modo espectacular, además con un final incandescente y potente.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2022. Título original: The Northman. Duración: 136 min. País: EE.UU. Dirección: Robert Eggers. Guion: Robert Eggers, Sjón Sigurdsson. Música: Robin Carolan, Sebastian Gainsborough. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Alexander Skarsgård, Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Nicole Kidman, Ethan Hawke, Willem Dafoe, Björk. Producción: New Regency Productions, Focus Features, Perfect World Pictures, Square Peg, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, aventura. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-northman/

Crítica de ‘El bebé’

Una ricura que es diabólicamente absorbente y desquiciante

En el cine y las series hay multitud de personajes que llevan a cabo la acción o los diálogos. Pero hay unas criaturillas que a veces tienen el centro de atención sin ni siquiera haber aprendido aún a decir una palabra. El bebé que aparece en pantalla suele llevarse todas las adulaciones, pero… ¿Qué pasa si la aparición de ese bebé es señal de algo ominoso?

No es la primera vez que un recién nacido se las hace pasar canutas al protagonista. No me refiero a situaciones cómicas como las de ‘Mira quién habla’, ‘El peque se va de marcha’ o ‘Tres hombres y un bebé’. No, el coprotagonista de ‘El bebé’ es más de desquiciar a lo ‘Arizona baby’ o de meter miedo a lo ‘Braindead’ pues trae consigo peligrosas y mortales situaciones. Y en algunas partes la serie puede recordar a ‘El pueblo de los malditos’, al episodio ‘It’s a good life’ de ‘The Twilight Zone’ o a ‘Quién puede matar a un niño’.

‘El bebé’ estará disponible el 25 de abril en HBO Max. Esta es una serie creada por Lucy Gaymer y Sian Robins-Grace quienes han trabajado en ‘True horror’ y ‘Sex education’ respectivamente. Con esas credenciales podéis haceros a la idea de qué tipo de historia tenéis delante. Tierno y macabro a la vez. El bebé (o los bebés, pues han usado una pareja de gemelos durante el rodaje) que protagoniza esta historia tiene una cara adorable, pero lo que pasa a su alrededor es espeluznante.

La historia nos da a conocer a la otra protagonista, Natasha (Michelle de Swarte). Ella es una joven independiente que está harta de ver como sus amigas llenan sus vidas dando a luz a nuevas criaturas, restregándole las fotos por su cara o el timeline de las redes sociales. Fortuita y literalmente le cae del cielo un bebé y algo más que el destino la obligan a tener que cuidarle. Desde ese momento su vida queda supeditada a los inescrutables designios del bebé.

Durante los ocho episodios de la serie el bebé se dedica a propiciar situaciones desconcertantes y funestas. Digamos que hace cosas muy al estilo a las de la muñeca Annabelle. El trabajo de montaje, planos o coaching infantil hace que veamos a la criatura como alguien que se está mofando de la protagonista, tanto cuando se ríe adorablemente como cuando se queda mirando de manera fija, como si pusiese cara de póker. Realmente parece que actúa.

La tipografía del título de la serie nos puede recordar a la de algunos carteles de ‘Rosemary’s baby (La semilla del diablo)’. Y ciertamente este podría ser el bebé engendrado en la película de Polanski. Solo que el tono de la serie es burlesco. Estamos ante un entretenimiento con tintes de humor surrealista e inglés, rozando el absurdo y añadiendo horror. El ambiente de pueblo británico no se decir a qué contribuye más, si al terror o a la depresión. Pero desde luego está puesto ahí como extensión cómica de lo que siente la protagonista. ‘El bebé’ consigue con todos estos elementos hacer que nos riamos, nos desconcertemos y sigamos sin ganas de ser papás.

Crítica de ‘Outer Range’

Josh Brolin se pone en plan Villeneuve

Será el 15 de abril en Prime Video donde podremos ver la serie ‘Outer Range’. Esta es la segunda vez que Josh Brolin dirige, anteriormente había realizado un corto llamado ‘X’, que no tiene nada que ver con la próxima película de Ti West. Esta es una producción “conclusiva” de 8 episodios creada por Brian Watkins y producida por Brad Pitt que nos lleva al western norteño actual de los Estados Unidos y a una historia la mar de misteriosa.

A Brolin le hemos visto ya antes en westerns como ‘Valor de ley’ o ‘No es país para viejos’. También en historias de ciencia ficción como ‘Dune’ o varios títulos de Marvel. Ahora junta su gusto por esos dos géneros y su gusto también por dirigir, más allá que actuar, para contarnos la historia de ‘Outer range’. Hace poco oí decir a un director español que ya no existe solo el terror, que siempre hay algo más, una mezcla de géneros. Y efectivamente, esta no es solo una historia en el oeste moderno, es también un misterio que introduce un componente fantástico que como pasa muchas veces en el western, nos hace usar el término “fronterizo”.

En ‘Outer Range’ Brolin interpreta a un hombre que lucha día a día para sacar adelante y proteger a su familia, a la cual aloja en un rancho de Wyoming. De entrada ese clan de rancheros tiene una mancha en su pasado pues están perturbados por una extraña desaparición. Pero la cosa se tensa más con la disputa territorial que mantienen con la familia que posee las tierras colindantes a las suyas. Y lo que aumenta más el nerviosismo es la extraña aparición de un gran agujero en el suelo. Una oquedad capaz de hacer cosas… desconcertantes, voy a decir.

Tanto visual como sobre el guión la serie es muy Villeneuve. Nos lleva por parajes preciosos mientras navega por la mente de sus protagonistas y dosifica mucho la información relacionada con el misterioso agujero. Sin duda se acerca a las maneras de hacer de ‘La llegada’. El guión a veces es extraño, simbólico, desconcertante. ‘Outer Range’ es una serie de esas enigmáticas que nos dejan al final de cada episodio con cara de perplejidad.  Podría formar parte de alguno de los arcos argumentales de ‘Perdidos’ o de ‘Fringe’.

Una vez desvelado el misterio se hacen obvias algunas de las relaciones entre los personajes. Pero más allá de sembrar enigmas desarrolla un discurso sobre los secretos del pasado, nuestra capacidad de afrontar lo desconocido, la culpa, la confianza o las consecuencias de guardarse las cosas para uno mismo. Los personajes aguardan con recelo a enfrentarse a lo desconocido. La serie hace igual. Dosifica mucho sus instantes fantásticos y en su mayoría es un thriller ambientado en un territorio donde rigen las normas de los antiguos cowboys. Me habría gustado que dedicase más tiempo a su parte de ciencia ficción, aunque nos carga bastante de simbolismo, pero también es verdad que es un gustazo para aquellos que admiren los dramas en el medio oeste norteamericano. Al fin y al cabo esta es una historia de ciudadanos de a pie, casi catetos de pueblo, jugando con poderes que no controlan ni llegarán a entender nunca.

El toque de western no está solo en la indumentaria vaquera de los personajes. Está en el comportamiento de los protagonistas o en las rencillas que tienen con sus vecinos, con los cuales tienen esa pugna territorial. La manera en como tratan sus asuntos o su cotidianidad nos remonta a esos films donde más allá de la ley estatal estaban los pactos o códigos entre vaqueros. La violencia de oeste está presente pero también es una manera de mostrar que el que guarda secretos explota de un modo u otro. ‘Outer Range’ dibuja bien esa dualidad y nos mantiene enganchados.

Crítica: ‘La ciudad perdida’

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La carrera literaria de la brillante, a la vez que huraña, escritora de novelas Loretta Sage (Sandra Bullock) ha girado en torno a las populares novelas románticas de aventuras que, ambientadas en lugares exóticos, protagoniza un atractivo galán cuya imagen aparece reproducida en todas las portadas, y que en la vida real corresponde a Alan (Channing Tatum), un modelo que ha centrado su carrera en personificar al novelesco aventurero.

Durante una gira para promocionar su nuevo libro junto a Alan, Loretta es raptada por un excéntrico multimillonario (Daniel Radcliffe), con la intención de que la autora le guíe hasta el tesoro de la antigua ciudad perdida sobre el que gira su último relato. Deseoso de demostrar que puede ser un héroe en la vida real, y no simplemente en las páginas de sus obras de ficción, Alan se lanza al rescate de la novelista.

Inmersos en medio de una épica aventura en la jungla, la extraña pareja tendrá que dejar a un lado sus diferencias y aprender a colaborar para sobrevivir a los elementos y encontrar el ancestral tesoro antes de que desaparezca para siempre.

Crítica

Tatum ejecuta sus gags tan bien como baila

Cuando actores que tienen una carrera asentada se prestan a hacer comedias tan desenfadadas o tontorronas como ‘La ciudad perdida’ el espectáculo se convierte en todo un gustazo lleno de risas. Es una sensación muy similar a la que tuvimos con ‘Tropic Thunder’. Esta podría ser perfectamente una parodia oficial de ‘Tras el corazón verde’. De hecho, el personaje llamado Jack Trainer (Brad Pitt) parece que rinde homenaje a la difunta Mary Ellen Trainor que actuaba en esa película.

‘La ciudad perdida’ tributa a las clásicas películas de exploración, aventuras y búsqueda siguiendo sus mismos pasos pero usando la comedia como vehículo para llegar al espectador. En esta propuesta conocemos a una famosa escritora de novelas románticas. Sandra Bullock es un trasunto de la escritora de novelas románticas Danielle Steel. Su personaje está en un momento de depresión y con su carrera en declive. Y en ese momento es secuestrada por un magnate (Daniel Radcliffe) que anda detrás de un objeto que aparece en una de sus novelas. Rápidamente acude al rescate un joven apasionado del trabajo de la escritora pues es el modelo que figura en todas sus portadas Channing Tatum. Ambos se ven abocados a intentar sobrevivir como si estuviesen dentro de una de las novelas.

La película habla de la ambición y la búsqueda de quimeras, cual buscadores de las Minas del Rey Salomón o El Dorado. Pero realmente el mensaje que busca transmitir es el de ser auténticos y no avergonzarse de lo que uno hace pues puede hacer felices a muchos otros. Pero muy por encima de eso hay que tener en cuenta que esta es una película disparatada con situaciones absurdas o ridículas que durante la mayoría del metraje lo único que busca es hacernos reír. No obstante tiene sus momentos románticos o sensibleros y por eso en su tramo final decae bastante.

Los que hemos seguido la carrera de Daniel Radcliffe sabemos que ya está muy lejos de la inocencia y candidez que le hizo famoso en ‘Harry Potter’. Le gusta trabajar en comedias salidas de todo y para muestra están ‘Horns’, ‘Miracle workers’, ‘Swiss Army Man’ o ‘Guns Akimbo’. Aquí además hace las veces de villano. Brad Pitt también es un actor polifacético y de sobra es conocido que se apunta a un bombardeo, ahí está su cameo en ‘Deadpool 2’ o su papel en la serie ‘Friends’. Su aparición en esta película (que arranca con Far from Any Road, la canción del opening de ‘True Detective’) es consecuencia de la buena sinergia entre Pitt y Bullock tras haber hecho ésta un cameo en ‘Bullet train’, aún por estrenarse en España. Los tramos en los que aparecen ellos son de lo más divertido, pero realmente la protagonista es Sandra Bullock que vuelve a las maneras que le hicieron triunfar con películas como ‘Miss agente especial’. En vez de Channing Tatum la película iba a contar con Ryan Reynolds y la verdad es que le pegaría el papel ya que se parece a todos los que está haciendo últimamente. Pero no se le echa en falta porque el cachas aparentemente simplón que interpreta Channing Tatum es de largo el que más gags tiene en toda la película y Tatum los ejecuta tan bien como baila. Igual de bien que en ‘Kingsman el círculo dorado’ o en ‘Infiltrados en clase’.

Los hermanos Nee (Aaron y Adam) son los directores y guionistas de ‘La ciudad perdida’, además, Adam hace una breve aparición como agente de policía. Esta es su tercera película, la más mediática. Vienen de hacer obras como ‘Band of robbers’ o ‘The last romantic’. A la espera estamos de que llegue su anunciada versión en acción real de ‘Masters del Universo’. ‘La ciudad perdida’ no nos puede servir de ejemplo para esa adaptación ya que su tono de comedia no le pega a He-Man. Pero sí su capacidad de explorar los escenarios y explotar versatilidad de los actores. Lo cierto es que conociendo el bagaje de los actores protagonistas y sabiendo de su talento podríamos pensar que esta es una película que se hace sola, es como entrenar un equipo goleador en el que están Cristiano Ronaldo o Messi. Pero ahí está el manejo de los egos y la presión, cosa que también toca la película y que creo que han llevado bien ambos directores.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de abril de 2022. Título original: The Lost City. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Nee, Adam Nee. Guion: Dana Fox, Oren Uziel, Adam Nee, Aaron Nee. Música: Pinar Toprak. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Da’Vine Joy Randolph, Oscar Nuñez, Patti Harrison, Bowen Yang, Brad Pitt. Producción: Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia. Web oficial: https://www.thelostcity.movie/

Crítica: ‘Ambulance. Plan de huida’

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En el transcurso de un día por las calles de Los Ángeles, tres vidas cambiarán para siempre.

En este trepidante thriller del director y productor Michael Bay, el condecorado veterano Will Sharp (el ganador de un Emmy Yahya Abdul-Mateen II, Candyman y Matrix Resurrections) desesperado por conseguir dinero para pagar las facturas médicas de su esposa, le pide ayuda a la única persona a la que sabe que no debería recurrir: su hermano adoptivo Danny (el nominado al Oscar® Jake Gyllenhaal, Zodiac y Spider-Man: Lejos de casa), un carismático delincuente profesional. Este le hace una propuesta: participar en el mayor atraco a un banco de la historia de Los Ángeles, para hacerse con un espectacular botín de 32 millones de dólares. Con la vida de su esposa en juego, Will no puede decir que no.

Pero cuando todo se tuerce en la huida del robo, los hermanos secuestran a la desesperada una ambulancia que lleva a un policía debatiéndose entre la vida y la muerte, y a la increíble técnico de emergencias Cam Thompson (Eiza González, de Fast & Furious: Hobbs & Shaw, Baby Driver) a bordo del vehículo. En una vertiginosa e incansable persecución, Will y Danny deberán huir de un inmenso dispositivo de fuerzas de seguridad desplegado por toda la ciudad, mantener a sus rehenes con vida y, de algún modo, tratar de no matarse mutuamente, todo ello afrontando la huida más espectacular que jamás haya tenido lugar en Los Ángeles.

Crítica

Con más complejidad y espectáculo que la original

No sé si ‘Ambulance. plan de huida’ es la película más barata de los últimos estrenos de Michael Bay, pero sí que puedo decir que es en la que más explosiones se ahorrado. Hora y media tarda el director conocido por sus exageradamente espectaculares escenas en introducir una explosión. Pero vamos a ver por qué.

A pesar de algunas bromas, incluso relacionadas con películas suyas como ‘Dos policías rebeldes’ o ‘La roca’, en ‘Ambulance’ percibimos que Michael Bay ha querido hacer una película más “seria”. Sería entre comillas por qué no deja atrás sus personajes que desbordan testosterona, su estilo visual, sus planos vertiginosos… Para Bay el invento de los drones de alta velocidad tiene que haber sido el invento del siglo. Con este remake ha intentado generar un thriller que esté conducido literalmente tan solo por una ambulancia. Lastra la película esa premisa pues llega a cansar no solo por estar en casi todo el metraje encerrada en el vehículo sanitario sino porque se observan bastantes fallos de racord y descuidos como el que lleguemos a reconocer claramente a los dobles de acción.

¿Pero de dónde viene todo esto? Este es un remake de una película danesa de 2005 que puede verse en Netflix. En la original dos hermanos de sangre llevan a cabo un atraco para poder conseguir dinero con el cual sufragar los gastos sanitarios que necesitan para su madre. En esta el disparador es parecido, he incluso se conserva que uno de los atracadores es más bondadoso que el otro, pero el planteamiento obviamente es distinto porque la danesa es más drama y más thriller. La versión original lleva la acción de una manera más torpe y con menos espectáculo, sobra decir qué es lo que nos espera siendo el director Michael Bay. Esta nueva versión tiene una hora más que la original y llega a las dos horas y cuarto. El problema inicial se produce con algo bastante inaudito para Michael Bay, que es el entretenerse demasiado con la presentación de los personajes. Introduce más elementos en la ecuación y eso hace que el filme de más rodeos. Además, se ha alargado más la historia porque se muestra la consecución del atraco. Rompiendo una lanza a favor del cine nórdico, que tiene siempre fama de recrearse mucho en los dramas o en la construcción de los personajes, la versión original es mucho más directa y arranca con los atracadores secuestrando directamente la ambulancia.

Porque este filme va de unos ladrones que acaban secuestrando una ambulancia por dificultades surgidas e interrupciones de su plan. Dentro de la ambulancia hay una persona herida y una sanitaria, lo cual les convierte en atracadores con rehenes y a la fuga. Tanto en esta versión como en la original el subtexto que podemos leer es lo encarecida y deshumanizada que está la sanidad. Pero no os vayáis a pensar qué esta película es el nuevo ‘John Q’. El mensaje que está presente pero tampoco es el foco de la película, de hecho, en ‘Ambulance’ parece que se ha querido dar más voz al siempre mencionado abandono de las administraciones estadounidenses hacia sus soldados excombatientes. La frase más inteligente la que pronuncia Eiza González en defensa de todos esos sanitarios que tienen que blindarse ante las tragedias vistas día a día: “El peor día de sus vidas, para nosotros es un día normal”.

Como he dicho y como era de esperar Michael Bay utiliza los planos torcidos o inclinados de siempre, pero en esta ocasión es tal exceso y el ritmo que el montaje imprime con continuos cambios de plano que la película llega hasta a marear. No se puede negar que Michael Bay tiene un sentido particular y eficiente de la acción pues nos llega a sumergir en esta, pero más de dos horas sin parar de mover la cámara e incluso hasta cuándo rueda una sencilla y calmada conversación, creo que es excesivo. Por lo demás, banda sonora de Lorne Balfe como últimamente, bandera de Estados Unidos bien colocada, coches coloridos y destrozados por todas partes, tiroteos a los ‘Heat’ de Michael Mann, persecuciones a lo GTA… Si conoces bien a Michael Bay y te gusta su cine de acción ‘Ambulance’ será tu película.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de abril de 2022. Título original: Ambulance. Duración: 136 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Bay. Guion: Chris Fedak. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Roberto de Angelis. Reparto principal: Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González. Producción: Universal Pictures, Endeavor Content, New Republic Pictures, Project X Entertainment, Bay Films. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://www.instagram.com/ambulancethemovie/ 

Crítica: ‘El juego de las llaves’

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Laura (Eva Ugarte) lleva toda la vida con Antonio (Ricard Farré), y justo cuando se empieza a plantear si realmente esa es la vida que quiere, Sergio (Fernando Guallar) y Siena (Justina Bustos) se cruzan en sus vidas. Sergio es un excompañero de instituto y Siena su novia millennial que llega para revolucionar las vidas de todos. Laura, Raquel (Miren Ibarguren) y Cris (María Castro), íntimas amigas desde hace años convencen a sus respectivos maridos (Tamar Novas y Dani Tatay) para jugar a un juego que les propone Siena: el juego de las llaves.

Crítica

Una orgía de desatinos

Si me dicen que ‘El juego de las llaves’ está hecha por los guionistas o fans de ‘Noche de fiesta’ o por un mal imitador de Emilio Martínez-Lázaro me lo creo. Esta nueva comedia surge de una serie de casi veinte episodios que data de 2019 y que tiene un planteamiento tipo ‘Perfectos desconocidos’, es decir, una reunión de amigos que acaba mostrando que por mucho que creamos conocer a nuestra pareja o amigos siempre hay algo con lo que nos pueden sorprender.

En ‘El juego de las llaves’ unos amigos con parejas estables se juntan a cenar y proponen entre ellos un juego que a priori parece inofensivo y realizable por la confianza que les da su larga amistad, pero se acaba convirtiendo en una trampa. Todos ponen en un cuenco sus llaves para posteriormente escoger a boleo un llavero con cuyo propietario tendrán que acostarse.

Vicente Villanueva (‘Toc toc’, ‘Supernormal’, ‘Sevillanas de Brooklyn’) demuestra estar afianzado en el género cómico y más en concreto en desarrollar situaciones disparatadas y comprometidas. Quien realmente me había animado a acercarme a la película es su guionista. Marta Buchaca me sorprendió con otra reunión de amigos como fue ‘Litus’ y esperaba ver una película con un guion igual de trabajado aunque por supuesto mucho más cómico. Pero no ha sido así. Estamos ante una película que gira en torno a la confianza, la amistad, la estabilidad de pareja, la monogamia y el deseo. Y en vez de desarrollar un discurso reflexivo o centrarse en ese descubrimiento de las personas, se queda en lo anecdótico. Y esto sucede porque el humor de sus gags es simplón, básico y en ocasiones vejatorio. Doy por hecho que la intención de ‘El juego de las llaves’ no es ofender a nadie, no la acuso de ello, pero si creo que huele bastante a rancio a pesar de tocar y mostrar bastante gráficamente un tema bastante moderno.

La conexión entre María Castro y Ricard Farré es la única que me ha parecido funcionar. Eso y algún instante con Miren Ibarguren. Pero por lo demás me parece una orgía de desatinos. ¿Estamos ante una nueva moda? Desde luego cada vez es más frecuente ver películas que hablan sobre el intercambio de parejas. Desde que vimos ‘El intercambio’ o ‘Amor en polvo’ pasando por el éxito de ‘Sentimental’ o la versión de Colomo (‘Poliamor para principiantes’) hasta que hace poco se ha estrenado ‘Donde caben dos’. Esta serie de largometrajes responde a corrientes modernas. Lo que no se es a qué responde ‘El juego de las llaves’ pues además de predecible no muestra un rumbo o una intencionalidad más allá de plantear situaciones morbosas o frases sin gancho. Las escenas del filme podrían servir para rellenar el espacio nunca contado de una película porno, al fin y al cabo la elaboración de la historia tiene poco más de original.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de abril de 2022. Título original: El juego de las llaves. Duración: País: España. Dirección: Vicente Villanueva. Guion: Marta Buchaca. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Reparto principal: Eva Ugarte, Miren Ibarguren, Fernando Guallar, Tamar Novas, María Castro, Dani Tatay, Ricard Farré, Justina Bustos. Producción: Nadie es Perfecto, Atresmedia Cine, Atresmedia, Movistar Plus+, Triodos Bank. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: remake, comedia. Web oficial: https://nadieesperfecto.com/video/el-juego-de-las-llaves/

Crítica: ‘Regreso al espacio’

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Por primera vez, los oscarizados directores Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin (‘Free Solo’, ‘Rescate en las profundidades’) miran al cielo y narran el inspirador auge de SpaceX y la labor que Elon Musk ha llevado a cabo en 20 años para resucitar la ambición de la carrera espacial estadounidense. Este acceso privilegiado a la primera misión tripulada que parte de suelo estadounidense desde que el transbordador espacial se retiró en 2011 ofrece un retrato íntimo de los ingenieros y astronautas elegidos para ese histórico momento. Regreso al espacio acompaña a los veteranos de la NASA Bob Behnken y Doug Hurley y a sus familias antes del lanzamiento e invita a los espectadores al emocionante viaje hasta la Estación Espacial Internacional, así como al centro de control de la misión, con Musk y el equipo de SpaceX, mientras los traen de vuelta a la Tierra en un espectacular descenso con amerizaje.

Crítica

El cómo nuestro Tony Stark actual lleva a cabo su capricho megalómano

Durante unos veinte años astronautas y cosmonautas compitieron en el siglo XX por llevar la gloria de su país al espacio. Formando parte de la Guerra Fría esa carrera espacial quedó en el olvido. ‘Regreso al espacio’ establece una analogía la mar de acertada cuando nos recuerda que al igual que los egipcios olvidaron cómo construyeron sus pirámides el hombre moderno ha olvidado cómo llego a poner el pie en la Luna. También acierta cuando aplaude a los técnicos de la época, quienes con menos capacidad y potencia que los móviles que llevamos en los bolsillos fueron capaces de sacar al hombre de la órbita terráquea.

‘Regreso al espacio’ ya puede verse en Netflix y supone un diario de la trayectoria de SpaceX. Es un documental que ya quisieran haber tenido los espectadores de los sesenta sobre las Sputnik o las Apolo. En esa década ese diario lo escribían los noticieros, pero la información no era tan abierta cono ahora, no llegaba a nuestros bolsillos con todo lujo de detalles, en parte porque la tecnología era otra y sobre todo porque estamos hablando de una época en la que había una durísima y tensa competencia con la Unión Soviética. Poniéndonos en contexto actual podemos decir que este es un documental fácil. Los lugares por los que transita son claramente los que Elon Musk quiere que veamos, pese a que se cuenta con dos buenos documentalistas como Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin (‘Free Solo’, ‘Rescate en las profundidades’). El material filmado son entrevistas televisivas o el que un equipo ha grabado durante bastante tiempo en distintas etapas de SpaceX. Obviamente está el material que la compañía del hombre más rico del mundo ha difundido sobre sus misiones, pero no hay virguerías visuales, los directores dejan que hablen las imágenes por si solas. Estamos acostumbrados por el cine y los medios a ver cohetes y satélites rondando nuestro planeta y quizá eso le reste impacto a ‘Regreso al espacio’. No obstante, son de un valor científico innegable las escenas de la fabricación de los cohetes o el paseo espacial de la Crew Dragon Endeavour.

Lo que es indudable también es ese retrato de Elon Musk a lo Tony Stark. Tiene el mismo sentido del espectáculo y se ve a sí mismo como motor del progreso y futuro se la humanidad. De hecho, no lo esconde y tiene una armadura de Iron Man en medio de uno de sus talleres. Pero esta también es una muestra de los miedos o riesgos que ha tenido que asumir este excéntrico empresario para poder materializar lo que al fin y al cabo es un sueño personal.

El documental de más de dos horas cuenta, no solo con las palabras de Musk, sino también de sus astronautas e ingenieros. Pero lo más revelador es cuando hablan antiguos miembros de la NASA. Ellos ponen en relevancia que la carrera espacial realmente ha supuesto un fracaso, no científico, sino como marketing político pues cincuenta años después de la llegada a la Luna el gobierno de USA no es la vanguardia de la exploración espacial. Han tenido que llegar empresas privadas para relanzar esa imagen fabricando cohetes con presupuestos que suponen solo el 10% de lo que costaban los Columbia o Challenger. El problema es que la metodología de SpaceX consiste en el ensayo error, no en la meticulosidad calculadora de la NASA, con lo que se hacen más lanzamientos y se aprende a partir de los errores o accidentes. Eso nos hace pensar en dos cosas: estamos cediendo al corporativismo sin frenesí propio de las distopías de la ciencia ficción y el desgaste ecológico sigue sin frenos.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2022. Título original: Return to space. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin. Guion: Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin. Fotografía: Kevin Garrison, Shana Hagan. Reparto principal: Elon Musk, Producción: Little Monster Films. Distribución: Netflix. Género: documental. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘The Beatles y la India’

Sinopsis

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‘The Beatles y la India’ es una crónica histórica del romance entre la legendaria banda británica y la India que comenzó hace más de medio siglo. Imágenes de archivo inéditas, grabaciones y fotografías, relatos de testigos y comentarios de expertos (la exmujer de George Harrison Pattie Boyd, o el periodista Saeed Naqvi, entre otros), junto con los lugares de la India, dan vida al fascinante viaje de George, John, Paul y Ringo en busca de la felicidad espiritual que inspiró una explosión sin precedentes de composición creativa. La primera exploración seria de cómo la India dio forma al desarrollo de la banda de rock más grande de la historia y su propio papel pionero que unió dos culturas muy diferentes.

Crítica

La historia de un choque cultural y trascendental

Creo que aún no ha pasado demasiado tiempo como para que las nuevas generaciones conozcan los nombres de George Harrison, Ringo Starr, John Lennon y Paul McCartney. Si estoy equivocado es que no estamos legando correctamente la que es una gran herencia musical. The Beatles unieron al mundo y en concreto con ‘The Beatles y la India’ vemos como consiguieron juntar a dos culturas que estaban distanciadas o confrontadas desde la ocupación británica en la India.

India estaba en un momento de casi cerrazón y recelo internacional hasta que llegaron los de Liverpool. El país asiático es un lugar de gran tradición musical y por lo tanto no es solo un mercado difícil, sino un emplazamiento en el que es complicadísimo penetrar social y culturalmente. The Beatles no llegaron a la India con intención de vender discos, era una cuestión más personal y espiritual y eso lo muestra bien ‘The Beatles y la India’. Del mismo modo en como entró el rock en Alemania del Este tras la caída del muro The Beatles irrumpieron en la india convirtiéndose en un símbolo de apertura a otro tipo de cultura.

Pero ¿de dónde viene esta unión? Nada más comenzar el documental descubrimos que la madre de Harrison ponía música hindú para calmarle cuando aún era un feto buscando amortiguar el ruido de las sirenas durante los bombardeos a Inglaterra en la II Guerra Mundial. Pero la conexión real que tuvieron de adultos llegó cuando a Ringo se le rompió una cuerda del Sitar (instrumento tradicional de la India y Pakistán) que tenía. Para conseguir una tuvo que buscar a un experto que se la repusiese. Además, que antes de ir a la India ya tuvieron contactos con yoguis y acudieron a algún seminario que les metió el gusanillo.

‘The Beatles y la India’ nos cuenta como la mítica banda influyó en el país antiguamente ocupado por los británicos y viceversa. Porque al llegar allí ellos rodeados de multitud de medios de comunicación el mundo comenzó a descubrir las peculiaridades de la India, como la meditación, los yogis y demás. Y es que aquella experiencia en Rishikesh cambió la vida de aquellos que eran considerados más famosos que Jesús. Se abrieron a una nueva filosofía de vida y a técnicas de relajación y concentración que pronto adoptaron grupos como los hippies como parte de su día a día. En ese sentido cobra importancia el gurú que les acogió y enseñó. El documental se centra mucho en la figura de Maharishi Mahesh Yogi, no solo porque adquirió relevancia mundial, también porque conoció al cuarteto en un momento crucial, cuando estos habían perdido a su manager y amigo Brian Epstein.

En el documental de Ajoy Bose y Peter Compton hay testimonios de The Beatles y de los que les rodeaban en aquellos años. Pero los que hablan en la mayoría del metraje son los hijos de aquellos que pudieron estar con The Beatles durante su estancia en la India. Personas que no tuvieron la consciencia en ese momento de con quién estaban entablando contacto o lo que suponía para todo su pueblo. Ellos nos cuentan, la música tradicional del país suena, pero no se escucha ni una canción de The Beatles y eso que de aquella estancia surgió el White Album.

Todo esto sucedió en torno a 1968 y a raíz de aquello la gente empezó a escuchar música india y a ponerse espiritual solo por hacer lo que The Beatles hicieron, que fue empaparse de otras corrientes. ¿Qué conoceríamos de la música hindú de no haber sucedido ese encuentro? ¿Habría sido Ravi Shankar alguien conocido a nivel mundial? Probablemente tendríamos que haber esperado varias décadas, con las posibilidades de Internet, para poder saber lo que sabemos del sitar o el santoor.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de abril de 2022. Título original: The Beatles and India. Duración: 96 min. País: Reino Unido. Dirección: Ajoy Bose, Peter Compton. Música: Benji Merrison. Fotografía: Andy Dunn, Virendra Khanna. Reparto principal: George Harrison, Ringo Starr, John Lennon, Paul McCartney. Producción: Renoir Pictures, Silva Screen. Distribución: Sherlock Films. Género: documental. Web oficial: https://www.abacusmediarights.com/programme/3431/the-beatles-and-india

Crítica de ‘Sentimos las molestias’

Dos glorias (actores y personajes) en un duelo cómico/dramático

Hemos visto ya el primer capítulo (de seis) de ‘Sentimos las molestias’ en las instalaciones del Teatro Real de Madrid. Antonio Resines, Miguel Rellán, Melina Matthews y Fiorella Faltoyano son los personajes principales de una comedia de fácil digestión en lo que viene a ser el nuevo proyecto televisivo de Movistar+ de Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, responsables de la más provocadora ‘Vergüenza’. Podréis verlo a partir del 8 de abril.

De nuevo nos presentan una comedia (esta vez menos irreverente) que se sustenta en un guión desenfadado y sobre todo en la buena química de sus protagonistas, destacando a Resines y Rellán, que se llevan la mayor parte del protagonismo.

Rafael Müller (Antonio Resines), un aclamado director de orquesta, y Rafael Jiménez (Miguel Rellán), una vieja gloria del rock, nos van a llevar en un viaje donde las risas y los gestos de complicidad están asegurados. Dos músicos veteranos que se conocen hace décadas a los que la vida ha llevado por diferentes caminos con más o menos fortuna y esos caminos se vuelven a cruzar para mostrarnos a dos personas septuagenarias luchando contra la edad y la soledad.

Mención aparte para los personajes femeninos, que, aunque en este capítulo apenas disfrutan de unos minutos, se les intuye carácter y además ponen el conflicto en bandeja a los dos protas con sus acciones.

Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero nos comentaban que querían hacer una serie más amable que ‘Vergüenza’. Querían explorar un nicho menos visto donde lo común hoy son las historias en las que los personajes principales son de entre 30 y 50 años. Lo que sí nos dejaron claro es que desde el principio querían contar con Antonio Resines y Miguel Rellán para que la protagonizaran y finalmente así lo hicieron.

El tono fresco y desenfadado de esta serie de dos “viejos cascarrabias” (o boomers) en una época donde lo digital está a la orden del día hace que el contraste, y por defecto el humor que se puede sacar de ello, te dibuje una sonrisa en la cara mientras estés viendo a estos dos en los diferentes escenarios y situaciones que nos vayan a plantear a lo largo de la serie.

Una serie que aunque es del género que es, tiene también su drama y los conflictos de los personajes ya se exponen en este primer capítulo.

‘Sentimos las molestias’ es una comedia de amistad, con matices amargos (porque una comedia no se concibe sin drama o al menos es lo que opino yo) que tienen que ver ya no solo con la cuestión de envejecer, sino también con la madurez de uno mismo, lo relativo a todo lo que tiene que ver con la soledad y de encontrar tu sitio en la sociedad actual.

Un mensaje que al final tratará de calar en el espectador con ‘Sentimos las molestias’, entre risas y ternura: Que hay que aceptar el paso del tiempo pero no rendirse a vivir aunque ya no se puedan hacer ciertas cosas. Siempre se podrán hacer otras ¿no?

Lo mejor: El carácter desenfadado, la buena química entre los dos actores protagonistas y la ligereza con la que se pasarán los capítulos de alrededor de media hora.

Lo menos bueno: al poder ver un sólo capítulo y de media hora, no poder contaros más sobre los personajes femeninos, que espero que cobren más fuerza a lo largo de los episodios, aunque debo admitir que creo que Resines y Millán se llevarán la mayoría de los minutos de metraje.

Crítica: ‘Tokyo Vice’

El trabajo más maduro de Ansel Elgort hasta la fecha

El próximo 8 de abril llega a HBO Max ‘Tokyo Vice’. Una serie de 10 episodios creada por J.T. Rogers (‘Oslo’) que consiste en una historia de suspense con tintes policiales y periodísticos. Pero da visibilidad a una parte debilitada de la historia e incluso de la tradición de Japón, la de la mafia. Esos matones que tanto ha retratado Takeshi Kitano vuelven a nuestras pantallas, pero vistos de una manera diferente, menos caricaturizada y más realista. Este Max Original no proviene del imaginario del director que presentaba ‘Humor Amarillo’, sino de las experiencias descritas en el libro del reportero Jake Adelstein.

Ansel Elgort se mete en la piel de un joven judío occidental que vive en el Japón del 99. Allí enseña inglés y aplica para trabajar en un periódico. Pronto se ver frente a una historia criminal y esto le sumerge en lo más bajo de Tokio. Su intención es escribir sobre el Tokio que no muestran las películas y para ello ha de convertirse en un ciudadano más. ‘Tokyo Vice’ es un viaje que va desde la cotidianidad hasta lo más suburbano, llevándonos hasta las entrañas de la yakuza. La serie está llena de costumbrismo nipón pero también de una gran carga de intriga.

El piloto está dirigido por Michael Mann. Y se nota pues esta serie navega por corruptelas, violencia y mafiosos contemporáneos, pero sobre todo se patea las calles de la urbe. ‘Tokyo Vice’ es una historia oscura, nocturna pero que a la vez está llena de luz y color, pues las estrechas calles de Tokio están repletas de fluorescentes de colores y carteles luminosos.

A pesar de lo excelente que fue ‘Baby Driver’ y de haber actuado en ‘El jilguero’ creo que este es por fin el trabajo más maduro de Ansel Elgort. Aunuqe seguimos a algún personaje más, Elgort tiene toda la carga del protagonismo y el reto de tener que aprender a hablar mucho en japonés, de hecho más de la mitad de la serie está subtitulada porque tiene más texto en japonés que en inglés. Con él observamos el choque cultural pero también la pugna por abrirse paso en dos mundos, uno tan exigente como es el laboral en Japón y otro peligroso, como el yakuza de los noventa.

Igual de hostil es el ambiente para la mujer en Japón. Y más hace treinta años, cuando no estaban tan integradas en el trabajo o en los puestos de poder, cosa en la que aún tiene el país asiático una gran oportunidad de mejora. Esa faceta se explora con el papel de Rinko Kikuchi ‘Pacific Rim’.

Además hay un discurso paternalista o sobre el adoctrinamiento sobre la marcha, pues entra en escena el siempre impecable Ken Watanabe. Él interpreta a un detective experimentado que le lleva de la mano. Sin duda esa relación es la materialización de la propia experiencia del equipo de rodaje que ha tenido que enfrentarse, no solo la burocracia nipona o al parón por el COVID-19, sino también al conflicto que supone para los japoneses dejar que los norteamericanos entren hasta la cocina para hablar de un tema tan delicado y atemorizante como el de los mafiosos, para muchos símbolo y para otros vergüenza para el sol naciente.

Crítica: ‘Morbius’

Sinopsis

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Uno de los personajes más cautivadores y conflictuados de Marvel llega a la gran pantalla con el ganador de un Oscar® Jared Leto transformado en un enigmático antihéroe, Michael Morbius. Peligrosamente enfermo de un extraño trastorno sanguíneo, y determinado a salvar a otras personas que padecen su mismo destino, el doctor Morbius intenta una apuesta desesperada. Lo que en un principio parece ser un éxito radical, pronto desencadena una oscuridad en su interior. ¿Se impondrá el Bien sobre el Mal? ¿O sucumbirá Morbius a sus misteriosas nuevas necesidades?

Crítica

Un Morbius en vista de más pero en una película excesivamente tipicona

Sony sigue con ‘Morbius’ en su línea de no hacer películas de villanos, sino de personajes malignos que en los cómics tuvieron una etapa como antihéroes. En este caso nos trae una cinta con unos efectos que ya habría querido la saga ‘Underworld’ y una trama que se parece en exceso a muchísimas otras de orígenes.

Un nuevo genio sufre un accidente o es resultado de experimento científico malogrado. Este personaje tiene en los cómics conexión con Spider-Man y el Lagarto. Sufre una hibridación y se convierte en “El vampiro viviente”. De este modo comienza un largometraje que sigue los esquemas ya clásicos en la cinematografía de superhéroes: vida de inadaptado, accidente, etapa de descubrimiento de poderes, crisis con acción y final que define al héroe. A esto le sumamos el clásico dilema que sufren los personajes que se inician en el vampirismo y nos queda una obra de lo más manida. Este personaje funciona mejor cuando se tiene que enfrentar a un superhéroe no a un villano que como en esta ocasión se antoja muy flojo. No se ve del todo esa doble cara que tiene el personaje creador por Roy Thomas y Gil Kane pues aquí siempre es bueno.

Hay dos o tres escenas a las que no le veo sentido, como la de la detención, pero por lo demás este no es un filme tan bochornoso como me lo habían pintado. Los efectos están bien, el sonido tiene una gran edición… la gran pega es la que decía, que esto ya lo hemos visto muchas veces. Me tomo ‘Morbius’ como un paso necesario hacia la creación de unos nuevos Seis Siniestros cinematográficos, porque dudo que acabe con los Hijos de la Medianoche que parece ser el objetivo de Marvel Studios, a pesar de que ya salió en los postcréditos del Blade del 98.

Me sobra la trama de los detectives que parece más ‘Spawn’ que ‘Morbius’. Por lo demás el centro de atención de la película es Jared Leto como Morbius en una nueva transición de DC a Marvel. Abstenerse los ofendidos de la temática que se toman este tipo de cambios cual fichaje de Figo por el Barça pues no van a encontrar en esta crítica ningún alegato basado en ese hecho. Leto se mete en el papel del científico caminando con sus muletas cual murciélago apoyándose en sus alas. La interpretación de Leto es buena, pero el guión no le ha dado a su personaje la personalidad de villano a la que estamos acostumbrados. Lo que me queda claro es que a Leto le gusta disfrazarse y que ve aquí un proyecto a futuros junto a otro actor que también ha hecho el salto DC/Marvel, lo veréis en las dos postcréditos.

Para los que buscan conexión con otras franquicias. ‘Morbius’ está en el universo de Venom, como demuestran varias alusiones al personaje o a lo acontecido en San Francisco. Por supuesto tiene detalles de Spider-Man como el Daily Bugle, pero son escasos. Obviamente los lectores sabrán intuir a qué se refieren algunos pormenores e incluso qué puede venir próximamente. Además se reserva guiños a ‘Underworld’, ‘Jóvenes ocultos’ o a grandes del género como Murnau.

Es curiosa también la conexión de este filme con ‘Venom’ pues el director Daniel Espinosa hizo ‘Life’, otra película de Sony que se considera precuela no oficial de la de orígenes del simbionte. También parece un órdago este largometraje pues se antoja como parte de mucho más, de algo que podría ser un nuevo crossover de villanos. O también una prueba para Tyrese Gibson pues no olvidemos que suena para hacer de Luke Cage en el cine y a Cage le dio los poderes Morbius en ‘Casa de M’, donde entran en juego los mutantes. Tiemblo solo de pensarlo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de abril de 2022. Título original: Morbius. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Espinosa. Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless. Música: Jon Ekstrand. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Jared Leto, Michael Keaton, Tyrese Gibson, Matt Smith, Adria Arjona, Jared Harris, Charlie Shotwell, Corey Johnson, Tom Forbes, Adam El Hagar, Archie Renaux, Al Madrigal, Philip Gascoyne. Producción: Columbia Pictures, Marvel Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/morbiusmovie/

Crítica: ‘Sonic 2: la película’

Sinopsis

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El erizo azul favorito de todo el mundo ha vuelto para pasar al siguiente nivel y correr toda una aventura en ‘Sonic 2. La película’. Después de establecerse en Green Hills, Sonic se muere por demostrar que tiene madera de auténtico héroe. La prueba de fuego llega con el retorno del malvado Robotnik, en esta ocasión con un nuevo compinche, Knuckles, en busca de una esmeralda que tiene el poder de destruir civilizaciones. Sonic forma equipo con su propio compañero de fatigas, Tails, y juntos se lanzan a una aventura que les llevará por todo el mundo en busca de la preciada piedra para evitar que caiga en manos equivocadas. Los cineastas responsables de éxitos como The Fast and the Furious y Deadpool presentan en esta ocasión ‘Sonic 2. La película’, protagonizada por James Marsden, Ben Schwartz, dando voz a Sonic, Tika Sumpter, Natasha Rothwell, Adam Pally y Jim Carrey, que repite como Robotnik, junto con nuevos protagonistas como Shemar Moore, Idris Elba, que da voz a Knuckles y Colleen O’Shaughnessey que da voz a Tails.

Crítica

Confirmado, este Sonic tiene sus púas clavadas en nuestro corazón

Poquitísimo antes de empezar los confinamientos derivados de la pandemia tuvimos la suerte de ver ‘Sonic: la película’. Acudí a verla con un gran recelo autoimpuesto al ser jugador de la SEGA y tener el recuerdo de mi infancia con la serie de animación. También por la mala tradición de adaptaciones de videojuegos al cine que hay en la industria estadounidense. Pero esa revisión o adaptación, que no traslación, del juego japonés me convenció hasta tenerla ya como una de las mejores versiones videojueguiles que se hayan hecho. El éxito de esa entrega ha hecho que sólo dos años después y superando los escollos del COVID-19 y la nueva normalidad, tengamos una segunda parte realizada por el mismo equipo.

Si la primera parte nos ganó con unos personajes carismáticos y muy desenfadados, recuperando al Jim Carrey más payasete, la segunda potencia esas cualidades y además consigue tocar nuestra fibra sensible. ‘Sonic 2: la película’ es un entretenimiento 100% familiar que incluye personajes muy infantiles pero que ofrece y esconde bromas para los adultos. Para mí, que tengo taitantos, quien mantiene el filme es un desatado Jim Carrey que desborda bufonadas y maldad a partes iguales. Como en raras ocasiones, tenemos que desmentir el dicho que afirma que segundas partes nunca fueron buenas.

Lo que no hemos tenido que hacer es esperar a una tercera entrega para ver a Knuckles, pues este personaje llegó a la franquicia en la tercera parte para Megadrive. Knuckles el Equidna conserva la personalidad que tenía en los cartuchos de las consolas. Es un tipo terco, frío, independiente y determinado con mucho poder que no obstante es algo ingénuo. Y al Igual que los videojuegos lo que está en disputa con él es la Master Enmerald. Un personaje que tanto en las películas como en las versiones de SEGA es engañado por Robotnik (Cabezahuevo) para enfrentarse a Sonic. El ejemplo más similar a este personaje es la historia del Soldado de Invierno o la de Vegeta, no es la única similitud que vais a encontrar con Dragon Ball que nos conecta también con el videojuego y el origen japonés de Sonic.

Se han incorporado nuevos personajes, Tails estaba ya anunciado desde el final de la primera parte. Pero ‘Sonic 2: la película’ se sustenta con las mismas caras. Con eso y con muchos más escenarios y máquinas que nos devuelven a las pantallas que Sonic recorría a toda mecha bajo las órdenes de nuestro Mega Drive Control Pad. La historia tiene etapas de acción, de comedia romántica… pero sobre todo de aventuras tipo búsqueda del tesoro como ‘Indiana Jones’ aunque se parece más a ejemplos modernos y más atropellados o espectaculares como ‘Uncharted’ o ‘Aquaman’. Por supuesto que este es un filme donde el público objetivo es de temprana edad y por eso hay moraleja, varias. En concreto la más valiosa es la que nos habla del uso del poder y del momento del héroe, lo cual hace que este Sonic tenga un gran valor añadido. Como añadida es la escena que se proyecta tras los créditos animados, la cual, nos promete tercera parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de abril de 2022. Título original: Sonic the Hedgehog 2. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Fowler. Guion: Pat Casey, Josh Miller, John Whittington. Música: Junkie XL. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Ben Schwartz, James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter, Idris Elba, Natasha Rothwell, Shemar Moore, Adam Pally, Lee Majdoub. Producción: Original Film, Paramount Pictures, Sega Sammy Group. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, aventuras, adaptación. Web oficial: https://discord.com/invite/sonicmovie

‘El universo de Óliver’, de Alexis Morante

Con María León, Salva Reina, Pedro Casablanc y Rubén Fulgencio

‘El universo de Óliver’ llega a los cines el próximo 13 de mayo de la mano de Filmax. Se trata del nuevo proyecto del director Alexis Morante (‘Héroes. Silencio y Rock & Roll’, ‘Camarón: Flamenco y revolución’, ‘Bla Bla Bla’), su primera película de ficción tras haber sido tres veces nominado al Goya.

Los protagonistas del film son María León (Goya a mejor actriz revelación por ‘La voz dormida’), Salva Reina (Mejor actor de reparto del Festival de Málaga 2014) y Pedro Casablanc (nominado al Goya a mejor actor por ‘B’), junto a Rubén Fulgencio (‘El pueblo’), que interpreta al joven protagonista Óliver.

‘El universo de Óliver’ es una historia que habla de la magia y la aventura de hacernos mayores. Un emocionante coming-of-age que es una carta de amor a nuestros padres y abuelos, un agradecimiento por habernos ayudado a ser lo que somos y un recuerdo al hormigueo de esa “primera vez” que sintió el niño que todos llevamos dentro.

El propio Alexis Morante firma el guión junto a Raúl Santos, Miguel Ángel González, basado en la novela homónima de este último, y escrito en colaboración con Ignacio del Moral (Goya a Mejor Guión Adaptado y autor de ‘La voz dormida’ o ‘Los lunes al sol’).

El proyecto fue presentado en el pasado Festival de Cine Español de Málaga 2021, en NeoCine Málaga y este viernes, 25 de marzo, inauguró el Festival Internacional de Cine de Vila-real (VIST), en Valencia.

Producen la película Jose Alba, Olmo Figueredo González-Quevedo y Cristina Zumárraga para Pecado Films (‘Viaje al cuarto de una madre’, ‘Gernika’), La Claqueta PC (‘La trinchera infinita’, ‘El inconveniente’) y Tandem Films (‘La boda de Rosa’) respectivamente, con la producción ejecutiva de Odile Antonio-Baez y Sara Gómez y en coproducción con Sinehan Capital AIE. El proyecto cuenta con la  participación de Radio Televisión Española, Canal Sur TV y CreaSGR, la financiación del ICO y el apoyo del Programa MEDIA Europa Creativa, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y del ICAA – Ministerio de Cultura.  Antípodas Film Lab, el nuevo laboratorio destinado a convertirse en referente del sector en Andalucía, ha colaborado en todo el proceso de postproducción. Filmax distribuirá ‘El universo de Óliver’ en cines de España.

La Diputación de Cádiz y el Ayuntamiento San Roque colaborarán en todos los actos de promoción y lanzamiento del filme. La película ha sido rodada íntegramente en Andalucía, en localizaciones de Sevilla y el Campo de Gibraltar.

Sinopsis oficial:

Año 1985. Óliver, un niño con una imaginación desbordante, se muda con su familia al rincón más al sur de Europa, justo cuando está a punto de pasar el Cometa Halley.

Estos acontecimientos marcarán un antes y un después en la vida emocional de Óliver, que buscará en las estrellas la solución a sus problemas en el nuevo colegio, en el barrio y en casa. Para colmo, su abuelo, apodado “el majara” se anima a ayudarle a interpretar el mensaje del cometa y dar un paso al frente en su nuevo Universo.

Crítica: ‘Canallas’

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Joaquín, Brujo y Luismi, tres canallas de barrio, vuelven a encontrarse después de veinte años. Brujo y Luismi siguen sin oficio pero con algún que otro beneficio mientras que Joaquín se ha convertido en un importante y reconocido empresario. O eso, piensa él… A sus 47 primaveras Joaquín sigue viviendo en el barrio de Orcasitas en casa de Esther, su madre, junto a Brenda, su hija, campeona de yo-yó y Chema, su hermano menor, soldador y maestro ¨Win-chú¨. La vida de Joaquín y la de su familia funciona más o menos mal hasta que un día funciona peor y reciben la notificación del juzgado informándoles del embargo de su casa por un préstamo de Joaquín que Esther avaló. Joaquín intentará conseguir el dinero para evitar el desahucio pero las brillantes ideas de Brujo y Luismi acabarán hundiendo a Joaquín aún más en la miseria.

Crítica

Como siempre, se agradece la verdad de Guzmán

Es evidente que las producciones españolas que mejor funcionan en taquilla son casi siempre las comedias. Quizá habría que indagar en ese hecho a través de una encuesta con el público español. Pero yo me inclino a pensar que esto no es debido a que nuestras comedias tengan más calidad que nuestras películas de terror o los dramas, que a veces es así. Yo pienso que es porque la audiencia española busca evadirse de la triste realidad que nos rodea o no es capaz de asumir que los terrores y tragedias que vemos en el cine son reales. Ahí es donde se manifiesta el espíritu evasor y picaresco de los españoles que en lugar de afrontar los desafíos que se les plantean tiran de trucos, tretas o dicho de otro modo, escogen el camino fácil. Es decir, nos gusta el cachondeo e ir a mesa puesta, a quién no. Esa es la reflexión que me ha inducido ‘Canallas’. Trasfondo social tiene abierto a la libre interpretación. También podemos pensar que nos habla sobre el cómo la vida se ha encarecido de tal modo que la clase media ya no existe, está siendo expulsada del centro de las ciudades para dar cobijo a ricos, corruptos o estafadores y entre ellos a turistas y por eso proliferan la economía sumergida y los buscavidas.

Obviamente no se puede generalizar, en este país hay mucha gente que está a pico y pala o que reflexiona profundamente sobre cómo ir a mejor. Al margen de todo ese discurso que he descrito sobre nuestra tendencia a tomarnos todo a guasa o a caminar siempre por el camino menos trabajoso, están numerosas situaciones disparatadas que hacen de este filme algo la mar de divertido. ‘Canallas’ es la nueva película dirigida e interpretada por Daniel Guzmán junto a Joaquín González y Luis Tosar. El protagonista, con permiso de la fallecida Esther Álvarez, realmente es Joaquín, un vendedor de commodities amigo de Guzmán que interpreta a un charlatán que se levanta día a día para subsistir a base de mentiras. Es un tipo al que casi no se le entiende y esa es parte de la gracia que tiene. Este podría ser un dramón social sobre un desgraciado condenado a morir arruinado en una cuneta. Pero la intención del filme es hacer reír y eso se nota en lo enrevesada que se torna, en lo disparatadas que son las ideas de sus protagonistas.

Como los títulos de Guy Ritchie, Eloy De la Iglesia o de Peter Cattaneo es una película de barrio en la que suenan Leño, Obús, Julio Iglesias… Dani Guzman conoce la calle, por imposición ha rodado con con actores profesionales pero si fuese por él está claro que todo habría sido sin actores con experiencia, con ciudadanos de la calle que aporten una visión más realista. Esa verdad también se ve en las localizaciones, mostrando un Madrid atípico pero que es el Madrid del día a día. Podréis ver los puentes de la M-30, la Glorieta de Santa María de la Cabeza, edificios de Móstoles…

Sin ser una obra extrema o agresiva ‘Canallas’ es una película sin tapujos ni corsés apretados por las correcciones políticas. Induce a la mofa respetuosa con sus camisas de once varas, sus soñadores y sus castillos en el aire. Como siempre, se agradece la verdad de Guzmán.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de abril de 2022. Título original: Canallas. Duración: 106 min. País: España. Dirección: Daniel Guzmán. Guion: Daniel Guzmán. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Ibon Antuñano. Reparto principal: Joaquín González, Luis Tosar, Daniel Guzmán, Esther Álvarez, Brenda González, Chema González, Víctor Ruiz, Julián Villagrán, Luis Zahera, Antonio Durán «Morris», Miguel Herrán. Producción: Movistar Plus+, El Niño Producciones, Zircocine, La Canica Films Distribución: Universal Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/canallas

Crítica: ‘Otros mares, otras ballenas’

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Normalizar el diálogo en torno al suicidio es fundamental para ayudar a prevenirlo. Decía Herman Melville, autor de ‘Moby Dick’, que lo que se nombra es menos temible. En varias costas del mundo es común que cada cierto tiempo aparezcan ballenas varadas a la orilla del mar, como si hubieran decidido morir voluntariamente. La “depresión” de las ballenas es, en realidad, otra manifestación de la alteración que la tecnología ha provocado en la vida natural. ‘Otros mares, otras ballenas’ quiere trazar una analogía entre las ballenas y los seres humanos a través del retrato de dos mujeres que comparten sus soledades urbanas, plasmadas mediante un cúmulo de pequeños gestos cotidianos, tras los que se agazapan las más sórdidas miserias y desequilibrios

Crítica

Profunda cavilación que parece surgir directamente de la Fosa de las Marianas

‘Otros mares, otras ballenas’ es un corto documental meditabundo que, entre otras cosas, viene a hablarnos de esas personas varadas, que casi siempre son encontradas cuando ya están muertas, cuando aparecen en nuestras costas, en nuestras vidas. Cuando ya es tarde.

José Luis Campos, junto al guionista Carlos Rico, al cual está dedicado el corto, nos envía una profunda cavilación que parece surgir directamente de la Fosa de las Marianas. ¿Somos animales desorientados cuya naturaleza ha sido volatilizada por las tecnologías? Está claro que elementos como las redes sociales o la era de los macrodatos han provocado que nos distanciemos como nunca en toda la historia de la humanidad. ¿Las relaciones interpersonales han dado un paso atrás al ampararnos casi las 24 horas del día tras perfiles anónimos? En una realidad en la que todos los detalles son registrados parece mentira que se nos escapen esos pequeños elementos que van mermando la vitalidad del ser humano con más letalidad que el mismo paso del tiempo.

‘Otros mares, otras ballenas’ demuestra que Campos conoce el concepto de entropía mejor que la mayoría de espectadores de ‘Tenet’. Además, es un corto cargado de analogías, tanto físicas como metafísicas. Concienciación, visibilidad y normalización. La vida es un camino sin retorno y la muerte lo es aún más. Nos habla a la vez del miedo y del respeto a la muerte, como algo tan inevitable como la gravedad, de la cual tenemos conciencia desde que llegamos a este mundo. Es una obra en la línea de las corrientes actuales, en una etapa en la que España ha aprobado la Ley Orgánica de Regulación de la Eutanasia.

El tono lúgubre del filme nos cuenta que el caos nos sume en desesperación y esta a su vez en depresión. En blanco y negro y con diferentes calidades de imagen se sigue un discurso taciturno y existencial. Precisamente esa reacción negativa que acabas de sufrir, lector que sigues estas líneas, con palabras tan poco alentadoras como “taciturno” o fatigosas como “existencial”, es el rechazo que busca evitar esta obra. Pretende que cuando oigas “depresión” o “suicidio”, lo afrontes, lo asumas, lo manejes, no lo rehúyas.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Otros mares, otras ballenas. Duración: 8:24 min. País: España. Dirección: José Luis Campos. Guion: Carlos Rico, José Luis Campos. Música: Ángel Luis Quintana. Fotografía: José Luis Campos. Reparto principal: Pilar Jiménez, Maritza Núñez, Pablo Ibáñez Durán, Tomás Pardo, Jaime Penalva, José Rubio, José A. Pavón. Producción: Presa Canario Producciones. Género: documental. Web oficial: canal de Youtube

Crítica: ‘Belle’

Sinopsis

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Suzu es una estudiante de secundaria de 17 años que perdió a su madre a una edad temprana debido a un accidente, y ahora vive en un pueblo rural despoblado con su padre. Suzu aprende sobre «U», un mundo virtual. Ella se une a «U» como un avatar llamado Belle, cuyo canto atrae la atención mundial. Belle conoce a una criatura misteriosa que tiene la forma de un dragón.

Crítica

La mejor película de Mamoru Hosoda

‘Belle’ es para mí la mejor película de Mamoru Hosoda. Y no es solo por ser la mejor adaptación de ‘La Bella y la Bestia’ que he visto hasta ahora, mucho mejor que cualquiera que haya hecho Disney y eso que aquí se copia algún que otro plano. La sitúo por encima de otras obras de Hosoda como ‘Mirai’ o ‘La chica que saltaba a través del tiempo’ porque consigue ser una obra de gran actualidad, moderna, tecnológica y enriquecedora. Y además es una película que agrega más perspectiva con tramas añadidas y un giro final demoledor.

Por establecer una comparativa con cine actual… Si, esta es una nueva interpretación de ‘La Bella y la Bestia’ pero donde el castillo es digital y la turba enfurecida no se manifiesta con antorchas y hoces, sino con publicaciones hirientes. Entramos en un juego en el que nos vemos representados por un avatar, como en ‘Ready Player One’, pero ese “otro yo” es tan feo o tan bien agraciado como lo sea nuestra personalidad. Las similitudes con ‘Matrix’ son también fáciles de establecer. En ese mundo o red social de realidad virtual llamada “U” interactúan los personajes y se desarrolla la mayoría de la trama de ‘Belle’. Ahí es donde se expone un discurso que nos hace pensar sobre el tema de la superficialidad, la sinceridad con uno mismo, los influencers, los trolls, las ideas preconcebidas…

En el mundo existen multitud de personas y con ellas infinitas combinaciones de posibles personalidades. Esa es la razón de la gran diversidad de aspectos de personajes que tiene la película. No solo la animación formato anime es de primer nivel, también el desborde imaginativo se demuestra con el diseño de personajes o entornos. Gracias a esa variedad y calidad nos metemos en un mundo basto y bullicioso.

Los códigos actuales han cambiado y Hosoda demuestra una vez más con ingenio que sabe crear nuevos cuentos. ‘Belle’ es una película capaz de ensalzar muchos valores, entre ellos el de reconocer o llevar a cabo esos actos que nos hacen madurar así como la capacidad de comprender los sentimientos ajenos. Desarrollar o ponderar lo que significa la inteligencia emocional es algo que está a la orden del día y a pesar de tener una sociedad supuestamente avanzada sumergida en las pantallas de sus móviles y en videojuegos de vanguardia aún requerimos educar a nuestro cerebro y nuestro corazón de manera más humana, sobre todo para que no sucedan casos como el que toca ‘Belle’ en su final. Y para quien quera acción hay también una buena ración que nos lleva a una trama un tanto superheróica. Romance, ciencia ficción, humanidad, batallas, drama, comedia… este filme tiene de todo.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de marzo de 2022. Título original: Ryū to Sobakasu no Hime. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Hosoda. Guion: Mamoru Hosoda. Música: Taisei Iwasaki, Ludvig Forsell, Yûta Bandoh. Reparto principal (doblaje original): Tina Tamashiro, Kaho Nakamura, Ryo Narita, Ikura, Shota Sometani. Producción: Studio Chizu, Dentsu Inc, Kadokawa, Nippon TV, Toho. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, aventuras, romance, ciencia ficción. Web oficial: https://ryu-to-sobakasu-no-hime.jp/

Entrevistamos a las voces de ‘Los tipos malos’

Hablamos con Santi Millán, Pedro Alonso, Joaquín Reyes y Sara Carbonero

De las novelas de Aaron Blabey a una película de animación de Dreakworks. Universal Pictures estrena este 18 de marzo ‘Los tipos malos’ (crítica aquí). Una película divertida y un tanto gamberra con unos protagonistas antropomórficos que llevan las siguientes voces: Sam Rockwell / José Posada es Sr. Lobo, Marc Maron / Pedro Alonso es el Sr. Serpiente, Lilly Singh / Sara Carbonero es Tiffany Peluchi, Richard Ayoade / Joaquín Reyes es el Profesor Mermelada, Craig Robinson / Santi Millán es el Sr. Tiburón, Anthony Ramos / Nil Ojeda es el Sr. Piraña, Awkwafina / Gemita es la Srta. Tarántula.

En los siguientes vídeos podéis ver las charlas que hemos tenido con las celebrities españolas en relación con su trabajo en la película.

Crítica: ‘Los tipos malos’

Sinopsis

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Cuando, después de años de dar exitosos golpes y ser los malos más buscados del planeta, son al fin pillados, el Sr. Lobo consigue llegar a un acuerdo (que no tiene la menor intención de respetar) para impedir que les metan a todos en la cárcel: Los Tipos Malos serán buenos.

Tutelados por su mentor, el Profesor Mermelada (en la VO Richard Ayoade, Paddington 2), un arrogante pero adorable cobaya, Los Tipos Malos se proponen engañar y convencer a todo el mundo de que se han transformado en ciudadanos ejemplares. Sin embargo, al cabo de un tiempo, el Sr. Lobo empieza a sospechar que ser bueno quizá le aporte lo que siempre ha deseado: ser aceptado. Y entonces aparece un nuevo malvado para amenazar a la ciudad… ¿Podrá el Sr. Lobo persuadir al resto de la banda para enfrentarse a él y volverse realmente… Los Tipos Buenos?

Crítica

Como si Soderbergh y Tarantino se juntasen para una película infantil

DreamWoorks empezó con ‘Shrek’ a darle vidilla a los villanos, poniéndoles en el punto de mira como protagonistas y dándole la vuelta a la tortilla, pintándolos como los buenos del cuento. Ya sea porque la fórmula les funcionó bien o porque en este estudio tienen una clara apuesta por convertirse en La Factoría de Villanos (con permiso de Gru y los minions de Illumination, otro estudio bajo el control de Universal), continuaron con ‘Monsters vs Aliens’ o ‘Abominable’. Los monstruos de nuestras películas de terror se convirtieron en adorables criaturas. Ahora les toca pasar al lado de los buenos a animales depredadores temidos por su letalidad o como en este filme, por su fama de malhechores.

‘Los tipos malos’ es una comedia de Pierre Perifel (animador en ‘Shrek’ y ‘Kung Fu Panda’) escrita por Etan Cohen (‘MiB 3’, ‘Tropic Thunder’) y Hilary Winston (‘Me llamo Earl’) basándose en los personajes de los libros de Aaron Blabey. ‘Los tipos malos’ sigue la estela de esas películas que le dan la vuelta a la tortilla, como en la reciente ‘El Escuadrón Suicida’ o ‘Pacemaker’ en su extensión. Los malos llegan a un acuerdo con la ley para «hacer el bien». Pero sobre todo en cuanto a estilo recuerda a películas de la saga ‘Oceans’ o ‘The italian job’ pero con el ritmo trepidante, desenfadado y dicharachero de una película de animación infantil.

‘Los tipos malos’ tiene un algo heredado del ‘Reservoir Dogs’ de Tarantino. De hecho comienza parodiando la primera escena en la cafetería de ‘Pulp Fiction’ con un protagonista que se llama Sr. Lobo. Obviamente el argumento y los gags son para menores de edad pero ahí está ese regusto por los planes delictivos y los personajes abyectos. En cuanto a lo visual nos encontramos con un aspecto muy cuidado, que ha llevado al 3D los dibujos desgarbados y a lápiz de Blabey. Quizá el ejemplo más parecido para estos animales antropomórficos sea el de ‘Zootopia’ pero en el caso de ‘Los tipos malos’ nos cruzamos con humanos y un ambiente mucho menos recargado y más colorido.

No confundir esta ‘Los tipos malos’ con la película coreana, en la que un detective (Ma Dong-seok) debe reunir un equipo que salve a la ciudad de los malhechores. Aunque tiene cierto parecido argumental la moraleja es muy diferente. En resumidas cuentas, mientras se producen atracos y asaltos a lo ‘GTA’ la película nos da literalmente el mensaje de que “no hay basura que no puedas reciclar como algo hermoso”. Las apariencias desembocan muchas veces en prejuicios que en consecuencia generan una presión social que impide las catarsis de ciertos individuos. Eso está en el filme.

Me ha venido a la cabeza el villano de los dibujos de ‘La vuelta al mundo de Willy Fog’ de Nippon y BRB o las aventuras del anime ‘Lupin III’ y esa es buena señal. El ritmo y el diseño de ‘Los tipos malos’ es moderno pero tiene la suficiente clase como para que los amantes de la animación tradicional la disfruten.

Y hablando de tradiciones, para cerrar, toca tratar el escabroso tema del doblaje. Yo personalmente soy de defender la profesión de doblador pero hay que reconocer que si hay un buen director de casting y de doblaje se pueden conseguir buenos resultados con personas que no han doblado nunca. En este caso se ha contado con Joaquín Reyes para uno de los personajes y el comediante ya tiene práctica pues ha doblado a Enjuto Mojamuto y a otros personajes chanantes. Pero he quedado gratamente sorprendido con el trabajo de los influencers Gemita y Nil Ojeda o el del actor Santi Millán y sobre todo con el de Pedro Alonso que además de estar irreconocible utiliza una voz que le pega mucho a su personaje. Sobra decir que el protagonista, que creo que está doblado por José Posada (habitual de Ryan Reynolds), queda totalmente natural.

Aquí tenéis la relación de personajes y voces tanto originales como al español y a continuación, como siempre, la ficha de la película. El Señor Lobo es Sam Rockwell / José Posada, Marc Maron / Pedro Alonso es el Sr. Serpiente, Lilly Singh / Sara Carbonero es Tiffany Peluchi, Richard Ayoade / Joaquín Reyes es el Profesor Mermelada, Craig Robinson / Santi Millán es el Sr. Tiburón, Anthony Ramos / Nil Ojeda es el Sr. Piraña y Awkwafina / Gemita es la Srta. Tarántula.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de marzo de 2022. Título original: The bad guys. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Perifel. Guion: Etan Cohen, Hilary Winston. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Sam Rockwell, Awkwafina, Anthony Ramos Martínez, Marc Maron, Craig Robinson, Zazie Beetz, Alex Borstein, Richard Ayoade, Lilly Singh. Reparto principal (doblaje español): Santi Millán, Pedro Alonso, Joaquin Reyes, Sara Carbonero, Nil Ojeda, Gemita. Producción: Dreamworks Animation, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, aventura, adaptación, animación. Web oficial: https://www.instagram.com/badguysmovie/

Os hablamos de la serie y del cómic ‘DMZ’

Acierta en la premisa pero no en cuál es el punto clave

La unión de Warner, DC y HBO sigue dando a luz nuevas adaptaciones. A partir del 18 de marzo en HBO Max podremos ver ‘DMZ’ la serie que adapta el cómic de DC Vertigo. Un cómic escrito por Brian Wood entre 2005 y 2012 que contó con el dibujo y las tintas de Riccardo Burchielli y el propio Wood mientras que el color lo puso Jeromy Cox.

‘DMZ’ es una distopía que se antoja cercana. En ella se produce una Segunda Guerra Civil Norteamericana. Una disputa entre entre el gobierno federal de los Estados Unidos de América y los ejércitos de los Estados Libres, un grupo independentista. Obviamente una de las plazas más disputadas en esa guerra es la de Nueva York y ahí conocemos a nuestros protagonistas.

DMZ significa zona desmilitarizada, Una tierra de nadie, en disputa y en proceso de independizarse al no estar en poder de ninguna de las dos facciones. Nunca mejor dicho, es tierra de oportunidades. Esa DMZ está delimitada por la isla de Manhattan. Fuera de allí luchan por lo que tienen en el DMZ, una oportunidad para empezar de nuevo, un lugar que abogue por la paz, aunque la violencia sea la herramienta más empleada, lo cual no deja de ser contradictorio.

El cómic se centra en Matty Roth, un reportero encerrado por accidente en la DMZ. Ahí es donde los lectores de los cómics encontramos la primera gran discrepancia. El foco no es el reportero que tiene la duda de si quedarse en esa zona hostil participando de manera imparcial para poder dar testimonio a todo el mundo o si huye a un lugar seguro. Pero el guión de Roberto Patino emplea la figura de una médica que busca a su hijo Christian, perdido durante la evacuación de la isla. Rosario Dawson es Alma Ortega, una sanitaria convertida en lideresa por sorpresa. Se entiende que ese personaje es un trasunto o desarrollo de la Zee Hernández del cómic.

Se percibe que se ha intentado comprimir mucho en muy poco espacio de tiempo. El cómic ‘DMZ’ se recopila en varios tomos que Vertigo fue publicando en grapas y que en España edita ECC Comics. A causa de eso la serie está totalmente exenta de discurso, por lo menos de uno mínimamente profundo. La serie ‘DMZ’ no ahonda en su propuesta y se centra básicamente en plantearnos una situación caótica, más propia de un patio de cárcel en el que se pelean distintas bandas cuyos miembros van vestidos todos de la misma manera, ni que fuesen los pintorescos secuaces del Joker, Dos Caras y compañía. Mientras que el cómic aborda de un modo contemporáneo el secesionismo y la disputa federal o “libre”. La serie es una lucha de gallitos y la búsqueda desesperada por parte de una madre. Si el cómic surgía de las inquietudes del autor en la época del 11-S la serie podría haber partido de nuestra actualidad, marcada por eventos como el asalto al Capitolio. Coger ese pulso le habría venido de maravilla a esta producción. Pero desperdician la oportunidad, otro chasco, como el de ‘Y, el último hombre’.

Si en algo acierta la serie es en hacer un retrato, destructivo y postapocalíptico, de Nueva York. El cómic atina a usar la figura del reportero para escudriñar en las posibilidades de la idea que plantea. Pero también para llevarnos cual turistas por la ciudad que nunca duerme en modo ‘Mad Max’. De China Town al Upper pasando por el Soho la serie de HBO Max plantea distintos escenarios. Una pequeña nación de unos cuantos de cientos de miles de habitantes en pleno proceso de ebullición. Y en otras cosas que acierta es en mostrar las luchas por los recursos, con la misma vileza y apatía característica de la especie humana.

La serie iba a ser producida inicialmente para SYFY, canal en cuya muestra vimos el desastre bochornoso que supuso ‘Un pliegue en el tiempo’. Precisamente su directora, Ava DuVernay, es la productora y directora del piloto de la serie. La responsable de ‘Selma’ se queda a medio camino entre su fango y su techo. Deja muy de lado la guerra ficticia entre los EE.UU. y los Estados Libres así como toda la historia de supervivencia o adaptación que el aislamiento en Manhattan supone, como si no hubiese cogido bien el quid de la cuestión en del cómic. E igual puedo decir de Ernest R. Dickerson, quien ha dirigido los otros tres episodios. El director de ‘The Walking Dead’ se lo ha llevado al mismo terreno y acabamos teniendo más charlatanería y relaciones familiares que eventos relevantes.

En zona desolada de Nueva York, Manhattan, a lo ‘Soy leyenda’. Aunque, tal y como se ha planteado la serie el simil más obvio es ‘1997: Rescate en Nueva York’. Más quisiera DuVernay tener el gancho y el carisma de Carpenter. Y en su desarrollo recuerda más a las contiendas y politiqueos de ‘Gangs of New York’, pero más quisiera Benjamin Bratt (Parco Delgado) tener la garra de Daniel Day-Lewis. No obstante, el personaje de Parco Delgado, “la voz del pueblo”, está bien tratado. Es definido por ECC Comics como una mezcla de Hugo Chavez, Che Guevara y Al Sharpton. Y aciertan pues es una especie de revolucionario, posicionándose cercano al pueblo llano, con palabrería y discursos.

El cómic tiene muchos guiños a DC Comics y la serie te pone la música de Rosalía cuando salen los hispanos. Habrá que conformarse. Falta discurso e incluso falta muchísima acción. Tengo claro que DuVernay no es una directora de mi agrado.

Crítica de ‘La unidad’ T2

Más tensión y un villano que da miedo

Casi dos años después de su estreno tenemos de nuevo en Movistar Plus+ ‘La unidad’ T2. La segunda etapa de la serie de Dani de la Torre y Alberto Marini será lanzada el 18 de marzo. Ambos, director y guionista, vuelven a encargarse de la concepción y grabación de la historia. Con ellos ‘La unidad’ nos vuelve a contar el trabajo de unos agentes que velan por nuestra seguridad, cuya especialidad es el terrorismo, pero en esta segunda parte deberán cuidar más que nunca de su propia integridad.

En mi opinión creo que como serie policíaca española quizá quedó injustamente tapada por el éxito de ‘Antidisturbios’ (serie que recordaréis esta segunda temporada por una escena rodada también en una clásica corrala madrileña). Podréis leer aquí mi crítica de la primera temporada pero en resumen lo que me cautivó es que atrapa con su trama y con la manera en cómo nos llevaba por diferentes localizaciones. Y consiguió eso por su manera de rodar (De la Torre) y por los miedos que abarca y los giros con los que nos sorprende (Marini). En esta segunda temporada se mantiene el ritmo y la intensidad de sus argumentos, pero si es cierto que se ve venir por donde va a tirar, aunque nos da más de un susto.

Los protagonistas vuelven a ser los mismos. Agentes interpretados por Nathalie Poza, Michel Noher, Marián Álvarez, Luis Zahera, Raúl Fernández, Carlos Blanco, Fele Martínez… y alguna incorporación nueva como la de Aroa Rodríguez. Ellos están la mar de correctos sobre todo cuando la serie nos hace ver procedimientos que pueden formar parte de la rutina de la policía. Pero he mentido, los protagonistas son los mismos en el bando de los buenos, pero por parte de los villanos tenemos muchas novedades y ahí está el principal atractivo de ‘La unidad’ T2. La principal amenaza para la unidad viene por parte de un padre doliente interpretado por Kaabil Sekali. Ese nuevo enemigo da miedo por el hecho de que juega a dos e incluso tres bandas a la vez, pero también porque la actuación del actor benaventano es intachable. De lo afable pasa a lo amenazador de un modo que quita el hipo.

‘La unidad’ T2 está dedicada a la memoria del actor Florin Opritescu y del policía de la CGI Miguel Cerviño (oficial de enlace de terrorismo en la oficina española ante EUROPOL en La Haya). Y al igual que la anterior temporada sirve como tributo a todos esos agentes o funcionarios que velan por el fin del terrorismo. Personas que están emplazadas en multitud de ubicaciones. Es por eso que de nuevo la serie de Movistar Plus+ nos lleva por Madrid, Marruecos, Granada, Canarias, un portaviones en el Golfo de Guinea, Jordania, una plataforma petrolera… Puede que no haya sido rodada exactamente en esos sitios, pero el hecho de viajar ficticiamente por esos escenarios ayuda a mantener un buen ritmo y a ofrecer cuán magnitud tiene la investigación y actuación contra las amenazas violentas o los fanatismos.

De nuevo la temporada se compone de 6 episodios y las únicas pegas que les encuentro es la falta de riesgo, el atreverse a ser más impactantes con sus giros. Sorpresas que además se ven venir pues el guión ha caído en los típicos romances o en eventos que nos están anunciando casi a gritos. Por ejemplo, el giro del quinto episodio está sacado de la manga y la revelación del principio del sexto resulta bastante obvia. Eso sí, el final… tremendo. Esperemos que no pase nunca algo así.

Otro aliciente para esta temporada dos es el conocer un poco más a los protagonistas. Al ser el objetivo directo de los terroristas los guionistas se han visto en la casi obligada tarea de extender más los detalles de la vida privada de estos policías. De ahí que haya más suspense y emoción que en la temporada uno. Y aunque da la sensación de que los protagonistas se exponen en exceso para la situación que viven (si pensamos en lo estrictamente procedimental) sí que hay detalles que denotan un discurso o una intencionalidad. Y en mi opinión no es otra que la de sacar a relucir los prejuicios, los cuales, en este caso sacan a relucir también a la paranoia o por lo menos contribuyen a acrecentarla.

La serie acaba con unos momentos de tensión bastante bien gestionados y como siempre cerrando la trama. Si Movistar renueva por otra temporada estupendo, compro, pero si se cancela la serie tendremos la historia finiquitada.

Crítica: ‘La protegida’

Sinopsis

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Anna (Maggie Q), fue rescatada y entrenada en el negocio familiar, cuando no era más que una niña, por Moody (Samuel L. Jackson), un legendario asesino, su mentor y figura paterna. 20 años después, Anna se ha convertido en una de las asesinas a sueldo más hábiles del planeta.

Cuando Moody es brutalmente asesinado, Anna jura venganza y, para ello, se alía con Rembrandt (Michael Keaton), un enigmático asesino.

A medida que crece el acercamiento entre ambos, la confrontación se va volviendo más y más peligrosa.

Crítica

Buenas escenas de acción pero carente de idiosincrasia

Una niña es salvada de un país de muerte (así describe ‘La protegida’ a Vietnam) y llevada a otro mundo de muerte. La película de Martin Campbell nos muestra a una joven treintañera (Maggie Q) que ha sido entrenada durante casi toda su vida para matar, para ser una asesina. En plan ‘Hunters’ su mentor (Samuel L. Jackson) es un ricachón que va eliminando a escoria por el mundo y la acoge o protege aunque para ello la haya convertido en alguien sin escrúpulos, capaz de adentrarse en el mundo más turbio para cobrar una recompensa.

El argumento es muy similar al que comentamos en 2021 cuando se estrenaron ‘Gunpowder Milkshake’ y ‘Kate’. De nuevo podemos decir que sumamos una nueva película con una heroína de acción. ‘La protegida’ es un granito de arena más en la lucha por igualar la imagen de las actrices como protagonistas de películas de tiros y luchas. Pero si bien los dos títulos que he citado como similares me gustaron mucho en el caso de ‘La protegida’ no puedo decir lo mismo. Lejos de decir que sea una película mala si he de admitir que me ha resultado muy irregular en cuanto a su ritmo y falta de carisma.

Decir que una película no tiene carisma cuando en ella interviene el siempre plano Robert Patrick no es raro. Pero tener que usar esa expresión cuando en el reparto aparecen Michael Keaton y Samuel L. Jackson ya penaliza más en la puntuación final. La gran falta de este filme, al margen de que le habría venido mejor pisar un poco el acelerador, es que no crea su propio universo. Nos adentramos en un mundo de mafias u organizaciones secretas peor la idiosincrasia brilla por su ausencia.

Aunque no tiene el gancho suficiente, Maggie Q, conocida por ser una de las estrellas de ‘Divergente’ o de haber interpretado a ‘Nikita’ en la serie de 2010, se mueve bien en las escenas de acción o empuñando un arma. En pantalla su imagen taladra el celuloide y aparece de lujo, pero es cuando se bate el cobre con sus puños cuando más destaca en esta película, haciendo sudar incluso a Michael Keaton más de lo que sospecho que sudará en ‘The Flash’.

Martin Campbell es de sobra conocido por sus películas de acción, aunque se le odie por ‘Green Lantern’ (yo no) ha realizado la que para muchos es una de las mejores películas de 007 de los últimos años, ‘Casino Royale’, aunque esté por debajo de su ‘Goldeneye’ o clásicos como ‘Límite vertical’ y las películas de El Zorro de Banderas. En esta ocasión estamos hablando de una película menor en su filmografía. El motor de la película es Maggie Q y parece que es un filme pensado para aupar su carrera, pero realmente los dos motores que tratan de lanzar este cohete son Jackson y Keaton y su trabajo es plano, sin salirse de sus estándares.

Cuesta digerir el fallo de guión relacionado con L. Jackson o el hecho de que como en una película mala de artes marciales aquí todos saben pelear. Los giros son del todo lo que esperamos desde el principio. El esfuerzo por intentar construir la personalidad de la protagonista es mínimo y eso hace que ni empaticemos ni haya un verdadero conflicto que dote de interés a los momentos en los que no vuelan las balas.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de marzo de 2022. Título original: The Protégé. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Campbell. Guion: Richard Wenk. Música: Photek. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Maggie Q, Michael Keaton, Samuel L. Jackson, Robert Patrick, Ori Pfeffer, Ray Fearon, Madalina Anea, Florin Piersic Jr., Caroline Loncq, Velizar Binev, Ekaterina Baker. Producción: Arthur Sarkissian Productions, Campbell Grobman Films, Seven Stars Entertainment, Millennium Media, Signature Pictures. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, suspense. Web oficial: http://millennium-media.net/mf-films/the-asset/

Crítica: ‘El Proyecto Adam’

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Adam Reed es un piloto de caza que viaja en el tiempo. Cuando se estrella en el año 2022, conoce a su yo de 12 años y juntos emprenderán una misión para salvar el futuro.

Crítica

Infantilada llena de agujeros, de gusano y de guión

Shawn Levy, productor de ‘Stranger things’ y de ‘La llegada’ sigue con su apuesta por la ciencia ficción. En esta ocasión se la juega con su apuesta más familiar y casi infantil, ‘El Proyecto Adam’. Ryan Reynolds de nuevo protagoniza una película de Levy tras ‘Free guy’. El director de ‘Noche en el museo’ o de ‘Acero puro’ nos plantea una nueva película que gustará más a los pequeños de la casa.

Ryan Reynolds de nuevo en la piel de un piloto, como lo fue en ‘Green Lantern’. Viaja en el tiempo para encontrarse con alguien querido pero una persecución hace que acabe con él en 2022 en vez de en 2018. Allí se topa con su yo adolescente y juntos intentan resolver la situación.

¿Juega ‘El Proyecto Adam’ con la paradoja de Hitler? Sí, pero la esquiva de manera bastante vaga y se la ventila en una o dos frases tales como: el nuevo pasado que creamos influye al futuro, pero es solo cuando el viajero del futuro regresa a su tiempo cuando se reconstruye la línea temporal. Y luego utiliza esa premisa de un modo bastante caprichoso y repleto de fallos que quedan a merced del sentimentalismo.

‘El Proyecto Adam’ es de esos títulos que junta a un niño con un adulto y hace madurar al pequeño y enternecer al mayor. No es la primera película en la que un protagonista se encuentra consigo mismo o con sus padres, ahí están ‘Looper’, ‘Efecto mariposa’ o ‘Regreso al futuro’. Incluso el motel Pine Ridge que aparece en la película se antoja como un guiño al centro comercial Twin Pines o sigue una paradoja como la que se usó en ‘Men in Black 3’.

“Como estoy herido la nave no reconoce mi ADN”. Frases tan ilógicas como esas abundan. Pero si nos tomamos esta como una película de fantasía infantil obviamente se puede pasar por alto. Pero la trama se intenta sostener con esa excusa pues Reynolds está atrapado sin poder reparar su nave a causa del balazo que sufre.

‘La historia interminable’ ha venido a mi cabeza alguna vez, no porque se me haya hecho larga si no porque el coprotagonista es un niño (Walker Scobell) que se enfrenta a un abusón y que se topa con algo más allá de nuestra realidad. La diferencia es que este chico es respondón y bastante más valiente que el Bastian de Ende, me ha recordado mucho al papel de Jack Dylan Grazer en ‘¡Shazam!’. De hecho, es tan cotorra como otro personaje de Reynolds, Deadpool, y digo esto justo cuando se ha confirmado que Levy dirigirá la tercera parte del mercenario bocazas. Lo cual nos lleva al hecho de volver a comprobar que Reynolds está muy encasillado. Todos sus personajes se fundamentan en ser una especie de Woody Allen de acción, es decir, un cachas parlanchín, bromista, nervioso y neurótico. Está encasillado hasta el punto de que aquí, como en ‘Alerta roja’, también lleva el reloj heredado de su padre.

Los villanos tardan en aparecer y la trama también tarda en cobrar sentido, el poco que puede tener la historia. Al final se convierte en la mayor pesadilla de los creacionistas detractores del LHC, el cual por cierto, existía ya en 2018 y es no solo el acelerador más grande del mundo si no la máquina más grande construida por el ser humano, más incluso que el del filme. No les habría venido mal a los cuatro guionistas que tiene ‘Proyecto Adam’ un poco más de interés y documentación. Lo único que rescato de la película es la frase y el hecho que dice “a veces merece la pena ser un friki empollón”.

La película está repleta de momentos emotivos que nos dan o bien bajón o bien un respiro entre tanta charlatanería y humor fácil. Instantes con argumentos melosos que se enfrentan a las teorías espaciotemporales y que le quitan gracia al filme. Un amor que traspasa cualquier teoría de cuerdas o paradoja temporal, una pastelada bastante inconsistente. Además hay infinidad palabrería inventada e inconsistente que también nos dice el poco interés que se ha puesto en hacer que la historia tenga un mínimo de coherencia. Pero lo dicho, es más una película para preadolescentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de marzo de 2022. Título original: The Adam Proyect. Duración: País: EE.UU. Dirección: Shawn Levy. Guion: Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin, Jonathan Tropper. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Ryan Reynolds, Zoe Saldana, Catherine Keener, Jennifer Garner, Mark Ruffalo, Alex Mallari Jr., Milo Shandel. Producción: Skydance Productions, 21 Laps Entertainment, Maximum Effort. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81309354

Crítica: ‘Cyrano’

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El aclamado director Joe Wright nos envuelve en una sinfonía de emociones, música, romance y belleza en CYRANO, brindándonos su propia visión de la intemporal historia de un desgarrador triángulo amoroso. Adelantado a su tiempo, Cyrano de Bergerac (interpretado por Peter Dinklage) deslumbra en cualquier enfrentamiento tanto con su afilado ingenio verbal como con su punzante espada en un duelo. Pero, convencido de que su apariencia lo hace indigno del amor de su gran amiga, la brillante Roxanne (Haley Bennett), Cyrano no se decide a declararle sus sentimientos… y, mientras, su querida Roxanne se enamora a primera vista de Christian (Kelvin Harrison, Jr.).

Crítica

Un filme irregular más de pelucas, polvos, lisonjas y corsés que de palabrería elaborada o con un sentido transgresor

Al igual que la gran película de 1990 realizada por Jean-Paul Rappeneau, el ‘Cyrano’ de Joe Wright acumula nominaciones para premios como los Oscars o los Globos de Oro. Llegados a 2022, era de remakes y reinvenciones, el personaje llevado a la fama por la obra de Edmond Rostand se convierte en musical. ‘Cyrano’ adapta la obra de Erica Schmidt ya vista en teatros estando protagonizada también por Peter Dinklage junto a Haley Bennett, Kelvin Harrison Jr. y el cada vez menos prestigioso Ben Mendelsohn.

Todo queda en familia en esta película que no ha acabado de demostrarme que sea una producción bien estudiada por la cantidad de elementos que desentonan entre sí. Quizá como parejas Dinklage y Schmidt o Wright y Bennett funcionen muy bien pero el matrimonio que nos exponen en ‘Cyrano’ parece más de conveniencia que funcional. Me explico.

Todo comienza con un duelo en el escenario de un teatrillo. Un duelo que mezcla poesía (casi rap) con mandoblazos e insultos. Eso nos hacía pensar que en lo que consiste este filme es en una especie de ‘Destino de caballero’ lleno de palabrería y ritmo. Pero nada más lejos de la realidad. Si a algo me ha recordado esa escena es a los duelos de insultos del ‘Monkey Island’. Este ‘Cyrano’ está más cerca de la ‘Cenicienta’ estrenada hace poco por Amazon que de aquella ‘Los miserables’ (2012) que demostró que aún se pueden revisionar los clásicos. Es un intento fallido de modernización. Tanto la película de los 90 como esta pertenecen a MGM por lo que me veo inducido a teorizar sobre si no se ha hecho este filme meramente para no perder los derechos de la obra, al estilo de la anécdota de los ‘4 Fantásticos’ de Corman.

Lo único que compro es alguna canción cuando estamos cerca del final y la modificación del complejo de la nariz por uno relacionado con el enanismo. Si eliminásemos las canciones (ojo, que no digo que haya malas voces en el filme) tendríamos una película bien interpretada, empalagosa o infantiloide como ha sido siempre este romance, pero podríamos haber extraído incluso algún valor añadido, imagino.

Aquellos que conocen a Peter Dinklage solo de ‘Juego de Tronos’ descubrirán aquí de nuevo lo buen actor que es y lo que puede aportar a un personaje, aunque este sea tan conocido como Cyrano de Bergerac. Muchos ya teníamos esa imagen de actor tragicómico o sarcástico tras ‘Un funeral de muerte’ o ‘Declararme culpable’. Y también somos conocedores de su carácter bufonesco pues se divierte haciendo papeles cómicos como los de ‘Pixels’, ‘Los juegos del desmadre’ o la nueva de ‘El Vengador Tóxico’. En ‘Cyrano’ une ese talento actoral que tiene para el drama con su capacidad para la burla. Su vis cómica y su talento para la tragicomedia le convierten en un actor ideal para este papel.

Lástima que todo quede tapado por un sinfín de canciones que además están mal insertadas. La música no es pegadiza, no tiene ritmo y a veces ni rima. No se distingue un discurso concreto que intente desarrollar algo a través del clásico reimaginado. Además tanto canturreo deja muy de lado la figura del personaje protagonista, no sirve como biopic y todo acaba siendo una obra amorosamente intensita. Aquellos que se emocionan hasta con esos anuncios románticos de colonias en San Valentín se lo pasarán pipa con este filme.

Me duele decir todo esto con la admiración que siento por Dinklage. Joe Wright sin embargo me tiene en una relación de amor odio y este filme lo ubico más cerca de desastres suyos como ‘Pan: viaje a nunca jamás’ que de ‘El instante más oscuro’. Pero el ver todas las coreografías, que más que teatrales parecen de un programa de José Luis Moreno, me ha impedido entrar o disfrutar de la película. Me han matado cuando de repente se mezcla ballet con break dance. Por desgracia este es un filme irregular más de pelucas, polvos, lisonjas y corsés que de palabrería elaborada o con un sentido transgresor.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de marzo. Título original: Cyrano. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guion: Erica Schmidt. Música: Aaron Dessner, Bryce Dessner. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Peter Dinklage, Haley Bennett, Kelvin Harrison Jr., Ben Mendelsohn. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Working Title Films, BRON Studios, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: biográfico, adaptación, drama. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/cyrano/

Análisis del Blu-ray de ‘Los Mitchell contra las máquinas’

Con una película extra de Super Dog y una versión extendida de toda la película en modo storyboard

Cada día que pasa nuestras casas están más informatizadas, más automatizadas. La rebelión de las máquinas se antoja diferente a la que planteó James Cameron en el 84 con ‘Terminator’. Así lo demuestra la película ‘Los Mitchell contra las máquinas’. Un filme de animación que os comentamos en esta crítica y que desde el 4 de marzo está en tiendas en diferentes formatos gracias a Arvi Licensing.

La historia de ‘Los Mitchell contra las máquinas’ es la de cualquier familia. La hija mayor pasa a estudiar a la universidad y para tener una última conexión antes de tan trascendental etapa sus padres la quieren lleva a través del país en el coche familiar. Es la historia de cualquier otra familia hasta que las máquinas se rebelan y el mundo queda en jaque. Estaríamos tranquilos si no dependiese nuestro futuro de los Mitchell, una familia con miembros a cada cual más excéntricos.

‘Los Mitchell contra las máquinas’ es una película familiar con mensaje para todas las edades. Sus personajes nos envían moralejas de todo tipo pero sobre todo nos hacen reír con momentos la mar de locos. Y es que Katie (la hija mayor de los Mitchell) quiere ser cienasta y para ello se monta sus propias películas. Como las que protagoniza Monchi, el perro de la familia como Dog Cop. Y ahí es donde llega uno de los mejores extras de esta edición en Blu-ray que tiene un capítulo adicional y nunca visto de Dog Cop en formato mini-película.

La carátula de la caja tiene sencillamente el mismo cartel que se puso en la parrilla de Netflix para anunciar este bombazo de Sony Pictures Animation. En él vemos a toda la familia rodeada de dispositivos electrónicos que se han revelado. La sorpresa viene en el disco que está serigrafiado en blanco y negro con azul simula ser una carátula casera, de las que se hace Katie.

El disco puede reproducirse en alta definición en pantallas anchas 1.85:1. Está disponible con los siguientes idiomas de doblaje: castellano, inglés, francés DTS-HD master audio 5.1 y holandés dolby audio 5.1. En cuanto a los subtítulos podemos seleccionar en castellano, inglés, árabe, holandés, francés y hebreo.

El menú de la película está animando, como era de esperar en una película tan vistosa y que fomenta el cine casero. El portátil de Katie y su escritorio repleto de cosas nos dan paso a las distintas opciones que podemos escoger, incluso si estamos reproduciendo la película. Si esperáis un rato en el menú sin tocar nada veréis una sorpresa en la pantalla del portátil. Eso sí, el menú solo está en inglés.

Si os ubicáis en la sección “The movie (la película)” y pulsáis el cursor a la derecha podréis elegir entre ver la película tal y como se estrenó o una curiosa versión en formato storyboard que es la versión extendida según Katie. Llega a durar 1h y 52 min, tres o cuatro más que el corte que se estrenó. La sección “The Best features Ever!” da paso a los extras que describimos a continuación.

Extras (60 min. aprox.)

Escenas extras (25 min.)

8 escenas descartadas que de haberse puesto en la película habrían supuesto casi media hora más de metraje. Divertidos momentos con los robots en la carretera, más momentos padre e hija, la llegada de un tejón a la casa, más grabaciones de Katie… Todas las escenas están sin acabar, son bocetos mínimamente animados,

El gabinete de maravillas olvidadas de Katie (11:22 min.)

Lindsey Olivares (diseñadora de producción) nos cuenta cómo hicieron que funcionase la película con esa mezcla de dibujo 3D, animación 2D y onomatopeyas de cómic, al estilo de ‘Spider-Man: un nuevo universo’ pero más recargado. Michael Miranda (director y coguionista), Guillermo Martinez (jefe de historia), Toby Wilson (director de arte) y Mike Kasker (supervisor de VFX) nos muestran un primer corto mostrado a un público de prueba, los primeros storyboards,

Cinco apartados que llevan como nombre: Katie llamados: ‘Katie-Vision’, ‘Dumb Robots Trailer’, ‘The original Mitchells story pitch’, ‘The furby scene – How? Why?’ y ‘Pal’s world’.

‘Los Mitchell contra las máquinas’ o como un grupo de apasionados hizo una gran película (12:49 min.)

Los responsables de la película cuentan desde cómo surgió esta idea (con ejemplos sacados de la vida real) hasta como trabajaron a través de videollamadas con los animadores, dobladores…

Comentarios de los directores

Aquí podemos habilitar los típicos comentarios de los directores que durante el filme nos irán contando anécdotas.

Cómo hacer marionetas con calcetines o magdalenas con caras (3:39 min.)

Para hacer sus películas Katie cogía el material que tenía a mano, como sus calcetines. Este pequeño vídeo es una especie de Art Attack donde nos muestran cómo hacer nuestros propios personajes.

Mini-película. Dog Cop 7: el capítulo final (8:24 min.)

Uno de los trucos para el éxito de la saga ‘Ice Age’ son los cortos de Scrat que vamos viendo intercalados en cada película. ‘Los Mitchell contra las máquinas’ sigue esa estela y hace lo propio con otro simpático animal. Como añadido a la película el Blu-ray introduce una nueva aventura del Dog Cop protagonizado por Monchi. Y no está en formato animación, sino que mezcla imágenes reales con marionetas.

Crítica: ‘The Batman’

Sinopsis

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Después de dos años acechando por las calles de la ciudad como Batman (Robert Pattinson) e infundiendo miedo en las mentes perversas de los criminales, Bruce Wayne está sumido en las profundidades de las sombras de Gotham City. Este vigilante solitario cuenta con pocos aliados de confianza -Alfred Pennyworth (Andy Serkis), el teniente James Gordon (Jeffrey Wright)- entre la red corrupta de oficiales y figuras de perfil alto de la ciudad. Y eso le ha llevado a convertirse en la única encarnación de la venganza entre sus conciudadanos.

Cuando un asesino apunta a la élite de Gotham con una serie de maquinaciones sádicas, un rastro de pistas crípticas lleva al Mejor Detective del Mundo a realizar una investigación en el inframundo, donde se cruza con personajes como Selina Kyle/alias Catwoman (Zoë Kravitz), Oswald Cobblepot/alias El Pingüino (Colin Farrell), Carmine Falcone (John Turturro) y Edward Nashton/alias Enigma (Paul Dano). Las pruebas están cada vez más cerca de casa y la escala de los planes del perpetrador se vuelven más clara, así que Batman debe forjar nuevas relaciones, desenmascarar al culpable y hacer justicia al abuso de poder y a la corrupción que llevan mucho tiempo devastando Gotham City.

Crítica

Entre ‘Saw’ y ‘Seven’. El Battinson funciona

Difícil es la tarea que le ha tocado a Matt Reeves (‘Monstruoso (Cloverfield)’) pues el fandom es duro con la reinvención de los superhéroes, que se lo digan a Ben Affleck (conste que me gusta su Batman). En mi caso lo tiene fácil en el sentido de que me gusta que se exploren las distintas caras de los personajes, siempre y cuando se respete su esencia.

Con el Battinson Reeves nos devuelve al tema gótico en cuanto a estética y va más allá sumergiendo la psique del personaje en una depresión y una inacción más propia de un “emo”. Pero al igual que Nolan, emplea argumentos y elementos actuales y también trabaja los villanos desde un punto de vista psicológico. No creo que este filme esté por encima de ‘El Caballero Oscuro’ y tampoco creo que ‘The Batman’ suponga a Batman lo que ‘Joker’ al Joker, creo que esto tiene más pinta de trilogía que de one-shot. Pero sí pienso que es una revisión del personaje merecedora de aplauso pues como he dicho conecta con muchos cómics y supone un espectáculo. No creo que haya que obcecarse mucho en comparativas con otras pues esta es otra etapa de Batman, centrada más en su depresión, en su trauma o en su obsesión por la venganza.

He hecho la broma con el tema emo o grunge pero lo cierto es que otra virtud de este Batman es que tiene mensaje, que transgrede más allá del tema de las mayas. Nos habla de la tesitura del héroe a la hora de matar o no matar, nos habla de su relación con los villanos que le construyen indirectamente, introduce la habitual lucha de clases ricos vs pobres y sobre todo nos habla de transformación, de progresión, de como un sentimiento de venganza es sustituido por la difícil tarea de convertirse en el faro a seguir. Genial el clímax poniendo codo con codo al héroe con esos héroes que tanto hemos aplaudido en la pandemia. En ese sentido vemos que se diferencia de lo hasta ahora visto pues no se disponen ni las excentricidades de Burton ni el mártir o cabeza de turco de Nolan.

‘The Batman’ es un thriller policíaco tipo ‘Seven’, ‘Zodiac’ e incluso diría que roza ‘Los intocables’. El único problema que le encuentro a la película viene de ahí, de que tenemos una película de suspense (no veo terror como se ha dicho tanto) difícil de mantener en sus 175 minutos de duración. Están las peleas y persecuciones clásicas de Batman pero se percibe que se alarga en exceso. Por citar unos cómics que pueden servir como referencia están ‘Batman: Ego’ (por el debate interno del personaje), ‘Batman: Año Uno’ (por la relación entre Catwoman y Batman y por el toque detectivesco codo con codo junto a Gordon), ‘Batman: Año Dos’ (por alguna referencia a su segundo año en Gotham) y ‘Batman: El Largo Halloween’ (por su trama y el plan de su villano principal). Son cómics con mucho soliloquio escrito con tipografía manuscrita, a modo de diario o de carta de despedida y eso el filme lo plasma con voz en off.

Robert Pattinson como Batman da la talla. Pensaba que en ‘The Batman’ íbamos a ver al Batman de ‘El Batman del futuro’ pero me recuerda más por estética al de ‘Arkham origins’ mezclado con las interpretaciones de Lee Bermejo. Pero su carácter es algo menos explotado en el audiovisual del héroe de DC Comics. La inspiración es abiertamente Kurt Cobain, marcado por una tragedia y sin disfrutar de los excesos del multimillonario, es decir, desganado. La deprimente y solitaria imagen del rico, que muestra que el dinero no da la felicidad, lo da la venganza o el convertirse en otro personaje cara al público. También es bueno a la hora de mostrar su controversia interna entre el compromiso de Batman con Gotham y su legado familiar o con su nueva y escasa vida privada. También se explora el eterno conflicto de si debe matar o no. Y ahí es donde se manifiesta de la manera más mayúscula la esencia de Catwoman, que además de ser una ladrona supone un continuo conflicto para Batman.

Magnífica Zoë Kravitz que luciendo un traje la mar de sencillo nos devuelve a una Catwoman problemática y entre dos tierras. Igual que se respeta estupendamente a Gordon conservando su psique y sus valores o a El Pingüino (Colin Farrell limpiando su mal karma como villano desde Bullseye) y Falcone (con John Turturro a muerte) manteniendo la presencia mafiosa en Gotham. Pero si hablamos de psique recabamos en el villano principal de la cinta. Es el Enigma de Paul Dano el que nos deja boquiabiertos (salvo cuando canta). Con él se ha revisionado también a otro villano, Hush, creando una amalgama que nos brinda unos giros magníficos. Con él, ‘The Batman’ es una especie de ‘Saw’ sin gore en matrimonio con el John Doe de ‘Seven’.

Apabullante la música de Giacchino que me ha puesto los pelos de punta en más de una ocasión (como cuando el Pingüino ve a Batman del revés), estupendo y Batmobile al estilo del de Neal Adams, incluso Andy Serkis hace bien de Alfred. Si son ciertos los rumores esto será trilogía. Probablemente esta primera parte se conozca como ‘Vengeance’ que era su título inicial. No recomiendo esta película a los que busquen una epicidad basada en el espectáculo, solo a los que estén hartos de la infantilización de los superhéroes y al igual que con Nolan o ‘Joker’ persigan argumentos construidos y con cierto riesgo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Título original: The Batman. Duración: 175 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Reeves. Guion: Matt Reeves, Peter Craig. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Peter Sarsgaard, John Turturro, Jayme Lawson, Con O’Neill, Barry Keoghan, Gil Perez-Abraham, Peter McDonald. Producción: 6th & Idaho Productions, DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación, acción. Web oficial: https://www.thebatman.com/ 

Crítica: ‘Language Lessons’

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Cuando el marido de Adam (Mark Duplass) le regala un pack de clases semanales de español por sorpresa, no tiene muy claro cómo encajará este nuevo elemento en su estructurada vida. Pero ocurre una tragedia y su profesora, Cariño (Natalie Morales), se convierte en la salvación que no sabía que necesitaba. Adam desarrolla un vínculo emocional totalmente inesperado y lleno de complejidades con Cariño, pero ¿realmente se puede conocer a una persona solo por haber experimentado un trauma junto a ella?

Crítica

Muestra que con la tecnología del siglo XXI podemos recuperar la sensibilidad que parece que estamos perdiendo

El confinamiento nos enseñó, a algunos a la fuerza, que con muy poco se puede contar una historia. La democratización del cine es una realidad a la que hemos llegado desde que existen los móviles y las videoconferencias. Una prueba de la eficiencia de las narraciones realizadas con esas herramientas son películas como ‘Searching’ o ‘Host’, ambos bombazos entre la audiencia. Y si algo nos ha enseñado el coronavirus es a leer los sentimientos de una persona a través de una pantalla o de una mirada sobre una mascarilla. La pandemia derivada del Covid-19 no está presente en ‘Language Lessons’, pero si las videollamadas y la capacidad de discernir qué pasa por la mente del que tenemos delante, virtualmente o tras una cortina que oculta el auténtico rostro.

En ‘Language Lessons’ un hombre es sorprendido por su esposo con un regalo, 100 lecciones de español. Lecciones semanales que hará durante dos años con una profesora a través de videollamadas para así quitarse una espina clavada, la de mejorar su fluidez con el idioma de Cervantes. Ese desmesurado regalo que a priori parece una “carga” y una interrupción en la acomodada vida del protagonista acaba haciendo las veces de antidepresivo, por motivos que no conviene que os desvele pues el filme se guarda un par de sorpresas que además jugarán en contra de vuestros posibles prejuicios o ideas preconcebidas.

Natalie Morales y Mark Duplass son los autores totales de esta película. Ambos representan a los dos únicos personajes que hablan a sus cámaras web. Pero además Morales escribe y dirige, Duplass escribe y produce junto a su hermano. Si conocéis los trabajos de los hermanos Duplass sabréis que trabajan mucho la construcción de los personajes, que sus narraciones son unos auténticos viajes al interior de una persona. Ejemplo de ello es otra minimalista e introspectiva propuesta como es la serie antológica ‘Room 104’. Con ‘Language Lessons’ no cambian su dinámica y mantienen su análisis del ser humano sin tampoco dejar de lado algo de su extravagancia.

‘Language lessons’ no se debe traducir solo literalmente. Sí, son “lecciones de idiomas” pero también podemos traducir la palabra “language” como lenguaje, como formulación de nuestros pensamientos o sentimientos. Ahí es donde la película nos muestra que realmente quiere hablar de lo que cuesta abrir nuestro corazón o de lo que cuesta identificar a través de la gesticulación o de palabras que han sido auto-impuestas como tabúes. Al fin y al cabo los Duplass son unos confesos y obsesos de las interacciones humanas.

Pero esta película, que tan bien dirige Natalie Morales, nos habla a su vez de la identidad. El guión deja patente que quiere remarcar que pese a la diferencia o barrera que impone el pertenecer a distintas de clases o nacionalidades no debería haber impedimentos para conectar con otras personas. ‘Language Lessons’ muestra que en pleno siglo XXI, cuando estamos rodeados de tecnología, podemos usar estas a nuestro favor, para así lograr tener la sensibilidad que parece que estamos perdiendo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Título original: Language Lessons. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Natalie Morales. Guion: Mark Duplass, Natalie Morales. Música: Gaby Moreno. Fotografía: Jeremy Mackie. Reparto principal: Natalie Morales, Mark Duplass, Desean Terry, Christine Quesada. Producción: Duplass Brothers Productions. Distribución: Festival Films. Género: drama. Web oficial: https://festival-films.com/language-lessons/

Crítica: ‘Super… ¿quién?’

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Cedric (Philippe Lacheau) intenta ganarse la vida como actor, pero parece destinado al fracaso. No tiene dinero y su novia le ha dejado. Su padre, su hermana y sus mejores amigos tampoco dan un duro por él. Hasta que por fin consigue un papel protagonista: el del superhéroe “Badman”. Se le presenta la oportunidad de salir de un pozo de desgracias y ganarse de nuevo el respeto de su padre. ¡Pero el destino tiene otros planes!

Un día Cedric se marcha del rodaje a toda prisa sin quitarse el traje de superhéroe y tiene un accidente de tráfico. Se despierta con amnesia, convencido de que es un superhéroe y cree que tiene una misión. Pero… ¿Tiene lo que hay que tener para plantarle cara al mal, defender a los débiles y acabar con los malos? Uno no se convierte en héroe, y mucho menos en superhéroe, de la noche a la mañana… ¡Sobre todo alguien como Cedric!

Crítica

Una retahíla tronchante de gags sobre superhéroes

Craig Mazin fue quien cogió el testigo de los ZAZ (‘Agárralo como puedas’, ‘Aterriza como puedas’) continuando con las secuelas de ‘Scary Movie’, menos mal que dejó esa dinámica y nos brindó ‘Chernobyl’. Y digo menos mal porque la última película de ese corte que hizo el director fue ‘Superhero Movie’, la decadencia de la saga. Eran filmes paródicos desprovistos de ánimo reivindicativo o vacuos en cuanto a mayores pretensiones que el hacer reír a toda costa. Pues bien, ‘Super… ¿quién?’ es todo lo que no pudo ser ‘Superhero Movie’.

Graciosa, original, con ritmo… ‘Super… ¿quién?’ es una comedia de Philippe Lacheau que tiene su propio argumento pero que está continuamente armado con guiños a las grandes superproducciones de DC o Marvel. En esta historia un actor (el propio Philippe Lacheau) fracasado y denostado busca el reconocimiento de su padre consiguiendo un papel en una película llamada ‘Badman’, el primer superhéroe francés. Pero un accidente le hace perder la memoria llevándole a creerse su propio personaje, haciendo creer sin querer que es el villano y que ha robado un banco. Qué puede ser más gracioso en el mundo de las mallas que un justiciero involuntario. Diciendo esto me acuerdo del ‘Héroe por accidente’ de Stephen Frears, una película con una trama distinta, pero con un sentido del humor y del tratamiento del héroe muy similar.

Con lo de ‘Badman’ está claro a qué héroe encapuchado se hacen más alusiones. Aquí hay guiños a las películas de Nolan o de Burton pero también al famoso baile en las escaleras que se marcó Joaquin Phoenix, al vídeo del secuestro que rodó Heath Ledger o a las cámaras lentas de Snyder. Hay mofa con Los Vengadores, con Spider-Man, con los Guardianes de la Galaxia, con los X-Men… Y lo de Logan… todos hemos pensado la gracia que aparece aquí con Logan. Y aunque no tiene post-créditos si intuimos un guiño a los cameos de Stan Lee con un extra que se le parece. Para llevar a cabo toda esta retahíla de bromas Philippe Lacheau reúne a sus habituales de películas como ‘30 días’, ‘Alibi.com, agencia de engaños’ o ‘¡Cásate conmigo! Por favor’. El resultado es la que efectivamente se percibe como una película entre colegas y fans del ya llamado “género de superhéroes”.

Philippe Lacheau tiene el físico adecuado para lucir le traje de un héroe pero la cara de tontorrón apropiada para pasar por el pardillo que es su personaje. Además, si conoces ‘The Room’ y a Greg Sestero pillarás el parecido entre ambos actores y la gracia será aún mayor. ‘Super… ¿quién?’ es tan absurda como ‘Mystery Men’ pero eso no es impedimento para darnos acción sin superpoderes y con potenciales perdedores, como lo hizo en su día ‘Kick-Ass’. Ahora que se han estrenado tantas películas de superhéroes hay mucho más material que versionar o del que burlarse. En ‘Super… ¿quién?’ se hace eso, desde un prisma de la ridiculización con tintes franceses y un humor tanto negro como slapstick como tontorrón. Aunque hay que decir que aun teniendo su gracia hay más de una salida de tono, como la del inmigrante en los balcones o la que inoportunamente recuerda al reciente incidente de Alec Baldwin.

Es una película con mala leche, fundamentada en malentendidos, torpezas y pantomimas que a veces pueden ser más propias de sketches televisivos. Si os hacían gracia los trasuntos de Radiactivo Man en ‘Los Simpsons’ o el de Los Vindicators de ‘Rick y Morty’ o si conocéis ‘Super’ (de James Gunn) e incluso ‘Orgazmo’ (de los creadores de ‘South Park’) estoy seguro de que disfrutaréis ‘Super… ¿quién?’. Gracias películas como esta o como las de Quentin Dupieux podemos comprobar que la comedia francesa sigue gozando de buena salud.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de febrero de 2022. Título original: Super-héros malgré lui. Duración: 82 min. País: Francia. Dirección: Philippe Lacheau. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Vincent Richard. Reparto principal: Philippe Lacheau, Élodie Fontan, Jean-Hugues Anglade, Julien Arruti, Rayane Bensetti, Tarek Boudali, Georges Corraface, Michel Crémadès, Alice Dufour, Amin Harfouch, Philippe Katerine. Producción: Cinéfrance Studios, Baf Prod, Studiocanal, TF1 Films Production, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Proximus, VOO, BeTV, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://en.unifrance.org/movie/51843/superwho

Crítica: ‘A tiempo completo’

Sinopsis

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Julie hace un esfuerzo titánico para criar a sus dos hijos en las afueras de París y conservar al mismo tiempo su empleo en un hotel de lujo en el centro. Justo cuando consigue una entrevista para el trabajo que llevaba tiempo deseando, estalla una huelga general que paraliza todo el transporte público y pone en riesgo el delicado equilibrio que Julie había construido. Comienza entonces una carrera enloquecida contra el tiempo en la que Julie no puede permitirse flaquear.

Crítica

Una transfusión de ansiedad en vena

De Eric Gravel lo único que había visto hasta ahora es la serie animada ‘Minúsculos’. Una bonita, preciosista y detallista aventura en la que el director y guionista se encargó de la composición de las imágenes. Está claro que es una persona muy capaz de fijarse en los pequeños pormenores de la vida pues en ‘A tiempo completo’ lo vuelve a demostrar, solo que transmitiendo sensaciones muy diferentes.

‘A tiempo completo’ es casi terror. Me acuerdo y no dejo de aprovechar cualquier oportunidad que tengo para recomendar otro filme francés titulado ‘Custodia compartida’. Otro drama que se cargaba de una manera inesperada y que estresaba de tal manera con su realismo y cotidianidad que llegaba a causar congoja. Este primer filme de Eric Gravel hace lo imsmo y podría incluso llevar el manido tagline “basado en hechos reales” pues lo que nos cuenta forma parte del día a día de cualquier ciudadano de a pie.

Laure Calamy (a quien conoceréis si habéis hecho caso a mi recomendación de ver ‘Solo las bestias’) interpreta a una madre divorciada que intenta mejorar profesionalmente mientras cría a dos hijos que aún tienen una temprana edad. En su vida se mezcla la hiperactividad de las criaturas, la presión de un trabajo exigente y aun así mediocre, el agobio de una hipoteca por pagar, un regalo de cumpleaños que comprar in extremis, una entrevista para un puesto acorde con su formación académica y una pensión de manutención que llega tarde. Todo esto rodeado de una huelga de transportes que no podía llegar en un momento más casual, cuando acabamos de tener a cientos de camioneros parados.

Solo de leerlo da estrés, pero al verlo… Si el cine es recibir una transferencia de sensaciones que van de la pantalla al espectador, lo de ‘A tiempo completo’ es una transfusión de ansiedad en vena. Es tal la avalancha de problemas la que sufre la protagonista, muy bien interpretada, que uno llega a pensar que el guión está sobrecargado. Pero si a uno le parecen excesivas las preocupaciones que le asaltan a esta madre es que no las sufre o no se ha interesado lo suficiente por la vida de otros. Hay problemas que no son pasajeros, si no que nos asaltan a cualquier hora del día e influyen al resto de ámbitos. Lo que creo que intenta mostrar Gravel es que la vida de todo ciudadano medio del primer mundo está llena de conflictos, no equiparables a alguien de un país subdesarrollado, pero si capaces de desmoronarnos por completo.

También plantea un debate que parece obvio pero hoy en día no todos tienen en cuenta a la hora de planificarse la vida. Vivimos en un mundo urbanizado y competitivo que nos absorbe. Parece que llevar una vida sencilla en un trabajo anodino es algo malo. Pero cuando comprobamos que eso nos permite tener más tiempo de vida al no tener que emplearse laboralmente 24/7 o poder ir al trabajo a pie en vez de en trenes cada vez más llenos y con más retrasos… Es una importante reflexión que nos habla de prioridades y valores.

Otra película que seguramente acabará metiéndose en el saco de la moda de achacar todo a la salud mental. Lo cierto es que el ritmo del filme, sus planos con cámara en mano, las carreras de la protagonista, el ruido de la agitada ciudad… contribuyen (en la película y en la realidad) a desquiciar. ‘A tiempo completo’ podría también llamarse “populista” por tocar factores que se aproximan de un modo u otro a la vida de todos los espectadores. Son tantos los rompecabezas sin respuesta que se presentan jornada si y jornada también que con alguno atinará con vosotros. No me extrañan los premios que ha ganado en Venecia esta película, a mejor director y mejor actriz, su trabajo consigue un incesante galopar que nos hace buscar y reconocer a esos héroes que pasan junto a nosotros todos los días.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de marzo de 2022. Título original: À plein temps. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Eric Gravel. Guion: Eric Gravel. Música: Irène Drésel. Fotografía: Victor Seguin. Reparto principal: Laure Calamy, Anne Suarez, Geneviève Mnich, Nolan Arizmendi, Sasha Lemaitre Cremaschi, Cyril Guei, Lucie Gallo, Agathe Dronne, Mathilde Weil. Producción: Novaprod Owl, France 2 Cinema. Distribución: Festival Films. Género: drama. Web oficial: http://www.novoprod.fr/cinema.htm

Crítica: ‘The medium’

Sinopsis

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Un documental sobre chamanismo se convierte en una horrible pesadilla cuando una muchacha es poseída por algo diferente a la diosa que todos esperaban.

Una aldea rural en la región de Isan en el noreste de Tailandia. Allí sus habitantes creen que todas las cosas y todos los lugares poseen un espíritu: las casas, los bosques, las montañas, los árboles e incluso los campos de arroz. Un equipo documental se desplaza hasta allí para hacer un seguimiento de la historia de Nim, una chamán que ha creído ver extraños signos en su sobrina Mink que demostrarían que está a punto de ser poseída por la diosa Bayan y heredar su chamanismo como ha sucedido a lo largo de generaciones en su familia. Pero mientras tratan de capturar el misterioso fenómeno, el extraño comportamiento de la muchacha se vuelve cada vez más extremo y Nim comienza a sospechar que lo que la posee no es la diosa que todos esperaban que fuera.

Crítica

Para fans del found footage que no esperan nada de miedo

Antes que nada me gustaría preveniros, ‘The medium’ no es una película que de miedo y no lo da por múltiples razones. Si hasta vosotros han llegado esos rumores que decían que en oriente se tenía que proyectar con las luces de la sala encendidas, lo siento, no vais a vivir una experiencia tan aterradora.

En primer lugar el filme se desmonta en cuanto se presenta como un reportaje porque pronto descubrimos que es un falso documental. Y no cuela en cuanto vemos que la gente o los extras de alrededor están perfectamente microfonados, cuando percibimos que están interpretando en vez de ser entrevistados o en cuanto las cámaras se van multiplicando según avanza la trama, acabamos teniendo más ángulos y escenarios que los vídeos de Aruseros.

Al margen de ello podríamos decir que el filme puede gustar a los fans del género found footage. La factura y fases de la película nos hacen recordar títulos como ‘The Blair witch project’, ‘[REC]’ o ‘Paranormal activity’. Algunas escenas están logradas pero por lo general el resultado es de baratillo. Se respeta el rácord o el tiempo fílmico pero pasamos por tantas etapas que se alarga el filme hasta el punto en el que las pocas escenas capaces de ser mínimamente terroríficas se diluyen muy rápido.

La historia de ‘The medium’ nos lleva a conocer el mundo de los chamanes en Tailandia. Un equipo intenta hacer un reportaje sobre ese mundo y finalmente acaba centrándose en una medium en concreto. Navegamos pues por tradiciones de ese país y el filme se enmarca dentro del ahora tan famoso folk horror. Además la historia pretende retratar un mundo en el que los dones se heredan.

De tener un ambiente rural y que promete momentos desconcertantes o inquietantes pasamos a una historia de posesiones más bien cutrecilla y totalmente descontrolada en su final. Quizá a los espectadores de Tailandia ‘The medium’ sea terrorífica o novedosa, quizá en occidente sorprenda a alguien, pero en ese caso, en pleno siglo XXI con la difusión del cine globalizada, el sorprendido sería yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de febrero 2022. Título original: Rang-zong. Duración: 131 min. País: Tailandia. Dirección: Banjong Pisanthanaku. Guion: Na Hong-jin, Banjong Pisanthanakun. Fotografía: Naruphol Chokanapitak, Yossawat Sittiwong. Reparto principal: Narilya Gulmongkolpech, Sawanee Utoomma, Sirani Yankittikan, Yasaka Chaisorn. Producción: GDH 559, Showbox Entertainment, Northern Cross. Distribución: SelectaVisión. Género: terror. Web oficial: https://www.gdh559.com/post/themedium_movie/

Crítica: ‘La matanza de Texas’

Sinopsis

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Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Crítica

Retomando la primera, imitándola y sin aportar nada original

Leatherface (Cara de cuero) vuelve a hacer de las suyas. ‘La matanza de Texas’ se cuela esta vez en Netflix y el resultado es el mismo que el de otras muchas secuelas, insatisfactorio. La versión que ha dirigido David Blue Garcia para Legendary (productora que hizo también la de 2013) termina siendo igual de insulsa que otras muchas películas slasher del montón. Quizá tendría que haber visto antes que la historia está escrita por Fede Álvarez pues sus películas de terror nunca terminan de gustarme. No tenía mucha expectativa con esta película, con que me diese brutales muertes y alguna razón de ser para gastarse dinero en una novena entrega me valía. Los fatalities me los da y al principio aparecen dos factores que dan esperanzas, uno que intenta actualizar la saga con el tema de los influencers y otro que nos habla del eterno debate de las armas en USA. Pero ninguno de los dos están lo suficientemente bien desarrollados o por lo menos quedan a la sombra de los fallos típicos de los slashers menos carismáticos.

‘La matanza de Texas’ ya superó su estatus de trilogía con creces. Incluso se podría llamar triple trilogía si alguna de ellas fuese coherente con la anterior. Y es que tenemos numerosas secuelas, una de ellas directa de la primera, una tercera negando la segunda, una cuarta que si tiene “en cuenta” los hechos de la una y la dos, una en 3D que solo continúa la primera, otra que es un remake… con esta saga se ha hecho un batiburrillo digno de las escabechinas de la familia Sawyer y la historia está tan deformada como la cara de Leatherface. En esta ocasión se ha hecho una especie de secuela de la primera parte sacando del canon todas las anteriores y creando una nueva línea argumental, la cuarta o quinta que surge.

La historia empezó en el 74 siendo ambientada en 1973. Lo sucedido en esa película está presente y pesa como una sombra. A la remota población de Texas llegan unos influencers que obviamente se topan con Leatherface y se ganan a pulso el miedo que les mete en el cuerpo. Así te lo hace creer la película pues los influencers son del tipo irrespetuoso, moralista y pretencioso. Miran por encima del hombro y se piensan que pueden hacer lo que quieran en la despoblada villa de Harlow. Es un poco la onda que sigue ‘Blair Witch 2’, solo que los protagonistas acuden sin el conocimiento del terror que se vivió allí en el pasado.

Se hace entretenida y se puede festejar en compañía porque es la típica película de muertes sanguinolentas y dolorosas. Como decía, parecía que escondería mensaje o eso han intentado pero no nos engañemos, el atractivo de ‘La matanza de Texas’, de esta versión, es ver las salvajes, ensañadas y creativas muertes provocadas por Leatherface y su motosierra. Te ves venir los encontronazos, los sustos e incluso alguna de las muertes. Pero sobre todo lo que has de saber es que está llena de situaciones estúpidas escritas para forzar las muertes. Para muestra lo que hace el conductor del autobús, todo un WTF.

No sé si Tobe Hoper estaría contento con esta entrega que ha intentado meter muchos guiños, me quedo con la imagen de los post-créditos. Sigue los mismos patrones además procurando que haya una final girl, muertes a plena luz del día, todo transcurre en un ambiente amarillento y sucio, se repite el baile con la motosierra, el asesino acaba vistiéndose o maquillándose como su madre… A colación de la madre, también esta vuelve a ser el detonante que hace que se le crucen los cables a Cara de cuero.

Lo que no se repite es todo el tema del canibalismo que solo se sugiere muy por encima alguna vez y eso que es real food, que ahora está tan de moda. Será que Netflix quiere apoyar las causas veganas. Lo que tampoco se repite es la aparición de rostros famosos, aunque haciendo justicia los actores, ahora famosos, que aparecieron de jóvenes en la saga no eran famosos cuando estuvieron con las motosierra de Leatherface en sus entrañas. Recordando, en ‘La matanza de Texas’ han intervenido Renee Zellweger, Viggo Mortensen, Matthew McConaughey, Alesandra Dadario, Matt Bomer, Jessica Biel, Denis Hopper… La única cara reconocible o muy famosa es la de Alice Kirge o la de Olwen Fouéré. Fouéré se mete en el papel de Sally Hardesty pues la actriz original ya falleció. Con ello enlazamos con otra saga en pleno intento de re-despegue como es ‘Halloween’ pues con su personaje se intenta hacer algo muy similar a lo que se hizo con el de Jamie Lee Curtis, es decir, nada nuevo ni original.

Quizá la culpa es mía por exigirle algo o entusiasmarme al pensar que habría algo más de mensaje tras su arranque con los instagrames y todo el discurso de los tiroteos en institutos. Cara de cuero nunca ha tenido una continuidad estable. Es como si su historia estuviese tan desmembrada como sus víctimas y tan alborotada como su cabeza. ¿Será esa la intención? Sea como fuere es casi tradición en la saga ‘La matanza de Texas’ el reescribir la historia. ¿Podrá Netflix romper esa tendencia y hacer ecuelas directas y narrativamente coherentes con lo anterior? Dudo que haya muchas más. No solo por la calidad de esta entrega pues creo que ha quedado claro que me ha decepcionado, sino por la tendencia a la cancelación de la plataforma que convierte “sus sagas” en algo volátil o efímero.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Título original: Texas Chainsaw Massacre. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: David Blue Garcia. Guion: Chris Thomas Devlin. Música: Colin Stetson. Fotografía: Ricardo Diaz. Reparto principal: Elsie Fisher, Moe Dunford, Jacob Latimore, Sarah Yarkin, Olwen Fouere, John West Jr., Alice Krige, Nell Hudson, Mark Burnham, William Hope, Jessica Allain, Sam Douglas, Jolyon Coy. Producción: Legendary Pictures, Bad Hombre, Exurbia Films. Distribución: Netflix. Género: terror, remake, secuela, slasher. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Primavera en Beechwood’

Sinopsis

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30 de marzo de 1924, Beechwood (Inglaterra). El matrimonio Niven (Olivia Colman & Colin Firth) perteneciente a la aristocracia inglesa y que ha perdido a sus hijos en la guerra, se prepara para celebrar el Día de la Madre y el compromiso de Paul (Josh O’Connor), el hijo de sus vecinos, con Emma Hobday (Caroline Harker).

Los Niven han dado el día libre a su criada, Jane Fairchild (Odessa Young), huérfana de nacimiento y, durante siete años, amante de Paul.

Con la casa vacía, Paul y Jane se encontrarán por primera vez en el dormitorio de Paul. La joven pareja dará rienda suelta a la pasión clandestina sabiendo que la aventura llega a su fin y que será su último día como amantes….

Crítica

Tiene tantos sentimientos o mensajes velados que su riqueza acaba siendo evidente

Colin Firth ha hecho tantos trabajos de época que solo con verle ya retrocedemos a principios del XX o sabemos que lo que va a predominar es un refinado estilo inglés. El señorío británico de la época de entreguerras es el protagonista de ‘Primavera en Beechwood’ pero no es precisamente Firth quien encabeza el reparto, es Odessa Young y la mirada de Eva Husson.

Young para mí se presentó con la impactante ‘Nación Salvaje’, un filme agresivo y moderno que me sorprendió por su capacidad subversiva. En ‘Primavera en Beechwood’ se le presenta otra oportunidad para darle la vuelta a un género. Las películas ambientadas en las acomodadas campiñas inglesas suelen estar repletas de remilgados personajes y pomposos comportamientos y esta no es una excepción en ese sentido. Pero la dirección que toma esta película nos obliga, literalmente, a desnudar ese ambiente tan estricto y verlo de otra manera, de tal modo que lo sensorial y lo sentimental cobran mucho más peso.

Si decía que lo importante es la mirada de Eva Husson no es solo por la adaptación al guión que Alice Brich (‘Succession’, ‘Lady Macbeth’) ha hecho de la novela de Graham Swift. Es porque literalmente nos brinda unos planos dignos de una exposición de fotografía o de ser trasladados al lienzo. La sutileza de sus imágenes nos habla de la placidez tras el sexo, de la subyugación de la servidumbre, de las palabras reprimidas o de los sueños nunca alcanzados. El personaje de Firth es el de un hombre adinerado que pese a su estatus se siente anclado por las exigencias de la vida social. Las imágenes que nos muestran a Jane Fairchild (Odessa Young) nos hablan de una vida por andar y de barreras por derribar.

Reconozco que las historias de señoritos y criadas tipo ‘Downton Abbey’ no me gustan y mucho menos si son meros romances. Pero la narrativa de ‘Primavera en Beechwood’ me ha sorprendido y enganchado siempre y cuando ha jugado al despiste o por lo menos a introducir giros inesperados. Por momentos no sabemos si la protagonista nos cuenta sus recuerdos, sus ensoñaciones o nos relata una novela ficticia y poética. La estructura de la película está llena de flashes, de destellos que van construyendo un todo que con mucha suavidad se va ordenando. A veces da la sensación de que las películas amorosas están hechas con tal simpleza que incluso parecen moñas o idiotizadoras, pero este no es el caso pues en su concepción se observa una intención bastante inteligente.

Si te etiquetan esta película como una de amor te la estarán describiendo mal. Es un drama en el que es innegable que el romance es el género dominante. Pero tiene tantos sentimientos o mensajes velados que su riqueza acaba siendo evidente. Aunque a mí no me gusten las historias de lords ni los romances intensitos hay que reconocer que el filme está muy bien armado y sobre todo muy bien rodado.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Título original: Mothering Sunday. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Eva Husson. Guion: Alice Birch. Música: Rob Moose. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Odessa Young, Josh O’Connor, Colin Firth, Olivia Colman, Glenda Jackson, Sope Dirisu, Alfredo Tavares, Caroline Harker, Forrest Bothwell, Deano Mitchison. Producción: Number 9 Films, British Film Institute, Film4 Productions, Lipsync Productions. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, romance. Web oficial: https://www.sonyclassics.com/film/motheringsunday/

Crítica: ‘Uncharted’

Sinopsis

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El astuto ladrón Nathan Drake (Tom Holland) es reclutado por el veterano cazatesoros Victor “Sully” Sullivan (Mark Wahlberg) para recuperar una gran fortuna amasada por Fernando de Magallanes hace 500 años y perdida por la Casa de Moncada. Lo que en un principio era para ambos un plan de robo, se convierte en una carrera de infarto alrededor del mundo para conseguir el botín antes de que lo haga el despiadado Santiago Moncada (Antonio Banderas), quien afirma que él y su familia son los auténticos herederos. Si Nate y Sully consiguen descifrar las pistas y resolver uno de los misterios más antiguos del mundo, estarán en posición de encontrar el tesoro valorado en cinco mil millones de dólares y tal vez incluso el hermano de Nate desaparecido por largo tiempo…pero solo lo conseguirán si aprender a trabajar juntos.

Crítica

Funciona como otros clásicos de cazatesoros

Nueva adaptación de un juego que Sony Pictures que da así el salto a la gran pantalla. Recientemente la distribuidora/productora nos ha propuesto ‘Monster hunter’ o ‘Resident Evil’ e incluso podríamos meter ‘Spider-Man’ en ese saco, respetando obviamente que la raíz es el cómic, dado el éxito de su videojuego. Ahora le ha tocado a uno de sus juegos estandarte que tiene además varias entregas, ‘Uncharted’.

Coger un acontecimiento histórico y dotarle de una leyenda inventada y fantasiosa ha dado siempre muy buen resultado. Los ejemplos más obvios son ‘Indiana Jones’, ‘Tintín’ o ‘Tomb Raider’. Hasta a Nicolas Cage le salió bien la jugada con ‘La búsqueda’. ‘Uncharted’ sigue clarísimamente la estela de esas películas de aventuras y también logra un producto palomitero. Es una cinta repleta de traiciones, puzles, tiroteos, persecuciones, criptas, tesoros, Mcguffins obvios… Una película que consigue distraernos y hacer que obviemos lo chiflado que puede parecer que Barcelona oculte un tesoro escondido por los supervivientes de la expedición de Magallanes.

Nos hemos quejado algunas vedes de que muchos filmes empiezan con un flashforward y les cuesta retomar ese punto que nos adelantan. En ‘Uncharted’ nos muestran una escena de acción nada más empezar y hasta una hora después no retomamos ese instante. Mientras vamos conociendo que la leyenda que nos plantea ‘Uncharted’ (la película) nos pinta a los pocos que consiguieron dar esa primera vuelta al mundo como una especie de corsarios que no se fiaban los unos de otros. Ese es el tema o la moraleja de esta historia en la que unos cazatesoros van tras el oro español. Desde luego el sabor hispano está presente en guión y en reparto como también lo estaba en los juegos.

Lo cual me lleva a la comparativa con los videojuegos. Se ha dicho mucho que estos juegos son muy cinematográficos, que jugarlos además de hacer que formemos parte de una historia la mar de aventurera hace que nos sintamos como si viésemos un filme. Lo segundo es obvio que está más logrado en esta adaptación. Pero si los juegos eran cine la película tiene poco de juego. La única manera de conseguir eso es haciendo que el espectador se implique en los puzles que se les plantean a los protagonistas, pero estos son de una simpleza mayúscula, no invitan a pensar. No he vivido mucho esta historia en consola, pero sobre todo me ha rememorado al tercer juego por su objetivo, escenas o por sus flashbacks a la infancia del protagonista.

El mayor gancho de esta película es el que llevará a centenares de gamers al cine. Después el boca-oreja hará su trabajo. Y por supuesto la presencia de todas las caras famosas es el otro atractivo del filme. Un casting muy discutido pues Tom Holland pega más como Nate de adolescente y Mark Wahlberg como Nate de adulto en vez de como Sully. Pero no nos engañemos, todos sabemos que el Nathan Drake auténtico habría sido Nathan Fillion como demostró en el corto fan de 2018 que por cierto también tocó el tema de Magallanes. Sea como sea, cale o no entre los jugones eso no impedirá que este filme coincida durante un buen tiempo con la última bomba de Tom Holand, actor que en esta película también se dedica a hacer cabriolas a lo Spider-Man pero aportando un toque algo más parkour.

El apartado de guiños y cameos seguramente será largo pero como he dicho no soy experto en este juego y sí puedo deciros que aparecen cosas más o menos de toda la saga. Si no me equivoco en una de las playas podemos ver un cameo de uno de los responsables de ‘Uncharted’, en concreto la voz original de Nate, Nolan North. Como también muchos se podrán imaginar quién es la persona que sorprende a los protagonistas en la escena post-créditos que es una declaración de intenciones por hacer saga. La aparición que muchos esperaban en España, a parte de todas las calles de Barcelona que sirven de escenario para las aventuras transcurridas en el segundo acto, es la de El Rubius. No sé qué pensará cuando su aparición en los exteriores de Montjuïc consista simplemente en aparecer de fondo y desenfocado, seguramente le dará igual pues a saber qué millonada o contrato tienen sus agentes con Sony.

En ‘Indiana Jones’ o en ‘Tomb Raider’ los malos siempre encuentran la siguiente pista o el tesoro gracias que involuntariamente el héroe les guía. Aquí sucede lo mismo y por lo tanto no puede ser más predecible el guión. Fleischer creo que ha hecho esta película consciente de ello y del calco moderno que supone ‘Uncharted’. Se ha convertido en el hombre de confianza de Sony y ya les ha llevado a taquillazos decentes como el de ‘Venom’ o ‘Zombieland’. Creo que esta película les seguirá funcionando igual de bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2022. Título original: Uncharted. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Ruben Fleischer. Guion: Matt Holloway, Arthur Marcum, Rafe Judkins. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas, Tati Gabrielle, Sophia Taylor Ali, Patricia Meeden, Sarah Petrick. Producción: PlayStation Productions, Naughty Dog, Columbia Pictures, Arad Productions, Ayuntamiento de Madrid, Sony Computer Entertainment (SCE), Atlas Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://instagram.com/unchartedmovie 

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