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Crítica: ‘The Boys’ T4

En qué plataforma ver The Boys

Nueva sobredosis de salpicaduras de sangre y crítica

Por fin tenemos la cuarta temporada de ‘The Boys’ y la hemos visto con perspectivas de una quinta ya que Prime Video anunció su renovación, así como más ‘Gen V’ cuando resuelvan cómo manejar la ausencia de Chance Perdomo. ‘The Boys’ T4 llega el 13 de junio y además lo hace con estreno de triple episodio. Serán ocho capítulos cuyo final culmina el 18 de julio. Hemos podido ver todos los capítulos salvo el último, pero aún así os garantizamos que no hay ningún spoiler en esta reseña.

Todos los lectores del cómic comentaron que la temporada 3 se había suavizado, si creedme, con respecto al material original. La serie estuvo hardcore pero se cortaron con algunas escenas. Con la temporada 4 de ‘The Boys’ los paños calientes brillan por su ausencia y se mantienen las tradicionales sorpresas sangrientas y sexuales con las que nos tienen acostumbrados y que se mantuvieron también en ‘Gen V’, spin-off con el cual por supuesto ha conectado como esperábamos. Llegan nuevos giros que van más allá de las explosiones hemoglobínicas, que amplían la trama cuando pensábamos que no se podía estirar más el chicle. Nuevas alianzas, unas peligrosas elecciones, detalles del pasado de algunos protagonistas… El tiempo que hemos pasado sin nuevos episodios sin duda ha servido para enriquecer los guiones.

Sin duda un adjetivo que describe a ‘The Boys’ es ofensiva. ‘The Boys’ T4 mantiene el sentido de humor negro y esa sátira que se burla, no solo del mundo de los calzones y más mallas, también del stars-ystem, de todo aquello que es gubernamental, del corporativismo, de los fanatismos y el fandom, de la USA católica y conservadora, de Barrio Sésamo, de la Disney… Es como si los autores de ‘Injustice. Gods among us’ se hubiesen puesto a tope de drogas y diatriba crítica cuando los crearon.

En esta temporada estamos sumergidos en una campaña electoral, con Carnicero intentando recuperar a su hijastro antes de que se le acabe el tiempo, con Patriota aún más loco si puede ser, con Los Siete cambiando su alineación… La temporada está más repartida que nunca y todos los personajes tienen arcos argumentales de peso, protagonismo y giros que les aportan una evolución. Y aún así hay espacio para introducir nuevos personajes, al fin y al cabo hay que llenar los huecos que quedan tras tanta masacre y muertes viscerales. Susan Heyward, Valorie Curry y Jeffrey Dean Morgan, son las nuevas caras en la serie. Alguien con personajes tan comiqueros y cabroncetes como El Comediante y Negan tenía que estar en ‘The Boys’. Pero su papel está más relegado a un segundo plano, Heyward y Curry tienen mucho más que contar con sus personajes. Eso sí, la sensación es como en las últimas temporadas de ‘Juego de Tronos’, que vamos excesivamente rápido de un lugar a otro, sin elipsis o control sobre el tiempo fílmico.

Poco se puede decir ya tras tres temporadas y un spin-off que ha mantenido un nivel apabullante. ¿Qué sigue habiendo muertes brutales? Si. ¿Qué el nivel de sátira es extremo? Si. ¿Qué se aleja del cómic pero sigue siendo tan interesante como malsana? Si. Pero además de eso trae partidas de futbolín, bailes sobre hielo que se mofan de Disney, una ComicCon de conspiranoicos, videojuegos a lo Moral Kombat, escenas violentas psicodélicas… y esto es lo más flojo que vais a ver en esta carnicería de serie. Con ello también nos llega la sensación de que ya no hay espacio para la sorpresa, nos vemos venir los momentos soeces y las masacres, lo cual ya le está quitando algo de gracia.

Ya que os he ahorrado los spoilers permitidme que os ponga los títulos de los ocho episodios de ‘The Boys’ T4 y deje que vuele vuestra imaginación.

TÍTULOS EPISODIOS:

  • EPISODIO 401: Departamento de juego sucio
  • EPISODIO 402: Vida en las cloacas
  • EPISODIO 403: Mantendremos la bandera roja ondeando
  • EPISODIO 404: La sabiduría de los siglos
  • EPISODIO 405: Cuidado con el galimatazo, hijo mío
  • EPISODIO 406: Algo apesta
  • EPISODIO 407: El topo
  • EPISODIO 408: Carrera de asesinatos

Crítica: ‘Gen V’

En qué plataforma ver Gen V

Conserva el ADN de ‘The Boys’ pero es una fórmula más diluida

Mientras aguardamos con ansia y expectación el regreso de ‘The Boys’ con una cuarta temporada, que se tomen el tiempo que haga falta para que salga bien y vuelva con el nivel adecuado, llega ‘Gen V’. Con esta serie de ocho episodios que se estrena el 29 de septiembre en Prime Video se expande el mundo iniciado por Garth Ennis y Darick Robertson en los cómics.

Realmente ‘Gen V’ está basada en ‘The Boys Volumen 4: We Gotta Go Now’. Es un arco autoconclusivo de los cómics en los que los autores parodian a los X-Men, llamándoles G-Men. La academia, el mentor que dirige todo y los jóvenes inexpertos y confundidos están presentes. Pero es lo poco que se coge prestado de las viñetas y esta es una adaptación mucho más libre que el resto de lo que hemos visto en ‘The Boys’. Y tal vez habría que dar las gracias pues en esta parte del cómic hay suicidio y pederastia hasta límites desagradables. Adaptarlo al pie de la letra podría haber hecho que los estallidos de violencia y sexo que hemos visto hasta ahora parezcan un episodio de los Osos Amorosos.

Por lo tanto esto está suavizado, no obstante no podemos olvidar en qué universo desfigurado estamos. Como no podría ser de otra manera la serie empieza fuerte, con escena sangrienta, un momento muy sanguinolento y traumático. A partir de ahí nos trasladamos a la facultad en la que ingresan aquellos que han sido inyectados con el V y que cumplen ciertos requisitos. ‘Gen V’ está cargada de sexo y violencia explícita, pero por encima de todo ello está la comedia que desarrolla. Sigue siendo una parodia de Norteamérica y del mundo de los superhéroes. En vez de ser una burla hacia las corporaciones y los principios de Estados Unidos está más centrada en el ámbito de las universidades y sus supuestos valores modernos de inclusión, proyección profesional, diversidad o igualdad.

Tenemos una facultad de lucha contra el crimen y una juventud que podría intuirse como ejemplar. Pero en otro intento de retratar a las generaciones de ahora se muestra como solo se aspira al postureo, los likes o el desfase sin pensar en consecuencias. Como decía ahora más que nunca la serie se parece a X-Men, a esos cómics en los que descubríamos lo que pasa con los alumnos del Profesor X. Pero evidentemente desde un punto de vista sátiro. En ‘Gen V’ hay mutantes entrenando para ser superhéroes y optar a unirse a la élite o al servicio de una corporación, una visión desfigurada y traumática de los superhumanos, una protagonista que ha perdido a sus padres… Si lo acotamos al mundo de los mutantes de Stan Lee a lo que podríamos decir que más se parece es a ‘The New Mutants’. Unos personajes se encojen, otros doblan metales, otros cambian de género, otros empatizan mentalmente con los de su alrededor, otros echan fuego, otros manipulan la sangre… Imaginad el juego que dan estos poderes en un mundo tan retorcido como el de ‘The Boys’.

Evidentemente hay un inmenso ejemplo de luz de gas, y no es por el personaje que se enciende cual esfera de helio ardiente. Esta continúa siendo una narración en la que se intenta desvelar un gran secreto, en la que se busca desvirtuar la imagen de Vaughn. Pero también se postula como la historia de los herederos de Los Siete y como spin-off de ‘The Boys’ que es, como la sucesora de esta. Lástima que pierde con tanto amorío y hormonas adolescentes. Por cierto, por favor, dejad de hacer versiones tan cursis a partir de las canciones de Metallica.

Como curiosidades encontraréis muchos detalles que enlazan con ‘The Boys’ y pormenores que revelan que por aquí pasaron previamente los superhéroes que hemos visto “salvando” el mundo en las tres temporadas. Por supuesto aparecen algunos personajes de ‘The Boys’, pero no os diré cuáles. Como añadido, entre los nuevos protagonistas nos encontramos con Golden Boy, interpretado por Patrick Schwarzenegger, que podréis imaginar de quién es hijo.

Crítica de ‘Jupiter’s Legacy’

Tomándose con más calma y para bien la historia del cómic

La colección ‘Jupiter’s Legacy’ del sello Millarworld fue editada por Image Comics en 2013 y ahora su adaptación a imagen se puede ver en Netflix. Arrancamos con una primera temporada de 8 episodios cuya duración oscila entre los 35 y los 56 minutos. Una primera etapa que adelanto que queda inconclusa y vaticino que tendrá segunda fase.

Si conocéis el Millarworld no tendré que deciros quién es el artífice intelectual de esta saga. Pero por si sois neófitos en el mundo del autor británico os diré que los cómics los desarrollaron Mark Millar, Frank Quitely y Peter Doherty, por lo menos en su esencia inicial. En el caso de la adaptación ha sido Steven S. DeKnight (‘Daredevil’, ‘Spartacus’, ‘Buffy’) quien ha dirigido el primer episodio además de escribir y producir la serie. Una serie que se presenta visualmente bastante fiel al cómic pero que ha cambiado el devenir de los acontecimientos, añadiendo material nuevo y mezclando cosas de ‘Jupiter’s Legacy’ y ‘Jupiter’s Circle’. El espíritu original se conserva pero en esta ocasión Millar se ha permitido darle más trasfondo a los personajes, por lo que la cosa se alarga. Esto juega en contra de las sensaciones de las viñetas de ‘Jupiter’s Legacy’ que nos abordaban con mucha más acción. La impresión que nos deja esta serie es que se ha querido construir mejor la razón de ser de los protagonistas, algo que en los cómics va llegando más a cuentagotas o con un par de pinceladas se dejaba entrever. Al margen de eso tenemos los típicos cambios de Netflix, como el cambio de raza de algunos personajes.

Para mi este es un cómic que está por debajo de obras como ‘Kick-Ass’, ‘Civil War’ o su etapa en ‘Dredd’. Cuando hablamos de Millar hablamos de un mito viviente de los cómics capaz de retorcer y llevar a su terreno a personajes famosos. Pero en este caso son creaciones nuevas. Y precisamente de mitos retorcidos tenemos que hablar. De manera similar que en ‘La vieja guardia’ nos encontramos con unos hombres extremadamente longevos que han dejado su huella a lo largo de la historia reciente, solo que estos se dejan ver y tienen poderes que van más allá de la inmortalidad. Unos poderes que si saben de dónde proceden y que utilizan para hacer el bien.

‘Jupiter’s Legacy’ supone un live action en la línea de ‘The Boys’ en el sentido en el que los superhéroes son personajes populares que dan la cara frente a la sociedad y su presencia altera de modo más o menos realista el American Way of Life. Y también va en sintonía con esa serie cuando vemos que no se han cortado con la sangre, cosa que también hereda de sus viñetas originales, aunque lo haga más puntualmente. Igualmente los superhéroes forman parte de tinglados corporativistas, pero en esta ocasión hay un sabor más a negocio familiar y a servidores del pueblo.

Nos encontramos ante una realidad utópica que huele a podrido, que se va deformando, como pasaba en cierto modo con ‘Watchmen’. La serie nos lleva desde el crac del 29 hasta su actualidad repleta de superhéroes. Poco a poco la trama del pasado va absorbiendo el protagonismo y ahí es donde percibimos más las intenciones de la serie, el cómo intenta hablar más de la gestación de unos héroes más que del fascismo o el capitalismo, como hacían las viñetas. Es un relato que supone una historia de orígenes y una contienda de superhéroes con un pasado en común al mismo tiempo.

Como adaptación tiene mi visto bueno pues aunque no es un calco mantiene el espíritu que hace de esta historia algo familiar y complejo. Esa complejidad necesitaba mostrar su background y lo hace muy bien, aunque nos deje con la miel en los labios y no nos lleve al futuro de los cómics que puede recordarnos a confrontaciones como la de ‘Injustice’ u ‘Old man logan’, también de Millar. Hablando de viejos, una de las cosas que me saca de la serie son sus pelucas o el maquillaje que les envejece.

Realmente ‘Jupiter’s Legacy’ no revolucionará el género, no cuando tenemos en activo series que juegan con el lado humano u oscuro de los suerhéroes como ‘The Boys’, ‘Doom Patrol’ o ‘Invincible’. Es la apuesta fuerte de Netflix en cuanto a los live action y merece la pena que progrese, sobre todo si sigue desarrollando con calma y valentía sus argumentos.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 6

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

El fin del principio

El viaje del héroe nunca tiene fin. Escrito así parece que estamos refiriéndonos al marketing de Marvel y DC para estirar el chicle de la gallina de los huevos de oro. Pero en el caso de ‘Blame!’ a pesar de parecer una historia tan simple (un viaje, un pistolero silencioso y letal, una misión, un mundo desorientador y apocalíptico…) recuerda mucho a ‘La torre oscura’ (de la que os hemos hablado ampliamente en Moviementarios) abarcando muchísimos temas y cuestiones existenciales basándose en los simbolismos, las imágenes, la libre interpretación y en relecturas donde siempre se descubren cosas nuevas.

En este último tomo volvemos a la esencia de la obra que la hace tan hipnótica desde sus inicios. La conclusión final de ‘Blame!’ es que lo importante no es tanto el destino si no el viaje.

Estamos ante una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que son una parte fundamental de ‘Blame!’. Al ser mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, podremos disfrutar de la inmensidad del mundo que tiene que recorrer nuestro protagonista. Hay momentos en el que casi podréis sufrir agorafobia.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que podremos disfrutar del escenario, verdadero protagonista de ‘Blame!’.

A lo largo de las reseñas de este manga, he intentado dar muy pocos detalles de la obra (como mucho habré dado el nombre del protagonista) centrándome en las sensaciones que provoca esta historia, para que podáis disfrutar de ‘Blame!’ descubriendo todo vosotros solos, y por ser el último artículo no voy a romper esa regla, pero creo que es justo que os mencione una anécdota para que os hagáis una idea concreta de la escala épica de este viaje.

Para que veáis la inmensidad de este universo, en un momento dado del tomo, hacia la mitad, el protagonista entra en una habitación, hay una escalera. Y uno de los personajes que está con él le dice “es una escalera que tiene 3000 kilómetros”.

Cuando el protagonista llega al final de la escalera, descubre otro mundo (y sus peligros) y nosotros nos damos cuenta de que aún le queda muchísimo para llegar a su destino final.

El lector de ‘Blame!’ siempre acaba descubriendo que llegamos al fin… del principio.

GUION

Volvemos a los encuentros casuales de nuestro protagonista con diversos e inquietantes personajes. Y una trama paralela que como siempre, acaba descolocándonos del espacio y el tiempo.

Acabamos también una trama importante (relacionada con el objetivo del protagonista) que se inició hace unos cuantos tomos. Supondrá redenciones y evoluciones de personajes secundarios.

Conocemos nuevos mundos, sin rastro de tecnología y muy oníricos. También tenemos nuestra nota de humor con un secundario cómico que nos alegrará el camino y compensará el silencio del protagonista.

Y por último el final. El dichoso final.

Es un final que os puede romper la cabeza y que está a la altura de referentes cinematográficos que prefiero no mencionar ahora mismo porque seguramente os daría pistas. Pero, aun así, iniciareis un camino de búsqueda de las respuestas de ese final. Os enfadareis (como hice yo en su día) reflexionareis, buscareis en Internet… Si queréis respuestas después de este viaje podréis escribirnos a Moviementarios y en privado compartiremos conclusiones.

Solo os puedo adelantar que la última viñeta refleja el espíritu de este manga.

DIBUJO

Se nota que es el final y nuestro autor se ha esforzado en dibujar a los antagonistas más amenazadores que nunca. Y escenarios atemorizantes… que te hacen sentir muy pequeño. La inmensidad de los espacios puede provocar agorafobia. Avisados estáis.

A destacar los diseños del pequeño interludio onírico, una rareza en ‘Blame!’ que haría las delicias del director Tim Burton.

Y la última viñeta. Cumple su función. Impacta, desorienta y maravilla a partes iguales.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 338 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  abril de 2018. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 5

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

La ecuación más hermosa del mundo

Es indudable que las ecuaciones matemáticas son imprescindibles para entender las leyes que explican el funcionamiento del universo. Muchas son muy complejas y la belleza en las ecuaciones suele residir en su simplicidad y elegancia. Al igual que las respuestas que nos proporciona la filosofía a las preguntas existenciales que siempre han angustiado al ser humano.

En este tomo, Tsutomu Nihei, su autor, intenta abordar cuestiones existenciales de una forma sencilla y elegante, sin apoyarse en los diálogos ni en las explicaciones redundantes.

Gracias a que este manga se ha apoyado mucho más en las imágenes y el simbolismo es más fácil que esta historia triunfe donde han fallado otros mangas de ciencia ficción, como la continuación ‘Ghost in the Shell’ o ’Neon genesis evangelion’

La edición de lujo o Master Edition de gran tamaño ayuda a la intención del autor, no podréis evitar mirar embobados las grandes ilustraciones reflexionando sobre el mensaje de la obra.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en la que podremos disfrutar de un momento épico del combate entre nuestro protagonista Killy y la villana de ‘Blame!’.

GUION

Es un tomo cargado con mucha información sobre aspectos técnicos de este universo (que emocionará a los fanáticos de la informática) y nuevas incorporaciones que en muy pocas páginas se convierten en personajes tan carismáticos como nuestro protagonista Killy.

Finalizamos otro arco argumental más oscuro que el anterior en el que la acción, los combates y el peligro son constantes. Todo este cóctel explosivo está intercalado con momentos existenciales que finalizan en un clímax alucinante.

Y en el último tercio del tomo volvemos a simplificar la ecuación.

Nuevos misterios, mucha más oscuridad, nuevos personajes, nuevas preguntas, desorientación y nuestro protagonista contra el mundo, contra la inmensidad. El entorno postapocalípticamente cyberpunk que le rodea no le amedrenta en ningún momento. Y eso os dará la seguridad para seguir adelante y continuar leyendo las aventuras de nuestro protagonista, aunque no comprendáis lo que está pasando.

Parece que en la siguiente historia nuestro protagonista va un paso por detrás de su búsqueda, pero su distinguible seña de identidad (la perseverancia extrema) es un punto a su favor.

DIBUJO

Podemos notar una constante en la obra: en los clímax finales puede parecer el dibujo un poco farragoso, pero no va en detrimento de la espectacularidad o la narrativa. Al inicio del siguiente arco argumental volvemos a los escenarios oscuros y a la importancia en las grandes estructuras que dan un ambiente terrorífico, desolado, de pesadilla.

Podremos disfrutar de una multitud de combates diferentes con nuevas armas, diseños, antagonistas, transformaciones…siempre sorprendiéndonos, mostrando nuevos mundos a cada paso que dan los protagonistas.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 352 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  febrero de 2018. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 4

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

Más de lo que podemos imaginar

En cuestión de historias (y sobre todo las épicas) todo tiene un principio y un final, pero realmente, aunque muchos fans lo deseemos (las continuaciones) para lo que realmente no estamos preparados es ante la inmensidad, el infinito. Que algo no tenga principio ni final… para el ser humano es algo extraño. Por eso nos fascina quizás tanto el fin del mundo.

Como decían personalidades tan ilustres como el físico teórico Werner Heisenberg o el genetista y biólogo evolutivo J.B.S Haldane “no es que el universo sea más extraño de lo que imaginamos, es que es más extraño de lo que podemos imaginar”.

En ‘Blame!’ sucede algo parecido, su autor Tsutomu Nihei, está empeñado en demostrarnos que el universo es más extraño de lo que podemos imaginar. Y después de cerrar en este tomo un arco argumental muy claro y épico, nos devuelve casi al punto de partida, tanto al protagonista como al lector, ante la inmensidad de un espacio arquitectónico difícil de imaginar.

‘Blame!’ tiene muchos paralelismos con otra saga literaria con la que estoy obsesionado: ‘La torre oscura’ (de la que os he hablado ampliamente en Moviementarios). Sus protagonistas son unos pistoleros misteriosos que tienen un solo objetivo, van en busca de “algo” en un mundo que no parece tener ni principio ni fin.

Aunque al menos Stephen King hace un aviso importante a sus lectores cuando termina ‘La torre oscura’, porque les espera un epílogo que los va a llevar mucho más allá. O se pueden contentar con un final cerrado o arriesgarse a buscar la verdad hasta el final.

Por eso advierto a los que nos estén leyendo que si quieren parar después de terminar el arco argumental en el que se basa la adaptación de Netflix… que paren.

Lo que viene a continuación es la búsqueda de la verdad. Con mayúsculas.

Hay que reconocer que la edición de lujo (o Master Edition) no es la más adecuada para llevársela de viaje por su gran tamaño, pero es imprescindible para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que dibuja Tsutomu Nihei y sobre todo para sacarle partido a sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Su orden de lectura es de sentido japonés, al contrario que la primera edición que nos llegó a España hace muchos años.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que en el que vemos a los dos protagonistas de la historia.

GUION

Cerramos un arco argumental que supone un tercio de este tomo. Entre todos los personajes y facciones destaca una villana que ya ha dejado huella en este manga. Y volvemos al punto de partida. Volvemos a la oscuridad, a la búsqueda, a nuestro protagonista acompañado de un único personaje. En definitiva, a la fascinante desorientación espacial tan característica de este manga.

Otro aspecto bastante atractivo de ‘Blame!’ es la cabezonería de su protagonista por llegar a su objetivo a pesar de las adversidades. Recuerda mucho a ‘La torre oscura’ y a más de uno os servirá como fuente de inspiración ante cualquier reto que os hayáis planteado.

Conocemos nuevos personajes, tanto protagonistas como antagonistas, que son bien retratados en sus motivaciones.

DIBUJO

El maestro Nihei nos vuelve a sorprender con un estilo arquitectónico postapocalípticamente cyberpunk. El escenario es un personaje en sí mismo, con tramos pesadillescos y pasillos interminables por los que más de uno no le gustaría aventurarse.

Hay un curioso contraste, el dibujo cambia de un arco argumental a otro. Los combates son un poco más confusos al principio del tomo, pero eso no es un problema por el clímax emocional con tanto giro de guion (¿cómo acabará?).

En la siguiente mitad del tomo, aunque todo se vuelve mucho más oscuro y tétrico, los combates son más fáciles de seguir, con nuevos personajes y habilidades.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 368págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  noviembre de 2017. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 3

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

El prestigio

Arthur C Clarke, maestro de maestros de la literatura de ciencia ficción, escribió una vez “cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia”.

En ‘Blame!’ ocurre eso y como en ‘2001, odisea en el espacio’, es una historia que se apoya mucho en las imágenes, en la ambientación (su autor, Tsutomu Nihei, fue arquitecto) y menos en diálogos o en los personajes. Es una obra abierta a muchas interpretaciones… y ahí reside su encanto. Puedes leerlo una y otra vez que siempre te provocará sensaciones nuevas.

Y ya que mencionamos la magia, todo espectáculo de este tipo consta de tres actos: el primero es la presentación, el segundo es la actuación y el tercero es el prestigio.

En la presentación el mago (Tsutomu Nihei) nos muestra algo ordinario. En este caso un puñado de historias cortas con un único nexo en común, el viaje de su protagonista. Esto ejerce una fascinación en el lector, porque supone un reto ya que nos presenta unos escenarios, armas y enemigos espectaculares, pero no se detalla nada de la trama. Esto ocurrió en el primer tomo.

En el segundo acto, la Actuación o giro, el mago consigue hacer algo extraordinario, y nos presenta una estructura narrativa clara, concretando los diversos bandos que se mueven en ese universo, los objetivos de los personajes, hacia donde se dirige la historia… de repente todo empieza a cobrar sentido y el lector se siente poderoso. Ya sabe cómo irá la historia.

Es extraordinario, sí, pero aún no vemos la magia.

Y en el tercer acto que corresponde a este tercer tomo, viene la parte más complicada: el prestigio. El mago se juega su prestigio ante el público.

Cuando creíamos que sabíamos de qué iba ‘Blame!’ el autor nos hace un juego muy a lo Christopher Nolan. Os será difícil incluso situaros en el espacio y el tiempo. Como si ‘Origen’ e ‘Interstellar’ se hubieran fusionado con ‘Hellraiser’.

Es una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que se marca Nihei y es mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, con lo cual podremos disfrutar de sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Y un orden de lectura japonés (la primera edición era de sentido occidental).

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición (una de sus antagonistas, en una misma ilustración desde diferentes perspectivas).

GUION

El tercer tomo abarca en gran parte la adaptación del anime de ‘Blame!’ que tenéis disponible en Netflix y a pesar de que estamos en un arco argumental bastante claro, en su segundo acto, Nihei lo vuelve a conseguir y nos vuelve a descolocar, aprovechando para beber de mil y una referencias pasadas por su filtro cyberpunk: las historias de caballería, la fantasía heroica, cultura cybergotica, la física cuántica…

También a destacar la complejidad de las facciones y organizaciones que se presentan en este rico universo, en contraste con los encuentros aleatorios de nuestro protagonista al principio de la historia.

DIBUJO

Tsutomu Nihei nos intenta compensar la desorientación argumental con grandes estructuras a doble página que hipnotizan y acongojan a partes iguales. La inmensidad es un concepto que este autor maneja muy bien y hace sentir al lector muy pequeño.

El autor sigue reinventándose en los diseños. Podemos ver variaciones y evoluciones ya vistos con anterioridad: androides, robots, maquinas, armas… y seguimos notando las claras influencias de H.R Giger y Clive Barker.

En cuanto a las escenas de acción podemos disfrutar de muchos enfrentamientos con más personajes, pero los momentos culminantes siguen siendo los de nuestro protagonista, Killy y su lanzador de partículas gravitacionales.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 360 págs., tapa blanda, blanco y negro.  Publicación:  septiembre de 2017. Precio: 20€.

Impresiones de la primera temporada de ‘Locke & Key’

La serie que adapta los cómics de Joe Hill y Gabriel Rodríguez

Hace poco os hablábamos de ‘Locke & Key’, los cómics de Joe Hill y Gabriel Rodríguez (reseña aquí) y ahora estamos en posición de contaros cosas sobre la serie de Netflix pues ya la hemos visto al completo. La plataforma online ha adaptado las viñetas de IDW y el próximo 7 de febrero estrenará los 10 episodios que contienen esta producción. Una obra que ha llegado a buen término tras los intentos fallidos de otras productoras, como aquel que FOX llegó incluso a mostrar, que ha estado un tiempo en Youtube y que no se estrenó en 2011.

‘Locke & Key’ nos zambulle en la historia de los Locke. Una familia cuyo padre y esposo ha sido asesinado y que se muda al hogar ancestral de este. Allí se encuentran con una nueva vida pero también con los cuchicheos del pueblo de Matheson (en los cómics se llama Lovecraft, quizá en esta ocasión han querido homenajear a Richard Matheson, ‘Soy leyenda’, ‘El increíble hombre menguante’). Los Locke deben enfrentarse a una nueva y misteriosa mansión que no pone nada fácil el adaptarse a la nueva ciudad, el nuevo instituto… Sobre todo porque en esa vorágine de cambios hay unas llaves capaces de hacer cosas inimaginables y una entidad que va tras ellas.

Poco a poco la serie va desvelando misterios y secretos, tanto de las llaves como de la familia Locke. En ese sentido sigue también los mismos derroteros de los cómics. Entremezcla los hallazgos mágicos con los del clan que habita la Keyhouse. Esto hace que la trama nos guíe por una historia de drama y magia. Un nuevo mundo de alucinantes posibilidades para los protagonistas que a la vez está entrecruzado con un pasado doloroso y un presente conflictivo. Explora por lo tanto los mismos temas.

Si sois lectores de los cómics vais a detectar que todo se ha trastocado algo, la historia transcurre en diferente orden o se han gestionado de manera distinta algunos roles. Así se consiguen ligeras sorpresas para el lector pero sobre todo se nota que se ha hecho para adaptar todo al lenguaje de series y para preparar futuras temporadas. Porque aunque llega a un punto muy avanzado de la trama hay algunos personajes que está claro que necesitaremos ver más. Si no has tenido entre manos esta novela gráfica disfrutarás igualmente pues lo estupendo de esta narración es el cómo mezcla la parte ocultista con la trágica. Se ha perdido algo de terror con respecto a las viñetas a si es que si queréis sentir miedo tendréis que recurrir a ellas.

Como he dicho hay magia y hay drama, hay mucha inocencia o inconsciencia mezclada con peligro. Para eso es importante cómo se ha tratado la serie a nivel visual. Si los cómics tenían un estilo cartoon muy colorido entremezclado con la historia de terror, la serie ha optado por unos tonos fríos, bastante apagados. Los colores están muy atenuados. Pero cuando hay momentos de fantasía o de infantilidad aparecen los pigmentos vivos y se crea así el contraste que tanto nos «incomodaba» al leer los cómics. Esto ha hecho por otro lado que se hayan buscado soluciones distintas a las de las viñetas para algunos efectos mágicos. Es un ambiente lo suficiente raro como para ser considerado digno de una historia surgida de un King, no olvidemos que Joe Hill es el hijo de Stephen King y literariamente, casi literalmente, sigue los pasos de su padre. Por otro lado hay que admitir que se pierde el nivel sangriento y la serie es algo más «familiar».

En cuanto al reparto podemos decir que es muy parecido físicamente al de los cómics. Quizá los más logrados tanto estéticamente como interpretativamente sean Jackson Robert Scott y Emilia Jones como Bode y Kinsey Locke respectivamente. Thomas Mitchell Barnet como el perturbado Lesser también me ha parecido un gran acierto. El personaje más cambiado es el del padre de la familia Locke, interpretado por Bill Heck y caracterizado de tal modo que hasta se da un aire a John Wick. Hay otras modificaciones como aquellas que nos llevaban a personajes casi punk pero se ha optado por una línea más actual.

Los episodios han estado dirigidos por varios directores. Pero los más importantes, que en este caso son los últimos, llevan la firma de Vincenzo Natali (‘Cube’). Lleva muy bien al reparto juvenil y ha hecho junto con lo ideado por Carlton Cuse y Meredith Averill que esta sea una serie con bastante referencias. No solo me refiero a alusiones a películas modernas como ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’ o ‘La naranja mecánica’, la serie también introduce sus guiños y sus sorpresas, seguro que reconocéis más de una cara entre aquellos que se cruzan con los Locke. Un ejemplo de ello es todo el trabajo de Laysla De Oliveira en la serie, recordemos que ella actuó en la adaptación de ‘En la hierba alta’, de la novela de Joe Hill, que también dirigió Natali y estrenó Netflix. Esto es algo que ya hacían los cómics pues tienen mucho de meta-universo, no solo de todas las referencias que se crean por su propia historia, sino a la hora de introducir claves que aluden a la vida de sus autores o sus influencias.

Entremezcla y explora menos las posibilidades de cada una de las llaves. Esto es debido a que en una sola temporada han querido incluir casi todas mientras que en cada arco de los cómics iban descubriendo solo unas pocas. No es algo excesivamente preocupante pues sabemos que habrá segunda temporada y dará para aumentar la originalidad de los eventos que viven los Locke. Esto ha hecho además que el cierre sea menos redondo, que haya tramas abiertas o incluso algún personaje olvidado. Pese a todo hay mucha magia en la serie, mucha fantasía, pero esta se construye de un modo más precipitado y quizá haría más falta ahondar en su mitología con detalle. El imaginario desplegado por Joe Hill es algo más complejo de lo que se muestra en la serie y necesitaremos más episodios para sentirlo realmente completo. Como he dicho, queda para la segunda etapa de ‘Locke & Key’ que el productor Carlton Cuse ya ha anunciado que está en desarrollo.

Reseña: ‘Daredevil: Born again’

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“Y yo os digo… Que un hombre sin esperanza es un hombre sin miedo”. Aquí llega la edición definitiva de la historia definitiva de Daredevil, escrita y dibujada por dos auténticas leyendas del Noveno Arte. Karen Page, el antiguo amor de Matt Murdock, ha cambiado la identidad secreta del Diablo Guardián por una dosis de droga. Ahora, Daredevil debe encontrar fortaleza mientras Kingpin le golpea como nunca antes lo ha hecho. Si sólo puedes tener un libro de Daredevil en tu biblioteca, debería ser éste. Con un pormenorizado ensayo y análisis por parte de Santiago García (La novela gráfica).

Reseña

Los diablos también tienen derecho a renacer

La escena final de la serie de Netflix ‘The Defenders’ y el hecho de que Karen Page (Deborah Ann Woll) ya sepa la identidad verdadera de Daredevil nos lleva a pensar que ‘Born again’ podría ser el cómic en el que se basen los guionistas para la tercera temporada del superhéroe ciego. Si a esto le sumamos el reparto ya conocido para el tercer ciclo que Netflix emitirá este año no podemos dejar de sospechar que este cómic de Frank Miller (‘Sin city’) y David Mazzucchelli (‘Batman: Año Uno’) supondrá para más de uno una lectura obligatoria.

Allá por los años 80 surgía ‘Born again’ dentro de la serie regular de Daredevil. No se publicó esta historia como una narración independiente, si no dentro de la continuidad del personaje. De hecho en su día para poder leer esta aventura los lectores tuvieron que coleccionar las grapas que iban desde el número 227 al 233 incluidos. La historia fue muy atrevida para su época en cuanto a lo que hacía con los personajes y a cerca del viaje que proponía, pero no hizo más que sentar un gran precedente para obras que le siguieron.

Como siempre Frank Miller se recrea aquí en historias basadas en una continua decadencia y es capaz de retorcer a los personajes hasta la locura. ¿Cuántas veces puede de resucitar un superhéroe? Aquí tenemos una más para Daredevil y ni más ni menos que ante las vicisitudes de un Miller que por aquellos años ya firmaba títulos como ‘Batman: el regreso del caballero oscuro’. ‘Born again’ se considera uno de los mejores trabajos del guionista, un clásico de las colecciones marvelitas. Supone un descenso a los infiernos para un diablo que se reencuentra con su pasado y ha de partir prácticamente de cero. Esto es lo que pasa cuando Kingpin descubre tu identidad real, que te conviertes en una criatura casi indefensa y desvalida, alejada de todo superpoder que puedas tener.

Vemos en estas viñetas al Kingpin luchador pero sobre todo al mafioso que urde corruptelas y desgracias que le son propicias para sus designios contra Daredevil. Es uno de pocos villanos que sin superpoderes es capaz de cautivarme y en este arco argumental acapara mucho protagonismo. Mazzucchelli le retrató como el icono del mal arraigado en la gran urbe que todos tenemos en mente actualmente, de hecho es difícil recurrir a otro concepto del personaje cuando oímos su nombre.

Como casi siempre en las historias del Hombre sin Miedo esta es una lucha por prevalecer, por sobrevivir en la ciudad. Un pulso a dos bandas entre Kingpin/Wilson Fisk y Daredevil/Matt Murdock. Tanto en el terreno criminal y nocturno como en el legal y diurno se disputan mucho más que la Cocina del Infierno.

Entre medias surgen varios villanos inferiores que le ponen la tarea más complicada a Doble D, pero también os encontraréis aquí con sorprendentes cameos, ataviados con sus correspondientes trajes antiguos por supuesto. En estas viñetas nació Nuke, un desecho del mismo programa del que surgió el Capitán América. Semejante idea tan maliciosa solo podía salir de la imaginación de un guionista como Miller y la verdad es que Mazzucchelli ayudó a ilustrar la demencia armada que es Nuke.

No solo con el villano de cara pintada y mente desdibujada que es Nuke se lució Mazzucchelli. El cómic entero es dinámico y está lleno de grandes estampas contenidas en viñetas rara vez descolocadas o invadidas por sus colindantes. Cada ángulo, encuadre y composición está a merced de la historia y no descuida ningún aspecto. Toda elección de plano, color o secuencia de dibujos nos muestra que este artista es muy meticuloso y escoge bien el lenguaje que quiere expresar para no perder ningún aspecto del guión, al contrario, le suma matices.

Miller fue responsable de que Daredevil se convirtiese, no solo en un héroe que siguiese teniendo su hueco entre las publicaciones de Marvel en aquella época, sino que también alcanzase el estatus de personaje de éxito con varias adaptaciones a sus espaldas. Es un escritor capaz de meterse en la psique de un personaje como ningún otro y también de llevarle por los terrenos más violentos. Gracias a ello ‘Born again’ se convirtió en un linchamiento a un personaje que renació, tanto narrativa como editorialmente. Por encima de si va a formar parte de una serie de televisión o no, no es desproporcionado decir que este título es imprescindible para todos aquellos que quieran conocer de verdad a Daredevil o que por lo menos quieran tener una colección o visión mucho más amplia en torno a la historia del cómic.

Ficha del cómic

Guion: Frank Miller. Dibujo: David Mazzucchelli. Color: Christie Shceele, Richmond Lewis. Portada: David Mazzuccheli. Editorial: Panini (Marvel). Datos técnicos: 224 págs., tomo, tapa dura, color, 17 x 26 cm. Publicación: 1 de agosto de 2010 (primera publicación 1986). Precio: 21,80€.

Entrevista a Salvador Larroca, dibujante de Marvel

Pudimos hablar con el autor en la inauguración de su exposición

El español Salvador Larroca conmemora sus 25 años en Marvel con diferentes actos. En esta ocasión nos ha reunido en Madrid para inaugurar una exposición retrospectiva que ha sido comisariada por Emilio Gonzalo Mallo. En esta muestra tenemos más de 170 obras y junto a ellas recuerdos personales y otras curiosidades.

Larroca comenzó a trabajar en el 92 para Marvel UK. Tras el cierre de esta filial se incorporó a la casa madre ubicada en Estados Unidos. Se consolidó con su trabajo en ‘Ghost Rider’ pero creció hasta convertirse en un imprescindible para la factoría de cómics y ha trabajado en un gran número de sagas: ‘X-Men’, ‘Fantastic Four’, ‘The Avengers’, ‘Monsters unleashed’…

Su nombre ha estado asociado a grandes iconos como Chris Claremont, Jonathan Hickman, Warren Elis, Stan Lee… Junto a Claremont con su ‘Iron Man’ se convirtió en ganador del Premio Eisner (fue el primer español en lograrlo) tras dos candidaturas previas. Ahora podemos ver ese «Oscar del cómic» en una de las mesas de la exposición.

Este autor, que es el que más cómics ha dibujado para Marvel en este cuarto de siglo a nivel mundial, ha pasado un tiempo dibujando las series ‘Darth Vader’ y ‘Star Wars’. En dichas colecciones ha mantenido su fama de experto en plasmar elementos tecnológicos, de ser buen retratista y de incluir algún que otro cameo de vez en cuando. En nuestra entrevista nos cuenta que ya ha pasado página y ha vuelto a los superhéroes.

Podréis acudir a ver todas sus obras hasta el 13 de octubre en la Biblioteca Regional de Madrid Espacio El Águila (Calle Ramirez de Prado, 3. Metro Delicias). El horario de apertura es de 11 de la mañana a 8 de la tarde. En esta exhibición ha colaborado el propio recinto y además Panini Comics.

A continuación podéis ver nuestra entrevista con Salvador Larroca en vídeo. Permaneced atentos a nuestra web y a sus redes sociales pues habrá más eventos de conmemoración de estos 25 años en Marvel.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 2

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

Ten cuidado con lo que deseas.

Hace unos 13 años que leí por primera vez ‘Blame!’ junto a las colecciones de ‘Dragonball’, ‘Saint Seiya’ (‘Caballeros del zodiaco’), ‘Akira’, ‘Ghost in the Shell’, ‘Alita, ángel de combate’, ‘Samurai Deeper Kyo’, ‘Battle Royale’, ‘Hellsing’…

Leer esta esperada reedición de lujo ha sido casi como leerlo por primera vez. Sí, me sabía la historia hasta el final y he pasado unos años investigando el significado de muchos enigmas de su universo, pero obviamente no me acordaba de muchos pequeños detalles que son muy importantes en la trama y el nuevo aspecto XXL de esta edición por fin hace justicia a los diseños y majestuosos e inmensos escenarios que nos presenta su autor, Tsutomu Nihei (que como curiosidad, antes de dibujante profesional fue arquitecto).

Este formato «King Size» de la reedición de ‘Blame!’ favorece los momentos más épicos como los duelos de ‘pistolas de partículas gravitacionales’ que nada tienen que envidiar a los Kame Hame Ha de Son Goku en ‘Dragonball’. Con una portada, contraportada y portada interior que parecen diseñadas en exclusiva para esta edición (podréis ver a su co-protagonista, Cibo, en una misma ilustración desde diferentes perspectivas).

El primer tomo de ‘Blame!’ nos dejó K.O (en el buen sentido) principalmente por su guión y su desorientación espacio temporal. Este segundo tomo lo compensa proporcionándonos respuestas desde la primera página.

Aun así, reconozco que, aun siendo un lector aventajado, es mucha la información que asimilar. Y vosotros pensaréis… ¿tanto jaleo en el primer tomo para resolverlo todo en el segundo? Pues al igual que el universo literario de ‘La Torre Oscura’ (que os hemos ido reseñando este verano) conseguir unas cuantas respuestas no significa que ya lo sepamos todo. Conocemos por fin el punto de partida y el destino final pero el camino, el universo de ‘Blame!’ es inabarcable. Nuestro protagonista cruzará la frontera hacia lo desconocido. Y no faltarán las sorpresas.

GUIÓN

Se nota que lo recopilado en el primer tomo no eran más que historias cortas con su protagonista, Killy, como nexo común pero no había una ambición de ‘Magnus opus’ (gran obra) En este segundo tomo si se nota la intención y su autor Tsutomu Nihei, nos presenta una estructura narrativa clara, concretando los diversos bandos que se mueven en ese universo, los objetivos de los personajes, hacia donde se dirige la historia…

DIBUJO

Con un trazo más definido y multitud de impresionantes nuevos diseños (armamento, vehículos, personajes, estructuras…) que superan a lo visto en el tomo anterior (que ya era difícil). Sin olvidarnos de las claras referencias a H.R Giger y Clive Barker (‘Hellraiser’) que os fascinarán y perturbarán a partes iguales.

Como nota curiosa es posible que, en algunos momentos de la lectura, sufráis algo de vértigo. No os preocupéis, disfrutad de las vistas, mirad abajo lo que queráis, pero no olvidéis que el objetivo de Killy, nuestro protagonista, es seguir subiendo… y nosotros con él.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 376 págs., tapa blanda, blanco y negro.  Publicación:  julio de 2017. Precio: 20€.

Reseña de ‘Marvel Zombies: Hambre insaciable’

 Argumento

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¡La más brutal, desacralizadora, divertida y terrorífica versión del Universo Marvel jamás producida! Un virus convirtió a los héroes de la tierra en devoradores de carne humana. Acompaña a los muertos vivientes en los que se han transformado los iconos Marvel en su búsqueda de alimento, con un gigantesco volumen que recoge su origen, su primera aparición y la visionaria miniserie que revolucionó la industria del cómic.

Reseña

Zuperhéroes que están de calavera.

Ahora que el boom de los zombis sigue vivo vamos a aprovechar a reseñar uno de los cómics que parece que será más difícil que veamos en la gran pantalla y que deberíais leer durante este verano. Por supuesto esto tiene mucho que ver con la famosa serie de televisión, “The Walking Dead”, que aún está en antena. Pocos años después de que Robert Kirkman triunfase con su cómic volvió a conquistarnos zombificando a los superhéroes de Marvel, a prácticamente todos. La casa de Stan Lee contó con este autor y con dos fuera de serie más como Phillips y Suydam para realizar una miniserie que posteriormente tuvo varias continuaciones y spin-off que no han triunfado tanto. Pero algunas, como el crossover (aún más si cabe) con “El ejército de las tinieblas”, merecen ser leída.

Hablamos de Marvel Zombies. Una serie en la que cuanto más te adentras con más ansia la devoras, como si de un frenesí zombi se tratase. En España existen varios formatos pero os queremos recomendar el tomo recopilatorio que capta la esencia, el origen y el grueso de esta tremenda ocurrencia, Marvel Zombies: Hambre insaciable.

El tomo arranca con el one-shot Marvel Zombies: Origenes. Una breve y frenética historia con un slpash page a dos páginas entre lo sanguinolento y lo encarnizado. Sus autores son los mismos que los de la mítica miniserie que dio origen a este tomo: Robert Kirkman, Sean Phillips y June Chung (con portada de Robert Suydam).

Sigue, casi a modo de introducción, con la primera aparición histórica de los superhéroes convertidos en zombis, los números 21-23 de “Ultimate Fantastic Four” de Millar y Land. Forman parte de la etapa de estos dos artistas con los Cuatro Fantásticos que se vino a llamar “El cruce”.

Marvel Zombies: Orígenes

Contaron también con las manos de Matt Ryan y Justin Ponsor. Sin duda sería una colección brillante pero lo más importante, lo que nos atañe, es que literalmente abrió la puerta para la llegada de todas estas historias de superhéroes devoradores de carne.

Como he mencionado antes, los autores de la miniserie son Kirkman, Phillips y Chung. De sus cabezas salieron los Marvel Zombies 1-5. Con esta historieta sigue y concluye este recopilatorio. No tiene solo escenas de acción y de casquería. Tras toda esta parafernalia, que parece sacada de una mala película de serie B, hay una historia trabajada, que mantiene al lector pegado al papel y desternillándose con el humor negro que la domina. Tampoco podemos buscarle un trasfondo filosófico o una crítica social por que no la hay, si acaso alguna que otra escena donde la ética del lector puede verse cuestionada.

Desde luego tras finalizar el tomo cuesta decidirse entre los dibujos de Phillips o los de Land, ahí entra en juego el gusto de cada uno ya que ambos realizaron un trabajo encomiable. Personalmente he perdido la cuenta de cuantas imágenes me gustaría tener como poster en mi casa. En cuanto al guión, por supuesto hay que destacar la tarea de Kirkman pues se encargó de la serie que da vida a todo este universo transfigurado. ¡Qué maravilloso desvarío son estos cómics! Es magnífico ver como tanto héroes como villanos luchan para sobrevivir o se unen para hacer frente a enemigos comunes, siempre haciendo gala de la mayor vileza posible y de innumerables guiños a las colecciones de Marvel. El cine clásico de terror también tiene aquí su homenaje a través de las atractivas portadas de Suydam.

Este volumen viene acompañado de una introducción del periodista John Tones. En ella no solo nos habla de los zombis dentro de Marvel si no también del origen de este fenómeno y del éxito de Kirkman. Al final de las páginas encontramos material extra consistente en una galería de cubiertas de Greg Land y Arthur Suydam.

Ficha del cómic

Guionista: Robert Kirkman, Mark Millar. Dibujante: Sean Phillips, Greg Land. Color: June Chung, Justin Ponsor. Editorial: Panini. Datos técnicos: 256 pags., tomo, tapa dura, color. Publicación: octubre de 2010. Precio: 23.95€.

Reseña: Civil War (edición integral)

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¡La obra maestra que inspiró Capitán América: Civil War en un espectacular volumen integral! El Universo Marvel está cambiando. Es tiempo de elegir: ¿De qué lado estás? Un conflicto que se ha estado labrando durante años estalla al fin, rompiendo en dos a la comunidad superheroica, y enfrentando a amigo contra amigo, hermano contra hermano. Spiderman, Los Vengadores, La Patrulla-X, Los Cuatro Fantásticos… todos se verán afectados. Todos deberán elegir su lugar en la guerra. Nadie está a salvo en la saga que cambió para siempre las reglas del juego.

Reseña

Algo más que una lucha de egos.

Hemos tenido entre las manos el tomo publicado en España por Panini Cómics y que compila las publicaciones de “New Avengers Illuminati” y los números del 1 al 7 de “Civil War”. Un recopilatorio que explica y narra la esencia del cómic que va a inspirar la próxima película de Marvel.

La magnitud del éxito y repercusión de “Civil War” fue mucho más allá del éxito en ventas. Supuso la culminación de la lucha de Marvel por recuperar su línea editorial y para muchos representa una crítica a la Ley Patriota de Bush (cuyo paralelismo en esta historia sería el Acta de Registro de Superhumanos). Es por eso que se podrían emparejar los dos lados de la contienda con los partidos mayoritarios de Estados Unidos. El bando liberal que se opone al acta, liderado por el Capitán América (color azul como el color insignia del Partido Demócrata) y el bando conservador encabezado por Iron Man (color rojo, como el del Partido Republicano).

“Civil War” ilustra una lucha entre dos grandes estandartes. Pero esta no es una lucha de todo o nada, de blanco contra negro, de día contra noche… Es algo más policromático (nunca mejor dicho dada la cantidad de disfrazados que llegamos a ver). Como ocurre en toda guerra civil existen más de dos bandos. Los hay que se mantienen neutrales, los hay que cambian de bando, los hay que sufren daños colaterales, los hay que fingen pertenecer a uno u otro bando… Todo esto producido por el trasfondo histórico que arrastran los personajes. La diferencia de esta guerra con otras, es que se enfrentan personajes que son héroes antes del conflicto, que supuestamente son buenos para todo el mundo, y por eso se nos puede dividir el corazón. Probablemente la mayor parte del éxito del cómic radique en la misma esencia que poseen hoy en día los programas de deporte españoles: crear polémica y generar debate.

Pero quedándonos con lo meramente narrativo, y a colación del trasfondo mencionado, podemos afirmar que como buen crossover es la conjunción de varios cómics que son referenciados o nombrados durante esta historia. Como por ejemplo “La guerra Kree-Skrull”, “X:men, gigant-size”, “Dinastía de M”, “Secret War”, “X-men: Los 198”, “Los Vengadores: asalto a la mansión” o “Días del Futuro Pasado”. Millar guía la historia sin que se le vaya de las manos. Posee grandes giros argumentales cargados sorpresas inesperadas, de esos que engranan perfectamente en la maquinaria de toda guerra ficticia y tienen coherencia dentro del universo Marvel. Es principalmente el acontecimiento que desencadena todo, ese gran daño colateral producido por unos inconscientes, el que demuestra la madurez de este cómic. Y a pesar de los grandes eventos y protagonistas en plena mutación de personalidad, el guionista no olvida las pequeñas subtramas o detalles particulares que conforman la identidad de nuestros superhéroes preferidos.

La trama central estuvo dibujada por Steve McNiven, que ya formó dupla con Mark Millar en “El Viejo Logan”, por ejemplo. Aquí utiliza un estilo diferente pero igualmente recurre a “capturas” muy cinematográficas. Con su estilo mantiene una personalidad muy particular de la factoría Marvel, creando marca y escuela.

Como opinión personal he de decir que nunca he sido muy fan de los dos cabecillas de esta historia, pero siempre me ha atraído más Iron man. Sin embargo, eso de que quieran convertir a los superhéroes en peleles al servicio del gobierno (como le pasaba al Superman de “El regreso del caballero oscuro”) no me gusta. Reconozco que casi me decanto por el equipo del Capitán América. Pero la idea de Iron man me parece más acertada, aunque no realizada de esa manera tan extremista o supervisada por Shield y el gobierno. Puede que ese sea el fallo argumental del cómic, no contempla un tercer bando que quiera registrar a los superhéroes, pero sin hacer pública su identidad, o algún otro tipo de término medio. Las guerras civiles no son siempre de dos únicos bandos.

Además de esta magnífica historia, este integral posee decenas de páginas con cubiertas utilizadas y descartadas (de Michael Turner, Steve McNiven, Ed McGuinness…), lápices y una interesantísima conversación entre Joe Quesada (Director Editorial de Marvel) y Tom Breevort (Editor Ejecutivo de Marvel) junto a Spotlight.

Ficha del cómic

Guionista: Brian Michael Bendis, Mark Millar. Dibujante: Alex Maleev, Steve McNiven. Entintado: Dexter Vines, Mark Morales, Steve Mc Niven, John Dell, Tim Townsend. Color: Dave Stewart, Morry Hollowell. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos:  280 págs., cartoné, color, 19x28cm. Publicación: febrero 2016. Precio: 25€.

14 de mayo, Día del Cómic Gratis

Tal y como su nombre indica, en el Día del Cómic Gratis (DDCG) cualquier persona que se acerque a las tiendas participantes recibirá un cómic. Este evento sigue los pasos del Free Comic Book Day que se celebra cada primer sábado de mayo en Estados Unidos. En el país americano se celebra desde 2002 y en España llevamos disfrutándolo desde 2010.

Los cómics se anuncian previamente y se entregan hasta agotar existencias. Además, muchos de los establecimientos organizan sesiones de firmas u otras actividades relacionadas con el día. Con esta iniciativa se pretende aumentar el número de lectores de cómics, potenciar el papel de las librerías expertas en este material e informar al gran público sobre este tema.

 

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