Tráiler y cartel de ‘Camera Café’ la película

Estreno el 18 de marzo de 2022

La famosa serie de capítulos cortos ‘Camera Café’ va a volver pero alargando su formato. Warner Bros. estrenará una versión en pantalla grande y con la duración de un largometraje. Una extensión que se aplica también a la trama pues como podemos ver en el primer tráiler vamos a conocer más facetas de la vida de los protagonistas y más partes de su oficina yendo más allá del rinconcito de la máquina de café.

Ernesto Sevilla (‘El Vecino’, ‘Capítulo 0’) se ha puesto detrás de la cámara para dirigir el que es su primer largometraje como director de cine. El reparto está formado por algunos de los actores que dieron vida a los personajes televisivos así Arturo Valls (‘Los del túnel’, ‘Descarrilados’), recupera a Quesada, el listillo y vago empleado que se escaqueaba en cuanto podía de sus obligaciones. Repiten también: Carlos Chamarro, como Julián (‘El mayor regalo’, ‘El secreto del corazón’), Ana Milán, como Victoria (‘Y todos arderán’, ‘Donde caben dos’), Carolina Cerezuela, como Mónica (‘Amigos’), Joaquín Reyes, como Richar (‘¡A todo tren! Destino Asturias’, ‘Mi amor perdido’), Marta Belenguer, como Nacha (‘Viaje a alguna parte’, ‘La última cena’), Alex O’Dogherty, como Arturo (‘Héroes de barro’, ‘2 Rombos’), Esperanza Pedreño, como Cañizares (‘Ocho apellidos catalanes’, ‘18 comidas’) y Esperanza Elipe, como Marimar (‘Lo nunca visto’, ‘Abracadabra’). Y como nuevas incorporaciones estarán: Manuel Galiana (‘Vive cantando’, ‘El Ministerio del tiempo’), Javier Botet (‘Diarios de la cuarentena’, ‘El Vecino’), Ingrid García-Jonsson (‘Taxi a Gibraltar’, ‘Explota, Explota’) y el streamer Ibai Llanos que se interpreta a sí mismo.

Joaquín Reyes, Miguel Esteban y Ernesto Sevilla firman el guión.

Sinopsis oficial:

Regresamos a la oficina para redescubrir a los personajes de la mítica serie más allá de la máquina del café.

Quesada, Julián, Marimar, Cañizares, Victoria y compañía se enfrentarán a una crisis que está a punto de hundir la empresa y, lo que es peor, deberá salvarla su nuevo director, que es nada más y nada menos que el rey del escaqueo, Quesada. ¡VUELVE CAMERA CAFÉ!

Crítica: ‘Spider-Man: No Way Home’

Sinopsis

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Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un Súper Héroe. Cuando pide ayuda a Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser Spider-Man.

Crítica

Un borrón y cuenta nueva que aún así unifica de un modo épico

Voy a intentar exponer mi opinión con la menor cantidad de pistas y spoilers posibles, que a pesar de que me parecen ridículos los extremos a los que se llega, sé que es un tema sensible. Y os lo dice alguien cuyo primer cómic norteamericano fue sobre Spider-Man. ‘Spider-Man: no way home’ es para mi la mejor de la trilogía de Tom Holland. En parte porque creo qué como seguidor he picado en el llamado fanservice y porque como lector he reconocido muchos puntos de cómics que Forum trajo a España en el siglo pasado.

Si es la información que buscabais os puedo decir también que hay dos escenas post-créditos, que nos dejan con unas ganas locas de ver más. Estaba justificado el hype, la expectativa, porque ya está desatado el crossover con las franquicias que controla Disney, por ser el segundo Spider-Man en llegar a tres películas y por los posibles cameos de los participantes en las otras secuelas. Seguro que en las cabezas de los fans más fantasiosos esta película podría haber sido aún más meta pero este spiderverso es eso, un multiverso que ha tejido bien su telaraña y seguirá jugueteando con sus posibilidades o consecuencias. ¿Lo llamamos fanservice? ¡Caramba! Es que las secuelas se hacen para los espectadores más fieles. Pero es que esta nueva aventura tiene además su justificación, con motivación y redención para todos los personajes.

Es un reencuentro con las otras franquicias que se cancelaron y a la vez un borrón y cuenta nueva que se suma al que se hizo en ‘Avengers: endgame’. Probablemente Warner/DC se tiren de los pelos porque se les han adelantado y llegarán tarde con su evento “flashpoint” al cine (no siendo así en la TV), creo que ‘Spider-Man: no way home’ se burla un poco del tema. Esta es una reconciliación con lo ya estrenado que tiene varios giros y sorpresas que podrían haberse mostrado en formato serie con finales cliffhanger incluidos. ¿Pero… se parece solo a los cómics o es otra película más tipo Marvel Studios/Disney? Probablemente este sea el personaje qué más se está conservando de una manera próxima a su esencia. No obstante no olvidemos quién pone aquí el dinero y eventos como la guerra contra Thanos, las escenas humorísticas o los cameos están omnipresentes.

¿Lo que más me ha gustado a mi? Quizá sea porque siempre he sido más de monstruos que de héroes por lo que lo mejor de esta película para mí es la manera en cómo interactúan los villanos entre sí. Aunque llegamos a tenerlos expuestos en lo que parece la galería de “El coleccionista” de ‘Los Simpson’, están mejor entremezclados que en la tercera entrega de Sam Raimi. Además algunos cogen de soslayo el aspecto de los cómics clásicos que las precuelas les negó. Las peleas y las conversaciones me recuerdan a tebeos como ‘Los enemigos mortales de Spiderman’ o ‘Los enemigos letales de Spiderman’. Viñetas que nos acostumbraron a ver al intrépido neoyorkino rodeado de mil peligros, con el sentido arácnido constantemente disparado. Eran aventuras sin descanso, repletas de villanos, de alianzas y de intrahistoria. Todo esto ayuda a sobrellevar la duración pues además cada enemigo conserva el carácter que tuvo en su película anterior e incluso gana nuevos matices. Pero vale ya, Jamie Foxx, ponte el traje de Spawn de una vez.

Después de ver los primeros tráilers tenía miedo en el sentido de si Disney no había tomado nota de los errores históricos de Marvel Comics. Pero no ha sido así. No me habría sorprendido si Doctor Strange se hubiese marcado un Mefistazo. Pero no hay un evento tan clamoroso. Roza el larguero pero al fin y al cabo ‘Spider-Man: no way home’ supone una re-escritura en la historia de Peter Parker, siguiendo muy de cerca la senda iniciada por ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Sin embargo hay pegas.

No me funcionan los momentos dramáticos en los que nos quieren sacar la lagrimilla, en parte porque ya hemos pasado por eso y en parte porque se quedan cortos. Y otra cosa en la que Marvel no consigue acabar de ganarme es con su manía de hacer casi todos los trajes a través de imágenes generadas por ordenador. Hay ocasiones que es obligatorio, pero se nota muchas veces la diferencia de movimiento entre cuerpo y cabeza, como ha pasado tanto con los exoesqueletos de Iron Man.

En resumen. Es amazing, amazing, amazing. Como película ‘Spider-Man: no way home’ es tan épica que se pasa rápido, cómo extensión del UCM está totalmente coherente tras los eventos de las gemas del infinito y como adaptación del personaje original de Stan Lee y Steve Ditko se recupera bastante de la esencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2021. Título original: Spider-Man: No Way Home. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jamie Foxx, Willem Dafoe, Tony Revolori, J.K. Simmons, Angourie Rice, Alfred Molina, Jacob Batalon, Jon Favreau, Harry Holland, Christopher Cocke, J.B. Smoove, Hannibal Buress, Martin Starr. Producción: Columbia Pictures, Pascal Pictures, Marvel Studios, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.spidermannowayhome.movie/

‘Operación Fortune: el gran engaño’ es la nueva de Guy Ritchie

Diamond Films distribuirá el filme en España

Diamond Films nos ha comunicado que será la distribuidora encargada de poner en cines de España ‘Operación Fortune: el gran engaño’, la nueva película del director británico Guy Ritchie, que regresa tras sus recientes éxitos ‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’ y ‘Despierta la furia’.

La película, que tiene el sello distintivo de Ritchie, une comedia y acción, además de un espectacular elenco encabezado por Jason Statham (‘Despierta la furia’, ‘Fast&Furious’), Hugh Grant (‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’, ‘The Undoing’), Aubrey Plaza (‘Seguridad no garantizada’, ‘Ingrid Goes West‘) y Josh Harnett (‘Despierta la furia’,’Victima del poder‘). Completan este gran reparto Cary Elwes (‘Saw’, ‘Stranger Things’) y Bugzy Malone (‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’).

Sinopsis oficial:

El agente del MI6, Orson Fortune (Jason Statham), y su equipo reclutan a una de las estrellas de cine más importantes de Hollywood (Josh Harnett) para que los ayude en una misión encubierta para rastrear y detener la venta de nuevas tecnologías de armas mortales a manos del multimillonario Greg Simmonds (Hugh Grant).

Tráiler y cartel de ‘El triunfo’

Una historia real de unos presos que forman una compañía de teatro

Tenemos a vuestra disposición el cartel y el tráiler de ‘El triunfo’, una película de Emmanuel Courcol. La película que ha resultado Mejor comedia en los Premios Europeos del cine (EFA) llegará a cines de España el 11 de febrero. La cinta está producida por el reconocido director francés Robert Guédiguian, y protagonizada por Kad Meran, ganador del Cesar y protagonista del ‘hit’ internacional ‘Bienvenidos al norte’.

‘El triunfo’ es una luminosa comedia inspirada en una historia real de superación sobre un pintoresco grupo de teatro de presidiarios en busca de su gran éxito.

Sinopsis oficial:

Aunque esté en el paro con frecuencia, Etienne (Kad Meran) es un entrañable actor que dirige un taller de teatro en un centro penitenciario. Allí reúne a un grupo insólito de internos para representar la famosa obra de Samuel Beckett ‘Esperando a Godot’. Cuando consigue la autorización para realizar una gira fuera de la cárcel con su pintoresca troupe de actores, a Etienne se le presenta finalmente la ocasión de prosperar.

Cada cita con el público se convierte en un nuevo éxito, y entre la improvisada compañía y su director se va forjando una relación única. Pero antes de que se dé cuenta, llega el momento de la última representación, que tendrá lugar en París. ¿Será esa función de despedida el mayor éxito del grupo?’

Pase benéfico organizado por Avalon, Fundación ANAR y Cine Yelmo

Se proyectará ‘Un pequeño mundo’

El próximo martes 21 de diciembre, a las puertas de la Navidad, tendrá lugar un pase bénefico en colaboración entre la distribuidora Avalon, la Fundación ANAR y Cine Yelmo. El día 21 a las 20.00h se proyectará la película ‘Un pequeño mundo (Playground)’ en los cines Yelmo Ideal de Madrid y Yelmo Comedia de Barcelona. Se trata de un pase abierto a todo el mundo, con entradas al precio reducido de 5€. Las entradas ya están a la venta en la web de Cine Yelmo.

En esta ocasión, Cine Yelmo colabora con la cesión gratuita de la sala en cuestión y Avalon cede igualmente la proyección de la película sin coste alguno. Por su parte, Cine Yelmo destinará la recaudación íntegra obtenida en ambas ciudades a la Fundación Anar. Además, Avalon se compromete a donar exactamente la misma cantidad al proyecto contra el acoso escolar que lleva a cabo Anar.

La FUNDACIÓN ANAR lleva más de 50 años trabajando en España por la defensa y promoción de los derechos de los niños, niñas y adolescentes. «La película Un pequeño mundo trata una de las tantas situaciones que desde ANAR conocemos bien: el acoso escolar. Para los niños, niñas y adolescentes que sufren acoso escolar, u otro tipo de problemáticas, es importante recordar que no están solos, que pueden contar con ANAR a través del Teléfono ANAR de Ayuda a Niños/as y Adolescentes en Riesgo, 900 20 20 10, y del Chat ANAR, accesible en anar.org».

Desde que AVALON adquirió los derechos de Un pequeño mundo (Playground) en el pasado Festival de Cannes, «hemos sentido que teníamos entre manos una película importante. Por un lado, por su calidad cinematográfica intrínseca, refrendada por el Premio Fipresci de Un Certain Regard (Cannes), su paso por la sección Zabaltegui en el Festival de San Sebastián o los premios nacionales a Mejor Película en el Festival de Ourense y Festival de Cine por Mujeres. Por otro lado, y especialmente, por su fondo social y humano, pues muestra una realidad ineludible con un punto de vista inédito. Por ello, queremos dar un paso adelante con esta acción especial de visibilización».

Entrevistamos al equipo de ‘Mamá o papá’

Estreno el 17 de diciembre de 2021

Estaba llamada a ser la comedia de las Navidades del pasado 2020 y por fin ha aterrizado en carteleras ‘Mamá o papá’. Ya os hablamos en nuestra crítica de este filme protagonizado por Paco León y Miren Ibarguren y dejamos que sean los propios artífices de esta película los que os den algún detalle sobre ella. En esta ocasión hemos tenido el placer de coincidir con el director y todos los protagonistas. La entrevista fue grabada en 2020 cuando el estreno estaba previsto para Navidad, de ahí alguna de las cosas que dicen nuestros entrevistados.

Dani de la Orden junto a Sofía Oria, Iván Renedo y Laura Quirós

“La comedia es un buen género para perder las formas”

Paco León y Miren Ibarguren

“Es refrescante ver a unos padres malos que putean a los niños”

Crítica: ‘Mamá o papá’

Sinopsis

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Flora y Víctor son los padres perfectos: modernos, divertidos y cariñosos. En definitiva, los padres que todo niño querría tener. Sin embargo, todo se tuerce el día que deciden divorciarse y aparece la oportunidad laboral con la que llevan soñando toda la vida. Solo hay un problema: la custodia. Ninguno está dispuesto a ceder. Así que, por orden de la jueza, los niños tendrán que decidir con quién se quedan: con mamá, o con papá. A partir de este momento, los excónyuges modélicos se declaran la guerra y no habrá tregua. Ambos harán todo lo posible por no obtener la custodia de sus hijos.

Crítica

Una buena clase de cómo ser los mejores peores padres

‘Mamá o papá’ no es el primer remake en el que se embarca Dani de la Orden y el equipo de guionistas con el que ha contado. Ya estrenó hace poco ‘Hasta que la boda nos separe’ a partir de una película francesa y triunfó con ‘El mejor verano de mi vida’, basada en una película italiana. ‘Mamá o papá’ surge de un título francés estrenado en 2015 que no se si sigue exactamente los mismos pasos pero ya desde el cartel y el tráiler se perciben calcos.

Cine español, padres e hijos, apuros, jugarretas, remake… La comparación con ‘Padre no hay más que uno’ es inevitable. Pero en este caso la comicidad no resulta tan forzada ni repetitiva aunque la mecánica buscada es similar, se juega con el amor de los niños hacia sus mayores. Esta película tiene un humor algo más atrevido y acaba riéndose bastante más de lo políticamente correcto. De hecho tiene un personaje interpretado por Alberto Casado (Pantomima full) que está concebido únicamente para eso.

Lo que sucede en ‘Mamá o papá’ podría ser perfectamente el argumento de un episodio de ‘Los Simpson’. Es una buena clase de cómo ser los mejores peores padres. Dos adultos bastante competitivos anteponen sus objetivos personales para evadirse de cuidar a sus hijos y así poder llevar a cabo su sueño particular. Lo que era una separación muy civilizada pasa a ser un reto de creatividad por fastidiar al máximo. Obviamente los que pagan el pato son los más pequeños que están inmersos en una guerra que solo responde a crear una aversión por puro interés.

Todo el reparto tiene momentos divertidos. En una película que tampoco es que esté excesivamente españolizada los personajes tienen repartidos entre ellos las gracias de la película. Si bien Paco León y Miren Ibarguren captan más la atención, las peculiaridades de los niños interpretados por Sofía Oria, Laura Quirós e Iván Renedo resultan la mar de divertidas e incluso a veces retorcidas. Con todos te ríes, con todos. La tónica general de la película se identifica sobre todo con la vis cómica de Ibarguren, es decir, puede ser brusca, tosca o cortante pero no ordinaria. Incluso con un Berto Romero que es una mezcla entre Skinner y Norman Bates.

Puede ser un tópico decir eso de “este director dirige bien a los niños”. En ese sentido con ‘El mejor verano de mi vida’ reconozco que sentí que faltaba alguna vuelta de tuerca. Pero lo que se ha conseguido con los más pequeños de ‘Mamá o papá’ es más eficiente.

Me da la impresión de que Dani de la Orden además de poder decir que tiene a sus habituales se está irguiendo como un nuevo as de los remakes pero sobre todo de las comedias. En este caso ha orquestado una película que no se si estaba ya pensada para estrenarse en Navidad pero que transcurre en esas fechas y por COVID y demás ha acabado coincidiendo. Una época de prisas y frenesí. Más que una comedia disparatada es desbordada. Seguramente sea de las que más lleva al desenfreno en toda su filmografía.

Si tenéis pelusa de que yo me lo haya pasado bien con esta película humorística solo tenéis que ir a verla al cine, aunque ya advierto que hay que tener cuidado con lo que se le hace aquí a las pelusillas.

Tenemos una tradición cómica muy extensa pero parece que últimamente las ideas escasean o se ha encontrado un nuevo filón y son muchos los remakes que vemos en la gran pantalla. ¿Casualidad? ¿Estrategia? Preguntaré. En `Papá o mamá’ el resultado es bueno. Una película que clama por no forzar la felicidad en un hogar donde no surja de manera natural, por hacer autocrítica y por saber desperfeccionar a los nuestros.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de diciembre de 2021. Título original: Mamá o papá. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Dani de la Orden. Guion: Olatz Arroyo, Eric Navarro, Dani de la Orden, Marta Sánchez. Música: Zacarías M. de la Riva, Alfred Tapscott. Fotografía: Oriol Pérez Alcaraz. Reparto principal: Paco León, Miren Ibarguren, Eva Ugarte, Berto Romero, Sofía Oria, Ester Expósito, Laura Quirós, Iván Renedo, Mari Paz Sayago, Mamen García, Pedro Casablanc, Miquel Fernández, Alberto Casado. Producción: Atresmedia cine, Buendía Estudios, Warner Bros. Entertainment, Alamo Producciones Audiovisuales. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, remake. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/mama-o-papa

Tráiler de ‘Being the Ricardos’

Estreno el 21 de diciembre

Amazon Prime Video desveló ayer el tráiler de ‘Being the Ricardos’. Una película en la que Lucille Ball (Nicole Kidman) y Desi Arnaz (Javier Bardem) se ven amenazados por graves acusaciones personales, el desprestigio político y tabúes culturales. Este es un drama que tras sus cámaras como guionista y director, está Aaron Sorkin. A través de una visión reveladora de la compleja relación romántica y profesional de la pareja, la película lleva al espectador a la sala de guionistas y al estudio de sonido, mientras muestra lo que le ocurre a Ball y Arnaz de puertas para dentro en una semana crítica durante la producción de su innovadora sitcom, ‘I Love Lucy’.

‘Being The Ricardos’ está protagonizada por Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat y JakeLacy. El 21 de diciembre se estrenará en exclusiva en Prime Video.

Mañana podremos ver ‘Dragon Ball Zero’ gracias a CutreCon

Protagonizada por Heo Sung-tae (‘El Juego del Calamar’) cuando era solo un niño

La película coreana ‘Dragon Ball Zero’ (1990), considerada la peor versión cinematográfica del célebre cómic manga de Akira Toriyama, se proyectará el 11 de diciembre a las 12:30 horas del mediodía en la Salaequis (C/ Duque de Alba, 4) de Madrid, en una nueva sesión de “cine cutre” organizada por la distribuidora Trash-O-Rama y los responsables del festival CutreCon.

“Peluches, frikis disfrazados de la manera más cutre imaginable y cables mal disimulados” son algunos de los “hilarantes” elementos que encontrará el público, señalan los organizadores del evento. Rodada en 1990 con un presupuesto ajustadísimo y estrenada en cines, ‘Dragon Ball Zero’ también llama la atención porque está protagonizada por Heo Sung-tae de ‘El Juego del Calamar’, que interpreta el papel del mítico Son Goku.

El evento, cuya entrada incluye consumición, tendrá lugar en ‘La Plaza’, el recinto más amplio de Salaequis. Un lugar que cuenta con barra de bar y espacio suficiente para que los asistentes puedan mantener la distancia de seguridad y se protejan frente a posibles contagios de la COVID-19.

Asimismo, desde la organización explican que “ver ‘cine malo’ en compañía es muy divertido” y, por ello, en este pase se permitirá la libre participación y los comentarios del público, para “disfrutar aún más de la película”. Eso sí, respetando en todo momento las medidas de protección frente al coronavirus.

Las entradas con consumición incluida para la proyección de ‘Dragon Ball Zero’ el 11 de diciembre a las 12:30 horas del mediodía en la Salaequis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid, ya están a la venta de forma anticipada en la taquilla del recinto y también online a través del siguiente enlace.

Crítica: ‘El chico de Asakusa’

Sinopsis

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La película de Netflix ‘Asakusa Kid’, basada en las memorias de Takeshi Kitano, bebe de la auténtica y conmovedora historia del legendario artista; un relato de sueños, fracasos, amor y lealtad protagonizado por Kitano y su mentor, Senzaburo Fukami.

Crítica

‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés

Que Takeshi Kitano mezcla muy bien lo tradicionalmente japonés con lo moderno no lo duda nadie. Que su sentido del humor es muy distinto al que suelen tener en su país también ha quedado patente a lo largo de su gran carrera. Pero que sus orígenes estaban en el espectáculo de variedades o que representa un relevo generacional muy drástico es menos conocido.

Siempre tiene algo de dramático el hecho de que el aprendiz supere al maestro. Pero si a ello le sumamos el sorpasso de un formato como el televisivo que se comió en su día al teatral tenemos un drama tragicómico muy propio de la filmografía del director de ‘El verano de Kikujiro’, ‘Hana-bi’ o ‘Zatoichi’. Y para más ende la película nos habla de la transformación y decadencia de todo un barrio, el de Asakusa, que fue desde el Japón feudal todo un distrito de entretenimiento. Pero ante tanto infortunio la película aplica varias capas de respeto y candidez que suavizan la historia, convirtiéndose más en un tributo que en un biopic meticuloso.

Desde que estrenó en España ‘Outrage 3’ estamos en sequía de Takeshi, no nos llegan cosas suyas a estas costas desde 2017. ‘El chico de Asakusa’ es una pequeña píldora que nos quita el mono del director japonés. En parte porque nos arroja algunos datos sobre sus orígenes artísticos y en parte porque todo procede de sus memorias manuscritas. La película abre con un plano de Yûya Yagira muy bien maquillado, con mucho parecido a Takeshi, pero ese maquillaje solo es para recordarnos la imagen más conocida del director pues todo transcurre años atrás, empezando en el 74.

Beat Takeshi en España es más conocido por el público general por presentar ‘El castillo de Takeshi’ o como dice su nombre más popularizado, ‘Humor amarillo’. Ahí le veíamos disfrazado de señor feudal, pero los que le han visto actuar en películas o han visionado entrevistas reconocerán aquí sus gestos. Yagira imita muy bien sus tics, su boca ladeada al hablar, las nada poco habituales manos en los bolsillos, su menuda estatura… incluso aparecen algunos destellos de su mala leche. Lo que más destaca en ‘El chico de Asakusa’ es su gusto por el jazz. Y la verdad es que viendo este vídeo parece justificado tanto taconeo. Aún así ‘El chico de Asakusa’ se rellena con demasiado bailoteo y canto.

Relleno era la comedia en el establecimiento en el que él aprendía de su maestro a hacer reír. Un local donde solo había llenos cuando había estriptis. Takeshi fue un amago de ingeniero que dejó rapidísimamente sus estudios para usar su ingenio en pro de la comedia y la ficción. En este filme se rinde homenaje a quien fue su mentor. Es un renovarse o morir. Ante ese dilema vemos como Takeshi, en su constante capacidad para adaptarse al medio usó su estilo propio y se enfrentó ante el control que ejerce la televisión sobre sus artistas. Es por eso que el filme emplea humor satírico y negro, que es lo que le hizo destacar en el Japón de los 80.

‘El chico de Asakusa’ no toca sus conflictos de juventud, posible germen de sus historias de mafiosos. También pone al cineasta todo lo bien que se pone a una persona que es tildada de genio en su país. Compro esa adulación, pero me habría gustado una película más realista que preciosista. Pero como cortesía a los maestros que hemos tenido en la vida me parece muy elegante.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2021. Título original: Asakusa Kid. Duración: 122 min. País: Japón. Dirección: Hitori Gekidan. Guion: Hitori Gekidan. Reparto principal: Mugi Kadowaki, Morio Kazama, Hiroyuke Onoue, Honami Suzuki, Nobuyuki Tsuchiya, Yûya Yagira, Yo Oizumi. Producción: Django Film, Nikkatsu. Distribución: Netflix. Género: biográfico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘No mires arriba’

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Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!

Crítica

Muy lúcida, muy punk, muy McKay

Pese al aspecto comercial de sus películas promovidas por grandes productoras y repletas de actores de gran caché, las últimas películas de Adam McKay han conseguido ser tanto o más punzantes que los documentales de Michael Moore. ‘La gran apuesta’ y ‘El vicio del poder’ han supuesto viento fresco para un ambiente podrido. Ahora el director vuelve con crítica y sátira estrenando ‘No mires arriba’ y no es que no defraude es que supera cualquier expectativa. Si sus anteriores películas tenían cierto grado de complejidad por su agilidad, los tecnicismos que utilizaba o los detalles más dirigidos al público estadounidense, conocedor de la política local, en esta ocasión ha hecho una obra la mar de sencilla, que no deja títere con cabeza y que a la vez resulta la mar de lúcida.

Soy de los que piensan que tanto el terror como la comedia son herramientas magníficas ora transmitir algo serio, pero solo unos pocos saben usarlas correctamente. En este caso McKay llega hasta una burla obvia y el terror que nos infunde es el que nos deja patente que estamos en un mundo tan estúpido que merecemos una extinción como la que borró del mapa a los dinosaurios. En ‘No mires arriba’ nos cuenta la historia de dos astrónomos que detectan un meteorito e intentan concienciar a la opinión pública y a las autoridades de que va a chocar contra la Tierra. Ni con una certeza del 100% consiguen la alarma que se merece tal descubrimiento. Ese punto apocalíptico que nos parece surrealista es el que se desarrolla y creedme, os vais a ver retratados. Es como si a Roland Emmerich le hubiese dado un ataque de sátira inteligente.

‘No mires arriba’ son 145 minutos de reír y reír con una bajona final (ojo que tiene post-créditos) en la que hemos de reconocer que tenemos lo que nos merecemos. Que no os asuste su duración porque de verdad que no paras de tener comedia en forma de sátira, crítica, parodia, surrealismo… se emplean chistes visuales y gags continuamente. McKay saca su lado más cómico para reírse del negacionismo, la frivolidad innata del ser humano, la escasa empatía que tenemos, el hambre de las corporaciones, el cómo bromeamos hasta con la muerte o trivializamos con sorna aquello que evitamos asumir como inevitable. ‘No mires arriba’ se ríe inteligentemente hasta del pin de la Agenda 2030 o de los conspiranoicos de QAnon (sobre los cuales ya produjo el documental que comentamos aquí). Se mete contra aquellos inútiles que nos gobiernan o están desperdiciando y desprestigiando posiciones de poder así mismo como a esos votantes que niegan verdades absolutas o se suman a ridículos retos en redes sociales. “No son tan inteligentes como para tener ese nivel de maldad” dice uno de los personajes cuando se refiere a los poderosos. Es por todo esto que trata y por lo directa que es, que me ha parecido de lo más punk.

El filme comenzó su andadura en febrero de 2020 pero ya que se ha rodado tras la pandemia y ha de recrear una roca en medio del espacio, cohetes, masas de gente… este es el trabajo que tiene más imágenes generadas por ordenador de toda la filmografía de McKay. Entre eso y el repartazo que luce intuyo que esta será su película más cara. Y ha merecido la pena pues el resultado es de 10, da de lleno en el clavo. ‘No mires arriba’ es la película que necesitamos como especie y que tras la presión o el desgaste emocional que llevamos nos levanta el ánimo.

Capitanean el filme Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como esos descubridores que llevan con un alto nivel de angustia y estrés toda la situación. Os van a encantar en los momentos más límite. Pero otros actores, encargados de la parte más paródica os llamarán más la atención. Como Mark Rylance en la piel de un ominoso CEO, la presidenta conservadora y oportunista de Meryl Streep, el retrógrado astronauta de Ron Perlman, el político enchufado de Jonah Hill, la vividora presentadora de Cate Blanchett… por personajes que no sea.

El tagline de la película dice “basada en hechos posibles” y la verdad es que muchos ya están pasando. Nos negamos la verdad y la eludimos voluntariamente a través de los datos y el entretenimiento que nos arrojan las pantallas de los móviles. Metemos ahí la cabeza cual borrico aislado de lo que le rodea por sus anteojeras. ‘No mires arriba’ nos anima a levantar la cabeza y a disfrutar de la vida, del impresionante planeta que aún tenemos. Si no os queda claro con lo sencilla que es y lo abiertamente que se expone haced por lo menos un poco de análisis de la última cena que se muestra en pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021 (24 de diciembre Netflix). Título original: Don’t look up. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Brittel. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Leonardo Dicaprio, Meryl Streep, Rob Morgan, Tyler Perry, Cate Blanchett, Mark Rylance, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis , Tomer Sisley. Producción: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘El lodo’

Sinopsis

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Una fuerte sequía castiga las vastas extensiones de arrozales en el Levante. Ricardo, un prestigioso biólogo, después de viajar por todo el mundo, tiene la oportunidad de volver a sus raíces para cumplir una misión, proteger el paraje natural donde vivía de niño. Las medidas que debe tomar le enfrentarán radicalmente a los lugareños, que ven atacada su forma de vida y subsistencia, un enfrentamiento que tendrá consecuencias inesperadas.

Crítica

Pese al reparto protagónico, me quedo con los secundarios

El primer largometraje como director de Iñaki Sánchez Arrieta fue ‘ZERØ’ y pudimos verlo el año pasado. Ese filme, transcurrido en un desierto, nos enganchó y nos gustó por cómo poco a poco su secreto se fue desgranando. Solo un año después el director nos asalta de nuevo en carteleras con otra de suspense, ‘El lodo’.

Cambiamos de escenario y nos vamos a un humedal del Levante. Hasta allí se muda una pareja con el objetivo de lidiar con una sequía que amenaza a la larga con acabar con el modo de vida de los lugareños y amenazar la seguridad de un ave protegida. El protagonista interpretado por Raúl Arévalo es original de esa zona, pero lleva tanto tiempo fuera que se le considera un extraño. Por esas y otras razones el ambiente es cada vez más violento.

‘El lodo’ es una película de rencor, odio y desconfianza. La cerrazón de los herméticos lugareños se enfrenta a la lógica de un forastero que solo busca ayudar. Ayudarles a ellos y de paso así mismo pues la familia busca ir a mejor. “De aquellos fangos estos lodos” dice la expresión y viene como anillo al dedo. Y es que el pasado acaba atrapando a los protagonistas de tal modo que todo explota.

Los flashbacks que empleó el director en ‘ZERØ’ me resultaron más efectivos. Algunas tramas aparecen precipitadas o poco argumentadas. Por ejemplo, en esta película hay algún trasunto que no queda del todo bien gestionado, como es el comportamiento de la niñera y las reacciones del personaje de Paz Vega hacia ella.

El filme cuenta con dos buenas primeras espadas como Paz Vega y Raúl Arévalo, que una vez más demuestra lo bien que navega por los thrillers, está claro que sabe encañonar y ser encañonado. Pero este es uno de esos filmes en los que me quedo más con el trabajo de los secundarios. Destacando a Joaquín Climent, quien ejecuta un difícil papel, de esos que se encuentran entre dos tierras, con el corazón empujando hacia un lado y el cerebro hacia otro. Su interpretación de un hombre sencillo y machacado es lo más verosímil del filme. De igual manera me ha gustado Susi Sánchez quien, apareciendo pocos minutos, llena toda la pantalla con su buen hacer.

El guión de ‘El lodo’ no es algo excesivamente revelador, de hecho, te cansas de oír “mi amor” o “hijo de puta”. Pero si tiene la capacidad de ir con su tensión in crescendo. Esta es una de esas películas donde un forastero llega con entusiasmo y se ha de enfrentar a lo taciturno y tosco de manera brusca. Argumentos ecológicos enfrentados al día a día de tradicionales agricultores o cazadores. Dos mundos que chocan y solo uno puede persistir. No es mal enfrentamiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de diciembre de 2021. Título original: El lodo. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Iñaki Sánchez Arrieta. Guion: Iñaki Sánchez Arrieta. Música: Amadeo Moscardó, Xema Fuertes. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Raúl Arévalo, Paz Vega, Joaquín Climent, Roberto Álamo, Susi Sánchez, Daniela Casas. Producción: Sunrise Pictures, El Lodo la película A.I.E., Vértice Cine. Distribución: Vértice Cine. Género: thriller. Web oficial: https://vertice360.com/ficha/1494/0/el-lodo-

Crítica: ‘Tierra de leche y miel’

Sinopsis

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En Sarajevo, Mirsada y su hija Vanesa sobreviven, después de 25 años, en el centro colectivo de Hrasnica, esperando una solución habitacional definitiva que nunca llega.

En Georgia, Bela, a sus 78 años, lucha cada día por recuperar los cuerpos de los desaparecidos en las guerras de Abjasia. A su vez, cientos de desplazados provocados por el conflicto comienzan a adquirir en Tblisi las prometidas viviendas gubernamentales. Sin embargo, a Dani, Gio y Vika, de 11 años, les cuesta asumir que tendrán que separarse y abandonar el barrio en el que han crecido. Y, en Grecia, Alia y Hussein, que huyeron de la guerra en Siria, esperan con anhelo la reunificación familiar y el reencuentro con su hija Zozan desde Polykastro, un limbo del que no es sencillo salir.

¿Qué conexiones pueden darse entre personas que habitan espacios separados por grandes distancias geográficas pero que comparten una misma herida: el exilio provocado por la guerra? La película profundiza en esta cuestión, asistiendo al día a día cotidiano de los protagonistas, personas desplazadas por las guerras de los Balcanes, Siria y Abjasia que, aunque sea en medio de ninguna parte, de un no lugar, comparten una grande y firme determinación de seguir buscando.

Crítica

Tan cerca del meollo de la cuestión, pero lejos de aportar datos

El documental ‘Tierra de leche y miel’ se ha quedado a las puertas de las nominaciones a los Goya y esta semana la película de Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes y Gonzalo Recio llega a cines de España. El largometraje ganador del premio DOC España en la anterior SEMINCI intenta ser una especie de ‘Babel’ procurando conectar tres regiones distantes entre sí pero que comparten un drama parecido, el de la pérdida de seres queridos y de la patria.

A caballo entre Grecia, Bosnia y Georgia, ‘Tierra de leche y miel’ nos cuenta la historia de personas que buscan encontrar el cuerpo de sus fallecidos o de reencontrarse con sus seres queridos. También de aquellas víctimas de crisis migratorias que van rebotando por Europa cual bola de pinball y desesperan por tener un hogar digno en el que hacer vida. El gran problema de esta película no es su temática sino su manera de contar estas historias.

Para lo cerca que se sitúa la cámara a la película le faltan datos. Se intenta contar la difícil situación de sus protagonistas pero a través de lo contemplativo y de lo costumbrista, la película muestra con tedio la cotidianidad de quienes pone frente a su cámara. Ya nos adelanta su prólogo de quince minutos que lo que hacemos con esta película es a asomarnos a una ventana a través de la que no se lanzan preguntas, solo miradas. Vislumbramos los quehaceres del día a día, comidas campestres, momentos con los nietos… Son momentos entrañables que retratan el modo en que tienen que vivir muchos europeos pero que no arrojan luz a la raíz del problema. Son escasas las imágenes de archivo que si nos dan alguna dimensión del lugar del que parten estas vidas.

Solo hay que ver las noticias para darse cuenta de que hace tiempo que el viejo continente dejó de ser una tierra de oportunidades, mal sitio para migrar, explotado hasta la saciedad, ya no da más de sí. Mal lugar para los protagonistas de este largometraje, gentes con aspiraciones amorosas, profesionales, domésticas… Nuestra Europa es una zona agotada y hastiada por viejas guerras que no han dado frutos aprovechables para las nuevas generaciones. Viendo ‘Tierra de leche y miel’ me da la impresión de que sí, hay un problema migratorio que quiere tratar el documental, pero también de que hay algo más de fondo que desconozco y que la película no acierta a destacar. Quizá aquellos más familiarizados en profundidad con la historia reciente de estos países saquen más partido al visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de diciembre de 2021. Título original: Tierra de leche y miel. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio. Guion: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio. Fotografía: Gonzalo Recio. Reparto principal: Bela, Daniel, Gio, Vika, Mirsada, Vanesa, Alia, Hussein. Producción: Zerkalo Films. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial: https://www.zerkalofilms.com/work/tierra-de-leche-y-miel/

Los 9 true crime españoles que están causando furor

Los reportajes centrados en crímenes reales cada vez más demandados

No son pocas las propuestas que nos llegan desde diferentes plataformas para acercarnos o esclarecer los hechos acaecidos en España. Reportajes, investigaciones y documentales sobre sucesos criminales que han causado impacto en nuestra sociedad y que ahora, rescatados del recuerdo, cobran otra dimensión y perspectiva. Uno de los últimos que se han estrenado es ‘Lucía en la telaraña’ que se ha sumado a los diversos documentales sobre el caso Wanninkhof, los cuales os hemos relatado aquí.

A continuación os enumeramos 9 producciones que giran en torno a true crime españoles que satisfarán la curiosidad de los adeptos a este género en auge.

Lucía en la telaraña (RTVE Play)

Esta producción de RTVE, en colaboración con El Cañonazo y The Facto, reúne en sus cinco episodios muchos de los temas más recurrentes del true crime, en especial la corrupción y la violencia machista. Dirigida por el tres veces ganador de un Emmy, Tomás Ocaña, y subdirigida por el periodista Rafael González, la producción indaga en el asesinato de la malagueña Lucía Garrido en un caso que, incluso sin haber terminado su proceso judicial, ha destapado no sólo un posible crimen de violencia de género, sino también una compleja trama de corrupción policial. De ahí la telaraña que dio nombre tanto a la investigación como a la serie.

‘Lucía en la telaraña’ se conforma a través de una matrioska narrativa en la que los giros de guion los aporta la propia investigación del caso: del asesinato machista a la corrupción policial y política, pasando por el tráfico de armas, corrupción urbanística, narcotráfico e incluso venta ilegal de animales exóticos, en unas circunstancias que resultarán muy familiares a los fans de Tiger King (Netflix), otro de los máximos exponentes del género. La verdadera España dentro de España, situada en la malagueña localidad de Alhaurín de la Torre.

Este título se une a una lista que no deja de crecer en RTVE Play. La plataforma, una reformulación de la extinta RTVE A la carta, está haciendo una fuerte apuesta por los contenidos de no ficción de calidad para dotar a su catálogo de producción propia. Antes de ‘Lucía en la telaraña’ llegaron Edelweiss, sobre la secta que captó a miles de españoles entre los 70 y los 2000 y Ruiz-Mateos: el primer fenómeno viral, centrada en el mediático empresario.

 

El Pionero (HBO Max) Crítica aquí

En lo que a la combinación de corrupción y Costa del Sol se refiere, Lucía en la telaraña tiene una clara predecesora. Si hay tres letras que asociamos con la ciudad de Marbella entre los 90 y los 2000 son G.I.L., siglas del partido con el que Jesús Gil llegó a gobernar algunas de las ciudades más importantes de la provincia de Málaga.

‘El Pionero’ nos traslada a ese momento de nuestra historia en el que ser corrupto era un motivo de orgullo y ostentación. La marca España real de la que la Marca España oficial quiso huir: urbanizaciones de lujo en primera línea de playa, bronceados imposibles, modelos en biquini sexualizadas en prime time, folclóricas paseando de la mano de políticos y una premisa terrorífica: (casi) todo el mundo tiene un precio.

 

Nevenka (Netflix)

2021 ha sido un año fundamental en la lucha mediática contra la violencia de género. Dentro del género documental, dos títulos han resultado claves para entender cómo los medios de comunicación han sido cómplices de la violencia machista. El primero de ellos es ‘Nevenka’, en el que nos reencontramos con la protagonista del famoso caso de acoso sexual por parte de Ismael Álvarez, alcalde de Ponferrada, a su concejala y compañera de partido Nevenka Fernández.

Nevenka ha necesitado dos décadas para reaparecer tras haber sido denostada por los medios y por los vecinos de su ciudad, que salían a manifestarse con pancartas que la denigraban tras haber ganado el juicio por acoso sexual contra el alcalde. Mirando a cámara en primer plano, ‘Nevenka’ cuenta por primera vez el coste personal de haber sido una pionera y cómo gestionó esos años de acoso mediático, social y judicial.

 

Rocío, contar la verdad para seguir viva (Mitele)

Si hablamos de moda dentro de lo que son true crime españoles, sobre todo entre la prensa rosa, debemos ir a otro título que ha devuelto al debate público la lucha contra la violencia machista y el más relevante dada su dimensión social. Es el emitido por Telecinco durante la pasada primavera. Una de las mujeres más conocidas de la prensa rosa, hija de la gran estrella de la canción española, narrando por primera vez cómo los medios no solo han permitido, sino que han contribuido activamente a que su expareja ejerza distintos tipos de violencia contra ella durante más de dos décadas.

Durante sus doce episodios y posteriores charlas en directo junto a expertas en violencia de género, la serie documental ha popularizado conceptos hasta ahora reducidos a círculos académicos o especializados en la materia como la violencia vicaria, revictimización o violencia institucional. El aumento de llamadas al 016 o de búsquedas de términos relacionados en Google desde su primera emisión son ejemplo claro del valor de servicio público del proyecto. A través de Mitele se pueden ver los episodios independientes o junto a sus charlas posteriores.

 

Muerte en León (HBO Max) Crítica aquí

Quizá quien ha puesto en marcha la revolución de los true crime españoles es este reportaje. “Aquí murió una bicha”. Nunca una pintada callejera contó tantas cosas. Una líder política (Isabel Carrasco) con mucho poder en su partido (PP) y en su provincia (León, de la que era Presidenta), asesinada en plena calle y a plena luz del día. Por otra parte, una joven ambiciosa que solo reclamaba lo que había visto que les daban a otros; una madre coraje y una amiga con el peor timing de su vida. Las cuatro protagonizan uno de los true crimes más fascinantes de nuestra historia, que vuelve a girar en torno a la corrupción política y sus múltiples tentáculos.

A diferencia del resto, en ‘Muerte en León’ las mujeres siguen siendo las víctimas, pero también son los verdugos de la historia. O al menos lo son en el relato oficial: quién maneja los hilos del crimen y de la investigación es una de las incógnitas que se tratan de resolver sus cuatro episodios regulares y ‘Muerte en León: Caso cerrado’, el especial que indaga en algunos de los impactantes datos relevados en el episodio 4 de la serie.

 

El Palmar de Troya (Movistar +)

El fervor religioso también es muy agradecido para las docuseries. Uno de los grandes exponentes en nuestro país es esta producción sobre uno de los fenómenos más impactantes y, sorprendentemente, poco explorado de nuestra historia reciente: cómo una pequeña localidad del sur de España acaba teniendo su propia catedral, su propia religión y su propio Papa.

Milagros, fenómenos sobrenaturales, oscurantismo, abusos y delirios colectivos son los condimentos de una serie que, como buen true crime, nos regala un gran giro de guion próximo al final, a la altura de los grandes true crime españoles.

 

El caso Alcàsser (Netflix)

Muchos sitúan el nacimiento de la telebasura en España con el momento en el que las televisiones experimentaban grandes aumentos de audiencia cubriendo la desaparición y posterior crimen de las adolescentes Miriam, Toñi y Desirée en el municipio valenciano de Alcàsser. Dos décadas después, asistimos con horror al relato de los hechos, a sus consecuencias para toda una generación de mujeres e incluso a la reescritura del propio relato oficial en los años 90. Tal es el impacto social que la publicación en Netflix ha desembocado en la aparición de nuevas pruebas.

Las secuelas del caso se extendieron desde el interior cualquier hogar donde vivieran mujeres adolescentes hasta los platós de televisión, pasando por los juzgados donde veíamos desfilar a Antonio Anglés y Miguel Ricart, los condenados por el terrible crimen. La serie navega entre los dos tiempos, enfrentando a sus protagonistas al papel que jugaron en su día, y no muchos muestran arrepentimiento.

 

Dolores. La Verdad Sobre El Caso Wanninkhof (HBO Max) Crítica aquí

Las niñas de Alcásser fueron las primeras y después vinieron otras muchas. Sin embargo, el caso del asesinato de Rocío Wanninkhof tiene un componente que le diferencia del resto. Es lo que la activista y escritora Beatriz Gimeno denomina “la construcción de la lesbiana perversa”. Una mujer inocente acaba en la cárcel sin que existan pruebas de su participación en el crimen solo porque se construye el falso relato de que odiaba a esa niña.

Dolores Vázquez se convirtió en el blanco perfecto: señalada por los medios y su propia pareja como evidente culpable, no había impedimentos morales para sacar la homofobia a pasear. Tras pasar varios años en la cárcel antes de que se demostrara su inocencia, Dolores ha permanecido alejada del foco mediático hasta el presente. Sentada frente a la periodista Toñi Moreno, por primera vez la voz de la protagonista es la que cuenta su historia.

El Estado contra Pablo Ibar (HBO Max)

Pablo Ibar comparte con Dolores Vázquez una sentencia condenatoria por un crimen que no ha sido probado. Sin embargo, el sistema judicial en Florida, el lugar donde fue detenido, y la condena a pena de muerte que le impuso la primera sentencia dificultan una resolución parecida.

De cómo el hijo de un pelotari vasco acaba siendo detenido por un triple asesinato, la debilidad de las pruebas que se presentan en el tribunal, las presiones que recibe el jurado popular y cómo se consigue repetir el juicio 16 años después trata esta serie de 6 episodios contemporánea de ‘En el corredor de la muerte’, la miniserie de ficción protagonizada por Miguel Ángel Silvestre sobre el mismo caso.

Tráiler de ‘Silent night’

Estamos deseando que llegue a cines… para verla de nuevo

Entusiasmados salimos en Sitges de la proyección de ‘Silent night’, os lo contamos aquí. Tanto nosotros como el resto de espectadores alucinó y gozó de esta película de Camille Griffin, la madre de Roman Griffin (‘Jojo Rabbit’) que aparece también en el filme. Esta película que llegará a través de Vértice Cine a salas de toda España el 22 de diciembre está producida por Matthew Vaughn (‘Kingsman: El círculo de oro’, ‘Rocketman’).

‘Silent knight’ está protagonizada por Keira Knightley (‘Rompiendo las normas’, ‘Descifrando enigma’), Matthew Goode (‘Downton Abbey’, ‘Secretos de estado’), Lily-Rose Depp (‘The King’, ‘La bailarina’) y Roman Griffin (‘Jojo Rabbit’).

Antes de ver el tráiler debéis tener en cuenta que la película se terminó de filmar en Reino Unido justo antes del primer confinamiento por el COVID-19. En septiembre de 2020, con la grabación de los últimos planos, se completó la producción.

Sinopsis oficial:

Mientras el mundo se enfrenta al apocalipsis, un grupo de viejos amigos se reúne para celebrar la Navidad en una idílica casa de campo en Reino Unido.

Incomodados por la idea de la inevitable destrucción de la humanidad, deciden afrontar la situación con tranquilidad, abriendo otra botella de Prosecco y continuando con la celebración… Pero, por mucho que quieran fingir normalidad, tarde o temprano, tendrán que hacer frente a la idea de que es su última noche.

Crítica: ‘El amor en su lugar’

Sinopsis

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Enero de 1942, 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un estrecho gueto en mitad de la ciudad. Fuera del muro, la vida sigue adelante. Dentro, sus habitantes luchan por sobrevivir. Sin embargo, el alto muro de ladrillos no consigue parar la creación de un grupo de actores judíos que, en una helada noche invernal, interpreta una comedia musical en el teatro Fémina. Los espectadores ríen y se emocionan ante una historia de amor, olvidando por un momento su difícil situación. Entre bambalinas, los actores se enfrentan a un dilema de vida o muerte ante la posibilidad de llevar a cabo una fuga después de la función.

Crítica

Rodrigo Cortes vuelve a mostrarnos su talento detrás de la cámara

‘El amor en su lugar’ es un drama basado en hechos reales que se desarrolla en el gueto de Varsovia en 1942 donde los judíos llevaban más de un año confinados por el régimen nazi.

La dirige y coescribe Rodrigo Cortés, un cineasta que ya nos dio muestras de su talento en ‘Buried’ (Enterrado) allá por el año 2010. Una película en la que manejaba su cámara en un espacio muy pequeño y nos conseguía mantener la tensión en todo momento.

En este caso, el cineasta nos traslada a las calles de Varsovia y lo primero que me sorprende al empezar la película es la facilidad que tiene para mostrarnos la miseria, el horror, la crueldad y en definitiva, la situación angustiosa que se vivía en el gueto. Y lo hace todo en un plano secuencia acompañando a los títulos de créditos iniciales. Una vez más aunque no de forma tan extrema, Cortés se maneja en un escenario bastante reducido con brillantez. El director español maximiza la expresión de “Una imagen vale más que mil palabras” y en apenas dos minutos ya nos pone en situación con ese plano secuencia introductorio que te sumerge en el conflicto y hace sentir al espectador cuán dura era la vida dentro del gueto y a qué condiciones estaban expuestos sus habitantes ahí recluidos.

A partir de ahí, el resto de ‘El amor en su lugar’ se desarrolla prácticamente en un teatro donde un grupo de sufridos actores intentan hacer que su público se evada de la angustiosa situación que todos están viviendo ahí con un musical de comedia romántica. El punto de inflexión llega cuando a nuestra protagonista, Stefcia, se le presenta la oportunidad de huir esa misma noche después de la función. A partir de ahí, empezamos a conocer un poco a los protagonistas en las idas y venidas al escenario y sus conversaciones entre bambalinas, entre escena y escena o incluso en el mismo escenario.

La película es tan dinámica que te hace sentir esa sensación de premura, esa urgencia de quien se está jugando la vida y nos mantiene en esa incertidumbre de cómo se resolverá la historia mientras Cortés se gusta en cada plano, a veces con cámara en mano para transmitirnos más realidad en algunas escenas, otras veces con primeros planos para ver el alma de sus personajes, mientras te sumerge más y más en el conflicto.

Decir que la ambientación está muy bien conseguida, con un buen diseño de producción, los actores todos están a la altura, aunque me gustaría destacar a Clara Rugaard (Stefcia) que es el personaje alrededor del cual gira todo lo demás y nos hace vivir su historia de principio a fin.

Una historia más dentro de la historia de la Segunda Guerra Mundial que te invita a la reflexión y te muestra los dos lados del ser humano. El más oscuro reflejado en los soldados nazis y lo que tienen que hacer por sobrevivir los propios judíos, y el más esperanzador reflejado en el amor de los personajes principales y las decisiones que tienen que tomar. En medio de esta carrera por la vida, esta lucha por la supervivencia, unos actores siguen representando su obra pese a todas las adversidades que se suceden esperando que su público les aplauda.

Rodrigo Cortés me ha conquistado de nuevo por llevarnos de la mano con su cámara y hacernos partícipes de cada momento con cada secuencia de esta película. Por reflejar de nuevo los horrores de la guerra y compartir esta historia con los espectadores.

‘El amor en su lugar’ es carne de premios, es carne de cine, de buen cine hecho con talento en todo su conjunto, y desde aquí y en mi humilde opinión, os recomiendo que vayáis a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Love Gets a Room. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés, David Safier. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://nostromopictures.com/es/film-detail/el-amor-en-su-lugar-proximamente

Crítica: ‘Black box’

Sinopsis

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¿Qué pasó a bordo del vuelo Dubai-París antes de que se estrellara en los Alpes? Mathieu Vasseu, un técnico de la BEA, la autoridad responsable de las investigaciones de seguridad en la aviación civil, es el investigador jefe en este desastre aéreo sin precedentes. ¿Error del piloto? ¿Fallo técnico? ¿Acto terrorista? El cuidadoso análisis de las cajas negras empujará a Mathieu a realizar su propia investigación en secreto. Aún no sabe hasta dónde le llevará su búsqueda de la verdad.

Crítica

‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio

La mayoría de la gente ignora qué esconde realmente una de esas mal llamadas cajas negras, porque de entrada actualmente son naranjas. Para los más desconocedores basta con indicar que son unas cajas metálicas del tamaño aproximado al de una caja de zapatos que permiten esclarecer causas de fallos o accidentes ya que tienen una gran resistencia a líquidos, impactos o fuego y en su interior se registran datos, tan funestos como los últimos audios de la cabina o su telemetría. Una de las virtudes de ‘Black box’ no solo reside en mostrar muy visualmente el cómo son o la manera en cómo se manipulan esos dispositivos, si no el revelar que en ellos hay un pequeño circuito y que su localización tras un accidente habilita llevar a cabo una minuciosa investigación.

La trama de ‘Black box’ se centra en un talentoso analizador de audios y datos que trabaja para la BEA, siglas en francés para “Oficina de Investigación y Análisis para la Seguridad de la Aviación Civil”. A él se le asigna el caso de un accidente sucedido en un vuelo Dubai-París del que no sobrevive nadie. Un caso de muchísima importancia que haría que cualquiera sucumbiese a la presión. Y eso es lo que tiene la cuarta película de Yann Gozlan, una presión que hace que el ambiente se tense más y más según avanza la trama.

Pierre Niney repite protagonismo con el director y se encarga de transmitirnos ese nerviosismo, esa intriga que para mí es el punto fuerte de ‘Black box’. Pero más allá de la buena interpretación del actor francés está el rodaje que nos plantan en la pantalla grande. El montaje y los recursos visuales empleados contribuyen a meternos en la piel del protagonista. La celeridad con que maneja sus herramientas, el ritmo al que aumentan sus sospechas, el cada vez más elevado tono de las conversaciones. ‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio. Durante la mitad del filme nos tiene intrigados con un par de MacGuffins y posteriormente se convierte en una historia de conspiraciones, pesquisas y paranoias la mar de vibrante.

Pero no todos son virtudes. La resolución de la película, aunque factible, cae en los tópicos de las películas de investigaciones y complots. Ya no solo por la solución que nos dan si no por cómo se acaba descubriendo y desvelando. Sin embargo ese final tan manido y más propio de películas de espías no mancha este largometraje que además de mostrar los intríngulis posteriores a un accidente aéreo pone en relevancia que tras cada crítico o inspector casi siempre hay una profesión frustrada.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Boîte noire. Duración: 129 min. País: Francia. Dirección: Yann Gozlan. Guion: Nicolas Bouvet, Yann Gozlan, Jérémie Guez, Simon Moutairou. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Yann Gozlan. Reparto principal: Pierre Niney, Lou de Laâge, André dossollier. Producción: Wy Productions, 2425 Films, StudioCanal, France 2 Cinema, Panache Productions, La Compaigne Cinématographique. Distribución: VerCine. Género: suspense. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/467-black-box-2021/

Crítica: ‘Nido de víboras’

Sinopsis

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Los destinos de un mediocre grupo de desgraciados comienzan a converger a medida que se desmoronan. Joong Man lucha por llegar a fin de mes trabajando en una sauna mientras cuida de su madre enferma, pero un día se encuentra una bolsa llena de dinero en los vestuarios. Tae Young intenta arreglar que su novia se haya dado a la fuga con el dinero que él había pedido a un prestamista. Poco después, un cadáver aparece misteriosamente. Mi Ran, acorralada entre las agresiones de su marido y su trabajo sin futuro como chica de alterne, encuentra a un joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja. Así arranca este juego despiadado que solo puede ganar el más fuerte.

Crítica

Alimentando aún más el éxito de las producciones coreanas

Más allá de necesitar ser reivindicado, el cine coreano y su ficción televisiva han llegado por fin al punto de convertirse en populares e incluso mainstream, prueba de ello es el reciente éxito de Netflix, ‘El juego del calamar’. Sobre gustos no hay nada escrito y predecir qué producción va a ser la siguiente en convertirse en viral o en éxito mundial es imposible. Pero sí que es cierto que en los últimos años se percibe al cine coreano como una apuesta casi segura, una nueva opción de calidad a tener en cuenta.

‘Nido de víboras’ confirma esa tendencia que alimenta aún más nuestra buena percepción del cine que sale de Corea del Sur. Es una película de enredos, de cruce de caminos con muchos personajes y una trama repleta de puñaladas. Kim Yong-hoon emula a su estilo a los Coen y nos propone una historia coral y fatal pero a su vez con humor negro. Un thriller que bien podría competir con ‘La casa torcida’, ‘Pulp Fiction’, ‘Puñales por la espalda’ y similares. Entorno a un mundo criminal se mueve un abanico de personajes variopinto, diverso, de tal modo que las reacciones y resultados son imprevisibles. Y el guion se va enrevesado hasta tal punto que al final acaba haciendo hasta gracia.

Sobra decir que la calidad de ‘Nido de víboras’ no alcanza a mitos como la película de Tarantino o las mejores obras de los autores de ‘Ladykillers’ o ‘Fargo’, pero el puzle que compone no tiene nada que envidiar. Todo parte del libro de Keisuke Sone y ciertamente el sabor es muy novelesco. Los participantes de esta historia son una prostituta, una madame, un funcionario, mafiosos, un portero de discoteca, un detective al más puro estilo Colombo, el empleado de una sauna… Sobre el papel no se sabe cómo podrían confluir todos estos “desgraciados” y cuando arranca el filme seguimos sin saberlo. Es a mitad de la historia y en su mismo desenlace cuando se cierra el círculo de tal modo que uno acaba creyendo en el karma.

La acción transcurre en muchos escenarios diferentes, pero casi siempre en interiores o cuando nos movemos al aire libre es siempre a la luz de la luna o de las frías luces de la ciudad. Kim Yong-hoon emplea en su debut un marcado estilo visual que me ha recordado a películas como ‘I saw the devil’, ‘El lago del ganso salvaje’ o ‘Sympathy for Lady Vengeance’ por mencionar otras asiáticas que también aprovecho a recomendar.

La violencia y el destino son partes fundamentales de ‘Nido de víboras’. Una película de traiciones y buscavidas, de míseros y miserables. Aunque hay muchas historias que seguir el filme no se hace lioso, exige menos atención de la que a priori parece demandar y además deja todas las tramas cerradas, cosa que se agradece.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Beasts That Cling to the Straw. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Yong-hoon. Guion: Kim Yong-hoon. Música: Nene Kang. Fotografía: Kim Tae-Soo. Reparto principal: Jeon Do Yeon, Jung Woo Sung, Bae Sung-woo, Youn Yuh Jung. Producción: Megabox Plus M. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: http://klockworx-asia.com/warasuga/

Entrevista a Kim Yong-hoon director de ‘Nido de víboras’

«Los personajes que se ven abocados a un sistema capitalista»

El 3 de diciembre llega a cines otra película coreana llamada a conquistar a los espectadores. ‘Nido de víboras’ (crítica aquí) está dirigida por Kim Yong-hoon y es un filme coral, con personajes miserables. Un largometraje mitad comedia negra mitad suspense con un entramado muy criminal y a merced del azar o las malas decisiones. En esta historia una bolsa de dinero aparece ante un modesto trabajador de un pequeño establecimiento. Todo gira en torno a ese botín y a aquellos que lo buscan o se cruzan en su camino.

El debutante Kim Yong-hoon es también el guionista de esta obra que surge de la novela de Keisuke Sone. Hemos tenido oportunidad de hablar con él y preguntarle por este nuevo estreno que nos acerca Festival Films.

¿Qué te atrajo de la novela para convertirla en la que además es tu primera película?

Era interesante que los personajes en situaciones desesperadas se vieran sacudidos por la codicia de un momento y se convirtieran en bestias, y que se resolvieran en una estructura no lineal que no seguía el orden cronológico.

Los personajes de la historia son del tipo oportunista y perdedor. ¿Cómo puede sobrevivir alguien a un nido de víboras como este?

Los personajes eran gente corriente en el pasado, y se encontraban en un estado en el que los cimientos de la vida no estaban rotos. Sin embargo, debido a sus propios defectos o a las circunstancias, se convirtieron en personas dispuestas a agarrarse a un clavo ardiendo después de haber caído al suelo y haberse visto obligadas a arrinconarse. Cuando estos personajes se convierten en bestias por la codicia del momento, creo que funciona la ley de la selva, que es el principio básico del mundo de las bestias. Creo que en el mundo de las bestias sobrevive el depredador más feroz.

Tu película tiene cierto grado de violencia, háblame de cómo está vista la violencia cinematográfica en Corea.

En Corea, la reacción estuvo dividida. Hubo gente que pensó que había menos violencia de la esperada y para algunos, era demasiado violenta y se sentían incómodos. Personalmente, pensé que era necesaria para desarrollar la historia. Es que no considero esta película como una película que sólo muestra violencia.

El cine coreano siempre nos ha traído buenas obras, pero… ¿por qué cree que ahora tiene tanto éxito fuera de sus fronteras?

Creo que es una combinación de varios factores. Corea comenzó a formar el sistema de la industria cuando el capital de las grandes empresas se apresuró a entrar, y gracias a esto, la buena mano de obra está entrando en la industria. Además, se han producido constantemente películas de bajo presupuesto que persiguen la originalidad, lo que ha contribuido a crear grandes cineastas.

En especial, creo que directores como BONG Joon-ho (‘Parásitos’), PARK Chan-wook (‘Old boy’), KIM Ki-duk (‘Hierro 3’), KIM Ji-woon (‘Dos hermanas’) y HONG Sang-soo (‘Ahora sí, antes no’), que han construido su propio mundo y estilo, han influido mucho en el cine coreano desde principios del 2000.

¿Crees que la buena acogida internacional de esta película guarda relación con otros éxitos violentos o llenos de miseria como ‘Old boy’, ‘Parásitos’ o ‘El juego del calamar’?

Parecen tener similitudes en cuanto al tratamiento de personajes que se ven abocados a un sistema capitalista.

Viendo la película me han venido a la cabeza películas como ‘Pulp Fiction’ y ‘Quemar después de leer’. ¿Son Tarantino y los Coen referentes para ti?

Personalmente, son directores que admiro. Creo que ver sus películas una y otra vez me afectó de alguna manera y salió en la película.

¿Ha servido la bolsa de dinero como objeto metafórico del sueño de ser director que sientes tú mismo?

Si consideras la bolsa de dinero como el medio de querer agarrarte a un clavo ardiendo, puede que lo veas así. Pero yo no me lo planteé desde esa razón mientras hacía la película.

Muchas gracias a Kim Yong-hoon por una película que nos a agradado tanto y por su tiempo al responder a estas preguntas.

Crítica: ‘Cazafantasmas: más allá’

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Del director Jason Reitman y el productor Ivan Reitman, llega un nuevo capítulo del universo original de ‘Cazafantasmas’. En ‘Cazafantasmas: más allá’, una madre soltera y sus dos hijos se mudan a un pequeño pueblo donde descubrirán su conexión con los orígenes de los cazafantasmas y el legado secreto que su abuelo les ha dejado. La película está escrita por Jason Reitman y Gil Kenan.

Crítica

Un bonito homenaje para ‘Los Cazafantasmas’ y sus fans

Hemos tenido la oportunidad de poder ver con antelación ‘Cazafantasmas: más allá’. Antes de comenzar el visionado tuvimos un pequeño mensaje de Jason Reitman, pidiéndonos por favor no estropear la magia de la película con spoilers y que dejemos disfrutar de ésta a los futuros espectadores.

Así que sin spoilers y con mucha ilusión os comienzo a hablar de ‘Cazafantasmas: más allá’. Una madre soltera debe marcharse a una cabaña abandonada en el fin del mundo con sus dos hijos, al estar con el agua hasta el cuello de deudas. Así comenzamos la película y así vamos descubriendo poco a poco el por qué deben marcharse hasta allí y por qué al final no todo es tan malo.

Antes de comenzar a adentrarme mucho en la cinta, he de decir que mis ilusiones hacia esta película han ido como una montaña rusa. Es decir, veía imágenes y me volvía loca de alegría. Vi uno de los tráilers y dije «¿Pero qué es esto por favor?» indignada hasta más no poder. Al pase fui totalmente indiferente y sin apenas expectación. Qué buena cosa, porque la verdad salí encantada y me divertí un montón con el sorpresón de película que encontré.

Además de que comienza sin miramientos, presentándonos a esta familia tan complicada. Una niña que es un genio, un hermano mayor con las hormonas alteradas que no es tan listo, pero siempre está dispuesto a todo. Y una madre un tanto desastre, que está intentando sobrevivir con lo que tiene. Añadimos a esto a un profesor que es un fanático de los Cazafantasmas y a un niño que recuerda mucho al personaje de Tapón en ‘Indinana Jones: El templo maldito’.

‘Cazafantasmas: más allá’ es un homenaje a las dos primeras cintas de la saga, sobre todo a la primera. Una cinta nostálgica que quiere revivir ese mundo que tantas horas de entretenimiento nos han dado a muchos gracias a los repetidos visionados de las películas. Además es un homenaje a ese cine de los años 80 que, para que vamos a engañarnos, tanto echamos de menos.

Aventuras, valores, amor y también inocencia, ese cine que nos enseñaba mucho con una película de aventuras. A valorar la amistad y a creer en nosotros mismos, pese a quizás ser un poco más raritos de lo que supuestamente era ser normal.

Además otra de las maravillas que me he encontrado en la película ha sido el tema de efectos especiales. Que disfrute, han mimetizado el CGI con animatrónica de una manera espectacular. Dándonos imágenes del pasado sin modernizarlas pero sí mucho mejor realizadas.

Jason Reitman, pese a ser un gran director, lo tenía bastante difícil con esta película y creo que sin duda ha hecho un gran trabajo.

En el reparto nos encontramos con Mckenna Grace, os lo he dicho mil veces, pero esta chica apunta maneras y lo demuestra en cada nuevo trabajo que realiza. Está estupenda en su papel, muy al estilo Sheldon Cooper, sin llegar a ser tan pedante. Finn Wolfhard, vuelve a meterse en un traje de Cazafantasmas después de lucirlo en ‘Stranger Things’, y sin duda hace un papel bastante currado. Logan Kim, que maravilla de personaje le han dado a este muchacho y que bien lo hace. Muchos cogeréis cariño a Podcast y disfrutaréis un montón con sus tonterías. Carrie Coon y Paul Rudd son los encargados de dar vida a la parte adulta, tampoco demasiado, de la película y cumplen con su cometido perfectamente.

Por lo demás, como he dicho que no quiero desvelar sorpresas, porque merecen mucho la pena disfrutadlas, id a verla, id a disfrutar y a dejaros llevar por esta nueva aventura de los Cazafantasmas. Un homenaje a estos Cazafantasmas que tanto adoramos, un homenaje a los fans y sobre todo un precioso homenaje a Harold Ramis al que está dedicada la película y que además es uno de los guionistas de la misma.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Ghostbusters: Afterlife. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Gil Kenan. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Paul Rud, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Mckeenna Grace, Sigourney Weaver, Celeste O’Connor, Logan Kim, Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine, Oliver Cooper. Producción: Columbia Pictures, BRON Studios, Ghostcorps, Sony Pictures, The Montecito Pictures Company. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/ghostbusters/

Tráiler de ‘DC Liga de Supermascotas’

Dwayne Johnson pone voz a Krypto

Dar vida al personaje Black Adam no es lo único que Dwayne Johnson va a hacer para el matrimonio DC/Warner. También pone voz a Krypto, el Superperro. Y lo hace en la nueva película de animación ‘DC Liga de Supermascotas’, el largometraje de acción y aventuras dirigido por Jared Stern el guionista de películas como ‘Los amos del barrio’ o ‘Batman: la LEGO película’.

Este filme que fue anunciado durante el último DC Fandome llegará a cines el 20 de mayo de 2022 para contar como Krypto el Superperro usa los mismos poderes de para salvar al hombre de acero. Para ello convence a una pandilla callejera de lo más heterogénea (Ace el Bati-sabueso, CV la Cerdita Vietnamita, Merton la Tortuga y Chip la Ardilla). Entre todos han de salvar a todos los superhéroes de Metrópolis.

‘DC Liga de Supermascotas’ está producida por Patricia Hicks, Dwayne Johnson, Dany García, Hiram García y Jared Stern. Los productores ejecutivos son John Requa, Glenn Ficarra, Nicholas Stoller, Allison Abbate, Chris Leahy, Sharon Taylor y Courtenay Valenti. El equipo creativo de Stern incluye al diseñador de producción Kim Taylor y los montadores David Egan y Jhoanne Reyes. La música es obra de Steve Jablonsky.

Crítica: ‘La casa de Gucci’


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Inspirada en la impactante historia real del emporio familiar tras la legendaria firma de moda italiana, ‘La casa de Gucci’ nos descubre, a lo largo de tres décadas de amor, traición, decadencia, venganza y, en último término, asesinato, el verdadero significado de un apellido, su valor y lo lejos que puede llegar una familia para hacerse con su control.

Crítica

‘Falcon Crest’ en plan caro

Ridley Scott vuelve a salirse de la ciencia ficción y la fantasía y nos cuenta una historia real como ya hizo en ‘Todo el dinero del mundo’. Me temía que al ser una historia llena de ostentación y extravagancia cayese en los errores de aquella aberración que se llamó ‘El consejero’ pero en ‘La casa de Gucci’ domina más la elegancia.

Mauricio Gucci y Parrizia Reggiani son los protagonistas de la historia de un imperio devorado por elegantes hienas con alma de camorrista. Una guerra que se alarga a hoy en día pues la esposa y verdugo de Mauricio está disputándose el legado contra sus propias hijas. La historia de ‘La casa de Gucci’ parece de telenovela pero ocurrió así. Las traiciones, desamores o acciones emprendidas por los personajes de la película tuvieron lugar en la realidad. Una familia tipo ‘Dinastía’, con sus abuelos, tíos y parejas se disputan un multimillonario patrimonio, haciendo lo que sea para no caer en la miseria.

Igual de multimillonario es el reparto y por desgracia ahí vienen los problemas del filme. La película es más bien una herramienta divulgativa, no tiene enjundia ni es punzante. Personalmente solo me parece interesante cuando nos alejamos del salseo sentimental y el filme se inclina a lo meramente empresarial. Y me imagino que para poder poner ahí el logo de Gucci han tenido que llegar a un acuerdo comercial, y claro, no puedes morder la mano que te da de comer. Una prueba de ello son los anuncios que Jared Leto ha hecho para la marca. Sin duda esta producción en manos independientes habría tenido más mordiente y realismo.

Ciertamente la película tiene mucho sabor italiano y más que habría tenido de haberse rodado con actores del país con firma de bota. Si la hubiese hecho Scorsese probablemente estaríamos hablando de una cinta mucho más centrada en las maneras de la vieja escuela de la que viene Gucci y también en lo delictivo además de que sería más larga, aún más. Ese sabor a la Italia de la Toscana nos lo da sobre todo Lady Gaga. La cantante hace una interpretación para nominaciones. No me la imaginaba convertida en toda una señorona italiana de los ochenta. Pero además se alza como la gran villana de ‘La casa de Gucci’. Si no conoces la historia real piensas con sentimiento de culpa y prejuicios que es una buscona o una lagarta que tiene un clarísimo plan en mente. Pero tanto el largometraje como los hechos reales que se han dado en los últimos años te dan la razón.

Otro que igualmente está para lanzarle estatuillas sin parar es Leto. También con un trabajazo de acento y aún más de maquillaje interpreta al excéntrico Paolo Gucci. Un papel de lo más raro y complejo que le viene como anillo al dedo y tras el que se esconde sin ser reconocido, a no ser que leas su nombre en los créditos. Con ese personaje vivimos otras de las incongruencias de ‘La casa de Gucci’. ¿Es un biopic serio o es paródico? Me parecen ridículas algunas de las escenas de Paolo y toda la parte de Salma Hayek, pero claro, son indispensables en esta historia que si tiene momentazos o frases a recordar, la mayoría de las mejores para Pacino. A veces da la impresión de que Scott solo quiere reírse de este clan indispensable en la moda del siglo XX pero en otras parece que quiere mantener un hermetismo excesivamente respetuoso.

Obviamente Adam Driver acapara mucha parte de la película, si no el que más. Su personaje aboga por una vida sencilla, no sé si sería así realmente, pero acaba defendiendo su herencia como un perro acorralado. Aunque no se le parece el actor tiene la elegancia y el porte que pide tan sofisticado apellido.

La película a veces tiene esa distinción del imperio italiano y quizá por eso su mayoría guarda demasiado las formas. Tiene trapos sucios, intrigas, manipulación, pero como comentaba son más propias de ‘Falcon Crest’ o ‘Dinastía’. La película no tiene méritos cinematográficos más allá de las interpretaciones que he comentado, alguna escena como el primer cara a cara entre Irons y Pacino y el diseño de vestuario que se postula frente a ‘Spencer’ como uno de los candidatos al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: House of Gucci. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Al Pacino, Jeremy Irons, Salma Hayek, Jack Huston, Reeve Carney, Camille Cottin, Youssef Kerkour, Madalina Ghenea. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Scott Free Productions, Bron Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/house-of-gucci/

Crítica: ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’

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Volviendo a los orígenes de la tremendamente popular franquicia ‘Resident Evil’, Johannes Roberts, fan y cineasta, vuelve a dar vida a los juegos para una completa nueva generación de seguidores. En ‘Resident Evil: bienvenidos a raccoon city’, la que fue una pujante ciudad sede del gigante farmacéutico Umbrella Corporation, Raccoon City, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo la superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.

Crítica

Mucho mejor ambientada, pero muy atropellada

Johannes Roberts es el director de esta nueva versión cinematográfica de ‘Resident Evil’ que fue anunciada cuando aún estábamos viendo en cines ‘Resident Evil: El capítulo final’. Podríamos decir que este es un reboot pero la verdad es que las adaptaciones de la saga de videojuegos ‘Resident Evil’ se han estado orientando por otros derroteros desde el mundo de la animación. Esas películas con dibujos hechos por ordenador son mucho más canonicas que todas las que han surgido de acción real, incluida esta última.

El director de ’47 meters down’ o ‘Los extraños: cacería nocturna’ es el encargado de intentar lograr mayor similitud con los videojuegos. Y en parte lo consigue, pero no del todo. Me imagino a los directores de casting y los miembros de las productoras partiéndose la caja con la decisión de no escoger actores parecidos a los personajes del juego y el marketing viral que se les hace solo en las redes. Pero tendrían que haber pensado si el reparto va a cumplir con cierto nivel, que aunque esto sea la adaptación de un juego de matar zombies hay cierto fandom al que satisfacer y espectadores que respetar. Hay aciertos en el casting como Robbie Amell en la piel de Chris Redfield, Lily Gao como Ada Wong, la caracterización de Lisa Trevor e incluso compro a Tom Hopper como Wesker (muy apropiado pasando de ‘The Umbrella Academy’ a las filas de Umbrella). Pero tiene incongruencias grandes para con los juegos como Avan Jogia en el rol de Leon, no solo por su inexistente parecido, más bien por el carácter de pardillo que le ponen cuando él es de los más eficientes cuando estás con el mando en las manos.

La ambientación si que está mucho más conseguida que en las películas de Paul W.S. Anderson. Reconocemos la Mansión Spencer y la comisaría de la primera y segunda entrega respectivamente. Agradezco que la película no se centre en encerrar a los personajes en una sola localización pues habría pecado de demasiado típica, para eso ya tenemos ‘Amanecer de los muertos’ o ‘Train to Busan’. Lo que sucede es que aunque los jugadores quedamos congratulados con la escenografía y con la gran cantidad de detalles del juego que hay (como algunos nombres e incluso puzles), estos pasan demasiado rápido y la historia se diluye, no tenemos el suficiente trasfondo. Un background que además agradecerían los profanos de la franquicia de Capcom pues verán en ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’ una película más de zombies, como un episodio caro de ‘The Walking Dead’.

De igual manera que el elenco de protagonistas ha quedado demasiado apelotonado y precipitado en un mismo sitio, como si esto fuese ‘Friends the reunion’, aparecen las bestias del juego. Desde los típicos zombies hasta los famosos Lickers y dobermans. El Boss, pues es el Birkin del segundo juego interpretado por Neal McDonough, pero se lo ventilan en un pis pas. Por lo menos en este caso no tenemos algo tan calamitoso como lo de su Bison en ‘Street fighter’ pues fue calamitoso.

Tales han sido las ganas de meter personajes que se han tergiversado bastante sus trasfondos individuales. Pero en líneas generales si tenemos la historia de esa corporación que es Umbrella, omnipresente, malvada y falible. La empresa del logo rojiblanco envenena a la ciudad y surge el estallido zombie de 1998. Hay algún que otro fallo, como que el boss final se dedique a llamar a Chris Redfield sin saber que estaba en la misma estancia, pero al menos la historia tiene mucha acción y una pizca, solo una pizca, de terror.

Hay que reconocer que esos juegos que cogían el testigo del ‘Alone in the dark’ daban miedo o nerviosismo por esa mezcla de neoclásico y revival gótico. Pero sobre todo por la interfaz para cambiar armas y la torpeza de movimiento de los jugadores, equiparable a la de un zombie. Era la época. La música también inquietaba y en este caso Mark Korven (‘El faro’, ‘La bruja’, ‘Cube’) consigue algunos momentos dignos, aunque la cancioncilla infantil que se repite de fondo queda ridícula. Aquí solo hay un par de escenas para tenernos atemorizados. Se nota en esos momentos que Johannes Roberts quiere hacernos pasar miedo con buenos planos, en ocasiones con unos movimientos de cámara, zooms y colores que nos recuerdan al horror de los ochenta, sobre todo de Carpenter.

Se clavan instantes como el primer encuentro con zombies del juego o el recuerdo de Alexia y Alfred Ashford. ‘Residente Evil: bienvenidos a Raccoon City’ tiene muchos regalos para el recuerdo de los gamers y emociones para los no jugadores. Sería una película más de zombies si no fuese por esos huevos de pascua. Quedaos a los post-créditos porque parece que quieren seguir con esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Resident Evil: Welcome to Raccoon City. Duración: País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Johannes Roberts. Música: Mark Korven. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Chad Rook, Lily Gao, Nathan Dales, Stephannie Hawkins, Josh Cruddas, Marina Mazepa. Producción: Constantin Film, David Films. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, acción, terror. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/residentevilwelcometoraccooncity

Crítica: ‘La hija’

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Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.

Crítica

Mucho talento y poca chicha

El reparto de ‘La hija’ incluye a dos grandes actores de nuestro panorama actual, Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz. Junto a ellos, ya que este es un filme de protagonismo repartido a tres bandas, está Irene Virgüez. Los dos primeros interpretan a un matrimonio que vive aislado en parajes jienenses y que acoge en su casa a una quinceañera conflictiva que está embarazada. Al poco de empezar el filme ya sabes qué intenciones tienen unos y otros y en ese momento es en parte cuando me han perdido.

Quizá mi opinión de esta película sea impopular, el tiempo y la audiencia dirán. Quizá pase como cuando digo que tampoco me gusta Vetusta Morla, que interpreta el tema principal de la película. Yo lo siento pero no entro en esas películas que alargan sus secuencias y planos de manera innecesaria, sin que estos aporten matices a la trama. Sobre todo cuando no cabe aguardar más giros o cuando he podido predecir el juego y “sorpresas”. No me voy a hacer el listo pues el ultimísimo giro no me lo esperaba. Es un remate que estaba entre lo poco probable y aunque este llegue tarde le da algo de emoción a los últimos minutos.

La otra parte en la que me han perdido es con la elección de Irene Virgüez. No me he podido creer su personaje al no parecerme natural. Casi siempre y casi para cada frase que tiene luce una sonrisa impostada que impide que parezca esa muchacha que está en un momento crucial y ha sido castigada por la vida. Su guión no es fácil pues ejecuta a alguien con un profundo dilema. Pero le pasa factura la falta de tablas, tanto actoralmente como por edad.

‘La hija’ tiene cosas a rescatar. Es indudable el penetrante colorido de la naturaleza que explota el filme o el partido que le sacan a la fotografía cuando esta se tiñe de grises. Pero si hablamos de momentos contemplativos es López Arnaiz quien nos da algunas miradas en las que aguanta el plano transmitiéndonos mucho. Con los duelos entre ella y Virgüez nos llega un discurso moral importante, pero escasamente explorado.

Es una pena que con todo lo que me gustó ‘El autor’ la nueva película de su director me haya defraudado. Quizá tirar más de humor negro o de sátira se le dé mejor que el generar un thriller. En ‘La hija’ juega mucho con los deseos de sus personajes pero estira una idea que si hubiese tenido más sorpresas o se hubiese mojado con temas actuales habría tenido mucho más jugo que extraer. Como decía al principio, en el reparto hay talento, pero el guión no nos expone gran cosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: La hija. Duración: 122 min. País: España. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guion: Alejandro Hernández, Manuel Martín Cuenca. Música: Vetusta Morla. Fotografía: Marc Gómez del Mora. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez, Sofian Elben, Juan Carlos Villanueva, María Morales. Producción: La Loma Blanca PC, Mod Producciones, Movistar+, TVE, ICAA, Canal Sur Televisión. Distribución: Caramel Films. Género: suspense, drama. Web oficial: http://lalomablanca.com/la%20hija/

Crítica: ‘Lamb’

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María e Ingvar viven aislados con su rebaño de corderos en una isla de Islandia. Cuando descubren un misterioso recién nacido, deciden quedárselo y criarlo como su propio hijo. Esta nueva perspectiva trae mucha felicidad a la pareja, pero la naturaleza les tiene reservada una última sorpresa…

Crítica

Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento

La última ganadora del Festival de Sitges no podía tardar más tiempo en llegar a cines. ‘Lamb’ es un filme de Valdimar Johannsson que pese a su “estilo nórdico” (como acuñamos en nuestro directo sobre la última edición del festival de cine fantástico) logra atraparnos e incentivar nuestra atención. Una película extraña, metafórica y cargada de mensaje.

Un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason vive en una granja viviendo de sus bovinos. Durante la Navidad dan a luz muchos de sus animales e insólitamente uno de ellos pare a un híbrido, una niña mitad humana mitad carnero. Todo esto sucede en un escenario que se nos muestra a veces con parsimonia, en los siempre impresionantes parajes de Islandia. ‘Lamb’ desarrolla a su ritmo y a su manera un discurso sobre la pérdida, la maternidad y la naturaleza. Los actores interpretan tan bien la aflicción que sienten que además de tener una película interesante por todas las cuestiones que planeta es una obra artísticamente rica.

El guión nos dispone situaciones escasas de diálogos, pero esta es una historia animalista, en varios sentidos, en lo que se refiere al método usado para contarnos la historia se refiere a que tenemos que entender a los personajes de igual manera que a nuestros animales, haciendo más caso a sus expresiones no verbalizadas.

El hecho de que todo suceda en Navidad, que la protagonista se llame María o que el cartel nos recuerde a alguna Virgen de las Rocas nos dice que puede haber un pequeño componente o símil religioso. Pero Jóhannsson nos proporciona una historia que pugna por la evolución, tanto humana como personal.

El componente fantástico de la película es una herramienta útil para desarrollar las pretensiones del director. Ese elemento raro, hay que reconocer que es muy raro, sirve para algo más que diferenciarse de otras historias tipo folk horror. Hay que echarle paciencia pues cuando llega su final, sus últimos cinco minutos, nos explota la cabeza y vais a oír más de un “¿paro qué…?”. Es un peculiar cuento bien desarrollado que terminará derrumbando todos los escepticismos que haya podido generar. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Lamb. Duración: 106 min. País: Islandia. Dirección: Valdimar Jóhannsson. Guion: Sjón Sigurdsson, Valdimar Jóhannsson. Música: Þórarinn Guðnason. Fotografía: Eli Arenson. Reparto principal: Noomi Rapace, Björn Hlynur Haraldsson, Hilmir Snær Guðnason, Ester Bibi. Producción: Black Spark Film & TV, Film I Väst, Go to Sheep, Madants. Distribución: Vértigo Films. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://a24films.com/films/lamb

Crítica: ‘Espíritu sagrado’

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José Manuel y el resto de miembros de la asociación ufológica Ovni-Levante se reúnen semanalmente para intercambiar información sobre mensajes extraterrestres y abducciones. Julio, su líder, muere inesperadamente, dejando a José Manuel como el único conocedor del secreto cósmico que puede alterar el porvenir humano. Mientras tanto en España se busca a una niña que desapareció hace semanas.

Crítica

Para aquellos que disfrutan programas tipo Cuarto Milenio con ojos incrédulos

Cuando vi el primer material de la película de Chema García pensaba que iba a visionar una ficción tan burlesca como ‘Pirámides murcianas’ o algo tan excéntrico como ‘The Mystery of the Pink Flamingo’. Seguro que os suenan a títulos raros y desconocidos. Es que es así. ‘Espíritu sagrado’ se mete de lleno en el saco de esas películas sencillas y a la vez extrañas que consiguen dejarnos pizcuetos pero también mostrar pasión por algo y a la vez darnos una bofetada final.

Este es el primer largometraje de Chema García Ibarra tras trabajos como ‘Nebulosa-5’, ‘Protopartículas’, ‘Misterio’, ‘La disco resplandece’, ‘Leyenda dorada’ y ‘Uranes’. Títulos muy peculiares con los que ya ha recorrido festivales internacionales como la Quincena de Realizadores de Cannes. Su cine se acota siempre entre lo muy raro y muy levantino, sin que una cosa tenga que ver con la otra. Ha narrado el capítulo de un astronauta perdido en un barrio del levante español, el mensaje cósmico llegado a oídos de una trabajadora del calzado a través de la nuca de un chico poseído por la Virgen, un sólido drama familiar durante una invasión extraterrestre… sobra decir que originalidad no le falta y se nota pues le da de sí para los noventa y siete minutos de la película.

Puede que el propio largometraje o lo que yo he escrito hasta este párrafo eche para atrás a muchos. Pero os animo a seguir. Porque esta es ciencia ficción casera, mundana, misteriosa. Si te gusta Cuarto Milenio y lo ves con ojos incrédulos seguro que pasas un buen rato con ‘Espíritu Sagrado’. Se ambienta en la España del calzado, la horchata y el juguete. Allí la población está preocupada por la desaparición de una niña. Y mientras unos buscan a la chiquilla los miembros de la Asociación Ufológica OVNI Levante rastrean señales y pruebas de vida alienígenas. Por supuesto ambas historias confluyen, la “gracia” es ver de qué manera.

Además de con su misterio e insólita cotidianidad os enganchará con su muy abundante comedia negra. Los personajes protagonistas son inadaptados, un poco enajenados y conspiranoicos. Y se trata aparentemente sin sentimiento alguno con los dramas que viven así como con su realidad. Y es que ‘Espíritu sagrado’ es altamente naturalista, casi documental, pero sobre todo paródica y mundana. Cuenta con actores no profesionales. Se nota, recitan las frases muy de memoria, sin incorporarlas con naturalidad. Pero esto nos hace bajar a pie de calle.

A parte de con su sarcástico momento silencioso del final de vez en cuando suelta alguna que otra perla de critica actual o regional como a los trabajos caseros y en negro del mundo calzado, a las triquiñuelas de las inmobiliarias, a los prejuicios contra la gente del este… Sobra decir que el filme es un disparate, por eso nos encontramos a una periodista que habla cambiando las expresiones a lo borrachos de ‘Año Mariano’, anuncios de un recital de poesía cósmica, cuadros con pirámides despegando con propulsores, una versión techno rumbera del Zombie de Cranberries (Los Sobraos)… Debéis saber todo esto para evitar pensar que se están riendo de vosotros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Espíritu sagrado. Duración: 97 min. País: España, Francia Turquía. Dirección: Chema García Ibarra. Guion: Chema García Ibarra. Fotografía: Ion de Sosa. Reparto principal: Nacho Fernández, Llum Aques, Joanna Valverde, Rocío Ibáñez. Producción: Jaibo Films, Apellaniz y de Sosa, La Fábrica Nocturna CInéma, Teferruat Film. Distribución: La Aventura. Género: drama, suspense, comedia negra. Web oficial: https://laaventuracine.com/espiritu-sagrado/

Crítica: ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’

Sinopsis

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Después de una velada romántica, Emma (Megan Fox) se despierta esposada a su difunto esposo (Eoin Macken). Atrapada y aislada en pleno invierno, en su apartada casa del lago, Emma tendrá que luchar contra unos asesinos a sueldo para sobrevivir y escapar del retorcido plan de su marido.

Crítica

Festivalera, más entretenida de lo que parece

Por mucho que Megan Fox sea una actriz de poco talento interpretativo y por mucho que esta no sea una superproducción no vamos a decir que ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’ es una mala película. Bien es cierto que Fox lleva tiempo sin aparecer en una película de gran calado (por lo menos comercialmente hablando) y que está haciendo lo que va cogiendo aquí y allá. Pero la premisa de este filme de S.K. Dale es lo suficientemente atractiva como para acercarnos a él.

‘Till death’ (me niego a poner todo el título que le han puesto en España) la pifia en varias ocasiones. Ya de entrada, sin haber visto la película, adivinamos que el cartel muestra el final de esta historia. Y la trama también se hace un poco plomiza al principio, un poco empalagosa y frenada tras su primer giro sorprendente. Pero tiene instantes lo suficientemente “burros” como para que sigamos esperando a ver cómo termina esta joven.

La historia nos cuenta el cómo una pareja en crisis intenta avivar las llamas del amor en medio de la nieve, en una romántica cabaña junto a un congelado lago. Lo que distingue a este filme es que aquí no hay un conflicto de pareja basado en discusiones e incluso maltrato para desarrollar la base de la ruptura. No, aquí la separación se busca a través de objetos cortantes y de arrastrar el uno del otro ya que la Emma (Megan Fox) se despierta una mañana en el brete de tener que cargar con el cadáver de la persona a la que está esposada, literalmente a él.

Tanto el personaje como la actriz intentan luchar contra su imagen de mujer objeto. Una lo consigue mejor que la otra, pero lo que yo agradezco en estas propuestas en una franca apuesta por el cine de género. ‘Till death’ es de esos títulos a los que se les atribuye el adjetivo de “festivalera”. Películas que por su carácter violento, surrealista o fantasioso suelen tener más vida y mejor acogida en circuitos de festivales de terror o acción.

En la historia van entrando en juego de manera muy oportuna distintos factores, pero sin aportarnos sorpresa alguna. La propuesta está limitada de escenarios y tal vez por eso se marea un poco la perdiz. Pero se agradece que lo violento se sobrepone a lo sentimentaloide y al final la sangre abunda en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: Till Death. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: S.K. Dale. Guion: Jason Carvey. Música: Walter Mair. Fotografía: Jamie Cairney. Reparto principal: Megan Fox, Lili Rich, Callan Mulvey, Eoin Macken, Jack Roth, Aml Ameen, Stefanie Rozhko, Teodora Djuric, Julian Balahurov. Producción: Brave Carrot, Campbell Grobman Films, Millenium Media. Distribución: Vértice Cine. Género: thriller. Web oficial: https://screenmediafilms.net/film/3313/Till-Death

Primer tráiler de ‘Código emperador’

Protagonizada por Luis Tosar

El thriller de intriga ‘Código emperador’, producido por Vaca Films, dirigido por Jorge Coira y protagonizado por Luis Tosar, presenta su primer tráiler oficial. La película llegará a los cines el próximo 25 de febrero de 2022 de la mano de A Contracorriente Films.

La nueva colaboración entre el popular actor ganador de tres Premios Goya y la productora gallega supone un revelador y contemporáneo thriller de intriga inspirado en la cara más oculta de la realidad social y política española.

Luis Tosar (‘Maixabel’, ‘Quien a hierro mata’) está acompañado por Alexandra Masangkay (‘El Hoyo’, ‘1898: Los últimos de Filipinas’), Georgina Amorós (‘Élite’), Laura Domínguez (‘La catedral del mar’, ‘Amar es para siempre’), Miguel Rellán (‘Vergüenza’, ‘Tiempo después’), María Botto (‘Malnazidos’), Arón Piper (‘Élite’, ‘El desorden que dejas’) y Denís Gómez (‘El vecino’), entre otros.

Ambientada en las altas esferas del poder y el espionaje, ‘Código emperador’ está dirigida por Jorge Coira, ganador del Goya al Mejor Montaje por «El Desconocido», a partir de un guion escrito por Jorge Guerricaechevarría.

Sinopsis oficial:

Juan trabaja para los servicios secretos; con el fin de tener acceso al chalet de una pareja implicada en el tráfico de armas se acerca a Wendy, la asistenta filipina que vive en la casa y establece con ella una relación que se irá volviendo cada vez mas compleja.  En paralelo, Juan realiza otros trabajos “no oficiales” para proteger los intereses de las élites más poderosas del país, que ahora han puesto sus ojos en Ángel Gonzalez, un político aparentemente anodino cuyos trapos sucios deberá buscar o “inventar” con la ayuda de Marta, la hija de un reconocido actor.

‘Por los pelos. Una historia de autoestima’ de Nacho G. Velilla

Protagonizada por Carlos Librado “Nene”, Antonio Pagudo, Tomy Aguilera, Amaia Salamanca y Eva Ugarte

La nueva comedia de Nacho G. Velilla (‘Perdiendo el Norte’, ‘Que se mueran los feos’) ‘Por los pelos. Una historia de autoestima’ llegará a las salas de cine de toda España el 4 de febrero de 2022.

La película cuenta con un reparto coral, como es habitual en sus películas, entre los que destacan Carlos Librado “Nene” (‘Operación Camarón’), Antonio Pagudo (‘Los futbolísimos’), Tomy Aguilera (‘Skam’), Amaia Salamanca (‘Lo dejo cuando quiera’), Eva Ugarte (‘Gente que viene y bah’), Alba Planas (‘Skam’), María Hervás (‘El Cover’), Leo Harlem (‘Superagente Makey’) y Jesús Vidal (‘Campeones’).

G. Velilla ha vuelto a ponerse detrás de la cámara con ‘Por los pelos. Una historia de autoestima’, tras el éxito alcanzado en las taquillas de EEUU y México con ‘No Manches Frida’ y ‘No Manches Frida 2’, que se convirtió en la tercera película más taquillera de todos los tiempos en México, con casi 7 millones de espectadores, además de ser la segunda película de habla no inglesa más taquillera en EEUU en 2019, sólo por detrás de la oscarizada Parásitos.

El último proyecto en España como director de Nacho G. Velilla fue ‘Villaviciosa de al Lado’ (2016), que reunió a más de 1.500.000 de espectadores en los cines.

El rodaje de esta comedia que satiriza la moda de los implantes capilares como reafirmación de la autoestima ha transcurrido por diversas localizaciones de Estambul y Madrid.

Nacho G. Velilla señala que “Vivimos en un mundo en el que las redes sociales han cambiado completamente las relaciones sociales. Hay todo un mundo de postureo que puede llegar a ser un verdadero infierno para la gente que tiene problemas de autoestima. Y nuestros protagonistas creen que dejando de ser calvos van a vivir mejor, van a ser felices y hasta les va a salir la declaración a devolver. Pero en este viaje a Estambul, se van a dar cuenta de que su viaje será también interior, de que el hombre, a medida que se hace mayor no se hace más sabio, sólo pierde pelo, y de que, para cambiar tu vida, no basta con cambiar tu físico”.

Warner Bros. Pictures y Buendía Estudios presentan una producción de Microinjerto Producciones AIE, Atresmedia Cine y Felicitas Media. Con la Participación de Atresmedia, Movistar +, Cosmopolitan, Crea SGR y la producción asociada de Orange. La distribución correrá a cargo de Warner Bros. Pictures España que estrenará la película el 4 de febrero del próximo año. Film Factory es la responsable de las ventas internacionales de Por los pelos. Una historia de autoestima.

Sinopsis oficial:

Quedarse calvo sigue siendo un trauma para muchos hombres. A nadie le gusta perder el cabello, especialmente en un mundo en el que la superficialidad, la imagen y el marketing son tendencia.

Juanjo, Sebas y Rayco son tres ejemplos, entre millones, de cómo la alopecia, además de la caída del cabello, conlleva también la caída de la autoestima, de la seguridad e incluso, de la masculinidad. Rayco, es cantante de reggaetón y tiene más entradas que el Corte Inglés. En el paraíso del postureo, su problema capilar puede traducirse en menos seguidores y en menos conciertos.

Juanjo es un pusilánime cuarentón que lucía con dignidad el descampado de su cabeza hasta que se casó con Inma, una mujer aficionada a los retoques estéticos, instalada en una permanente crisis de edad y que piensa que estar casada con un calvo la envejece más que unas patas de gallo.

Sebas, al contrario que su amigo Juanjo, lleva encerrado en “el armario” de los calvos desde que descubrió el peluquín de pelo natural. Una prótesis capilar que tiene que competir con el “pelazo” de la nueva pareja de su exmujer, un adonis al que sus hijas están empezando a llamar “papá”.

Si bien la alopecia no diferencia ni entiende de estratos sociales, su solución, sí. Y es que, lo que hasta ahora era prohibitivo para muchos, Turquía lo ha hecho accesible para todos con su turismo capilar low cost, convirtiéndose así en el nuevo maná de los calvos. Juanjo, Sebas y Rayco se embarcarán en una aventura en la que descubrirán que su problema no está tanto encima de su cabeza, si no dentro.

Tráiler de ‘Downton Abbey – Una nueva era’

La familia más distinguida de Reino Unido conectada al sur de Francia

Un momento… ¡¿Qué no se ha acabado?! Habrá más episodios de ‘Downton Abbey’ con la secuela ‘Downton Abbey – Una nueva era’. Una película que continuará la también secuela película realizada en 2019. Podremos volver a ver a la familia Crawley en la gran pantalla y a ellos se unen los rostros de Hugh Dancy, Laura Haddock, Nathalie Baye y Dominic West.

Si eras seguidor de la serie apunta la fecha. Estará en carteleras de toda España a partir del 18 de marzo. ¿De qué va a ir? El contenido del filme no ha sido desvelado, más allá del siguiente tráiler y… hay sorpresa.

 

Crítica: ‘El Fantasma de la Sauna’

Sinopsis

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Javi llega a la Sauna Popular buscando trabajo para cumplir su sueño de ser cantante. El negocio está en horas bajas y Asun, la dueña, decide acogerlo a cambio de ayuda.

Pronto Javi se dará cuenta de que todos esconden oscuros secretos. El mayor de ellos, el Fantasma de la Sauna, un misterioso hombre que vive en los conductos de ventilación, y que acaba enamorándose del joven.

Juntos descubrirán que hay romances marcados por un destino.

Crítica

Musical rodado en la famosa Sauna Paraíso

A caballo entre ‘Moulin Rouge’ y ‘El Fantasma de la ópera’, la película está rodada en la emblemática Sauna Paraíso, icónico lugar de Madrid para el colectivo gay, en esta historia de amor, sueños y muerte.

Dirigida por Luis Navarrete ‘El Fantasma de la Sauna’ nos presenta a Javi, que llega a la Sauna Popular buscando trabajo para cumplir su sueño de ser cantante. Un negocio en horas bajas y Asun, la dueña, decide cogerlo a cambio de ayuda.

Pero en esa Sauna se esconden muchos secretos, entre ellos, el Fantasma de la Sauna, un joven que vive en los conductos de ventilación que por supuesto, acaba enamorándose de Javi.

Aunque la película no me ha entusiasmado demasiado, he de decir, que los momentos musicales están muy bien llevados. Las coreografías y las canciones están bastante bien y vistos muchos de los musicales de hoy en día es algo difícil de encontrar.

En el reparto encontramos a Antonia San Juan, Néstor Goenaga, Martín Spínola, Pablo Liñares, Javier Hernández, Fernando Albizu entre otros.

Sin duda me quedo con Néstor Goenaga y su voz, que es de las mejores de la película y su papel es bastante tierno.

La película nos la presentan tres musas interpretadas por Supremme De Luxe, Pupi Poisson y Tavi Gallart. Dando vida a Lujuria, Amor y Arrepentimiento.

Y al igual que en ‘Moulin Rouge’ tenemos un malvado Conde que le hará la vida bastante difícil a la dueña de la sauna y a Javi. Y como en esta también el amor será la fuerza que haga que nuestros protagonistas luchen por todo.

Así que poco más que añadir, el 19 de noviembre llegará a cines este curioso musical con musas, fantasmas y un montón de números musicales compuestos de la mano de Ramón Grau.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2021. Título original: El Fantasma de la Sauna. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Luis Navarrete. Guión: Luis Navarrete, Martín Spínola. Música: Ramón Grau, Paco Periago. Fotografía: David Aguirre. Reparto principal: Nestor Goenaga, Antonia San Juan, Martín Spínola, Pablo Liñares, Javier Hernández, Fernando Albizu, Goizalde Núñez, Supremme De Luxe, Alfredo Carbajo Villa, Tavi Gallart, Julia Monje, África Esparducer, Ginés Garez, Pupi Poisson. Producción: Sophia Network Productions. Género: Musical. Web oficial: https://www.elfantasmadelasauna.com/

Crítica del live action de ‘Cowboy Bebop’

Flipados y complacidos por cómo se parece

Netflix estrena el próximo el 19 de noviembre la serie de acción real inspirada en el anime ‘Cowboy Bebop’. Aunque decir inspirada es en este caso quedarse un poco corto. Por suerte los 10 episodios de esta nueva versión son una excepción a la norma y los norteamericanos han dado en el clavo. Mis sensaciones son como las que tuve con ‘Sin City’, una obra que adaptaba un cómic de los considerados sagrados y que acertó en su estilo visual, tratamiento de personajes, respeto a la trama original…

Para los que no conozcan esta historia. Es una serie que surgió de un manga, como suele ser habitual. Nos traslada a un futuro en el que la humanidad vive desperdigada por nuestro sistema solar. Para viajar por el espacio de manera muy rápida se utilizan unas puertas o relés de masa a lo ‘Mass Effect’ que nos teletransportan a las inmediaciones de otros planetas. Pero uno de esos portales provoca un accidente y como daño colateral se daña la Luna y se origina un cataclismo en la Tierra de proporciones tipo Emmerich o Bay. Comienza así una vida de peligros para los humanos, propia de aquellos que en su día exploraron y habitaron el far west.

El nombre de la serie viene en parte por la nave en la que viajan los protagonistas. La Bebop es el hogar de unos cazarrecompensas que viajan por el espacio al son de música jazz y el gruñir de sus hambrientos estómagos. Pero el nombre de la serie también es muy descriptivo en cuanto a su estilo narrativo. Cowboy hace referencia obvia a los vaqueros, a una trama propia del western con bandas y buscavidas. Be bop nos traslada a un estilo de jazz y eso hace que cada personaje vaya a su ritmo, posea en su superficie un estilo frívolo, improvisado, sin melodía, pero en ese caos se percibe una armonía fruto del trabajo en equipo. Así se reflejaba tal cual en el anime y ese es uno de los mayores aciertos del live action, calca el estilo.

‘Cowboy Bebop’ está lleno de espontaneidad, música y acciones muy locas por parte de los personajes. Me gustaría conocer la opinión del director original, Shinchiro Watanabe, pero no me quemaré si pongo la mano en el fuego afirmando que le va a gustar. Si hay alguien que adapta muy bien los manga/anime es Takashi Miike y puedo decir que la serie de Netflix es fruto de su escuela. No se comete el error de convertir a los actores en monigotes mal disfrazados al estilo cosplay cutre. Se ha acertado a la hora de hacer el casting o el vestuario, pero eso no ha impedido que la serie mantenga su humor propio de un chiflado, ni su carácter fatalista, propio del cine negro. Dicho esto es obvio decir que aparecen elementos tan locos como el noticiero de los cazarrecompensas con sus dos divertidos y eufórocos presentadores, Judy y Punch.

Es fantástico el cómo más allá del opening o los títulos de crédito, la música se ha respetado, algo que se antojaba casi obligatorio. Y a nivel visual los planos, casi siempre inclinados, mantienen la vertiginosidad de la serie, se clavan muchas tomas. Calca escenas míticas e incluso episodios casi completos. Los fans reconocerán momentos del pasado de Spike y por supuesto identificarán el interior de la Bebop. Los escenarios de ciencia ficción son apabullantes, muy elegantes a la par que caóticos. Se ha respetado hasta la tipografía del anime en todas las letras que aparecen. El tratamiento de color, a todos los niveles, ha sido vital para tan satisfactoria adaptación.

Era también algo imperativo que ‘Cowboy Bebop’ tuviese mucha acción. Y la tiene, con unas escenas vibrantes. Entre la gallardía y picardía de los protagonistas vuelan los tiros y las patadas. Los personajes son unos fuera de serie, pero en el fondo pringan siempre. Son héroes miserables y condenados constantemente al fracaso, incluso en sus momentos más épicos. Esto es porque son capaces de aparcar sus diferencias y bromas en los instantes más difíciles para entregarse a la acción o a su sentido de la justicia.

Esta adaptación se antoja un poco más adulta, con detalles que digamos que son más violentos y libertinos. Seguramente esto sea fruto de las políticas de Netflix o de satisfacer a una audiencia que desde el original ha crecido lo suyo, por no decir que nos han salido canas. Eso nos lleva también a corregir la tan criticada sexualización de vestuario que tenía Faye Valentine, se nota que los tiempos han cambiado la visión del personaje y el foco está en su personalidad, no en su físico.

Vais a reconocer perfectamente a los personajes de esta space opera. Spike (John Cho) se mantiene como el héroe pícaro y bravucón de bromas sin gracia y pasado oscuro. Jet Black (Mustafa Shakir) es el gruñón capitán con un perpetuo sentido de la responsabilidad. Valentine (Daniella Pineda) sigue siendo una bocazas metomentodo también con un pasado desconocido. Julia (Elena Satine) también se conserva con acierto como la mujer fatal de la historia. El único que no me ha convencido es Alex Hassell como Vicious, el final boss de esta serie. Y… no digo quién más aparece.

Se ha criticado mucho a Netflix por el doblaje en España, pero esta serie me la he visto en versión doblada ya que así fue como experimenté el anime. En cuanto he escuchado a Jet  Black con la misma voz del anime (Francesc Belda) me han conquistado. El resto de protagonistas tiene nuevas voces pero están totalmente acordes.

En Netflix se ha publicado también el anime original ‘Trigun’, otro de mis favoritos. Si os gusta esta mezcla, a veces cyberpunk, de naves espaciales con el estilo western echadle un vistazo. El nuevo ‘Cowboy Bebop’ tiene solo uno o dos episodios aburridos, como el 9 que me parece demasiado sobre-explicativo. Es ciencia ficción con reminiscencias a ‘Blade Runner’, tiroteos a lo spaghetti western e incluso bailes a lo ‘Banda aparte’ de Godard. Pronto descubriréis por qué ‘Cowboy bebop’ fue una serie de tanto éxito. Antes equiparaba el grado de éxito que va a tener esta serie a la adaptación cinematográfica de ‘Sin City’. La segunda parte de la obra de Frank Miller en forma de largometraje supuso un profundo chasco. Espero que no pase lo mismo con la más que probable segunda temporada de ‘Cowboy Bebop’. Hasta la vista cowboy del espacio.

Crítica: ‘Última noche en el Soho’

Sinopsis

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Un nuevo thriller psicológico de Edgar Wright acerca de una joven que siente pasión por el diseño de moda y tiene la misteriosa capacidad de volver a los años sesenta, donde conoce a su ídolo, una deslumbrante aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que aparenta y el tiempo parece desmoronarse con unas nefastas consecuencias.

Crítica

Edgar Wright aparca la comedia para hacer una de sus mejores obras

Como digo en el titular, Edgar Wright se separa (espero que momentáneamente) de la comedia e incluso la acción de sus últimos títulos para meterse en una película terrorífica y dramática, con un pequeño toque de ciencia ficción. Y consigue una de sus mejores obras. A nivel fantástico es una idea la mar de interesante y a nivel técnico demuestra el gran conocimiento que tiene del medio y el buen hacer del que es capaz.

Muchas veces el hacer comedias con amiguetes como Simon Pegg y Nick Frost deja la sensación de estar creando una filmografía menor o para un grupo de culto. Pero con ‘Última noche en el Soho’ Wright demuestra que puede hacer lo que quiera y en el tono que le plazca. A través de dos jóvenes nos retrata la sociedad londinense en dos épocas diferentes, la actual y la de los sesenta. Una conexión entre dos mujeres se produce cuando una de ellas se muda a un piso en el Soho, en Londres. La historia nos lleva por el mundo actual de la moda y el pasado turbio de la City para contarnos una historia que acaba dándole la vuelta a un mito muy famoso, al menos a mi entender.

‘Última noche en el Soho’ nos pinta un ambiente empalagoso e irrespetuoso para las mujeres, lleno de sobones y mirones. Es una obra claramente alineada con movimientos como el #MeToo y enarbola sus argumentos de un modo inteligente y elegante. Varias de las secuencias os dejarán con la boca abierta y no me refiero solo al climax en el que se produce el gran giro de guión, también a momentos en los que las protagonistas se zambullen juntas en todo ese ambiente que he descrito y en el que la cámara se mueve de una manera magistral. El atractivo visual de esta película es indiscutible.

Casualidades del destino ‘Última noche en el Soho’ supone como última película una despedida para la actriz Diana Rigg. Una artista a la que últimamente se le ha conocido más por su papel como Olenna Tyrell en ‘Juego de Tronos’. También está dedicada a Margaret Nolan y se da con ello otra casualidad o costumbre del director, fichar a talentos que han trabajado en la franquicia de 007. Sus papeles no son episódicos y tienen momentos clave. Pero las protagonistas son Anya Taylor-Joy Thomasin McKenzie que demuestran una conexión brillante, una compenetración que han de ejecutar de un modo peculiar, pero que hace que eso las haga sobresalir aún más.

El filme rememora a otros éxitos, también de los 60, como ‘Repulsión’, de Polanski, una vez más Wright haciendo uso de buen gusto. El director realiza una brillante obra con mucho peso psicológico pero no puede esconder su vena british y musical, tampoco que es un fan del terror e incluso introducir unas migajas de su humor. En esta, su primera película con protagonista femenina sigue los pasos del fantaterror o el cine italiano de terror de los sesenta y setenta empleando el miedo y el cuerpo femenino para contar una historia, pero no de manera gratuita, sino con acertada intencionalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de noviembre de 2021. Título original: Last night in Soho. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Guion: Krysty Wilson-Cairns, Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Anya Taylor-Joy, Thomasin McKenzie, Matt Smith, Terence Stamp, Diana Rigg, Rita Tushingham- Producción: Complete Fiction, Film4, Focus Features International, Perfect World Pictures, Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: thriller, terror. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/last-night-in-soho

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