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Crítica: ‘Spiral: Saw’

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Trabajando a la sombra de un policía ya retirado (Samuel L. Jackson), el detective Ezekiel “Zeke” Banks (Chris Rock) y su compañero novato William (Max Minghella) toman las riendas de una investigación sobre una serie de espeluznantes asesinatos que recuerdan a los terribles crímenes que asolaron la ciudad en el pasado. Absorbido por la investigación, Zeke se acabará convirtiendo en el epicentro del macabro juego del asesino.

 

Crítica

Se han confundido, se han montado en la espiral, pero en sentido descendente

Podría ponerme a hacer un repaso sobre la saga ‘Saw’, sobre sus ocho entregas anteriores, sobre el recorrido de los personajes o sobre cuál fue mejor, pero no merece la pena. Reconozcámoslo, ni la evolución de los protagonistas y ni el desarrollo de la trama han sido nunca el principal atractivo de la franquicia. Lo que buscamos todos cuando nos acercamos a ver una película de este corte es precisamente, eso, cortes, aplastamientos, desmembramientos… En ‘Spiral: Saw’ lo tenemos, pero no en la medida que cabría esperar.

‘Saw’ no es ni más ni menos que la venganza o el escarmiento de un justiciero despiadado que hace que los acusados desciendan a lo más bajo del ser humano para poder salvarse y a través de pruebas sufran una catarsis que a su vez sirva de confesión. Descubrir las miserias y muertes de los personajes ha sido siempre el morbo de los espectadores enganchados a esta producción que inició en su día James Wan. Las intenciones de Jigsaw siempre han respondido al karma y ha ajusticiado en todas las películas sin arbitrariedad. Eso sigue siendo así.

Tenemos una pugna entre detectives y asesinos. La diferencia de esta secuela, ya que todo sucede con posterioridad a las otras ocho películas, es que el imitador no ejecuta a criminales conocidos o personas mundanas con secretos, si no a policías. Se emplea el significado de la espiral como un símbolo de renovación y el imitador de Puzle quiere limpiar a toda una comisaría corrupta. La idea está bien pero ‘Spiral: Saw’ se aleja del espíritu de ‘Saw’ y se queda en algo más próximo a una buddy movie dramática.

La saga ha evolucionado poco o nada, simplemente ha introducido algún que otro elemento nuevo en sus trasuntos detectivescos jugando con la identidad del asesino, pero poco más. Ahora con lo que quieren sorprendernos es precisamente con la identidad del criminal imitador. Eso se hace al final pero en ningún momento se justifica el uso de las técnicas de Jigsaw, por lo que esta película se podría haber llamado ‘El asesino tramposo’, ‘El asesino de la espiral’ o como buenamente se les hubiese ocurrido.

Desde 2004 con ‘Saw’ hasta 2017 con ‘Jigsaw’ hemos visto como a los guionistas se les ocurrían más y más burradas. Ese ingenio se fue diluyendo con el tiempo según perdía más y más interés la vertiente dramática y policíaca de una desgastada serie de películas. La trama detectivesca e incluso la personal toma aún más el control de la saga pero al menos sí que regresan las trampas crueles y sanguinolentas, con opción a salvación, por supuesto haciendo uso de sacrificios.

El juego de ‘Spiral: Saw’ no se distingue mucho de ‘New police story’, aquella película en la que Jackie Chan tenía que atrapar a unos adictos a los videojuegos que se dedicaban a matar policías, habiendo eliminado previamente a todo el equipo del actor chino. Chris Rock intenta aquí elaborar a un policía oscuro, renegado, problemático y no obstante con principios, con toda su comisaría en contra, haciendo un intento de Serpico. En tierra de nadie, intentando hacer su trabajo salvando a aquellos que tiene en contra. No le sale el experimento pues no puede evitar introducir algo de humor sarcástico, mezclando eso con rictus de tío duro constantemente forzado. La participación de Samuel L. Jackson es más que anecdótica y quien salva un poco los muebles es Max Minghella.

Parece mentira que el director de la cinta sea Darren Lynn Bousman, quien ha trabajado en varias entregas de la saga. ‘Spiral: Saw’ no tiene intriga. Todas las muertes son explícitas, pero en retrospectiva, por lo que no hay emoción. Y en el único detalle en el que no nos dan detalles evidentes hacen lo contrario, nos dan la pista definitiva mucho antes de tiempo. Por mucho que en el clímax final hagan uso del mítico tema central de la banda sonora no volvemos a las mismas sensaciones. Han querido dar una vuelta de tuerca con esta espiral, levantar de nuevo la exceptiva y se han equivocado de dirección, alejándose aún más de lo que de verdad enganchaba a los espectadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de mayo de 2021. Título original: Spiral: from the book of Saw. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Darren Lynn Bousman. Guion: Josh Stolberg, Pete Goldfinger. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Jordan Oram. Reparto principal: Chris Rock, Max Minghella, Samuel L. Jackson, Marisol Nichols, Ali Johnson, Dan Petronijevic, Genelle Williams. K.C. Collins. Producción: Twisted Pictures, Serendipity Productions, Dahstar, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, terror. Web oficial: https://spiral.movie/

 

Crítica: ‘Poliamor para principiantes’

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Satur (Karra Elejalde) y Tina (Toni Acosta) son un matrimonio en el que ella aporta el dinero y él se ocupa de la casa y el niño. El problema es que el niño, Manu (Quim Àvila), tiene ya 28 años y es un mediocre youtuber.

Satur convertirá a su hijo en “El ranger del amor”, un exitoso youtuber enmascarado defensor del amor romántico que se enamora perdidamente de Amanda (María Pedraza). Lo que Manu no sabe es que Amanda es poliamorosa y tiene relaciones con Marta (Cristina Gallego) y Esteban (Luis Bermejo), una acomodada pareja de médicos con dos hijos, con Claudia (Lola Rodriguez), una chica trans que trabaja en el mundo de la moda y con Alex (Eduardo Rosa), monitor de paracaidismo y modelo cachas.

¿Qué consecuencias tendrá en las vidas de Satur, Tina y Manu el descubrimiento del poliamor? Diversión y risas garantizadas.

Crítica

Una burla sin cuartel pero de munición repetida

Es muy curioso y paradigmático el cómo en España nos encanta la comedia y aun así la tenemos maltratada, a nivel espectadores y a nivel institucional sin apenas dedicarle credibilidad o premios. Bien es cierto que las películas españolas más taquilleras suelen ser de carácter cómico, pero también es verdad que cuando preguntas a alguien por su película española preferida pocas veces elige una comedia. Algunos como un servidor, somos firmes defensores de los milagros de P. Tinto y de los momentos en los que amanece, que no es poco.

Esta pequeña reflexión viene en relación al director de ‘Poliamor para principiantes’. Fernando Colomo es bien considerado, pero igualmente maltratado por el público popular como el género que suele tratar. Su nombre no es altamente conocido, sobre todo por los espectadores jóvenes, pero su obra está muy presente y arraigada en nuestra historia. A esto hay que sumarle el que es de esos directores que se amoldan bien a los tiempos que corren. Si alguien se ha sabido modernizar cinematográficamente es él, buscando temas contemporáneos y argumentos que rejuvenecen su carrera. Ahí está su tribu o su isla bonita, a la cual hace alusión en una de las escenas de la película y no me refiero a su cameo haciendo taichí cual hippie ibicenco.

‘Poliamor para principiantes’ nos cuenta como un padre y un hijo intentan dos cosas: lanzar la carrera del joven como youtuber e introducirse en el mundo de las relaciones múltiples consentidas. Un mundo donde prima la sinceridad y en el que nos llega la comedia desde dos conflictos. Uno es que los protagonistas esconden un secreto a sus nuevos amigos poliamorosos y dos, lo chocante que les va pareciendo todo.

Está muy bien la trivialización y también la normalización que lleva acabo ‘Poliamor para principiantes’. Me parece muy constructiva la burla que hace tanto de aquellos que no comprenden la libertad de elección de los demás y también la burla (sana) que se hace de aquellos que llevan ciertos aspectos de género y de sexo al extremo. Los momentos con una comedia más inteligente llegan con las indignaciones y razonamientos de Cristina Gallego. En resumidas cuentas la película es polifacética y diversa hasta el punto de convertirse en un batiburrillo muy gracioso en determinadas escenas. La verdad es que la película resalta el cacao de nuevos términos en el que nos movemos en la actualidad.

El gran problema de ‘Poliamor para principiantes’ es que tiene algunas secuencias flojas que no terminan de funcionar, como la de Susi Caramelo. En mi opinión creo que, en parte en contra, pero también en parte a favor de aquellos que sexualmente se salen de la norma la película resulta demasiado cargante, se repite demasiado con sus chistes o sus recursos cómicos. Vale que el título gira en torno al tema de la libertad sexual pero algunas veces lo confunde con libertinaje y otras peca de poder convertirse en un panfleto o torpe manual.

Quim Àvila Conde debuta en este su primer largometraje. Lleva bien su papel de personaje pánfilo y enamoradizo. Ciertamente es un rol en el que lleva muchos años encasillado Quim Gutiérrez y podría haber sido perfectamente un trabajo que hiciese él. Ávila Conde forma buena pareja con Karra Elejalde que hace de un padre de lo más moderno y abierto, también torpe.

La pena es que la película se desinfle y no tenga momentos cómicos también para María Pedraza, la tercera protagonista en discordia. Entiendo que Elejalde es el nombre más conocido del reparto, pero su protagonismo no es único, como sugiere el cartel. Su elenco de secundarios son el resorte para los momentos cómicos, pero el muelle de ese disparador cada vez se da más de sí y la película va perdiendo fuelle poco a poco. Se ven venir los malentendidos, las mentiras y los conflictos. Si te quedas con algunos de los momentos en los que los protagonistas se ven más ridículos o torpes conseguirás reírte, sobre todo cuando hacen sentir vergüenza ajena.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de mayo de 2021. Título original: Poliamor para principiantes. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Fernando Colomo. Guion: Fernando Colomo, Casandra Macías Gago, Marina Maesso. Música: Fernando Furone. Fotografía: Ángel Iguácel (AEC). Reparto principal: Karra Elejalde, Toni Acosta, Quim Àvila Conde, María Pedraza, Luis Bermejo, Cristina Gallego, Inma Cuevas, Lola Rodríguez, Susi Caramelo, Mery Cabezuelo, Patricia Peñalver. Producción: Acuerdo de fluidos, Amazon Prime Video, Morena Films, RTVE, Ran Entertainment. Distribución: Vértice 360. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/poliamor-para-principiantes/?portfolioCats=79

Tráiler de ‘La Purga: infinita’

Estreno en cines el 16 de julio

El fenómeno de “La Purga” no ha terminado y el próximo 16 de julio pasaremos una nueva noche de violencia y persecuciones. ‘La Purga: infinita’ es el título de la nueva película de Blumhouse que viene a prolonga la saga, tanto en número de entregas como en duración de La Purga. Y es que en la nueva película los protagonistas tienen que enfrentarse a una tradición anual que se prolonga más allá del amanecer.

La película está dirigida por Everardo Gout (serie ‘Marte’) y protagonizada por Josh Lucas, Ana de la Reguera y Cassiy Freeman.

Con guion del creador de la saga James DeMonaco la película está producida por los productores fundadores de la franquicia: Jason Blum para Blumhouse Productions; los socios de Platinum Dunes Michael Bay, Andrew Form y Brad Fuller; y el dúo de Man in a Tree James DeMonaco y su habitual socio Sébastien K. Lemercier. La producción ejecutiva corre a cargo de Marcei A. Brown, Everardo Gout y Jeanette Volturno. Universal Pictures presenta, en asociación con Perfect World Pictures, una producción de Platinum Dunes/Blumhouse/Man in a Tree.

Sinopsis oficial:

Adela (Ana de la Reguera, ‘Cowboys & Aliens’) y su marido Juan (Tenoch Huerta, ‘Días de gracia’) viven en Texas, donde éste trabaja ayudando en un rancho de la adinerada familia de los Tucker. Juan tiene impresionado al patriarca, Caleb (Will Patton, ‘La noche de Halloween’), una admiración que despierta celos y un odio desmedido del hijo de éste, Dylan (Josh Lucas, ‘Le Mans ’66’).

A la mañana siguiente a la Purga, una banda de asesinos enmascarados ataca a los Tucker, incluidas la mujer de Dylan (Cassidy Freeman, de la serie de HBO ‘Los Gemstone’) y su hermana (Leven Rambin, ‘Los juegos del hambre’), obligando a las dos familias a hacer piña para defenderse mientras el país entero se sume en una espiral de caos y Estados Unidos comienza a desintegrarse.

‘Solo una vez’ se estrenará en cines el 11 de junio

Con Ariadna Gil, Álex García y Silvia Alonso

A Contracorriente Films estrenará en cines ‘Solo una vez’, película dirigida por Guillermo Ríos, con guión de la dramaturga y guionista Marta Buchaca y protagonizada por la ganadora de un Goya, Ariadna Gil (‘Belle Epoque’), Álex García (‘Litus’, serie ‘Antidisturbios’) y Silvia Alonso (‘Hasta que la boda nos separe’).

Guillermo Ríos debuta en la dirección de largometraje con esta película que fue presentada en la Sección Oficial de la pasada edición del BCN FILM FEST y que llegará a las salas de nuestro país el próximo 11 de junio.

Basada en la obra de teatro homónima de Marta Buchaca, quien ya adaptó al cine otra de sus obras ‘Litus’, Buchaca ha trabajado junto al director en la escritura del guión adaptando la obra original hacia otro género, un thriller psicológico de ficción que aborda la violencia machista, huyendo de los estereotipos.

‘Solo una vez’ está producida por Álamo Producciones (‘El mejor verano de mi vida’, ’Litus’, ’Hasta que la boda nos separe’) y A Contracorriente Films (‘La librería’, ’El ciudadano ilustre’).

Sinopsis oficial:

Laura, una psicóloga del servicio de atención a las mujeres que sufren violencia de género, hace unas semanas que es acosada por el marido de una de sus pacientes. En esta situación, debe tratar una pareja que nunca ha puesto los pies en un centro de este tipo: Eva y Pablo. Por una serie de malentendidos él ha recibido una denuncia, pero afirma con contundencia no ser ningún maltratador.

Crítica: ‘Ejército de los muertos’

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Se ha declarado una epidemia zombie en Las Vegas. Un grupo de mercenarios decide adentrarse en la zona de cuarentena para perpetrar el mayor golpe del a historia.

Crítica

Para fans del director y del género

Desde el viernes 14 de mayo podréis ver en cines y luego en Netflix la compañera espiritual de ‘Amanecer de los muertos’ el que supuso el debut como director de Zack Snyder en un largometraje. Próximamente podremos ver la secuela en formato serie animada pero de momento podemos ver esta película en la que nos narran cómo se produce una infección a menor escala que la que vimos en la película del 2004.

‘Ejército de los muertos’ era un proyecto de Warner Bros. que por distintos motivos, pero al igual que ‘Liga de la Justicia’, ha terminado en una plataforma de streaming. Habría merecido la pena verla en pantalla grande, sobre todo por la secuencia inicial. En el arranque de este filme la humanidad aún no ha sabido nada de los zombies, hasta que un accidente desencadena una “guerra zombie” y termina con el aislamiento de toda la ciudad de Las Vegas, de la cual toman posesión unos zombies muy peculiares. La narración de todo esto supone un arranque macabramente divertido. Antes de la volatilización de la famosa ciudad de los casinos un grupo de mercenarios decide aceptar el trabajo de robar una caja fuerte repleta de dinero. No es algo secreto que Snyder se ha basado otras veces en películas de Romero, en este caso solo percibimos unas pinceladas. El sabor que deja ‘Ejército de los muertos’ es más bien a una mezcla de ‘Los mercenarios’ y ‘Los perdedores’. En buena parte es así, aunque el tono quizá no es el esperado y debemos sumarle a la película un grupo de muertos vivientes organizados al más puro estilo ‘Fantasmas de Marte’.

Si tenemos que ubicar la película está sucede tiempo después del estallido zombie, con nuestra civilización conviviendo con los zombies. Digamos que en un zombieverso imaginario formado por films de personas muertas y devoradoras de carne iría entre ‘La noche de los muertos vivientes’ y ‘Zombieland’, con un tono cómico similar en momentos puntuales y llegando a algunos extremos dignos de ‘Zombeavers’. Pero lo que comanda a este ‘Ejército de los muertos’ es el tiempo dedicado a las vidas que los protagonistas han dejado atrás o la miseria que viven, sentando con ello muchos momentos dramáticos. Por supuesto dedica espacio a desarrollar una nueva parafernalia de no muertos pero sin duda los pesares de los protagonistas ganan peso según avanza la cinta. Se perciben algunos detalles en la trama propios de un padre que habría cambiado su vida por la de su hija, algo totalmente comprensible viniendo de donde viene Snyder.

Tiene mucha acción y es bastante buena, me río yo de las hordas de zombies del ‘Left 4 dead’, esto si que es miedo y asco en las vegas. Pero la secuencia introductoria es lo mejor del filme sin duda alguna. Es una cinta mucho menos espectacular de lo que prometía su tráiler, cuyas imágenes componen casi la totalidad de los primeros minutos del filme. Probablemente suceda con esta película como sucedió con el ‘6 en la sombra’ de Michael Bay. Una película que parecía que sería grandiosa y acabará siendo un título menor para las carreras de estos directores, no evitando esto que sea disfrutable para los fans de los planos tan particulares de una filmografía muy llena de efectos y alejada de lo convencional. Y será un grato momento para aquellos que como yo disfrutan del género de zombies, pero no es una película transgresora ni mucho menos. Igual de intranscendente es la banda sonora de Junkie XL en una nueva colaboración con Snyder.

Snyder sigue yendo sobrado de metraje. ‘Ejército de los muertos dura dos horas y veintiocho minutos. Como he dicho antes es una película para fans de Snyder y de los zombies. Está llena de cámaras lentas, caos y música. Snyder usa su marca de la casa haciéndose cargo de la fotografía de nuevo pero haciendo un guiño a su habitual Larry Fong con un cartel que vemos en uno de los edificios de Las Vegas. Pero no os preocupéis que no tiene tantos momentos a ralentí como ‘Liga de la Justicia’. Eso sí, versiones de clásicos de Elvis o Creedence tenéis unas cuantas. Me ha encantado el momento Cranberries.

El mayor logro del filme es el fichaje de Tig Notaro, quien me encanta por su papel en ‘Star Trek Discovery’. Aquí tiene un rol similar pero realmente el logro no es solo su cómico y gruñón personaje, es que la hayan insertado en el filme. Y es que ella rodó a parte la película, a última hora, la insertaron posteriormente con cromas y trucos de montaje. Esto ha sido así porque inicialmente su papel lo hizo otra persona (Chris D’Elia), que tras acusaciones de acoso sexual ha sido sacado del metraje. Un doble éxito, moral y de alarde de tecnología cinematográfica.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Army of the dead. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder. Guion: Zack Snyder, Shay Hatten, Joby Harold. Música: Junkie XL. Fotografía: Zack Snyder. Reparto principal: Dave Bautista, Ella Purnell, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Huma Qureshi, Omari Hardwick, Hiroyuki Sanada, Tig Notaro, Garret Dillahunt, Raúl Castillo, Nora Arnezeder, Matthias Schweighöfer, Samantha Jo, Richard Cetrone. Producción: The Stone Quarry. Distribución: Netflix. Género: acción, terror. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Este cuerpo me sienta de muerte’

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Prepárate para ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ una retorcida versión del clásico “intercambio de cuerpos” que pone a una adolescente en el físico de un implacable asesino en serie.

Crítica

Retorciendo el género y un par de cuellos

Empieza como una de ‘Viernes 13’.

‘Este cuerpo me sienta de muerte (Freaky)’ es un homenaje a los slashers conservando el terror pero en clave de comedia. A estas alturas creo que no es necesario explicar qué es un slasher pero por si acaso podemos resumir que es aquella película donde un asesino con el rostro cubierto con una máscara va matando a jóvenes adolescentes. De hecho la nueva película de Christopher Landon (‘Feliz día de tu muerte’, ‘Paranormal activity’) homenajea a muchos títulos de ese corte e incluso podemos decir que tiene algo de ‘Muñeco diabólico’ al esgrimir un argumento basado en un elemento místico que hace que un asesino cambie de cuerpo.

‘Este cuerpo me sienta de muerte’ se suma a las múltiples listas de películas sobre cambios de cuerpos (‘Viernes loco’, ‘Your name’, ‘¡Este cuerpo no es el mío!’…). Casi siempre, esta vez no es la excepción, ese tema se ve a través de una lente cómica. En el caso de la película que protagonizan Vince Vaughn y Kathryn Newton además de humor tenemos sangre, muertes brutales. Aunque como pega a esta película que me ha parecido fresca y divertida he de apuntar que esperaba que el contador de muertes subiese más.

El juego de la película es muy similar al de últimas entregas de ‘Jumanji’, que aparte de ser divertido exige un plus de interpretación pues los actores cuyos personajes han intercambiado sus cuerpos han de representar a dos personajes en uno. Vince Vaughn es un imponente hombretón con maneras de cheerleder inadaptada y lo hace muy bien. Podría decir que está violento como nunca pero ahí están las recientes películas con S. Craig Zahler. En el caso de Newton, cuando hace del personaje de Vaughn, le cuesta dejar de forzar la postura pero en cuanto empieza la acción también se desenvuelve muy bien, sobre todo con esa mirada asesina.

Como es obvio la película está llena de malentendidos y de momentos de explosión sanguinaria. Landon se ha dedicado a parodiar clásicos slasher con mucha gracia y gusto por el terror, demostrando ser alguien que continúa haciendo un esfuerzo por retorcer el género. Aunque vemos tópicos introducidos intencionadamente por todas partes, esta venganza que muchas víctimas de acoso escolar sueñan, funciona.

Y termina como una de ‘Halloween’.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Freaky. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon, Michael Kennedy. Música: Bear McCreary. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Vince Vaughn, Kathryn Newton, Celeste O’Connor, Misha Osherovich, Uriah Shelton, Dana Drori, Katie Finneran, Alan Ruck. Producción: Blumhouse Productions, Divide/Conquer. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.freaky.movie/

Crítica: ‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’

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El 10 de abril de 2019 tuvo lugar uno de los acontecimientos científicos más impactantes del siglo: la obtención de la primera imagen de un agujero negro. La película entabla una conversación con la comunidad de físicos más prestigiosos de nuestro país incluyendo varios de los que intervinieron en la obtención de la imagen, e indaga en sus motivaciones personales con el objetivo de dar respuesta a las grandes preguntas que aún se hace el ser humano.

Crítica

Un documental verdaderamente inspirador

¿Sabéis lo difícil que es fotografiar algo que no puedes ver? ¿Lo aún más difícil que es el fotografiar un objeto que consume materia? Yo he trabajado fotografiando objetos a nivel microscópico, llegando a ver átomos y me parecía algo maravilloso, el cómo la técnica nos permite fotografiar un detalle invisible al ojo humano. Pero el alcanzar un punto a 53 millones de años luz de la Tierra y capturar su imagen se me antoja cuanto menos épico, sobre todo si hablamos de un objeto que se estima que tiene miles de millones de masas solares y aun así es imperceptible.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ antes vestía el título ‘En la frontera de lo desconocido’. Ambos títulos hablan de la relevancia y grandioso de este logro. Una conquista que se suma a la de la detección de ondas gravitacionales y que vino a verificar teorías asumidas pero no confirmadas. Un logro de coordinación internacional, una historia extraterrestre y tremendamente humana, que ha juntado mentes e instrumental, que ha aunado una fuerza de voluntad hacia un objetivo común, el progreso y la comprensión de nuestra realidad.

Muchas personas pensaban que este tipo de fenómenos tan presentes en la galaxia ya estaban fotográficamente documentados, pero no fue hasta hace unos pocos años que se captó por primera vez la imagen de un agujero negro. En concreto fue el que está en la galaxia M87 y hoy en día se siguen averiguando cosas sobre él, como el comportamiento de sus campos magnéticos y la materia que está a su alrededor.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ se acerca al equipo que está detrás de una foto imposible. No nos hablan solo de su actividad o de su carrera, también de los primeros contactos que tuvieron con la física y sus motivaciones. Para llegar a puntos tan cruciales previamente se trata el concepto moderno de científico y por supuesto el objetivo de la física teórica, así como el papel histórico y actual de la mujer en la ciencia.

Toda la base previa que dispone el documental dilata el que se empiece a hablar del tema técnico y de las dificultades de este logro. Más de la mitad del documental es un repaso a la historia de la física o una reflexión sobre el camino que hay que recorrer hacia la búsqueda de ideas verdaderamente revolucionarias, tocando figuras como Sagan o Hawking. Por eso vemos la que me gusta llamar “La foto de Los Vengadores de la ciencia”, aquella que reunió hasta 17 ganadores del Nobel gracias a la iniciativa de Solvay. Por supuesto no faltan palabras para la fuga de cerebros que vivimos en España, la cual hace enfrentarse a nuestros científicos a auténticos retos en el extranjero. Es un largo prólogo que desvía un poco la atención del documental pero al que no le falta razón alguna.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ es un documental que indudablemente pone en valor el mérito y sacrificio de personas que se dedican a algo indispensable. Una especie de mártires inspiradores del siglo XXI. Si hay algo con lo que me quedo es con su tesón y con su planteamiento que no da nada por sentado, que nos anima a cuestionarnos si realmente hacemos las preguntas adecuadas en nuestro trabajo o nuestro día a día. Y es que a veces nos damos cuenta de estas cosas al tropezarnos con algo, cosa que forma parte de nuestra historia científica.

A ver si quienes mandan con pompa y terrazas en nuestras ciudades se acuerdan que entre el electorado hay muchos cerebros que pasan hambre y se sacrifican más que los banqueros a los que ayudan o los futbolistas a los que avalan. Si hay que sentir envidia de alguien es de estas personas que han conseguido todo un hito.

Por esto último creo que merece la pena mencionar a las entidades y organismos involucradas en esta fotografía o en este documental. A parte de la productora GGY Audiovisuales está la colaboración del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), el Instituto de Física Teórica (IFT), el Instituto de Astrofísica de Andalucía (IAA), el Institut de Radioastronomie Millimétrique (IRAM 30m Telescope), la Universidad Autónoma de Madrid (UAM) y la Fundación Ramón Areces.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2021. Título original: Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Gonzalo Gurrea Ysasi. Guion: Gonzalo Gurrea Ysasi. Música: Claude Debussy, Frédéric Chopin, Camille Saint-Saëns, Erik Satie. Fotografía: Christian Villalba. Reparto principal: Ángel Uranga, Casas Alberto, García Juan,  José Luis Fernández, Luis Ibáñez, Maria Rodríguez, Antxon Alberdi, José Luis Gómez, Miguel Sánchez, Salvador Sánchez. Producción: GGY Audiovisuales. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental, ciencia. Web oficial: IFT.

Crítica: ‘Oxígeno’

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Tras despertarse en una cápsula criogénica, Liz tiene que luchar para sobrevivir y recordar quine es antes de que se agote el oxígeno.

Crítica

Concebida literalmente para asfixiar

La propuesta de ‘Oxígeno’ es de esas difíciles de mantener porque solo tienen un personaje presente y encima un reducidísimo escenario, lo cual limita mucho la acción y el número de encuadres que se pueden contraponer. Pero Alexandre Aja (‘Horns’, ‘Las colinas tienen ojos’, ‘Infierno bajo el agua’) ha demostrado con el tiempo que ese tipo de retos no le suponen problema ya que en la gran parte de sus películas suple todo imprimiendo buen ritmo y dándonos sorpresas, en este caso las aportadas por el guión de la debutante Christie LeBlanc.

Aja es uno de los máximos exponentes actuales del terror, en concreto de las corrientes que nos llegan desde Francia. En esta producción que ha realizado para Netflix nos sugiere su apuesta más claustrofóbica y quizá con más giros de guión que hasta ahora. Una mujer (Mélanie Laurent) se ha despertado por sorpresa en una cámara de criogénesis. En ella la única ayuda o más bien compañía, es un asistente de voz holográfico llamado M.I.L.O. (Mathieu Amalric). Una situación estresante sobre todo si pensamos que la protagonista no sabe ni dónde está ni quién es. Y a eso la película le suma aún más componentes agobiantes.

Tal y como seguramente estéis pensando ‘Oxígeno’ puede recordar a películas como ‘Buried’ o la más desconocida ‘Tin Can’. A lo que más se aproxima es al título de Rodrigo Cortés. Podríamos pensar que en ‘Buried’ el protagonista pasa por una verdadera pesadilla sobre todo al darse cuenta de que el único medio de comunicación disponible es una insufrible BlackBerry. Y en el caso de ‘Oxigeno’ se alivia la situación ya que más que un teléfono la protagonista dispone de un asistente con pantalla que le va aportando información. Pero lo que le va sucediendo hace de esta película un título igual de estresante.

Tanto la actriz como el desarrollo del a historia contribuyen a hacer de esta una película que nos hace saltar de un punto a otro sin receso ni tedio. La película no pierde coherencia e incluso cuadra los tiempos de manera correcta aunque no precisa, tiempo que le queda de oxígeno junto a tiempo que nos queda de película. Esta es una trama contada en tiempo lineal en la que los recuerdos (al igual que en Buried) forman parte importante de la trama y para ello no necesita hacer uso de flashbacks, lo cual es otra virtud.

Soy muy de desarrollar mis propias teorías según voy viendo una película y he llegado a tener hasta tres posibles finales en mente. Me ha sorprendido ver que la película era una combinación de tres cosas que se me habían pasado por la cabeza y que obviamente no voy a decir (salvo futuras conversaciones en redes o al pie de esta entrada tras el estreno). Lo malo es que pese a esa sorpresa la revelación del secreto más importante del filme llega como a mitad de película y luego a ‘Oxígeno’ le cuesta ser aún más imprevisible. Se pierde el suspense y ya dependemos de la ciencia ficción pura y dura y de la desesperación que nos transmite su actriz.

Tampoco puedo daros detalles de los paralelismos que puede tener con nuestra realidad pues me lloverían haters por hacer spoiler pero si que compro su solución final, que en cierto sentido me ha recordado a la de ‘Devs’.

Por lo general me suele gustar más Aja cuando se pone sarcástico y cuando tira más de argumentos sangrientos. Esta es su película más comedida al respecto pero que se percibe que está hecha para que contengamos el aliento y en buena medida lo consigue.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2021. Título original: Oxyen. Duración: 101 min. País: Francia, EE.UU. Dirección: Alexandre Aja. Guion: Christie LeBlanc. Música: Robin Coudert. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Mélanie Laurent, Mathieu Amalric, Malik Zidi. Producción: Getaway Films, Wild Bunch International Sales, Echo Lake Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’

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Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’.

Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.

‘Ilargi Guztiak. Todas las lunas’ es una fábula fantástica que reflexiona sobre el miedo al dolor y la inmortalidad.

Crítica

Vampiros mendicantes en una fábula sencilla pero eficiente

Igor Legarreta comenzó a marcar su sello, por lo menos en mi memoria, con el guión de ‘Autómata’, una película que en gran medida me cautivó, sobre todo por su sencillez. En el caso de ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’ también tenemos una propuesta escueta en cuanto a personajes y escenarios. Pienso que con poco Legarreta consigue contar bastante.

La jovencísima protagonista de esta película (Haizea Carneros) sufre una lesión mortal a causa de un lance de la última Guerra Carlista y es “salvada” por una misteriosa mujer. A partir de ahí comienza una trama de vampirismo que se sale de lo convencional. Como en todas las historias de vampiros la luna es su nuevo sol, su nueva acompañante y de manera poética se expresa eso con el título de la cinta. Es niña y vampiresa a la vez por lo que tiene por delante mucho por aprender. En una era sin Internet y estando sin acceso a libros ha de aprender a base de ensayo error.

Nuestra vampira se enfrenta a los retos que se le plantean como buenamente puede, muy a lo protagonista de los hermanos Gretel, con inocencia y algo de picardía. No son pocas las películas que últimamente hemos visto enmarcadas en las Guerras Carlistas con un halo de cuento, estando estas contadas en euskera. Quizá el trabajo más limítrofe es la estupenda ‘Errementari’ por el carácter infantil y la intervención de una niña. Pero el tono se aproxima más al de un drama sosegado como pudo ser la laureada ‘Handía’. Los vampiros de ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’ no se transforman ni tienen poderes. Son mendicantes, ocultos en las sombras, viviendo sus reglas atemorizados por el mundo exterior y eso aporta un buen toque de drama y nos permite explorar otras caras de esas criaturas chupasangre.

Quizá la reflexión más obvia de esta película sea la que abrace los aspectos de la vida eterna. Pero para mí la película trata más sobre lo egoístas que podemos ser intentando retener junto a nosotros a otras personas, encadenándolas a nuestras necesidades. Esto puede suceder con o sin el don de la inmortalidad. En su conjunto podemos enfocar esta película como un entretenimiento parsimonioso dentro del cine fantástico pero podemos extraer lecturas como esta. Saldrán los clásicos comentarios que dirán que esta una obra sobre el paso a la madurez de una mujer, pero la película no se centra en ese aspecto, aunque algunos momentos pueden atribuirse a ese discurso.

Vivimos una muy buena racha de películas en euskera tales como las ya mencionadas ‘Errementari’ o ‘Handía’. En esta generación tan prolífica hay que incluir títulos como ‘Loreak’, ‘Akelarre’ o ‘Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto)’. Varias de ellas tienen en común la excelente música de Pascal Gaigne que en esta ocasión también sale exitoso transportándonos auditivamente a momentos de temor y sensibilidad, como lo hizo recientemente con ‘La trinchera infinita’.

A parte de esta dispar manera de mirar el vampirismo destacaría de la película la dirección y por consiguiente actuación de Haizea Carneros. Legarreta ha conseguido que la actriz se vuelva ante la cámara a apuntarnos con una mirada tierna y a la vez adulta. Además añadiría que la película está excelentemente bien resuelta.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Ilargi guztiak. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Igor Legarreta. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Haizea Carneros, Josean Bengoetxea, Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Lier Quesada, Elena Uriz. Producción: Arcadia Motion Pictures, EiTB, ICO, ICAA, Kowalski Films, Noodles Production, Pris and Batty Films, RTVE, Vodafone. Distribución: Filmax. Género: terror, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/todas-las-lunas.132

Crítica: ‘Aquellos que desean mi muerte’

Sinopsis

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Hannah, la responsable de una torre de vigilancia antiincendios, que sigue arrastrando la pérdida de tres vidas que no pudo salvar en un incendio, se encuentra con un niño de 12 años traumatizado y que no tiene a nadie a quien pedir ayuda.

Crítica

Una cinta llena de acción y diversión

Hemos tenido el gusto de ver ‘Aquellos que desean mi muerte’ una película llena de acción, con Angelina Jolie como una de las protagonistas en las que la naturaleza y su furia es una de las grandes protagonistas.

No me esperaba nada de la película, iba con la mente en blanco y sin apenas información sobre ella y me he llevado una grata sorpresa al descubrir una película que no tiene ninguna otra pretensión que entretener y que lo consigue desde el minuto uno.

Tenemos varios frentes en la película. Uno de ellos a una experta en supervivencia, que después de la mala suerte de perder tres vidas en un incendio se ve relegada a una torre de vigilancia ella sola. Dos asesinos que han sido contratados para acabar con la vida de varias familias. Y ya el último, un padre y un hijo que están huyendo de estos dos asesinos.

La película nos presenta a todos los personajes sin complicaciones y sin la necesidad de conocer demasiado de ellos. Solo, eso sí, sus traumas.

La pareja que hacen Connor (Finn Little) y Hannah (Angelina Jolie) es genial. Juntos crean situaciones de drama y comedia sin quererlo. Ambos se escuchan y cuentan sus respectivos traumas para intentar entenderse.

Ambos tienen muy buena química y las situaciones a las que les somete esta persecución y la naturaleza son a veces surrealistas y llegan a tener conversaciones dramáticas que se tornan a humor negro.

Pero también tenemos caras muy conocidas, como Nicholas Hoult, Aidan Gillen , son los encargados de ponérselo difícil a todo aquel que se cruce en su camino en la búsqueda de Connor.  Jon Bernthal, Jake Weber o Tyler Perry.

Pero uno de los papeles que más me han gustado ha sido el de Medina Sengore. Que nos demuestra que una mujer embarazadísima también puede ser una gran superviviente y dar caña a los malos.

Como podéis ver, ‘Aquellos que desean mi muerte’ es puramente acción y muy bien hecha. El encargado de dirigirla y crear la historia ha sido Taylor Sheridan, del que hemos podido ver recientemente ‘Sin remordimientos’. Y sin lugar a dudas, sabe darnos buenas escenas acción.

Pero como he comentado al principio, no solo tenemos a estos dos asesinos poniendo en peligro las vidas de nuestros protagonistas, sino que también hay rayos que caen como si fuesen bombas y un fuego que bien podrían haberlo sacado de uno de los dragones de ‘Juego de Tronos‘. He de decir que el CGI está bastante logrado.

Así que os animo acercaros a los cines a apagar la mente y disfrutar de una buena película de acción con imágenes de la naturaleza bastante impresionantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Those who wish me dead. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Taylor Sheridan. Guión: Taylor Sheridan, Michael Koryta. Música: Brian Tyler. Fotografía: Ben Richardson. Reparto principal: Angelina Jolie, Jon Bernthal, Nicholas Hoult, Aidan Gillen, Tyler Perry, Jake Weber, Finn Little, Medina Senghore, James Jordan, Tory Kittles, Lora Martínez. Producción: Bron Studios, Film Rites, Creative Wealt Media. Distribución: Warner Bros. Género: Thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/aquellos-que-desean-mi-muerte

Póster y fecha de estreno de ‘El cover’

Secun de la Rosa se ha marcado una comedia musical

Ya podemos ver el cartel oficial y las primeras imágenes de ‘El cover’, la comedia musical con la que Secun de la Rosa (‘La llamada’, ‘El bar’) se estrena en la dirección cinematográfica. ‘El cover’ llegará a los cines el 23 de julio.

Álex Monner (nominado al Premio Goya por ‘Los Niños Salvajes’) y Marina Salas (‘Por un puñado de besos’, ‘Tengo ganas de ti’) dan vida a dos jóvenes amantes de la música que se conocen una noche de verano en Benidorm, siendo esta ciudad una protagonista más de la cinta. De escenario en escenario, Dani (Monner) y Sandra (Salas) descubrirán el universo de los cantantes anónimos… y el amor.

Completan el magnífico reparto Carolina Yuste (‘Hasta el cielo’, ‘Carmen y Lola’), Lander Otaola (‘Ocho apellidos vascos’, ‘La Pequeña Suiza’) y María Hervás (‘La Cocinera de Castamar’, ‘Taxi a Gibraltar’), con la colaboración especial del tres veces ganador de un Goya Juan Diego (‘23-F:La Película’, ‘Vete de mí’) y las también ganadoras de un Goya Susi Sánchez (‘La enfermedad del domingo’, ‘Legado en los huesos’) y Carmen Machi (‘Nieva en Benidorm’, ‘Perdiendo el Este’).

A nivel musical, la película cuenta con una banda sonora inmejorable con covers de temas de grandes artistas, como The Killers, Erasure, Amy Winehouse, Lady Gaga, Shirley Basey, Gloria Gaynor, Fun, La Marelu, Loquillo, Antonio Vega, Nena Daconte, Raphael, entre otros. Además, incluye un tema inédito exclusivo compuesto en interpretado por Antonio Orozco.

En la película los covers son cantados por los actores, pero también se podrán escuchar las voces de artistas de Universal Music como Rocío Márquez (que interpreta Mala de Marelu), Kexxy Pardo (que interpretan Ring My Bell de Anita Ward) y Agoney (que interpreta Little Respect de Erasure). La BSO la publicará Universal Music y saldrá a la venta en formato digital y en una edición exclusiva en vinilo, coincidiendo con el estreno en cines. En la película también veremos y escucharemos a la joven promesa del cante flamenco Esperanza Rancapino y disfrutaremos de un breve cameo de Parrita, casi a modo de homenaje.

‘El cover’ es producción de Nadie es perfecto, Stopline Films y Te Dejo Films AIE, con la colaboración de GTS Entertainment, con la financiación del Gobierno de España – ICAA y con la participación de CREA SGR. Tras su paso por cines distribuida por eOne, ‘El cover’ se estrenará en Amazon Prime Video.

Sinopsis oficial:

Dani ha heredado de su familia el amor por la música y también el miedo al fracaso. Así que trabaja de camarero antes que malvivir de su sueño, como sus padres. Este año, como cada verano, Benidorm se llena de artistas que vienen a cantar en sus bares, hoteles y salas de fiesta. Allí Dani conoce a Sandra, quien cambiará su forma de entender el arte.

Nuevo tráiler y fecha de estreno de ‘Un lugar tranquilo 2’

En cines el 18 de junio

Por fin se va acabando esto y podemos decir que nos vamos a ir pronto a un lugar tranquilo. La segunda entrega de la película de terror dirigida por John Krasinski llegará a cines el 18 de junio.

‘Un lugar tranquilo 2’ estará en pantalla grande como se planificaba originalmente y Paramount Pictures, distribuidora y productora de la cinta, lo celebra con nosotros con este tráiler.

 

Michael Bay es el productor asociado de esta película en la que intervienen compañías como Platinum Dunes o Sunday Night Production.

De nuevo la historia está escrita y dirigida por John Krasinski y basada en los personajes creados por Bryan Woods & Scott Beck. En los papeles protagónicos encontramos a Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Noah Jupe y Djimon Hounsou. También volvemos a ver a Krasinski ya que nos narrarán cómo se originó el ataque de estas criaturas que atacan raudas a todo aquello que hace un ruido.

Sinopsis oficial:

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

‘El Viaje de Chihiro’ de nuevo en cines

El 21 de mayo conmemorando su 20 aniversario

‘El Viaje de Chihiro’ vuelve a nuestras salas de cine el próximo 21 de mayo. Con motivo del 20 aniversario del estreno en Japón de la emblemática película de Studio Ghibli, Vértigo Films ha decidido reestrenarla en salas de cine en nuestro país.ç

Esta película, dirigida por Hayao Miyazaki, marcó de forma muy importante el devenir del estudio, siendo un hito a nivel mundial. Es una de las obras cumbres de la animación mundial y hoy día sigue siendo considerada una de las mejores películas jamás realizadas dentro de la categoría animada e incluso fuera de ella. De hecho, fue elegida por BBC Culture como una de las 100 mejores películas del siglo XXI.

Un filme ganador del Oscar, el BAFTA, el Oso de Oro, el César, el premio especial en Sitges…

Sinopsis oficial:

Nos encontramos ante una explosión de fantasía que nos narra la historia de Chihiro, una niña que sin querer ha entrado en un mundo habitado por dioses antiguos y seres mágicos, dominado por la diabólica Yubaba, una arpía hechicera. Afortunadamente Chihiro se encuentra con el enigmático Haku que le ayudará a sobrevivir en esta extraña y maravillosa tierra.

Crítica: ‘Tiburón blanco’

Sinopsis

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Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua.

Crítica

Vaga y típica

Se va notando que llega el verano, si el cambio climático lo permite, y nos llegan las primeras películas con sabor playero. De los productores de películas como la saga ‘A 47 metros’ llega a los cines ‘Tiburón blanco’. Y diréis, ¿otra de tiburones? Pues sí, otra de tiburones, una más del montón que no se esfuerza en modo alguno en marcar la diferencia y justificar mínimamente su existencia.

Tanto ‘A 47 metros’ como ‘A 47 metros 2’ han supuesto una nueva manera de hacer películas de tiburones. En ellas, aunque con muchos eventos pronosticables, se percibía un ánimo por innovar dentro del género con nuevos argumentos e incluso escenarios subacuáticos. Sobre todo la calidad de imagen y la planificación de planos destacaban por encima de cualquier otra película reciente perteneciente a este subgénero.

En el caso de ‘Tiburón blanco’ el remate final de las imágenes no está nada mal. El etalonaje, los ángulos, las perspectivas… todo eso correcto. El problema de esta película que tiene más de un fallo de raccord es que nos hace bucear en un océano de tópicos.

‘Tiburón blanco’ no es que no invente nada en el género, es que repite escenas que estamos hartos de ver. Ya de entrada comienza con la típica parejita muriendo en las fauces del escualo para seguidamente plantearnos una trama llena de decisiones estúpidas o torpes. Por supuesto los protagonistas son dignos de plantarle cara al campeón mundial de apnea y no nos falta el que tiene una cicatriz de un anterior ataque, con el trauma que eso conlleva.

Si hay algo que no le falta a la película son decisiones incautas y planos cenitales o contrapicados acuáticos. Otro de tantos films que aprovecha que tiene un dron a mano para rellenar con multitud de imágenes desde el aire. Vale que los protagonistas tengan una empresa de rutas turísticas y usen un hidroavión para transportar a sus clientes, pero una vez puestos en situación no hace falta que me metan un plano rodado con dron cada 5 minutos.

Un cuerpo yace podrido en una playa, con dos piernas menos tras el ataque de un tiburón blanco. Días después le encuentran y su móvil está aún al lado, funcionando y con batería. Para obtener información los protagonistas usan el desbloqueo con huella del cuerpo pútrido. Quiero dos cosas de este filme: el contacto del dermatólogo de ese personaje y la marca de ese móvil resistente al agua salada y con batería imperecedera.

‘Tiburón blanco’ es otro filme que más que para entretenernos llega para incrementar la mala fama de este pez solitario que rara vez es visto en parejas. Desde luego me quedo con títulos vistos hace poco como ‘A 47 metros’ o ‘Infierno azul’, al menos estos tienen tensión y no dejan cabos sueltos. Si la veis y os enteráis de a qué vienen las miradas cómplices y las hostilidades hacia el personaje llamado Benny me lo contáis, porque no tienen justificación alguna.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Great White. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Wilson. Guion: Michael Boughen. Música: Tim Count. Fotografía: Tony O’Loughlan. Reparto principal: Katrina Bowden, Aaron Jakubenko, Tim Kano, Kimie Tsukakoshi, Te Kohe Tuhaka. Producción: Thrills & Spills, Cornerstone Pictures, Filmology, ProdigyMovies, Truth or Dare. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/greatwhitefilm/

‘Jinetes de la justicia’ protagonizada por Mads Mikkelsen

En cines el 23 de julio 13 de agosto

Seguimos recibiendo películas que cuentan con Mads Mikkelsen en el reparto. Tras ‘Otra ronda’ y ‘Chaos walking’ podremos verle en ‘Jinetes de la justicia’. Esta película llegará de la mano de Alfa Pictures y La Aventura el próximo 23 de julio 13 de agosto.

En este filme rodado y escrito por Anders Thomas Jensen (ganador del Oscar por el corto Noche de elecciones) le veremos en una nueva comedia a modo de fábula moderna sobre la comunidad, la causalidad y aquello que da sentido a nuestras vidas. Nos prometen grandes dosis de acción y humor negro.

En el reparto de ‘Jinetes de la justicia’ encontramos también a Nikolaj Lie Kaas, protagonista de la exitosa saga de películas policíacas ‘Los casos del departamento Q’, Andrea Heick Gadeberg (‘El secuestro de Daniel Rye’), Lars Brygmann (‘Kursk’) y Nicolas Bro (‘El reino de Dunark: el don de la serpiente’).

Sinopsis oficial:

El militar Markus debe regresar a casa con su hija adolescente, Mathilde, cuando su esposa muere en un trágico accidente de tren. Todo parece ser simplemente mala suerte, hasta que Otto, experto en matemáticas y también pasajero de tren siniestrado, aparece con sus dos excéntricos colegas, Lennart y Emmenthaler. Otto está convencido de que alguien está detrás de todo esto.

A medida que las pistas se acumulan, Markus tiene claro que todo podría haber sido un asesinato cuidadosamente orquestado, en el cual su esposa terminó siendo una víctima aleatoria.

Crítica: ‘Bill y Ted salvan el universo’

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Bill (Alex Winter) y Ted (Keanu Reeves) siguen siendo dos aspirantes a estrellas de rock que ahora a sus 40 años son padres de familia e intentan escribir esa canción que les permita cumplir con su destino que no es otro que salvar el universo. De nuevo, desde el futuro les llegará una última oportunidad para conseguirlo.

En esta última aventura serán ayudados por sus dos hijas: Billie (Brigette Lundy-Paine, ‘Atípico’) y Thea (Samara Weaving, ‘Noche de bodas’). Y sus respectivas mujeres también formarán parte de la aventura: Elizabeth (Erinn Hayes, ‘Kevin puede esperar’) y Joanna (Jaima Mays, ‘Glee’). Y, por supuesto, con el regreso de «la Muerte» (William Sadler).

Crítica

Los años no pasan factura a esta pareja que sigue como siempre

¿Cómo lo lleváis? Aterriza en España, salida directamente de una cabina de teléfonos, ‘Bill y Ted salvan el universo’. Con esta película que se lanza directamente en Movistar+ se cierra una trilogía que ha llegado a tener serie animada e incluso videojuego para Nintendo.

Si sois seguidores de Keanu Reeves y queréis verle en un papel muy distinto no dudéis en acercaros a esta trilogía o por lo menos a esta tercera parte que puede verse al margen del resto del material publicado. Al fin y al cabo la saga ‘Bill y Ted’ constituye una historia la mar de bobalicona que solo sirve para pasar un rato.

Pero un rato la mar de disparatado, lleno de locuras que solo funcionan si estamos dispuestos a dejarnos llevar por una ciencia ficción sin fundamento alguno. Los personajes interpretados por Keanu Reeves y Alex Winter han desafiado a la muerte a juegos de mesa, secuestrado a Freud o Sócrates y casado con mujeres de la Edad Media. Estos aspirantes a estrellas del rock primero tuvieron que convertirse en los amos espirituales de la galaxia y luego salvar a sus novias de una amenaza del futuro. Ahora les toca ayudar a sus hijas y salvar sus matrimonios mientras consiguen la canción que salva nuestra realidad, pero de camino les persigue un robot parecido a Freezer.

Para quien no conozca a estos personajes de los noventa forman un duo llamado Los potros salvajes (Wyld Stallyns) que tiene como local de ensayos una cochera. Un día les viene a visitar alguien del futuro para avisarles de que tienen que acompañarle para salvar el mundo. Así tal cual suena, esta pareja se embarca en una aventura de viajes en el tiempo al más puro estilo ‘Rick y Morty’, pero sin sangre. Digamos que son un par de amigos inseparables tipo Jay y Bob el Silencioso con más similitudes aún con Tenacious D, de hecho en esta tercera entrega también aparece Dave Grohl.

Para que os hagáis a la idea, los viajes los realizan a bordo de una cabina de teléfonos, a si es que el símil con ‘Doctor Who’ está servido. Se mantienen todos los elementos de las películas originales, a si es que los que sean fans de esta comedia de culto pueden estar tranquilos. De hecho ningún director ha repetido en toda la saga, pero los guionistas siguen siendo Chris Matheson y Ed Solomon. Si esta película os causa sensaciones encontradas pensad que Solomon es guionista tanto de ‘Super Mario Bros.’ como de ‘Men in Black’.

Se mantiene el mismo humor tontorrón y los efectos de bajo presupuesto. Han pasado 30 años desde las anteriores películas y por supuesto las imágenes generadas por ordenador han mejorado, pero tampoco esperéis algo de última generación. Al menos ‘Bill y Ted salvan el universo’ muestra la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia mejor que ‘Westworld’.

Hay más presupuesto y en proporción también mejor reparto, pero no os preocupéis que se mantiene a William Sadler como la muerte. Por ahí vais a reconocer a Samara Weaving, Anthony Carrigan, Hal Landon Jr. o Holland Taylor. Todos ellos sin miedo al ridículo y me da la impresión que pasándoselo bastante bien. Sobre todo la película os puede hacer reír con las pintas que se gastan los protagonistas en las distintas épocas a las que nos van llevando.

La imagen rockera de Keanu Reeves se ha popularizado con el juego ‘Cyberpunk 2077’, pero mucho tiempo antes ya le habíamos visto aporrear una guitarra con esta trilogía que nació a finales de los ochenta. Precisamente el coche que conducen en la segunda parte es el que se le asigna al personaje de Johnny Silverhand, a quien da su imagen Reeves en el videojuego, cerrando así un círculo con mucho rock and roll.

Y unos cuantos círculos cierra ‘Bill y Ted salvan el universo’ que sin ser excesivamente intrincada cierra más paradojas que nunca. Como siempre la película tiene un público muy claro, aquel al que le gustan las tramas absurdas. La saga mantiene su tono, consigue seguir moderadamente amena y totalmente despreocupada por sus argumentos. El desenfado que nos hace falta en estos días.

¡Hasta luego tíos!

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Bill & Ted Face the Music. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Dean Parisot. Guion: Chris Matheson, Ed Solomon. Música: Mark Isham. Fotografía: Shelly Johnson. Reparto principal: Keanu Reeves, Alex Winter, William Sadler, Samara Weaving, Jillian Bell, Brigette Lundy-Paine, Kristen Schaal, Jayma Mays, Holland Taylor, Anthony Carrigan, Amy Stock-Poynton, Erinn Hayes, Beck Bennett, Hal Landon Jr., Kid Cudi. Producción: Hammerstone Studios, Dugan Entertainment, Many Rivers Productions, Endeavor Content, Lakeview Entertainment, TinRes Entertainment, Dial 9. Distribución: Movistar+. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/billandted3

Crítica: ‘El olvido que seremos’

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Basada en el libro homónimo, ‘El olvido que seremos’ es una película sobre un hombre bueno, Héctor Abad Gómez, destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas. En la familia Abad se respira la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor.

Crítica

Cuando lo violento e ilógico se enfrenta a la razón y el afecto

Héctor, nombre de origen griego que según donde lo busques puede significar poseer, el que protege o dominante. Nombre también del héroe que cayó en Troya defendiendo a su pueblo de una batalla provocada por el amor. Ese es el nombre del personaje al que interpreta Javier Cámara en ‘El olvido que seremos’, la película de Fernando Trueba ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana, ya que esta es una producción colombiana. Nombre que recibe de Héctor Abad Gómez, un médico y escritor conocido por su bondad, por su lucha por proteger los derechos humanos. Se le tiene como a un héroe que dominaba la palabra o tenía la razón sobre qué cambios necesitaba el país, cosa que le valió peligrosos enemigos.

‘El olvido que seremos’ es un poético título que la película hereda de la novela en la que se basa. Trata sobre un hombre bondadoso, entregado a su familia, a sus alumnos y a los ciudadanos que le rodean. Ese retrato se hace de un modo fino, pulcro y puntualmente panfletario. Y digo esto en el buen sentido pues la película transmite unas sensaciones increíbles, nos abraza con candidez, nos da comedia y drama del mismo modo que películas como ‘La vida es bella’ o ‘Patch Adams’.

Cuando lo violento e ilógico se enfrenta a la razón y el afecto. El contraste entre cualquier conflicto armado frente a momentos costumbristas y felices siempre funciona si se encuentra el equilibrio. Esta película biográfica que nos muestra una dichosa infancia en color y una convulsa adultez en blanco y negro se entrega al espectador con un abanico de sentimientos bien contemporizados, en una de las mejores películas de Fernando Trueba. La Colombia de los sicarios y los grupos paramilitares aparece en ‘El olvido que seremos’ como un lugar con muchas oportunidades de mejora, sin hacer de este un relato negro, sino luminoso y esperanzador.

En esta época en la que se suceden los escraches y los apaleamientos (en redes sociales) nos vamos a un episodio en la Colombia del auge de las FARC-EP. Javier Cámara, que ya se puso ficticiamente en el bando terrorista con ‘Fe de etarras’ ahora se sitúa en el lado de aquellos que plantan cara a los violentos, a los que tienen mente de carcamal o se regodean en su palurdismo. Héctor Abad sufrió el escarnio y reprimenda de múltiples bandos al presentarse como un librepensador con ideas progresistas. Eso lo muestra la película con brillante delicadeza y perspectiva. Al igual que ahora por entonces los reaccionarios no atendían a razones y la sanidad necesitaba reformas, hacían falta vacunas y la mayoría se preocupaba por el fútbol, ¿os suena esto? Nuestra actualidad ha hecho que la película gane aún más enteros.

“Soy Héctor Abad III y me hago llamar así porque mi padre vale por dos”. Preciosa frase que no se si recuerdo con exactitud y que dice Nicolás Reyes Cano interpretando al hijo de Héctor. El propio “Héctor Abad III” es el autor del libro en que se basa la película. Quizá no recuerdo con detalle la sentencia pero es porque ‘El olvido que seremos’, pese a clamar por héroes olvidados, tiene multitud de frases para recordar. Como la lección de las 5 aes que necesita todo ser humano: aire, agua alimento, abrigo y afecto.

Diría que los protagonistas también son Hugo (Nicolás Reyes Cano) y Cecilia (Patricia Tamayo) pero tanto el talento de Javier Cámara como el carácter de su personaje acaparan todas las miradas y corazones, al fin y al cabo, todo gira en torno a un profesor transgresor y sin mordazas en la boca. El trabajadísimo papel de Cámara nos hace recordar a ese profesor que si ha habido suerte todos hemos tenido, que nos enseñó más a pensar que a memorizar lecciones. “¿Qué han pensado hoy?” es la frase que usa este maestro al entrar en sus clases, no es de extrañar que sea alguien recordado por su carisma.

Además de ser una carta de amor (dedicada además a la familia Abad Faciolince que se ha conmovido por el parecido de Cámara) esta es una cinta sobre la libertad de expresión, las etiquetas y el miedo a las nuevas corrientes de pensamiento. Por lo tiempos que maneja a ‘El olvido que seremos’ a veces hay que echarle paciencia, la misma que hay que de dedicarle a la educación de un hijo o a la transformación de una nación. Es una obra algo alargada, pero da la impresión de que Héctor Abad lo merece.

Igual de memorable que era este doctor lo es la música de Zbigniew Preisner. ‘El olvido que seremos’ es una película prácticamente redonda. “Si quieres que tu hijo sea bueno hazle feliz, si quieres que todavía sea mucho mejor dale aún más amor”. Si quieres que los espectadores sean buenos contigo dales una obra con sustancia, y esta es de las que llenan y dan ganas de abrazar.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: El olvido que seremos. Duración: 136 min. País: Colombia. Dirección: Fernando Trueba. Guion: David Trueba. Música: Zbigniew Preisner. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano, Juan Pablo Urrego, María Tereza Barreeto, Elizabeth Minotta, Whit Sillman, Kepa Amuchastegui. Producción: Caracol Televisión. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://bteampictures.es/el-olvido-que-seremos/

Crítica: ‘4 días’

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Diez años de consumo de heroína han dejado en ruinas la vida de Molly (Mila Kunis). Una nueva medicina podría ayudarla a comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb (Glenn Close), una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Crítica

Contando algo duro pero sin dureza

Pintaba a dramón y así ha sido. ‘4 días’ es un filme con mucha tristeza pero incapaz de dejarnos con una carga de pena o por lo menos de transmitirnos la agonía de sus personajes.

En ‘4 días’ la gran Glenn Close (cuyo último recuerdo que tendréis de ella será su twerking en la gala de los Oscar) y Mila Kunis (a quien prefiero recordar de ‘Aquellos maravillosos 70’) se convierten en madre e hija. Dos personajes la mar de imperfectos que se ven inmersos en una lucha contra el mono. Kunis encarna a una joven que ha intentado descontaminar su cuerpo hasta en quince ocasiones y cada vez le es más fácil recaer. Mientras tanto Close tiene que retratar a una persona que lucha contra su impulso maternal.

Esta pugna de impulsos se titula ‘4 días’ porque ese es el tiempo que le resta al personaje de la yonki para poder empezar con seguridad un tratamiento que le ayudará a salir de la heroína y demás estupefacientes.

Una historia basada en hechos reales que tal y como está interpretada y tal y como la narra el director y guionista Rodrigo García se siente verídica. El problema es que no se desmarca de ninguna otra historia de drogas o de otros dramas maternofiliales. No ofrece ninguna innovación, ni narrativa ni interpretativa.

Sin ponerle pegas a las actuaciones de ambas protagonistas he de decir que al conjunto de la obra le ha faltado una capacidad de transmitirnos el estrés que debe suponer el sobreponerse a ambos monos, el de meterse un chute y el de acudir corriendo a socorrer a la sangre de tu sangre. La película peca de falta de intensidad y por eso es probable que la pierda de mi mente en otros cuatro días.

Esta es la historia de dos personas que han perdido mucho en su vida y para darle empaque a algo tan drástico cabía esperar algo más de fuerza en la trama y menos giros representativos de estos dramas que acaban poniéndose en la sobremesa de un sábado. Es una película tan convencional que cabe pensar que sus estrellas la han hecho paga pagar facturas o para que se les tenga en cuenta en futuros proyectos.

‘4 días’ no es mala pero si insustancial o poco remarcable. El personaje de Glenn Close saca el tema un par de veces y habría sido más interesante ahondar en ese aspecto. Me refiero a que ella acusa la adicción de su hija a la epidemia de los opioides de los noventa. Si no conocéis este fenómeno se refiere básicamente al como muchos estadounidenses están enganchados a analgésicos opioides y posteriormente han acabado enganchados a drogas duras, como le pasaba al Dr. House de Hugh Laurie. Choca ver a Mila Kunis sin dientes pero es una pena el cómo argumentos muy duros pueden llegar a ser contados sin alcanzar dureza alguna.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Four Good Days. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Rodrigo García. Guion: Rodrigo García, Eli Saslow. Música: Ed Sheamur. Fotografía: Igor Jaude-Lillo. Reparto principal: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Carla Gallo, Michael Hyat, Joshua Leonard. Producción: Indigenous Media, Oakhurst Entertainment, Productivity Media. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama. Web oficial: https://www.indigenousmedia.com/fourgooddays

Crítica: ‘Héroes: Silencio y rock & roll’

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Este documental narra el ascenso de Héroes del Silencio, grupo de rock de gran trascendencia en los 80, liderado por Enrique Bunbury y con un sonido cada vez más duro.

Crítica

Los ecos de una banda que siempre nos hará vibrar como un trueno en el cielo

Son buenos días para hacer una apuesta por el rock & roll. No solo por el panorama convulso que vivimos y que pide reivindicación, también por la serie de documentales que se están estrenando, en concreto sobre bandas del territorio español. Barricada, Héroes del Silencio y Berri Txarrak. 82, 84 y 94. Pamplona, Zaragoza y Lecumberri. Tres bandas surgidas con poco espacio de tiempo entre ellas, muy cercanas regionalmente y con películas documentales recién estrenadas. Tras hablaros de ‘El drogas’ o ‘Dardara’ ahora toca y nos toca ‘Héroes: Silencio y rock & roll’.

Nunca he sido un fan extremo de Héroes del Silencio pero siempre he disfrutado su música, tanto del grupo como de Bunbury en solitario. Tampoco me he sentido nunca alineado con la personalidad o declaraciones de Enrique Bunbury, pero eso no viene al caso, lo importante es su legado musical que a poco que uno lo repase sentirá una avalancha de sensaciones. A raíz de eso el documental realizado por Alexis Morante (Camarón: flamenco y revolución) y Nacho Blasco (‘Los futbolísimos’) deja claro que la prensa española nunca ha sabido tratar a un grupo llamado a ser leyenda, por eso quiero dejar claro que interpreto que aquí no se juzga a una persona o a las personas de la formación, se analiza el fenómeno de Héroes y su música, aunque para ello obviamente hay que irse a veces a lo personal.

Conocí a Héroes del Silencio a través de mis primos y precisamente gracias a la ausencia de otro familiar descubrimos que esa fue la chispa adecuada que unió a Bunbury al resto de la banda. Pasó de plantearse como bajista del grupo a cantante y a partir de ahí todo fue en ascenso. Datos como ese abundan por doquier a lo largo de todo el metraje, acompañados además de imágenes que sinceramente, creía que no existían.

Pero no fue una senda con una progresión logarítmica. Si algo demuestra ‘Héroes: Silencio y rock & roll’ es que el grupo de Zaragoza se fraguó su fama a pico y pala. Pudieron quedarse entre dos tierras en su brinco del ámbito provinciano al internacional. Y lejos están de ser recordados como héroes en su propio olvido, pues como se hace ver y demostró su gira de 2007, en su ausencia como formación en activo su leyenda ha crecido.

El documental disponible en Netflix no presenta grandes revelaciones acerca de la historia de la banda, no si uno está familiarizado con ellos o si queremos ir más allá de su auto-reconocimiento sobre el consumo de drogas. Pero si supone un gran repaso a su carrera, plagado además de temas, en sus versiones más populares o en su sonido más original y quizá desconocido. En todo momento, con la información aportada y con las declaraciones vertidas por todos los miembros de Héroes del Silencio se percibe como un largometraje muy sincero, hasta en el momento de tocar instantes delicados como muertes o la consabida separación que coló un incómodo silencio entre estos músicos.

Esta película es bastante jugosa y muestra como las canciones del grupo eran capaces de hacer sufrir de alucinaciones a sus oyentes. Espero que no se quede como una sirena varada que llega a nuestras costas reclamando su atención y cayendo esta en saco roto sin que surta efecto su hechizo. Héroes estuvieron tocando juntos unos doce años, en términos musicales puede considerarse poco tiempo pero sin necesidad de una nueva reunión sabemos que son una marca indeleble de la historia del rock.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2021. Título original: Héroes: Silencio y rock & roll. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Alexis Morante. Música: Héroes del Silencio, Miguel Torres. Fotografía: Sergio de Uña. Reparto principal: Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel, Pedro Andreu, Alan Boguslavsky, Phil Manzanera, Matías Uribe, Ignacio Cubillas, Gustavo Montesano, Roberto Durruty, Diego A. Manrique, Sandro D’Angeli. Producción: Bemybaby Films, Héroes Documental AIE. Distribución: Netflix. Género: documental, música. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Earwig y la bruja’

Sinopsis

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Earwig, una niña de 10 años, tiene la habilidad de manipular a los demás para que todos hagan lo que quiera. Huérfana desde bebé, lleva una vida agradable y muy feliz en un hogar para niños donde todos atienden a sus caprichos.

Un buen día, un hombre y una mujer de aspecto extraño la adoptan. “Mi nombre es Bella Yaga. Soy una bruja”, le dice su nueva madrastra a Earwig. “Te he traído a mi casa porque quiero que seas mi ayudante”. Por su parte, el hombre extraño solo aparece para almorzar. Está siempre de mal humor y tiene la costumbre de decir “No me molestéis”.

Por primera vez en su vida, Earwig se topará con unas personas que no se rinden ante sus deseos. Vivirá una serie de aventuras y situaciones que harán que descubra el enorme potencial que siempre ha guardado en su interior.

Crítica

Una mancha en una historia de embrujos animados

Efectivamente, ‘Earwig y la bruja‘ ha supuesto toda una decepción. Hablar de Ghibli es hablar de historias cautivadoras, que embrujan al espectador, tanto a nivel narrativo como en su aspecto visual. La nueva película realizada por el estudio cofundado por Hayao Miyazaki viene con alguna aportación del mítico director, pero es su hijo, Goro Miyazaki, el que ha puesto la mayoría del trabajo, como ya sucedió en ‘Cuentos de Terramar’.

Cabía esperar que la película supusiese una obra mejor que el filme que dirigió el sucesor de Miyazaki en el 2006 ya que el célebre cineasta ha contribuido esbozando las líneas generales de la historia a partir de otra obra de Diana Wynne Jones (‘El castillo ambulante’). Pero ha sido precisamente lo contrario. ‘Earwig y la bruja no cuenta apenas nada, es un cuento sin sustancia, sin una trama interesante que seguir y lo que es aún peor, sin un final mínimamente concreto.

La trama sigue a una niña que ha sido abandonada por una bruja en un orfanato cuando era bebé. Crece y se convierte en una chicuela respondona, pilla, con coletas cornúpetas y carácter mandón. Acaba siendo adoptada precisamente por otra bruja y es lo suficiente descarada y osada como para asimilar rápidamente el uso de la magia. Ese temperamento que tiene la niña es lo único gracioso de la película, lo único que a pesar de ser arquetípico engancha. En líneas generales esto es una especie de versión de ‘Una serie de catastróficas desdichas’ o de ‘Harry Potter’ en el que la magia no la tiene el protagonista, sino sus tutores.

La animación en 3D era lo que más miedo me daba. Ese cambio de aires o incorporación de nuevas corrientes para el estudio es lo que más temía. Ya hemos experimentado fiascos como la nueva versión de ‘Caballeros del Zodíaco’ en Netflix y en ese aspecto debo admitir que he sentido un alivio. Los dibujos son menos torpes de lo que esperaba y aunque las caras no son todo lo expresivas que deberían en estos personajes que parecen muñecos chibi en movimiento hay un gran trabajo de iluminación y color.

La historia se ambienta en lugares coloridos, tanto en sus escenas luminosas como en sus momentos nocturnos o narrativamente más oscuros. Las ubicaciones parecen inspiradas en esa Europa de mediados del siglo XIX que tanto les gusta a los japoneses. En cuanto a los personajes, Ghibli siempre se ha caracterizado en generar bichejos icónicos. Esa es otra falla de la película, no nos quedamos con ninguno de sus monstruitos grabados en la retina.

Imaginación tampoco le falta a la historia. Es ocurrente en cuanto a los detalles, pero no en cuanto a hilar una trama que te acabe dejando sabor a cuento o fábula. Da la impresión de que ‘Earwig y la bruja’ está pensada como una introducción a una futura serie, a una de esas que parecen hechas al peso y que emiten en canales infantiles. El guión es pobre, anodino, sin objeto alguno. Natillas, uno de los personajes secundarios, lee en una escena el libro ‘Red planet’ de Robert Heinen mientras que Earwig lee ‘El perro de Baskerville’. Pues bien, ‘Earwig y la bruja’ no hace honor al ingenio de Conan Doyle ni nos hace viajar como Heinen.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Âya to Majo. Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Goro Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki, Keiko Niwa, Emi Gunji. Música: Satoshi Takebe. Reparto principal (doblaje original): Shinobu Terajima, Etsushi Toyokawa, Gaku Hamada, Kokoro Hirasawa, Sherina Munaf. Producción: NHK, Studio Ghibli. Distribución: Vértigo Films. Género: animación, fantasía. Web oficial: https://www.aya-and-the-witch.jp/

Ya se rueda ‘La casa entre los cactus’ de Carlota González-Adrio 

Con Ariadna Gil, Daniel Grao y Ricardo Gómez

Carlota González-Adrio debuta como directora de su primer largometraje, ‘La casa entre los cactus’, protagonizado por Ariadna Gil (‘Solo una vez’, ‘Parking’, ‘En zona hostil’), Daniel Grao (‘El año de la furia’, ‘El inconveniente’, ‘El asesino de los caprichos’) y Ricardo Gómez (‘Donde caben dos’, ‘El sustituto’, ‘Mía y Moi’), entre otros.

El guion está basado en la novela homónima de Paul Pen (‘El Aviso’, ‘Un matrimonio Perfecto’) quien también ha escrito la adaptación cinematográfica.

Sinopsis oficial:

Es un thriller emocional lleno de suspense en el que la idílica convivencia de una familia perfecta se verá dinamitada con la aparición de un extraño que no es quien dice ser.

González-Adrio, graduada en la ESCAC, obtuvo con su cortometraje, ‘Solsticio de verano’, el Premio a Mejor Corto Español en la 64 Edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid.

En palabras de Carlota Gonzalez-Adrio, ‘La casa entre los cactus’ es “una historia que esconde la verdad y la mentira, los secretos, lo oculto, la violencia, el cariño, el amparo… partiendo siempre del retrato de esta familia. La historia se construye a través de la idea de la apariencia y lo escondido, que cohabita un mismo espacio, una misma persona. Esta casa que se construye como un refugio frente a la naturaleza salvaje, se va transformando en un cobijo que es también tiniebla. En ella la serenidad y el silencio de la naturaleza cobran otro sentido”.

El rodaje transcurrirá en diversas localizaciones de Las Palmas a lo largo de seis semanas.

‘La casa entre los cactus’ es una producción de Cine 365 Films, DZ Largometrajes y Audiovisuales AIE, Ikiru Films, La Terraza Films y Virtual Contenidos.

Cuenta con la participación de RTVE, TV3, Orange TV y Ministerio de Cultura (ICAA).

Filmax se encargará de la distribución en cines de España.

Foto de portada: Verónica González Mayoral.

En mayo llega a cines el éxito francés ‘Maldita jungla’

Con Catherine Deneuve, Vincent Dedienne, Alice Belaïdi y Jonathan Cohen

El próximo 28 de mayo, la distribuidora Alfa Pictures colocará en nuestras carteleras una comedia que parece muy alocada, ‘Maldita jungla’. Una obra creada en guión y tras la cámara por dos los debutantes, Hugo Benamozig y David Caviglioli. Llegan a la gran pantalla después de escribir y dirigir el cortometraje ‘Ma bataille’ en 2019.

Tenemos en el filme a la gran Catherine Deneuve (‘Bella de día’, ‘Los paraguas de Cherburgo’, ‘Piel de Asno’), junto con Vincent Dedienne (‘Entre Rosas’), Alice Belaïdi (‘Hipócrates’) y Jonathan Cohen (‘Enorme’).

‘Maldita jungla’ se presentó en enero de 2020 en la sección oficial del L’Alpe d’Huez Film Festival, festival dedicado al cine de comedia galo por donde han pasado éxitos de taquilla como ‘Sobre ruedas’ de Franck Dubosc, ‘La Jaula Dorada’ de Ruben Alves y ‘Bienvenidos al Norte’ de Dany Boon.

En Francia, la película llegó a las salas el verano pasado siendo aclamada por el público y la crítica y recaudando más de un millón y medio de euros.

Sinopsis oficial:

Elliot, un joven aventurero ingenuo, va a Guyana en busca de los misteriosos Otopis ocultos. Pero pronto descubrirá que los Otopis no son “nobles salvajes”, son gánsteres de la jungla liderados por la feroz Albertine.

Os presentamos ‘El inglés que cogió una maleta y se fue al fin del mundo’

Protagonizada por Timothy Spall y Phyllis Logan

‘El inglés que cogió una maleta y se fue al fin del mundo’ es como DeAPlaneta ha decidido titular una película que en su idioma original se ha llamado ‘The last bus’. Largo título para una película protagonizara por un actor con una gran carrera como es Timothy Spall (‘La Sra. Lowry e hijo’) junto al que actúa Phyllis Logan (‘Downton Abbey’). Ambos ya coincidieron en ‘Secretos y mentiras’.

El filme se estrena el próximo 18 de junio. Es una obra que ha sido dirigida por Gillies MacKinnon (‘Pure’). El guión llega de la mano de Joe Ainsworth, guionista de la serie longeva ‘Holby City’ por la que ganó un premio BAFTA en 2008 y fue nominado en 2012 y 2016.

‘El inglés que cogió una maleta y se fue al fin del mundo’ es una road movie sobre el amor, la pérdida y el espíritu humano. Una película que nos recuerda que no estamos solos… y que todos somos compañeros en este viaje.

Sinopsis oficial:

Tom Harper (Timothy Spall), un jubilado de 90 años cuya esposa acaba de fallecer, se embarca en una emocionante travesía. Dejará atrás el aislado pueblo en el que vive desde hace cincuenta años, situado en el punto más al norte de Gran Bretaña, para viajar hasta su ciudad natal, en el extremo más al sur del país, utilizando para ello su billete gratuito de autobús. El intrépido protagonista le plantará cara al tiempo, a la edad y al destino con tal de cumplir la promesa que le hizo a su esposa Mary (Phyllis Logan). Regresando a su pasado, Tom descubrirá el mundo moderno y una diversidad multicultural británica que hasta entonces desconocía. En el camino, sus aventuras serán registradas por las personas que conoce y ayuda, y al final de su viaje, sin saberlo, se habrá convertido en una ‘celebrity’ de las redes sociales.

Primer teaser de ‘Live is life’

Dirigida por Dani de la Torre y escrita por Albert Espinosa

Que Dani de la Torre (‘La unidad’) no pare para nosotros nos parece buena noticia. Y que Albert Espinosa (‘Los espabilados’) siga creando nos agrada aún más. Ambas mentes creativas, ambos talentos, se han juntado para crear ‘Live is life’.

Esta es una película que será distribuida por Warner Bros. Pictures Spain. Está protagonizada por cinco chicos que debutan por primera vez en la gran pantalla. Adrián Baena, es Rodri un joven de Barcelona, que va a pasar la noche de San Juan a su pueblo en Galicia, donde se reencontrará con sus amigos. El resto de la pandilla está interpretada por Juan Manuel del Pozo y Raúl del Pozo, que hacen de los hermanos Álvaro y Maza; David Rodríguez, es Suso y por último Javier Casellas se mete en la piel de Garriga.

El guión está escrito por Espinosa que vuelve a la ficción audiovisual tras éxitos como ‘Pulseras rojas’, ‘Planta 4ª’ o la reciente ‘Los espabilados’.

Albert Espinosa es el encargado de firmar el guion de la película, quien tras el éxito de Pulseras rojas y Planta 4ª, vuelve a la ficción cinematográfica. Como suele ser característico en la obra de este escritor esta será una historia de descubrimiento y juventud. En concreto abrazará al niño que descubre al adulto y al adulto que se resiste a dejar de ser niño.

‘Live is life’ se rodó, en su gran mayoría en localizaciones únicas y especiales de Galicia centrándose especialmente en La Ribeira Sacra. Con localizaciones en Lugo, incluyendo Pantón, Sober, Quiroga, O’Saviñao y Monforte de Lemos, ciudad natal de Dani de la Torre; y Esgos, en Orense. Además, parte del rodaje también tuvo lugar en Barcelona.

Primer adelanto de ‘La guerra del mañana’

Una guerra contra extraterrestres con viajes en el tiempo

Amazon Studios presentó ayer el primer teaser de ‘La guerra del mañana’. Una película que podremos ver el 2 julio de este 2021 en la plataforma de contenido en streaming de Amazon.

‘La guerra del mañana’ está protagonizada por Chris Pratt (‘Guardianes de la galaxia). Junto a él están Yvonne Strahovski (‘El cuento de la criada’), Betty Gilpin (‘La caza’), Sam Richardson (‘Veep’), Edwin Hodge (‘La purga’) y J.K. Simmons (‘Whiplash’).

Dirigida por Chris McKay y escrita por Zach Dean, ‘La guerra del mañana’ ha sido producida por David Ellison, Dana Goldberg, Don Granger, Jules Daly, David Groyer y Adam Kolbrenner. Los productores ejecutivos son Ron Cowan, Chris Pratt, Brian Oliver y Bradley J. Fischer.

Podríamos pensar que esta es una secuela de ‘Al filo del mañana’, la estupenda película de Doug Liman, pero seguramente establezcáis más paralelismos con ‘Terminator’. Vais a ver con el tráiler que la ciencia ficción y la acción no faltan en esta película.

 

Sinopsis oficial:

En La guerra del mañana, el mundo se paraliza cuando un grupo de viajeros en el tiempo se transporta desde el año 2051 para entregar un mensaje urgente: La humanidad está perdiendo la guerra mundial contra una especie alienígena letal. La única esperanza de supervivencia es que los soldados y los ciudadanos del presente sean transportados al futuro y se unan a la lucha. Entre los reclutados está el profesor de instituto y padre de familia Dan Forester (Chris Pratt) quien, decidido a salvar el mundo por su hija, se une a una brillante científica (Yvonne Strahovski) y a su padre (J.K. Simmons) en una búsqueda desesperada por reescribir el destino del planeta.

‘The Boy From Medellín’, tráiler de la película sobre J Balvin

Se estrena en Amazon Prime Video el 7 de mayo

‘The Boy From Medellín’, sigue a J Balvin mientras se prepara para el concierto más importante de su carrera: un espectáculo con las entradas agotadas en su natal Medellín, Colombia. Pero a medida que se acerca la actuación, las calles estallan con la creciente inestabilidad política, obligando al artista ganador del Grammy Latino a enfrentar su responsabilidad como artista hacia su país y sus legiones de seguidores de todo el mundo. A medida que aumenta la presión pública por la llegada del concierto, tras bastidores, Balvin continúa lidiando con la ansiedad y la depresión que lo han atormentado durante años.

El director Matthew Heineman (‘Cartel Land (Tierra de cárteles)’, ‘City of Ghosts’, ‘La corresponsal’), nominado al Oscar y ganador de dos premios Emmy, dirige y produce este retrato sorprendentemente íntimo de una de las más grandes estrellas de la música de nuestros tiempos. Rodado íntegramente durante la dura semana previa al concierto, ‘The Boy From Medellín’ ofrece un acceso sin precedentes al “Príncipe del reguetón”, y proporciona una profunda mirada a uno de los momentos más cruciales y emocionalmente duros de su vida.

 

‘Shorta. El peso de la ley’ en cines el 4 de junio

Thriller directamente desde Dinamarca

La última sensación del thriller nórdico, ‘Shorta. El peso de la ley’, se estrenará en cines el 4 de junio a través de Caramel Films. Tras su exitoso paso por los festivales internacionales de Venecia y Toronto, la película es el debut en la dirección cinematográfica de los directores daneses Frederik Louis Hviid y Anders Ølholm.

Este thriller policíaco en la línea de ‘Los miserables’, ‘Antidisturbios’ y otros títulos daneses como ‘The guilty’ o ‘Headhunters’, nos traslada a los suburbios de la Dinamarca actual, llenos de tensiones raciales, donde la brutalidad policial desata violentos disturbios.

La trepidante película generó una gran controversia en su país con motivo de su estreno en cines, cuando fue relacionada con las protestas antipoliciales sucedidas en EEUU el pasado verano.

En palabras de los directores: “En árabe, «shorta» significa «policía», y nuestra cinta es por encima de todo una película de género. Está en deuda con directores como William Friedkin, Sydney Lumet y Walter Hill y sus thrillers descarnados de los años 70 y 80 poblados de antihéores muy complejos. Pero también con realizadores como Spike Lee y Matthieu Kassowitz, cuyo trabajo rezuma ira, indignación y rebeldía y ofrece un componente social aderezado con un estilo visual muy potente”.

‘Hombre muerto no sabe vivir’, protagonizada por Antonio Dechent

Estreno el 2 de julio

‘Hombre muerto no sabe vivir’, primer largometraje como director del cineasta Ezekiel Montes (también responsable de la producción y el guion), llegará a los cines de toda España el próximo 2 de julio.

Este thriller con tintes de cine negro ambientado en la Costa del Sol está protagonizado por Antonio Dechent (‘Solas’, ‘Intacto’), Rubén Ochandiano (‘Biutiful’, ‘Los abrazos rotos’), Elena Martínez (‘Este amor es de otro planeta’, ‘Lobo Feroz’), Jesús Castro (‘La isla mínima’, ‘El niño’), Paco Tous (‘La sombra de la Ley’, ‘La lista de los deseos’), Nancho Novo (‘La Celestina’, ‘La ardilla roja’) y Manuel de Blas (‘El túnel’, ‘Los fantasmas de Goya’). Completan su reparto Juan Fernández (‘Solas’, ‘La caja 507’), Juanma Lara (‘El Olivo’, ‘El niño que pintaba el mar’), Roberto Garcia (‘La casa de papel’, ‘El chicano’) y Manolo Caro (‘El Bola’, ‘Camarón’).

‘Hombre muerto no sabe vivir’ se ha rodado en Málaga, Cádiz y Marbella. Producida por 73140323 PC, con la participación de Orange TV, es distribuida por Filmax, que también se encarga de las ventas internacionales.

Ezekiel Montes nos comenta: “‘Hombre muerto no sabe vivir’ es una de las apuestas más arriesgadas del cine del 2021. Es una película de acción pero principalmente es una historia de personajes, pegada a la realidad y crueldad de este ambiente. La película habla de lealtad, de unos valores que la sociedad está perdiendo, de una época que ya no existe”.

Sinopsis oficial:

La historia gira en torno a Tano (Antonio Dechent), quien ha trabajado toda su vida para Manuel, un empresario de la construcción que en épocas mejores controló toda la ciudad. Ahora, a la vejez, Tano ve cómo Manuel (Manuel de Blas) ya no puede llevar la empresa y toda la estructura se enfrenta a un cambio generacional, a nueva gente, nuevos negocios, nueva forma de llevar la empresa, pero la misma violencia de siempre.

Crítica: ‘Chaos Walking’

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En un futuro no muy lejano, Todd Hewitt (Tom Holland) encuentra a Viola (Daisy Ridley), una enigmática chica que se ha estrellado en su planeta, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres están afectados por «el ruido» -una fuerza que exhibe todos sus pensamientos-. En un entorno tan peligroso, la vida de Viola se ve amenazada y al prometer Todd protegerla, deberá descubrir su propia fuerza interior y revelar los oscuros secretos del planeta.

Crítica

Ciencia ficción solvente con una dupla protagónica destinada a leerse la mente  

‘El cuchillo en la mano’ es como se titula el primer libro de la trilogía ‘Chaos Walking’. Esa es la obra en la que se basa la nueva película que ha sido dirigida dirigida por Doug Liman (‘Al filo del mañana’, ‘Sr. y la Sra. Smith’) en colaboración con Fede Álvarez (‘No respires’, ‘Millennium’). Una historia juvenil, que al margen de si es fiel o no al libro, resulta una satisfactoria aventura, haciendo gala de buenos argumentos de ciencia ficción aunque dejando alguna que otra oportunidad por el camino.

‘Chaos Walking’ está extraída del libro de Patrick Ness, el autor de otro best-seller adaptado como lo fue ‘Un monstruo viene a verme’. Él es guionista junto a otro escritor cuya obra ha sido ya interpretada por Tom Holland, Christopher Ford (‘Spider-Man: Homecoming’). Esta es una película que como decía se ha hecho con dos directores, con Fede Álvarez de consultor para las escenas re-grabadas ya que no gustó el primer montaje presentado a Lionsgate. Esta producción hace honor a su nombre y se nota una pizca de caos, no tanto en el montaje sino en la calidad visual de los efectos de algunas escenas o en lo atropellado de la historia. Y antes incluso de ponerse delante de la cámara la película ya había dado unos cuantos tumbos y llegó a tener varios borradores de guión.

Habrá quien diga que esto se nota en el filme pero no es tan evidente. No comparto comentarios que dicen que es una cinta de la que te cansas rápido o que los personajes no son interesantes, aunque si le falta introspección. ‘Chaos Walking’ es una película de ciencia ficción bastante potable. Nos cuenta cómo en el 2257 los hombres viven solos, sin mujeres, intentando sacar adelante una aldea y conviviendo con “el ruido”. Es un efecto tipo aurora boreal que ronda la cabeza de las personas mostrando aquello que están pensando. En esa situación ha crecido Todd Hewitt (os vais a aprender bien el nombre) que de repente se encuentra con una chica caída del espacio (Viola, Daisy Ridley) la cual es perseguida inmediatamente. Dos buenos villanos, con trasfondo y nada insustanciales, coprotagonizan este corre que te pillo. Dos personajes interpretados por actores de talento, siempre solventes como lo son Mads Mikkelsen y David Oyelowo.

‘Chaos Walking’ es una carrera constante donde lo que más resalta es la buena relación actoral entre Holland y Ridley. Si hablamos de duplas de ciencia ficción reciente puedo decir que me gustó la de ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’ o la de ‘Passengers’ pero esta joven pareja hace mejores migas. Tirando menos de comedia que en sus trabajos marvelitas o starwaseros ejemplifican bien el choque que vive un muchacho que nunca ha estado con una chica de su edad y el de una joven que pisa un planeta por primera vez en su vida. Con esta película no olvidamos el carácter tontorrón de Holland como Spider-Man o el de Ridley como mujer de armas tomar que se mueve entre chatarra. Pero si les tenemos en una relación, con alguna similitud a la que tuvieron Bruce Willis y Milla Jovovich en ‘El quinto elemento’, en la que se ven forzados a salirse de sus papeles más famosos.

Esta adaptación se queda muy por detrás de ‘Un monstruo viene a verme’. No tiene ni esa carga dramática ni esa fantasía desbordante. La oportunidad que pierde ‘Chaos Walking’, no sé si será igual con el libro, es la de desarrollar una trama entorno a las relaciones interpersonales. Podría haber mostrado cómo es el tener que conocer a alguien a través de sus palabras, de sus gestos, como estamos acostumbrados a hacer nosotros, pero no como está acostumbrado a hacer Todd que siempre ha podido escuchar los pensamientos de los demás. No obstante, el largometraje juega bien con esa falta de filtro y obligación de control de impulsos a la que están sometidos los hombres.

El filme tiene fallos como el que Viola acabe de estrellarse con su nave y esta se vea aún humeante y ardiendo, pero a su vez veamos ya tres tumbas junto a ella, a veces no maneja los tiempos correctamente. También hay algún detalle generado por ordenador que baja la buena calidad del resto, como alguna escena acuática o algún croma obvio. Sin embargo visualmente la película materializa muy bien los tejemanejes que tiene cada uno en la mente mostrándolos como ilusiones intangibles.

Dados los problemas y tiranteces del rodaje puede que no veamos más adaptaciones de esta trilogía. También puede acusar que los personajes son más mayores que en la novela, aunque aún así los muestra bastante jóvenes. No obstante ‘Chaos Walking’ funciona como película conclusiva y uno puede quedar satisfecho con el final que ofrece. Este ha sido un papel que a Tom Holland le ha costado algún desmayo, las muelas del juicio y una nariz rota, quizá se piense bien hacer una segunda parte, si la taquilla lo permite. Si es por mi adelante.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Chaos walking. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Doug Liman. Guion: Patrick Ness, Christopher Ford. Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Tom Holland, Daisy Ridley, Nick Jonas, Mads Mikkelsen, Cynthia Erivo, David Oyelowo. Producción: 3 Arts Entertainment, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Quadrant Pictures. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/chaoswalking

 

Crítica: ‘Los Mitchell contra las máquinas’

Sinopsis

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Un apocalípsis robótico pone freno a su viaje por carretera a través del país. Ahora el futuro de la humanidad depende de los Mitchell: la familia más rarita del mundo.

Crítica

Va a toda máquina y no pierde fuelle

Muy loca, muy demente. ‘Los Mitchell contra las máquinas’ es tan loca como la cantidad de videos virales absurdos y surrealistas que inundan las redes y que consumimos a toda máquina. Tal es así que los robots ejecutores de la humanidad nos mandan al garete con el emoji del pulgar hacia arriba. Y ya no es solo su argumento, a los protagonistas también les falta un tornillo.

En ‘Los Mitchell contra las máquinas’ la humanidad se enfrenta de nuevo a la extinción por culpa de una IA enfadada, frustrada por su rápida obsolescencia. La película está dirigida por Michael Rianda y Jeff Rowe, dos guionistas de ‘Gravity Falls’ que imbuyen a esta nueva historia algo de esa serie, sobre todo, los personajes desmadrados. Este es un filme orquestado por los creadores de ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Una nueva película de Sony Pictures Animation que además tiene una animación muy similar a la de Miles Morales, aunque con detalles mucho más surrealistas.

La animación de ‘Los Mitchell contra las máquinas’ tiene un toque menos comiquero y más 3D pero tampoco se libra de tener muchos detalles. Os recomiendo ver este filme en la pantalla más grande que podáis para ir captando pequeños elementos que van apareciendo. Elementos que o bien están en los escenarios (como el adorno de la antena del coche que recuerda a Moquete de ‘Los Cazafantasmas’) o bien se introducen a modo de gif, meme o dibujos hechos a mano. Un ejemplo muy claro es el famoso Nyan cat, el cual va muy en sintonía con el espíritu de la película.

El personaje principal de esta película sueña con hacer cine y se gana a sus seguidores con películas amateur en las que casi siempre el protagonista es su perro. Películas que adereza con un batiburrillo de efectos especiales cutres, casi siempre consistentes en mezclar lo grabado con pobres cromas o dibujos con pinturas de madera. Un cine que bien podría ser el de Wakaliwood por la pasión que desprende pero también por su baja calidad.

Netflix se hizo con los derechos de la película en enero de este 2021, eso ha propiciado que finalmente no la tengamos en cines bajo este título (recordemos que Sony la había renombrado como ‘Conectados. Modo en familia’) que es el que escogieron originalmente Phil Lord y Christopher Miller, sus productores y Midas en esto de la animación (‘Spider-Man: un nuevo universo’, ‘La LEGO película’, ‘Smallfood’). Este movimiento podría ser el primero del nuevo acuerdo entre Sony y Netflix que a partir de ahora compartirán películas, primero en cines y luego en streaming. Este título va directo a la televisión, por eso os he recomendado usar la pantalla más grande que tengáis.

El filme consiste en un viaje frenético, rápido con sus gracias y con pocas pausas. Su humor reside en que los Mitchell son una familia tremendamente rara y disfuncional, un clan al que no hay filtro que le arregle. Llevan al extremo sus aficiones y se dan la turra entre ellos y a la gente que les rodea, ya sea el gusto por la naturaleza, el cine o los dinosaurios. Y sobre todo, el personaje más cómicamente explotado es el perro, inspirado en Doug the Pug, que triunfa desde hace años en las redes sociales, las del mundo real y por eso está hasta acreditado.  Aquí le ponen como un perro estrábico que está omnipresente y que es un miembro más, a todos los efectos.

En esas pocas pausas que tiene la película y como es habitual, en su final, se introducen los clásicos momentos moñas que creo que esta película no necesitaba pues durante todo su recorrido explica muy bien la moraleja. Y tiene varias. Una parte muy fuerte es su intento de concienciación hacia el uso abusivo de las tecnologías. Nos cuenta que nos perdemos muchos momentos por vivir pegados al móvil o por sufrir envidia hacia falsos momentos subidos en las redes sociales. Además esgrime la misma cuestión del cuchillo, ¿es un arma o una herramienta de cocina? El malo no es el objeto, es el usuario, el yonki del wifi, el fan del postureo…. Y por supuesto también muestra la frivolidad y ambición de las corporaciones tecnológicas, lo cual hace que ‘Los Mitchell contra las máquinas’ peque un poco de hipócrita pues el propio filme repite el esquema manido que intenta generar el mismo climax del resto de películas realizadas por grandes estudios de animación, que no es otro que el de la protagonista viviendo una catarsis al son de una canción a todo trapo cantada con voz distorsionada hasta más no poder. Al menos es la versión del Dragostea din tei cantada por Rihana animando a la gente a vivir su propia vida sin amarguras.

Este es un road trip en el apocalipsis, una versión animada tipo ‘Zombieland’ y pasa por etapas en las que recuerda a ‘Yo, robot’, ‘Independence Day’, el capítulo sobre el efecto 2000 de ‘Los Simpson’ y obviamente al mismísimo ‘Terminator’. Tanto en versión original como en castellano está muy bien doblada y he de decir que me ha sorprendido escuchar a Leo Harlem. Su cadencia en el habla suele ser frenética y a la película le iba bien, pero no hace uso precisamente de ella, lo cual me parece buen ejercicio de contención amoldándose al personaje y aportándole su toque campechano.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Connected. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Rianda, Jeff Rowe. Guion: Michael Rianda, Jeff Rowe. Música: Mark Mothersbaugh. Reparto principal (doblaje original): Maya Rudolph, Danny McBride, Michael Rianda, Abbi Jacobson, Fred Armisen, Conan O’Brien, Alex Hirsch, Charlyne Yi, Chrissy Teigen, John Legend, Doug the Pug, Olivia Colman, Eric André. Reparto principal (doblaje en castellano): Leo Harlem, María Pedraza, Kira miró, Miguel Ángel Garzón, Miguel Rodríguez Ros, Yolanda Pérez Segoviano, Guillermo Romero, Ricardo Escobar, Juan Amador, Ana Esther Alborg, Lucía Balas, Juan Antonio Soler Nozal. Producción: Sony Pictures Animation, Lord Miller, Columbia Pictures. Distribución: Netflix. Género: animación, aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.connectedmovie.com/

Tráiler de ‘Expediente Warren: obligado por el demonio’

Estreno en cines el 4 de junio

Ya tenemos nueva entrega de ‘The conjuring (Expediente Warren)’. En esta ocasión el famoso matrimonio se enfrenta a lo sobrenatural y a la vez a un jurado. Se pone sobre la mesa un caso de asesinato debido a una posesión y su resolución podría obligar al jurado a admitir la existencia del mal.

Vera Farmiga y Patrick Wilson vuelven a protagonizar estas historia con tintes reales encarnando a Lorraine y Ed Warre. En este caso en la dirección está Michael Chaves (‘La Llorona’). La película también está protagonizada por Ruairi O’Connor (‘La princesa española’), Sarah Catherine Hook (‘Monsterland’), Julian Hilliard (‘Penny Dreadful: ciudad de ángeles’) y John Noble (‘Fringe’).

Como es habitual en el universo de ‘Expediente Warren’ James Wan y Peter Safran vuelven a ser productores de la cinta. Estamos ante una nueva producción de An Atomic Monster/Peter Safran que será distribuida por Warner Bros. Pictures. Con esta séptima película pretenden seguir siendo la franquicia de terror más recaudadora de la historia. Podremos verla el 4 de junio de este 2021.

Siendo una película con posesión no podía faltar el guiño a ‘El exorcista’ que vemos en el mismo tráiler que hemos puesto a vuestra disposición a continuación.

 

Y aquí en versión original.

Primeras imágenes de ‘Lugares a los que nunca hemos ido’

Protagonizada por Belén Fabra y Francesc Corbera

La nueva película de Roberto Pérez Toledo se titula ‘Lugares a los que nunca hemos ido’. Un filme de carácter íntimo en el que se propone al espectador un viaje relacionado con la edad adulta. El propio Pérez Toledo ha elaborado el guión de este filme que protagonizan Belén Fabra y Francesc Corbera, acompañados de Pepe Ocio, Verónika Moral, Emilio Buale, Ana Risueño, Sergio Torrico, Miguel Diosdado, Laura Rozalén y Andrés Picazo.

El director nos cuenta que “Lugares a los que nunca hemos ido es una película con la que avanzo en mi exploración de las relaciones y los afectos humanos, poniendo la lupa esta vez en la generación de los que ya hemos cumplido cuarenta. El denominador común de las historias que aquí cuento es que hablan sobre lo complejo de entrar de lleno en la edad adulta, sobre lo que dejamos por el camino para lograr determinadas metas, sobre todos esos lugares a los ansiábamos ir pero han terminado por no parecerse demasiado a cómo soñábamos que serían.” Esta película propone una experiencia en forma de viaje de expectativas, decepción, muerte y renacimiento emocional para demostrar que siempre, en cualquier momento, estamos a tiempo para volver a empezar”.

Corbera, protagonista masculino de ‘Lugares a los que nunca hemos ido’ ha declarado lo siguiente: “Necesitaba reflexionar y profundizar sobre el momento vital que nos ha tocado vivir a la gente de mi generación. Creo que la película propone una experiencia reveladora, y que todos necesitamos en algún sentido mirar dentro de nosotros mismos para reconocernos en esta nueva realidad actual y así poder encontrar luz y esperanza. Lugares a los que nunca hemos ido habla de la vida, reflexiona sobre dónde estamos. ¿En qué nos hemos convertido?  Y en qué nos queremos convertir realmente. Creo que se trata de una película necesaria para esta generación y que refleja ciertas insatisfacciones y dilemas existenciales. Además en el año 2021, el mundo también necesita estas preguntas”.

Sinopsis oficial:

Elena ha pedido cena a domicilio, pero cuando abre la puerta, descubre que el repartidor es Manu, el que fue su gran amor y a quien hace demasiados años que no ve. En otro lugar de la ciudad, Javier es un director de casting a punto de poner a prueba a un actor con el que mantiene algo más que un vínculo profesional. No muy lejos de allí, Eva se dispone a ser infiel por primera vez a su marido con un compañero de trabajo. Mientras, Marian y Oliver inauguran el piso con el que se han hipotecado por treinta años. Y Carol y Orestes se conocen en una fiesta a la que acuden desconocidos dispuestos a abrazarse. Cinco lugares y unos personajes enfrentados a sí mismos y a sus sueños no cumplidos. Nadie dijo que fuera fácil hacerse mayor.

Lugares a los que nunca hemos ido es una producción de Deep Entertainment.

Crítica: ‘Sound of metal’

Sinopsis

Clic para mostrar

El batería de metal Ruben comienza a perder la audición. El médico le dice que su estado empeorará y él cree que su carrera y su vida han acabado. Su novia, Lou, lleva al exadicto a un centro de rehabilitación para sordos para evitar una recaída y ayudarle a adaptarse a su nueva vida. Tras ser recibido y aceptado tal como es, Ruben debe elegir entre su nueva normalidad y su vida anterior.

Crítica

Agitemos las manos al aire para aplaudir al equipo de sonido

Goya o Beethoven fueron conocidos por su arte y la creencia popular les atribuye unas personalidades de gran carácter o temperamento. Un carácter que muy probablemente se produjo o se agravó a raíz de su sordera, pero que en muchas ocasiones también se confunde con un talante apasionado. Algo totalmente comprensible sobre todo si pensamos en Beethoven, que se dedicó a la música sin que la pérdida de audición fuese impedimento para crear clásicos magistrales que han llegado hoy en día esto nosotros como obras cumbres de la música.

En el caso de ‘Sound of metal’ no estamos ante un genio de la música aunque si un apasionado de la batería. Un hombre cuyo estado mental también se ve alterado como les pasó a los célebres genios que he citado y que además tiene que lidiar contra una adicción a las drogas. Una persona que estando de gira con su novia por Estados Unidos se queda sin audición en ambos oídos. Independientemente del talento o la relevancia del artista hay que ponerse en su lugar ya que lo que le sucede es dramático. Solo la premisa de la película de Darius Marder ya produce una carga dramática que hace que el espectador se arrime mucho al protagonista. Tocar la fibra de esa manera incrementa sin duda la sensación de que estamos ante una gran película.

Sin embargo aunque la actuación de Riz Ahmed es buena no me parece meritoria de la nominación al Oscar, no por lo menos tanto como me lo parece la de Tahar Rahim en ‘The mauritanian’. Juega en contra del papel del protagonista el hecho de que la historia sea totalmente predecible y aunque su punto de partida sea diferente el desarrollo de los acontecimientos se mantiene dentro de esquemas bastante conocidos, sobre todo si pensamos en dramas centrados en la superación de grandes adversidades.

Si hay algo de valor o que reconocerle a ‘Sound of metal’ su sonido. La edición de sonido engrandece la actuación de Riz Ahmed y hace que acompañemos al protagonista a niveles sensoriales. Escenas en las que lo que oímos nos transmite que lo único que percibe el protagonista son las meras vibraciones del sonido. Están muy trabajadas esas voces que suenan distorsionadas hasta el punto de crear una confusión turbadora. El lograr con modificaciones de audio que el espectador se sienta perdido o desconsolado tiene tanto o más mérito que la mejor interpretación de Oscar. Bravo por Nicolas Becker (‘Gravity’, ‘La llegada’) y el resto de su equipo.

Podría recomendaros ver esta película simplemente para recomendaros que os olvidéis de la imagen e intentéis guiaros solo por el audio, para que hagáis una inmersión que os hará comprender a aquellos que tenéis en vuestra comunidad con problemas en sus oídos. Pero aguantar todo el desarrollo de sus acontecimientos puede ser algo tedioso, no desesperante, pero si aburrido en el sentido de qué sabemos exactamente donde va acabar todo desde el principio y durante el camino solo tenemos un par de escenas intensas o de frases dignas para el recuerdo.

‘Sound of metal’ funciona como ejercicio de empatía pero no tiene un guión excesivamente novedoso. Es un buen debut como director para Darius Marder, pero honestamente no creo que esta sea la mejor actuación ni de Riz Ahmed ni de Olivia Cooke.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Sound of metal. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Darius Marder. Guion: Darius Marder, Abraham Marder. Música: Nicolas Becker, Abraham Marder. Fotografía: Daniel Bouquet. Reparto principal: Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Mathieu Amalric, Tom Kemp, Bill Thorpe, William Xifaras, David Arthur Sousa, Michael Tow, Marisa Defranco, Lauren Ridloff, Jamie Ghazarian, Chris Perfetti, Hillary Baack, Chelsea Bond. Producción: Caviar Films. Distribución: Amazon Prime Video. Género: drama, músical. Web oficial: ver en Amazon.

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