Eddie y Venom están a la fuga. Perseguidos por sus sendos mundos y cada vez más cercados, el dúo se ve abocado a tomar una decisión devastadora que hará que caiga el telón sobre el último baile de Venom y Eddie.
Crítica
Un cierre que nos deja con los dientes más largos que los de Venom
Por fin, el Venomverso de Tom Hardy (recordemos que el actor protagoniza y produce) alcanza uno de sus puntos álgidos. Tras una primera película que entusiasmó y elevó las expectativas, y una secuela que decepcionó a casi todos, llega el cierre de una trilogía que explora a fondo la faceta alienígena de Venom y todas sus capacidades como simbionte. Esto es precisamente lo que ha mantenido vivo e independiente al personaje en los cómics, más allá de sus principales etapas con Spider-Man. Ahora que ha alcanzado niveles cósmicos, da pena que la franquicia llegue a su fin. Ojalá recuperen al personaje, ya sea para una nueva alineación de los Seis Siniestros o para integrarlo en ‘Secret Wars’, de la misma forma en que Sony se integró en el MCU con el Spider-Man de Tom Holland en ‘Civil War’.
Es probable que muchos de los espectadores y «fans de Marvel» que se acerquen a ver esta película solo conozcan a Venom por el universo cinematográfico de Sony (SSU) o por la inmensa cantidad de Funkos que lo muestran fusionado con otros personajes clásicos de la “Casa de las Ideas”. Los lectores de cómics estamos de acuerdo en que ese merchandising refleja bien cómo Venom ha corrompido a numerosos protagonistas y superhéroes. Por desgracia, y a pesar de que el filme se conecta con la escena post-créditos de ‘Spider-Man: lejos de casa’, no se da el ansiado crossover. Quién sabe si en un futuro este encuentro será posible. Al menos, ‘Venom: El último baile’ ofrece una invasión alienígena que es un festín de posesiones y criaturas insaciables.
Extraterrestres que quieren acabar con la vida en la Tierra, un humano aliado con un alienígena transformable, un códice que podría ser la clave para el apocalipsis, una agencia gubernamental que los persigue y una familia estilo ‘Captain Fantastic’ en un road trip que se topa con todo este caos… El esquema recuerda mucho a varias películas de ‘Transformers’, incluyendo el toque de comedia absurda y acción destructiva, a veces incluso confusa. A pesar de lo desordenada y precipitada que es ‘Venom: el último baile’, hay que destacar que en esta película es donde mejor se explora la relación entre Eddie y Venom, con una buena dosis de comedia y un clímax logrado.
El cierre de la trilogía llega de la mano de Kelly Marcel, quien ha sido la guionista de todas las películas de la saga, tomando el relevo de los directores Ruben Fleischer y Andy Serkis. Aunque su filmografía es variada, en términos de aventura, este filme se parece más a su serie ‘Terra Nova’, con todas esas criaturas gigantes persiguiendo a la familia protagonista. ¿Dejando de lado expectativas o continuidad con el MCU? La película se regodea en clichés, como el laboratorio similar al que vimos en ‘Morbius’, y tiene algunos momentos musicales que no funcionan. Sin embargo, debo admitir que esta entrega me ha resultado más entretenida y la escena de apertura, digna de un videoclip de Heavy Metal, me dejó impresionado.
El rumbo del universo de villanos de Sony, compuesto por personajes como Madame Web, Morbius o el próximo Kraven interpretado por Aaron Taylor-Johnson, no parecía demasiado prometedor. Al menos no lo suficiente como para pensar en una producción sólida que permita lanzar a Los Seis Siniestros. Sin embargo, aunque este filme se salva por poco, consigue dejarnos con ganas de más, con la introducción de un nuevo villano y una verdadera apertura al Venomverso.
Sin hacer spoilers, puedo adelantar que hay dos escenas post-créditos y por el camino los lectores de cómics reconocerán nombres como Knull o Strickland. También reconocerán a personajes mostrados en el tráiler, como Lasher, Agony o Phage, hermanos de Riot, quien apareció en la primera película. Como curiosidad, hay un reencuentro entre dos actores de ‘Ted Lasso’ (Juno Temple y Cristo Fernández, del cual el guión se olvida). Además, vuelven a coincidir en el universo Marvel dos actores que han interpretado a personajes de los cómics: Chiwetel Ejiofor (Mordo) y Rhys Ifans (El Lagarto), pero con otros papeles. ¿Acaso no hay más actores disponibles?
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2024. Título original: Venom: The Last Dance. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Kelly Marcel. Guion: Kelly Marcel. Música: Dan Deacon. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu, Alanna Ubach, Stephen Graham. Producción: Columbia Pictures, Arad Productions, Hutch Parker Entertainment, Marvel Entertainment, Matt Tolmach Productions, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, acción, comeia, adaptación. Web oficial:https://venom.movie/
Tenemos nueva película vampírica, tenemos nueva versión de Nosferatu. Y la mejor noticia, tenemos nueva película de Robert Eggers, el autor de películas como ‘La bruja’, ‘El faro’ o ‘El hombre del norte’. El famoso director, conocidísimo por el tratamiento de su personajes y su característica atención a la fotografía, reinterpreta el mítico personaje, popularizado en su día por Friedrich Wilhelm Murnau.
Hace unos 24 años se estrenó ‘La sombra del vampiro’ de E. Elias Merhige. Un título que abrazaba el rodaje del clásico ‘Nosferatu’ y nos mostraba como el método secuestraba al protagonista. Un protagonista interpretado por Willem Dafoe. Ahora el actor que muchos quieren ver en la piel del Joker vuelve a verse las caras con este mito del terror, pero no tendrá los colmillos largos sino la mente del Professor Albin Eberhart Von Franz. En el tráiler que ha publicado Universal Pictures podemos ver también (o intuir) a Bill Skarsgård, Lily-Rose Depp y Aaron Taylor-Johnson, entre otros.
Sinopsis oficial:
‘Nosferatu’ es un cuento gótico en torno a la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella que deja un espantoso rastro a su paso.
Del aclamado director Alexander Payne, ‘Los que se quedan’ nos descubre a un profesor cascarrabias (Paul Giamatti) de un prestigioso colegio americano que se ve obligado a permanecer en el campus durante las vacaciones de Navidad para velar por un puñado de estudiantes que no tienen a dónde ir. Contra todo pronóstico, la convivencia le llevará a forjar un insólito vínculo con uno de ellos, un inteligente y problemático muchacho con sus propios traumas (Dominic Sessa, debutando en la gran pantalla), y con la jefa de cocina de la escuela, que acaba de perder un hijo en Vietnam (Da’Vine Joy Randolph).
Crítica
Una invitación a ir más allá de las etiquetas
Este año en Sitges vimos una película titulada ‘The sacrifice game’, en la cual unos niños se tenían que quedar solos en su colegio durante las Navidades. La cosa derivaba en asalto con banda a lo Charles Manson con ritual satánico incluido. En ‘Los que se quedan’ tenemos una trama similar, solo que el diablo está presente en forma de profesor hueso, de esos que te hacen el curso imposible.
‘Los que se quedan’ cuenta las vacaciones de Navidad de unos jóvenes que estudian en un colegio elitista y que por distintos motivos han de quedarse allí sin poder irse a sus casas o a su estación de esquí preferida. Se quedan encerrados en su escuela bajo la tutela del profesor que más odian, el de historia antigua. Sometidos a la estricta mirada de su maestro han de pasar allí los últimos días de 1970.
La película de Alexander Payne ya se ha colado en alguna de las shortlist para los Oscars mientras escribo estas líneas. El director de ‘A propósito de Schmidt’ vuelve a retratar a un personaje riguroso e intelectual, pero falible y con una humanidad por descubrir. La historia de ‘Los que se quedan’ nos invita a que nos tomemos la molestia de intentar descubrir qué hay tras la fachada de aquellos a los que vemos bajo una etiqueta. De la figura de un estrábico que es objeto de las burlas y temores de sus alumnos y de las de esos colegiales que son un constante dolor de cabeza surgen humanos con todo tipo de dilemas y problemas.
Es una película navideña que se va a estrenar ligeramente tarde. Pero aún así hay que reconocer que la Navidad no es el tema central de la película. Ni siquiera la diferencia de clases en una época en la que los privilegiados seguían con su vida mientras los pobres iban a morir al Vietnam. Abrir los ojos a lo que sucede a nuestro alrededor, darle espacio a los demás para que se abran y ver más allá de los prejuicios o el orgullo propio es lo que maneja en su mayoría. “No nacemos solo para nosotros” dicen en una ocasión durante el filme citando a Cicerón y podría haber sido perfectamente el título. Entendimiento, camaradería y humanidad son valores que pone sobre la mesa con un estilo elegante, sutil y emotivo.
‘Los que se quedan’ es una película de personajes, con trasfondos estudiados y elaborados. Más allá de un cómico estrabismo o de las hormonas que emergen a borbotones hay traumas, miedos y sueños rotos. Todos hemos tenido momentos cruciales en nuestra vida en los que la influencia de otros ha cambiado nuestra manera de ver el mundo o afrontar las cosas. Por eso y porque seguro que os va a recordar a más de uno de vuestros maestros, ‘Los que se quedan’ es un título con el que es fácil empatizar. Una nostalgia que además va reforzada con un impostado estilo de imagen setentero.
Aunque Paul Giamatti forma la columna vertebral del relato realmente forma un trio protagonista junto a Dominic Sessa y Da’Vine Joy Randolph. Que no os extrañen todas las nominaciones que están recibiendo estos intérpretes y la película en general porque, aunque no nos encontremos ante una obra maestra si hablamos de uno de esos títulos que dejan huella indeleble.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de enero de 2024. Título original: The Holdovers. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Alexander Payne. Guion: David Hemingson. Música: Mark Orton. Fotografía: Eigil Bryld. Reparto principal: Paul Giamatti, Dominic Sessa, Da’Vine Joy Randolph, Carrie Preston, Brady Hepner, Ian Dolley, Jim Kaplan, Michael Provost, Andrew Garman, Naheem Garcia. Producción: Miramax, CAA Media Finance. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.focusfeatures.com/the-holdovers/
El ejercicio de reflexión y memoria histórica que necesitamos en este momento
Adaptando hechos reales y las novelas de Matthew Collins (‘Odio’ y ‘Terrorista nazi’) llega a Filmin ‘The Walk-in’. Una serie que narra la experiencia del propio Collins, quien fue en su día un activista y declarado neonazi, miembro del National Alliance. Posteriormente, arrepentido de sus convicciones, este hombre inició una vida de redención a través de artículos en la revista online Hope not Hate y charlas motivacionales creando así una especie de campaña de concienciación. Tal es así que la serie está dedicada a Jo Cox, la política asesinada por defender cómo todos venimos de inmigrantes y cómo la población que ha llegado de fuera del Reino Unido ha enriquecido su cultura.
Quien interpreta a Collins es Stephen Graham. Parece que Filmin está haciendo esfuerzos por acaparar todos los éxitos del actor inglés pues tras ‘The Virtues’ o ‘Hierve’, entre otras, nos trae un trabajo más de este actor que está en estado de gracia. ‘The Walk-In’ es una nueva perla interpretativa que yo he devorado muy rápidamente para poder escribir esta reseña pero que recomiendo que veáis detenidamente. Es para disfrutar cómo este actor trabaja las emociones y los acentos y para gozar también de una buena interpretación de Andrew Ellis. Aunque es corta es de esas series que dan para debate, que están abiertas a reflexión tras cada uno de sus visionados y ello es por el guión y por sus interpretaciones.
Los autores de ‘The Walk-In’ son Paul Andrew Williams (dirección) y Jeff Pope (guión). Han orquestado una serie con algunas imágenes fuertes pero más potente aún es el discurso que han elaborado. Ya solo la primera ponencia que vemos nada más pasar la secuencia de apertura es oro puro. Pero el retrato no se realiza solo a través de alegatos y discursos surgidos del protagonista, también de aquellos que promueven el odio y la segregación. Habla de esa ultraderecha conspiranoica que, por ejemplo, ha costado cientos de miles de vidas con su negacionismo o corrupción durante la pandemia e incluso a la hora de reconocer el holocausto. Esa corriente política que solo ve violadores o intrusos que nos roban trabajo cuando otros ven personas que huyen de catástrofes o guerras. Bien es cierto que atentados como los de 2017 no ayudan pero no han de pagar justos por pecadores. Esto me recuerda a otro estreno reciente, ‘El viejo roble’, y me demuestra una vez más que hay una preocupación generacional sustentada en acontecimientos recientes.
El 5 de diciembre está disponible esta serie de 5 episodios. No puede llegar en mejor momento ahora que la juventud observa el auge de la ultraderecha por todo el mundo, guerras genocidas e hipócritas como la que mantiene Israel o arrebatos de violencia en cualquier barrio o ciudad. No está nada mal este ejercicio de reflexión y memoria histórica. Puede causar el efecto que provocó en su día ‘American History X’ o ‘Imperium’, espero que al menos haga ver que los grupos extremistas se aprovechan del descontento de la ciudadanía, de miedos infundados o del ensalzamiento de tradiciones basadas en supuestos pasados gloriosos para crear su causa. En este caso hablamos de cómo se coge a alguien que no tiene o no sabe exponer su ideología o motivación y hacerle pensar que forma parte de algo más grande. La serie tiene a bien destapar este tipo de movimientos maquiavélicos. La única lástima es que esa exposición se agota rápido y la serie necesita sustentarse demasiado en su suspense criminal y judicial.
Paul Matthews (Nicolas Cage), un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato, en esta comedia perversamente entretenida del escritor y director Kristoffer Borgli (Sick of Myself) y el productor Ari Aster.
Crítica
Uno de los mejores discursos sobre el valor de ser anónimo
La nueva película protagonizada por Nicolas Cage llega producida por Ari Aster. Son dos artistas acostumbrados a sorprendernos y desconcertarnos, aunque de maneras muy diferentes. La mezcla se antoja interesante cuanto menos, sobre todo cuando la premisa nos hace recordar a las historias de Freddy Krueger. El director y guionista es KristofferBorgli, quien atraviesa de nuevo nuestras fronteras tras ‘Sick of myself’. La combinación no puede ser más inaudita y prometedoramente demencial. Por supuesto cumple nuestras expectativas. Como creación de Borgli vuelve a criticar a la sociedad, como obra de Aster nos descoloca y como trabajo de Cage es una bizarrada de aúpa.
Pero más allá de la mezcla entre actor y productor para mí lo más interesante es que esta es la primera vez que Cage trabaja con A24. La prolífica y siempre original productora ha tardado en vincularse a este artista, tan querido como vilipendiado. Por exigencia de Ari Aster, Cage está en el proyecto. Tanto él como el resto del mundo comienzan a estar conectados y no precisamente por una red social. Se expande el pánico y el desconcierto cuando la gente pone en común sus sueños y resulta que todo el mundo está soñando con el mismo tipo, el profesor universitario que interpreta Cage. Él es una persona que vive frustrada porque sus alumnos no le hacen apenas caso y porque le han robado una idea de sus tiempos de estudiante. Es decir, pasa inadvertido. Ahora está aún más turbado por las miradas de todo el mundo que escudriña su rostro porque les es familiar.
‘Dream scenario’ toca lo sobrevalorado que está el hacerse viral y lo infravaloradas que tenemos a las personas anodinas. Cage, quien siempre se ha dicho que tiene pelo implantado y ha sido continuamente criticado por lo mal que le quedan las pelucas de sus personajes, sale calvo y es para reforzar su imagen de persona insignificante para aquellos que le rodean. Su salida del anonimato es lo que importa más que su aspecto estético. Sale de su vida mundana de una manera terrorífica, como salida de una broma pesada. Cómica resulta la película pero no deja de haber algo de drama y terror. ‘Dream scenario’ se antoja como un alegato a favor de los impopulares. El cine tiene multitud de películas sobre los raros, los marginados y los inadaptados. Pero ¿qué pasa con aquellos que en silencio hacen girar los engranajes de este mundo? ¿Es la popularidad un escenario de ensueño para ellos? Parece que la película quiere reflexionar sobre algo así. Y en sus últimos compases amplía el mensaje, pero ese último giro que nos lleva a la realidad del consumismo es lo único que me sobra de la película.
Una vez más y como pasa en ‘Joker’ está la cuestión de si hay monstruos en la sociedad o si la sociedad los crea (y cuánto les dura el fenómeno a las masas). Por otro lado ‘Dream scenario’ puede funcionar como una continua reflexión acerca de la presencia siempre enigmática de Cage en el panorama cinematográfico actual, como si se quisiese plantear cómo es posible que sea querido y odiado al mismo tiempo. Pero sobre todo funciona como metáfora de todo lo viral o como reflejo de la histeria colectiva que podemos experimentar ahora que más que nunca somos una aldea global. Nos plantea que ser viral puede no ser un sueño. Gran advertencia para los que solo quieren ser influencers en la vida. También para aquellos que andan siempre en busca de conflicto para poder sentirse parte de algo, protagonistas del momento, los llamados ofendiditos de hoy en día que tienen la piel muy fina pero que aún provocan el enfrentamiento.
¿Nicolas Cage está bien en este filme? Es un si rotundo. Es de esas películas que se amoldan muy bien a sus… digamos maneras de actuar. Es Cage en estado puero. Al igual que en ‘Color out of space’ la narración es lo bastante desconcertante como para que la manera de interpretar de Cage pase desapercibida. Es una locura que sin duda está hecha para él, de hecho el papel tiene algunas similitudes con el que hizo en ‘El hombre del tiempo’. Entiendo por qué Ari Aster exigió su presencia en el proyecto.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dream scenario. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Kristoffer Borgli. Guion: Kristoffer Borgli. Música:Fotografía: Benjamin Loeb. Reparto principal: Nicolas Cage, Lily Bird, Julianne Nicholson, Jessica Clement, Star Slade, David Klein, Liz Adjei, Dylan Baker, Tim Meadows, Marc Coppola. Producción: A24, Square Peg, Wilding Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia, drama. Web oficial:https://a24films.com/films/dream-scenario
Tamar Novas, María Vázquez y Victória Guerra y la música de Mercedes Peón
Ya podemos ver el tráiler de ‘Cuerpo abierto (O corpo aberto)’, película dirigida por ÁngelesHuerta y protagonizada por Tamar Novas, María Vázquez y Victória Guerra, que se estrenará en cines el 9 de diciembre a través de Filmax.
‘Cuerpo abierto’ participó recientemente en la 60 edición del FICX- Festival Internacional de Cine de Gijón, donde recibió el premio a la Mejor Película Asturiana. La cinta participó previamente en la Semana Internacional de Cine de Valladolid- Seminci, en Ourense Film Festival (OUFF) y en MotelX, Festival Internacional de Cine de Terror de Lisboa, entre otros.
Cuenta con la banda sonora de la artista gallega Mercedes Peón y se rodó íntegramente en la región del Xurés-Gêres,entre las aldeas portuguesas de Tourem y Pitoes, en la freguesía de Montalegre; y en los ayuntamientos gallegos de Muíños, Lobeira y Calvos de Randín, en la provincia de Ourense.
Sinopsis oficial:
1909. Miguel, un joven profesor, es destinado a un pequeño pueblo de montaña en la frontera entre España y Portugal: Lobosandaus, una aldea inhóspita y de tradiciones ancestrales. Es un hombre de razón, pero no puede controlar sus deseos pasionales y, conforme se acerca el invierno, siente cómo la oscuridad se apodera de todo a su alrededor al tiempo que crece su fascinación por la enigmática Dorinda. En un lugar dominado por la superstición, la extraña muerte de un vecino del pueblo libera a un espíritu libre en busca de un cuerpo que le permita seguir con su existencia, que llevará a Miguel a cuestionar los límites entre el mundo de los vivos y los muertos.
El hombre de a pie enfrentándose al thriller novelesco
Movistar Plus+ nos trae ‘Rapa’, una serie de seis episodios de cincuenta minutos cada uno que bien podría continuar más allá de esta primera temporada. El estreno de este nuevo thriller tendrá lugar el 19 de mayo y nos llevará a las cercanías de A Coruña, los parajes y zonas rurales de Cedeira y las calles de Ferrorl.
En ‘Rapa’ una mujer aparece herida de muerte en el monte y es encontrada por un hombre que pasa por allí caminando. La cosa se complica ya que parece que ha sido una agresión y también al descubrir que la víctima es la alcaldesa de la localidad cercana, que lleva más de treinta años en el cargo. Pronto empiezan las conspiraciones políticas, las intrigas familiares, las habladurías de pueblo y las sospechas razonables.
De político, a clérigo, a eminente médico. JavierCámara últimamente ha interpretado a personajes a los que se les presume mucho renombre, pero ahora se mete en la piel de una persona la mar de sencilla y anodina, eso sí, inteligente como tantos otros personajes que ha encarnado. Aquí es un profesor de instituto que se incorpora como un ingrediente más al misterio no solo por el hecho de haber encontrado a la alcaldesa, también por tener un extraño comportamiento y una curiosidad por lo que ha pasado digna de un metomentodo.
La otra trama sigue a una guardia civil interpretada por Mónica López. Una mujer que habita el municipio de la alcaldesa y a la que se le asigna el caso. Una persona que como el personaje de Cámara ve Galicia con ojos de forastera, con la diferencia de que ya lleva años residiendo allí. Es una agente eficiente, con familia, cuyo principal dilema aparece a mitad de la serie.
Está muy bien trabajada la relación de simbiosis que se establece. Ambos protagonistas se benefician el uno del otro y dentro de la misma situación cada uno encuentra algo con lo que aferrarse a la vida. Pero aún así deben marcar ciertos límites, rozando el romance. ‘Rapa’ es una cruzada vital por encontrar la verdad que viene firmada por Pepe Coira y Fran Araújo, responsables de ‘Hierro’. Entra muy fácil y con mucho gancho esta historia ambientada en la España tradicional deteriorada por las influencias y los oportunistas, en la Galicia que no acaba de cicatrizar las heridas de la droga. La serie tiene un carácter novelesco al introducir en las investigaciones de un crimen a personas mundanales. Individuos en el brete y a la vez la emoción de tener la mayor aventura de su vida.
Entremedias o más bien entremezclado con las pesquisas por resolver el asesinato, hay una lucha por no perder ciertas tradiciones, ciertas raíces. Y es que el nombre de la serie alude a la Rapa das bestas, que es un festejo que consiste en cortar el pelaje de los caballos para, entre otras cosas, desparasitarlos. Al final la serie se convierte en eso, en una lucha por eliminar a los parásitos que se ocultan entre el pelaje de nuestra sociedad. Cada miembro del elenco tiene su sentido de la justicia y su visión de cómo hay que purgar a ese tipo de personas que son dañinas para el resto.
Hay una elipsis de tiempo entre el tercer y el cuarto episodio que le viene muy bien a la serie, sobre todo para darle aire y perspectiva a los dos personajes protagonistas y a alguno más que no conviene mencionar pues desde muy temprano sabemos quién está en el ajo. La pena es que como espectadores sabemos desde el segundo episodio quién es la persona culpable e incluso los motivos para hacer lo que hace. Lo bueno es que hay pormenores enriquecedores por descubrir que si nos hacen ver el resto de episodios, que nos animan a descubrir cómo se conectan todas las piezas.
‘Rapa’ es una serie donde visualmente predomina el blanco. La luz de la puesta en escena parece poblada de niebla, de una claridad cegadora. Lo cual nos viene a decir que a plena luz del día se esconden multitud de misterios que hay que esperar a que se clarifiquen o enfoquen como quien aguarda a que se despeje la bruma. Muchos parece que mienten, muchos parecen tener un móvil para atentar contra la alcaldesa. Cedeira es un pueblo pequeño y la serie juega con lo fácil que es que las piezas del tablero estén interrelacionadas ente si y en secreto.
Esta podría ser una serie protesta, en contra de la destrucción de nuestra naturaleza y abogando por escuchar a nuestros intelectuales. Una de las protagonistas va al cine a ver ‘Mientras dure la guerra’ y por ahí se ven banderas de cuando se entonaba el “nunca mais”. Pero más allá de lo que podamos vislumbrar o leer entrelíneas se percibe que la intención es la de crear un sabor a novela policíaca. Y aunque se ubican bien todas las piezas del puzle parece que hay intención de realizar una segunda temporada o bien nos han querido dejar con un final abierto agridulce y, por ende, cercano a lo que es muchas veces la realidad. Espero que si tenemos más episodios se siga poniendo el foco en que son personajes mundanos con más preocupaciones que el hecho de resolver un crimen y no progrese la trama que parece que nos va a meter el siempre inexplicablemente obligatorio romance.
Filmin estrena el próximo 24 de septiembre ‘Death of a Ladies’ Man‘, del director canadiense Matt Bissonnette y protagonizada por Gabriel Bryne (‘Sospechosos habituales’, ‘Hereditary’) y Jessica Paré (‘Stardom’). La película, una tragicomedia elegante, cínica y con altas dosis de originalidad y emoción, traza su historia en base a las eternas canciones del desaparecido poeta Leonard Cohen, a quien Bissonnette ya rindió homenaje en ‘Looking for Leonard’ (2002).
Gabriel Bryne da vida a Samuel O’Shea, un profesor universitario que empieza a tener alucinaciones bizarras, probablemente ocasionadas por el crítico momento que atraviesa a causa de su alcoholismo, el derrumbe de su matrimonio y el diagnóstico de una enfermedad terminal. Al ritmo de las canciones más icónicas de Leonard Cohen –’Hallelujah’, ‘Bird on the Wire’, ‘The Lost Canadian’ y ‘Did I Ever Love You’, entre otras– O’Shea decide volver a su Irlanda natal para reconectar con sus dos hijos y escribir la novela que siempre ha soñado. Pero las alucinaciones no cesarán, se reencontrará con fantasmas del pasado y la línea entre lo que es real y lo que no será cada vez más difusa.
‘Death of a Ladies’ Man’ recibió el premio a Mejor Actor en los Premios del Cine Irlandés y en el Festival Internacional de Buenos Aires y fue seleccionada en la última edición del Atlàntida Mallorca Film Festival.
Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre.
Crítica
Un drama etílico con chupitos de simpatía
‘Druk (Another round)’ me ha hecho volver al año 2000, no solo porque en esa época yo era un muchacho de instituto, sino porque fue cuando se estrenó ‘Año Mariano’. En esa película de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo teníamos a Pepín Tre experimentando con destilaciones alcohólicas y sus posibles efectos sobre el cuerpo. Uno de esos líquidos conseguidos lograba un temporal efecto de elocuencia en su tomador, pero era algo pasajero. Aquella película iba sobre lo engañoso de la vida y esta hace lo mismo.
Thomas Vinterberg (‘Kursk’) se aproxima levemente con ‘Druk’ a su movimiento Dogma 95. Mantiene naturalidad en las escenas y un formato narrativo que intenta no tirar de artificios ni trucajes. Firma en los créditos tras una escena en la que el protagonista, interpretado por Mads Mikkelsen, acaba bailando al estilo Drunken Boxing Kung Fu (ese que hacía Jackie Chan en ‘El mono borracho en el ojo del tigre’). El cineasta danés vuelve a experimentar con sus personajes y también con los espectadores.
La trama de ‘Druk’ nos habla de unos profesores que comienzan a probar una teoría enunciada por un psicoanalista llamado Finn Skårderud. El objetivo es controlar la ingesta de alcohol de tal manera que no se consuma a partir de cierta hora y no se sobrepase cierta graduación. Con ello quieren conseguir ser más elocuentes en sus clases e impactar en sus alumnos.
El protagonista está inmerso en una depresión y en sus primeros compases la película parece un ensayo sobre la crisis de los cuarenta, sobre cómo se derrumban las expectativas. Posteriormente eso queda en segundo plano y rápidamente pone de manifiesto toda una cultura de consumo alcohólico. Se muestran los efectos beneficiosos del alcohol como desinhibidor social. Más grados, más oratoria, más gancho social. Y con todo ello se abre un debate ético, sobre todo sabiendo que los jóvenes daneses son de los que más beben y lo hacen además a más temprana edad.
‘Druk’ ha sido galardonada con cuatro European Film Awards y es la candidata indiscutible por Dinamarca para los Oscar. Bien es cierto que plantea ciertas cuestiones interesantes, tiene momentos divertidos, sabe cambiar el tono y tiene un montaje muy ágil. Pero cabría esperar un poco más de introspección en el tema que pone sobre la mesa.
La película está dedicada a Ida, la hija de Vinterberg, la cual estaba planificado que interpretase a una hija de Mikkelsen pero tristemente falleció en un accidente. Quizá por eso la película tiene una clara inclinación hacia el cuidado de la juventud, el paternalismo y la imagen que dan los progenitores. Además se sabe que Vinterberg ha basado esta película en la obra teatral que creó a partir de testimonios que le dio su hija sobre aquello que sucede cuando se mezcla juventud danesa y alcohol en nuestra era.
La película por otro lado aboga por echar la vista atrás o hacer un poco de conciencia acerca de cómo habría sido el mundo o nuestra vida sin los fluidos etílicos a los que muchas grandes personalidades estaban enganchadas. También sobre cuestionar sesgos y sobre hacernos pensar que jamás podremos controlar ciertos impulsos, en nosotros o en ciertas personas que cara al público parecen distintas.
El mejor trago de esta película es la actuación de Mads Mikkelsen. Él suele estar magnífico, pero lejos de la grandiosidad de ‘Star Wars’ o ‘Doctor Extraño’ tenemos el placer de gozar de sus dotes dramáticas más de cerca. Tras este experimento sociológico ficticio la película lanza la pregunta. ¿Aceptaríais el alcoholismo de alguien sin con eso se convierte en mejor persona o profesional?
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Druk. Duración: 115 min. País: Dinamarca. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm. Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diem Camille Gbogou, Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis. Producción: Zentropa Entertainments, Film i Väst, Topkapi Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:http://www.samuelgoldwynfilms.com/another-round/
El querido superintendente del distrito escolar de Roslyn en Nueva York y su personal, amigos y familiares se convierten en los principales sospechosos en el desarrollo del mayor escándalo de malversación de fondos de la escuela pública en la historia de Estados Unidos.
Crítica
Hugh Jackman ha percibido a la perfección la falsedad de un verdadero personaje
El director de ‘La estafa’ es Cory Finley (‘Purasangre’). En su segunda película ha pasado de dirigir a jóvenes como el fallecido Anton Yelchin o las emergentes Olivia Cooke y Anya Taylor-Joy a contar con una superestrella como Hugh Jackman. Aquí nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la «venganza» de uno de los estafados.
Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de uno de los institutos. Es una buena manera de mostrar que ‘La estafa’ se basa en el artículo que posteriormente se publicó en el New York Magazine redactado por Robert Koller y que podéis leer aquí.
Todo gira en torno a Frank Tassone, interpretado por Hugh Jackman que vuelve a encarnar un personaje real y carismático vapuleado por su entorno, como en ‘El candidato’. Un superinterdente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas les llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa murió hace treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa. Yo considero que Jackman interpreta a un personaje humano y muy bien calado.
No he podido evitar ver ‘La estafa’ y establecer numerosos paralelismos con la corrupción vivida en España. Casos que han puesto en boca de todos términos como empresa ficticia, enchufes, manipulación de datos, caja en B, tarjetas black… Seguro que os suena. Y os indignará saber (se indica al final del filme) que aquellos que trabajaban en la administración de Tassone (entre ellos el personaje de Allison Janney) y él mismo siguen cobrando anualmente un sueldo, una pensión que en el caso de Tassone asciende a 173,495.04 dólares. Colocaron a gran parte de sus estudiantes en grandes universidades, pero voluntaria o involuntariamente se han burlado del sistema y de los contribuyentes.
El parecido de Hug Jackman con Tassone es inexistente. Pero la película es muy detallista a la hora de conseguir el mismo efecto que causa la historia real y en su manera de enlazar con pormenores verídicos. Brilla ahí la mano de Finley que además ha sabido buscar en sus actores el rostro adecuado al final de cada escena clave, una especie de cara en standby.
A parte de contar una historia real que le ha servido al guionista para hablar de su ciudad la película tiene varios discursos que mostrar, lo cual hace que ‘La estafa’ tenga más empaque. Se explora bien el concepto de ética. Desde el docente que estafa, el policía que emplea detalles personales para arrinconar a su interrogado hasta la periodista que publicando la verdad puede sesgar el futuro de muchos inocentes que dependen del apoyo de ese sistema. También habla del ostracismo y cosificación de los profesores, que no se en USA pero yo me acuerdo bien de aquellos que me han ido enseñando toda mi vida, para bien o para mal.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Bad education. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Cory Finley. Guion: Mike Makowsky. Música: Michael Abels. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Hugh Jackman, Allison Janney, Geraldine Viswanathan, Annaleigh Ashford, Ray Romano, Alex Wolff, Ray Abruzzo, Rafael Casal, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Kathrine Narducci. Producción: HBO Films, Automatik Entertainment, Sight Unseen Pictures, Slater Hall Pictures. Distribución: HBO España. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.hbo.com/movies/bad-education
‘Tolkien’ explora los años de formación del escritor huérfano en su búsqueda de la amistad, el amor y la inspiración artística en el grupo de inquietos estudiantes del que forma parte. En este contexto se produce el estallido de la Primera Guerra Mundial, que amenaza con destrozar esta “asociación”. Todas estas experiencias inspirarían a Tolkien a escribir sus famosas novelas de la Tierra Media.
Crítica
‘Tolkien’ es capaz de infundirnos los mismos valores que las páginas de las novelas
John Ronald Reuel Tolkien ha avivado durante décadas la imaginación de generaciones de lectores y también de espectadores desde que tanto en los setenta como en este siglo hemos tenido diversas adaptaciones cinematográficas. Un lingüista que dotó de vida e historia a las lenguas que inventó y que generó una de las sagas fantásticas más adoradas de todos los tiempos. Las aventuras vividas en la Tierra Media han traspasado fronteras, han unido pueblos y creado amistades, reuniendo a gente de todas partes para compartir sus opiniones sobre sus páginas. Tengo la suerte de haber tenido una juventud en la que he recorrido a través de juegos de rol los mundos de Tolkien, en la que he vivido tardes y noches con grupos de amigos, disfrutando de momentos de complicidad y júbilo, de creatividad e ingenio, de camaradería al fin y al cabo. Y de eso trata mucho la película.
El filme de Dome Karukoski se centra en la juventud del autor. El guión hace que la película nos lleve a caballo entre la etapa en la que Tolkien luchaba en la I Guerra Mundial y vivía distintas experiencias en su época de estudiante, todo ello adornado con ensoñaciones y alucinaciones. Por entonces se enamoró de su esposa (interpretada por Lily Collins) y junto a tres amigos montó un club semi-secreto. Esa época de inspiración desembocó en el desarrollo de su primera lengua y con ella sus novelas. ‘Tolkien’ no trasciende a la etapa de éxito como escritor ni a su amistad con autores como C.S. Lewis (creador de Narnia), es un filme que más que dedicarse a narrar momentos busca hacer que entremos en sintonía con ciertos conceptos: la camaradería, la hermandad, el coraje, la lealtad…
Se establecen paralelismos entre la vida del escritor y sus relatos. Bajo la absorbente música que ha tenido a bien componer Thomas Newman nos relacionan contados instantes de la vida del autor que pudieron inspirarle con icónicas estampas de sus obras. Está claro que la película se toma sus libertades para contar ciertos aspectos de la vida del autor, los guionistas David Glesson y Stephen Beresford no tenían el permiso de la siempre recelosa familia de J.R.R. Tolkien, pero podemos identificar perfectamente detalles que nos evocan a los hobbits, a Sauron, a la Comarca o a Beren y Luthien, cuyos nombres figuran en la tumba de Tolkien y su esposa. Pero con todo y con eso lo más importante es que el filme sabe reconocer valores que nos son incrustados durante la lectura de novelas como ‘El Silmarillion’, ‘El Hobbit’ o ‘El Señor de los Anillos’.
El hecho de que esas sensaciones se transmitan es culpa de la camarilla que se forma entre Tolkien (Nicholas Hoult) y sus tres amigos (interpretados por Tom Glynn-Carney, Anthony Boyle y PatrickGibson). Pero sobra decir que Hoult es quien nos infunde la pasión o la desesperación por ejercer el arte de narrar historias o de aprender lenguas. Él hace de Tolkien un Aragorn que tiene que prescindir de su amor para atender a sus obligaciones. Ya hizo de un escritor afectado por la guerra en ‘Rebelde entre el centeno’ y de nuevo nos aborda con sobradas capacidades en un papel con un desarrollo considerable.
Si sois seguidores de Tolkien como un servidor hasta el punto de haber leído mucho su obra o haber tenido incluso aquel CD-Rom llamado «Enciclopedia Tolkien» os va a gustar pues vais a reconocer muchos detalles. Pero esta película está pensada sobre todo para aquellos que son leales tanto a sus amigos como a su pasión hacia alguna disciplina artística. Muy abierta a románticos y a aquellos que se dejan llevar por una buena puesta en escena.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Tolkien. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Dome Karukoski. Guion: David Glesson, Stephen Beresford. Música: Thomas Newman. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney, Anthony Boyle, Patrick Gibson, Tom Glynne-Carney, Craig Roberts, Laura Donnelly, Genevieve O’Reilly, Pam Ferris, Derek Jacobi. Producción: 20th Century Fox, Chernin Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: biográfica. Web oficial:http://www.foxsearchlight.com/tolkien/
En este proyecto Karra Elejalde es Unamuno y le acompañan Santi Prego, Eduard Fernández y Nathalie Poza.
Hoy a arrancado en Salamanca el rodaje de ‘Mientras dure la guerra’ y en futuras jornadas el equipo de rodaje se trasladará a Toledo y Madrid. La próxima película que estrenará Alejandro Amenábar que estará protagonizada por Karra Elejalde en compañía de Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Zahera, Luis Bermejo, Inma Cuevas, Mireia Rey, Tito Valverde, Luis Callejo, Carlos Serrano-Clark, Ainhoa Santamaría, Itziar Aizpuru o Pep Tosar, entre otros.
Según su Sinopsis oficial «España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición…».
«Este proyecto es muy especial para mí al tratarse del primero que ruedo en lengua española después de mucho tiempo, cuando hice Mar adentro en 2004. Pero sobre todo es especial por tratarse de una historia real que pese a retratar el pasado reciente de España, habla muy directamente sobre su presente», dice el director Alejandro Amenábar.
La película cuenta con un equipo técnico liderado por Fernando Bovaira en la producción ejecutiva y en el que destacan Alex Catalán como director de fotografía, Juan Pedro de Gaspar en la dirección de arte, Sonia Grande como diseñadora de vestuario, Eva Leira y Yolanda Serrano como directoras de casting y Ana López-Puigcerver y Belen López-Puigcerver como responsables de maquillaje y peluquería y Nacho Díaz en maquillaje especial.
‘Mientras dure la guerra’ está producida por Movistar+, MOD Producciones, Himenóptero, K&S Films y Mientras dure la guerra AIE con el apoyo de ICAA (Ministerio de Cultura). Será distribuida en cines por Buena Vista International.
Hoy, 14 de marzo, se estrena en Movistar Series ‘Rise’, tan solo un día después de ser lanzada en EE.UU. Pero antes de su comienzo la compañía española nos reunió en el evento Birraseries en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid para enseñarnos el capítulo piloto de esta historia con muchos tintes musicales.
La peculiaridad de Birraseries es que se acompaña la proyección del episodio con cerveza y posteriormente se realiza un coloquio. En este caso estuvieron en presentes Fernando Jerez (Director de #0 y contenidos Premium de Movistar+) junto a los periodistas expertos en series Álvaro Onieva (Fotogramas y coordinador de Birraseries), Alberto Rey (El Mundo), Marina Such (Fuera de series) e Isabel Samaniego (Reino de Series).
Entre comentarios y risas hicieron comparativa de la serie con otras historias como ‘Glee’ y analizaron la contemporaneidad de esta debido a los dramas que ilustra. Por supuesto las influencias y referencias del musical ‘Hamilton’ y la serie ‘Friday Night Lights’ estuvieron muy presentes porque sus creadores son los mismos. «‘Rise’ es a las series lo que ‘Lady Bird’ es a las películas. Tienen las mismas cosas» comentó Jerez.
En palabras de Fernándo Jerez «‘Rise’, junto con ‘Riverdale’, ‘El joven Sheldon’ o ‘Mr robot’, ‘Fama, a bailar’, o ‘La resistencia’, entre otros contenidos, representan la apuesta de la plataforma por atender la demanda del público milennial. Una plataforma con 4 millones de hogares debe incorporar todos los géneros, tener una mirada amplia para llegar a públicos muy diferentes». Efectivamente esta nueva historia tiene un marcado target juvenil. Pero se puede consumir muy bien si uno es adulto y disfruta los musicales convencionales.
Porque esta es una más que clásica historia adolescente con un profesor que va a contracorriente para sacar a delante su proyecto y sus alumnos tienen, a raíz de dicho profesor o no, problemas en casa. Algunos de esos sub-dramas son en exceso rebuscados y el personaje interpretado por Josh Radnor es lo que temíamos, muy semejante a lo que hacía en ‘Cómo conocí a vuestra madre’ pero eliminándole las divagaciones púber que rebosaba en esa otra serie.
Por otro lado ‘Rise’ es muy complaciente con todo el espectro de audiencia norteamericana incluyendo personajes afroamericanos, transexuales, predeciblemente homosexuales… En su primer episodio pasan excesivas cosas, es un piloto demasiado temeroso de no poder contar mucho, es casi una película autoconclusiva pero da la impresión de que tiene mucho más que contar.
Esta serie musical que nos enseñaron mientras sobre nosotros se exhibía ‘Billy Elliot el musical’ tiene un reparto que de entrada nos ofrece buenas voces y potentes canciones. A parte de contar con Josh Radnor y Rosie Perez en el reparto protagónico dispone de un grupo de jóvenes que seguramente irán exhibiendo sus cuerdas vocales en capítulos que contarán sus historias una a una. Como es el caso de Auli’i Cravalho (voz de ‘Vaiana’) o Amy Forsyth (‘Channel Zero’, ‘Defiance’). Porque esta serie va de alzarse, de rebelarse contra aquello que se da como establecido o como estándar y aunque empiece como algo muy manido puede que su título nos esté diciendo que merezca la pena que le demos una oportunidad.
El español Borja Montoro habló con nosotros durante el Keyframe Spain 2017.
Resumir una carrera de casi treinta años es sumamente difícil y lo mejor es dejar que nuestro protagonista de hoy lo haga por sí mismo. Borja Montoro ha puesto su arte al servicio de la animación durante casi treinta años. Películas como ‘Tarzan’, ‘Vaiana’, ‘Zootrópolis’ y dentro de poco ‘Gru 3. Mi villano favorito’ llevan personajes que previamente han pasado por sus lápices.
Pudimos hablar con él pues acudió al Keyframe Spain 2017 celebrado en el CaixaForum. Pertenece a ese grupo de gente por la que inicialmente sentimos respeto y rápidamente ese sentimiento se torna en admiración, en cuanto hablamos con ellos. Alguien dedicado también a la educación y que tras haber trabajado en Disney o Illumination (entre otras) se encuentra dentro del estudio español Ilion Animation Studios.
Tras la apertura de hoy presidida por JorgeCalderón, Consejero Delegado Adjunto en U-tad, Dª Cristina Morales Puerta, S.G. de Contenidos de la Sociedad de la Información en la Secretaria de Estado para la Sociedad de la Información y Agenda Digital del Ministerio de Energía, Turismo y la Agenda Digital y Rafael Carazo Rubio, Subdirector General en la Subdirección General de Industrias Culturales y Mecenazgo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; dio su ponencia Borja. Al finalizar su entrevista en vídeo podéis ver una pequeña parte de su charla, para que veáis lo que estos profesionales tienen que ofrecernos y tras que impresionante cantidad y calidad de trabajos están.
Como sabéis, en Moviementarios estamos muy hermanados con el mundo del cómic y hoy es un día triste para el noveno arte en nuestro país. Ya perdimos hace menos de una quincena a gran Victor Mora (‘El Capitán Trueno’) y ahora desde Infinitoons Agency nos hacen saber que ha fallecido Carlos Díez. Acompañamos en el sentimiento a sus familiares y allegados, así mismo os transmitimos íntegra la nota de prensa redactada por Infinitoons.
Carlos Díez, profesor, ilustrador, creador, maestro, inspirador, autor total, nos ha dejado a la temprana edad de 49 años a consecuencia de una enfermedad que se lo ha llevado antes de tiempo pero sin conseguir robarle ni un ápice de la entereza, ilusión, amor por los suyos y por su trabajo que le han caracterizado a lo largo de su vida. Un día triste para la viñeta y la cultura nacional que marca la pérdida de un espíritu incansable a la hora de extender su forma de hacer y entender el Arte mayúsculo.
Nacido en 1966, Díez se vio rápidamente fascinado por el dibujo y la figura femenina; dos pilares iniciáticos fundamentales de su evolución profesional y personal que le llevarían con paso firme a su gran dedicación e impulso motor, a su gran proyecto vital: la docencia, la formación, la capacidad de hacer crecer a otros como él lo hizo y darles la oportunidad de lanzar al mundo sus talentos y sensibilidades. Así, este dominador de todas las técnicas de ilustración imaginables, del acrílico a la acuarela pasando por la plumilla o las técnicas mixtas -por no hablar de su maestría con el aerógrafo-, se hizo un nombre en las principales cabeceras internacionales para madurar en su ideal, materializado en el nacimiento de Academia C10 en 1995.
«Creo que estoy en el paraíso del artista, libre de ataduras y condicionamientos, para dar rienda suelta a mi creatividad. Creo que cada día me siento tan feliz como aquel en el que acabé mi primer dibujo. He luchado por ello y lo he conseguido». Con estas palabras respondía a la pregunta de una alumna del Colegio Virgen de la Milagrosa, que Carlos Díez visitaba el pasado mes de febrero. Efectivamente, un paraíso de artistas en el que liberar la creatividad: eso es Academia C10, uno de los centros docentes más respetados de Madrid y punto de referencia y lanzadera de tantos y tantos que, como él, han encontrado en los pinceles su manera de conectar con el mundo y regalarle maravillas y fantasías tan sólo soñadas por la mayoría.
Constancia y perseverancia son los valores que han impulsado el sacrificio y el esfuerzo de un profesional enamorado de su vocación tanto como de los suyos, enamorado de la posibilidad de utilizar su propio espacio vital, su propia vida incluso, como anclaje de una plataforma de lanzamiento de talentos -como se refería a la Academia que lleva su nombre- que hará que su recuerdo sea aún más eterno. Carlos Díez, el artista total, el Hombre C10, se va dejando un ingente legado que mira hacia el futuro con claridad, con lucidez, al igual que él miraba la vida. Vitruvio moderno, faro de muchos, profesional incansable e inquieto, excepcional ser humano para quienes le tenían más cerca y para todos en general. Carlos Díez, como los grandes, siempre estará vivo en su obra.
Este madrileño es uno de esos autores todoterreno que sacan lo mejor de sí mismos para que su arte se divulgue y disfrute en cualquier medio. Ha trabajado en diversos campos (cómic, cine, publicidad…) y esa faceta polivalente que tiene es uno de los puntos que junto a su talento le han llevado a recibir el encargo de realizar el cartel de Expomanga 2016. En dicho evento pudimos coincidir con él y conocerle algo más a fondo.
Ya que estamos en Expomanga y has realizado el cartel de esta edición háblanos de cómo te llegó el encargo y porqué te inspiraste en “Ghost in the Shell”.
Sí, es mi fuente de inspiración principal, “Ghost in the Shell”. Me encanta y bueno, quería darle una vuelta, pensar un poquito en la evolución de Expomanga, de pasar del Pabellón de Cristal a venir aquí. Intentar aportar lo que se pudiera, por eso metí 3D y 2D en la misma ilustración, con mucho color y dándole toda la fuerza posible. Cuando tenía el Tachikoma dije, “esto no funciona, necesito un Tachikoma mejor”. Como medio Japón está aquí pues dije “que vuele y que sea como una especie de aterrizaje de la protagonista”. Una protagonista random. Todo eso he intentado, parece un discurso de un cuadro… (risas).
Hay ilustraciones que no tienen nada que envidiar a los cuadros de arte pictórico tradicional. En los cómics y en los mangas vemos auténticas obras de arte. En tu caso, por ejemplo, hemos explorado tu página web, indagando en tu estilo y parece que tienes un gusto muy concreto para el tema de la iluminación y las sombras. ¿Eso está inspirado en algo o procuras mantener una imagen?
Nunca he pensado en la imagen. Como ilustrador tienes que hacer lo que dicte la industria. Es decir, si los personajes que tienes que hacer son más blanditos, rollo Pixar o Dreamworks, es que hay que hacer eso y no puedes meter un monstruo tenebroso ni oscuro ni nada. Y luego al revés, si te piden algo más… monstruo “Pacific Rim” no puedes hacer lo otro. Mi trabajo es ese. Lo que si predomina en todos mis trabajos, por demanda es que el tema de la iluminación y del color esté lo más fidedigno posible a la realidad, a los productos finales. Trato de mantener que la iluminación sea lo mejor posible, es mi… tengo TOC con la iluminación.
A eso me refería. Nos han gustado bastante tus dibujos, aunque llamarlos dibujos puede ser algo incluso peyorativo.
Antes de continuar, retomando lo de “Ghost in the Shell”. Ya que somos una web de cine nos gustaría saber tu opinión acerca de la futura adaptación.
Pues yo creo que tú lo has dicho, es una adaptación. A partir de que ya está el adjetivo “adaptado” pueden hacer lo que sea. Los productores son los que al final mandan y yo que sé, han elegido a Scarlett Johansson… me imagino que me lo preguntas por la polémica que ha surgido en torno a su elección.
No, en realidad en general. Hay gente a la que si le ha gustado que escojan a esa actriz.
Yo tendría que ver la peli. A mí no me parece mal, desconozco si los productores son americanos, pero probablemente si han escogido a Scarlett Johansson sería por eso. Pero ya te digo, cuando está todo bajo el paraguas de “adaptado” todo vale. Tenemos buenos ejemplos como creo que fue, para mí, en mi opinión, “El Señor de los anillos”. Compactar todos los libros ahí… Y luego en mi opinión tenemos otro mal ejemplo como es “El Hobbit” que es todo lo opuesto.
¡Bien! Estamos en la misma opinión.
Es una dilatación de todo que parece más destinado a merchandising que a lo que sea. “Ghost in the Shell”… tendría que esperar. Yo creo que va a ser un buen producto y que al final nos va a gustar a todos. Ya veremos cuando entra un productor para bien o para mal puede hacer lo que sea. A mí me ha pasado con un personaje que tenía un perfil muy determinado como policía y al final me lo tuvieron que cambiar a un cura.
Vaya, lo mismo…
Y es que no podía ser. Yo decía “tiene un perfil muy…” y me decían “tiene que ser”. Era una orden directa y se quedó en un seminarista. Cuando hay ordenes de arriba van en función de cosas que nosotros desconocemos, como el mercado. A lo mejor ellos sí que están teniendo en cuenta cosas que van a pasar que nosotros desconocemos.
¡Pero eso no justifica “El Hobbit”! Eso no tiene perdón de dios.
Hablando de cine, estuviste en “Viernes 13”…
Si, mi primer trabajo de concept art fue para eso, para New Line Cinema a través de Wildstorm para Jason. Me pidieron unas ilustraciones, algo hay aquí en mi expo. Tengo una anécdota con esto. Y es que tú entregas un material y el destino es… X. Tú pierdes el contacto y tu trabajo acaba ahí. ¡Pues me he encontrado uno de los Jason, que además está en la exposición, en un meme con Blancanieves! Me hizo mucha ilusión, te lo juro. A parte de que lo vi, hacía mucho tiempo que no veía ese Jason y dije “juraría que este es mío”. Lo miré, lo cotejé… No se cómo ha sido, supongo que una filtración de algo, a lo mejor van a algún sitio y alguien ha dicho “pues muy bien, lo voy a poner con Blancanieves que es lo mejor que puedo hacer”. Y lo han hecho muy bien (risas). Lo han dejado bonito.
Al fin y al cabo, un padre reconoce a su hijo, normal que vieses que era tuyo.
Además, que he de decir que lo reconocí por los defectos. Por la mano. Yo tendía a hacer las más pequeñas de lo normal. Lo reconocí por eso.
Si no he entendido mal, o no me he documentado mal, das clase en la ESDIP, sobretodo das digital. ¿Por qué digital? ¿Tú nunca dibujas a mano?
Uff, mi genética es de dibujante de lápiz de toda la vida. Soy dibujante de lápiz, portaminas y regla. Lo que pasa es que una vez que te metes en la industria tienes que producir muy rápido, estás sometido a correcciones y tienes que mejorar el workflow. Es una evolución, ya que la tecnología permite dibujar sobre una pantalla. Sí que es cierto que se pierde un poco el romanticismo, cuesta dibujar un poco más ahora en lápiz, pero sin embargo en ordenador no es tan bonito, pero vas más rápido, se compensan las dos cosas.
Claro, además lo que decías tú, si tienes correcciones las haces en un momento.
En Francia me hicieron correcciones con tintas, cuando estaban las tintas hechas y claro, cambiar una tinta en ordenador es muy fácil, haces una capa nueva y punto. Aquí hubo que hacer trabajo de papel, tijera y fotocopias, no había otra, y el tiempo es dinero.
Con ordenador se agiliza mucho todo. Me lo preguntan mucho, yo creo que el lápiz no se va a morir. Todo depende de una mano, no hay un botón ni un ordenador que fabrique algo. Bueno si, hay un ordenador que lo han programado para pintar Rembrandts. Varón, 30 años, Rembrandt… y empieza a imprimir en 3D capas de oleos… bueno una textura que parece oleo… y te saca un Rembrandt.
¡Que peligro!
Skynet no era un general, era un pintor.
Eso en malas manos va al mercado negro. Y a tus alumnos les ves que tiren de lápiz o te demandan todos digital.
Todos demandan digital, pero bueno, mi trabajo es entrenar. Indudablemente la base de todo es el dibujo, en la jerarquía está en lo más alto de todo. Con dibujo tu aprendes anatomía, con anatomía te va implícito el volumen, la apreciación de la luz… Todo lo demás está subordinado a eso. Es así, no es que lo diga yo, es que es así y tienen que dibujar. Yo recomiendo que dibujen muchísimo, que se manchen las manos y que produzcan. Es experiencia.
Claro, porque además un lápiz y un bloc lo tienes en cualquier parte, es algo accesible y transportable.
Eso es, el hardware no es algo que te haga mejor, solo te facilita las cosas.
Has trabajado en publicidad también. ¿O trabajas? ¿Es algo a lo que estás siempre abierto?
Estoy siempre abierto a publicidad.
¿Y lo que realizas para publicidad son storyboards o son ilustraciones como el cartel de este Expomanga?
Todo lo que hago de publicidad no es de cartelería y demás. Es trabajo interno, conceptual… De eventos, de cómo va a ser una feria de algo, etc. Es materializar todo un brainstorming. Ese es mi trabajo. Llevo muchos años y aun así no se puede enseñar porque claro, son marcas y ahí entra una cuestión moral y ética.
Claro, cada marca trabaja de una manera, pide una cosa distinta… Pero para que la gente joven que empieza a trabajar como ilustrador ¿crees que por ahí hay bastante salida?
Hay salida sí. Pero también le digo a la gente joven que no se deje embaucar por los precios. Que no se dejen engañar. Siempre van a encontrar a otros que cobren un poquito menos. Pero que no acepten esos trabajos por que nos hacen daño a todos y a ellos los primeros. Porque nunca tendrán la oportunidad de cobrar más.
Y el tema de trabajar como ilustrador en Francia y España, que has hecho algunos trabajos en Francia, como “Le disciple” (escrito suena mejor, yo lo pronuncio fatal). No si es mejor o peor, sino diferencias que pueda haber.
A mí en Francia siempre me han tratado muy bien, no tengo ninguna queja de ellos y además todo lo que he hecho para el mercado francés lo he hecho viviendo en España. Eso sí, he tenido que ir allí para hablar absolutamente todo y que estén tranquilos. Es bueno y recomendable que te vean la cara, que te conozcan y sepan con quién están trabajando.
¿Diferencias? Bastantes, pero creo que de cuando yo trabajaba allí a ahora, aquí ha mejorado bastante y las condiciones son mejores.
¿Porque aquí en España puede ser que las editoriales se hayan abierto más a ilustradores y dibujantes de cómic por todo el auge de las películas de superhéroes?
Claro, todo esto es un círculo. Es una industria de entretenimiento y van unidas de la mano. No hay ninguna que se pegue con otra. Hay un cómic: “Ghost in the Shell”, hacen la película de animación, hacen videojuegos, hacen tal… Todo eso es una reserva natural para que entren dibujantes de cómic, escritores, guionistas, artistas conceptuales, ilustradores… de todo. Y eso solo un producto. Multiplicado por todos los que hay es un campo bastante grande. Se pude trabajar en mucho.
Pues con “Ghost in the Shell cerramos el círculo de la entrevista. Muchísimas gracias Vito.
Muchas gracias a vosotros, cualquier cosa que necesitéis, material… me decís.
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