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Crítica: ‘Almas en pena de Inisherin’

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Dos amigos de toda la vida se encuentran en un callejón sin salida cuando uno de ellos decide abruptamente poner fin a su amistad, con consecuencias alarmantes para ambos.

Crítica

Desde la austeridad y la parquedad de sus dos protagonistas se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo

Martin McDonagh vuelve a nuestras carteleras con ‘Almas en pena de Inisherin’ tras lograr ser la cinta más nominada a los Globos de Oro (ocho candidaturas) desde que obtuviese ese reconocimiento ‘Cold Mountain’ allá por 2003. En la gala del pasado diez de enero se llevó tres galardones, el de Mejor película (comedia o musical), el de Mejor actor de comedia o musical y Mejor Guión. Me falta por ver aún la película de Spielberg pero la verdad es que no le veo objeciones a la decisión de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que es quien dicta el resultado.

El director de ‘Tres anuncios en las afueras’ se aleja una vez más del ruido de las grandes ciudades para trasladar sus inquietudes en una pequeña localización rural. Con eso ya nos muestra cuánto quiere reducir a lo básico sus argumentos. En esta película que tiene bastantes tintes de parábola bíblica nos presenta Inisherin, un lugar ficticio de las Islas de Arán con una belleza pasmosa. Ahí nos movemos entre casi tres únicas localizaciones, dos casas y un pub. Descubrimos entonces la historia de dos amigos que ven su rutina trastocada por la decisión de uno de ellos.

‘Almas en pena de Inisherin’ se fundamenta en elementos y conceptos primordiales. La palabra sencillez brota entre cada brizna de la verde hierba irlandesa que vemos en pantalla. Esta es la historia de unos pueblerinos ajenos hasta el momento de empezar el filme a cualquier debate sobre la condición humana. El guión y las interpretaciones consiguen que nos pongamos en el papel de los dos protagonistas. Por un lado está un altamente creíble Colin Farrell, quien encarna a una persona que vive feliz llevando una vida de lo más humilde y elemental. En contrapartida está su amigo, quien interpretado por Brendan Gleeson ha tenido un ataque de existencialismo y de repente se ve asaltado por inquietudes o temores vitales que su amigo ni se plantea ni atisba a comprender. Desde la austeridad y la parquedad de sus dos personajes se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo.

Al margen de ese conflicto entre quienes buscan vivir una vida sencilla y quienes ansían dejar una huella indeleble en la historia humana hay un relato aún más simple. La parte que concierne a Farrell nos habla de una pérdida de la alegría, de la violación de una inocencia cultivada durante toda una vida, de un optimismo fruto del aislamiento del resto del mundo. Es un choque de bruces contra la realidad que rompe una envidiosa felicidad.

Fijaos bien en la fotografía de Ben Davis. El autor de las imágenes de ‘Cry Macho’ o de muchos títulos marvelitas ha procurado que el paisaje nos transmita espontaneidad y una rutina de lo más campechana, pero a la vez resultar apabullantemente embriagadora. Merece la misma atención el ritmo que nos brinda el montaje, que no es precisamente ágil pero que extrañamente se hace fugaz. Ha sido obra del ganador del Oscar por ‘Sound of metal’ Mikkel E.G. Nielsen que ha sustituido al editor habitual del director, Jon Gregory, a quien va dedicada la película.

El reparto está compuesto por otros muchos irlandeses pero por supuesto son Colin Farrell y Brendan Gleeson quienes lo encabezan, coincidiendo una vez más con el director pues protagonizaron también en ‘In Bruges (Escondidos en Brujas)’. La negrura de aquel filme está también presente en ‘Almas en pena de Inisherin’ pues esta reyerta entre amigos que se torna como una alegoría de esas Guerras Civiles que al final nunca se sabe realmente por qué han comenzado, que tienen algunas treguas en las pequeñas cosas en común y que cada vez se tornan más esperpénticas sin más remedio que la muerte mutua de ambos bandos, sin ganador alguno.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de febrero de 2023. Título original: The Banshees of Inisherin. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Martin McDonagh. Guion: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan, Pat Shortt, David Pearse, Gary Lydon, Jon Kenny. Producción: Blueprint Pictures, Film 4, Fox Searchlight, Metropolitan Films International. Distribución: Fox Searchlight. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/the-banshees-of-inisherin/

Crítica: ‘Agencia Lockwood’

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Divertida y misteriosa versión de cazafantasmas distópico-adolescente

La serie de Netflix ‘Agencia Lockwood’ está basada en las novelas de Jonathan Stroud. El título original de esta serie británica de ocho episodios es ‘Lockwood & Co.’ y ha sido orquestada por William McGregor, Catherine Morshead y Joe Cornish. Podréis verla a partir de este viernes 27 de enero.

‘Agencia Lockwood’ trata a cerca de unos adolescentes que trabajan para su propia agencia independiente, la cual, de dedica a cazar “visitantes”. Cada uno tiene un poder y viven en una realidad en la que la presencia hostil de los fantasmas está normalizada. Este es un mundo trastocado por un brote de fantasmas llamado “el problema”, de origen desconocido y cuyo toque es mortal. En él los más jóvenes son usados como cazafantasmas desde muy temprana edad, con fines laborales, económicos o de seguridad. En concreto, los tres protagonistas intentan ganarse la vida por su cuenta, almacenando como los Warren en su sótano a los entes que capturan.

Sinceramente, no sé qué tal es la serie como adaptación. Pero los jóvenes protagonistas actúan bien y por lo menos tienen un alto parecido a los que aparecen en las portadas. Son una sensitiva que oye a los espectros, un líder con capacidades visuales que podría ser un joven Constantine y su amigo investigador que también es capaz de percibir las malas vibraciones. ‘Agencia Lockwood’ tiene la virtud de esgrimir sus propias normas en torno al mundo de los muertos que permanecen atados a nuestro plano. Construye una trama de intriga sostenida por unas reglas fantásticas bien sostenidas. Se destaca además por el carácter descarado y desvergonzado, además de algo adulto, de sus pequeños protagonistas y por centrar toda la acción en sentidos como tacto, vista y oído.

Tiene encanto ya que huye de la frialdad de las nuevas tecnologías y tira del encanto del VHS, de los artilugios mecánicos, de unos personajes que por un lado son arquetípicos y por otro diferenciados de otras narraciones adolescentes. Son jóvenes prodigios que pese a su talento fracasan y hacen uso de un carácter adulto y sarcástico. En parte puede recordar a la personalidad de los Jóvenes Titanes.

Aventura y misterio. Hay intriga por el origen de los ectoplasmas agresivos, suspense por la seguridad de los protagonistas, curiosidad por ver cómo será el siguiente monstruo… En realidad no es una serie de tantas que resuelven un caso en cada episodio. Si buscas aventuras episódicas esta no es tu serie. Hay un hilo que ir siguiendo y la diferencia además es que aquí los elementos son paranormales. Te gustará si te agradan series como ‘Locke & Key’, ‘Pesadillas’ o ‘The Umbrella Academy’.

Crítica: ‘Slash/Back’ (Cazadora de aliens)

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El soñoliento pueblo de Pangnirtung se despierta con un típico día de verano. Sin escuela, sin chicos guays (bueno… excepto uno), y con 24 horas de luz solar. Pero para Maika y sus amigos, el verano de siempre no es lo mismo cuando descubren que una invasión alienígena amenaza su pueblo natal. Estas adolescentes han sido subestimadas durante toda su vida, pero, utilizando armas improvisadas y sus conocimientos de las películas de terror, demuestran a los alienígenas que no hay que joder a las chicas de Pang.

Crítica

Mezcla canadiense y descafeinada de ‘Attack the block’ y ‘La cosa’

Aquellos que hayan visto películas como ‘Attack the block’ o precedentes similares no van a descubrir nada nuevo en este filme. En ‘Slash/Back’ unas chicas se topan con una criatura sin saber que no es algo de este mundo y terminan teniendo que enfrentarse a ella sin ayuda de los adultos. Todo transcurre en el círculo ártico, rodeados de la nada y perseguidos por monstruos deformes, como en ‘La cosa’. Pero este primer largometraje de Nyla Innuksuk no tiene ni la gracia de la primera a la que os he hecho referencia, ni el terror de la segunda. Le falta gancho, crudeza y tener un poco más definido a qué publico va dirigida, quizá intenta llegar a un abanico de espectadores tan amplio que se queda en tierra de nadie.

Entre cosas de adolescentes y pequeñísimas apariciones de ese monstruo la película empieza bien. Promete pues nos da sangre desde el principio y nos aporta algo sobre la filiación de los personajes. Lástima que después se pierde con las actuaciones y con lo torpe que es su acción. Incluso al final intenta en vano también desarrollar un discurso sobre la identidad.

Personas muy jóvenes enfrentando lo fantástico. Se os puede venir a la cabeza la omnipresente ‘Starnger Things’ pero quizá el símil reciente más parecido sea ‘Prey’, de hecho, en los créditos hacen algo similar usando caracteres que posteriormente cambian a nuestro alfabeto. La sangre y el adoctrinamiento de la caza está mucho más presente. Además todo transcurre durante el día pues en esas latitudes sabemos que los días duran muchísimo más.

La directora ha trabajado en cortos y en producciones de realidad virtual. En el plano técnico la fotografía de ‘Slash/Back’ es magnífica y los efectos especiales también. Si hay algo que gusta de este filme son las criaturas, aproximadas al Ijirak, una especie de hombre del saco o krampus para los inuit. Por lo general a aquellos que la vieron conmigo en Sitges les gustó más que a mí. Yo no he llegado a sintonizar ni con el guión ni con la psique de las protagonistas, que me parece que está vagamente trabajada.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Slash/Back. Duración: 86 min. País: Canadá. Dirección: Nyla Innuksuk. Guion: Ryan Cavan, Nyla Innuksuk. Música: Michael Brook. Fotografía: Guy Godfree. Reparto principal: Tasiana Shirley, Alexis Wolfe, Nalajoss Ellsworth, Chelsea Prusky, Melissa Hood, Kristian Bruun, Shaun Benson, Natar Ungalaaq, Amelie Albert-LeBlanc. Producción: Good Question Media, Mixtape VR, Red Marrow Media, Scythia Films, Stellar Citizens. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: terror, aventuras. Web oficial: https://slashback.official.film/

Crítica: ‘Tár’

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El guionista, director y productor Todd Field firma ‘Tár, protagonizada por Cate Blanchett en el papel de la innovadora directora de una de las orquestas más importantes de Alemania. Conocemos a Tár en la cúspide de su carrera, a punto de publicar un libro y de dirigir la Quinta Sinfonía de Mahler. Sin embargo, de un modo totalmente inesperado, su vida empieza a desmoronarse en las siguientes semanas. El resultado es un mordaz examen del poder, de su impacto y de su perdurabilidad en el mundo de hoy.

Crítica

El abuso de poder castigado mientras vemos el declive de una gran artista

Todd Field dirige y también escribe esta magnífica película que nos lleva al mundo de la música clásica y las orquestas. Esas orquestas capitaneadas la mayoría por hombres y que poco a poco van dando paso a mujeres directoras. Este es el caso de Lidia Tár, una directora de orquesta con un éxito tremendo en todo el mundo. Una mujer llena de poder que lo usa a su gusto y le da absolutamente igual a quien tenga que pisar o destrozar para conseguir lo que quiere.

La dirección de la película es tremenda, tenemos planos secuencia que son brutales, unidos a los diálogos con los que Todd Field nos va a adentrar en más de un debate al salir de la película. Porque ‘Tár’ tiene muchos temas que van a dar que hablar y la verdad que la película los trata muy bien.

‘Tár’ tiene imágenes preciosas, llenas de fuerza y con unos planos complicadísimos que nos muestran la locura de esta mujer por su profesión. Todo ello es gracias a la fotografía de Florian Hoffmeister, el cual ya le hemos visto en películas como ‘Antlers: Criatura oscura’ o en alguno de los episodios de ‘The Terror’.

Todo esto unido a una actuación impecable de Cate Blanchett, nos da una película casi redonda que sin duda apunta fuerte para los Oscar, pues la actriz ya ha conseguido este año el Globo de Oro. Vamos viendo como una mujer altiva, segura de si misma y muy resolutiva se va diluyendo. La manera de encorvar su cuerpo, su mirada triste y desolada nos va mostrando una evolución hacia la caída de esta mujer al olvido. Su personaje está muy bien construido, una mujer que parece tan dura y que se jacta de ser mujer en un mundo de hombres, a la vez es una persona que siempre imita la manera de vestir de sus compañeros o de posar para las entrevistas.

Pero junto a ella tenemos un tremendo reparto secundario, Noémie Merlant, Mark Strong, Nina Hoss, Sophie Kauer o Allan Corduner o Julian Glover plantan cara y también adoran a nuestra protagonista.

Por supuesto otro punto grande es la banda sonora y el sonido de la película, sobre todo el sonido, pues cuando escuchamos la orquesta nos mete de lleno en la sala. De repente sube tanto el volumen que parece que estemos en el mismo lugar que la orquesta y estemos viviendo ese momento con ellos.

En la película vemos un pequeño dardo a Placido Domingo, algo insignificante, pero que cuando ves la película no paras de recordar el caso del cantante. Al final el tema principal de la película es el abuso del poder

Aunque como podéis ver la película me ha gustado mucho, he de decir, como me pasa últimamente con muchas de las cintas que nos llegan a las salas, es que le sobran minutos. Aunque es interesante y los diálogos sean tremendos, hay una parte de la película en la que pierdes un poco el interés pues ya deja de sorprender. Es la única pega que le pongo a ‘Tar’ por lo demás es perfecta.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de enero de 2023. Título original: TÁR. Duración: 158 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Field. Guion: Todd Field. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Florian Hoffmeister. Reparto principal: Cate Blanchett, Nina Hoss, Mark Strong, Noémie Merlant, Sam Douglas, Sydney Lemmon, Murali Perumal, Diana Birenyte, Vivian Full, Amanda Blake. Producción: Focus Features, Standard Film Company, EMJAG Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, música. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/tar/

Crítica: ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’

En qué plataforma ver Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro

Desdibuja el horror y las viñetas de Junji Ito

Una de las series más esperadas por los lectores de cómics y manga era este título que acaba de estrenar Netflix el pasado 19 de junio. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ adapta una vez más al formato serie las historias del mangaka Junji Ito, conocido por sus cuentos de terror. Y digo una vez más porque allá por 2018 ya se estrenaron unas OVA’s que se llamaron ‘Junji Ito Collection (Korekushon)’.

A través del director Shinobu Tagashira (artífice de la anterior serie) y los guiones adaptados de Kaoru Sawada (‘Kita e…: Diamond Dust Drops’) Netflix nos presenta estas historias del autor que han sido animadas por Studio DEEN. Los mangas ya publicados de Ito se convierten en entretenimiento animado del cual se agradece el estilo que diría que es casi noventero. Pero por desgracia la inclusión del color y de algunos elementos en 3D le quitan muchísimo encanto a las narraciones.

Ha sido lanzada de manera completa con 12 episodios, la mayoría de los cuales están divididos en dos capítulos distintos. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ es ideal para un entretenimiento corto, breve o para ver durante algún desplazamiento, pero la idea se supone que es meterse en casa a oscuras a ver estas historias. No la veo ideal si eres muy fan del autor porque no han conseguido el mismo efecto en el espectador que en el lector. Vale que al leer un cómic o manga, sobre todo si este es de terror, importa mucho tu estado anímico, tu imaginación, el ambiente en el que te encuentres o lo aprensivo que seas. Se supone que una serie o una película tiene que allanar mucho el terreno en ese sentido al poder atacarnos también a través del sonido y el movimiento. En este caso, por lo menos en la mayoría de episodios, no se logra ese efecto que tan famoso ha hecho a Junji Ito entre los lectores.

Están sus personajes tétricos y lo que nos cuenta sigue siendo macabro, desconcertante, misterioso, paranormal, juguetón con lo desconocido y casi siempre y literalmente retorcidamente desagradable. Pero ya el opening, al son de una especie de J-pop, nos adelanta lo perdida que va la serie. Hay demasiado color y los personajes o su animación a veces resultan pueriles, amateur e incluso ridículos. La mayoría de episodios pecan de ser sobreexplicativos y sus diálogos entorpecen la trama, por no decir que eliminan cualquier tipo de atmósfera tétrica conseguida. Las voces en castellano tampoco ayudan, por si la vais a ver doblada.

Sin duda ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ habría sido una adaptación más satisfactoria si se hubiese mantenido el blanco y negro o si sus historias estuviesen mejor resueltas (cosa que puede que sea un problema heredado de las viñetas). A veces es muy difícil cerrar una historia y en este caso casi ninguna está finalizada y mucho menos explicada. Esto a veces sirve para imbuirnos aún más misterio o dejarnos más desconcertados, pero otras directamente nos dejan con una sensación de insuficiencia.

Para mi Junji Ito es un artista que visualmente me impacta y cautiva. Es como si Alan Poe hubiese nacido también con las dotes del dibujo. Sus novelas y narraciones breves a veces también son extraordinarias. Prueba de ello son sus famosas ‘Uzumaki y ‘Tomie’ (la cual tiene hasta ocho live actions). En este caso nos pasa como con el gabinete de Guillermo del Toro, que unos episodios nos gustan pero otros no. Lo malo es que tenemos una obra original con la que comparar que le hace un flaco favor a este nuevo material. Ojalá sirva para que os lancéis a sus viñetas.

Crítica: ‘Jung_E’

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En este apasionante thriller de ciencia ficción, un catastrófico cambio climático ha devastado la Tierra y los humanos han huido a refugios espaciales. Allí se libra una guerra y, para ponerle fin, un equipo ha clonado el cerebro de la mítica mercenaria Yun Jung-yi para crear la IA de combate definitiva.

Crítica

Song-ho Yeon se monta su propio Ghost in the shell

Sang-ho Yeon (‘Train to Busan’, ‘Rumbo al infierno’) vuelve con un nuevo largometraje en el que una vez más intenta entretenernos y ya de paso criticar la condición humana. En esta ocasión se aleja de los monstruos para adentrarse en el metal de los robots de la ciencia ficción. En ‘Jung_E’ nos lleva a un mundo en el que la humanidad vive en el espacio, fuera de un planeta Tierra inundado por el cambio climático. Pero nuestro siempre presente belicismo provoca una guerra entre las colonias que pueblan las distintas estaciones espaciales. Es por eso que en un intento desesperado uno de los bandos intenta replicar a su mejor mercenaria copiando su mente y trasladándola al cuerpo de un androide.

El aprendizaje de las máquinas siempre depende de unas primeras instrucciones humanas acompañadas de posteriores correcciones dadas al programa. Para los detractores de las IA’s que tantas imágenes están generando hoy en día, saber que previamente se le han enseñado miles de imágenes y luego viene la generación genuina de nuevo material. La fuente de conocimiento del androide que se pretende crear en ‘Jung_E’ es la conciencia y recuerdos de una letal soldado. Pero hay algo que falla y no se consigue un producto satisfactorio para la corporación que ha iniciado el proyecto. La película tiene una pizca de acción pero se centra en el debate y proceso de creación de este nuevo ser. Y es que para Yeon somos criaturas de naturaleza vil, cuya historia demuestra que nuestra maquinaria de guerra acaba sirviendo a productos que usamos luego en nuestro día a día.

El tema de las IAs no es nuevo pero si está cada vez más de moda. ‘Jung_E’ funciona en algunos momentos en los que toca lo ético de este tipo de tecnologías. A pesar de que lo más atractivo son sus imágenes no es una película que se fundamente en los tiros o las peleas. Es un entretenimiento que busca ser más emocional y dramático. Se siente como tantas otras narraciones asiáticas de género fantástico. Tiene un argumento muy distópico, acción épico-heróica y pese a ello está plagada de tontorronerías e incluso diría que de momentos naif. Busca cierta complejidad existencialista y sentimental pero le pierde su humor infantiloide. Pese a ello como decía tiene visualmente también sus virtudes y aunque los efectos especiales son mejorables la calidad es superior a la de ‘Rumbo al infierno’. Me ha gustado mucho el diseño de robots y androides, pero sobre todo de la fábrica en la que se crean.

La trama se evidencia como un popurrí de otras muchas películas tanto clásicas como recientes, algo mucho menos original de lo que nos tiene acostumbrados el director coreano. A la cabeza se nos pueden venir películas como ‘Ex machina’, ‘Alita: Ángel de combate’, ‘Morgan’, ‘Archive’, ‘Altered Carbon’, ‘Elysium’, ‘Yo, Robot’ e incluso por unos robots que aparecen recuerda a ‘Chappie’ y por un examen de ética al que se someten rememoramos el test de Voight Kampff de ‘Blade Rubner’. Ahí os dejo una buena lista. Pero sobre todo es una especie de ‘Ghost in the shell’ en el que Sang-ho Yeon incorpora unos robots que se mueven como los tachikoma, dispone una sala de montaje como la que vio nacer a Motoko Kusanagi y las ciudades están provistas de luz, oscuridad y lluvia.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Jung_E. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Yeon Sang-ho. Guion: Yeon Sang-ho. Reparto principal: Kim Hyun-joo, Kang Soo-youn, Ryu Kyung-Soo. Producción: Climax Studio. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘La leyenda de Vox Machina’ T2

Dan ganas de volver a sumergirse en otro mundo con el D20

Si os gusta jugar al rol, si os gusta la fantasía medieval, si os gusta la animación para adultos, no os gustan los episodios de una hora o si simplemente os gusta el contenido diferenciado de lo común o lo políticamente correcto, vais a encontrar en ‘La leyenda de Vox Machina’ una serie a la que engancharos. Y más sabiendo que a partir del 20 de enero se lanza su segunda temporada en Prime Video con 12 nuevos episodios de media hora cada uno.

Amazon Prime Video engrosó con esta serie su línea de productos abiertamente violentos, malhablados, fantasiosos y dedicados a un público cuya edad va de la adolescencia en adelante, como ‘The Boys’, ‘Invincible’… ‘La leyenda de Vox Machina’ trata a cerca de unos aventureros reunidos bajo el nombre de Vox Machina, una compañía heterogénea de personajes que busca el oro y la gloria en un mundo medieval. De hecho, todo parte del imaginario de Dungeons & Dragons (por ahí veréis la forma del D20), pero por tema de derechos se evita mencionar el juego o sus licencias.

Si habéis leído los libros de ‘Dragonlance’ sabréis que Weis y Hickman los escribieron a partir de sus partidas de rol. Pues esto es lo mismo. Critical Role (Sung Jin Ahn, Alicia Chan, Young Heller, Pang Yu-Won, Stanley Von Medvey, Brandon Auman y Eugene Son) son unos streamers que emiten en directo desde 2015 mientras juegan con sus elfos, halflings, goliaths… Sus aventuras se han convertido en serie animada gracias a un Kickstarter y ello es en parte impulsado a que además estos jugadores son actores de doblaje (de ahí el nombre del grupo).

Todos los roleros hemos participado en partidas en las que nos hemos sumergido en todo tipo de locuras disparatadas o nos hemos flipado con la acción que permitían las características de nuestras fichas. Saquear la guarida de un dragón equipados de una ruidosa armadura, insultar a palabrotas a los fornidos guardias de un castillo, convertirnos en todo tipo de animales para hacer cosas surrealistas, retroalimentar con nuestra sangre a nuestra propia espada vampírica, usado mascotas mágicas como Guenhwyvar, sacar muchos críticos y pifias… Eso es lo que se ve reflejado en esta divertida serie. Es un entretenimiento distendido, juvenil y épico. Dan ganas de comprar unas cervezas y juntarse de nuevo con los amigos para iniciar una nueva campaña. Quizá no tengan los derechos de Wizards of the Coast pero desde luego le hacen una publicidad impagable.

Chris Prynoski, quien ha estado involucrado en ‘Big Mouth’, ‘Star Trek: Lower Decks’ o ‘Metalocalypse’, es el responsable de esta serie. ‘La leyenda de Vox Machina’ tiene una animación y un cambio de escenarios que puede recordarnos (con tono adulto) al de ‘Avatar: the last airbender’. Es una especie de anime norteamericano en cuya segunda temporada (o módulo hablando en términos roleros) arrancan por todo lo alto con The Chroma Conclave y un diseño de dragones magnífico. El humor y la aventura son la nota predominante y lo único que tengo que reprocharle a la historia es el guión tan predecible que tiene. Se nota que es una serie de partidas en las que tienen que mantener a los partícipes y eso forzosamente los mantiene con vida. Otra cosa que la hace predecible es el ver que todos y cada uno de ellos van recibiendo una mejora (arma, magia, poder…) en cada episodio. Tienen un master demasiado concesivo. Al menos cada capítulo está dedicado a contarnos algo sobre el pasado de los protagonistas y eso da riqueza tanto a su trasfondo como al universo en el que nos sumergen. Me quedo esperando la tercera temporada con las travesuras y aventuras de Vax, Vex, Grog, Keyleth, Pike, Percy y Scanlan pues esta segunda se queda muy pendiente de resolución. También aguardo la versión animada de ‘Cazafantasmas’ de Prynoski.

Crítica: ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’

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El documental dramatiza la biografía de María Lejárraga, dramaturga cuya producción vio la luz bajo el nombre de su marido, el empresario teatral Gregorio Martínez Sierra. La autora de obras como Canción de cuna, llevada al cine en cinco ocasiones, o del libreto de El amor brujo, de Falla, fue además diputada por la segunda República y fundadora de proyectos pioneros para los derechos y las libertades de la mujer.

Crítica

Toda una mezcla de Mary Shelley y Virginia Woolf a la española

Siempre hay referentes que han construido los cimientos de lo que es nuestro panorama actual. Por desgracia muchos de ellos caen en el olvido o son borrados por corrientes o coyunturas perniciosas para el progreso. Ese es el caso de María Lejárraga y de tantas otras mujeres que aparecen en los créditos finales de ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’. Un documental de Laura Hojman que ya se puede ver en Filmin y que figura entre los candidatos al Goya.

Seguro que os suena ‘Canción de cuna’, aunque sea por las cinco veces que ha sido llevada al cine. O ‘El amor brujo’ de Falla, cuyo libreto escribió ella. E incluso ‘La Dama y el Vagabundo’, cuyo guión se dice que fue plagiado por Disney al inspirarse en la obra ‘Merlín y Viviana’ que el mismo estudio rechazó pocos años antes. Tal vez este último hecho sea el que más llame la atención, pero creedme que es lo mínimo a destacar de este revelador documental.

El nombre de María Lejárraga aparece muy poco en las estanterías de las bibliotecas. Por situaciones familiares y dado el encorsetamiento de la mujer que imperaba en la época, la propia autora llegó a renunciar a ver de nuevo su nombre en una portada de un libro. Llegó a un acuerdo con su marido con el que se encontraba cómoda. Eso le produjo grandes satisfacciones, pero también varias desgracias. No obstante no me corresponde a mí contaros la historia de esta prolífica mujer, sino al muy bien documentado largometraje de Hojman. El hecho de que ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’ ponga en relevancia que la escritora vivió bajo la marca “Gregorio Martínez Sierra” no hace más que ser un ejemplo de como todo un género ha sido ninguneado durante la historia humana.

Pero el papel social de esta autora va mucho más allá de las novelas o las obras teatrales. Fue Diputada en la Segunda República y una gran activista por los derechos de las mujeres. El documental coge ese testigo y reivindica aquellos que muchos aún se niegan a ver. A través de lecturas de sus textos, de las cartas que mantenía con su esposo o de las reflexiones de distintas personalidades actuales que intervienen en el documental, se hace un retrato de alguien que a día de hoy sería influencer o que si no hubiese visto su vida sesgada por la guerra o la muerte de su marido se habría convertido en uno de los personajes más destacables de nuestra literatura o historia política.

No es de extrañar que Laura Hojman, quien preside la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA), haya querido hacernos el favor de esculpir la figura de esta gran mujer. Se agradece enormemente que esta información no se quede en la columna de algún libro de historia o en el rincón de algún museo y llegue hasta nuestras casas para servir de maravilloso ejemplo y referente para todos. Pero también que el guion del documental procure extrapolar su historia a la de la España de hace tan solo cien años en el pasado, época en el que parecía que íbamos a alcanzar esa modernidad que tanto nos está costando conseguir aún hoy en día.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2023. Título original: A las mujeres de España. María Lejárraga. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Laura Hojman. Guion: Laura Hojman. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Beatriz Hohenleiter, Adonis Macías Reina. Reparto principal: Cristina Domínguez, Kiti Mánver, Manuela Carmena, Rosa Montero, Antonina Rodrigo, Vanessa Montfort, Juan Aguilera, Isabel Lizarraga, Remedios Zafra. Producción: Canal Sur Radio y Televisión, Fundación SGAE, Instituto de Crédito Oficial, RTVE, Summer Films. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial: ver en Filmin.

Crítica: ‘Una herencia de muerte’

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Macey (Toni Collette) y Savanna (Anna Faris) andan justas de recursos, pero sobradas de voluntad. A estas dos hermanas, que a duras penas consiguen sacar adelante su destartalada cafetería, se les ocurre una idea para salir de pobres: ganarse a su pudiente tía Hilda (Kathleen Turner), que padece una enfermedad terminal, y pegar el pelotazo. Sería el plan perfecto si Macey y Savanna no fueran las únicas de la familia con ganas de convertirse en herederas de esta matriarca controladora y cascarrabias.

Crítica

Un guión que no está a la altura de la clase pretendida

La expectativa con la que había entrado a ver ‘Una herencia de muerte’ era medianamente alta. La película está dirigida por Dean Craig, a quien quizás no conozcáis pues realmente solo ha estrenado ‘Amor. Boda. Azar.’ estando él tras la cámara. Pero seguro que os suena más si os digo que es el guionista de las dos versiones de ‘Un funeral de muerte’, ‘Moonwalkers’ o ‘Una boda de muerte’. Sobre todo era el primer título el que me atraía pues tanto en su versión británica como en el remake me habían hecho reír. Además el reparto de este filme es altamente atractivo, entonces ¿por qué mi sensación ha sido de decepción?

Repasemos quién aparece en la película. Destacan Toni Collette (‘Hereditary’) y Anna Faris (‘Scary Movie’) como protagonistas y por su talento aunque Collette sea más conocida por papeles dramáticos. Kathleen Turner (‘Tras el corazón verde’), Ron Livingston (‘Boardwalk Empire’, Rosemarie Dewitt (‘The staircase’), Patricia French (‘Dos tontos todavía más tontos’) y Keyla Monterroso Mejia (‘Colegio Abbot’) les acompañan en el cartel. Pero, y aquí viene el personaje en el que más se manifiesta el fallo de la película, también está David Duchovny. No tengo nada en contra del actor, al contrario, soy ferviente fan de sus personajes de ‘Expediente X’ o ‘Evolution’, pero se muestra en ‘Una herencia de muerte’ como la versión más pobre de su papel en ‘Californication’.

Con pobre me refiero a que no goza de ninguna clase de ingenio, agudeza, sutileza u originalidad. Hay que reconocer que ‘Una herencia de muerte’ nos arranca más de una carcajada ya que consigue ser mordaz, pero esto sucede puntualmente. Por desgracia la lucidez en el guión y la acidez en el humor que vimos en las películas anteriormente escritas por Craig brilla por su ausencia a favor del humor verde y grosero. El sexo, los insultos o lo escatológico se hacen con el poder del libreto.

El esquema era el de anteriores ocasiones. Reunir a todos los personajes en una misma casa y enredarles a través de sus distintas motivaciones. Además el eje de nuevo es la familia y sus reyertas amontonadas durante años. La codicia y la desesperación son las dos partes más importantes que a priori estimulan a los protagonistas. En ese sentido se mete en la misma dinámica que películas como ‘Ratas a la carrera’, pero ojalá hubiese sido tan ágil como la película de Jerry Zucker.

El argumento nos auguraba una comedia que giraría en torno a la mezquindad humana. Pero ‘Una herencia de muerte’ es víctima de su propio chiste, no hay ensayo ni estudio ninguno y acaba intentando sonsacarnos la risa fácil con momentos chabacanos, algo excesivamente parco en inteligencia. Irónicamente no hereda la buena dinámica conseguida por el escritor en previos estrenos. Y eso que el filme está acompañado no solo por un buen reparto, también por una buena banda sonora repleta de soul y rhythm and blues. El texto no está a la altura de la clase pretendida.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: The Estate. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Dean Craig. Guion: Dean Craig. Música: Will Bates. Fotografía: Darin Moran. Reparto principal: Toni Collette, Anna Faris, David Duchovny, Kathleen Turner, Ron Livingston, Rosemarie Dewitt, Patricia French, Keyla Monterroso Mejia. Producción: Signature Films, Capstone Group, Pretty Matches Productions, Thruline Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: https://www.theestatemovie.com/

Crítica: ‘Detective Knight: redención’

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Bajo custodia en una cárcel de Nueva York, el detective James Knight se encuentra en medio de una fuga dirigida por The Christmas Bomber, un fanático cuyos discípulos de Santa Claus están aterrorizando a la ciudad. Con la prometida devolución de su placa a cambio de acabar con los terroristas, el detective Knight repartirá misericordia a los justos… y justicia despiadada para todos los demás.

Crítica

Mejora ligeramente pero sigue siendo un loable y tristemente fracasado intento

Volvemos con Detective Knight (Detective Caballero), menos mal que en España han mantenido el nombre y no se ha hecho una de esas horribles traducciones. ‘Detective Knight: redención’ es la segunda parte de la última trilogía de Bruce Willis. La primera era una película protagonizada por el mítico actor en la que casi ni aparecía. Por lo menos en esta meten a los villanos en el cartel, que son quienes realmente llevan el peso del filme. Me gustaría creer que estos largometrajes de Edward Drake han servido para engrosar las arcas de la estrella y enfrentarse a los gastos médicos derivados de su afasia, pero sinceramente, viendo el resultado les habría salido mejor un crowdfunding. Loable pero tristemente fracasado intento.

Esta película está una pizca más interesante y al menos está mejor gestionado el hecho de que Willis tenga problemas para hablar haciendo que su personaje tire más de más juegos de miradas, parezca que tiene una especie de depresión, se lleve mal con todos los que le rodean… Su afasia se ha tornado en una especie de acogida a la quinta enmienda durante ‘Detective Knight: redención’. Hay que reconocer que La primera secuencia ya es mejor que casi toda la primera entrega y aún así no es buena. No hay ritmo y se perciben varios fallos de guón, sino hubiese variedad de planos diría que está a la altura de un serial televisivo de bajo presupuesto. La iluminación en interiores, los discursos, prefabricados, la música de base de datos… es un producto muy pobre, pero bueno, si mejora en la tercera a lo mejor estaremos hablando de algo potable.

Con ‘Detective Knight: redención’ se apuntan a la Navidad y al género carcelario manteniendo el de atracos como principal eje. Nos presentan a unos villanos que bien podrían haber surgido de un cómic de Batman. Van enmascarados de manera grotesca, por su mente pasa toda clase de parafernalias lunáticas y sueltan un discurso caótico, sociópata y antisistema. De nuevo volvemos a tener la evidente influencia de ‘Le llamaban Bodhi’ pero de nuevo se pierde por su repetitividad y por su cansino y poco carismático discurso.

Es duro ver como Willis encabeza el cartel y ni tiene presencia, ni puede pronunciar sus famosas frases lapidarias. Aguantaré a la entrega de cierre igual que he aguantado a la escena post-créditos aunque sea por afán completista y por ver actuar a Jack Kilmer, hijo de Val Kilmer.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Detective Knight: Redemption. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Edward Drake. Guion: Edward Drake. Música: Scott Currie. Fotografía: Laffrey Witbrod. Reparto principal: Bruce Willis, Paul Johansson, Lochlyn Munro, Miranda Edwards, Jimmy Jean-Louis, Mitchell Baker, Corey Large. Producción: BondIt, Buffalo 8 Productions, Lionsgate. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción. Web oficial: https://www.lionsgate.com/movies/detective-knight-redemption

Crítica: ‘Babylon’

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Del oscarizado director, Damien Chazelle, ‘Babylon’ es una historia épica original ambientada en Los Angeles durante los años 20, protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva, junto a un reparto coral donde destacan Jovan Adepo, Li Jun Li y Jean Smart. Una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.

Crítica

Una oda al cine y a la depravación del ser humano

‘Babylon’ es la nueva película de Damien Chazelle, que pese a su juventud (37 años) y su corto currículum ha mostrado talento y más luces que sombras en sus anteriores trabajos. ‘Whiplash’ y ‘La La Land’ son claro exponente de lo que puede hacer; ‘First man’ como lo que no debe hacer (en opinión de éste que escribe). Con ‘Babylon’ tengo sentimientos encontrados. ¿Luces o sombras? A ver si trato de explicarlo.

Nada más empiezo a verla, ‘Babylon’ se muestra como una comedia vertiginosa que te lleva a una parte (la de las fiestas y los rodajes, aunque sobre todo las fiestas) del Hollywood de los años 20, en los comienzos del cine (todavía mudo) como industria de entretenimiento. Debo confesar que me quedo hechizado por la cascada de imágenes y planos secuencia con los que Chazelle nos deleita (luego doy más detalles) demostrando su brillantez moviendo la cámara. Posteriormente, ‘Babylon’ cambia de ritmo y se convierte en una historia que pierde esa fuerza y ritmo en favor de un drama en ascenso o dicho de alguna otra forma: al principio es una montaña rusa visual de depravación, en tono de comedia loca con sorprendentes o inesperados toques bizarros por un lado, seguida de un profundo drama contenido por el otro. A mí no me llega a tocar el alma aunque me produce cierto sentimiento pero… será por eso que me acaba sabiendo a poco o quizá con el deseo de haber visto lo mismo pero contado de otra manera. Como os decía, son sentimientos encontrados los que me termina produciendo este filme, que para nada es olvidable. La confirmada brillantez detrás de la cámara de Chazelle no puede ocultar del todo que el ritmo de la película decaiga por momentos, aunque mantenga nuestro interés. Quizá tenga el sentimiento de que ‘Babylon’ carezca de armonía y Chazelle no encuentre el modo de hilar fino y darle fuerza a todas las partes por igual.

Esta película nos cuenta esa historia de fiestas y rodajes de la creciente y cambiante industria del celuloide a través de varios personajes a lo largo de esos años. Esa historia, la de cada personaje, es la historia que importa porque tiene mucho valor dramático, y es la que percibo como la gran perjudicada del tono de ‘Babylon’. No termina de imponerse como debería.

El elenco brilla con luz propia, Brad Pitt da la talla de sobra (aunque no es su mejor papel) con un personaje que para mí es el que tiene más carga irónica de todos. Prefiero no contaros su trama para no hacer spoiler. Quedaros con que era una estrella del cine mudo que promovía ideas para reinventar el cine.

Margot Robbie en mi opinión es carne de premios con su interpretación de una incipiente actriz que no puede huir de sí misma. Está fantástica, disfruto cada fotograma de ella. Creo que la amo así que podéis no hacerme caso hasta que lo comprobéis por vosotros mismos.

Diego Calva es para mí, la cara desconocida y la revelación de esta cinta. Un muy buen trabajo interpretativo y el alma de la peli.

Los secundarios, con historias más pequeñas, cumplen con solvencia su cometido y ayudan a darle más sentido al conjunto. Buen casting.

Mención aparte merece el “pseudocameo” de Tobey Maguire. No sé si sobraba en la peli, pero ya que está, os invito a que lo disfrutéis.

En términos de diseño de producción, debo aplaudir el trabajo realizado. La ambientación, los decorados, todo te traslada a la época.

La radiografía que hace de la sociedad hollywoodiense a finales de los años 20 y principios de los 30 donde se produce un cambio radical en la industria del cine no sé si es precisa (no estaba en esas fiestas) pero me la puedo creer a pies juntillas. Su director nos ofrece en imágenes una ensalada de extravagancia, depravación, drogas, un retrato del ser humano hedonista, oscuro… los años locos se les denominó. La explosión de la prosperidad y la burbuja especulativa. `Babylon’ es una especie de “El gran Gatsby versión L.A. a lo bestia”.

También es un homenaje al cine de antes y de siempre, como medio de contar historias y entretener, con una curiosa secuencia de imágenes al final de la película que tienen todo el sentido si eres capaz de encontráselo.

No creo que sea una película que guste a todos por igual en su conjunto, pero sí en alguna de sus partes. Es cine, el cine dentro del cine y da gusto verla en pantalla grande. De esas películas que requieren de una “digestión” para asimilar todo lo que acabamos de ver.

Quizás los 188 minutos que dura no sean justificables en este caso, aunque confieso que no se me hace pesada. Si alargar el metraje se usase como excusa para contar mejor la historia, quizás en este caso no haya cumplido ese objetivo.

Yo creo que ‘Babylon’ es una película que derrocha talento técnico e interpretativo y que por alguna razón no siento que llegue a ser redonda pero sí notable, así que no puedo dejar de recomendarla a todo buen cinéfilo de pro.

Lo bueno: Su inicio, su brillantez tanto detrás como delante de la cámara. Puro cine.

Lo menos bueno: Que contando con “Lo bueno” me haya quedado un sabor agridulce al final.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Babylon. Duración: 188 min. País: EE.UU. Dirección: Damien Chazelle. Guion: Damien Chazelle. Música: Justin Hurwitz. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jean Smart, Jovan Adepo, Li Jun Li, P.J. Byrne, Lukas Haas, Olivia Hamilton, Tobey Maguire, Max Minghella, Rory Scovel, Katherine Waterston, Flea, Jeff Garlin, Eric Roberts, Ethan Suplee, Samara Weaving, Olivia Wilde. Producción: Paramount Pictures, C2 Motion Pictures Group, Material Pictures, Organism Pictures, Wild Chickens Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/BabylonMovie/

Crítica: ‘The last of us’

Una temporada para calcar la primera parte de la saga

El próximo 16 de enero HBO Max estrena el live action de ‘The last of us’ empezando así una nueva emisión semanal que atrapará a muchos. La adaptación del juego desarrollado en su día por Bruce Straley y Neil Druckmann (‘Uncharted’) ha sido llevada al formato televisivo de la mano de Craig Mazin quien sigue con sus historias dramáticas alejándose aún más de sus primeras comedias. Ya nos sorprendió con ‘Chernobyl’ y ahora aliándose con Druckmann nos sumerge exitosamente en una aventura de zombies, traumas personales y supervivencia.

Siempre es difícil transmitir a la audiencia las mismas sensaciones que tiene jugando a un juego a través de una película o serie porque al fin y al cabo el usuario es parte de la historia manejando a los personajes con su mando. Pero ‘The last of us’ pertenece a esa corriente de juegos que ofrecen durante sus partidas una experiencia cinematográfica por la gran cantidad cinemáticas que tiene. Quizá por eso la serie puede funcionar bien y ganarse incluso a los gamers, ya que logra que nos metamos en su dramática historia y revivamos las fases del juego, aunque sin llegar a imbuirnos tanto terror. Seguramente la serie se gane un buen número de adeptos jugones pero no sin antes pasar por el examen de un casting (Pedro Pascal y Bella Ramsey) que no tiene precisamente un parecido físico próximo al de los protagonistas del juego de Naughty Dog.

¿Qué sucede en ‘The last of us’? La acción transcurre en una realidad alternativa veinte años después de arrancar un brote contagioso. El hongo Cordyceps, que a día de hoy solo era parásito en insectos, se pasa a los humanos según esta ficción. Se convierten así en unos zombies que parece que tienen verrugas gigantes y amorfas como las del papiloma humano. Se comportan de manera violenta y simbiótica, comunicándose además como si fuesen una colonia.

Tenemos explicación para este apocalipsis, no como sucedió en el cómic y serie de ‘The walking dead’. Tranquilos, Mazin ha asegurado que no van a alargar tanto la serie. Esta primera temporada de la serie ‘The last of us’ abarca todo el primer juego, incluyendo los caníbales en Silver Lake, las luciérnagas y la última y trascendental conversación entre Ellie y Joel. Aún con todo y con eso emplea espacio para recrearse en algunos precedentes. Después de todo el juego tiene muchos momentos para reabastecerse y más escenas de acción con zombies y bandidos. Si te lo pasabas en su totalidad en unas quince horas la serie nos comprime la narración en unas nueve.

Esta producción repite los mismos pasos del juego llevando algunos a límites más espectaculares. La primera secuencia se parece a la de ‘Un lugar tranquilo 2’ y los zombies corren y saltan como en ‘Guerra mundial Z’ pero la comparativa más directa y reciente es con ‘The Walking Dead’. Es una serie muy similar pero no se despista con tantos personajes y tiene mejor ritmo. Además empieza con un interesante debate con hongos sobre la mesa y nos brinda una genial apertura en el segundo capítulo que me ha recordado a los mejores momentos de ‘The Strain’, donde también había un enfoque científico y un posterior escenario apocalíptico.

El opening podría decirse que es a lo ‘Juego de Tronos’ pero formando el mapa con liquen y hongos. Comparte también con ‘Juego de tronos’ a parte del equipo de maquillaje y prostéticos que se ha traído Mazin de ‘Chernobyl’. En lo sonoro, participa el mismo compositor musical, Gustavo Santaolalla. En cuanto al vestuario y peluquería a los personajes les han peinado y vestido igual pero como mencionaba el parecido es bastante lejano y de la cara de Ellen Page a la de Ramsay hay un trecho. Tess (Ana Torv) es para mí la mejor escogida del casting. Como curiosidad o huevo de pascua, han dado papeles secundarios a actores como Ashley Johnson y Jeffrey Pierce, quienes doblaban a Ellie y Tommy en la versión de consola. Todos, incluidos los dos protagonistas, actúan acorde a las escenas del juego y la personalidad de sus personajes. Está claro que la manera en cómo plantaba cara en ‘Juego de Tronos’ le ha valido a Ramsay el papel de esta niña que está un tanto trastornada y es un auténtico dolor de muelas.

La ambientación post apocalíptica es buena. Mejor que la de ‘DMZ’ o ‘Y el último hombre’ e incluso que algunas etapas de ‘The Walking Dead’ o ‘Sweet Tooth’. La relación entre los personajes de distintas edades es igual de importante que en esas series, pero el tratamiento de esta serie es mejor. Por eso tenemos varios episodios flashback (me sobran los episodios tres y siete), que se desconectan un poco de la trama para mostrar solo al final cuál es su razón de ser. Pero lo más importante es que ‘The last of us’ tiene buen equilibrio entre drama, terror y acción. Si os gusta el juego o esta serie os recomiendo una obra muy similar en algunos aspectos, ‘Melanie. The girl with all the gifts’.

Crítica: ‘Poker face’

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El multimillonario jugador de póquer Jake Foley (Russell Crowe) les brinda a sus mejores amigos la oportunidad de ganar más dinero del que jamás hayan soñado, en una noche que nunca olvidarán. Pero para jugar, tendrán que revelar algunos de sus secretos más oscuros, y a medida que avance la noche, descubrirán el motivo real por el que participan, lo que los llevará a apostarlo todo para salvar sus vidas.

Crítica

Un Rat Pack que se queda en un farol

‘Poker face’ es el regreso de Russell Crowe a la dirección. El actor neozelandés vuelve a su tierra para dirigir un filme que también ha escrito y protagoniza rodeado de un intento de “Rat Pack” de caras conocidas entre las que se encuentran RZA, Liam Hemsworth o Elsa Pataky. Tal vez la historia original de Stephen M. Coates partía de una buena idea, pero desde luego el guión que finalmente a acabado escribiendo Crowe está mal planteado. Quizá también sea cosa del montaje pues bien es cierto que en los primeros compases del filme se mezclan flashbacks con el presente en tiempo fílmico y se hace confuso, llega un momento que no sabemos si estamos viendo entremezclados dos momentos diferentes o si sucede todo en paralelo.

La historia de ‘Poker face’ nos lleva a conocer a un grupo de amigos a los que la vida a acabado relacionando con el mundo del póker. Y con cara de póker nos deja el filme pues aunque consiste en un home invasión que entretiene y se pasa rápido nos deja indiferentes, ni nos cuenta ni nos aporta nada. De hecho su final, con tintes de supuesto happy ending, nos deja una sensación frívola cimentada en el bálsamo del dinero, lo cual a priori parecía que era lo contrario que se pretendía como moraleja.

A veces el filme parece pretender ser una especie “australianización” de Guy Ritchie, otras un thriller a lo Haneke y otras un trasunto de ‘La habitación del pánico’ de Fincher. Acaba siendo una mezcla de géneros que nos saca constantemente del filme, no alcanza una dinámica capaz de establecer sensaciones próximas a los personajes o una mínima intriga. Bien es cierto que establece un misterio en torno al grupo de amigos y que no aburre como otras muchas películas sobre el juego de cartas. Pero habría sido mucho más eficiente si se hubiese regodeado en la vileza de sus personajes o si hubiese explotado esa especie de software Pegasus que se inventa.

Para el público español quizá la curiosidad está en ver a Pataky de nuevo en pantalla grande. Actúa junto a su cuñado y tiene bastante texto pero tiene un personaje bastante trivial. Más irrelevante se hace cuando el primer plano que le hace Crowe es a su canalillo y cuando le hace repetir su pose más famosa en los photocalls, es decir, ofrecer espalda desnuda a la cámara.

El grupo de pillos que de adultos se convierte en delincuentes ni impone, ni tiene pátina de espinoso. La película se supone que va sobre esta pandilla de corruptos o delincuentes pero todos los giros o el centro de atención terminan recabando en Rusell Crowe de una manera inconmensurable. Aunque bien es cierto que esta segunda juventud que vive el actor está siendo fructífera, en el caso de su propia película es todo un farol que se queda en nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Poker face. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Russell Crowe. Guion: Stephen M. Coates, Russell Crowe. Música: Antony Partos, Matteo Zingales. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Russell Crowe, Liam Hemsworth, RZA, Brooke Satchwell, Daniel MacPherson, Aden Young, Paul Tassone, Steve Bastoni, Elsa Pataky, Jack Thomson. Producción: SKY, MEP Capital, Alceon Entertainment Partners, Acrlight Films, Hamilton Entertainment, JBH Entertainment, Future Artists Entertainment, Fear of God Films. Distribución: Vértice 360. Género: suspense, drama. Web oficial: https://screenmediafilms.net/film/3569/Poker-Face

Crítica: ‘Brian y Charles’

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Brian and Charles nos descubre la historia de Brian, un solitario inventor que vive en un remoto valle de Gales del Norte. Aparentemente, la soledad no parece molestarle, y se pasa la mayor parte de su aislada vida en su ruinoso taller creando objetos extraños que nadie quiere. Hasta que, un día, Brian construye un robot. Fabricado con una vieja lavadora y una maltrecha cabeza de maniquí, la imponente máquina de más de 2 metros de altura es una peculiar construcción similar a un anciano destartalado.

Crítica

Precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional

Hay que ver qué bien recibidas son estas nuevas visiones cinematográficas. ‘Brian y Charles’ es un nuevo vehículo para expresar muchas facetas de la psique humana con tremendo tacto y sin que con ello se necesite mermar la comedia o el absurdo.

Expandiendo el corto homónimo que realizó el mismo equipo de director y guionistas (Jim Archer, David Earl y Chris Hayward) nos cuentan la vida de Brian, una especie de inventor que vive casi aislado en su pequeña finca de Gales. Con un cerradísimo acento y una aún más cerrada personalidad, este creador pasa el día materializando todo aquello que pasa por su cabeza. De entrada, la película es tronchante solo por mostrarnos qué majaderías realiza este entrañable personaje interpretado por David Earl. Realiza con cualquier tipo de desperdicio multitud de cachivaches raros e inútiles hasta el punto de parecer un lunático e incluso mendigo. Tiene lo que podría llamarse un síndrome de Diógenes creativo.

Tras infinidad de creaciones fallidas consigue dar vida a un robot dotado de la cabeza de un maniquí con cierto aire a Eduardo Punset y con un cuerpo compuesto por una lavadora. Este autómata posee inteligencia pero también parece estar sumergido en la irracionalidad de la edad del pavo. La comedia prosigue tras el primer acto pues choca la excentricidad del protagonista con la personalidad pueril del robot, bautizado como Charles Petrescu (podéis seguirle en Twitter). A parte de la nada trivial propuesta humorística descubrimos en ese punto el otro valor de ‘Brian y Charles’. A mi manera de entenderlo el robot es como una proyección de la mente y el corazón del protagonista. Utiliza el mecanismo psicológico del amigo invisible sirviendo al Brian para exteriorizar aquello que no se atreve a mostrar. Es ahí cuando nos topamos con una historia que intenta recrear un difícil paso a una adultez tardía, a la búsqueda del valor para enfrentarse a la vida más allá de la burbuja en que vive. Pero también hay quien verá aquí la salida de una profunda depresión. En un mundo superficial, donde impera la ley del más fuerte o la lógica de las máquinas nos topamos con un precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional.

El filme está rodado como si fuese un falso documental, cámara en mano, casi tipo found footage. Pero no se mantiene esa técnica y se pierde esa sensación tan íntima que produce el ver como una cámara se mete en la vida de otra persona. Porque si hay algo importante en esta cinta es el sentir como alguien intenta vivir, crear y soñar. Por esas características y por su vertiente indie me ha recordado mucho a ‘Brigsby Bear’. Y también, por sus efectos tan caseros y sus momentos tan absurdos me ha llevado de vuelta a las películas de Quentin Dupieux, incluyendo el rap de los postcréditos. Deberíais apuntaros estas dos referencias en caso de que os guste ‘Brian y Charles’.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Brian and Charles. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Jim Archer. Guion: David Earl, Chris Hayward. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Murren Tullett. Reparto principal: David Earl, Chris Hayward, Louise Brealey, Jamie Michie, Lynn Hunter, Lowri Izzard, Mari Izzard, Cara Chase, Nicholas Asbury, Sunil Patel, Vivienne Soan. Producción: Bankside Films, BFI Films, Film4 Productions, Mr. Box. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/brian-and-charles/

Crítica: ‘La guarida (The lair)’

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Cuando la teniente Kate Sinclair, piloto de la Real Fuerza Aérea, es derribada sobre Afganistán, encuentra refugio en un búnker subterráneo abandonado en el que se despiertan mortíferas armas biológicas artificiales, mitad humanas, mitad alienígenas.

Crítica

A Marshall ya ni le sale la serie B estándar

La productora Ingenious media nos ha traído buenas películas a la cartelera pero esta ocasión no es el caso. ‘La guarida (The lair)’ es una película que también ha tenido que producirse a sí mismo Neil Marshall junto a Charlotte Kirk, quien también es la protagonista. Y viendo el resultado no es de extrañar. Con esta obra el dueto parece decidido a hacerle la competencia o ponerse en el mismo rollito de Paul W.S. Anderson y Mila Jovovich, la cual trabajó con Marshall en la versión de ‘Hellboy’ que hasta él repudia, cómo me gusta cerrar el círculo.

‘La guarida’ sigue la misma dinámica en cuánto a la mezcla de géneros pues tenemos serie B con acción, clásico de Marshall. Criaturas, sangre, localizaciones desoladas, una heroína al mando… Pero más que al de Anderson su cine se aproxima al de Uwe Boll. A Marshall le encanta hacer películas con monstruos y criaturas. Se agradece esa entrega al cine fantástico y de engendros infernales. Pero debería cuidar más la originalidad de sus argumentos, el montaje, la calidad actoral de su reparto e incluso de su banda sonora, que parece sacada de una base de datos gratuíta.

Unos militares estadounidenses están en busca de armas por Afganistán, en la onda de George Bush. Pero se topan con una antigua base subterránea soviética ubicada en territorio afgano. Por supuesto ahí, bajo tierra, está la criatura que protagoniza el cartel. Base a muchos metros bajo el suelo, factoría soviética, monstruos caníbales, heroína… los ingredientes pueden recordar también al título ‘Superdeep’, solo que aquí prima más la acción que el suspense o el terror y falta mejor ambientación y calidad.

No se puede negar que en ‘La guarida’ hay acción desde el principio, con efectos prácticos y digitales entremezclados, pero sobre todo llama la atención el maquillaje del monstruo. Volviendo a Anderson y su saga de zombies, las criaturas que tienen acorralados a los militares de este filme son una especie de mezcla estética de los lickers o de Nemesis con el Vesna de ‘Stranger Things’. Pero ni con esa mezcla tan salvaje y sus momentos de gore o sangre es capaz de hacernos disfrutar.

No hay contexto para la historia, no hay un rico trasfondo… Partimos del hecho de que la actriz protagonista es bastante inexpresiva. Pero lo peor es la sobreactuación del resto del reparto y los momentos que causan una risa dudosamente intencionada. Hay casi tanta sangre como frases involuntariamente racistas. Marshall intenta volver a su ‘Dog Soldiers’ explotando el clásico de compañía militar donde cada miembro tiene una tara, la cual, nos da igual porque sabemos que por supuesto son carne para la bestia. No funciona.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: The lair. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Neil Marshall. Guion: Neil Marshall. Música: Christopher Drake. Fotografía: Luke Bryant. Reparto principal: Charlotte Kirk, Jonathan Howard, Jamie Bamber, Tanji Kibong, Leon Ockenden, Mark Strepan, Hadi Khanjanpour, Cesare Taurasi, Mark Arends, Adam Bond. Producción: Ashland Hill Media Finance, Hero Squared, Ingenious Media, Onsight, Rather Good Films, Scarlett Productions Ltd. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, acción. Web oficial: https://www.rathergoodfilm.co.uk/the-lair/

Crítica: ‘El río de la ira’

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El Sheriff Church (Robert De Niro) y la detective Zeppelin se esfuerzan por mantener la paz en su complicado pueblo. Shelby John (Jack Huston) y Ruby Red quieren empezar desde cero una vida juntos. Deciden formar una familia y dejar atrás la mala vida, con el apoyo de Peter, el cuñado de Ruby (John Malkovich). Sin embargo, Shelby descubre a su amada Ruby muerta en el porche antes de que pudiera cumplir su último deseo: ser bautizada en el río y limpiar sus pecados pasados. Lleno de furia, Shelby se embarca en una ola de venganza para corregir todo el mal que todos los eslabones de la cadena del tráfico de drogas le han hecho a Ruby. Armado de adrenalina, Shelby los buscará, uno por uno hasta llegar a Coyote (Quavo), señor del crimen organizado. El sheriff va tras los pasos de Shelby en una carrera contrarreloj para acabar con la su justicia ciega antes de que su guerra particular convierta el pueblo en un baño de sangre.

Crítica

Mitad drama romántico mitad John “yonki” Wick

Es indudable que el atractivo de ‘El río de la ira’ es ver a Robert De Niro y a John Malkovich en el cartel. Pero ni son los protagonistas ni el largometraje está a la altura de sus carreras. No sé si hay apuros económicos en las casas de estos dos iconos cinematográficos pero no me cabe duda de que las amistades han hecho que acaben participando en este filme. El director de la película es Randall Emmett quien ha producido películas de Scorsese y otros muchos títulos de acción de presupuesto medio.

Pero una cosa es producir a Scorsese y otra hacer cine como él. Hace poco escribía sobre otro tropezón de Ingenious Media que también se estrena esta semana, ‘La guarida’. La productora está acumulando títulos de baja calidad con nombres conocidos, dudo mucho que les haga bien esta estrategia. La calidad del guión y del montaje brillan por su ausencia. No hay ni ritmo ni criterio a la hora de componer la historia. ‘El río de la ira’ se divide en dos mitades. La primera es un drama romántico entre dos yonkis y la segunda es una escalada de violencia sin mérito alguno. El título original se traduciría literalmente como ‘Salvación salvaje’ por ser una desintoxicación a lo bestia, pero no se consigue transmitir la ira o la rabia del protagonista encarnado por Jack Huston, quien estuvo presente en ‘El irlandés’.

Tras cuarenta y cinco minutos exhibiendo y regodeándose en un drama de pareja que se quiere desintoxicar, la película ya aburre y encima no consigue que empaticemos con los personajes. Aunque hay alguna escena que da pistas sobre crímenes en curso tardamos media película en que suceda el primer giro significativo, el cual, viene adelantado en la sinopsis oficial, otro fallo de marketing. Y llegamos a ese punto visionando escenas innecesariamente alargadas. Tras todo esto se plantea un detonante a lo John Wick que da pasos una historia de venganza, pero estamos tan cansados que deseamos que termine rápido, lo cual, no sucede. Uno se pregunta porque actores tan grandes acaban en películas menores como estas en las que falla hasta el etalonaje y en la que los personajes llevan armas coloreadas, como sacadas del Fornite. ‘El río de la ira’ es anodina, tanto como el estado de Georgia, lugar en el que sucede la acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de enero de 2023. Título original: Savage Salvation. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Randall Emmett. Guion: Adam Taylor Barker, Chris Sivertson. Música: Philip Klein. Fotografía: Eric Koretz. Reparto principal: Jack Huston, Willa Fitzgerald, Robert De Niro, John Malkovich, Dale Dickey, Lindsay Pulsipher, Swen Temmel. Producción: The Avenue Entertainment, BondIt Media Capital, Buffalo 8 Productions, Ingenious Media, Lucky 13 Productions, River Bay Films, Emmett/Furla/Oasis Films. Distribución: Inopia films. Género: drama, acción. Web oficial: https://theavenue.film/movies/savage-salvation

Crítica: ‘M3gan’

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M3GAN es una maravilla de la inteligencia artificial, una muñeca realista programada para ser la mejor compañera de los niños y la mayor aliada de los padres. Diseñada por Gemma (Allison Williams de ‘Déjame Salir’), una brillante robotista de una compañía de juguetes, M3GAN es capaz de escuchar, observar y aprender mientras se convierte en amiga, profesora, compañera de juegos y protectora del niño al que se vincule.

Cuando, inesperadamente, Gemma se convierte en la cuidadora legal de Cady (Violet McGraw, ‘La maldición de Hill House’), su sobrina huérfana de 8 años, no sabe muy bien qué hacer ni se siente preparada para ejercer de madre. Sometida a un intenso estrés laboral, Gemma decide vincular su prototipo de M3GAN a Cady en un intento por resolver ambos problemas…, pero no tardará en descubrir las inimaginables consecuencias de su decisión.

Crítica

Un nuevo icono de la toy exploitation

M3gan, que viene de “Model 3 Generation Android”, es la nueva propuesta de Universal Pictures creada gracias a la comunión entre Jason Blum y James Wan. Pero yo prefiero llamarla la nueva Chucky. Es curioso pero parece que Universal, habiendo abandonado su Dark Universe, se decanta por crear nuevos juguetes asesinos pues estando explotando el personaje de Don Mancini con la serie a través de su canal SYFY, ha dado luz a esta nueva muñeca asesina. ¿Quién sabe si no volverán también sus ‘Pequeños guerreros’? ¿Quizá tendremos un Toy Universe?

Efectivamente ahí están películas míticas como ‘Muñeco diabólico’ o ‘Pequeños guerreros’ e incluso la pequeña ‘Benny loves you’ para anticiparse a un futuro que augura que la rebelión de las máquinas puede empezar en el cuarto de nuestros hijos. Incluso la nueva visión de Chucky en forma de película ya caminaba por los mismos derroteros que ‘M3gan’ indicándonos que más tecnología significa menos humanidad. Y por ahí va un poco la denuncia de esta nueva obra que nos viene a señalar qué podemos perder nuestro sentido humano volcando todas nuestras inquietudes, miedos o responsabilidades en un dispositivo electrónico. Todos hemos visto como los padres de hoy en día prefieren desentenderse de sus hijos dejándoles absortos en la pantalla de sus tablets ¿verdad?.

Pero no nos engañemos, esta no es una película de crítica social o un drama paternofilial. ‘M3gan’ transmite que da miedo la posibilidad de perder nuestro lado humano, pero sobre todo es un disfrute retorcido. Una niña pierde a sus padres y su tía y nueva tutora decide torear la situación usando a la chiquilla como parte del desarrollo de un nuevo y avanzado juguete. La idea es que ese androide haga las veces de cuidador, cual Robin Williams en ‘El hombre bicentenario’, pero obviamente la cosa sale mal. M3gan es un robot con apariencia de niña recién salida de la misa del domingo y los ojos de ‘Alita: ángel de combate’ que se convierte en una auténtica máquina de matar. De nuevo una de las leyes de la robótica de Asimov se vuelve en contra nuestra gracias a un sentido extremadamente sobreprotector.

James Wan nos cogió por sorpresa con la macarrada de ‘Maligno’, la cual recibí de buen grado. En esta ocasión, habiéndose emparejado con Blumhouse imaginábamos cuál iba a ser la dinámica de la película. Bien es cierto que podíamos haber esperado más comedia en este filme que ha dirigido Gerard Johnstone. Hay algo de drama, de suspense y de crítica al corporativismo (o a los jefes que lo componen) pero la nota predominante es el terror fundamentado en las muertes truculentas y en la locura, en este caso en la enajenación y obsesión de una inteligencia artificial. Es decir, la película nos entretiene sin parar y tiene su pequeñísima parte reflexiva, pero su valor reside sobre todo en unas pequeñas notas de humor negro y unos cuantos fatalities acumulados, principalmente en su última parte.

‘M3gan’ arranca directamente con una burla, aquellos muñecos con los que los niños de finales de siglo interactuaban, los llamados Furbys que llegaron hasta a ser prohibidos por la NSA o el Pentágono. Seguidamente cumple con los esquemas del cine de terror y de serie B mostrándonos abiertamente cuáles son los elementos que participarán durante los momentos clave, como el clásico perro víctima. Posteriormente tiene su parte en la que vemos que no solo los juguetes se comportan de manera programada, también muchas personas. Y acaba de un modo que también esperábamos que fuese macabro y continuista. Es decir, el binomio Blum/Wan cumple con la expectativa.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2023. Título original: M3gan. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Johnstone. Guion: Akela Cooper, James Wan. Música: Anthony Willis. Fotografía: Peter McCaffrey, Simon Raby. Reparto principal: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps, Arlo Green, Michael Saccente, Amie Donald, Stephane Garneau-Monten. Producción: Atomic Monster, Blumhouse, Divide/Conquer, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/meetm3gan/

Crítica: ‘You won’t be alone’

Sinopsis

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Ambientada en un aislado pueblo de montaña de la Macedonia del siglo XIX, ‘No estarás sola’ sigue a una joven que es secuestrada y luego transformada en bruja por un antiguo espíritu. Curiosa por la vida como humana, la joven bruja mata accidentalmente a un campesino del pueblo cercano y luego toma la forma de su víctima para vivir en su piel. Con su curiosidad encendida, sigue ejerciendo este horrible poder para entender lo que significa ser humano.

Crítica

Cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm

Noomi Rapace saboreó el éxito en la anterior edición del festival de Sitges con ‘Lamb’, una película muy de su tierra. Ahora se ha embarcado (con una aparición esporádica) en una producción australiana que nos traslada igualmente a Europa, pero mucho más al sur, a Macedonia. La historia de ‘You won’t be alone’ transcurre en un pequeño pueblo del siglo XIX en el que aún está presente el influjo del espiritismo y la brujería. La película de Goran Stolevski posee un ambiente muy de cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm.

El filme pertenece a una vertiente contemplativa, naturalista, tranquilona y poética, acotada a una región rural en la que las tradiciones y lo ancestral mandan, lo que sumado suele conocerse como folk horror. Cargada de imponentes planos bucólicos y campestres nos cuenta la historia de una joven que crece sola y termina convertida en bruja del tipo cambiapieles. Ciertamente el filme posee una magia cautivadora y también una buena cantidad de sangre, de esa no apta para escrupulosos. Algo que a priori parece contradictorio, pero la crudeza de la naturaleza muchas veces es preciosa.

La película cuenta con Rapace como cabeza de cartel, pero lo dicho, su aparición es casi anecdótica. Ni su presencia ni el tema fantástico ocupan el centro de atención. Al final todo gira entorno a la condición del ser humano. Stolevski nos hace viajar de un ser a otro para explorar nuestra propia conducta y cómo choca con la crudeza del mundo, tanto social como natural.

Esta ópera prima sorprenderá a los que busquen una atmósfera, un viaje o un terror diferente, aburrirá a los que no vean más allá del horror mainstream hollywoodiense. La cotidianidad se mezcla con lo metafórico. Si te gusta este filme busca ‘Ilargi guztiak’.

Ficha de la película

Estreno en España: sin fecha de estreno. Título original: You won’t be alone. Duración: 108 min. País: Australia. Dirección: Goran Stolevski. Guion: Goran Stolevski. Música: Marc Bradshaw. Fotografía: Matthew Chuang. Reparto principal: Noomi Rapace, Alice Englert, Anamaria Marinca, Carloto Cotta, Félix Maritaud, Sara Klimovska, Arta Dobroshi, Verica Nedeska, Predrag Vasic. Producción: Distribución: sin distribuidora. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/you-wont-be-alone/

Crítica: ‘Living’

Sinopsis

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Ambientada en la década de 1950 en Londres, la película sigue a Williams, un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos días un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a salir por la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Con la ayuda de su optimista colega, Williams pone todo su empeño en hacer feliz, de un modo sorprendente, a su entorno.

Crítica

Un empujón a intentar disfrutar de nuestro tiempo y dejar huella

Si recordáis la secuencia de “La casa que enloquece” de ‘Las doce pruebas de Astérix’ podéis poneros en situación para esta película. Es como ponerse en el lado de los trabajadores de ese edificio burócrata capaz de desquiciar a cualquiera con sus normas y formularios. En ‘Living’ un funcionario vive monótonamente su vida anclado al respeto de sus subordinados y su eficiencia al mando de una sección del departamento de obras públicas del ayuntamiento. Pero un día recibe la fatal noticia de tener cáncer, algo que hace que levante la cabeza de su escritorio y reflexione sobre los logros de la vida, sobre su impacto en los demás. Esta es la sinopsis de ‘Living’ y también de ‘Ikiru (Vivir)’, obra de Akira Kurosawa que el director Oliver Hermanus y el guionista Kazuo Ishiguro han decidido rehacer.

La puntualidad y disciplina japonesa tiene muchos puntos en común con el sobrio Londres de los bombines, las formalidades, el papeleo y los sutiles cumplidos. Ese es el primer paralelismo al que se agarra Hermanus para justificar esta nueva versión. ‘Living’ es una obra con una interesante elección de planos que nos habla de las metas alcanzadas en la vida, aunque estas sean mínimamente pequeñas o ligeramente transgresoras. Es un moderado y sosegado alegato contra la rutina diaria, el corsé de las normas y la estrechez de miras, un empujón a intentar disfrutar de nuestro tiempo y dejar huella.

El filme se ambienta en el Londres de los 50, con la II Guerra Mundial aún presente en la mente de los ciudadanos. ‘Living’ es en ese sentido también un retrato de las costumbres y el día a día de una ciudad que en las primeras tomas se nos presenta como continuamente modernizada, ajetreada y sucia. Para ello se han restaurado y coloreado imágenes de archivo que seguidamente se empalman al metraje rodado con los actores y que gracias a una buena ambientación nos mantiene en esa etapa del Reino Unido.

Bill Nighy se entrega a este filme con mucha parsimonia y reflexión. ‘Living’ está llena de remembranza y tristeza. Los últimos días de este trabajador público se tornan deprimentes pero también felices ya que, más vale tarde que nunca, encuentra una razón para vivir. Es un corto viaje a medio gas que gracias tanto al guión como a Nighy tiene un sabor muy clásico. Hay un poco del esperpento de Valle Inclán y del deambular de Joyce en esta obra.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de enero de 2023. Título original: Living. Duración: 102 min. País: Reino Unido. Dirección: Oliver Hermanus. Guion: Kazuo Ishiguro. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Bill Nighy, Aimee Lou Wood, Tom Burke, Alex Sharp, Adrian Rawlins, Hubert Burton, Oliver Chris, Michael Cochrane, Anant Varman. Producción: British Film Institute, County Hall, Film i Väst, Film4, Ingenious Media, Filmgate Films, Kurosawa Production Co, Number 9 Films, Rocket Science. Distribución: WandaVisión. Género: drama, remake. Web oficial: https://filmgate-films.com/living

Crítica: ‘Loop’

Sinopsis

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En esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez, en esta sociedad cada ser humano repite una misma acción una y otra vez.

Crítica

Una afinada crítica rítmica

‘Loop’, bucle, es el nombre de este cortometraje que opta a ganar un Goya en la próxima edición de 2023. La obra de Pablo Polledri es una crítica a nuestro modo de vida, a la sociedad de consumo, a las rutinas preconcebidas. Cásate y se padre. Ten un cuerpo de gimnasio. Sé alguien en las redes sociales. Vive para trabajar. Ese bucle que seguimos día a día, generación tras generación es el objeto a retratar en tan solo 8 minutos.

‘Loop’ es un metraje que nos anima a salir de la monotonía y critica la sociedad de consumo. ¿Hay un gran hermano que vela porque el sistema siga funcionando a su favor? Ya sea por las corporaciones, los poderes fácticos o los políticos está claro que cada vez somos menos dueños de nuestra vida. ¿Nos sentimos más cómodos con el camino pre-escrito y tomando decisiones que nos hacen pensar que tenemos el control o hay manera de escapar del bucle? A modo de persecución, que bien podría ser un trasunto de ‘Matrix’, Polledri nos habla de ello.

No hay voces en esta obra animada porque se basa solo en la música. Una música electrónica que poco a poco se va componiendo de sonidos. Ruidos mundanos, reconocibles por todos nosotros ya que se extraen de nuestra cotidianidad y que poco a poco van componiendo una partitura cada vez más apresurada. Banda sonora compuesta por Joseba Beristain, que también está nominado al Goya formando parte del equipo de ‘Unicorn Wars’. Y es justo mencionar el nombre de este músico porque no es fácil combinar el sonido de tantas escenas para conseguir un ritmo y musicalidad adecuados, me ha recordado a lo que hizo Edward Wright en ‘Baby Driver’.

Premiadísimo es decir poco para este corto que podéis ver de manera legal y abierta en Youtube, solo tenéis que ver la ristra de laureles que luce en el cartel. Los personajes, que bien podrían ser parte de las viñetas de una tira cómica de periódico, se mueven con fluidez. Pero ante el dinamismo de esta animación es mucho más importante que agudicemos la mirada crítica y el oído porque esta obra artística nos exige eso.

Ficha de la película

Estreno en España: 2021. Título original: Loop. Duración: 8 min. País: España. Dirección: Pablo Polledri. Guion: Pablo Polledri. Música: Joseba Beristain. Fotografía: Leire Acha. Producción: Maniac Planet, UniKo, Movistar Plus+. Género: animación, crítica social. Web oficial: ver aquí.

Crítica: ‘El peor vecino del mundo’

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Basada en la novela ‘Un hombre llamado Ove’, que alcanzó el #1 en la lista de superventas del New York Times, ‘El peor vecino del mundo’ cuenta la historia de Otto Anderson (Tom Hanks), un viudo cascarrabias y muy obstinado. Cuando una alegre joven familia se muda a la casa de al lado, Otto encuentra la horma de su zapato en la espabilada y muy embarazada Marisol, lo que conlleva a una muy improbable amistad que pondrá su mundo patas arriba. Experimente una graciosa y conmovedora historia sobre cómo algunas familias surgen de los lugares más inesperados.

Crítica

Se supone que hay que odiarle, pero como siempre, adoras a Tom Hanks

No sé si es remake directo o si inspirados por la película de Hannes Holm los norteamericanos han decidido hacer su propia versión de la novela de Fredrik Backman. ‘Un hombre llamado Ove’ vuelve a la palestra y en esta ocasión recibe el nombre de ‘El peor vecino del mundo’ (‘A man called Otto’ en versión original). Y casi podría hacer un copia y pega de mi crítica de hace cinco años en lo que se refiere a mensaje y estructura, pero obviamente hay algunos cambios.

Esta vuelve a ser una especie de mezcla entre ‘Gran Torino’, ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’ y la secuencia inicial de ‘Up’. Tom Hanks interpreta a un hombre gruñón, amargado y marcado por la tragedia que se alza como el solitario cascarrabias del barrio. Es como el sheriff de su calle, un intocable e implacable defensor de las normas. Pero todo cambia cuando la casa que tiene enfrente es alquilada por unos mexicanos, cuya cabeza de familia interpreta Mariana Treviño Ortiz.

Hay que decir que causaba mucha más animadversión el personaje que interpretó Rolf Lassgård, no obstante, Hanks también tiene un punto repelente. Es imposible ver como un villano a este actor, reconozcamos que prácticamente todos le tenemos cariño. Quizá es por eso que el filme pierde efectividad y que las últimas escenas se hacen mucho más conmovedoras. Y es que al igual que le pasa a su personaje nos vemos con un hueco imposible de rellenar (el día que Hanks no esté). Hay personas que nunca seremos capaces de sustituir, nos pone en relevancia ‘El peor vecino del mundo’, pero aun así hay muchas otras razones para vivir.

Por supuesto hay diferencias con respecto a lo anteriormente publicado. Se ha montado con un buen cambio de ritmo y se ha forzado la historia para que transcurra en invierno con una coloración de imagen siempre fría, para reforzar aún más el carácter del protagonista. Y por supuesto está el talento de Tom Hanks. Aunque sea una especie de “villano” consigue que como siempre le queramos, al fin y al cabo la jugada que ejecuta el guión no dista de lo que se hizo con Jack Nicholson en ‘Mejor… imposible’. La estrategia es hacer que nos encariñemos de este hueso duro de roer que en el fondo y literalmente tiene un gran corazón. Como curiosidad: esa faceta del personaje la conocemos con los continuos flashbacks en los que el hijo de Tom Hanks, Truman Hanks, le interpreta de joven.

La comedia está omnipresente pero también en gran medida la melancolía, más aún que en la versión sueca. ‘El peor vecino del mundo’ es una historia de aprendizaje y tolerancia. Se alza como un camino de sanación de heridas y de pasar página. Nos mete en un nuevo y pintoresco barrio y no necesita muchos más escenarios para su narración, aunque teniendo un entorno tan controlado hay más de un fallo de racord que no afecta a la continuidad de la escena.

Choca ver a Hanks en papeles concebidos para enemistarse con el espectador pero tanto sus maneras como el guión hacen lo de siempre, que le queramos. Más habitual cada vez, aunque también extraído de la novela, está el hecho de incluir diversas razas o culturas en el filme. El tema del sesgo hacia los inmigrantes también vuelve a estar presente, solo se ha cambiado el país de procedencia de los nuevos vecinos del irascible Otto. Habría sido un error si los gags cómicos se hubiesen centrado solo en ese hecho pero por suerte no es el caso. Este es un nuevo flirteo de Hanks con el humor negro, como pudo ser el de ‘The Ladykillers’ y me da la impresión que le apetece salirse por esa tangente cada vez más.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre de 2022. Título original: A man called Otto. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Marc Foster. Guion: David Magee. Música: Thomas Newman. Fotografía: Matthias Koenigswieser. Reparto principal: Tom Hanks, Mariana Treviño, Manuel García-Rulfo, Rachel Keller, Cameron Britton, Mike Birbiglia, Kelly Lamor Wilson, Josefine Lindegaard, Elle Chapman, Truman Hanks. Producción: 2DUX2, Playtone, SF Productions, SF Studios, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, remake, adaptación. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/el-peor-vecino-del-mundo

Crítica: ‘I wanna dance with somebody’

Sinopsis

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‘I Wanna Dance with Somebody’ es una celebración poderosa y triunfal de la incomparable Whitney Houston. Dirigida por Kasi Lemmons, escrita por el cuatro veces nominado al Oscar, Anthony McCarten, producida por el legendario ejecutivo musical Clive Davis, y protagonizada por la ganadora de un premio BAFTA, Naomi Ackie, la película es un retrato sin reservas de la compleja y multifacética mujer detrás de La Voz. De niña del coro en Nueva Jersey a una de las artistas más superventas y premiadas de todos los tiempos, el público se embarcará en un viaje inspirador, conmovedor y muy emotivo, a través de la vida y la carrera de Houston, con actuaciones sorprendentes y una banda sonora con los éxitos más queridos de este icono universal como nunca antes se habían escuchado. Don’t you wanna dance?

Crítica

Un retrato ineficientemente adulador de un mito de nuestros tiempos

Ahijada de Aretha Franklin, cantante de récord, voz inconfundible, mujer de esas que rompieron techos de cristal… te guste el género musical que te guste no puedes negar que Whitney Houston es una de las cantantes más importantes de nuestra historia contemporánea. En lo que se refiere a música (e incluso a cine) es todo un referente generacional. La Voz se apagó justo hace 10 años de una manera un tanto polémica, al fin y al cabo, ninguna personalidad de talla mundial se libra de teorías conspiranoicas o de rumorologías. Pero el filme de Kasi Lemmons respeta la imagen de la cantante, aunque tampoco se deja detalles escabrosos. Las diferencias con su padre o el enganche a la cocaína no ensombrecieron la forjada imagen de diva del canto y la película no descuida eso. ‘I wanna dance with somebody’ es un retrato adulador de una grande de nuestros tiempos pero no consigue ponerla donde merece.

La película lleva el título de una de sus canciones más conocidas pero no se queda solo con esa. Todo el filme es un sin parar de hits que llevaron a Houston a batir los récords de The Beatles, Elvis o Michael Jackson. Son más de dos horas de película que parece un casete de variados grabado de la radio. El gran problema es que acabamos saturadísimos de escenas videocliperas de baja calidad que además explotan una y otra vez el mismo giro de cámara en torno a la cantante. Y entre tanta recreación se intenta dar una de cal y una de arena, pero está claro que ‘I wanna dance with somebody’ es un largometraje con una clara perspectiva de fan (que no me parece mal) pero se queda en tierra de nadie y al final no ofrece un justo retrato. Esta vez Anthony McCarten, guionista de ‘Bohemian Rhapsody’, no ha escogido bien el material.

Dado su éxito Houston se relacionó con los mejores, tanto con aquellos que influyeron en su estilo y carrera como con los que bebieron de su arte. Esto no está reflejado en la película y habría sido algo mucho más interesante que ver las imaginadas discusiones con sus parejas, por ejemplo. Es de esas películas en las que solo los cartelones finales hacen más justicia a la figura a tratar que todo el metraje precedente.

Naomi Ackie interpreta a la cantante y actriz sin ningún parecido físico y con el mayor logro de hacer un buen playback ya que casi la totalidad de lo que oímos es la voz auténtica de Houston. De todo el reparto quien peor o más superficial está es Ashton Sanders como un suavizadísimo Bobby Brown. Casi que el mejor de todo ‘I wanna dance with somebody’ es un Stanley Tucci en un papel que podría haber sido perfectamente Florentino Pérez. Y es que el maquillaje también deja mucho que desea pues los personajes apenas cambian con el tiempo. Tamara Tunie, quien interpreta a Cissy Houston, no envejece en toda la película.

Lo único que si deja clara la película es que La Voz vivió constantemente sometida a grandes presiones. A la de ser mujer, a la de ser afroamericana, a la de vivir dentro de una familia muy religiosa, a la de ser un ídolo de masas, a la de amar a otras mujeres… No atina el filme a reflejar cuán dañino es eso salvo en una enternecedora escena junto a Tucci. Es una pena el desgaste de metraje y el fallido homenaje, siendo Whitney Houston como es, un mito de nuestra historia reciente.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de diciembre de 2022. Título original: I Wanna Dance with Somebody. Duración: 146 min. País: EE.UU. Dirección: Kasi Lemmons. Guion: Anthony McCarten. Música: Chanda Dancy. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Naomi Ackie, Ashton Sanders, Stanley Tucci, Clarke Peters, Nafessa Williams, Tamara Tunie, Lance A. Williams, Bria D. Singleton, Kris Sidberry. Producción: Compelling Pictures, Black Label Media, Muse of Fire, Primary Wave Entertainment, TriStar Pictures, West Madison Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/iwannadancewithsomebody

Crítica: ‘Inspector Sun y la maldición de la viuda negra’

Sinopsis

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Shanghái, 1934. En un mundo de insectos paralelo al de los humanos, el veterano Inspector Sun, una araña solitaria, lidera su última misión contra su archienemigo Langosta Roja, antes de embarcarse en un merecido retiro. Sus vacaciones a bordo de un avión entre Shanghai y San Francisco acaban abruptamente cuando el millonario Dr. Spindlethorp aparece asesinado. Lo que comienza como un caso rutinario para Sun, decidirá finalmente el destino de la humanidad.

Crítica

Homenaje infantil al género de misterios criminales

Julio Soto Gurpide tiene una buena cantidad de trabajos en su haber, pero en lo que se refiere a animación solo ha estrenado ‘Deep’. Ha pasado de las profundidades del mar al mundo de los insectos. En concreto con ‘Detective Sun y la maldición de la viuda negra’ nos transporta a 1934. Ahí conocemos todo un mundo de bichos humanizados pero no antropomórficos porque realmente estamos en nuestra realidad pero la miramos con zoom, ahí nos topamos con una versión civilizada de los insectos.

Entre guiños a Spider-Man, Los 4 Fantásticos, Jepers Creepers y por supuesto a Agatha Christie seguimos una historia que bien podría ser un videojuego en formato aventura gráfica infantil, de hecho, Epic Games está involucrado en el proyecto. El inspector Sun es un detective consentido al ser el sobrino del jefe de policía. Porque en realidad su éxito reside en ser un suertudo ya que resuelve sus casos entre multitud de pifias propiciadas por sus siete patas de araña y su impetuoso afán por resolver crímenes. Por la época y la personalidad del protagonista es una especie de Hercules Poirot arácnido que se topa con misterios allá donde va. Y sigue además el mismo esquema: entorno de lujo, presentación de muchos personajes, sorpresa con un crimen, pesquisas y reunión de todos los implicados en una sala para reconstruir los hechos. La gran diferencia, salvando el hecho de que son bichos y que el tono es infantil, es que hay aventuras con persecuciones y tiroteos.

La acción del filme resulta demasiado entrecortada y lenta. Su comedia es marcadamente infantil y salvo algún que otro chiste todo se basa en la risa fácil o el humor físico. La calidad de la animación es mejorable pero tiene algunos entornos, luces o personajes muy bien trabajados. Quizá es porque estamos en un mundo repleto de artrópodos que me ha recordado mucho a ‘Bichos’, la calidad de la animación es muy similar.

El doblaje de la película es una de sus mejores bazas. El inspector Sun es un listillo presuntuoso que en versión en español nos habla con la voz de Fernando Cabrera, el actor de doblaje habitual de Jim Parsons (el Sheldon Cooper de ‘The Big Bang Theory’). No me parece mal esta modesta propuesta y espero que Cabrera encuentre aquí otro personaje al que volver con frecuencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de diciembre de 2022. Título original: Inspector Sun y la maldición de la viuda negra. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Julio Soto Gurpide. Guion: Rocco Pucillo. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Ronny Chieng. Producción: The Thinklab Media, Gordon Box, 3Doubles Producciones, Kapers Animation, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial: https://www.kapersanimation.com/films/project-one-ejzk2

Crítica: ‘Los Reyes Magos: la verdad’

Sinopsis

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Melchor, Gaspar y Baltasar abren por primera vez las puertas de su palacio para el rodaje de un documental sobre su día a día mientras preparan la cabalgata de Reyes, no precisamente en su momento de máxima popularidad. Así arranca una aventura disparatada en la que estos tres personajes míticos se ponen en manos de su nueva mánager, Lola, para modernizar su leyenda con colaboradores tan variopintos como Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada o Rozalén.

Crítica

Así es “la office” de los Reyes Magos cuando hacen cosas en las sombras

Los norteamericanos hacen muchas veces mofa a raíz de su cultura, también juegan con ella y de paso nos la venden al resto del mundo. ¿Por qué no hacer esto nosotros? Es algo que le funcionó a ‘El Ministerio del Tiempo’ (que comparte productora con esta película), que recientemente me ha gustado que hiciese ‘Reyes contra santa’ y que Víctor García León hizo con ’Selfie’ o la serie ‘Vota/Venga/Vamos Juan’. Ahora con ‘Los Reyes Magos: la verdad’ el director se pone navideño para, en forma de falso documental, desentrañar los secretos y vida de aquellos que nos traen los regalos el 6 de enero.

Igual que en ‘Reyes contra Santa’ se detecta la inquietud o burla de alguien perteneciente a una generación que sabe que las costumbres de USA están apartando a las tradicionales españolas. La técnica está más próxima a la de ‘Selfie’ dando la impresión de que estamos tras las intrusas cámaras de unos reporteros, pero la acidez y la comedia es similar a la de la serie que protagoniza Javier Cámara. Los Reyes Magos fichan a una representante y esta nos hace de guía hablando a cámara mientras sus majestades intentan adaptarse y abrirse al siglo XXI. La sensación es que estamos ante una españolización de ‘The Office’ o de ‘Lo que hacemos en las sombras’, por lo menos bebe unas gotas de esas fuentes. Algunos personajes quieren aparentar patéticamente como Michael Scott y otros son tan socialmente incompetentes como Nandor, incluso está el paralelismo de “seres paranormales” y su ayudante.

En el reparto tenemos presente hasta al mismo director como director del propio documental que supuestamente se graba. Los Reyes Magos son Mauro Muñiz, Javier Carramiñana y Pedro Gutiérrez y la representante es Camila Viyuela. Ellos retratan esta versión de la trastienda (ya que se ha convertido en algo casi únicamente comercial) de nuestra Navidad. Pero a la vez perpetúan el leitmotiv de la obra de García León, que para mí no es otro que la farándula española. De ahí la inmensa cantidad de chistes y el carácter de los personajes con el que debemos asumir sentirnos reconocidos. Declaraciones inoportunas, momentos de vergüenza ajena, chistes desfasados… la parodia nacional vuelve casi como si volviésemos a cantar en aquel programa de Sardá y Constantino Romero. El director viste a los reyes de fantoche (como en ciertas cabalgatas madrileñas), les hace nadar, bailar, exponerse a las redes sociales… Rompe un mito con la rabia punk de un niño que acaba de enterarse de que los reyes no existen.

Siento repetirme, pero al igual que en las series de Gervais, Clement y Waititi tenemos famosos que edulcoran el metraje. Y no son pocos pues ‘Los Reyes Magos: la verdad’ cuenta con la aparición de Jordi Hurtado, Almudena Cid, Lorenzo Caprile, Rozalen, Esty Quesada… Es imposible odiarles de normal y mucho menos en esta película.

El broche, la guinda del pastel, el rizar el rizo… llamémoslo como queramos, es el hecho de que esta sea una película de Prime Video. Compramos y consumimos cada vez más y día a día crece la cuota de compras que se hacen vía online. No sé si ha sido Víctor García León quien ha querido constatar esta ironía estrenando en la plataforma de Amazon o si la división audiovisual de la compañía de Jeff Bezos en España ha abierto a propósito la puerta a este proyecto recurriendo a una ligera autocrítica. En cualquier caso, estamos ante una paradoja que se lee muy entre líneas y que se hace la mar de divertida. Los reyes son los padres y esta quizá no es la madre de las parodias, pero si es un cuñadismo bien recibido.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Los Reyes Magos: la verdad. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Víctor García León. Guion: Teresa Bellón, Daniel Castro, Víctor García León. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Eva Díaz Iglesias. Reparto principal: Camila Viyuela, Mauro Muñiz de Urquiza, Javier Carramiñana, Pedro Gutiérrez, Gorka Aguinagalde, Almar G. Sato, Paula Iwasaki, Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada, Rozalén. Producción: Onza Entertainment, Amazon Prime Video. Distribución: Prime Video. Género: comedia.

Crítica: ‘EO’

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El mundo es un lugar misterioso, sobre todo visto a través de los ojos de un animal. En su camino EO, un asno gris de ojos melancólicos, se topa con buena gente y otra no tan buena, conoce la alegría y la pena, y la rueda de la fortuna transforma, según el momento, su buena suerte en desastre, y su desdicha en felicidad inesperada. Pero nunca, en ningún momento, perderá la inocencia.

Crítica

En este road trip a cuatro patas vemos como a ojos de un asno podemos ser humanos o animales

El jurado de Cannes escogió de entre todas las películas presentadas a Sección Oficial a ‘Eo’ como su preferida. Algo tenía que tener este largometraje cuando se la ha incluido en el mismo saco que a ‘Langosta’, ‘Crash’ o ‘Los miserables’. El filme de Jerzy Skolimowski pasó cosechando más éxitos por la SEMINCI y aspira a los Premios del Cine Europeo y a representar a Polonia en los Oscar.

“Qué nobles son los burros” decía un buen amigo mío refiriéndose a los borricos, asnos y mulas, quizá también a algún que otro respetable zoquete que nos rodeaba en aquellos años de carrera universitaria. La lealtad, mezquindad y brutalidad que rodea a los burros (y a nosotros) está omnipresente en ‘Eo’. En su candidez e inocencia este asno se topa con el ser humano, con todo lo que ello conlleva, es decir, descubre la mayor de las bondades pero también la peor de las crueldades. Puede recibir las caricias de su compañera de show y seguidamente los latigazos del dueño del carro del que ha de tirar.

Eo es liberado de un circo y empieza con ello un road trip que le llevará de Polonia a Italia. ‘Eo’ es un camino de ternura, tristeza y descubrimiento. Sobre todo de mirara melancólica, curiosa e incluso soñadora. Consigue sacarnos más de una sonrisa, pero a los más amantes de los animales es capaz de producirles congoja, porque está llena de todas aquellas brutalidades que como especie acostumbramos a pasar por alto. Todo ello lo vemos en 4:3 y con unas imágenes cuidadas, al nivel de un documental de National Geographic. Es en resumidas cuentas es un retrato de la humanidad, en sus mejores y peores caras, con una evidente carencia de diálogos y una buena banda sonora a base de cuerda que los suple. El director sabe narrar muy bien con gestos, miradas, sonidos y elipsis.

Este intrépido animal se cruza en su camino con personajes interpretados por la como siempre enfermiza Isabelle Huppert (‘Elle’), Sandra Dryzmalska (‘Sole’) y Lorenzo Zurzolo (‘Morrison’). Skolimowski, que goza de buena reputación a nivel europeo, ha basado esta última propuesta en ‘Al azar, Baltasar’ de Robert Bresson. Hace tiempo que dejé de ir a zoos y a circos precisamente por lo que defiende esta película. Los animales somos aquellos que enjaulamos a otros animales solo por diversión, recreo u ocio. Tristemente a veces hay que decir que no merecemos la lealtad de nuestras mascotas.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: EO. Duración: 86 min. País: Polonia. Dirección: Jerzy Skolimowski. Guion: Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Michal Dymek. Reparto principal: Sandra Drzymalska, Lorenzo Zurzolo, Mateusz Kosciukiewicz, Isabelle Huppert, Tomasz Organek, Saverio Fabbri. Producción: Skopia Film, Alia Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://filmygo.pl/filmy/io/

Crítica: ‘Ramona’

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Ramona acaba de llegar a vivir a Madrid con su novio, Nico, y quiere empezar de cero: quiere ser actriz, quiere ser madre, quiere vivir en Lavapiés. Pero no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada.

Crítica

Podría servir como lanzadera de talentos, pero no pasa de la anécdota de ser un primer trabajo en largo

Comenzamos la película de Andrea Bagney y la música, la imagen, la composición de planos, los títulos de crédito… nos dicen que lo de ‘Ramona’ va a ser un paseo por Madrid al más puro estilo clásico. El barrio de Lavapiés, refugio de inmigrantes y centro de la gentrificación, parece retroceder a la época del blanco y negro, al Madrid exento de prisas y ruidos. Las callejuelas y pasajes que recorre la protagonista interpretada por Lourdes Hernández (Russian Red) recuerdan a las del cine de Berlanga, Lazaga o Palacios. Lugares a los que el blanco y negro convierte en espacios cerrados y sombríos, pero no por ellos exentos de vida. Sin embargo, a ojos de Ramona, este callejero es un lugar que temer. Temer por integridad física y por tener tanto que hacer que al final no hace nada.

Ona (Ramona) es una joven española que se ha criado en Reino Unido. Regresa en busca de sus raíces como si estas fuesen un ancla capaz de dar sentido a la deriva de su vida. El existencialismo intensito de los jovenes del siglo XXI domina el filme. Es por eso que el charloteo de la película está dominado por reflexiones sobre la crisis laboral, amorosa… Veo que el sentir general por esta película es positivo, pero los actores están dirigidos de tal manera que no me han resultado naturales y quizá por ello me he aburrido durante casi todo el metraje. Un aburrimiento no provocado por el ritmo del filme sino por su contenido.

‘Ramona’ es un retrato o entrevista a un personaje que tiene un fondo que se percibe más mediocre de lo pretendido. Es como si se hubiese buscado una especie de ‘Amelie’ pero no se ha logrado ni el mismo carisma, ni la misma peculiaridad y por supuesto ni de lejos la misma naturalidad. No percibo en el filme ningún intento por empatizar con la protagonista y aunque el texto se centre en dilemas vitales, raspa tanto de manera superficial que tampoco consigue ser un retrato generacional. Incluso se pierde retrato actual de la capital ya que los interiores ganan presencia y se acotan a una tribu urbana o círculo demasiado cerrado.

Falta profundidad en los personajes, falta mejor mano en la dirección y falta incluso más constancia en la buena elección de planos. Como lanzadera de sus incipientes talentos me parece una buena obra que bien podría haber sido simplemente un cortometraje. Eso si, la última estampa del filme, muy parecida a las de ‘Amelie’, estupenda.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Ramona. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Andrea Bagney. Guion: Pol Orpinell (B&W). Fotografía: Pol Orpinell. Reparto principal: Lourdes Hernández, Bruno Lastra, Francesco Carril. Producción: Tortilla Films. Distribución: Filmin. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.instagram.com/tortilla_films

Primer vídeo de la nueva adaptación de ‘Los tres mosqueteros’

Estreno en semana santa de 2023

Ya podemos ver las primeras imágenes de la superproducción que adaptará en dos partes el clásico de ‘Los tres mosqueteros’. Este nuevo proyecto está producido por por Dimitri Rassam (‘El Principito’) y Pathé Films (‘Eiffel’, la franquicia ‘Asterix y Obelix’, ‘Arde Notre-Dame’) en coproducción con DeAPlaneta, Constantin Films y M6 Films.

La primera parte recibe el nombre de ‘Los tres mosqueteros: d’Artagnan’ y llegará a las salas españolas de la mano de DeAPlaneta la semana santa de 2023. Aunque quede tiempo ya podemos ver un primer vídeo en forma de teaser con el reparto interpretando a los personajes de Alejandro Dumas.

Para rendir homenaje a la riqueza y a la densidad de la obra, el relato se despliega en dos películas, ‘Los tres mosqueteros: d’Artagnan’ y ‘Los tres mosqueteros: Milady’ dirigidas por el cineasta Martin Bourboulon (responsable de éxitos como ‘Eiffel’ y ‘Papá o mamá’) y escritas por el dúo de guionistas Matthieu Delaporte y Alexandre de la patellière (‘Lo mejor está por llegar’, ‘El nombre’).

Los reputados actores franceses Vincent Cassel (‘Promesas del este’), Eva Green (‘Casino Royale’), Romain Duris (‘Vernon Subutex’), Louis Garrel (‘Mujercitas’) y la actriz originaria de Luxemburgo Vicky Krieps (‘El Hilo Invisible’), dan vida a los personajes míticos de la saga. Los acompañan las nuevas promesas del cine galo François Civil (‘Nuestra vida en la Borgoña’), Pio Marmaï (‘Zoe y Tempestad’) y la deslumbrante Lyna Khoudri (‘La Crónica Francesa’), entre otros.

Con un presupuesto de más de 72 millones de euros y armados con un reparto estelar y un solvente equipo técnico, es uno de los proyectos cinematográficos europeos más ambiciosos del año.

Sinopsis oficial:

Desde el museo del Louvre al Palacio de Buckingham, pasando por las alcantarillas de París al asedio de La Rochelle… En un reino dividido por guerras religiosas y bajo la amenaza constante de la invasión británica, un grupo de hombres y mujeres empuñarán sus espadas y unirán su destino al de Francia.

Crítica: ‘Mantícora’

Sinopsis

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En palabras de Carlos Vermut, «’Mantícora’ habla de un monstruo real, de los que viven entre nosotros y que te puedes encontrar en el metro o en la cola de la panadería. Habla de la necesidad de amar y ser amado»

Crítica

Un torrente de emociones y pulsiones oscuras excesivamente abstraído

Siempre que he coincidido en una rueda de prensa o festival con Carlos Vermut, este me ha demostrado ser una persona imposible de escudriñar, impasible e inmutable. Si hay algo que le da valor o mérito a un director, a un actor, a un artista… es crear una obra que sea ajena a su personalidad. Vermut siempre deja la huella de su flema, se la contagia a sus actores y eso dice mucho de él como autor, pero con todo y con eso es capaz de encontrar en sus películas el medio para plasmar torrentes de emociones y pulsiones. Ya lo hizo con ‘Magical girl’ o con ‘Quién te cantará’ y repite la jugada con ‘Mantícora’.

La campaña publicitaria y el secretismo mantenido hasta que ha llegado su estreno no ha podido ser de lo más críptico. En mi opinión debería haberse mantenido el teaser póster que he colocado en mi crítica pues es mucho mejor gancho que el convencional cartel que han decidido publicar como póster final. Como veis, una mantícora dibujada de una sencillísima forma dominaba ese cartel. La mantícora, parte león, parte escorpión, a veces con alas y siempre dotada de dardos venenosos. Símbolo a veces del mal y otras de las envidias. Bien es cierto que tiene su significado para con el devenir de la película, pero tras verla y observar qué es lo que ocupa casi toda la atención puedo entender la razón del cambio.

Casi todo el filme se centra en esbozar una relación de pareja, distrayéndonos de la construcción del personaje principal. Mantícora habla mucho de monstruos, sobre todo de aquellos que llevamos dentro o se ocultan a plena luz del día. En ese sentido hay dos únicas escenas, una de ellas un escalofriante plano secuencia al final, que si se centran en el tema. Pero el resto del filme está casi totalmente abstraído de ese laso oscuro que siempre está presente en el cine de Vermut.

No voy a contaros nada específico del argumento. Pero de nuevo incluye elementos muy modernos, de vanguardia o última generación. Ya nos hizo pasar por el mundo de la canción o del cosplay y ahora la trama la protagoniza un modelador de personajes de videojuego. Y está muy de actualidad por la profesión que ejerce ese personaje interpretado por Nacho Sánchez, pero también por la delicadísima temática que trata. El tratamiento es exquisito, pulcro y sutil. Quizá es por eso que termina siendo excesivamente disperso.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: Mantícora. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Carlos Vermut. Guion: Carlos Vermut. Fotografía: Alana Mejía González. Reparto principal: Nacho Sánchez, Zoe Stein, Angela Boix. Producción: Aquí y Allí Films, BTeam Prods y Punto Nemo AIE, ICAA, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, RTVE, TV3, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/manticora/

Crítica: ‘Sisu’

En qué plataforma ver Sisu

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En el desierto de Laponia, un soldado retirado descubre oro. Ahora intenta traer su botín a la ciudad y debe enfrentarse a un grupo de soldados nazis que harán todo lo posible para truncar sus planes.

Crítica

Brutal y majadero western finlandés

Sisu no es el nombre del protagonista de este filme bélico de acción con tintes de western que está interpretado por Jorma Tommila. Sisu es un término finlandés que define un concepto un tanto ambiguo. Se utiliza para definir ese coraje, ese extra, esa fuerza de voluntad, determinación o estoicismo que alguien saca de sus adentros para llegar a lograr su cometido. A todo el mundo que le he explicado esta definición me ha acabado diciendo (y con razón) “¡es el fua!”, haciendo alusión al famoso freak borracho de internet.

Nos podemos tomar a broma esta película ya que es de lo más fantasiosa. No es de extrañar que fuese la más premiada en Sitges 2022. Es imaginativa, apoteósica y desmelenada, hizo que nos pusiésemos de pie entre risas y vítores en varias ocasiones. Por un lado está totalmente carente de mensaje y por otro dispone una acción sin límites, hasta llegar a puntos del tipo ‘Fast & Furious’ o ‘Misión: Imposible’. El autor es Jalmari Helander y por eso podemos decir que comparte productora y director con ‘Big game (Caza mayor)’, la película que metía a Samuel L. Jackson en la piel del presidente de Estados Unidos, quien tras estrellarse con el Air Force One en un bosque tenía que ir de la mano de un niño para intentar sobrevivir. Igual de majadera es ‘Sisu’.

En ella conocemos a Korpi, un finlandés que se ha partido los lomos para encontrar el oro que resolverá su vida y le dará el tan deseado descanso del guerrero. Pero todo se ve trastocado pues estamos plena II Guerra Mundial y se cruza con un escuadrón nazi, el cual, está arrasando con todo aplicando la política de tierra quemada. Empieza así un enfrentamiento, una persecución que tiene un toque a lo ‘Mad Max: Fury Road’ pues el héroe huye por tierras baldías, perseguido por carros de combate mientras va liquidando a sus enemigos, quienes tienen presas a unas mujeres que terminan siendo de armas tomar.

La fotografía, los prostéticos, el vestuario, los accesorios, los efectos especiales… No se cuánto presupuesto tiene el filme pero está bien aprovechado. El acabado es de superproducción y la elección de planos es para recordar. Sobre todo cuando esas tomas logran emular los de míticas películas o consiguen que la sangre nos sorprenda y casi nos salpique.

Implacable, inagotable, despiadado… La perseverancia y resistencia de este protagonista parece de risa pero no olvidemos los muchos tiros que reciben los Rambo, McClane y compañía y aún así siguen aniquilando rivales. Los muchos estallidos de violencia gráfica son apoteósicos, solo disfrutables por quienes aprecian el cine violento sin excusas o han entrado a la sala sabiendo que van a ver algo que se basa en una agresividad cómica, solo propia del humor negro. Eso sí, este personaje carece de frases lapidarias ya que no dice ni mu en toda la película, salvo justo antes de los créditos.

Si miramos ‘Sisu’ desde el punto de vista de los nazis nos damos cuenta de que esto es como un slasher en el que los muertos caen a merced de un asesino inmortal. Hasta te llegan a dar pena los soldados alemanes que se van incorporando al body count. Y es que como dijo Helander cuando presentó la película en Sitges “no jodas a un Finlandés”.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Sisu. Duración: 91 min. País: Finlandia. Dirección: Jalmari Helander. Guion: Jalmari Helander. Música: Juri Seppä, Tuomas Wäinölä. Fotografía: Kjell Lagerroos. Reparto principal: Jorma Tommila, Aksel Hennie, Jack Doolan, Onni Tommila, Mimosa Willamo. Producción: Subzero Film Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, western, bélico.

Crítica: ‘El protector’

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Un sicario de la mafia de Miami (Antonio Banderas) deberá sacrificarlo todo para salvar a una joven que se ha juntado con quién no debía: la jefa de la organización criminal para la que él trabaja, una femme fatale involucrada en el turbio mundo del cibersexo. El protagonista se verá obligado a tirar de contactos, y otros recursos menos ortodoxos, para salvar a la chica y resolver sus problemas.

Crítica

Un protector cliché y excesivamente sobreprotector

Los últimos coletazos del año nos suelen traer películas en plena carrera por Oscars, Goyas y demás premios cada vez más devaluados por la opinión pública. Pero también modestas películas de acción. El nuevo título de la experta en el género, Millennium Media se llama ‘El protector’, cuidado con confundirla con la película de Jackie Chan, ni con la de Tony Jaa, ni con la de Liam Neeson, ni con Torrente 3… Esta está sacada de la obra de Peter Iliff, quien firma también el guión de la película.

El primer largometraje de Richard Hughes nos trae, tras ‘Code Name Banshee’, de vuelta a Antonio Banderas como protagonista en una película estadounidense. Aunque ‘El protector’ es una coproducción búlgara y el protagonismo se reparte con otro debutante, Mojean Aria. Ese co-protagonismo es lo que precisamente degrada la película pues Aria, a quien habréis visto en ‘Reminiscence’ o ‘See’, está muy verde, por pulir y no da la talla para el papel de matón callejero que encarna.

Quien si ejerce bien de villano es Banderas. En esta película interpreta a un asesino, de esos que tiene un código, un límite en su horizonte plagado de muertes y ajustes de cuentas. Banderas hace tiempo que hizo las américas, pero parece que ha encontrado una manera de mantenerse vivo al otro lado del charco encarnando a los malos del filme, aunque en el caso de ‘El protector’ se trate de un antihéroe. Lo hizo hace poco en ‘Uncharted’ o ‘El otro guardaespaldas 2’ y puede que haga más de lo mismo en la nueva entrega de ‘Indiana Jones’. Junto a la fotografía, el carácter de este personaje, que busca de un modo un tanto a lo León la redención, es lo único que funciona.

Sin que se perciban intenciones machistas en la película sí que es cierto que se reboza por enésima vez lo tóxico y excesivamente paternalista o innecesariamente protector que es muchas veces el héroe de las películas. Los clichés afloran por doquier. La novia striper con ganas de escapar, el afroamericano fumeta y gangsta interpretado por un rapero, la exmujer que se apropia de la hija alejándola del padre expresidiario… Parece una partida al GTA que además jugamos de tranqui, sin que tenga en su primer acto un rumbo definido. Al final lo único curioso que vemos es una foto que parece haber brindado el propio Banderas de cuando una de sus hijas era solo un bebé.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2022. Título original: The enforcer. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Hughes. Guion: Peter Iliff. Música: Giorgio Giampà. Fotografía: Callan Green. Reparto principal: Antonio Banderas, Kate Bosworth, Mojean Aria, Zolee Griggs, Alexis Ren, 2 Chainz, Natalie Burn, Mark Rhino Smith, Luke Bouchier. Producción: Born to Burn Films, Millennium Media, Nu Boyana Film Studios. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, suspense. Web oficial: https://theenforcermovie.com/

Crítica: ‘Un hombre de acción’

Sinopsis

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Inspirada libremente en la vida de Lucio Urtubia, y con elementos ficcionados, ‘Un hombre de acción’ explora la figura del histórico anarquista navarro, que llevó a cabo una legendaria operación de falsificación en París que le puso en el punto de mira del banco más grande de Estados Unidos, cuando consiguió obtener una enorme cantidad de dinero falsificando cheques de viaje.

Crítica

Una buena oportunidad para que la audiencia descubra otras facetas y métodos del anarquismo

La historia de Lucio Urtubia es la de muchos otros que tuvieron que sobrevivir en el exilio a base de trabajos precarios, estraperlo o previsiones de futuro inferiores a las que tenían cuando vivían en España. Pero el matiz que aporta ‘Un hombre de acción’ es el del idealismo. La lucha de la clase obrera y anticapitalista encuentra en la figura de este navarro a un referente muy actual en cuanto a valores de justicia, igualdad y equidad. Fue una persona que decidió ir un paso más allá, desafiando a la ley y al sistema. La película de Javier Ruiz Caldera hace la buena obra de destacar a un personaje al que se le ha rendido culto a nivel regional, pero no nacional. Al igual que otras muchas producciones estadounidenses ensalza y adorna la historia de un héroe popular con ficción y algo de espectacularidad.

Dicho lo dicho sobra remarcar que ‘Un hombre de acción’ está basada en hechos reales. La película adopta el esquema de la retrospectiva, es decir, nos plantea una primera secuencia tensa que nos deja con un cliffhanger y nos hacen retroceder veinte años durante todo el primer acto. Viajamos así de la Navarra de postguerra al Paris adoptivo de tantos españoles republicanos, marxistas o anarquistas. La producción nos traslada muy efectivamente a esa época y con mucha nitidez y claridad deambulamos por la Francia de los años sesenta y setenta.

Ruiz Caldera cuenta con dos actores con los que ha trabajado anteriormente como Luis Callejo y Miki Esparbé (‘Malnazidos’). Ellos son en esta ocasión el acompañamiento ideal, pero en esta ocasión el protagonista lo encarna Juan José Ballesta. Cual Paco Martínez Soria encarna a un pueblerino embriagado y desbordado por la gran ciudad. Pero, tanto actor como personaje, lejos de amedrentarse toma la senda de la acción directa siguiendo los pasos de Durruti o de Quico Sabater y absorbe las corrientes de la época convirtiéndose en lo que habitualmente llamamos un “Robin Hood”. Un activista que aparte de querer darle al pueblo lo que es del pueblo intentó ser ese efecto mariposa que provocase un maremoto que derrumbase las bases de lo que es el germen del sistema de consumo actual: el dinero, los bancos y las grandes empresas. “Robar un banco es delito, pero más delito es fundarlo” cita la película al principio.

Por lo general la historia o la sociedad solo recuerda a los anarquistas que fundaron esa corriente de pensamiento o aquellos que se dedicaron a la acción directa poniendo bombas. ‘Un hombre de acción’ es una buena oportunidad para que la audiencia descubra otras facetas y métodos del anarquismo, aunque sea desde un punto suavizado e incluso adornado con comedia. Tanto en forma como en trama recuerda a ‘Atrápame si puedes’. En cuanto a fondo no se asemeja tanto a la película de Steven Spielberg pues tenemos ente manos un tema político, pero esa prolongada persecución entre falsificador y policía tiene una influencia evidente. Acción y comedia, lo habitual con Javier Ruiz Caldera (‘Superlópez’). El suspense lo aporta sin duda el guionista Parxi Amezcua (‘La sombra de la ley’, ‘Operación marea negra’). Esta ha sido una combinación la mar de eficaz.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de noviembre de 2022. Título original: Un hombre de acción. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Guion: Patxi Amezcua. Fotografía: Sergi Vilanova. Reparto principal: Juan José Ballesta, Liah O’Prey, Luis Callejo, Miki Esparbé, Alex Blazy, Ben Temple, Fred Tatien, Ana Polvorosa, Josean Bengoetxea, Juan Olivares, Mónica Lamberti. Producción: Ikiru Films, La Pulga y El Elefante, La Terraza Films. Distribución: Netflix. Género: acción, suspense, biográfica. Web oficial: https://www.netflix.com/browse?jbv=81308434

Análisis del Blu-ray de ‘Bullet train’

Descubre los secretos de esta movidita aventura

El expreso japonés, el tren bala, llega a nuestras casas justo antes de la Navidad. ‘Bullet train’ (crítica aquí), la película protagonizada por Brad Pitt y dirigida por David Leitch sale al mercado doméstico editada por Arvi Licensing.

En el filme, además de Brad Pitt, aparecen Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Zazie Beetz, Andrew Koji, Brian Tyree Henry, Michael Shannon y muchos otros. ‘Bullet train’ nos hace viajar de personaje en personaje, de asesino en asesino, y no queremos bajarnos de divertida que es. El único que se quiere apear es Ladybug, el personaje de Brad Pitt, quien a la desesperada intenta cumplir una sencillísima misión.

‘Bullet train’ se suma a otras películas que con un escenario tan reducido y sencillo como un tren de pasajeros, consigue desarrollar una historia entretenida. Ya sea ‘Train to Busan’, ‘Snowpiercer’, ‘El pasajero’, ‘Alerta máxima 2’… Mezcla comedia, pelea, lucha coreografiada, sangre… los ingredientes que buscan los fans de la acción. La película funcionó como un tiro, valga el chiste fácil, pues costó 90 millones el llevarse a cabo y recaudó más de 230 millones de dólares.

La edición en Blu-ray nos permite ver en casi la máxima calidad esta aventura adornada con la estética y luz que caracteriza al Japón más moderno. Esa mezcla de tradición y modernidad se ve también en el menú del disco que con música rock nos presenta a todos los personajes. No sin antes brindarnos una preciosa ilustración del Fuji y un curioso arbolito cuyas ramas forman el perfil de Brad Pitt.

El menú es fácil e intuitivo, manejable por todo tipo de edades y familiarizados o no con la tecnología. Como novedad se ha incluido un indicador que nos dice cuánto dura la sección de extras que vamos a ver. En cuanto a idiomas podemos seleccionar el audio en castellano, inglés y francés DTS-HD Master Audio 5.1, ruso y sistema de audiodescripción en francés Dolby Digital 5.1. Los subtítulos en cambio son más amplios pudiendo aparecer en castellano, inglés, inglés para sordo, árabe, danés, holandés, estonio, finés, francés, hebreo, letón, lituano, noruego y sueco.

Extras (33 min. aprox.)

Easter Eggs: atrapa lo que te perdiste (4:14 min.)

Probablemente esta lisa de cameos, detalles y secretos sea lo que hace que veamos varias veces las películas. En ‘Bullet train’ hay una larga lista de amigos y guiños repartidos por todo el metraje, aquí te los desvelan todos.

Entrenamiento de profesionales: el reparto (6:53 min.)

¿Cómo te preparas para una película repleta de tiros y peleas? Si no tienes un elenco repleto de tipos como Jackie Chan o Tom Cruise debes preparar bien a tus fichajes. Pero no está solo el factor físico, también el trasfondo de los personajes. De eso trata esta sección.

Todos a bordo del tren del dolor: acrobacias (5:13 min.)

Tanta acción en un espacio tan cerrado requiere especialistas capaces de realizar acrobacias complicadas sin romperse la crisma y de enseñarle eso mismo a las estrellas. Leitch es un especialista en la acción pero a veces es inevitable que ni los extras ni los actores más hábiles y atrevidos se lleven un coscorrón.

Misión cumplida: making de ‘Bullet train’ (6:11 min.)

Para David Leitch conseguir adaptar bien esta obra era un reto, como fan del género de acción y como fan de la novela. Tanto él como el resto del equipo hablan de cuales eran las claves para hacer que todo funcionase e incluso cuál era su relación antes de este proyecto.

Comentario de la película de David Leitch, Kelly McCormick y Zack Olkewicz

Siempre es un lujo poder ver una película acompañados de sus autores. Con esta opción podemos escoger ver el filme mientas estos autores nos van descubriendo anécdotas y detalles.

Selección de escenas de acrobacias (3:57 min.)

Un escueto montaje de varias escenas de lucha montadas con los ensayos de los coreógrafos que las prepararon previamente. Muy curioso de ver.

‘Bullet Train’ se descarrila (4:36 min.)

Los distintos anuncios, en los que estuvieron implicados los miembros del reparto, para promocionar el estreno de la película. Todos ellos relacionadas con la NBA.

Tomas falsas (3 min.)

Las risas tontas, las caídas, los textos olvidados… un clásico de los rodajes que en este caso está lleno de planos y contraplanos fallidos.

Crítica: ‘Mañana es hoy’

Sinopsis

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La película se sitúa en el verano de 1991. La familia Gaspar comienza sus vacaciones en la playa, pero, tras discutir con su padre, Lucía, la hija adolescente, decide fugarse con su novio. Una tormenta eléctrica sorprende al resto de la familia a bordo de un patinete y cuando consiguen volver a la costa descubren ¡que han viajado al 2022! Un descabellado futuro lleno de smartphones, selfies y música trap. ¿Conseguirán volver a los plácidos noventa?

Crítica

El DeLorean español es un patinete de playa y nos da un buen viaje

Nacho G. Velilla suma el género de ciencia ficción a su ya nada corta lista de eficientes comedias. ‘Perdiendo el norte’ (y el este), ‘Villaviciosa de al lado’, ‘Por los pelos’, ‘Que se mueran los feos’… son otros títulos que con mayor o menor repercusión han pasado por salas y de los que seguro habéis oído hablar. Lo que ya podemos decir rotundamente acerca de la filmografía del director es que sus apuestas siempre son sinceras y sin pelos en la lengua, pero sin irse a extremos o a lo políticamente incorrecto. Se mueve siempre entre dos tierras (en esta ocasión más que nunca) ubicadas entre el gamberrismo y el humor blanco. ‘Mañana es hoy’ no es una excepción y salvo por la machacadísima ordinariez de Antonia San Juan, destaca sobre el resto por incorporar dos cosas.

Por un lado, lo que ya mencionaba. Estamos ante una película de género fantástico en la que una familia viaja de 1991 al 2022, así, perdiéndose el gran año que fue el 92. Sobra decir que al igual que en títulos como ‘Demolition man’, ‘Regreso al futuro’ o ‘Los visitantes’, la base del humor reside en las diferencias entre una época y otra, sobre todo en las tecnológicas. ‘Mañana es hoy’ está repleta de chascarrillos sobre la España de antes y la de ahora. Se explota el cómo tenemos actualmente una cultura mucho más abierta y loca a ojos de personas de hace treinta años. Los euros, Felipe VI, los smartphones, el topless, los robots aspiradora, los contratos precarios, el trap… Cualquier tiempo pasado fue mejor nos dice esta película cada dos por tres.

Y además incluye un argumento más dramático que en anteriores ocasiones. ‘Mañana es hoy’ es una carrera por recuperar en diferentes sentidos a una hija. Un padre esclavo del tiempo y con costumbres caducas arrastra a su familia a una vida aburrida y encorsetada, lo cual, crea encontronazos con una joven que vive muy por delante de él. Por supuesto hay comedia pues la rebeldía de los hijos y la incompetencia del padre les convierte en una familia disfuncional. Pero también hay una parte emocional, en la que se habla de las relaciones paternofiliales e incluso del maltrato a las mujeres o el desdén con el que se les trataba en el pasado.

Sumamos a todo esto el talentazo de dos protagonistas como Carmen Machi y Javier Gutiérrez. Son dos primeras espadas de nuestro cine y valen para lo que les echen, pero da gusto verlos en comedias. A ellos y al reparto de secundarios conocidos que figuran en esta película pues le dan vidilla a la trama. Con todo este elenco nos pegamos un gran viaje. Para Velilla el DeLorean español es un patinete de playa y los McFly se apellidan Gaspar Castellanos. Una familia y un medio de transporte un tanto raros, pero… ¿quién puede decir que Doc y su máquina del tiempo eran normales?

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2022. Título original: Mañana es hoy. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Nacho G. Velilla. Guion: Oriol Capel, David Sánchez. Música: Juanjo Javierre. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Carmen Machi, Silvia Abril, Pepón Nieto, Natalia Agüero Avecilla, Mina El Hammani, Antonia San Juan, Carla Díaz, Marta Fernández-Muro, Elena de Lara, Blanca Tamarit, Candela Pradas, Asier Rikarte. Producción: Aparte Films, Atresmedia Cine. Distribución: Prime Video. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/primevideoes/

Sinopsis

Desde la austeridad y la parquedad de sus dos protagonistas se alcanza un nivel de reflexión y emoción máximo

Divertida y misteriosa versión de cazafantasmas distópico-adolescente

Mezcla canadiense y descafeinada de ‘Attack the block’ y ‘La cosa’

Sinopsis

Crítica

El abuso de poder castigado mientras vemos el declive de una gran artista

Desdibuja el horror y las viñetas de Junji Ito

Song-ho Yeon se monta su propio Ghost in the shell

Dan ganas de volver a sumergirse en otro mundo con el D20

Toda una mezcla de Mary Shelley y Virginia Woolf a la española

Un guión que no está a la altura de la clase pretendida

Mejora ligeramente pero sigue siendo un loable y tristemente fracasado intento

Una oda al cine y a la depravación del ser humano

Una temporada para calcar la primera parte de la saga

Un Rat Pack que se queda en un farol

Precioso enfrentamiento entre la inteligencia artificial y la inteligencia emocional

A Marshall ya ni le sale la serie B estándar

Mitad drama romántico mitad John “yonki” Wick

Un nuevo icono de la toy exploitation

Cuento oscuro, como salido de lo más retorcido de los Grimm

Un empujón a intentar disfrutar de nuestro tiempo y dejar huella

Una afinada crítica rítmica

Se supone que hay que odiarle, pero como siempre, adoras a Tom Hanks

Un retrato ineficientemente adulador de un mito de nuestros tiempos

Homenaje infantil al género de misterios criminales

Así es “la office” de los Reyes Magos cuando hacen cosas en las sombras

En este road trip a cuatro patas vemos como a ojos de un asno podemos ser humanos o animales

Podría servir como lanzadera de talentos, pero no pasa de la anécdota de ser un primer trabajo en largo

Estreno en semana santa de 2023

Un torrente de emociones y pulsiones oscuras excesivamente abstraído

Brutal y majadero western finlandés

Un protector cliché y excesivamente sobreprotector

Una buena oportunidad para que la audiencia descubra otras facetas y métodos del anarquismo

Descubre los secretos de esta movidita aventura

Extras (33 min. aprox.)

El DeLorean español es un patinete de playa y nos da un buen viaje

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