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‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’, con Carmen Machi, Antonio de la Torre

Clara Bilbao ha reunido un grandísimo reparto en su debut

La comedia negra ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ llegará a cines el próximo 15 de marzo distribuida por Filmax. En este debut de Clara Bilbao podremos encontrarnos con un dúo protagónico compuesto por Carmen Machi y Antonio de la Torre.

Además de esos dos grandes actores del cine español también hay una lista apabullante para completar el reparto. Luis Tosar, Isak Férriz, Oscar Ladoire, Julián Villagran, Diego Anido, Cris Iglesias, Camilo Rodríguez, Oleg Kricunova, Ayax Pedrosa, Gonzalo De Castro, Iván Marcos, Nicolas Grandhomme, Felipe Pirazán o Juan Luis Cano, entre otros.

El guión de Miguel Barros busca con acidez adaptar la novela francesa titulada ‘On est toujours trop bon avec les femmes (Siempre somos demasiado buenos con las mujeres), de Raymond Queneau, aún editado en España por la editorial Seix Barral. Dado el título y el tono que sabemos que tendrá el filme podemos intuir que se tratará con sátira y desenfado algún que otro tema comprometido.

‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ está coproducida entre empresa de Francia y España. Están involucradas Ficcion Producciones, Noodles Production, Xunta de Galicia, TVG, RTVE y Prime Video, por lo que podemos saber también que tras su paso por cines estará e la plataforma de Amazon.

Sinopsis oficial:

Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por encima de todos. Este fatídico día del otoño del 45, un grupo de maquis a la fuga ha tenido la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios, ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que Remedios demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles humeantes y puños en alto.

Crítica: ‘Ahsoka’

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La galaxia de Filoni será antigua y lejana, pero se entremezcla magníficamente

Muchos son los eventos que el universo expandido de Star Wars ha querido explotar. Pero pocos han funcionado tan bien como las historias ambientadas entorno a las Guerras Clon. Ese es el germen de Ahsoka Tano, un personaje que primero conocimos en la película que sirvió de piloto para la serie animada ‘Star Wars: The Clone Wars’ y que posteriormente ha sido parte de series de animación como ‘Star Wars Rebels’, relacionándose con los personajes de cómics como ‘Star Wars: Kanan’ (dibujados en gran parte por Pepe Larraz). Esa fue la etapa de Star Wars en la que descubrimos el pasado de personajes como Darth Vader, cuando solo era el padawan Anakin Skywalker. La serie ‘Ahsoka’, de ocho episodios, recupera el personaje favoreciendo el regreso de Hayden Christensen a la saga pues esta joven Togruta es la que fue aprendiz del que posteriormente se convertiría en el azote del Imperio Galáctico. Rosario Dawson la ha interpretado en pequeñas apariciones como la de ‘The Mandalorian’ y ahora, este 23 de agosto, se estrena su serie en solitario en Disney+.

Las series y cómics ya nos han mostrado gran parte del recorrido y maduración de este personaje. Ahora toca conocer a una Ahsoka que lucha contra la reciente amenaza que ha surgido tras la caída de Imperio Galáctico. Azul, amarillo, verde… Ahsoka ha manejado todos los colores de sable láser (salvo los morados de Windu) que la alinean con el bando de la luz. Llegó hasta el blanco que esgrime ahora en su propia serie como parte de su lucha pues son fruto de haber purificado la espada de luz roja de Sexto Hermano, un Inquisidor, uno de esos personajes que se dedicó a cazar niños jedi tras la Orden 66.

Por si no he sido claro esta serie se enmarca entre los episodios VI y VII. La amenaza es el Almirante Thrawn (Lars Mikkelsen). Mientras se intenta reducir a cenizas los últimos rescoldos del Imperio Galáctico hay una carrera a contrarreloj para impedir el resurgir de las fuerzas que fueron guiadas por los sith. Unos están escoltando a una miembro del Imperio Galáctico capturado por Ahsoka (Morgan Elsbeth, Diana Lee Inosanto). Otros están siguiendo los pasos del desaparecido Ezra Bridger (aprendiz de Kanan que interpreta Eman Esfandi), héroe rebelde que conoceréis si habéis seguido todo lo que rodea ‘Rebels’. Y no es el único nombre que aparece de ese mítico spin-off pues también nos topamos con Hera Syndulla interpretada por Mary Elizabeth Winstead o con Sabine Wren a quien encarna Natasha Liu Bordizzo. E incluso se utiliza la lanzadera Fantasma, que pertenecía a Ezra.

Por supuesto la serie empieza con unos breves párrafos surcando la galaxia y seguidos de una nave espacial navegando por el espacio rompiendo por la parte inferior de la pantalla. Ahsoka arranca recogiendo una esfera como si esto fuese la primera película de ‘Guardianes de la Galaxia’. Un lugar con puzles arqueológico-tecnológicos en el que podría haber estado Aphra, ains… cuándo veremos una serie sobre ella. Igualmente tenemos personajes con carisma, unos villanos compuestos por maestro y aprendiz oscuro que les pisan los talones, relaciones entre jedis y padawans, una búsqueda que se antoja vital y con lazos sentimentales, tiroteos y luchas con láser… Todo lo que pide una buena historiad Star Wars.

‘Ahsoka’ nos permite ver cómo fueron los momentos de la Nueva República formada por los triunfantes rebeldes antes de volver a sumirse en otra guerra, aquella que nos presentó a Kylo Ren. Como bien sabemos en España los viejos totalitarismos nunca mueren. El nivel de producción está a la altura. Ojalá aplicar los recursos de un proyecto así a Caballeros de la Antigua República, más allá de sus excelentes videojuegos. Pero como decía al principio todo está muy íntimamente relacionado con lo sucedido tres o cuatro películas atrás, cuando los rebeldes tuvieron que formar su alianza tras las Guerras Clon.

No es de extrañar que se estén respetando tanto los personajes e interrelacionando constantemente protagonista que ya conocíamos de antes. El creador de esta serie es Dave Filoni, el cerebro tras ‘The Mandalorian’, ‘La remesa mala’, ‘El libro de Boba Fett’ y lo que es más importante, ‘Star Wars Rebels’. Si la Fuerza está con vosotros seréis capaces de percibir que esto es ya un proyecto tipo “Fases Marvel”. Se huelen más crossovers más allá de los cameos o algún evento que reúna todo aquello que Filoni está creando. Otra muestra de ello es la calidad de lo que vemos, pues la producción está más lograda en cuanto a escenografía e imágenes generadas por ordenador que muchas de las películas de los marvelitas.

Por lo menos en los dos primeros episodios de ‘Ahsoka’, y con alguna que otra de sus series recientes, queda patente que Disney trabaja mejor cuando genera material nuevo de Star Wars sin tocar a los personajes míticos. Lo mejor de ‘Ahsoka’ es como conecta con ese aspecto místico tecnológico que tanta religión ha creado en torno a Star Wars. También en cómo es capaz de conectar las tres trilogías pero solo a partir de personajes fruto de los spin-off. Y a su vez y por último como sirve de homenaje al fallecido Ray Stevenson, quien interpreta aquí a Baylan Skoll. Una magnífica interpretación que queda sin extrañarnos en segundo plano ante un elenco femenino entregadísimo a sus personajes. Y antes de que los anti-woke se alcen en sus comentarios, casi todos estos personajes ya existían desde hace más de una década.

Crítica: ‘Los osos no existen’

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Sinopsis

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Dos historias de amor paralelas en las que las parejas se ven frustradas por obstáculos ocultos e inevitables, la fuerza de la superstición y la mecánica del poder.

Crítica

Desde al metaficción Panahi se enfrenta osadamente a la realidad de su país

Se podría decir que Jafar Panahi es o bien un temerario o bien un audaz director. En semiclandestinidad ha rodado ‘Los osos no existen’ pues la actualidad en Irán no hace fácil contar su historia. No por lo menos es difícil hacerlo con total libertad y muestra de ello es que al poco de terminarla Panahi fue condenado a seis años de cárcel. No es fácil ejercer tu arte en un país que te censura, sobre todo cuando realizas cine social y protesta. El director ha sido condenado también a estar veinte años sin rodar películas, dudo mucho que dicha sentencia pueda aplacar el carácter subversivo de este artista alentado con reconocimientos como el recibido al ganar el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia 2022.

Es tremendo que en pleno siglo XXI haya personas condenadas por hacer su arte y expresar lo que piensan, tomemos nota pues esto pasa hasta en España y la gente está como si nada asumiendo la mordaza que nos pusieron en 2015. Curiosamente el mismo día que veo esta película salta la noticia: el director Mohammad Rasoulof, recientemente liberado de prisión por criticar en redes a su país, tiene prohibido salir de Irán para acudir como jurado al Festival de Cannes. Pero eso no preocupa o conmueve a el grueso de la ciudadanía de occidente. Películas como esta han de seguir viajando por el mundo para hacernos ver que el homo digitalis se está deshumanizando al dejar que las máquinas piensen por él. Se supone que con las redes somos una aldea global con la que accedemos a lo que pasa en otros países, pero los algoritmos hacen que nos pongamos una especie de anteojeras para burros y no veamos más allá de lo que cotidianamente nos interesa. ‘Los osos no existen’ nos muestra una vez más que hay historias diferentes e igual de valiosas a lo largo del globo terráqueo.

Jafar Panahi muestra con este filme las dificultades que encuentra en su país. Obstáculos para rodar, para ser artista e incluso para amar. El cineasta se interpreta a sí mismo y con ello genera una especie de metaficción en la que se enfrenta a anticuadas creencias populares y a los recelos de los poderosos. ‘Los osos no existen’ sigue de manera simultánea y paralela dos historias. Por un lado al director que se encuentra en un remoto y fronterizo pueblo intentando rodar a distancia una película pero su comportamiento, más osado y moderno que el de los lugareños, le causa enfrentamientos con los líderes regionales. Y por otro lado el romance de sus protagonistas, que redundando con la situación de Panahi, intentan huir del país. El filme se alza así como un alegato hacia todo lo que se ama y el miedo a ser atrapado por los supuestos osos que vigilan porque ni ames ni escapes.

Curioso es ver todo el folclore iraní y curioso, además de atrevido, es ver como de manera autorreferencial Panahi cuenta su historia. ‘Los osos no existen’ se postula más compleja que acuciante. Sus escenas no retratan con extrema gravedad la problemática de la república islámica pero son suficientemente mordaces como para dejar entrever un clamor por más cambio, por más actualizaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo 2 de junio de 2023. Título original: Khers Nist (No Bears). Duración: 107 min. País: Irán. Dirección: Jafar Panahi. Guion: Jafar Panahi. Fotografía: Amin Jaferi. Reparto principal: Jafar Panahi, Naser Hashemi, Vahid Mobaseri, Bakhtiar Panjei, Mina Kavani, Narjes Delaram, Reza Heydari. Producción: JP Production. Distribución: La Aventura. Género: drama. Web oficial: https://laaventuracine.com/proximamente/

Crítica: ‘Juan Carlos: la caída del rey’

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Refrescando y re-argumentando lo que ya era vox populi

Este lunes 22 de mayo se estrena en SkyShowtime el primer capítulo de la miniserie documental ‘Juan Carlos. La caída del rey’. Una producción gestada en Alemania de cuatro episodios que serán estrenados poco a poco cada lunes y de los cuales hemos podido ver ya los dos primeros. Esta reveladora obra está producida por Christian Beetz (autor del documental sobre el declive de la Unión Soviética, ‘Farewell Comrades!’) y dirigida por Anne Von Petersdorff (‘Wanderlust, female bodies in transit’) contando también con la autoría de Pedro Barbadillo (‘Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren’).

Lo que cuenta este documental puede levantar ampollas, no me extraña que en los títulos de crédito Sky y sus creadores se laven las manos indicando que lo que aquí se dice es la opinión de los entrevistados, no las suyas propias. Cada uno puede sacar sus conclusiones con este reportaje en forma de serie pero bien es cierto que lo que se dice encaja la mar de bien aunque no habría estado de más mostrar más pruebas, de eso os hablaré más abajo.

El pueblo español es bien conocedor de los errores de su rey emérito. En mayor o menor medida todo ha sido desvelado pero muchos o bien se niegan la verdad o necesitan más evidencias. Incluso para gran parte de los ciudadanos todo lo que está tras bambalinas de la corona le es desconocido. ‘Juan Carlos: la caída del rey’ viene a ordenar todo lo que ha pasado y a exponerlo a través de las declaraciones de aquellos que han querido participar. El documental no cuenta con los testimonios de Felipe VI ni de Juan Carlos I ya que estos han rehusado aparecer.

Se abre la serie con lo que supuso toda una vergüenza a nivel internacional, la huida del país precedida de errores, escarceos, tropezones literales… Juan Carlos I fue colocado en su puesto por Franco para recuperar la tradición medieval de la monarquía y venía a alzarse como el estandarte de la democracia. Pero ha terminado con una imagen de infiel, cazador, embaucador… Al final en vez de ser icono de la modernidad y lo correcto ha acabado representando lo viejo y rancio que en otros países se está tendiendo a dejar atrás. Política al margen, lo que más le molesta a la población es su opacidad e inviolabilidad, su hipocresía hablando de rectitud y ejemplo en tiempos en los que la población pasa hambre y paga sus impuestos religiosamente. Esta serie viene a retratar al más bribón de los Borbones a través de sus “vida en B”.

No admite debate su papel en el 23F, la transición o en muchísimas relaciones internacionales. En mi opinión la serie no ha llegado para echar por tierra el trabajo que Juan Carlos I hizo en el último cuarto del siglo XXI. Se adentra más en su vida personal pero tratando que este no sea un producto amarillo o del corazón. Y eso lo hace mostrando el impacto que ha podido tener la vida oculta que ha llevado para España y los españoles. Para ello se centra en su supuesto magnetismo con las mujeres, acaparando los focos la figura de Corinna zu Sayn-Wittgenstein que habla largo y tendido delante de las cámaras. Pero son personas como Rebeca Quintáns López, Javier Bleda o Jaime Peñafiel quienes hacen las afirmaciones más fuertes al respecto.

El montaje habla de determinados acontecimientos ordenándolos de tal manera que se inclina la balanza a favor de las teorías más conspiranoicas, poniendo los tejemanejes del Rey y sus espías a la altura de la muerte de Diana de Gales. Hay muchas insinuaciones, relacionadas con experiencias propias o acontecimientos reales, pero sin pruebas físicas, como decía, por lo menos en los dos primeros episodios. Pero nos dejan entrever que hay mucho material comprometedor, pues se muestran unas cajas negras repletas de documentos y que le sirven a Corina como seguro de vida y evidencias de la profunda relación que siempre ha afirmado tener con Juan Carlos I.

Seguro que con los años tendremos algún culebrón o adaptación para este juego de tronos. Corina afirma haber sido víctima de operaciones del CNI, el cual, siempre ha tratado supuestamente de arrebatarle toda la información sensible o incluso asesinarla. Ella admite abiertamente haber sido amenazada. Por supuesto llegados a este punto aparece la figura de Villarejo y se habla de Bárbara Rey y de Sandra Mozarowsly. No me extraña que Javier Ayuso (periodista que fue exdirector de Comunicación de la Casa del Real) se defina en esa época como bombero ya que “estaba todo el día apagando fuegos”.

Puede sonar a que ‘Juan Carlos: la caída del rey’ centra su metraje en tirar su figura por los suelos. Pero entrevista a personalidades como el expresidente Aznar, Philip Adkins (su amigo presente en la famosa cacería del elefante) o el banquero Mario Conde que le defienden a capa y espada. Pero dado lo que se pone sobre la mesa no me cabe duda de que esta serie es toda una generadora de republicanos.

Llega el documental ‘María Casares, la mujer que vivió mil vidas’

En cines el 10 de marzo

La película documental ‘María Casares, la mujer que vivió mil vidas’, dirigida por Xavier Villaverde se estrenará en cines el próximo 10 de Marzo. La película, con una narración visualmente creativa, nos propone una aproximación íntima y profunda -a través de extractos de sus memorias- a la vida de la mítica actriz María Casares. Una figura deslumbrante, magnética y fundamental en las artes escénicas de la Europa del siglo XX. Se trata de un homenaje realizado desde Galicia y desde España, a las que María jamás olvidó, en el centenario de su nacimiento.

Su vida es como una novela fascinante: Nacida en 1922 en A Coruña, crece en un ambiente de libertad e independencia, relacionándose con personajes como Valle Inclán y García Lorca. Sus padres son Gloria Pérez, una mujer extraordinaria, hija de una cigarrera y Santiago Casares Quiroga, Jefe de Gobierno de la Segunda República contra la que Franco se subleva. La pequeña María es testigo en primera línea de estos grandes hechos históricos.

En 1936, con trece años, huye de la Guerra Civil Española con su madre y se exilia en París, empezando a estudiar para convertirse en actriz. Pero la victoria de Franco, el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de Francia por los nazis, suponen graves problemas para los Casares y solo Santiago Casares logra escapar a Inglaterra. Todo ello no impedirá a María – con 20 años- debutar en un gran papel protagonista, en una de las principales salas teatrales de París. Se convertirá así, durante más de cincuenta años de éxitos, en una de las actrices más aclamadas del cine y el teatro francés.

Camaleónica, exigente, inconformista y con un sentido del riesgo y de la innovación constantes, esta gallega universal alcanza un nivel interpretativo e intelectual que le permiten relacionarse o colaborar como actriz, en films y obras teatrales, con algunos de los mas grandes creadores de su tiempo: Jean Cocteau, Robert Bressón, Gerard Phillipe, Simone de Beauvoir, Picasso, Jean Paul Sartre, Margarita Xurgú, Jean Genet, Rafael Alberti, Jean Vilar, Colette, Patrice Chéreau, Koltés o Jorge Lavelli, entre otros.

Amante inseparable del premio Nobel Albert Camus, su amigo y compañero sentimental durante dieciséis años, ambos viven una pasión arrebatadora que da comienzo el día del Desembarco de los aliados en Normandía y mantienen una intensa relación amorosa y de colaboración intelectual que dura hasta la muerte, en un trágico accidente, del autor de La Peste.

Cuenta con la participación de TVG, con el apoyo de AGADIC, ICAA, DEPUTACION DA CORUÑA, CONCELLO DE A CORUÑA, TURISMO DE A CORUÑA y ACCION CULTURAL ESPAÑOLA. Producida por la empresa gallega Agallas Films y la portuguesa Take 2000, con la participación de TVG, con el apoyo de AGADIC, ICAA, Diputación de Coruña, Concello de Coruña, Turismo de Coruña y Acción Cultural Española.

‘María Casares, la mujer que vivió mil vidas’, fue seleccionada para la Sección Oficial, fuera de concurso, de la SEMINCI , Semana Internacional de Cine de Valladolid y es finalista a Mejor Documental en los Premios Mestre Mateo concedidos por la Academia Galega do Audiovisual.

Crítica: ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’

Sinopsis

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El documental dramatiza la biografía de María Lejárraga, dramaturga cuya producción vio la luz bajo el nombre de su marido, el empresario teatral Gregorio Martínez Sierra. La autora de obras como Canción de cuna, llevada al cine en cinco ocasiones, o del libreto de El amor brujo, de Falla, fue además diputada por la segunda República y fundadora de proyectos pioneros para los derechos y las libertades de la mujer.

Crítica

Toda una mezcla de Mary Shelley y Virginia Woolf a la española

Siempre hay referentes que han construido los cimientos de lo que es nuestro panorama actual. Por desgracia muchos de ellos caen en el olvido o son borrados por corrientes o coyunturas perniciosas para el progreso. Ese es el caso de María Lejárraga y de tantas otras mujeres que aparecen en los créditos finales de ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’. Un documental de Laura Hojman que ya se puede ver en Filmin y que figura entre los candidatos al Goya.

Seguro que os suena ‘Canción de cuna’, aunque sea por las cinco veces que ha sido llevada al cine. O ‘El amor brujo’ de Falla, cuyo libreto escribió ella. E incluso ‘La Dama y el Vagabundo’, cuyo guión se dice que fue plagiado por Disney al inspirarse en la obra ‘Merlín y Viviana’ que el mismo estudio rechazó pocos años antes. Tal vez este último hecho sea el que más llame la atención, pero creedme que es lo mínimo a destacar de este revelador documental.

El nombre de María Lejárraga aparece muy poco en las estanterías de las bibliotecas. Por situaciones familiares y dado el encorsetamiento de la mujer que imperaba en la época, la propia autora llegó a renunciar a ver de nuevo su nombre en una portada de un libro. Llegó a un acuerdo con su marido con el que se encontraba cómoda. Eso le produjo grandes satisfacciones, pero también varias desgracias. No obstante no me corresponde a mí contaros la historia de esta prolífica mujer, sino al muy bien documentado largometraje de Hojman. El hecho de que ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’ ponga en relevancia que la escritora vivió bajo la marca “Gregorio Martínez Sierra” no hace más que ser un ejemplo de como todo un género ha sido ninguneado durante la historia humana.

Pero el papel social de esta autora va mucho más allá de las novelas o las obras teatrales. Fue Diputada en la Segunda República y una gran activista por los derechos de las mujeres. El documental coge ese testigo y reivindica aquellos que muchos aún se niegan a ver. A través de lecturas de sus textos, de las cartas que mantenía con su esposo o de las reflexiones de distintas personalidades actuales que intervienen en el documental, se hace un retrato de alguien que a día de hoy sería influencer o que si no hubiese visto su vida sesgada por la guerra o la muerte de su marido se habría convertido en uno de los personajes más destacables de nuestra literatura o historia política.

No es de extrañar que Laura Hojman, quien preside la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA), haya querido hacernos el favor de esculpir la figura de esta gran mujer. Se agradece enormemente que esta información no se quede en la columna de algún libro de historia o en el rincón de algún museo y llegue hasta nuestras casas para servir de maravilloso ejemplo y referente para todos. Pero también que el guion del documental procure extrapolar su historia a la de la España de hace tan solo cien años en el pasado, época en el que parecía que íbamos a alcanzar esa modernidad que tanto nos está costando conseguir aún hoy en día.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2023. Título original: A las mujeres de España. María Lejárraga. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Laura Hojman. Guion: Laura Hojman. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Beatriz Hohenleiter, Adonis Macías Reina. Reparto principal: Cristina Domínguez, Kiti Mánver, Manuela Carmena, Rosa Montero, Antonina Rodrigo, Vanessa Montfort, Juan Aguilera, Isabel Lizarraga, Remedios Zafra. Producción: Canal Sur Radio y Televisión, Fundación SGAE, Instituto de Crédito Oficial, RTVE, Summer Films. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial: ver en Filmin.

Crítica: ‘El espía honesto’

Sinopsis

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El ambicioso científico Franz Walter acepta trabajar para el servicio de inteligencia exterior de la RDA y promete lealtad absoluta al sistema hasta que pueda asumir su nuevo cargo como catedrático en la universidad. Franz, pronto se verá obligado a utilizar prácticas no muy adecuadas para conseguir las peticiones de sus superiores: vigilancias y escuchas telefónicas, cartas y diagnósticos falsificados, chantajes y presiones psicológicas. Pero esto es más de lo que Franz puede soportar… Y se producirá un súbito giro en la historia.

Crítica

Carece del mordiente necesario como para causar sensación

La historia de ‘El espía honesto’ viene directamente de nuestros europeos años 80. Pero esta no es otra película que se una a la explotación nostálgica que tanto nos rodea en la última década. Es un título que nos trasporta a la Alemania de 1981 para hacer un poco de justicia histórica y para remarcar también cuán dañinos pueden ser los métodos de los gobiernos en las vidas de sus ciudadanos, aunque el sueño de estos sea servir fielmente a su patria.

Werner Teske es quien inspira la narración y la directora Franziska Stünkel ha decidido cambiar el nombre del protagonista a Franz Walter, el cual, está interpretado por Lars Eidinger, a quien vimos recientemente en ‘El profesor de persa’ y al que se le suman otros actores alemanes, entre ellos algunos de la serie ‘Dark’. Un cambio que imagino que sirve para respetar a la persona y sus familiares, pero que también busca no mostrar su final, el cual os recomiendo no os destripéis googleando sobre Teske. Premeditado es también el ritmo del filme. ‘El espía honesto’ huye de las tramas de espionaje que dependen de sus escenas de riesgo o de sus traicioneros giros para atrapar al espectador. Es un relato más humano, más lánguido, algo que sin duda jugará en contra de la película para calar en un público masivo.

Si el largometraje os da la sensación de estar muy bien ambientado no es solo porque nos lo muestren con una imagen intencionadamente tratada con tonos “vintage”. Es porque también se ha localizado en los lugares originalmente usados por la RDA y su servicio de inteligencia. Sin duda un curioso atractivo que nos ayuda a sumergirnos en una era de miedo, desconfianza o paranoia. Así nos pinta la directora y guionista la época de la República Democrática Alemana, aunque lo hace de manera discreta o de un modo tan excesivamente reservado que carece del mordiente necesario como para causar sensación.

Lo bueno, o por lo menos lo que marca la diferencia, es que este no es un espía que diga a gritos “¡Ey! Vengo a destapar todos los trapos sucios habidos y por haber y a llevar una vida emocionante”. Gracias a su sobriedad la película se siente más humana y realista. Parece orientada a reconocer los pecados del pasado. Y cuando hablamos de la búsqueda de exculpación por parte de los germanos nos suele venir a la mente la época hitleriana, olvidándonos de que más recientemente el país estuvo partido en dos. Como igual de dividida estaba la vida del protagonista, escindida entre su amor por la patria y los sueños forjados con su pareja, otro factor que la directora acierta a retratar.

No puedo evitar alinearme con el protagonista cuando pienso que siempre fracasamos aquellos que desempeñamos nuestro trabajo con la mayor honestidad y escrúpulos posibles, aunque con ello caiga en un ejercicio de soberbia parecido al del ambicioso Franz Walter. Esa contradicción de sentimientos es similar a la que busca el filme. Cuando más se observa es en la primera visita de Walter a la Alemania Occidental. “Esta sociedad brilla en la superficie, pero debajo hay una miseria como nunca has visto”, le dice su compañero de viaje y misión. Una frase que podría funcionar en ambas Alemanias e incluso hoy en día. “Nahschuss” es la palabra alemana que da título al filme, “primer plano”, ya que pone el foco muy de cerca en intentar acercarse a aquellos que estaban en primera línea, los que se la jugaban de verdad. De un modo templado ‘El espía honesto’ nos aporta, una vez más, una historia de quitarse la venda de los ojos.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de enero de 2022. Título original: Nahschuss (The last execution). Duración: 115 min. País: Alemania. Dirección: Franziska Stünkel. Guion: Franziska Stünkel. Música: Karim Sebastian Elias. Fotografía: Nikolai von Graevenitz. Reparto principal: Lars Eidinger, Luise Heyer, Devid Striesow, Paula Kalenberg, Victoria Trauttmansdorff, Peter Benedict, Moritz Jahn, Peter Lohmeyer. Producción: Network Movie Film-und Fernsehproduktion, Franks Filmproduktion, C-Films, Zweites Deutsches Frensehen, ARTE. Distribución: Adso Films. Género: drama, thriller. Web oficial: https://adso.tv/ficha/el-espia-honesto

Ya se ha podido ver ‘Comuneros’

El documental fue presentado en Valladolid

El documental ‘Comuneros’ se preestrenó la semana pasada en el Teatro Calderón de Valladolid. La película, dirigida por Pablo García Sanz, explora los hechos históricos acaecidos en la guerra de las Comunidades de Castilla y sus consecuencias políticas y sociales, 500 años después de la batalla de Villalar.

Durante la Guerra de las Comunidades, las principales ciudades castellanas se levantaron contra el futuro emperador Carlos V, reclamando una mayor participación política del pueblo frente al absolutismo del rey. Muchos expertos consideran que fue la primera revolución moderna de la historia, y que tuvo una enorme influencia en varios movimientos políticos posteriores, que consideraron a los comuneros una referencia.

Comuneros da voz a 18 especialistas en esta época, que presentan y contextualizan los hechos históricos y a los principales líderes comuneros: Bravo, Padilla y Maldonado. Entre los historiadores que han participado en el documental están Geoffrey Parker, María Isabel del Val o Luis Ribot.

La película reconstruye los principales hechos históricos a través de animaciones realizadas a partir de ilustraciones de Sandra Rilova, con una mirada contemporánea de gran atractivo visual.

El documental cuenta además con fragmentos del poema ‘Los Comuneros’, de Luis López Álvarez, leídos por la actriz Sara Rivero, y con textos y música compuestos especialmente para la película por Héctor Castrillejo y Carlos Herrero, integrantes del grupo El Naán.

El rodaje de ‘Comuneros’ se ha desarrollado durante casi un año, visitando 25 localidades relacionadas con los hechos históricos en Castilla y León, Madrid y Castilla La-Mancha, entre ellas ciudades como Valladolid, Villalar de los Comuneros o Toledo. Se ha rodado en lugares representativos de la época como las catedrales de Burgos y Salamanca, el castillo de la Mota en Medina del Campo o el Monasterio de Santa Clara en Tordesillas, dependiente de Patrimonio Nacional.

La película, producida por Visual Creative y Plan Secreto, cuenta con el apoyo de la Fundación Castilla y León, las Cortes de Castilla y León, el Ayuntamiento de Valladolid, la Valladolid Film Commission y la diputación de Valladolid, y con la colaboración de la Junta de Castilla y León.

Tras el preestreno, ‘Comuneros’ comienza su distribución por festivales nacionales e internacionales y tiene previsto su estreno comercial en salas cinematográficas en la primavera de 2022.

Crítica: ‘Jaguar’

Naziexplotaition española de calidad

El próximo 22 de septiembre se estrena en Netflix una nueva producción española. ‘Jaguar’ llega con 6 episodios llenos de acción y emoción, algo ya típico en las producciones de quienes la han creado Ramón Campos y Gema R. Neira (‘Fariña’, ‘Velvet’, ‘Instinto’).

Partiendo de un hecho que fue real, que muchos nazis pasaron por España para continuar su huida hacia el otro lado del charco, ‘Jaguar’ nos propone una cacería. Un título que se va a unir a otros ya vistos como ‘Malditos bastardos’ o ‘Hunters’. En esta película también tenemos a un grupo que busca atrapar a antiguos miembros del partido alemán y quiere darles caza para ponerlos ante la justicia. Sin el carisma de ‘Hunters’ o la violencia de la película de Tarantino consigue engancharnos.

Esta especie de Equipo A sesentero está liderado por un elegante Iván Marcos que luce tanto músculo como en ‘Malasaña’. Pero la protagonista real es Blanca Suárez quien ejecuta el que probablemente será el papel con más acción de su carrera. Junto a ellos están Francesc Garrido, Oscar Casas y Adrián Lastra. Este último suele tener papeles más charlatanes y aquí os va a sorprender.

‘Jaguar’ nos traslada a 1962 y allí unos españoles que consiguieron sobrevivir a los campos de concentración nazis buscan su venganza. Este es un busca y captura sin redes sociales o móviles, a base de jugársela con vigilancias e incursiones. Pero sobre todo es una serie de ideales. No me refiero a que esté todo lleno de rojo y gualda, aguiluchos o yugos y flechas, me refiero a ideales humanos, a principios morales y a la ejecución de una justicia, de esas que nunca llegan o que ninguna ley de memoria histórica puede alcanzar a satisfacer.

Probablemente surja una vez más la discusión entre nacionales y republicanos, de hecho, hoy en día por desgracia está cada vez más en auge. La serie azuza ese conflicto y aunque la trama le obligue a arrimarse a la izquierda de las Brigadas Internacionales o de la CNT la finalidad no se percibe orientada a la política.

Es como si esta fuese una apuesta más por la naziexplotaition pero a la española, ‘Jaguar’ pretende mostrar a un equipo enrabietado por lo que ha sufrido, pero a su vez controlado por sus conflictos morales, tales como la fe en un Dios que permite el holocausto, la línea que se puede atravesar al matar a alguien, el resultado que pueden tener sus actos para la historia… Todos los personajes sufren de alguna manera pero es sobre todo el de Blanca Suárez quien tiene que debatirse entre su ira y su dolor al mismo tiempo.

Bien es cierto que a veces la ambientación parece demasiado moderna, que las peleas se disimulan con mucho movimiento de cámara o que la actuación de Oscar Casas deslucen la historia. Pero ‘Jaguar’ tiene intriga, y curiosidades ya que introduce alguna que otra cosa real. Bien es sabido de la red Odessa y del amiguismo que había entre la esvástica y el águila de San Juan.

Referencias históricas hay. Desde los paseos por El Prado hasta las calles de Madrid cuyos edificios han cambiado de función para dar cobijo a fiestas o sedes de los años sesenta. Pero también las hay culturales. Por ejemplo el opening animado viene acompañado de la versión de “Vientos del pueblo” realizada por Ebri Knight. Os va a recordar a los carteles de José Bardasano o Josep Renau, lo cual es lógico pues pone música al poema de Miguel Hernández Gilabert. Quizá pase con esta canción como con el “Bella ciao” de ‘La casa de papel’, espero que al menos la curiosidad haga que los espectadores descubran su verdadero origen. También suenan temas como el “Adiós a España” de Antonio Molina, la “Tómbola” de Marisol, “El emigrante” de Juanito Valderrama e incluso el himno nazi.

‘El ángel exterminador’ de Buñuel es otro huevo de pascua que vemos en uno de los episodios. La serie está relacionada con esa película pues aquí también nos adentramos en la clase alta de la época para descubrir que los lujos y los buenos ademanes esconden intenciones repugnantes y un pasado reprobable. Muy buena esa analogía que además viene acompañada de mucho ritmo.

Comienza el rodaje de ‘Las cartas perdidas’ en Madrid

Documental de Amparo Climent

‘Las cartas perdidas’ ha comenzado su rodaje en el Cementerio de la Almudena con las actrices Alba Flores, en un registro emocional absolutamente diferente al que nos tiene acostumbrados, y la gran Marisa Paredes desbordando sentimientos.

‘Las cartas perdidas’ es un documental ficcionado que retrata cartas reales de mujeres exiliadas o encarceladas durante la Guerra Civil. Es un homenaje a las mujeres víctimas del franquismo y que sufrieron una doble represión, por ser mujeres y por ser republicanas. Cada carta es representada en la historia por una actriz, en el lugar donde realmente ocurrieron (cárceles de mujeres, campo de concentración para mujeres en Francia, etc), o en un espacio simbólico (Cementerio de la Almudena, Belchite, etc).

‘Las cartas perdidas’ está escrito y dirigido por la actriz, dramaturga y directora Amparo Climent (miembro de la Junta Directiva de la Academia de Cine en la especialidad de interpretación, y de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, consejera de la sociedad de gestión AISGE y premio Pilar Bardem 2019) basado en la obra de teatro homónima de la propia Amparo Climent, que se ha representado los últimos 2 años con gran éxito por toda España.

El elenco completo lo conforman, además de Marisa Paredes y Alba Flores, grandes actrices como: Nora Navas, Luisa Gavasa, Karmele Aranburu, Gloria Vega, Resu Morales, Ana García, Chupi Llorente, Ana Labordeta, Miriam Tejedor y Teresa Rodríguez. Las últimas en sumarse al este maravillosos proyecto son Julieta Serrano y Ana Belén, que será la encargada de la voz en off que da unidad a todas las historias.

La película contará también, con imágenes inéditas de la Guerra Civil y que no se han visto hasta ahora en España.

La producción corre a cargo de Pilar Sancho de Mitad & Mitad Producciones y Néstor López de Filmakers Monkeys. Dentro del equipo técnico hay que destacar a Sylvie Imbert como Jefa de Maquillaje (profesional con larga trayectoria en el cine español y tres premios Goya en su currículum), Marta Fenollar en Vestuario y Julia Juániz en Montaje.

Entrevistamos al equipo de ‘Sordo’

Estuvimos con el director y protagonistas de este western de posguerra

Este viernes 13 de septiembre se estrena ‘Sordo’ (crítica aquí). Una película española ambientada en la posguerra que adapta un cómic obra de David Muñoz (‘El espinazo del diablo’) y Rayco Pulido (‘Nela’). Un filme que respira mucho western y dado que nos cuenta la aventura de un maqui también nos ofrece muchas imágenes paisajísticas de nuestras tierras captadas con bastante talento.

Esta es una película donde casi todos los actores se han encontrado antes o después y eso se nota pues actúan con fluidez entre ellos. Marian Álvarez, Imanol Arias y Aitor Luna compartieron serie en ‘Velvet Colección’. A su vez Aitor Luna coincide de nuevo con Hugo Silva y Asier Etxeandía tras ‘Los hombres de Paco’. Por otro lado Etxeandía y Ruth Díaz actuaron en ‘Los días no vividos’, primera película del director de ‘Sordo’, Alfonso Cotés-Cavanillas.

Alfonso Cotés-Cavanillas y Asier Etxeanía

Director y actor protagonista de la película. El actor protagonista es además el artífice de la canción original del filme.

Hugo Silva y Marian Álvarez

Ambos pareja en la ficción. Hugo Silva interpreta a un maqui de ideas inamovibles y Marian a su esposa, que ha de enfrentarse a los captores de su marido.

Imanol Arias y Aitor Luna

Interpretan a militares al servicio de Franco. Pero sus dos personajes presentan matices muy diferentes, su alineamiento no tiene porque teñirles a los dos de villanos en esta historia.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘Sordo’

Sinopsis

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Inspirada en el cómic ‘Sordo’, y ambientada en el momento histórico de la denominada Operación Reconquista, en 1944, narra la huida de un maqui perseguido y asediado por el Ejército tras haber quedado sordo en una acción de sabotaje.

Crítica

‘Sordo’, ecos de western y posguerra sin politiqueo

Para los amantes de las adaptaciones de cómic a cine es buena noticia poder decir que una obra como ‘Sordo’ es llevada a la gran pantalla, por dos razones. Es un cómic europeo que se desmarca de lo comercial y su narración no se centra en lo realizado por superhéroes. La idea de ‘Sordo’ surge de un cómic del guionista David Muñoz (‘El espinazo del diablo’) y el dibujante Rayco Pulido (‘Nela’). En 2011 ya hablaba su escritor de la realización de esta traslación y por fin han debido reunirse las condiciones propicias para que podamos ver al protagonista de esta historia de posguerra en carne y hueso.

Asier Etxeandía es quien encarna a un anti-franquista que forma parte del grupo de guerrilleros que intentan de manera activa derrocar el régimen del Caudillo de España. Pero un accidente en la voladura de un puente le deja solo y sordo en la montaña, convirtiéndole en un maqui perseguido por las autoridades de la época. Este lance se encuentra dentro de la «Operación Reconquista» un plan que existió realmente y que pretendía retomar España desde Francia.

Como es obvio el director Alfonso Cortés-Cavanillas le ha dado mucha importancia a todo aquello que llega a nuestros oídos en este su segundo largometraje. El cómic es parco en diálogos y la película podría haberlo sido más pero al menos la edición de sonido y su música están muy cuidados. El filme tiene buena banda sonora y múltiples escenas en las que la ausencia de sonido nos ponen en la piel del protagonista, pero no llegamos a sentir esto durante todo el filme. Eso sí, podemos señalar que no hay descuidos en cuanto a la sordera del protagonista y sus actos.

‘Sordo’ comienza con buenos no, buenísimos planos, eso ya nos lo adelantan los créditos del filme donde podemos ver como partículas de arena recorren ropa y metralleta. Tomas y secuencias que van muy acorde a lo leído en el cómic y que nos encauzan por una película con mucho sabor a western. Etxeandía recorta en silueta y porta el rifle cual John Wayne, imagen homenaje a ‘Centauros del desierto’ incluida. Las persecuciones, los tiroteos, el villano parecen sacados de una película en la que haya participado el mismísimo Eli Wallach. Pero esas son las sensaciones durante más o menos la mitad de la película porque en el resto se pierde ese sabor a ‘El fuera de la ley’ o ‘Acorralado’ en detraimiento a una trama con más tintes de drama amoroso rellenados con tantas escenas paisajísticas que parece que Iñárritu anda por ahí con su renacido. Las tierras de Cantabria donde se ha rodado la película se han transformado en el escenario de la «Operación Reconquista», que realmente transcurrió en el Valle de Arán.

Virtud del filme es salirse de los estereotipos y de las oscuras figuras de la guerra que enfrentó a hermanos en España. No necesita entrar en avatares políticos ni para situarnos cronológicamente ni para señalar a héroes y villanos, porque los ubica en ambos bandos, otra marca del género far west. Es obvio e inevitable que tenga que hacer uso de algunos nombres y referencias históricas, incluso a veces tira de sátira, pero ‘Sordo’ es muy elegante en el manejo del conflicto.

Lo que se carga tanto el sabor a película del oeste como el tema de no encontrarnos estereotipos es la inclusión del personaje de Olimpia Melinte. Interpreta a una mercenaria soviética cargada de multitud de clichés que encajaría más en una película tipo ‘Polar’, pero no desde luego en esta que está muy contenida, queda excesivamente grotesca en contraste con el resto de personajes. También desvirtúan y alargan el filme las muchas escenas en las que el protagonista ha de interactuar con la esposa de su compañero (Marian Álvarez), cayendo en tópicos del cine español que evitaba la obra gráfica.

No me malinterpretéis, opino que el elenco de la película interpreta muy bien sus papeles. Malo sería contando con un elenco como Asier Etxeandía, Aitor Luna, Hugo Silva, Marian Álvarez, Imanol Arias, Ruth Díaz… Pero ‘Sordo’ está innecesariamente alargada y ya que se mete a introducir tanto metraje podría haber explotado más la situación de aislamiento que sufre su protagonista. Falta por eso algo más de trabajo para construir la paranoia por encima del sadismo o la crueldad, pero a veces es más fácil colocar la sangre y la lágrima en pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Título original: Sordo. Duración: 121 min. País: España. Dirección: Alfonso Cortés-Cavanillas. Guion: Juan Carlos Díaz, Alfonso Cortés-Cavanillas. Música: Carlos Martín Jara. Fotografía: Adolpho Cañadas. Reparto principal: Asier Etxeandía, Aitor Luna, Hugo Silva, Marian Álvarez, Imanol Arias, Antonio Dechent, Olimpia Melinte, Cristóbal Suárez, Manuel de Blas, Ruth Díaz, Roberto Bonacini, Rocío Calvo, Jorge Basanta, Javier Ballesteros, Edu Mayo, Stephanie Gil, Íñigo Echevarría, Jaime Martín. Producción: La Caña Brothers. Distribución: Filmax. Género: Thriller. Web oficial: https://www.sordolapelicula.com/

Crítica: ‘El emperador de París’

Sinopsis

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Bajo el reinado de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha podido escapar de dos prisiones de alta seguridad, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Dado por muerto después de su última espectacular huida, el ex-prisionero pasa desapercibido bajo la apariencia de un comerciante. Tras ser acusado de un crimen que no ha cometido, hace un pacto con la policía: atrapará a todos los ladrones y asesinos de París a cambio de su inocencia.

Crítica

La humanización de un mito francés pasándole por la mugre y la sangre parisina

«Soy hijo del terror François, mi lugar es la guillotina». Esa es una de las frases que le dicen a François Vidocq durante ‘El emperador de París’ y que nos coloca perfectamente en el marco en el que se ambienta la película. Es época revolucionaria y republicana. Europa teme el cambio, teme el fin de las monarquías, teme el progreso. Pero París y su clase alta en concreto lo que teme es la delincuencia, teme perder su posición de poder. En esa situación grajea su fama un hombre de lógica y eficiencia como Vidocq. El criminólogo a quien interpreta en esta ocasión Vincent Cassel atrapa criminales pero su fama crece muy a su pesar ya que lo que él busca es la libertad, no la notoriedad.

De nuevo la vida del investigador privado que se convirtió en el primer director de la seguridad nacional francesa inspira una película. Y lo cierto es que su vida era bastante inspiradora, tenga o no partes de ficción, sabiendo que parte de lo que conocemos de ella la transmitió alguien anónimo. Atrapó maleantes para poder dejar de huir y conseguir su indulto y de eso trata este nuevo filme. Nos pintan a Vidocq como un hombre con un pasado reprochable pero que no trata de ocultarlo, inmerso en una sociedad de maleantes y honores. La película de Jean-François Richet sabe mucho a míticas historias de época y venganza, tipo ‘El Conde de Montecristo’, ‘Los miserables’ u ‘Oliver Twist’, pero con un argumento menos elaborado y con más escenas de peleas.

‘El emperador de París’ ha sido dirigida y escrita (junto a Eric Besnard) por de Jean-François Richet. Él fue el director de ‘Blood father’, la película de acción y drama con Mel Gibson, por lo que no es de extrañar su nivel violencia en algunas partes, aunque está bastante contenida. Al igual que en aquel título del 2016 tenemos una visión corrupta y violenta de la sociedad de la época. Sociedad que está bien representada en todos sus escalafones con la prostituta dulce pero pillamente interpretada por Freya Mavor, el inamovible policía de Denis Ménochet, el soldado de honor de James Thierrée, la baronesa maquinadora de Olga Kurylenko, el prófugo agitador que representa August Diehl, los gerifaltes de palacio como Patrick Chesnais… Todos ellos se mantienen en su lugar sin extralimitarse en su rol de secundarios, manteniendo la esencia de unos personajes que complementan al protagonista, sin los que este no se podría comprender.

Este filme nos devuelve correctamente a la Francia del siglo XIX en parte porque tiene muy buen diseño de producción. Posee una gran ambientación inmortalizada por una eficaz fotografía obra de Manuel Dacosse (‘Gracias a Dios’). Todo el conjunto de arte visual, vestuario y roña de las calles incluidas sirve para que nos creamos a este Sherlock Holmes francés que existió antes que el propio Holmes.

Esta me parece una película más solvente que ‘Blood father’ en la filmografía de Jean-François Richet y eso que a priori ese título fue más mediático por su estrella protagonista. Me ha gustado la humanización y el acercamiento que se hace de un mito francés que quizá no es tan conocido como pensamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: L’empereur de Paris. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jean-François Richet. Guion: Eric Besnard, Jean-François Richet. Música: Marco Beltrami, Marcus Trumpp. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Vincent Cassel, Olga Kurylenko, August Diehl, Freya Mayor, Denis Ménochet. Producción: Mandarin Films, Gaumont, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, BNP Paribas Pictures, Scope Pictures, CN6 Productions, Actes Proletariens, 120 Films, Canal+, Ciné+, France Télévisions, Région Ile-de-France, Centre National de la Cinématographie, Eutorage Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: aventuras, policíacao. Web oficial: https://www.gaumont.fr/fr/film/L-empereur-de-Paris.html

Crítica: ‘El fotógrafo de Mauthausen’

Sinopsis

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Con la ayuda de un grupo de prisioneros españoles que lideran la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen, Francesc Boix (Mario Casas), un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico del campo arriesga su vida al planear la evasión de unos negativos que demostrarán al mundo las atrocidades cometidas por los nazis en el infierno del campo de concentración austríaco. Miles de negativos que muestran desde dentro toda la crueldad de un sistema perverso. Las fotografías que Boix y sus compañeros lograron salvar fueron determinantes para condenar a altos cargos nazis en los juicios de Núremberg en 1946.  Boix fue el único español que asistió como testigo.

Crítica

Buena fuente de partida pero un agua demasiado dulce de beber

Mar Targarona vuelve a las carteleras tras ‘Secuestro’ y lo hace de nuevo con una historia de cautiverio, pero de uno masivo y más truculento. ‘El fotógrafo de Mauthausen’ nos acerca a la historia de unos presos españoles en Alemania. Tras la Guerra Civil Española muchos soldados republicanos y militantes del Partido Comunista se vieron exiliados. Franco les arrebató la nacionalidad y para los alemanes que les capturaron no eran más que gente sin una patria o bandera a la que acogerse.

Todos hemos tenido siempre una visión muy cruel de la Alemania nazi y de sus campos de concentración. Ya sea por testimonios de ancianos, películas o documentales la imagen que nos ha llegado del tratamiento que le daban a sus presos de guerra es terrible. Y si recientemente habéis acudido a exposiciones como la de Auschwitz seguro que os habéis dado cuenta de que en realidad las atrocidades que se les hicieron a los presos eran aún peores e inimaginables, mucho más difíciles de asimilar que lo que hemos visto en el cine. Es por eso que siempre que tenemos material gráfico real nos sensibilizamos aún más. Esta película se fundamenta en la obra gráfica que un español realizó durante su cautiverio, la cual podemos ver en los títulos de crédito. F. Boix en su trabajo como fotógrafo de Mauthausen inmortalizó la miseria y degradación que tuvo lugar allí. Con semejante base se podría haber conseguido algo desgarrador e incluso difícil de ver. La película muestra auténticas canalladas y burradas, recrea las instantáneas rescatadas por Boix, pero el carácter dramático de la cinta no es lo suficientemente intenso o profundo, demasiado suavizado como para calar en ese sentido.

Sobre todo nos saca de la tragedia el carácter risueño que le ha impreso Mario Casas al protagonista. Sin duda se ve que se ha entregado a su papel (aprendiendo alemán y perdiendo bastante peso) y soy de los que le defienden como actor polivalente. Pero o bien su interpretación o bien las instrucciones de Mar Targarona le acercan a una especie de ‘La vida es bella’ y no se consigue el mismo efecto que en la película de Benigni.

Es valioso que podamos ver un episodio de la historia de España que no es extremadamente popular y que además transcurre lejos de nuestras fronteras. El valor humano, informativo y educativo del filme es innegable. Enseña bien el peso que tuvieron unas fotografías que el catalán tuvo que tomar con cierta inconsciencia y pesar y que más adelante se volvieron en contra de los miembros del ejército de Hitler y las SS de Himmler.

Es muy buen recurso y elección de casting el haber contado con actores como Alain Hernández o Macarena Gómez, entre muchos otros, que si que han tenido papeles más sobrecogedores. También es adecuado hacer un guiño o aludir a ‘La vida es sueño’, obra en la que los sueños e ilusiones impiden ver la realidad, como si el desempeñar su trabajo de fotógrafo hubiese sido para Boix una burbuja en la que refugiarse eludiendo así un destino que conoce. El problema de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ es que cuando el protagonista es realmente consciente de lo que se les viene encima o lo que realmente se hace allí no se le da el dramatismo necesario. Este fue un capítulo muy triste del siglo pasado y vital en muchos de los Juicios de Nuremberg que habría merecido un tratamiento más sucio y oscuro. Además, pasa de decorados muy fieles a lo documentado a cromas bastante pobres que la deslucen casi tanto o más que el tono emotivo empleado.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de octubre de 2018. Título original: El fotógrafo de Mauthausen. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas. Música: Diego Navarro. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Mario Casas, Alain Hernández, Macarena Gómez, Richard Von Weyden, Emilio Gavira, Luka Peros, Stefan Weinert, Richard van Weyden, Frank Feys, Adrià Salazar. Producción: TVE. Distribución: Filmax. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-fotografo-de-mauthausen.82

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