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Diario de Sitges 2020. 13 de octubre

La muerte nos sienta tan bien…

No paramos, la semana para nosotros comenzó ayer pese al día festivo y seguimos con nuestras críticas. Rompiendo la superstición sobre el martes 13 esta jornada nos ha brindado películas que nos han gustado, aunque alguna hay que ha defraudado. Como en días anteriores tenéis disponible ya nuestro vídeo y mini-críticas. Las películas más destacadas del día han sido ‘No matarás’ y ‘Post Mortem’, de ahí nuestro titular.

‘No matarás’

David Victori nos lleva a una mala noche, pero mala de verdad. Nuestro protagonista Dani (Mario Casas) acaba de perder a su padre y decide cenar tranquilamente solo antes de emprender el viaje de su vida. Para su desgracia Mila aparece y todo se le trastoca en pocas horas.

Locura y desenfreno es lo que nos da este director al que ya le vimos dirigiendo en ‘El Pacto’. Los neones y la música son el punto central para lograr el cometido de esta cinta, mantenernos en constante tensión.

Mario Casas cada día me sorprende más. Milena Smit está estupenda, es su primer papel en una película y lo borda.

Poco más que decir, os la recomiendo mucho y además ya tenéis la crítica en la web y os la dejo enlazada para que leáis todos los detalles.

Comentado por Vicky Carras.

‘The Old Man Movie’

Esta película estonia no es para niños. Casi siempre pensamos que la animación es algo para el público infantil pero este no es el caso. Es una de esas películas que como ‘La fiesta de las salchichas’ está concebida para adultos y que basa casi todo su humor en las connotaciones sexuales.

Al principio pensé que lo que iba sucediendo solo era campo de cultivo para mentes sucias, malentendidos que podrían generarse por eso de que no consiste en otra cosa que en salpicar a todos de leche. Pero la película está repleta de escenas con doble sentido. Yo pensaba que esta era una historia para menores (culpa mía por no informarme antes) pero en cuanto entran en un sitio oscuro, con un viejo jadeando, explotando al grito de ¡no puedo controlar la leche!, salpicando a sus nietos…

Me gustan estas películas que sacan un punto cómico y adulto a partir de dibujos o animación. Pero en este caso se ceba en lo soez y se repite. Le hacen el amor a un árbol con un tractor, solo tengo que decir eso.

El caso es que pese a que los personajes humanos no tienen movimientos en sus caras está bien animada. Los animales están bien hechos y la escenografía (luces, ambientes, maquetas…) tiene buen trabajo. El cerdo pedorro y el gallo intimidante son lo mejor. Eso sí, las cabezas de las personas que se han creado son muy feas. He tenido sensaciones parecidas a cuando vi la película checa ‘Laika’ hace dos años en el festival.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Post Mortem’

Thomas, un fotógrafo de cadáveres se ve envuelto en una trama de fantasmas bastante violentos en un pueblo de Hungría.

Las sombras, los ruidos y los ataques salvajes suceden durante toda la cinta. Anna, una niña, acompaña a nuestro protagonista en esta siniestra aventura.

El maquillaje de la cinta está muy trabajado, al igual que los efectos de movimiento de los objetos e incluso de las personas. Falla un poco más quizás en algunos efectos visuales, que no todos. Las sombras en las paredes son un poco menos complejas y termina notándose mucho que no están ahí de verdad. En cambio hay otros añadidos digitales que realmente hay que aplaudir.

Otra cosa que tampoco me ha terminado de convencer son las actuaciones de Viktor Klem (Tomas) y Fruzsina Hais (Anna) en las escenas de tensión. Es decir, tienen como más de diez cadáveres volando a su alrededor. Sombras atacándoles y apenas se inmutan. Una cosa es que ya sepas que hay fantasmas y lo aceptes y otra muy distinta es que ni te asustes un poquito.

Pese a eso, tiene una buena historia que se toma su tiempo para contar, pero que no aburre y la hacen muy interesante. Péter Bergendy nos trae una cinta llena de terror y aventuras.

Comentado por Vicky Carras.

‘Clapboard Jungle’

Es frecuente y por desgracia normal que grandes películas independientes no lleguen a la audiencia. Con grandes me refiero a buenas historias rodadas con calidad que aunque tengan buenas críticas no aparecen en las carteleras copadas por las majors. Precisamente las grandes distribuidoras son las que han reculado en estos tiempos de COVID, dejando espacio a películas de menor presupuesto que pueden alcanzar más o menos sus objetivos. Se ha presentado una oportunidad para que los espectadores se abran a otro cine y para dar un respiro a trabajadores que normalmente sueñan con ver su cartel en cines.

Algo así es lo que trata la película de Justin McConnell. Él es un cineasta que sueña con sacar adelante sus propias películas, mientras trabaja como programador en los certámenes Little Terrors y Toronto After Dark. Gracias a este filme vais a ver cómo sacar una película adelante es mucho más difícil de lo que parece. Con las tecnologías de hoy en día es relativamente fácil hacer un largometraje. Pero lo difícil es distribuirla de tal modo que se gane dinero con ella.

Por si alguno no lo sabe o se lo cuestiona ahí es donde ejercen un papel vital los festivales. Son un foro de debate y encuentro para dar el pistoletazo real de una producción. Y es el escaparate de películas que aún busca quién les distribuya. Por si otros no lo saben no siempre que se empieza a hacer un filme hay quien lo vaya repartir por los cines o por Internet.

La experiencia manda y este documental cuenta con las palabras de Guillermo del Toro, Mick Garris, Romero, Sam Firstenberg, Don Mancini, Tom Holland, Savini… Y también con la opinión de muchos productores, directores o técnicos que están tras títulos indispensables como Justin Benson, Aaron Moorhead, Anne-Marie Gélinas, Richard Stanley, Steven Kostanski…

Es un documental poco alentador de la mano de un soñador con los pies en la tierra. Tiene sus altibajos con las oportunidades que vienen y se esfuman. ¿Habrá conseguido lanzar alguna de sus ideas entre la competencia brutal de hoy en día? Con el documental descubriréis la respuesta y el camino, además de la función del Karaoke en todo esto.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje: ‘El ruido solar’

El sol se quedó blanco por unos segundos un verano de 2020. Ese día la humanidad tuvo una visión fugaz del futuro. Ya sea un futuro inmediato o un futuro muy lejano. En este corto de 16 minutos conoceremos algunas de esas historias.

Pablo Hernando uno de los directores de ‘Esa sensación’. Este detalle hace que entienda un poco más el corto y lo bien que se le da a este director manejar las sensaciones sin necesidad de mostrar nada.

Con imágenes de archivo y algunas actuaciones en situaciones bastante cotidianas nos relata una narración de ciencia ficción. Acompañado de las voces y algunos rostros famosos.

Ingrid García–Jonsson, Eva Llorach, Vito Sanz, Carlos Vermut, David Zamora, o Julián Génisson entre otros.

No os lo perdáis, además de que da para darle vueltas y comentarlo con los amigos, este corto tiene un final que os va a dejar KO.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje: ‘Progeny’

Justin Daering fue asistente de dirección en ‘El contable’, una película muy solvente que os recomiendo ver. Igual que os recomiendo ver este corto que más bien podría pertenecer a una serie. En él la humanidad parece estar subyugada a una raza a la que consideran superior. Luchan por ascender en el escalafón y por ser portadores, que no es ni más ni menos que estar embarazados, en masculino, porque son los hombres los que gestan a los bebés.

El maquillaje es lo más importante en este corto que tiene algún momento asquerosillo. Ojalá progrese y tengamos una serie o un largo a partir de él.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Diario de Sitges 2020. 12 de octubre

Películas que dan la talla

Efectivamente, hoy ha sido un día en el que hemos visto títulos muy divertidos o potentes, a la altura del festival. Películas que ya sea por su carácter dramático, terrorífico o disparatado están al nivel esperado en Sitges. Pero además películas que son un homenaje a artistas que no deberían pasar nunca desapercibidos. Nos os perdáis nuestras críticas (aquí os podéis suscribir a nuestro canal o buscadnos en cualquier red social). A continuación sabréis por qué decimos que algunas dan la talla literalmente.

‘Relic’

Casi podría decirse que la primera película de Natalie Erika James es en algunos aspectos la ‘Hereditary’ de esta edición, de hecho empieza también con lentos paneos y zooms. Yo la metería dentro de ese grupo de películas contemporáneas que se consideran de “terror elevado”. Se cocina a fuego lento, se pasa rápido y tiene un significado que hay que saber leer o intuir, pistas no le faltan. Eso o se hace a posta petulantemente enigmática. Pero al fin y al cabo es terror. Inquieta y siembra nerviosismo que destroza con algunos sustos.

Emily Mortimer, Bella Heathcote y Robyn Nevin forman parte de un trío familiar que nos hace ir muy bien también por un triángulo de drama, suspense y terror.

Mi interpretación del significado de la película a continuación, hay que verlo haciendo clic para evitar spoilers. Si coincidís conmigo hacédmelo saber a partir del 30 de octubre que se estrena en cines.

Clic para mostrar

A mi modo de verlo trata sobre el siempre contagioso miedo a la muerte y lo que a veces es peor, a envejecer. Y también a asimilar esa gran verdad siendo conscientes de que a nosotros nos va a tocar y que puede ser algo que afecte a los que nos rodean. Es un sentimiento de ser una reliquia y que todos los recuerdos que te rodean se han hecho añejos como tú. Refleja el sufrimiento de acompañar a alguien hasta la muerte. La vejez acecha.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Slaxx’

Un pantalón que se ajusta perfectamente a cualquier cuerpo, tengas la talla que tengas. ¿Quién no quiere algo así? La tienda de ropa Cotton Clothiers tiene esta tecnología en su tienda y va hacer la presentación más espectacular en mucho tiempo.

Pero, ¿qué pasa si esos pantalones están vivos y además son unos asesinos?

Elza Kephart nos trae esta premisa con bastante humor pero también mucha crítica hacia las grandes compañías textiles que utilizan mano barata e incluso niños en sus plantaciones de algodón.

La película pide justicia para esas manos olvidadas gracias a las cuales sería imposible vestir a «la moda». Además de una crítica al tema de estar siempre perfectos y por supuesto estar a la moda de lo último que se ha vendido.

Así que estos pantalones piden justicia por todo esto, asesinando e incluso bailando a lo Bollywood.

Comentado por Vicky Carras.

‘Spree’

La propuesta del ucraniano Eugene Kotlyarenko es un viaje a lo ‘Stuber Express’ con un maniático a lo ‘American Psycho’. Como en ‘La chaqueta de piel de ciervo’ un asesino graba sus asesinatos. La diferencia es que en este caso es en directo y el tono no es absurdo sino más bien simpaticón dentro de lo malicioso. Un chico quiere convertirse en influencer, está enganchado a recibir likes y lo que se le ocurre es grabar sus asesinatos y colgarlos. Para escoger sus víctimas solo espera a ver quién se sube a su VTC.

Joe Keery (el chico de los helados de ‘Stranger Things’) es Kurt o como quiere ser más conocido… @KurtsWorld96. En esta película lanza una crítica a la falsedad de las estrellas de las redes y a la función de jueces que ejercemos todos inmediatamente al reproducir algo en nuestros dispositivos. Como herramienta imita los reality shows ubicados en coches y además se cuenta con comediantes como Sasheer Zamata o Kyle Mooney (‘Brigsby Bear’), ambos de la escuela de Saturday Night Live o un rostro más famoso como el de David Arquette.

La película imita muy bien los ya clásicos videotutoriales de Youtube y a los insolentes influencers que con cuatro tonterías hacen legiones de adeptos. Me imagino esta película como una trama para un próximo GTA y me gusta la idea, pero me dan escalofríos de lo próxima que está a la realidad con la sociopatía que muestra o con la duda que siembra. ¿Este tipo de fenómenos se hacen a sí mismos o los creamos entre todos?

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘L’ultimo uomo che dipinse il cinema’

Walter Bencini, especialista en documentales, ha dirigido esta preciosidad honrando a Renato Casaro uno de los grandes cartelistas del mundo.

En este documental, Renato, nos abre su estudio y su casa para mostrarnos su colección personal, recuerdos y muchas anécdotas sobre las distintas películas en las que ha trabajado. Al fin y al cabo ha logrado llevar a mucha gente a las salas gracias a sus bellos carteles publicitarios.

En el documental vemos a grandes personajes del 7º arte, como Dario Argento, Aurelio de Laurentis, Terence Hill o Carlo Verdone. Y por supuesto al autor.

Le vemos trabajar, su tranquilidad y facilidad en el trazo y su hiperrealismo en sus obras es algo que logra mantenernos con la boca abierta durante todo el documental.

Es un hombre que sabe de cine, muchísimo y que sin duda ha podido ver miles de películas gracias a su trabajo, el cual adora. Eso es algo que nos cuenta desde el principio, que el cine es su hobby y se convirtió en trabajo. Algo que no podía hacerle más feliz.

Sin duda un documental que espero podamos ver pronto en las salas de cine para disfrutar de estas obras en gran formato. Una delicia.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘The Luggage’

Que corto más duro y complicado. Un padre entra en bancarrota, su mujer le abandona y accidentalmente asesina a su hija y decide introducirla en una maleta.

A partir de ahí le ocurre de todo. La actuación de Mo Tzu-Yi es fabulosa, ves su dolor, su desesperación y el no saber qué hacer con nada en general. Creo que recordar que hace unos años se encontró a un hombre con una maleta en la que estaba el cadáver de una niña, no sé si el director se habrá basado en esa historia. Pero sin duda el corto es bastante duro como al final al padre se le va la cabeza.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Riven’

Buen maquillaje, vestuario e incluso coreografías de lucha. Sobre todo podemos extraer una preciosas estampas con sus fotogramas. Una historia medieval y céltica sobre una dura despedida. Un corto neozelandés de Matt Inns.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Unzo’

El corto dirigido por Roh Jin, es bastante simple, una historia curiosa pero que tampoco nos dice demasiado.

Un transportista de paquetes de China a Corea, se da cuenta de la mercancía que tiene en su furgoneta y del peligro que atañe para su vida. Mientras tanto, Unzo, va recordando una antigua maldición que le contó su tío cuando él era niño.

Un corto muy oscuro y con mafias en el que algo de acción veremos.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Eject’

Algo que hemos visto en las viñetas o en la serie de ‘Locke and key’. Nuestra cabeza vista como un archivador en el que podemos meter o sacar información. Luego están las consecuencias tanto buenas como malas de estas elecciones. Buena puesta en escena, falta algo más de resolución.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Migrations’

Unos granjeros reciben una extraña visita en su casa y no les gusta nada. Este corto belga bien podría haber sacado su inspiración en aquel episodio de ‘Los Simpsons’ donde el señor Burns no hacía más que traer paz.

Divertido y bastante gañán, este corto de 15 minutos nos demuestra que la paz no es para nosotros y que sin duda nos puede más el miedo que otra cosa.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Spoon’

Un corto del venezolano Victor Velasco. Algo desconcertante, casi tanto como la aparición de un objeto volante. El caso es que el objeto en este caso si es identificado. Al igual que la demencia o el Alzheimer es algo difícil de asimilar. Muy bueno para ponerse en la piel de nuestros mayores o enfermos.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Vuelve ‘The Twilight Zone’ y lo hace mejor que en su primera temporada

Estreno de la temporada 2 el 19 de octubre

La mítica serie creada por Rod Sterling vuelve a España con la segunda temporada de su nueva etapa. Esta reciente re-andadura creada por Simon Kinberg, Marco Ramirez y Jordan Peele tuvo detractores y fans por igual y ahora nos propone una nueva tanda de 10 episodios de los que SYFY nos ha permitido ver dos: ‘Among the untrodden’ y ‘The who of you’. El canal de ciencia ficción estrenará la segunda etapa de la serie en nuestro país el 19 de octubre. Como he dicho he podido ver dos de diez episodios y me han gustado más que la mayoría de la anterior.

La originalidad y la potencia de los giros están más a la altura de la serie clásica. Además el discurso es mucho más cambiante y variado. Sigo sin encajar con agrado el nuevo opening que aún conservando más o menos la melodía me parece carente de fuerza. Lo que más me ha agradado es que he tenido momentos de grato desconcierto y los episodios se me han pasado volando por lo ágil que es su trama. Las rarezas que aparecen tienen un contexto, que no una explicación, sirviendo a la trama para acabar con una moraleja. Además todo bien adaptado a nuestros tiempos sin dejar de lado el análisis a las personas. Todo esto es lo que no está sucediendo por ejemplo con una serie tan monótona en sus pretensiones como ‘Territorio Lovecraft’, que también está producida por Peele.

‘Among the untrodden’. ‘Entre los no pisoteados’ es como deberíamos traducir literalmente esa primera historia en la que nos invitan a preguntarnos quién abusa realmente de sus capacidades. Es una típica trama de Instituto en la que la nueva es sometida a acoso escolar por parte de los populares. Si encima la alumna que se acaba de incorporar se declara abiertamente interesada por temas para parapsicológicos está todo servido para que las mentes cortas que buscan cebarse en una víctima tengan un nuevo objetivo. Pero este episodio va de la relación que se crea entre la nueva y la “súpermegapopular”. La mosquita muerta y listilla junto a la inconsciente y superficial. Parece algo típico pero tiene un giro muy interesante. Obviamente hay un componente fantástico que no os voy a desvelar pero sí que os adelanto que os va a hacer dudar sobre quién tiene realmente aquí la capacidad de manipulación más peligrosa.

‘The who of you’ o ‘¿Quién eres tú?’ es un revoltijo no apto para personas con TOC’s relacionados con el orden. Lo fantasioso de este episodio de ‘The Twilight Zone’ responde a los clásicos intercambios de cuerpos. Pero el protagonista se permuta con tantas personas que se hace imposible deshacer el entuerto. Tal vez recordéis la estupenda película ‘Fallen’. Aquí sucede igual, solo que en vez de posesiones son permutaciones de mentes o almas entre un cuerpo y otro, a si es que el lío es mayúsculo. Pero la historia está bien contada y resuelta, pese a que el giro final es en exceso casual.

De momento los protagonistas de lo que hemos podido ver son Sophia Macy, Abbie Hern, Ethan Embry, Daniel Sunjata o Billy Porter, caras quizá no muy conocidas, pero esa era otra peculiaridad de esta serie, que exhibió rostros que posteriormente se convirtieron en celebridades. Aunque también figuraron en la serie actores que ya eran famosos y en esta segunda temporada de ‘The Twilight Zone’ tendremos también estrellas como Chris Meloni, Morena Baccarin, Jimmi Simpson, Gillian Jacobs o Joel McHale.

Obviamente los episodios siguen la línea de la anterior temporada y de toda la filmografía de Jordan Peele en el sentido en el que incluyen siempre protagonistas de raza negra o incluso que están dirigidos ellos. Como es el caso de Tayarisha Poe o de J. D. Dillard. Desde luego cumpliría con requisitos como las cuotas de diversidad que va a imponer la Academia para los futuros Oscars. A mí todo esto me parece bien, sobre todo cuando se siga haciendo fantástico como este que es capaz de captar la atención de todos. Por mi parte quedo a la espera de poder ver el episodio dirigido por dos jóvenes cuyo trabajo me encanta: Justin Benson y Aaron Moorhead. Anotad, ‘The Twilight Zone’ temporada dos, 19 de octubre.

Diario de Sitges 2020. 11 de octubre

Sangre a borbotones

Aunque no los hemos visto aún hoy toca empezar hablando de dos trabajos españoles que además están capitaneados por dos directores consagrados y con bastantes seguidores. Hablamos del ‘Baby’ de Juanma Bajo Ulloa y de ’30 monedas’ de Álex de la Iglesia. Ambos proyectos están presentes en este Sitges 2020 y han tenido rueda de prensa.

‘Baby’, la nueva y muda película de Bajo Ulloa estuvo presentada por su director, Natalia Tena, Mafalda Carbonell y Ferrán Tomás, productor. El director declaró que «confiamos en los elementos puramente cinematográficos, eso son la luz, los decorados, el vestuario, la composición de los personajes, las miradas de las actrices, el sonido, el silencio, la música. Que son los elementos puramente del cine, que a veces noto que se han perdido».

Por su parte Natalia contó que «yo vi a mi personaje como un perro maltratado. Cuando los perros tienen la cola dentro, que están mal, que tienen miedo». Mientras que la joven Mafalda dijo que » yo no me base en nadie. un día hacía de una cosa y otro día de otra cosa, no quería centrarme mucho en un personaje porque si no me iba a liar mucho. Yo cuando iba Juanma y me decía, tienes que ponerte más así, yo decía, vale».

Se preguntó a Bajo Ulloa por esta apuesta tan gótica. «Estamos hablando de un cuento, es un cuento, me interesa en cuanto a las historias de referencia más el gótico que el barroco, por ejemplo, aunque sí que la película es algo barroca en elementos. Pero me interesa el gótico, la madre muerta está bastante presente en este ambiente un poco gótico, de cuento gótico. Y en cuanto al decorado y la casa que es un trabajo excepcional del equipo de decoración, la casa existe, pero está desnuda, está vacía y ellos consiguieron todo este trabajo de jardinería y de ambientación creando estas humedades. Se trataba que la casa estuviese fagocitada por la naturaleza, entonces da la sensación de que se la ha comido la naturaleza. De hecho, es lo que hace la naturaleza, te come. Tú te quedas en el campo y aparte de que te mueres te fagocita».

Y en el caso de ’30 monedas’ la rueda de prensa en un principio había comenzado la emisión pero se ha eliminado, parece ser que por problemas de sonido. Álex de la Iglesia ha dicho sobre esta serie para HBO que “hemos tenido libertad total en este proyecto”. Los comentarios que nos llegan de compañeros que han podido verla hablan de una auténtica pasada de serie. Actualización: Se ha subido la rueda a Youtube con el audio en buena calidad.

Como el resto de días a continuación tenéis nuestros comentarios de más películas en vídeo y en mini-crítica.

‘Boys from County Hell’

Son tantos los pueblos de España que dice que por allí estuvo Cervantes que ya pierde interés ese reclamo. Lo mismo sucede en Six Mile Hill, una villa irlandesa que se vende como el lugar donde Bram Stoker pasó una noche y por eso le han dedicado hasta un pub. Verdad o no en ese lugar también hay un túmulo que se dice que oculta el cuerpo del vampiro original, Abhartach (el cuál pertenece al folclore real de Irlanda) y algo que sucede le despierta y hace peligrar la vida tanto de los protagonistas como del pueblo.

La historia de Chris Baugh tiene terror pero también drama y comedia. Los personajes se llevan a matar y como es obvio tienen que aunar esfuerzos para sobrevivir al día siguiente. En esas relaciones es donde más se ceba la película llevándonos casi siempre al drama. De hecho la primera media hora se cimienta en lloriqueos de autocompasión del protagonista y en las miserias del pueblo.

Tarda en brotar la sangre (que está muy bien hecha) y no acaba de lanzarse la comedia. Y eso que empieza con una escena muy potente. El filme se inclina más a lo oscuro, literalmente pues algunas escenas hay que desentrañarlas entre las tinieblas y la falta de luz. Aunque tiene un final bastante salvaje te deja huérfano de un climáx más potente.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Rent-a-pal’

Un buen hombre, que cuida a su madre con demencia, vive en el sótano de su casa de toda la vida y lo único que hace es ver vídeos que un servicio de citas le ofrece para conseguir a su pareja ideal. Allí conoce el vídeo de Andy, un hombre que quiere ser su amigo.

Jon Stevenson, técnico y director de fotografía nos ofrece su ópera prima, una cinta llena de tensión, tristeza y mucha comprensión.

El personaje de David, increíblemente interpretado por Brian Landis, es un pobre hombre que vive para su madre, se ha olvidado lo que es ser una persona, es decir, por mucho que intente buscar pareja, sabe que tiene que estar al 100% en su casa.

En su vida entra Andy, interpretado por Will Wheaton, un personaje que quiere ser su amigo. Pero, ¿Qué es real y que no lo es? ¿A quién tiene que hacer caso David?. El actor logra que de verdad pasemos un poquito de tensión con este curioso personaje que simplemente se encuentra en el televisor.

Este juego dura toda la cinta y realmente juega muy bien, si que es cierto que el final es bastante convencional y no han arriesgado demasiado, pero sigue siendo un buen entretenimiento.

Comentado por Vicky Carras.

‘Get the Hell Out’

¿Qué puede haber peor que quedarse encerrado en un parlamento con un montón de políticos? Pues que estos intenten devorarte y contagiarte de un virus zombie. ¿Recordáis aquellos vídeos de los parlamentarios ucranianos peleándose? Pues esto lo eleva a la máxima potencia. Eso es lo que pasa en esta comedia divertida y disparatada. Un virus inicia una crisis zombie y esta cepa surge de una planta que una diputada quiere tumbar para recuperar su hogar.

I.-Fan Wang es el director de esta cinta y también presenta este año en el festival el cortometraje titulado ‘Temple of Devilbuster’. Es un joven autor taiwanés que demuestra con este filme tener una visión paródica y muy alocada.

La película es de acción real pero es totalmente anime. Pero ojo que con esto no quiero decir que sea amable pues tiene violencia. Es porque está llena de color, de onomatopeyas dibujadas, de música, de mafiosos e incluso cuenta con un personaje al que le sangra la nariz, cosa que los amantes de ese tipo de animación comprenderán.

La película es muy graciosa y tiene movimientos de cámara y técnicas bastante atractivas. Pero hay que estar predispuesto a una película de tintes asiáticos, es decir, a actuaciones muy exageradas. Si estáis acostumbrados a ver ‘La que se avecina’ seguramente podréis también con el constante griterío de esta película que a veces viene hasta con megáfono.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Yummy’

Lars Damoiseaux, dirige su ópera prima después de contar con unos 7 cortos en su carrera. Tengo que decir que me lo he pasado de maravilla con ‘Yummy’, una película de estas para no pensar y simplemente divertirte con las salpicaduras de sangre que vemos en pantalla.

Acompañamos a una familia que se dirige a una clínica de operaciones estéticas en medio de la nada, para que tanto Sylvia (Annick Christiaens) y Alison (Maaike Neuville), madre e hija, se hagan distintas operaciones que ambas desean. Todo esto muy a pesar del novio de Alson, Michael (Bart Hollanders)

En la clínica les espera el Dr. K. (Eric Godon ) un médico un tanto extraño que esconde demasiadas cosas en su clínica, que está perdida en un bosque.

Todo parece idílico y como podéis imaginar todo se echará a perder en un segundo. Infectados, sangre y mucho humor negro.

Otra cosa no, encontramos grandes persecuciones por el hospital. No nos da nada nuevo, pero no hace falta, pues es divertida y nos lleva a las películas de los años de los 80. El maquillaje está muy bien y las localizaciones no pueden ser mejores para una infección con zombies.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Soy Leyenda’

Gracias a Doré en casa, durante la época de nuestro confinamiento, pudimos ver la mejor adaptación, al menos que he podido ver yo, del libro, ‘Soy leyenda’ y es un corto de más de 30 minutos dirigido por Mario Gómez Martín en el año 1967.

El pesimismo se deja ver en cada uno de los fotogramas de este corto. Para quien no conozca la historia de ‘Soy leyenda’ nos cuenta la historia de Neville, el último hombre que no está contagiado en la tierra de una extraña afección que convierte a la gente en vampiros.

Una historia de vampiros que el cine ha maltratado y que sin duda Mario Gómez Martín logra plasmar perfectamente.

La novela de Matheson fue publicada en 1954 y a España llegó en 1960. Robert Neville tiene como única actividad la de investigar en su refugio en busca de una cura para el virus durante la noche y hacer incursiones mientras los vampiros duermen durante el día.

Una de las cosas que más pone de los nervios de la novela, es que a la noche, los vampiros se dirigen a su casa y le acosan llamándole e incitándole a salir para poder convertirle. Esto se deja ver perfectamente en este corto, la desesperación de Neville, sus ojeras, sus arrugas y su nerviosismo se deja ver en los movimientos del actor.

Sin duda una maravilla poder tener el placer de poder ver este corto y disfrutar de una de las mejores adaptaciones de ‘Soy leyenda’.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Temple of Devilbuster’

Del director de ‘Get the Hell Out!’ repite este año en Sitges con este corto de 24 minutos que nos cuenta la historia de Tai-Bao, reencarnación de la Estrella del Demonio y a A-queen, la persona que está destinada a cargar con sus pecados.

En el submundo criminal encontramos mucha violencia, sexo, violaciones y terribles muertes que harán de este corto un sinfín de acción y sangre por todos lados.

Un corto que si decide alargarlo y crear una película sería maravillosa.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘A Strange Calm’

Dos niños juegan en el campo y un extraño les promete llevarles a los fuegos artificiales a los que se dirigen. No sorprende, pasa lo que te temes, obviamente ese extraño no tiene buenas intenciones.

Son un niño y una niña y la verdad es que el niño es bastante problemático, cuesta creer porqué son amigos con la guerra que da. Es un corto sencillo y breve que no aporta gran cosa.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Bubble’

He flipado un poco con este corto que es bastante extraño y muy desconcertante.

Conocemos a una pareja, nos van mostrando el día a día de ambos, lo que se quieren, cortes de pelo en casa, comer fuera, salir a pasear, hacer el amor, cosas cotidianas en una relación. Hasta que van a comer a un pequeño restaurante y el novio comienza a comer algas sin parar, aquí es cuando ocurre algo que sin duda al menos a mí, me ha dejado de piedra.

Los efectos especiales son bastante malos y el maquillaje más bien parece de disfraz de carnaval, una pena porque está muy bien rodado.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Moires’

‘El sueño de la razón engendra monstruos’, Francisco de Goya, así comienza ‘Moires’.

Una escritora está agobiada con el fracaso de su libro y deja de trabajar con su editor. A partir de aquí algo extraño ocurre en la casa y en la vida de pareja.

Corto curioso y bien rodado. En 20 minutos vemos planos bastante típicos del género pero que siguen siendo efectivos, a la vez que juega muy bien con las luces y sombras.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘The Painted’

Muy curioso, los efectos especiales son bastante buenos y tiene una escena muy trabajada en la que un cuadro se pinta solo que me ha parecido maravilloso. La historia, sencillita, un demonio se pasea tranquilamente por una casa.

La atmósfera es muy romántica, típica casa antigua con un montón de detalles por todos lados, además de sus lujos. Una enfermedad hará que todo se vuelva una locura y un demonio decida aparecer para trastocar las vidas de dos enamorados.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Crawler’

Corto de 7 minutos en el que encontramos a una mujer ensangrentada y una extraña criatura en su pecho.

Nos llevan a una sala forense, con dos científicos ataviados con todo el material específico para no contagiarse de nada. Muy bien rodado nos introduce en una atmósfera bastante inquietante. Con un poco de humor conocemos a la curiosa criatura que han descubierto.

Comentado por Vicky Carras.

Diario de Sitges 2020. 10 de octubre

Queremos un amigo como Psycho Goreman

Hoy han acudido los premiados por Sitges a la habitual rueda de prensa. Najwa Nimri, Oriol Tarragó y Manuel de Blas son algunos de los elegidos este año para recibir los reconocimientos del festival. En el caso de Nimri se le ha otorgado el Gran Premio Honorífico. En el plano técnico (de sonido en este caso) Tarragó se ha alzado con la María Honorífica. De Blas por su parte recoge el premio Nosferatu de la sección Brigadoon por su gran presencia en el fantástico.

De Blas nos ha contado como trabajó con Boris Karloff en sus inicios, cuando no era consciente de la importancia de ello, “con el tiempo lo he valorado más” dijo. “Tenía una voz impresionante. Te hablaba como si sonase en estéreo” añadió. Por su parte Nimri respondió a una pregunta sobre la frecuencia en la que interpreta personajes villanos o en dramas. “Me toca hacer los papeles que son más favorables para mi físico”. También comentó que le gustaría hacer una comedia. “comedia, época y el biopic de alguien, esos son los retos que tengo que hacer” declaró. Tarragó, que en el festival también está presente con ‘Malnazidos’, se mostró agradecido y generalizando reconoció “

El equipo de ‘No matarás’ también ha tenido un espacio de preguntas y respuestas con la prensa. El director David Victori anunció que “es una película en la que tratamos que el público tenga un papel muy activo”. Mario Casas, el protagonista lleva unos cuantos thrillers estrenados en los últimos años. “Las películas que he ido haciendo han sido de manera intuitiva. Me importa poco un género específico. Me han atrapado los personajes y los directores”.

También hemos tenido el placer de entrevistar a Juan Cavestany y podéis oír la entrevista en este enlace así como ver nuestra opinión de ‘Un efecto óptico’ en la segunda entrada de nuestro diario.

Hemos tenido un par de películas con alienígenas o algo parecido… Os lo explicamos en el vídeo y en las reseñas.

‘PG: Psycho Goreman’

Dirigida por Steven Kostanski (‘El vacío’) llega ‘Psycho Goreman (PG)’, una película que me ha encantado, pero que sin duda no me esperaba para nada así.

Conocemos a un extraterrestre que ha sido enterrado en nuestro planeta como castigo por intentar destruir su mundo. Psycho Goreman (PG) es despertado y «secuestrado» por dos niños que sinceramente están bastante locos.

Una guerra galáctica va a llegar a la Tierra y deben de ver si confiar realmente en Psycho Goreman o acabar con él.

¿Por qué no me esperaba esta película? Pues ya que me esperaba una cinta llena de sangre y bastante más seria. En cuanto a la sangre, os aseguro que ésta cinta la tiene, por todos lados, pero lo que es la seriedad. Para mi gran sorpresa me he encontrado con una comedia muy bien hecha y que os puedo asegurar, me hubiese encantado ver de pequeña, con la sangre incluida.

Técnicamente la película es muy cutre, sí, esa es la palabra, pero sin duda muy efectivo y no importa para nada. Algunos personajes son muy japoneses en plan mechas e incluso alguna bruja que aparece también puede recordar al estilo oriental. El resto de personajes, en general, son muy al estilo heavy metal, para explicároslo mejor, deciros que podrían ser miembros perfectamente de la banda de Lordi.

Comentado por Vicky Carras.

‘Hosts’

A veces cuando ves una película te encuentras con sentimientos encontrados y con elementos inexplicables. Eso es lo que me ha pasado con ‘Hosts’, una película que con interpretaciones muy básicas e intensitas y un argumento ya trillado se me ha pasado irónicamente en un santiamén.

Inexplicable es también su fundamento o resolución ya que no se llega a dar explicación a lo que está pasando en la casa donde sucede todo o en el mundo en general. Hay un poco de ‘Funny Games’, pero solo un poco ya que a capricho y sin que sepamos por qué al final del filme, los villanos juguetean o ponen a prueba a determinados protagonistas. Sí que es verdad que con algunas imágenes o frases se entiende un subtexto religioso, pero no se llega a ser explícito con lo que la película quiere exponer. Quizá la primera escena y las palabras de la presentadora del telediario sean las notas más concretas sobre lo que se quiere contar.

Está fuera de lugar la manera en como los personajes llegan tan pronto a un punto extremo de desesperación o cómo no intentan hacer nada para defenderse. Eso está fuera de cualquier instinto de supervivencia. Este es un trasunto de ‘La invasión de los ultracuerpos’ en el que lo más atractivo son los estallidos de violencia, bastante gráficos y con mucho regodeo en la sangre. Los directores Adam Leader y Richard Oakes también se cuelgan una medalla con el buen partido que sacan al brillo de los ojos que caracteriza a estos asesinos que son huéspedes en la casa de sus vecinos y en los cuerpos de otros.

Espero que al menos esta película llegue a los cines, sobre todo si coincide con la Navidad, para que por lo menos cale el mensaje del tipo de “Navidades paganas” que celebramos en estos tiempos.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Tailgate (Bumperkleef)’

Una familia es acosada por un persistente conductor de furgoneta. Lo primero que se me vino a la cabeza al leer sobre esta película o con sus primeros compases fue ‘El diablo sobre ruedas’ la segunda película de Spielberg. Pero esa sensación se disipó repentinamente en cuanto vi que el carácter de los protagonistas perseguidos es diferente y que además resultaba bastante más incoherente.

Haciendo uso muy de vez en cuando de algo de comedia negra la película de Lodewijk Crijns cae más de una vez en absurdos que ojalá estuviesen introducidos para continuar con la comedia, pero no, son errores que colocan a las víctimas en un punto limítrofe con la estupidez. Solo así se entiende que no cuenten con la policía o que se obcequen irracionalmente en llamar con el móvil cuando están rodeados de personas que les pueden auxiliar.

Quizá el carácter frío de la cultura de los Países Bajos hace que el proceder de estos personajes sea como lo vemos, no obstante se aleja de lo sensato demasiadas veces. Si que está mejor concebido el implacable villano que escoge sus víctimas entre aquellos que se saltan las normas sin dar ni un milímetro de respiro. Con él se ha planteado alguna que otra situación tensa.

Dicen que es una película estresante, pero a mí me han puesto más de los nervios los primeros minutos que todo lo demás, incluido su supuesto clímax.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Dana’

Lucía Forner Segarra nos trae un corto de metraje. Una mujer sobrevive a un intento de violación y a partir de ahí se toma la justicia por su mano. A lo Batman, con ayudante y usando métodos cuestionables se convierte en toda una justiciera.

Thaïs Blume reparte leña muy bien y usa mascarilla. Aunque por motivos muy distintos a los que las usamos todos ahora.

A grandes males grandes remedios. Una historia para mostrar como puede empezar una causa o como alguien puede servir de faro, aunque sea con métodos extremos.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Axe to the face’

De momento el corto más flojito de los que he visto, con 17 minutos en su duración nos muestran como se conoce una pareja a través de una app de citas y entre ellos enseguida se crea una relación bastante cómplice.

El título lo dice todo, pero no voy desvelar hacia quien se dirige esa hacha.

La ubicación no puede ser más idílica, una casa súper moderna acristalada por todos lados, con un precioso paisaje nevado y un jacuzzi en el jardín. Que más puedes pedir para una primera cita.

El corto se mueve por el thriller y hay muchos secretos que descubrir. Donde encuentro el fallo es en las actuaciones, bastante forzadas, sobre todo Reid Prebenda que se le nota bastante tenso y no es por qué su personaje lo pida.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘Red Light’

De la mano de Alex Kahuam y con dos actores conocidos en el fantástico como Ted Raimi y Brian Krause tenemos la desventura de unos descarados jóvenes que son secuestrados.

¿Cuán crueles somos? ¿Hacemos algo por los demás? Esa es la alerta roja que nos lanza este corto que entiendo que en su última escena esconde algún tipo de metáfora. Se entienda o no ese cierre se capta el mensaje.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Milk Teeth’

Corto no recomendado para personas con pánico al dolor de los dientes. Yo lo he pasado fatal viendo a los niños quitándose dientes sin parar y es que os cuento. Felipe Vargas nos introduce en un orfanato que se sume en el caos cuando un niño descubre una siniestra criatura que recoge los dientes de los infantes a cambio de algo…

Muy bien rodado, apenas nos enseñan nada y aun así con lo poco que vemos a la criatura da bastante grima.

En cuanto al dolor de dientes, me parece bastante bestia, soy capaz de ver cortar a gente por la mitad o sacar los corazones sin que se me encojan los ojos, pero el tema de los dientes yo lo llevo fatal y sin duda este corto ha logrado que lo pase fatal.

Comentado por Vicky Carras.

Cortometraje ‘The history of monsters’

Un extraño, una captora y criaturas en un bosque. El corto de Juan Pablo Arias Muñoz es el más corto que he visto de esta tanda. Prometía algo interesante con su primer e inquietante tramo pero luego se ha quedado en algo demasiado libre a la interpretación.

No entiendo por qué saltan así del español al inglés y tampoco a qué viene tan petulante título.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Cortometraje ‘Mortal’

Un padre viudo pierde a su única hija en un accidente automovilístico, aquí empieza una espiral de dolor.

Me encanta hacia donde se dirige el corto, la manera de canalizar el dolor que tiene el padre es violenta y fantástica.

Dirigido por Enrique Medrano el corto tiene una duración de 22 minutos y nos muestra muy bien la agonía, la fatiga, la desesperación de un padre que no sabe ya que hacer y no tiene absolutamente nada que perder.

Muy bien dirigido, muy bien introducido el tema fantástico y con una muy buena interpretación de Mario Enrique Siliézar, quien sin apenas palabras logra transmitir mucho.

Comentado por Vicky Carras.

Diario de Sitges 2020. 9 de octubre

Día variado y nos quedamos con la mosca

En el segundo día además de las películas de las que os hablamos en este artículo y en el vídeo-diario hemos asistido a la rueda de prensa emitida en el perfil de Facebook del festival con el equipo de ‘La vampira de Barcelona’, la película de Lluís Danés que da vida a la apodada como la “Vampira del Raval”, interpretada por Nora Navas.

Estaban presentes el director, la actriz, el protagonista Roger Casamajor, Bruna Cusí y Francesc Orella, entre otros. Ante todo Navas a defendido que ella ha interpretado a Enriqueta no ha hecho de “la vampira”. Y es que la película está hecha para mostrar cómo “se creaban monstruos para tapar monstruos”. Danés afirmó´que “no puedo decir que era una santa pero tampoco analizarla con la visión actual. Esta es una historia hinchada hasta límites grotescos. En todas las ciudades les gusta decir que tenían un Jack el Destripador y a Enriqueta la convirtieron en eso.

Cuando veáis la película comprobaréis que visualmente tiene una estética muy trabajada. A nivel estilístico han contado que buscaron tonos de thriller, cuento clásico e incluso de cine negro. Sobre las inspiraciones el director comentó “Tengo muchos referentes. Al final vivo de lo que veo. Fellini me metió las ganas de hacer cine”. La película tiene 3 texturas de color y nos lo explican en el vídeo en el vídeo que hemos enlazado en el primer párrafo.

Cortometraje ‘Rutina: La prohibición’

Del director de ‘Pos eso’, Sam, nos trae un corto de unos 8 minutos muy pesimista y lleno de oscuridad, en los que una sociedad está aplastada por el tirano y las fuertes leyes que este les pone.

Con una estética muy chula, la técnica del stop motion es impecable. Ya demostró en ‘Pos eso’ el gran trabajo con la plastilina, pero aquí va mucho más allá. Grandes texturas y difíciles movimientos es lo que vemos en pantalla. Unos personajes muy bien diseñados que sin duda os darán mucha pena.

 

Comentado por Vicky Carras.

‘Mandibules’

Quentin Dupieux (‘La chaqueta de piel de ciervo’) nos vuelve a sorprender con su nueva película ‘Mandibules’. Un road trip con dos personajes bastante tontos y a la vez entrañables que se encuentran una mosca gigante a la que quieren amaestrar.

En su viaje se encuentran con un grupo de amigas que les invitan a la casa de una de estas e intentan esconder a Dominique (la mosca). El humor y las situaciones absurdas que crea Dupieux me parecen genialidades, no he visto toda su filmografía y lo descubrí gracias a Sitges, pero cada día tengo más claro que es un director que no decepciona.

Con una banda sonora muy tierna y unas imágenes muy luminosas quizás es la película más simpática que he visto del director que siempre termina liándola en los finales de sus películas.

Una película muy recomendable que pronto veremos en pantalla grande gracias a Karma Films.

Comentado por Vicky Carras.

‘Un efecto óptico’

Cavestany vuelve a aliarse con rostros conocidos del cine español para llevar a cabo una de sus chifladuras. Película absurda que pide ser desentrañada constantemente y que reclama la permanente atención del espectador.

Carmen Machi y Pepón Nieto interpretan a una pareja que se va de viaje. Pero el viaje se torna cada vez más raro y cómico a los ojos del espectador. Lo que sí que comparten tanto los que están en las butacas como los que están en la pantalla es la cara de perplejidad ante el innumerable desfile de desvaríos que van sucediendo.

Esta no es una película de personajes que dan vergüenza ajena pero si mantiene la línea del director en cuanto a dejarnos desconcertados. Quedaos bien con sus pistas y sus running gags que al final vais a tener que reunirlos para comprender este simpático filme que se muestra fragmentado.

 

 

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘La vampira de Barcelona’

Enriqueta Martí, conocida como la Vampira del Raval, fue una supuesta asesina en serie española. Especialista en secuestrar a niños de los que además de prostituirles, les asesinaba y aprovechaba todo de ellos, desde la grasa, la sangre, los cabellos e incluso los huesos.

Lluís Danés nos trae su historia desde el punto de vista periodístico. Seguimos a Sebastià Comas en una red de prostitución y pederastia que ni el mismo podrá controlar. Entre medias aparece Enriqueta Martí, una mujer que ha sido encarcelada y que según Sebastià hay demasiadas dudas.

El director juega con las actuales teorías de que simplemente Enriqueta fuese una víctima, una mujer con problemas mentales a la que lograron inculpar para tapar otras historias más cruentas.

La cinta va perdiendo fuelle según avanza, aburre un poco su historia pero he de decir que visualmente es preciosa. La fotografía mezclando blanco y negro y colores específicos me parece un recurso muy llamativo y que funciona perfectamente. Al igual que el montaje de la película que está muy cuidado.

En el reparto encontramos a Sergi López, Francesc Orella, Bruna Cusí, Nora Navas y Roger Casamajor.

Comentado por Vicky Carras.

‘Kubrick by Kubrick’

Esta película de una hora sirve para engrandecer la figura de un director cuya obra y carácter ya le dejaron el panteón de los ilustres. Arranca con la muerte del cineasta y después sigue con testimonios de artistas que estuvieron relacionados con él, pero sobre todo con palabras del propio Kubrick acompañadas de recreaciones de sus escenarios, de fotografías y secuencias rescatadas. Así da testimonio de su legado artístico.

Su propia voz y las experiencias relatadas por aquellos que trabajaron en sus películas también hablan sobre la personalidad de un director que podía volver locos a sus compañeros o a sus empleados con su perfeccionismo. También de alguien que era controlador de su obra hasta el punto de gestionar sus películas con el material que tenía en su propia casa y rodando lo más próximo a esta que podía.

Es más original e introspectiva la entrevista recreada en ‘2001 destellos en la oscuridad’ pero en este caso al partir de las propias palabras grabadas de Kubrick, extraídas de conversaciones sobre cada una de sus películas, tal vez encontréis motivaciones o mensajes de algunos títulos en los que nunca antes habíais caído. Como el hecho de que ‘La naranja mecánica’ sirva para demostrar como de ineficientes o incluso inútiles son las autoridades y gobiernos.

Repasa las técnicas y las obras que a lo mejor vais a descubrir con asombro, siempre realizó a partir de novelas (salvo en su primer filme).

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘The pale door’

Abre con una cita de Allan Poe, por lo que se espera algo macabro, íntimo, tremebundo, psicológico o personal. Pero lo único que tiene esta película en común con Poe es la tragedia y que aparecen cuervos. Está protagonizada por dos hermanos marcados por un suceso doloroso pero separados por su manera de ser. Se ven juntos de nuevo y tras un malogrado atraco acaban en un pueblo llamado Potemkin en el que solo hay mujeres.

Como en ‘En tiempo de brujas’ los protagonistas se ven escoltando a una bruja, pero en esta ocasión desconocen su naturaleza. No tardan mucho en salir a la luz estas siervas del diablo con nariz de bruja piruja. Pronto veréis que el ataque de estas brujas churruscadas es una versión low cost de ‘Abierto hasta el amanecer’.

Tiene guiños a los Dalton o a tomas famosas de Leone. Mucho postureo de manual y sangre, en ese sentido hará las delicias de los que gocen la serie B. Esto habría ganado más con un toque a lo S. Craig Zahler o si hubiese tomado las lecciones adecuadas de Tarantino.

La música cansa y hay más de una conversación absurda. Y lo peor es el montaje y los recursos tan pobres que emplea para intentar generar inquietud o recrear la acción, no funciona. En casi todas las secuencias tenemos planos muy cerrados o partes cortadas para evitar tener que usar algún tipo de efecto especial o simplemente para no tener que mostrar al completo una escena de sexo. Cuando luego es una película capaz de ostentar maquillajes a cuerpo completo o tiros en la cabeza. Es un quiero y no puedo. Era de esperar teniendo en cuenta que el productor es la mente que ideó Bubba Ho-Tep.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Crítica: ‘Nación cautiva’

Sinopsis

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Diez años después de que la Tierra haya sido sometida por una fuerza extraterrestre, la sociedad humana se divide en disidentes y colaboracionistas. En la ciudad de Chicago un grupo de jóvenes busca sobrevivir y recuperar su identidad, pero no lo tendrá fácil.

Crítica

A pesar de ponernos en la mierda, cautiva

Aún me acuerdo cuando era pequeño y en mi casa seguíamos ‘V’, la serie de alienígenas come ratas. Con el tiempo, tras ver y comparar con multitud de películas sobre invasiones uno ha aprendido a valorar más esa serie que ya por entonces rompió moldes. Y es remarcable por haber sido pura ciencia ficción y por toda esa etapa de resistencia prolongada en el tiempo en la que basó su argumento, algo que hemos visto más últimamente. No es que quiera comparar o poner a ‘Nación cautiva’ a la altura de tan entrañable serie pero si que puedo asegurar que os va a recordar a aquella idea de Kenneth Johnson, autor también de ‘Cortocircuito’ y de ‘Steel’.

‘Nación cautiva’ abarca los tiempos de una postguerra. Una contienda que se salvó con el éxito de los alienígenas y la subyugación de la humanidad. Es de esas narraciones que mandan al carajo todo ese optimismo, patriotismo y virtuosismo de películas como ‘Independence Day’ o ‘Invasión a la tierra’. Directamente arranca en un punto derrotista y destructivo en el que Rupert Wyatt, director de ‘El origen del Planeta de los Simios’, vuelve a meternos en las cloacas y a sacar el lado oscuro de la humanidad.

Con un trabajo inferior al remake de la película simiesca Wyatt vuelve a pintar un futuro muy aciago para la humanidad. Al igual que la serie ‘Colony’ arranca directamente en el punto en el que llevamos años bajo el mando alienígena, o tal vez debería decir sobre porque estos son unos extraterrestres que se nos acomodan bajo tierra, en plan locust. En ese punto de partida se antoja interesante pues nos hace deambular por una trama suburbana y con asuntos de familia, que no falten en las producciones de Amblin y DreamWorks.

Donde hay invasores siempre surgen oportunistas y colaboracionistas. Por supuesto y por suerte ante situaciones así siempre nos amparamos en la clásica resistencia. Lo que vemos en ‘Nación cautiva’ se amolda a los esquemas de un gran hermano y un estado fascista. La película nos pone en situación rápidamente con una secuencia introductoria a base de noticiarios. Irónicamente durante el filme no cunde esa agilidad alargándose excesivamente con algunas secuencias que podrían haberse resumido. Pero igualmente consigue dar acción y plantear una narración y una disposición de personajes con los que es fácil simpatizar.

En líneas generales esta es una película que se deja ver muy bien, sobre todo porque se gusta con los planos amplios, con lugares colosales. También porque se reserva algún giro y tiene ciertos toques de originalidad. Me ha encantado el diseño de los alienígenas y de sus trajes, sobre todo porque no me esperaba verlos en pantalla, pensaba que iban a estar ocultos siempre manteniendo el suspense. Tampoco me extraña la calidad de estos seres, aunque sus escenas son algo confusas, ya que Greg Nicotero los ha recreado e incluso interpreta a uno.

Tener a John Goodman, que ha hecho en su carrera casi el mismo número de personajes adorables como viles, ayuda mucho. Eso lo habrá aprendido el director tras contar con él en ‘El jugador’. Aporta un alto grado de suspense pero no le considero exactamente el protagonista, aunque su rol me ha recordado mucho a lo que está planificado para Jeremy Reiner en ‘Spawn’, si se llega a rodar. Los protagonistas son Jonathan Majors (‘Territorio Lovecraft’) y Ashton Sanders (‘Moonligth’), pese a que la película se olvida de este último durante casi todo un acto. Son dos actores que me parece que tienen mucho futuro, que en esta película no tienen fallos pero tampoco se les ve brillar en exceso. Aún más inexplicable es el desaprovechamiento de Vera Farmiga que pasará por muy poco los cinco minutos en pantalla.

‘Nación cautiva’ está por encima de otras producciones de ciencia ficción que parece que se hacen por cumplir una cuota. Puede sorprender a espectadores más tiernos, sobre todo si se desarrolla con alguna secuela ya que esta parece un punto de partida que no acaba de formarse como un análisis exhaustivo de algo concreto, quizá tampoco lo pretenda. ‘Nación cautiva’ llega tarde y a tiempo. Tarde porque tenemos un desfase de más de un año y medio con respecto a su estreno en otros países. A tiempo porque es un buen entretenimiento, lo suficientemente cautivador como para que nos merezca la pena el paseo hasta el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: Captive state. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Rupert Wyatt. Guion: Erica Beeney, Rupert Wyatt. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Alex Disenhof. Reparto principal: John Goodman, Ashton Sanders, Jonathan Majors, Vera Farmiga, Kevin Dunn, James Ransone, Alan Ruck, Madeline Brewer. Producción: DreamWorks, Amblin Partners, Lightfuse & Gettaway, Participant. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/captivestate/

Diario de Sitges 2020. 8 de octubre

Un arranque divertido y no exento de terror ni de zombie walk

Ya ha arrancado la 53 edición del Festival de Sitges y como en años anteriores empezamos nuestro diario en el que iremos publicando pequeñas críticas de todo lo que vayamos viendo. Este año dada las circunstancias cubriremos el festival en su modalidad online a si es que el contenido lo tenemos más limitado aunque no por ello va a ser escaso.

Hoy hemos arrancado con el cortometraje de Paul Urkijo Alijo, que ya participó en Sitges con la espléndida ‘Errementari’. Seguido de ese corto se ha proyectado ‘Malnazidos’, la cual pese a no estar disponible en el catálogo online pudimos ver gracias a un pase de prensa realizado por Sony Pictues, la distribuidora que lanzará el filme en cines en enero de 2021. Podéis leer nuestra crítica en este enlace o nuestra opinión en este diario.

Hemos visto la rueda de prensa de ‘Malnazidos’ que además estaba celebrando su estreno mundial. En ella se habló del tipo de zombies o localizaciones que se plantearon, entre otras cosas. Dado que es una película ambientada en la Guerra Civil Española se preguntó acerca del carácter del filme, a lo que Alberto de Toro contestó “Quien quiera sacar lecturas son bienvenidas, pero están en vuestras cabezas […] Si hay cosas son más morales que políticas”.

También hemos visto la canadiense ‘Vicious Fun’ (muy divertida) y ‘Last Words’ de Jonathan Nossiter. Nos hemos aventurado además con la película de Romola Garai, ‘Amulet’. De todos estos títulos os hablamos en el canal de Youtube y con más detalle en las siguientes minicríticas.

Cortometraje: ‘Dar-Dar’

Paul Urkijo ya nos sorprendió en la 50ª edición de Sitges con el estreno de su ópera prima ‘Errementari‘. Este año vuelve para inaugurar su nuevo corto que nos regresa a esas leyendas de Euskadi que tanto le gusta mostrarnos y que aprendamos.

Dar-Dar, es un demonio que se alimenta de dedos y cuando aparece dice así «Dar, dar, dar, dame tu dedo para cenar. Si no me los das, por la noche me verás y con tu alma pagarás».

Son 10 minutos de cine mudo, en blanco y negro con una preciosa y tenebrosa fotografía de la mano de Gorka Gómez Andreu, con el que ya trabajó también en ‘Errementari’.

Al igual que en su ópera prima, vemos que Paul no tienen ningún miedo a rodar con niños y sin duda es algo que se le da muy bien. Udane Elosegi nos muestra el terror con su mirada y movimientos y eso es algo que se logra con confianza y mucho trabajo.

El reparto lo completan Almudena Cid y Elias García, ambos muy bien en sus distintos papeles.

Comentado por Vicky Carras.

‘Malnazidos’

En 2005 apareció el ‘Resident Evil 4’ basando su ambientación en España. ¿Y si se hubiese hecho la precuela en forma de película? El filme de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro podría hacer las veces, pero obviamente no cuadraría con la franquicia de Capcom. Lo que vemos en esta película si que recuerda bastante a ‘Wolfenstein’ o a ‘Overlord’ (otra película que pasó por Sitges en 2018).

Esta no es una película encarnizada, incluso la sangre de los zombies se muestra en forma de polvo por motivos de la trama. Pero si tiene lo suyo de acción y algo de gore plastificado con referencias a clásicos incluidas. Podría haber sido también una película punzante teniendo en cuenta que todo sucede en un valle donde los caídos se levantan. En lugar de eso tira más bien hacia lo ridículo, lo gracioso y nos carga de tópicos. Tal vez esta película se haga con el récord por ser será la cinta en la que se dice “facha” más veces.

La adaptación de la novela ‘Noche de difuntos del 38’ cuenta con un protagonista interpretado por Miki Esparbé. Él hace de un buscavidas y aprovechaoportunidades que maneja bien. Le rodean actores como Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Aura Garrido, María Boto, Francisco Reyes, Sergio Torrico, Asia Ortega… No falta talento y tampoco los apodos que parecen sacados de ‘Historias de la puta mili’.

Me lo he pasado bien con ‘Malnazidos’, sobre todo cuando arranca su continua persecución y siguiendo el juego de algunos guiños y burlas. Me quedo con esa parodia que entiendo que hace justicia ante la farsa de alguien tan simbólico como Robert Capa.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Amulet’

La primera película de Romola Garai viene con carga. La actriz se estrena como directora en un título que se maneja con pocos personajes y un giro potente. Entre las protagonistas está la que interpreta Imelda Staunton, la Dolores Umbridge de las películas de ‘Harry Potter’. Seguro que cogisteis manía a su personaje en la saga del mago y en esta película puede que empecéis también con ese sentimiento. Pero ‘Amulet’ le dará la vuelta.

Este es un filme que basa gran parte de su metraje en sembrar atmósfera. Posteriormente tiene alguna que otra escena repelente, pero sobre todo es su ambiente el que os va a atrapar. También mantendrá vuestro interés con los sueños o recuerdos que tiene el protagonista y por el amuleto que aparece de vez en cuando.

Esta es una historia que sigue la senda de lo inquietante y lo desesperante. También es una narración un tanto asfixiante con toques de feminismo, redención y venganza. Acierta mucho con el plano técnico que mantiene con uniformidad un toque sucio y generando además su propia mitología. A pesar de su gran cambio de rumbo en el último acto ya hemos visto cosas parecidas anteriormente, no sorprende con su propuesta y su resolución. Mucho sembrar para obtener frutos ya probados.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

 ‘Last Words’

Estamos en 2085, el mundo se está acabando y la raza humana está desapareciendo. Conocemos a un joven que pierde a su hermana en un París destruido y se dirige hacia Bolonia en la búsqueda de un deseo. Allí conoce a Shakespeare un hombre que le descubre el cine. Desde allí deciden viajar a Atenas y mostrar las películas que tienen a quien logren encontrarse.

Película muy luminosa y a la vez pesimista. Estamos en un mundo desértico donde todos intentan sobrevivir como pueden. La gente nace sin conocer el pasado y la iniciativa de Shakespeare es que puedan construir una cámara para poder filmar y que el mundo tal cual es en su actualidad quede registrado.

Basada en la novela de Santiago Amigorena, la película nos muestra un mundo triste, sin apenas vida y de la que cada vez queda menos tierra pues está siendo comida por las inundaciones.

También vemos los típicos problemas que entran en estas historias. Caníbales, salvajes e incluso gente que no sabe ni siquiera hablar, la civilización se ha ido perdiendo para dejar paso a la supervivencia y a no convivir con nadie.

Dirigidos todos por Johathan Nossiter, en el reparto encontramos caras bastante conocidas como Nick Nolte, Charlotte Rampling o Stellan Skarsgard. Gracias a ellos vamos viendo el paso de la humanidad, la alegría y esperanza finalizando en la tristeza y desesperación.

Comentado por Vicky Carras.

‘Vicious Fun’

Se ríe abiertamente del género desde un punto de vista fan. Cody Calahan homenajea el género slasher con guiños (incluso a su propia filmografía), comedia y tirando de villanos arquetípicos. Precisamente el tener un elenco variopinto de asesinos es lo que la hace más divertida. Está el que masacra brutalmente, el que mide cada uno de sus pasos, el caníbal y hasta el meticuloso tipo Christian Bale en ‘American Psycho’. Todos ellos contra un protagonista bobalicón que no carga y resulta simpático.

A pesar de contar con un personaje principal miedica y torpe este se considera sabio dentro del género de terror y se dedica a escribir reseñas en una revista especializada llamada ‘Vicious Fanatics’. Por casualidad y por mezucón se ve metido en una reunión de asesinos. Una situación peliaguda y escalofriante para él pero divertida para nosotros.

Todo acaba siendo una reunión para los que se lo pasan de vicio viendo terror o causándolo. Podríamos pensar que al tener a un crítico de cine enfrentado a unos asesinos preconfigurados este se dedicaría a usar sus conocimientos para salir del atolladero. Pero la película pierde esa oportunidad y se soluciona por otras vías. Podríamos dividir la película en dos encierros que se rompen por el asalto de los psicópatas, uno de ellos un tanto al estilo de ‘Asalto al distrito 13’.

Rememora mucho al cine de los 80. ‘Falcon Crest’, las luces de neon, la música de sintetizador y hasta un reloj calculadora dan cuenta de ello. No tiene super-estrellas pero su elenco protagonista incluye caras conocidas como Evan Marsh, Amber Goldfarb, David Koechner, Robert Maillet…

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Crítica: ‘Malnazidos’

Sinopsis

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Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.

Crítica

Va de malnacidos pero está bien traída

‘Malnazidos’ llega para llenar de sangre una época que de por si fue sangrienta. La Guerra Civil Española sirve de marco para una historia de zombies muy simpática y con algo de gamberrismo. Hermanos contra hermanos, reunidos de nuevo para matar también a aquellos a los que conocen, pero esta vez más que nunca el motivo es la supervivencia.

Evitar ser comidos es la misión primordial de los contendientes de esta guerra en cuyo frente ha surgido un mal que amenaza a todo el mundo. Igual que en el ‘Resident Evil 4’ en un pueblo español surge un brote zombie que arrasa con todo lo que toca o más bien muerde. ‘Malnazidos’ es una obra de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro (‘Superlópez’, ‘Anacleto agente secreto’) ambos acostumbrados a manejar la comedia y eso han hecho de nuevo en esta película que tiene poco de terror y mucho de humor y carnicería.

‘Malnazidos’ ya ostenta el privilegio de haber sido la película de inauguración del festival de Sitges. Le pega mucho un festival fantástico como ese ya que su trama es totalmente fantasiosa y paródica. Además se agradece que aunque es burlona y paródica, no busca hacer leña del árbol caído. Creedme cuando os digo que podría haberse puesto a lanzar muchas más indirectas o se podría haber concebido como algo más explícito y rencoroso. Pese a transcurrir en un valle donde los caídos se levantan y piden guerra no se dedica al discurso político. Pero también es cierto que nos colma de tópicos y palabrería relacionada con los años de lucha fratricida, que por desgracia hoy en día seguimos oyendo. Reparte a diestro y siniestro y lo que mejor he interpretado que hace es desmentir iconos a veces malamente idolatrados como Robert Capa.

Obviamente no es una película infantil ni para aquellos que no aguanten la casquería. De hecho deja alguna perla referencial para los fans del género. El entusiasta reparto encabezado por Miki Espabé, Aura Garrido, Luis Callejo o Álvaro Cervantes, entre otros, parece que se lo ha pasado en grande y por lo menos consigue divertirnos a nosotros también. Si no consigue éxito rotundo en taquilla por lo menos se meterá entre esas películas amadas por unos cuantos o como se dice, de culto.

Lo que no se decir es si está a la altura de ‘Noche de difuntos del 38’, la novela de Manuel Martín de la que surge toda esta historia llena de malnacidos. Si me decís que sus persecuciones y tiroteos están tan graciosos y que su violencia no tiene tampoco pelos en la lengua me la leeré. Y si también me recomendáis una hojaldrinas las compraré para acompañar.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de marzo de 2022. Título original: Malnazidos. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera, Alberto de Toro. Guion: Jaime Marqués Olarreaga, Alberto Fernández Arregui, Cristian Conti. Música: Javier Rodero. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Manel Llunell, Mouad Ghazouan, Dafnis Balduz, Sergio Torrico. Producción: Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, Malnazidos AIE, La Terraza Films, Ikiru Films. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, terror, comedia. Web oficial: https://www.ikirufilms.com/portfolio_page/malnazidos/

Crítica: ‘Verano del 85’

Sinopsis

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Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.

Crítica

Ozon destroza la idealización en el amor

François Ozon vuelve a nuestras carteleras tras la muy bien recibida ‘Gracias a Dios’. Y de nuevo la propuesta que nos ofrece consigue ser cómoda e incómoda a la vez. Ozon es muy bueno con sus planteamientos y siempre nos remueve, nos invita a pensar y demuestra ser cineasta de inquietudes.

En ‘Verano del 85’ nos presenta a dos amigos. Esta es la crónica de una muerte anunciada (coger solo el título no conserva similitudes con la novela de García Márquez). Desde el principio nos indican que hay un personaje que ha muerto y desde la obsesión por la muerte de uno de los protagonistas y las pesquisas que se realizan en torno a él se nos narra todo este verano del 85.

Si es verdad que esta película tiene algo de Guadagnino. Pero aunque este filme tiene una importante carga erótica y aborda la homosexualidad para mí más que parecerse a ‘Call me by your name’ como ya he oído se me asemeja a ‘We are who we are’ o a ‘Las niñas’, por relacionarla con títulos recientes. Lo que quiero decir no es que esté influenciada por esos trabajos que han sido estrenados hace poco, sino que se está generando una corriente que intenta inmortalizar de alguna manera cómo ha crecido determinada generación o a qué inquietudes se ha enfrentado.

‘Verano del 85’ es un ensayo sobre cómo nosotros mismos escribimos o re-interpretamos nuestra propia historia. Me gusta su exposición de cómo somos capaces de encandilarnos de una idea y puede llegar a sorprender la lucidez de determinados personajes jóvenes con respecto al tema. Ozon nos expone claramente y desde distintos ángulos cómo a veces lo que amamos es lo que nos imaginamos, no lo que realmente hay. Incluso me atrevo a decir que nos lanza un dardo a todos aquellos que recordamos con anhelo y nostalgia los años 80. ¿Fue realmente una época para enmarcar o nos vendemos una idea idílica de ella?

Muy pocos pondrán también en entredicho que Ozon tanto como guionista o como director sabe construir personajes. En este caso nos pone delante a dos muchachos movidos por pulsiones. Uno en plenas vacaciones (Félix Lefebvre) y el otro materializando el duelo por una pérdida (Benjamin Voisin). Se influyen mutuamente hasta el punto de forzar la relación que surge entre ellos. De manera inconsciente o no, comienzan algo que les marca de por vida. Que uno vaya en un barco con nombre de la enamoradiza Calypso y el otro en uno cuyo significado es “bofetada culo” lo dice todo. Me funciona muy bien el cómo Voisin parece sacado de ‘The Warriors’ con sus pintas, sus maneras y su peine retráctil, atrapando arrolladoramente a Lafebvre, que es un niño más bien discreto. Y también es muy buena tanto la interpretación como la concepción de esa madre compungida y trastornada encarnada por Valeria Bruni Tedeschi.

Vais a extraer buenas escenas de esta película cuando os pongáis a recordarla. Su arranque es muy potente y tiene intensos momentos, como el de la discoteca o el de la trastienda. Quizá no es la mejor película de Ozon pues se hace aburrida en algunas escenas muy extendidas, pero es un filme que traerá recuerdos a muchos y que a otros les hará cavilar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de octubre de 2020. Título original: Été 85. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Jean-Benoît Dunckel. Fotografía: Hichame Alaouie. Reparto principal: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Isabelle Nanty, Melvil Poupaud, Valeria Bruni-Tedeschi. Producción: Mandarin Productions, FOZ, France 2 cinema, Playtime Production, Scope Pictures, Radio Télévision Belge Francophone, Canal+, OCS, France Télévisions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: https://www.golem.es/distribucion/peliculas/verano-del-85/

‘Cris Superstar’ un corto musical que os va a sonar

Protagonizado por Virginia Rodríguez, Naím Thomas y Darío Frías

Guillermo Fernández Groizard (‘Esto no es una cita’) ha realizado ‘Cris Superstar’. Un cortometraje musical de veinte minutos en el que se reutilizan las canciones de ‘Jesucristo Superstar’. La mítica banda sonora del musical sirve para contar una historia diferente. En esta ocasión se centra en una camarera (Virginia Rodríguez) que quiere ser actriz y el destino le brinda la oportunidad. Pero hay trampa. El mal esta vez no viene por parte de Judas o de Poncio Pilato si no de Patatoni (Naím Thomas) y su acompañante (Darío Frías) que en un viaje que tiene como propósito adquirir unos canales televisivos se topan con ella y prometen convertirla en una superestrella.

Es original la propuesta. La música de Andrew Lloyd Webber vuelve a sonar manteniendo las letras de Tim Rice. Es un copia y pega. Una re-adaptación en la que los bailes se me antojan más energéticos. Por supuesto no sucede todo como en la ópera rock que trasladó a la pantalla Norman Jewison. Ahí reside su originalidad, en que el contexto y la acción son diferentes, aunque paralelas. Obviamente tiene una trama moderna pero todo se hace cuadrar con las letras de las canciones.

Aunque ‘Cris Superstar’ cuenta con un cantante popular como Naím Thomas las voces van en playback. Lo que si que está más elaborado es la coreografía. Lo cual tampoco era de extrañar pues la actriz protagonista es quien produce Rocky Horror Madrid, hay tablas. Los bailarines nos llevan de un lado a otro del escenario que está ambientado en el Autocine Madrid RACE. Con una estética vintage rodean a los protagonistas saltando ante la cámara para cantar lo que en la versión original interpretaban los apóstoles y demás personajes.

Espacio para los huevos de pascua. El corto está producido por Metrópolis c.e. y en la ventana del restaurante está impresa su marca.

Acaba de empezar su andadura en festivales y esperamos que podáis verla estrenada posteriormente.

Crítica: ‘El juicio de los 7 de Chicago’

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Lo que iba a ser una protesta pacífica durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 se convirtió en una violenta batalla campal con la Policía y la Guardia Nacional. Los organizadores de la protesta —entre los que figuraban Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden y Bobby Seale— fueron acusados de conspiración para incitar una revuelta, y el juicio posterior fue uno de los más notorios de la historia de Estados Unidos.

Crítica

Sorkin dirige de nuevo y su juicio no es fallido

Aaron Sorkin siempre se las apaña para encontrar nuevos hechos reales que analizar y adaptar a la gran pantalla. En su segunda película como director vuelve a remontarnos al pasado. Títulos suyos como ‘Molly’s game’, ‘La red social’, ‘El ala oeste de la casa blanca’, ‘The newsroom’… han dejado más que demostrado que es una persona crítica y mordaz. Con ‘El juicio de los 7 de Chicago’ trae otra obra que sigue la línea de su filmografía. Es decir, a través de un tono sarcástico y un ritmo rápido juzga la condición humana, la sociedad y los estamentos.

En esta ocasión rescata de la memoria el notorio juicio celebrado a finales de los sesenta en Estados Unidos a raíz de unos altercados violentos producidos tras un intento de manifestación pacífica contra la guerra de Vietnam. Se puede resumir la película y aquello que sucedió como un enfrentamiento entre los pacifistas y el gobierno de Estados Unidos. Un juicio político.

Bien es cierto que la película empieza de una manera muy ágil, muy vivaz. Para ello se dedica a charlatanear con réplicas ingeniosas y running gags. Ese ritmo se va perdiendo muy poco a poco y si que es cierto que con el toma y daca de la sala del tribunal intenta recuperarlo pero en ningún momento vuelve a poner el pie sobre el acelerador. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ es buena, entretiene e informa además de hacer pensar. Pero al fin y al cabo termina cumpliendo los mismos esquemas que todas las películas sobre procesos judiciales: abusos de autoridad, posicionamiento catastrófico, giro a favor de “los buenos”, nuevo revés y fallo del jurado… que obviamente no diré cuál es aunque esta sea una historia real. Lo que quiero decir es que este tipo de películas siempre se me hacen largas por cumplir patrones tan monótonos.

Si que hay que atribuirle el mérito de llevar con gracia la historia. El juicio fue bastante variopinto, un circo mediático convertido en jaula de grillos. Esto es sobre todo porque tenemos a un juez en la sala que está bastante senil. A Frank Langella le vais a coger más tirria con este magistrado que con el Skeletor que hizo en 1987. Pero también es una película sugestiva por el reparto coral que tiene y los acusados tan diversos que presenta. Y no lo digo solo por las payasadas y lucideces que puedan soltar Sacha Baron Cohen y Jeremy Stong o la sencilla simpatía de Mark Rylance. Lo digo por la identificación de facciones de izquierdas exhibida y que solo en contados momentos se manifiesta de forma explícita. En España, que en la última década hemos vivido como la izquierda se identificaba más diversa que nunca, podemos sentirnos más que identificados con el grupo de manifestantes que rema en la misma dirección, pero en distintos botes. También me ha rememorado a los tiempos del “No a la guerra”, aquellos en los que se pedía a gritos el no ir a Irak.

Obviamente esta no es una película de las mismas características que ‘Algunos hombres buenos’, aunque si consigue alejarse de cualquier polarización absoluta en las ideologías y pensamientos de sus personajes. ‘El juicio de los 7 de Chicago’ nos hace reír, recordar y pensar, no obstante habría sido más interesante si hubiese explorado más el mencionado tema de las facciones. Pero con su agilidad y su retrato de la incompetencia institucional nos cautiva. Esto último más que un pero es un aliciente que siempre nos trae de vuelta a un gran Sorkin, no el mejor pero si uno necesario.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de octubre de 2020 (cines). 16 de octubre de 2020 (Netflix). Título original: The trial of the Chicago 7. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guion: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Mark Rylance, Michael Keaton, Alex Sharp, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Yahya Abdul-Mateen II, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Frank Langella, Noah Robbins, Danny Flaherty, John Doman, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, Max Adler. Producción: DreamWorks, Amblin, CAA Media Fiance, Cross Creek Pictures, Double Infinity Productions, MadRiver Pictures, Marc Platt Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Rocket Science, ShivHans Pictures. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81043755

Crítica: ‘Falling’

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John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos, Mónica, en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen / Sverrir Gudnason) un granjero tradicional y conservador, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse.

Crítica

Viggo Mortensen se consagra como artista total

A todos aquellos a los que Viggo Mortensen ya ha cautivado previamente con sus interpretaciones, ‘Falling’ va a afianzar ese idilio cinematográfico. Esta película constituye la consagración del actor como artista total ya que ha elaborado un espléndido trabajo en el plano actoral pero también como director, guionista e incluso a los mandos de la banda sonora.

No suelo confiar mucho en películas en las que un actor se dirige e incluso se escribe a sí mismo. Eso ayuda al compromiso del artista pero juega en contra a la hora de corregir defectos. Pero ‘Falling’ resulta totalmente auténtica. Además en ella Mortensen supera dos retos difíciles: dirigir a niños y capitanear a un actor con tantas tablas como Lance Henriksen. Domar las maneras de los jóvenes intérpretes que aparecen en la película puede ser difícil. Pero se me antoja más complicado orientar hacia sus propios propósitos a aquel que se ha enfrentado a aliens, cenobitas y Van Dammes. Incluso tiene el detalle de dar un cameo a un director como David Cronenberg con quien guarda una estrecha relación artística e imagino que también personal.

En ‘Falling’ Mortensen actúa como el hijo de un padre que me gustaría calificar como peculiar pero lo cierto es que aún abundan. El personaje que interpretan igual de bien Henriksen y Sverrir Gudnason es un hombre retrógrado y agorero. Solo así se definir a un hombre que cuando saluda al bebé que es su hijo le dice por primera vez “siento haberte traído a este mundo, porque luego querrás morir”. Está chapadísimo a la antigua y sin afán de dañar u ofender provoca constantemente vergüenza ajena. Tiene cosas muy entrañables e incluso admirables pero sus valores están muy desfasados. Si a eso le sumamos que su mente sufre los achaques de la edad se convierte en una persona muy difícil de manejar. En ese tumulto de relación nos introduce la película.

El título puede hacer alusión al ocaso que sufre este hombre. Es el otoño con el que todos asociamos la vejez. Pero creo que la película trata mucho sobre las novedades que han incorporado las últimas generaciones y que nuestros ancianos han tenido que asimilar. Me refiero a esos cambios radicales que toda descendencia introduce. Véase la tolerancia por otras razas, el rechazo por el tabaco, la comida saludable, el respeto por los animales, el matrimonio homosexual… Características contemporáneas que alguien ultraconservador o tradicional no acaba de digerir.

Para muchos Mortensen apareció en escena por primera vez en ‘El Señor de los Anillos’ (por cierto que su primera escena era en la posada de Bree, nombre que ha usado para un caballo del filme) y espero que esta película les obligue a buscar títulos anteriores en los que ha trabajado, que tiene muchos y muy buenos. En ‘Falling’ nos llena de rencores y afectos a base de sembrar multitud de detalles. También de herencias y de miedos, todo ello apoyado de un buen montaje. Y es que no siempre es fácil hilar con efectividad una película que va de pasado a presente constantemente. Porque ‘Falling’ se circunscribe mucho en las jugarretas de los recuerdos.

Me ha encantado que haya mostrado una manera diferente y actual de educar, como también hacía en ‘Captain Fantastic’. También ayuda mucho a seguir el hilo de la película que esté sembrada de momentos cómicos, con un poco de humor negro, pero del cordial.

Esta es mi humilde interpretación de ‘Falling’. Lo que sí que puedo aventurar con objetividad es que esta película va a gustar en masa.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Falling. Duración: 112 min. País: Canadá, Reino Unido. Dirección: Viggo Mortensen. Guion: Viggo Mortensen. Música: Viggo Mortensen. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason, Laura Linney, Hannah Gross, Terry Chen, David Cronenberg. Producción: Parceval Pictures, Baral Waley Productions, Scythia Films, Zephyr Films, Achille Productions, Ingenious Media. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/falling

Crítica: ‘Explota explota’

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‘Explota explota’ cuenta la historia de María (Ingrid García-Jonsson), una bailarina joven, divertida y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.

Tras dejar a su novio plantado en el altar de una iglesia en Roma, María viaja a Madrid para descubrir qué quiere hacer con su vida y cumplir su sueño de ser bailarina. Junto a su inseparable amiga Amparo (Verónica Echegui), María consigue poco a poco abrirse paso en el mundo de la televisión y pasa a ser parte del cuerpo de baile del programa de más éxito del momento: “Las noches de Rosa”, protagonizado por la gran Rosa (Natalia Millán) y dirigido por Chimo (Fernando Tejero), un hombre con cierta tendencia a “intimar” con cualquier chica que se le ponga por delante y supervisado por Celedonio, censor de la televisión (Pedro Casablanc).

Allí se enamora de Pablo (Fernando Guallar) un trabajador de la cadena con quien empieza una maravillosa relación, pero quien no le cuenta toda la verdad sobre su trabajo. Pablo se enfrenta a su padre y junto a María deberán decidir si merece la pena romper las reglas establecidas y hacer un cambio radical en sus vidas.

Crítica

Explota y revienta la moral retrógrada

No es una película con Raffaella Carrà, no es una película sobre Raffaella Carrà pero tiene mucha Rafaella Carrà. ‘Explota explota’ es una comedia musical que refleja a sus personajes y momentos con canciones de La Carrà pero que además consigue derrochar simpatía y sencillez, como lo hacía la artista con sus programas y actuaciones. Además pasa por la Roma que la vio nacer artísticamente, muestra una sensualidad inusitada para la época y centra su trama en una bailarina, arte en el que ella destacó en televisión.

Es muy buena combinación el introducir los hits de la cantante italiana con la música de Roque Baños. En su primera película Nacho Álvarez rinde homenaje a una cantante que está en la historia de nuestra televisión y cuyas canciones permanecen en nuestras cabezas, tan pegadizas como las de Georgie Dann o Queen. ‘Explota explota’ es un musical con todas las de la ley, con sus actuaciones y sus flashmobs. Las coreografías están bien buscadas para parecerse a las de la época y además los actores las ejecutan bien.

‘Explota explota’ consigue recrear la época de los setenta sin ser oscura o política. No solo logra eso por transportarnos con su vestuario o localizaciones como la conservada estación de Chamberí. Además lo hace captando el humor ingenuo de una época cuya gente está a punto de explotar de reprimidos que están. Y ahí viene la otra parte buena del filme. Es un enfrentamiento entre modernidad y censura, o lo que otros muchos aún consideran como decoro. Se enfrenta a esa traba histórica con bastante optimismo, cosa que también era propio de La Carrà. Es una victoria conseguida centímetro a centímetro, literalmente.

No solo consigue ser una buena comedia musical con su guión y sus artífices tras las cámaras. También buena parte del buen rollo que deja es gracias a Ingrid García-Jonsson. Con su personaje bobalicón y risueño, aunque descarado, hace que las pasiones dejen de estar reprimidas. La actriz se reencuentra aquí con su buena vertiente cómica. Para mí ha sido también un descubrimiento grato el de Fernando Guallar, no había visto hasta ahora ningún trabajo suyo y estoy esperando volver a encontrarme con él en ‘Patria’.

La pega, no es una película redonda, es que las canciones están reinterpretadas con poca fuerza y a veces mal playback. No es algo clamoroso pues si la has vivido en cuanto oyes la música en tu mente suena realmente Rafaella. No hay voces brillantes entre el reparto pero tampoco desafinan. El problema es que falta potencia y la letra gran parte de las veces queda tapada por la melodía. Además de eso, teniendo que ver también con la voz, está la interpretación de Verónica Echegui con un acento andaluz extremadamente estereotipado.

‘Explota explota’ va de romper las reglas y de igual manera que era imposible odiar a Raffaella Carrà se os hará difícil rechazar esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Explota explota. Duración: 114 min. País: España. Dirección: Nacho Álvarez. Guion: Eduardo Navarro, David Esteban Cubero, Nacho Álvarez. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Ingrid García-Jonsson, Verónica Echegui, Fernando Guallar, Pedro Casablanc, Fernando Tejero, Natalia Millán, Carlos Hipólito. Producción: El Sustituto Producciones, Indigo Film, RTVE, Tornasol Films. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, comedia, romance. Web oficial: Explota Explota en RTVE

Crítica: ‘Greenland: el último refugio’

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Cuando el mundo se entera de que el asteroide más grande de la historia va a impactar en la Tierra y aniquilar todo rastro de vida, los gobiernos de todo el mundo realizan un sorteo en el cual los afortunados podrán sobrevivir en refugios secretos. Esta decisión desata un caos a nivel mundial. Jeff (Gerard Butler) y su familia emprenderán un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza, lo que les obligará a encontrar la manera de mantenerse unidos mientras encuentran la forma de sobrevivir.

Crítica

Una de catástrofes que entretiene en estos tiempos catastróficos

Ric Roman Waugh, cuya carrera está repleta de títulos en los que ha trabajado como doble de riesgo y que ha sumado ya casi una decena de películas como director estrena nuevo filme, ‘Geenland’. Su última obra fue la tercera entrega de la “Saga objetivo”, estrenada en España como ‘Objetivo: Washington D.C.’, para mí la peor de toda la trilogía. Pero ese encuentro con Gerard Butler ha dado a luz a esta película y a otra que veremos en un futuro bajo el título ‘Kandahar’. Pero es aún más acicate para ver esta cinta el encontrarnos con Morena Baccarin, una actriz que para mí ya es una musa del fantástico, a si es que ni tan mal.

Este largometraje que con su premisa recuerda mucho al cine de Emmerich pudo haber sido una obra de Neill Blomkamp protagonizada por Chris Evans, pero al final la dupla actor y director es la que os he mencionado. Como en ‘2012’ el guionista Chris Sparling (‘Buried’) ha elaborado una carrera en familia contra el reloj del apocalipsis. En familia, pero no familiar. Está catalogada para mayores de doce años pero si tiene alguna que otra escena que o bien por intensa o bien por violenta debería considerarse para unos espectadores unos años mayores.

‘Greenland’ está protagonizada por dos actores muy queridos por la audiencia, artistas que ya tienen trabajos míticos en su currículum. Solo con eso parte con un aprobado y captando además el interés delos fans del cine sobre el fin del mundo. Y efectivamente el envoltorio de la película es parecido al de otros títulos ya clásicos como ‘Deep Impact’ o ‘2020’. Pero eso sucede solo en algunos estadios del filme y como contenedor para una historia de suspense y drama. Aunque sea una película con una tremenda catástrofe lucha por intentar ser realista, sobre todo se percibe así ahora que podemos establecer paralelismos tan cercanos con el caos actual.

Me ha agradado ‘Greenland’ con su mezcla de acción y thriller pero si que es verdad que los tráilers me la habían vendido diferente, más inclinada a la espectacularidad del cataclismo. Sorprende que no tira tanto de espectáculo aunque para pantalla grande tiene muchas imágenes colosales. Es casi serie B de la que busca “comprometerse” con una leve crítica al sistema y que tiene algunos detalles a pulir. Solo enfocándola así se entiende que se ubique el “último refugio” en un lugar tan remoto e inaccesible como Greenland (Groenlandia), como decía la canción de los Zombies, “yo te buscaré Groenlandia”. También es de esperar que se note a veces el artificio digital para recrear fuego.

Con una separación tensa y el punto de vista de los que han tenido la suerte de recibir el mensaje de un refugio asignado vemos algo diferente rodeado de bastante acción, de esa que hace que se resuelva todo in extremis. Es un filme que nos lleva de la comodidad a lo peor, a ese momento en el que se enmarca la serie ‘El colapso’, pero sin llegar a tan acertado rodaje y análisis profético.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de septiembre de 2020. Título original: Greenland. Duración: 119 min. País: Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Chris Sparling. Música: David Buckley. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Scott Glenn, Brandon Quinn. Producción: G-Base, Anton, Riverstone Pictures, STX Films, Thunder Road Pictures, Truenorth Productions. Distribución: Diamond Films. Género: acción, thriller, aventuras. Web oficial: https://www.greenlandmovie.com/

Crítica: ‘Enola Holmes’

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Enola Holmes, una intrépida joven busca a su madre, utiliza su brillante instinto investigador para superar a su hermano Sherlock y ayudar a un lord en su fuga.

Crítica

Quiere parecer guay pero Enola no mola

La primera de las seis novelas de Nancy Springer en las que narra las aventuras y logros de la hermana de Sherlock Holmes ya se ha convertido en película. Enola Holmes es la hermana menor del famoso detective inventada por Springer y en este título de Harry Bradbeer nos cuentan sus primeros pasos y se dibuja muy bien su carácter.

No sé cómo será la novela pero si puedo decir que la película sigue la línea de otros trabajos de Bradbeer. Tenemos a una protagonista que se sale de los cánones femeninos establecidos. Además el carácter que se le quiere imprimir tanto a ella como al resto del filme es muy insolente y respondón. Este tipo de películas se suelen hacer ágiles y se pasan rápido, se agradece la apuesta. Pero hay varios puntos de los que adolece.

‘Enola Holmes’ está protagonizada en solitario por Millie Bobby Brown y seguramente con el rebufo de ‘Stranger Things’ la película tendrá muchos adeptos. Pero en mi opinión sigo pensando que le falta gancho y carisma, por mucho que aquí reparta leña y tire de ruptura de la cuarta pared. Lleva bien el papel arquetípico de alguien que ha leído una cantidad ingente de libros en tan poco tiempo de vida, de alguien impetuoso y arrollador pero le falta credibilidad.

Los papeles de Sherlock, Mycroft y la señora Holmes son parte importante de la trama pero realmente son secundarios. Obviamente estamos más familiarizados con Sherlock y el de Henry Cavill es marcadamente fornido aunque se intente disimular con distinguidas poses y trajes. Pero no es mal Sherlock, conserva sus ademanes y su imperiosa necesidad de usar la lógica. En el caso de Mycroft se le muestra como un hombre anticuado, petulante y estricto, puede cuadrar esta visión. Lo que os va a pillar más de nuevas es la inclusión de la madre interpretada por Helena Bonham Carter pero por lo que representa el personaje, no por ver a esta actriz en una película de época ya que parece que va a por algún tipo de récord. Por lo menos se sale de sus papeles depresivos más clásicos.

El público objetivo de esta película es el juvenil. El humor y la narrativa que tiene encaja más en ese margen de espectadores. Pero también puede gustar a todo aquel al que le interesen las películas tipo ‘La búsqueda’. Enola va como Marco buscando a su madre y cual Lara Croft repleta de dinero viviendo aventuras y peleas. Pero sobre todo va resolviendo puzles y enigmas. El problema es que tampoco son acertijos muy elaborados o complejos. Efectivamente la mecánica es parecida a la de las películas de Jon Turteltaub.

También deja bastante que desear el doblaje en castellano, sobre todo el de Millie Bobby Brown. Y la resolución del caso podría haber tenido algo más de agilidad en su escena del pasillo, es bastante torpe con imitación a Leone incluida. Además durante la película te vas encontrando alguna que otra contradicción. Como en la que cae la profesora afroamericana de Jiu-jitsu que primero dice la protagonista se desenvuelve bien sola y unas frases después dice que necesita ayuda. O dice también que Bobby Brown es la viva imagen de Bonham Carter, no...

Aunque el Londres del siglo XIX está bien realizado, los creadores de la película han optado por recrear trenes, explosiones o edificios con gráficos por ordenador y se notan demasiado artificiales. Aunque hay un regalo visual para los amantes de Harry Potter que va más allá de contar con varios actores de la saga.

Está muy bien incluido el tema del feminismo y el cambio social de la época. Ya no solo por las distintas frases que oímos o por la importancia de la lucha por los derechos en la trama, sino porque durante todo el filme es la chica es la que salva al chico. Esto va acorde al tono burlón que se mantiene durante toda la película.

‘Enola Holmes’ es un buen entretenimiento pero no destaca por encima de otras aventuras juveniles ni sobre otros filmes en los que aparece Sherlock. Nos pongamos como nos pongamos, ‘El secreto de la pirámide’ sigue siendo la mejor película con Holmes.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre. Título original: Enola Holmes. Duración: 123 min. País: Reino Unido. Dirección: Harry Bradbeer. Guion: Jack Thorne. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Adam Bosman. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Sam Claflin, Helena Boham Carter, Louis Partridge, Bum Gorman, Adeel Akhtar, Susan Wokoma, Frances de la Tour, Fiona Shaw. Producción: EH Productions, Legendary Entertainment, PCMA Productions, Warner Bros. Distribución: Netflix. Género: adaptación, aventuras, acción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Pinocho’

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El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.

Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.

Crítica

Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad

El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.

Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.

También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.

Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.

El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.

Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial: https://www.hanwayfilms.com/pinocchio

Crítica: ‘Monumental’

Sinopsis

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Esta es la historia de siete personas diagnosticadas con enfermedad mental grave y duradera, del taller de teatro en el que se encuentran, de los retratos fotográficos que una de ellas decide hacerles, de las relaciones que poco a poco se van estableciendo entre ellos, sus confesiones, sueños e inquietudes. Pero, sobretodo, lo es de su particular catarsis a través de la propia filmación del documental; para algunos, una manera de hacer las paces con su pasado; para otros, el descubrimiento de nuevos amigos; y para otros, una manera de afrontar los fantasmas de su niñez. En definitiva, una experiencia que marcará un punto de giro en sus vidas para siempre.

Crítica

La película de Berned hace un buen esfuerzo para terminar con un sistemático e injusto trato

La guionista Rosa Berned se presenta en nuestras pantallas con ‘Monumental’. Es una realizadora que ya ha hecho trabajos como el cortometraje ‘En la orilla’. Pero esta película no trata sobre la cineasta. Se circunscribe dentro del tema de las enfermedades mentales. Y tampoco abarca, no es su intención, a todo el colectivo de personas que tiene ese tipo de trastornos. ‘Monumental’ está centrada en siete personas que os van a encandilar seguro.

Siete personas y siete historias que ahora confluyen día a día en lugares como el Centro de Rehabilitación Laboral de Usera. Una de las lecciones que muestra este documental relatado por ellos mismos es que no se puede generalizar. Las personas con enfermedades mentales son eso, personas, y como tal son diferentes entre ellas, con mucho o casi todo en común con nosotros. Es más, ‘Monumental’ saca a la superficie tal honestidad y nobleza que uno piensa que estas personas serían mejores políticos que los que están al mando de nuestras vidas. Uno piensa que a ellos sí que habría que ponerles un monumento. Por su fortaleza o por saber abrirse con esa franqueza, estando en una posición tan difícil y aun así velar por los demás.

Son personas que a pesar de haber sufrido por parte de la sociedad o incluso de sus familias, que tras haber tenido momentos tan drásticos como intentos de suicidio o marginación en sus círculos más íntimos, que saben que han cometido errores y son capaces de mostrar una sonrisa. Se les llama locos pero ya quisiéramos nosotros a veces tener esa locura para poder mirar el mundo como lo ven ellos. A estas personas se les juzga más rápido de lo que lo hace el Juez Dredd y son conscientes de ello. Quieren acabar con esos prejuicios y con los tabúes que les rodean. La película de Berned hace un buen esfuerzo terminar con un sistemático e injusto trato.

Al margen de lo que enamoran estas personas por si mismas está el enfoque que las realizadoras del filme han buscado al montar la película. A través de testimonios y momentos sinceros se consiguen instantes con humor y también con mucha tristeza. Más que un diario de siete vidas esta es una composición de detalles importantes en la vida de aquellos que quieren demostrar que son autosuficientes, creativos, cultos y capaces de enamorarse, al fin y al cabo, válidos como cualquier otro.

María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez y Julia Vera. Merece la pena mencionar sus nombres, aunque sea realmente Julia la que acapare más minutos y sirva además como narradora de estas historias. “En el mundo hay millones de personas buenas, si no las encuentras, sé tú una”. Esto es lo que dice uno de ellos y tanto esta como otras verdades que pone sobre la mesa merecen ser integradas en todas las “mentes sanas”.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de septiembre. Título original: Monumental. Duración: 77 min. País: España. Dirección: Rosa Berned. Guion: Amaya Villar Novascués, Rosa Berned. Música: Salvador Romero Núñez. Fotografía: Ana Fuentes, Jose María Serrano. Reparto principal: María Jesús Rodríguez, Pedro Lara, Silvia Jiménez, Nieves Rojo, Emilio Garagorri, Manuel Jiménez, Julia Vera. Producción: Así es la vida, RTVE. Distribución: Artistic Metropol. Género: documental. Web oficial: https://produccionesasieslavida.es/

‘Alex Rider’, critica de la nueva serie del joven espía

Una especie de Bourne adolescente

Las doce novelas de Anthony Horowitz son la base para la serie que estrena Movistar+ el próximo 17 de septiembre, ‘Alex Rider’. Hemos visto tres episodios y el primer día de su emisión podréis disfrutar de las dos primeras entregas. Una ficción en la que el autor ha trabajado como guionista y que desconozco si es fiel a sus páginas, pero si que tiene gancho para pasar de un episodio a otro.

Es un título que puede rememorar a las obras de Tom Clancy o a sagas como Bourne en las que el protagonista de repente se ve sumergido en tramas de espionaje y agentes secretos. De hecho las novelas salieron antes que Bourne. Es como un James Bond en ciernes, de hecho, el opening recuerda mucho a la saga de 007. En esta ocasión tenemos al chico especial de instituto cuyo destino le reserva algo más allá de conquistar a la chica que le gusta. Está claro que el personaje vale más que su imagen de listillo y descarado y eso le vale tener que enfrentarse a toda una sucesión de situaciones tensas, interrogatorios y secretos.

Esta nueva adaptación viene a superar la película ‘Alex Rider: Operación Stormbraker’ de Geoffrey Sax que contaba con un reparto enorme en el que figuraban Bill Nighy, Mickey Rourke, Ewan McGregor, Stephen Fry, Andy Serkis… Un filme nada convincente que rozaba el ‘Spy Kids’ y que no gustó a muchos a pesar de estar dirigido un público familiar. Ahora con una tarma más madura y con más tiempo para desarrollar la evolución del protagonista se puede disfrutar mejor.

La trama gira en torno al secreto que hay tras las palabras “point blanc” y a como este adolescente ha de dejar su vida cotidiana atrás para conseguir a cambio las respuestas que busca. Alex Rider está bien interpretado por Otto Farrant (‘La reina blanca’, ‘Guerra y paz’), quien tiene el visto bueno del autor. El joven actor le ha cogido bien el pulso a un personaje que si bien podría tener algo más de carácter dramático va mutando, entrando en sintonía con un nuevo elemento.

Es un joven protagonista, pero está acompañado de caras conocidas que le dan mejor empaque a la serie. Stephen Dillane (Stannis en ‘Juego de Tronos’) y no es el único de la serie de HBO que figura en el reparto, también está Brenock O’Connor (quien hizo de Olly). Figuran además entre los personajes secundarios Ronke Adekoluego (‘Doctor Who’), Vicky McClure (‘Broadchurch’), Andrew Buchan (‘Broadchurch’) y Thomas Levin (‘Borgen’).

Guy Burt (‘The Hole’, ‘Los Borgia’) es quien ha desarrollado esta serie de ocho episodios largos. Debe reconocer que tiene un exceso de trajes oscuros. El único personaje que no viste de negro o pardo no se quita el gorro de lana ni para dormir. Además el protagonista se hace un Clark Kent cuando con solo cambiarse de ropa y ligerísimamente de peinado pretende ser otro. Pequeños detalles que no hacen perder interés a esta trama con un toque juvenil.

Crítica: ‘My hero academia: el despertar de los héroes’

Sinopsis

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Una fría noche de invierno, en medio de la nieve, algo despierta silenciosamente y abandona la zona en la que se enfrentan los héroes y la Alianza de Villanos… Mientras tanto, Izuku y los otros estudiantes de la Escuela UA son enviados a trabajar como héroes a una cálida isla en el sur de Japón en la que también encuentran tiempo para relajarse. Sin embargo, esa calma pronto se ve perturbada por la aparición de un grupo de villanos que comienza a destruir las instalaciones de la isla una tras otra. El que los lidera es Nine, cuyo extraordinario don le confiere un poder inimaginable. Pero, ¿por qué Nine ataca esa pacífica isla? ¿Serán capaces Izuku, Bakugo y los otros alumnos de Primero A de proteger a los habitantes de la isla y combinar sus poderes para derrotar a Nine?

Crítica

No sabía de la potencia de esta franquicia, me alegra descubrirla

La segunda película de ‘My hero academia’ ha sido mi primer contacto con la franquicia que se originó a partir de la obra de Kôhei Horikoshi. No he leído el manga ni visto la serie, llego a esta película con curiosidad y con el objetivo de hablaros de otra película infantil que se coloca en nuestras carteleras. También buscando tener más conocimiento sobre personajes que son utilizados por muchos cosplayers en los salones de cómic.

En primer lugar lo que uno se encuentra es un elenco enorme de personajes. Por supuesto hay que haber seguido el material anterior para estar totalmente al día cuando se llega a ‘My hero academia: el despertar de los héroes’. Pero no es una información necesaria para seguir la trama y además en los primeros compases te hacen una puesta al día muy rápida en la que ya sabes que los protagonistas pertenecen a una academia de héroes en un mundo en el que el 80% de la población tiene poderes o lo que aquí llaman “dones”. Ahora el conjunto de amigos que pertenece a la misma clase debe enfrentarse al reto de ser los vigilantes de una pequeña isla para conseguir así ser unos héroes hechos y derechos.

En esos dones y en la gran cantidad de personajes veo uno de los puntos fuertes de esta saga. Solo hay que ver el cartel para darse cuenta de que esta historia no va corta en cuanto a diversidad. Todos tienen habilidades y formas variadas, como podemos haber visto en ‘Naruto’, ‘Berserk’ o ‘Bobobo’. Esto hace que ocurra algo que seguro que habéis observado que hacíamos con series míticas cuando éramos pequeños: cada uno se pedía al suyo para jugar o para tener el juguete de turno. Es un gancho eficiente para el público infantil y a las escenas o al argumento le da mucha versatilidad.

La mecánica engancha y también sigue los patrones de otros animes. El héroe protagonista aspira a más y más en pro de la justicia y el bien. Para ello va superando pruebas que crecen en dificultad. Si este chico llamado Izuku Midoriya tiene como referente al poderoso All Might es fácil que los niños/as que disfruten de esta serie/película delante de la pantalla encuentren con quién verse reflejado. También he visto un jugueteo con los dos chicos más carismáticos, imitando la dinámica que siempre han mantenido Goku y Vegeta o la que tenía Oliver Atom con Mark Lenders, es decir, este segundo tiene un complejo de inferioridad, queriendo ser siempre el mejor pero manteniéndose a la sombra del protagonista. Incluso en el villano también he visto un patrón conocido pues a lo Sylar (‘Héroes’) busca hacerse con los poderes de todos.

A parte de la consabida historia de crecimiento personal y de lucha contra el mal hay pequeñas moralejas repartidas por el filme. Como que la avaricia rompe el saco o la que extraíamos cuando nos leían el cuento ‘El pastorcito mentiroso’, a si es que bien también en ese sentido.

Lo otro que me ha impresionado de la película es su calidad visual. El dibujo es muy dinámico y sólido. Sobre todo se percibe un gran trabajo en cuanto al tratamiento de luces y recreación de “energías”. No se detecta ningún toque artificial más allá de la animación ni se incluyen artificios en 3D que impidan tener una uniformidad en el diseño de las imágenes. Es de los animes que hacen afición por el género.

¿Esta segunda película de la franquicia podría suponer el final de la saga? Que va, lo que aquí se narra podría pasar entre temporadas de la serie y aún está abierta a más historias, sobre todo con su final en el que dejan entrever la llegada de sangre nueva. Me alegra que aún se sigan haciendo series así.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: My Hero Academia The Movie – Heroes: Rising. Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Kenji Nagasaki. Guion: Yôsuke Koruda. Música: Yuki Hayashi. Fotografía: Mayuko Furumoto. Reparto principal (doblaje original): Daiki Yamashita, Nobuhiko Okamoto, Yuka Terasaki, Tomoyo Kurosawa, Yûki Kaji, Kaito Ishikawa, Yoshio Inoue, Kenta Miyake. Producción: Bones, Dentsu, Movic, Nippon Television Network, Shueisha, Sonic Music Entertainment, Toho, Yomiuri-TV Enterprise. Distribución: Selecta Visión. Género: anime, ciencia ficción. Web oficial: https://heroaca-movie.com/

Programa especial películas slasher

Ocho títulos que puede que no conozcáis y que os recomendamos ver

Nos hemos vuelto a juntar con los amigos de Holocausto Zinéfago que nos han pedido que busquemos películas de género slasher que no sean las famosas o mainstream. En riguroso directo a través de nuestro canal de Youtube hemos hablado de películas sangrientas, absurdas, de culto o incluso virales.

Esta es la lisa de películas género slasher que comentamos: ‘Behind the mask’, ‘Candyman’, ‘El asesino de la cuchara’, ‘The furies’, ‘The gingerdead man’, ‘Tucker y Dale’, ‘Hatchet’, ‘Whistle’. No os perdáis este programa que seguro que más de un título vais a apuntar.

Crítica: ‘#Alive (#Vivo)’

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Un horrible virus arrasa una ciudad. Mientras tanto, un joven atrincherado en su apartamento y aislado del mundo digital busca desesperadamente una salida.

Crítica

Un rato distraído con una más de zombies

Matt Naylor escribió ‘Alone’ en 2019 y ahora Netflix ha materializado la película que nos llega con el título de ‘#Alive’ contando con él y siendo dirigida por Il Cho. Una nueva película de zombies que llega desde Corea del Sur conservando muchas similitudes con ‘La noche devora el mundo’ y siendo incluso más entretenida, aunque nada innovadora.

Un joven gamer se ve confinado en su casa. Atrincherado para que no entren zombies en su hogar, en el cual estaba solo mientras sus padres estaban fuera. Nos lo pintan como un nini que solo duerme y juega y por eso es plausible que no se haya percatado del estallido de un virus que convierte a los infectados rápidamente en zombies hasta que lo tiene justo en su vecindario. Sin haber hecho la compra se ve en la problemática de tener que sobrevivir solo.

Las únicas habilidades que posee este chico son las que le proporcionan las tecnologías: su móvil, su dron, su televisión… Con esos recursos intenta no ser devorado y ahí el filme puede tener un par de recursos curiosos. También consigue intrigarnos en determinado momento con eso de que estos cadáveres andantes (que son del tipo zombie que corre) pueden tener cierto grado de inteligencia o conservar recuerdos. Pero este último detalle solo se aprovecha una o dos veces con lo que al final la película se mantiene como un título más de no-muertos.

‘#Alive’ tiene buen ritmo y muy pocos actores (salvo los extras que dan vida a la horda de zombies). Ah-In Yoo, protagonista de ‘Burning’ (otra película que tal vez queráis ver) es el chico que se queda encerrado. Lo que nos mantiene expectantes son diversos componentes de suspense que se incorporan y algunas escenas emocionantes. Y ni su videodiario ni su desesperación son atractivos, es más seductor ver como un chico tan pánfilo va logrando salir adelante. Por lo demás cumple todos los tópicos: la desconfianza en los que han sido mordidos, los que se quieren suicidar antes de vivir como muertos vivientes…

Pues ya está, otra película más de zombies y otro título que se suma a los que pueden ver aquellos que se están enganchando al cine coreano a partir de películas contemporáneas como ‘Train to Busan’ o ‘Parásitos’. ‘#Alive’ es una película entretenida que seguramente os hará conversar a cerca de qué habríais hecho vosotros si en lugar de confinarnos por el COVID-19 nos hubiese rodeado una infección con devoradores de carne.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2020. Título original: #Saraitda. Duración: 98 min. País: Corea del Sur. Dirección: Il Cho. Guion: Il Cho, Matt Naylor. Música: Tae-seong Kim. Fotografía: Son Won-ho. Reparto principal: Ah-In Yoo, Shin-Hye Park, Bae-soo Jeon, Hye-Won Oh, Hyun-Wook Lee. Producción: Zip Cinema, Perspective Pictures. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: https://www.perspective-us.com/alone-1

Crítica: ‘Un diván en Túnez’

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Después de estudiar durante varios años en Francia, Selma abre su propia consulta psiquiátrica en un popular suburbio de Túnez, justo después de que tenga lugar la revolución social y política de la Primavera árabe.

Allí tendrá que tratar con pacientes nuevos y adaptarse a los problemas ocasionados por sus diferencias culturales, reencontrándose con un pasado que creía haber dejado atrás.

Crítica

Os puedo recomendar sin miedo a decepciones que paséis por el diván de Selma

¿Alguna vez habéis pensado en que os psicoanalicen o simplemente si os hace falta? Si es así os voy a pasar la tarjeta de la consulta de Selma Derwich. Una consulta en la que muchos se atreven a contar sus más íntimas inquietudes y que está en Túnez bajo la atenta mirada de Nietzsche, con quien Selma tiene sus encuentros y desencuentros.

‘Un diván en Túnez’ es la varias veces nominada primera obra de Manele Labidi que nos transporta al país de la Unión Africana, esa organización que busca la cohesión entre los países de África y terminar con los restos del sus pasados bajo el yugo de los imperios europeos. Precisamente de Francia llega Selma (Golshifteh Farahani) a reconectar con sus raíces y a abrir una consulta psiquiátrica. Pronto se encontrará con el rechazo de aquellos que aún mantienen una mentalidad machista, tienen prejuicios contra los inmigrantes o en su cerrazón son incapaces de hablar de ciertos temas.

En clave de comedia ligera Labidi nos plantea un país lleno de apaños, sobornos y expertos en hacer negocio a partir de cualquier oportunidad. Es una sociedad que puede llegar a ser cargante y extenuante si uno quiere prosperar en ella con una mentalidad que va aún más allá de lo demandado en la Primavera Árabe. Para dibujar ese entorno Labidi no peca de pesimista y llena el lienzo de su relato con personajes peculiares, graciosos y con algo de aflicción. Madres e hijos que no se atreven a decirse las cosas, hombres que quieren ser mujeres, creyentes con una depresión inconfesa, funcionarias que se aburren y tienen un fondo de escritorio cambiante…

A Farahani la descubrí con la excelente película ‘Paterson’ y mantuve mi contacto cinéfilo con ella tras su breve papel en ‘La noche devora el mundo’. Ahora podéis conocerla en ‘Un diván en Túnez’, donde tiene más presencia y protagonismo. Y es una buena película para acercarse a la actriz iraní. Esta artista, tiempo atrás miembro de un grupo musical llamado Nómadas, refleja bien los problemas de un personaje que precisamente se acaba de mudar y tiene en su rostro marcado cada vez más y más por el hastío producido por unos vecinos agotadores, en ese sentido hay un bien trabajo de racor emocional. Es el frontón contra el que todos tiran sus pelotas y ella las devuelve con sus reacciones siendo así cómplice de la comedia que busca la directora.

Si conseguís encontrar en ‘Un diván en Túnez’ a Julio Iglesias o a David Hasselhoff es que habéis quedado enganchados en esta película que para la protagonista se asimila a alguna escena de ‘Las doce pruebas de Astérix’. También será porque estáis intrigados con sus razones para abandonar París ya que como dicen muchos psicólogos, “todos los psicólogos necesitan un psicólogo”.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Un divan à Tunis. Duración: 88 min. País: Francia, Túnez. Dirección: Manele Labidi Labbé. Guion: Manele Labidi Labbé. Música: Flemming Nordkrog. Fotografía: Laurent Brunet. Reparto principal: Golshifteh Farahani, Majd Mastoura, Hichem Yacoubi, Amen Arbi, Ramla Ayari, Aïsha Ben Miled, Feryel Chammari, Moncef Anjegui, Moncef Ajengui. Producción: Kazak Productions, Arte France Cinéma, Canal+, OCS, Cinéventure 4, Cofimage 30, Diaphana Films, MK2 Films. Distribución: Caramel Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/un_divan_en_tunez

Crítica: ‘Un mundo normal’

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Ernesto (Ernesto Alterio), un director de teatro excéntrico e inconformista, recibe la noticia de la muerte de su madre. Camino al cementerio roba el ataúd para tirar el cadáver al océano como era su deseo. Su hija (Gala Amyach), cansada de sus locuras, le acompaña con la intención de hacerle cambiar de idea. En el viaje descubrirá que su padre no es ningún loco y que uno debe ser fiel a sí mismo aunque esto, a veces, suponga ir en contra de la opinión de la mayoría.

Crítica

Hacía falta el regreso de Mañas con esta nueva normalidad

Hay maneras de hacer cine o cineastas que no te das cuenta que hechas de menos hasta que reaparecen en escena y entonces tienes ganas de retomar casi toda su filmografía. Ese es el caso de Achero Mañas que regresa diez años después de haber estrenado su última película, ‘Todo lo que tú quieras’. Regreso a mi infancia y adolescencia recordando las sensaciones que despertaron en mí títulos del director como ‘El bola’ o ‘Noviembre’ y con ‘Un mundo normal’ me ha vuelto a conmover.

Lo que vemos en ‘Un mundo normal’ hace que nos sintamos poca cosa, sobre todo cuando vemos lo que algunos son capaces de hacer a la hora de demostrar el amor por la gente que nos rodea, en concreto por nuestros progenitores. De nuevo Mañas nos abraza con una película vitalista y existencialista, cargada de vivencias clave y de reflexiones sobre la vida. Hay mucho filosofeo de estar por casa en una cinta a la que no le falta razón.

Quizá cabría decir que el carácter insurrecto de sus personajes se ha suavizado pero conserva su rebeldía y su emotividad intacta. Muestra de ello es su estupendo final, grabado con mucha sensibilidad, va a tocar la fibra a muchos.

El argumento de la película es que un hijo pierde a quien le ha criado toda su vida y decide cumplir su último deseo, uno bastante peculiar y fuera de la ley. Ella quería acabar con su cuerpo intacto en el mar. Me he pasado casi media película pensando como el personaje de Ernesto Alterio iba a ser capaz de secuestrar el cadáver y llevárselo al mar. La solución ha sido elegante y cuando llegamos a ese punto comienza un road trip que no es hilarante pero está dotado de una comedia sarcástica y de un drama que se va cargando.

En ese viaje además de un Ernesto Alterio omnipresente y en estado de gracia tenemos como protagonista a Gala Amyach. Forman buena pareja padre/hija y Amyach pese a ser debutante no lo parece. Me ha gustado también la naturalidad y finura del personaje de Pau Durà en el papel del hemano de Alterio y también hijo de Magüi Mira.

Es otra película en la que Achero Mañas trata a personajes que se diferencian mucho de lo socialmente común pero se ven obligados a hacer lo ordinario para sobrevivir. Un filme donde algunos ven la vida pasar y otros están en medio de una metamorfosis, una catarsis o la aceptación de su propia personalidad. En sus reflexiones sobre la vida, sobre la mascarada en la que vivimos o acerca de nuestros hábitos generalizados se masca una tragicomedia que deja muy buenas sensaciones. ‘Un mundo normal’ habla de lo abstracto que es el concepto de “normal” y en como cada punto de inflexión de nuestra vida (una muerte, una ruptura, un acto de rebeldía…) nos abre a una nueva normalidad.

Se nota en algunos detalles que Mañas se deja llevar por la bohemia pero también por la remembranza de tiempos más entrañables o sencillos. Me parece una manera muy bonita de rendir culto a su madre Paloma Lorena y a las enseñanzas que le ha dejado. Su figura me deja la misma sensación que aquellos que son firmes pilares de la vida de algunos aún cuando ya no están.

Es una de las producciones recientes de Gerardo Hererro que más me ha gustado junto con ‘El hombre que mató a Don Quijote’ o ‘El jugador de ajedrez’, por mencionar algunas de las que Tornasol está rodando tan bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de septiembre de 2020. Título original: Un mundo normal. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Achero Mañas. Guion: Achero Mañas. Música: Vanessa Garde. Fotografía: David Omedes. Reparto principal: Ernesto Alterio, Gala Amyach, Ruth Díaz, Magüi Mira, Pau Durá, Luis Miguel Seguí. Producción: Last Will, Tornasol Films, Sunday Morning Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/un_mundo_normal

Crítica: ‘After. En mil pedazos’

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Hardin (Hero Finnes Tiffin) siempre será … Hardin. Pero ¿es realmente el chico profundo y reflexivo del que Tessa (Josephine Langford) se enamoró locamente, o ha sido un extraño todo el tiempo? Ella quiere alejarse, pero no es tan fácil. Tessa se ha centrado en sus estudios y comienza a trabajar como becaria en Vance Publishing. Allí conoce a Trevor (Dylan Sprouse), un nuevo y atractivo compañero de trabajo que es exactamente el tipo de persona con la que debería estar. Hardin sabe que se equivocó, quiere corregir sus errores y vencer a sus demonios. No va a perder a Tessa sin pelear. Pero ¿puede el amor vencerlo todo?

Crítica

Segunda partes nunca fueron buenas, si encima la primera ya era mala…

‘After. Aquí empieza todo’ recaudó a nivel mundial casi 70 millones de dólares habiendo costado unos 14. Rentable inversión para su productora y tal vez para quien haya disfrutado de los libros de Anna Todd en que se basa, pero en mi opinión es dinero malgastado. Esa primera entrega me pareció mala por su mensaje, interpretaciones y rodaje y ‘After. En mil pedazos’ sigue en la misma línea. La desgracia es que con toda la preventa de entradas que tiene el filme, aún con la pandemia, parece que la cosa va para trilogía o más.

Pienso que hay que respetar a aquellos que disfruten de esta historia, que no se si está muy bien adaptada de las novelas, pero como película creo que sería mejor que se invirtiese el dinero en otros proyectos. Podría pasar por alto descuidos que dejan a un personaje siempre con cazadora o que hacen pensar que expresiones como “medicarse con alcohol” están bien, pero lo que es inconcebible es que el filme tenga el descaro de ponerse a la altura de Jane Austen o Shakespeare y de recalcar que esta es una historia que ya hemos visto antes. Y tanto que la hemos visto antes, cuando predominaban en el cine las relaciones retrógradas. Se dice mucho, incluso en los pobres diálogos de esta película, que la relación de Hardin con Tessa es tóxica. No lo niego, así es. La trama consiste en que la protagonista sea una “perdonaerrores” que vuelve una y otra vez con un niño de mamá que va de macarra. Encima la película muestra con total naturalidad que el protagonista tiene controlada la localización de su ex o que es capaz de abrir una puerta a patadas poseído por los celos.

Al fin y al cabo ‘After. En mil pedazos’ podría ser otra manera de ver el curso de los protagonistas de ‘Grease’, cuando la mojigata, el amor de verano, cambia al malote. Si al menos tuviese buenas canciones, se moviesen como Travolta o Newton John y si al menos los personajes progresasen… O bien podría decirse que de continuar esta saga tendríamos un nuevo crepúsculo, solo que en vez de tener vampiros tenemos protagonistas ñoños que nos consumen la energía. En definitiva, es una relación en la que ambos son apasionados pero posesivos y dañinos el uno para el otro, ‘After. En mil pedazos’ no ha evolucionado nada.

La primera parte pecaba de puritana y en ‘After. En mil pedazos’ se han desmelenado con sexo hablado y casi explícito, tocando casi a revolcón por cada cuarto de hora. Desde luego que en Victoria’s Secret estarán contentos con la publicidad que les hacen. De verdad que no me gusta poner las películas mal y cuando me toca siempre hago uso de todo el respeto posible, como para muestra un botón, navegad por los centenares de publicaciones en esta web. Pero en este caso quien ofende es el propio filme, hablar así de él es casi un acto de defensa propia. Agrede a la inteligencia y diría que agrede todo lo que están intentando conseguir muchas mujeres y hombres para romper clichés rancios. Desde luego tanto relleno erótico adolescente y tanto cambio de dirección en el modo de pensar de los dos enamorados me parece vago, manido y fuera de época.

El director ha cambiado y en esta ocasión quien ha dirigido a Josephine Langford y a Hero Fiennes Tiffin es Rogert Kumble, autor de otros pasteleos como ‘Crueles intenciones’ o ‘La cosa más dulce’. No hay manera de encauzar a estos actores que además son pareja en la vida real (o eso se rumorea). No dejan de ser niños jugando a ser mayores (y ya no se si hablo de los actores o de los personajes).

Josephine Langford es hermana de la protagonista de ‘Por trece razones’. ‘After. En mil pedazos’ no es para quitarse la vida pero cerca está de ser una razón para ello. Por lo menos tiene un público al que impresionar, el adolescente, de hace unas cuantas décadas…

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: After. We collided. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Roger Kumble. Guion: Mario Celaya. Música: Justin Burnett. Fotografía: Larry Reibman. Reparto principal: Josephine Langford, Hero Fiennes Tiffin, Dylan Sprouse, Louise Lombard, Christian Vance, Candice King, Inanna Sarkis, Shane Paul McGhie, Pia Mia, Dylan Arnold, Khadijha Red Thunder, Samuel Larsen, Rob Estes. Producción: CalMaple, Frayed Pages Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: romance, drama. Web oficial: https://frayedpagesmedia.com/movies

Crítica: ‘Antebellum’

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La exitosa autora Veronica Henley (Janelle Monáe) se encuentra atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Abandera y molesta con su causa y método

Una preciosa puesta de sol, un verde y espeso prado, sábanas blancas y limpias mecidas con el viento y… racismo. Este contraste es con el que arranca ‘Antebellum’ el primer largometraje de Gerard Bush y Christopher Renz. Y esta, que también es la primera película protagonizada en solitario por Janelle Monáe, mantiene esa disparidad durante casi todo el metraje. La muy apropiada fotografía de Pedro Luque (podéis ver un trabajo igual de potente en ‘Millennium. Lo que no te mata te hace más fuerte’) ayuda aquí a que tengamos muy buenos planos en los que se enfrentan bellas imágenes con momentos muy duros. Pero esta contraposición no es la única sorpresa que nos reserva ‘Antebellum’.

A la hora de película llega un giro (tranquilos que voy a ser menos revelador que el tráiler) que nos deja totalmente descolocados. Me ha pillado con la guardia baja y no he visto ninguna pista que desvele lo que iba a pasar, si es que la había. Posteriormente la trama progresa en algo que realmente ya hemos visto en otras cintas, algunas de renombre, pero en este caso se embadurna todo con un discurso en contra del racismo y el machismo. Con esta película cabe decir que a pesar de estar muy bien rodada e interpretada, a los productores de ‘Déjame salir’ y ‘Nosotros’ el tema se les ha ido algo más al extremo, seguramente por haberse distanciado de los momentos con comedia y de los toques del género fantástico.

La película maneja mucha tensión usando incluso cañonazos de fondo como banda sonora. Como poco te deja con mal cuerpo y desde luego si uno no la ve con una mente sumergida en una ficción, de manera abierta o incluso prevenida se puede interpretar como una llamada al alzamiento. Si nos ceñimos a su título significa “antes de la guerra”. Desde luego que hay que apoyar lo que demanda pero las maneras en que lo reclama son bastante provocadoras, no por como habla del pasado sino por el presente tan límite que imagina. Calma y paños calientes. No hay que olvidar que esta es una película que además centra su principal giro en una idea propia de la serie B más imaginativa.

Lo que hace ‘Antebellum’ sobre todo es reivindicar, intentando al menos ser original aunque centre su principal sorpresa en algo ya ideado por otros antes. A veces es necesario será así de pendenciero con una obra de arte, pero la casualidad ha hecho que lo que está sucediendo en Estados Unidos tenga mucho que ver. Es por eso que este estreno más que echar leña al fuego podría suponer arrojar un barril de pólvora en una hoguera que ya arde con mucha intensidad. Desde luego a muchos conservadores de aquí y de allí les va a molestar. Algo similar sucedió con ‘Queen & Slim‘ y la cosa no fue a mayores.

Janelle Monáe hace igual que en ‘Figuras Ocultas’, reivindicar los derechos de su raza y aunque algo más levemente, los de la mujer. Con un estilo muy diferente encuentra la herramienta. Está claro que es una actriz que sabe aguantar la mirada a la cámara pero casi siempre, este es un caso mayúsculo, opta por llevar su interpretación a lo impulsivo e indomable.

El filme está bien rodado, como decía la fotografía es bastante clásica pero a la vez la cámara tiene movimientos de hoy en día. Consigue que constantemente se establezcan paralelismos entre pasado y presente. Visualmente se centra mucho en meter pequeños mensajes que apoyen el alegato de la película. Por ejemplo, constantemente tenemos elementos en segundo plano o un trasunto que refuerza aún más todo lo que pasa en la historia. Clara muestra de ello es la ironía o jugarreta que relaciona a la protagonista con Thomas Jefferson en determinado momento del largometraje. Aunque también hay que decir que Bush y Renz no se han andado con sutilezas. Sobre todo son las frases del principio y del final las que resultan realmente definitorias y lapidarias. Aún así no sabréis que significa realmente Antebellum hasta que no estéis próximos al final del metraje.

Lo que sí que no alcanzo a entender es por qué se vende como una cinta de terror. Aunque si podemos decir que rememora una época en la que las personas afroamericanas vivían aterrorizadas, este filme se ajusta más a lo distópico, lo dramático y el suspense.

‘Antebellum’ coge las clásicas películas que narran la esclavitud en los años sesenta del siglo XIX y las mezcla con alguna idea más propia de Shyamalan. A veces es un poco tramposa para conseguir engañarnos acerca de qué es lo que estamos viendo pero consigue su finalidad, que no es otra que la de abanderar y molestar.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2020. Título original: Antebellum. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Gerard Bush, Christopher Renz. Guion: Gerard Bush, Christopher Renz. Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Janelle Monáe, Eric Lange, Jena Malone, Gabourey Sidibe, Jack Huston, Kiersey Clemons. Producción: Lionsgate, QC Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: https://antebellum.movie/

Crítica: ‘Las niñas’

Sinopsis

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Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia.  En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

Crítica

Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia

En primer lugar, tengo que decir GRACIAS. Gracias Pilar Palomero por devolverme a mi infancia. Si, yo soy hombre y ‘Las niñas’ tiene muchos momentos que se centran en la feminidad, pero tan solo con comenzar y cerrar la película con las escenas de canto me ha recordado a mi época en el colegio en el que también las monjas me invitaban a poner la boca como un túnel para al menos simular que cantaba.

Pero no solo esa escena es responsable de que esta opera prima sea un verdadero viaje al pasado. Si nacisteis en torno a mi generación rememoraréis la primera cinta de casete que os grabaron, las canciones de Héroes del Silencio, el acento andaluz de Gazpacho en ‘Los Fruitis’, la frustración de ver Canal+ codificado, los recortes de las revistas juveniles en la pared, el corrector en bote, las campañas contra el VIH…

Y esto es solo la superficie. ‘Las niñas’ transcurre cuando España estaba a punto de vivir un año olímpico y de exposición universal bajo el gobierno de Felipe González a principios de los noventa. En ese marco Celia (Andrea Fandos) experimenta el inicio de la adolescencia. Al final de la película vemos una clarísima evolución de su personaje y eso se ve más allá de la acción representada, se le ve en la cara. Se encuentra en una etapa de cambio y descubrimiento. Constantemente incorpora cosas nuevas a su vida pero yendo más allá empieza a abrir los ojos ante la realidad que vive y a hacerse preguntas. Palomero ha reflejado muy bien como eso desemboca en las primeras inquietudes, los encuentros con cosas “prohibidas” y con ello, los desafíos a la autoridad. ¿Quién no recuerda haber hecho alguna vez una incursión por zonas prohibidas de su colegio? ¿Quién no se ha visto por primera vez entre risas nerviosas en una discoteca? Todos llegamos al momento en el que hemos demandado nuestra zona íntima o nos hemos enfrentado a un profesor/a que volcaba sus frustraciones en nosotros.

Quizá ‘Las niñas’ adolece de una trama central o una meta en la lejanía que mantenga más enganchado al espectador. Pero es que ‘Las niñas’ es la vida. Se centra en el día a día de una protagonista cuya madre (no muy convincentemente interpretada por Natalia de Molina) también forma parte del título al ser una madre primeriza y soltera, con su inestabilidad y confrontamientos emocionales. Es humana igual que lo es Consuelo, la religiosa interpretada por Francesca Piñón, la Angustias de ‘El Ministerio del Tiempo’ que aquí aporta poco consuelo y mucha más angustia a las protagonistas.

Da gusto seguir las correrías del reparto infantil, claro protagonista. Ya sea por la mano de Pilar Palomero o por la naturalidad de las actrices consiguen reflejar muy bien una etapa complicada, en la que todos ser humano se comunica más bien poco por lo escaso que se conoce. Además gracias a ellas, en concreto a Andrea Fandos, se desarrolla estupendamente todo el subtexto que tiene la película a la hora de recrear el mundo adulto que las rodea. Los adultos en este filme figuran como personas que se inquietan e incluso asustan a la hora de enfrentarse a unas niñas que ya piensan por si mismas.

No es de extrañar que esta película se haya alzado con la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga. Los detalles y momentos entrañables de ‘Las niñas’ son para guardarlos junto a nuestros recuerdos.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de septiembre de 2020. Título original: Las niñas. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Pilar Palomero. Guion: Pilar Palomero. Música: Juan Carlos Naya. Fotografía: Daniela Cajías. Reparto principal: Andrea Fandos, Natalia de Molina, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón. Producción: Aragón Televisión, BTeam Pictures, Inicia Films, Las Niñas Majicas, RTVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: http://bteampictures.es/las-ninas/

Crítica de ‘Away’

Lejos de ser rompedora consigue explorar bien el lado humano

La serie ‘Away’ llega a Netflix con el objetivo de contarnos la historia de una tripulación que busca precisamente hacer historia llegando a Marte. Parece que durante este primer cuarto del XXI tenemos una nueva carrera espacial que retoma la que terminó allá por los 70. Esta es aún más propagandística en los medios que tangible con gestas logradas en la realidad. Más que las naciones son las empresas las que pujan por ganar méritos y surgen series o películas de un género u otro que están relacionadas con el tema intentando girar en torno a los astronautas o la ciencia que hay detrás de los viajes espaciales. En los últimos años se han estrenado algunos títulos entre los que os recomiendo ‘Space Force’, ‘Ad Astra’, ‘Marte’, ‘Próxima’, ‘Life’ o ‘Figuras Ocultas’.

‘Away’ nos pone a Hilary Swank en el traje de una astronauta llamada Emma Green y precisamente la serie recuerda muchísimo a la película ‘Próxima’ que protagonizó Eva Geen. Es como si ambas estuviesen relacionadas porque, aunque Eva Green interpretaba a una astronauta francesa y Swank a una norteamericana tratan de lo mismo, del hecho de verse en la tesitura de dejar atrás a los seres queridos, en concreto a una hija y a un marido. Igual que en el título de Alice Winocour la protagonista tiene que soportar mucha presión, a varios trepas, detractores y algún que otro micromachismo.

La serie va más allá que la película estrenada en diciembre de 2019 ya que se lleva a la protagonista al espacio y como hemos visto en otros títulos tiene que soportar desde la distancia los problemas hogareños. Lidiar es la palabra que más se puede poner en negrita en esta serie pues a parte de tener que ordenar sus sentimientos y manejar la situación familiar que se le plantea en la Tierra ha de liderar un proyecto internacional intentando conseguir esa concordia entre culturas que tanto nos cuesta alcanzar a los humanos a pie de tierra.

Otros dos términos que están muy presentes son inseguridad y amor. La serie es muy sentimental y también intenta ser muy humana con el retrato de cada uno de sus personajes. En concreto con el papel de Swank se plasman las vacilaciones que puede tener una astronauta que además está al frente de un proyecto en el que tiene la mirada puesta todo el planeta.

Tener a Swank en el reparto es garantía de calidad. Gracias a ella se exploran las batallas interiores que tiene, porque el guión no es que se salga excesivamente de lo ya visto en otros relatos ambientados en la Luna o el espacio. Incluso hay algunas temáticas o sorpresas en ‘Away’ que solo con saber que es un título de Netflix han dejado de ser giros inesperados ya que es lo que una y otra vez repiten en todos sus guiones.

Realmente esta serie que llega a Netflix el 4 de septiembre sale de un artículo que está publicado en Esquire y firmado por Chris Jones (podéis leerlo aquí). De este artículo se pueden sacar multitud de cosas útiles, como el desarrollo de las relaciones humanas en situaciones tan excepcionales como las de un cosmonauta. Lo que se extrae sobre todo es la capacidad que tienen que tener algunos profesionales, destacando que hay que tener soltura en el espacio para resolver problemas rápidamente, intentando dejar al margen instintos o creencias personales y aplicando conocimientos y protocolos. De hecho se ha calcado en el primer episodio algo que narra el reportaje. Los detalles tan humanos que explora ‘Away’ son su arma más fuerte. Por otro lado se esfuerza mucho en ser correcta científicamente. Tiene como asesor al ex-astronatuta Mike Massimino (que hace un cameo en el episodio 1 y seguro que os suena de ‘The Big Bang Theory’) el cual ha asegurado que lo que vemos en ‘Away’ es muy realista. De hecho el cohete tiene cierto parecido con los diseños de la Space X. Y aunque el diseño de producción es bueno no puedo evitar ver ciertas escenas y sentirme en un plató de rodaje. Gran parte de la culpa de esa sensación es la iluminación que tienen determinadas secuencias. También me saca la tremenda facilidad con que funcionan las comunicaciones con la Tierra o lo poco que se conocen entre los tripulantes, algo poco plausible sobre todo para quien comanda la nave. Pero por lo demás tanto las imágenes generadas por ordenador o los escenarios están muy conseguidos.

‘Away’ está creada por Andrew Hinderaker (‘Penny Dreadful’) y Jessica Goldberg (‘The Path’) que han escrito la mitad de los episodios, centrando su trabajo en los primeros y últimos. La serie cae en varios tópicos, quizá el más llamativo es el que pone de nuevo a China y Rusia como los más problemáticos. Si ‘Away’ os sirve para acercaros a otros títulos que os he mencionado, como ‘Próxima’ (que actualmente está en Filmin) me parece óptimo. Pero como entretenimiento por si misma también funciona, aunque no sienta precedente alguno.

Crítica: ‘Tenet’

Sinopsis

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Armado con una sola palabra, Tenet, y luchando por la supervivencia del planeta, el protagonista viaja a un mundo crepuscular de espionaje internacional en una misión que supera los límites del tiempo real. No son viajes en el tiempo. Inversión.

Crítica

La marca Nolan sigue ligada a lo ingenioso

Por fin está aquí ‘Tenet’, la película de Christopher Nolan que por avatares del destino está llamada a salvar la taquilla veraniega a nivel mundial, ya sabemos que en España esa cruzada se le ha atribuido a Segura. Antes de meterme con otros aspectos trataré de responder a las preguntas que todo el mundo se está haciendo. ¿Es difícil de entender? ¿Es una película tan buena como las otras de Nolan?

A la primera pregunta diré que no. La película es compleja pero no complicada. Está muy bien explicada y junto con el protagonista vamos desentrañando el funcionamiento de Tenet. Se maneja un concepto físico (más bien una medida) que no se explica en detalle pero para la cual si se especifica su uso. Nolan de nuevo tira de pseudociencia e imaginación bajo el asesoramiento de Kip Thorne, quien ya le sirvió de guía en ‘Interstellar’. Vuelve a jugar con el tiempo como en ‘Origen’ e ‘Interstellar’, le llamaría cronomaestro pero ese apelativo me lo reservo para Justin Benson y Aaron Moorhead sin miedo a ser quemado en la hoguera. Al final de esta crítica tenéis una explicación concreta de a qué materia de la física me refiero, ojo que podría considerarse spoiler.

Es normal que el guión se haya mantenido en secreto tanto tiempo pues tiene giros muy interesantes, aunque algunos se puedan ver venir como si los hubiésemos vivido. Respondiendo a la segunda pregunta que he lanzado he de decir que la considero una película que merece ser un taquillazo pero Nolan me ha deleitado más con ‘Origen’, ‘El caballero oscuro’ e incluso con ‘Dunkerque’. Sigue siendo un maestro que se come el coco para mostrarnos algo nunca hecho pero que en esta ocasión no nos hace rascarnos tanto la cabeza.

Roma ni se conoce sin oro, ni se conoce sin amor. Con este palíndromo lo que quiero decir es que se palpa obviamente que hay un presupuesto enorme. Por ejemplo, para aquellos que quieren que un personaje de raza negra sea considerado en el cine como es debido han de saber que esta es la producción más cara con un hombre negro (John David Washington) como protagonista único, 205 millones de dólares. Y vaya si Washington está a la altura, tanto en la acción como en los diversos diálogos que ha de mantener con todo un repertorio de diversos personajes. Continuando con el tema del presupuesto, en el tráiler dicen querer estrellar un avión y Nolan ni corto ni perezoso ha estrellado uno de verdad, sin trucos de ordenador ni maquetas. Se puede hacer raro pero esta es una de las películas contemporáneas de Nolan que se sienten más artesanales en el sentido en que no usa ni una sola pantalla verde. Luce su talento para rodar una historia que como su marca exige es ingeniosa. Repasamos varias veces las mismas escenas y no se pierde el interés, aunque alguna pelea la habría recortado en el segundo visionado.

La historia de amor viene a través del villano, implacablemente bien interpretado por Kenneth Branagh, junto a Elizabeth Debicki. Es un hombre con temple y prontos, que maneja las cosas con serenidad y aún así se anticipa a los héroes de esta historia. Pero tiene un amor tóxico que se convierte en parte de uno de los detonantes del argumento.

Hay que decir que por fin podemos ver ‘Tenet’ ya que si fuese por Nolan habría estado en cines antes. Pero la pandemia lo ha impedido e incluso ha hecho que haya tenido que acabar su banda sonora con los músicos aportando su parte desde casa. Tras unos cuantos títulos colaborando juntos esta es la primera película en la que Hans Zimmer no le pone banda sonora, esto fue porque le compositor estaba con ‘Dune’. Este contratiempo ha hecho que el compositor de ‘Black Panther’ (Ludwig Göransson) sea el que acompañe ‘Tenet’ con sus notas. Y mucho mejor está este trabajo que el que hizo en la película de Marvel Studios, hasta el punto de decir que la banda sonora es imprescindible para lo trepidante de muchas escenas y el sentido narrativo que adquiere. En ese sentido se ha buscado un toque similar al de ‘Dunkerque’. ‘Tenet’ también es la segunda película seguida que escribe Nolan sin su hermano Jonathan Nolan (‘Westworld’).

Tiene mérito el que tenga partes de la producción hechas con interrupciones pero que al final todo concuerde. ‘Tenet’ es un gran puzle que nos obliga a volver sobre los mismos pasos una y otra vez. Pero respecto a lo narrativo veo el punto flaco de la película. El montaje es algo precipitado y abrupto. En lo respecto a la edición de la película Nolan también ha tenido que buscar sustituto a uno de sus habituales, en este caso a favor de Jennifer Lame, a la cual debemos la edición de ‘Hereditary’. Es cierto que la película se sigue estupendamente en las escenas pero cuando pasamos de una secuencia a otra el cambio es demasiado tosco.

Hasta la fecha solo me había gustado Pattinson en ‘Z, la ciudad perdida’ y tras ‘El faro’ y esta película me siento más animado a ver su Battinson. Sigo sin tragar ‘Crepúsculo’ por mucho que en ‘Tenet’ se le haga un simpático guiño. Casual o no Pattinson se enteró de que iba a ser Batman cuando rodaba precisamente con Nolan que como todos sabemos firmó una excelsa trilogía sobre el hombre murciélago.

Y para cerrar aquí viene la explicación física que se le puede dar a la película, a si es que si no queréis leer o saber más os recomiendo acudir al cine o revisionarla las veces que necesitéis, es disfrutable ya que sus casi dos horas y media se pasan volando, cuando acaba nos sentimos como si acabásemos de ver el principio. Intento no ser demasiado técnico y espero no errar en mi explicación que hace mucho que estudié esto en clase de física.

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Tenet significa principio en inglés. Pero principio no literalmente en el sentido de un punto origen (en esta película puede interpretarse con ese doble sentido) sino que estrictamente significa fundamento o reglas de algo. En este caso el principio es la entropía y el uso que se hace de ella. Yendo más al detalle. El universo tiende a distribuir o expandir la energía uniformemente y la entropía nos ayuda a comprender ese reparto irreversible. La entropía es una magnitud que puede guiarnos a la hora de explicar la razón de lo que sucede en un sistema bajo estudio o cómo de molecularmente desordenado está. Por lo tanto conociendo el estado de una entropía y sus microestados se pueden lanzar hipótesis sobre sus cambios. Conociendo la entropía de un sistema concreto (en este caso entendemos sistema como los sucesos que recorren en ambos sentidos los protagonistas) y la de sus alrededores tenemos idea de cómo funciona la entropía global. Si la entropía alcanza su nivel máximo se destruye. Es decir, si estamos hablando de la del mundo o la del universo sería nuestro fin. Aunque Nolan no busca ser cien por cien exacto asocia la entropía a un algoritmo que tiene el villano y que le permite retroceder en el tiempo hasta el punto que desea, poniendo en peligro al mundo entero.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2020. Título original: Tenet. Duración: 150 min. País: Reino Unido. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Dimple Kapadia, Aaron Taylor-Johnson, Clémence Poésy, Michael Caine, Kenneth Branagh. Producción: Syncopy, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, acción, suspense. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/tenet

‘High Score’ la serie de Netflix sobre videojuegos clásicos

Los pioneros en eso de pulsar botones y superar niveles

Antes que nada he de avisar de que ‘High Score. El mundo de los videojuegos’ no es un repaso por todos los juegos, consolas y categorías habidas y por haber, eso se antoja inabarcable hasta para la mejor de las exposiciones. Trata más a cerca de los primeros, sobre como, por qué y por quién tenemos los videojuegos que tenemos ahora. La creación de juegos míticos a los que habéis jugado seguro, la gestación de géneros que hacen de todo este entretenimiento algo más inmersivo, las personas que fueron imprescindibles para la industria, todos los dispositivos disponibles para jugar, la introducción de la violencia, los primeros gráficos en 3D…

Netflix ha publicado esta serie de seis episodios el pasado 19 de agosto y con ella continúa con sus documentales sobre la cultura pop, como ya hizo con ‘The toys that made us’, sublime. Se pone aún más con el ocio interactivo, ese que convirtió las televisiones en un medio para que formásemos parte de la historia, los videojuegos.

Los seis episodios de ‘High Score’ están narrados por Charles Martinet, quien trabaja poniendo voces a personajes como Mario o Luigi. Estos seis capítulos nos narran el inicio de la industria, la aparición de Nintendo o SEGA, los juegos de rol, los juegos de lucha y los shooters. ¿Con cuál te alejas más del mundanal ruido? ¿Cuál fue tu primera consola?

Como no esta serie de reportajes y entrevistas empieza con Atari, con sus éxitos y lo que tuvo que enterrar, literalmente. Pero también pasa por la primera consola en usar cartuchos o el primer videojuego para PC. ¿SEGA o Nintendo? Fue el primer duelo de grandes casas que dividió el corazón de lo gamers. De todos muchos de los jugadores de ahora podrán darse cuenta con todas estas batallitas y anécdotas de lo corta que es la historia de los videojuegos.

Detalles curiosos se cuentan muchos, a si es que aunque no aparezca exactamente tu juego preferido si te gustan de verdad los videojuegos disfrutarás esta serie. Por ejemplo conoceréis como la inspiración de los invaders proviene de pulpos extraterrestres imaginados por su autor desde que conoció la guerra de los mundos. Como Pac-man se hizo con la mentalidad retrógrada de que no había juegos para mujeres y ese sería uno. Obviamente aparece Mario, Tetris… pero también juegos modernos y más complejos.

Y por supuesto aparecen nombres que son clave en todo este lucrativo mundo: John Romero, John Carmack, Tomohiro Nishikado, Tom Kalinske, Hayao Nakayama, Hirokazu Yashuhara, Yoshitaka Amano, Akira Nishitani, Akira Yashuda, John Tobias, Shigeru Miyamoto, Gail Tilden o Nolan Bushnell.

También hay lugar para los primeros torneos que ahora conocemos como eSports. Seguro que también has consultado revistas o tutoriales de Youtube para superar un bloqueo y hasta eso se abarca ya que ‘High Score’ cuenta como las primeras guías de juego que eran personas al otro lado de un call center.

Si no tenéis una perspectiva de cómo ha cambiado la industria del videojuego desde el momento en el que se luchaba por conseguir la puntuación más alta hasta que todos llegan al mismo techo de lograr un platino recurrir a esta obra. Es muy interesante porque muestra la historia, a veces algo canalla o sinvergüenza, de como surgieron ideas que hoy en día nos parecen básicas o esenciales. Así mismo conoceréis a aquellos que estuvieron en el génesis de todo esto ya que son ellos los que nos cuentan su camino. Además todo se ilustra con unas hilarantes animaciones en 8 bits.

Crítica: ‘Orígenes secretos’

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Madrid 2019. Un asesino en serie está sembrando el caos. Personas anónimas y sin conexión están siendo asesinadas imitando las primeras apariciones de los súper héroes más conocidos.

Cosme es el mejor detective de su comisaría y está a punto de jubilarse contra su voluntad. David es su relevo y es joven e impulsivo. Ambos tendrán la misión de encajar las piezas en un juego, del que desconocen completamente las reglas. En su aventura contarán con la ayuda de Jorge Elías, hijo de Cosme, entrañable friki y dueño de una tienda de cómics y de Norma, jefa de ambos y amante del manga y del cosplay.

Dicen que algunas veces hay que ponerse el traje y salir a hacer de este mundo un lugar mejor. Puede que esta sea una de ellas.

Crítica

Tan alusiva como poco interesante

«Tiene cáncer […] Del que no se cura». Con una fase así ‘Orígenes secretos’ alude en uno de sus momentos a ‘Watchmen’. Descuidad que esto no os destripa la trama y tampoco es que vuelvan a hablar mucho del tema, como pasa en ‘The room’. No es una referencia difícil de captar y si, al igual que el director y guionista abulense David Galán Galindo yo también leo cómics, incluso hacía cosplay y soy un habitual de las convenciones de cómics. Y he de admitir que me han gustado algunos de los zascas que oigo en su película, pero también me fastidia que volvamos a los tópicos de siempre.

‘Orígenes secretos’ junta cual buddy movie a un joven detective metódico y pulcro (Javier Rey) con el hijo de su mentor (Resines), el cual es un vendedor de cómics entrado en carnes y bastante descuidado, interpretado por Brays Efe. Ambos deben resolver unos crímenes en los que el asesino cual Kevin Spacey en ‘Seven’ recrea unas escenas, solo que estas tienen que ver con los cómics. Sobra decir que como pasa siempre en estas películas los protagonistas están obligados a entenderse. El defecto de ‘Orígenes secretos’ no es su base, es el partir de una premisa que paso a paso agasaja multitud de mitos de la cultura popular para acabar cayendo en los errores de las películas más convencionales.

Si me preguntáis qué tal funciona como película en su conjunto os tendré que decir que me ha parecido fallida. Si de origen ya tiene componentes que hemos visto muchas veces, poco a poco va repitiendo las pautas típicas de las películas de su género. Es un desatino frecuente el querer llevar la trama a lo personal o circunscribir todo el caso a los mismos personajes, un clásico que hace que siempre se quiera rizar demasiado el rizo. Con la premisa que tiene e indicando que hasta la jefa de homicidios (Verónica Echegui) hace cosplay aquellos que gustéis del manga o seáis cosplayers me preguntaréis… ¿es ofensiva la película? No, pero tampoco es correcta del todo. Frustra porque perpetua un estereotipo que yo creo que en pleno siglo XXI ya sabemos que no se cumple tan a rajatabla como se empeñan. Un lector de cómics, por ejemplo, no siempre está gordo y no siempre habla con referencias a las viñetas o a series y películas, como vemos con el personaje de Brays Efe y los compradores de su establecimiento.

Cada vez es más habitual encontrar a gente frustrada (me refiero incluso a autores de cómics) por toparse con aquellos que se dicen «fans de los cómics» solo por que se han hecho un cosplay o se han visto una serie o película, pero no han tocado nunca un cómic. Ese es el tipo de cosplayer al que interpreta Echegui. Si está hecho para encabritar a los lectores de cómics, misión cumplida. Si está colocada en «Orígenes secretos» para enfadar a los espectadores, también, conseguido. Actoralmente el filme no brilla por ninguna parte. No veo nada realmente destacable en las interacciones entre personajes y tampoco en su clímax final donde por cierto tampoco me convence el discurso.

Apartado de huevos de pascua hay que hacer porque se han esmerado en que haya muchos. Están las claras alusiones a clásicos personajes de Marvel o DC, incluso el final evoca a las icónicas poses de Superman y Batman dibujadas por Jim Lee. Hay personajes que se llaman como famosas editoriales tales como Bruguera (Ernesto Alterio) o Norma (Echegui), incluso un héroe que se llama Vértice. Me ha parecido oír ‘Gantz’ o ‘Berserk’ en una escena en la que se mira un cuerpo que está hervido, música para mis oídos. Aparecen muchas armas de grandes producciones, como las de ‘El Señor de los Anillos’, forjadas en Toledo como muchos sabéis. Incluso tiene escena post-créditos con un Sbaraglia barbudo a lo Alan Moore. Si me apuras me atrevería incluso a decir que el repartidor que entrega cajas a la ficticia tienda de cómics tiene un intencionado aire a Stan Lee.

Esta no es una crítica pidiendo ayuda para que se rompan de una vez las miradas estereotipadas, pero si un feedback para que se procuren alimentar menos los tópicos rancios. Me ha gustado que se indique que existe el éxito entre la comunidad friki dándole la vuelta a la tortilla y a esa imagen clásica del nerd fracasado, aunque sea en una corta escena. La película al menos se sale de todo esto en algún momento con mensajes que nos empujan a darle valor a los que no son como nosotros y a los héroes con los que nos relacionamos día a día. Habrá que salvaguardar eso.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de agosto de 2020. Título original: Orígenes secretros. Duración: 110 min. País: España. Dirección: David Galán Galindo. Guion: David Galán Galindo, Fernando Navarro. Música: Federico Jusid. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Javier Rey, Verónica Echegui, Brays Efe, Antonio Resines, Ernesto Alterio, Carlos Areces, Leonardo Sbaraglia, Álex García. Producción: Nadie es perfecto, La Chica de la Curva, In Post We Trust, Quexito Films, TVE. Distribución: Filmax (Neflix). Género: thriller, comedia, adaptación. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/origenes-secretos.123

Crítica: ‘Un amigo extraordinario’

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Tom Hanks interpreta a Mister Rogers en ‘Un amigo extraordinario’ (‘A Beautiful Day in the Neighborhood’), una historia sobre la bondad triunfando por encima del cinismo, basada en la historia real de la amistad entre Fred Rogers y el periodista Tom Junod. Tras serle asignado realizar un perfil de Fred Rogers, un hastiado escritor (el ganador de un Emmy Matthew Rhys) acaba superando su escepticismo, aprendiendo sobre de la bondad, el amor y el perdón, gracias al vecino más querido de América.

Crítica

Hanks mira dentro de nosotros como solo él sabe

Para ver esta película podéis empezar leyendo el artículo del que sale o que ha servido como detonante, escrito por el periodista de Esquire Tom Junod (podéis leerlo aquí). ‘Un amigo extraordinario’ es la recreación de cómo se gestó este texto sobre un tipo la mar de entrañable y querido. Pero también es la manera de mostrar cómo este personaje televisivo podía cambiar la vida de las personas, incluidos los periodistas a los que tenía fama de reventar entrevistas yéndose por los cerros de Úbeda o interesándose en su vida privada. Por supuesto hay algo de ficción que el propio autor del artículo ha desmentido, pero tanto él como la mismísima viuda de Fred Rogers admiten que Tom Hanks es el actor ideal para encarnar a este presentador.

Toca hablar de Fred Rogers (Tom Hanks) pero también de la relación que estableció con Tom Junoud, aquí renombrado como Lloyd Vogel (Matthew Rhys). Leáis o no las líneas de la revista norteamericana con el guión y la interpretación de sus protagonistas os vais a hacer a la idea de cuan entrañable era esta persona, presentador del programa infantil Mister Rogers’ Neighborhood.

El cine por lo general tiende a blanquear la imagen de adulados famosos o por el contrario a vilipendiarles. En este caso, busquéis por donde busquéis, es difícil o imposible ver vinculado este nombre a palabras del tipo “polémica”. Por lo tanto Marielle Heller, directora de ‘Un amigo extraordinario’, solo ha tenido que ceñirse a la realidad para rendir un homenaje que en principio Hanks se negaba a interpretar, hasta que el talento de Heller le convenció con ‘The diary of a teenage girl’ o con ‘¿Podrás perdonarme algún día?’.

Hay tantos papeles que podríamos decir que son definitorios del carácter de Hanks… Pero este llevaba impreso su nombre. Rogers llevaba un programa donde hacía de un amable vecino que es todo bondad y no tiene nada de malintencionado. Todo esto con el objetivo de conectar con los niños al otro lado de la pantalla. La mecánica de esa serie era hablar a la cámara hasta el punto de parecer estar dando una clase de sermón eclesiástico (era muy religioso) mezclado con charla TED, pero para niños. Aunque, lo interesante que expone la película, es que conecta directamente con los adultos.

Nos habla a nosotros, a sus espectadores sobre cosas triviales pero a la vez vitales en la vida. Con los tiempos que vivimos es fácil caer en pensar que en algún momento tan impensable bondad o afabilidad va a romperse con algún escándalo destapado. Pero nos abruma con una historia de esperanza, ejemplo y redención. Junto al periodista aprendemos y ganamos la confianza en que hay gente, refiriéndome sobre todo a famosos de imagen intachable, que no tienen por qué ocultar algo turbio.

‘Un amigo extraordinario’ no es una película biográfica, si no un filme que habla del efecto de una persona sobre otra, sea esta más o menos mediática. Sirve de vehículo para contarnos la historia de Lloyd Vogel y la de Vogel es también la herramienta para llegar a Fred Rogers. Es en esa simbiosis que se establece donde vemos que Heller y el guión de Micah Fitzerman-Blue y Noah Harpster también trata sobre afrontar nuestros sentimientos y tener valor para cambiar. Quien diría que estos dos guionistas escribieron el desastre de ‘Maléfica: maestra del mal’.

Tom Hanks está brillante y si tiene algo turbio que ocultar desde luego no lo parece. Hace de un personaje que es igual que su persona, un tipo al que todos lloraremos si le perdemos. Es alguien que antepone la amistad y al que cuesta encontrar enemigos. En Estados Unidos podría decirse que la figura de Rogers es intocable y de ahí se entiende todo el respeto y meticulosidad que Hanks ha puesto en su trabajo, hasta el punto de vestir prendas auténticas de Rogers cedidas por su viuda. Pero lo más destacable es como ha cambiado su cadencia en el habla, manteniéndola inalterable durante todo el filme.

La escena del minuto de silencio con un lento zoom in cerrando plano sobre Hanks es totalmente demoledora. Hanks mira dentro de nosotros como solo él sabe. Sobre todo si tenemos en cuenta que en esta secuencia aparecen la auténtica Joanne Rogers y más personas ligadas al marionetista. Igual que el último plano secuencia que es muy sentido e inspirado en uno real.

Con esto llego al punto de poder decir que hay buen trabajo de archivo, digitalización y maquillaje para recrear momentos televisivos de antaño. También está muy bien escogida la banda sonora, obra de Nate Heller, hermano de la directora que siempre ha puesto melodía a sus largometrajes.

No lo voy a negar, las transiciones con maquetas me han cautivado, aunque sean sencillas son efectivas y tienen mucha culpa de haberme conquistado desde el inicio. Tienen un pequeño hueco en los créditos, igual que lo tiene el auténtico Rogers. Tanto el filme como el programa real usan estas miniaturas para ilustrar un cambio de localización en la historia.

El cariño que se le ha puesto a esta película se debe también a lazos familiares. Hanks es primo lejano de Rogers y este a su vez también es primo sexto del escritor que le hizo el artículo. También Colin Hanks (hijo de Tom Hanks y Samantha Lewes) interpretó a Rogers hablando ante el senado, escena que aparece fugazmente recreada en ‘Un amigo extraordinario’. Y es que tal vez Fred Rogers era una persona imposible de retratar con cuatrocientas palabras, tal vez tampoco con esta película y me queda la impresión de que tan solo es posible materializarle buceando el recuerdo de los que le conocieron.

Es otra película más en la que Hanks se embarca en sendas de autoconocimiento o psicología social, además de interpretar de nuevo a un personaje real querido por la audiencia. Un personaje en el que se ha basado también la serie ‘Kidding’ de Jim Carrey, pero los enfoques son muy diferentes. Desde luego si dos actorazos como estos se han arremangado para homenajear a Rogers merece la pena que os acerquéis a su figura, sobre todo porque representan una manera de educar con la televisión que se ha echado a perder.

Veréis una dedicatoria al final de la película. Está dirigida a Jim Emswiller, mezclador de sonido que falleció cuando la película aún estaba en producción y se encontraban en un paréntesis.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de agosto 2020. Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Marielle Heller. Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster. Música: Nate Heller. Fotografía: Jody Lee Lipes. Reparto principal: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman. Producción: Big Beach Films, Tencent Pictures, TriStar Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, biográfica. Web oficial: https://www.abeautifulday.movie/

‘Territorio Lovecraft’, opinión del arranque de la serie de HBO

Lo que habría sido ‘Supernatural’ de ambientarse en los años 50

El American Way of Life que tanto se prodigaba en los años cincuenta allá por Estados Unidos se recrea y contrasta con la marginación al hombre negro para dar forma a ‘Territorio Lovecraft’. Pero todo este discurso de hipocresía y odio esta vez nos lo han embadurnado de survival horror con todo un compendio de H. P. Lovecraft. Desde el pasado 17 de agosto se ha empezado a emitir esta serie en HBO España y como es habitual cada semana tendremos una nueva entrega.

No es como otras adaptaciones en el sentido de que mantiene el misterio hasta los instantes finales y se reservan para entonces la aparición de los horrores lovecraftianos. ‘Territorio Lovecraft’ desde el principio exhibe a sus criaturas. Empieza muy fuerte en el sentido de lucirse digitalmente y de aportar un par de escenas con emociones fuertes, tanto con bestias antediluvianas como con salvajes retrógrados.

Porque como era de imaginar al ser un trabajo producido por Jordan Peele el racismo está omnipresente. También hemos visto trabajos de Misha Green, la otra creadora, girando en torno a lo mismo. Hay referencias visuales sutiles (como la recreación de las fotos de ‘Segregation in the south’) y una infinidad de momentos que más que incómodos dan vergüenza ajena por lo que narran. Me refiero a los que pueblan siempre los territorios de Peele en su incansable lucha por los derechos afroamericanos y denuncia de lo sucedido a lo largo de la historia de USA. En ese sentido aunque nos encontremos ante un relato de género fantástico hay mucha base real. La guía verde que realiza uno de los protagonistas o las fotografías que va tomando otra son hechos que se han dado a lo largo de los 50 y 60 en Estados Unidos.

En el caso de ‘Territorio Lovecraft’ estamos en los años 50 recorriendo las carreteras sureñas en busca de un padre desaparecido y con la única pista de una ciudad llamada Ardham (lo cual es casi Arkham, nombre recurrente en las obras de Lovecraft). Este es un road trip que me ha recordado en muchos sentidos a ‘Supernatural’. Es una historia familiar con mucho de paranormal pero también con bastante de drama.

No está basada en una novela de Lovecraft, si no en una de Matt Ruff titulada como la serie. Pero Lovecraft está muy presente, desde los seres que vemos en el arranque hasta la multitud de alusiones que se le hacen. La literatura, no solo la del escritor de Rode Island, no para de ser alabada, por lo menos en el primer episodio. Aparece la editorial Arkham House, la creación del Green Book es obvia, la hija de uno de los protagonistas dibuja cómics, citan frases de ‘Drácula’ y por las manos del protagonista pasan libros como ‘El conde de montecristo’ o ‘Una princesa de Marte’.

Está muy sobrecargada de referencias y temáticas. Es de suponer que rebajará esta intensidad de alusiones según avance para depender de sus propios argumentos, si no la serie terminará siendo un mero vehículo para temas fan y reivindicativos y poca historia original. Eso sí, está claro que han dejado llevarse por la imaginación y yo siguiendo su proposición también he dejado volar la mía. Por ponernos creativos, sería orgásmico que esto formase parte del universo Cloverfield, al fin y al cabo el otro gran nombre entre los productores ejecutivos de la serie es J.J. Abrams.

Me ha gustado el carácter de la serie que también podría ser la recreación de una partida al célebre juego de rol ‘La llamada de Cthulhu’. Tenemos personajes diversos y una meta bien marcada y durante el camino inconvenientes, simbología, aventuras y horrores. Me da rabia que aunque se han introducido algunos personajes intrigantes las serie no tenga ese halo de misterio, misticismo y componentes psicológicos que suele tener la obra de Lovecraft. Eso ha sido a favor de generar un corre que te pillo que imagino que está más acorde a los gustos del público general.

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