‘Los Siete Pecados Capitales’ es una serie que tras aparecer en 2014 ha cosechado un éxito innegable consiguiendo colarse en casa de todo tipo de fans del anime, sea cual sea su edad. Tiene merchandising y vemos cosplays de sus personajes en todos los salones de cómic, por supuesto podemos encontrar sus mangas (iniciados en 2012 y ya finalizados) en las estanterías de las tiendas. ¿Cuál es el secreto de ‘Nanatsu no Taizai’? Se podría decir que esta serie coge el testigo de clásicos como ‘Dragon Ball’ o ‘Caballeros del Zodíaco’. Aunque muchos elegirán a otras como ‘Naruto’ o ‘One Punch-Man’ como las herederas de esos clásicos (yo metería a Bobobo en la ecuación). Y pertenece a este grupo de series ya que trata de ir cada vez a más, haciendo que sus personajes nunca tengan límites, poniendo nombre a sus ataques y por supuesto rodeando todo de epicidad y humor.
Tenemos 24 nuevos episodios en Netflix con la nueva temporada de ‘Los Siete Pecados Capitales’ que lleva como tagline ‘Imperial wrath of gods’, algo así como ‘La ira imperial de los dioses’, si mi pobre inglés no me falla. El grupo de héroes, a veces villanos, conocido como Los Siete Pecados Capitales tiene que continuar con la batalla que dejó en la anterior temporada contra los poderosos Diez Mandamientos. Si hay algo a lo que uno debe estar dispuesto a esperar durante esta serie es a conocer a nuevos personajes y a incorporar giros y más giros a todas y cada una de las tramas que abren estos individuos.
Usando elementos religiosos y de la mitología artúrica ‘Los Siete Pecados Capitales’ lleva a cabo una historia que más que coral o grupal ha de denominarse multitudinaria. Son muchísimos los caballeros, magos, demonios… que interactúan con la historia haciéndola muy interesante, aunque a veces con factores excesivamente cogidos con pinzas. Porque además así se desarrolla un trasfondo abundante para cada uno de ellos y también con ello se potencia y enriquece todo el universo que transcurre en las islas británicas. Incluso se agradece que en ese gran número de historias que contar encontremos diversidad. Darían para llenar temporadas y temporadas o algún que otro spin-off. Es interesante esta temporada no solo por el nivel que alcanzan algunos protagonistas si no también por lo que se revela de su pasado, en especial sobre Gowther, Meliodas y Elizabeth.
Reinos, poderes mágicos, caballeresca, leyendas… Sobre todo hay muchas peleas, amor y aunque veamos mutilaciones o palabrotas el humor no deja de ser infantiloide. También a veces un tono que más que pícaro es salido. En esta cuarta temporada los gags están algo menos presentes y no se cosifica tanto a los personajes femeninos, ni con sus trajes ni con lo libidinoso de ciertos protagonistas.
Se mantiene el estilo de dibujo clásico que obviamente tiene arreglos hechos con ordenador. El diseño también sigue los estándares habituales del anime, encontrándonos con algunos personajes como Meliodas, Arturo y Zeldris que se parecen bastante entre ellos. Eso si, se han solucionado algunos problemas que fueron criticados en la animación de la temporada tres. Bien por Studio DEEN.
Tras varias temporadas y OVA’s la serie pasa de ser una aventura caballeresca en la que hay que defender a una dama y un reino hasta tener que librar al mundo del dominio de los demonios (todo esto sin contar con el objetivo particular de cada miembro del grupo). Muchos fans se pueden enfadar pues esta temporada no es la definitiva, su final es inconcluso y eso que ya está anunciada una serie que contará con Tristan, el hijo de Meliodas como protagonista, niño que aparece al final del manga. Lo que decía antes, muy al estilo ‘Dragon Ball’.
Las vidas de un exsoldado, una adolescente y un policía se cruzan en Nueva Orleans mientras buscan al suministrador de una pastilla que otorga superpoderes temporales.
Crítica
Un ‘8 millas’ a lo ciencia ficción con héroes y camellos
Muchas son las películas que surgen en los últimos años poniendo a “gente ordinaria” en la tesitura de qué hacer al verse dotados de superpoderes. Es indudable que títulos como ‘Proyecto Power’ siguen la estela de sagas como X-Men (de hecho tiene un detalle muy similar al de ‘La decisión final’) y por eso, para intentar alejarse del clásico, se buscan maneras de originar o justificar la aparición de las envidiables capacidades sobrehumanas. En la última década hemos vivido el éxito de culto de ‘Chronicle’, el fracasó de la adaptación de ‘Mentes poderosas’, los desacuerdos con ‘Hancock’ o con ‘Glass’… Pero quizá a lo que más se aproxima esta nueva propuesta de Netflix es a esa tendencia de ubicar la ciencia ficción en ciudades o barrios más atípicos rodeando todo además de un halo de delincuencia y llevando así la trama a algo más mundano, como hizo ‘Code 8’ o como hacía ‘Misfits’. Sin duda, para los entendidos en cómics, el mayor parecido en las viñetas con esta película es la colección ‘Powers’ de Marvel, el número de símiles es grande.
En el caso de ‘Proyecto Power’ una especie de comprimido saca a la luz el superpoder que llevan las personas dentro y les permite usarlo mientras dura el efecto. El problema es que ese poder no se conoce hasta que se “desbloquea” y además deja secuelas. Con algo de pseudociencia y con mucha ciencia ficción esta producción de Netflix va hilando una historia de búsqueda tanto personal como justiciera.
Es de esos largometrajes que son casi buddy movie, con protagonistas muy distintos entre ellos pero con el mismo objetivo y que acaban juntos por algo más que por azar. Además también debemos incluirlas en el grupo de filmes que consigue acotarse en un breve espacio de tiempo, es decir, cuya historia transcurre en un tiempo filmico muy corto. Si queremos buscar otras comparaciones fuera de lo relacionado con los cómics podemos decir que esta puede ser una versión de ‘Colateral’ más ‘8 millas’ en plan ciencia ficción.
Aunque sea una película más con superpoderes ¿por qué es interesante ver ‘Proyecto Power’? Pues básicamente porque el guionista es MattsonTomlin y este junto a MattReeves se están encargando del guión de ‘The Batman’. A si es que visto lo visto podemos decir que es lo suficientemente capaz de cargar a los personajes de un trasfondo y de acabar todo con un buen clímax. Además que la dirección ha corrido a cargo de dos directores experimentados tras varias películas de ‘Paranormal Activity’ o ‘Nerve’ y eso le ha hecho mucho bien a la hora de encauzarse por un estilo joven y más dramático. Es una película solvente con superpoderes, no con superhéroes, que además evita caer en los gags cómicos como hace Marvel, a si es que se agradece la diferencia.
También es atractiva por su reparto. Tenemos los nombres de Jamie Foxx, Joseph Gordon-Levitt, Dominique Fishback, Rodrigo Santoro, el músico Colson Baker, Courtney B. Vance, Amy Landecker… A Gordon-Levitt le vimos en aquel amago de Robin que hizo en la tercera película del hombre murciélago de Nolan, de hecho aquí se hace un poco de burla a eso, no solo porque su papel sea muy similar, si no porque la protagonista se llama Robin. Esta está interpretada por Dominique Fishback y aporta la parte adolescente e irreverente de la cinta. En el caso de Foxx por lo que interesa más es por verle rodeado de poderes (en mejor modo que en Spider-Man) y en plena forma para la acción, aquí está muy a lo Liam Neeson. Todo esto son buenos detalles para su futuro como Spawn. El trío de protagonistas funciona pero no puedo decir lo mismo del villano interpretado por Santoro.
Joseph Trapanese consigue el ritmo musical que ya ha logrado en películas como ‘Stuber Express’ o ‘El gran Showman’. Vuelve a esas esas notas “underground” que tanto usó en ‘Straight outta Compton’. Lo que decía en el titular, barrio marginal más ciencia ficción.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Proyect Power. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Henry Joost, Ariel Schulman. Guion: Mattson Tomlin. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Michael Simmond. Reparto principal: Jamie Foxx, Joseph Gordon-Levitt, Dominique Fishback, Rodrigo Santoro, Colson Baker, Allen Maldonado, Amy Landecker, Courtney B. Vance. Producción: Netflix, Screen Arcade, Supermarché. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial:Ver en Netflix
Herschel Greenbaum es un trabajador con dificultades que emigra a Estados Unidos en 1920 con el sueño de construir una vida mejor para su adorada familia. Un día, mientras trabajaba en su trabajo en la fábrica, cae en un tanque de pepinillos encurtidos y queda en salmuera durante 100 años. La salmuera lo conserva perfectamente y cuando emerge en el Brooklyn actual, descubre que no ha envejecido ni un día. Pero cuando busca a su familia, le preocupa saber que su único pariente sobreviviente es su bisnieto, Ben Greenbaum (también interpretado por Rogen), un programador informático de buenas maneras que Herschel ni siquiera alcanza a entender.
Crítica
Una especie de live action de Futurama sazonado con pepinillos
Un hombre viaja a Estados Unidos en busca de nuevas oportunidades y lo que consigue es caerse en un tanque de pepinillos en salmuera quedándose allí encerrado un siglo. Se pierde toda una vida y tiene ante si un mundo por descubrir y en el que aplicar sus antiguas costumbres.
Aunque el argumento de ‘Encurtido en el tiempo’ pueda recordar a ‘El hombre de California’, esa película en la que un cavernícola interpretado por Brendan Fraser emerge del jardín de dos estudiantes que le despiertan de su letargo tras haber permanecido congelado durante miles de años, esta película tiene un tono diferente que se aleja de lo ridículo, aunque indudablemente sigue derroteros cómicos.
Seth Rogen por partida doble. Atina a ser más gracioso cuando está él solo como hombre de principios del siglo XX, es decir, en la primera parte de la película y en determinadas escenas posteriores. No obstante consigue que esta sea una película entrañable. Las primeras secuencias están en 4:3 y parece que estamos en un ‘Violinista sobre el tejado’ gafado y a color. Rogen trabaja bastante el acento y la situaciones cómicas que le rodean. Tras una transición muy a lo ‘Futurama’ llegamos a la actualidad y al personaje le pasa precisamente como a Fry, que se encuentra desbordado por lo que ve. Por supuesto hay chistes remarcando las grandes diferencias sociales y tecnológicas que se dan con respecto a cien años atrás. Estamos en una era en la que la ciencia y las relaciones humanas cambian a un ritmo vertiginoso. Por lo menos se puede apoyar en su bisnieto, que le acoge, igual que pasa en Futurama.
Aunque los parecidos con otras películas estén ahí no me parece nada mal. Si fuese así también pensaría lo mismo de películas sobre Papá Noel o sobre las invasiones extraterrestres. Siempre está bien revisionar ideas. Igual me pasa con los papeles de Rogen, que no suelen desviarse mucho de lo mismo. Cuando actúa siempre me deja la sensación de que hace de él mismo y aún así por lo general me hace gracia o consigue esbozar a sus personajes. Esta vez lo hace simultáneamente caracterizándose como dos personas distintas, cual Adam Sandler en ‘Jack y su gemela’ o Mike Myers en ‘Austin Powers’.
El director de ‘Encurtido en el tiempo’ es Brandon Trost y ha hecho con este su primer largometraje como capitán del barco. En otras muchísimas ocasiones su rol ha sido el de encargarse de la fotografía, como hizo en ‘The disaster artist’ o en otras muchas películas en las que trabaja Seth Rogen. Se nota que esta es una película entre amigos pues se dan de vez en cuando a las gamberradas habituales, aunque hay que remarcar que esta constituye la primera producción de Rogen que no se califica de tipo R.
Pero no quiero que penséis que esta es una película desatada tipo ‘La fiesta de las salchichas’ o ‘Juerga hasta el fin’. Es de esos títulos donde Rogen se contiene y busca llevar a cabo un papel con pinceladas serias. Además el autor del guión es Simon Rich el artífice de la novela en la que se inspira, ‘Sell out’. Seguramente a través de él se ha conseguido buena parte de la comedia pero también de la sensibilidad que puede llegar a tener ‘Encurtido en el tiempo’, no olvidemos que Rich ha trabajado en títulos como ‘Del revés’ o ‘Miracle workers’, obras que mezclan bastante humor y desgracia. De hecho llega a esos puntos moñas que suele tener Rich y junto con la partitura de Giacchino consigue algún que otro momento sentimental.
Sobre todo hay que considerar que tanto Rogen como Rich han pasado por Saturday Night Live y como era de esperar tenemos humor sarcástico y crítico. Hay dos cosas que se miran de cerca en ‘Encurtido en el tiempo’, el cliché que se tiene de los judíos (no olvidemos que Rogen profesa esa religión) y el mundo de las startups. Y por supuesto el modo en cómo las masas o los “profesionales” del siglo XXI se portan de manera estúpida. Un poco más de acidez no le habría venido mal a la película, se ha centrado más en ser cómicamente tierna o tontorrona.
Vivimos una época en la que nos están metiendo pepinillos por todas partes, por hacer un chiste a lo Rogen. Que si el perro Mr. Pickles, el héroe de acción Pickle Rick, el presentador encarnado por Jim Carrey… Subliminal o no, picando en la ironía de seguir lo que es tendencia o nos venden en las pantallas… voy a cerrar esta crítica comiéndome unos pepinillos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: An American Pickle. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Brandon Trost. Guion: Simon Rich. Música: Michael Giacchino, Nami Melumad. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Seth Rogen, Sarah Snook, Molly Evensen, Eliot Glazer, Kalen Allen, Kevin O’Rourke, Jorma Taccome. Producción: Point Grey Pictures, Gravitational Productions, Sony Pictures Entertainment, Warner Bros. Pictures, Warner Max. Distribución: HBO España. Género: comedia. Web oficial:HBO España.
Finnegan (Monica Bellucci), la mejor de los cazadores de demonios conocidos como Nikromantes, fue la primera en descubrir espíritus malignos dentro de internet y la primera en introducir su alma en la web para llevar la mítica batalla entre el bien y el mal al reino digital. Pero algo le ocurrió allí dentro… desarrolló el gusto por las almas humanas y se pasó al lado oscuro.
Unos años después, Howard North (Ben O’Toole), un desafortunado trabajador del servicio de alcantarillado que fue entregado en adopción cuando era un bebé, se da cuenta de que es el único con la habilidad necesaria para detener el plan de una demoníaca corporación para devorar las almas de un millón de seres humanos. Y por si eso no fuera suficiente, la dueña de esa corporación es Finnegan… su madre.
Ahora, con la ayuda de Molly (Caroline Ford) y Torquel (Tess Haubrich), hermanas y Nikromantes, Howard deberá aprender a aprovechar sus recién descubiertos poderes, aprender a destruir demonios online, lidiar con el fantasma de su recientemente fallecido amigo Randi (Epine Bob Savea) y de alguna manera encontrar tiempo para salvar el mundo. Todo ello, mientras esquiva balas, espectros, cabras explosivas, rayos de plasma, y a su megalomaníaca madre tratando de comerse su alma inmortal…
Howard North está teniendo un día del DEMONIO.
Crítica
Para aquellos que saben apreciar perversiones vistosas e instantes cafres
Si vais a ir al cine a ver ‘Nekrotronic’ antes debéis saber que es una película disfrutona para los que adoran los argumentos locos y la parafernalia más disparatada. Al filme de los hermanos Roache-Turner solo le ha faltado rozar el gore para estar dirigido a un escueto público pero su acción, su espectáculo visual y su humor la hacen admisible para un público más amplio, que aún así ha de estar abierto a propuestas desenfadadas y dementes.
Escribo esta crítica con la música de Dethklok (‘Metalocalypse’) de fondo porque la verdad es que le pega. En ‘Nekrotronic’ el satanismo o la brujería están muy presentes. Su trama no es excesivamente original, pero divierte y es fiel a su género de principio a fin. Lo que pasa en esta comedia de acción va mucho más allá de la realidad aumentada. Y es que literalmente aquí las apps las carga el diablo. Hay una aplicación malévola e invasiva como en ‘Countdown. La hora de tu muerte’ que no entiende ni de privacidad ni de Reglamento general de protección de datos. Por favor, no penséis que esta película es tan mala como la que estrenó Amazon en abril. Una aplicación tipo ‘Pokémon GO’ pero para cazar fantasmas (por si os pica la curiosidad ya hay una de Los Cazafantamas) hace que se manifieste la habilidad del protagonista. Es un cazador de espectros.
‘Nekrotronic’ es una burlesca cinta que aunque no es hilarante se hace la mar de simpática. Y también hace su esfuerzo por contar algo. Hay seres que salen de los móviles y se meten en las personas poseyéndolas o haciendo que pierdan el alma. Como en otras historias vemos que no hacen falta seres del más allá saliendo de nuestros smartphones para chuparnos el alma e idiotizarnos, para eso ya lo hacemos nosotros solitos sometiéndonos a bombardeos de retos estúpidos o vídeos virales.
La película de los hermanos Roache-Turner desarrolla toda una parafernalia de trajes, armas y reglas para vencer al mal. Se aproxima en estilo y en sanguinolencia a videojuegos tipo ‘Doom’ o ‘Hellgate London’ mezclando tecnología con criaturas infernales. También me ha recordado un poco al cortometraje ‘Blood machines’ en el sentido en el que me ha hecho pensar lo poco que cuesta hoy en día conseguir diseños de producción mucho más potentes con pocos recursos y algo de talento. Lo luminiscente y aquello que mezcla diferentes temas siempre resulta atractivo, aunque sea de un modo impertinente.
El planteamiento visual podría haber formado parte de una versión diabólica de ‘Tron 2’. La factura eléctrica del rodaje al tener tanta luz de neón debe haber sido abultada. Quizá los que estén más acostumbrados a los colores pastel de las películas hípster y modernas de ahora se sobrecarguen pero toda esa fosforescencia le va bien al filme. El maquillaje de los demonios está bien, los fantasmas digitales están bien, los props están bien, la acción está bien…
Obviamente hay que tomársela como una comedia descarada. Por ejemplo, toda la parte del amigo del protagonista recuerda a ‘Un hombre lobo americano en Londres’. También tiene algo de ‘Cazafantasmas’ a lo demoníaco y se intuye un guiño a ‘Ghost’ con la escena de la moneda. E incluso hay un detalle muy ‘Matrix’, en la que salía también Bellucci.
Aunque una de sus productoras (Hopscotch Features) estuvo involucrada en ‘Al encuentro de Mr. Banks’ esta película se parece más al filme estrafalario, comiquero e imaginativamente desatado que fue ‘Yo, Frankenstein’. ‘Nekrotronic’ supera a esa película de 2014. Es más entretenida y carismática, también está mejor hecha y mejor interpretada. Todo ello claro está teniendo en cuenta que ‘Nekrotronic’ está dentro de un género de ciencia ficción sangriento que solo busca arrancarnos carcajadas con sus desvaríos macabros de serie B diaboílico-tecnológica.
Poceros, cabras que explotan, posesiones digitales, multinacionales satánicas, fantasmas simpaticones… Majaderías de estas se echan muchas veces de menos para desconectar por completo. Tanto el reparto como sus creadores se gustan con lo raro y con la mezcolanza.
Hay una escena post-créditos con algún recuerdo a ‘El exorcista’ pero no es trascendental.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Nekrotronic. Duración: 99 min. País: Australia. Dirección: Kiah Roache-Turner. Guion: Kiah Roache-Turner, Tristan Roache-Turner. Música: Michael Lira. Fotografía: Tim Nagle. Reparto principal: Ben O’Toole, Monica Bellucci, Caroline Ford, Tess Haubrich, Epine Bob Savea, David Wenham. Producción: Guerrilla Films, Hopscotch Features. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial:http://www.hopscotchfeatures.com.au/nekrotronic
Mary Lennox tiene 9 años y vive con sus padres en la India donde su padre trabaja para el gobierno inglés. Cuando los padres mueren a causa del cólera, Mary es enviada a vivir a una inmensa mansión con su malhumorado y solitario tío (Colin Firth) y su estricta ama de llaves (Julie Walters). Allí la niña se encontrará sola en una mansión con más de cien puertas (la mayoría cerradas) y un jardín amurallado donde con la ayuda de la fantasía y en compañía de su enfermizo primo y un joven del pueblo, emprenderán una maravillosa aventura.
Crítica
A la vista es correcta, pero cuando te acercas a husmear no desprende aroma
La actriz Julie Walters, el director Marc Munden y el guionista Jack Thorne ya coincidieron en ‘National Treasure’ pero ni esta es una película del mismo corte ni Walters es la protagonista. En ‘El jardín secreto’ ella es algo así como el ama de llaves de la casa en la que reside ColinFirth y a la que es destinada su sobrina interpretada Dixie Egerickx.
De nuevo vuelve a interpretarse la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’, que ha tenido hasta películas animadas. Por mucho que contemos esta vez con Walters y de nuevo con Firth (ya hizo de Colin en la adaptación de 1987) realmente la niña y otros personajes son los protagonistas. El peso recae en Egerickx cuyo personaje se mueve por un terreno poco afable para intentar dar rienda suelta a sus juegos e imaginaciones.
En el marco de la guerra indo-pakistaní los padres de Mary (Egerickx) desaparecen. Ella es devuelta a Inglaterra donde tiene que alojarse en una casa rodeada de un feo páramo y entre paredes que crepitan y transportan el sonido de llantos. Allí ha de intentar ser feliz, en el lugar donde entre la melancolía y lo mustio encuentra el color.
Esta es una película cuyo punto de partida o mecánica puede recordar a ‘El laberinto del fauno’ o a ‘La casa del reloj en la pared’. Pero ni es tan intensa como la primera ni tan mágica como la segunda. Munden ha hecho la que probablemente es su película más infantil y también la más metafórica. Todo el filme es un relato que busca relacionar la tristeza con la enfermedad y la alegría con la vida. La capacidad de curar aquí va de la mano a la capacidad de creer y de querer sobreponerse a la tragedia.
Al margen lo que buenamente quiere transmitir es un relato bastante insípido, sobre todo porque no tiene una moraleja elaborada ni trabaja lo más mínimo la emoción. Si nos adentra en un contraste de lugares que nos lleva a un despliegue de color a través de un vergel, pero no consigue que empaticemos con unos personajes que de entrada son bastante apáticos. La protagonista sin ir más lejos tiene un carácter extremadamente repelente que evoluciona poco o nada.
‘El jardín secreto’ es una película fantasiosa que para mi se aleja del término fantástico. Si hubiese conseguido materializar un ambiente aún más de cuento y exprimido el potencial de sus actores seguramente estaríamos hablando de una película capaz de tocar la fibra.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: The secret garden. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Marc Munden. Guion: Jack Thorne. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Colin Firth, Julie Walters, Dixie Egerickx, Edan Hayhurst, Maeve Dermody, Isis Davis, Amir Wilson. Producción: STX Films, StudioCanal, Heyday Films, Fundamental Films, Canal+, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, fantasía. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/el_jardin_secreto
Ya ha terminado la segunda temporada de ‘Doom Patrol’ en HBO y podemos decir de nuevo que es una de las mejores, series de superhéroes del momento, si no la mejor. Y eso que solo hemos tenido la mitad de capítulos de los debidos y que realmente los protagonistas no son superhéroes al uso. Son personas con superpoderes que se han visto avocadas a vivir como metahumanos y no encuentran la manera de sacar provecho a las habilidades que les han caído encima, teniendo una personalidad por lo general bastante destructiva o deprimente.
Y aunque los términos deprimente o destructivo puedan dar bajona ‘Doom Patrol’ es una serie la mar de divertida. Es de las series que mejor maneja el trasfondo de sus personajes. Sobre todo teniendo en cuenta que en esta temporada van más por separado sin dejar de ser patrulla. La carga dramática de cada protagonista ha crecido sin olvidarse de su toque humorístico. Jane continúa con sus luchas de personalidades, Rita Farr buscando controlar y dar sentido tanto a sus poderes como a sus capacidades interpretativas, Robotman en la reconquista de su hija, Negative Man intentando entenderse con su lado radiactivo y su familia, Cyborg en busca del amor mientras que El Jefe ha de controlar a su poderosa hija. En esta temporada quien cobra más protagonismo es Dorothy (interpretada por Abigail Shapiro, hermana de Milly Shapiro, ‘Hereditary’).
Yo siempre digo que ‘Doom Patrol’ es muy permisiva. En el sentido de que no tiene casi ningún filtro y eso hace que pueda ser violenta y malhablada. Se permite eso en tiempos de corrección política y nos da a muchos espectadores lo que pedimos. También porque se atreve a conservar un carácter marcadamente retro y fiel a los dibujos originales. No le importa ser excéntrica y eso le da mucha personalidad. Los carteles de esta nueva temporada de ‘Doom Patrol’ hacen homenaje a ‘El mago de Oz’ y a ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Precisamente en un mundo de personajes vulnerables y multitud de posibilidades nos adentra. Solo con deciros que el ladrillo que aparece en los posters tiene significado os lo digo todo.
Si que es cierto que el estilo narrativo y el villano de la primera temporada eran únicos y muy originales, el listón estaba alto. En esta ocasión, aunque hay un peligro a tener en cuenta no es un enemigo común y manifiesto. Y la estructura narrativa tan de comic y tan rompedora de la anterior temporada se ha perdido precisamente por que venía marcada por el villano, Mr. Nobody. Ahora es una serie más usual en ese sentido.
Una de las virtudes de la ‘Doom Patrol’ es introducir constantemente, sin cortarse nada, cosas raras e incluso ridículas. Y aun así siempre tienen explicación, no son cosas raras porque si en plan modernismo o ambigüedades. Siempre hay una razón lógica para todo lo que vemos por muy desconcertante o hilarante que parezca. Fantasmas sexuales, influyentes reinas rosas, hombres del espacio sesenteros, amigos imaginarios mortales, tráilers de series ficticias, hombres reloj… es para flipar.
Rescata personajes de las viñetas conservando su aspecto y dándole un estilo tremendamente particular. Si esta serie hubiese surgido en el 63, cuando crearon a los personajes Arnold Drake, Bob Haney y BrunoPremiani no habría sido muy diferente.
Me da muchísima, pero muchísima rabia que el tema del coronavirus haya detenido la producción de la serie dejando esta ‘Doom Patrol’ T2 en nueve episodios. Viendo la conclusión del «último» queda patente que esto no estaba planificado terminar así, si no por el contrario nos dejan con unos cliffhanger bastante crueles. Recordemos que la anterior temporada tuvo 15 gloriosos episodios que fueron creados por Jeremy Carver (‘Supernatural’). Muchos consideran esta serie como un spin-off de ‘Titans’ ya que aparecieron originalmente en algunos episodios de la serie que en España emitió Netflix, pero también hay que señalar que esta patrulla se originó mucho tiempo antes que los jóvenes sucesores de la Liga de la Justicia, incluso meses antes de los X-Men, colección con la que han sido comparados siempre.
Argelia, años 90. Nedjma («Papicha») es una estudiante universitaria que intenta que los acontecimientos de la guerra civil que empiezan a ocurrir a su alrededor no le impidan vivir una vida normal, salir de noche con su mejor amiga Wassila y vender vestidos hechos por ella en los baños de las discotecas. Mientras la sociedad se vuelve más conservadora, ella decide luchar por su libertad e independencia organizando con sus amigas un desfile de moda en la Universidad que desafía todas las normas establecidas.
Crítica
Buen alegato y retrato generacional argelino
Desde Argelia nos llega la que fue elegida como su mejor película para representar al país en los Oscars 2020. En ella Papicha (una joven interpretada por Lyna Khoudri) busca prosperar a contracorriente en una sociedad convulsa y anticuada. Su pasión es diseñar ropa y luchar contra lo que considera injusticias de grupos de retrógrados mal influenciados por su religión. Vive rodeada de ciudadanos que viven cómodos con lo que sucede, manteniendo un silencio cómplice ante multitud de atropellos Pero por suerte Papicha es una de esas personas que están lo suficientemente locas como para enfrentarse a fanáticos.
Khoudri interpreta a una estudiante argelina y en el mundo real su familia procede de ese país, solo que ella ha vivido casi toda su ida en Francia y Alemania tras haberse mudado sus padres tras la guerra civil. Precisamente los inicios de ese conflicto son el marco de la película. Está salpicada del fervor y la incertidumbre de una contienda a punto de estallar mientras ella libra sus propias batallas. ‘Papicha, sueños de libertad’ trata a cerca de una persona que quiere hacer lo que le gusta, en este caso diseñar ropa, y para ello no permite que nada se lo impida. Es una película en la que la evolución y el progreso luchan para sobrevivir frente a los que abusan usando la religión como excusa. Conservando su hogar tanto ella como sus amigas (entre las que se encuentra la prima de Sofia Boutella) buscan huir de una comunidad capaz de envenenar con bromuro o de acallar con gatillos.
Ha habido y habrá películas cargadas de feminismo como esta. En estos años pasados hemos visto ‘Mary Shelley’, ‘Una cuestión de género’ e incluso ‘Judy & Punch’ con la cual va a compartir cartelera. Con un enfoque u otro estas películas tienen un discurso que va por los mismos derroteros. En este caso es un retrato generacional de la Argelia de los 90. La directora Mounia Meddour ha escogido adaptar libremente la realidad para poder esbozar a mujeres que quieren elegir y no tener que pedir permiso para existir de la manera que quieran.
Meddour había trabajado antes en ‘Hitman’ como asistente del frances Xavier Gens (‘La piel fría’, ‘The Crucifixion’). Ahora el renovador director vuelve a colaborar con ella pero desde la producción. Gens también había hecho lo mismo con películas como la desastrosa ‘Cell’ o la interesante ‘Hostile’. Tengo el corazón muy dividido con él y sus películas de terror. Con esta propuesta vuelve a llenarnos de horrores pero de otro tipo y acierta.
Tanto directora como actriz fueron premiadas con un Cesar a mejor actriz promesa y mejor directora novel. Y no me extraña, ‘Papicha, sueños de libertad’ es un relato contrastado, veraz y comprometido. Entre directora y actriz mezclan bien miedo, rebeldía e ingenuidad, que no inocencia. Con los ecos que resuenan se masca el final, pero aún así forma un buen alegato.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Papicha. Duración: 106 min. País: Argelia. Dirección: Mounia Meddour. Guion: Mounia Meddour, Fadette Drouard. Música: Robin Coudert. Fotografía: Léo Lefèvre. Reparto principal: Lyna Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda, Yasin Houicha. Producción: The Ink Connection, High Sea Production, Tayda Film, Scope Pictures, Tribus P Film, CADC, CaleSon, Same Player, Fonds Impact. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:http://papicha-movie.com/
Los Gardner se mudan a una granja remota de Nueva Inglaterra. Están ocupados adaptándose a su nueva vida cuando un meteorito se estrella en su patio. El misterioso aerolito parece derretirse en la tierra, infectando el terreno con un color brillante de otro mundo. Para su horror, la familia descubre que esta fuerza alienígena está mutando gradualmente cada forma de vida que toca… incluido ellos.
Crítica
Un tripi visual con terror y un Cage que va a lo suyo, todo bien
¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.
Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable.
Mutaciones, deformaciones, voces, alucinaciones, emponzoñamiento… La tierra se corrompe con algo que no es de este mundo, comienzan a pasar cosas raras y la familia se ve encerrada irremediablemente. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.
El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso si, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.
Podríamos catalogar este título como un retrato de algún tipo de agonía. Sus personajes sufren a la vez que el espectador puede sentir esa clase de fascinación morbosa que tantos éxitos da en el cine.
Cage interpreta al padre de familia. Como siempre tiene momentos casi desternillantes, llevándose algo al personaje a su propio terreno. Pero podría decirse que está más contenido de lo habitual. Considero esto un logro de Richard Stanley y de la historia que lo consigue enmascarar o disimular. Aunque me consta que Stanley pidió a Cage que actuase como en ‘Vampire Kiss’. Además el director ha conseguido que el resto del reparto supla las carencias de Cage, en especial con la manera de usar a los personajes más jóvenes.
Hay muchos guiños lovecraftianos y a la propia filmografía del director. Esta es de esas películas que pica la curiosidad no solo de poder ver qué sucede hasta el final sino también de buscar más en la filmografía del director, aunque seguro que también habéis visto su ‘Isla del Dr. Moreau’ o ‘Los abandonados’, esta última muy recomendable. Richard Stanley tiene fama de ser raro y de no quitarse nunca su sombrero. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38 y nos confirmaron en la Muestra SYFY que efectivamente Stanley es un tipo peculiar, de ahí sus películas.
Esta es una cinta de personajes raros trabajando en ella pero de cosas aún más raras que hacen que merezca la pena ser disfrutada. Sumergíos en esta región de Arkham con alpacas y momentos rosáceos y ya me contaréis si volvéis con la mente de una sola pieza. Si para entonces tenemos suerte, ya estará en marcha la próxima entrega ya que esta será una trilogía de películas, seguramente inconexas argumentalmente, que seguirá con ‘El horror de Dunwich’.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Color out of space. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Stanley. Guion: Scarlett Amaris, Richard Stanley. Música: Colin Stetson. Fotografía: Steve Annis. Reparto principal: Nicolas Cage, Q’orianka Kilcher, Joely Richardson, Tommy Chong, Madeleine Arthur, Brendan Meyer, Julian Hilliard, Elliot Knight, Melissa Nearman. Producción: SpectreVision, ACE Pictures Entertainment, BRO Cinema, XYZ Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:http://www.finefilms.co.jp/color/
En la ciudad anárquica de Seaside, cerca del mar, los titiriteros Judy y Punch están tratando de resucitar su espectáculo de marionetas. El espectáculo es un éxito debido a la superioridad de los títeres de Judy, pero la ambición y la adicción de Punch por el whisky les llevará a una tragedia inevitable que Judy deberá vengar.
Crítica
Muchos puños y poco gancho
‘Judy & Punch’ es la ópera prima como directora de largometrajes para la actriz Mirrah Foulkes. En ella conocemos a Judy, la esposa de un titiritero con el que quiere prosperar gracias a su espectáculo de marionetas e insolencias. Ella mantiene a flote el barco gracias a su tesón y paciencia, él aporta el rostro y el carisma, pero también la volatilidad propia de un alcohólico. Precisamente como un líquido volátil, los sueños de Judy se evaporan rápidamente.
Con semejante trama y con un personaje masculino que se llama Punch era obvio que los derroteros iban a ir por la trama centrada en el maltrato. En eso y en el robo de talento y méritos propio de épocas pasadas y no extinto en el siglo XXI. Una mujer en la sombra inicia su venganza y para ello se introduce un componente fantástico que queda excesivamente camuflado como para servir de metáfora o aportar un plus de entretenimiento que favorezca la causa.
Este es un drama con tintes de comedia trágica que debería haber mantenido su acidez y sarcasmo inicial. Están muy bien trabajadas sus notas de humor pero tediosamente servido su dramatismo. El filme tiene personalidad y una oscuridad parecida a la que vimos en ‘El secreto de los Hermanos Grimm’. Nos adentra en un mundo sucio, casi caótico y retrógrado, lleno de favoritismos y desmanes. Todo ese envoltorio parecía que iba a ocultar un filme cargado de un mensaje con más identidad pero no consigue desmarcarse de un modo brillante.
Mia Wasikowska es Judy, el personaje protagonista y Damon Herriman (un Pedro Pascal, aún más feo) es Punch. Ambos funcionan bien en pantalla y parecen moverse en su salsa dentro de la malsana relación que interpretan y la consecución de jugarretas que experimentan. Ambas interpretaciones ceden terreno a la cerrazón religiosa y la justicia, dos aspectos tratados con bastante convencionalidad. ‘Judy & Punch’ nos provoca un encogimiento de hombros, pudo ser más y no quiso.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de agosto de 2020. Título original: Judy & Punch. Duración: 105 min. País: Australia. Dirección: Mirrah Foulkes. Guion: Mirrah Foulkes. Música: François Tétaz. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Damon Herriman, Mia Wasikowska, Benedict Hardie, Tom Budge. Producción: Vice Media, Pariah Productions, Soundfirm, Blue-Tongue Films, Create NSW, Film Victoria, Screen Australia. Distribución: Alfa Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://judyandpunch.film/
El paraguas se despliega en el tiempo y se abre de nuevo cubriéndonos con una divertida trama
Desde el día que supimos de la adaptación a serie de ‘The Umbrella Academy’ quisimos hacerlo saber pues el cómic de Gerard Way y Gabriel Bá (reseña aquí) es una locura la mar de divertida, normal que tenga un Eisner. La primera temporada nos dejó satisfechos pues, aunque no calcase lo sucedido en el cómic resultó ser una buena traslación que ha sabido conservar la extravagancia, hilaridad, despreocupación y violencia de sus personajes.
Esta segunda temporada, que se estrena el 31 de julio en Netflix, conserva el espíritu alocado, imaginativo y absurdo. Mantiene ideas retorcidas y malsanas aderezadas con humor, aportando aún más notas de diversidad. El objetivo final de esta temporada es el mismo que el del último volumen del cómic pero los tiros de los episodios, literalmente, van por otros caminos. En el cómic el final es distinto y se ha cambiado para caer un poco en redundancias. Tampoco podrían haber repetido exactamente el final de la colección ya que cambiaron la raza de uno de los personajes y eso ha hecho inviable incluirle en un determinado punto clave de la historia de Estados Unidos.
‘The Umbrella Academy’ regresa retomando la historia justo en el final de la anterior. Viajamos al pasado pero nos adelantan que hay un cambio en la historia. Esta primera secuencia y algunas posteriores nos pueden recordar a ‘The Man in the High Castle’, ‘X-Men. Días del futuro pasado’ o incluso a ‘Watchmen’, sobre todo cuando vemos que de nuevo el reloj del apocalipsis está a punto de llegar a las 12. Aún así, línea temporal nueva o no, hay unos cuantos sucesos que parten de hechos totalmente verídicos.
Los hermanos Hargreeves se las tienen que apañar cada uno por su cuenta al estar desperdigados y por supuesto se entremezclan como buenamente pueden con los elementos característicos de la USA de mediados del XX, como la lucha de los derechos de los afroamericanos, las sectas, los mafiosos, la Guerra Fría o la saga de los Kennedy. Puede cansar que siendo Netflix nos podemos ver venir a los lejos lo que va a pasar porque siempre quiere meter con calzador determinadas temáticas, lo cual se suele cargar muchas tramas. Pero los personajes están tan bien llevados que te diviertes igualmente.
La segunda parte de ‘The Umbrella Academy’ utiliza un misterio famosísimo de la historia para elaborar en torno a él todo el hilo argumental y conseguir así una serie de sucesos causales. El guión no es excesivamente intrincado pero sabe usar a su favor ciertos eventos que nos aportan nuevos personajes que ayudan además a desarrollar la personalidad de los protagonistas y descubrir algunos de sus intríngulis.
Narcisistas, heróicos, resignados, derrotistas, deprimidos… Vanya, Luther, Klaus, Cinco, Ben, Allison y Diego conservan su frescura. Personajes que al margen de ser muy diversos son totalmente diferentes entre sí y están condenados a entenderse. Ese aspecto como siempre nos trae gran parte de la diversión de la serie. Sobre todo en esta temporada la comedia vuelve a aportar Klaus (Robert Sheehan) que sigue siendo tremendamente alocado dentro de su incansable depresión. Por otro lado me sigue fascinando el personaje de Cinco (Aidan Gallagher) pues continúa haciendo un papelón muy carismático y en esta temporada da la sensación de que tiene más protagonismo. Esta puede parecer una serie muy tontorrona con todos sus desvaríos, pero hacer el papel que hace él con 14 años se me antoja prometedor.
La primera temporada tenía también a unos villanos que eran pura guasa, Hazel y Chacha. En esta ocasión se incorporan algunos nuevos perseguidores, unos suecos bastante soseras. Aunque son lo suficientemente peculiares como para incluirlos en la serie no tienen el gancho de Hazel y Chacha. Por supuesto también está el particular “Ministerio del Tiempo” llamado La Comisión, a parte de alguna cosa nueva que nos descubren.
Os podréis imaginar que hay nuevos personajes y sorpresas, algunos inspirados en el cómic otros totalmente nuevos derivados también de las variaciones introducidas en la temporada anterior. También tenemos información nueva sobre los ya conocidos. Nos sueltan alguna perla a cerca de la verdadera personalidad de cierto personaje protagonista que en los cómics ya se evidenció.
Steve Blackman continúa gestionando series tan buenas como ‘Altered Carbon’ o ‘Fargo’, está claro que ‘The Umbrella Academy’ demuestra de nuevo que tiene buen ojo para sus adaptaciones. En esta segunda temporada ha contado con directores/as como Sylvain White (‘Slender Man’), Stephen Surjik (‘The Punisher’), TomVerica (‘Scandal’), EllenKuras (‘The son’), AmandaMarsalis (‘Ozark’) y JeremyWebb (‘Merlin’, ‘Altered Carbon’) que se ha encargado de cerrar.
Precisamente el final de esta segunda etapa de ‘The Umbrella Academy’ es uno de los problemas de la serie. Finaliza con una secuencia que parece una cacería al más puro estilo Fornite con toques de X-Men. Es algo pobre a nivel argumental y además no acaba de darle empaque o justificación a una de las tramas principales en las que inciden una y otra vez. Sirve sobre todo para dejarnos con varios puntos abiertos que deberán resolverse en una tercera parte.
A parte de eso el montaje a veces se ve torpe. Hay cortes o escenas algo inconexas que requieren explicación o hacer ejercicio de imaginación para determinar cómo se ha llegado a ese punto. Pasa sobre todo en el cuarto episodio.
Si no sabes como resolver una situación usas a tu componente viajero en el tiempo para reescribirlo todo. Eso es lo que hacen varias veces en esta temporada. Al menos el tono cómico de la serie hace que se resuelva una paradoja de un modo gracioso y con una serie de reglas bastante chistosas.
No hay que olvidarse de la música. De nuevo ‘The Umbrella Academy’ es muy musical y con ello rinde culto a la cultura popular. No hay que olvidarse que el guionista del cómic, GerardWay, es miembro de My Chemical Romance. Oímos varias covers de canciones famosas adaptadas a determinadas escenas. Hay una versión del ‘Crazy’ de Gnarls Barkley o una variación en sueco de ‘Hello’ que canta MyKullsvik. Pero es que también hay escenas o tomas que son claros homenajes a ‘Terminator’, ‘Oldboy’ o ‘La vida de Brian’, quizá la más reconocible la que imita a Brad Pitt en ‘Snatch’. Todo buenos referentes.
Vuelve la familia más divertida del cine español este verano acompañados de una visita sorpresa: la suegra. Santiago Segura (el padre), Toni Acosta (la madre), los niños Martina D’Antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón y Sirena Segura y los cuñados interpretados por Leo Harlem y Silvia Abril vivirán una nueva y divertida aventura en la que, nuevamente, se verán reflejadas muchas familias españolas.
Crítica
Humor blanco y repetitivo
Sin haber visto la primera parte me he lanzado a ver ‘Padre no hay más que uno 2’. No tuve ocasión y admito que tampoco ganas de ver la película que se estrenó el año pasado y tras visionar la continuación no me arrepiento. Me ha horrorizado como está interpretada, lo básico de su humor y lo repetitivo de su esquema. Aunque para ser justos admito que me he reído con un par de gags. Es de esas películas que tiene su público y hasta puedo entender su taquillazo el año pasado. Pero no compro este humor que intenta meter cosas contemporáneas con calzador (no entiendo la gracia de Baby Yoda) en un croquis que pertenece a otros tiempos.
Está muy americanizada en cuanto a estilo, con todo ese desbordante y surrealista carisma que se le quiere dar a los niños, como si esto fuese una versión española de ‘Modern Family’ más ‘Los padres de ella’. Puede hacer que muchas familias se vean identificadas, por lo que su éxito radicará más por símil o proximidad que por originalidad y gracia.
Se quema hasta la extenuación el concepto de leitmotiv y casi a mitad de película, que es además cuando entra realmente la suegra, ya estamos hartos de que los niños se repitan con Disney, el perro, el cambio climático, el andaluz, la muerte… Por lo menos cuando aparece Loles León la cosa gana algo más de chispa. Me doy con un canto en los dientes al ver que Santiago Segura consigue ser bastante correcto y huir de connotaciones negativas con sus chistes, alejándose de lo que viene siendo su norma en cuanto a cine se refiere.
Que Segura no hace el papel de su vida en la piel de este padre super-puesto al día no es algo sorprendente. Tanto él como el reparto infantil parece que recitan una lección aprendida de memorieta y en frases cortas, como quien ha copiado el texto de la Wikipedia para su trabajo de clase y lo dice sin conocimiento. Falta naturalidad y garbo que si que tienen tanto ToniAcosta como Luna Fulgencio.
De esta familia que tiene un padre un poco Homer Simpson y que parece del Opus Dei con tanta criaturilla quién más me ha sacado de quicio ha sido Martina D’Antiochia, cuyo pijerío solo queda eclipsado por una sobreactuación a golpe de voz aguda.
Casi que lo mejor del filme es la música de Roque Baños, que hace incluso homenaje a Capitán Tsubasa. Y aunque si un niño ve esto va a mirar a una empleada del hogar como un objeto que poseer, por lo menos también consigue romper estereotipos con su giro final que me parece una buena jugarreta para el espectador.
Me pregunto a quién deben haber engañado para conseguir hacer la escena final o cuánto les habrá costado. Lo mismo pienso con la canción de los créditos interpretada por Santiago Segura. Porque lo del capricho del Ecto-1 supongo que se ha logrado a través de derechos de Sony Pictures.
No sé en el largo del año pasado pero en ‘Padre no hay más que uno 2’ Segura aprovecha como es habitual para introducir rostros conocidos: José Mota, SaraEscudero, FlorentinoFernández, Chicote, CarlosAreces, LorenzoCaprile… Retomando los roles de SilviaAbril y LeoHarlem. Casi que sus pequeñas apariciones son mejor reclamo que sus pequeñas estrellas.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de julio de 2020. Título original: ‘Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra’. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Santiago Segura. Guion: Santiago Segura, Marta González de Vega. Música: Roque Baños. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Santiago Segura, Toni Acosta, Leo Harlem, Silvia Abril, Loles León, Martina D’Antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón, Sirena Segura. Producción: Bowfinger International Pictures, Atresmedia Cine, Mamá se fue de viaje la película A.I.E., Sony Pictures International Productions, Atresmedia, Amazon Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://cine.atresmedia.com/peliculas/padre-no-hay-mas-que-uno-2/
Una niña es encontrada con las extremidades amputadas. Dos detectives, Han-su y Min-tae, rivales desde siempre, se encargarán del caso. En un principio, este se resuelve fácilmente cuando Han-su arresta al presunto sospechoso pero, aun así, pronto se convierte en un misterio cuando Min-tae levanta sospechas sobre el reciente arrestado.
Mientras tanto, Han-su se topa con alguien quien le insiste que conoce al verdadero culpable. Además, este curioso personaje mata a un traficante de drogas delante de él y le propondrá un pacto secreto. Pronto llegará la hora en que Han-su deba decidir.
Crítica
Cuida bien la tensión pero la estira demasaido
Asuntos actuales, personajes con muchos claroscuros, thriller policial, mucha carga trágica… Todos estos elementos, junto a otros muchos, son los que enmarcan a ciertas películas dentro de una corriente que se ha venido denominando desde hace años con el término “neo-noir”. Películas como ‘Shutter Island’, ‘Colateral’, ‘Mulholland Drive’ o ‘Nightcrawler’… son títulos con ambientes muy reconocibles y personajes bastante marcados por fatalismos y morales cuestionables que se enmarcan en este género. ‘The Beast’ puede incluirse en esa extensa y larga lista, al menos estéticamente y en la concepción de sus personajes, tal vez no tanto en el impacto que podría haber causado y en el tratamiento de su argumento. En varios sentidos mejora la película francesa en la que se inspira, pero aún así no logra concebirse como un entretenimiento interesante durante todo su metraje.
Si hemos etiquetado varias veces a ‘Los casos del Departamento Q’ como un neo-noir nórdico tal vez debamos hacer lo equivalente con ‘The Beast’. Adapta un estilo que suele ser muy eficiente hoy en día a algunas de las costumbres orientales de hacer cine. Está llena de asuntos turbios que se tornan retorcidos, de personajes que han de mezclarse con mala calaña, de héroes que aún pareciendo vencidos siguen en la liza, de una atmósfera de colores sucios y desgastados… Todo eso lo coge muy bien de un género que aporta buenos tonos a la historia.
Pero por lo demás ‘The Beast’ ni innova dentro del género policiaco ni es capaz de evitar algunos tópicos, como las guerras de bandas a golpe de barras y cuchillas, la corrupción, las disputas entre departamentos, los detectives que van por su cuenta… Esto la hace monótona y defrauda ya que empieza muy prometedoramente. Se queda en algo episódico, que nos puede entretener de una manera pasajera, sin dejar huella y estirándose demasiado para ello.
A veces parece que va sin rumbo. Es por eso que se hace larga, no lenta pero si larga. Aunque desde luego tiene un final marcado cambia o desvía la atención de su trama llevándonos casi de manera errática, causando así una sensación de que podemos estar eternamente teniendo giros de giuón que dan la vuelta a la tortilla una y otra vez hasta quemarla. No es liosa pero si se enreda en exceso. Con todo esto es justo también decir que nada de lo que aparece en la película queda sin atarse, está todo planteado de manera que responda a alguna causa o razón futura.
En este filme tenemos dos detectives, que son a la vez compañeros y rivales. Uno de ellos es el principal protagonista y entre ambos se muestran dos arcos argumentales entrelazados a resolver. Esos arcos no necesitan más tensión, la película de Lee Jung-ho trabaja bien ese aspecto, pero si el punto en el que confluyen tendría que haber llegado algo más rápido. De hecho su final está bastante alargado y demuestra de nuevo que sobran minutos.
Al principio nos avisan de que todo lo visto en el filme es ficticio. ¿Podríamos pensar que todo esto se basa en algo real o componiendo elementos sucedidos en alguna comisaría o ciudad coreana? Efectivamente ‘The Beast’ se siente creíble, también depende de la confianza o fe que tenga cada uno en la humanidad. Pocos o ninguno se libran en este largometraje de tener algo reprochable. Incluso hay cierto punto en el que esto podría ser la caza de un Jack el Destripador moderno que podría ser cualquiera. Ahí entra en juego la sospecha o la capacidad de cada uno para generar sus propias teorías o para juzgar a aquellos que se toman la justicia de una manera cuestionable o para tener cierto sesgo con aquellos que son considerados parias.
Si vais dispuestos a echar un rato largo de buena puesta en escena, cuidado tratamiento de la imagen y algunas escenas ciertamente intensas comprad la entrada. Si buscáis algo ágil, con ritmo y giros constantes, no es vuestra película.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Biseuteo. Duración: 130 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Jeong-ho. Guion: Lee Jeong-ho. Música: Mowg. Fotografía: Ju Sung-Lim. Reparto principal: Chea-myung You, Daniel Choi, Hye-jin Jeon, Sung-min Lee. Producción: Studio & New. Distribución: Alfa Pictures. Género: thriller, policíaco. Web oficial:https://alfapictures.com/sp/amy_movie/the-beast/
Hace mucho tiempo, en una tierra maldita, una niña y su hermano pequeños e ven obligados a abandonar su hogar familiar en busca de comida y trabajo. A pesar de la ayuda que les presta un noble cazador, se desorientan y acaban perdidos en un profundo y oscuro bosque.
Al encontrarse con una cabaña mágica, habitada por una anciana de amable apariencia, Gretel y Hansel creen haber hallado un refugio seguro. Pero los inagotables banquetes que la mujer celebra en tiempos de hambruna, y los extraños murmullos de niños perdidos y las apariciones mágicas que alberga su hogar, sugieren que las cosas podrían no ser lo que parecen.
¿Podrá Gretel proteger a su hermano pequeño, o sucumbirá a las tentaciones que surgen en su interior? Algo malvado acecha en esta oscura reinvención del clásico cuento de hadas.
Crítica
Sin migas de pan y queriendo meter más miga
Nos vamos a Alemania, a una sucia Baviera en una oscura y sufrida época. Allí es donde se ambienta una vez más la historia de ‘Gretel y Hansel’. Oz Perkins vuelve a embadurnar una película de misterio y thriller, no tanto de terror. En su tercera obra como director reinventa el cuento clásico de los hermanos Grimm dotándole de menos candidez y aproximándolo más a la obra original.
Entiendo el cambio de orden en el título ya que realmente la película pone su foco en Gretel. De nuevo Perkins ha hecho un largometraje con protagonista femenina. Gretel es sensiblemente más mayor que su hermano Hansel (16 años frente a 8) y tiene siempre la iniciativa. Se ha desarrollado un personaje con más inquietudes que el del cuento y se muestra que tiene que enfrentarse a penurias de la época que van más allá que la falta de alimento. Esta es una historia sobre el crecimiento y las transformaciones sufridas en uno mismo. No es la primera vez que se usa el terror o lo fantástico para narrar el paso a la madurez, para mostrar los cambios que vive una mujer en una etapa tan trascendental. Véase por ejemplo ‘Verónica’.
‘Hansel y Gretel’ siempre ha sido un cuento para prevenir a los niños, para mostrar que no todo lo que parece bueno es necesariamente así. Y más allá es un relato que habla sobre refrenarse ante los impulsos y las ambiciones, que puede ser lo que la casa suponía o lo que la bruja quería perpetrar, su carnicería de niños. Aquí las tentaciones y los anhelos también están muy presentes, la bruja se encarga de satisfacer sus deseos, más allá incluso del de saciar su apetito.
Sophia Lilis, una de las protagonistas de ‘IT’ es quien encarna a Gretel. Pasa del terror basado en la espectacularidad y los sustos a uno más psicológico. Sigue sumando buenas actuaciones la joven actriz de Brookly. En esta ocasión está tan ligada a su hermano ficticio como si fuese su gemelo (lo cual no es nuevo para ella pues realmente tiene un gemelo en la vida real). Hace las veces de joven inconsciente y de madre a la vez, una hermana mayor creíble y con una interpretación nada exagerada.
Para mí hay otras virtudes mejores en esta película que no obstante me ha dejado algo frío al no tratar algo excesivamente novedoso. Por eso digo que este es un ‘Gretel y Hansel’ sin migas de pan y queriendo meter más miga. Me ha gustado el inquietante papel de Alice Krige que repite como bruja (‘The calling’, 2000). Su rostro arrugado y a veces como enajenado es de lo poco que da algo de miedo. Si la intención que tenían era la de rayarnos o perturbarnos con ella lo consiguen, además que le han dado una buena vuelta de tuerca a su concepción.
No hay migas de pan por el bosque y no hay casa de pan de jengibre. En su lugar tenemos una cabaña moderna que parece una de estas casas rurales de diseño que están tan de moda. Las formas picudas están por todas partes: en el tejado, los sombreros, las estrellas (aparece tanto la de David como el pentagrama invertido). Esto es porque el interesante diseño de producción nos quiere imponer, intenta constantemente hacernos sentir pequeños o amedrentarnos con sus imágenes. Y es que otra de las estrellas del filme es Galo Olivares, el director de fotografía. El que fue cámara y colaborador en la fotografía de la ‘Roma’ de Cuarón ha realizado una gran composición de escenas que buscan simetría, profundidad y vértigo horizontal. Desde luego está claro que le gustan las perspectivas con punto de fuga. Me gusta mucho el contraste de luces y sus colores otoñales que hacen que aunque haya pigmentación en la imagen esta se sienta gris y oscura.
Hay alguna referencia sutil a otros cuentos de los Grimm e incluso al simbolismo religioso que empleaban en algunas de sus escenas. No está mal el intento de hacer este cuento de fantasía terrenal y contenida, pero sus creadores tendrían que haber dado más rienda suelta a sus pretensiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Grete & Hansel. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Rob Hayes. Música: Robin Coudert. Fotografía: Galo Olivares. Reparto principal: Sophia Lilis, Alice Krige, Sammy Leakey, Charles Babalola, Jessica de Gouw. Producción: Automatik Entertainment, Orion Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Vértice Cine, Amazon Prime Video. Género: terror, thriller. Web oficial:https://gretelandhanselthemovie.com/
Zak es un joven con síndrome de Down que se escapa de la residencia donde vive para cumplir su gran sueño: convertirse en un luchador profesional. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler, un delincuente de buen corazón que también se ha dado a la fuga y que se convierte en su amigo y entrenador. A su aventura se les une Eleanor, una enfermera un tanto peculiar. Juntos emprenden un maravilloso viaje que cambiará sus vidas.
Crítica
Un Huckleberry Finn moderno
La unión de los directores Tyler Nilson y Michael Schwartz ha dado como fruto la película ‘La familia que tú eliges’, obra que también han escrito ellos. Este es el primer largometraje para ambos y no me puede parecer mejor carta de presentación. Juntos ya habían hecho otras cosas, como los documentales sobre Alex Honnold el escalador que conocimos gracias a ‘Free Solo’. Ahora nos ofrecen una película de ficción que me ha dejado buenísimas sensaciones.
En un ambiente redneck pesquero desarrollan un roadtrip a pie o en barcaza en el que dos protagonistas se convierten en prófugos, uno por escaparse de la residencia donde vivía para conseguir ser luchador de wrestling y el otro por haber delinquido. Tras ellos la otra protagonista que estaba al cuidado de uno de ellos. Es una persecución y viaje en busca de un sueño, dejando atrás antiguas pesadillas. Aunque tiene apuntes tristes la película es un drama amable con momentos muy cómicos, surgidos sobre todo de las grandes diferencias de carácter entre los tres protagonistas.
Es un cuento moderno que nos puede recordar a simpáticas películas como ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’. A parte de tener momentos absurdos consigue ser sensible y tierna. Y parece que siempre que en una película interviene una persona con discapacidad intelectual nos vemos obligados a acompañar nuestros comentarios con palabras como afectuoso o emotivo. Pero lo cierto es que en el caso de ‘La familia que tú eliges’ se los ganan a pulso por varios motivos y además debemos añadir también los términos gamberra y malhablada. A nuestro protagonista le gustaría patear culos, palabras de él.
Está muy bien desarrollada la historia de camaradería que surge entre los dos protagonistas, sin hacer uso de artimañas cursis (el título sensiblero usado en España no se corresponde con el original). Y más que una historia de amistad es de hermandad. Es de estas películas que, aunque constantemente te introduce momentos tristes te saca una sonrisilla. Te deja con buenas sensaciones o como se dice modernamente es “feel-good”. Considero que estas películas son así porque nos dan lo que deseamos, lo que el espectador desea buenamente que suceda. Según el tipo de audiencia que sea uno (optimista o pesimista) puede llevarse alguna sorpresa.
¿Os acordáis de LaBeouf y su “Just do it!”? Ese vídeo motivacional podría ser parte de esta película, de hecho, en ‘La familia que tú eliges’ hace algo similar pero sin intimidar. LaBeouf vuelve a demostrar ser un actor implicado al que no le importa bajar al barro y mancharse, literalmente. Él y Zack Gottsagen forman buena pareja protagónica, con varios momentos que se intuye han sido fruto de la improvisación. Juntos son divertidos y algo granujillas. Parecen dos personajes de Mark Twain huyendo de sus sureños perseguidores por el río, haciendo trastadas e intimando por el camino. Hay quien compara esta película con ‘Rain Man’ y no niego ciertas similitudes pero a mi me recuerda mucho más a ‘Las aventuras de Huckleberry Flint’. Quien está por detrás interpretativamente es Dakota Johnson. Suma una nueva película en la que actúa sin sangre, de un modo prácticamente plano. No obstante, exceptuando el caso de ‘Malos tiempos en El Royale’ hasta ahora no había visto una película con Dakota Johnson que me guste tanto.
Por último solo decir que estéis atentos a las caras de los personajes secundarios y extras del filme. Figuran en el reparto Bruce Dern, Thomas HadenChurch o Jon Bernthal. Además siendo una película en la que entra en juego la lucha libre era de imaginar que algún cameo tendríamos. Por eso saltan al cuadrilátero Jake Roberts “The Snake”, Mick Foley “Dude Love”, Anthony Harvey, Eric Dees, Dylan Odom o Christopher Higgins.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Peanut Butter Falcon. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Guion: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Música: Zachary Dawes, Noam Pikelny, Jonathan Sadoff, Gabe Witcher. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Zack Gottsagen, John Hawkes, Bruce Dern, Thomas Haden Church, Jon Bernthal. Producción: Armory Films, 1993, Lucky Treehouse, Nut Bucket Films, Tvacon Film and Tv. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial:http://www.thepeanutbutterfalconmovie.com/
‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.
Crítica
Hanna-Barbera is back
Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.
La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.
Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.
La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.
Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.
Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género:Web oficial:https://www.scoob.movie/
Tras el divorcio de sus padres, el adolescente rebelde Ben es enviado a vivir con su padre durante el verano y obligado a trabajar en el puerto deportivo local. Pero la idílica localidad turística le ofrece poco consuelo, ya que se ve forzado a tratar con los privilegiados del lugar y la nueva novia de su padre. Los problemas de Ben se vuelven aún más inquietantes cuando hace un hallazgo escalofriante sobre la familia de la casa de al lado. Un espíritu malévolo del bosque ha poseído a la madre y comienza a jugar un siniestro juego de papás y mamás con los niños del lugar borrando cualquier rastro de su existencia. Cuando sus sospechas son ignoradas, Ben se lanza a una peligrosa cruzada para poner fin al reinado de terror de la bruja antes de que esta acabe con todo aquello que él ama.
Crítica
‘Madre oscura’ no inventa nada nuevo, pero sorprende mucho
Con un equipo bastante novel, ‘Madreoscura’ nos trae una historia interesante, que quizás no esté del todo bien llevada, pero entretiene y nos da algo distinto dentro del terror. Con algún toque de comedia muy oscura, nos lo pasaremos bastante bien con esta cinta en la que un adolescente debe enfrentarse a un monstruo que le está haciendo la vida imposible.
Tras el divorcio de sus padres, Ben es obligado a pasar el verano con su padre y a trabajar con él. Todo parece perfecto hasta que comienza a ver situaciones extrañas en la casa de sus vecinos, más concretamente con la matriarca de la familia.
Vemos pequeños homenajes a ‘La ventana indiscreta‘ en los momentos en los que el chaval comienza a obsesionarse con la vecina, pues no la ve trigo limpio, además comienza a preocuparse seriamente por el hijo de ésta, pues no hace más que esconderse de su propia madre.
También hay una escena que bien podría estar sacada de ‘Señales’, en la que la oscuridad juega un papel bastante importante y las sombras pueden hacer que veamos siluetas donde no las hay, ¿o sí?
La cinta la dirigen BrettPierce y DrewPierce, dos directores que cuentan con el rodaje de una película y varios cortos, como dije al principio, un equipo novel, pero no significa que el trabajo haya sido malo, ni mucho menos. El guión también parte de ellos y sinceramente me ha parecido bastante original.
En el reparto encontramos al joven John–PaulHoward (‘Midnight,Texas‘) en el papel de Ben, el protagonista, al que nadie hace caso. De los pocos personajes que pide ayuda con temas paranormales. Eso si, por supuesto le toman por loco y nadie le ayuda.
PiperCurda, es otra de las partes importantes de la película, amiga y compañera de Ben. No le cree, pero como es su amiga intenta darle apoyo moral y al final intentará ayudarle como pueda.
JamisonJones, AzieTesfai, ZarahMahler, KevinBigley, GabrielaQuezadaBloomgarden, RichardEllis o BlaneCrockarell son parte del reparto que podréis ver en ‘Madre oscura’.
El diseño del monstruo es bastante típico, en algunas escenas bien puede recordar a aquellas sombras que veíamos en ‘Insidius’ y en otras le podemos ver más detalladamente y está muy bien realizado.
La fotografía también es bastante curiosa, va de la mano de ConorMurphy, el cual a trabajado durante mucho tiempo sobre todo el cortos. Consigue darle el toque sombrío a la película e inquietante que necesita esta historia, sin necesidad de mostrar apenas nada.
‘Madre Oscura’ es bastante simplona, pero tras un buen trabajo de ambientación, unas actuaciones creíbles y un monstruo bastante pícaro, la película funciona perfectamente. Una película perfecta para disfrutar en estos días tan calurosos en una sala de cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Wretched. Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bret Pierce y Drew Pierce. Guión: Bret Pierce y Drew Pierce. Música: Devin Burrows. Fotografía: Conor Murphy. Reparto principal: John-Paul Howard, Piper Curda, Azie Tesfai, Kevin Bigley, Zarah Mahler, Richard Ellis, Tug Coker, Gabriela Quezada Bloomgarden, Jamison Jones, Amy Waller, Alexandria Barron. Producción: Cailleach Productions. Distribución: Selecta Visión. Género: Terror. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/catalogos/madre-oscura/
Un grupo secreto y muy unido de mercenarios con una misteriosa capacidad que les impide morir lleva siglos luchando por proteger el mundo de los mortales a las órdenes de una guerrera llamada Andy (Charlize Theron). Pero cuando contratan al equipo para desempeñar una misión de emergencia y sus extraordinarias habilidades salen a la luz, Andy y Nile (Kiki Layne) —la recluta más reciente— deberán ayudar al grupo a erradicar la amenaza de quienes pretenden replicar y rentabilizar su poder a cualquier precio.
Crítica
Deja entrever mejor sus misterios pero tiene menos acción que el cómic
‘La vieja guardia’ es la nueva propuesta de Netflix que al igual que muchas otras sale de un cómic, en este caso de una colección de cinco números editada por Image Comics (Norma Editorial en España). Una obra de Greg Rucka, LeandoFernández y DanielaMiwa (reseña aquí) que el propio Rucka se ha encargado de adaptar al formato cinematográfico y que ha dirigido la directora Gina Prince-Bythewood (‘La vida secreta de las abejas’).
Conoceréis en ‘La vieja guardia’ a unos inmortales que pueden llegar a morir, aunque no saben como ni por qué les llega su hora. Sobreviven hasta a destrozos en su cabeza (por lo menos en los cómics) y se regeneran a lo Lobezno. Son personas nacidas en la antigüedad clásica, en la Edad Media o en el siglo XIX que están conectadas entre si y que se dedican a ser soldados de fortuna al servicio de causas que consideran justas. Tras cientos de años siendo un grupo de cuatro encuentran un nuevo miembro para su equipo. En este descubrimiento de nuevos héroes la película hace bien su introducción con dos secuencias que dejan claro de que va el tema.
Rucka ha sabido trasladar los tiempos del cómic a la pantalla y ha condensado todo en dos horas de filme. Para ello ha metido la tijera en parte de su guión original y ha puesto cosas nuevas. Así está claro que todo se centra más en el presente de los personajes y que se consigue adelantar en la historia hasta tal punto que podemos intuir ya la segunda entrega, si hay suerte y la llegamos a tener.
Se ha conservado ese poco aprecio que tienen estos mercenarios por sentir dolor o por ser masacrados. Eso le da un punto de humor negro que hemos visto como se ha explotado en otras películas, pero sin llegar a extremos tipo ‘Deadpool’, de un modo más dramático. También se ha conservado la relación entre los personajes y el carácter impasible y casi destructivo de su jefa, interpretada muy bien por Charlize Theron.
Ya hemos visto en otras ficciones (obviamente no hay un “basado en hechos reales” sobre este tema) cómo personajes incapaces de morir aprovechaban o sufrían su condición. En este caso los miembros de ‘La vieja guardia’ sacan partido a su capacidad de revivir para resolver misiones arriesgadas o lidiar batallas en distintos bandos a lo largo de la historia. Pero su capacidad de revivir es finita, aunque esta termina de manera desconocida y en un momento indeterminado. Respecto a esto en el cómic se desarrolla un discurso de drama y hastío. En la película se ha intentado introducir un factor suspense y peligro que hace que temamos más por la seguridad de determinados personajes. No está mal esa modificación que se suma a lo que sucede también en las viñetas, corren el riesgo de salir de la protección que da el anonimato.
De nuevo Theron está en una película en la que no puede morir, protege su identidad a toda costa y pertenece a una clase antiquísima de personas que es única en el mundo. Eso sucedía también en ‘Hancock’ pero aquí su personaje tiene una personalidad algo diferente y no está rodeada de humor sinvergüenza, aunque si de bastante tragedia. Ganamos con ‘La vieja guardia’ otro gran personaje femenino de acción.
‘La vieja guardia’ es disfrutable por ver como mueren los protagonistas una y otra vez y es aún más divertido contemplar a Charlize Theron liarse a hachazos, con un arma clavada a la de las viñetas. Pero falta algo más de acción del tipo a la que vemos en el último acto, tanto por la concepción del cómic como por el ritmo de la película demanda más escabechinas. Tiene tiroteos y peleas pero en el cómic son aún más explícitas. En la obra escrita hay más escenas en la antigüedad y con ellas vemos más muertes. Pero no solo están bien esas escenas en el pasado de los personajes por ver miembros y sangre por aquí y por allá, sino porque conocemos como descubrieron su inmortalidad y ahondamos en su personalidad. También es un trasfondo que le da cierta poesía a la historia. Aunque hay algún dialogo que va en esa línea (como el que tiene Marwan Kenzari dentro de un furgón) ese lirismo le falta al filme.
Peca de algo que padecen muchas películas, un buen villano. En este caso el objetivo del enemigo es el mismo que el de los cómics. Pero lo que le falta al personaje de Harry Melling (el primo de Harry Potter) es estar un poco más loco o ser más amenazante, porque no impone. Tenemos esa imagen suya de “capuyo” tras toda la saga de ‘Harry Potter’ pero aquí no funciona muy bien.
Rucka en esta ocasión ha sido más conciso y menos implícito en las causas y razones de sus héroes sobrenaturales. Podemos intuir o imaginar de un modo más concreto las razones a lo que sucede. Cuando leí el cómic escribí que esperaba que añadiesen algo más de sentido o de profundidad al final. Así ha sido. Como siempre hay algunos cambios con respecto a lo que pasa en las viñeatas, se mete alguna historia de regalo (que pertenece a la segunda parte, ‘Force Multiplied’) para aspirar a una continuación. Quien sabe quizá una serie de ‘La vieja guardia’ sería una buena idea, si la agenda de los actores lo permitiese.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: The old guard. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Greg Rucka. Música:Fotografía:Reparto principal: Charlize Theron, Kiki Lane, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Matthias Schoenaerts, Harry Melling, Van Veronica Ngo, Chiwetel Ejiofor. Producción: Denver and Deliah Productions, Dune Films, Image Comics, Netflix, Skydance Media. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81038963
Los carteles y el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’ ya tienen dueños
Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha comenzado a proyectar el pasado 3 de julio ‘Apocalypse Now: Final Cut’ y nosotros junto con Barlin Libros y 39 Escalones hemos estado celebrando ese explosivo regreso a los cines con un sorteo del libro ‘Apocalypse Now: Final Cut’ más varios posters.
Ya tenemos las tres personas que se llevarán los regalos.
Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses en ciernes que reciben una oportunidad única en la vida: representar a su país en la mayor competición musical del mundo. Ahora, tendrán la oportunidad de demostrar que un sueño auténtico es aquel por el que vale la pena luchar.
Crítica
La concordia de Eurovisión bajo la ridícula mirada de Ferrell
Este 2020 no hemos tenido Eurovisión en todo su esplendor y apogeo pero Netflix ha estrenado una película que te deja como si se hubiese celebrado una gala con todas las de la ley. Y precisamente con un temazo apoteósico y hortera, como suele ser costumbre en el festival de la canción, comienza la película. Will Ferrell y Rachel McAdams forman Fire Saga, un grupo islandés que tiene más pasión que ninguno por ganar ese tradicional concurso, pero que parte con la oposición hasta de su propio pueblecillo.
Para aquellos ajenos a la Unión Europea que no estén familiarizados con Eurovisión la película puede ser todo un descubrimiento. Nosotros hemos visto ya tantas sorpresas en este certamen que muchas de las ocurrencias no nos parecen tan alocadas. Pero el filme de DavidDobkin (autor de bastantes videoclips de Maroon 5) capta muy bien la esencia y lo que vemos se asemeja a una retransmisión real de una ceremonia. Diversidad, amor pasteloso, voces potentes, trajes extravagantes, presentadores jubilosos (uno de ellos interpretado por Jon Kortajarena)… Todo eso es Eurovisión. Gradas llenas de caras pintadas con banderas apoteósicas por escuchar canciones y aplaudir la de países que no es el suyo, el sueño de la concordia europea enlatada en un pabellón (el del filme en concreto es el de la gala de Tel Aviv).
El personaje de Will Ferrell es el que más vive todo este fenómeno y como es habitual en sus películas lo ejecuta con mucha parodia y falta de rubor. No tiene un personaje tan absurdo como el de otra de sus películas “musicales” y en pareja (‘Hermanos por pelotas’) pero sigue en su línea de hacer el ridículo mientras a su alrededor si suceden cosas a tener algo más en cuenta. Rachel McAdams llena el escenario y también nuestra caja torácica de carcajadas con su personaje tierno y crédulo que siempre está pensando en los elfos de Islandia.
Aunque no lo parezca la otra gran estrella que además trae la seducción a Eurovisión no es Pierce Brosnan (famoso entre otras por ‘Mamma Mia!’ con canciones de ABBA), es Dan Stevens. A lo Philipp Kirkorov tiene un personaje estereotipadamente cautivador, una estrella en ciernes que representa a los rusos adinerados y también de sexualidad reprimida por su sociedad. Con él y con algún que otro detalle la película lanza más de un mensaje. Primar la calidad musical o esquivar tanta corrección política.
Podemos encontrar algún que otro fallo que llama la atención si tenemos en cuenta que en la producción del filme hay involucrados algunos responsables de Eurovisión. No puede haber más de seis personas en una puesta en escena y España por ejemplo siempre pasa directo a la final por estar dentro del Big Five y en el filme aparece compitiendo en las semifinales. Pequeños detalles que como he dicho solo apreciarán los mayores fanáticos de este espectáculo.
Pero sobre todo consiste en una comedia llena de parodias y cameos. Se parodia por ejemplo a Lordi o a los ucranianos que sacaron una gigantesca rueda de hámster. Tenemos apariciones de muchos ganadores del festival como sucede en esa especie de sing along o flashmob en el que aparecen Jessy Matador, ElinaNechayeva, Netta, Roi, SalvadorSobral, JohnLundvik, AlexanderRybak, ConchitaWurst, Loreen… Sin olvidar que está presente ABBA desde el principio.
Lo cierto es que Will Ferrell podría haber protagonizado una aventura tan sinvergüenza y alocada como la que llevó a cabo David Fernández con su Rodolfo Chikilicuatre, le pega ese tipo de majaderías y experimentos. Además tanto él como Rachel McAdams aportan su voz, aunque en el caso de la actriz son solo unas notas iniciales. El filme va más por la vertiente de lo patético, comienza fuerte y tiene más de un altibajo que se levanta con momentos musicales y detalles que son para aquellos que han sido seguidores de Eurovisión, sobre todo en los últimos años. Una cosa queda clara, el primer tema “Volcano Man”, podría arrasar en cualquier edición y seguro que va a sonar en más de un local este verano.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: David Dobkin. Guion: Will Ferrell, Andrew Steele. Música: Atli Örvarsson. Fotografía: Danny Cohen. Reparto principal: Will Ferrell, Rachel McAdams, Pierce Brosnan, Dan Stevens, Mikael Persbrandt, Ólafur Darri Ólafsson, Melissanthi Mahut, Demi Lovato. Producción: Netflix, European Broadcasting Union, Gary Sanchez Productions, Gloria Sanchez Productions, Truenorth Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia, música. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80244088
Max (Nikolaj Coster-Waldau) vive una crisis existencial y mientras busca como resolver un caso, se registra en el clandestino Hotel Aurora. Una instalación secreta y única que se especializa en elaboradas fantasías de suicidio asistido. La investigación que está llevando a cabo revela una verdad inquietante que obliga a Max a cuestionar la naturaleza misma de la vida y la muerte y lo que es más importante: su propia percepción de la realidad.
Crítica
Una película profunda, pero sencilla, que nos sumerge en el gran tabú del suicidio
NikolajCoster-Waldau (‘Juego de tronos’) se quita el apodo de matarreyes para convertirse en Max, un inspector de seguros de vida. Vive una profunda crisis existencial mientras investiga un caso en un peculiar hotel clandestino especializado en cumplir fantasías de suicidio. La propia descripción de ‘Plan de salida’ deja patente una transformación, desde un formal inspector de seguros a un extraño hotel, y en la película es mucho más evidente. En un inicio nos encontramos con un film que aborda el tema de la muerte con sobriedad y sin estridencias y nos hace preguntarnos ¿cómo afronta la muerte alguien que trabaja con ella? Algo que personalmente me recuerda a otra serie de HBO, ‘A dos metros bajo tierra’. Todo está bañado con una cierta calma, con tintes de humor muy negro, que invita a reflexionar. Y lentamente descubrimos que estamos ante un thriller que finalmente se convertirá en un slasher (nada gore). La última transformación de la película puede resultar decepcionante, porque resuelve de forma rápida un misterio planteado muy tarde, lo que provoca gran falta de interés en su resolución. Si la pretensión del director Jonas Alexander Arnby con este final era provocar tensión no lo consigue, aunque si genera algo de confusión, completamente intencionada, muy al estilo de David Lynch.
Visualmente ‘Plan de salida’ es una maravilla. A pesar del tema que trata los tonos durante toda la película son cálidos. Todos los interiores, la ropa y la luz tienen toques marrones, que contrastan con el frío del exterior. Este contraste entre imagen y temática recuerda al utilizado por Steve McQueen en su película Shame, donde a pesar de hablar de sexo los tonos son fríos.
En cambio, el apartado de las interpretación deja que desear. Todos los personajes son un misterio que no se resolverá en ningún momento. Parecen marionetas puestas para dar la réplica al protagonista, Max, pero Nikolaj Coster-Waldau tampoco aprovecha ese soporte para ofrecer una interpretación brillante. El personaje es tan sobrio como la película, algo que en muchos momentos funciona, pero que provoca que la tensión sea menos creíble.
En conclusión ‘Plan de salida’ es una película interesante, que aborda con sencillez un tema polémico como la eutanasia, y que se resuelve de una forma inesperada. Quizá esa ruptura final y la falta de profundidad de los personajes sea su gran déficit, aunque para muchos el final les parecerá una obra de arte del cine de terror.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Selvmordsturisten. Duración: 90 min. País: Dinamarca. Dirección: Jonas Alexander Arnby. Guion: Rasmus Birch. Música: Mikkel Hess. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Tuva Novotny, Robert Aramayo, Kate Ashfield, Jan Bijvoet, Sonja Richter, Kaya Wilkins. Producción: ZDF / Arte. Distribución: BTeam Pictures (plataformas digitales). Género: thriller, drama. Web oficial:http://bteampictures.es/suicide-tourist/
Volveremos a verla en Cine Yelmo tras su 40 aniversario
La película de Francis Ford Coppola ha cumplido cuarenta años y lo vamos a celebrar con vosotros. Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha preparado varias citas exclusivas que servirán para recibir de nuevo a los espectadores. Entre ellas va a proyectar ‘Apocalypse Now: Final Cut’. Esto será a partir del próximo 3 de julio.
Un nuevo montaje realizado para este aniversario que podremos ver además en 4k y del que también podremos aprender muchas cosas. Y eso será, no solo por reencontrarnos con esta mítica película bélica, sino porque podremos leer el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’, editado por Barlin libros y escrito por Eleanor Coppola. Un estupendo volumen que nos detalla los años de rodaje que a priori iban a ser meses. Una aventura cinematográfica accidentada hasta para Coppola que lo sufrió física y psicológicamente. Un ejemplar repleto de datos, anécdotas y sucesos.
Es por todo esto que hemos organizado un sorteo para varios destinatarios:
Un pack especial compuesto por el LIBRO (‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’) + POSTER de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Dos POSTERS de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Si queréis optar a ganar alguno de los premios podéis hacerlo en cualquiera de nuestras redes sociales.
Haz retuit a la fotografía en Twitter etiquetando dos personas
Tenemos que agradecer este sorteo e iniciativa a +Que Cine de Cine Yelmo, 39 Escalones (posters) y Editorial Barlin libros (libro).
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 3 de julio a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 4 de julio de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español.
David (Gary Oldman) es un humilde, luchador y experto marino que busca una vida mejor para su familia – su mujer, Sarah (Emily Mortiner) y sus dos hijas, la adolescente Lindsey (Stefanie Scott) y la pequeña Mary (Chloe Perrin). Tras quedar extrañamente prendado de un viejo barco de vela, cuya historia está sumida en el misterio, David convence a Sarah de que comprar el velero puede ser su billete a la tan ansiada prosperidad. Pero poco después de hacerse a la mar con él, extraños e inquietantes sucesos comienzan a aterrorizar a David y su familia, haciendo que se vuelvan unos contra otros. Cuando el barco se hace ingobernable, comienza a quedar terriblemente claro que la familia está siendo atraída hacia un mal aún mayor que les aguarda en la oscuridad del mar abierto.
Crítica
¿Qué pasaba con Mary?
A principios de marzo supe de la existencia de ‘Mary’ o como se ha llamado en España ‘La posesión de Mary’, cuando la distribuidora nos envió las primeras notas sobre este filme que se estrenó en Estados Unidos en el último trimestre del año pasado. Indagué en sobre ella y lo primero que vi es que tenía muy malas críticas y unas puntuaciones muy bajas, esto último para mi normalmente carece de valor pues no me fijo en apreciaciones cuantitativas. Tras ver este filme de terror solo tengo que decir que estoy en contra de ese varapalo, llego a pensar que hay algo unánime en contra de esta película que va más allá del gusto de cada uno.
‘Mary’ es una película de terror muy convencional y muy básica, pero no es una película mala. Intenta jugar un poco con el misterio y los clásicos jugueteos que buscan inquietar al espectador desembocando en susto, pero poco más. Diría que es mala si tuviese malos planos, si se contradijese sobre el papel o si las interpretaciones fuesen calamitosas, pero no es así.
En esta película un padre de familia adquiere un barco que ha sido encontrado a la deriva, una embarcación que demasiado casualmente se llama como su hija Mary. Quiere hacer de ella el futuro de su familia y se los lleva a todos a probarla en una ruta por alta mar en la que comienzan a pasar cosas que no son normales.
Veréis por ahí muchos símiles que dirán cosas sobre “cómo se ha manejado el timón de este barco”, “navegar en aguas profundas” o “ir a la deriva”. Vagos recursos para describir una película por parte de aquellos que tal vez confunden la sensación que da una película mala frente a una que simplemente es sosa.
Sus dos principales problemas radican en que el guión realmente no expone un tema que esté trabajado, no se percibe una intencionalidad. A ‘Mary’ le falta más trasfondo para sus personajes y más miga a la historia con la que nos quiere asustar. Y por otro lado que su final es bastante flojo, sin gancho ni nervio. Ya de por sí está adelantado desde el principio, por lo que cabía esperar un clímax más interesante e impactante, incluso más arriesgado.
Lo cierto es que en su momento me la imaginé como una especie de ‘Calma total’ (1988) pero con componentes sobrenaturales. No llega a esos niveles de tensión e intensidad. Si lo hubiese hecho la repercusión de este filme sería otro cantar.
Michael Goi ha dirigido esta película de terror en el que es su tercer filme tras una larga temporada dirigiendo series, muchas de ellas también de terror. Su labor habitual no obstante es la de escoger la fotografía de los proyectos en los que trabaja, algo que también ha hecho en esta ocasión. Se nota pues la composición de las escenas no es mala. Si el guión de Anthony Jaswinski hubiese estado a la altura de otra acuática historia suya como ‘Infierno azul’ el director y los actores podrían haber explorado más el género de terror.
Peor hubiera sido si esta película la hubiese protagonizado Nicolas Cage, como iba a ser hasta cambio de última hora. Ahí si que habríamos tenido un filme en el que las malas interpretaciones habrían absorbido todo, o no, como ha sucedido con la estupenda ‘Color out of space’. Ciertamente esta no es una película infame, pero si muy inferior a las que acostumbran a mostrarnos Gary Oldman y Emily Mortimer.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Mary. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Goi. Guion: Anthony Jaswinski. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Michael Goi. Reparto principal: Gary Oldman, Emily Mortimer, Manuel Garcia-Rulfo, Stefanie Scott, Chloe Perrin, Owen Teague, Jennifer Esposito. Producción: eOne, Tucker Tooley Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial:https://www.tooleyentertainment.com/
Para Winden el tiempo es dios y sus historias son un sindiós
Netflix estrena la temporada 3 de ‘Dark’ justo el día que su ficción pronostica el fin del mundo, el 27 de junio. Ya hemos visto que para los habitantes de Winden el tiempo determina su destino y ejerce de dios inamovible. La serie tiene tantas idas y venidas, con la introducción ahora además de nuevos mundos y personajes, que la convierten en un sindiós, en un caos. Pero está magníficamente ordenada y no peca de tener agujeros de guión. La serie empezó y ha concluido de un modo magistral.
La temporada 3 de ‘Dark’ explica rápido lo que vimos en la conclusión de la temporada anterior y nos ubica también casi de manera inmediata a los personajes. De este modo la serie de Baran bo Odar (que hace un cameo en una fotografía) se mete en faena, nos introduce nuevos elementos misteriosos y se encamina a su resolución. Y el final satisface, queda explicado y reducido a algo sencillo. Tiene además un cierre definitivo para los personajes, que emplea recursos ya vistos antes e incluso a veces algo vagos, pero que cuadran a la perfección. ‘Dark’ ha conservado hasta el final su tenebrosidad, sus embrollos y su buena manera de tratar los personajes.
En esta nueva etapa quienes vuelven a tener toda la atención del espectador son Jonas, Martha y Claudia. De nuevo la pérdida, el dolor, el amor o la curiosidad serán los motores de los protagonistas. Si esta serie se pudo comparar por su carácter fantástico, formato coral y tremenda complejidad con ‘Lost’ se puede decir que está mucho mejor planificada y no se deja ningún detalle por cerrar. Para poder dar explicación a todas las relaciones, situaciones y eventos de la serie se ha tirado de algunos personajes dedicados a rellenar los huecos pendientes e incluso esta temporada introduce un deus ex machina ya que se basa bastante en un elemento que ha aparecido de repente. Pero la labor de logística a la hora de que todo el guión y lo antes estrenado cuadre sin fisura alguna es titánica. Ha sido como ese episodio de ‘Futurama’ en el que Fry se convierte en su propio abuelo, pero de un modo multiplicado por diez.
La contienda mísico-cientícia contra Sic Mundus ha llegado a su clímax final rodeada además de bastante religiosidad. Detalles como la medalla de San Cristobal, los ciclos de 33 años, el origen con Adán, el sacerdote interpretado por Noah… son importantes. Uno no puede desconcentrarse y perder la conexión de todos esos pormenores, sobre todo teniendo en cuenta que esta es una trama llena de mentiras y paradojas. Pero al final todo es bastante más académico que espiritual, tiene una explicación lógica y fundamentada.
Al final nos hemos quedado sin saber qué paso con trivialidades como el ojo de Wöller, porqué Ulrich siempre es infiel o a qué se debe la imposibilidad de hablar de algunos personajes. Al fin y al cabo, esa repetitividad que parecía ser un McGuffin nos habla del famoso error en la matriz (haciendo un guiño a los déjà vu de ‘Matrix’) y de su teoría de la predestinación. Detalles que la serie se puede permitir dejar sin explicar ya que no son importantes, salvo por el hecho de que nos ubican en un universo u otro. Algo parecido a lo que se hacía con el aspecto de los personajes en ‘Fringe’ cuando saltábamos por todo ese multiverso de manera constante.
Lo importante es que se ha dado una explicación a la aparición de los viajes en el tiempo, al nuevo universo que se presentó en los últimos segundos de la temporada dos y a todos esos enlaces entre personajes que hemos ido descubriendo. La temporada 3 de ‘Dark’ explica muchas cosas. Vuelve a sus razonamientos metafísicos y científicos tirando incluso de cuántica y de propiedades de la teoría de cuerdas. Pero probablemente lo que más atraiga al espectador será ir rellenando esos huecos que quedaban pendientes en el árbol genealógico de Winden, sabiendo quienes son padres, madres o hermanos, y descubrir además algunas ramas nuevas que aparecen. Os recomiendo ir viendo la temporada 3 de ‘Dark’ teniendo a mano un gráfico de cómo se relacionan los personajes, se puede hacer un lío, sobre todo si no la tenéis fresca. Aunque los finales de episodio a pantalla partida conectando épocas ayudan bastante. Tened en cuenta eso y que habría que poner un altar a los responsables del casting porque las versiones jóvenes o ancianas de cada personaje están escogidas maravillosamente. A parte que otro buen punto de ‘Dark’ ha sido el introducir elementos reconocibles en cada protagonista, con una especie de obsesión por las cicatrices.
Ya se resolvió por qué desaparecían niños, quien era el demonio blanco o donde fue a parar Mikkel. Ahora se han corregido algunos detalles que no acababan de estar bien (como el nombre de la enfermera del psiquiátrico en el que acaba Ulrich). Quedaban cosas importantes por saber, tales como el camino que sigue Jonas para convertirse en Adam, que hacía el colgante de San Cristóbal en la orilla del lago cuando lo encuentra el protagonista, como acaba Charlotte con Tannhaus, quien escribe el libro con las indicaciones para Noah, por qué Martha se vio a sí misma en el bosque, quién es Silja, qué importancia tiene la historia de Hannah en el pasado… ¿Habrán quedado resueltas? Ya veréis eso y muchísimo más a partir del 27 de junio. Vais a oír mucho eso de “¿qué significa?” pero no os preocupéis que no os va a quedar ninguna duda y si la serie os enganchó en sus orígenes también os va a gustar en su ocaso.
La serie de Amazon Prime Video sobre un grupo dedicado a localizar personas
La serie ‘Desaparecidos’ comienza a emitirse en Amazon Prime Video el próximo 19 de junio. Una producción en la que nos unimos al Grupo 2 de la Brigada Central y a una ONG para afrontar diferentes casos de desapariciones. Pero también para conocer a sus agentes y su manera de proceder. La serie, que os comentamos aquí en profundidad, está protagonizada por Michelle Calvó, Elvira Mínguez, Maxi Iglesias, Juan Echanove, Chani Martín y Amanda Ríos, además de otros muchos actores que aparecen eventualmente en cada capítulo.
Hemos podido hablar con Maxi Iglesias (‘Valeria’) y Elvira Mínguez (‘Veneno’) y nos hablan de los pormenores de esta nueva ficción con mucho de real.
Unos desaparecidos con los que merece la pena que os encontréis
El próximo 19 de junio se estrena en Amazon Prime Video España la serie ‘Desaparecidos’. Una ficción con mucha realidad en ella y que no tiene nada que envidiar a series del tipo ‘Sin rastro’ o ‘Caso abierto’. Hemos visto cuatro de los trece episodios que tiene y sigue los mismos patrones de ese tipo de producciones norteamericanas, pero siguiendo una tónica más íntima y continuista con respecto a los agentes que reconstruyen los puzles y rastros de la gente que se ha perdido.
“Nosotros seguimos buscando” es el lema del Grupo 2 de la Brigada Central, es casi el mantra de su jefe (Juan Echanove). ¿Quién sabe dónde? ¿Os acordáis del programa de Paco Lobatón? Pues ellos hacen lo mismo, pero de manera mucho más activa, sin montar un show y con trabajo de campo. Tratan los casos más inauditos de desaparecidos implicándose a veces demasiado, ¿o no?, esa es la preguntan que a veces nos lanzan.
Cada episodio dura entorno a hora y diez minutos. En ese tiempo se enfrenta a una media de tres desapariciones por capítulo, no parecen excesivas cuando descubrimos que solo en diciembre del año pasado se registraron casi 2500 denuncias desaparecidos en España. Y se pasan las horas volando. Los incidentes escogidos para ‘Desaparecidos’ están muy diferenciados entre sí. Son todos distintos, interesantes e incluso originales, la variedad de la serie la hace entretenida, aunque si que es verdad que en algún caso pronosticable.
Por norma general se suele distinguir una producción europea de una estadounidense en que nos solemos mojar más, tratamos de incluir temas más comprometidos y de manera más concienzuda. Ese es el caso de ‘Desaparecidos’, que ahonda en cuestiones de todo tipo. Es algo que Mediaset busca muchas veces con sus películas (véase ‘Adú’), ojalá tuviese la misma calidad humana en sus shows. Quizá es por eso que parte del peso de esta serie recae en una pequeña ONG que colabora con la policía. También hay una buena diferencia con series de este género cuando comprobamos que las distintas caras conocidas que se van incorporando no tienen porqué ser las malas de la historia y cuando todo transcurre con buen ritmo sin necesidad de aturdirnos con flases, zooms y recreaciones casi de ciencia ficción.
Curro Royo (‘Servir y proteger’, ‘Cuéntame’) es el creador de esta serie que parte de una idea de Javier Ugarte (‘Justo Antes de Cristo’), Jorge Guerricaechevarría (‘Quien a hierro mata’) y Patxi Amezcua (‘Séptimo’). La concepción de la serie persigue lo humano por encima de lo procedimental. Ahonda muy bien en este tipo de sucesos y en sus momentos clave, cuando afloran los miedos, los remordimientos, las tensiones, el agobio, la culpa e incluso los prejuicios.
Se ha contado con tres directores para realizar los episodios. Según que entrega está a la batuta Miguel Ángel Vivas (‘Tu hijo’, ‘Vis a Vis’), Inma Torrente (‘Servir y proteger’, ‘Los misterios de Laura’) o JacoboMartos (‘Allí abajo’). Vivas dirige los tres primeros y los dos últimos, Torrente y Martos se reparten el resto de la serie. El director sevillano vuelve a demostrar que se mueve bien en historias policíacas, buscando siempre acertádamente los detalles importantes y sin meter relleno. Me ha chiflado el plano secuencia del segundo episodio en el que asistimos a un interrogatorio “fallido”.
Realmente quien suele ser más protagonista en los episodios son Michelle Calvó y Maxi Iglesias. La primera siendo bastante veraz con todas las facetas de su personaje y el segundo luchando infructuosamente contra su imagen de guaperas irreverente de instituto. Pero no hay que perder de vista toda la historia de Elvira Mínguez, pues la lleva de manera magnífica, lidiando con su propia pérdida y con todas las que gestiona desde su ONG montada en una panadería.
No he podido evitar poner especial atención en Chani Martín. Aunque ya le había visto en ‘Campeones’, ‘Lo nunca visto’ o ‘Tarde para la ira’ me fijo especialmente en él desde que me hizo reír en ‘Justo antes de Cristo’ y desde que sé que es el protagonista de la próxima película de Javier Fesser, ‘Historias lamentables’. Lamentable es que no hayamos podido ver aún esa película que espero como agua de mayo y lamentables también son los casos a los que se tiene que enfrentar, a si es que esta vez he podido ver una faceta menos cómica de este actor que creo que debería estar más valorado y aquí hace las funciones de secundario con toques cachondos o campechanos.
Quizá la serie redunda demasiado en el tema al introducir eventos de desapariciones hasta en la vida de varios de sus protagonistas. Quizá también se ceben demasiado con el distrito sur o con Vicálvaro, en este tipo de series siempre se ven rencillas entre departamentos. Pero está hecha desde una sinceridad bastante patente enriquecida además en cada episodio con nombres como Luisa Gavasa, Nerea Barros, Paco Manzanedo, Sonia Almarcha, PolMonen, Armando del Río, Diana Palazón, José Luis Torrijo, Ismael Martínez… Vedla.
Cuatro veteranos afroamericanos regresan a Vietnam años después de la guerra en busca de los restos del líder de su escuadrón y un montón de oro enterrado.
Crítica
Es obvio que Lee sabe rodar, también que cada vez divaga más al escribir
Netflix es el canal que ha usado Spike Lee por primera vez para llegar hasta nosotros. En esta ocasión nos sugiere una película bélica, ‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’. Que aborde el cine bélico no es habitual en él, aunque tiene películas como ‘Miracle at St. Anna’. Y aunque nos topamos con una supuesta propuesta nueva acaba siendo lo de siempre, diría que incluso con la temática redoblada. Todo hay que decirlo, este largometraje no llega ahora de manera oportunista por la revuelta situación a raíz de lo de George Floyd, su estreno lleva anunciado por lo menos desde el pasado 18 de mayo.
Lo que nos cuenta ‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’ de una manera tremendamente estirada no es ni original ni excesivamente distinto a lo de siempre. Hemos visto cosas así en ‘Monuments men’, ‘Triple frontera’ o incluso en la parodia del Pez Volador de ‘Los Simpson’. Cuatro soldados hermanados por lo vivido en la guerra de Vietnam vuelven a por un botín enterrado y para rescatar el cuerpo del quinto miembro de su familia bélica para así poder darle sepultura (ya iréis viendo como respecto a la muerte de un compañero la película va cambiando sus prioridades). Están encarnados por Delroy Lindo, ClarkePeters, NormLewis e IsaiahWhitlockJr. Siguen el rastro y los recuerdos del que fue su líder de escuadrón, interpretado por Chadwick Boseman.
Esta es de las películas con más acción en la filmografía de Spike Lee, por lo menos desde ‘Old boy’. Desarrolla bien la fotografía del consumismo, más exitoso como herramienta colonizadora que la propia guerra del Vietnam. Están bien conjuntados los actores que funcionan como grupo de amigos cascados de vuelta en el lugar donde se forjó su amistad. Pero sobrecarga o está a destiempo tanta perorata metida con calzador y descolocan muchas tomas o escenas.
‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’ roza el ridículo hasta el punto de intentar continuar con el royo Motown fuera de época y estilo, con sus movimientos repetidos a lo patada de Van Damme, siendo incapaz hasta de inventar nombres de empresas, descuidándose llegando al punto de dejar caminando tan panchos a sus personajes por un campo de minas y ya ni hablar de la figura del hijo de uno de los protagonistas que no queda claro si está alelado o si es un intento de retratar a una generación más estúpida… Y hay algunas incoherencias aún mayores.
Al igual que Jasper Pääkkönen, Paul Walter Hauser vuelve a trabajar con Lee tras ‘Infiltrado en el KKKlan’ y tras sorprenderme en ‘Richard Jewell’. Junto a ellos está Mélanie Thierry completando el reparto de protagonistas (además de la presencia de Jean Reno). Con estos nombres quiero señalar que no falta calidad actoral, la pega es que sobran divagaciones. En su intento por hacer una película abanderada de la causa ha quedado algo desmesurado, sobrecargado y desajustado a la hora de establecer un tono.
Desde el minuto cero de ‘Da 5 Bloods’ la lucha por los derechos de las personas afroamericanas monopoliza la película. Es una cinta protesta que se justifica y referencia con tantos fragmentos reales y alusiones verbales o fotográficas que se va al documental. Es mucho más creíble como paseo por la cabeza de Spike Lee, por sus desvaríos y obsesiones, que como reflexión histórica con perspectiva.
Por otro lado está muy mal la música, duerme las escenas o no va con las sensaciones que nos transmiten los actores. Hay planos buenos y alguna secuencia que retoma clásicos del cine bélico, al fin y al cabo Spike Lee sabe rodar, pero cada vez menos escribir.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de junio de 2020. Título original: Da 5 Bloods. Duración: 154 min. País: EE.UU. Dirección: Spike Lee. Guion: Spike Lee, Paul de Meo, Kevin Willmott, Danny Bilson. Música: Terence Blancard. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Delroy Lindo, Jonathan Majors, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Mélanie Thierry, Paul Walter Hauser, Jasper Pääkkönen, Johnny Trí Nguyễn, Lê Y Lan, Nguyễn Ngọc Lâm, Sandy Hương Phạm, con Jean Reno, Chadwick Boseman. Producción: 40 Acres & A Mule Filmworks, Rahway Road Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, bélico. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81045635
¡Enfréntate al futuro! ¡Jonathan Hickman toma el trono de los mutantes! Desde su nacimiento, La Patrulla-X ha vivido cuatro momentos fundamentales: su fundación, la Segunda Génesis, “La Era de Apocalipsis” y la época de New X-Men. Ahora, Charles Xavier revela su plan maestro… el que sacará a los mutantes de la oscuridad y los llevará, una vez más, hacia la luz.
Reseña
Una nueva nación de la que uno disfruta formando parte
Marvel nos invita a formar parte de Krakoa, el nuevo país mutante que Jonathan Hickman ha creado para comenzar una nueva aventura de los X-Men. Este es un gran punto y seguido, una manera de reflotar a los siempre en boga X-Men. La ciencia ficción está omnipresente en una colección que de primeras digo que me ha alucinado. Sin fisuras, con originalidad y mucha complejidad, las historias de Dinastía y Potencia de X (Hose y Powers of X) son un disfrute lleno de sorpresas y reinvenciones.
Para seguir bien la historia hay que alternar entre los números de Dinastía y Potencias de X (algo que puede hacerse incómodo, sobre todo si se ha coleccionado según ha ido publicándose). Cambia el dibujante de una serie a otra a partir del número dos de ‘Potencias de X’ y eso contribuye a fomentar la sensación de cambiar de época, etapas y mundos de la historia de los X-Men. Y es que esta es una obra que además de tener toques muy legendarios sirve de homenaje a toda la historia de X-Men.
Hay varias e imponentes portadas realizadas por Pepe Larraz y Marte Garcia. Pero sobre todo la primera resulta la más carismática. Se nota que el mexicano Marte Garcia le tiene cogido el punto a los X-Men y a su siempre colorido aspecto. Y todo el interior es igual de potente. Personajes, fondos, máquinas, color… El nivel es alto y minucioso. El estilo de ambos dibujantes (la otra persona que dibuja es R.B. Silva) es diferente pero conserva parecidos. Ambos han metido a las viñetas la clásica matriz de puntos de los cómics y eso le da un toque clásico a un dibujo que se torna moderno. Desde luego es otro cómic más para incluir en los que pueden hacer afición y destacar a nivel mundial a un dibujante del talento de Larraz.
El universo que han conformado a partir de ‘Dinastía de X’ es complejo y entramado, sería difícil de abarcar para el lector sin esas páginas informativas que se intercalan de vez en cuando. Considero que es mejor leerse esta serie del tirón que teniendo que esperar un mes entre número y número, eso podría obligar a los que tengan menos memoria a releer las primeras páginas de vez en cuando. Y la única pega que le pongo a esta colección es que su último número está demasiado ocupado por páginas que explican la historia en vez de por viñetas.
Me queda la impresión de que habría disfrutado más del cómic de haber estado siguiendo colecciones recientes de los X-Men. La cantidad de personajes es abrumadora y si uno se para a buscar sus nombres o su trasfondo puede llevar esta experiencia de lectura a muchísimas horas. En mi caso esta historia ha sido un largo acompañante durante la cuarentena.
El diseño de personajes que vemos en el cómic va en la línea del que muchos habéis visto en películas como ‘Dark Phoenix’, bastante inspirados en los trajes que llevaban los mutantes de Grant Morrison. En ese sentido es un retorno a lo clásico. Pero también vemos nuevas vestiduras que llaman la atención. Como la de Xavier o incluso la de magneto que está en una de esas raras veces en las que va en son de paz, como clama su capa blanca.
Me ha encantado toda la intervención de Moira. Me parece brillante el rol que juega y como sirve de herramienta para aportar giros a la trama. El guión de Hickman nos brinda una historia coral, algo casi obligatorio en el caso de una apuesta tan regenerativa como esta. Es básico el tener que introducir el punto de vista de muchos personajes para abordar un punto tan tajante y definitorio en un universo tan vasto como el de la Patrulla X. Y además la trama da muy buenos detalles que no me cabe duda que habrán sido un gustazo para los dibujantes, ya que a modo de crossover otros personajes que son de otras colecciones como ‘Los 4 Fantásticos’ hacen su aparición. Esto es algo que no nos sorprende pues Hickman ha trabajado con los Richards, Storm y Grimm mucho tiempo, al igual que sucede con los Avengers y otras muchas organizaciones conocidas de Marvel. También hay que tener en cuenta que aquellos más puristas y cerrados a que estos superhéroes evolucionen pueden rechazar todo el enfoque del cómic.
‘Dinastía de X’ hace un punto de partida muy jugoso para otros autores que vengan después. Solo hay que ver a este Charles Xavier sin silla de ruedas y decidido a llevar a los suyos a la victoria. Sus métodos en muchos sentidos u ocasiones son más propios de un villano. Xavier tira de neoliberalismo para ganar una posición ventajosa en determinadas naciones que si reconozcan a la suya. Muy acorde a lo que haría una despiadada corporación o multinacional del mundo real. Está a la cabeza de una nación de criaturas con poderes que más que buscar su lugar en el mundo lo reivindican y lo inventan. Como dicen bien en el número uno de ‘Potencias de X’, “no es un sueño si es real”. La utopía de Charles se convierte en realidad y la vía que emplea Hickman me parece la más plausible.
Además la narración nos adentra en una especie de bioingeniería mezclada con poderes, algo casi mágico. Es una nueva manera de percibir el poder de los mutantes de Marvel, una forma distinta de verlos, tanto visual como argumentálmente, sin olvidar lo que ha pasado previamente. Los amantes de los X-Men de siempre pueden disfrutar estas viñetas que tienen alusiones a ‘Dinastía de M’, ‘Días del futuro pasado’ y otros clásicos en los que por ejemplo interviene Apocalipsis.
Entre guionistas y dibujantes llevan a los X-Men de nuevo a un punto treméndamente épico. ‘Dinastía de X’ más ‘Potencias de X’ componen doce números en total. Un ecosistema donde nos topamos con el paraíso mutante y que supone un vergel para los lectores de cómics.
Ficha del cómic
Guion: Jonathan Hickman. Dibujo: Pepe Larraz, R. B. Silva. Color: Marte Garcia, Di Benedetto. Tinta: VC’s Clayton Cowles, Adriano Di Benedetto. Portada: Pepe Larraz, Marte Garcia, R.B. Silva. Editorial: Marvel (Panini Cómics). Datos técnicos: 56 y 40 págs. por número, grapa, color, 17 x 26 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: varía según número (nº1 4,51€).
Surgida de un manga creado por Q Hayashida (editado en España por ECC) tenemos ya en Netflixla serie de doce episodios de veinticinco minutos ‘Dorohedoro’. Un anime que os digo desde ya que tenéis que ver si sois consumidores habituales de anime y añoráis las series de los años noventa. También os gustará si os va el estilo directo, el humor macabro y los argumentos estrafalarios y fantásticos. Me ha encantado por ser capaz de devolverme al estilo sin tapujos de hace más de veinte años acompañado además de un dibujo similar al de aquella época e incorporando algunos movimientos y detalles que claro está, son debidos a las técnicas actuales.
Yûichirô Hayashi (‘Batman: Gotham Knight’, ‘Kakeguri’) dirige con algún que otro director de apoyo y Hiroshi Seko (‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’) escribe. Este mundo en el que el estudio Mappa y Netflix nos invitan a entrar está ambientado en la ciudad de Hole (Agujero). Un lugar sucio y se podría decir que futurista desde el que pasamos a otro mundo mágico. Es ahí donde el protagonista es víctima de un experimento de un mago que le deja convertido en un hombre con cabeza de reptil, que además pasa a ser inmune a la magia. Eso despierta el interés de otros magos que empiezan a perseguirle mientras él añora recuperar su memoria y su rostro.
Caiman es un personaje con cabeza sauria que podría haber salido perfectamente de la película de ‘Super Mario Bros.’, por su dibujo y por su carácter. Es un tontorrón y osado protagonista que sigue casi los mismos esquemas de los personajes principales de series como ‘Golden Boy’, ‘Trigun’ o ‘Louie, el guerrero de las runas’. Es osado, a veces inconsciente, algo pardillo y muy glotón. Te partes con él aunque se encuentre embadurnado en sangre en plena pelea.
Se topa con una compañera de armas (Nikaidō) que le ayuda en su búsqueda gracias a sus habilidades y su cocina. Juntos se tienen que enfrentar a todo tipo de magos, con especialidades muy variopintas. Dos de ellos me recuerdan mucho a los personajes Hazel y Cha Cha de ‘The Umbrella Academy’ y también a Travolta y Jackson en ‘Pulp Fiction’. Ningún personaje en esta serie está en sus cabales, todos tienen alguna rareza y eso la hace muy divertida y versátil.
La trama lleva a Caiman a momentos cada vez más peligrosos, según va desentrañando su pasado. Algunas teorías apuntan a que ‘Dorohedoro’ viene de traducir el título por partes: barro (doro) y lodo (hedoro). Podemos aprovechar muy convenientemente la expresión “de aquellos barros estos lodos” para aplicarla a lo que le pasa a Caiman y a las consecuencias derivadas de lo que ha hecho en su pasado.
¿Cómo investiga? Matando y metiendo la cabeza de los magos a los que se enfrenta en sus fauces, para que el hombre que tiene dentro vea si les reconoce y averiguar así si alguno de ellos es el causante de su mágica mutación. Hay mucha sangre y magia entremezclada en este anime. Si la acotamos hay que introducirla en las series de tipo seinen, para adultos. Es un disfrute de momentos ridículos con amputaciones y despellejamientos de caras.
También cabe señalar que es muy rarita. Los magos realizan su magia a través de un humo que exhalan. Y esto pueden hacerlo a través de su boca o mediante heridas autoinfligidas en los dedos, por ejemplo. No solo experimentan poniendo cabezas de pulpo o loro a las personas, también les convierten en kafkianas criaturas como una cucaracha gigante o en setas comestibles. Los magos, por cierto, llevan todos máscaras, algunas de ellas con formas tan excéntricas como un corazón humano o un pavo (si, a lo Friends).
Me ha encantado ese capítulo en el que unos monjes recorren la ciudad cual Moza de Ánimas en La Alberca y luego todo desemboca en una cacería anual de muertos vivientes. Hechiceros, zombies, demonios, mutantes, tecnología ciberpunkarra… Enganchado a ‘Dorohedoro’. Quedo a la espera de ver si os gusta tanto como a mi y si llegan a España las seis OVA’s que van a lanzarse a parte de esta serie, creo que en futuros lanzamientos en formato Blu-ray, porque de ellos va a depender el desenlace de esta historia que por desgracia se ha quedado colgada.
El querido superintendente del distrito escolar de Roslyn en Nueva York y su personal, amigos y familiares se convierten en los principales sospechosos en el desarrollo del mayor escándalo de malversación de fondos de la escuela pública en la historia de Estados Unidos.
Crítica
Hugh Jackman ha percibido a la perfección la falsedad de un verdadero personaje
El director de ‘La estafa’ es Cory Finley (‘Purasangre’). En su segunda película ha pasado de dirigir a jóvenes como el fallecido Anton Yelchin o las emergentes Olivia Cooke y Anya Taylor-Joy a contar con una superestrella como Hugh Jackman. Aquí nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la «venganza» de uno de los estafados.
Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de uno de los institutos. Es una buena manera de mostrar que ‘La estafa’ se basa en el artículo que posteriormente se publicó en el New York Magazine redactado por Robert Koller y que podéis leer aquí.
Todo gira en torno a Frank Tassone, interpretado por Hugh Jackman que vuelve a encarnar un personaje real y carismático vapuleado por su entorno, como en ‘El candidato’. Un superinterdente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas les llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa murió hace treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa. Yo considero que Jackman interpreta a un personaje humano y muy bien calado.
No he podido evitar ver ‘La estafa’ y establecer numerosos paralelismos con la corrupción vivida en España. Casos que han puesto en boca de todos términos como empresa ficticia, enchufes, manipulación de datos, caja en B, tarjetas black… Seguro que os suena. Y os indignará saber (se indica al final del filme) que aquellos que trabajaban en la administración de Tassone (entre ellos el personaje de Allison Janney) y él mismo siguen cobrando anualmente un sueldo, una pensión que en el caso de Tassone asciende a 173,495.04 dólares. Colocaron a gran parte de sus estudiantes en grandes universidades, pero voluntaria o involuntariamente se han burlado del sistema y de los contribuyentes.
El parecido de Hug Jackman con Tassone es inexistente. Pero la película es muy detallista a la hora de conseguir el mismo efecto que causa la historia real y en su manera de enlazar con pormenores verídicos. Brilla ahí la mano de Finley que además ha sabido buscar en sus actores el rostro adecuado al final de cada escena clave, una especie de cara en standby.
A parte de contar una historia real que le ha servido al guionista para hablar de su ciudad la película tiene varios discursos que mostrar, lo cual hace que ‘La estafa’ tenga más empaque. Se explora bien el concepto de ética. Desde el docente que estafa, el policía que emplea detalles personales para arrinconar a su interrogado hasta la periodista que publicando la verdad puede sesgar el futuro de muchos inocentes que dependen del apoyo de ese sistema. También habla del ostracismo y cosificación de los profesores, que no se en USA pero yo me acuerdo bien de aquellos que me han ido enseñando toda mi vida, para bien o para mal.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Bad education. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Cory Finley. Guion: Mike Makowsky. Música: Michael Abels. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Hugh Jackman, Allison Janney, Geraldine Viswanathan, Annaleigh Ashford, Ray Romano, Alex Wolff, Ray Abruzzo, Rafael Casal, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Kathrine Narducci. Producción: HBO Films, Automatik Entertainment, Sight Unseen Pictures, Slater Hall Pictures. Distribución: HBO España. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.hbo.com/movies/bad-education
En el pueblo de este sheriff se impone la ley del todo vale
Desde el 8 de mayo podemos en HBO España ver junto al contenido de Adult Swim ‘Momma named me Sheriff’. A todos los que somos fans de Mr. Pickles nos ha dolido ese episodio único de la temporada cuatro en el que nos toca despedirnos de nuestro perro endemoniado preferido. Pero esto no ha supuesto el final de las historias de los habitantes de Old Town. Con la esperanza de que Mr. Pickles vuelva algún día Adult Swim ha sacado un spin-off protagonizado por el sheriff de la ciudad, quien ya había sido el eje de alguna de sus demenciales tramas.
Creada por Will Carsola y Dave Stewart, al igual que la serie matriz, ‘Momma named me Sheriff’ nos cuenta las aventuras de un peculiar sheriff bastante idiota, que va siempre sobre patines, habla con una muñeca Annabelle y está enmadrado. La jugada es la misma que hemos visto con Cleveland en ‘Padre de Familia’ o Joey en ‘Friends’. Se coge a uno de los personajes más ridículos de la serie y se pone todo el foco en él. Normalmente esta estrategia no suele salir bien pues la audiencia busca las mismas sensaciones que tenía con el producto original y los responsables de la nueva serie suelen querer marcarse un punto diferente. No es el caso de ‘Momma named me Sheriff’.
Todos los episodios, de unos diez minutos de duración cada uno, son exactamente lo mismo que ha sido siempre ‘Mr. Pickles’, aunque el opening de la serie del perrete diabólico molaba más. Aunque el protagonista sea el Sheriff (que por cierto está doblado por Carsola) seguimos con los mismos habitantes y por ahí pulula una perrilla llamada Mrs. Pickles que seguro nos reserva una buena sorpresa para la próxima temporada.
El único y genial episodio de la temporada cuatro de ‘Mr. Pickles’ sirve como piloto para ‘Momma named me Sheriff’. Ahora tenemos al padre de Tommy ejerciendo de ayudante del sheriff, fuera de su trabajo como tele-vendedor. El universo de obscenidades y eventos macabros de Carsola y Stewart sigue creciendo. Esta es una serie en la que cualquier cosa vale. Por eso vemos locuras como un robot cortocircuito con bigote, cavernícolas fabricando chili, un hombre que sirve de sombrero a una montaña, una masturbación con un sandwich, un profesor con cabeza de microondas o un libro para devolver a perros infernales a la muerte, el cual le habría venido muy bien al abuelo. Si uno busca algo macabro, sangriento, impúdico y retorcido tiene que ver esto.
Esta es una serie para mentes que pueden reírse de las ideas más locas, groseras y perturbadas. Viene dada en su justa medida, en cápsulas pequeñas. Igual de acelerada que algunos capítulos de ‘Rick y Morty’ o ‘Midnight Gospel’ y su frenesí es digno de una pesadilla de Ruggero Deodato.
La historia de viejos soldados que nunca mueren… y sin embargo, parece que no puede desvanecerse. Atrapada en una inmortalidad sin explicación, Andrómaca de Escitia, «Andy», y sus camaradas ejercen su oficio por aquellos que pueden encontrar y pagar sus servicios. Pero en el siglo XXI, la inmortalidad es un secreto difícil de mantener, y cuando vives lo suficiente, aprendes que hay muchos destinos peores que la muerte.
Reseña
Una vieja guardia experta en matar el tiempo
Continuamos con las adaptaciones de cómics en la parrilla de Netflix. Esta vez llevan al formato de largometraje un cómic de Image Comics (‘Deadly class’, ‘Happy!’) que estará protagonizado por Charlize Theron. ‘The old guard’ es una obra que fue escrita por Greg Rucka (‘Gotham Central’, ‘Queen & Country’) y que él mismo ha adaptado. Antes de ver el filme el 10 de julio y publicar nuestra crítica vamos a comentar qué nos parece este cómic de mercenarios inmortales.
El guionista varias veces ganador del Eisner desarrolló esta historia junto al dibujante argentino LeandroFernández (‘Punisher: MAX’, ‘Deadpool’). En ella seguimos los pasos de unos inmortales que no saben por qué no mueren pero conocen vagamente alguna regla de su inmortalidad. Se regeneran tan rápido como Lobezno y no mueren de muerte natural pero si saben que hay una manera de morir. Son personas de diferentes edades, cientos de años, unidos por la misma causa, de ahí lo de «The old guard». Lo cierto es que Charlize Theron se ha metido en una historia que guarda alguna relación con su personaje de ‘Hancock’ (2008). La protagonista también es una joven luchadora que vive desde la era clásica, de Grecia en este caso. Los eternos guerreros están conectados entre sí. Esta se describe a sí misma como una historia de amistad, amor y remordimientos, de sangre y balas, de los últimos de su especie. Eso me devuelve mucho a ‘Hancock’ precisamente. Carece del Humor canalla y de un personaje tan autodestructivo como el que interpretó Will Smith pero tiene en común el descuido por la propia seguridad de los protagonistas. La frase que usan en la primera página de su tercer número define muy bien a este cómic: «El amor es como la guerra: fácil de empezar pero muy difícil de terminar».
Desde los años antes de Cristo nos transportan a la Barcelona actual, donde arranca la trama en la que conocemos a estos humanos de longeva vida. Toda su monótona existencia cambia al saber de la aparición de un nuevo inmortal. Por lo que pasamos de la rutina de una misión más a la que puede ser la empresa de su vida, porque además su anonimato se ve amenazado.
Colección de cinco números de más de treinta páginas cada uno que nos narra las aventuras de unos soldados desconocidos que han pasado por casi todos los eventos bélicos de nuestra historia, lo cual le da para mucho sacar jugo a Rucka en las conversaciones, personalidades e inquietudes de los personajes. Para ellos la expresión «matar el tiempo» es literal. Mientras mueren o matan en sus misiones se van cargando de hartazgo por lo mismo, por revivir el mismo esquema una y otra vez. Esta es la herramienta del guionista para hablar de la repetitividad de la historia y los errores humanos, así como el sufrimiento de ver morir a los seres queridos. Es un poco el discurso que veíamos también en ‘Los inmortales’, la película de Russel Mulcahy.
A su favor tiene que está protagonizado por un personaje femenino muy bien construido. Líder del grupo de asesinos a sueldo, experimentada y vividora, le gusta tener la iniciativa además de querer coger siempre el toro por los cuernos. Ella brilla entre la acción tan bien plasmada que tiene la colección. Andrómaca de Escitia, «Andy», es tan buena imagen de la mujer moderna como lo es el cómic en su conjunto con sus cajas de tabaco marcadas con el símbolo de reciclaje o su co-protagonista que ha tenido tropecientos trabajos distintos a sus veintisiete años.
El estilo de dibujo de ‘The old guard’ es muy similar al de Frank Miller en algunas viñetas con claroscuros y también es fácil que os recuerde al de Víctor Santos ya que tiene un trazo parecido aunque con bastante más colorido. Hay una ausencia total de efectos de volumen en personajes y entornos. Juegos de varias luces y sombras planas más colores totalmente sólidos. Fernández va a lo básico aunque no es tan minimalista como Mignola, por ejemplo.
Si la película conserva el poco aprecio por la vida que tienen los protagonistas esta puede heredar la buena historia de acción y humor trágico que es el cómic. Espero que también le den una capa algo más profunda a su final.
Ficha del cómic
Guion: Greg Rucka. Dibujo: Leandro Fernández. Color: Daniela Miwa. Portadas: Leandro Fernández. Editorial: Image Comics (Norma editorial). Datos técnicos: 184 págs., rustica, color, 17 x 26 cm. Publicación: febrero 2017. Precio: 19€.
David es un vago en plena crisis: su novia le ha dejado, se ha quedado sin trabajo, aunque con orgullo sigue insistiendo en que está al frente de una banda de música que en realidad se separó hace años. Se encuentra abusando de la hospitalidad de su hermana, hasta que se une a una excursión de su sobrino, pero solo por una razón: acostarse con la profesora del niño, la señorita Caroline. Pero en el viaje, se topará con algo inesperado: zombis.
Crítica
Darth Vader, un ukelele y música de Taylor Swift es lo necesario para acabar con los zombies
En noviembre de 2019 tuvimos la oportunidad de ver en el Festival de Sitges y repetir en el Festival de Nocturna Madrid, ‘Little monsters’. Distribuida por A Contracorriente Films. La cinta, maravillosamente protagonizada por LupitaNyong’o, ganadora de un Oscar por ’12 años de esclavitud‘, nos trae una película romántica llena de música y de zombies.
‘Little zombies’ tiene uno de los comienzos más divertidos de lo que vi el año pasado, vamos viendo como Dave (AlexanderEngland) mediante una multitud de escenas siempre termina discutiendo con su pareja a grito pelado, estando delante quien tenga que estar. Está claro que no dura y Dave debe irse a vivir con su hermana y su sobrino. Tras acompañar a este último al colegio queda prendado de la Señorita Caroline, hasta tal punto que se presenta voluntario en la excursión a la granja escuela. Allí se complica mucho la situación y los zombies salen a la luz.
Muy divertida, un filme en el que vemos todo tipo de situaciones. Distintas reacciones ante un ataque zombie y sinceramente alguna que otra bastante realista. Vemos el estrés, las carreras, la incredulidad o también vemos sacar lo peor de cada uno, como bien refleja el personaje que interpreta JoshGad (‘Asesinato en el Orient Express’), que hace del típico animador infantil que odia a los niños.
AbeForsythe, director y guionista de la cinta, se desenvuelve muy bien en el guirigay que monta. Niños, militares (de lo mejor de la película), zombies y animales. De todo en esta cinta que destaca por ser muy colorista. Al fin y al cabo estamos viendo una película bastante familiar pese a la sangre esparcida por todo lados.
La música es clave en la cinta, sobre todo la canción de TaylorSwift, ‘Shake it off’, que consiguieron gracias a la insistencia de Lupita Nyong’o, gran fan de la cantante. Ver a la actriz tocarla e interpretarla con el ukelele es estupendo y ver a los niños de la película disfrutando de la música mucho más. Al fin y al cabo, la música amansa a las fieras y ‘Little monsters’ lo demuestra desde el principio hasta el final.
La evolución del personaje de Dave es la más evidente, pasa de ser un tío egoísta a ser un hombre que de verdad se comienza a preocupar y hacerse cargo de sus errores.
Para terminar, como curiosidad, la película está dedicada al hijo del director y es que éste dio muchas ideas para la película y de echo le podemos ver como uno de los niños zombies de la película.
Sin duda ‘Little monsters’ es de estas historias con la que sales con una sonrisa en la boca y cantando a Taylor Swift.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Little monsters. Duración: 94 min. País: Reino Unido y Australia. Dirección: Abe Forsythe. Guión: Abe Forsythe. Música: Piers Burbrook de Vere. Fotografía: Lachlan Milne. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Josh Gad, Alexander England, Nadia Townsend, Stephen Peacocke, Rahel Romahn, Kat Stewart. Producción: Screen Australia, Snoot Entertainment. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1112/little-monsters/
Una serie que no se ha quedado perdida en el tiempo
Alonso de Entrerríos (Nacho Fresneda) nos recuerda en el primer episodio de esta cuarta temporada que llevamos desde el 1 de noviembre de 2017 sin reunirnos con la patrulla de ‘El Ministerio del Tiempo’. Ha pasado un año y medio y tenemos la ocasión de volver a entremezclarnos con la historia de España y con unos personajes que en su día nos regalaron muy buenos momentos, en televisión y hasta en viñetas. Nos esperan diez episodios que desde este 5 de mayo serán emitidos en TVEy al día siguiente subidos a HBO España.
Hay cambios en esta nueva etapa. Cambios en lo que se refiere al opening que ya no presenta su habitual tema musical aunque si su estética y modificaciones como el emplazamiento de la sede. Los amantes de ‘El Ministerio del Tiempo’ no podrán acudir a su clásico punto de encuentro en la calle Duques de Alba de Madrid para acercarse al cuartel de la patrulla ya que este se ha mudado. Compro la explicación del cambio de ubicación pero no me ha conquistado el nuevo tema de los créditos.
Tras un repasazo de unos nueve minutos se confirma que todos los protagonistas de las tres temporadas anteriores estarán presentes. Ya sabéis: Julián (Rodolfo Sancho), Amelia (AuraGarrido), Pacino (Hugo Silva), Alonso (Nacho Fresneda), Lola (Macarena García), Irene (Cayetana Guillén Cuervo), Salvador (Jaime Blanch), Ernesto (Juan Gea), Angustias (FrancescaPiñón), Velázquez (Julián Villagrán) o Elena (Susana Córdoba).
Y el tono es el mismo que en anteriores episodios. Drama y comedia mezclados. Seguimos teniendo a un Alonso estandarte del romanticismo, a Lola de la lucha contra la injusticia y a Irene del empoderamiento femenino. El personaje de Pacino se mantiene como ese policía quinqui que nos aporta la mayor parte cómica y en el otro extremo nos encontramos a Julián, que no os voy a desvelar de qué manera continúa con sus desventuras. Lo que sí que puedo decir es que como siempre nos sumerge en nuestro pasado con una gran ambientación, no tan buena fotografía. En este caso no retrocedemos de lleno a un episodio en concreto de los anales de España pero si nos topamos con personajes harto conocidos como Franco o Berlanga, con grandes parecidos gracias a Pep Miràs y Koldo Olabarri.
El capítulo me ha recordado algo a ‘Malditos Bastardos’. Sobre todo con el caso de Daniel Brühl. Va de fachas y de fachadas. Tenemos cine de propaganda y otros intríngulis que no os voy a desvelar. El caso es que estamos en la España de 1943 con todo lo que supone estar en un régimen dictatorial y es en esa época donde arrancamos y comenzamos a retomar el contacto con personajes de las tres anteriores temporadas.
A parte de que el episodio 35 de ‘El Ministerio del Tiempo’ se llama «Perdido en el tiempo» digo que esta es una serie que no se ha quedado perdida en el tiempo porque vuelve a ponerse en marcha y porque sigue metiendo sus puyas y pequeñas críticas a lo que sucede hoy en día. Los personajes provenientes del pasado y los funcionarios del ministerio se amoldan a la actualidad y no dejan de gruñir e ironizar con cosas como la gentrificación, los sueldos bajos, las operadoras con sus insistentes llamadas e incluso que ya hay demasiadas películas sobre la Guerra Civil.
El pistoletazo de salida lo ha dado el director Chiqui Carabante (’12+1: Una comedia metafísica’). La serie que llevan Javier Olivares y Marc Vigil mantiene sus dramas románticos y su manera «peculiar» de manejar u olvidarse de las paradojas. También aumenta su juego con el fantástico incluyendo más ideas no tan disparatadas que siempre han pululado entre los chismorreos de nuestra sociedad. Veremos qué nos aguarda en el futuro de esta serie sobre el pasado que nos promete capitulazos sobre Almodóvar, Felipe II y IV, Dora Maar, María Tudor, Picasso, Einstein, Clara Campoamor…
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