Rol desbocado y humor negro es el arma del héroe Tigtone
‘Tigtone’ es una serie creada por Andrew Koehler y Benjamin Martian. Sigue las aventuras de un héroe guerrero y su compañero, un ser mágico llamado Útil (Helpy). Juntos van por un mundo de fantasía en busca de encargos que aumenten su fama en el reino de Propicia (Propecia en versión original). Tigtone es un héroe loco por completar misiones de todo tipo al servicio de cualquiera que se las encomiende, ya sea el monarca bicéfalo que gobierna en ese feudo o un desesperado campesino.
Son 11 episodios (contando el piloto) de casi 11 minutos cada uno. Repletos de misiones al más puro estilo juego de rol. Tanto encomiendas principales como peticiones paralelas que nuestro protagonista va registrando en su diario. Por supuesto todo lo que va recabando en sus hazañas lo guarda a buen recaudo en su inventario y aquello a lo que se enfrenta lo debe resolver a base de puzzles o sangrientas matanzas. Pero Tigtone es un fuera de serie que siempre saca crítico en sus tiradas y sale airoso.
La serie es una auténtica demencia visual. Es una mezcla entre las ilustraciones de las cartas Magic con la locura de los cuadros el Bosco. El estilo pictográfico del famoso juego de cartas cobra vida mientras que las escenas del pintor flamenco se hacen realidad. Su animación está realizada con técnica de captura facial y lo cierto es que parece que estamos ante una secuencia de un videojuego pero hecho por cuatro pirados que nos sumergen en los infiernos más medievales.
Es una locura incesante, con un ritmo incansable. Es como si se hubiese plasmado en forma de serie una partida de rol jugada por borrachos o enajenados. Es lo que lo hace divertida, que a todos los que hemos jugado rol nos ha pasado algo de lo que le pasa a Tigtone.
Posee el toque brutal y demente de ‘Metalocalypse’ y el ritmo de ‘Rick y Morty’. Juntando esas dos series sobra decir que el filtro brilla por su ausencia. Podríamos decir que las canciones de ‘Metalocalypse’ se basaron en este héroe. El inventario está lleno de malas ideas que me encantan: árboles con alas de mosca, esqueletos gafapasta robando almas de gallinas, flores vampíricas que dan deseos… Desde luego da en el clavo y agrada a aquellos que crecimos jugado a juegos como D&D o a Rune Quest, pero también a aquellos que buscan algo políticamente incorrecto, rápido y diferente.
Dos soñadores y un perro emprenden la odisea para traer armonía a sus vidas y a su tierra. Cuando una serie de giros en los acontecimientos se interpone en su plan para crear perfecta armonía, los protagonistas deberán comprender que la complejidad y sabiduría de la naturaleza, así como la propia vida, van más allá de lo que conocían.
Crítica
Un nítido retrato del ciclo de la vida que debemos recuperar
El documental ‘Mi gran pequeña granja’ esta realizado y protagonizado por las mismas personas. John y Molly Chester son los artífices de esta película y a la vez son los creadores de una granja de cultivo tradicional en Los Ángeles. Ellos y todos los seres vivos que la habitan acaparan la atención de las cámaras y seguimos el transcurso de sus vidas. Desde que empiezan su andadura en una árida tierra adquirida gracias a la aportación de sus familiares y amigos hasta que intentan salvar su verde hogar de uno de los inmensos y tristemente habituales incendios de California.
‘Mi gran pequeña granja’ se desarrolla de manera lineal en el tiempo progresa gracias a los consejos de lo que se podría llamar un gurú de lo rural, Alan York. Un amigo que ayuda a la pareja a crear su propio ecosistema, pero con técnicas eficientes no con uranio a lo Homer Simpson. Les encamina a perseguir su sueño de autosuficiencia, en resumidas cuentas a volver a lo básico dejando que sea la propia naturaleza la que ofrezca las soluciones a sus propios problemas. Se pinta todo de rosa sobre el papel y surgen inconvenientes, como es natural. Pero la sensación es artificial ya que hasta dos ocasiones se cambia de tema drásticamente y no se justifica la dudosa caza de los coyotes. ¿¡Como pueden tardar años en darse cuenta de que un perro pastor sirve para ahuyentar al coyote de las gallinas!? En fin… Por lo menos este es un buen ejemplo de cómo se puede intentar restaurar el equilibrio roto por el monocultivo intenso. Es un pulso contra lo establecido por las multinacionales incapaces de abastecer el sobrepoblado planeta desde una pequeña granja.
El mensaje no me parece nada novedoso ni destacable, a no ser que seas un urbanita impresionable o te dejes llevar por el sentimentalismo de la cinta, por la obviedad y las implicaciones que conlleva el cuidar unos animales pre-destinados al consumo humano. La película está repleta de lecciones sobre ganadería y agricultura que a muchos nos parecen evidentes. Para aquellos que no han convivido en un entorno que no esté dominado por el asfalto y el wifi va a haber muchos elementos que si van a resultar conmovedores. Pero me parece hilarante oír al principio de la cinta la frase que asegura que es “arriesgado montar una granja en medio de la naturaleza”. ¿Dónde montarla si no, en un campo de fútbol? Esto nos habla de lo muy desconectados del planeta que están muchas personas.
Lo mejor, y muy bueno que tiene este documental, es la fotografía. El director de la cinta y dueño de la granja es camarógrafo de profesión y eso se nota en la gran cantidad de primeros planos de los animales, tomas cenitales, coloridos paisajes, time-lapses, imágenes en macro de insectos… No hay rincón de la granja que se haya dejado sin inmortalizar, hasta el subsuelo. Sobre todo es capaz de retratar la cotidianidad de sus escenas: los cerditos durmiéndose, los perros pastores lamiendo a los corderos, los estorninos volando en bandadas, los terneros asustados por el gallo bravucón… Cual niño en un zoológico estos soñadores se han divertido en el hogar que ahora comparten con gente de todo el mundo, pero también se enfrentan a las dificultades de la vida granjera. ‘Mi gran pequeña granja’ tiene el poder visual de los documentales más capaces proyectados hasta la fecha.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2020. Título original: The Biggest Little Farm. Duración: 91 min. País: EE.UU, Dirección: John Chester. Guion: Mark Monroe, John Chester. Música: Jeff Beal. Fotografía: Kyle Romanek. Reparto principal: John Chester, Molly Chester, Matthew Pilachowski. Producción: Diamond Docs, FarmLore Films. Distribución: Festival Films. Género: documental. Web oficial: https://www.biggestlittlefarmmovie.com/
A Marcos (Quim Gutiérrez) le ha dejado su novia justo cuando iba a pedirle matrimonio, le han echado del trabajo y vuelve a vivir con sus padres. Su vida se ha convertido de repente en un desastre, de los grandes.
Con semejante panorama Marcos está decidido a reinventarse y triunfar, pero no tiene ni puñetera idea de por dónde empezar. Por eso acude al lugar donde todo se encuentra: Internet. Mientras trata de aplicar los consejos de un youtuber, Marcos se cruzará con una antigua amiga del colegio, una nueva jefa, su ex-novia, unos colegas muy intensos y un montón de dudas existenciales…
Crítica
Aunque predecible, carismática y con gancho
Laura Mañá es la principal responsable de ‘Te quiero, imbécil’. Es una actriz a la que hemos visto en múltiples series o películas como ‘Romasanta: la caza de la bestia’ o ‘Libertarias’ pero en su labor como directora ha fraguado una serie de películas que seguían más o menos un rumbo parecido. Ella es la artífice de los filmes televisivos ‘Concepción Arenal’ o ‘Clara Campoamor’ y ahora, tras ocho años sin estrenar una película en la que haya cogido la batuta, se pasa a la comedia.
Para ello ha contado con rostros muy conocidos. Empezando por el de Quim Gutiérrez que cada vez está más de moda y precisamente como en una pasarela le vemos desfilar múltiples veces en algunas secuencias. Al margen de que determinadas escenas de la película se acerquen a un anuncio de Mango o de Desigual, a lo que precisamente le saca más partido Gutiérrez es a esa cara de pardillo que sabe poner. En ‘Te quiero, imbécil’ vuelve a ese registro de pringado cachas que unas veces le funciona y otras no. Es decir, en ‘Primos’ bien, en ‘Anacleto’ mal. Pues esta es de las buenas películas, de las que hace que nos riamos bastante con un personaje muy desesperado y bonachón.
Quim Gutiérrez hace de Marcos, un treintañero que en unos días pierde a su novia, su trabajo y se tiene que ir a vivir con sus padres. Busca refugio en su mejor amigo y cuando más desesperado está se cruza con una antigua amiga de su juventud. Es en ese momento de pérdidas y cambios cuando él reconecta con su pasado y comienza una nueva construcción de su personalidad.
El protagonista, y por ende la película, cabalga entre los personajes de Natalia Tena (‘Juego de Tronos’, ‘Harry Potter’) y el de Alfonso Bassave (‘Estoy vivo’, ‘Carlos, rey emperador’). Ambos representan dos caras diferentes en nuestro siglo. Una más liberal, abierta y progre, con un sabor europeo. Otra más cerca al clásico macho alfa, con una concepción arcaica y rancia. Los dos muy vinculados al pasado del protagonista influyen en su vida y hacen de consejeros o buenos amigos. Se evita por muy poco reincidir excesivamente en los tópicos y de esa manera se hace algo más creíble la relación y concepción de los personajes que interpretan. De ese modo es más sencillo pensar en ellos a modo metafórico y cómico como en ese ángel y ese demonio sobre los hombros de Marcos (Quim Gutiérrez).
Y con quien nos reímos a pierna suelta es con Ernesto Alterio. Aparece de vez en cuando como la parte más hilarante y surrealista de la cinta. Es una válvula de escape muy bien injertada en el metraje para relajar el ambiente y devolvernos a la senda cómica del filme.
El propio título y la manera en cómo se dirigen los personajes entre ellos ya nos adelanta lo predecible que va a ser ‘Te quiero, imbécil’. Al fin y al cabo es otra comedia española más que también se anuncia en un cartel sobre un fondo amarillo ¿hay alguna ley que obligue a usar este tipo de diseño? En su desarrollo por el contrario se desmarca algo más, sobre todo porque tiene bastante chispa y carisma. Se desenvuelve entre escenas cómicas con situaciones comprometidas y rupturas de la cuarta pared además de un hilo narrativo acompañado por la voz del propio Quim Gutiérrez. Tiene un humor muy actual que saca partido a ese frívolo mundo contemporáneo de las citas a través de la apps y a las relaciones modernas. Es una de esas películas donde parece que hay feromonas en el ambiente y todos van un poco más salidos de lo habitual pero nos reímos sobre todo con el patetismo y pagafantismo del protagonista.
Es buen acompañamiento el tema famoso de los Proclaimers para esta película que ha quedado muy feel good, como se dice ahora, muy buenrollista. Su guión solo peca de tener un final de enredos amolado a lo habitual, en el resto de la película se nota bastante fresco. Una comedia española en la que agradecemos el distanciamiento con lo chabacano y la búsqueda de nuevas formulas.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2020. Título original: Te quiero, imbécil. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Laura Mañá. Guion: Abraham Sastre, Iván José Bouso. Música: Lucas Suárez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Quim Gutiérrez, Natalia Tena, Alfonso Bassave, Alba Ribas, Patricia Vico, Ernesto Alterio, Laura Mañá, Nuria Valls, Francesc Albiol. Producción: Yo hombre la película AIE, Minoria Absoluta, Brutal Media, Lastor Media. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/te-quiero-imbecil.105
La traición y el sabotaje de Trios, la reina de Shu-Torun, han dejado a la flota rebelde a merced de la poderosa armada del Imperio.
Han Solo ha navegado por entre la cruenta batalla espacial para proporcionar una información de vital importancia a Luke Skywalker, lo que permite que los cazas rebeldes —con el recién formado Escuadrón Pícaro entre ellos— puedan despegar y, por fin, enfrentarse al Imperio.
Además, la princesa Leia dirige una misión secreta en la nave capitana de la flota imperial para intentar anular los códigos de Trios y devolverle la energía a los cruceros de la Alianza. No obstante, Darth Vader ha descubierto su presencia y ha salido a cazar rebeldes…
Reseña
Una espectacular contienda en el vacío que nos deja eso… vacíos
De un plumazo en el Star Wars 54 ha finalizado Planeta Cómic el arco argumental ‘La esperanza muere’. Y lo cierto es que si, la esperanza muere ya que tenía mejores perspectivas puestas en este segmento narrativo y pensaba que Kieron Gillen iba a dar más juego. Ojo, que la fidelidad de los personajes es alta, tanto visualmente como en sus comportamientos y palabras, pero estos últimos números han estado enfocados a narrarnos una batalla espacial que al margen de darnos buenos momentos gráficos no nos han aportado nada, ni de información ni de emoción. A si es que sirve solo para quedarse con las buenas recreaciones de naves de Salvador Larroca y su arte a la hora de recrear la acción.
Lo único interesante a nivel narrativo es ver como los protagonistas, Luke, Leia, Han… van cobrando peso en la Resistencia. Por lo que este número es una fracción muy pequeña en la progresión de sus conflictos. Aunque eso sí, tras dedicarles tantas páginas a esta batalla es de suponer que alguna magnitud ha de tener. En cifras se supone que es un palo para la Resistencia, un momento en el que el Imperio se confía en su posición de supremacía. En resumen, la resistencia recula y nuestros héroes avanzan en el escalafón de mando, pero no nos narran nada realmente cautivador, rompedor o que llevemos tiempo queriendo saber.
Gillen ha podido explorar algunos personajes clásicos de la saga y algunas facciones poco vistas en las películas clásicas que por otro lado si se mostraron más en los episodios I, II y III. Pero básicamente este ha sido un chicle más que estirado y se puede decir eso también de la colección, que empieza a verse que navega por partes demasiado consabidas. No me parece necesario sumar estas pequeñas piezas de manera tan trivial conociendo como conocemos el resultado, hay que ser más transgresor.
Como esta grapa es de mayor tamaño incluye las dos partes de ‘La esperanza muere’ que nos quedaban por leer, a si es que como he ido indicando es conclusiva. También contiene las dos portadas que le corresponderían a cada grapa por separado: la que nos ilustra a Leia ante el sable luz de Vader y la que nos pone a Vader imponiendo su mano sobre las naves de la Resistencia. Ambas están al final de este Star Wars 54 acompañadas de la cubierta del siguiente ejemplar que ya os adelantamos que no continuaremos reseñando. Esta ha sido la última reseña de la colección central de Star Wars que realizaremos. Hemos decidido acabar aquí con nuestro seguimiento de la colección, en el momento en el que además de estar perdiendo nuestro interés por ella el dibujante español Salvador Larroca pasó a otros encargos. Si lo que os atraía de esta colección era el sabor español enganchaos de nuevo en unos números pues estará Ángel Unzueta, si lo que queríais era calidad gráfica continuad coleccionando con el siguiente número pues Marvel Cómics no va a descuidar en ese sentido sus viñetas, coge el testigo Andrea Broccardo.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Marte García. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: enero 2020. Precio: 3,50€.
Un líder de una banda criminal en busca de la redención y una prostituta que lucha por recuperar su libertad se encuentran en el corazón de una persecución. Juntos, deciden jugar una última vez con su destino.
Crítica
‘El lago del ganso salvaje’ esla película de un director con un pulso paciente y fuerte
‘El lago del ganso salvaje’ es la cuarta película del director chino Yi’nan Diao. Pasó por San Sebastián y por Sitges, donde pudimos verla tras haber estado nominada a la Palma de Oro en Cannes. Es el primer título de este director que veo y dadas las buenas sensaciones que ha despertado en mi es muy probable que rebusque para poder ver su filmografía anterior.
Esta es una historia de esas que nos hablan de la búsqueda del perdón o de la redención, cine negro si queremos reducirlo a un género. Nos pone en situación a través de flashbacks y más adelante nos traslada a la tesitura actual de los personajes principales. Con el esquema narrativo que ejecuta nos engancha y nos presenta muy bien a sus personajes, haciendo que conozcamos su trasfondo e inquietudes ágil y rápidamente.
La narración sigue los pasos del líder de una banda y una prostituta que son perseguidos por otros maleantes y por la policía. Inmersos en reyertas y en un malentendido, obligados a ser aliados a pesar de la desconfianza que pueden tener el uno en el otro. ‘El lago del ganso salvaje’ tiene escenas trepidantes, violentas y de acción, pero sobre todo se toma su tiempo para establecer un drama y notoriamente su tensión. Se nota que Yi’nan Diao tiene un pulso paciente a la hora de contar sus historias y también fuerte pues su discurso tiene bastante energía, lo cual se corrobora con sus secuencias finales.
El diseño de producción, la estética de la película es otro gran acierto. Tiene un magnetismo innegable con sus lugares lluviosos, con sus ambientes todos sumergidos en noches sugerentes y peligrosas. Los colores fríos siempre gobernados por los cálidos en movimiento son el oleo que nos dibujan unos planos para recordar. Su puesta en escena no es aleatoria, tiene un mensaje, una coreografía, una idiosincrasia. Conforma un todo que nos habla no solo de un estilo de hacer cine totalmente generacional y rompedor para con una tradición, sino de una China actual. No es que hablemos de una obra maestra pero si de un magnífico trabajo de un cineasta que se hace oír a través de una gran obra audiovisual.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2020. Título original: Nan Fang Che Zhan De Ju Hui. Duración: 110 min. País: China, Francia. Dirección: Yi’nan Diao. Guion: Yi’nan Diao. Música: B6. Fotografía: Jingsong Dong. Reparto principal: He Gu, Lun-Mei Kwei, Fan Liao, Regina Win, Dia Qi. Producción: Arte France Cinema, Green Ray Films, He Li Chen Guang International Culture Media Co., Maisong Entertainment Invesment, Memento Films, Omnijoi Media Corporation, Tencent Pictures. Distribución: Segarra Films. Género: dama. Web oficial:https://segarradistribucion.com/el-lago-del-ganso-salvaje/
Los policías rebeldes Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) se han unido de nuevo para una última misión en la esperadísima ‘Bad Boys for Life’.
Crítica
Al estilo de Michael Bay pero a golpe de telenovela
Los personajes de George Gallo vuelven a la acción diecisiete años después de haber patrullado por nuestras carteleras por última vez. La tercera parte de ‘Bad Boys (dos policías rebeldes)’ ya es una realidad. Poco antes y poco después del año 2000 un cineasta en pleno apogeo llamado Michael Bay aliado con el productor Jerry Bruckheimer estrenó una película con una pareja que funcionó muy bien y nos dio momentos de acción y comedia por igual. WillSmith y MartinLawrence están otra vez de vuelta con sus dos policías y amigos y tanto Bay como Bruckheimer están también presentes, incluso literalmente ya que Michael Bay hace un pequeño cameo.
Nos quedamos sin saber que habría sido de esta película si la hubiese dirigido Joe Carnahan (‘El Equipo A’) pues abandonó el barco. Bilall Fallah y Adil El Arbi son los encargados de coger el testigo. Una pareja de modernos directores de Bélgica que han crecido viendo el cine de Bay y Bruckheimer. Herederos perfectos de esta cinematografía que han plasmado muy bien en esta secuela la esencia de la saga. Las cámaras lentas, los planos contrapicados, los travelings giratorios, las imágenes solarizadas… Estos son los policías rebeldes de cadenas de oro por fuera de la camiseta, mancuernas, camisetas de tirantes, perillas y discusiones a toda velocidad. Dos amigos que son antítesis el uno del otro pero que aún así se soportan y trabajan al unísono.
¿Qué hay de nuevo? Yo destacaría dos cosas por encima de todo, además una buena y otra bastante perjudicial para el título. La buena es un equipo de gente joven que apoya a dos protagonistas que aunque han estado tiempo en barbecho se les nota bastante manidos. Y no me refiero a que les apoyen logísticamente en sus misiones ficticias, si no a que les actualiza a nivel cómico y rítmico. La mala es toda una trama telenovelesca y narcotraficante que absorbe por completo la atención ya que es el eje central de este ‘Bad boys for life’. De ella es partícipe Kate del Castillo, experta en este tipo de argumentos no solo por sus trabajos en la televisión si no por toda la historia que hace unos años la relacionó a ella y al actor Sean Pean con Joaquín Guzmán Loera «El Chapo».
Si uno es capaz de aislarse de ciertos momentos vergonzosos de serial telenovelesco y disfrutar del humor de Lawrence o la acción de Smith si puede pasarlo bien con este ‘Bad Boys for life’. Se nota que Will Smith está tirando de sus franquicias y saca títulos nuevos, aquí incluso podemos establecer escenas paralelas con ‘Géminis’. Pero a quien mejor le viene esta película es a Lawrence que le relanzará en su carrera saliendo de nuevo a la palestra. Y por supuesto es un examen para sus directores, que tendrán que demostrar tras este título, que se vende solo con su cartel, si son algo más que unos imitadores del estilo de Bay y saben hacer películas más allá de lo discotequero con personajes creados con ídolos suyos como DJ Khaled. De momento han sabido recrear ese ambiente para amantes de los after hours llenos de matones en el que vivimos aventuras y muchas riñas dignas de un matrimonio condenado a no entenderse jamás.
Michael Bay no ha producido esta cinta, pero no pasa nada porque si os gustaba su toque en las dos películas anteriores en ‘Bad Boys for life’ lo tenéis de sobra. Y para la siguiente, si, ya se huele y nos siembran una cuarta, si que se barrunta su nombre.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2020. Título original: Bad boys for life. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Bilall Fallah, Adil El Arbi. Guion: Joe Carnahan, George Gallo, David Guggenheim, Anthony Tambakis, Chris Bremner. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig, Charles Melton, Paola Nunez, Kate Del Castillo, Nicky Jam, Joe Pantoliano. Producción: Columbia Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Platinum Dunes. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial:https://www.badboysforlife.movie/
Lis, una adolescente que sueña con convertirse en artista de circo y salir de su pueblo, aunque sabe que para conseguirlo tendrá que pelearlo duramente con sus padres. Es verano y se pasa el día jugando en la calle con sus amigas y tonteando con su novio, unos años mayor que ella. La falta de intimidad y el chismorreo constante de los vecinos obligan a Lis a llevar esa relación en secreto para que sus padres no se enteren. Una relación que cambiará su vida para siempre.
Crítica
Un pulso entre lo pueril y lo maduro
Que Carmen Arrufat es una clara candidata al Goya a Actriz Revelación ya no me lo va a discutir nadie después de ver ‘La inocencia’. La actriz que debuta en esta película ha representado un personaje que nos lleva por todo un abanico de emociones, pero además ha interpretado muy bien las intenciones de su directora llevándonos de un modo veráz por una historia que transcurre en tiempo de estío en época de adolescencia, cuando todos nos sentimos más relajados y también cuando somos más vulnerables a desinhibirnos. Nos hace recordar por ejemplo nuestros momentos de desfase veraniego o las veces que lo pasamos mal viendo como se maltrata a un animal con tradiciones absurdas como el toro embolado.
‘La inocencia’ nos cuenta la historia de una adolescente que pasa el verano en su pueblo con sus amigas, mientras el sol calienta de día y Paco Pil templa la noche. Una joven que aprende a reconocer que tiene su primer novio, que batalla contra las normas de su padre arisco y conservador, que sueña con vivir en Barcelona y algún día ser artista de circo. Está en una época de expectativas y en un momento en el que aparecen de verdad las primeras vergüenzas: avergonzar a sus mayores por su comportamiento, avergonzarse de que la vean con su chico, hacer que su vecino se avergüence de que descubran una cara que oculta…
Cuando uno quiere hacer su primera película a veces tiene muy claro qué es lo que quiere hacer, procura contar algo muy enriquecido para dejar una buena impresión y no dejarse nada en el tintero. Quiero pensar que ese es el caso de Lucía Alemany y que esta es además una película que se puede sentir como personal, con aportaciones de vivencias propias o vistas que hacen de este un filme más completo.
No puedo hablar con detalles de los asuntos a los que se tiene que enfrentar la protagonista porque os desvelaría cosas importantes de la película. Pero si puedo decir para vuestro interés que toca temas diversos, muchos, de gran actualidad, feminidad, sociedad y familiaridad. No aturulla con sus discursos, para nada, los expone muy bien, paulatinamente y a través de diferentes actores y actrices. Seguro que salís comentando más de una de las frases que se mencionan.
‘La inocencia’ cuenta con actores que podrían haber sido perfectamente paisanos del pueblo en el que se ambienta la película. Con ellos nos metemos en un lugar de motes, estigmas, cotilleos, recelos, costumbres… Para la gente que ha vivido en un pueblo o que veranea en uno es una muy buena película pues refleja esos pequeños detalles que construyen la vida rural. Están auténticos Laia Marull, Sergi López y Sonia Almarcha. Pero el mérito de esta película yo se lo concedo a la gente joven. Con el papel del novio interpretado por Joel Bosqued, por ejemplo, se salen de los estereotipos, aunque cumplan algunos de ellos para hacer que la protagonista sienta ciertos vínculos, me parece bien tratado su personaje.
La trama del filme es muy predecible. Pero esa predictibilidad es permisible cuando reflexionamos sobre la película y descubrimos que tiene un tratamiento actual y auténtico, no amoldado en exceso a otras influencias cinéfilas. Toda la película es un continuo contraste entre lo pueril y lo maduro. Y si no os dais cuenta de ello la escena final es perfecta para que lo hagáis. No se trata de reflejar una pérdida de la inocencia como podríamos pensar al ver el título o al leer la sinopsis. Se trata observar como alguien lidia con su inocencia mientras afronta nuevos retos, es decir el toma y daca de la vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2020. Título original: La inocencia. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Lucía Alemany. Guion: Laia Soler, Lucía Alemany. Música: Òscar Senén. Fotografía: Joan Bordera. Reparto principal: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Estelle Orient, Laura Fernández, Lidia Moreno, Sonia Almarcha, Bogdan Florin Guilescu, Josh Climent. Producción: Turanga Films, Un Capricho de Producciones, Lagarto Films, Institut Valencià de Cultura, Movistar+, TVE, TV3. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/la-inocencia.122
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) tienen que llevar a cabo lo que parece una misión imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
Crítica
Seguro que ‘1917’ estará en nuestro top ten de 2020
No se puede comenzar de mejor manera 2020 que viendo ‘1917’. La nueva obra de SamMendes (‘Spectre’, ‘Skyfall’) es una magnífica película que consigue ser épica a pesar de hablarnos de una gran retirada. Como pudo serlo en su día ‘Dunkerque’ ya que de un episodio no victorioso, si no derrotista se extrae una historia emocionante, emotiva y trepidante. La gran diferencia con la película de Nolan es que el lenguaje aquí no es solo la gran música de Zimmer si no el falso plano secuencia que magistralmente han orquestado.
‘1917’ es un gran trabajo logístico. Está organizada para ser vista como si fuese una gran obra teatral sin interrupciones. Su historia transcurre en completa continuidad, sin apenas paradas y por lo tanto sin apenas respiros. Solo se perciben unas cuantas tomas en las que algunos movimientos de cámara dejan evidente una transición o el trucaje digital para poder partir de nuevo desde cero. No van a ser pocas las veces en las que vais a preguntaros cómo han rodado lo que acabáis de ver. La cámara rarísima vez pierde de vista a uno de los dos actores protagonistas interpretados por Dean-Charles Chapman (‘Juego de Tronos’) y George MacKay (‘Captain fantastic’). Ellos dos nos llevan sin pausa e incansablemente por uno y otro escenario, descubriendo con cada giro de cámara nuevos personajes, nuevas localizaciones, nuevas y palpitantes situaciones.
La película empieza con calma, a mi me gusta decir con la pachorra de dos ociosos soldados. Pasa, como si se tratase de un videojuego, a la transmisión de una misión de vital importancia e inmediatamente a meterse manos a la obra, pasando de un checkpoint a otro. Así transcurre la película por el 6 de abril de 1917, fecha de la Primera Guerra Mundial en la que dos soldados británicos intentan evitar una catástrofe.
Como decía Dean-Charles Chapman y George MacKay son las principales caras de ‘1917’. Funcionan muy bien wn pantalla como compañeros y aguantan en tándem el racord emocional estupendamente. Esto es de vital importancia en una película que pretende tener una continuidad ininterrumpida y mantenida solo por algunos puntos de control que están sostenidos a través del contacto con rostros conocidos, como los de Mark Strong, AndrewScott, Richard Madden, Colin Firth o Benedict Cumberbatch así como por algún fundido a negro. Las interpretaciones tan intrépidas y osadas de los protagonistas junto con el montaje y movimientos de cámara son lo mejor de este filme que podríamos decir a principios de enero que ya va a estar en nuestro top ten de 2020.
En alguno aspectos nos remonta a películas bélicas recientes, sobre todo a ‘Dunkerque’. Por lo que decía al principio, por no tratar acerca de una batalla conocida y por no manejar una victoria. También porque algún tema musical nos sugiere el sonido del tic tac del reloj, porque aquí el tiempo también es de vital importancia ya que los dos soldados protagonistas tienen una misión a contrarreloj para evitar que sus miles de compañeros caigan en una trampa alemana. Acierta Thomas Newman (‘Tolkien’) con su abanico de sonidos intrigándonos, poniéndonos los pelos de punta o el corazón en un puño. También podemos decir que tiene en común con la película de Nolan que no vemos en ningún momento al bando rival.
En conjunto Sam Mendes ha hecho una gran obra de arte audiovisual inspirándose además en las historias que pudo recoger de su abuelo (Alfred H. Mendes), una bonita manera de hacerle honores. Se ha unido a esa nueva «moda» de hacer planos secuencia y ha retornado al género bélico como hizo ya en ‘Jarhead’ rodeándose de explosiones y disparos, con un diseño de producción apabullante. No es nada fácil, al contrario, es muy compleja la tarea que ha llevado a cabo, son dos horas de compenetración actoral, de efectos especiales, de post-producción y de todo el montaje, banda sonora y demás. Es decir, todo un equipo bien escogido que hacen que podamos decir que esto sea CINE con mayúsculas.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2020. Título original: 1917. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Mendes. Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns. Música: Thomas Newman. Fotografía: Roger Deakins. Reparto principal: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Colin Firth, Benedict Cumberbatch. Producción: Amblin Partners, Neal Street Productions, DreamWorks SKG, New Republic Pictures. Distribución: eOne Films. Género: bélico. Web oficial:http://www.1917.movie
«Hay una bomba en Centennial Park. Tienen treinta minutos”. Richard Jewell es el guardia de seguridad que informa de haber encontrado el dispositivo del atentado terrorista que tuvo lugar en los Juegos de Atlanta de 1996; su informe lo convierte en un héroe ya que su reacción rápida permite salvar muchísimas vidas. Pero en cuestión de días, el aspirante a policía se convierte en el sospechoso número uno del FBI. Vilipendiado por la prensa y la gente por igual, su vida queda destrozada. Jewell contacta con el abogado independiente y anti-establishment Watson Bryant y le confiesa que es absolutamente inocente. Pero Bryant descubre lo difícil que es luchar contra el poder del FBI, del GBI (Georgia Bureau of Investigation) y del APD (Atlanta Police Department) para limpiar el nombre de su cliente. Además, debe evitar que Richard confíe en las personas que intentan destruirlo.
Crítica
Richard Jewell nos hace reencontrarnos con el mejor Eastwood
Empieza la película con una secuencia que nos explica básicamente la trayectoria profesional de Richard Jewell y nos le ubica en las Olimpiadas de Atlanta 96. Todos empiezan a bailar ‘La Macarena’ y literalmente he dicho «pero Clint, qué es esto Clint». No ha pasado nada, es normal, fue la canción de aquel año y la bailó hasta Clinton, la película ha continuado bien. Al final he agradecido que haya sido finalmente Clint Eastwood quien tras idas y venidas de proyectos y quien tras bailes de unos directores u otros se haya hecho cargo de ‘Richard Jewell’. El filme es una muy buena conjunción de talentosos actores, de gran ritmo, de acierto en el enfoque y de argumento diferente.
Durante los Juegos Olímpicos de Atlanta 96 hubo un atentado cuyo daño se minimizó al detectar la bolsa en la que había un artefacto explosivo. El ahora ya fallecido señor Jewell fue el que detectó la mochila. Sería más o menos resuelto o diligente en los momentos previos al atentado pero esa heroicidad está probada. De lo que trata la película y por lo que merece la pena rescatar este hecho es por hablar de la capacidad que tienen las autoridades o los medios de comunicación de destrozar una vida o de trastocar la verdad para sacar beneficio o poder rendir cuentas ante sus superiores. Podemos hablar de Richard Jewell pero ¿cuántos casos habrá de acusados injustamente a los que se les ha trastocado toda su existencia, se les ha exculpado y sin embargo los medios no han usado la misma fuerza para restaurar el daño ocasionado? Pasó de héroe nacional a lo que se denominó «person of interest», sospechoso de terrorismo. La prensa amarilla que por desgracia tanto pulula por ahí hoy en día o que tanto se ejercita en las redes sociales en los noventa pulverizó a esta persona.
Esta historia basada en hechos reales que se ha hilado basándose en una novela y en un artículo de una revista escrito por Marie Brenner os va a llegar muy a fondo. Tiene un par de discursos sobre la privacidad o la verdad que están muy en boga, que se tendrían que haber revisado años atrás. Diversas escenas, como la que protagoniza Kathy Bates en rueda de prensa o en la que Paul Walter Hauser habla sobre las implicaciones de declararle culpable por detectar una mochila peligrosa, os van a poner los pelos de punta. Personas que en España hayan vivido atentados como el 11M por ejemplo van a poner aún más en valor lo que pueden implicar casos como este.
Es muy grande, enorme, el parecido físico entre el Jewell original y el actor y monologuista Paul Walter Hauser (‘Yo, Tonya’). Tal es así que nos mezclan secuencias de archivo con entrevistas y de escenas rodadas por Clint Eastwood y no nos damos cuenta. Es una muy buena tarea de montaje y rodaje que se nota sobre todo cuando saltamos de imágenes en alta calidad a las antiguas o a las que se les ha puesto un filtro con el color y las características rayas de las televisiones de tubo. Todo esto le da una gran veracidad al filme, a lo que se suma el hecho de que se ha grabado el atentado en el mismo lugar en el que sucedió.
Paul Walter Hauser ejemplifica a un hombre honesto, trabajador, enmadrado y obsesionado con el orden y la ley. Supongo que han extraído algo de su personalidad de las entrevistas que concedió cuando adquirió fama y con eso han esbozado un personaje que se acercará más o menos a la realidad. Lo cierto es que me viene a importar más bien poco esa exactitud, lo que valoro más es como se adecua su actuación al discurso de la película que va en contra del abuso del sistema y del acoso de la prensa. Le apoya muy bien en ese sentido Sam Rockwell que como siempre está espléndido.
Clint Eastwood acude a uno de sus temas recurrentes, las personas más vulnerables son hostigadas por los poderosos. Por el camino hace uso de herramientas que sabe emplear muy bien como la rabia o el humor irónico. Jonah Hill y Leonardo DiCaprio entre otros avalan como productores esta película aunque en su momento barajaron interpretar algún papel en ella. Prefiero verla tal y como nos la han presentado pues me gusta la sintonía que ha conseguido Eastwood en pantalla, la cual se acerca sin superar a la de sus grandes títulos como director.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2020. Título original: Richard Jewell. Duración: 131 min País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: Marie Brenner, Billy Ray. Música: Arturo Sandoval. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Olivia Wilde, Kathy Bates, Jon Hamm. Producción: 75 year plan productions, Appian way, Misher Films, The Malpaso Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial:http://www.richardjewellmovie.net/
En ‘Jumanji: Siguiente nivel’, vuelve la pandilla, pero el juego ha cambiado. Cuando regresan a Jumanji para rescatar a uno de los suyos, descubren que nada es lo que esperaban. Los jugadores deberán enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde áridos desiertos hasta montañas nevadas, para escapar del juego más peligroso del mundo.
Crítica
Un juego de roles adaptado y divertido
Con el remake/continuación que se lanzó en 2017 (crítica aquí) Sony Pictures encontró la fórmula para reinventar o más bien habría que decir, adaptar a nuestros tiempos, una película tan entrañable y mítica como es ‘Jumanji’. Superado ese reto, que no quiero decir con eso que superada la original, nos llega ‘Jumanji: siguiente nivel’ para ampliar horizontes. Continúa así la comedia y el espectáculo que tanto se amolda a los gustos actuales, consiguiendo embelesar mínimamente a grandes que pueden sentir nostalgia por la película que contaba con Robin Williams y a pequeños que están descubriendo un nuevo mundo.
Sera por tan buen resultado que Sony ha contado con el mismo elenco de responsables: el director Jake Kasdan (‘New Girl’) y como guionistas el mismo Kasdan con Scott Rosenberg y Jeff Pinkner. Incluso en la fotografía y en la música encontramos a los dos mismos artífices, Gyula Pados y Henry Jackman. Para que cambiar si todo ha ido como la seda en el primer intento.
También regresan los mismos protagonistas y como decía antes, haciendo las delicias de los nostálgicos sumando a actores como Danny DeVito o Danny Glover. Por lo tanto contamos en el reparto con Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, AlexWolff, Nick Jonas, Madison Iseman, Ser’Darius Blain, Morgan Turner, Rhys Darby, ColinHanks… A ellos se le suman nombres conocidos como Awkwafina, John Ross Bowie o RoryMcCann, el cual tiene su propio guiño a ‘Juego de Tronos’.
Se podría decir que esta es la cuarta entrega de la saga junto con el ‘Jumanji’ original, la de 2017 y la olvidable ‘Zathura’. El espíritu de la película de Joe Johnston y la novela de Chris Van Allsburg ya está muy diluido y salvo por algún que otro gesto o cameo no se percibe. El humor es más desenfadado, algo más atrevido que en las películas que han hecho antes. La acción solo es ligeramente más espectacular y se van casi a lo postapocalíptico. Sí que es verdad que este Jumanji sigue siendo algo tramposete y también se dedica a darles a sus protagonistas una buena lección de karma y reconciliación pero el canal es marcadamente diferente. Se llama ‘Siguiente nivel’ pero no por el hecho de que el reto sea más difícil para los protagonistas sino porque nos lleva a lugares nuevos que no están ubicados en la clásica jungla de Jumanji.
El elenco actoral parece que se lo ha pasado pipa y no solo por participar en una película tan cómica y aventurera, si no por ejercer este juego de roles. A veces parece que hacen falta estas propuestas para recordarles que su trabajo es interpretar personajes, no que sus personajes deben ser como la imagen que intentan vender de sí mismos. Si en la anterior parte nos partimos de risa con Jack Black haciendo de chica encerrada en su rechoncho cuerpo en esta no ha sido para menos con su nuevo papel. Pero debería decir que con quién más me he reído en esta ocasión es con Awkwafina en los momentos en los que hace de viejo cascarrabias o con Kevin Hart metido en el papel de carroza parlanchín. También te tronchas con Danny DeVito dando vueltas por su casa.
La copla de ‘Jumanji: siguiente nivel’ es la misma. Perplejidad de los protagonistas cuando se les incluye en el juego, cachondeo con el personaje que les ha tocado a unos y a otros y al igual que en los juegos de rol cabreo o sorpresa cuando unos u otros tienen que hacer uso de sus habilidades con más o menos eficiencia. Sí que es una novedad la inclusión de los familiares o los nuevos territorios pero no va mucho más allá, ni falta que le hace para ser un entretenimiento familiar, como lo era la original, solo que las familias de hoy en día demandan este otro tipo de esparcimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2019. Título original: Jumanji: next level. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Jake Kasdan. Guion: Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner. Música: Henry Jackman. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Awkwafina, Danny DeVito, Colin Hanks, Alex Wolff, Nick Jonas, Danny Glover, Madison Iseman, Ashley Scott, Dania Ramirez, Rhys Darby, Rory McCann, Morgan Turner, Ser’Darius William Blain, John Ross Bowie. Producción: Sony Pictures, Radar Pictures, Seven Bucks Productions, Matt Tolmach Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, comedia. Web oficial:https://www.jumanjimovie.com/
Sarah es una astronauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella, su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Su amor es abrumador, inquietante. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Próxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.
Crítica
No está basada en hechos reales pero se diría que trata sobre una realidad muy próxima
Una astronauta francesa (Eva Green) se prepara para realizar un viaje de un año por el espacio. Se enfrenta a duras pruebas físicas y psicológicas y a la vez ha de lidiar con el futuro que le espera, dejar a su hija Stella atrás en la Tierra. Mientras intenta compaginar su complejo trabajo con los sentimientos de su hija es tratada con deferencia por alguno de sus compañeros, lo cual no pone las cosas nada fáciles.
Cabe destacar que ‘Próxima’ es más que un acercamiento al mundo de los astronautas. AliceWinocour, con la colaboración del guionista Jean-Stéphane Bron, realizan una visión muy detallada de todos los pormenores, ambientes y dilemas en los que se ve inmersa cualquier persona que quiera llegar a subirse a un cohete y salir de nuestra atmósfera. Y voy más allá de la puesta en escena o los lugares donde se ha rodado, pues han estado filmando en el centro de entrenamiento de la ESA. Me refiero a que Winocour consigue retratar de manera muy íntima y profunda la mente de un futuro tripulante de nave espacial.
Sobre todo el discurso de esta tercera película de Winocour transcurre por las vías de lo maternal y lo femenino. Es obvio que la película tiene un fuerte alegato feminista debido no solo a su protagonista, sino a los que la rodean. Esto es debido a que se plasman multitud de micro-machismos y de comportamientos o protocolos desconsiderados para con la mujer. Sutiles miradas a sus pechos, caballerosidad condescendiente, situaciones incomodas por frases desatinadas en público… Toda exposición que la directora ofrece a través del personaje de la aspirante a astronauta se centra en mostrar los impedimentos (tanto voluntarios como involuntarios) que tiene su principal personaje para alcanzar su sueño.
Relación madre e hija con mucha comprensión de por medio. Así es como se percibe la historia entre la científica francesa y su niña de siete años. Ambas se ven forzadas a ponerse en el lugar de la otra pero los sentimientos florecen en momentos puntuales, como es razonable. Winocour ha entrenado muy bien tanto a sus actores como a sus personajes para asimilar la magnitud de la historia que tenían por delante. La escena en la que Zélie Boulant (Stella) habla a su próxima cuidadora o responsable mientras que Eva Green mira contenida y preocupada me parece que dice casi todo de la película.
Por estos dos alegatos puedo afirmar que esta película ya ha transcurrido en la realidad, sin necesidad de colocar a Marte en el punto de mira. Es la historia real de muchas mujeres, no solo astronautas, que en sus trabajos o entornos sociales sienten faltas de respeto y son subestimadas. Uno llega a estas conclusiones sin que la película sea exacerbadamente agresiva o se plante a soltar diatribas. La mesura que ha demostrado Alice Winocour marca un punto a seguir a la hora de defender su causa.
Eva Green está de diez. Eclipsa a compañeros tan talentosos como Matt Dillon y acalla a aquellos que la creían capaz solo de hacer papeles de femme fatale. Te crees su rol materno y te crees su labor como astronauta. Es curioso el juego de palabras pero para unas personas a las que les va a sobrar el espacio en su alrededor no hay espacio para las dudas o la indecisión. Esa ironía está muy presente en un personaje que claramente está en una continua encrucijada.
A la película solo le sobran algunos tópicos enmarcados en localismos o en meros detalles como el nombre de la niña Stella o su gata Laika. Pero no le restaría ninguna de sus escenas en las que queda patente que algunos asumen ciertas cosas como quien asimila el efecto de la gravedad como inevitable. No es una película pionera en aquello que quiere fundamentar, pero si la considero única en emplear un modo destacadamente diferente y acertado.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre. Título original: Proxima. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Alice Winocour. Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour. Música: Ryuichi Sakamoto. Fotografía: Georges Lechaptois. Reparto principal: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse. Producción: Dharamsala, Pandora Films. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial:https://www.pandorafilm.com/filmography/proxima.html
Trios, la reina de Shu-Torun, cuya ayuda ha sido fundamental para que la Alianza Rebelde organice una poderosa flota, ha traicionado a sus aliados, para lo que ha saboteados sistemas importantísimos de los cruceros mon calamaris y ha vendido a los rebeldes al Imperio Galáctico.
Aunque Trios ha conseguido evitar que la princesa Leia la capture, los rebeldes han descubierto que las aperturas de seguridad automáticas de las puertas de los muelles aún funcionan si se acerca a ellas una nave que emita una señal rebelde.
Como las comunicaciones de la flota no funcionan, la Rebelión deposita su esperanza de supervivencia en la habilidad de Han Solo para volar por entre la batalla y llevar dicha información a Luke Skywalker y a los demás pilotos. No obstante, Han va a tener que librarse primero de Darth Vader…
Reseña
Los detalles de todos importan
El ritmo y el atractivo de esta parte de la colección ha ido disminuyendo y aumentando irregularmente. Ha habido números interesantes y números que sabían a plato repetido. Con el Star Wars 53 retomamos la persecución de la anterior grapa y llegamos a la entrega IV de ‘La esperanza muere’.
Los rebeldes intentan sobreponerse a la traición de Trios, aquella que les había ayudado como doble agente para conseguir la flota Calamari y hacer frente al Imperio como es debido. El Imperio destroza los primeros estandartes de la flota de la resistencia que continuaba hasta este cómic bloqueada sin poder lanzar sus cazas al espacio que tan bien ha coloreado Guru-eFX.
El guión que Kieron Gillen ha escrito para esta grapa hace inciso en las pequeñas aportaciones de cada miembro del ejército de Leia para conseguir mantener un rayo de luz en la contienda y por cada gesto que da un paso más hacia la victoria en la batalla. Este es un enfrentamiento cargado de acción y de detalles como la pillería o temeridad de Han Solo, la entrega sacrificada de Leia o la valerosa bondad de Luke.
Este número huele a hojas nuevas, a las tintas que emplea DeAPlaneta en sus publicaciones. Pero debería oler al metal quemado y arañado y al fuego que dibuja tan bien Salvador Larroca. En este caso, aparte de como siempre a las naves, las expresiones faciales o las explosiones, podemos prestar atención a los paneles de control de las cabinas pues tienen todo lujo de detalles. También al humo, los quemotazos o las chispas que sufren las naves durante el combate. Es épico el momento en el que el caza de Vader emerge de entre las llamas en pleno vuelo espacial, además de ser el motivo de la siguiente portada.
David Marquez y Marte García han ironizado con Han Solo en la portada representándole como un piloto rebelde, como un líder de escuadrón, algo que él rechaza constantemente por su carácter independiente y despegado. Rara vez le veréis vestido así.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Marte García. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: diciembre 2019. Precio: 2,50€.
El estafador profesional Roy Courtnay (Ian McKellen) tiene en su punto de mira a Betty McLeish (Helen Mirren), una adinerada mujer que acaba de quedarse viuda. Y su objetivo es quedarse con todo. Pero a medida que van conociéndose, lo que tenía que ser otra sencilla estafa en su carrera delictiva, se convierte en un juego peligroso.
Crítica
Dos veteranos actores muy en forma
Dos grandes de la interpretación como Ian McKellen y Helen Mirren protagonizan casi en solitario ‘La gran mentira’. Les acompañan actores muy conocidos sobre todo por sus series como Russell Tovey (‘Years and years’), Jim Carter (‘Dowton Abbey’), Mark Lewis Jones (‘Chernobyl’), Lucian Msamati (‘La materia oscura’) pero son los dos actores más veteranos de la cinta los que llevan con mucha gracia y elegancia este simpaticón thriller.
‘La gran mentira’ es un juego del gato y el ratón con un tono muy distendido en el que sus personajes y actores demuestran mucha clase, tanto que acaban metidos en la célebre sombrerería Lock & Co. La trama gira en torno lo poco fortuito y lo muy meditado, a una estafa llevada a cabo por un solterón timador chapado a la antigua y una supuesta desprotegida viuda que quiere hacer borrón y cuenta nueva. ‘La gran mentira’ nos tiene continuamente en vilo y con las sospechas detrás de la oreja mientras nos brida escenas muy amenas, con bastante estilo nos mantiene entretenidos.
Son curiosas las referencias cinematográficas que Bill Condon ha introducido en el filme. Probablemente de un modo satírico vemos a McKellen y a Mirren saliendo del cine tras ver ‘Malditos bastardos’. Sobre todo es curioso pensar en ello cuando llegamos al final de la película. Una conclusión que me ha parecido viable pero que dadas las pistas que hemos ido recogiendo está un poco sacada de la manga, es mucho más compleja y enrevesada de lo que podríamos imaginar, no da lugar a tener la sensación de encaje de piezas o que hayamos podido familiarizarnos con sus detalles. Esta es una película de mentirosos y desesperados donde el espectador quizá habría agradecido algún que otro indicio más de cómo iba a resolverse, por hacer pensar y por preparar mejor su sorpresa. Ir más allá de algo tan sutil como ver a McKellen leyendo Der Spiegel habría sido más eficiente. Pero en líneas generales la trama atrapa por su sinvergonzonería.
La novela de Nicholas Searle ha sido adaptada por el director de películas como ‘Chicago’, ‘La bella y la bestia’ o ‘Crepúsculo: Amanecer’. Un cineasta capaz de lo mejor y lo peor que ha dirigido varias veces a McKellen, esta es la cuarta en concreto. En esa elección, en la de sus actores en general, está el mayor acierto de la película. En ‘La gran mentira’ nos demuestran todos un gran estado de forma. Es una de esas películas donde los actores actúan mientras sus personajes también interpretan un papel.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: The good liar. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Bill Condon. Guion: Jeffrey Hatcher. Música: Carter Burwell. Fotografía: Tobias A. Schilessler. Reparto principal: Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Jim Carter, Mark Lewis Jones, Phil Dunster, Lucian Msamati. Producción: New Line Cinema, BRON Studios, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial:https://www.warnerbros.es/la-gran-mentira
En esta aclamada película de Martin Scorsese, el sicario Frank Sheeran rememora los secretos que guardó por lealtad a la familia mafiosa de los Bufalino.
Crítica
Sobredosis de Scorsese a visionar acompañado de café irlandés
Los primeros comentarios eran ciertos, la expectativa por el reparto se ha cumplido, el talento de Scorsese sigue intacto, efectivamente ‘El irlandés’ es una gran película. A estas alturas después de vítores y adulaciones sobra decirlo, ahora solo falta que algún premio grande respalde esta producción de Netflix que hasta se plantea en forma de serie para su visionado en la plataforma tras su paso por salas de cine.
Engancharse a esta película es quedarse sumergido en los trasuntos de toda una vida. Una vida de los protagonistas y del propio cineasta que la ha creado, Martin Scorsese. Como un estudiante loco por mostrar todo lo aprendido el director neoyorkino aplica todo lo asimilado durante una excelsa carrera. ‘El irlandés’ goza de todas las virtudes de un excelente narrador de historias, de esos que hacen que una película parezca el recuerdo de nuestras propias vivencias, más real que la misma historia real en la que se basa. Esto tampoco sería posible sin la mano en la escritura de Steven Zaillan (‘American Gangster’, ‘Gangs of New York’), que hace que en tres horas y media no necesitemos un clímax concreto y que no se perciba en ningún momento que nos cuentan lances sobrantes. Eso sí, para los no acostumbrados a un cine sosegado y construido quizá es recomendable cambiar las palomitas por un café bien cargado.
En ‘El irlandés’ vemos una vez más esa especie de obsesión del director y el guionista por las historias cotidianas de los bajos fondos y la mafia. Muy unido a la realidad está el relato que se atreve a arrojar luz sobre la desaparición de un nombre muy incrustado en la cultura popular norteamericana como es el de Jimmy Hoffa. Hemos oído citarle, casi siempre con humor negro, en ‘Los Simpsons’, ‘Los Soprano’, ‘Breaking Bad’, ‘Fringe’, ‘Frasier’, ‘Ghost’… Y ahora Scorsese arriesga sabiendo el magnetismo y el morbo que despierta esa figura.
Aunque realmente ha hecho algo cómodo para él. Ha contado con un elenco que cuenta con muchos de sus amigos o habituales (Robert de Niro, Joe Pesci) y se ha rodeado de un diseño de producción muy propio de su filmografía. Pero por otro lado me encanta ver como un director con tanta solera es capaz de adaptarse a los nuevos tiempos en lo que a técnica se refiere. Y es que además del modo en cómo está rodado el filme vemos caras rejuvenecidas digitalmente. La película se abre y cierra con el título ‘I heard you paint houses’ haciendo referencia a la novela de Charles Brandt de la que se extrae. Y efectivamente el principal protagonista de la cinta, Frank Sheeran (Robert de Niro) parece que además de contarnos la historia a nosotros se la narra al escritor para que transcriba sus palabras. En ese recorrido vemos varias etapas de la vida del sicario de la mafia y es por eso que se ha rejuvenecido digitalmente a varios de los principales actores. El trabajo de CGI es apabullante, deja como un trabajo con Paint a muchos de los deepfakes que pululan por Internet. El problema es que, sobre todo en casos como el de De Niro, los movimientos del cuerpo son excesivamente de hombre de avanzada edad, no concuerdan con el rostro joven que vemos. Sin embargo Pesci lo ha hecho mejor en casi toda la película, si se me permite decirlo, ostenta para mí la mejor interpretación. Podría parecer que a quien más se le debería exigir es a Al Pacino, que es quien interpreta al famoso Hoffa, pero este se sale muy poco de su estilo habitual, aunque con ello brille.
‘Joker’ referenciaba mucho al cine de Scorsese y lo imitaba hasta el punto de conseguirle nuevos fans al director. Pero ‘El irlandés’ llega justo después para demostrar que no hay nada como el propio Scorsese para hacer uso de lo que hasta se puede considerar una auténtica imagen de marca.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019 (cines) 27 de noviembre de 2019 (Netflix). Título original: The irishman. Duración: 210 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Scorsese. Guion: Steven Zaillan. Música: Robbie Robertson. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Ray Romano, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Stephen Graham, Stephanie Kurtzuba, Jack Huston, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Paul Herman, Gary Basaraba, Marin Ireland. Producción: Netflix, Sikelia Productions, Tribeca Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial:www.netflix.com/theirishman
Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión justo después de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar. Entre la familia disfuncional de Harlan y su devoto personal, Blanc se mueve entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la prematura muerte de Harlan.
Crítica
‘Puñales por la espalda’ es una magnífica modernización de un género muy clásico
Podría decir que esta es la primera película en la que aparece Ana de Armas que quedo completamente contento y además satisfecho con la actuación de la protagonista. ‘Puñales por la espalda’ tiene un reparto enorme pero la atención recae claramente en la actriz cubana. La película escrita y dirigida Rian Johnson abre con la actriz para dejarla después un poco en suspense y seguidamente emplearla permanentemente como el centro de atención. Esta es una película muy coral donde vamos dados de la mano a De Armas y un excelente Daniel Craig.
Es un filme en el que hay que desentrañar una muerte, el enigma a resolver son sus causas y sus ejecutores, si es que los hay. Para ello se tira de manual y se ponen sobre el tablero unas fichas que parecen sacadas del cluedo o de cualquier otra historia clásica de Agatha Christie, Sherlock Holmes o Jessica Fletcher. Un detective perspicaz y peculiar reúne a un variopinto clan para esclarecer lo que ha sucedido en la casa del cabeza de familia. Una casa con mucho atractivo visual, llena de detalles y de los recuerdos de un escritor de novelas de secretos y asesinatos. Puede parecer algo muy trillado pero ‘Puñales por la espalda’ está muy lejos de resultar manida. Es una película muy fresca que hace constantemente referencia y homenaje al cine policíaco y de misterio. Se ríe abiertamente del tipo de películas a las que pertenece pero desde un respeto auténtico.
El tono del filme es cómico pero mantiene paralelamente un tenso drama y por supuesto una intriga que va despejándose o complicándose según van apareciendo más y más giros de guión. El libreto tiene la maestría de hacernos sentir ante un relato con elementos muy previsibles y en esa predisposición en la que nos coloca nos pilla desprevenidos. Rian Johnson consigue sorprender, encaja muy bien las piezas, mucho mejor que en complejas producciones como ‘Looper’ o ‘Los últimos jedi’.
‘Puñales por la espalda’ es una grata modernización de un género muy clásico. Es capaz de saltar con un ritmo actual de un personaje o de un momento a otro. Cuando pensamos que hemos cerrado la historia de alguno de sus protagonistas nos aborda con novedades y no se deja ningún detalle por cerrar o explicar. Esa es la razón por la que, aunque tengamos gran parte de la verdad ante nosotros, necesitamos seguir viéndola, para saber cómo acaba todo el intríngulis que se ha generado y para descubrir al cien por cien cómo ha llegado cada trama del punto de partida al instante final. Y con un reparto tan simpaticón, carismático y entregado a esta comedia tan elaborada no es de extrañar que la película enganche: Ana De Armas, Daniel Craig, ChrisEvans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell… Todos son capaces de ejercer las extravagancias de la familia Thrombey, de aportar su granito de misterio y de contribuir poco a poco y con gracia a la gran revelación final.
Al margen de involucrarnos con nuestras sospechas y teorías en la película, Rian Johnson es capaz de introducir en este filme un mensaje social. Una lección de karma, prejuicios y sesgos que mantiene hasta el final con un plano muy clarificador en el que Ana de Armas está por todo lo alto. Me gusta como ha tirado de sarcasmo en ‘Puñales por la espalda’ y en cómo juega con el espectador. Siempre tendría que haber propuestas así de alocadas y tan bien planificadas en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Knives Out. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell, Katherine Langford, Rikki Lindhome, Lakeith Stanfield, Frank Oz, Noah Segan, M. Emmet Walsh. Producción: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribución: eOne Films. Género: misterio, crimen. Web oficial:https://knivesout.movie/
Sevilla. La muerte accidental de una niña en la barriada de Las Tres Mil Viviendas cae en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de Juan, padre de la niña fallecida y cabeza de familia del clan de Los Santos. El choque entre Eli y Juan por esclarecer la muerte de la pequeña, destapará ante ambos toda una red de secretos y mentiras que transitan a lo largo de la delgada y difusa línea que es la justicia.
Crítica
He sentido la pena y la ira de sus personajes
A todos los que tenéis prejuicios contra actores jóvenes españoles, yo os digo Adiós. A todos los que a estas alturas no conocéis el nombre de Paco Cabezas, yo os digo Adiós. Así de contundentemente os recomiendo este último estreno producido por Apache Films. No calificaría la nueva película del director sevillano como el filme del año pero si me parece una buena demostración de cómo puede hacerse cine en nuestra España más arraigada sin caer en los viejos tópicos y reforzando el valor de actores tan potentes como Mario Casas y Natalia de Molina.
Esta es una historia de cólera y dolor, de padres hijos y matriarcas, donde la ley callejera y gitana mantiene un pulso con los designios de la policía. Las Tres Mill Viviendas se presentan como un marco ideal en el que sus residentes arrojan lo poco que tienen, los escombros de su existencia a aquellos que no son bienvenidos. En ese escenario los protagonistas pierden la estrella polar que orientaba su vida y esta se llena de un ansia ciega de venganza, justicia y consuelo.
En esta historia de redención, custodia paternal y daño colateral nos rodea una vileza muy bien plasmada por Paco Cabezas y su excelente manera de rodar. Quizá a mi me sobren sus momentos musicales o las demasiadas escenas íntimas que se emplean para procurar sostener el drama a través de las apariciones de Natalia de Molina, pero es indudable que no hay escena en la que la cámara esté mal puesta o la secuencia no tenga el ritmo apropiado.
Sí que hay que admitir que el guión se amolda a muchas y muy estereotipadas historias de venganza, en las que el malo puede ser cualquiera, pero ‘Adiós’ no va de descubrir al malhechor teniendo una sorpresa final, va de acompañar a dos padres en su camino de despedida, o al menos así lo entiendo yo. Es un duelo cubierto de vendetta y supervivencia. Yo he sentido la pena y la ira de todos y cada uno de sus personajes.
He mencionado a Casas y Molina pero Ruth Diaz también vuelve a perfilarse como otra de las puestas seguras de nuestro cine. Papel que coge papel que hace que gane presencia en pantalla y en la trama. Obviamente los protagonistas son los padres que buscan justicia y sus actores lo hacen notar con interpretaciones en las que su acento andaluz no está exagerado ni estereotipado, como había oído decir a algunos que habían visto antes la película, no es esa mi opinión y lo ponía en duda siendo el director y algunos actores naturales de Andalucía.
Los tres actos del filme nos llevan por unas barriadas de luces y sombras en las que la luz que pasa a través de sus preciosas cristaleras deja pasar solo pequeños rayos de esperanza a sus habitantes. El viaje dura lo que una calcomanía y la vileza o la bajeza se adhiere de igual manera a la piel. A la salida de la película querríais daros un buen baño de agua y luz pero la última escena os va a ahorrar esa sensación porque se despide de un modo renovador y emotivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Adiós. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Paco Cabezas. Guion: José Rodríguez, Carmen Jiménez, Paco Cabezas. Música: Zelita Montes. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem, Mona Martínez, Vicente Romero. Producción: Apache Films, Adiós La Película AIE, La Claqueta, Sony Pictures International Productions, RTVE, Movistar+, ICAA, Orange, Junta de Andalucía. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial:http://www.sonypictures.es
Primer episodio de ‘Rick y Morty’ T4 ya disponible en España
Hoy 11 de noviembre de 2019 los fans de ‘Rick y Morty’, entre los que me incluyo, hemos estado expectantes todo el día al contenido de la plataforma de HBO o a la programación de TNT. Ello es debido a la expectativa por la publicación del primer episodio de la cuarta temporada. Una espera que se ha prolongado desde que el episodio 10 de la tercera temporada se lanzase en EE.UU. allá por octubre de 2017, el cual vimos en España con la voz de Ramón Langa doblando a un presidente de Norteamérica que presentó batalla a Rick, una contienda de lo más memorable.
Por fin se ha dado el pistoletazo de salida a un nuevo periplo que podrá verse en HBO España y en TNT. Semanalmente iremos viendo nuevos capítulos hasta cerrar otra vez con diez entregas de la más delirante y descacharrante ciencia ficción. Esperamos que no nos toque aguardar otros dos años para seguir viendo los 70 episodios que ya hay cerrados por parte de DanHarmon y Justin Roiland con Adult Swim.
La vuelta de este abuelo y este nieto que van por la galaxia y el multiverso haciendo de las suyas y destapando un sin fin de locuras a un ritmo vertiginoso ha sido colosal. No voy a desvelar detalles muy concretos de su argumento pues le quitaría la gracia, esto es como los capítulos de las temporadas buenas de ‘Los Simpson’, que empiezan de una manera y acaban de un modo que no te podrías ni imaginar. Solo que en el caso de ‘Rick y Morty’ parece que los únicos límites son la imaginación de unos guionistas harto conocedores de la cultura popular y bastante perturbados, por eso nos encanta.
Al diablo con la corrección política, con el contenido moña y con toda aquella lógica a la que os podáis agarrar. Y digo al diablo por usar una expresión conocida pero ‘Rick y Morty’ es una serie malévolamente científica y de lo más nihilista. En concreto esta vez nos hablan de las probabilidades y de las diferentes vías que pueden tomar las vidas de los protagonistas en función de sus decisiones, al más puro estilo teoría de cuerdas. En este episodio que se llama en su versión original ‘Edge of Tomorty: Rick Die Rickpeat’ se hace una especie de versión de ‘Al filo del mañana’, la entretenidísima película, muchas veces infravalorada, de Tom Cruise y Emily Blunt. Pero también se alude explícitamente a un clasicazo de la animación japonesa que hace poco ha cumplido 30 años.
Como siempre el episodio ha tenido sangre, humor negro, referencias para los más versados en materias de ciencia ficción, múltiples dimensiones… Un guión que cierra como siempre brillantemente con su escena post-créditos. Este es el ‘Rick y Morty’ de siempre, el que hasta ahora no ha defraudado ni ha bajado el nivel de sus locas ideas. Ni los mejores meeseeks podrían lograr el objetivo de mantener siempre la calidad de esta serie cuya demora ha merecido la pena.
Fijaos bien en el opening pues como es habitual está compuesto de una sucesión de escenas acompañadas por la famosa canción de Ryan Elder (‘El bebé jefazo’). En este nuevo opening podemos ver a un Morty gigante, una oca de dos cabezas, un satélite con la cara de Morty siendo atacado por naves… Ya sabéis que esto a veces es la antesala de episodios por venir o son simplemente escenas desconcertantes. Por supuesto acaba con la toma de esa especie de Cthulhu que les persigue mientras llevan una cría suya en el habitual OVNI.
Como apunte. El episodio está dedicado a Mike Mendel, quien fue productor de la serie y falleció nada menos que el mes pasado. Un productor al que le debemos también haber puesto de su parte para poder ver series como ‘Los Simpson’ o películas como ‘Jerry Maguire’.
Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.
Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.
Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.
Crítica
Un ‘Call me by your name’ malsano
Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.
Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.
El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.
De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre
‘El vecino’ es una comedia urbana costumbrista que muestra la trastienda del mundo superheroico. José Ramón ha llegado del pueblo a la capital con un único objetivo: estudiar y aprobar sus oposiciones. José Ramón es aplicado, serio y tímido, y se encierra en casa con los libros durante horas interminables.
Una noche, José Ramón descubre que su ruidoso vecino de al lado es un superhéroe: la identidad secreta de Javier es Titán, un enmascarado con capa que se enfrenta al Doctor Tentáculos y otros supervillanos.
Titán tiene cuatro poderes, pero sólo conoce tres: superfuerza, invulnerabilidad y vuelo. Los obtiene de unas pastillas que le confieren sus características sobrehumanas durante un tiempo limitado.
Reseña
Cuando tu vecino viene a pedirte algo más que sal… sal corriendo
Allá por 2004 comenzaba con Astiberri la colección ‘El vecino’ realizada por Santiago García y Pepo Pérez. Hace diez años que no tenemos nuevo material recopilado de esta historia o que podemos decir que se dio por cerrada. Es su adaptación a serie por parte de Netflix con dirección de Nacho Vigalondo lo que saca de nuevo a este vecino a la balconada de la actualidad.
En ‘El vecino’ un joven provinciano llega desde su pueblo a la gran ciudad para opositar pero algo de su edificio que no se esperaba se interpone en su camino. No, esta no es la historia de Jesús Gil, quien vino a estudiar a Madrid y se alojó por primera vez en un edificio que hacía las veces de casa de citas. Esta es la historia de un habitante mundanal que se encuentra con lo extraordinario, con algo que interrumpe sus planes y además le cambia.
Su sinopsis y su inicio me daban la impresión de que sería algo muy al estilo ‘Green Lantern’ con tintes de ‘Superlópez’. Ciertamente esta es una novela gráfica que bebe mucho de los clásicos superheróicos. De entrada Titan, el superhombre de esta historia tiene los poderes clásicos: superfuerza, invulnerabilidad y vuelo, más un cuarto que jamás se ha desvelado. Como hacen los amigos de Green Lantern o Shazam en las películas que hemos visto el vecino se convierte en el escudero del justiciero. Y como acostumbramos a leer muchas veces en Spider-Man este saca partido de su propia condición de personaje popular o como en ‘Superman’ descubre con socarronería las contradicciones de llevar una doble vida.
Podemos llegar ahora a este material dividido en tres partes. Fueron publicadas en 2004, 2007 y 2009 y tengo entendido que originalmente se quería llegar a cinco números. No sé si las ventas no acompañaron, lo cierto es que el tercer volumen se presentó en blanco y negro en vez de a todo color y se hace bastante más difícil de leer. Puede que haya sido cosa de agendas pero no ha llegado el cuarto capítulo. Al menos ahora va a salir un recopilatorio con historias cortas publicadas en revistas, porque la cosa se queda pendiente, con algunos asuntos que cerrar.
Esta comienza siendo una especie de parodia sobre los tópicos del mundo bizarro, casi se burla de la condición de superhéroe y tiene un tono bastante dicharachero. Pasa a ser un severo drama bastante potente con daños colaterales y muchas reflexiones que afectan a las relaciones personales. En su desenlace intenta mezclar lo sembrado con anterioridad obteniendo una trama de líos de pareja bastante tediosos. Hay que señalar que esta no es una historia superheróica con explosiones y hazañas. La gracia está en que está hilada por el conocido de Titán, su vecino, el cual solo es conocedor de las heroicidades de su compañero de rellano, de lo único que es espectador es de sus penas y aspiraciones.
No es de extrañar que durante todo este tiempo haya sido calificada como costumbrista pues la vida de barrio está muy presente y el día a día se remarca mucho. Es extremadamente realista dentro de su ciencia ficción y cotidiano diría yo que es quizá el adjetivo que más le pega. Sus protagonistas hacen bastante alarde de patetismo y por eso nos hacen sonreír con sus gestos de pardillo. También brilla cuando consigue ser un thriller que además incorpora personajes constantemente.
Si que se lleva con gracia el ver como el superhéroe intenta combinar su vida secreta con la amorosa y la laboral. Pero el centro de atención del cómic, sobre todo en la tercera parte, está puesto en otros avatares, como la oposición de el vecino o diferentes escarceos amorosos que no vienen a cuento o están carentes de interés. Es una lástima que se pierdan con las páginas a ese villano educado y considerado a favor de la mayor presencia de unos personajes que nos sumergen en una especie de ‘Friends’ deprimente.
El dibujo es bastante básico y al menos permite reconocer a los personajes pero aporta muy poco más. Los colores empleados son planos casi limitados a lo primario. Lo mejor en cuanto al aspecto artístico es la composición de escenas y viñetas que son capaces de mantener momentos de suspense y desdicha.
Los tres tomos de la serie serán recopilados a partir del 28 de noviembre en uno solo con motivo del lanzamiento de la serie de Netflix. Los datos que mostramos en la ficha de a continuación están ajustados al nuevo formato que Astiberri va a publicar: ‘El vecino: origen’. En dicha edición habrá comentarios de Santiago García y bocetos con el proceso creativo de Pepo Pérez.
Ficha del cómic
Guion: Santiago García. Dibujo: Pepo Pérez. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 248 págs, cartoné, color, 22,5 x29,5 cm. Publicación: 2004-2019. Precio: Diferentes ediciones (web oficial).
Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.
Crítica
Delirante, profunda y muy bien construida
Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.
‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.
Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.
¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.
Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a ErnestoAlterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo JavierBotet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.
Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106
Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.
Crítica
Respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente
Los mismos directores de películas, no solo premiadas, si no también avaladas por el público, como ‘Loreak’ y ‘Handia’ estrenan ‘La trinchera infinita’. En esta ocasión un trío formado por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga nos llevan a un pueblo que podría pertenecer a cualquier rincón de España partiendo su historia en 1936.
Una batida hace que el hasta entonces activamente político e incluso concejal Higinio (Antonio de la Torre) tenga que poner pies en polvorosa y huir de los nacionales. Pero su fuga se ve frustrada y ha de volver a casa, donde su mujer (Belén Cuesta) le esconde en un agujero. Así comienza un encierro voluntario que sus protagonistas han de llevar en el mayor silencio o secretismo posible, pues en las aldeas las paredes oyen.
‘La trinchera infinita’ nos habla de casos reales y constatados en nuestro país. Personas encerradas durante décadas en sus casas por miedo a represalias y viejos odios surgidos en la Guerra Civil Española. En el caso de Higinio la reclusión se produce en algo que podría llamarse zulo. Un compartimento que le sirve muchas veces de ventana indiscreta para un cotilla del visillo, un lugar en el que la impotencia y la cobardía crecen día a día. El filme no intenta ser claustrofóbico, sino más bien germen de una agorafobia y una esterilidad política casi total.
Más de dos horas de película es lo que finalmente han montado para narrarnos un largometraje que va de la Guerra Civil pero que también habla mucho de la vida en los pueblos. ‘La trinchera infinita’ está constantemente aportando nuevas situaciones y aunque algunas eran de prever no es reiterativa y mantiene una progresión interesante. Las rencillas entre hermanos y vecinos de la época de la contienda son mostradas bajo una nueva mirada, que nos habla de caciques, pero no refiriéndonos precisamente al caudillo (que está burlescamente presente), si no a los metomentodos y los chivatos de ambos bandos.
Belén Cuesta se ausenta en contadas ocasiones del filme y junto a De la Torre forman una pareja la mar de creíble, de esas que surgían en pequeñas poblaciones. Ambos ejemplifican a esa España cateta, sufridora de los escarnios de la guerra y esperanzada en un futuro que nunca llega. Sus dos personajes evolucionan con el gran tiempo que les acompañamos y su talento hace que sean totalmente creíbles. Desde un iluso y paranoico De la Torre hasta una tenaz y concienzuda Cuesta. Me gustaría que prestaseis atención al acierto en el casting con Vicente Vergara (‘La peste’), quien poniendo una cara de pánfilo encarna a esos traicioneros y rencorosos vecinos.
‘La trinchera infinita’ respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente. Remarca que la guerra y la posterior dictadura pudo ser más que causada, sostenida, por el carácter inculto y por la aptitud de muchos de aquellos que o bien se ausentaron o bien se negaron a discurrir siguiendo la senda de la lógica. Con un tratamiento del sonido muy cuidado se hace sentir personal, cercana y tan íntima que en sus susurros llegamos a notar un miedo y una incertidumbre que hacen disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: La trinchera infinita. Duración: 147 min. País: España. Dirección: Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Guion: Luiso Berdejo, José Mari Goenaga. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Javier Aguirre Erauso. Reparto principal: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios. Producción: Irusoin, Moriarti Produkzioak, La Claqueta, La Trinchera Film AIE, Manny Films. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://twitter.com/latrincherafilm
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
Han pasado más de dos décadas desde que Sarah Connor evitara El juicio final, cambiara el futuro y reescribiera el destino de la raza humana. Dani Ramos (Natalia Reyes) lleva una vida sencilla en Ciudad de México con su hermano (Diego Boneta) y su padre cuando un Terminator altamente avanzado y letal, un Rev-9 (Gabriel Luna), retrocede en el tiempo para darle caza y muerte. La supervivencia de Dani dependerá de su alianza con dos guerreras: Grace (Mackenzie Davis), una súper soldado mejorada del futuro, y una Sarah Connor (Linda Hamilton) endurecida por el combate. Mientras que el Rev-9 las persigue, destruyendo despiadadamente todo y todos los que se interponen en su camino, las tres dan con un T-800 (Arnold Schwarzenegger) que forma parte del pasado de Sarah y que podría representar su única esperanza.
Crítica
Poca originalidad, buena acción, es momento de terminar con Terminator
A los fanáticos de la ciencia ficción se nos hace la boca agua con películas como ‘Terminator: Destino Oscuro’ y nos dan ganas de hablar o escribir de cada uno de los aspectos de la película, sin dejar el más mínimo detalle por pequeño que sea sin comentar. El recorrido de la saga Terminator es largo y harto explorado a si es que me voy a quedar precisamente con eso, con que ya se ha explotado mucho la idea y se nota que hay que pasar página.
La nueva película de la saga Terminator llega para hacer una limpia, no solo de la raza humana sino también de entregas anteriores. Tal es así que si quisiésemos ver la saga en orden cronológico podríamos ver la primera y segunda parte saltando directamente a esta. Las máquinas se resetean y la historia de Sarah Connor se cruza de un modo diferente con la implacable senda de las máquinas dotadas de inteligencia artificial letal.
Este es un título de acción y eso se ha cuidado mucho. Las secuencias son trepidantes, explosivas y demoledoras. Está pensada muy a lo Cameron cogiendo el testigo de las escenas de persecución de ‘Terminator’ y ‘Terminator 2: el juicio final’ incorporando escopetas recortadas, hierro fundido y camiones a toda mecha. Vamos que esta película es de las que llenan obituarios. Por supuesto que las nuevas tecnologías han permitido que los protagonistas, tanto jóvenes como mayores, puedan hacer más el cafre con todo lo que les rodea. No es que Tim Miller se haya puesto a lo Emmerich pero sí que se ha permitido una película más destructiva de lo habitual, exceptuando la famosa escena de la bomba atómica, a la cual como casi siempre hay algún guiño.
Madrid y otras localizaciones españolas dan el pego como emplazamientos de Méjico. Tanto el trabajo de escenografía y de diseño de personajes están a un primer nivel. La nueva y mortal máquina humanoide constituye una mezcla vaga de lo que hemos visto en la saga pero lo cierto es que da juego y Gabriel Luna no interpreta mal su papel. Desde el principio nos hacen volver a las sensaciones del siglo pasado, cuando vimos por primera vez los pies metálicos de los robots aplastar calaveras humanas. La recreación por ordenador y el maquillaje vienen a mejorar lo que se hizo antaño ofreciéndonos en algunos momentos y en primer plano la carne chocando contra la máquina. Además hay que admitir que si algo bueno tenía ‘Salvation’ era el aspecto que lucía ese futuro post-apocalíptico. ‘Terminator: Destino Oscuro’ tiene algo de ‘Salvation’ en su parte futurística, con el diseño de escenarios y naves. Y eso que esta nueva línea temporal sigue derroteros diferentes, tanto para el planeta como para los protagonistas en concreto.
Y en esa vía que toma el guión de David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray y Justin Rhodes está la gran pega de ‘Terminator: Destino Oscuro’. Solo vería una segunda vez esta última entrega por el hecho de que supone una despedida en plena forma para Linda Hamilton y ArnoldSchwarzenegger se sumerge en un intento por cerrar mejor de lo que lo hicieron las secuelas anteriores. Pero lo cierto es que también lo haría por la simple razón de confirmar que tiene algún que otro fallo y sobre todo que la trama que se han inventado para mantener el T-800 de Schwarzenegger es ridícula y además está muy mal injertada. Y eso que la primera aparición de Arnold supone un giro nunca antes explorado, pero cuando nos cuentan por qué le vamos a tener de nuevo con nosotros nos demuestran que la fórmula está harto agitada y utilizada.
De este filme solo salvo su acción y las interpretaciones de Linda Hamilton y Mackenzie Davis, imponentes ambas. Doy por sabido que Arnold Schwarzenegger sigue sabiendo hacer de robot, total le han hecho repetir escenas casi calcadas a las de anteriores entregas. En el caso de Natalia Reyes no quedo tan convencido como con Gabriel Luna. Me ha parecido curiosos ver a Stephanie Gil (‘Sordo’) en el papel que recrea la infancia del personaje de Mackenzie Davis.
Esta es una película que prometía con su reparto y con sus primeras escenas, pero se desinfla en cuanto toca ser original, no sabe o no se puede ir más allá. Hay que terminar la saga.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: Terminator: dark fate. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Miller. Guion: David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray, Justin Rhodes. Música: Junkie XL. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabriel Luna, Diego Boneta, Stephanie Gil. Producción: 20th Century Fox, Paramount Pictures, Skydance Media, Tencet Pictures, Lightstorm Entertainment, TSG Entertainment, The New South Wales Goverment. Distribución: 20th Century Fox. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial:https://www.terminatordestinooscuro.es/
‘Little monsters’ y ‘Amigo’ grandes triunfadoras de la séptima edición
Como es tradición en la última jornada de Nocturna ha sido leído el palmarés del festival. Los títulos más repetidos en la lista que podéis leer abajo son ‘Amigo’ y ‘Little monsters’, las películas de Óscar Martín y Abe Forsythe respectivamente. Estamos muy de acuerdo con el criterio del jurado de este año.
A parte de la proyección de ‘El cuervo’ acompañada de ronda de preguntas y respuestas con Alex Proyas hoy quedaba alguna película por ver. Desde el título de cierre ‘Vivarium’ hasta ‘Andhadhun’, la que ha sido una grata sorpresa que como siempre comentamos con mini-crítica.
‘Andhadhun’
La primera película de la India que se ha proyectado en toda la historia de Nocturna ha sido todo un éxito. Tras unos extensísimos créditos de productores y colaboradores del filme ha comenzado la historia de un ciego (‘Melodía del ciego’ es el título en castellano) que toca con virtuosismo el piano. Esta especie de Serafín Zubirín hindú se mete en situaciones muy graciosas debido a su picardía y eso hace que nos divirtamos enormemente.
Pero además la película adquiere un carácter truculento que la introduce en el género thriller, con ideas la mar de tremebundas. Una intriga también gestionada con humor, por los gags realizados y por lo chistoso de la manera de hacer cine en el país asiático. Obviamente hay música pero no son los tradicionales flash mobs, se adapta muy bien a códigos occidentales (aunque se resiste a mostrar un mínimo beso) y acompañan a la golfería y las maneras tan parlanchinas que tienen estos actores de tal manera que las barbaridades que se les ocurren son totalmente amenas.
Dos jóvenes que buscan hogar son engañados y se ven atrapados en una ilimitada urbanización que parece estar construida sobre el tablero de un monopoly. Allí algún tipo de entidad u organización les mantiene retenidos pero a la vez les hace llevar a cabo un cometido contra su voluntad.
Dicho de este modo el filme suena interesante. Pero su trama progresa de manera repetitiva y con muy pocos giros que realmente la hagan progresar. Para más inri desde el principio ya nos dicen claramente qué está pasando con las imágenes de ciertos animales de tácticas bastante ruines.
En el filme tenemos a Imogen Poots y a Jesse Eisenberg. La primera actúa de un modo excesivamente exagerado, el segundo no parece ni la sombra del pedestal en el que se le ha colocado.
De desayunar con Proyas a enfrentarnos con música a zombies y asesinos en serie
Nocturna celebró su penúltimo día y aunque se va oliendo el cierre el comienzo del día no ha podido ser más dulce, entrañable y cercano. Al igual que hicimos el año pasado hemos podido desayunar con el invitado estrella, Alex Proyas. En esta cita nos contó que ya está inmerso en una nueva película que también será oscura como sus primeras cintas y que irá en la línea de ‘Dark City’, utilizando realidades paralelas. También, como cineasta que ha adaptado cómics, nos comentó que no está de acuerdo con las declaraciones de directores como Scorsese, pero que en su caso tampoco aprueba las primeras películas de Marvel con Iron Man o El Capitán América, en la que nos meten la bandera de EE.UU. por todas partes. No cree que estemos viviendo una época como la del western pero con los cómics ya que por entonces también veíamos películas independientes que trataban ese género y en este caso lo que nos llega básicamente es lo de Marvel y DC.
Hoy también hemos tenido que recordar a un festival hermanado con Noncturna como es el Isla Calavera que llegará a su tercera edición con invitados como Juan Carlos Fresnadillo, Belén Rueda, Rick Baker y David Naughton. También en Fnac se han presentado el libro ‘Más allá del cine de Sebastiá D’arbó’ y películas como ‘Finale’ o ‘A night of horror: nightmare radio’.
Uno de los momentos más esperados del día era la proyección de ‘Fuel’. Podéis ver fotos del equipo en nuestra galería y además su reseña a continuación. Por supuesto todo lo que viene en este bloque es lo que hemos en la penúltima jornada del festival y lo comentamos con mini-críticas.
‘Body at Brighton rock’
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
Dirigida por IsraelGonzález llega ‘Fuel’ una historia donde tenemos dos simples protagonistas, un coche y un hombre secuestrado.
Con bastantes planos aéreos la acción nos lleva al desierto de Mojave, un lugar pedregoso y sin apenas vida. Allí Raúl Samper, un crítico gastronómico, se encuentra atado a un coche sin posibilidad de escape.
El color de la cinta, la banda sonora y sí, las distintas vistas de todo el desierto, están bastante logrados. Creo que si de esta idea la hubiesen realizado en forma de corto el resultado sería mucho mejor. La película se alarga demasiado sin necesidad y además le falta acción, un intento de escapar, no sé, algo para rellenar minutos que no sea con tomas de paisaje.
Muchas veces las apariencias engañan y más cuando son niñas las protagonistas de esta historia.
Muy buena, realmente crea tensión y a la vez con un humor bastante canalla, me encantaría ver más historia acerca de los dos personajes principales. No cuento quienes son, porque el corto dura apenas 5 minutos, pero no os perdáis las imágenes de los créditos que están muy chulos.
Muy bien rodado nos llega este corto de Álvaro Rodríguez Areny. La protagonista se despierta desorientada y lo único que quiere hacer es encontrar a su hija.
Bastante curioso y como digo bien dirigido. Con una imagen muy limpia y una historia bastante inquietante.
Conocemos a Rod, un locutor de una radio en la que cuenta historias de terror. A partir de esta idea escuchamos distintas historias y también las vemos. Los cortos de SergioMorcillo, JasonBognacki, AdamO’Brien, MattRichards, PabloS. Pastor, Luciano y NicolásOnetti, JoshuaLong, A. J. Briones y OliverPark son la principal atracción para esta larga noche de historias de terror.
Una maravilla, muchos cortos ya los conocía y sin duda la elección de cada uno de ellos me parece estupenda. Además que la historia central es bastante buena y la ambientación con la tormenta, la sala oscura, el rojo de las bombillas, da un toque muy siniestro.
Muy recomendable y esperemos que llegue algún día a la gran pantalla.
Cortometraje español que explora los miedos y ventajas de utilizar una app de citas para conocer gente. Pero lo más importante es que avisa de que puedes encontrarte así a gente rara, muy rara. El título ya nos da un pista de por dónde van los tiros, que no me parece mala idea, pero no resulta tan gracioso como pretende.
Artik es un asesino en serie que quiere hacer principalmente dos cosas: crear un cómic y criar a su hijo como otro psicópata. Eso es casi lo único que conseguimos averiguar de un maniático homicida, al filme de Tom Botchii Skowronski le falta profundizar más en la historia de su villano o por lo menos haber sido más extenso en el momento en el que le tocaba profundizar en su psique.
Por lo demás es una película con alguna referencia comiquera, buenos planos, buen ritmo, escenas de muerte o tortura y momentos de tensión bien gestionados. Un slasher con clásico final físico en el que vemos a una especie de Alan Moore mazado, más joven y más pirado, si cabe.
Súper gracioso, comenzamos muy al estilo ‘La princesa prometida’ donde una abuela le cuenta un cuento a su nieta, cansada de cuentos sobre princesas en apuros, la chiquilla dice que a partir de ahora va a ser mala.
La abuela comienza a contar un cuento que no la dejará indiferente. Jack Taylor, ClaudiaPlacer, DianaPeñalver son los protagonistas de esta historia con zombies, piojos y villanos. Además me ha parecido muy curioso que hayan utilizado de fondo el panteón de los reyes de El Escorial para hacer la cripta del villano.
Ya escuchamos lo maravillosa que era cuando estuvimos en Sitges, allí no tuvimos oportunidad de poder visionarla, pero hoy nos hemos quitado esa espinita. Como he dicho, es maravillosa, divertida y muy tierna. Una película de zombies donde Darth Vader es un gran héroe ¿Qué más se puede pedir?
Lupita Nyong’o está encantadora haciendo de profesora de primaria, cuidando de sus niños y salvándoles de la peor plaga que han podido tener, zombies en una granja escuela.
Abe Forsythe, dirige esta locura llena de música y grandes ideas que sabe llevar hasta el final para darnos una estupenda cinta de género.
Mezclando El escondite inglés con un juego de imitación se nos cuenta la historia de una joven que ha aparecido encerrada en una sala mugrienta. No me ha impresionado, de hecho me ha parecido tramposo en cuanto ha desobedecido las propias normas que él mismo establece. No veo shock en su escena final y pretende sorprender.
Un survival horror que mezcla ‘Battle Royale’ con una especie de atrapa la bandera. En cierto sentido también se puede decir que es una especie Freddy contra Jason ya que es un desfile de serial killers enmascarados enfrentados entre sí mientras asesinan a inocentes.
Buena dosis de gore, buena protagonista y una buena cantidad de muertes de esas que hacen las delicias del público. Gran diseño de máscaras y miembros protésicos, hay que indagar en quién estaba al mando del diseño de producción y del maquillaje.
Aunque la película no es un producto muy original si causa interés y resulta ser un slasher la mar de entretenido, con una puesta en escena sencilla y disfrutona.
Día de caníbales, naves espaciales, amigos y Godzilla
El tercer día de Nocturna nos ha sorprendido con cortometrajes tan potentes como ‘Blood machines’ y ‘Casa’ o devolviéndonos al genero kaiju más clásico con una buena dosis de información. También nos hemos reencontrado con ‘Amigo’, filme que ya vimos en el Festival de Sitges y del cual tenéis aquí una crítica ampliada. Pero también nos ha tocado dar alguna cabezada con películas como ‘I trapped the devil’ o ‘Koko-di, koko-da’.
Como es costumbre aquí tenéis nuestras opiniones de todo lo visto hoy.
Cortometraje ‘Blood machines’
Lo que podría parecer una película pequeña ha resultado ser una space opera literalmente alucinante. Tiene una calidad artística apabullante, en potencia y creatividad. Láseres, naves espaciales, nebulosas… No le falta de nada y todo tiene un detalle de primer nivel.
La historia nos lleva a acompañar a dos pilotos que intentan rescatar una nave espacial estrellada. Pero en su camino se interponen unas extrañas mujeres que cuidan de las naves pues realmente están vivas, son algo más que una IA. Esta es una aventura con un ritmo ochentero a base de sintetizador e imágenes abstractas. Otro de esos regalos audiovisuales que cobran vida gracias a un crowdfunding.
Brillante trabajo que como una seta nuclear ilumina al espectador. Todos conocemos la relación de Godzilla con las bombas atómicas pero el documental de Jonathan Bellés nos pone como nunca en contexto. Descubrimos gracias a su trabajo cómo Godzilla surgió en respuesta a lo sucedido en Hiroshima y Nagasaki, como se vio afectada por la censura de los por entonces ocupantes EE.UU. o como a lo largo del tiempo su relación con la energía nuclear se ha ido usando para criticar o filosofar sobre la actualidad.
Como documento cinematográfico es muy valioso pues reúne a artífices de películas sobre el monstruo gigante de todas las épocas. Nos desvela quienes se han enfundado en la piel del lagarto atómico o quienes han ideado sus diferentes historias o enemigos, desde su creador hasta cineastas japoneses que crean obras tan distintas como ‘Shin Godzilla’. Incluso podréis aprender que el mítico grito de este Kaiju se creó rasgando con un guante de cuero las cuerdas de un contrabajo.
Para los amantes de los kaijus no es un repaso completo pues se basa solo en Godzilla pero sirve muy bien para descubrir los orígenes y la época en la que estos empezaron a decaer.
¿Qué pasaría si nos quedáramos sin agua natural y limpia para beber? ¿Si tuviésemos que beber agua mineral que crea infecciones en la piel?
Europa está sumida en esta desgracia y solo un hombre en Croacia dispone de agua natural. Acción y un futuro muy oscuro es lo que se nos muestra en este corto, donde no solo el agua se vende a precio de oro.
Puedo divagar poco sobre esta película, he debido de perderme en algún momento algo que ha hecho que no entendiese bien el juego que estábamos viendo.
Una pareja después de perder a su hija viaja años después, de vacaciones y tras pasar una noche en el bosque de acampada son atacados por una especie de titiriteros macabros. Presenciamos un día de la Marmota, donde este ataque se repite una y otra vez.
La estética está muy bien, los tres malvados personajes entonan una canción macabra mientras van a perpetrar el ataque, da bastante respeto y admito que sentía curiosidad para ver que hacían nuestros protagonistas para intentar salvar sus vidas.
Pero en sí la película no me ha contado nada, me ha dejado muy fría y sus 86 minutos se me han hecho bastante eternos, supongo que él no entender del todo lo que me quería contar ha sido fundamental para que no me haya gustado.
Mariam Hernández y Javier Pereira son los únicos actores de este malsano corto. Otro trabajo de Pereira en el festival, quizá más flojo que ‘La octava dimensión’ pero con un interesante juego de manipulación, control y arrepentimiento. Con el uso que se hace de las drogas es normal que tenga como referencia a la novela ‘Un mundo feliz’ de Aldous Huxley.
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
Una buena crítica hacia la crisis económica y el tema de los desahucios. Un corto directo y sin miramientos, muy bien realizado y sin duda deja la sangre helada.
Dos dependientas de una gasolinera trabajan en la noche de una final, esperan poco trabajo ya que todo el mundo está viendo el partido, lo que no esperaban es que la noche se convirtiera en un verdadero infierno.
Su primera parte, durante en las que las dos protagonistas son básicamente troleadas por alguien en su puesto de trabajo, es muy buena. Va saltando flashbacks, en los que ves como han terminado secuestradas y luego el secuestro.
La película peca de querer ser espectacular y la verdad que termina siendo bastante sosa. Sí, hay torturas, mucha sangre y escenas un tanto dolorosas para el espectador. Pero aun así, debo de decir que le falta alma a las actuaciones. No ayuda nada los típicos fallos que tienen las víctimas en estas películas, en las que no son capaces de llamar a la policía, no cogen armas para defenderse o incluso en esta, no corren para huir de sus captores, prefieren deleitarse y observar bien el lugar donde las han tenido recluidas.
El excesivo uso de la tecnología es lo que nos trae la moraleja de este simple corto. Los asistentes de voz tipo Alexa que cada vez están más presentes en nuestra vida preocupan a los directores Kris Carr y Sam Fowler y debería preocupar más a su protagonista. Una idea sencilla pero que no resulta fallida.
Primer largometraje de Kris Carr y Sam Fowler. Es un survival horror en pleno bosque. Parte de una idea curiosa pero que tampoco está excesivamente aprovechada. Unos jóvenes son perseguidos por una criatura que solo devora a aquellos que comen carne humana. La gracia estaría en que los protagonistas son caníbales sin saberlo, pero ese giro se desmonta pronto y su final además se alarga demasiado.
Está bien hecha, con un maquillaje de la criatura logrado, pero también cumple con los pecados de las operas primas y se permite introducir guiños a los clásicos que les gusta a los directores. Como no, siendo hija de dos jóvenes primerizos sigue la moda de tener escena post-créditos.
David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.
Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.
La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.
Conocemos mejor la figura del director de ‘El Cuervo’
Sergio Molina, director del Festival Nocturna Madrid, ha capitaneado la entrevista o clase magistral con el invitado principal de esta séptima edición celebrada en 2019. Alex Proyas ha repasado buena parte de su carrera, desde títulos como su primer largometraje ‘El Cuervo’ hasta aspectos de su última película ‘Dioses de Egipto’. Sobre todo destacamos lo que nos contó acerca de sus dos primeros largometrajes.
¿Cómo empezaste a hacer cine? Le preguntó Molina: «Siempre quise hacer películas. Empecé haciendo película en super 8 en casa de pequeño». El cineasta egipcio comenzó su carrera en el audiovisual muy relacionado con el mundo de la música. «Los videoclips fueron mi manera de llegar al cine, trabajaba en una compañía de Los Angeles con directores como Michael Bay o Fincher. Me lo pasaba muy bien pero fue el camino para llegar al cine. Kubrick es mi referencia, es mi director definitivo. También Tarkovsky, Buñuel o Hitchcock me parecen importantísimos para mí» nos contó.
Sobre la que se considera su obra maestra, su opera prima en cines a nivel mundial: «‘El Cuervo’ no la veo desde que la acabé porque es una experiencia muy dolorosa. No creo que sea mi película, sino la de La de Brandon (Lee), es su legado. Me vino su familia a pedir que la acabase y lo hice por él». Y por supuesto quisimos saber cómo arrancó ese proyecto: «Mi agente me mandaba mucho material. En Hollywood les gusta mucho explotar al talento joven. A mí me gusta que me exploten por entonces estaba encantado (risas). Lo que me llegaba era básicamente mierda y también me llego el comic con el guión de ‘El Cuervo’. El guión no me gusto pero por el contrario me pareció muy bonito el cómic. Escribí a mi agente para sugerir re-escribir el guión y pedí hacerla en blanco y negro. Me dijeron que si pero es obvio que no me dejaron hacerlo en blanco y negro».
Para Proyas «‘El Cuervo’ es como un musical sin que canten los actores. La música va con la acción. Usé mi experiencia en el mundo musical, para que grupos hiciesen covers. Uno era Joy Division pero no pudo ser porque uno de los miembros no quiso, no estaba de acuerdo. Hicimos casting, les mandamos el guión y escogimos a bandas como Nine Inch Nails. El álbum de la película fue muy exitoso. Se usan en las películas los Needle drops, algo que introducen durante unos segundos algunos directores para entusiasmar al público con música, pero en ‘El Cuervo’ no hicimos eso».
En Dark City se decía: «primero había oscuridad y luego llegaron los extraños», ¿define eso tu filmografía? le preguntó Molina: «Si creo que obviamente mi filmografía está inspirada en mi propia experiencia. Al principio hacia películas oscuras. Mi madre murió a mis 16 años, al principio no era capaz de entenderlo y eso con el tiempo he visto que ha impactado en mi filmografía, luego he evolucionado».
«Cuando se iba a vender ‘Dark City’ el tráiler estaba bien pero no contaba nada de la historia. Creo que hay que contar algo para enganchar a la gente. Mucha gente no entendió lo que estaba viendo, me la recortaron y no se estrenó la versión del director. Mucha gente e incluso los de marketing no la entendían. Ahora las películas se venden para hacerlas lo más accesible al publico pero realmente no te venden lo que plantean. No hace falta imaginación para vender las películas de ahora. Me parece muy buena por ejemplo la promo de ‘Alien’, con la frase «en el espacio nadie puede oír tus gritos», perfecta. Ahora hay una involución de Hollywood, ves a Thor en el cartel y ya sabes lo que vas a ver».
Para muchos ‘Dark City’ es un título indispensable del terror y la ciencia ficción. «‘Dark city’ vino de sueños, de mi imaginación. Por entonces tenía sueños recurrentes como los extraños que me venían por la noche a reordenar las cosas. Eso lo cambie como que vienen a cambiar la memoria y demás… Obviamente tiene muchas referencias de la literatura de ciencia ficción como Philip K. Dick o visuales como ‘Metropolis’ o ‘Akira'». «‘Dark City’, ‘El cuervo’ y ‘Señales del futuro’ están relacionadas entre ellas. Primero escribí ‘Dark city’, cuando trabajaba en videos musicales. Mientras estaba en ‘El Cuervo’ me vino la idea de los edificios en movimiento, no lo podía usar para esa película pero decidí hacerlo en la siguiente. Relaciono las películas pero cuando las hago no soy consciente de la relación personal que introduzco en ellas» añadió.
Por supuesto Alex Proyas nos habló de cómo es su proceso creativo. «Cuando escribo también dibujo. Suelo hacer incluso antes el dibujo, me ayuda a visualizar el producto. En ‘Dark City’ lo hice. Con ‘El Cuervo’ ya tenía el cómic, un cómic no se parece a una película por su narrativa. Creo que es por eso que le gustan tanto las películas de cómics a los productores, porque se lo dan todo mascadito y dibujadito» señaló.
También hubo momento para saber algo de la relación de Proyas con algunos famosos. «Tengo una historia escalofriante con Trent Reznor de NiN. Fui a su casa e impone porque es de esas casas de Hollywood que tiene puertas que se abren solas y luego tienes que conducir para llegar realmente a la casa… Tuve un dèjá vu inquietante y le pregunte ya que la casa me sonaba. Me dijo que era la casa donde Sharon Tare murió. Allí tenía montado su estudio de grabación. ¿Sentís miedo ahora?» se reía de la anécdota.
Las últimas películas de Proyas se alejan mucho de sus primeros títulos oscuros. «A veces es difícil contrastar películas luminosas con mundos oscuros. Me interesan mucho las historias oscuras, me gustan los finales oscuros, porque reflejan mejor la realidad, pero tampoco quiero finales depresivos. Ahora creo que estamos en un mundo oscuro pero creo que habrá esperanza para mejorar» concluyó.
Regalo por estar con Alex Proyas y pasar por la imaginación de Pupi Avati
Hemos comenzado el día de un modo magnífico estando acompañados de un director de cine tan famoso como Alex Proyas. En la masterclass que ha impartido en la Sala Berlanga nos ha hecho un repaso de su carrera comentando todo tipo de anécdotas y películas. Este ha sido el evento más destacado en un día en el que también se ha presentado en FNAC el cómic de ‘Knox’, que promociona la próxima película de Victor Matellano, la revista Cineficción y el libro Universal Monsters & Toys & Merchandising’.
Hoy las sensaciones han mejorado con respecto al primer día. Los cortometrajes siguen demostrando la buena salud de la que goza ese formato en España. En cuanto a los largos proyectados destacamos ‘El signor diávolo’ el filme de Pupi Avati. Como siempre, seguidamente tenéis mini-críticas de lo que hemos visto.
Cortometraje ‘La virgen descalza’
LoneFlemingFaerch escribe y dirige este corto de 17 minutos, en el que vemos a una joven en la noche anterior a su boda.
Emocionada recibe la visita inesperada de un extraño que hará que todo su mundo se tuerza. Con una puesta en escena muy cuidada, una dirección sencilla, la directora nos cuenta una pequeña historia de terror romántica un tanto excéntrica.
SergioMorcillo y SantiagoTaboada nos traen una historia corta sobre una situación que se podría dar perfectamente en la vida real. No voy a contar nada acerca de la historia, simplemente dejan ver como la gente de a pie miramos a otro lado cuando sucede algo malo delante de nuestras narices.
ItziarCastro, NachoGuerreros y LluviaRojo son los protagonistas de este corto.
La cinta nos cuenta desde el principio como fue el proceso para la creación de la historia y los monstruosos extraterrestres que nos han causado pesadillas y admiración.
Alexandre O. Phillippe recupera la figura del guionista de la cinta DanO’Bannon, que por lo que he visto al salir de la sala, no es nada conocido por los fans, recayendo toda la fama en RidleyScott. Nos enseñan como se le ocurrió la idea de Alien y como gracias al equipo que crearon entre Scott, Dan y H.R. Giger consiguieron crear a los xenomorfos y a los Space Jockey.
Al igual que en su anterior documental se centra en una de las escenas principales de la película, el cómo se hizo y con anécdotas del reparto.
Cortometraje ‘El fin de todas las cosas’
LucíaPollán y PaolaBontempi protagonizan este corto dirigido por NormaVila. Las nombro las primeras porque sin duda logran una química impresionante y demuestran lo mucho que se odian sus personajes.
Una historia de época en la que una muchacha no está nada tranquila con la mujer con la que le ha tocado vivir y una oscuridad se va apoderando de ella.
PupiAvati nos lleva a la Italia de los años 50 con una historia muy de cine negro donde un niño mata a uno de sus vecinos convencido de que era el Diablo. El Ministerio del Interior manda a un policía para intentar aclarar todo.
La película me ha sorprendido mucho, es cortita y va directamente al grano. Con una estética que claramente homenajea el cine de los años 70 y 80, la película tiene un tono bastante serio.
La trama detectivesca es muy buena, vas descubriendo toda la historia a través de los descubrimientos de Furio, que poco a poco se va adentrando cada vez en algo más oscuro y terrible.
En el reparto encontramos gente como GabrielLoGiudice, CesareCremonini, MassimoBonetti, LinoCapolicchio, todos ellos muy correctos y muy bien dirigidos.
Hoy hemos podido ver al ganador del Premio Brigadoon Paul Naschy en Sitges. En este corto dirigido por MarcMartínezJordán viajamos por el tiempo y conocemos a un extraño hombre disfrazado de zorro.
Muy entretenido y original, con una trama muy bien trabajada y llena de incógnitas. Sin duda merecido el premio en Sitges.
Las películas sobre amigos imaginarios son muy recurrentes en este tipo de festivales y más si están encerrados en casa grandes y con mucha oscuridad.
‘Z’ ha sido un gran descubrimiento, no esperaba apenas nada y la verdad que me he llevado un par de sustos y una buena historia de la que poder hablar.
Tenemos un buen ambiente, unas buenas actuaciones y sin duda un bicho bastante curioso muy estilo japonés, llega a recordar a los shinigami que vimos en la película de ‘Death Note’ (2006).
Unos padres comienzan a preocuparse cuando su inofensivo hijo de ocho años cambia completamente de actitud al tener un amigo imaginario. Eso sí, solo le saco un fallo y es que terminan por alargarla demasiado.
El año pasado se presentó este corto que forma parte de una campaña de Audi, la multinacional fabricante de coches. Me temía que la película fuese un carrusel de secuencias del vehículo que promociona pero no ha sido así, aunque el cuatro ruedas de la marca alemana goza de bastantes y buenos planos.
Kiké Maíllo (‘Toro’) es el artífice de esta película que mantiene la intriga de un modo muy inteligente, moviendonos por una trama imaginaria y una real. Juega muy bien con las ideas preconcebidas o el sesgo y desarrolla sus 8 dimensiones acorde a lo que debe ser una estructura narrativa, propia tanto de novelas como del lenguaje audiovisual.
Para ‘La octava dimensión’ ha contado con NajwaNimri, AlbertoAmmann, JavierPereira y Carlus Fàbrega. En la parte ficticia todos están muy naturales, pero en la real, la que sirve de narradora, Nimri se presenta más artificial interactuando además con unos alumnos que parecen más periodistas en rueda de prensa que estudiantes. Seguro que os va a pillar desprevenidos con su resolución.
Los referentes (presentes visualmente) de esta película son títulos como ‘Creature with the Atom Brain’, ‘Crying Freeman’ o ‘Nobunny’. Títulos claramente de serie B que rodean a una estrella del cine de ese género venida a menos que perdió a su hija. Esa actriz es Barbara Crampton conocidísima en el mundillo por el clásico ‘Re-animator’. Lo que no sabe su personaje es que su hija en cierto modo ha seguido los pasos de su personaje de la película de Stuart Gordon y ha vuelto a la vida.
Pero la joven renacida, interpretada por una Kayleigh Gilbert en modo emo, tiene poderes de control eléctrico y eso hace que lo que es un drama familiar se convierta en una película de muertes por despecho. El filme, obra de Julian Richards, transcurre con un pesado argumento melodramático que solo nos da algún que otro momento de sangre, bastante poco conseguido.
Tiene mucho sabor noventero, con intento de parecerse a películas aún más antiguas y lo único curioso es ver al final a Peter Bogdanovich.
Hoy ha arrancado la séptima edición del festival Nocturna. Ya se han oído los habituales vítores a Cthulhu y el clásico «llévame, llévame…» en Cinesa Proyeciones, la que se ha convertido en la casa habitual de esta reunión para amantes del cine fantástico que pasan por la capital española. Pero quien se ha llevado más aplausos, como es obvio, es el invitado estrella de este año, Alex Proyas. El director de ‘El cuervo’, ‘Dioses de Egipto’, ‘Yo, robot’ o ‘Dark City’ ha recibido de manos del director del festival el premio Maestro del Fantástico.
También han estado presentes autores de cortometrajes y películas proyectadas. Como Alejandro Ibáñez Nauta, hijo del mítico y fallecido Chicho Ibáñez Serrador. Tras un emotivo discurso y una consecuente ovación se han podido ver sus trabajos, el corto ‘Reality’ y el largometraje ‘Urubú’.
La mañana comenzó con la presentación de estupendos fancines como el Fantastic Films Neutrón y La Cabina de Nemo. En esta primera jornada, al margen ‘1 BR’, han sido cortometrajes como ‘Reality’ o ‘Sonrisas’ los que han dejado mejores sensaciones. A continuación tenéis nuestras impresiones de lo que hemos visto y fotografías con los artistas presentes en el cine, entre ellos Proyas, Clarice Alves o Itziar Castro.
Cortometraje ‘El cuento’
Nueve minutos de cuentos, brujas y una madre cansada de tanto hacer en su casa con sus dos hijos. NereaBarros protagoniza este corto, maravillosamente acompañada por dos jóvenes actores que pasarán mucho miedo.
Dos hermanos acaban de perder a su padre para ayudarles con el tema de la herencia y su hermanastra regresa. Esta vuelta al hogar se volverá una auténtica pesadilla.
Podría decirse que estamos ante una mezcla de ‘Qué fue de Baby Jane’ con ‘El Mago de Oz’. Esta segunda cinta está muy presente en la película dando imágenes un tanto turbias y desconcertantes.
Una casa de locos de la que es muy difícil escapar. La verdad que la cinta tenía una buena base que no han sabido aprovechar, dándonos personajes demasiado caricaturizados que dejan de dar miedo para dar risa.
Tiene imágenes bastante chulas y sin duda las torturas a las que someterán a su hermanastra son bastante salvajes, pero sí que es cierto que no vemos nada nuevo en este tipo de películas, en las que alguien termina postrado en una cama con dos locos en la casa.
NuriaFergó y CésarStrawberry protagonizan el corto de AlbertoPons, en el que nos cuentan la leyenda malagueña de La Cueva del Tesoro en el Rincón de la Victoria.
El corto está bastante bien, el maquillaje es muy bueno, la ambientación también, lo único a lo que le puedo poner pegas es a la actuación de NuriaFergó, que está bastante sobreactuada.
Me ha gustado mucho a CésarStrawberry como el Demonio, que me ha recordado mucho al que pudimos ver en ‘Tenacius D’.
Daniel M. Caneiro nos trae una comedia bastante curiosa llena de famosos. En la que una directora de documentales y su productor investigan a varios artistas para averiguar algo sobre ‘La Siega’ una celebración en un pequeño pueblo de Castilla la Mancha.
Ha estado divertida ero si que es cierto que quizás alargan demasiado todo el tema del misterio. El trío entre ItziarCastro, WillShephard y PauEscobar como invitados a ‘La Siega’ es fantástico. Saldréis de la película diciendo «Itziar Forever» de todas las veces que la actriz lo repite.
Eso sí, sin duda lo que más me ha gustado ha sido toda la parte en la que el pueblo y sus habitantes son los grandes protagonistas. Videos promocionándolo turísticamente que harán saltar la risa a más de uno.
Muy bien realizado, con una estética trabajada y un buen diseño de producción. ‘Sonrisas’ es una historia de las que te quitan las ganas de conocer a la familia de tu novia, si es que alguna vez hay ganas. Es un planteamiento desconcertante con un final que es una golosina para los amantes de lo encarnizado.
Meritorio trabajo de su protagonista Luis Miguel Jara que se percibe que ha tenido buena mano de parte del director Javier Chavanel. Sin haber creado una obra maestra ‘Sonrisas’ es capaz de pasarse en un suspiro habiéndonos dado en cada uno de sus trece minutos motivos para continuar viéndolo.
Apuntad este nombre, Trista Robinson. Pero no para que la tengáis en cuenta si no para que procuréis evitar una película si la veis en el reparto. Si buceáis en su filmografía ya tiene en su haber diversas películas de terror y parece que no le han servido de mucho. La interpretación de la protagonista no es lo peor del filme pero desde luego si es para darle un Razzie.
Desde luego no va a entrar en la lista de nominados a los premios que galardonan a las peores películas del año porque se suelen incluir estrenos más comerciales y dudo que ‘Echoes of fear’ llegue a verse en muchos países. Su guión está plagado de diálogos triviales, falto de carisma y plagado de redundancias que no nos hacen más que recordar que todo va a acabar de un modo que esperamos desde el principio.
El ritmo es tremendamente espeso, aburrido. Pero si que hay que reconocerle a la película de los hermanos Brian y Laurence Avenet-Bradley que tiene unos cuantos trucos bien expuestos. Sustos y efectos artesanales sin modificación por ordenador que surten su efecto como es debido. Lástima que la elección de planos no esté tan bien ideada.
Seguimos con el director Alejandro Ibáñez Nauta y nos vamos a la selva junto a una familia, en donde vemos al padre obsesionado con poder fotografiar a un Urubú albino.
La selva es peligrosa y más cuando no conoces nada de ella y llevas a tu hija pequeña contigo. La película es de serie B, no está mal rodada, tiene buenos planos, las persecuciones por la selva la verdad que están muy bien pero en general es bastante amateur.
Creo que ha querido homenajear mucho a su padre Chicho Ibáñez Serrador y al final ha quedado demasiado parecido al trabajo de éste.
Eso sí, decir que tanto la banda sonora es bastante curiosa, realizada por Arturo Díez Boscovich y le da mucha vida a toda la historia.
Los Addams son, sin duda, la familia más especial de la zona en la que viven. Su casa está en la cima de una colina cubierta por la niebla y viven felizmente infelices acomodados en su peculiar rutina.
Gomez y Morticia preparan la visita de su numerosa familia para celebrar la “Mazurka con sable” en honor a Pugsley, un rito de iniciación en el que demostrará su aptitud para convertirse en un hombre digno de la familia Addams. Pero, mientras estáninmersos en los preparativos de esta celebración, los Addams ignoran que su vecina -el fenómeno televisivo Margaux Needler-, que vive al pie de la colina, planea construir una comunidad prefabricada, perfecta y de lo más pop justo debajo de la suya. Y cuando por fin se levanta la niebla, Margaux entra en pánico al descubrir la mansión de la familia Addams, un claro impedimento en su sueño de vender todas las casas del barrio a personas selectas.
Por otro lado, mientras Pugsley se esfuerza en aprenderse al pie de la letra la complicada “Mazurka con sable”, Miércoles se enfrenta a la adolescencia. Se hace amiga de Parker, lahija de Margaux, e intenta ir más allá de los límites impuestos por Morticia, sacándola de quicio al volverse “normal”, ir al instituto, ser animadora y querer vestir cosas que, sin duda, no son propias de un Addams.
Crítica
Si buscas aquella familia que te hizo reír antaño, no la encontrarás
Un nuevo trabajo que trae a la pantalla grande a las viñetas de Charles Addams llega a España. Universal Pictures lanza a los espectadores una propuesta que intenta estar a la altura de las adaptaciones de imagen real que hizo en su día Barry Sonnenfeld. Lo que por entonces fue una comedia surgida de lúgubres personajes hoy se ha convertido en una colorida y excesivamente dicharachera cinta. Rescata elementos del cómic muy visuales, como el columpio escoba, el vestido de Morticia, la redondez de Gómez, el pulpo mascota… Pero no respeta la esencia tétrica y cómicamente deprimente de esta familia que lleva el apellido de su creador.
Sobre todo falla en su intento de parecerse a las películas de dibujos actuales, incluso llegamos a pensar que se parece más a ‘Hotel Transilvania’ que a ‘La familia Addams’. Se les ha ido de las manos con el espectáculo, las explosiones y los niveles de tecnología. Pecado en el que suelen caer muchas películas de animación de hoy en día, que se piensan que más es más, cuando lo que sucede es que cuanto más desbocada menos graciosa resulta por estruendosa y falsa. También juega en contra de intentar rescatar la vis cómica de esta familia el hecho de que la historia transcurra en nuestra actualidad, las nuevas tecnologías no parecen conectar bien con esta victoriana familia.
Repite puntos y eventos que ya hemos visto en los otros largometrajes. Está el hecho de que uno de sus integrantes corra el peligro de «hacerse normal» o que por enésima vez tengan una reunión de todo el clan. Al ser una especie de precuela podría haberse centrado en cómo se hacen con su famoso caserón (algo que se ve muy de pasada) o en cuál fue la vida de los padres Addams antes del nacimiento de Miércoles o Pugsley.
No me parece ni que el famoso tema central de la banda sonora entre a tiempo. En cuanto a las voces se ha contado con famosos como Oscar Isaac para Gomez, Finn Wolfhard para Pugsley, Chloë Grace Moretz es Miércoles… Para mi quien hace un trabajo realmente bueno es Charlize Theron como Morticia, estando además el personaje diseñado con bastante parecido facial al de la actriz. Lo que no me explico es la necesidad de mezclar a Snoop Dogg con el primo Eso, totalmente estrambótico y sin sentido.
A Greg Tiernan y Conrad Vernon se les dio muy bien el tema de ‘Shrek’ y ‘La fiesta de las salchichas’, pero sus códigos no han funcionado en esta ocasión. Solo aquellos que no tengan ni idea de cuál es el material original o de cómo fueron sus adaptaciones en imagen real disfrutarán realmente de esta película. El único público que creo que es verdaderamente objetivo de esta nueva versión animada es el más joven, capaz de reírse de un humor slapstick y tontorrón, acompañado además de una música pop que no pega ni con cola, pero que seguramente les hará mover las caderas.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: The Addams Family. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Conrad Vernon, Greg Tiernan. Guion: Matt Lieberman, Pamela Pettler. Música: Jeff Danna, Mychel Danna. Reparto principal: Oscar Isaac, Charlize Theron, Chloe Grace Moretz, Finn Wolfhard, Nick Kroll con Bette Midler, Allison Janney. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Cinesite Animation, BRON Studios, BermanBraun, Bron Creative, Creative Wealth Media Finance, Nitrogen Studios Canada. Distribución: Universal Pictures. Género: animación, comedia. Web oficial: www.lafamiliaaddams-lapelicula.es
Vitoria, 2019. Los cadáveres de un chico y una chica de veinte años aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. Unai López de Ayala, un inspector experto en perfiles criminales, debe cazar al asesino ritual que lleva aterrorizando a la ciudad desde hace dos décadas. La sucesión imparable de crímenes y una investigación policial contaminada por las redes sociales llevarán al límite a Unai, enfrentándolo a un asesino camaleónico y despiadado que podría estar más cerca de lo que creía.
Crítica
No sirve ni como escaparate de Vitoria-Gasteiz
Se avecina una época de muchos estrenos españoles y en la que veremos unas cuantas películas policiales, de investigación y crímenes rituales. Están por llegar filmes como ‘Legado en los huesos’ o ‘El asesino de los Caprichos’. ‘El silencio de la ciudad blanca’ tiene en común con esos títulos el hecho de transcurrir en el norte de España o de contar con Aura Garrido entre sus protagonistas, repitiendo la actriz el papel de policía/investigadora a las órdenes o acompañada de otro agente interpretado por un actor u actriz famosa, de un modo similar al de ‘La niebla y la doncella’.
En este filme Aura Garrido vuelve a compartir créditos con Belén Rueda quien junto a JavierRey interpretan a los protagonistas. Personajes que surgen a partir de la obra novelesca de EvaGarcía Sáenz de Urturi y a los cuales ha dirigido con bastante desatino Daniel Calparsoro. Es raro tener que decir que un director tan bueno como este lleve dos películas fallidas seguidas, porque viene de dejarme bastante frío en 2018 con ‘El aviso’, otra adaptación de una publicación literaria. Y también es raro tener que admitir que una película con un reparto tan bueno no resulte entretenida.
En ‘El asesino de los caprichos’ se juntan tantos factores errados que uno acaba casi por desconectar de ella. Está llena de tramas innecesarias, de sucesos o relaciones que no aportan nada, de escenas de acción metidas con calzador, de giros de guión trasnochados o por el contrario excesivamente rebuscados, de un desaprovechamiento de un escenario como Vitoria-Gasteiz … Tal es así que no he llegado a entender por qué en determinados momentos se usan a destiempo imágenes a cámara lenta. Mi percepción es que se ha querido ser tan fiel al material escrito que llega un momento en que se monta un barullo que requiere de una pausa para aclarar las ideas y la trayectoria de los personajes.
Una cosa no le falta a este filme, carreras. Le sobran tanto escenas de footing como persecuciones, sobre todo cuando los perseguidos lo hacen sin sentido alguno. Es una película muy atropellada, que deja demasiado sin explicar y lo poco que explica lo hace nada más desvelarse. Muy pronto se descubre el pastel de ‘El silencio de la ciudad blanca’. Y no lo digo porque se pueda ver venir qué va a pasar o la identidad del asesino, sino porque la propia película se encarga de desvelarlo. Eso evita que encima no haya intriga alguna y estemos deseando constantemente que la cinta nos muestre más virtudes, que nunca llegan.
Como decía de aquí a diciembre vamos a ver en carteleras unas cuantas películas criminalísticas. La que más puedo recomendar es la segunda parte de la trilogía del Baztán, largometraje que comparte unos cuantos actores con esta: Manolo Solo, Pedro Casablanc o Itziar Aizpuru. Desconozco cómo es en comparación la novela original y la trilogía de la que surge esta historia pero si es por mí en el cine no veremos una trilogía.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: El silencio de la ciudad blanca. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Kandido Uranga, Sergio Donado, Àlex Monner, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Richard Sahagún, Ramón Barea. Producción: Atresmedia Cine, Rodar y Rodar, Silencio ciudad blanca AIE, HUGO P27, Movistar+, EITB, Netflix. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, thriller, crimen. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/el_silencio_de_la_ciudad_blanca
‘Sesión Salvaje’ es un documental que recorre la época dorada del cine de géneros en España, desde los westerns rodados en Almería a las películas de terror, pasando por “el destape” y el denominado cine quinqui. Se trata de un homenaje de la actual generación de cineastas a los profesionales del cine de serie B en España.
Crítica
Un ejercicio de justicia cinematográfica, una instancia a un cine más libre y sesudo
Podemos decir que España lleva una buena cantidad de décadas realizando películas de todo tipo. Tal es el recorrido del séptimo arte en nuestro país que ha pasado por distintas fases y géneros: el western, el destape, el cine quinqui… En cada época se ha puesto de moda uno u otro tipo de largometrajes y el trabajo de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez así nos lo expone haciendo un trabajo de archivo encomiable.
‘Sesión Salvaje’ hace un repaso a todas aquellas películas que marcaron un antes y un después, que traspasaron fronteras y que hoy en día habrían caído en el olvido de no ser por el «público de culto». Para ello saca a la palestra nombres tan míticos como Paul Naschy, Eugenio Martín o Jesús Franco. Los pone en el lugar que merecen aportando, por supuesto, razones de peso para ello. ‘Sesión Salvaje’ hace justicia pues hace ver los logros de artistas que en su día lucharon contra la censura y la precariedad o que posteriormente se dedicaron a hacer un cine cerebral sin ataduras. Así se comprueba cuando vemos como abiertamente nos cuentan qué y cómo se hacía cine en otra época, sacándonos la sonrisa con su espontaneidad y sinceridad. Volvemos a tomar contacto con protagonistas como Lone Fleming, Jorge Grau, Mariano Ozores, Emilio Linder…
Cubre el abanico de la serie B española, ‘Sesión Salvaje’ está estructurada por diferentes géneros y épocas. Desde los momentos en que películas de terror realizadas aquí se consideraban Z o X hasta la época dorada de las películas del oeste. Esta no es solo una recopilación de películas y nombres, también es una apuesta por una filosofía de ver y hacer cine. Caras conocidas y actuales como Álex de la Iglesia, Paco Cabezas, Nacho Vigalondo, Enrique López Lavigne… abogan por un cine que no esté atado a exigencias comerciales que dicten nuestros gustos, que no sea tan abiertamente esclarecedor y nos haga darle más al coco. Con tono nostálgico se habla de la época en la que teníamos que buscar físicamente las películas y había una mayor ilusión por ver y compartir títulos ya clásicos. Hay añoranza por el arte alejada del producto que en su mayoría nos llega hoy en día.
Son 84 minutos que darían para días de metraje. Están bien condensados pero expuestos de un modo casi casero. Con cartelones que a veces van y vienen demasiado rápido o que cuesta leer, con un metraje algo atropellado pero con información siempre relevante. Me pone de los nervios estar en una película y que el resplandor de un móvil me ilumine como una luna llena en Noche de Walpurgis, pero os dejaría sacar el vuestro en los créditos de ‘Sesión Salvaje’ para que capturéis la lista de películas que aparece al final y que sirve como inigualable recomendación cinéfila.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre (festival de Sitges). 13 de diciembre cines. Título original: Sesión salvaje. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez. Guion: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez, Daniel Luis López. Fotografía: Ernesto Herrera. Reparto principal: Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas. Producción: Apache Films, FlixOlé, Mórbido Films, Mercury Films. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: www.sesionsalvaje.es
Bong Joon Ho ganó la Palma de Oro de Cannes con este trabajo
Ya tenéis disponible nuestra crítica de ‘Parásitos’ la nueva película del director de ‘Okja’ y ‘The host’, Bong Joon Ho. Si no os es suficiente con todo lo que indicamos en esta reseña podéis acercaros a esta historia de miserias y oportunismo con el tráiler que acaba de publicar La Aventura Audiovisial, su distribuidora en España. El 25 de octubre se estrena esta película de la que no hay un minuto de sus 131 que no sea aprovechable.
Sinopsis oficial:
Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá indemne.
Uso de cookies
Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies
